Año: 2023

FlixOlé celebra el centenario de José Mª Forqué con una colección de sus obras maestras

  Por ,

La plataforma FlixOlé  estrenará el viernes, 3 de marzo, el especial compuesto por cerca de una treintena de películas, y que incluye títulos imprescindibles.
El calendario del mes de marzo viene marcado por la celebración del centenario de uno de los cineastas más importantes del patrimonio audiovisual español: José María Forqué. Director de referencia por la originalidad de sus historias, y la calidad técnica con la que las rodó, el zaragozano desarrolló una prolífica carrera con la que conmovió e hizo reír, sobre todo reír, al espectador. El próximo 8 de marzo se cumplirán 100 años de su nacimiento, y FlixOlé ha preparado su particular homenaje para la ocasión, el cual permitirá disfrutar de las obras maestras que el realizador dejó al mundo del cine.
La plataforma estrenará el viernes, 3 de marzo, una colección con cerca de una treintena de títulos firmados por el autor aragonés. La misma recorre desde las primeras películas estrenadas por Forqué, como Amanecer en puerta oscura (1957), filme que lo consagró como director, y con el que además obtuvo el Oso de Plata – Premio Extraordinario del Jurado en la Berlinale; hasta su último filme: Nexus 2.431 (1994), una ‘rara avis’ de espadas y amazonas en el espacio.
Y es que a lo largo de su prolífica carrera cinematográfica, el realizador no le hizo ascos a ningún género, cultivando tanto el musical: El secreto de Mónica (1961) y Tengo 17 años (1964); trabajos relacionados con el mundo del toreo: La becerrada (1962) y Yo he visto la muerte (1965); pequeñas incursiones en el cine de terror: El ojo del huracán (1971); intrigantes thrillers y filmes policíacos: De espaldas a la puerta (1959), 091, Policía al habla (1960) y El juego de la verdad (1963); hasta escenas subidas de tono, como: La cera virgen (1972) y No es nada mamá… Solo un juego (1974).

Amanecer en puerta oscura

Comedia humana
Igual de resolutivo se mostró en el ámbito televisivo, donde el director hizo gala también de su impecable factura técnica en trabajos como la popular serie Ramón y Cajal  (1982).
Sin embargo, fue en la comedia donde Forqué encontró la horma de su zapato. El director tiró de ‘somarda’ maña para construir películas donde el humor compartía protagonismo con la humanidad. Así surgieron auténticos éxitos como Maribel y la extraña familia (1960), adaptación de la obra teatral de Miguel Mihura; la canita al aire que le salió cara a los personajes de Usted puede ser un asesino (1961); sin olvidar dos de los grandes títulos del cine español, Atraco a las tres (1963) y Un millón en la basura (1967).
 

 

Sobrevivir, primer tráiler para «Asedio» de Miguel Ángel Vivas

  Por ,

Acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Miguel Ángel Vivas Asedio. Thriller urbano de acción que se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 5 de mayo previo paso por el inminente Festival de Málaga, certamen en donde tendrá lugar su premier mundial.
Asedio parte del interrogante de ¿Qué es ser español? Dani lo tiene muy claro. En su caso es servir a su país como antidisturbios, honrar su bandera. Hacer cumplir la Ley. Siempre pensó que ser policía era una forma de proteger a la gente, de hacer justicia. Pero durante un desahucio en un barrio conflictivo de Madrid, Dani se encontrará con un dinero escondido, una trama de corrupción policial y un crimen que harán que tenga que huir por su vida en un territorio hostil, en el que no conoce el idioma, no es bien recibida y su autoridad no vale nada. Sólo podrá contar con la ayuda de Nasha, una joven nigeriana a la que acaba de desahuciar, y su hijo Little. Y será entonces cuando se dé cuenta de que si el sistema para el que trabaja no es la solución, quizás siempre fue parte del problema.
La película, con guion a cargo de Marta Medina, está protagonizada por Natalia de Molina, Bella Agossou, Óscar Eribo, Francisco Reyes, Fran Cantos, Chani Martín, Jorge Kent, Efraín Rodríguez, Lucas Nabor, Federico Pérez, Luis Hacha, Fernando Valdivieso, Karlos Aurrekoetxea y Alejandro Casaseca.
Asedio es una producción de Enrique López Lavigne para Apache Films en asociación con Sony Pictures International Productions y México City Project que cuenta con la participación de RTVE y Prime Video.

Proyecciones Xcèntric: El cine visionario de Pierre Clémenti

  Por ,

Souvenirs souvenirs (Pierre Clémenti, 1967-1978)

Presentamos una muestra de la obra cinematográfica personal de Pierre Clémenti (más conocido como el actor de Belle de jour, de Luis Buñuel, o de filmes de Pasolini, Visconti, Bertolucci o Garrel): filmes diarísticos, contraculturales y lisérgicos.
Su trabajo como actor permitió a Pierre Clémenti comprarse una Beaulieu de 16 mm y emprender «una fabulosa aventura viviente: FILMAR». Mediante montajes plásticos, cromáticos y rítmicos de «balbuceos, fulgores, iluminaciones, intimidad revelada», liberó una forma romántica sobre su imaginario y desde una contrasociedad artística y utópica.
En esta sesión proyectamos tres de sus obras. La révolution n’est qu’un début. Continuons le combat pertenece a la primera etapa del cineasta, caracterizada por una poética psicodélica, carnal, alucinada, en la constelación del 68. Souvenirs souvenirs, recientemente descubierta en los almacenes del centro Pompidou, se compone a partir de rushes de hace diez años; en este segundo periodo, la belleza evocativa del álbum familiar y el hilo de la memoria entremezclan vida y obra, en un «espejo mágico de visiones múltiples». Soleil es representativa de su etapa final; más gélida y angustiada, brota desde su infundado encarcelamiento en Italia por posesión de drogas, en 1971.
La recuperación y restauración de la obra fílmica de Cleménti, que dejó numerosos materiales inconclusos, nos descubre la plenitud de una autobiografía filmada creada a través de  experiencias visionarias y subversión política desde lo sensorial. Tal como señala Nicole Brenez, Cleménti se hace cargo en su cine de la protesta colectiva contra la censura social y la autocensura privada, exponiendo «su vida y su cuerpo hasta en los más mínimos repliegues de su placer y su sufrimiento».
La révolution n’est qu’un début. Continuons le combat, 1968, sin sonido, 20’
Souvenirs souvenirs, 1967-1978, sin sonido, 28’
Soleil, 1988, 16’, VOSC
Proyección en DCP. Copias procedentes de la Cinémathèque Française.
Fecha: 2 marzo 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

 

 

«La tour» review

  Por

En La tour vemos como los habitantes de un bloque de pisos se despiertan una mañana con un niebla opaca que envuelve todo el edificio, obstruyendo puertas y ventanas y que devora a todo aquel que la traspase. Atrapados, intentarán organizarse por sí mismos, pero a medida que pase el tiempo, el instinto de supervivencia sacará a relucir sus instintos más primarios.
No es la primera vez que un director a priori tan interesante como se percibe que es el francés Guillaume Nicloux reincide en ese fantástico que podríamos denominar como limítrofe o equidistante a reconocibles conceptos genéricos. Tras aquella pesadilla febril y existencialista titulada The End (2016) e interpretada por un omnipresente Gérard Depardieu, en La tour, película que se adhiere en un primer lugar, mostrada su premisa, a conceptos adyacentes al imaginario de Twilight Zone, también tanto a El ángel exterminador de Luis Buñuel como al The Mist de Stephen King/ Frank Darabont, en relación a un inicio, sin atisbo de ningún tipo de preámbulos, en donde los habitantes de un bloque de pisos situados en la periferia de una gran ciudad, se despiertan abruptamente una mañana con una oscuridad que parece envolver a todo el edificio en donde viven, oscuridad que obstruye tanto puertas como ventanas, devorando literalmente a todo aquel que intente traspasarlas.
Una vez planteado dicho MacGuffin, pasamos a lo que realmente parece interesar al responsable de L’enlèvement de Michel Houellebecq, que no es otra cosa que una parábola sociopolítica expuesta a través de un supuesto tratado sobre supervivencia extrema a modo de indagación de nuestra propia naturaleza, amparándose en esta ocasión en el caos de la multiculturalidad en según qué tipo de sociedades, y como a través de ellas hace acto de aparición una suerte de gestación de jerarquías sociales y raciales, semejantes a las vistas en High-Rise de J. G. Ballard/ Ben Wheatley o la contundente y excelente Threads de Mick Jackson.
A tal respecto, y alejada de la prototípica survival movie al uso, de hecho la película sigue patrones muy reconocibles que nos puede derivar perfectamente al realismo de un determinado cine social francés, la premisa inicial actúa como detonante, o mera excusa, pues Guillaume Nicloux no se detiene en ella ni un solo minuto a la hora de dilucidar la posible razón o aparición de dicho elemento fantástico. Su verdadero interés anida en abordar el no comportamiento humano dentro de esa suerte de nuevo gobierno regido a través del desorden. Pese a elipsis narrativas de difícil justificación se agradece en parte el tono nihilista de una propuesta que mira y se disuelve en el abismo, en la nada más absoluta en la que parece estar destinada a acabar la raza humana.

Valoración 0/5: 2’5

Tráiler y póster español para lo nuevo de Ari Aster «Beau tiene miedo»

  Por ,

Una de las películas más esperadas para estos próximos meses es el nuevo trabajo tras las cámaras de Ari Aster titulado Beau is Afraid, película cuyo primer tráiler en castellano acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El responsable de Hereditary y Midsommar deja de lado en está ocasión el terror para ofrecernos un extravagante relato existencial que se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Diamond Films el próximo 28 de abril
En Beau is Afraid vemos como un hombre tendrá que enfrentarse a sus miedos y paranoias al aventurarse en una épica odisea para llegar a casa de su controladora madre.
La película, con guion a cargo del propio Ari Aster, está protagonizada por Joaquin Phoenix, Nathan Lane, Amy Ryan, Armen Nahapetian, Parker Posey, Patti LuPone, Kylie Rogers, Stephen Henderson, Michael Gandolfini, Zoe Lister Jones, Hayley Squires, Denis Ménochet, Julia Antonelli, Stephanie Herrera, Anana Rydvald, Richard Jutras, Bradley Fisher y Joe Cobden.

Richard Fleischer

  Por

Perteneciente a la llamada Generación de la Violencia, Richard Fleischer no ha gozado de la misma fortuna crítica que el resto de sus miembros. Los críticos y los historiadores nunca han sabido en qué listado incluirlo, si en el de los autores o en el de los artesanos. Las dudas son hasta cierto punto comprensibles porque en su filmografía el arte y el artesanado se amalgaman formando una misma sólida aleación. En cualquier caso, es hora de hacerle justicia. El legado de Fleischer comprende casi medio centenar de largometrajes, entre los que hallamos títulos admirables como «The Narrow Margin» (1952), «20.000 leguas de viaje submarino» (1954), «Los vikingos» (1958), «Impulso criminal» (1959), «Barrabás» (1961) o «El estrangulador de Boston» (1968).
Autor: José Abad, Editorial: Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 320

De viajes místicos y geográficos, tráiler para «Disco Boy» de Giacomo Abbruzzese

  Por ,

Uno de los títulos más comentados durante estos días en la Berlinale ha correspondido a la opera prima del realizador italiano Giacomo Abbruzzese Disco Boy, película cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a uno de sus carteles promocionales. Interpretado por Franz Rogowski, uno de los rostros más habituales dentro del actual panorama de cine europeo, Disco Boy se estrenará comercialmente en Italia el próximo 9 de marzo. A España, aún sin fecha de salida, vendrá de la mano Adso Films.
En Disco Boy vemos como tras un difícil viaje a través de Europa, Aleksei llega a París para alistarse en la Legión Extranjera francesa, un cuerpo militar muy selectivo que permite conceder el pasaporte francés a cualquier extranjero, incluso indocumentado. En el delta del Níger, Jomo lucha contra las compañías petroleras que amenazan la supervivencia de su aldea. Mientras tanto, su hermana Udoka sueña con escapar, sabiendo que allí todo está perdido.
La película, con guion a cargo del propio Giacomo Abbruzzese, está protagonizada por Franz Rogowski, Morr N’Diaye, Laetitia Ky, Leon Lucev, Matteo Olivetti, Robert Wieckiewicz, Mutamba Kalonji y Ash Goldeh.

«Sala:B» y el sainete fallero

  Por ,

•    El virgo de Visanteta (Vicente Escrivá, 1979). Int.: Maria Rosaria Omaggio, Antonio Ferrandis, José Sancho, Josele Román. España. 35 mm. VOSE*. Color. 95’
•    Visanteta, esta-te queta (Vicente Escrivá, 1979). Int.: Maria Rosaria Omaggio, José Sancho, Josele Román, Josep Maria Angelat. España. 35 mm. VOSE*. Color. 91’

«Programa doble fallero con las películas que Vicente Escrivá y Antonio Fos dedicaron al sainete valenciano de Baldoví, una de las raíces del humor y el costumbrismo español».

Desde nuestra primera sesión, reflexionar sobre los cimientos del cine popular español ha sido una de las misiones de «Sala:B». Este programa doble presenta El virgo de Visanteta con la intención de situar en ese contexto la obra de Josep Bernat i Baldoví, escritor de mediados del XIX que combinó la sátira, las costumbres religiosas y el erotismo con un controvertido uso del lenguaje valenciano, a favor del pueblo y en contra de dogmas oficialistas. La trama combina dos historias de carácter sexual, la de Visanteta (Maria Rosario Omaggio, La lozana andaluza), cuya virginidad parece protegida por poderes divinos, y la del Tío Collons (Antonio Ferrandis), aficionado a la sodomía para disgusto de su esposa. La película de Escrivá y su guionista Antonio Fos mantuvo el tono y el verso valenciano, pero se vio entonces como una alternativa menos transgresora que la de Carles Mira y La portentosa vida del Padre Vicente, del mismo año 1978. Si bien la película resulta más moralizante que la obra teatral, se trata de un rasgo tan típico del sainete clásico como del cine del destape, y lo que trasciende del film hoy en día es el descaro esperpéntico y las situaciones católico-surrealistas, que prefiguran particularmente nuestra serie B. Mención aparte merece el reparto, con una selección de actrices y actores de carácter como Josele Román, Pepe Sancho, Luis Barbero o Joan Monleón y artistas de varietés autóctonas como Queta Claver o Rosita Amores.

El éxito comercial, sobre todo en el Levante, motivó a Escrivá y Fos a continuar la saga inmediatamente con Visanteta, esta-te queta, con el mismo reparto y basada en los personajes de Baldoví, pero ahora con una trama original. Un concurso de pedos es aquí la escena más memorable, demostrando una vez más que escatología y comedia van unidas a nuestra tradición. Este díptico “erótico-vernáculo”, en palabras del investigador Pablo Adiego, son de los últimos trabajos de Antonio Fos, “un prolífico guionista, plenamente integrado en la industria de productos con tirón popular y con extrañas y apasionantes obras como Volveré a nacer, El transexual, La semana del asesino o Una vela para el diablo.”». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de Pablo Adiego, investigador y autor de Antonio Fos, las películas de amor y muerte de Eloy de la Iglesia, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 210’).

La batalla contra el demonio, tráiler de «The Pope’s Exorcist»

  Por ,

No es la primera vez que la historia del sacerdote Gabriele Amorth es llevada a la gran pantalla, en 2017 William Friedkin ya no contaba a través de la no ficción un acercamiento  su figura en el documental The Devil and Father Amorth. The Pope’s Exorcist, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se acerca al personaje a través de un relato de terror dirigido por Julius Avery, Son of a Gun (2014), Overlord (2018) y Samaritan (2022).
The Pope’s Exorcist, que tiene previsto su estreno comercial para el próximo mes de abril, nos cuenta la historia de Gabriele Amorth, un sacerdote que ejerció como exorcista principal del Vaticano, realizando más de cien mil exorcismos a lo largo de su vida. Amorth escribió dos libros de memorias donde detalló sus experiencias luchando contra Satanás.
La película, con guion a cargo de Chester Hastings, R. Dean McCreary y Evan Spiliotopoulos está protagonizada por Russell Crowe, Alex Essoe, Franco Nero, Laurel Marsden, Daniel Zovatto, Cornell John y Bianca Bardoe.

Filmoteca Española celebra su 70 aniversario con la proyección de trabajos de recuperación del patrimonio cinematográfico español

  Por ,

Filmoteca Española fue creada por una Orden Ministerial de 13 de febrero de 1953 con el nombre de Filmoteca Nacional
Para inaugurar el año en el que celebra sus 70 años de existencia, en el que se prevén distintas actividades de encuentro con el público, se han organizado en febrero dos sesiones especiales en el cine Doré. Los largometrajes proyectados, acompañados por presentaciones que harán muy singular su disfrute, serán ‘Esa pareja feliz’ (Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, 1951) y ‘El cálido verano del señor Rodríguez’ (Pedro Lazaga, 1965)
Asimismo, se presentará un anticipo de la restauración de Segundo López, aventurero urbano, que la cineasta, actriz y productora Ana Mariscal dirigió en 1953, el año en el que nacía Filmoteca Española
El 14 de febrero de 2023, Filmoteca Española arranca las celebraciones de su 70 cumpleaños con dos sesiones especiales en la Sala 1 del cine Doré.
La primera será a las 17:30 horas. En ella David García Mariscal, hijo de Ana Mariscal, presentará un vídeo que ilustra el proceso de restauración, actualmente en curso, de Segundo López, aventurero urbano, primer acto de las celebraciones del centenario del nacimiento de su madre. Seguidamente se proyectará ‘Esa pareja feliz’ (J.A. Bardem y L. García Berlanga, 1951), película emblemática de la historia del cine y de la cultura en España, punto de encuentro de muchas y fascinantes historias.
A las 20:00 horas se proyectará la recuperación de ‘El cálido verano del señor Rodríguez’ (P. Lazaga, 1963), una película de la que solo se conservaba el negativo y que no se ha visto desde los años sesenta. Para esta sesión se contará con la presentación de Santiago Aguilar, historiador del cine autor del libro Zoom a Lazaga (2022), y de Pedro Lazaga Busto, cineasta e hijo del director.
70 aniversario
Hace 70 años, el 13 de febrero de 1953, nació la Filmoteca Nacional, rebautizada Filmoteca Española en 1982, con la misión de crear y custodiar un archivo de películas y de documentación cinematográfica.
Desde entonces, los materiales que se han ido sumando a sus colecciones y las tareas asociadas a su conservación y puesta en valor han crecido de forma continua, hasta llegar hoy a constituir un impresionante patrimonio de alrededor de 40.000 títulos de películas, un fondo de documentación asociado que solo en 2021 ha supuesto la digitalización de unos 5000 documentos, y una biblioteca especializada que atesora más de 55.000 publicaciones. Las personas que se ocupan de la correcta conservación y difusión de todo este material son profesionales especializados en la lucha contra el paso del tiempo, y se ocupan de inventariar, catalogar, restaurar y preservar este legado. Pero también están entregados a la misión de buscar la manera más correcta y atractiva de difundirlo, manteniéndolo vivo en el presente y proyectándolo hacia el futuro, exhibiendo, explicando, y poniendo en juego la dimensión cultural del cine.
En 2021 en el Doré se han organizado más de 700 sesiones de cine y la programación online de ‘Flores en la sombra’ (iniciativa online de Filmoteca Española que permite acceder durante un tiempo limitado a materiales exclusivos de su archivo) ha recibido alrededor de 30.000 visitas. También se organizan exposiciones. La que acompaña el lanzamiento del 70 aniversario es ‘70años7piezas7cineastas’, inaugurada el pasado 6 de octubre y que continuará su recorrido hasta el 30 de abril, en el palacio de Perales, sede central de Filmoteca Española en la Calle Magdalena, 10. Concebida como una propuesta de lectura y apropiación del pasado, en esta exposición se exhiben obras pertenecientes a las colecciones museísticas de Filmoteca Española elegidas por profesionales del cine actual (Eduardo Casanova, Ester Expósito, Teresa Font, Jonás Trueba, Alauda Ruiz de Azúa, Santiago Segura y Albert Serra) que explican las razones de su decisión poniendo en diálogo fragmentos de la historia del cine con su obra creativa. Puede visitarse, de manera gratuita, los jueves y viernes, de 10:00 a 20:00 y los sábados y domingos de 12:30 a 20:00 horas.

Revisitando el romance, tráiler para «Past Lives» de Celine Song

  Por ,

Tras su buen recibimiento por parte de la crítica en festivales como Sundance o Berlín, Past Lives, debut tras las cámaras de la realizadora Celine Song, parece destinada a ser una de las cintas más aclamadas y premiadas de este recién comenzado 2023. Co-producida entre Estados Unidos y Corea del Sur la película, cuyo primer tráiler de la mano de A24 acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, tiene previsto estreno comercial en Estados Unidos para el próximo verano.
Past Lives nos cuenta como la familia de Nora tiene que emigrar a Canadá cuando ella tiene solo 10 años. Algo que hace que pierda el contacto con su amor de la infancia. Muchos años después, cuando Nora está estudiando teatro en Nueva York, se reencuentra con él a través de las redes sociales.
La película, con guion a cargo de la propia Celine Song, está protagonizada por Greta Lee, Yoo Teo, John Magaro, Jonica T. Gibbs, Isaac Cole Powell, Jane Yubin Kim, Kristen Sieh, Nathan Clarkson, Keelia, Federico Rodriguez, Moon Seung-ah, Nadia Ramdass, Emily Cass McDonnell, Skyler Wenger, John-Deric Mitchell y Bob Leszczak.

Thierry Frémaux y Xavier Dola, protagonistas de la quinta edición de Ohlalà! Festival

  Por ,

El Festival Ohlalà! – Festival de Cine francófono de Barcelona que se celebrará del 1 al 8 de marzo en el Institut Français y los Cines Girona contará con Thierry Frémaux como invitado de honor y rendirá homenaje al cine de Xavier Dolan. 
Thierry Frémaux, delegado general del Festival de Cannes y director del Institut Lumière de Lyon, visitará Barcelona el próximo mes de marzo. Y lo hará de la mano de Ohlalà! Film Festival. El Festival le ha concedido una carta blanca para presentar una película de su elección. 
La película seleccionada es Dans la nuit de Charles Vanel, última película del cine mudo francés (1929), restaurada por el Institut Lumière, que tuvo una proyección en el Festival de San Sebastián en 2022. La película, que contará con música de piano interpretada en directo por el compositor, director de orquesta y pianista Gerard Pastor, y se podrá ver el jueves 2 de marzo a las 19h en el auditorio del Institut français. Se trata del único largometraje dirigido por el prolífico actor Charles Vanel (1892-1989), que también encarnó al protagonista, un minero cuya vida cambia tras sufrir un accidente laboral que le desfigura el rostro.
Destacado personaje del mundo del cine, el director del Festival de Cannes ha llevado el Festival a ampliar su programación que ahora cuenta con obras que van desde el género hasta la animación, y ha fortalecido la sección Un Certain Regard a través de una mezcla de talentos emergentes y autores establecidos. 
Fremaux ha aportado un sentido del cine como espectáculo, evento social en vivo y vínculo comunitario, que ha florecido en su otra carrera, en el Instituto Lumière de Lyon, donde comenzó a trabajar en 1983 y lanzó el Festival Lumière de Lyon en 2009, con Bertrand Tavernier.

Ohlalà! Film Festival sigue su apuesta por reivindicar el cine de calidad y este año lo hace con un homenaje  a la figura del joven Xavier Dolan. L’enfant terrible del cine quebequense se consagró en Cannes con el film J’ai tué ma mère que se llevó tres premios. Entonces tenía diecinueve años. Ahora cuenta con treinta y tres y una prolífica carrera cinematográfica. 
La retrospectiva de la quinta edición de Ohlalà! Festival presenta Laurence Anyways, seleccionada en Un Certain Regard en Cannes 2012; Tom à la ferme, un thriller psicológico adaptado de una obra del dramaturgo Michel Marc Bouchard, premio FIPRESCI en la Mostra de Venecia en 2013 e inédita en España; y por último, Mommy, Premio del Jurado del Festival de Cannes en 2014. Su film más conocido y más aclamado por la crítica, una obra maestra contemporánea que cautivó a todo su público.
Las proyecciones de estos tres títulos se podrán ver en los Cines Girona los días 2, y 3 , y 6 de marzo y la retrospectiva se verá ampliada en la plataforma FILMIN con las películas Mi vida con John F. Donovan, Matthias & Maxime y Solo el fin del mundo. 
El festival, que toma su nombre de la característica locución francesa para expresar sorpresa, nostalgia o alegría, alude a la magia del cine y la variedad de emociones que la gran pantalla es capaz de evocar en el espectador. Ohlalà!

Cine y arqueología «La arqueología en la gran pantalla»

  Por

«Creía que los arqueólogos eran unos graciosos hombrecillos que buscaban momios». Así describe Willie la profesión de su compañero de aventuras Indiana Jones en la película Indiana Jones y el templo maldito. El cine de aventuras siempre fue muy popular y exitoso, basado en un voluntario afán por el entretenimiento más que por la refl exión profunda sobre la condición humana. Dentro de este género, existe un conjunto de filmes cuyo eje central es la búsqueda de un tesoro y que forma un subgénero muy específico que es el cine de Arqueología. Indiana Jones, Lara Croft, Tadeo Jones… son algunas de las principales figuras de este tipo de cine que han trascendido los marcos cinematográficos para convertirse en auténticos referentes culturales. Si bien el cine de Arqueología ha distorsionado enormemente esta profesión, es innegable su magnetismo, capaz de atraer a las salas de cine a miles de personas deseosas de viajar a lugares exóticos, encontrar un tesoro y salvar el mundo. ¿Por qué es tan atrayente este tipo de películas? ¿Cómo y por qué surgieron dentro de la historia del cine? ¿Qué es lo que dicen, o no dicen, sobre la Arqueología? En este ensayo se defenderá que el éxito del cine de Arqueología reside en una original combinación de tres elementos: el exotismo, una particular percepción del tiempo, y la centralidad del objeto y del tesoro. Basada en una filmografía de más de 280 películas, el ensayo se divide en seis capítulos, en los que se aborda, entre otros, la historia del género, la construcción del personaje arqueológico, el tesoro como elemento central del cine de Arqueología o el análisis crítico sobre el cine de Arqueología como un cine esencialmente colonialista y racista, vinculado con el propio origen de la Arqueología como ciencia a lo largo del siglo XIX. Como afirma Howard Knapp al final del filme Daughter of the sun god: ¡Bebamos por una gran aventura!
Autor: Carlos Tejerizo, Editorial: Berenice, Páginas: 336

Primer tráiler de la ópera prima de Estibaliz Urresola Solaguren «20.000 especies de abejas»

  Por ,

Con la Berlinale recién empezada nos detenemos brevemente en la representante española este año en la sección oficial 20.000 especies de abejas, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Primer largometraje escrito y dirigido por Estibaliz Urresola Solaguren que nos sitúa en esa época estival tan proclive en la infancia para la búsqueda de una propia identidad. La película se estrenará comercialmente en nuestro país, de la mano de Bteam, el próximo 21 de abril.
20.000 especies de abejas nos cuenta como Cocó, de ocho años, no encaja en las expectativas del resto y no entiende por qué. Todos a su alrededor insisten en llamarle Aitor pero no se reconoce en ese nombre ni en la mirada de los demás. Su madre Ane, sumida en una crisis profesional y sentimental, aprovechará las vacaciones para viajar con sus tres hijos a la casa materna, donde reside su madre Lita y su tía Lourdes, estrechamente ligada a la cría de abejas y la producción de miel. Este verano que cambiará sus vidas obligará a estas mujeres de tres generaciones muy distintas a enfrentarse a sus dudas y temores. Y sobre todo, a Ane a ser por fin honesta consigo misma.
La película, con guion a cargo de la propia Estibaliz Urresola Solaguren, está protagonizada por Patricia López Arnaiz, Sofía Otero, Ane Gabaraín, Itziar Lazkano, Martxelo Rubio, Sara Cózar y Miguel Garcés.

Tráiler y póster para la nueva versión de «Children of the Corn»

  Por ,

Tras una primera adaptación al cine en 1984 a cargo de Fritz Kiersch, junto a ocho entregas más que fueron apareciendo con el paso del tiempo y una producción televisiva nos llega una nueva versión de la novela de Stephen King Children of the Corn, película cuyo tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster. Dirigida por Kurt Wimmer, Equilibrium (2002), Ultraviolet (2006), tras una producción bastante accidentada esta nueva adaptación se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 3 de marzo, estando disponible en plataformas digitales dos semanas después.
Children of the Corn versión 2023 nos cuenta como en un pequeño pueblo en Nebraska, un grupo de adultos son masacrados por sus hijos, después de que la irresponsabilidad de los adultos arruina la cosecha y el futuro de los niños.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Kurt Wimmer, está protagonizada por Elena Kampouris, Kate Moyer, Callan Mulvey, Bruce Spence, Stephen Hunter, Erika Heynatz, Sisi Stringer, Joe Klocek, Ashlee Juergens, Orlando Schwerdt, Anna Samson, Andrew S. Gilbert, Alyla Browne, Jayden McGinlay, Brian Meegan, Rafferty Grierson, Angie Tricker, Mike Duncan, Connor Burke, Tom Wilson, Luke Dean, Trey Daniels y Nathan Halls.

El cine de Chantal Akerman llega en exclusiva a Filmin el 24 de febrero

  Por ,

Filmin ofrecerá en exclusiva en España la filmografía de la cineasta belga, incluyendo «Jeanne Dielman» y otros 11 títulos que estarán disponibles tanto en cines como en la plataforma.
A partir del próximo viernes 24 de febrero, Filmin dedicará un ciclo a Chantal Akerman (1950-2015) integrado por 12 títulos remasterizados de la cineasta belga. Entre ellos destaca «Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles» (1975), la primera película dirigida por una mujer a la que se le otorga el título de «mejor película de la historia» en la encuesta decenal de la prestigiosa revista británica «Sight & Sound».

«Jeanne Dielman desafió el status quo cuando se estrenó en 1975 y continúa haciéndolo hoy en día», apuntó Mike Williams, el editor de Sight & Sound desde 1952. En el ranking de este año, que ha sido participado por 1.639 críticos de cine internacionales, cuatro películas dirigidas por mujeres han entrado en el top 20. En la anterior encuesta, de 2012, solo fueron dos en el top 100: «Jeanne Dielman» de Akerman y «Beau Travail» de Claire Denis, en 35º y 78º posición respectivamente.

La obra de Chantal Akerman es fundamental para entender la historia del cine y del feminismo, en el cual fue una indiscutible pionera. Su enfoque de género se reflejó en su filmografía, donde plasmó también su interés por el transcurrir del tiempo, la materialidad del espacio y el sentido tragicómico de la existencia y de la ausencia. Asimismo, con su cine a contracorriente desafió los roles de género y las convenciones sociales mostrando una de las primeras escenas de sexo lésbico en «Yo, tú, él, ella» (1974). Su vida y obra estuvieron marcadas también por sus raíces judío-polacas y por su madre, superviviente del Holocausto de Auschwitz, con quien se filmó en su última película antes de quitarse la vida, «No home movie» (2015).

Además del ciclo que ofrecerá Filmin, las películas de Akerman se podrán ver en algunos cines españoles a partir del mes de marzo.

Este foco a Chantal Akerman ha sido realizado con el apoyo de Filmoteca Española y Museo Reina Sofía, entidades organizadoras de la primera retrospectiva integral de Chantal Akerman en España, celebrada en otoño de 2019.

Este es el listado de títulos que integran el ciclo:
«Saute ma ville» (1968, cortometraje)
«Hôtel Monterey» (1972)
«Le 15/8» (1973)
«Yo, tú, él, ella» (1974)
«Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles» (1975)
«News from Home» (1976)
«Los encuentros de Anna» (1978, próximamente)
«Toute une nuit» (1982)
«Hôtel des Acacias» (1982)
«La paresse» (1986, cortometraje)
«D’Est» (1993, próximamente)
«No Home Movie» (2015)

 

La no inocencia, tráiler de «Tin & Tina»

  Por ,

Casi de un subgénero propio dentro del fantástico, la maldad dentro de la infancia ha propiciado un sinfín de películas en donde los niños, aprovechando su supuesta condición inocente, les hacían pasar un mal rato a los adultos. Tin & Tina, ópera prima del guionista y director Rubin Stein, cuyo tráiler y póster oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, entra de lleno en dicha temática. Su estreno comercial en cines de nuestro país está previsto para el próximo 31 de marzo.
Tin & Tina nos cuenta como cuando Lola pierde los bebés que estaba esperando, también pierde su fe en Dios. Con la esperanza de recuperarla, acude junto a su marido Adolfo a un convento de monjas donde conocen a Tin y Tina, dos angelicales hermanos de siete años por los que Lola se siente extrañamente atraída. Aunque Adolfo no siente lo mismo, deciden adoptarlos. Con el paso del tiempo Lola empieza a caer en una espiral de sospecha y obsesión con los niños y sus macabros juegos religiosos.
La película, basada en un corto homónimo del propio Rubin Stein, está protagonizada por Milena Smit, Jaime Lorente, Carlos González Morollón, Anastasia Achikhmina, Teresa Rabal, Ruth Gabriel, Ana Blanco de Córdova, Luis Pérezagua y Enara Prieto.
Tin & Tina es una producción de Olmo Figueredo González-Quevedo para La Claqueta PC y Tin y Tina AIE en co-producción con la norteamericana FilmGate Miami y la rumana Andarams Films. Cuenta con producción ejecutiva de Sara Gómez y Paola Sainz de Baranda y la participación de Netflix y Canal Sur Radio y Televisión, el apoyo de ICAA y la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y la colaboración de Latido Films.

Programación de la 10 edición del Americana Film Fest

  Por ,

Bajo la atenta mirada de John Belushi, protagonista de la imagen de esta edición, obra de Gloria Bonet y Fredi Rife, el festival se inaugurará en la sala Phenomena el 7 de marzo y continuará en las tres salas de los Cinemes Girona y en el Zumzeig del 8 al 12 de marzo. La inauguración como siempre será con invitación.
Este año estar presente en el festival Todd Solondz, una de las voces más personales y controvertidas del reciente cine independiente norteamericano, que será objeto de una retrospectiva en la Filmoteca, que empezará el día 28 de febrero con su presentación de Wiener-Dog y se extenderá hasta el 15 de marzo. El 1 de febrero también presentará Bienvenidos a la casa de muñecas. Atentos, pues, ya que mayoritariamente, la retrospectiva será antes de las fechas del festival. Además, el 27 de febrero haremos una clase magistral en Blanquerna que costará 15 euros.
La programación, como siempre, se dividirá en las secciones TOPS, NEXT y DOCS. Este año la película inaugural, será de esta última sección, un título que llegará a Americana después de haber ganado el León de Oro a mejor film en el último festival de Venecia, se trata de La belleza y el dolor, nominada al Oscar a mejor largometraje documental, de la ya oscaritzada directora Laura Poitras, un impactante film activista, contra el poder farmacéutico con el arte y la lucha de la fotógrafa Nan Goldin como protagonista. En la sección DOCS también encontraremos All That Breathes, otra cinta nominada al Oscar, historia necesaria y humana explicada con imágenes de gran belleza que nos recuerda como los pequeños gestos pueden ayudar a mejorar el mundo; All These Sons (de otro nominado al Oscar, Bing Liu), que nos muestra los programas comunitarios de ayuda contra la violencia en Chicago; en A Compassionate Spy, de uno de los mejores documentalistas de la actualidad, Steve James, que nos transporta a 1944 para explicarnos la historia de uno de los espías más famosos de la guerra fría; Framing Agnes, ganadora de dos premios en Sundance, es una reflexión apasionante sobre la identidad trans en los Estados Unidos; The Pez Outlaw, en este caso ganadora de SXSW, es una alucinante historia sobre Steve Glew, que hacía contrabando en los EE. UU. de dispensadores de la marca Pez; TikTok, Boom, un documental sobre todo lo que hay detrás de la aplicación con más descargas de la historia; y, finalmente, La Colonial, que nos lleva al microcosmos formado en este edificio de gran lujo ubicado en uno de los barrios más antiguos, populares y humildes de Ciudad de México.

Dentro de TOPS tendremos una selección de las películas indies más esperadas y premiadas en la actualidad. Riceboy Sleeps, ganadora del premio del público en festivales de todo el mundo, sobre una madre soltera coreana que cría su hijo pequeño en los suburbios del Canadá. Una delicada y cálida pieza sobre la búsqueda de la identidad y la importancia de las raíces culturales en las personas migrantes. Falcon Lake, también canadiense, recientemente nominada al César, una atípica historia de amor en un contexto fantástico de atmósfera inquietante, donde la debutante Charlotte Le Bon filma una delicada y exquisita película, que se detiene en su maravilloso entorno, cuida cada plano y estremece con una presunta sencillez que oculta varias capas. War Pony, Cámara de Oro en Cannes, un coming of age, retrato sin prejuicios ni florituras sobre la realidad que viven los jóvenes indios en la reserva de Pine Ridge, en Nebraska, uno de los lugares más pobres de Norteamérica. El hoyo en la cerca, otro coming of age, en este caso mexicano, donde el descubrimiento de un agujero en la valla perimetral de un campamento de verano, desencadena una serie de acontecimientos cada vez más inquietantes, con la intención de reflexionar sobre los problemas de la educación y la diferencia de clases sociales en el país. Palm Trees and Power Lines, mejor dirección en Sundance y con cuatro nominaciones en los Independent Spirit, donde Lea, una adolescente desencantada y alienada, ve en un hombre que le duplica la edad una escapatoria a su verano descafeinado. La directora Jamie Dack opta por el realismo para abordar una temática complicada con unos diálogos en el umbral de la duda y la manipulación y unas interpretaciones excelentes que exponen sin señalar y condenan sin evidenciar. Emily the Criminal, también nominada a los Independent con cuatro candidaturas, donde Aubrey Plaza, hace un trabajo para unos delincuentes comunes y atraída por este submundo, buscará tomar más responsabilidades, poniendo en peligro su vida. El debutante John Patton Ford, mantiene un ritmo tenso y constante en este thriller criminal situado en una siempre fascinante Los Angeles. Sharp Stick, donde  Lena Dunham vuelve a dirigir un largo después de 12 años en una historia de sexo que hará temblar la moral del espectador con sus mujeres liberadas o en proceso de liberación, movidas por su independencia y su deseo. Y este año también tenemos un slasher, Bodies Bodies Bodies, donde el aislamiento de un grupo de amigos en una mansión se convierte en la excusa perfecta para la fiesta y la paranoia, exponiendo el sentir de una generación que no confía ni en su sombra. Dual se adentra en la comedia negra y la ciencia ficción. La dirige RileyStearns, de quien hemos visto a Americana el resto de su filmografía, Faults y The Art of Self Defense. Nos explica una historia de clones con humor delirante y surrealista, no exento de una fría violencia física y emocional. Finalmente, Acidman, de Alex Lehman, clausurará el festival. Es una película intimista de historias paranormales, que de nuevo usa la ciencia ficción como excusa para tratar relaciones personales, y que ha sido galardonada en varios certámenes.

Y, finalmente, los talentos emergentes de NEXT. The Unknown Country es una road movie intimista que nos acerca a los personajes solitarios que transitan la América profunda, con una mirada lírica que recuerda al cine de  Kelly Reichardt. Unidentified Objects, otra road movie, mucho más delirante, que mezcla enanos, prostitutas y extraterrestres y que es un canto a la diversidad y a las segundas oportunidades. Something You Said Last Night, una coming of age de una chica trans aspirante a escritora en busca de independencia, con una escena absolutamente mágica. Montana Story nos acerca al reencuentro de dos hermanos que vuelven al rancho familiar para cuidar de su padre enfermo en este drama de introspección con unas localizaciones y una fotografía excelentes que merece la pena verse en la gran pantalla. En Linoleum, una serie de acontecimientos surrealistas empujarán a un presentador a intentar cumplir su sueño de infancia: convertirse en astronauta. La ciencia ficción, el drama y la comedia se combinan a la perfección en esta nostálgica y onírica película que nos recuerda por instantes a Brigsby Bear. Amor y matemáticas es una pequeña y nada complaciente comedia romántica mexicana que llena de sensibilidad femenina una entrañable historia de amor y música. En Every Day in Kamuki, un músico retirado quiere cambiar de vida en Nueva York. Una pequeña joya, que pasó por Sundance y que es la primera producción de Hawai de la historia de Americana. En Know Your Place, unos chicos de ascendencia etíope intentan entregar una maleta cargada de medicamentos y dinero en efectivo. Galardonada en el pasado festival de Seattle es un debut honesto y directo sobre la identidad, la amistad y el sentimiento de pertenencia a una comunidad. El club del odio, que algunos conoceréis como Soft & Quiet, es el brutal debut de Beth de Araújo que ha sacudido todos los festivales por dónde ha pasado. Una historia de terror cotidiano de Blumhouse rodada magistralmente en un plano secuencia con todo el sentido del mundo. Y más terror con Jethica, en este caso en clave de comedia lowcost situada en la América profunda, donde Elena se encuentra con Jessica, una vieja amiga de la escuela. Cuando un acosador de Jessica aparece repentinamente, tendrán que buscar ayuda en el más allá para deshacerse de él por siempre jamás.

El cielo rojo, primer tráiler para «Afire» de Christian Petzold

  Por ,

De forma justa Christian Petzold se ha convertido en estos últimos años en uno de los realizadores alemanes más interesantes del momento. Tras trabajos tan interesantes como por ejemplo Bárbara (2012), Phoenix (2014) o la más reciente Undine (2020) nos llega ahora Afire (Roter Himmel), película que estará presente en el inminente Festival de Berlín y que acaba de presentar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Afire nos sitúa en un verano caluroso y seco, como tantos en los últimos años. Los incendios forestales son incontrolables. Cuatro jóvenes se reúnen en una casa de vacaciones junto al mar Báltico, no lejos de Ahrenshoop. Lenta e imperceptiblemente son cercados por las llamas. Un cielo rojo se cierne sobre ellos. Dudan, tienen miedo -no por los incendios-, es el amor lo que les asusta.
La película, con guion a cargo del propio Christian Petzold, está protagonizada por Thomas Schubert, Paula Beer, Langston Uibel, Enno Trebs y Matthias Brandt.

Marguerite Duras. El cine que yo hago

  Por

Marguerite Duras (1914 – 1996) no es solo una de las más grandes escritoras francesas del siglo XX, sino también una cineasta cuyas películas forman parte ineludible del cuerpo completo de su obra. Este libro reúne por primera vez los escritos de Marguerite Duras sobre sus propias películas (diecinueve, realizadas entre 1966 y 1985), su actividad como cineasta, así como las entrevistas más significativas que pudo conceder sobre su cine. De La música (1966) a Los niños (1985), pasando por Détruire dit-elle (1969), India Song (1975), Le Camion (1977), Le Navire Night (1979)…, el libro recoge todas las películas dirigidas por Duras (excluyendo las adaptaciones de sus libros y las películas que ella escribió como Hiroshima mon amour).
La mayoría de los textos que escribió para cada película se reproducen con el objetivo de presentar y explicar su trabajo al lector, a la crítica y, en ocasiones, a los propios actores. Las palabras vivas y evocadoras de Marguerite Duras proyectan al lector a un universo fílmico radical y depurado, muestran los vínculos que hay en su obra entre la literatura y el cine. Marguerite Duras habla de su forma de ver, de sus principios en la escritura cinematográfica, y sobre todo de la paradoja de un cine que busca “destruir el cine”. Una tentativa de «superar» al cine, de su negación, como la de la política. Pero más allá, estos textos hablan a todos de la existencia, del mundo, de la escritura. Aquí nuevamente se trata de destruir, de derribar, pero también de amar, de atreverse. De ahí el interés de dar a leer estos escritos y entrevistas.
Muchos textos están inéditos, otros permanecieron de muy difícil acceso. Algunos han sido publicados en carpetas de prensa, diarios y revistas especializadas cuando se estrenaron las películas. Algunos han sido reeditados en obras colectivas.

Autores

FRANÇOIS BOVIER. 

Investigador en la Escuela Cantonal de Arte de Lausana y profesor de enseñanza e investigación en la Sección de Historia y Estética del Cine de la Universidad de Lausana.
SERGE MARGEL. Investigador de la Fundación Nacional de Ciencias de Suiza. Profesor en la Universidad de Neuchâtel.
Autor: François Bovier y Serge Margel, Traducción Vanesa García Cazorla; Editorial: Shangrila Ediciones, Colección Trayectos libros, Páginas: 382

«Venus» review

  Por

Una bailarina de discoteca, Lucía, roba un alijo de pastillas y comienza a ser perseguida por mafiosos, refugiándose en un bloque de apartamentos con su hermana Rocío y su sobrina Alba. Una vez allí las tres descubren que unas fuerzas sobrenaturales malévolas poseen el edificio. El horror invade los pasillos de cemento de un complejo residencial maldito en las afueras de Madrid.
En un 2022, bastante prolífico con respecto al número de películas españolas producidas, no era de extrañar que Sitges, y demás festivales patrios, hayan sido un fiable termómetro, un gran escaparate, a la hora de dar a conocer dicha cosecha previo a su estreno comercial. Un debate bastante interesante, que vendría a ser alternativo al aquí ofrecido, sería revelar, y dar a conocer, la auténtica naturaleza de esta proliferación, los motivos reales que han llevado a dicha situación y probablemente lo más importante de todo ello, el supuesto rédito que todo ello puede comportar respecto a una viabilidad comercial que vaya más allá de la burbuja festivalera.
Centrándonos en el análisis de las películas presentes este año en el festival, y previo paso por Toronto, se entendió como lógico y bastante consecuente que Venus fuera la encargada de inaugurar Sitges 2022. Segundo trabajo del sello The Fear Collection, la película, un loable y disfrutable producto comercial planteado a modo de festejo de género puro, situada a medio camino entre el ingenio y la previsibilidad, se sitúa un peldaño por encima de su decepcionante predecesora, Veneciafrenia de Álex de la Iglesia. Con todo, en Venus se percibe los infructuosos intentos de una autoría, como la de Jaume Balagueró, que da la impresión de querer manifestarse, con relación a querer traspasar la etiqueta de producto de encargo de la que parte la propuesta, posicionamiento curiosamente repetido y reincidente este mismo año en su episodio El televisor, de la muy discutible segunda temporada de Historias para no dormir.
En el imaginario de Jaume Balagueró ha sido muy habitual la coexistencia de escenarios cerrados propensos a un tipo de terror seco, casi epidérmico, de índole malsano en donde es habitual el sufrimiento de personajes femeninos, un posicionamiento comprometido con unas señas de identidad que de alguna manera crearon un estilo propio, muy presente en unos trabajos que terminaron siendo los más logrados de su trayectoria, Los sin nombre (1999), la reivindicable Darkness (2002), Frágiles (2005) o Mientras duermes (2011). Algo de todo esto se percibe en Venus, esas vecinas polanskianas entre otras ideas, lástima que sea de una forma bastante residual, ya que en la película se intentan aglutinar varias tendencias que son percibidas como híbridas, entre ellas el terror/humor neocastizo, y conceptos genéricos, como la figura final de la scream queen o la relectura feminista del slasher, en detrimento de ese horror más explícito, aquí derivativo del cósmico, antes citado. Lástima que la sensación final, y principal hándicap, venga dado en lo referido a un clímax final, que parece estar más enfocado a ser un trabajo donde prevalece más la labor del productor que la del autor.

Valoración 0/5:2

Teaser tráiler para lo nuevo de Hirokazu Koreeda «Monster»

  Por ,

Tras estar presente en diferentes festivales el pasado año con Broker (critica aquí), el realizador japonés Hirokazu Koreeda ya tiene lista la que será su nueva película para este 2023 titulada Monster, film cuyo primer avance en forma de un breve teaser de 30 segundos acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Monster, cuyo argumento aún no se ha dado a conocer y que tiene previsto su estreno comercial en Japón para el próximo 2 de junio, supone el regreso a su país de origen de Hirokazu Koreeda después su experiencia coreana con su anterior Broker.
La película, con guion a cargo del propio Hirokazu Koreeda y música compuesta por Ryuichi Sakamoto, está protagonizada por Soya Kurokawa, Hiiragi Hinata, Sakura Ando, Eita, Mitsuki Takahata, Akihiro Kakuta, Shido Nakamura y Yûko Tanaka.

Proyecciones Xcèntric: Explosiones de estrellas distantes. Las películas de Timoleon Wilkins

  Por ,

Drifter (Timoleon Wilkins, 2010)

El cineasta estadounidense Timoleon Wilkins hace películas en super 8 mm y 16 mm desde hace más de 25 años. Con los materiales del cine amateur ha creado una obra personal y poética inspirada en los maestros del cine de la vanguardia norteamericana, Stan Brakhage, Bruce Baillie y Nathaniel Dorsky. En esta sesión se podrán ver una selección de cortos creados durante la primera década del 2000, momento en que surgió la fotografía digital y desaparecieron muchos laboratorios fotoquímicos.
Trabajando al borde de la obsolescencia del celuloide, Wilkins es de los pocos cineastas que usan todavía la película de color reversible. Sus suntuosas imágenes Kodachrome y Ektachrome resuenan con un estático amor por el color y el contraste, descubriendo la belleza en medio de la insostenible realidad de la vida moderna. Para él, el cine es el medio en el que expresa lo que no puede decir con palabras. Y lo hace intentando reflejar los estados emocionales a partir de imágenes de su entorno que están, de alguna manera, impregnadas de otros mundos. Aunque suele partir de un concepto, le gusta abrazar la espontaneidad y la intuición en el rodaje y montaje de una película, de modo que se trata de un proceso de descubrimiento constante que coquetea con lo lírico, lo cómico, lo narrativo, lo metafórico y lo místico.
Lake of the Spirits, 1998, 16 mm, 7’
Los Caudales, 2005, 16 mm a digital, sin sonido, 17’
The Crossing, 2007, 16 mm, sin sonido, 7’
Quartet (In-Camera), 2004-08, 16 mm a digital, sin sonido, 12’
Drifter, 2010, 16 mm, sin sonido, 26’
Copias cortesía del autor.
Fecha; 19 febrero 2023
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

A la caza del nazi, primer tráiler para «Sisu» de Jalmari Helande

  Por ,

El finlandés Jalmari Helande tras Rare Exports: A Christmas Tale (2010) y Big Game (2014) vuelve a ponerse tras las cámaras con el film de acción sangriento Sisu, película que aprovechando su reciente estreno comercial en su país de origen acaba lanzar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Sisu, ganadora de cuatro premios, incluyendo Mejor película, en el pasado festival de Sitges, viene a ser el mejor trabajo de su director, ofreciéndonos una entretenida historia que fusiona el Weird Western, el slapstick y el relato bélico pulp.
En Sisu (critica aquí) vemos como después de años de búsqueda en vano, Aatami Korpi finalmente encuentra el tesoro de su vida, un generoso botín de oro. Intentará llevarlo de los páramos de Laponia a la ciudad, en un viaje a través del desierto ocupado por las tropas alemanas.
La película, con guion a cargo del propio Jalmari Helander, está protagonizada por Jorma Tommila, Aksel Hennie, Jack Doolan, Onni Tommila y Mimosa Willamo.

https://vimeo.com/772442014

Filmin estrenará en España «La noche que Logan despertó», primera serie de Xavier Dolan

  Por

Se trata de un thriller psicológico de cinco episodios basado en una obra de teatro de Michel Marc Bouchard.
Filmin ha adquirido los derechos de distribución en España de “La noche que Logan despertó” (“The Night Logan Woke Up”), primera serie creada, dirigida y protagonizada por el canadiense Xavier Dolan. La serie, producida por Canal + y Quebecor Content, y cuyas ventas internacionales gestiona Studio Canal, adapta la obra de teatro “La nuit où Laurier Gaudreault s’est réveillé” de Michel Marc Bouchard. Cuenta con el elenco original de la función, encabezado por el propio Dolan junto a Julie Le Breton, Magalie Lépine-Blondeau, Éric Bruneau, Patrick Hivon y Julianne Côté. 

“La noche que Logan despertó” se ambienta a principios de los años 90, y narra la historia de Mimi y Jules, dos hermanos que forman un trío inseparable con su amigo Logan. Su relación da un giro cuando Logan, al cumplir 17 años, viola a Mimi, que tiene 14. Treinta años después, Mimi, convertida en una tanatopractora de renombre, regresa a su tierra natal para cuidar del cuerpo de su madre y se reencuentra con ellos. Los rencores y las viejas heridas resurgen con más fuerza que nunca.

La serie, que consta de cinco episodios y cuenta con una banda sonora compuesta por Hans Zimmer, es la primera producción televisiva de Xavier Dolan, uno de los niños prodigio del cine de autor contemporáneo y protegido del Festival de Cannes, donde ha estrenado con éxito la mayoría de sus películas. “Mommy” (2014), por ejemplo, ganó el Premio del Jurado del festival, mientras que “Solo el fin del mundo” (2016) fue galardonada con el Gran Premio del Jurado.

Filmin estrenará “La noche que Logan despertó” a lo largo del primer semestre de 2023.

Primer avance del remake de «White Men Can’t Jump»

  Por ,

Entre finales de los ochenta y noventa Ron Shelton dirigió una trilogía sobre comedias deportivas muy a tener en cuenta, la integraban, Bull Durham (1988), Tin Cup (1996) y  White Men Can’t Jump (1992), esta última objeto de un remake dirigido por Calmatic (House Party 2023) que verá la luz este próximo 19 de mayo a través de la plataforma Hulu. 20th Century Studios acaba de lanzar un primer adelanto en forma de un breve teaser de 30 segundos que podéis ver a final de página junto a su póster promocional.
La historia original de White Men Can’t Jump nos contaba como dos amigos, uno blanco y otro negro, se dedican a practicar el baloncesto callejero contra todo aquel que desee medir sus fuerzas con ellos. Como los dos se creen los mejores jugadores del mundo, su excesivo ego hace que se peleen entre ellos, con los contrarios y con todo aquel que no comparta su filosofía del juego.
La película, con guion a cargo de Kenya Barris y Doug Hall, está protagonizada por Lance Reddick, Sinqua Walls, Jack Harlow, Laura Harrier, Teyana Taylor, Andrew Schulz, Shanice Lynn, Nicholas Wagner, Skyler Pierce, Brian Torres, Lechristopher Williams, Kanyinsola F. Agboola y Patrice Hodge.

Basilio Martín Patino

  Por

Basilio Martín Patino (Lumbrales, Salamanca, 29 de octubre de 1930-Madrid, 13 de agosto de 2017) estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Salamanca, donde fundó el Cine Club Universitario. A través de su cine puso en jaque a la censura franquista con sus revisiones sobre la Guerra Civil. «Nueve cartas a Berta» (1966) ha sido definida como la película más moderna y más «nouvelle vague» del cine español, y «Canciones para después de una guerra» (1971), como la película que Carrero Blanco hubiera querido que jamás hubiera existido. Galardones, premios y homenajes no lograron matizar la realidad y la soledad de su cine, una trayectoria plagada de desencuentros y un injusto y desesperado aislamiento del que fue objeto y que, sin embargo, no logró ni desactivarle ni entristecerle. El cine de Martín Patino es bello, independiente, lleno de humor y de ideales libertarios de los que jamás claudicó.
Autor: Javier Tolentino, Editorial: Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 264

Dos mujeres y un destino, primer tráiler para «Smugglers de Ryoo Seung-wan»

  Por ,

Ryoo Seung-wan se ha convertido estos últimos años en un nombre bastante recurrente dentro del cine comercial provenientes de Corea de sur. Tras trabajos tan competentes como Arahan (2004), The City of Violence (2006), The Berlin File (2013) o The Battleship Island (2017) entre otros nos llega ahora Smugglers, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional.
Ambientada en los años 70, Smugglers nos sitúa en un pequeño y tranquilo pueblo junto al mar en donde sus habitantes recolectaban marisco bajo el agua como único medio de subsistencia. Con la llegada de grandes fábricas al lugar algunos habitantes del pueblo costero decidirían unirse al negocio del contrabando para poder ganarse la vida. Dos mujeres se ven inesperadamente atrapadas en una trama de alto riesgo.
La película, que se estrenará en su país de origen el próximo verano y que cuenta con un guion a cargo del propio Ryoo Seung-wan, está protagonizada por Kim Hye-soo, Yum Jung-ah, Jo In-sung, Park Jung-min, Go Min-si y Kim Jong-soo.

El Ministerio de Cultura acepta la donación con destino a Filmoteca Española de la mayor colección de cine colonial de su historia

  Por

En las playas de Ureka (1947)

La donación procede de Hermic Films, empresa fundada por el fotógrafo Manuel Hernández-Sanjuan, la gran y única productora privada de cine documental que estuvo activa durante prácticamente todo el franquismo.
De su labor como altavoz del régimen franquista y de su proyecto de expansión y dominación territorial, destacan las series rodadas en las antiguas colonias españolas en África: Guinea Ecuatorial y Marruecos.
El legado incluye más de 5.000 negativos fotográficos en soporte nitrato que el equipo Hermic Films tomó en su expedición a la antigua Guinea Española en 1944, así como el resto de títulos que se conservan producidos por la firma.
. El Ministerio de Cultura acepta la donación para Filmoteca Española de la mayor colección de cine colonial de su historia procedente de la productora Hermic Films, la gran y única productora española privada de cine documental colonial. De su labor como altavoz del régimen franquista y de su proyecto de expansión y dominación territorial, destacan las series rodadas en las antiguas colonias españolas en África: Guinea Ecuatorial y Marruecos; e incluye más de 5.000 negativos fotográficos en soporte nitrato que el equipo Hermic Films tomó en su expedición a la antigua Guinea Española en 1944, así como el resto de títulos que se conservan producidos por la firma.
Hermic Films
Promovido por el aparato estatal franquista, el equipo de Hermic Films arrancó en 1944 una expedición cinematográfica a la antigua colonia de la Guinea española, hoy Guinea Ecuatorial. Su propósito era dar cuenta, a través de la filmación de una serie de cortometrajes documentales, tanto de la labor civilizatoria y político-colonial española sobre estos territorios, como de la vida y paisaje de sus habitantes, todo ello atravesado por el sesgo ideológico del régimen franquista. El saldo final fue de 32 producciones. Idéntica empresa se produjo dos años después en el antiguo Protectorado español en Marruecos, donde la productora realizó 27 documentales.
Las películas de aquellas misiones, así como el resto de títulos que se conservan producidos por la firma, y los más de 5.000 negativos fotográficos, han pasado en 2023 a titularidad pública vía donación, siendo Filmoteca Española la institución encargada de custodiar, conservar y difundir tan excepcional legado. Tanto los documentales como las instantáneas que los miembros de la expedición dispararon durante sus dos años de estancia en Guinea constituyen un testimonio único y un documento histórico de primer orden que ilustra, sin parangón, la etapa colonial española en lo que hoy es Guinea Ecuatorial.
También compone la donación el resto de la producción cinematográfica de Hermic Films, principalmente cortometrajes documentales y divulgativos sobre etnología, turismo, ciencia, industria y cultura española, producidos entre 1942 y 1972.
Manuel Hernández-Sanjuán
En vida, el fotógrafo y cineasta Manuel Hernández-Sanjuán (Madrid, 1915-2008) entabló una fecunda relación con Filmoteca Española, a través de la cual puso a buen recaudo una gran cantidad de materiales fotoquímicos de sus documentales, tanto negativos de imagen y sonido como copias estándar. Algunos de esos materiales fueron depositados en dicha institución, otros permanecieron en régimen de donación sin formalizar y otros fueron comprados por el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales. Hoy, en continuidad con estos pasos que ya dio Hernández-Sanjuán en su día y gracias a la voluntad de sus hijos, el Ministerio de Cultura regulariza la situación jurídica de este fondo, formalizando su donación, ya aceptada por la Secretaría General de Cultura, tras un cuidadoso y reflexivo trabajo de documentación que ha puesto en orden la colección.
La donación también conlleva la cesión de explotación de todos los títulos producidos por Hermic Films, lo que permite a Filmoteca Española la plena difusión cultural del fondo y cuyo primer paso, que consiste en la digitalización de la colección, ya ha comenzado en el Centro de Conservación y Restauración de Filmoteca Española.
Esta colección es, sin género de dudas, la piedra angular del audiovisual colonial hispano y fuente primaria imprescindible para el estudio de la historia contemporánea visual de España, Guinea, Marruecos y Sáhara Occidental, así como tantísimas otras cuestiones que de estos documentos se desprenden.
Con todo, el fondo de Hermic Films se erige como una de las colecciones más relevantes que conserva Filmoteca Española, seña de identidad no solo de la memoria audiovisual española, sino también de aquellos pueblos y territorios que la productora representó en sus películas.

Nómadas (1949)

 

Prime tráiler para lo nuevo de Clément Cogitore «La Goutte d’Or»

  Por ,

Interesante como con tan solo dos películas en su haber el realizador francés Clément Cogitore ha conseguido plasmar una autoría muy a tener en cuenta. Tanto en su ópera prima, Ni le ciel, ni la terre (2015) como en su trabajo de no ficción Braguino (2017), incorporaba elementos fantásticos a entornos muy proclives a la realidad, como era el Afganistán bélico de 2014 o los habitantes de un recóndito poblado situado en la taiga siberiana. En La Goutte d’Or (Sons of Ramses en su título internacional), cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, Clément Cogitore vuelve a indagar en ambientes realistas a través de relatos en apariencia poco comunes. La película tras su paso el pasado año por el Festival de Cannes dentro de la Semana de la Crítica se estrenará comercialmente en Francia el próximo 1 de marzo.
En La Goutte d’Or vemos como Ramsés es un hábil clarividente en el multicultural distrito parisino de La Goutte d’Or. Cuando una pandilla de niños intrépidos comienza a aterrorizar a los lugareños, el equilibrio de su próspero negocio y el de todo el vecindario se altera. Hasta que un día, cuando Ramsés tiene una visión real…
La película, con guion a cargo del propio Clément Cogitore, está protagonizada por Karim Leklou, Malik Zidi, Elsa Wolliaston, Jawad Outouia, Elyes Dkhissi, Yilin Yang y Loubna Abidar.

«Pearl» review

  Por

Atrapada en la aislada granja de su familia, Pearl debe cuidar a su padre enfermo bajo la amarga y dominante vigilancia de su devota madre. Anhelando una vida glamurosa como la que ha visto en las películas, Pearl descubre que sus ambiciones y tentaciones chocan con el entorno represivo en el que vive.
Uno de los premios honoríficos de la pasada edición del Festival de Sitges fue para el realizador norteamericano Ti West, autor de trayectoria visible en el certamen que presento Pearl, segunda parte de esa inteligente trilogía, empezada este mismo 2022 con X y que concluirá este año con MaXXXine. Si X se adentraba a modo de reinterpretación en el slasher USA de los años 70, en donde el American Gothic confronta de forma abrupta modernidad y libertad sexual con un enfermizo conservadurismo situado en la América rural profunda, Pearl, precuela concebida sobre la marcha, nos sitúa décadas atrás del film original, a modo de relato que indaga en el origen, en cómo se fundamenta mediante la fatalidad la identidad del psicópata.
La carrera de Ti West ha ido evolucionando con el paso de los años, aunque esto no signifique que pueda ser considerado como algo positivo, en el caso que nos ocupa más bien todo lo contrario, pues anula interesantes constantes de sus inicios. El cine de Ti West ha transitado en gran medida entre lo concerniente a una continua referencialidad genérica de talante desprejuiciado, labor especialmente afortunada en dos películas, en la vuelta al terror satánico de los años 70 vista en The House of the Devil (2009), y el relacionado con ese horror, de talante más popular y desinhibido, muy proclive en los 80 con The Innkeepers (2011). Sin embargo, en otras reformulaciones venidas a posteriori West no se muestra tan certero, dos ejemplos serian en relación con el fanatismo religioso expuesto en formato found footage visto en The Sacrament (2013), y en el western a modo de revival en In a Valley of Violence (2016).
En X, que forma parte de ese descenso evolutivo, se intuían interesantes sugerencias que, sin embargo, a diferencia de esos primeros trabajos, son percibidas como demasiada calculadas. Pearl lo es aún más, o lo que es peor, en ella se intuye una naturaleza caprichosa auspiciada por A24, que por momentos intenta ser paródica, a la hora de ofrecer una suerte de performance al servicio exclusivo de Mia Goth con relación a un relato que se cree más inteligente de lo que en realidad es. El percibir como revolucionario, dentro del género de terror, un monólogo de varios minutos, o el plano sostenido de un rostro durante los títulos de crédito finales, material de derribo en otros tiempos proclive a formar parte simplemente de un extra de un DVD, demuestran el ansia errada del fan en alabar y querer guarecerse en el concepto de una supuesta novedad, aquí veleidosa y gratuita, tanto como la osada y muy temeraria semejanza que algunos han querido ver en Pearl a la hora de equipararla en estética al cine de Douglas Sirk.

Valoración 0/5: 2

«Rimini» y «Sparta», de Ulrich Seidl, se estrenan en cines el próximo 24 de marzo

  Por

Filmin distribuye en España el nuevo díptico del director austriaco. «Rimini» tuvo su premier en el Festival de Berlín, mientras que «Sparta» concursó en Sección Oficial en San Sebastián.
Filmin estrenará el próximo 24 de marzo, SOLO EN CINES, el último díptico de ficción dirigido por el austriaco Ulrich Seidl, e integrado por las películas «Rimini» y «Sparta». Fiel a su modo de retratar la naturaleza humana en toda su sordidez y crudeza, Seidl une las dos películas con un filo hilo, el velado parentesco que mantienen sus dos protagonistas, que son hermanos, aunque viven existencias totalmente distintas en sendos puntos alejados de Europa.

En «Rimini», primera película del díptico, que tuvo su premier mundial en el Festival de Berlín y ganó el Premio a la Mejor Película en la última edición del Festival de Gijón, conocemos a Richie Bravo, un antaño carismático cantante del género Schlager venido a menos, que vive en la ciudad italiana que da título al film y trata de mantener su costoso estilo de vida ofreciendo recitales para turistas y acostándose con algunas de sus maduras fans. Su vida dará un giro cuando su madre fallezca y se vea obligado a regresar a su Austria natal, donde su padre acaba de ser ingresado en un geriátrico.

Su hermano Ewald, protagonista de «Sparta», emigró años atrás a Rumanía. Ahora, tras romper con su novia, se muda al interior del país, donde invierte sus esfuerzos en transformar una escuela en ruinas en un centro recreativo infantil al que acuden niños de la zona, en ocasiones procedentes de familias desestructuradas. Pero Ewald lleva consigo un terrible secreto que ha ocultado toda su vida y que está a punto de salir a la luz. «Sparta» se estrenó mundialmente en la última edición del Festival de San Sebastián, donde compitió en Sección Oficial por la Concha de Oro.

Filmin ofrece a las salas de cine la posibilidad de estrenar las dos películas es una sesión conjunta o en dos sesiones por separado. Recaerá en la voluntad de cada sala el modo de proyección de las mismas.