Categoría: Television

El macabro y oscuro debut de la británica Luna Carmoon, triplemente premiado en el Festival de Venecia, se estrena en Filmin el 26 de julio.

Filmin estrena el viernes 26 de julio, en exclusiva en España, “Los Excesos”, ópera prima de la directora británica Luna Carmoon. La historia, que resulta ser un tema muy personal para la cineasta, está ambientada en el Londres de los años 80 y retrata la vida de una niña, llamada Maria, que vive con su madre enferma de Diógenes. Más adelante en el relato, una elipsis hasta los años 90 nos muestra cómo Maria, ya adolescente, lleva una vida aparentemente tranquila junto a su familia de acogida, hasta que llega otro joven a la casa, Michael (Joseph Quinn, “Stranger Things” y próximamente Antorcha Humana de Marvel), que despertará sus traumas y fantasmas del pasado.

“Los Excesos” surgió de un relato de 20 páginas a los que la directora hace referencia como “una posible nota de suicidio”: “Escribirlo fue mi refugio y santuario durante el Covid, pero realmente no pretendía que fuera a ninguna parte. Pensaba dejarlo encima de la cama y me imaginaba a la gente diciendo era una chica muy maja cuando nos la cruzábamos por el súper…y ahora nos deja este asqueroso cuento. (…) No lo digo como algo dramático o triste. Estaba deprimida, necesitaba sacar esto de mí para volver a ser yo misma. Para mí estos pensamientos suicidas son tan mundanos como hacerme una taza de té”.

La película, se estrenó mundialmente en la Semana Internacional de la Crítica del Festival de Venecia, donde fue galardonada con tres premios (Mención Especial del Jurado, Premio del Público Film Club y Premio Verona Film Club). En España, cuya distribución corre a cargo de Filmin, se estrenó en la Sección Punto de Encuentro de la 68a edición de Seminci, el Festival Internacional de Cine de Valladolid, y ahora llega a Filmin (26 de julio) y a Palma (21 de julio) enmarcada en la programación del Atlàntida Mallorca Film Fest.

Sobre la película
La primera parte, ambientada en el Londres en los años 80, retrata la compleja relación entre una madre soltera, Cynthia, interpretada por Hayley Squires («Adult Material»), y su hija de 10 años, María (Lily-Beau Leach). Aunque Cynthia es una madre devota, su trastorno obsesivo por acumular objetos y despojos arrastra a su hija a inmundas actividades, como excursiones nocturnas a las partes traseras de los edificios para recoger la basura que la gente ha tirado. Esta es la única forma que conoce Cynthia para mostrar su amor hacia María: recolectar todo lo que pueda para que a su hija no le falte de nada. La pequeña, que no ha conocido otra manera de querer, acepta esta fórmula sin ponerla en duda… hasta que un día, su mundo se desmorona.

En la segunda parte de la película, conocemos a la María adolescente (Saura Lightfoot Leon), una década más tarde, en su nueva vida con una madre adoptiva (Samantha Spiro). La adolescencia de Maria, una joven inteligente y solitaria, se ve enturbiada por los traumas que florecen desde su infancia. Es entonces cuando aparece un chico mayor que ella llamado Michael (Joseph Quinn), que abrirá las puertas de sus heridas, la magia y la locura… En palabras de la directora: «La puerta siempre está entreabierta para los recuerdos y el dolor«.

El músico congoleño Baloji ganó el premio a la Mejor Dirección en el pasado Festival de Sitges con esta sorprendente película de género que representó a Bélgica en los Óscar.

Filmin estrena en exclusiva en España, el próximo viernes 12 de julio, la película «Omen», dirigida por el polifacético artista africano Baloji, quien se llevó el premio a la Mejor Dirección en la última edición del Festival de Sitges con su primera obra como director. «Omen», además, ha sido este año la candidata de Bélgica en la carrera por el Óscar a la Mejor Película Internacional, fue nominada a 8 premios Magritte (los Goya belgas) y ganó 2; y a su paso por el Festival de Cannes, donde tuvo su estreno mundial, recibió el premio Nueva Voz de la sección Un certain regard.

La película parte del viaje a Kinshasa, su ciudad natal, de Koffi (Marc Zinga), un hombre que años atrás fue repudiado por su familia por sus supuestos vínculos con la brujería, y que ahora quiere presentar a sus padres a su novia blanca, Alice (Lucie Debay), embarazada de gemelos. A continuación el film explora el peso de las creencias en el destino de las personas a través de cuatro personajes: la hermana de Koffi, Tshala (Eliane Umuhire); la madre de ambos, Mujila (Yves-Marina Gnahoua); y Paco (Marcel Otete Kabeya), un joven de la misma aldea sumido en una trágica guerra de bandas callejeras.

Koffi, el protagonista de «Omen», es conocido por su familia como «Zabolo» («marca del Diablo»), porque tiene una mancha de color vino tinto en la cara que es percibida como un mal augurio. Algo similar le ha ocurrido en su vida a Baloji, el director de la película: «En suajili, mi nombre Baloji significa hechicero, o incluso hechicero que puede tomar todos los poderes de los demás hechiceros. Es un nombre terrible, realmente. Es como ser llamado Diablo o Demonio en Europa. Así que debido a mi nombre, y porque la gente solía etiquetarme como hechicero, siempre me ha fascinado la brujería y las personas que son vistas como diferentes«.

«Tengo sinestesia. Para mí, todo está conectado al color. Sonidos, estados de ánimo… Todos tienen colores en mi cabeza. Y así, cada personaje en la película también tiene su propio color. Para Koffi, es un rojo oscuro, como su mancha de vino tinto en la cara. Paco está asociado con el rosa, etc.«, explica el director. Para construir una identidad totalmente diferenciada para los cuatro personajes, Baloji llegó a componer cuatro EP’s de música (disponibles en Spotify), uno para cada uno de los protagonistas, con canciones que no suenan en la película, pero que sí le inspiraron a él a la hora de construir sus identidades.

Aunque las costumbres, creencias y supersticiones congoleñas afectan a todos los personajes de la película, lo cierto es que, para Baloji, las mujeres son las que se llevan la peor parte: «Quería mostrar cómo la sociedad está estructurada para los hombres, y cómo estos intentan controlar los cuerpos de las mujeres«, expone: «¿Qué sucede cuando una joven no quiere tener hijos? O cómo una mujer es completamente descartada cuando envejece«. El director afirma que el apoyo al feminismo es parte de su identidad y se ve reflejado en su ópera prima: «Creo que es mi obligación, porque como hombre, soy parte del problema. Y parte de la solución también.»

El director chileno Felipe Carmona revive a los cinco torturadores clave de Pinochet para denunciar el auge de la extrema derecha en su país. Estreno en Filmin el 28 de junio.

El 28 de junio se estrena en Filmin “La prisión de los Andes”, la ópera prima de Felipe Carmona. Esta producción chilena cuenta la vida de los cinco torturadores más crueles de la dictadura de Pinochet durante su estancia en una lujosa cárcel a los pies de la Cordillera. Sin embargo, el recinto tiene poco de prisión: cuenta con piscina, jardines y los guardias son prácticamente sus empleados. Tras unas declaraciones de Contreras, uno de los internos, en la televisión los presos temen que los trasladen a una cárcel común donde ya no gocen de los mismos privilegios. Entre el elenco se encuentran los actores Hugo Medina, Bastián Bodenhöfer, Alejandro Trejo y Mauricio Pesutic, quienes interpretan al General Manuel Contreras, al Brigadier Miguel Krassnoff, al General Odlanier Mena y al Coronel Marcelo Moren Brito, respectivamente.

El propio Hugo Medina fue víctima de la dictadura de Pinochet, durante la cual fue detenido, encarcelado y torturado y finalmente tuvo que exiliarse en Londres. El actor explica cómo fue interpretar a uno de los responsables de estos abusos: “Cuando estás en un proceso de interpretar la conducta de un ser humano así como él, tú tienes que, no justificarlo ni cuestionarlo, sino sencillamente entender sus mecanismos psicológicos […] Es súper complejo, yo tenía una opinión, por supuesto, sobre este ser humano, pero como intérprete, tengo que tratar de limpiarme de los prejuicios y no cuestionarlo”.

La película está ambientada en 2013, cuando los cinco perpetradores, ya ancianos, se encuentran cumpliendo sentencias de siglos de duración. Hoy, pasado el cincuenta aniversario de la dictadura, Chile experimenta un retorno de esta ideología dictatorial, como explica Felipe Carmona: “Hay un rebrote de la ultraderecha, del pinochetismo y pareciera que los militares vuelven a creer que una parte de la población les reconoce lo que hicieron, no se avergüenzan ni piden perdón”. La condena de no conocer la propia historia es repetirla, y parece que esto es lo que está pasando en Chile: “la nueva propuesta de constitución es incluso más conservadora que la impuesta por la dictadura, hoy, en 2023. Una de sus cláusulas incluso daría la opción a los hombres en la historia de nuestra película de cumplir el resto de su condena fuera de la prisión, bajo arresto domiciliario”. Con esta película, el director apela a la memoria colectiva del país. Pretende que nadie se olvide de estos hechos para, precisamente, evitar que se repitan.

El checo Matej Chlupacek participó en Karlovy Vary con este drama de época que aborda la intersexualidad y la transexualidad en los años 30 del siglo pasado.

Filmin estrena el próximo viernes 14 de junio, en exclusiva en España, el drama de época checo «El mundo de ayer», dirigido por Matej Chlupacek («The Committee»), que concursó en la sección oficial del Festival de Karlovy Vary. La película recibió 12 nominaciones a los Premios León checo, los galardones de cine y televisión otorgados anualmente por la Academia Checa, y está ambientada en 1937. Narra la historia de Helena, una joven a punto de dar a luz y casada con el exitoso director de una fábrica. Su vida de ensueño choca de frente con la realidad cuando un día descubre en la fábrica de su marido el cadáver de un bebé intersexual. Helena trata entonces de entender lo ocurrido mientras teme por la seguridad de su propio bebé.

«El mundo de ayer» bebe de diversas fuentes. En primer lugar, parte de una historia real que ocurrió en otro tiempo y lugar pero que posee los mimbres de esta película. Además, el director Matej Chlupacek habla de dos libros como inspiración: «La idea principal de la película surgió de un libro del profesor František Hájek, al que se hace referencia en la película. Se publicó en 1937, y fue el primer libro que exploró la intersexualidad, por primera vez en la República Checa y tal vez en toda Europa». El segundo libro inspiró el título internacional de la película, «We Have Never Been Modern»: «Está basado en un libro de Bruno Latour, un famoso antropólogo francés que escribió un libro llamado Nunca hemos sido modernos en los años 90. Trata del choque entre la modernidad y la vieja naturaleza. Es muy interesante. Nos dirigimos a Bruno Latour y a la Universidad de Harvard, que publicó el libro, para preguntarles si podíamos ponerle su título a la película. Latour leyó el tratamiento de guion y dijo que sí. Lamentablemente, murió dos semanas después. Así que todo estuvo bien, pudimos usar el título, pero falleció antes de poder ver terminada la película», recuerda Chlupacek.

El choque entre lo viejo y lo nuevo define el tema de la película, al reflexionar sobre cómo se abordaban la transexualidad y la intersexualidad en los años 30 del siglo pasado, una época que el director considera muy similar a la actual: «Creo que hemos llegado al punto en el que lo tenemos todo. Estamos muy, muy bien. Hay una guerra en Ucrania, pero nuestra vida social no está fuertemente influenciada por ella. Es muy similar a la época de la película. Los personajes están viviendo una vida color de rosa, todo es genial. La arquitectura es moderna, son muy ricos y, básicamente, pueden permitirse cualquier capricho. Pero no saben que dentro de dos años estarán muertos o tendrán que reestructurar toda su vida.», explica, haciendo referencia al estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939.

La comunidad trans fue una fuerte inspiración para la película, interviniendo en la escritura del guion e incluso en la reescritura de su final. Además, uno de sus personajes, Saša, está interpretado por un hombre trans, Richard Langdon, que ni siquiera era actor antes de participar en «El mundo de ayer»: «Sabíamos que queríamos a alguien trans para interpretar a Saša. Pero no hay ningún actor real en la República Checa o Eslovaquia que sea trans. Entonces tuvimos que encontrar a alguien que no fuera actor. Buscamos en Google y descubrimos a Richard, un trabajador social que ofrece ayuda psicológica a las personas que están en la misma situación que él».

En el reparto, junto a Richard Langdon (Mejor Actor en el Festival de Salónica por su papel en el film) encontramos a Eliska Krenková («Los límites del amor»), Milan Ondrík («Que se haga la luz») y Marian Mitas («La casa de la esperanza»), entre otros.

Jason Isaacs, Lucius Malfoy en la saga de “Harry Potter”, se mimetiza en el mítico Cary Grant en este biopic de 4 episodios que refleja la tormentosa vida del actor; de Gran Bretaña a Hollywood.

Filmin estrena el próximo martes 4 de junio, en exclusiva en España, “Archie”, la serie que sigue al icónico actor Cary Grant, un mito perseguido por la tragedia que, incluso en la cima de su carrera en Hollywood, no olvidó sus humildes orígenes en Bristol como un niño llamado Archibald Leach. Formado por 4 episodios, este biopic explica cómo su complicada infancia, marcada por la pobreza extrema, el adulterio de su padre y la muerte de su hermano mayor rompió su familia y le abocó a una espiral de duelo y depresión. Cary Grant, que no necesita presentación, es recordado como uno de los actores más importantes de la historia de Hollywood por sus papeles en películas como “Con la muerte en los talones”, “La fiera de mi niña”, “Historias de Philadephia” o “Atrapar a un ladrón”.

Uno de los encargados de interpretar a Grant es el actor Jason Isaacs, a quien hemos podido ver como Lucius Malfoy en la saga de Harry Potter o como el Coronel William Tavington en “El Patriota”. “Cuando me ofrecieron el papel me negué rotundamente…¿Quién sería tan estúpido de pretender interpretar al carismático Cary Grant?”, explica Isaacs. “Después vi que [la serie] estaba escrita por Jeff Pope, a quien he admirado durante décadas por todas las historias reales que ha llevado a la gran pantalla (Philomena, The Walk-In)”. Con lo que Isaacs decidió embarcarse en la aventura y empaparse de todo lo que tuviera que ver con Cary Grant, incluso conversando con familiares del actor de Bristol: “En las películas, él interpretaba lo que quería ser, una persona segura, masculina e imperturbable, pero fuera de las cámaras, era muy distinto. Cary Grant era un personaje de ficción que Archie Leach había creado para ocultarse de un mundo que le había herido y en el que se sentía muy solo. Y funcionó. Se convirtió así en la persona más querida y deseada del mundo. Pero, a pesar de todo, sus heridas de infancia nunca se llegaron a cerrar. (…) Él era su peor enemigo”.

La serie, que contempla cinco fases vitales de la vida del actor, realizó parte de su rodaje en la ciudad de Málaga. Fue concretamente en Pinares de San Antón donde la cadena británica ITV decidió filmar la última etapa de Cary Grant, ambientando una mansión de lujo de la localidad como la residencia que el intérprete tenía en Hollywood (Los Ángeles). Asimismo, Marbella y Sotogrande también sirvieron como escenario para rodar secuencias ambientadas en una fiesta de piscina sesentera o una gran casa de campo con caballos, paraderos españoles con sabor a la época dorada del cine clásico.

Venerada por Stephen King en redes sociales el pasado fin de semana, la película de Caye Casas es un auténtico hit de festivales, no había encontrado distribución en España hasta ahora.

Filmin estreno el pasado viernes 17 de mayo «La mesita del comedor«, segundo largometraje como director del catalán Caye Casas («Matar a Dios«). Es con diferencia la película más premiada del cine español en festivales de cine esta temporada y acumula más de 40 galardones alrededor del mundo, entre ellos el Premio a la Mejor Película y el Premio del Público de TerrorMolins, el Premio a la Mejor Película del Festival de Cine Fantástico de Bruselas o el Premio del Público en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. No obstante, y a pesar de su innegable éxito y el prestigio adquirido en los últimos meses gracias al boca-oreja, la película no había logrado encontrar distribución en España. Ahora llega a Filmin en exclusiva en plataformas digitales en España.

La popularidad de «La mesita del comedor» se ha multiplicado este fin de semana, después de que el mismísimo Stephen King, posiblemente el mayor referente mundial del género fantástico y de terror, publicase un mensaje en sus redes sociales elogiando la película. «Creo que nunca, ni una vez en tu vida, has visto una película tan negra como esta. Es horrible y horriblemente divertida. Es el sueño más oscuro de los Hermanos Coen.», ha afirmado el escritor estadounidense.

«La mesita del comedor” narra la desventura de María y Jesús, una pareja en crisis que acaba de tener un bebé. A él se le antoja comprar una mesita realmente hortera para el comedor. A pesar de las reticencias de ella, la mesa acaba en casa y su adquisición se acaba convirtiendo en la peor decisión de sus vidas. La película está protagonizada por David Pareja («Amigo«) y Estefanía de los Santos («Que Dios nos perdone«) y cuenta con la participación de la fallecida Itziar Castro.

A pesar de su éxito internacional, el director Caye Casas lamenta que la película haya visto hasta ahora todas las puertas cerradas en nuestro país: «Para la industria somos invisibles, unos outsiders que hacen un cine que nadie se atreve a hacer«, afirma. Fue una auténtica sorpresa su ausencia en la programación del Festival de Sitges, que parecía por razones obvias el lugar ideal para su estreno y Casas ha tenido que escuchar todo tipo de negativas en todo este tiempo. «Un distribuidor llegó a decirme que ojalá esta película no se hubiese hecho nunca«, confiesa.

«La mesita del comedor» es una producción de Alhena Production, La Charito Films y Apocalipsis Producciones.

La 46ª película en la filmografía de Frederick Wiseman nos sumerge en Les Troisgros, uno de los restaurantes con más solera de Francia, que ostenta tres estrellas Michelin desde hace 55 años.

Filmin estrena el próximo viernes 17 de mayo, en excusiva en España, el documental «El gran menú», una mirada reposada y paciente a uno de los restaurantes más prestigiosos del mundo, Les Troisgros, ubicado en Roanne (Francia), a 100 kilómetros de Lyon. La película lleva el sello de su creador, el veterano Frederick Wiseman, uno de los documentalistas más relevantes del cine contemporaneo, que ha dedicado su vida a retratar algunos de los espacios e instituciones más importantes del mundo, como el Ballet de la Ópera de París (en «La danza»), la National Gallery de Londres («National Gallery»), la biblioteca pública de Nueva York («Ex Libris») o la Comedie-Française («The Games of Love»). Sus documentales se caracterizan, más allá de por su dilatada duración, por no hacer uso de entrevistas, de un narrador o de música extradiegética. Por su parte Les Troisgros, fundado en 1930, posee tres estrellas Michelin desde hace 55 años y ya ha conocido a cuatro generaciones de chefs, todos de la familia Troisgros.

Cuenta Wiseman que en el verano del 2020 se alojó en casa de unos amigos en Borgoña. Para agradecerles su hospitalidad quiso invitarles a comer a un buen restaurante, y acabaron en Les Troisgros. Al finalizar el almuerzo, el chef César Troisgros se acercó a saludarles y en ese momento Wiseman le preguntó si podía rodar un documental sobre el restaurante. El chef le dijo que debía consultarlo primero con su padre, pero media hora después el director recibió la autorización. «Después me enteré de que el padre no estaba aquel día en el restaurante y que lo que el chef hizo fue buscar mi nombre en Wikipedia», recuerda Wiseman.

El director cree que hay algo que comparten el cine y la cocina como expresiones artísticas: «Como los cineastas, los chefs también están muy preocupados por el aspecto de sus platos, no sólo por el contenido. Como se ve en la película, cada plato se inspecciona antes de que el camarero lo lleve al comedor. Si un riñón está a un centímetro del centro del plato, habrá alguien con unas pinzas para moverlo. Si queda un poco de salsa en el plato fuera de lugar, habrá alguien que la limpiará. Están tan preocupados por la apariencia como por el sabor.». Wiseman no tiene dudas de que «los chefs son artistas en todos los aspectos de su trabajo» y compara la alta cocina con el ballet o el teatro por su naturaleza efímera: «No hay dos actuaciones iguales. Los actores están geniales, el público responde y luego se acabó. No hay ningún registro duradero. En la cocina pasa lo mismo.»

Wiseman, que tiene 94 años, confiesa que solo enciende el televisor para ver tenis o baloncesto, por lo que se ha mantenido alejado del auge mediático de la cocina en televisión gracias a diversos realities emitidos alrededor del mundo. «Tampoco he visto nunca películas de restaurantes, pero por lo que me dijeron mis amigos, siempre implican muchos gritos y discusiones. Ese no fue el caso aquí, y estuve demasiado tiempo con ellos para que lo pudieran encubrir: siete semanas.», explica.

«El gran menú» se presentó en el Festival de Venecia y ha sido reconocida con el premio al Mejor Documental por las asociaciones de críticos de Florida, Los Angeles o Nueva York. La película se suma al amplio catálogo de Filmin alrededor de la obra de Frederick Wiseman, que incluye 20 de los 46 trabajos que ha realizado hasta la fecha.

El próximo martes 30 de abril llega a Filmin esta nueva serie de época que es la producción suiza más costosa de la historia. 

El próximo martes 30 de abril Filmin estrenará «Davos 1917», una coproducción suizo-alemana liderada por tres directores: Jan-Eric Mack, Anca Miruna Lăzăresc y Christian Theede. Se trata de una serie basada en hechos reales ambientada en la Primera Guerra Mundial, en concreto en Davos, una ciudad suiza con un famoso sanatorio que mantenía una relativa paz durante la Guerra. «Davos 1917» fue reconocida en los Schweizer Fernsehfilmpreis, los premios de la televisión suiza, con el galardón a la Mejor Actriz Protagonista ganado por Dominique Davenport («Sisi»).

Davenport da vida a Johanna Gabathuler, una joven enfermera del sanatorio de Davos que está embarazada de un soldado alemán. Para mantener su honra, su familia le fuerza a dar a luz en secreto y, al nacer su hija, se la arrebatan. Al intentar recuperarla, Johanna se ve envuelta en una conspiración de espionaje de la mano de su paciente y mentora, la Condesa Ilse Von Hausner (Jeanette Hain), una mujer rica, divorciada e independiente, ingresada en este hospital. El personaje de la Condesa está inspirado en una figura histórica real, Mata Hari, la famosa bailarina exótica y espía neerlandesa que conquistó a los militares más importantes de la Gran Guerra hasta ser condenada a muerte en 1917. La propia Jeanette Hain describe asi al personaje: “Escribe sus propias normas. Es manipuladora. Es una condesa pero también una espía. Tiene muchas facetas. Es un misterio”.

Adrien Illien, uno de los escritores de la serie, explica que la idea surgió al leer «La montaña mágica», de Thomas Mann, que habla precisamente sobre este sanatorio en Davos, oasis en mitad del enfrentamiento: “Luego descubrimos que, en países neutrales como Suiza, existían grandes redes de espionaje ya que resultaba más fácil moverse entre frentes. Élites de todo el mundo iban a ese lugar a curarse de la tuberculosis. Pensamos que ese hervidero de nacionalidades era interesante”. El director, Jan-Eric Mack, recalca la controversia que supone Davos: “Fabricaba armas a la par que acogía a heridos de guerra, todo para ambos bandos”. Por todo esto, Davos es el entorno ideal para ambientar esta historia ya que, al reunir estas condiciones, era un paraíso para los espías.

Filmin estrena, el 2 de abril, esta sarcástica y premiada serie de A24 sobre un chico jamaicano que sueña con ser director de cine.

Filmin estrena el próximo martes 2 de abril, en exclusiva en España, la serie “Soñando en negro”, una comedia fresca y original con el infalible sello de A24. La serie, que opta a Mejor Comedia y a Mejor Actor de Comedia en los próximos Premios BAFTA, sigue a Kwabena (el co-creador jamaicano Adjani Salmon), quien trabaja en una precaria empresa de reclutamiento mientras sueña (de forma figurativa y literal: se duerme en la oficina) en convertirse en director de cine. Pero su trabajo a tiempo completo es solo uno de los muchos obstáculos que le impiden cumplir su sueño: Un entorno laboral predominantemente blanco y plagado de “microagresiones” racistas, problemas para llegar a fin de mes, líos amorosos…y más.

Con gran ironía y sarcasmo, “Soñando en negro” pone en la palestra el “microracismo” latente de la sociedad a través de unos protagonistas que lo sufren a diario, a menudo por personas a las que se les llena la boca diciendo que “aman la diversidad cultural”. “Nuestras historias suelen ser contadas por personas que no son de la comunidad”, explica Salmon. “Hemos ironizado sobre esto, sobre el choque cultural entre jamaicanos y nigerianos, sobre la complicada industria del cine… También sobre la amistad entre colegas y sobre la ansiedad de empezar una relación amorosa cuando no llegas ni a fin de mes…”.

La existencia de “Soñando en negro” es una historia de éxito en sí misma: Nació como una webserie, en 2018, que narraba las propias vivencias de Adjani Salmon y Ali Hughes. La notoriedad fue tal que en 2021 desarrollaron un episodio piloto para BBC y, tras su emisión, ganó el BAFTA a Talento Emergente. Fue entonces cuando A24 decidió embarcarse en la producción y catapultar la serie. Desde su estreno en BBC Three (Reino Unido) el pasado mes de julio, la serie no ha dejado de recoger críticas excelentes, así como premios y reconocimientos, apareciendo incluso en el nº2 del ranking de Deadline “Lo mejor de la televisión en 2023”. Asimismo, los productores han confirmado que habrá una segunda temporada. La primera, disponible a partir del 2 de abril en Filmin, está formada por 6 episodios de 25 minutos.

Coincidiendo con el estreno en Filmin de su última película, «Fallen Leaves», llegan al catálogo 17 películas y 7 cortometrajes dirigidos por el maestro finlandés.

Tras su paso por cines y filmotecas de nuestro país de la mano de Avalon, el próximo viernes 19 de abril llega a Filmin «Universo Aki Kaurismäki», un recorrido casi integral por la filmografía del director finlandés. 17 largometrajes, entre ellos su última y aclamada película «Fallen Leaves», y 7 cortos integran este ciclo que pone de relieve una de las obras cinematográficas más relevantes del cine de autor contemporáneo.

«Universo Kaurismäki» incluye algunas de las películas más premiadas del director, como «Un hombre sin pasado», Gran Premio en Cannes 2002; «Nubes pasajeras» (1996) también premiada en Cannes en su primera participación en el festival francés; o «La vida de bohemia» (1992) y «La chica de la fábrica de cerillas» (1990), ambas galardonadas en el Festival de Berlín. Kaurismäki es, junto a Paul Thomas Anderson, el único director que ha ganado en tres ocasiones el Gran Premio FIPRESCI, que anualmente entrega la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica a la mejor película del año. Para los más completistas, el ciclo incorpora dos cortometrajes y cinco videoclips dirigidos por Kaurismäki. Los 24 nuevos títulos se suman a sus películas que ya estaban disponibles en Filmin: «El Havre» (2011), «El otro lado de la esperanza» (2017) y el corto «O tasqueiro» (2007), incluido en la película colectiva «Centro histórico».

El cine de Kaurismäki se define por sus personajes, personas corrientes de clase trabajadora que atraviesan dificultades pero siempre encuentran, al final, una puerta a la esperanza. Su estilo, frío y cálido, solitario y tierno, es una carta de amor a los pequeños actos cotidianos, una elección que le emparenta con Ozu, posiblemente su referente más evidente. Aunque no es muy aficionado a los movimientos de cámara, su estilo ha ido evolucionando con el paso de los años, partiendo de una puesta en escena construida en base a planos largos y fijos a una más libre, no tan encorsetada por esa rigidez formal que permite que sea fácil identificar una película de Kaurismäki viendo apenas un par de planos.

TÍTULOS DEL CICLO:

Luces al atardecer (2006) ● «Un hombre sin pasado» (2002) ● «Juha» (1998) ● «Nubes pasajeras» (1996) ● «Leningrad Cowboys Meet Moses» (1994) ● «Leningrad Cowboys Total Balalaika Show (1993) ● «Agárrate el pañuelo, Tatiana» (1993) ● «La vida de bohemia» (1992) ● «Contraté un asesino a sueldo» (1990) ● «La chica de la fábrica de cerillas» (1990) ● «Leningrad Cowboys Go America» (1989) ● «Ariel» (1988) ● «Hamlet va de negocios» (1987) ● «Sombras en el paraíso» (1986) ● «Calamari Union» (1985) ● «Crimen y castigo» (1983) ● «Valimo» (2007, C) ● «Leningrad Cowboys: These Boots» (1992. C), C ● «Leningrad Cowboys: Those Were The Days» (1991, C) ● «Rich Little Bitch (1987, C) ● «Leningrad Cowboys: L.A. Woman» (1987, C) ● «Leningrad Cowboys: Thru the Wire» (1987, C) ● «Rocky VI» (1986, C)

Nicolas Philibert ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín gracias a este documental sobre salud mental que llega a Filmin el 22 de marzo.

Filmin estrena el próximo viernes 22 de marzo, en exclusiva en plataformas digitales, el documental «En el Adamant», del director francés Nicolas Philibert («Ser y tener»). La película ganó el Oro de Oro a la Mejor Película del Festival de Berlín en 2023, lo que ha supuesto el mayor reconocimiento internacional para su director hasta la fecha. Además, fue nominada al premio al Mejor Documental en los Premios del Cine Europeo.

«En el Adamant» reflexiona sobre el lugar que tiene reservada la sociedad para las personas neurodiversas dentro de un sistema de salud cada vez más desgastado, como es el francés. El Adamant es un barco amarrado en el Muelle de la Rapée, en la orilla derecha del río Sena, que ejerce como una de las sedes del Centro Psicológico del Hospital Esquirol de París. Una suerte de centro social en el que se buscan nuevas vías terapéuticas para tratar los problemas de Salud Mental, con un enfoque radicalmente distinto al de la psiquiatría tradicional. En el Adamant se organizan numerosos talleres: de costura, música, lectura, cineclub, escritura, dibujo y pintura, relajación, marroquinería, elaboración de mermeladas… aunque los asistentes pueden simplemente pasear por el espacio o tomarse un café, acudir al centro a diario o hacerlo de manera esporádica. Los propios pacientes intervienen de una manera activa en un proceso de sanación que presta atención permanente a sus vidas cotidianas. Frente al deterioro y la deshumanizacion de la psiquiatría moderna, el Adamant emerge como un espacio único de resistencia en el que pacientes y cuidadores construyen su vida día a día.

Philibert define el Adamant como «un lugar abierto sobre la vida que tiene como misión intentar devolver a los pacientes un poco de impulso, reestructurar su vínculo con el mundo cuando a menudo se encierran en sí mismos y no tienen ganas de salir de allí«. El director explica que algunos de los pacientes del Adamant han encontrado un equilibrio en sus vidas y logran convivir con su enfermedad: «Quería que el espectador perdiera un poco esos clichés que todos tenemos sobre la enfermedad psíquica: la violencia, los gritos, etc. No es así todo el tiempo y de eso trata la película: cambiar un poco la imagen y las representaciones que tenemos a menudo de la locura”.

En la última edición del Festival de Berlín, Philibert ha presentado «Averroès & Rosa Parks«, suerte de secuela de «En el Adamant» que sigue explorando otras unidades especializadas en salud mental del parisino Hospital Esquirol. Filmin ha adquirido los derechos de distribución de esta película, que llegará a la plataforma en los próximos meses.

Felix Herngren («El abuelo que saltó por la ventana y se largó«) dirige la adaptación televisiva de las novelas de Emelie Schepp protagonizadas por la fiscal y ex niña soldado Jana Berzelius.

El próximo martes 12 de marzo Filmin estrena en exclusiva en España la serie sueca «Almas robadas», adaptación de la novela homónima escrita por Emelie Schepp y editada en España por HarperCollins. Es uno de los libros que integran la colección de novelas de Schepp protagonizadas por la ex niña soldado Jana Berzelius, interpretada en la ficción por Madeleine Martin («Atrapada en las profundidades«). La serie está dirigida por Felix Herngren, director de la nominada al Óscar «El abuelo que saltó por la ventana y se largó«, en el que es el primer thriller de su carrera.

«Almas robadas» narra la historia de la fiscal Jana Berzelius. Durante la investigación sobre el asesinato de un alto funcionario de la Agencia Sueca de Migración, el principal sospechoso del crimen también aparece muerto y Jana reconoce en su cadáver unas marcas que le resultan familiares, y que guardan relación con su pasado como niña refugiada en un país devastado por la guerra. Felix Herngren afirma que «el ADN de la serie se encuentra en los contrastes entre la luz y la oscuridad, en lo que respecta a su ambientación, sus personajes y su estado de ánimo».

El director explica que como espectador consume muchos más dramas criminales que comedias, aunque este último género sea el que ha marcado su carrera como cineasta. «Cuando me pidieron que hiciera esto, me pareció súper divertido, realmente un nuevo desafío para mí«, explica Herngren, que se felicita por haber contado con el apoyo del realizador Henrik Björn («Jordskott«), mucho más experimentado en el thriller. Ambos ponen en pie la adaptación de un libro que ha vendido más de 3 millones de ejemplares en 30 países. «El objetivo era crear una serie que fuera fiel al espíritu de la novela de Schepp, pero que a la vez se sintiera como algo nuevo. Será divertido ver la reacción de los fans, ¿nos querrán asesinar con hachas o nos mandarán una caja de bombones?«, bromea Herngren.

«Almas robadas» está integrada por seis episodios de 50 minutos. Junto a la ya citada Madeleine Martin, destacan en el reparto los nombres de Pernilla August (Shmi Skywalker en la saga «Star Wars«), Thure Lindhardt («Keep the Lights On«) o August Wittgenstein («Maus«), entre otros. La serie es una producción de Viaplay, la plataforma de streaming nórdica que produce unas 70 series internacionales originales cada año.

«Trouble Every Day» (16 de febrero) y «Martyrs» (15 de marzo) llegan al catálogo de Filmin de la mano de Vértigo Films

Filmin sumará en las próximas semanas a su catálogo de suscripción dos de las películas de terror más influyentes del siglo XXI: «Trouble Every Day», de Claire Denis (16 de febrero), y «Martyrs», de Pascal Laugier (15 de marzo). Ambas abanderaron una corriente cinematográfica a principios del milenio, el llamado Nuevo Extremismo Francés, heredero del gore y del cine de explotación estadounidense de los años 70. Bajo este paraguas algunos discursos críticos reunieron un puñado de películas francesas producidas en la primera década del siglo XXI que reconfiguraban el cine de terror apostando por altísimas dosis de violencia, una reflexión sobre el cuerpo, la carne y el erotismo deudora de Georges Bataille, y una celebración del exceso sádico. Las espantadas y desmayos en las proyecciones de estas películas configuraron la mejor campaña de marketing del movimiento, al que podemos sumar otros títulos clave como «Al interior» (Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007), «Frontière[s]» (Xavier Gens, 2007), «Alta tensión», (Alexandre Aja, 2003) o «Irreversible» (Gaspar Noé, 2002).

«Trouble Every Day» es sin duda una rareza dentro de la filmografía de Claire Denis («Un sol interior») y también una de las colaboraciones más exquisitas entre la directora y el grupo Tindersticks, responsables de la música en la mayoría de sus películas. Protagonizada por Vincent Gallo y Tricia Vessey, mezcla una trama asimilable al arquetipo del científico loco con el canibalismo que «padecen» algunos personajes a su pesar. A su vez, su extraño erotismo la emparentaba con la obra de otras autoras galas como Catherine Breillat o Virginie Despentes.

A «Martyrs», la película que puso en el mapa internacional a su director Pascal Laugier, no le quedaría ancha la etiqueta de ser considerada la película más violenta de todos los tiempos. Impacta por su salvajismo, perpetuado en el metraje con saña, pero también por el componente místico, trascendente y elevado de su desenlace que aporta extrañeza y remite a la etiqueta de culto del largometraje. La película nunca llegó a estrenarse en los cines españoles, y de hecho permanecía inédita en nuestro país hasta que Vértigo Film la editó en Blu-ray en 2021. Ahora debutará en plataformas digitales de la mano de Filmin.

La plataforma ha incorporado a su catálogo Solas y La boda de Rosa, y estrenará en febrero otros títulos también galardonados en la gala, como El lobo y Moros y cristianos.

FlixOlé llega a la 38ª edición de los Goya batiendo récord de goyas en su catálogo y convirtiéndose en la plataforma con más ‘cabezones’: 140 películas galardonadas y más de 330 premios. Y lo hace con el estreno de títulos como: Solas y Habana Blues (Benito Zambrano, 1999 y 2005, respectivamente), La boda de Rosa (Icíar Bollaín, 2020), La flaqueza del bolchevique (Manuel Martín Cuenca, 2002); además de los cortos de animación Blue&Malone: casos imposibles (Abraham López Guerrero, 2020) y Madrid 2120 (José Luis Quirós y Paco Sáez, 2019). Un listado de goyas al que se sumará el estreno el viernes 16 de febrero de Moros y cristianos (Luis García Berlanga, 1987), y de El lobo (Miguel Courtois, 2004) el día 23 del presente mes.

Para celebrarlo, FlixOlé ha presentado varias colecciones que permiten disfrutar de las grandes ganadoras de la ceremonia. También de los títulos que se pasearon por la alfombra roja y los largometrajes en los que Juan Mariné, próximo Goya de Honor, intervino como director de fotografía.

A través del especial ‘Arrasaron en los Goya’, se podrá acceder a las películas que más estatuillas consiguieron llevarse a casa: Mar adentro (Alejandro Amenábar, 2004), ¡Ay, Carmela! (Carlos Saura, 1989), Días contados (Imanol Uribe, 1994), Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995), Las brujas de Zugarramurdi (Álex de la Iglesia, 2013), La buena estrella (Ricardo Franco, 1997) y Tarde para la ira (Raúl Arévalo, 2016). Así hasta un total de 14 filmes que acapararon los focos; y entre los que se encuentra el reciente estreno de Solas, la ópera prima con la que Benito Zambrano reflejó temas tan sensibles como la soledad y el maltrato.

La actriz Candela Peña, en la película ‘La boda de Rosa’

‘Cine con Goya’ y homenaje a Juan Mariné

La segunda colección, que lleva por nombre ‘Cine con Goya’, recoge más de 120 títulos que fueron galardonados por la Academia de Cine. Dentro de dicho especial se han incluido La boda de Rosa, tragicomedia sobre la importancia de cuidarse y respetarse a uno mismo; La flaqueza del bolchevique, adaptación de la novela de Lorenzo Silva que descubrió a María Valverde al espectador, llevándose el Goya a Mejor actriz revelación; los premiados en la categoría de Mejor cortometraje de animación en sus respectivas ediciones, Madrid 2120 y Blue&Malone: casos imposibles; así como el drama que Benito Zambrano mezcló con sonidos cubanos en Habana Blues.

La plataforma se suma además a la fiesta del cine español repasando la carrera de Juan Mariné, quien recibirá el Goya de Honor en la presente edición. El restaurador e investigador cinematográfico desarrolló una prolífica carrera como director de fotografía, dejando un creativo legado que se puede visitar en la colección que FlixOlé le ha dedicado. La misma alberga desde sus primeros trabajos hasta la última película en la que ejerció dicho rol: La grieta (Juan Piquer Simón, 1990).

FlixOlé estrenará el próximo 16 de febrero la película de Luis Berlanga, ‘Moros y cristianos’

Nuevas incorporaciones en febrero

A lo largo del mes de febrero, el servicio de vídeo bajo demanda especializado en cine español incorporará otros dos largometrajes que también se han dejado ver por la gala. El primero será la alocada comedia coral de Luis García Berlanga: Moros y cristianos, cuyo estreno el próximo 16 de febrero completa así la filmografía del director valenciano disponible en FlixOlé.

Una semana después, el 23 de febrero, llegará al catálogo de la plataforma El lobo. Este thriller protagonizado por Eduardo Noriega y que relataba en la gran pantalla la historia de uno de los primeros agentes infiltrados en la banda terrorista ETA, se convirtió en uno de los grandes éxitos del cine español en el año de su estreno. Asimismo, el filme obtuvo el Goya a Mejor montaje y Mejores efectos especiales.

Filmin estrena el próximo martes 13 de febrero, en exclusiva en España, la serie británica “El Quinto Mandamiento”, un drama basado en hechos reales en el que Timothy Spall (“Mr. Turner”) interpreta a Peter Farquhar, el inspirador exprofesor que, en 2015, a sus 69 años, fue asesinado por el joven capillero con quien mantenía una relación sentimental, Ben Field (Éanna Hardwicke). Firmada por Sarah Phelps (“Un escándalo muy británico”) y dirigida por Saul Dibb (“Senderos de honor”), la serie es uno de los platos estrella de la temporada de la BBC y ha sido descrita por The Guardian como “la pieza televisiva más inmaculada que verás jamás”.

Peter es un profesor homosexual que, por sus creencias y carácter, ha vivido reprimido toda su vida. Su alumno Ben, con su talante cortés y encantador, vislumbra la soledad de Peter y su clemente desesperación por hallar cualquier tipo de compañía. Con un poco de afecto y amor profesado por Jesucristo, el joven consigue entrar en la vida de Peter y hacerle creer que ha encontrado a su alma gemela. El veneno penetra en su relación de forma metafórica y literal. Primero, cuando Ben aísla al profesor del mundo y le induce en una espiral de luz de gas; después, cuando el alumno termina con la vida del docente.

Pero Peter no es el único. Detrás de él cae su vecina y amiga Anne Reid (Ann Moore-Martin, “Sanditon”), una señora de 83 años sobre quien Peter también echa el ojo y la garra, sometiéndola a diferentes formas de seducción, persuasión y envenenamiento.

“La serie va sobre la soledad y el amor”, explica Spall, “sobre los sueños cumplidos que son demasiado bonitos para ser verdad […]. No es una historia de manipulación al uso, en la que se suele ver a la víctima como una marioneta. Es mucho más sofisticado. Se habla de cómo las personas más inteligentes pueden ser engañadas por sus propios deseos consumados. Todo en base a una psicología muy sutil interpretada brillantemente por el joven actor Éanna Hardwicke, quien aparenta ser genuino, amable y servicial incluso cuando las cosas se ponen complicadas”.

El título original de la serie es “The Sixth Commandment” (El Sexto Mandamiento), en referencia al capítulo de la Ley de Dios que “prohíbe matar”. Sin embargo, el título se ha traducido al español como “El Quinto Mandamiento”, pues los católicos siguen una numeración distinta a los protestantes –anglicanos, en este caso–. Los 4 capítulos de 60 minutos que forman la serie estarán disponibles solo en Filmin a partir del 13 de febrero.

La actriz Hermione Corfield («Contagio en alta mar«) protagoniza este drama ambientado en los albores de la I Guerra Mundial y basado en hechos reales.

El próximo 19 de enero, Filmin estrenará «The Road Dance«, segundo largometraje del director estadounidense Richie Adams («Of Mind and Music«), La película adapta una novela del periodista John MacKay, quien estudió la historia real de su pueblo, en la escocesa Isla de Lewis, y que documenta un trágico suceso ocurrido en la zona a principios del siglo XX.

La actriz Hermione Corfield, vista en películas como «Nacido Rey«, de Agustí Villaronga, o «Contagio en alta mar» interpreta a Kirsty Macleod, una joven aldeana que, en una noche de fiesta y baile para despedir a los jóvenes que van a alistarse en el ejército para combatir en la Primera Guerra Mundial, es víctima de un trágico y misterioso asalto. La película relata los días previos y los meses posteriores a la fatídica noche, y analiza hábilmente temas como el abuso, el trauma, la sororidad y lo que significaba ser mujer a principios del siglo XX.

«The Road Dance» se rodó íntegramente en la ciudad real de Garenin (o Gearrannan en gaélico escocés) en la hermosa isla de Lewis. Fue posible porque sus habitantes abrieron las puertas de sus casas para que se filmaran las escenas. «Era una especie de set cerrado. Todo se rodó en exteriores. Creo que por eso resulta tan auténtica«, afirma Richie Adams.

Aunque los temas que aborda la película (el abuso, el patriarcado, la vergüenza…) resuenan en 2024, la película es muy consciente histórica y culturalmente. Como explica Hermione Corfield, «lo genial del guion es que no intenta decir que las mujeres piensan de la misma manera ahora que entonces. Pero creo que, aunque está ambientada en esa época, hay muchas cosas que siguen siendo extremadamente relevantes hoy en día«. La actriz añade: «Queríamos que el público se quedara con un sentido de resiliencia y de esperanza: incluso en una época y un lugar donde había tanta presión por ser mujer, y después de ser vapuleada, todavía hay una salida para la protagonista«.

La película se estrenó internacionalmente en el Festival de Edinburgo, donde se llevó el Premio del Público, y posteriormente fue también premiada en los festivales de Manchester y Sedona.

Galardonada con el Oso de Oro en 1981, será la primera película española en participar en la sección Berlinale Classics

Transcurridos más de 40 años desde que Carlos Saura recogió el Oso de Oro por Deprisa, deprisa (1981), el Festival de Berlín presentará en su 74ª edición el estreno mundial de la versión 4K de esta obra maestra del cine quinqui. Será la primera película española en participar en Berlinale Classics, sección que desde su inauguración en 2013 dedica su programación a los grandes títulos del séptimo arte que han sido restaurados, y que el próximo mes de febrero proyectará una copia de Deprisa, deprisa remasterizada por la plataforma FlixOlé y la distribuidora Mercury Films.

Regresa así al festival esta historia de amor a flor de piel surgida en las barriadas del Madrid de principios de los ochenta y que, envuelta en atracos, drogas y la emblemática canción ‘Me quedo contigo’ de Los Chunguitos, conquistó al público y a la crítica internacional. La presentación servirá también de homenaje a su autor, Carlos Saura, cuando se cumple un año de su fallecimiento.

La restauración del filme se ha realizado a partir del negativo original de 35mm, logrando como resultado la inédita versión en 4K de Deprisa, deprisa que se estrenará en la capital alemana. Dicho proceso de remasterización ha corrido a cargo de FlixOlé y Mercury Films, en el marco de las labores que desempeñan para la conservación y recuperación del patrimonio audiovisual del país, así como en la promoción de los clásicos del cine español en los circuitos cinematográficos internacionales más prestigiosos.

La poética película de cine quinqui con la que Saura se reinventó

Pablo, Meca y Sebas son tres amigos de los suburbios de Madrid que se dedican a robar coches y a atracar bancos. El primero de ellos se enamora de Ángela, una camarera de bar con la que comienza una relación. Ésta se unirá al grupo y participará en los golpes para dejar atrás el ambiente marginal en el que viven. Entre la ficción y el documental, Carlos Saura transcribió en Deprisa, deprisa los relatos de aquella juventud perdida de los descampados que, absorbida por la violencia y la drogadicción, intentaba salir a flote -de la peor manera posible- en la España de los 80.

Para entonces, el conocido como cine quinqui había asaltado la cartelera del país con exitosos títulos repletos de peleas callejeras, sexo, persecuciones y chutes de heroína. El realizador aragonés prefirió adentrarse en la cotidianidad de los bajos fondos y ofrecer un retrato lo más veraz posible sobre el fenómeno social.

A la verosimilitud de lo narrado en Deprisa, deprisa contribuyó el elenco, formado por actores no profesionales cuyas vidas se asemejaban a la de los delincuentes que interpretaban: José Antonio Valdelomar (Pablo), Jesús Arias (Meca) y José Mª Hervás (Sebas). Asimismo, cobró especial importancia el papel de Berta Socuéllamos (Ángela): los personajes femeninos apenas tenían peso en la trama de las películas del cine quinqui; sin embargo, en el caso de la cinta de Carlos Saura, el protagonismo recayó en la figura de Ángela.

Un nuevo cartel para la renovada versión

Con rigor y una cuidada estética, Saura construyó un romance que se alejó del exploitation al que acostumbraba el cine quinqui, pero que transmitía de igual manera la cruda verdad que se vivía en la periferia de las grandes ciudades. La mezcla de lirismo y objetividad hizo de Deprisa, deprisa una exitosa obra maestra dentro de ese género de sobredosis, navajeros y música de Los Chunguitos. También en un punto de inflexión en la carrera del director, quien pasó del cine críptico y metafórico desarrollado durante el franquismo al realismo.

El estreno mundial de la copia en 4K de Deprisa, deprisa en el Festival de Berlín irá acompañado de un nuevo cartel de la película. Basándose en el póster original realizado en su día por Cruz Novillo, los miembros del proyecto ‘La Residencia’, David Rodríguez Losada y Jorge Luengo, han elaborado un diseño alternativo a partir de una icónica escena de sus protagonistas. Además del cartel, ‘La Residencia’ ha creado un nuevo tráiler del filme expresamente para el evento, el cual se lanzará en próximas fechas.

Filmin estrenará en 2024 dos series coproducidas y distribuidas por A24, una de las empresas audiovisuales más prestigiosas del mundo, reconocida por su mirada fresca y alternativa y el sello detrás de series como «Euphoria» y de películas como la última ganadora del Oscar a la Mejor Película, «Todo a la vez en todas partes». Se trata de dos comedias británicas que han marcado el año seriéfilo en el Reino Unido: «Such Brave Girls», protagonizada y creada por Kat Sadler, y «Dreaming Whilst Black», escrita y protagonizada por Adjani Salmon.

«Such Brave Girls», emitida en noviembre en BBC Three y estrenada recientemente en Estados Unidos de la mano de Hulu, es una comedia familiar que sigue la vida de dos hermanas, Josie y Billy, que viven junto a su madre soltera y transitan por la vida con poco juicio y cargadas de un peculiar sentido del humor mientras se relacionan con personas que no son de fiar y que no se preocupan demasiado por ellas. La actriz y cómica Kate Sadler, con una amplia experiencia como guionista en diversos programas de humor, tanto televisivos como radiofónicos, firma una serie que además protagoniza junto a su hermana en la vida real, la debutante Lizzie Davidson. Por su parte, la actriz Louise Brealey («Sherlock») interpreta a Deb, la madre de ambas. Tras su estreno en Gran Bretaña y Estados Unidos, la serie ha recibido excelentes críticas. The Hollywood Reporter habla de «un nuevo giro en la comedia británica traumática» y señala a Sadler como «una de las revelaciones del año»; por su parte, The Guardian la define como «adecuadamente brutal y adecuadamente divertida… singular, fresca, escabrosa, insobornable e hilarante».

«Dreaming Whilst Black» ha sido una de las grandes sorpresas de la temporada tras su estreno en verano en BBC Three y su posterior llegada a Estados Unidos de la mano de Paramount+. La serie ha sido nominada a dos Independent Spirit Awards en las categorías de Mejor Nueva Serie y Mejor Nuevo Intérprete, candidatura que ha recaído en la figura de su creador y protagonista, Adjani Salmon («Chivalry»). «Dreaming Whilst Black» es la adaptación de la premiada web-serie homónima que Salmon y Ali Hughes estrenaron en 2018. Inspirada en sus propias vivencias, la serie de Salmon narra la historia de un aspirante a cineasta llamado Kwabena, que sueña con triunfar junto a su amiga de la escuela de cine y productora Amy (Dani Moseley). El problema es que está arruinado, es negro y nació en una familia jamaicana que preferiría que fuese contable. Partiendo del humor, la serie reflexiona sobre asuntos serios como la discriminación, la desigualdad o la historia, y se ha ganado el favor de la crítica a los dos lados del charco: Para The Guardian, «[Dreaming Whilst Black] está rompiendo las reglas de la comedia; mientras que en USA The Daily Best la define como «una de las series más gratificantes del año».

Las dos series llegarán a España, de la mano de Filmin, durante el primer cuatrimestre del 2024.

Esta ácida comedia política, creada por Johan Fasting («Home Ground»), narra la historia de Gro Harlem Brundtland, la primera mujer que llegó al poder en Noruega en los años 80.

Filmin estrena el próximo martes 19 de diciembre, en exclusiva en España, la serie noruega Power Play, creada por Johan Fasting («Home Ground») y dirigida por Yngvild Sve Flikke («Ninjababy»). Fue la ganadora del premio a la Mejor Serie en la última edición del Cannes International Series Festival, donde además se llevó el premio a la Mejor Música; y se presentó en España en la primera edición del  South International Series Festival de Cádiz.

«Power Play» es una ficción basada en hechos reales que narra, en tono de sátira política, la historia de Gro Harlem Brundtland, figura muy conocida en Noruega por ser la primera mujer proclamada Primera Ministra del país, cargo que ostentó hasta en tres legislaturas distintas. Con 35 años, esta doctora y madre de cuatro hijos entró en la esfera pública sin conocer las reglas del juego que imperan en los pasillos del poder. A pesar de ser contratada como un rostro femenino que sirviera de bálsamo para las reivindicaciones feministas, y de ser relegada a un ministerio de Medio Ambiente prácticamente simbólico, Bruntland mantuvo a salvo su carrera trabajando más que nadie. Llegó al cargo de Primera Ministra, pero no sin pagar un alto precio por ello. De la noche a la mañana perdió su popularidad y fue insultada y ridiculizada en las portadas de los medios de comunicación. Sus hijos sufrieron abuso en la escuela y el matrimonio con su marido, el político conservador Arne Olev, estuvo siempre en la cuerda floja.

La serie, rodada en 16 mm y con un gran diseño de producción, nos hace viajar hasta los años 70 con una estética definida por los productores como «una única y anárquica energía visual» que incluye rupturas abruptas de la cuarta pared y un grafismo que nos remite al mundo del cómic. El objetivo es que una serie ambientada en el pasado resulte fresca y pueda interesar a una audiencia joven y moderna.

En palabras de la productora Camilla Brusdal, «vivimos un momento decisivo. La solidaridad de posguerra es cosa del pasado y soplan los vientos del capitalismo. Esta serie es una panorámica que retrata cómo el juego político ha llevado a la socialdemocracia a la ruina y ha abierto la puerta a una nueva era política donde la democracia ya no reside en el pueblo, sino en una élite que se ha instalado en el poder«. Partiendo de esta premisa, «Power Play» recupera y reivindica la figura de Gro Harlem Brundtland, afirmando que hubo un antes y un después en Noruega tras su paso por el gobierno. «Actualmente, seis de cada diez personas con educación superior en Noruega son mujeres. El aborto es un derecho reconocido, los hombres cuentan con una baja de paternidad y tenemos un sistema público de guarderías gratuitas. Todo esto era impensable antes. ¿Cómo una mujer pudo cambiar una nación y toda la estructura social en tan poco tiempo? ¿Fue simplemente una mujer que llegó en el momento y el lugar adecuados?«, se pregunta Brusdal.

La actriz Kathrine Thorborg Johansen, vista en series como «Home Ground» o «El gran fondo», encabeza un reparto en el que también encontramos a Jan Gunnar Røise («Perni») y Anders Baasmo Christiansen («Exit»).

La plataforma estrena ambos títulos junto a una colección con las películas del realizador sevillano, desde el documental de culto ‘Juguetes rotos’ hasta las rodadas con cámara oculta.

Ingenioso a la par que chistoso, Manuel Summers desarrolló una inusual trayectoria como humorista gráfico. También como director de cine, siendo uno de los autores de cabecera del audiovisual español por la originalidad y no menos comicidad con la que retrató a todo un país y sus gentes. La plataforma FlixOlé reivindica las viñetas cinematográficas de este creador, a menudo olvidado, con el estreno el próximo jueves 7 de diciembre de su ópera prima, Del rosa…al amarillo (1963), y su siguiente filme La niña de luto (1964).

La carta de presentación de este realizador recién salido del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC) fue un romance narrado desde una perspectiva distinta a la que acostumbraba verse en la gran pantalla de la época. A través de inocentes dibujos de corazones dibujados en un pupitre de escuela y las misivas de amor intercambiadas en una residencia, Manuel Summers reflejó en Del rosa…al amarillo el despertar del enamoramiento en una pareja de preadolescentes, y el amor que se profesaban a escondidas dos ancianos en un asilo de monjas.

El director logró tocar la fibra de público y crítica mediante dos historias independientes que representaban los nervios del primer amor y el poder rejuvenecedor del sentimiento en la senectud. Asimismo, conectaba al espectador con ese niño que un día fue y le hacía olvidarse del mundo adulto recordándole cuando pasaba las tardes con las chapas o se dejaba pillar al ‘rescatao’ para coger la mano de la chica que le gustaba.

Cristina Galbó y Pedro Díez del Corral, protagonistas en ‘Del rosa…al amarillo’

Concha de Plata en el Festival de San Sebastián

El director logró tocar la fibra de público y crítica mediante dos historias independientes que representaban los nervios del primer amor y el poder rejuvenecedor del sentimiento en la senectud. Asimismo, conectaba al espectador con ese niño que un día fue y le hacía olvidarse del mundo adulto recordándole cuando pasaba las tardes con las chapas o se dejaba pillar al ‘rescatao’ para coger la mano de la chica que le gustaba.

La cinta obtuvo la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián, y supuso la primera conquista comercial del denominado ‘Nuevo Cine Español’. En su debut como realizador, Summers contribuyó a que el séptimo arte nacional abrazase la modernidad con una película sencilla en apariencia, que no dejaba de lado la crítica, y que combinaba elementos propios del neorrealismo italiano y la nouvelle vague.

El peso de la tradición en La niña de luto

Junto la ópera prima de Manuel Summers, la plataforma también estrenará en su catálogo La niña de luto (1964). Nominada a la Palma de Oro en Cannes, este episodio sobre el amor durante la madurez se incluía en un principio en Del rosa…al amarillo, pero finalmente se convirtió en una película independiente. La misma presentaba a Rocío (Mª José Alfonso) y Rafael (Alfredo Landa), una pareja de un pueblo andaluz que se ve obligada a aplazar su boda debido al luto que ella debe guardar por la muerte de su abuela. Cuando por fin puede contraer matrimonio, fallece su abuelo, teniendo que vestir de nuevo el negro. Cansado de la situación, Rafael le propone a Rocío huir y vivir lejos de allí.

Mientras que en Del rosa…al amarillo, los obstáculos que evitaban el triunfo del amor eran institucionales -el profesor en el caso de los adolescentes, las monjas en el de los ancianos-, en La niña de luto son los puritanos convencionalismos de la sociedad. Con estos mimbres, y buenas dosis de humor negro, Summers perfiló un tierno y a la vez amargo testimonio social y político de la España de entonces.

María José Alfonso y Alfredo Landa, compartiendo plano en ‘La niña de luto’

Colección Manuel Summers

Una práctica que continuó desarrollando en películas sucesivas: ya fuese abordando el tema del adulterio en plena dictadura del nacionalcatolicismo,  El juego de la oca (1965); rindiendo homenaje a viejas glorias en Juguetes rotos (1967), documental que sufrió numerosos cortes por parte de la censura; o sumándose a la fiebre de comedias erótico-festivas como No somos de piedra (1968).

Estos títulos estarán disponibles en la colección que FlixOlé estrenará el próximo 7 de diciembre para recordar al cineasta sevillano, y que incluyen las dos nuevas incorporaciones de la plataforma. En dicho especial se podrán encontrar también otros largometrajes con los que Summers demostró la facilidad que tenía en innovar: Adiós, cigüeña, adiós (1971), exitoso filme sobre el descubrimiento sexual en la adolescencia; la secuela de ésta, El niño es nuestro (1973); la famosa trilogía de cámara oculta, formada por ¡To er mundo e güeno! (1981), To er mundo e… ¡mejó! (1982) y To er mundo e… ¡Demasiao! (1985); así como el retrato autobiográfico que filmó en Me hace falta un bigote (1986).

El próximo 24 de noviembre llega a Filmin el documental sobre Chet Baker nominado al Oscar, junto a otros cinco títulos del gran fotógrafo y director estadounidense.

35 años después de su celebrado estreno en el Festival de Venecia, donde se llevó el Premio de la Crítica, llega a Filmin el documental de Bruce Weber «Let’s Get Lost», esta vez en una versión restaurada en 4K. Una copia prodigiosa que se estrenó el pasado mes de octubre en el Lumiére Film Festival de Lyon y que ha sido realizada por la empresa neoyorquina Cineric y distribuida internacionalmente por HanWay Films.

Muchos consideran «Let’s Get Lost» como el mejor documental musical de todos los tiempos. Nominado al Oscar en 1988, el film es un retrato del último año de vida del genial trompetista, cantante y músico de jazz Chet Baker, valiéndose de material rodado durante la última gira del músico, con entrevistas con el propio Baker, sus esposas, hijos, amigos y novias, así como extractos de antiguas películas italianas de serie B. La película es un documento explícito que presenta, a modo de advertencia, las trampas en las que pueden caer los personajes famosos y llenos de talento, y adquirió una dimensión adicional cuando, durante la etapa de montaje, el artista murió al precipitarse por la ventana de un hotel en Ámsterdam.

«Let’s Get Lost» llegará a Filmin junto a otros títulos de Bruce Weber, uno de los fotógrafos de moda más importantes del mundo gracias a su trabajo con firmas como Calvin Klein, Abercrombie & Fitch y Ralph Lauren. En su faceta como cineasta encontramos títulos como «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast», un retrato del actor Robert Mitchum; «Chop Suey», en el que documenta el paso de la niñez a la edad adulta de un joven llamado Peter Johnson; o «Broken Noses», su ópera prima, en la que sigue al boxeador profesional Andy Minsker y a sus jóvenes pupilos en un pequeño club de boxeo en Portland, Oregon.

Títulos que integran el ciclo:
– «Let’s Get Lost (4K)» (1988)
– «Broken Noses» (1987)
– «The Beauty Brothers» (1987)
– «Chop Suey» (2001)
– «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast» (2018)
– «Las fotografías de Paolo di Paolo, el tesoro de su juventud» (2021). Ya disponible en Filmin.

La plataforma también incorporará al catálogo de películas dirigidas por Fernán Gómez la exitosa adaptación de ‘Los palomos’ y la arriesgada zarzuela ‘¡Bruja, más que bruja!’

Como si de un hombre del Renacimiento se tratara, Fernando Fernán Gómez alcanzó la excelencia en cuantos trabajos realizó a lo largo de su carrera: legó al público memorables personajes en su faceta de actor; firmó obras literarias de obligada lectura, traducidas algunas al guion cinematográfico; y dirigió varios clásicos del cine español, entre los que se encuentra La vida por delante (1958), película que FlixOlé estrenará el próximo viernes, 10 de noviembre.

La plataforma especializada en cine español presentará una colección con los títulos más emblemáticos dirigidos por Fernán Gómez. Un recorrido por la filmografía del cineasta en el que también se incorporarán al catálogo de FlixOlé —además de la citada La vida por delante— la adaptación de la obra teatral de Alfonso Paso, Los palomos (1964), y ¡Bruja, más que bruja! (1977).

Fernando Fernán Gómez, en la película ‘La vida por delante’

Ingeniosa y ácida comedia dramática

Considerado por la crítica como el primer gran título que Fernán Gómez realizó en su faceta como director, La vida por delante significó un soplo de aire fresco para la gran pantalla del país en el momento de su llegada a las salas. El autor proyectó las influencias sainetescas y neorrealistas que le impactaron a su paso por los escenarios y delante de la cámara; hasta convertirlas en un retrato cómico de los dramas que las gentes vivían en la España de los 50.

Protagonizada por el propio cineasta, en compañía de Analía Gadé, el filme presentaba las dificultades que experimenta una pareja joven para construir su hogar. Problemas tan en boga en la actualidad como la falta de oportunidades y de un trabajo fijo, los apuros económicos y la angustia de no poder pagar el minúsculo apartamento en el que viven marcan el negro porvenir de sus personajes.

Una crítica al modelo familiar, moral y laboral promovido por el franquismo. La película fue castigada por la censura, que la calificó con la puntuación más baja para limitar su proyección y distribución. A pesar de ello, el largometraje cosechó un importante éxito comercial, lo que propició el rodaje de una secuela.

Manuel Alexandre, José Luis López Vázquez y Gracita Morales, protagonistas en ‘Los Palomos’

Una completa colección

La vida por delante ha quedado también como uno de los filmes más interesantes estrenados en la época. Ello se debe a la originalidad con la que Fernán Gómez narró los avatares de la pareja, haciendo uso del flashback y del narrador presente. Entre las ingeniosas secuencias de la película se encuentra la de una persona tartamuda que intenta explicar a las autoridades los hechos de un accidente de tráfico: las imágenes de la escena se repiten de acuerdo a las intermitencias de la voz en off de Pepe Isbert cuando éste relata el suceso.

El largometraje La vida por delante se incluirá dentro del especial con el que FlixOlé recordará el periplo de Fernán detrás de la cámara. En dicha colección se podrá acceder a títulos tan inspiradores como El extraño viaje (1964) y El mundo sigue (1965); las disparatadas comedias El malvado Carabel (1955), La venganza de Don Mendo (1961) y Crimen imperfecto (1970); así como las premiadas El viaje a ninguna parte y Mambrú se fue a la guerra (ambas de 1986).

Nuevas incorporaciones ‘fernandianas’

A dichos filmes se suman el estreno en la plataforma de Los palomos, encargo que Fernán Gómez recibió y resolvió con envidiable solvencia al dirigir a un reparto de renombre encabezado por José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Fernando Rey, Mabel Karr, Julia Caba y Manuel Alexandre. El resultado fue una divertida comedia de salón que atrajo a más de medio millón de espectadores con la historia de un empresario sin escrúpulos que intenta colocar un crimen que él mismo ha cometido a un matrimonio humilde, Los Palomos.

También se añadirá a FlixOlé ¡Bruja, más que bruja!, una zarzuela esperpéntica en la España rural en la que el cacique del pueblo (Fernán Gómez) aprovecha la ausencia de su sobrino (Francisco Algora) para casarse con la novia de éste (Emma Cohen). Cuando el familiar regresa, intentará vengarse.

El festival proyectará el sábado 2 de septiembre la película de Carlos Saura: La caza (1966) en el marco de Venice Classics, sección dedicada a las mejores restauraciones de obras maestras del cine

El nombre de Carlos Saura regresa al Festival de Venecia en su decimoctava edición con La caza. La película, cuyo estreno en 1966 cambió para siempre el cine español, participará en Venice Classics, sección dedicada a las obras maestras del séptimo arte restauradas. La proyección del largometraje tendrá lugar el próximo sábado 2 de septiembre, a las 15:00 horas en la Sala Corinto, y contará con la presencia del hijo del cineasta, Antonio Saura, y del actor Emilio Gutiérrez Caba. Ambos presentarán una copia en 4K de La caza, remasterización realizada por la plataforma FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films.

La Mostra celebra así su particular homenaje a uno de los directores de cabecera del audiovisual español, fallecido el pasado mes de febrero. Desde el propio festival han  subrayado la importancia del realizador, y de su filme La caza: “Una de sus primeras y mejores películas”, y por la cual Carlos Saura recibió numerosos reconocimientos; entre ellos el Oso de Plata en la Berlinale.

Punto de inflexión en la filmografía del país, el largometraje del realizador aragonés demostró que, en una época poco dada a salirse de los márgenes, se podía hacer otro tipo de cine, sirviendo de faro para las producciones que vinieron después.

El actor, Ismael Merlo, en la película La caza

Una obra maestra que burló la censura 

Carlos Saura llevó a la gran pantalla una película insólita, tanto por la forma como por el contenido, que se adentró en las secuelas de la Guerra Civil, el ambiente claustrofóbico de una España inmersa en la dictadura y la camaradería que entonces se empezaba a asentar en la península y que desembocaría en la cultura del ‘pelotazo’ y del amiguismo en los negocios.

Esta alegoría sobre las heridas abiertas del conflicto bélico, testimonio también político y social de la época, logró sorprendentemente eludir la censura con la historia de José (Ismael Merlo), Paco (Alfredo Mayo) y Luis (José María Prada), tres amigos que deciden pasar una jornada de caza juntos. Les acompañará en esta escapada Enrique (interpretado por un joven Emilio Gutiérrez Caba), cuñado de Paco.

Sin embargo, lo que en principio se presentaba como un día para disfrutar contando presas, los rencores que traían consigo los protagonistas hará que ellos mismos sean la diana del odio con el que habían cargado sus escopetas. Asimismo, el áspero paisaje en el que se desenvuelven se convertirá en una cárcel al aire libre para los personajes.

La tensión alcanzada por Saura en La caza se construye a través de una fotografía dura en blanco y negro a cargo de Luis Cuadrado, y de un espléndido juego entre planos generales y detalle montados por Pablo G. del Amo. Todo ello da como resultado una película de extraordinaria factura técnica, y argumental, que la colocó a la vanguardia de la industria, tanto nacional como internacional.

La caza se convirtió en una alegoría sobre las heridas abiertas del conflicto bélico

Restauración de La caza, en la Venice Classics

El largometraje puso a su autor en el mapa fílmico europeo y hollywoodiense. También significó la primera colaboración entre Saura y Elías Querejeta, uno de los productores más importantes del cine español por los numerosos clásicos que ayudó a crear y por los nombres de directores a los que encumbró (el propio Saura, Víctor Erice, Jaime Chávarri y Gracia Querejeta, entre otros).

La selección de La caza dentro de la sección Venice Classics del Festival de Venecia, cuya programación aglutina todos aquellos clásicos de la historia del cine, es una muestra de la relevancia del filme en todo el mundo. Igualmente, la proyección de la copia en 4K pone en valor la labor de restauración del archivo cinematográfico español que desarrolla FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films.

En su compromiso de recuperar aquellos títulos imprescindibles del patrimonio audiovisual del país, la plataforma ha remasterizado en sus instalaciones (en los laboratorios Cherry Towers) la película La caza para que la misma pueda ser disfrutada en la mejor calidad de imagen y sonido, poniéndola también a disposición del espectador a través de su catálogo.

Más clásicos de Saura, en FlixOlé

Dicho proceso se ha replicado en otros largometrajes de Carlos Saura, como los títulos que componen su ‘Trilogía Flamenca’: Bodas de sangre (1981), Carmen (1983) y El amor brujo (1986); además de otros clásicos de la filmografía del autor como Peppermint Frappé (1967), La prima Angélica (1973) o Cría cuervos (1975). Todos estos filmes se pueden encontrar en FlixOlé.

La plataforma estrena el próximo 4 de julio el documental dirigido por Fermín Aio que recorre, en palabras de la propia Margarita Alexandre, la vida y obra de la que fue una de las primeras directoras y productoras de nuestro país

Actriz, guionista, directora en el franquismo y productora en la Cuba revolucionaria. Margarita Alexandre llevó una vida y carrera de película, sin embargo, su nombre permanece casi olvidado en la historia del cine español. Con motivo del centenario de su nacimiento, FlixOlé reivindica su legado con el estreno en exclusiva del documental Margarita Alexandre (Fermín Aio, 2017) el próximo 4 de julio, pudiéndose también visualizar en la plataforma desde sus primeros papeles como intérprete hasta la última película en la que intervino en la producción.

Pionera en situarse detrás de la cámara, luchó contra los convencionalismos sociales y políticos que relegaban a la mujer a las tareas domésticas. “Visceralmente libre”, como ella misma se definió en una entrevista, renunció a los privilegios que le otorgaba su título aristocrático para volcarse por completo en el cine y, mediante éste, expresar sus inquietudes y espíritu crítico. “He sido muy, muy libre. Nunca he aguantado cadenas”, señalaba en el documental.

El primer encuentro de Margarita Alexandre con el séptimo arte fue fortuito. Estudiaba en la Alianza Francesa cuando fue elegida para encarnar, fugazmente, a la Inmaculada Concepción de Murillo en el largometraje Tierra y cielo (Eusebio Fernández Ardavín, 1941). El rodaje despertó su fascinación, y decidió continuar con la experiencia de actriz. Después de trabajar a las órdenes de distintos directores, como Edgar Neville en Correo de Indias (1942), comprendió que su vocación no estaba en la interpretación, sino en la dirección.

Directora durante el franquismo y productora en la revolución

Con Rafael Torrecilla, ayudante de dirección que conoció mientras ella ejercía de script, formó pareja en lo profesional, y también en lo personal. Ambos fundaron Nervión Films, con la que produjeron sus propias películas. Entre ellas: La ciudad perdida (1955), un cántico a la reconciliación en la que un comunista perseguido por las autoridades hace rehén a una joven de clase alta con la que termina entablando una relación de amistad. La censura mutiló gran parte del metraje y limitó sus proyecciones.

A pesar del varapalo que ello supuso para la productora, la pareja Alexandre-Torrecilla estreno un año después La gata. Primera película en Cinemascope rodada en el país, retrató la vida en los cortijos de Andalucía. Protagonizada por Aurora Bautista, la actriz interpretaba a una mujer adelantada a su tiempo, dueña de sus propios deseos y rebelde frente a imposiciones masculinas.

Posteriormente, Margarita Alexandre continuaría su carrera cinematográfica en la Cuba donde había triunfado la revolución. Ligada esta etapa a la producción, la leonesa se convirtió en una de las colaboradoras del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica (ICAIC). Sin embargo, su carácter contestatario la llevó a coger las maletas para abandonar la isla y regresar a Europa. En Italia trabajaría en su último gran proyecto cinematográfico, Operación Ogro (Gillo Pontecorvo, 1980), interviniendo en la producción de este thriller sobre el atentado a Carrero Blanco.

Un relato en primera persona

A través del documental Margarita Alexandre que estrena FlixOlé, el director Fermín Aio propone un viaje a la autora para rememorar una vida y obra marcada por conflictos políticos y culturales, pero también caracterizada por un innato amor a la libertad. Junto a dicho testimonio, la plataforma incluye las citadas películas con las que se inició en la interpretación (Tierra y cielo y Correo de Indias), los títulos que dirigió (La ciudad perdida y La gata), así como su despedida del mundo cinematográfico que revolucionó.

Jean Rouch, el cineasta que desenmascaró África. Filmin añade a su catálogo el próximo 7 de julio seis películas de uno de los fundadores del Cinema Verité, el hombre que nos reveló el Continente Negro como objeto cinematográfico.

Siguiendo con su periódica reivindicación de cineastas clásicos y modernos tal vez menos conocidos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de directoras como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Seijun Suzuki, Shohei Imamura o Paulo Rocha, Filmin añadirá a su catálogo el próximo 7 de julio seis películas, en nuevas restauraciones digitales, dirigidas por Jean Rouch, cineasta y antropólogo francés considerado uno de los padres del Cinema Verité.

Rouch es una figura clave del cine europeo sobre todo gracias a su serie de películas etnográficas en las que retrató África, no desde el punto de vista habitual del hombre blanco occidental ejerciendo de turista curioso, sino permitiendo que fueran los propios nativos africanos los que decidieran cómo representarse a sí mismos frente a la cámara, creando un enfoque único que se conoce como «cine etnográfico participativo».

Además de su trabajo como cineasta, Rouch también realizó extensas investigaciones antropológicas, especialmente en Níger, donde exploró las tradiciones y costumbres de diferentes grupos étnicos. Sus películas africanas desafiaron las representaciones estereotipadas y ofrecieron una visión más compleja y humana de las sociedades indígenas.

Títulos que integran el ciclo:
– «Los amos locos» (1955)
– «Yo, un negro» (1957)
– «La pirámide humana» (1959)
– «La caza del león con arco» (1965)
– «Jaguar» (1967)
– «Poco a poco» (1969)

Filmin estrena el próximo martes 27 de junio, en exclusiva en España, La noche que Logan despertó (“The Night Logan Woke Up”), la primera serie creada, dirigida y protagonizada por el quebequés Xavier Dolan. Formada por cinco episodios de 60 minutos, se trata de un thriller dramático que adapta la obra de teatro “La nuit où Laurier Gaudreault s’est réveillé” de Michel Marc Bouchard (autor de «Tom en la granja», obra que Dolan también adaptó a la gran pantalla). Cuenta con el elenco original de la función, encabezado por el propio Dolan junto a Julie LeBreton, Magalie Lépine, Éric Bruneau, Patrick Hivon y Julianne Côté, y también con su actriz predilecta y madre en la ficción por antonomasia Anne Dorval.

La serie está ambientada a principios de los años 90 y narra la historia de Mimi (Julie LeBreton) y su hermano Julien (Patrick Hivone), quienes forman un trío inseparable con su amigo Logan (Pier-Gabriel Lajoie). Su relación se rompe abruptamente cuando ocurre un terrible incidente que les fuerza a tomar caminos separados. Las dos familias están destrozadas y nada volverá a ser lo mismo. Treinta años después, Mimi, convertida en una tanatopractora de renombre, regresa a su tierra natal para cuidar del cuerpo de su madre y se reencuentra con su familia. Los rencores y las viejas heridas resurgen con más fuerza que nunca para revelar qué pasó realmente durante esa fatídica noche.

La serie, que cuenta con una banda sonora compuesta por Hans Zimmer junto a David Fleming, es la primera producción televisiva de Xavier Dolan, uno de los niños prodigio del cine de autor contemporáneo y protegido del Festival de Cannes, donde ha estrenado con éxito la mayoría de sus películas. “Mommy” (2014), ganadora del Premio del Jurado del festival.

La plataforma estrenará el próximo 16 de junio una colección del centenario José Luis Ozores donde se encuentran los títulos más recordados del cómico, como Recluta con niño y El tigre de Chamberí

Se cumplen 100 años del nacimiento de uno de los artistas que con su ternura e inconmensurable vis cómica se convirtió en uno de los actores más queridos del cine español: José Luis Ozores. Y es que ‘Peliche’, como lo llamaban en su entorno, hizo mucho más que despertar la carcajada entre el público, se ganó su cariño. En el centenario de esta figura irrepetible de la gran pantalla del país, miembro también de una saga familiar de intérpretes y directores con nombre propio, la plataforma FlixOlé le rinde homenaje con el estreno, el próximo 16 de junio, de una colección que recorre los títulos con los que cautivó al espectador.

Empezando por El último caballo (Edgar Neville, 1950). Ésta fue una de las primeras apariciones de José Luis Ozores, quien demostró sus dotes para encarnar, con humor, al personaje ingenuo y de buen corazón. Un papel que también bordó en su siguiente largometraje: Esa pareja feliz (Juan A. Bardem y Luis Gª Berlanga, 1951). Haciendo gala de un amplio abanico de recursos cómicos, el actor representó al español que, en su búsqueda por tener una vida mejor, no paraba de protagonizar tropiezos. De esta manera se sucedieron títulos como El diablo toca la flauta (José Mª Forqué, 1954) e Historias de la radio (José Luis Sáenz de Heredia, 1955).

 Fotograma de la película ‘Recluta con niño’

El gran cómico de los 50 y 60

Y entre risas llegó Recluta con niño (1955). Su inolvidable interpretación de Miguel Cañete, un inocentón que intenta cuidar de su hermano pequeño mientras hace la mili, supuso un antes y un después en la carrera de Ozores. La mezcla de bondad y humanidad que conseguía dar a sus caricaturescos personajes se hizo todavía más palpable en este exitoso filme dirigido por Pedro L. Ramírez. A partir de ese momento, el caché del cómico se disparó, siendo uno de los mejor pagados de la industria del país.

La popularidad alcanzada por ‘Peliche’ siguió en ascenso con el estreno de otros títulos también firmados por Ramírez, e igualmente recordados por el gran público: Los ladrones somos gente honrada (1956) y El gafe (1959). Sin olvidar El tigre de Chamberí (1958), donde su gancho eléctrico quedó para siempre grabado en la historia del cine español.

A continuación, tendría la oportunidad de debutar como director en Las dos y media y… Veneno (1959), un rol que cedió a su hermano Mariano Ozores antes de comenzar el rodaje. A partir de ese momento, la filmografía de ambos quedaría alegremente sellada: Alegre juventud (1963) y La hora incógnita (1964).

La despedida con Hoy como ayer

Lamentablemente, la esclerosis múltiple que padecía Ozores ya había comenzado a hacer mella en su salud, reduciendo sus apariciones en el cine y en los escenarios. Sus compañeros de profesión, entre los que se encontraban Alfredo Landa, Concha Velasco, Francisco Rabal, Gracita Morales y Tony Leblanc, entre otros, se volcaron de lleno en Hoy como ayer (Mariano Ozores, 1966) para devolver a su amigo todo el afecto que éste había regalado en cada actuación.

Con este filme, José Luis Ozores se despidió de la gran pantalla, dejando para el recuerdo una filmografía tan cómica como humana. Cumplidos en junio 100 años del nacimiento del actor, la plataforma especializada en cine español presenta una colección compuesta por una veintena de películas que incluyen todos los títulos citados, y muchos más.

Menos de un mes después de su estreno en cines en nuestro país, llega al catálogo de Filmin uno de los grandes documentales del año: «De humani corporis fabrica», de Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel. La película, impactante por las imágenes sin filtros que muestra del interior del cuerpo humano, alude desde su título al trabajo de Andrés Vasalio, fundador de la anatomía moderna. Durante dos horas, el espectador observa como nunca antes el cine había mostrado las entrañas de nuestra existencia, mientras la pista de áudio retrata las conversaciones banales, a veces irreverentes, de los médicos que trabajan para cuidar esos cuerpos.

«Pensando en cómo la medicina moderna ha utilizado las herramientas del cine para desarrollar sus propios poderes de visión, queríamos intentar hacer lo contrario, tomar prestadas las herramientas de la medicina para el cine, para permitirnos ver el cuerpo humano de una manera que casi nadie llega a ver nunca, y romper las formas habituales en que miramos nuestros cuerpos y el mundo«, explica Verena Paravel. La directora cree que la propia estructura del documental permite también observar el hospital como un cuerpo teatral y trágico: «Él mismo es una especie de cuerpo que contiene otros cuerpos y trabaja sobre ellos. El hospital es un órgano de la sociedad, que sostiene un espejo de la sociedad, y a menudo se anticipa a los cambios sociales que están a punto de llegar. En su interior coexisten órganos, funciones y sistemas.»

Los cineastas tuvieron la suerte de conocer a François Crémieux, por aquel entonces director de cinco hospitales públicos en el Norte de París: «por increíble que parezca, nos dio más o menos carta blanca para filmar cualquier cosa en estos hospitales«, explica Castaing-Taylor. Uno de los aspectos más controvertidos de la película es el contraste entre las imágenes que muestran intervenciones en cuerpos en ocasiones gravemente enfermos, con las conversaciones que mantienen los médicos y cirujanos mientras operan sobre ellos. «Cuando oímos a los médicos hablando sobre asuntos no quirúrgicos -conversaciones que podrían chocar por su banalidad o falta de respeto hacia su deber o sus pacientes-, entendimos que eran conscientes de nuestra presencia, y que aceptaban, y a veces incluso deseaban activamente, que esto también se mostrara en la película«, explica Paravel: «Sin la posibilidad de crear distancia o de crear cierta banalidad en los actos que realizan, les sería imposible sostener este trabajo.»

«De humani corporis fabrica» se estrenó en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes. En nuestro país, se ha podido ver en el Festival de Valladolid y en el Festival D’A de Barcelona y ha sido distribuida en cines por Vitrine Filmes.