«Errantes sin retorno, una historia rohingya», estreno en cines el 28 de mayo

Mélanie Carrier y Olivier Higgins, responsables de este largometraje, retratan, con mirada poética, el día a día de los habitantes del campo de Kutupalong en Bangladesh, el más poblado del mundo. El film cuenta con la colaboración de UNHCR (Acnur) y Save the Children.

El 28 de mayo llegará a las pantallas españolas el largometraje documental Errantes sin retorno, una historia rohingya, dirigido y producido por los cineastas quebequenses Mélanie Carrier y Olivier Higgins. Inspirados por el trabajo del fotógrafo Renaud Philippe, Carrier y Higgins decidieron viajar al campo de refugiados Kutupalong en Bangladesh, el más poblado del mundo, para dar voz y retratar realidad visible a la triste situación que vive un pueblo, eternamente perseguido, el de los Rohingya

Errantes sin retorno es un documental en donde el drama confluye con la luz, donde la poesía y las palabras del refugiado rohingya Kala Miya (Kalam) nos guían e iluminan las complejidades de este lugar que parece haber sido congelado en el tiempo. En 2017, 700.000 personas de la minoría musulmana rohingya huyeron de Myanmar (antes Birmania) para escapar del genocidio y buscar asilo en Bangladesh. Prisioneros de una crisis humanitaria enorme y, aun así poco difundida, Kalam, Mohammad, Montas y otros exiliados quieren que se escuche su voz. Entre la espera y el miedo a la desaparición, el reparto de comida y los partidos de fútbol, dan testimonio de su cotidianidad y de los fantasmas del pasado. Errantes sin retorno es una película a la vez poderosa y necesaria, que nos permite observar la increíble resistencia de estas poblaciones exiliadas y de estos niños que,a pesar del caos, conservan su capacidad de asombro.

Producido por Mö Films en 2020, este documental de 88 minutos cuenta con el apoyo de MELS FUND, el Consejo de las Artes y letras de Quebec y el Consejo Canadiense de las Artes y SODEC. Además, el film cuenta con la colaboración de UNHCR (Acnur) y Save the Children.

Hasta el momento, Errantes sin retorno ha sido galardonado con el Premio del Público en el Festival de Cibnéma de la Ville de Québec – FCVQ (Canadá) y es la Pel´ciula ganadora de la sección competitiva, Global Docs, en el festival DOCSMX (México). Además, ha participado en los festivales Rencontres Internationales du Documentaire de Montréal (Canadá), Seminci – Semana Internacional de Cine de Valladolid (España), Festival International du Cinéma Francophone en Acadie(Canadá) y Festival International du Film Francophone de Tübingen (Alemania).

MÉLANIER CARRIER & OLIVIER HIGGINS

(Directores y productores)

Nacidos en la ciudad de Quebec (Canadá), Olivier Higgins y Mélanie Carrier son biólogos de formación. Descubrieron el vídeo mientras documentaban sus numerosas aventuras. En 2007, dirigieron y produjeron el documental Asiemut, que narra su viaje en bicicleta de 8.000 km desde Mongolia a la India. Esta película ganó 36 premios internacionales y se distribuyó en 40 países.En 2010, fundaron MÖ FILMS, productora independiente dedicada al cine documental. Su segunda película, Encounters, seleccionada por el Nacional Geographic Society. Su largometraje documental Québékoisie fue premiado en los festivales RIDM y RIFF. En Errantes sin retorno, Carrier y Higgings aciertan en ilustrar con delicadeza y respeto las consecuencias de un genocidio, que continua tristemente activo, ante la indiferencia de la comunidad internacional.

Filmin estrena «Belladonna of Sadness», de Eiichi Yamamoto, joya perdida de la animación japonesa

Este viernes, 26 de abril, se estrena a través de Filmin esta obra de culto, influencia directa para muchas películas posteriores, y que nunca se había editado en formato doméstico en España.

En su empeño por reforzar su apuesta por los grandes clásicos del cine y redescubrir obras olvidadas, poco vistas o inéditas en España, Filmin estrena este viernes 23 de abril  la película Belladonna of Sadness, una de las grandes joyas de la historia de la animación. Estrenada en España en 1975, pero nunca editada en formato doméstico en nuestro país, es la obra más conocida de la trilogía erótica Animerama, concebida por «el dios del manga», Osamu Tezuka, para ser estrenada en cines, algo muy poco habitual en la época para el anime.

La película fue dirigida por el aprendiz de Tezuka, el visionario Eiichi Yamamoto, quién se basó en la historia de Juana de Arco y el libro «La Sorcière» de Jules Michelet para crear esta obra innovadora, adelantada a su tiempo y que ha sido influencia directa para muchos autores que vinieron después. Tuvo su premiere mundial en el Festival de Berlín y desde entonces se ha ganado su estatus de película de culto, precursora junto a «Fritz the Cat» (Ralph Bakshi, 1972) de una animación pensada para el público adulto que no gozaba de gran reconocimiento en los años 70.

SINOPSIS
Un malvado señor feudal abusa sexualmente de una joven pueblerina en su noche de bodas. Tras huir de la aldea, Jeanne hará un pacto con el diablo para obtener poderes mágicos y así poder llevar a cabo su venganza.

Ficcionar al ídolo, tráiler de «Maradona: Sueño bendito»

Aun relativamente reciente el notable documental Diego Maradona de Asif Kapadia Amazon acaba de dar a conocer un primer adelanto, en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página, de Maradona: Sueño bendito, biopic en formato de serie de 10 episodios de duración que explorará la vida del legendario astro del fútbol. La serie tiene previsto estrenarse a finales del 2021 en exclusiva a través de Prime Video.
En Maradona: Sueño bendito veremos como tres actores diferentes (Nicolás Goldschmidt, Nazareno Casero y Juan Palomino) interpretarán a Diego Armando Maradona a lo largo de su vida y prolífica carrera, desde sus humildes comienzos en el pueblo de Fiorito en su país natal, Argentina, hasta su carrera como futbolista en el Barcelona y el Nápoles. Además, la serie mostrará su papel clave en la victoria de su selección nacional en el Mundial de Fútbol en México ‘86.
La serie que cuenta con Alejandro Aimetta  como showrunner  y un guion a cargo de Guillermo Salmerón está protagonizada por Nazareno Casero, Nicolás Goldschmidt, Juan Palomino, Mercedes Morán, Leonardo Sbaraglia, Juanma Muniagurria, Julieta Cardinali, Laura Esquivel, Eva De Dominici, José María Monje, Mauricio Dayub y Peter Lanzani.

Operación Torremolinos. El cine español de superagentes (1965-1967)

Desde hoy se encuentra ya a la venta Operación Torremolinos. El cine español de superagentes (1965-1967), el segundo número de la colección La Biblioteca de La Abadía publicado por la editorial del mismo nombre. Tras el anuncio la semana pasada de su inminente salida, esta nueva entrega de La Biblioteca de La Abadía ha agotado prácticamente la mitad de ejemplares de su edición por medio de reservas.

Escrito por Santiago Aguilar, miembro de La Cuadrilla y autor en su faceta de historiador cinematográfico de las obras Edgar Neville: tres sainetes criminales o La Codorniz: de la revista a la pantalla (y viceversa) –este último junto a Felipe Cabrerizo-, Operación Torremolinos. El cine español de superagentes (1965-1967) es el primer monográfico publicado en nuestra lengua sobre la oleada de películas de agentes secretos que inundaran las pantallas de los cines de barrio a raíz del éxito cosechado por las primeras encarnaciones cinematográficas de James Bond, popularmente conocidas como cintas de euroespías, pseudobonds o spionisticos. En este caso, el recorrido del volumen pone su atención en aquellos títulos que contaron con participación española, ya fuera de forma oficial o extraoficial. Un planteamiento que permite a Aguilar a efectuar un análisis de cómo afectó este fenómeno a la industria española durante el trienio comprendido entre 1965 y 1967, cuando nuestro cine se encontraba inmerso en el momento de mayor apogeo de la política de las coproducciones con terceros países.

Entre 1964 y 1968, en plena vorágine de coproducciones y del gran invento del turismo, algunas de las productoras españolas más activas se implicaron en proyectos ideados para explotar el filón abierto por el éxito en las pantallas de todo el mundo del agente 007. A rebufo de las industrias italiana y francesa, España participó en casi un centenar de sucedáneos con resultados de todo pelaje. Antes de diluirse tan rápidamente como surgió, el subgénero dejó un reguero de artimañas para exprimir las ayudas oficiales y burlar los distintos raseros censoriales que constituyen el busilis de las coproducciones. El cóctel se compone de dos partes de localizaciones tan exóticas como Alicante, Barcelona o Torremolinos, una de chicas en bikini, otra de acción, un chorrito de ciencia ficción y unas gotas de humor. Por supuesto, agitado, no revuelto.

Operación Torremolinos. El cine español de superagentes (1965-1967) de Santiago Aguilar ya a la venta a un PVP unitario de 13,00€ y se puede adquirir únicamente a través de la propia editorial, escribiendo al mail pedidosbibliotecaabadia@gmail.com (gastos de envío por correo ordinario gratuitos,  promoción solo válida para territorio español) así como en la tienda La mansión del terror (Calle Alondra, 44, Local 4) de Madrid.

Información y consultas en: labibliotecadelaabadia@gmail.com

Autor: Santiago Aguilar, Editorial: La biblioteca de La Abadía, Páginas:

El musical según Leos Carax, primer tráiler de «Annette»

Se ha hecho esperar el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador francés Leos Carax, concretamente siete años desde Holy motors han pasado hasta día de hoy en que ha visto la luz un primer avance en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de su nueva película titulada Annette, film musical que será la encargada de inaugurar la próxima edición del Festival de Cannes y que llegará a las salas comerciales de Francia el 6 de julio.

Annette nos sitúa en la ciudad de Los Ángeles, Henry es un comediante con un peculiar sentido del humor que junto Ann, una cantante de renombre internacional, forman la pareja perfecta. Sin embargo, el nacimiento de Annette, su atípica primera hija, les cambiará por completo sus vidas.

La película con guion y música a cargo de Ron Mae y Russell Mael (integrantes de la banda de rock Sparks) está protagonizada por Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Helberg, Dominique Dauwe, Kait Tenison, Latoya Rafaela, Rebecca Dyson-Smith, Timur Gabriel, Kevin Van Doorslaer, Devyn McDowell, Ornella Perl, Christian Skibinski, Marina Bohlen, Nino Porzio, James Reade Venable, Charlotte Brand, Colin Lainchbury-Brown, Kristel Goddevriendt, Filippo Parisi, Michele Rocco Smeets y Elke Shari Van Den Broeck.

«Violation» review

En Violation vemos como con su matrimonio atravesando una seria crisis, Miriam regresa a su pueblo natal para buscar una especie de confort junto a su hermana menor y su cuñado. Sin embargo una noche, un pequeño desliz en apariencia sin importancia conduce a una situación catastrófica, dejando a Miriam conmocionada, tambaleante y furiosa. Creyendo que su hermana está en peligro, Miriam decide que debe protegerla a toda costa con el único recurso de la venganza, sin embargo el precio de tal acto es alto y no parece estar preparada para poder afrontarlo una vez empiece a desmoronarse emocional y psicológicamente.

Si recapitulamos muy por encima dentro del subgénero del Rape & Revenge este siempre ha basculado en la gran mayoría de ocasiones por una serie de directrices posiblemente demasiado esquemáticas a la hora de poner en práctica más tarde una evolución temporal que al menos fuese percibida como interesante pues al fin y al cabo pese a ser un tipo de cine de evidentes costuras genéricas lo social, y su correspondiente dialéctica, juega, o debería hacerlo, un papel primordial dentro de la ecuación. Centrándonos en películas pioneras en donde dicha nomenclatura queda suscrita dentro de un ámbito meramente femenino como por ejemplo I Spit on Your Grave de Meir Zarchi, Thriller: They Call Her One Eye de Bo Arne Vibenius o la genial Ms .45 de Abel Ferrara, podemos comprobar cómo se seguía un patrón narrativo en donde el abuso sexual ocurrido en un ambiente hostil, o incluso los perpetrados dentro de un núcleo de confianza, daban lugar a una contundente respuesta contestataria, en realidad en la gran mayoría de los casos el primer acto no dejaba de ser un punto de partida a la hora de desarrollar prácticamente toda la acción bajo el concepto del segundo, o sea la venganza.

El problema principal viene dado en la medida de contemplar como un cine supuestamente cimentado a través de la denuncia y posterior reflexión ha ido evolucionando con el paso del tiempo hacia unos parámetros que en muchas ocasiones la direccionan hacia un espectáculo de barraca de feria de índole pirotécnico en donde da la impresión de que importa más el como que el por qué, una desvitalización en beneficio de unos juegos de artificio cuanto más ostentosos mejor, posicionamiento este que alcanza cotas de despropósito como hemos podido comprobar recientemente en la horrenda Revenge de la francesa Coralie Fargeat, paradigma de cómo pese a ser un producto que tiene la potestad de renunciar a lo discursivo se adhiere a una caligrafía cuyo exceso, por momentos colindante con lo involuntariamente caricaturesco, da la impresión de ser una especie de respiro catártico que no va más allá de ser un simple entretenimiento que invalida cualquier tipo posible de alegoría que muchos quisieron ver en ella en su momento.

Violation, la opera prima del dueto formado por Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli, no intenta inventar nada nuevo dentro del subgénero del Rape & Revenge aunque si es percibida en ella un intento de maniobra de subversión en referencia a articular de manera algo distinta tropos dentro del subgénero, o sea contar prácticamente lo mismo de siempre pero haciéndolo de una manera algo distinta a lo habitual evitando de paso el transitar por lugares comunes. Posiblemente la mayor virtud de una película como Violation radique en saber equilibrar lo genérico desde una doble vertiente, la más puramente cinematográfica y la social, aquí más direccionada en lo concerniente a la indagación de una mente que en un principio parece mostrada como distorsionada. Fundamentada en gran parte de su metraje mediante simbologías visuales que nos retraen a modo de metáfora en referencia a como la madre naturaleza consigue poner cada cosa en su sitio en el film de Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli el Rape nos es mostrado de una forma casi imperceptible y sutil, incuso fantasmal, entrando en acción esa máxima de duda que suele pasar cuando las mujeres denuncian según que agresión sexual realizada dentro de un entorno conocido, sin embargo en lo referente al Revenge esta sí que nos es mostrada de una forma contundente y excesivamente dura, casi a semejanza a modo de escenificación cruda de aquella famosa escena de asesinato vista en el Torn Curtain de Alfred Hitchcock en referencia a la dificultad de eliminar a alguien, pero a diferencia de los ejemplos antes citados dentro del subgénero dicho acto tiene poco de glorificante o catártico, más bien todo lo contrario, no siendo el satisfactorio clímax por excelencia al que solemos estar habituados otorgando dicha escena una curiosa y ambivalente percepción sobre lo entendible como miedo.

Para dicho intento de subversión o rotura de convenciones Violation, película que utiliza convenciones del género del terror sin ningún tipo de problemas, termina recurriendo también a una narrativa fragmentada temporalmente, se intenta ir algo más allá del consabido  thriller de venganza consiguiéndolo parcialmente en la medida de ser un relato en ocasiones muy explícito que convive adecuadamente con una alegoría relativamente sutil, algo que de alguna manera es de agradecer en unos tiempos en que se plantean debates estériles sobre la forma en que la violencia de género suele ser plasmada en la ficción, tesis aquí mostrada a través de un relato en donde la venganza, pese a existir, queda supeditada a un segundo término a favor de la exploración mental adyacente detrás de una agresión sexual en donde prevalece de una forma inquietante, por parte de la protagonista, una continua sensación de desorientación en relación a esa oscura travesía que nos es mostrada a través del trauma.

Valoración 0/5.3

Terror ecológico, tráiler de «Unearth»

La rebelión de la naturaleza que transita a través del concepto del terrorífico mundo que puede anidar bajo tierra ha sido un tema  bastantes recurrente dentro del fantástico, el debut en el género del dueto formado por John C. Lyons y Dorota Swies, el primero con un par de dramas previos, Schism (2008) y There Are No Goodbyes (2013), titulado Unearth, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, parece moverse a través de dicha dinámica temática. El film, que cuenta como protagonista con la veterana Adrienne Barbeau, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo verano.

En Unearth vemos como dos familias agrícolas entran en disputa cuando una de ellas decide ceder su terreno a una compañía especializada en la extracción de gas y petróleo. En medio de la tensión surge del interior de la tierra una presencia que ha estado dormido durante años.

La película con guion a cargo del propio John C. Lyons junto a Kelsey Goldberg está protagonizada por Adrienne Barbeau, Marc Blucas, Alison McAtee, Brooke Sorenson, Rachel McKeon, Monica Wyche, P.J. Marshall, Chad Conley, Lauren Valentine, Brielle Brown, Benjamin Sheeler, Emily Askin, Roan Hobson, Ryan Ball, Alex Michael Haase y Sorin Hobson.

Primer tráiler del debut de Simon Barrett como director «Seance»

Conocido principalmente por ser el guionista habitual de las películas de Adam Wingard, A Horrible Way to Die (2010), You’re Next (2011), The Guest (2014) o Blair Witch (2016), Simon Barrett tiene ya listo el que será su debut como director titulado Seance, film cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de ver la luz y podes ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un film de terror adolecente ubicado en una Academia, tiene previsto su estreno en VOD en Estados Unidos para el próximo 21 de mayo.

Seance nos sitúa en una prestigiosa Academia llamada Fairfield, un exclusivo internado de élite para chicas en donde veremos como seis amigas deciden hacer medio en broma una especie de ritual nocturno invocando el espíritu de una ex-alumna fallecida años atrás que según ellas ronda por los pasillos de la academia.

La película con guion del propio Simon Barrett y música a cargo de Karim Hussain está protagonizada por Suki Waterhouse, Madisen Beaty, Inanna Sarkis, Ella-Rae Smith, Stephanie Sy, Megan Best, Jade Michael, Djouliet Amara, Seamus Patterson, Cliff Sumter, Olatunbosun Amao, Leah Mitchell y Taya Ayotte Bourns.

Proyecciones Xcèntric: La cámara como instrumento pedagógico. Fernand Deligny

Intentando buscar un lenguaje equivalente a las formas del autismo, el cine fue para Fernand Deligny un medio que le permitió crear un sistema de transcripción de los desplazamientos, gestos y movimientos de los niños autistas, trazando sus continuos giros y digresiones sin tratar de representarlos. La cámara cinematográfica fue así, para este educador, poeta y etólogo, una herramienta muy importante, no tanto para documentar una acción educativa como para llevar a cabo una práctica pedagógica experimental.

Le moindre geste es una película que baraja elementos documentales y de ficción y que presenta la educación como un ejercicio de desencuadre. En ella solo vemos líneas errantes de Yves, que, huido del asilo y del encuadre, sigue una aventura que se nos escapa. Deligny, interesado más en los procesos que en la obra terminada, imaginó una fábula en cuatro partes alrededor de Yves, y la filmó con la ayuda de Josée Manenti y Jean-Pierre Daniel en los alrededores de su laboratorio de educación localizado en la región de las Cevenas, en el sur de Francia. Ahí el cine y su cámara se convirtieron en una forma de movilizar y organizar la vida diaria, en la que el rodaje pasó a ser la actividad predominante, un «arma» contra la exclusión y la normalización.

Le moindre geste, Fernand Deligny, Josée Manenti y Jean-Pierre Daniel, 1971, 35 mm, 95 min. VOSC. Copia cortesía de Iskra Films y Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC).

Fecha: 22 abril 2021

Horario: 19.00

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida

Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido

Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es

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Las Vegas zombie, tráiler oficial de «Army of the Dead»

Después de que viera la luz hace pocas semanas la controvertida Zack Snyder’s Justice League el responsable de Sucker Punch tiene ya listo la que es su segunda incursión en el subgénero zombie titulado Army of the Dead, film cuyo primer adelanto en forma de tráiler, después del breve teaser publicado hace unas semanas, podéis ver a final de página junto a un par de carteles oficiales. Un proyecto que fue gestado años atrás tras el éxito comercial de su opera prima Dawn of the Dead en donde Zack Snyer ejercía en un principio solo como guionista y productor pero cuyo elevado presupuesto hizo abortar su gestación hasta que hace poco Netflix ha podido por fin dar luz verde al proyecto.

En Army of the Dead vemos como un variopinto grupo de experimentados mercenarios deciden llevar a cabo el mayor atraco que jamás se haya realizado en la ciudad de Las Vegas justo después de que se produzca una epidemia de muertos vivientes. Para ello tendrán que adentrarse en una peligrosa zona de cuarentena, con todos los riesgos que ello conlleva.

La película que se estrenará a través de Netflix el próximo 21 de mayo, y que tendrá pocos días antes un estreno comercial en salas de nuestro país de la mano de Tripictures, cuenta con un guion a cargo del propio Zack Snyder junto a Shay Hatten y Joby Harold y música compuesta por Junkie XL estando protagonizada por Dave Bautista, Ella Purnell, Ana de la Reguera, Theo Rossi, Huma Qureshi, Omari Hardwick, Hiroyuki Sanada, Garret Dillahunt, Raúl Castillo, Nora Arnezeder, Matthias Schweighöfer, Samantha Jo, Richard Cetrone, Lora Martinez, Chelsea Edmundson, Michael Reid MacKay, Jordyn Aurora, Tig Notaro, Michael Cassidy, Sarah Minnich, Lyon Beckwith y Ryan Watson.

Carlos Saura o el arte de heredar

Este libro pretende ser un homenaje a la obra de Carlos Saura, un gran director de cine, nacido en 1932, y que, hasta el día de hoy, ha dirigido más de cuarenta largometrajes. Un homenaje necesario para quien hoy en día se ha convertido en un “clásico”, con una obra que atravesó las décadas con una filmografía marcada por numerosas obras maestras que construyen un recorrido artístico rico y polimorfo. Se trata de poner de relieve la importancia de la filmografía del cineasta aragonés en la historia del cine español y mundial.

Si sus películas han sido a veces estudiadas por el prisma de la memoria y de la herencia cultural, centrales en su obra, este libro se interesa por una dimensión fundamental, estrechamente relacionada con estas nociones: los vínculos tejidos por Carlos Saura a lo largo de su recorrido profesional con las demás artes con referencias explícitas o implícitas a la cultura de su país. Esta visión del mundo que atraviesa su filmografía contribuye a la construcción de una obra coherente de un gran autor internacionalmente reconocido, en que las artes constituyen un hilo conductor a lo largo de un juego de espejos continuamente reinterpretado, entre visible e invisible, tiempo y memoria, intertextualidad y creación. La música, el baile, la pintura, la fotografía, la literatura, el propio cine, son omnipresentes en su obra, mediante citas, alusiones o apropiaciones cinematográficas de procedimientos artísticos: planos-cuadros, coreografías de la cámara, papel central de la música o estructuras en abismo fotográficas.

Este “arte de heredar” propio de la obra cinematográfica de Carlos Saura y que otorga a sus películas una dimensión de “arte total” es estudiado en este libro con un conjunto de 16 textos reunidos en cuatro grandes capítulos correspondientes con las principales dimensiones de su práctica. A partir de análisis precisos de obras suyas pertenecientes al conjunto de su filmografía, desde los años sesenta hasta hoy en día, que funcionan como una muestra, los autores han puesto de realce no solamente la gran variedad de las artes convocadas en su cine sino también de las formas de integrarlas a sus películas. Los autores de los textos de este libro-homenaje pertenecen a diversas tradiciones académicas europeas y americanas pero también a diversas generaciones, desde unos que fueron pioneros en la bibliografía sauriana hasta jóvenes doctores o doctorandos, cuya presencia demuestra el interés que sigue despertando el cineasta aragonés en el ámbito académico.

SUMARIO

Prefacio: Carlos Saura: el arte total
Manuel Palacio

Introducción. Carlos Saura o el arte de heredar
Nancy Berthier / Marianne Bloch-Robin

CAPÍTULO 1. MUSEOS IMAGINARIOS
El arte de heredar a través del biopic: el ejemplo de Goya en Burdeos
Nancy Berthier

Entre Saura y Goya: el tercer espacio cinematográfico de contemplación
Marvin D’Lugo

Saura, 1966: entre La caza, película de Carlos,
y los collages de Antonio, una memoria expandida
Jacques Terrasa

CAPÍTULO 2. DIÁLOGOS LITERARIOS: VOCES ENTRECRUZADAS
Modelos de realismo en una película de encrucijada: Los golfos, de Carlos Saura
Ángel Quintana

Saura-Lorca: tándem para un director literario/literato
Luis Pascual Cordero Sánchez

El mito de Carmen narrador por Carlos Saura: una aproximación y metatextual
Mónica Tomás Vicente

Io, Don Giovanni: el replanteamiento del dramma giocoso
Catherine Berthet

CAPÍTULO 3. FORMAS DE LA MODERNIDAD:
LOS MÚLTIPLES TEJIDOS DE LA HERENCIA
Peppermint frappé o el Vértigo español:
evocar a Hitchcock para repensar el ser español
Lucía Miguel González

Elisa vida mía y la búsqueda de la belleza
Emmanuel Larraz

La «foto-memoria» de los títulos de crédito en la obra de Carlos Saura:
El Séptimo Día (2003), un ejemplo paradigmático
Pietsie Feenstra

El Sur, Tango y Zonda, folklore argentino: el museo imaginario de Carlos Saura
Séphane Hontang

Carlos Saura, cineasta transmoderno
Pedro Javier Millán Barroso

CAPÍTULO 4. MÚSICAS, ECOS Y RESONANCIAS
Dialogar, citar, crear: Porque te vas…
Marianne Bloch-Robin

Carlos Saura, «autor acústico»
Kathleen M. Vernon

Deseo, historia y conversión del arte en Tango, de Carlos Saura
Renaud Malavialle

Laberinto de autenticidades:
declinaciones de la autenticidad cultural en el cine musical de Saura
Gabriel Domenech

Bibliografía

Filmografía

Autores de los textos

Los autores

NANCY BERTHIER

Catedrática de Artes visuales en el departamento de Estudios ibéricos y latinoamericanos de la Facultad de Letras de Sorbonne Université. Licenciada en estudios hispánicos y en estudios cinematográficos. Doctora de la Sorbona. En la actualidad es responsable de la rama de las artes visuales del equipo CRIMIC del que ha sido directora. Trabaja sobre la relación entre artes visuales e historia / memoria / política, aspectos en torno a los cuales ha dirigido trabajos doctorales y post doctorales y ha publicado numerosos artículos y libros personales (como Le franquisme et son image. Cinéma et propagande sous Franco, 1998, De la guerre à l’écran: Ay Carmela de Carlos Saura (2005), Tomás Gutiérrez Alea et la Révolution cubaine, 2005, Fidel Castro. Arrêts sur images, 2010, La muerte de Franco en la pantalla, 2020) o colectivos (como Retóricas del miedo: imágenes de la Guerra civil española, con Vicente Sánchez-Biosca, 2012, La cultura de las pantallas, con Álvaro Fernández, 2015, Cine y audiovisual. Trayectos de ida y vuelta, con Antonia del Rey, 2018). Ha sido profesora invitada en varios países de Europa y América para impartir clases o pronunciar conferencias.


MARIANNE BLOCH-ROBIN

Profesora titular de Artes visuales en el departamento de Estudios ibéricos e latinoamericanos de la Facultad de Letras de Sorbonne Université. Es doctora en Estudios Hispánicos e Hispanoamericanos, especialista de la música y más específicamente de la canción en el cine y de la obra de Carlos Saura. Es autora de numerosos artículos, capítulos de libros y ensayos sobre cine español y latinoamericano, sobre la obra de Carlos Saura y sobre la música en el cine. Ha publicado dos monografías: Madrid dans le cinéma de Carlos Saura, Los Golfos, Deprisa, deprisa et Taxi, Lyon (2013) y Paroles et musique au cinéma. L’œuvre de Carlos Saura (2018). También ha coordinado obras colectivas: Genre et Images dans le Monde Ibéro-Américain, Iberic@l Revue d’études ibériques et ibéro-américaines n° 11, 2017 con Alberto da Silva; Les publics cinématographiques dans les aires ibériques et latino-américaines, Atlante, Revue d’études romanes, nº 7, 2017, con Evelyne Coutel y Alberto Da Silva; Dictature et image absente dans le cinéma de non fiction, Savoirs en prisme, nº 9, en 2018 con Alberto Da Silva y Rodrigo Nabuco De Araujo; o, con David Marcilhacy, De la mémoire à la post-mémoire: représenter le premier franquisme, de la transition démocratique espagnole au xxie siècle, Cahiers de civilisation espagnole contemporaine, en 2020.

Autor: Nancy Berthier, Marianne Bloch-Robin, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros 31, Páginas: 400

La investigación digital según Timur Bekmambetov, tráiler de «Profile»

Sorprendente cuanto menos el viraje temático que parece haber tomado el realizador de origen ruso Timur Bekmambetov, recurrente en películas de una aparatosidad comercial bastante evidente como Guardianes de la noche (2004), Guardianes del día (2006), Wanted (2008) o Abraham Lincoln: Vampire Hunter (2012) entre otras. En su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Profile, cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, nos ofrece un cambio de registro a través de un thriller tecnológico cuyo dispositivo formal nos puede recordar a películas como Open Windows, Searching o Unfriended. Profile, cuya premier mundial fue hace tres años en el marco de la Berlinale, tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 14 de mayo.

En Profile vemos como una periodista británica se infiltra en los canales digitales de propaganda del Estado Islámico, una herramienta virtual que ha conseguido reclutar un número cada vez mayor de jóvenes mujeres europeas. Su contacto diario con un reclutador del ISIS acaba haciendo que la investigación se vuelva cada vez más peligrosa.

La película con guion adaptado por parte del propio Timur Bekmambetov junto a Brittany Poulton y Olga Kharina está protagonizada por Valene Kane, Shazad Latif, Christine Adams, Amir Rahimzadeh, Morgan Watkins y Emma Cater.

Días de playa y plutonio, tráiler de «Palomares»

17 de enero de 1966. Un avión estalla en el cielo de Almería dejando caer 4 bombas termonucleares, 75 veces más destructivas que las de Hiroshima, en los alrededores del pequeño pueblo de Palomares.

Washington activa todos sus protocolos ante un accidente nuclear. En El Pardo, Franco recibe estupefacto la noticia. Se pone en marcha un secretísimo dispositivo de búsqueda de las cuatro bombas atómicas. El ejército norteamericano, con la ayuda de la Guardia Civil y los vecinos, localiza un proyectil intacto, pero otros dos han esparcido su contenido radiactivo a lo largo y ancho de Palomares. De la cuarta bomba nuclear… ni rastro.

Comienza una tensa cuenta atrás para encontrar el artefacto que puede desencadenar la mayor explosión atómica de toda la historia. 55 años más tarde, `Palomares´, nueva serie documental original Movistar+, reconstruye por primera vez, en clave de thriller, lo que ocurrió en aquellos 80 días de búsqueda, gracias al material e información que tanto el gobierno norteamericano como el español mantenían como clasificado.

1.600 soldados del ejército americano aterrizan en Palomares para deshacerse del material radiactivo esparcido por dos de las bombas, ante la atónita mirada de los lugareños de aquella pedanía de poco más de 1.000 habitantes, sin apenas luz eléctrica ni agua corriente. Las autoridades españolas descartan evacuar el pueblo, dañaría la imagen de un país como el nuestro que vive del turismo…

Los soldados americanos sólo se llevaron parte del plutonio. 55 años después Bruselas ha dado un ultimátum a España: tiene hasta finales de 2021 para informar sobre la contaminación nuclear real en Palomares a día de hoy. En febrero de 2020, la Audiencia Nacional insta al Gobierno a que desclasifique el Plan de Rehabilitación para el área contaminada con plutonio en Palomares.

Esta serie documental sacará a la luz documentos y materiales recientemente desclasificados y cientos de imágenes y fotografías inéditas fruto de una larga investigación (como las entrevistas a Larry Messinger, piloto del B-52 accidentado que cargaba las 4 bombas o a Marvin McCamis, el piloto del submarino que encontró la bomba perdida), pero también mostrará las surrealistas situaciones que produjo la convivencia de estos dos mundos tan dispares. Anécdotas enmarcadas en una localidad perdida que de repente se ve invadida por el mayor y más moderno ejército del mundo. Un relato que será contado por personas que vivieron los hechos en primera persona y por expertos en la materia, como el periodista Rafa Moreno, que aportarán luz sobre el tema.

Conoceremos enredos políticos como la verdad del famoso baño del Ministro de Información y Turismo, Manuel Fraga, y su campaña de comunicación que llevó a cabo para minimizar el asunto o la reacción de Franco al conocer la tragedia y la tensión política entre Washington y Madrid en plena Guerra Fría. Pero también, cómo vivió todo aquello el pueblo de Palomares, que se movilizó por unas ‘indemnizaciones justas’ en unas manifestaciones encabezadas por una aristócrata apodada la Duquesa Roja que finalmente acaba en la cárcel.

‘Palomares’, nueva serie documental original Movistar+ en colaboración con 93 Metros, es un singular juego de tramas para comprender lo que realmente ocurrió en uno de los episodios más inéditos de nuestra historia reciente. En 4 capítulos de 52 minutos cada uno, viviremos el día a día de una de las historias más sobrecogedoras, fascinantes y desconocidas de nuestro país. Unos hechos que están marcados por el valor y el coraje de unos hombres que ponen en riesgo sus vidas por encontrar las bombas atómicas y por eliminar los restos radiactivos.

Los momentos más importantes de la serie serán recreados gracias a documentos desclasificados por los Estados Unidos, con actores y extras de Almería e incluso del mismo Palomares, que gracias a estos materiales podrán reproducir las palabras textuales y los diálogos de los protagonistas de esta fascinante historia.

FICHA TÉCNICA 

    • Una producción original de no ficción de MOVISTAR+ en colaboración con 93 METROS (“El Palmar de Troya”, “Clandestino”).
    • Dirigida por Álvaro Ron (“Hernán”, “La Caza: Monteperdido”, “Los protegidos”, “La chica de ayer”).
    • Guion de Daniel Boluda (“El Palmar de Troya”), Maria Cabo (“Clandestino”) y Álvaro Ron.
    • 4 EPISODIOS de 52 minutos, estreno 22 de abril.

 

Curso de cine online «Maestros del cine asiático» Vol.2

Tras el éxito de la primera edición de este curso que tuvo lugar el pasado año, regresamos con una la segunda edición del curso ‘Maestros del cine asiático (Vol.2)’, en la que repasamos a lo largo de diez sesiones a un grupo heterogéneo de directores, y directoras, de las distintas industrias del cine en Asia. Diez nuevos maestros entre clásicos y contemporáneos, siete hombres y tres mujeres, que han conseguido traspasar las fronteras, aportando miradas y estilos personales que nos han acercan a las diferentes culturas asiáticas.

Un curso que se ve complementado con la creación de un canal ‘Maestros del cine asiático by CineAsia’ en Filmin para todos los alumnos inscritos; y los cinco primeros alumnos en inscribirse, recibirán además un regalo cineasiático de bienvenida (libro, DVD, Bluray).

Sesiones

SESIÓN 1: JAPÓN – YASUJIRO OZU [20 abril de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

Considerado el “más japonés de los directores japoneses”, Yasujiro Ozu se convirtió en uno de los pilares de la era dorada del cine de Japón, y en uno de los realizadores más importantes del planeta. En esta sesión repasaremos su carrera desde sus inicios en la época del cine mudo, durante los años 20, destilando su personal estilo como su característica toma fija a la altura del tatami de composición meticulosa. Tras la segunda guerra mundial, llegaría una época de madurez en la que realizaría algunos de los títulos imprescindibles de la historia del cine.

SESIÓN 2: JAPÓN – NAOMI KAWASE [27 abril de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

Una de las directoras más relevantes del planeta,muestra en su obra algunos trazos característicos, siendo su propia vida familiar, compleja, una de sus mayores de sus influencias. Graduada en estudios de fotografía, la importancia de la naturaleza de su Nara natal y del culto sintoísta son otras de las partes fundamentales de una obra llena de espiritualidad y una mirada onírica, tanto desde el documental como la ficción.

SESIÓN 3: COREA DEL SUR – LEE MAN-HEE [4 mayo de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

Sin duda uno de los directores fundamentales de la época dorada del cine coreano, los años 60, rodó cerca de 50 películas en apenas 14 años, de las que sólo han sobrevivido unas 25, antes de su muerte prematura en 1975. Su mirada, claramente autoral a pesar de tener que desenvolverse en una industria cimentada en el cine comercial, se muestra en una obra multigenérica de gran calidad. Desde el melodrama nihilista hasta el terror, pasando por el noir y el cine bélico, su filmografía es uno de los mayores tesoros del cine clásico coreano.

SESIÓN 4: COREA DEL SUR – PARK CHAN-WOOK [11 mayo de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

El maestro de la nueva ola del cine de Corea era protagonista de uno de los momentos clave de la historia de su cine cuando en 2004 recibía el gran premio del jurado en el Festival de Cannes por Oldboy. Sus inicios como director no fueron fáciles, pero desde la Trilogía de la Venganza hasta La Doncella su filmografía se hace imprescindible cuando hablamos del mejor cine del siglo XXI. Tanto estética como técnicamente inapelable, y de gran influencia hitchcockiana, hablar de Park Chan-wook es hablar de cine en mayúsculas.

SESIÓN 5: CHINA – ZHANG YIMOU [18 mayo de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

Poco conocíamos el cine de China antes de que Zhang Yimou ganara el Oso de Oro en Berlín por Sorgo Rojo. Cabeza visible de la Quinta Generación del cine chino, su obra es la de un camaleón capaz de adaptarse a las circunstancias de cada momento histórico, con diferentes etapas repletas de títulos imprescindibles. Del preciosismo de sus inicios, con títulos como La linterna roja, a la recuperación del wuxia con Hero, hasta llegar a su más reciente etapa tan prolífica, se mantiene como un nombre de referencia cuando hablamos del cine del gigante asiático.

SESIÓN 6: HONG KONG – ANN HUI [25 mayo de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

Dentro de una cinematografía que era puro espectáculo como la de Hong Kong, calificado como el Hollywood asiático durante décadas, destaca la obra de una mujer capaz de mantener un espacio propio rodando un cine de una mirada mucho más personal. En esta sesión pasaremos por su indispensable Trilogía de Vietnam encabezada por Boat People, por sus mejores títulos en el cine comercial, y por su última etapa con joyas como Una vida sencilla o la cinta de espías Our Time Will Come.

SESIÓN 7: TAIWÁN – HOU HSIAO-HSIEN [1 junio de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

Después de años bajo el control del gobierno, el cine de Taiwán daba vía a un nuevo grupo de cineastas en los años 80, emergiendo los cineastas de la nueva ola. El cine de Hou Hsiao-Hsien mira a su país desde sus propias vivencias, con una búsqueda constante de la identidad tanto personal y familiar como nacional, al pasado histórico, y al presente y futuro de un territorio en una compleja situación política. Uno de los grandes nombres de referencia en el cine global contemporáneo.

SESIÓN 8: INDIA – DEEPA MEHTA [8 junio de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

La diáspora india tuvo un papel clave en el cine de su país de los años 90 al aportar una mirada por un lado femenina, y por otro mucho más crítica que la de un cine absorbido por la industria, donde el eminentemente masculino modelo Masala se imponía en su producción. La directora Deepa Mehta rompía tabúes con títulos como los de su trilogía de los elementos (Fuego, Tierra, Agua), tocando temas como la homosexualidad, la viudez o la identidad, una constante de su obra.

SESIÓN 9: FILIPINAS – LAV DIAZ [15 junio de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

El cine del filipino Lav Diaz, uno de los más arriesgados del cine asiático, se rige por sus propias normas. Habitualmente rodando en blanco y negro, jugando con los formatos y con una duración habitual que va mucho más allá del cine convencional, su mirada se ha convertido en una de las habituales en los grandes festivales europeos. Su cine nos habla de un país dominado por los poderosos tomando como referencias la memoria histórica, el ritmo narrativo, y el uso del espacio y del tiempo.

SESIÓN 10: IRÁN – JAFAR PANAHI [22 junio de 2021 de 19.00 h a 21.00 h]

El realizador Jafar Panahi es junto a Abbas Kiarostami, Mohsen Makhmalbaf uno de los realizadores que dieron lugar a la Nueva Ola de cine iraní (tras la Revolución islámica). Sus películas han recibido numerosos premios internacionales entre los que destacan el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia y el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín. Detenido en varias ocasiones por el gobierno de su país, Panahi ha sido fiel siempre a su estilo y a su cine social y reivindicativo.

Profesorado

El equipo de CineAsia formado por Eduard Terrades Vicens, Josep Santcristòfol, Alfons Mas, Ricard Planas, Víctor Muñoz, Gloria Fernández y Enrique Garcelán

 

Ficha Técnica

Duración: del 20 de abril al 22 de junio

Horas: 20 horas

Sesiones: (1 sesión a la semana) 2 horas de duración los martes de 19:00h a 21:00h

Modalidad: online (a través de la plataforma Zoom)

Precio: 120€

Promoción especial: Creación del canal ‘Maestros del cine asiático by CineAsia’ en la plataforma Filmin que podrán disfrutar los alumnos inscritos.

Pack de bienvenida: Los 5 primeros alumnos que se apunten al curso tendrán un regalo cineasiático de bienvenida que se les enviará por correo (libro, DVD, Bluray).

Certificado del curso: Todos los alumnos que superen el 60% de las clases recibirán un certificado final del curso expedido por CineAsia.

Suscríbete al curso

Maestros del cine asiático Vol.2

 

Angelina Jolie al rescate, tráiler de «Those Who Wish Me Dead»

Después de las buenas sensaciones dejadas primero como guionista en trabajos como Sicario o Comanchería y luego como director con la notable Wind River nos llega un primer adelanto de la mano de Warner Bros en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Those Who Wish Me Dead. La película, adaptación de la novela de Michael Koryta, se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 7 de mayo, una semana antes estará disponible en cines norteamericanos y en HBO Max.

Those Who Wish Me Dead nos cuenta como un adolescente testigo de un asesinato es perseguido por dos asesinos gemelos a través de las tierras salvajes de Montana. El joven contara con la ayuda de una experta especializada en incendios forestales llamada Hannah, una mujer que sigue arrastrando la pérdida de tres vidas que no pudo salvar años atrás, ambos intentaran evitar que los secuaces les den caza, sin embargo la súbita aparición de un incendio cercano amenazara con quitar la vida de todos los implicados.

La película con guion adaptado por parte del propio Taylor Sheridan junto a Michael Koryta está protagonizada por Angelina Jolie, Jon Bernthal, Nicholas Hoult, Aidan Gillen, Tyler Perry, Jake Weber, Finn Little, Medina Senghore, James Jordan, Tory Kittles, Lora Martinez, Laura Niemi y Alma Sisneros.

Johnny Depp e Isabelle Huppert entre las destacadas figuras que visitarán el BCN Film Fest

Johnny Depp, Isabelle Huppert, Fernando Trueba, Javier Cámara, Fernando Colomo, Clara Lago, Toni Acosta, Karra Elejalde, Kiyoshi Kurosawa, Nicolas Winding Refn, Carmen Chaplin, Marta Buchaca, Quim Ávila o David Selvas participarán en la 5ª edición del festival.

El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), contará con destacadas visitas presenciales, tanto de talento nacional como internacional, entre los que destacan las de Johnny Depp y Andrew Levitas (“El fotógrafo de Minamata”); Isabelle Huppert y Jean-Paul Salomé (“Mamá María”), Fernando Trueba y Javier Cámara (“El olvido que seremos”); Carmen Chaplin (“El Chico”- Coloquio Chaplin); Steven Bernstein (“Last Call”); Mariana Barassi y Clara Lago (“Crónica de una tormenta”), o el equipo de “Poliamor para principiantes”, formado por Fernando Colomo, Karra Elejalde, Toni Acosta y Quim Àvila.

Los directores Kiyoshi Kurosawa (“La mujer del espía”), Massoud Bakhshi (“Yalda, la noche del perdón”) y Philippe FalardeauSueños de una escritora en Nueva York«), participarán de forma telemática, así como Nicolas Winding Refn (“Valhalla Rising”), que finalmente no podrá viajar a Barcelona por motivos de la pandemia pero mantendrá las actividades previstas de forma virtual.

 

Una joven prometedora’ inaugurará el BCN Film Fest 2021

La coproducción catalana “Solo una vez” se incorpora a la Sección Oficial, adaptación de Marta Buchaca de su obra teatral, con Ariadna Gil, Álex García y Silvia Alonso.

Una de las sorpresas de la temporada, “Una joven prometedora” (Promising Young Woman), dirigida por Emerald Fennell (ópera prima) y con 5 nominaciones a los Oscar incluyendo Mejor Película, será la encargada de inaugurar el BCN FILM FEST 2021, que celebrará su quinta edición del 15 al 23 de abril. La película se estrenará en cines, tras su paso por el Festival, el próximo 16 de abril. Protagonizada por Carey Mulligan (“An Education”, “Drive”, “Shame”), el film ofrece una nueva y deliciosa visión de la venganza. Mulligan interpreta a una joven con una astucia sin límites que vive una doble vida nocturna. Un encuentro le dará la oportunidad de corregir el suceso que descarriló su futuro.

«Entre rosas” (Le fine fleur), de Pierre Pinaud, una historia sobre una cultivadora de rosas al borde de la quiebra, clausurará el certamen precisamente el dia de la rosa, Sant Jordi. Catherine Frot (Mejor Actriz en los Premios César del 2016 por “Madame Marguerite”) interpreta a Eve, una mujer que había creado les rosas más famosas del mundo pero ahora está amargada y al borde de la quiebra. Su asistente tiene una idea brillante y loca que podría cambiar sus vidas para siempre.

 

Isona Passola recibirá el Premio de Honor del BCN Film Fest 2021

Isona Passola, productora, directora y Presidenta de la Acadèmia del Cinema Català, recibirá el Premio de Honor del BCN FILM FEST el próximo 15 de abril durante la ceremonia de inauguración del certamen.

Isona Passola, productora, directora y Presidenta de la Acadèmia del Cinema Català, recibirá el Premio de Honor del BCN FILM FEST el próximo 15 de abril durante la ceremonia de inauguración del certamen.  Passola recibirá el galardón en reconocimiento al trabajo al frente de la Acadèmia los últimos ocho años, y como productora de películas como “Pa Negre” o “Incerta Glòria”.

Nacida en Barcelona en 1953, Passola es la fundadora de Massa d’Or Produccions, con la que ha producido films como “Pa Negre” (9 premios Goya, 13 premios Gaudí), “Incerta Glòria” (8 premios Gaudí), “De nens”, “El pianista” o “El Mar”, y documentales que también ha dirigido como “Cataluña-Espanya” o “L’endemà”.

Passola también es la primera mujer presidenta del Ateneu Barcelonès,  forma parte del Consell Nacional de la Cultura i les Arts (CoNCA), y es profesora en la Facultad de Comunicación Blanquerna de la Universidad Ramon Llull.

 

 

Amor sangriento, tráiler de «Rose: A Love Story»

Viene siendo bastante común como muchas operas primas que están viendo la luz últimamente inciden casi a modo de excusa argumental en el tema del vampirismo a la hora de desarrollar otra serie de cuestiones más direccionadas al drama. Al igual que la reciente My Heart Can’t Beat Unless You Tell It To de Jonathan Cuartas Rose: A Love Story, cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se adentra en la alegoría a través de una historia en donde las relaciones se ven empañadas por una enfermedad o adicción que derivan en comportamientos destructivos. Dirigida por la debutante Jennifer Sheridan la película estará disponible en VOD en el Reino Unido a partir del próximo 5 de abril.

En Rose vemos como atrapada por una terrible y extraña enfermedad que solo puede saciarse con sangre, una mujer vive recluida junto a su marido, pero la llegada de una extraña hace estallar el frágil refugio que han construido en mitad del bosque para intentar aislarse del exterior.

La película con guion a cargo de Matt Stokoe está protagonizada por Matt Stokoe, Sophie Rundle, Nathan McMullen, Olivia Gray y Boadicea Ricketts.

Weird Western, Cine del Oeste Sin Fronteras

¿Qué tienen en común películas tan variopintas como El Valle de Gwangi, Almas de metal, Cowboys y Aliens o Bone Tomahawk? Pues difícil precisarlo porque unas son de ciencia ficción… otras tienen monstruos… uy, y otra es de terror y en ella salen hasta caníbales. Pero sin temor a equivocarnos, podríamos decir que todas son, de entrada, películas del oeste. ¿Seguro? ¿Son películas del oeste? La respuesta a esta pregunta se encuentra profundamente analizada y contestada en Weird Western, cine del oeste sin fronteras. Este libro será la obra conmemorativa de la XXIII Semana Internacional de Cine Fantástico Costa del Sol, que se celebrará entre los días 5 y 11 de septiembre de este año, y su publicación correrá a cargo de Applehead Team.

El objetivo de este volumen colectivo es establecer un catálogo de filmes de western clásico a los que argumentalmente se les han añadido elementos propios del cine fantástico o de miedo, y reflexionar sobre él. Aunque suene extraño existen varios y muy ilustres ejemplos, incluso más allá de los citados, una serie de producciones que van desde los años cuarenta hasta la actualidad. Bajo la coordinación del crítico y escritor Jesús Palacios, un nombre que no necesita presentación para los cinéfilos, este trabajo promete una lectura llena de sorpresas, ideas sustanciosas y nuevas pistas que seguro que disfrutarán los aficionados al cine de género.

Indice:

Una introducción al WW: rompiendo fronteras por Jesús Palacios

Yo dirigí un Weird Western español: «Atolladero» por Oscar Aibar

Gusanos de la Frontera por Jesús Palacios

El valle de los perdidos por Robert E. Howard

Resucitando la Frontera: vampiros y zombis en el WWA por Adolfo Reneo

Monster Western: un bestiario fantástico de la Frontera por Rakel Suárez

La Frontera diabólica: sectas y cultos extraños en el wéstern por Jesús Palacios

De Salvadores a Angeles de la Muerte: los wésterns apocalípticos  por Donato Totaro

Indian Country: nativos americanos y WWAlfredo Lara La Torre Oscura: Stephen… ¿King del WW’? por Iria Barro Vale

Filmografía selecta comentada por Carlos Morcillo

Autor: VVAA. Editor: Jesús Palacios, Editorial: Applehead Team Creaciones, Páginas:

«La nuée» review

En la nube vemos como a Virginie le resulta difícil conciliar su vida de agricultora con la de madre soltera. Para sacar a su familia adelante y evitar la quiebra de su granja, se entrega en cuerpo y alma a la cría de saltamontes comestibles. Poco a poco, Virginie empieza a desarrollar un extraño vínculo obsesivo con sus saltamontes: ni sus hijos son capaces ya de reconocerla.

Fue una de las varias óperas primas presentes en la algo atípica sección oficial a concurso de la pasada edición del Festival de Sitges (Premio Especial del Jurado y el galardón a Mejor Actriz para Suliane Brahim), la cinta gala La nuée de Just Philippot, film que se estrena comercialmente en nuestro país la próxima semana, vino apadrinada con el sello de la Semana de la Crítica de ese Festival de Cannes 2020 nunca celebrado constituyendo una buena muestra del gran momento actual que parece estar atravesando el cine de género fantástico proveniente de Francia, cinematografía que de alguna manera siempre ha estado intentando con mayor o menor fortuna a través de diferentes vías la reinvención de conceptos genéricos referenciales a través del filtro autoral.

La nuée certifico de buenas a primeras ese tipo de cine de ambivalencia genérica presente en el festival que tan bien, a diferencia de otros muchos, sabe utilizar e insertar la metáfora dentro de la historia, en esta ocasión la de un duro drama familiar con la precariedad de fondo embadurnado de claros contornos fantásticos, de alguna manera la opera prima de Just Philippot forma parte de ese grupo de películas que al igual que por ejemplo la notable Take Shelter de Jeff Nichols oscila a través de dos aguas en referencia a la exploración psicológica de unos personajes ubicados en una situación y unos hechos limites que se escapan de la lógica y como tales entran de lleno en el terreno del relato fantástico, a tal respecto el mensaje alegórico del film adquiere una curiosa concomitancia con los tiempos actuales del Covid 19 a la hora de mostrarnos como la mano del hombre está forzando a la naturaleza en base a la alteración de sus propios recursos. Si a lo largo de la historia del género fantástico el concepto de catástrofe natural o animal ha estado representada en la mayoría de ocasiones a través de una causa científica en La nuée dicha manipulación parte de unos parámetros algo distintos en base a pervertir el consabido concepto del mad doctor mostrado aquí a través de un concepto de índole mucho más minimalista y realista en lo referido a una vertiente social, inmigración no arraigada, adolescentes excluidos socialmente a causa de la arbitrariedad de una madre soltera y la precariedad en la que se mueve en referencia a unas inquietudes contemporáneas que derivan en angustia, excelente interpretación a cargo de Suliane Brahim, una mujer dispuesta a todo, incluso a dejarse devorar de forma literal por su empresa,  con tal de poder salvaguardar un negocio de crías de saltamontes comestibles que viene a ser el principal sustento de su desestructurada familia.

La reflexión que deriva en advertencia a modo de alegoría en clave medioambiental que nos lanza Just Philippot viene dada en la medida de justificar o no una maternidad percibida como negligente a la hora de cruzar ciertos límites de lo entendible como responsabilidad. Esa obsesión por parte de la protagonista a la hora de alimentar de una manera muy especial a los saltamontes en base a aumentar cada vez más su producción y salvarle de la bancarrota hará que entre en escena en la parte final de la película el elemento fantástico de un modo casi bíblico-apocalíptico, lo hace de una manera admirable en la medida de mostrar de una forma muy comedida e incluso realista una causa/efecto dentro de un planteamiento que hasta ese momento no había salido de unos parámetros naturalistas colindantes ligeramente incluso con un tono documental, de hecho La nuée no deja de ser un relato que bascula a través de una amenaza que transita en lo relativo al in crescendo de su narrativa, desde la sugerencia más sonora, como creciente sensación de malestar previa al peligro, que visual hasta el exabrupto final, la revolución animal pues hará acto de presencia de una forma abrupta y rupturista como fiel testigo y juez implacable en referencia a la desmedida ambición humana, las langostas pasan de un comportamiento neutral e inofensivo a la fase de enjambre agresivo, este último concepto con un buen uso y sentido de la digitación a cargo de Antoine Moulineau, aquí expuesta, si nos posicionamos a través de una mirada referencial y algo juguetona, casi a modo de un emotivo guiño cinéfilo a aquellas entrañables producciones de plagas de índole catastrofistas que tan bien sabia orquestaba en su día Irwin Allen.

Valoración 0/5: 3’5

Nuevo tráiler de «Belle», lo nuevo de Mamoru Hosoda

Indiscutiblemente considerado como uno de los principales puntales de la animación mundial actual cada nuevo trabajo del japonés Mamoru Hosoda es considerado como todo un evento. Dos años después de Mirai el responsable de Summer Wars nos presenta Belle (Ryū to Sobakasu no Hime en original), film cuyo nuevo tráiler de poco más de un minuto de duración acaba de ver la luz después del breve teaser publicado hace un mes y que podéis ver a final de página junto a su póster oficial.

La película que se estrenará comercialmente en Japón el próximo mes de julio coincidiendo con el décimo aniversario del estudio Chizu y que aquí veremos seguramente por primera vez a partir del mes de septiembre por festivales patrios sigue las andanzas de una joven estudiante de secundaria de 17 años llamada Suzu que vive en un apartado pueblo rural junto a su padre. Durante mucho tiempo ella solo ha sido una sombra de sí misma, un día, Suzu ingresa en U, un universo en línea en constante evolución con más de cinco mil millones de miembros en línea que la hace convertirse en Belle, una cantante de fama mundial. Belle pronto se encuentra con una criatura misteriosa con la que se embarca en un viaje lleno de aventuras en la búsqueda de poder convertirse en quien realmente cree que es.

El cine de Buñuel, Saura y Coixet llega al programa educativo de Filmoteca Española

  • Más de 2.000 estudiantes de 50 centros educativos de distintas ciudades españolas han participado en EducaFilmoteca en los primeros meses de este curso escolar
  • Estudiantes de secundaria, bachillerato y FP podrán disfrutar de sesiones online gratuitas de cine español y participar en encuentros digitales con cineastas
  • Los centros educativos podrán solicitar su participación en las siguientes sesiones del curso 2020/2021 a través de este formulario

En los próximos meses, el cine de Luis Buñuel, Carlos Saura o Isabel Coixet estará presente en las aulas de docenas de centros educativos de toda España gracias a las nuevas sesiones que anuncia EducaFilmoteca. Desde que comenzó el curso escolar, el programa educativo de Filmoteca Española ha acercado el cine español a dos mil estudiantes de cincuenta centros en sesiones gratuitas online, seguidas de encuentros digitales con cineastas.

EducaFilmoteca pretende acercar a los jóvenes un amplio abanico de estilos, géneros y autores que aporten una visión diversa del patrimonio cinematográfico español con la programación de películas como Un perro andaluz (1929), la obra surrealista por excelencia de Luis Buñuel, rodada en colaboración con Salvador Dalí, o el retrato de la periferia madrileña que hizo Carlos Saura en su ópera prima, Los golfos (1960). Los estudiantes podrán descubrir El mundo sigue (1965), un crudo relato sobre la bajeza moral y falta de oportunidades en aquella España firmada por Fernando Fernán Gómez, a quien Filmoteca Española rinde homenaje este año por su centenario.

Entre las novedades de su programación, también propone Cosas que nunca te dije (1996), una obra paradigmática en cuanto a la internacionalización del cine español donde Isabel Coixet, recientemente galardonada con el Premio Nacional de Cinematografía, sentaba las bases de su estilo narrativo. Por último, la película Vete de mí (2006) de Víctor García León narra la relación entre un hijo y su padre en plena crisis vital; “una tragedia griega en Carabanchel”, según su director.

Aprendizaje compartido con nuestro mejor cine

En los encuentros de EducaFilmoteca se conectan a través de videoconferencia varios centros educativos desde distintas partes de España en horario lectivo. Y a los pocos minutos, las reflexiones del alumnado sobre las decisiones creativas de cada autor, la técnica narrativa de la obra, su estética y rasgos estilísticos, discurren entre las preguntas al invitado, la relectura de secuencias, la respuesta a cuestionarios interactivos o una lluvia de ideas para visualizar la opinión de los participantes.

Para que esto sea posible, resulta fundamental el trabajo previo del profesorado con el material pedagógico que proporciona EducaFilmoteca para preparar el visionado de las películas, junto con el marcado enfoque didáctico de los coloquios dirigidos por el equipo de Aulafilm, que convierten los encuentros de los jóvenes con los cineastas en estimulantes sesiones educativas. La profesora Alicia Vega del IES Guía (Las Palmas) describe la iniciativa como “una oportunidad de oro para acceder a nuestro cine” y considera que la guía didáctica “es el germen para un debate en clase”.

Los docentes encuentran especialmente motivadora la participación de los invitados: “Es muy interesante porque les permite analizar las películas en profundidad, contando además con la participación de los propios creadores en los encuentros”, considera Antonio Lachos del IES Martínez Vargas (Huesca). En el mes de febrero los estudiantes analizaron películas como Queridísimos verdugos de Basilio Martín Patino de la mano de la profesora e investigadora Ana Martín Morán, o la película de animación Arrugas (Ignacio Ferreras, 2011) en un coloquio que contó con la participación de su productor, Manuel Cristóbal.

Sesiones EducaFilmoteca marzo – junio 2021

  • Jueves 18 de marzo: La leyenda del tiempo (Isaki Lacuesta, 2006)
  • Jueves 15 de abril: Cosas que nunca te dije (Isabel Coixet, 1996)
  • Jueves 22 de abril: El mundo sigue (Fernando Fernán Gómez, 1965)
  • Jueves 20 de mayo: Los golfos (Carlos Saura, 1960)
  • Jueves 3 de junio: Un perro andaluz (Luis Buñuel, 1929)
  • Jueves 17 de junio: Vete de mí (Víctor García León, 2006)

Apariencias inquietantes, primer tráiler de «Things Heard & Seen»

Parece ser que el subgénero de terror sobrenatural ubicado en casas vuelve a estar en la palestra con una serie de títulos que verán la luz en las próximas semanas, si hace bien poco hablábamos de cintas como The Banishing de Christopher Smith o The Night House de David Bruckner ahora es turno para Things Heard & Seen (La Apariencia de las Cosas en español), film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de paginan junto a su póster oficial. La película basada en la novela de terror de Elizabeth Brundage titulada All Things Cease to Appear está dirigida en el que es su primer trabajo dentro del género fantástico por el dueto formado por Shari Springer Berman y Robert Pulcini, responsables entre otros de trabajos como American Splendor (2003), The Nanny Diaries (2007) o Ten Thousand Saints (10,000 saints) (2015).

En Things Heard & Seen, que se estrenará a través de Netflix el próximo 29 de abril, vemos como después de mudarse a una antigua aldea ubicada en el valle del Hudson, una joven pareja de Manhattan descubre que su matrimonio está impregnado de una oscuridad siniestra capaz de rivalizar con la turbia historia de un nuevo hogar maldito por el asesinato de sus antiguos dueños.

La película con guion adaptado por parte de los propios Shari Springer Berman y Robert Pulcini está protagonizada por Amanda Seyfried, James Norton, Karen Allen, F. Murray Abraham, Natalia Dyer, Rhea Seehorn, Alex Neustaedter, Jack Gore, Olivia Boreham-Wing, Kelcy Griffin, Emily Dorsch, Cotter Smith, Ana Sophia Heger, Dawn McGee, Polly Lee, Alison Smith, Joey Auzenne, Joe Lanza, Marion McCorry, Elliot Frances Flynn, Ben Graney, Charlotte Maier, Jill Dalton, Larry Petersen, Brian Corrigan, Lexa Hayes y Lewis Payton Jr.

Elías Querejeta, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián publican ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica

Esta publicación online de carácter bianual explorará las conexiones de la cultura cinematográfica con otras disciplinas científicas y humanísticas, con una atención particular por el cine vasco.
En el primer número se analiza la obra cinematográfica de Nestor Basterretxea desde el punto de vista del constructivismo y se presenta la obra de María Jesús ‘Tatus’ Fombellida.

ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica es una publicación académica editada por Elías Querejeta Zine Eskola, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián. El propósito de ZINE es publicar investigaciones originales que contribuyan al conocimiento especializado en el campo de los estudios cinematográficos desde una perspectiva interdisciplinar.

Aunque da cabida a todo tipo de contribuciones relevantes para el campo, ZINE se fija como objetivo principal el apoyo y edición de trabajos que propongan nuevas miradas sobre la cultura y el patrimonio cinematográfico y audiovisual vasco, ya sea mediante el análisis y puesta en valor de casos de estudio que han quedado fuera de los relatos canónicos, la revisión crítica de figuras consolidadas o la puesta en práctica de metodologías innovadoras que hayan tenido menor desarrollo en la tradición académica local. En suma, ZINE se plantea como un espacio que propone ampliar no sólo las fronteras de los estudios sobre cine vasco sino, también, de los estudios cinematográficos desde el País Vasco.

La distribución de ZINE será íntegramente online. La publicación, de carácter bianual, estará alojada y disponible para descarga libre en español, euskera e inglés o francés en las páginas web de las tres instituciones involucradas en el proyecto.

En opinión de Harkaitz Millán, diputado de cultura de la Diputación Foral de Gipuzkoa, «la creación de una línea de publicaciones destinada a promover la investigación es consecuente con los objetivos del centro y con su actividad investigadora». El diputado también destaca la importancia de poner el foco en el análisis y estudio del cine vasco, y la divulgación del trabajo realizado por investigadoras e investigadores locales. Para Filmoteca Vasca participar en el desarrollo de esta publicación es natural dada la vocación investigadora y de preservación del patrimonio audiovisual vasco, dos líneas de trabajo y objetivos que se complementan con el carácter divulgativo de una parte importante de las actividades que lleva a cabo el centro. Por su parte, la participación del Festival en la publicación forma parte de su configuración como festival de todo el año, como certamen que se piensa a sí mismo y que quiere fomentar el estudio y la investigación sobre cuestiones relacionadas con el cine.

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Un primer número dedicado al cine vasco

Cada número de ZINE constará de dos secciones principales: por un lado, un estudio monográfico a cargo de especialistas sujeto a revisión externa por pares; por otro, ZINE acogerá también materiales vinculados a proyectos y acciones de investigación impulsados por el Departamento de Investigación de Elías Querejeta Zine Eskola en una sección que explora formatos híbridos entre la investigación académica y la creación. Por ello, ZINE se plantea, también, como un punto de encuentro entre la comunidad académica internacional y las iniciativas de investigación desarrolladas en la escuela.

En este primer número de la colección, Elixabete Ansa, profesora Asociada y Directora de Asuntos Académicos del Instituto de Estética de la Pontificia Universidad Católica de Chile, propone un estudio de la relación entre el cine y la fábrica, a través de una propuesta de lectura del cine vasco desde una perspectiva “constructiva”. El punto de partida del artículo de Ansa lo marca la película Operación H (1963) de Néstor Basterretxea y la necesidad de problematizar las formas en que se ha pensado la comunidad en el cine vasco.

Por otra parte, y como resultado del proyecto de investigación de EQZE Artesanos del cine: investigación sobre el cine amateur vasco, ZINE acoge un dossier dedicado a la serie documental Gure Herria filmada por la cineasta amateur María Jesús ‘Tatus’ Fombellida entre 1975 y 1985. Este apartado cuenta con las firmas de Enrique Fibla, investigador del CCCB y EQZE; Benoît Turquety, profesor de la Universidad de Laussanne experto en cine amateur, y de la artista Sahatsa Jauregi, que reflexionan desde sus respectivas disciplinas sobre el lugar que ocupan estas películas en el mapa de las prácticas culturales. Este dossier se acompaña de la publicación en la web de EQZE de nuevas versiones digitales de nueve películas de la serie Gure Herria de Fombellida.


Call for papers

ZINE es un proyecto abierto a las contribuciones de investigadoras e investigadores. Las propuestas de contribución de ZINE serán preseleccionadas por el Comité Editorial y también estarán sujetas a revisión externa por pares. Pueden hacerse llegar propuestas a la dirección zine@zine-eskola.eus. Cada propuesta debe constar de un resumen de entre 250 y 500 palabras y de un CV completo del/la autor/a. Las instrucciones para los autores y autoras están disponibles en la web de EQZE.