Fantasia, web dedicada al cine, críticas y análisis de películas, series de televisión, festivales, noticias, libros, Dvd & Bluray, merchandising y todo lo que rodea al séptimo arte
Primer tráiler y cartel de la mano de STX Entertainment que podéis ver a final de página de Breathe, debut en la dirección del actor Andy Serkis, conocido mayormente por ser el rostro que se esconde en caracterizaciones digitales tales como el Gollum de The Lord of the Rings, el Capitán Haddock de The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn o el César de la última saga de El Planeta de los Simios entre otras muchas. Breathe aun sin fecha de estreno en España tendrá su premier mundial en el próximo BFI London Film Festival como película inaugural estrenándose comercialmente en Reino Unido y Estados Unidos el próximo mes de octubre.
Basada en una historia real en Breathe vemos como Robin Cavendish es un joven aventurero que en uno de sus viajes a Kenia con tan solo 28 años se ve paralizado al contraer la polio quedándose en estado vegetativo en un hospital. No obstante con la ayuda de su esposa y los hermanos gemelos de esta se negara a tener una vida infeliz tomando la decisión de viajar por todo el mundo para intentar transformar en la medida de lo posible la vida de otras personas a base de su humor, coraje y unas inusitadas ganas de vivir.
La película que cuenta con un guion de William Nicholson (Everest, Les Misérables, Gladiator) y música a cargo de Nitin Sawhney está protagonizada por Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh Bonneville, Diana Rigg, Miranda Raison, Dean-Charles Chapman, Kiera Bell, Camilla Rutherford, Ed Speleers, Ben Lloyd-Hughes, Emily Bevan, Roger Ashton-Griffiths, James Wilby, Amit Shah, Honey Holmes y Lasco Atkins.
Vía ScreenAnarchy nos llega un primer tráiler que junto a su póster oficial podéis ver a final de página de la cinta de animación independiente china Have a Nice Day, segundo trabajo tras las cámaras del realizador, guionista y productor Liu Jian tras su interesante opera prima la también animada Piercing I. Have a Nice Day que se pudo ver en los pasados festivales de Rotterdam y Berlín ha sido definida como un modesto (en lo presupuestario) neonoir con claras influencias al cine de Quentin Tarantino en lo referente a su auto paródica violencia y sus múltiples referencias pop, todo ello provisto de una técnica de animación detallista y expresiva muy similar por ejemplo al utilizado por Mike Judgeen Beavis and Butthead.
No deja de ser una buena noticia que la muy escasa animación adulta proveniente de Asia, con el coreano Yeon Sang-ho a la cabeza, se vaya poco a poco ampliando con trabajos como el que nos ocupa, relato de tono negro Have a Nice Day explora varios géneros cinematográficos como son la comedia, los films de gánsteres o la sátira social, todo ello presentado dentro de un contexto deprimente y sórdido.
Have a Nice Day que ha sido licenciada para su distribución en nuestro país por La Aventura nos cuenta como Xiao Zhang es un humilde taxista que busca de manera desesperada dinero para poder costear una operación que corrija la fallida cirugía plástica a la que se sometió su prometida, una noche roba un bolso a su jefe con un millón de yuanes chinos, la noticia del robo se extiende rápidamente por la ciudad, a partir de ese momento se desata una serie de secuencias muy cómicas y atípicas de gente que buscan apoderarse de dicha fortuna entre los que se encuentran un asesino a sueldo, un gánster y un ladrón entre otros variopintos personajes.
El certamen abre el 18 de julio con la comedia china Cook Up a Storm y dentro de su Sección Oficial incluye títulos como Munna Michael, Duckweed, Extraordinary Mission, Shock Wave, McDull Rise of the Rice Cooker y Fabricated City.
Además de China, país invitado, el Festival Nits de cinema oriental de Vic acoge producciones de Hong Kong, Japón, Filipinas, Malasia, Taiwán y la India. En su 14ª edición presenta 16 títulos en Sección Oficial, 15 de los cuales son estrenos estatales, y se convierte así en una cita obligada para los amantes del cine oriental. Como cada año, su programación de filmes a concurso consigue un equilibrio entre las superproducciones comerciales de calidad y el cine de autor.
El público nitómano vibrará desde la sesión inaugural con la comedia Cook Up a Storm (Ye Wei Min -Raymond Yip-, 2017), en la cual se enfrentan la cocina tradicional y la moderna; el hit de Bollywood de este verano Munna Michael Sabbir Khan, 2017), sobre un musculado sintecho seguidor de Michael Jackson; la espectacular cinta de ciencia ficción Fabricated City (Park Kwang Hyun, 2017) y la emocionante Extraordinary Mission (Alan Mak, Anthony Pun, 2016), de los creadores de la saga Infernal Affairs. El thriller Shock Wave (Herman Yau, 2017), triunfador en las taquillas de China y Hong Kong, clausurará las Nits en la Bassa.
De otro lado, la japonesa Strange Tales of Love and Strangers (Raita Kuramoto, 2017) nos habla de las pequeñas grandes historias de amor y Duckweed (Han Han, 2017), éxito del cine de autor chino de 2017, nos invita a un viaje en el tiempo cargado de realismo mágico.
Strange Tales of Love and Strangers
Dos películas se suman también desde la Sección Oficial a la apuesta del Festival Nits por destacar el rol de la mujer en el cine oriental: Mountain Cry (Larry Yang, 2016), un delicado filme chino que condena la intolerancia colectiva, y Mrs K(Ho Yuhang, 2017), el retorno de la femme fatale Kara Wai al cine de acción. Fuera de competición podremos ver los documentales Mira (Lloyd Belcher, 2016) sobre una campeona runner nepalí y Gulabi Gang (Nishtha Jain, 2012), la historia del movimiento de los saris rosas contra la violencia de género en la India.
La anunciada Retrospectiva Kung Fu Girls!, dedicada a las protagonistas del cine de acción de China y Hong Kong, se inaugura este viernes día 30 de junio en la sala Phenomena con la proyección de Royal Warriors (Ultra Force) de David Chung (1986) en una sesión Noodle & Beer Night: KUNG FU GIRLS!
Royal Warriors (Ultra Force)
El Festival Nits, en colaboración con Movistar+, estrena el blockbuster FABRICATED CITY
Movistar+ apuesta por el Festival Nits (18-23 de julio), referente del cine asiático en el país, para presentar el último filme del creador de la célebre Welcome to Dongmakgol, el director de Corea del Sur Park Kwang Hyun.
Fabricated City (distribuida por Isaan Entertainment) se podrá ver en Sección Oficial a Concurso el jueves 20 de julio en La Bassa dels Hermanos de Vic, un espacio donde los pases nocturnos (a las 22:00 h con cena oriental incluida) son auténticas fiestas del cine.
Los espectadores que año tras año llenan las Nits de la Bassa podrán descubrir este filme de ciencia ficción trepidante, inteligente y estilizado, en el que la historia y los personajes nos atrapan desde el primer minuto: el protagonista, Kwon Yoo, es un joven con problemas de socialización y está enganchado a un juego de realidad virtual donde es el líder de un grupo de élite. Una acusación de asesinato hará que el mundo real y el mundo virtual empiecen a confundirse.
La colaboración de Movistar+ con el Festival Nits se concreta bajo el título Sesiones Movistar+, que incluye este estreno, el filme Love and Peace(Sion Sono, 2015) y la serie Ronja, la filla del bandoler(Goro Miyazaki – Estudi Chibli, 2014-2015).
Love and Peace
Love and Peace, dirigida por el nuevo maestro del cine japonés Sion Sono, explica la delirante historia de un oficinista que quiere ser estrella del rock y su adorada tortuga. La proyección tendrá lugar en el CC Can Pau Raba el 15 de julio (dentro del programa de actividades previas al Festival: ‘Més Nits! ) e irá precedida de una conferencia de Iván Fernández, especialista en cine asiático, con la colaboración de Paco Fox, programador de Movistar+ y uno de los influencers más destacados del sector audiovisual.
Por otro lado, con la presentación de Ronja, la filla del bandoler, se estrenan en cine los capítulos iniciales de la primera serie de animación del estudio Ghibli: Ronja es la hija del jefe de un grupo de bandoleros nacida una noche de tormenta bajo la atenta mirada de arpías y enanos grises. Pronto se verá que la niña es especial.
El filme explora temas que son habituales en la casa Ghibli como el paso de la infancia al mundo adulto o el respeto por la naturaleza, añadiendo una buena dosis de humor y aventuras.
Ronja podrá verse el viernes 21 de julio dentro de las sesiones infantiles que cada día del Festival abren la jornada cinematográfica: a las 10:00 h en el Cinema Vigatà, sede del Festival Nits de cinema oriental de Vic.
De la mano de Caramel Films no llega un primer tráiler en castellano y póster oficial, que podéis ver a final de página, del film francés Reparar a los vivos (Réparer les vivants), tercer trabajo tras las cámaras de la prometedora realizadora gala Katell Quillévéré tras sus estimables Un poison violent y Suzanne. Reparar a los vivos es la adaptación cinematográfica de la aclamada novela homónima escrita por Maylis De Karengal en 2014, en España publicada a través de la editorial Anagrama, libro que ha obtenido un éxito sin precedentes en todos los países en los que se ha publicado. La película que al igual que la novela atesora una gran carga poética en su historia y que se pudo ver en los pasados festivales de Venecia (sección Orizzonti) y Toronto se estrenará en España el próximo 4 de agosto.
Reparar a los vivos nos cuenta una historia que comienza de madrugada en un mar tempestuoso con tres jóvenes surfistas. Unas horas más tarde, en el camino de vuelta sufren un accidente. Una vez en el hospital Havre, la vida de Simón pende de un hilo. Mientras tanto, en París, una mujer espera un trasplante providencial que le pueda prolongar su vida. Thomas Remige, un especialista en trasplantes, debe convencer a unos padres en estado de shock de que ese corazón podría seguir viviendo en otro cuerpo. Y salvar, tal vez, una vida.
La película con guion adaptado a cargo de la propia Katell Quillévéré junto a Gilles Taurand y con música compuesta por Alexandre Desplat (8 veces nominado a los Oscar) está protagonizada por Emmanuelle Seigner, Tahar Rahim, Anne Dorval, Alice Taglioni, Monia Chokri, Bouli Lanners, Finnegan Oldfield, Dominique Blanc, Alice de Lencquesaing, Karim Leklou, Kool Shen, Camille Tillier y Andranic Manet.
El cine español durante los gobiernos socialistas de las dos últimas décadas del XX se caracteriza, muy en primer lugar, por la fuerte crisis con la caída del número de películas, de espectadores y de salas de cine, lo que conlleva todo un proceso de reducción del entramado industrial en sus diferentes sectores, desde la atomización de la producción, con empresas más pequeñas y coyunturales, a la distribución donde consiguen mayor protagonismo las filiales de los grandes estudios norteamericanos en un parque más reducido de salas. La crisis no tiene únicamente una dimensión económica sino que afecta a la propia percepción que la sociedad española tiene de su cine, con la evidente desafección en los ochenta, donde se convierte en lugar común entre las nuevas generaciones el descrédito de cualquier estreno tildado de españolada; quizá esta dimensión más cultural explique las interminables referencias peyorativas y la recurrente etiqueta “crisis del cine español” que ha llegado hasta el presente.
Las nuevas regulaciones y mecanismos de subvención (ley Miró) y la consiguiente caída de la producción, el acceso de nuevas generaciones de cineastas, los cambios en la exhibición con el vídeo doméstico y las nuevas “ventanas” de las cadenas de televisión, el cine hecho por mujeres, la reformulación de los géneros, el aumento del público a finales de los noventa, la emergencia de nuevos temas y preocupaciones sociales, las sensibilidades de la primera generación nacida en democracia, etc. son algunos de los factores y cuestiones a tener en cuenta en este período del cine y de la sociedad española (1982-1998) de recuperación de las libertades, construcción de la democracia y consolidación de derechos sociales.
Los análisis de 135 películas del período considerado se complementan con una panorámica que da cuenta del marco social, político y cultural de la España de la época; una crónica rigurosa de la legislación y la política cinematográfica de los gobiernos socialistas; y una síntesis de los fuertes cambios industriales y creativos de nuestro cine.
Índice general
Introducción. Un país en cambio, un cine en cambio 9
José Luis Sánchez Noriega
Entre la Transición y la consolidación democrática.
Los gobiernos del PSOE 15
Juan Carlos Pereira Castañares
Las políticas cinematográficas en los ochenta y noventa 31
Ernesto Pérez Morán y Juan Antonio Pérez Millán
Génesis de la crisis, nuevos públicos y cineastas 53
José Luis Sánchez Noriega
Las películas significativas desde la Transición a las mujeres cineastas 85
«Por el cambio»: menos películas y de más calidad (1982-1986) 87
La gestión social-liberal y el fondo de la crisis (1987-1992) 179
El declive socialista y la emergencia de nuevos cineastas (1993-1996) 329
Cambio político y nueva imagen del cine español (1997-1998) 437
Francisco M. Benavent, Bénédicte Brémard, Óscar Curieses, Virginia Guarinos, Miguel Ángel Huerta Floriano, Gonzalo M. Pavés Borges, Ernesto Pérez Morán, José Antonio Planes Pedreño, Marie-Soledad Rodríguez, J.L. Sánchez Noriega, Pedro Sangro Colón
Los autores 489
Referencias bibliográficas 493
Índice de películas (cronológico) 499
Índice de películas (alfabético) 502
Índice de directores 504
Autor
José Luis Sánchez Noriega es licenciado en Filosofía y doctor en Ciencias de la Información. Profesor titular de Historia del Cine y del Audiovisual en el departamento de Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid y conferenciante en el centro de estudios para norteamericanos IES-Madrid, actualmente es coordinador del Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UCM-UAM y Museo Reina Sofía). Coordina el proyecto de investigación «Ideologías, política e historia en el cine español de la Transición (1976-1984)» en el que se enmarca este libro.
Autor; José Luis Sánchez Noriega, Editorial; Laertes editorial, Colección: Kaplan, 50, Páginas; 512
Por cuarto año consecutivo, el Premio Minotauro se vincula a Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que en esta edición celebra su 50 aniversario. Nieve en Marte, una novela de ciencia ficción escrita por Pablo Tébar, es la ganadora del Premio Minotauro 2017, galardón que se entregará en el marco de la 50ª edición del Festival de Sitges. La reunión y fallo del jurado tuvo lugar el lunes, 19 de junio, en Barcelona.
Además de la ciencia ficción, Nieve en Marte combina intriga, acción sin tregua y una galería de personajes que seguirán con el lector una vez terminado el libro. La trama esconde varios giros sorprendentes e invita a reflexionar sobre el futuro que está creando el ser humano con su mala gestión del presente.
La novela ha merecido el voto unánime del jurado del Premio Minotauro, formado este año por los escritores Javier Sierra y Manel Loureiro, por el director del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Ángel Sala, por el productor cinematográfico Adrián Guerra y por la directora de Ediciones Minotauro, Marcela Serras.
Pablo Tébar nació en 1976, hijo de madre actriz y padre guionista y escritor. Comenzó a trabajar como guionista en 1995 en Médico de familia y desde entonces ha trabajado en series de televisión como Periodistas, El comisario o Tierra de lobos. Fue creador de la serie de TVE Herederos, y co-creador del thriller con aires de western Mar de plástico para Antena 3. Ha escrito y dirigido el cortometraje Onán, premio al mejor guión del Festival Internacional de Medina del Campo y La noche + corta de Canal Plus, y premio al mejor cortometraje del Festival Internacional de Benicàssim. Desde muy pequeño soñó con ser novelista. Se estrena en la literatura con Nieve en Marte.
El 3 de octubre de 2017 saldrá a la venta el libro y el martes 10 de octubre se presentará en Sitges, en rueda de prensa, con la presencia del autor y los miembros del jurado. La entrega oficial del Premio será también el día 10, antes de la proyección de una de las películas del Festival.
El Premio Internacional de Ciencia Ficción y Literatura Fantástica de Ediciones Minotauro alcanza ya su decimocuarta edición. Autores como Javier Negrete, León Arsenal, Carlos Sisí, Carlos Molinero, Elio Quiroga o José Antonio Fideu figuran entre sus ganadores y se ha consolidado como un referente de la literatura de género, dotado con 6.000 euros.
Además, por cuarto año, el Premio Minotauro se ha vinculado a Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que en su 50ª edición acogerá la rueda de prensa y entrega del Premio. Esta iniciativa vincula el Premio Internacional de Literatura Fantástica y Ciencia Ficción con el primer festival de cine fantástico del mundo, y busca ofrecer a todos los aficionados al género la ocasión de disfrutar y participar del evento que significa la entrega de la distinción.
Ediciones Minotauro es el sello editorial más significativo en el panorama de la ciencia ficción, la literatura fantástica y el terror en castellano. En su catálogo se encuentran autores clásicos como J.R.R. Tolkien, Philip K. Dick o Ray Bradbury, junto a nuevos valores como Kim Stanley Robinson o John Scalzi, y autores nacionales como Laura Gallego, Sofía Rhei o Daniel Sánchez Pardos.
Un camionero y su compañero prueban la sopa de una viuda, y al ser de las peores que han probado nunca, la cocinera viuda les pide ayuda para mejorar en la elaboración de la sopa. Durante el proceso surgirá entre ellos el encariñamiento con la dulce viuda.
Hace ya unos cuantos años durante la promoción de la algo decepcionante Chocolat de Lasse Hallström, Juliette Binoche su actriz principal declaraba las propiedades casi curativas del chocolate a la hora de valorar de los placeres de la vida de una forma lúdica y desinhibida a través de la emotividad de tal acto, evidentemente no dejaba de ser una frase promocional de la película pero que de alguna manera ponía el énfasis en como el cine ha utilizado el concepto de la comida a modo de excusa percutora en lo referente a su narrativa, a bote pronto podemos recordar como por ejemplo La grande bouffe de Marco Ferreri utilizaba dicho concepto a modo de sátira social acerca del hedonismo con el habitual tono provocativo de su autor como trasfondo, por otra parte en la excelente Babette’s Feast de Gabriel Axel asistimos a una historia que no dejaba de ser una crítica acerca de la religión con el simbolismo del talento culinario de su protagonista a modo de ofrenda de lo que la misma entiende como la interpretación de tal acto, podíamos seguir hablando de otros muchos ejemplos, la pregunta viene dada en si realmente estas películas hablan realmente de la comida como tal o lo hacen de la gente y sus historias que circunvala la acción de tal termino, y aquí es donde entra una película como Tampopo que sí que gira por completo en torno a lo que es la comida y toda las implicaciones que pueden derivar de ella en la sociedad japonesa contemporánea y no al revés como en los ejemplos vistos más arriba, es por ello y por muchos motivos más que la película de Juzo Itami es considerada con toda justicia como la cumbre del cine culinario entendido como tal.
En Tampopo vemos como dos camioneros conducen camión cisterna por las carreteras de Japón con la impresión de parecer no ir a ningún destino fijo. Una noche de fuerte tormenta se detienen a comer en un pequeño restaurante regentado por una joven viuda. Ella de nombre Tampopo tras perder a su esposo no ha tenido más remedio que hacerse cargo a duras penas del negocio para intentar subsistir de alguna manera y poder así alimentar a su hijo. Sin embargo los dos forasteros bajo esa apariencia de simples camioneros esconden una condición de excelentes gourmets. Inmediatamente, la mujer les suplicara que la ayuden en el negocio sometiéndose a una dura instrucción por parte de ambos en el arte de cocinar ramen. Un aprendizaje que no solo radica en la técnica del cocinero sino en la profundidad del acto como tal, los tres junto a otros peculiares compañeros necesitarán los conocimientos de varios expertos en la materia, entre todos intentarán que el restaurante de Tampopo ofrezca el ramen más popular y delicioso de Tokyo.Tampopo aparte de ser una comedia amable que impregna al espectador de un evidente buen estado de ánimo o de un noodle western como fue promocionada en Japón (en clara alusión paródica a los spaghetti western) no deja de ser una historia amable sobre un aprendizaje, pero en dicho trayecto encontramos muchas acotaciones interesantes acerca del papel de la gastronomía en la sociedad nipona, Juzo Itami se vale aquí de su habitual estilo mordaz, ácido y satírico para indagar en tal concepto, y lo hace curiosamente mediante historias cortas sin ningún lazo argumental con la principal, si en cualquiera otra película esta narrativa digamos invasiva muy seguramente hubiera estropeado el conjunto en Tampopo es todo lo contrario, esas viñetas gastronómicas lo enarbólese de alguna manera, no dejan de ser unos apéndices que se atreven de alguna manera a llegar a donde la historia principal no alcanza, dentro de estas historias cortas hay auténticas maravillas, desde el extraordinario prologo en donde vemos como el maestro instruye al alumno en el arte de cómo saber comer adecuadamente un ramen, la hilarante escena en el restaurante francés, el segmento estructurado en base a una inverosímil belleza plástica en donde encontramos el ensamblaje perfecto entre lo culinario y lo erótico en la historia del gánster y su amante, la madre moribunda y el papel de como las tradicionales convenciones sociales distorsionan lo que entendemos como realidad a favor del impulso humano más natural como es el comer o esa comuna de indigentes instalados en un bienestar moral totalmente alejados de convenciones sociales presentándonoslo como grandes eruditos en la gastronomía local e internacional.
Como colofón a tan exquisita y atípica obra no deja de ser sintomático como esta desde unas bases y coordenadas estrictamente locales se apoya en algo tan occidentalizado como es el western, su estructura base así lo atestigua, se recurren a citas nada disimuladas a referentes del género como pueden ser Shane o The Magnificent Seven, el protagonista principal interactúa a modo de solitario pistolero que socorre a una desvalida mujer a cómo poder defenderse de un escenario hostil como son la dura competencia a la que se enfrenta, enseñándole la habilidad de cocinar perfectos ramen para poder valerse por sí misma en dicho ámbito territorial, como colofón final conscientemente digno del género al que recurre vemos como tras poder cerciorarse de haber cumplido con su cometido el solitario camionero-pistolero se aleja del escenario siguiendo su camino a lomos de un camión que actúa como némesis del caballo de rigor. Tampopo basa su triunfo en lo atípico de su propuesta y como esta logra imponerse en base a esa peculiaridad ya no solo expresada a un nivel narrativo sino también estructural, película tan inusual como sofisticada para la época en la que está rodada finalmente seremos testigos de cómo todo este batiburrillo de tendencias y conceptos no desvarían en absoluto con lo que es la propuesta, más bien todo lo contrario, parecen confluir a la perfección, pocos films por no decir ninguno encontraremos tan rico en simbolismos sociales y significaciones a través de lo que es la gastronomía, Tampopo por inusual no deja de ser un pequeño y muy agradable milagro fílmico.
Con tan solo dos títulos en su haber como son Torremolinos 73 y Blancanieves el realizador de origen vasco Pablo Berger se ha convertido por méritos propios de uno de los principales referentes del actual cine español. Con vistas a su próximo estreno veraniego acaba de ver la luz un primer avance en forma de tráiler bajo los acordes de la icónica canción de la Steve Miller Band y póster oficial que podéis ver a final de página de su nueva película titulada Abracadabra, una comedia negra con algún que otro elemento fantástico que parece alejarse del tono y grado algo excesivo de su multipremiada Blancanieves para volver a un ámbito más costumbrista a imagen y semejanza de la que fue su opera prima.
Abracadabra nos cuenta como Carmen (Maribel Verdú) es un ama de casa entregada a su familia, su marido Carlos (Antonio de la Torre) es un gruista que vive solo por y para el Real Madrid. Resignada por la que es su rutina diaria todo cambia por completo el día de la boda de la sobrina de ambos. Durante la celebración, Pepe (José Mota), primo de Carmen e hipnotista aficionado, hace una demostración a la que Carlos, de forma incrédula se presta como voluntario, a partir de dicho acto la personalidad de Carlos cambiara por completo pareciendo estar poseído por un espíritu maligno. Ahí empieza una exhaustiva investigación, entre terrorífica y disparatada, para poder intentar recuperarlo, mientras tanto Carmen comienza a sentirse extrañamente atraída por su “nuevo» marido.
La película con un guion del propio Pablo Berger que también se ocupa de la música junto a Alfonso de Vilallonga está protagonizada por Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota, Josep Maria Pou, Quim Gutiérrez, Priscilla Delgado, Saturnino García, Ramón Barea, Javivi, Julián Villagrán, Rocío Calvo, Javier Antón, Janfri Topera y Fabia Castro.
Abracadabra que se estrenará en los cines el próximo 4 de agosto es una producción de Arcadia Motion Pictures en asociación con Atresmedia cine y en coproducción con Perséfone Films, Pegaso Pictures, Noodles Production (Francia) y Films Distribution (Francia) y con la participación de Atresmedia y Movistar +.
Decir a estas alturas que The Twilight Zone, la mítica serie de televisión creada por Rod Serling entre 1959 y 1964 con cinco temporadas y 156 episodios, forma parte de una manera importante en el imaginario popular (en especial el estadounidense) no deja de ser una obviedad, en cierta manera la serie, conocida en países de habla hispana bajo el título de En los límites de la realidad o La dimensión desconocida, y todo lo que lo rodea siempre ha estado ahí de alguna forma u otra, ya hubo dos nuevas (1985 y 2002) y no muy afortunadas nuevas versiones para televisión amen de su maldita adaptación al cine en 1983 a cargo de Steven Spielberg, John Landis, Joe Dante y George Miller ocupándose cada uno de los segmentos que componían el film, Warner Bros ha estado implicada en el desarrollo del proyecto desde 2009, después de estar en un primer momento Matt Reeves (Cloverfield, Dawn of the Planet of the Apes y la inminente War for the Planet of the Apes entre otras) como director asignado el último gran avance llegó en 2013 con Joseph Kosinski (Oblivion, Tron Legacy ) en conversaciones para dirigir un proyecto por el que habían pasado guionistas tales como Anthony Peckham, Rand Ravich y Joby Harold.
La adaptación de una nueva versión para el cine de The Twilight Zone es uno de esos proyectos que cuando parecen estar enterrados resurgen de una manera u otra, Appian Way productora con Leonardo DiCaprio y Jennifer Davisson Killoran al mando sigue junto a Warner Bros intentando desencallar el proyecto, según informo hace poco Variety Christine Lavaf guionista que ha trabajado en series tales como Fringe, 666 Park Avenue o Falling Skies además de trabajar en el grupo de escritores que conforman el MonsterVerse de Legendary Pictures se encargará de un nuevo guion, una adaptación que parece ya confirmada que renunciará al formato de la serie original en forma de antología en favor de una sola historia que unificará diversos conceptos y elementos característicos propios del universo original de la serie.
Acaba de ver la luz un primer tráiler que podéis ver a final de página del biopic Marshall, película que relata la historia de Thurgood Marshall, famoso por su victoria en el año 1954 en el caso de Brown contra la Corte Suprema de Justicia, juicio que dictaminó que la segregación de las escuelas públicas era inconstitucional. Más tarde en el año 1967 se convirtió en el primer juez negro de la Corte Suprema en la historia de Estados Unidos. Pero Marshall se fija antes de esos logros. Curiosamente Lionsgate está preparando otro film sobre el mismo personaje, en esta ocasión será la adaptación del libro ganador del Premio Pulitzer de Gilbert King The Devil in the Grove que contará como director con Anton Corbijn. Marshall aún sin fecha en España se estrenará en Estados Unidos el próximo 13 de octubre.
Marshall nos cuenta las vivencias de Thurgood Marshall, un joven abogado negro mucho antes de su nombramiento en el Tribunal Supremo de los Estados Unidos. Mientras la nación se tambalea al borde de la II Guerra Mundial, Thurgood Marshall viaja a Connecticut para defender a un chófer negro acusado por su rica jefa de violación e intento de asesinato. Necesitado de forma urgente de una victoria que encumbre su carrera, Marshall se asocia con Samuel Friedman, otro joven abogado con el que se adentrará en una guerra hostil llena de temores y prejuicios. Atenazados por un tribunal segregacionista ambos intentarán descubrir la verdad en un juicio sensacionalista que en su día ayudó a sentar las bases para el movimiento de los derechos civiles.
La película dirigida por Reginald Hudlin, nominado al Oscar a la Mejor Película como productor de Django Unchained, y con guion a cargo de Jacob Koskoff y Michael Koskoff está protagonizada por Chadwick Boseman, Kate Hudson, Dan Stevens, James Cromwell, Josh Gad, Sterling K. Brown, Jussie Smollett, Rozonda ‘Chilli’ Thomas, Marina Squerciati, Keesha Sharp, Jeremy Bobb, Derrick Baskin. Robert S. Bates, Josie DiVincenzo y Michael Bernardi.
El actor argentino presentará ‘La cordillera’, la película dirigida por Santiago Mitre que se estrenó en el Festival de Cannes.
Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957), uno de los actores más prestigiosos de la cinematografía latinoamericana y mundial, recibirá el próximo 26 de septiembre un Premio Donostia de la 65 edición del Festival de San Sebastián, en el marco de la presentación de la película La cordillera. El galardón honorífico más importante del Festival reconoce la trayectoria del intérprete argentino, que ha trabajado con cineastas como Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Pablo Trapero, Cesc Gay o Santiago Mitre.
La cordillera, dirigida y escrita por Mitre, es una coproducción entre K&S Films y La Unión de los Ríos (Argentina), MOD Producciones (España) y Maneki Films (Francia), cuya historia transcurre en una cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile. Junto a Darín integran el reparto Dolores Fonzi, Érica Rivas, Elena Anaya, Daniel Giménez Cacho, Alfredo Castro, Paulina García y Christian Slater. Estrenada en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, se proyectará el martes 26 en el Auditorio Kursaal. Warner Bros Pictures estrenará la película en salas el 29 de septiembre.
Darín, que obtuvo la Concha de Plata en 2015 por Truman, debutó en la interpretación con cinco años en series televisivas. Inició su carrera cinematográfica en 1979 de la mano de Julio Porter (La carpa del amor) y Adolfo Aristarain (La playa del amor), medio que alternó con trabajos premiados en la pequeña pantalla, como Nosotros y los miedos, Compromiso o Mi cuñado. En los años 80 y 90 trabajó de nuevo con Aristarain (The Stranger, 1987), Alberto Lecchi (Perdido por perdido, 1993) o Eduardo Mignogna (El faro, 1998) y Juan José Campanella (El mismo amor, la misma lluvia, 1999), pero es, sobre todo, con Nueve reinas (2000), la ópera prima de Fabián Bielinsky, cuando empezó a ser reconocido internacionalmente.
Después enlazó títulos esenciales de la cinematografía latinoamericana y española como El hijo de la novia (2001, nominada al Oscar a la mejor película extranjera), Luna de Avellaneda (2004) y El secreto de sus ojos (2009, Oscar a la mejor película extranjera), las tres dirigidas por Juan José Campanella. El año 2007 debutó como director de cine con la película La señal junto a Martín Hodara, con el que volvió a trabajar este año en Nieve negra.
Ha sido un inventor de juguetes en La educación de las hadas (José Luis Cuerda, 2006); padre de una adolescente intersexual en XXY, (Lucía Puenzo, 2007); un ladrón legendario en El baile de la Victoria (Fernando Trueba, 2009); dueño de una ferretería en Un cuento chino (2011) y piloto en Capitán Kóblic (2016), ambas de Sebastián Borenzstein; abogado sin licencia en Carancho (2010) y cura en Elefante Blanco (2012), las dos dirigidas por Pablo Trapero. También ha trabajado en dos ocasiones con Cesc Gay: tras interpretar a un hombre engañado en Una pistola en cada mano (2012), encarnó a un actor al que diagnostican un cáncer terminal en Truman (2015).
En su filmografía figuran asimismo el rol de profesor de Derecho Penal en Tesis sobre un homicidio (Hernán Goldfrid, 2012), el padre desesperado de Séptimo (Patxi Amezcua, 2013), el ingeniero experto en explosivos de Relatos Salvajes (Damián Szifron, 2014), que compitió en Cannes y fue candidata al Oscar a la mejor película extranjera, y su papel como presidente de Argentina en La cordillera. Además, forma parte del reparto de la nueva película del director iraní Asghar Farhadi, todavía sin título, en la que compartirá títulos de crédito con Penélope Cruz y Javier Bardem.
Como señala el cineasta Manuel Gutiérrez Aragón, «todos los personajes que interpreta parece que hubieran sido escritos especialmente para él y solo para su interpretación. Pasada la visión de la película, y repasada en el recuerdo, no admitiríamos que otro que no fuera Darín pudiera haber hecho de verdad aquel personaje. Hemos dicho que el cine transparenta la realidad. Darín transparenta al personaje que encarna. Le sentimos, nos emociona, a través de algo que no vemos: el actor. Solo vemos su personaje. Por eso no nos cansamos de sus películas.»
La presencia de sus filmes en San Sebastián y sus visitas a la ciudad han sido continuas desde 2001, cuando La fuga (Eduardo Mignogna) compitió en la Sección Oficial, donde también presentó El aura (2005), su segunda colaboración con Bielinsky. En 2008 Amorosa soledad (Martín Carranza y Victoria Galardi) se presentó en Zabaltegi-Nuevos Directores. En 2009 participó por partida doble con El secreto de sus ojos en competición y El baile de la Victoria, fuera de concurso. Tras su paso por Cannes, Carancho se proyectó entre las Perlas de 2010 y Elefante Blanco, estrenada en Un Certain Regard, formó parte de la selección de Made in Spain en 2012, donde también se proyectó Una pistola en cada mano. Ese año, además, formó parte del Jurado Oficial que concedió la Concha de Oro a Dans la maison, de François Ozon. En 2013 encarnó al abuelo fallecido de Violet (Luiso Berdejo), seleccionada en Zabaltegi. En 2014 presentó en Perlas Relatos Salvajes, que recibió el Premio del Público a la mejor película europea, y en 2015 regresó a la Sección Oficial con Truman (2015) para obtener la Concha de Plata al mejor actor ex aequo con Javier Cámara.
En una entrevista con la periodista Nuria Vidal, Darín recordaba el estreno de Truman en San Sebastián: «Fue impresionante la reacción del público, se reía con su humor y lloraba con su sentimiento (…). De repente todo lo que habíamos hecho adquirió un nuevo significado, todo lo que habíamos invertido en esta historia encontró su punto culminante en el Kursaal. Tener la oportunidad de verlo con toda esta energía concentrada es algo que uno atesora y se lleva para el resto del viaje. Te lo llevas puesto y te cuesta quitártelo de encima y no sé si quiero hacerlo«.
El Premio Donostia culmina una lista de más de veinte premios nacionales e internacionales que incluyen cinco Cóndor de Plata, dos Konex, dos Premios Sur de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Argentina, un Goya, un José María Forqué, un Gaudí, un CEC (del Círculo de Escritores Cinematográficos), un Feroz, un Platino del Público, un Sant Jordi, galardones en los festivales de Valladolid, La Habana y Biarritz, la mencionada Concha de Plata en San Sebastián, el Platino de Honor que recibió el año pasado y la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes que recogerá este año. Todos ellos reconocen la extraordinaria trayectoria de un intérprete que ha trabajado indistintamente en televisión, cine y teatro (como las premiadas Algo en común, Art o Escenas de la vida conyugal).
LA CORDILLERA
SANTIAGO MITRE
(ARGENTINA – ESPAÑA – FRANCIA)
En una Cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región, Hernán Blanco, el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios. Deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija, y por otro, la decisión política más importante de su carrera.
No deja de ser ciertamente sintomático como después de poder visionar el primer tráiler, que junto a su póster oficial podéis ver a final de página, de Happy Death Day un servidor ha podido deducir sin muchas dificultades como esta forma parte del catálogo orquestado por el señor Jason Blum para la rentable Blumhouse, productora que en apenas ocho años desde su nacimiento se ha erigido en la actualidad y por méritos propios como el medio más prolífico y en cierta manera más austero en la difusión de cine de género. Happy Death Day comedia de terror conocida anteriormente con el título de Half to Death está dirigida y co-escrita por Christopher Landon responsable de Burning Palms (2010), Paranormal Activity: The Marked Ones (2013) y Scouts Guide to the Zombie Apocalypse (2015), una cinta que al igual que en su día lo hizo la entretenida The Final Girls de Todd Strauss-Schulson mezcla subgénero sin ningún tipo de pudor como podemos comprobar en su tráiler, una nueva vuelta de tuerca al slasher juvenil con un claro tono de comedia que remite argumentalmente al Groundhog Day de Harold Ramis o la estimable sci-fi Edge of Tomorrow de Doug Liman entre otras.
Universal Pictures estrenará la película en Estados Unidos el próximo 13 de octubre, en España bajo el título de Feliz Día de tu Muerte verá la luz en cines el 11 de noviembre. En Happy Death Day vemos como una estudiante universitaria (Jessica Rothe) reconstruye día tras día el momento de su asesinato reviviendo tanto los detalles cotidianos como su aterrador final, un bucle temporal en el que intentará descubrir la identidad de su asesino.
La película con guion a cargo del propio Christopher Landon junto a Scott Lobdell está protagonizada por Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Rachel Matthews, Charles Aitken, Jason Bayle, Phi Vu, Donna Duplantier, GiGi Erneta, Tenea Intriago, Rob Mello, Cariella Smith, Billy Slaughter, Julia Holt, Blaine Kern III y Ron M Patterson.
En la vertiente de continuar recuperando y reivindicando un cine inusual de nuestra cinematografía, El Buque Maldito rescata la segunda obra de tan desconocido cineasta. Editada por primera vez en DVD a nivel mundial, la presente edición de Los muertos, la carne y el diablo se ha realizado a partir del máster original localizado en formato U-matic y dentro de las mejores condiciones posibles, conservando su versión original en inglés y añadiendo subtítulos en castellano. Versión íntegra (UNCUT). Edición limitada.
“Un año después de debutar con Las flores del miedo, José María Oliveria recuperaría ampliados y corregidos los motivos temáticos, estéticos y narrativos presentados en aquella con la mucho más ambiciosa Los muertos, la carne y el diablo. Frente al equilibrio entre su envoltura de relato fantástico-terrorífico y las intenciones subyacentes de su ópera prima, esta delgada línea se difumina en esta su segunda película, concebido desde un principio como una fábula adoctrinante de orden espíritu-religioso. Para tal fin, Oliveira entremezcla La Divina Comedia con el mito de Orfeo, brindando un film que sobresale positivamente y por derecho propio de entre la media de la coetánea producción fantástica española, gracias al mimo puesto en su confección y, sobre todo, una estudiada puesta en escena rica en simbolismos y alegorías. En definitiva, una rara avis a reivindicar”. José Luis Salvador Estébenez (La Abadía de Berzano).
Sinopsis: Juan Ardenas (Carlos Estrada) es un escritor que ha decidido cambiar su vida. Ha dejado de ser un hombre inmoral y egoísta y se ha convertido en un auténtico cristiano. A su vez, ofrece conferencias sobre la supervivencia después de la muerte: piensa que los difuntos siguen viviendo en un mundo confeccionado de antimateria. Pero existe un problema: su esposa Luisa (Patricia Wright) no quiere seguir sus nuevas ideas.
José María Oliveira (Huelva, 1934), un año después de debutar en el largometraje con Las flores del miedo (1973), rescataba nuevamente la religión y el reino de los espíritus para constituir su segunda y última película hasta la fecha: Los muertos, la carne y el diablo (1974). Relato conectado con un cine fantástico insólito en nuestro país donde el infierno, los deseos carnales y la ciencia se unificaban. Y que al igual que sucedió con su debut, el film quedó relegado al olvido debido a la escasa difusión en su estreno y nula comercialización en formato doméstico.
LOS MUERTOS, LA CARNE Y EL DIABLO
Director: José María Oliveira
Intérpretes: Carlos Estrada, Patricia Wright, May Heatherly, Dennis Vaughn
Presentada como premier mundial en la pasada edición de la Berlinale dentro de la sección Forum nos llega un primer tráiler y póster oficial que podéis ver a final de página de la cinta franco belga Barrage, segundo trabajo tras las cámaras de la realizadora luxemburguesa Laura Schroeder tras su cinta familiar Schatzritter. Barrage que cuenta con un papel secundario con la hoy omnipresente Isabelle Huppert que aquí comparte pantalla junto a su propia hija en la vida real Lolita Chammah se adentra en una historia de mujeres en apariencia sencilla alrededor de tres generaciones, madre, hija y nieta, explorando sus difíciles relaciones que en ocasiones termina derivando en ver como cada uno de los personajes se comportan e insisten en ocupar el lugar del otro, la película rodada en el hoy poco habitual formato (4:3) para intentar dar una sensación de proximidad o ahogo según se mire entre roles se estrenará en cines de Francia y Luxemburgo el próximo 19 de julio.
Barrage nos cuenta la historia de un regreso, el de una mujer joven que vuelve a por su hija Alba después de haber dejado diez años atrás que su propia madre la criara por su propio bien percatándose al momento en cómo le cuesta franquear de nuevo los muros que se han alzado entre su ausencia y la vida que ha seguido sin ella, un día no puede aguantar más y rapta a Alba para llevársela de viaje.
La película con guion a cargo de la propia Laura Schroeder junto a Marie Nimier está protagonizada por Lolita Chammah, Themis Pauwels, Isabelle Huppert, Elsa Houben, Luc Schiltz, Marja-Leena Junker y Charles Müller.
Los dummies, muñecos que imitan a humanos gracias al manejo y el arte del ventrílocuo, centran buena parte de los seis relatos de este libro de horror grotesco. Cuentos que nos llevan a varietés de pueblos ignotos, teatros ambulantes y museos del horror, circos decadentes, salones espiritistas en que objetos rituales tratan de captar la esencia humana e, incluso, sociedades tecnificadas en que la muñeca clásica hiperrealista y la robótica se fusionan para crear un esperpento aún mayor.
La obra reúne a buena parte del equipo de escritores de Momias y embalsamados, Luis Guallar, Daniel P. Espinosa, Jesús Gordillo, Jorge P. López y Lluís Rueda (de nuevo como coordinador), y suma al proyecto a la escritora Patricia Muñiz y a la periodista y diseñadora Marta Torres, responsable de las ilustraciones y los textos complementarios.
Nos siguen llegando primeros avances de películas que estarán presentes en la Sección Oficial del inminente Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary, si hace bien poco os hablábamos de la Checa Khibula de George Ovashviliho ahora es el turno de la cinta Eslovaca The Line, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página. Desde la división de Checoslovaquia, el cine eslovaco ha vivido un poco en la sombra de una industria checa mucho mejor financiada en lo económico, uno de los directores con más proyección dentro de la República Eslovaca es el director Peter Bebjak responsable de títulos como Apricot Island, Evil o The Cleaner más un bagaje televisivo bastante extenso, ahora con The Line (Čiara) se adentra de lleno en el cine de género, más concretamente en el thriller en una película que aborda el problema de las mafias que hacen estraperlo en las fronteras del espacio comunitario conocido como Schengen , área territorial que comprende a 26 países europeos que han abolido los controles fronterizos en lo que podríamos denominar como fronteras comunes. La dirección a cargo de Peter Bebjak nos introduce en una historia de crimen, asegurándole una dinámica que va mucho más lejos del simple entretenimiento que suele anidar con relativa frecuencia en dicho género.
The Line nos cuenta como Adam Krajňák es cabeza de familia pero también jefe de una banda de criminales que trafican con tabaco a través de la frontera eslovaco-ucraniana. En este estrecho círculo desempeña un papel vital como confidente que se encarga de todo, y también como líder en lo referente a principios e intransigencia, cualidades que le otorgan seguridad al mismo tiempo que le sirve de manera adecuada en momentos decisivos. Sin embargo, la coexistencia pacífica de estos mundos interconectados se ve amenazada repentinamente por la creciente ansiedad por el futuro tras la construcción de una frontera externa del espacio Schengen. El fracaso de uno de los transportes ilegales en los que estaba involucrado desencadena una avalancha imparable de consecuencias que obliga a Krajňák a cuestionar sus propios límites morales, ninguno de los cuales había planeado cruzar hasta es momento.
La película que cuenta con un guion de Peter Balko está protagonizada por Emília Vásáryová, Stanislav Boklan, Zuzana Fialová, Veronika Strapková, Filip Kankovský, Tomas Mastalir, Rimma Zyubina, Milan Mikulcík, Andrej Hryc, Eugen Libezniuk y Benkö Géza.
En The Belko Experiment vemos como una compañía norteamericana establecida en Sudamérica cuenta con una nómina de un grupo de 83 americanos expatriados, unos empleados que de repente se ven atrapados en su lugar de trabajo mientras una voz les hace plantearse dudas morales sobre qué hacer en situaciones límites, teniendo que decidir entre suicidarse… o matarse entre ellos. Así se inicia una escalada de violencia, en la que descubriremos la verdadera naturaleza de cada empleado de Belko.
The Belko Experiment supone la segunda experiencia como director del australiano Greg McLean en territorio norteamericano tras la diluida The Darkness y a la espera de su próxima Jungle protagonizada por Daniel Radcliffe, en The Belko Experiment no mejora el registro de su anterior trabajo, aquí más que un ejercicio de terror al uso nos adentramos en una especie de juego macabro de supervivencia dentro de un escenario corporativo a imagen y semejanza y tomando como principal referencia a la hoy ya fundamental Battle Royal de Kinji Fukasaku aunque desde una perspectiva mucho más convencional y desde luego menos punzante en lo referente al mensaje. En la película que nos ocupa sin embargo hay un subtexto interesante pero no desarrollado de forma convincente en referencia a lo que podríamos denominar como la cultura corporativa. Las corporaciones que están tomando el control de nuestro mundo ha día de hoy proporcionando zonas de confort global a sus empleados, pero siempre con un trasfondo siniestro en estas ofertas: Haz lo que te decimos con una sonrisa sin preguntar el por qué, debajo de este ámbito en apariencia banal hay un brutal mecanismo social de distanciamiento y deshumanización que anima a uno a cumplir sus correspondientes cuotas de no moralidad sin pensar en el significado de lo que pueden significar dichas tareas que en ocasiones se suelen ejercer.
El principal problema que podemos encontrar en referencia a The Belko Experiment es que adolece de cualquier tipo de mordiente, ni en lo referente al humor negro ni a una crítica socioeconómica, o incluso a una supuesta puesta en escena imaginativa en lo concerniente al devenir de su acción, conceptos estos que no logran pasar el corte de forma satisfactoria, James Gunn en su guion se limita a dar rienda a arquetipos genéricos sin ningún atisbo de desarrollo que se salga de una tangente ya vista en demasiadas ocasiones, quien espere ver en el film de Greg McLean signos de metáfora o sátira en lo referente a su historia saldrá decepcionado pues estamos ante un simple corta y pega ligeramente entretenido que no va más allá de eso, un juego ya manoseado en demasiadas ocasiones dentro del género fantástico contemporáneo. Para más inri McLean (aquí muy lejos y sin los inmejorables atisbos identificativos que nos obsequió con su magnífica opera prima Wolf Creek) tira de piloto automático en lo concerniente personajes y situaciones, cualquier espectador que este versado un poco en la materia ira siempre un paso por delante de la narrativa que nos es presentada, los dilemas morales ante una situación como la que tienen que sobrellevar los protagonistas queda reducido a un mínimo desarrollo y expresión, en vez de eso James Gunn y Greg McLean recurren al fácil recurso de lo explicito para resolver situaciones y subtramas, una reiteración de primeros planos de cabezas destrozadas que harán las delicias con el consiguiente entusiasmo del fan que suele visitar con frecuencia y vitorear este tipo de escenas certámenes especializados, poco más de esta simple ecuación encontraremos en el film.
En la película somos testigos de acciones sin suficiente textura satírica para cumplir una mínima función en lo referente a las posibilidades iniciales de su narración, en otras palabras, poco nos importa si viven o mueren los personajes, pero posiblemente en donde The Belko Experiment hace aguas y sale perjudicada ya de forma insalvable sea en lo referente a su resolución, hay películas que saben jugar la carta del interrogante argumental, pongamos como ejemplo el Cube de Vincenzo Natali, film que sabía jugar muy bien esa premisa, mover una intriga en base al quién y al por qué, no se trata solamente de dar respuestas sino de hacerlas valer de algún modo, The Belko Experiment las da en sus últimos cinco minutos pero desde un posicionamiento tan ridículo que parece sacado de una producción Asylum al uso, aunque pensándolo bien en este concepto puede que el film de Greg McLean tenga su auténtica razón de ser, lejos de cualquier atisbo del terror de corte psicológico o teorizar acerca de la condición humano y sus actos lo suyo va más direccionado a un divertimento con una moderada ración de splatter, el problema posiblemente venga dado en la medida de que ella misma parece que no acaba de ser plenamente consciente de su verdadera naturaleza, una pena.
Vanessa Redgrave, Michel Gondry, Peter Handke y Svetlana Aleksievich encabezan la programación de 81 títulos que componen la 7ª edición online de Atlántida Film Fest 2017.
Los 76 largometrajes y 5 cortos se dividirán en 5 ejes temáticos (Memoria, Generación, Política, Fronteras, Educación) y 1 foco sobre Rusia en el centenario de su revolución. Todos los títulos estarán disponibles durante 30 días en la plataforma Filmin (26 de junio – 26 de julio).
Entre los nombres propios del festival cabe destacar el debut en la dirección de dos figuras clave del cine y el periodismo, Vanessa Redgrave («Sea Sorrow«) y Michele Santoro («Robinù«), la última ficción del oscarizado Michel Gondry («Microbe et Gasoil«) y el nuevo documental de Sergei Loznitsa («Austerlitz«), las adaptaciones literarias de dos premios Nobel, Svetlana Aleksievich («Voices from Chernobyl«) y Albert Camus («The sun, the sun blinded me«), el homenaje que Tilda Swinton rinde a su amigo John Berger («The Seasons in Quincy«), los biopics de Peter Handke («In the woods might be late«), Hannah Arendt («Vita Activa«), Joseph Brodsky («Brodsky is not a poet«) así como los retratos de tres controvertidas figuras, la asesina en serie Olga Hepnarová («Yo, Olga Hepnarová«), la secretaria de Joseph Goebbels, Brunhilde Pomsel («A German Life«) y la antigua actriz y directora porno Ovidie («Pornocracy«).
A ellos hay que añadir algunas de las películas más premiadas en festivales internacionales este año como es el caso de «Godless» (Mejor Película, Festival de Locarno), «It’s not the time of my life» (Mejor Película, Festival Karlovy Vary), «The Last of Us» (Premio León del Futuro, Festival de Venecia), «Park» (Mejor Película, Festival de San Sebastián – Nuevos Realizadores), «Mellow Mud» (Mejor Película, Festival de Berlín -Generation) y «People that are not me» (Mejor Película, D’A).
Las propuestas nacionales del festival son lúcidos análisis generacionales entre los que destacan «Júlia Ist» (Mejor Película, Festival de Málaga – Zonazine), «Los objetos amorosos» (Mejor Película, Festival de Sevilla-Resistencias), «La maldita primavera«, «En Acabar» o el cortometraje de Chema García Ibarra «La disco resplandece«.
El eje educativo de Atlántida Film Fest se centrará en el día a día de adolescentes en un colegio modélico de Reino Unido («In Loco Parentis») pero también el de aquellos menos modélicos de países con cicatrices de guerras recientes («Next to Me«, «Hunting Flies«, «Land of the Little People«). La universidad también estará presente como espacio en el que iniciar la revolución con la épica «Those who make revolutions half way only dig their own graves«.
En el foco sobre Rusia tendrán cabida 12 largometrajes que incluyen retratos de Vladimir Putin, Timur Novikov, el anteriormente mencionado Joseph Brodsky o Rasputín, pasando por la salvaje «The Road Movie«, la bella postal en blanco y negro («Dawn«) y la parábola en clave Cronenberg («Zoology«).
A todas ellas deben añadirse títulos tan significativos como el drama romántico «Porto«, protagonizado por Anton Yelchin, los documentales «The European» y «Stranger in Paradise«, que por sí mismos definen este festival, así como la polémica «Brothers of the night«, que esta nueva edición aspira a convertirse en la sucesora de «Chemsex«.
El Festival entregará el Premio del Público a la película con mejor valoración de los usuarios y el Premio de la Crítica, un galardón que entregará un jurado compuesto por Denisse Lozano, Aaron Cabañas y Joaquín Vallet, miembros de la Asociación Catalana de Críticos y Escritores Cinematográficos (ACCEC).
El abono al Festival dará acceso a todas las películas hasta el 26 de julio y tendrá un precio de 20€ (10€ para los suscriptores de Filmin). Asimismo las películas podrán alquilarse de forma individual por 2.95€ el título.
Programación completa que incluye 46 estrenos absolutos en España y 5 estrenos mundiales
MEMORIA HISTÓRICA
–Sea Sorrow (Vanessa Redrave, Reino Unido)
–A German Life (Christian Krones, Olaf Muller, Roland Schrotthofer, Florian Weigensamer; Austria)
-Scarred Hearts (Radu Jude, Rumanía)
-Godless (Ralitza Petrova, Bulgaria)
-The Seasons in Quincy: Four Portraits of John Berger (Tilda Swinton, Bartek Dziadosz, Colin MacCabe, Christopher Roth; Reino Unido)
-Peter Handke – In the woods might be late (Corinna Belz, Alemania)
-Austerlitz (Sergei Loznitsa, Alemania)
-Treblinka (Sergio Treffaut, Portugal)
-Illegitimate (Adrian Sitaru, Rumanía)
-Yo, Olga Hepnarová (Petr Kazda, Tomás Weinreb; República Checa)
-On the Other Side (Zrinko Ogresta, Croacia)
-Exiled (Dāvis Sīmanis, Letonia)
-Vita Activa, the Spirit of Hannah Arendt (Ada Ushpiz, Alemania)
-Vida y Muerte de un Arquitecto (Miguel Eek, España)
GENERACIÓN
-Júlia Ist (Elena Martín, España)
-Park (Sofia Exarchou, Grecia)
-Porto (Gabe Klinger; Portugal, Franica, Polonia, USA)
Empiezan a llegar los primeros avances de algunas de las películas que competirán en la Sección Oficial de la próxima edición de Karlovy Vary, Khibula cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página supone la tercera película del realizador originario de Tbilisi George Ovashviliho tras The Other Bank (Gagma napiri) y Corn Island (Simindis kundzuli), Premio a la Mejor Película en 2014 en el propio Karlovy Vary. Khibula que también estará presente en la próxima edición del festival de Locarno nos sitúa a través de una historia política y personal de lo que podemos entender como un sacrificio, un relato basado en los hechos reales de la vida y muerte de Zviad Gamsakhurdia, el que fuera el primer presidente electo de Georgia.
Khibula nos cuenta como Zviad Gamsachurdia en 1991 se convirtió en el primer presidente democráticamente elegido de la Georgia independiente. Pero tan sólo unos meses más tarde fue relevado de sus funciones en un violento golpe militar. Es en ese preciso momento de la historia en donde vemos como Gamsajurdia, que pasa repentinamente de ser jefe de estado a fugitivo, y un grupo de sus fieles seguidores se embarcan en un viaje hacia las montañas, en donde se reunirá con sus partidarios con la idea de no perder la esperanza y poder recuperar el poder perdido. Sin tropas leales esperando para poder ayudar al presidente a recuperar el poder sus acólitos trata de persuadir por todos los medios al presidente de ir al exilio en el país vecino donde podrá unirse a su esposa e hijos. El presidente sin embargo no quiere hablar con su esposa por teléfono y se niega bruscamente a abandonar su país: según él su lugar está con su pueblo.
La película que cuenta con guion de Roelof Jan Minneboo, y Georgij Ovašvili está protagonizada por Lika Babluani, Hossein Mahjoub, Manuchar Shervashidze, Zurab Antelava, Galoba Gambaria, Qishvard Manvelishvili, Lidia Chilashvili y Nodar Dzidziguri.
La actriz andaluza María José Cantudo es la protagonista del cartel de la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 28 de octubre y el 3 de noviembre.
Actriz de teatro, cine y televisión con más de cuarenta años de trayectoria profesional, María José Cantudo ha participado en gran cantidad de obras de teatro y series de televisión y en aldededor de 30 películas, entre ellas Autopsia (1973), La trastienda (1975), Las delicias de los verdes años (1976), Secuestro (1976) o El amor es un juego extraño (1983).
Ha trabajado en todo tipo de géneros, como el terror. Una de sus primeras películas fue El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1973), escrita y protagonizada por Jacinto Molina / Paul Naschy. Posteriormente rueda la comedia Las alegres vampiras de Vogel (Julio Pérez Tabernero, 1975). Dos años después encabeza junto a Naschy el reparto de uno de los títulos más importantes del cine de terror de la época, El huerto del Francés (1977), también escrita y dirigida por Naschy partiendo de un caso real.
Ciclo «El ataque de las mujeres cineastas» en la Semana de Terror
En los últimos años han irrumpido con fuerza en el panorama del cine de terror diversas directoras cuyas películas se han proyectado en festivales y pantallas de todo el mundo con gran éxito. En un mundo tradicionalmente masculino títulos procedentes de EEUU, Canadá, Australia o Francia y muy diferentes entre sí han sacudido el panorama del cine de terror contemporáneo.
Películas como Jennifer’s Body (Karyn Kusama, 2009), The Babadook (Jennifer Kent, 2014), American Mary (Jen y Sylvia Soska, 2012), Una chica vuelve a casa sola de noche (Ana Lily Amirpour, 2014), Crudo (Julia Ducournau, 2016) o The Love Witch (2016), de Anna Biller, entre muchas otras, han demostrado últimamente que el cine de terror no es solo cosa de hombres.
Pero ellas no han sido las primeras en asomarse al género. Este ciclo quiere ofrecer una pequeña muestra del cine de terror dirigido por mujeres en las últimas décadas, proyectando algunos títulos recientes no proyectados en la Semana y rescatando del olvido películas emblemáticas del género como el pionero slasher The Slumber Party Massacre (1982), de Amy Jones, Los viajeros de la noche (1987), primer largometraje dirigido en solitario por Kathryn Bigelow, Cementerio viviente (1989), de Mary Lambert según Stephen King, o Buffy, la cazavampiros (1992), de Fran Rubel Kuzui, que dio origen a la posterior serie de culto.
El ciclo se realiza con la colaboración de Zinemakumeak Gara! Muestra de Cine Dirigido por Mujeres de Bilbao, que este año celebra su vigesimosegunda edición.
La exposición «Mil gritos en la noche» en la Semana de Terror 2017
Exposición fotográfica comisariada por Pedro Usabiaga que se acerca a las actrices y actores que trabajaron en los años setenta en el cine español de terror.
Enlazando con el cartel de este año, la muestra quiere rendir homenaje a un género en una época dorada del mismo a través de una colección de fotografías de rodaje, imágenes promocionales y retratos de la época y posteriores, realizados en los propios sets o en festivales como San Sebastián, presente en varias de las obras.
Actrices como Ágata Lys, Soledad Miranda, Ewa Aulin, Inma de Santis, Maria Perschy o la propia María José Cantudo y actores como Chris Mitchum, Renaud Verlay o Espartaco Santoni son los protagonistas de esta exposición de fotografías, muchas de ellas inéditas, provenientes de diversos archivos y coleccionistas europeos, que podrá verse en el C. C. Okendo (28 octubre – 9 diciembre).
En estos últimos años el festival de Cannes en sus proyecciones de medianoche está apostando fuerte por películas de género surcoreanas, si en la pasada edición Train to Busan y la magnífica The Wailing irrumpieron con fuerza en el certamen galo este año ha sido el turno para el drama carcelario The Merciless de Byun Sung-Hyun y el thriller de acción que nos ocupa, The Villainess de Jung Byung-Gil, film cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. The Villainess es el segundo trabajo tras las cámaras de Jung Byung-Gil tras su estimable Confession of Murder (2012), un film que está destinado a ser una de las películas de acción del año provenientes de Asia con una trama argumental que remite en algo al Nikita de Luc Besson. La película que cuenta con Kim Ok-bin (Thirst) como letal heroína se estrenará en Corea el 8 de junio y muy seguramente se podrá ver en el mes de octubre en el próximo festival de Sitges.
The Villainess nos cuenta como desde la infancia, Sook-Hee ha sido entrenada para convertirse en una asesina sin piedad. Cuando Madame Kwon, la jefa del servicio de información de Corea del Sur, la recluta como agente durmiente, le ofrece una segunda oportunidad. «Danos diez años de tu vida y tendrás tu libertad«. Su nueva identidad es Chae Yeon-Soo, una actriz de teatro de 27 años. Con la promesa de una libertad completa a cambio de servir a su país durante diez años, Sook-Hee emprende una nueva vida. Para esta mujer que ha vivido como asesina, llevar una existencia normal no resulta una tarea sencilla. Pero cuando dos hombres entran en su vida, los secretos de su pasado serán desvelados.
La película con guion a cargo del propio Jung Byung-Gil junto a Jung Byeong-Sik está protagonizada por Kim Ok-Bin, Shin Ha-Kyun, Sung Jun y Kim Seo-Hyung.
Primer avance de la mano de la cadena británica Sky Atlantic (muy en alza últimamente con series tan interesantes en su parilla como por ejemplo Fortitude o The Young Pope) en forma de un primer tráiler que podéis ver a final de página de Riviera, miniserie de misterio que tiene como unos de sus grandes alicientes el contar como creador con el siempre interesante Neil Jordan que junto al prestigioso novelista John Banville también se ocupa del guion. El estreno de Riviera será el próximo 16 de junio en Movistar Series Xtra a las 22:00h en versión Dual, un día después de su estreno en Reino Unido.
Riviera nos muestra la existencia de una mujer acaudalada que disfruta de una vida llena de lujos en la emblemática Riviera francesa junto a su marido multimillonario. Su mundo se derrumba de golpe cuando recibe la noticia de que su marido ha muerto en extrañas circunstancias a raíz de la sospechosa explosión en un yate en el que se encontraba. Un hecho que la lleva a destapar el lado más turbio de su exuberante estilo de vida y también el de su difunto marido, de quien parece que no conocía todo lo que creía saber. A partir de ese momento deberá averiguar el verdadero origen de la fortuna de su esposo (mucho más oscuro de lo que ella quisiera pensar), conocer la identidad de sus peligrosos socios y todo ello buscando la difícil alianza con Irina, ex esposa de su marido, madre de sus tres hijos, una mujer tan inteligente como dura, que conoce muchos secretos y que paree tener sus propios planes.
La miniserie producida por Archery Pictures y Primo Productions constará de 10 episodios teniendo como directores a Hans Herbots, Philipp Kadelbach, Damon Thomas y Paul Walker y estando protagonizada por Julia Stiles, Nicholas Rowe, Monica Bellucci, Roxane Duran, Dimitri Leonidas, Adrian Lester, Lena Olin, Justin Pierre, Iwan Rheon y Amr Waked.
Muchos fuimos los que en 2011 quedemos sorprendidos de forma grata con la opera prima de Panos Cosmatos titulada Beyond the Black Rainbow, una estimulante muestra de ciencia ficción que rendía pleitesía de forma inteligente al cine de los ochenta trazando una narrativa a medio camino entre el cine experimental y el surrealismo, toda una rareza destinada a ser de culto con el paso del tiempo. Es por eso que no deja de ser una gran noticia el anuncio vía Deadline del rodaje de su nueva película que llevará por título Mandy. Curiosamente otro director de origen canadiense como es Brandon Cronenberg con tan solo un film en su haber, la interesante Antiviral, ha anunciado también estos días cuál será su segundo trabajo tras las cámaras, en esta ocasión un thriller de ciencia ficción que tendrá el título de Dragon.
Mandy lo nuevo de Panos Cosmatos actualmente en fase de pre-producción con vistas a iniciar su rodaje este próximo verano en Bélgica contará con Nicolas Cage al frente del reparto (ya con 211 películas a sus espaldas), la carrera de estos últimos años por parte del actor norteamericano se puede considerar perfectamente ya como un género propio, el proyecto es producido por las compañías SpectreVision y XYZ Films, los productores de la primera son Josh C. Waller, Elijah Wood y Daniel Noah, este último jefe de desarrollo de SpectreVision ha comentado «Panos Cosmatos es uno de los cineastas más importante a hoy día, un Kubrick de la cultura popular en ciernes», “Nicolas Cage es un auténtico y genuino dios para quienes han crecido viéndolo en unas interpretaciones que algunos ya consideramos como clásicas. Juntar a estos dos grandes artistas para esta historia de tono surrealista es inconmensurablemente emocionante para todos nosotros”.
El film que según sus productores es una historia con aires de Heavy Metal en donde se podrán ver batallas con hachas y motoristas del infierno contará con la música del cada vez más solicitado compositor Jóhann Jóhannsson, Mandy nos sitúa en un primitivo desierto en el año 1983, ahí es donde Red Miller, un hombre destrozado y sin nada que perder persigue para dar caza a una peligrosa secta religiosa que acabaron tiempo atrás con el amor de su vida.
La producción de documentales que abordan desde diferentes ópticas aspectos relacionados con el cine es una tendencia a día de hoy en alza, Sad Hill Unearthed reverencia al clásico El bueno, el feo y el malo de Sergio Leone, aunque más concretamente lo hace a su escena final, ese mítico duelo a tres bandas entre Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef bajo los acordes musicales de El éxtasis del oro de Ennio Morricone, un homenaje a la localización de dicha escena y toda la historia que hay tras ella. Sad Hill Unearthed cuyo tráiler y póster podéis ver a final de página es un largometraje documental sobre la increíble historia de una de las localizaciones de cine más famosas del cine. Una exploración de los sueños y las motivaciones de los fans pero también la transformación del arte, la música y el cine como un substituto de la religión.
En 1966, el Ejército Español construyó en Burgos un enorme cementerio con más de 5.000 tumbas en el Valle de Mirandilla para la escena final de la película “El bueno, el feo y el malo”. El lugar quedó completamente abandonado tras el rodaje y durante 49 años la vegetación cubrió cada tumba. En octubre de 2015 un grupo de fans de la película decidieron empezar a cavar… y bajo 10 centímetros de tierra encontraron el círculo empedrado original. Durante meses personas de toda Europa han viajado a Sad Hill para desenterrar y reconstruir el lugar. La producción ha viajado lejos para conseguir algunos de los testimonios más interesantes sobre el rodaje de la película y la reconstrucción del cementerio. James Hetfield, Joe Dante, Álex de la Iglesia o los mismísimos Ennio Morricone y Clint Eastwood forman parte de esta producción española que ya es una realidad, con el 100% del proceso de grabación y montaje completados.
No obstante los productores, Zapruder Pictures y Sad Hill Desenterrado AIE, se han gastado ya cerca de 35.000 euros desde el inicio de la producción en septiembre de 2015. Una película como esta necesita toneladas de material de archivo (clips de la película, música, imágenes de archivo, fotografías, etc) y un gran porcentaje de los costes de producción se destinarán a cubrir la adquisición de estos derechos. Es por eso que sus responsables han organizado una campaña de crowdfunding (aquí) que les permita comprar imágenes originales de ‘El bueno, el feo y el malo’ (MGM), canciones de la banda sonora original de Ennio Morricone (Sony) y Metallica (Blackened), imágenes de archivo de las televisiones públicas en España y en Italia (TVE y RAI) o más fotografías (Cineteca di Bologna y Reporters Associati), así como cubrir los costes de grabación de la banda sonora original compuesta por Zeltia Montes y los costes de postproducción (motion graphics, corrección de color, mezcla de sonido).Si consiguen su objetivo (y todo hace pensar que así será), la película estará terminada a finales de junio y se estrenará en algún Festival de Cine Europeo en otoño de 2017.
Sad Hill Unearthed es el primer largometraje de Guillermo de Oliveira (Vigo, 1986), anteriormente ha trabajado los últimos 10 años en el sector de la publicidad pero también ha escrito y dirigido varios cortos de acción para el canal de Youtube de Zapruder Pictures como Seth’s Gold o Max Payne: Valhalla. Los productores de la película son Luisa Cowell y Guillermo de Oliveira. La excepcional compositora de la Banda Sonora Original es Zeltia Montes (Nominada al GOYA Mejor Canción 2017) mientras que la parte de motion graphics estará en manos de los maestros Alberto Sobreviela y Juls Gars de LAG.
Javier Duch es co-editor y responsable del Departamento de Sonido y Ezequiel Romero (Nova, El partido) estará a cargo de la corrección de color. En cuanto al póster es obra Iñaki Villuendas, diseñador zaragozano responsable de los carteles de películas como Lo imposible, Enemy o Tarde para la ira.
A los fans de la actriz de origen sueco Noomi Rapace (que ya coqueteo el pasado año con género fantástico de serie B con la claustrofóbica Rupture, critica aquí) que se quedaron algo desencantados con su casi nula presencia en Alien: Covenant tendrán la ocasión de resarcirse con Seven Sisters, film en donde interpreta hasta siete papeles diferentes, la película conocida con anterioridad con el título de What Happened to Monday nos presenta un primer avance en forma de tráiler subtitulado al francés y varios de sus pósters oficiales que podéis ver a final de página. El film que cuenta como director con el noruego Tommy Wirkola responsable de las simpáticas Dead Snow 1 y 2 y la algo decepcionante Hansel and Gretel: Witch Hunters se adentra aquí en el terreno de la ciencia ficción en un film cuyo rodaje data ya del 2015 y que juega un poco con la base argumental de la serie televisiva Orphan Black pero en clave futurista. Seven Sisters se estrenará comercialmente en Francia el próximo 30 de agosto, en Estados Unidos aun con fecha pendiente lo hará exclusivamente a través de la plataforma Netflix.
Seven Sisters nos cuenta como en un futuro distópico las familias son obligadas a tener tan solo un único hijo debido a la superpoblación. Un grupo de siete hermanas idénticas cuyos nombres coinciden en base a los días de la semana deberá luchar contra el gobierno y contra su propia situación cuando una de ellas desaparezca de forma misteriosa.
La película con guion a cargo de Max Botkin y Kerry Williamson y música compuesta por Christian Wibe está protagonizada por Noomi Rapace, Glenn Close, Willem Dafoe, Robert Wagner, Pål Sverre Hagen, Marwan Kenzari, Tomiwa Edun, Lara Decaro, Christian Rubeck, Vegar Hoel, Ioachim Ciobanu, Stig Frode Henriksen, Jeppe Beck Laursen, Edouard Philipponnat, Cameron Jack y Caroline Gombe.
El cine posnarrativo está más allá de la narración, después de las historias. El cine posnarrativo ha dejado atrás la cuestión de cómo contar una historia después de haber visto y leído todas las historias, nos descubre que más allá de las historias existen espacios de sentido, de visualidad, de temporalidad y de gestualidad que solo aparecen en la imagen cuando el cine se libera de las constricciones narrativas, primando el espacio, el tiempo y el cuerpo. El cine más allá de la narración nos muestra realidades, sensaciones y emociones que están más allá de lo textual y lo conceptual, un cine donde la verdad, la emoción y la profundidad están en la imagen y no en la narrativa. La narración se sigue manteniendo como obligación o expectativa para gran parte del público y la crítica cinematográfica, aunque los cineastas después de las historias mantienen con ella una relación de negación, de discrepancia, de liberación o de ausencia. Sin embargo, preguntarnos qué es lo posnarrativo sería tan desacertado como preguntarse hoy día qué es arte y qué no, o qué es cine y qué no, porque lo que ha desaparecido es un límite que apunte a una esencia. Las preguntas ontológicas, por lo tanto, han de ser reformuladas: no qué es arte, sino cuándo; no qué es cine, sino dónde; y no qué es posnarrativo, sino cómo. Por la heterogeneidad y la heterodoxia de las propuestas de este cine podríamos comprender la categoría como un concepto de fronteras difuminadas que se define de manera inductiva y no deductiva. Así que para explicar qué es el cine más allá de la narración deberíamos describir cómo son estas películas y luego añadir: estas y cosas similares son posnarrativas.
Autor
HORACIO MUÑOZ FERNÁNDEZ. (Sarria, 1986). Doctor en Filosofía por la Universidad de Salamanca, Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Pontificia de Salamanca y Máster en Gestión Cultural por la Universidad Carlos III. Ha coordinado el libro Jugar con la memoria: El cine portugués del siglo XXI (Shangrila, 2014), participado en Las distancias del cine (Intersecciones) (Shangrila, 2014) o Pier Paolo Pasolini: una desesperada vitalidad (Shangrila, 2015), escrito diferentes artículos académicos, colaborado en la revista de cine A Cuarta Parede y es autor del blog laprimeramirada.blogspot.es
No suele ser tarea fácil inaugurar el Festival de Cannes, normalmente la primera película en ser proyectada en el certamen galo tiende a ser analizada con quizás demasiado énfasis y minuciosidad dando lugar en la mayoría de los casos a una recepción que termina siendo irregular a la hora de enjuiciarla de una forma ecuánime, Les fantômes d’Ismaël (Ismael’s Ghosts) el nuevo film del siempre interesante Arnaud Desplechin, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, no fue una excepción a esta regla, aunque una vez pasada la vorágine festivalera el conjunto global de críticas tienden a posicionarse de forma clara en el lado positivo. De todas maneras la coyuntura a la que me refiero no suele haberle pillado por sorpresa a Arnaud Desplechin, el realizador francés suele ser un habitual a Cannes, películas como La sentinelle, Comment je me suis disputé… (ma vie sexuelle), Esther Kahn, Un conte de Noël, Jimmy P y Trois souvenirs de ma jeunesse ( Premio SACD en la Quincena Realizadores) han pasado por la Croisette en estos últimos años. En Les fantômes d’Ismaël Arnaud Desplechin vuelve a adentrarse en las relaciones sentimentales en forma de triángulo romántico, en esta caso amparándose en la autoparodia de un relato ejecutado al parecer de forma arriesgada, situándose a medio camino entre el metacine y el melodrama de tono desaforado.
Les fantômes d’Ismaël que a la vez de su pase en Cannes se estrenó de forma simultánea en las salas de cine Francia con una exhibición especial en el Cinéma du Panthéon de París con veinte minutos más de metraje nos cuenta como un director de cine ve cómo su vida sufre un vuelco inesperado cuando su ex amante después de 20 años de estar desaparecida regresa al poco de iniciar el rodaje de la que será su próxima película, situación está que se volverá algo comprometida dada su actual situación al encontrarse en el inicio de una nueva relación sentimental con una mujer. La película con guion a cargo del propio Arnaud Desplechin y música compuesta por Grégoire Hetzel está protagonizada por Mathieu Amalric, Marion Cotillard, Charlotte Gainsbourg, Louis Garrel, Alba Rohrwacher, Hippolyte Girardot, Samir Guesmi y László Szabó.
Durante una noche confluyen diversas historias en un hospital: un sospechoso detenido que se niega a declarar ante la policía, un hombre que afronta una operación crucial, un hombre que ha quedado malparado tras una operación, un jubilado con ganas de escapar por el hospital, etc. Una doctora es testigo y partícipe de todas estas historias.
No deja de ser curioso el hype festivalero (en Sitges siempre muy presente y en evidente aumento en estos últimos años) que se le suele otorgar a según qué realizadores de una manera algo caprichosa, no por el fondo pero si en lo referente a sus formas, hará unos diez años parecía haber casi una necesidad perentoria de colocar y subrayar a Johnnie To en un primerísimo plano, films como Breaking news, Election, Exiled o Mad Detective entre otros lo justificaban de una forma muy lógica y justa, sin embargo en los últimos años esta corriente crítica de reivindicación, beneplácito y elogios en algunos casos desmesurados se han ido misteriosamente apagando, un comportamiento volátil y ciertamente innato dentro de esta tendencia, también es verdad que el director hongkonés no ha incidido mucho en el thriller en estos últimos tiempos pero no deja de ser curioso que sus magníficas Vengeance y en la especialmente majestuosa Drug War no hayan tenido un mayor eco y respaldo crítico, todo esto viene a colación por la sorprendentemente escasa repercusión (prácticamente ha pasado desapercibida) que tuvo en Sitges una película como Three, quien lo hubiera dicho hace diez años.., evidentemente un autor de la talla de Johnnie To está muy por encima de estas estúpidas corrientes hype de festivales tan en boga últimamente, corriente que en el caso que nos ocupa curiosamente pasa totalmente por alto todo su muy extenso trabajo dentro de la comedia romántica, Three posiblemente sea un título algo menor en la carrera de To (su tempo narrativo es demasiado abrupto entre otros ligeros déficits), aunque claro una obra menor dentro de su filmografía no deja de ser un título muy por encima de lo que consideramos como media, circunstancias estas que no impide que seguramente estemos ante uno de los mejor films proveniente de Hong Kong del pasado año.
En la pasada edición del festival de Sitges se tuvo para bien el volver a contar con dos películas de la mítica Milkyway, por un lado la estimable Trivisa dirigida a tres bandas por Jevons Au, Vicky Wong, Frank Hui, y por otro el film que a continuación nos ocupa, Three, la vuelta de Johnnie To, el indiscutible gran maestro del thriller contemporáneo, al género de acción, aunque en este caso aparte de volver a ser una acción muy estilizada, como casi siempre suele ser característico en su cine, es algo esporádica (de echo solo visible en una única escena de acción que funciona a la perfección como no podía ser de otra manera a modo de coreografía, un plano secuencia bien apoyado por la tecnología digital de cerca de cinco minutos de duración filmado de forma majestuosa y deviniendo a modo de quintaesencia de lo que podríamos denominar como la plena suspensión de la acción) todo ello adornado con un peculiar y esporádico tono de tragicomedia al mismo tiempo que una curiosa tesis argumental acerca de la fragilidad de la ética en los actos que han de acometer los personajes principales, corrientes narrativas expuestas de forma algo irregular que impregna todo un relato hecho con oficio, una mixtura de géneros que nuevamente pone de manifiesto una de las máximas de su autor, el hacer siempre una arriesgada apuesta por la originalidad con respecto a lo que son sus propuestas aun a riesgo de bordear en alguna que otra ocasión un cierto absurdo en lo concerniente a sus tramas.
Three con un argumento de tono clásico que no pretende inventar nada nuevo no deja de ser una laboriosa pieza de orfebrería cinematográfica, Johnnie To como buen artesano del género nos propone un juego en el que va colocando todas sus fichas de una forma tan ciertamente parsimoniosa como detallista, casi a modo de un juego de ajedrez al uso, hasta llegar a ese instante final en el que todas ellas quedan perfectamente alineadas dando la espalda a esa narrativa muerta que suele circunvalar un desarrollo argumental al uso, en un film ubicado en un único escenario (al igual que en su anterior y magnifica Office), planteándonos una virtuosa construcción del espacio casi a semejanza de una obra teatral, y utilizando el exterior casi como un concepto de abstracción no presente dentro de la acción propiamente dicha. Three viene a ser un perfecto ejemplo de lo que podemos entender como un alejamiento conceptuado por parte del director hongkonés en no caer en la reiteración pero sin abandonar ciertas señas de identidad propias, una película hecha con oficio como no podía ser de otra manera por parte de un maestro que en esta ocasión parece sustentarse en un argumento algo clásico en donde la tensión es el combustible primordial de una narrativa que busca de explotar en ese único instante tan característico en las películas de su director, meridianamente visible en Three en la majestuosa escena del tiroteo final rodada con una maestría que ha día de hoy sigue estando al alcance de muy pocos realizadores.
Ha tenido que pasar cerca de dos décadas para que por fin ya podamos decir que es una realidad, The Man Who Killed Don Quixote el eterno proyecto maldito de Terry Gilliam acaba de finalizar su rodaje, así lo ha podido anunciar con el siguiente mensaje el director Terry Gilliam a través de su página de Facebook «Perdón por el largo silencio. He estado ocupado embalando el camión y ahora estoy dirigiéndome a casa. Después de 17 años, hemos completado el rodaje de The Man Who Killed Don Quixote. Muchas gracias a todo el equipo y los creyentes. QUIXOTE VIVE». Un proyecto con infinidad de problemas desde su gestación inicial teniendo como principal hecho traumático la suspensión del rodaje en el año 2000 después de una semana de filmación debido a un sinfín de inconvenientes de producción, aquella desventura nonata interpretada por Jean Rochefort y Johnny Depp dio lugar al estupendo documental Lost in La Mancha de Keith Fulton y Louis Pepe en donde se detallaba con todo lujo de detalles las desdichas del proyecto.
Desde aquel entonces y siempre con Terry Gilliam como autentica alma del proyecto este ha intentado infructuosamente levantar la película, varios nombres han estado en la lista a partir de aquel momento, desde el recientemente fallecido John Hurt hasta Robert Duvall, Michael Palin, Ewan McGregor o Jack O’Connell han ido desfilando conforme pasaban los años como posible casting, finalmente han sido Jonathan Pryce como Don Quijote y Adam Driver como un particularísimo Sancho Panza los protagonistas principales del film.
The Man Who Killed Don Quixote que en un principio se estrenará a lo largo de 2018 nos cuenta la historia de Toby, un arrogante publicista de visita en España en donde se encontrará casualmente con la copia de una adaptación cinematográfica de la famosa obra de Cervantes que se realizó años atrás con funestas consecuencias. Un descubrimiento este que le llevará de auténtica cabeza cuando se encuentre con el actor que en su día dio vida a Don Quijote en la película, ahora con una severa demencia senil que le hará creer que sigue metido en la piel del personaje confundiendo a Toby con su fiel y ficticio escudero.
La película que cuenta con guion del propio Terry Gilliam junto a Tony Grisoni está protagonizada por Jonathan Pryce, Adam Driver, Olga Kurylenko, Stellan Skarsgård, Joana Ribeiro, Eva Basteiro-Bertoli, Óscar Jaenada, Jordi Mollá, Rossy de Palma, Jason Watkins, Paloma Bloyd, Sergi López, Mario Tardón, Joe Manjón y Bruno Sevilla.
El rodaje se ha llevado a cabo en diferentes localizaciones de España y Portugal. Gerardo Herrero, Mariela Besuievsky, Amy Gilliam, Tornasol Films, Kinology, Recorded Picture Company, Entre Chien et Loup y Ukbar Filmes en asociación con Alacran Pictures son los productores del film que cuenta con la participación de TVE, Movistar +, Eurimages y Wallimage. Las ventas internacionales están gestionadas por Kinology. Amazon Studios ha adquirido los derechos de distribución para Estados Unidos, Canadá y Reino Unido; y Telemunchen para Alemania y Austria. La distribución en España correrá a cargo de Warner Bros. Pictures International España.
Después de cerca de dos años de la finalización de su rodaje no llega un primer avance de la mano de Universal Pictures en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la esperada nueva colaboración entre Tom Cruise y Doug Liman después de la notable Edge of Tomorrow titulada American Made, anteriormente conocida con el nombre de Mena. Película que tenía previsto en un principio su estreno en Estados Unidos para el pasado 6 de enero, finalmente será el próximo 29 de septiembre cuando llegue a las carteleras norteamericanas, curiosamente a España con el inicial título de Barry Seal: El traficante llegará tres semanas más pronto, el 1 de septiembre. American Made supone para Tom Cruise uno de los pocos trabajos en los que está participando actualmente que le aparta en algo del cine de acción propiamente dicho, recordemos que el actor norteamericano tiene pendiente de estreno la inminente The Mummy, M:I 6 – Mission Impossible y Top Gun: Maverick, secuela tardía del éxito ochentero dirigido por Tony Scott.
American Made nos cuenta en forma de biopic como un ex piloto a finales de la década de los 70 se convirtió en un importante narco del cartel de Medellín para acabar siendo reclutado por la CIA y el departamento de inteligencia de la DEA para participar en una de sus más oscuras y extrañas operaciones encubiertas llevadas a cabo por la agencia antidroga norteamericana.
La película que cuenta con un guion de Gary Spinelli y música a cargo de Christophe Beck está protagonizada por Tom Cruise, Domhnall Gleeson, Jayma Mays, Sarah Wright, Jesse Plemons, Lola Kirke, Caleb Landry Jones, Benito Martinez, Connor Trinneer, E. Roger Mitchell, Justice Leak, Jayson Warner Smith, Robert Farrior, Frank Licari y David Silverman.
A partir del próximo 22 de Junio una exposición y un ciclo conmemorativo rendirán tributo al aniversario del certamen. El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya celebra su 50 aniversario. Medio siglo de vida apostando por el mejor cine de género que se conmemorará con una nueva imagen, un cartel que evoca a la figura de Drácula y otras iniciativas. La Filmoteca se suma a esta celebración con una exposición y un ciclo que repasa los primeros cincuenta años de vida de un certamen de referencia en el cine de género.
El festival de Sitges llega a sus primeros 50 años en plena forma. Desde aquella primera proyección en el cine Prado, el 28 de septiembre de 1968, hasta hoy, el certamen se ha consolidado como una cita imprescindible en el calendario anual de todos los profesionales del género y de los miles de espectadores interesados en el cine fantástico. No cada día se hace cincuenta años. Es por eso que para celebrarlo este Sitges 2017 ha previsto un completo programa de actividades especiales que incluyen entre otros el diseño de un nuevo cartel conmemorativo y la presencia de numerosos convidados internacionales que acudirán a la cita sitgetana entre el 5 y el 15 del próximo mes de octubre.
Exposición y ciclo conmemorativo en la Filmoteca
El 50 aniversario del festival de Sitges también se celebrará en la Filmoteca como no podía ser de otra manera. Nos sumamos con uno de los platos fuertes de la programación del cincuentenario: la organización, conjuntamente con el festival, de la exposición conmemorativa El cinema és fantàstic. 50è aniversari del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y del cicle de cinema entre el 22 de junio y el 4 de octubre, justo a las puertas de la inauguración del 50 aniversario de Sitges, ciclo que recorrerá la historia del certamen con la proyección de algunos de los títulos más emblemáticos de los que se han visto durante todos estos años. Con dos eventos que se inaugurarán el jueves 22 de junio y que se podrán ver en la Filmoteca hasta finales de septiembre L’exposició comisionada por Diego López, programador del festival y responsable de la sección Brigadoon, exposición que permitirá a los aficionados al género y a los fans del festival visionar los carteles del certamen de todos estos años, reconocer algunos de los convidados más ilustres, revisar algunos de los films más destacados de estos cincuenta años de programación y descubrir alguna de la imágenes y anécdotas inéditas que se podrán ver por primera vez. Una vez que se cierre a la Filmoteca, el 30 de septiembre, la muestra viajara hasta Sitges en donde se podrá visionar durante el mes de octubre.
Por su parte el ciclo El cinema és fantàstic, a partir del 22 de junio pretende recuperar alguno de los títulos míticos que se han visto durante toda la historia del festival. Todo un reto el escoger solo 50 títulos, uno por año en la vida del certamen, a partir de los cuales mostrarán la evolución del festival y del género fantástico. Entre otros muchos, hasta octubre en la Filmoteca se podrán ver películas como Evil Dead, el film de Sam Raimi que gano con diversos premios la edición de 1982, The Exorcist, de la cual se proyectará el Director’s Cut, Hellraiser, uno de los títulos clave del cine de horror de los 80 que supuso el debut en la dirección del escritor Clive Barker, o Reservoir Dogs, la carta de presentación a Europa de un director habitual en Sitges como es Quentin Tarantino. Entre films de Cronenberg, Greenaway, Guillermo del Toro y otros especialistas en el género fantástico también se podrán ver aportaciones locales que dejaron una buena sensación en el festival, Més enllà de la passió, [REC], Tren de sombras y El día de la bestia son algunos ejemplos de una de las muchas miradas al festival que ocuparan las pantallas de la Filmoteca hasta el 4 de octubre. La aportación de la Filmoteca a los primeros 50 años del festival de Sitges pretende ser un álbum de familia repleto de recuerdos, en donde todos podrán encontrar referencias específicas a algunos de los iconos más emblemáticos y perturbadores de cine fantástico. Feliz aniversario y larga visa al Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya!
Fue la encargada de inaugurar la pasada edición del Festival de Sitges, Inside del español Miguel Ángel Vivas responsable de las interesantes Secuestrados y Extinction es la nueva versión de la contundente À l’intérieur de los franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury (de quienes aún estamos a la espera de poder ver su debut en suelo estadounidense con su Leatherface). La película que no tuvo precisamente una acogida satisfactoria en Sitges nos presenta un primer tráiler y póster oficial que podéis ver a final de página. Inside cuya reseña tras su paso por el certamen catalán podéis leer aquí está producida por Nostromo Producciones y distribuida por eOne Films, el film con guión de Jaume Balagueró y Manu Díez se estrenará en territorio español el próximo 18 de agosto.
Inside al igual que esa otra nueva versión de un film francés de horror extremo como es el Martyrs de Kevin y Michael Goetz deja de lado la contundencia de su predecesora para decantarse más hacia el thriller, Miguel Ángel Vivas describe su nuevo film como “Una historia sobre la maternidad y la superación. Una película que actúa a modo de una experiencia que no parará ni un solo instante. Es un viaje sin descanso ni vuelta atrás”. Inside nos cuenta como una joven viuda, embarazada y deprimida, intenta reconstruir su vida después del fatídico accidente de tráfico en el que perdió a su pareja y su oído de manera parcial. Ahora, a punto de dar a luz, vive en una casa aislada de un suburbio cuando, una noche de Navidad, recibe la visita inesperada de otra mujer con siniestras intenciones…
La película está protagonizada por Rachel Nichols, Laura Harring, Andrea Tivadar, Stany Coppet, Ben Temple, Craig Stevenson, Richard Felix, Maarten Swan, David Chevers y Steve Howard.
Tampopo aparte de ser una comedia amable que impregna al espectador de un evidente buen estado de ánimo o de un noodle western como fue promocionada en Japón (en clara alusión paródica a los spaghetti western) no deja de ser una historia amable sobre un aprendizaje, pero en dicho trayecto encontramos muchas acotaciones interesantes acerca del papel de la gastronomía en la sociedad nipona, Juzo Itami se vale aquí de su habitual estilo mordaz, ácido y satírico para indagar en tal concepto, y lo hace curiosamente mediante historias cortas sin ningún lazo argumental con la principal, si en cualquiera otra película esta narrativa digamos invasiva muy seguramente hubiera estropeado el conjunto en Tampopo es todo lo contrario, esas viñetas gastronómicas lo enarbólese de alguna manera, no dejan de ser unos apéndices que se atreven de alguna manera a llegar a donde la historia principal no alcanza, dentro de estas historias cortas hay auténticas maravillas, desde el extraordinario prologo en donde vemos como el maestro instruye al alumno en el arte de cómo saber comer adecuadamente un ramen, la hilarante escena en el restaurante francés, el segmento estructurado en base a una inverosímil belleza plástica en donde encontramos el ensamblaje perfecto entre lo culinario y lo erótico en la historia del gánster y su amante, la madre moribunda y el papel de como las tradicionales convenciones sociales distorsionan lo que entendemos como realidad a favor del impulso humano más natural como es el comer o esa comuna de indigentes instalados en un bienestar moral totalmente alejados de convenciones sociales presentándonoslo como grandes eruditos en la gastronomía local e internacional.
James Gunn en su guion se limita a dar rienda a arquetipos genéricos sin ningún atisbo de desarrollo que se salga de una tangente ya vista en demasiadas ocasiones, quien espere ver en el film de Greg McLean signos de metáfora o sátira en lo referente a su historia saldrá decepcionado pues estamos ante un simple corta y pega ligeramente entretenido que no va más allá de eso, un juego ya manoseado en demasiadas ocasiones dentro del género fantástico contemporáneo. Para más inri McLean (aquí muy lejos y sin los inmejorables atisbos identificativos que nos obsequió con su magnífica opera prima Wolf Creek) tira de piloto automático en lo concerniente personajes y situaciones, cualquier espectador que este versado un poco en la materia ira siempre un paso por delante de la narrativa que nos es presentada, los dilemas morales ante una situación como la que tienen que sobrellevar los protagonistas queda reducido a un mínimo desarrollo y expresión, en vez de eso James Gunn y Greg McLean recurren al fácil recurso de lo explicito para resolver situaciones y subtramas, una reiteración de primeros planos de cabezas destrozadas que harán las delicias con el consiguiente entusiasmo del fan que suele visitar con frecuencia y vitorear este tipo de escenas certámenes especializados, poco más de esta simple ecuación encontraremos en el film.
es algo esporádica (de echo solo visible en una única escena de acción que funciona a la perfección como no podía ser de otra manera a modo de coreografía, un plano secuencia bien apoyado por la tecnología digital de cerca de cinco minutos de duración filmado de forma majestuosa y deviniendo a modo de quintaesencia de lo que podríamos denominar como la plena suspensión de la acción) todo ello adornado con un peculiar y esporádico tono de tragicomedia al mismo tiempo que una curiosa tesis argumental acerca de la fragilidad de la ética en los actos que han de acometer los personajes principales, corrientes narrativas expuestas de forma algo irregular que impregna todo un relato hecho con oficio, una mixtura de géneros que nuevamente pone de manifiesto una de las máximas de su autor, el hacer siempre una arriesgada apuesta por la originalidad con respecto a lo que son sus propuestas aun a riesgo de bordear en alguna que otra ocasión un cierto absurdo en lo concerniente a sus tramas.
Nos sumamos con uno de los platos fuertes de la programación del cincuentenario: la organización, conjuntamente con el festival, de la exposición conmemorativa 
Todo un reto el escoger solo 50 títulos, uno por año en la vida del certamen, a partir de los cuales mostrarán la evolución del festival y del género fantástico. Entre otros muchos, hasta octubre en la Filmoteca se podrán ver películas como Evil Dead, el film de Sam Raimi que gano con diversos premios la edición de 1982, The Exorcist, de la cual se proyectará el Director’s Cut, Hellraiser, uno de los títulos clave del cine de horror de los 80 que supuso el debut en la dirección del escritor Clive Barker, o Reservoir Dogs, la carta de presentación a Europa de un director habitual en Sitges como es Quentin Tarantino. Entre films de Cronenberg, Greenaway, Guillermo del Toro y otros especialistas en el género fantástico también se podrán ver aportaciones locales que dejaron una buena sensación en el festival, Més enllà de la passió, [REC], Tren de sombras y El día de la bestia son algunos ejemplos de una de las muchas miradas al festival que ocuparan las pantallas de la Filmoteca hasta el 4 de octubre. La aportación de la Filmoteca a los primeros 50 años del festival de Sitges pretende ser un álbum de familia repleto de recuerdos, en donde todos podrán encontrar referencias específicas a algunos de los iconos más emblemáticos y perturbadores de cine fantástico. Feliz aniversario y larga visa al Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya!
