Mes: mayo 2021

Nazis en Dénia, teaser tráiler de «El sustituto» de Óscar Aibar

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Con el paso del tiempo la figura de Óscar Aibar da la impresión de haber adquirido una especie casi de estatus de culto en relación a una trayectoria que podría definirse como poco convencional. El responsable de cintas como Atolladero, Platillos volantes o El bosque entre otras vuelve a ponerse detrás de las cámaras con la esperada El sustituto, película cuyo primer avance en forma de teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, un thriller policiaco basado en hechos reales, estará presente en la Sección Oficial del próximo Festival de Málaga.
El sustituto nos sitúa en el año 1982. Un joven policía curtido en los barrios más duros de Madrid acepta un destino en un pueblo de mar con la esperanza de curar a su hija y, de paso, ganar algo de tranquilidad. Una vez allí, se ve envuelto en la investigación del extraño asesinato del inspector al que ha de sustituir. Las pesquisas le llevarán hasta un hotel playero donde una comunidad de ancianos nazis, reclamados por muchos países por crímenes contra la humanidad, vive un retiro paradisiaco y feliz.
La película con guion del propio Óscar Aibar junto a María Luisa Calderón está protagonizada por Ricardo Gómez, Vicky Luengo, Pere Ponce, Pol López, Joaquín Climent, Nuria Herrero, Bruna Cusí, Susi Sánchez, Guillermo Montesinos y Pep Cortés.

«The Stylist» review

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Por la silla de peluquera de Claire pasan muchas personas y, a veces, sus tijeras cortan algo más que el pelo, permitiéndole llevarse a su solitaria casa un souvenir único con el que ampliar su peculiar colección. Pero el día en que Olivia, una de sus clientas habituales, le pide que haga un peinado especial para su boda, su secreto estilo de vida amenaza con salir a la luz.

Una pena que una ópera prima a priori tan interesante como resulta ser esta The Stylist de la realizadora Jill Gevargizian atesore el duro lastre de muchos largometrajes que se ven irremediablemente incapacitados a la hora de intentar ocultar sus muy evidentes costuras de cortometrajes, en tal aspecto está claro que existe un corto homónimo anterior datado en 2016 por parte de la misma autora que sirve de base para desarrollar este psicokiller de índole femenino que no feminista afortunadamente, cosa que al menos y visto las tendencias por las que parecen moverse muchas propuestas actuales de estas características hoy en día es de agradecer.

Podríamos llegar a la conclusión de que The Stylist como relato de serial killers al uso funciona relativamente bien como relato circular en función de su principio y su final a través de un concepto que nos alerta de las consecuencias de entrar en una espiral desvirtuada a raíz de querer algo que no tenemos. Tanto en ese inicio antes comentado, que reverencia sin ningún tipo de tapujos a la extraordinaria Maniac de William Lustig, como su contundente conclusión, también extrapolado sin demasiados remilgos de esos finales tan recurrentes de los entrañables E.C Comics, terminan siendo con diferencia lo mejor de una película en donde también se puede atisbar desde la lejanía como ese universo de claro índole alterado tiene alguna que otra interesante acotación social, especialmente en lo relativo a situar la acción en una peluquería de estilismo, un espacio físico que viene a representar una escala o estatus de bienestar social y lo que en este caso viene a ser peor, el verse excluida de dicho extracto a causa de una deriva mental que direcciona a la protagonista a una soledad que con el paso del tiempo deviene como enfermiza, a tal respecto la labor de esteticista de la protagonista pues actúa a modo de un doble juego de espejos de índole trasformador en donde se percibe el anhelo por parte de una y las metas de las demás en lo concerniente a un estatus social y emocional en lo concerniente a la perspectiva e imagen que uno tiene de sí mismo y la necesidad de que esta quede proyectada al exterior, lastima sin embargo que todo el bloque central atesore una narrativa percibida como bastante errática, por momentos con una cierta sensación de desgana que la derivan a alargadas texturas televisivas impersonales, deudora en el mal sentido de la palabra de mucho de los thrillers de los años 90 que indagaban en el concepto de la nueva amiga psicópata, en tal aspecto la protagonista del film, una notable Najarra Townsend, quiere insertarse de forma profunda y forzada en la vida de una de sus clientas, pero su comportamiento errático comienza a alarmar a la gente más cercana de la supuesta víctima, estos no dejan de ser tropos argumentales bastante prototípicos y manidos en ese tipo de películas que aquí son utilizados a modo casi colindantes con respecto al cliché incluso de una forma más melodramática que puramente genérica.

En su trasfondo y escarbando un poco en su farragosa narrativa podemos percibir en la película de Jill Gevargizian al menos el intento de plasmar una mirada perdida enfatizada a través del trabajo de la cámara en mano expuesto aquí de una forma tan delicada como trastornada con respecto a una ansiedad social que termina en soledad para con la protagonista, ese anhelo por la conexión emocional que deriva en obsesión psicótica también formaba parte del statu quo argumental de otra película imperfecta como era el May de Lucky McKee, en ambas podemos encontrar varias conexiones en este sentido, sin embargo en esta última sus muy evidentes carencias eran disimuladas en parte por un tono desenfadado lindante con la comedia macabra de características pulp, un recurso genérico este que por manido no deja de ser efectivo y al que The Stylist no acude dejando al descubierto carencias múltiples en base a ciertas derivas más cercanas a una escenografía de tono insustancial, adyacente por momentos con el telefilm de sobremesa, que a una sordidez más manifiesta como parecía pedir la naturaleza de la propia historia.

Valoración 0/5: 2

 

Solaris, Textos de cine: Cine que hoy no se podría rodar

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¿Existe hoy un cine que no se podría rodar? ¿Puede la llamada “tiranía de lo políticamente correcto” hacer las veces de moderna censura, hasta el punto de impedir que se rueden o se proyecten ciertos films? ¿Hasta qué punto la mirada contemporánea no ha devenido en una inesperada forma de “autocensura”, al borde mismo del revisionismo? ¿Qué Verdad es esa que estos films inolvidables alcanzaron con sus imágenes y de la que muchos hoy no quieren saber? ¿Y qué tanto de eso que las hizo inolvidables no se debió a su arrojo por cruzar líneas que hoy consideraríamos prohibidas?
Ahora que grandes clásicos del cine y emblemáticas películas se someten al examen del “carefully watching”, urge este debate en el que se juega desde la libertad de expresión hasta la autopercepción de nuestra identidad cultural. Y no hay mejor lugar por donde empezar a pensarlo que analizando libremente algunos de los films más cuestionados en nuestro tiempo: Lolita, Harry el sucio, El Portero de noche, Gilda, Perros de paja, El tambor de hojalata, Saló o los 120 días de Sodoma, Grupo salvaje, La vida de Brian; films underground como Nekromantik 2, o inclasificables como Un perro andaluz.
Cine que hoy no se podría rodar convoca en estas páginas la mirada poliédrica y multidisciplinar de diferentes ensayistas y pensadores, analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, cineastas, críticos y juristas, con los que pensar la controversia desde los films que la incendiaron.
Contenidos
Cine que hoy no se podría rodar (prólogo)
Javier Urrutia
Harry el sucio. El ojo ciego, la imagen desenfocada
Alexander Zárate
¿Le gusta mirar? Algunos apuntes sobre Lolita (Stanley Kubrick, 1962)
Aarón Rodríguez Serrano
Desde el subsuelo moral: A propósito de El portero de noche
Elisa McCausland y Diego Salgado
La posibilidad de un nuevo tambor: El tambor de hojalata y las imágenes de la infancia
Israel Paredes
Grupo salvaje o la melancólica mirada de Sam Peckinpah a un mundo que agoniza
Carlos Tejeda
Perros de paja: si tu ojo te hace pecar, arráncatelo
Mireia Iniesta
Yo me caí de la cama de Jörg Buttgereit
Carlos Atanes
El legado de Gilda: Mirar lo Bello desde otra perspectiva
Vanessa Brasil
Los hermosos años del castigo. Pier Paolo Pasolini y Salò
Óscar Brox
La vida de Brian: El lado bueno de la vida
Irene de Lucas
Un perro andaluz: una flor azul en las cimas del cine
Eugenio Castro
El cine que ofende: censura pública, censura privada y autocensura
Marta Timón Herrero
Corolario de Carlos Atanes
Autor: Varios, Editorial: SOLARIS, Textos de cine con el apoyo de la Editorial TRAMA, Páginas: 244

El Londres obsesivo de Edgar Wright, tráiler de «Last Night in Soho»

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Cuatro años después de Baby Driver el británico Edgar Wright tiene listo el que es su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Last Night in Soho, film cuyo primer tráiler de la mano de Focus Features y Universal Pictures acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un thriller psicológico con ecos de neo-giallo que homenajea genéricamente al Londres de los años sesenta, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 22 de octubre, llegando a España dos semanas después, el 5 de noviembre.

En Last Night in Soho vemos como una joven apasionada por la moda tiene la habilidad de poder entrar en la década de 1960, lugar donde se encuentra con su ídolo, un atractivo aspirante a cantante. Pero el Londres de los sesenta no es lo que parece, y el tiempo comenzará a desmoronarse con sombrías consecuencias al presenciar en uno de sus viajes al pasado un terrible acontecimiento.

La película con guion del propio Edgar Wright junto a Krysty Wilson-Cairns está protagonizada por Anya Taylor-Joy, Thomasin McKenzie, Matt Smith, Terence Stamp, Diana Rigg, Rita Tushingham, Synnove Karlsen, Joakim Skarli, Andrew Bicknell, Colin Mace, Michael Ajao, Will Rogers, Will Rowlands, Craig Anthony-Kelly, Lisa McGrillis, James Phelps, Oliver Phelps, Jessie Mei Li, Michael Jibson, Connor Calland, Katrina Vasilieva, Abdul Hakim Joy y Milica Guceva.

Tráiler y póster de «Old», lo nuevo de M. Night Shyamalan

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Old, el nuevo trabajo tras las cámaras de M. Night Shyamalan tras su notable incursión televisiva Servant, estrena un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, un film que supone de alguna manera el regreso del responsable de Unbreakable a ese tipo de thriller de género fantástico tan habitual en su carrera y tan emparentados a conceptos muy visibles de la fundamental The Twilight Zone. Old, inspirada libremente en la novela gráfica de Pierre Oscar Lévy y Frederik Peeters SandCastle (conocida en nuestro país con el título de Castillo de Arena) tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 23 de julio, en España lo hará una semanas más tarde, el día 30 del mismo mes.

Old nos cuenta como una familia en un día de vacaciones va a una recóndita playa para relajarse, lo que prometía ser una jornada de relax empieza a torcerse de repente al comprobar horrorizados como envejecen a un ritmo mucho más rápido de lo normal reduciendo sus vidas a un solo día de existencia.

La película con guion del propio M. Night Shyamalan está protagonizada por Gael García Bernal, Eliza Scanlen, Thomasin McKenzie, Rufus Sewell, Embeth Davidtz, Aaron Pierre, Vicky Krieps, Abbey Lee, Alex Wolff, Nikki Amuka-Bird, Ken Leung, Emun Elliott, Jeffrey Holsman y Daniel Ison.

TerrorMolins celebra sus 40 ediciones revisitando en contexto social que le dió origen

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40 ediciones y 48 años. El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei gusta de lo inusual y en esto de cumplir ediciones y años no iba a ser menos. Una suerte de disonancia cognitiva, debida a un largo parón en la década de los noventa, que convierte lo que por actualidad bien podría ser la crisis de los cuarenta en una celebración de casi medio siglo de existencia. Por eso mira a sus inicios, a ese 1973 que dio pie a la maratón de cine de terror más antigua del estado, embrión del festival que hoy disfrutamos. Una iniciativa cultural rompedora en esos tiempos, en los que la efervescencia social se abría camino por las grietas de un régimen y una casta a la que le quedaban cuatro telediarios… O eso nos contaron entonces.
La contracultura. En general, todo movimiento sociológico organizado y visible dentro de una sociedad, cuyas acciones y valores contrastan con los de la norma establecida. O lo que es lo mismo: una ofensiva contra la cultura oficial; una «cultura en contra» que nace al margen, en el underground. Un término que define también un momento histórico, comprendido en el estado español más o menos entre 1968 y 1978, aunque sus ramificaciones llegasen hasta los primeros ochenta. Una época y unos movimientos, también una actitud podría decirse, que encontraron y encontrarán siempre en el cine de terror un género en donde poder ir un paso más allá, con el que romper las barreras de lo que se puede mostrar y explicar.
Terrormolins rendirá este año un homenaje a esa época de exploración y búsqueda de nuevos aires. De romper con lo impuesto, transgrediendo lo oficial para crear en los márgenes. De generar espacios de encuentro desde una óptica asociativa y comunitaria. A esa sociedad que empujaba hacia la modernidad. A ese renovado cine de terror que plasmaba como nunca antes injusticias y deficiencias, también miedos y ansiedades, de un mundo que gritaba y sigue gritando. Pasado y presente se dan cita, en pié y con la cámara en alto.

Primer avance de la precula televisiva de Salem´s Lot «Chapelwaite»

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Afortunadamente parece ser que Stephen King vuelve a estar en el candelero con respecto a adaptaciones televisivas de sus obras, si hace bien poco hablábamos de Lisey’s Story ahora es turno para Chapelwaite, traslación a la pequeña pantalla por parte de la cadena Epix de la historia corta Jerusalem’s Lot, que en nuestro país formó parte de la colección El umbral de la noche publicada en el año 1978, cuyo primer avance en forma de un breve teaser tráiler subtitulado al castellano acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional. Serie que nos cuenta los hechos previos narrados en la aclamada novela El Misterio de Salem´s Lot y que cuenta como showrunners con Jason Filardi y Peter Filardi. Chapelwaite verá la luz a través de la plataforma televisiva estadounidense el próximo mes de agosto.

La serie nos ubica en el año 1850, narrada a través de cartas y escritos de un diario, la historia nos cuenta como Charles Boone después de que su esposa haya muerto en el mar traslada a su familia de tres hijos a un hogar ancestral en la pequeña y aparentemente tranquila ciudad de Preacher’s Corners, en Maine. Sin embargo, Charles pronto tendrá que enfrentarse ar los secretos de la sórdida historia de su familia y luchar para terminar con la oscuridad que ha afectado a los Boones durante varias generaciones.

Chapelwaite que costará de diez episodios está protagonizada por Adrien Brody, Jennifer Ens, Sirena Gulamgaus, Emily Hampshire, Ian Ho, Trina Corkum, Genevieve DeGraves, Gord Rand, Allegra Fulton, Dean Armstrong, Devante Senior, Michael Hough, Sebastien Labelle y Glenn Lefchak.

https://youtu.be/VYQbf7gGSi8

FlixOlé estrena en exclusiva «Rojo y negro», la película falangista que Franco censuró

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En la actualidad, Rojo y negro (Carlos Arévalo, 1942) es unánimemente considerada una de las mejores películas de los años cuarenta, aunque la historia del cine también la recordará como la obra falangista que el propio Franco censuró.  Esta joya a reivindicar desapareció, y no fue hasta los años noventa cuando la cinta fue descubierta. Desde entonces es considerada un clásico mayor de nuestro cine, un mito dentro del séptimo arte que se ha dejado ver en muy contadas ocasiones. FlixOlé estrena en exclusiva una copia restaurada en HD de esta cinta maldita.

La película Rojo y negro tuvo como protagonistas a Ismael Merlo y a Conchita Montenegro, siendo una de las pocas producciones españolas en las que participó la actriz que llegó a compartir cámara junto con Buster Keaton y Ramón Novarro en Hollywood. Ello es solo una muestra de lo inaudito que resultó el largometraje de Carlos Arévalo en el contexto de la cinematografía de nuestro país en los años cuarenta.

Esta obra viene a enriquecer el patrimonio cinematográfico español, con la restauración en HD de todo el metraje, un trabajo que viene desarrollando FlixOlé desde sus inicios. En el enlace al final de la nota se podrá comprobar, con imágenes del antes y el después, cómo se ha mejorado visualmente esta cinta.

La película cuenta los días previos y las primeras contiendas de la Guerra Civil mediante una pareja de novios: ella es falangista y él militante comunista. La cinta no escatimaba críticas al bando republicano, como tampoco a las checas ni a la crueldad de sus carceleros. Sin embargo, al final mostraba el arrepentimiento del militante comunista, en algo parecido a una apuesta por la reconciliación de ambos bandos. Ése era un mensaje que el franquismo no podía permitir.

Otra de las razones que hace única a Rojo y negro es la forma de contar la trama. Carlos Arévalo se atrevió a llevar a la gran pantalla un ambicioso barroquismo visual con escenas convertidas ya en icónicas, como aquella que recorre las habitaciones de la tristemente famosa checa de Fomento. Fragmentos como éste convierten a Rojo y negro en la película más arriesgada, experimental y atrevida de todo el cine de los años cuarenta.

Dichas razones hicieron que, apenas cumplidas unas semanas de su exitoso estreno, la cinta fuese prohibida y sus copias secuestradas. No quedó ni rastro de ella, convirtiéndose en uno de los títulos más buscados por los aficionados. Su director, Carlos Arévalo, uno de los cineastas más prometedores del cine español de la posguerra, fue condenado al ostracismo. Vio cómo sus proyectos recibían cada vez más trabas por parte de la censura y la administración, obligándole a abandonar el cine durante 12 años.

La película pasó a convertirse en un secreto hasta los años noventa, cuando fue recuperada por Filmoteca Española. Consiguió entonces el elogio crítico y académico, y el largometraje se convirtió en un clásico indiscutible, a pesar de su cuestionable carga ideológica. Sin embargo, fuera de proyecciones en filmotecas y centros culturales, la película ha sido vista pocas veces, y a día de hoy sigue siendo poco conocida.

FlixOlé hace por fin accesible a todos los aficionados del séptimo arte una verdadera obra maestra del cine español, perfectamente restaurada en calidad 4k en las instalaciones de Video Mercury.  Continuando así su decidida apuesta por dar a conocer las mejores películas españolas con la mejor calidad de imagen y sonido.

 

 

 

Tráiler y póster para lo último de Alexandre Bustillo y Julien Maury «The Deep House»

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Después de una trayectoria estadounidense algo accidentada con ese remake de Hellraiser no llevado a buen puerto y un poco conseguida re visitación del universo The Texas Chainsaw Massacre con la fallida Leatherface la pareja de realizadores franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury están de vuelta a su país de origen por partida doble, si en el pasado Festival de Sitges se pudo ver la entretenida Kandisha (critica aquí) The Deep House, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone su último trabajo tras las cámara, una curiosa variación de la temática de casas encantadas ambientada bajo el agua que tiene previsto su estreno comercial en Francia para el próximo 30 de junio.

En The Deep House vemos como una joven pareja inglesa viaja a Francia para explorar una casa ubicada bajo el agua y compartir sus hallazgos a través de las redes sociales. Una vez sumergidos sufren un serio cambio de planes cuando ingresan al interior de la casa provocando que su presencia despierte a un espíritu oscuro que habita dentro de un espacio en donde se cometieron en el pasado una serie de horribles crímenes.

La película con guion a cargo de los propios Julien Maury The Deep House está protagonizada por James Jagger y Camille Rowe.

Cine Coreano: cine se escribe con K

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Corea del Sur ha sido, a lo largo de la historia, un país muy hermético y reticente a abrirse al mundo exterior. Sin embargo, en los albores del siglo XX tuvo lugar un fenómeno conocido como hallyu, a través del cual la cultura coreana comenzó a expandirse. El canalizador de esta ola coreana fueron las series de televisión (K-dramas) y poco tiempo después se sumó la música (K-pop). Así, durante las últimas dos décadas, Corea del Sur se ha convertido en uno de los principales exportadores de cultura y entretenimiento al mundo. Gracias al reconocimiento internacional de la película Parásitos (Bong Joon Ho, 2019), que se hizo con cuatro Óscar de Hollywood, todo parece indicar que estamos ante un nuevo fenómeno expansivo: el K-cine.

Cine Coreano: cine se escribe con K llega, por tanto, en un momento idóneo, cuando el público general de este lado del mundo comienza a interesarse por las películas de ese país. Esta obra, amena, exhaustiva y rigurosa, ofrece al lector un repaso por las mejores películas que nos ha dejado el cine coreano y lleva a cabo una revisión del estado actual de una industria que pasa por su mejor momento. Un recorrido por la historia del cine coreano con especial atención a los directores y actores más interesantes de nuestros días.

A través de las páginas de este libro, emprendemos juntos un largo y enriquecedor viaje de 10 000 kilómetros a un país profundamente desconocido en Occidente, quizá el más ignoto de toda Asia. Todo lo que necesitas saber y conocer para adentrarte en el fascinante e hipnótico mundo del K-cine lo encontrarás entre sus páginas.

Autor; Beatriz Vera Poseck. Editorial: Dolmen Ediciones. Páginas: 256

Un hombre lobo adolescente en la campiña francesa, tráiler de «Teddy»

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Fue una de las películas seleccionadas en el pasado Festival de Cannes que de alguna manera a causa de la pandemia se quedaron en el limbo de la distribución durante meses, Teddy del dueto formado por los realizadores Ludovic Boukherma y Zoran Boukherma (Willy 1er 2016), cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página junto a su poster oficial, sí que tuvo sin embargo una presencia física el pasado octubre en el marco del Festival de Sitges (Premio de la Crítica y critica aquí). Una cinta que reformula el concepto tradicional del hombre lobo adolescente con tintes humorísticos a través de un prisma local muy peculiar.
En la película vemos como en los Pirineos franceses, Teddy es un joven que sobrevive trabajando en un salón de masajes. Un día, a principios de verano, el chico es atacado y arañado por una bestia; probablemente, el lobo tras el que andan todos los granjeros del lugar. Al cabo de unas semanas, empieza a sentir cierta pulsión animal.
Teddy con guion de los propios Ludovic Boukherma y Zoran Boukherma está protagonizada por Anthony Bajon, Ludovic Torrent, Christine Gautier, Noémie Lvovsky, Guillaume Mattera, Jean-Michel Ricart y Alain Boitel.

Filmoteca Española recuerda a Luis Ciges en el centenario de su nacimiento

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Lo hará con el ciclo “Las tres vidas de Luis Ciges”, que se desarrollará de forma presencial en el Doré y a través del canal online #FloresEnLaSombra. Como parte de las celebraciones, Javier Fesser presentará El milagro de P. Tinto (1998) el 14 de mayo a las 19:45h. en el cine Doré.
El 10 de mayo Luis Ciges habría cumplido 100 años. Casi 130 largometrajes componen la filmografía de un actor que, si bien siempre interpretó papeles secundarios, pasó a ser una de las caras más reconocibles del cine español del siglo XX. Para celebrar la efeméride, Filmoteca Española ha programado el ciclo “Las tres vidas de Luis Ciges”, que se desarrollará tanto de forma presencial como online a lo largo del mes.
Por un lado, el cine Doré acogerá del 11 al 14 de mayo cuatro sesiones. Una de ellas, El milagro de P. Tinto (1998), contará con la presencia de su director, Javier Fesser, para dar testimonio del trabajo del actor. Ambos compartieron diferentes proyectos, entre ellos la última aparición de Ciges en cine en La gran aventura de Mortadelo y Filemón (2003). De la experiencia compartida habla Fesser en el texto que acompaña el ciclo, disponible en el programa de mayo del DoréEnlace externo, se abre en ventana nueva: “Al Luis Ciges de las películas todos le queríamos porque, a golpe de improvisación, se interpretaba magistralmente a sí mismo. Nadie sabía hacer de Luis Ciges como él. Clavaba cada gesto suyo, con la misma clase de verdad y fragilidad que cuando no actuaba, y eso lo convertía en un actor inimitable”.
Además del programa presencial, el canal de Vimeo de Filmoteca Española #FloresEnLaSombraEnlace externo, se abre en ventana nueva acogerá dos sesiones más: la primera colaboración de Luis Ciges con Javier Fesser en Aquel ritmillo (1994) –Disponible del 7 al 14 de mayo-; y dos de las prácticas que Ciges dirigió mientras estudiaba Dirección de cine en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas en los años 50 –disponible del 14 al 21 de mayo-.
Cineastas que regeneraron el cine español
Con Luis Ciges se inauguran de forma oficial las celebraciones que, a lo largo de tres años, tendrán por objeto los centenarios de los grandes nombres del cine español, entre ellos: Luis García Berlanga, Juan Antonio Bardem, Ana Mariscal o Lola Flores, por citar solo algunos.
La celebración de dichas efemérides se plantea desde Filmoteca Española y el Ministerio de Cultura y Deporte como una oportunidad para reflexionar sobre una idea generacional: la de aquellos y aquellas cineastas nacidos a principios de la década de los veinte siglo pasado, la Edad de Plata de nuestra cultura, y que se iniciaron en el cine a finales de los cuarenta o principios de los cincuenta para regenerar sus formas. De ese modo, los hitos de los centenarios del trienio 1921-1923 son la excusa para volver la vista sobre ese momento refundacional del cine.
Cabe mencionar, por último, que la iniciativa contará con su propia identidad gráfica, un trabajo encomendado a la ilustradora Clara León quien, a través de viñetas, hilvanará los diferentes centenarios para dotarlos de unidad y continuidad. Con el Ciges sacado de la película de Jacinto Esteva Dante no es únicamente severo, se inicia oficialmente la serie. A lo largo de los próximos meses le seguirán las de Berlanga, Gil Parrondo, Fernándo Fernán Gómez o Lola Gaos.

El terror censurado, primer tráiler de «Censor» de Prano Bailey-Bond

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Fue una de las sensaciones dentro del género fantástico vistas en la pasada edición del Festival de Sundance, Censor, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut de la realizadora Prano Bailey-Bond a través de un film ambientado en la Inglaterra de los años 80 que parece situarse a medio camino entre un falso giallo y el cine de Peter Strickland.

En Censor vemos como Enid Baines es una censora que se enorgullece de su meticuloso trabajo a la hora de intentar proteger al espectador desprevenido de los posibles efectos nocivos de ver películas de un contenido muy explícito. Su estricto sentido del deber se ve alterado por la culpa de verse incapacitada a la hora de recordar los detalles de la desaparición de su hermana hace años, y que recientemente ha sido declarada muerta por ausencia. Pero cuando Enid tiene que revisar una inquietante película empieza a verse afectada por sus confusos recuerdos de infancia en la medida de intentar desentrañar como este misterioso film podría estar de alguna manera vinculado con su pasado.

La película, que se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 11 de junio y el 25 del mismo mes en Reino Unido, cuenta con guion de la propia Prano Bailey-Bond junto a Anthony Fletcher estando protagonizada por Niamh Algar, Sophia La Porta, Michael Smiley, Vincent Franklin, Max Bennett, Adrian Schiller y Nicholas Burns.

Proyecciones La Casa Encendida: «The Cloud in Her Room», de Zheng Lu Xinyuan

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La película ganadora del Tiger Award del Festival de Róterdam de 2020, y ópera prima de Lu Xinyuan, es una exquisita ficción experimental autobiográfica sobre el deseo de reconciliación de una veinteañera china con su pasado.

The Cloud in Her Room, de Zheng Lu Xinyuan. China, Hong Kong, 2020. 101’. VOSE

Muzi es una joven de 22 años que regresa a su ciudad natal desde otro país para celebrar el Año Nuevo Chino. La chica deambula, día y noche, por los suburbios de Hangzhou, perdida en un limbo mental entre su pasado y un presente incierto. Sus intentos de reconexión con los habitantes del lugar, siempre a través del sexo o el afecto, le harán recordar y superar sus antiguos roles femeninos de hija, ex-amante y ex-amiga.

Zheng Lu Xinyuan (Hangzhou, China) es una fotógrafa, escritora, guionista, montadora y directora china. Tras graduarse en su país, cursó un máster en Producción Cinematográfica en USC School of Cinematic Arts de Los Ángeles en 2007. Tras presentar algunos de sus cortometrajes en los festivales de Tribeca, Shanghai y Beijing, en 2020 estrenó su primer largometraje en la sección oficial del Festival de Róterdam, donde ganó el Tiger Award a la mejor película.

22 y 23 mayo

Sábado y Domingo:

19.00 – 21.00 h

Sala audiovisual

Precio: 3.00 €

Entradas

Cine contemporáneo: Ellas desean

La fábula en el tiempo, tráiler de «Petite maman» de Céline Sciamma

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Dos años después de la laureada Portrait de la jeune fille en feu la realizadora Céline Sciamma vuelve de alguna manera a un cine de texturas más íntimas a semejanza de sus primeros trabajos tras las cámaras, con Petite maman, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, la responsable de Tomboy se acerca a universos infantiles, con algún que otro componente fantástico en el relato, la hora de explorar la necesidad que a veces tienen los infantes por conocer realmente a sus progenitores. La película que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Berlín se estrenará comercialmente en Francia el próximo 2 de junio, en España de la mano de Avalon Films lo hará el 24 de septiembre previo paso con toda seguridad por el Festival de San Sebastián dentro de la sección Perlas.

En Petite maman vemos como Nelly tiene 8 años y acaba de perder a su abuela. Mientras ayuda a sus padres, explora los alrededores de la casa donde su mamá, Marion, solía jugar cuando era pequeña. Allí descubre la casa del árbol de la que tanto había oído hablar. Un día, su madre se marcha de repente. Es entonces cuando Nelly conoce a otra niña de su edad en el bosque y juntas construyen una casa en el árbol. Su nueva amiga se llama Marion.

La película con guion de la propia Céline Sciamma está protagonizada por Nina Meurisse, Stephane Varupenne, Margot Abascal, Joséphine Sanz y Gabrielle Sanz.

La inquietud del no recuerdo, primer tráiler de «Lisey’s Story»

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Acaba de ver la luz un primer adelanto, en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página, de la esperada adaptación televisiva de la novela Lisey’s Story de Stephen King que el propio autor se ha encargado de escribir en formato de miniserie de ocho episodios. Dirigida en su totalidad por Pablo Larraín Lisey’s Story cuenta  con la producción ejecutiva de J.J. Abrams, Ben Stephenson y Juan de Dios Larraín. La serie se estrenará a través de Apple TV el próximo 4 de junio, día que estarán disponibles los dos primeros episodios, emisión que después pasara a ser semanal con un nuevo episodio cada viernes.

En Lisey’s Story vemos como una viuda se convierte en objeto de un peligroso acosador, obsesionado con el trabajo de su marido. Lisey Landon sigue con su vida dos años después de la muerte de su marido, el famoso novelista Scott Landon. Una sucesión de hechos inquietantes hace que Lisey empiece a recordar episodios de su matrimonio con Scott que había suprimido deliberadamente de su memoria.

La serie con guion adaptado por parte del propio Stephen King está protagonizada por Julianne Moore, Joan Allen, Jennifer Jason Leigh, Dane DeHaan, Sung Kang, Clive Owen, Giovanni Celentano, Clark Furlong, Ariana Jalia, Jonathan Rayson, Claire Keane, Anastasia Veronica Lee, Andrea Abello, Brian Hutchison y Ryan Jordan McCarthy.

Lucio Fulci. Autopsia de un cineasta

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Lucio Fulci. Autopsia de un cineasta es un ensayo realizado por Javier Pueyo en el que se lleva a cabo un recorrido completo por la obra del director de películas tan conocidas como Nueva York bajo el terror de los zombies o Aquella casa al lado del cementerio. Un estudio riguroso y personal en el que se repasa la obra completa del cineasta romano, incluyendo sus primeras comedias y sus conocidas incursiones en el cine de terror, pasando por sus trabajos dentro del western, el policiaco, el drama y sus cometidos en la televisión italiana.
Así, cintas como El destripador de Nueva York, Angustia de silencio, Luca el contrabandista, Los cuatro del Apocalipsis, Contrabando en Nápoles o Siete notas en negro son contextualizadas y diseccionadas a lo largo de las páginas, complementando los textos con una serie de entrevistas a diversos profesionales que trabajaron junto a Fulci: el músico Carlo Maria Cordio, el director de fotografía Nino Celeste, la guionista Ludovica Marineo o los actores Bernard Seray, Beatrice Ring o Giovanni Lombardo Radice, entre otros.
Aderezada con una serie de fotografías cedidas por algunos profesionales que trabajaron con Lucio Fulci, esta nueva edición presentada por Applehead incorpora, además de una revisión del autor, una serie de contenidos adicionales, como entrevistas con el guionista Antonio Tentori y el músico Fabio Frizzi o una reseña del reciente documental Fulci for fake de Simone Scafidi.
Autor; Javier Pueyo, Prólogo: José Luis Salvador Estébenez, Portada: Jairo Guerrero. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 280

La fantasía medieval de David Lowery, primer tráiler para «The Green Knight»

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Tras trabajos tan interesantes como A Ghost Story o la crepuscular The Old Man & the Gun parece que ha llegado el momento de ver a de David Lowery en empresas de una mayor envergadura, The Green Knight, cuyo primer tráiler de la mano de A24 acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a uno de sus pósters promocionales, supone para el responsable de Pete’s Dragon una nueva incursión de gran calibre dentro del fantástico en una película que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 30 de julio.

The Green Knight, que ha estado en el limbo de la distribución más de un año a causa de la pandemia, viene a ser una reinterpretación de la historia medieval de Sir Gawain y el caballero verde contada a modo de fantasía medieval en donde vemos como el sobrino del Rey Arturo se embarca en la búsqueda de un ser mitológico para poder demostrar su valor ante su familia.

La película con guion del propio David Lowery y música compuesta por Daniel Hart está protagonizada por Dev Patel, Barry Keoghan, Alicia Vikander, Ralph Ineson, Kate Dickie, Erin Kellyman, Joel Edgerton, Sarita Choudhury, Sean Harris, Helena Browne, Emilie Hetland, Anthony Morris, Megan Tiernan y Noelle Brown.

El foco Zinemaldia + Plus programa las películas «Le redoutable» y «Les sorcières de l’Orient»

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Los títulos elegidos por Vincent Maraval y Vanja Kaludjercic se proyectarán respectivamente el 14 de mayo y el 11 de junio en la pantalla compartida de Tabakalera.

El Festival de San Sebastián ofrecerá dos nuevas proyecciones dentro del foco Zinemaldia + Plus, Le redoutable (Mal genio, 2017), de Michel Hazanavicius, y Les sorcières de l’Orient (2021), de Julien Faraut. Estos títulos han sido respectivamente elegidos por el productor y distribuidor de la compañía Wild Bunch, Vincent Maraval, y por la directora artística del Festival de Rotterdam, Vanja Kaludjercic. Ambos han tenido carta blanca para programar estas películas en la pantalla compartida de Tabakalera dentro de Zinemaldia + Plus.

Este foco mensual que anteriormente ha estado centrado en programas como Ikusmira Berriak, Nest o en el trabajo previo de cineastas que han pasado por San Sebastián (Primeros Pasos) ha invitado en mayo y junio a dos personalidades destacadas de la industria del cine, a quienes se ha dado libertad para programar sendas películas.

El viernes 14 de mayo Vincent Maraval acudirá a Donostia para presentar Le redoutable, un largometraje de Michel Hazanavicius (The Artist, 2011, Perlak) en el que Louis Garrel encarna al cineasta Jean-Luc Godard y Stacy Martin, a su mujer Anne Wiazemsky. El filme, que concursó en el Festival de Cannes en 2017 y también cuenta con Bérénice Bejo en el reparto, narra la crisis que Godard vivió tras estrenar su película La chinoise a finales de los años 60.

Por su parte, Vanja Kaludjercic intervendrá de manera telemática en la sesión del 11 de junio para introducir Les sorcières de l’Orient, un filme de Julien Faraut que en febrero compitió en el Festival de Rotterdam. La directora artística del certamen ha elegido este documental sobre el equipo japonés de voleibol femenino que ganó el Oro en los Juegos Olímpicos de 1964. El filme cuenta con los testimonios de las exdeportistas, hoy septuagenarias, y mezcla imágenes de archivo con fragmentos de anime.

Zinemaldia 365 (Z365)

Desde 2020, el Festival de San Sebastián realiza una firme apuesta por ir más allá de los nueve días del certamen de septiembre y configurarse como festival de todo el año. Bajo la denominación Zinemaldia 365 (Z365), este concepto incluye, entre otras actividades, el programa de residencias Ikusmira Berriak, la participación en Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), el proyecto Zinemaldia 70: todas las historias posibles y la programación en la pantalla compartida de Tabakalera.

En ese sentido, el Festival se ha unido a otras instituciones de la ciudad que también programan en el cine de Tabakalera y, una vez al mes, protagoniza el foco Zinemaldia + Plus. Este espacio permite seleccionar títulos que tienen difícil encaje en el diseño del festival de septiembre, al tiempo que ofrece la posibilidad de detenerse en formatos, temáticas y propuestas diferentes.

Así, las sesiones de Zinemaldia + Plus ofrecen una perspectiva general de la idea de festival de todo el año. Desde su inicio en octubre, el foco ha mostrado un largometraje enmarcado en el programa público del proyecto de archivo Zinemaldia 70 y los primeros cortometrajes de directoras que después han concursado e incluso ganado en distintas secciones del Festival. También se han exhibido los cortos de participantes de Nest y los de los actuales residentes de Ikusmira Berriak.

Los largometrajes elegidos por Maraval y Kaludjercic son reflejo de las colaboraciones que el Festival de San Sebastián mantiene con organizaciones de la industria y con otros festivales de cine.

PROGRAMA – Viernes 14 de mayo a las 19:00 h. – Cine (Tabakalera)

Le Redoutable / Redoubtable (Mal genio (Le Redoutable)

Michel Hazanavicius (Francia)

París 1967. Durante el rodaje de su nueva película, el director francés Jean-Luc Godard se enamora de la actriz Anne Wiazemsky, 20 años más joven que él. Un año después, tras casarse con Anne y haber encontrado aparentemente la estabilidad, Godard se ve sumido en una crisis existencial debido a la negativa acogida de la película y a los conflictos sociales que se están desarrollando en París.

PROGRAMA – Viernes 11 de junio a las 19:00 h. – Cine (Tabakalera)

Les sorcières de l’Orient / The Witches of the Orient

Julien Faraut (Francia)

Viaje para conocer a las antiguas jugadoras de la selección femenina de voleibol de Japón. Actualmente septuagenarias, en su día eran conocidas como las Brujas de Oriente por sus aparentes poderes sobrenaturales sobre la cancha. Desde la fundación del equipo por parte de un grupo de trabajadoras de una fábrica textil a finales de los años 50, hasta su triunfo en los Juegos Olímpicos de 1964 en Tokio, sus recuerdos y la verdadera magia de antaño burbujean en un cóctel apasionante en el que la realidad y la fábula vuelan de la mano.

 

«Sea Fever» review

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La tripulación de una embarcación irlandesa pierde su rumbo en alta mar. Su vida corre peligro ya que un parásito ha hecho acto de presencia en su suministro de agua.

La amenaza invisible proveniente del exterior, en su gran mayoría de origen alienígena, en relación a su contacto con un grupo de personas que de una manera u otra se encuentran enclaustradas y han de enfrentarse obligatoriamente a dicho peligro, ha constituido en estas últimas décadas casi un subgénero propio dentro del fantástico, en el encontraremos varios referentes conocidos por todos como por ejemplo las fundamentales Alien, Abyss o The Thing, versión Howard Hawks o John Carpenter según se prefiera, dentro del mismo paquete y debido a una lógica evolución han ido apareciendo una serie de ramificaciones estereotipadas que también han devenido con el tiempo como referentes viéndose imitados hasta la saciedad en lo concerniente a sumar a la ecuación a un personaje femenino a la trama, a primera instancia de apariencia frágil, pero que con el desarrollo argumental termina erigiéndose líder y a la postre, en la gran mayoría de las ocasiones, como único superviviente del grupo al que pertenece. A tal respecto la realizadora dublinesa Neasa Hardiman revisita dicho concepto en la apreciable y bastante humilde Sea Fever teniendo el añadido de intentar acotar interesantes variaciones a la hora de querer trascender o reinventar etiquetas a dicha temática.

Lo primero que queda claro en una película de las características de Sea Fever es percibir de una forma meridianamente clara como Neasa Hardiman (mas habituada al ámbito televisivo por su participando en series como Jessica Jones o Happy Valley) no es una realizadora muy afín al género fantástico, en cierta manera da la sensación de ser esa clase de autores que pasan por el de forma casi accidental y no de una manera vocacional, en este aspecto es visible su muy consiente negativa a formar parte de ese grupo de películas, como por ejemplo Profundidad 6 de Sean S. Cunningham o Leviathan de George Pan Cosmatos, que abrazaban sin muchos complejos el simple entretenimiento genérico, algo que no tiene por qué ser peyorativo forzosamente pues no sería la primera vez que se ha dado el caso de como una mirada alejada del estereotipo genérico en base a su asimilación autoral ha ofrecido películas ciertamente interesantes, Claire Denis con la estupenda High Life o la reciente Little Joe de la austriaca Jessica Hausner por citar solo dos ejemplos de realizadoras afines a dicha cuadratura. Sea Fever como relato de género contenido, por momentos más cercano al drama moral de tono survival que al del terror propiamente dicho, se asoma tímidamente a dichos postulados arriba comentados al ser una curiosa variación de la temática del terror marítimo reconfigurado aquí hacia parcelas derivativas del eco-thriller de ciencia ficción en donde el monstruo como ente físico amenazador es sustituido por un virus que no deja de ser otro concepto del monstruo pero que en esta ocasión crece de forma no tan visible y aparatosa dentro del organismo de los protagonistas, un trazo expuesto muy a la manera, pese a no ser tan explícita, de aquel reivindicable found footage de Barry Levinson titulado The Bay.

Las variaciones antes comentadas en referencia a su narrativa vienen dadas en la medida de percibir como llegados a un punto del relato la amenaza del invasor entendida como tal pasa a un segundo plano siendo eliminada casi de forma completa de su narrativa, en realidad nunca quedara resulta tal cuestión, una renuncia al alarde técnico que en este caso da prioridad al razonamiento científico con un ligero trasfondo ecologista en detrimento del susto fácil. También se hace especial hincapié en el tono paranoico del superviviente, curiosamente aquí encontraremos alguna que otra interesante concomitancia con nuestro presente a la hora de plantear conceptos morales tales como el dilema al que se ven sometidos los protagonistas de no infectar al resto de la población en base a diferentes comportamientos en lo concerniente a la desconfianza existente entre los seres humanos en situaciones de máximo estrés, principalmente retratado a través del comportamiento egoísta y responsable, todo ello en relación a una amenaza vírica aquí retratada casi como invisible pero engrandecida a causa de la paranoia claustrofóbica existente en los protagonistas.

Valoración 0/5: 2’5

 

Tráiler de «El vientre del mar», lo nuevo de Agustí Villaronga

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Coincidiendo con el anuncio de su participación en la próxima edición del Festival de Málaga que se celebrará del 4 al 13 de junio acaba de ver la luz un primer adelanto, en forma de un breve teaser que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo de Agustí Villaronga tras las cámaras titulado El vientre del mar, adaptación del texto de Alessandro Baricco.

El vientre del mar nos sitúa en Junio del año 1816. La fragata Alliance, de la Marina francesa, embarranca ante las costas de Senegal. Como los botes disponibles para la evacuación no son suficientes para acoger a todos los tripulantes, se construye una precaria embarcación en la que obligan a subir a 147 hombres: soldados, marineros, algún pasajero y unos pocos oficiales. El plan previsto es que los botes remolquen la balsa hasta la orilla pero el pánico y la confusión se apoderan del convoy y cortan la soga de remolque, abandonando la balsa a su suerte. El hambre, la inclemencia del mar, la locura y una lucha encarnizada se desatan en aquella balsa a la deriva.

La película, producida por Testamento y  La Perifèrica Produccions en coproducción con Turkana Films / Link-up Barcelona / Bastera Films y cuyo rodaje tuvo lugar en la isla de Mallorca durante el  pasado mes de agosto con la participación de TV3 e IB3, el soporte del ICEC y la financiación del Gobierno de España (ICAA), cuenta con guion adaptado por parte del propio Agustí Villaronga estando protagonizada por Roger Casamajor, Òscar Kapoya y Mumi Diallo.

Proyecciones Xcèntric: Las películas de Carles Santos

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LA-RE-MI-LA (Carles Santos, 1979)

Para la clausura de la temporada de proyecciones, la obra fílmica de Carles Santos toma la batuta. El homenaje incluye una lectura poética a cargo de Vicenç Altaió, una selección de sus films realizados entre 1969 y 1979, muchos de ellos raramente proyectados, una pieza inédita de la cineasta norteamericana Joan Logue, dos piezas breves de los orígenes del cine protagonizadas por el mago Leopoldo Fregoli y una intervención artística de la pianista Clara Peya (Premio Nacional de Cultura 2019) con una pieza compuesta para la ocasión en colaboración con la bailarina Sílvia Capell.

Durante los años setenta, Carles Santos realiza una decena de cortometrajes que desde el minimalismo y la práctica conceptual exploran diferentes procesos de escucha y ponen de manifiesto un verdadero pensamiento musical en el cine. La película-retrato 30 second portrait: Carles Santos, realizada por la cineasta y artista Joan Logue, resulta una buena carta de presentación e incluye al compositor en el movimiento interdisciplinario neoyorquino. Concebido como un spot publicitario, el corto forma parte de una serie única sobre los artistas vanguardistas de finales de los setenta, entre los que destacan también los vídeo-retratos de John Cage, Steve Reich, Philip Glass y Michael Nyman.

Santos trabaja alrededor de la grabación y difusión del sonido, el tema con variaciones y la repetición. Algunos de sus films cuestionan por qué, ante una melodía que se reproduce de manera consecutiva, los espectadores reemplazan la emoción por la razón. Los pianos imprevisibles en un escaparate de Barcelona en Peça per a quatre pianos son un ejemplo, así como 682-3133 Buffalo Minnesota, con la participación de la flautista norteamericana Barbara Held. En LA-RE-MI-LA se añade un toque irónico y se construye una ciudad de pianistas efímeros. Este cortometraje se programa con dos films protagonizados por el mago Leopoldo Fregoli, Maestri di musica y Retroescena 2. Fregoli, muy admirado por Joan Brossa, era conocido por sus habilidades transformistas. En Preludi de Chopin opus 28, n. 7, el cineasta Pere Portabella dicta Frédéric Chopin. A través de un magnetófono, se difunde una partitura hablada. El film, prácticamente inédito, culmina este viaje cinematográfico plenamente de vanguardia.

La transdisciplinariedad de Santos durante su carrera ha propiciado una larga generación de músicos también interesados por la búsqueda de nuevas formas de puesta en escena musical. Entre ellos, la pianista y compositora Clara Peya reconoce la huella de Santos, quien «supo traspasar los límites». Para la ocasión Peya presentará una composición inspirada por esta selección de films raramente mostrados en proyección pública.

30 second portrait, Joan Logue, 1979-1982, 30 s; Peça per a quatre pianos, Carles Santos, 1978, 16 mm, 5 min 40 s; 682-3133 Buffalo Minnesota, Carles Santos, 1977, 16 mm, 6 min 44 s; Maestri di música, Leopoldo Fregoli, 1897-1899, 35 mm, 1 min; Retroescena 2, Leopoldo Fregoli, 1897-1899, 35 mm, 1 min; LA-RE-MI-LA, Carles Santos, 1979, 35 mm, 8 min 35 s; Preludi de Chopin opus 28, n. 7, Carles Santos, 1969, 16 mm, 20 min 45 s.

Proyección en digital. Copias de Carles Santos cortesía de La Filmoteca – Institut Valencià de Cultura (IVC) y Fundació Caixa Vinaròs (Fondo Carles Santos). Copias de Leopoldo Fregoli cortesía de Cineteca Nazionale (CSC). Copia de Joan Logue cortesía de la artista.

Un programa de Ona Balló.

Fecha: 10 junio 2021

Horario: 19.00

Espacio: Sala Teatre

Precio: 4 € / 3 € Reducida

Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido

Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es

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El Romero perdido, tráiler de «The Amusement Park»

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Trascurridos cerca de cuatro años desde su fallecimiento George A. Romero sigue siendo noticia, en esta ocasión por partida doble en referencia a desempolvar una parte de su obra que por un motivo u otro aún no ha salido a la luz. Si hace unos días se dio a conocer la existencia de un tratamiento de guion realizado por el propio Romero titulado Twilight of the Dead que significaría el cierre definitivo de la icónica saga zombie, y que en estos momentos están desarrollando los guionistas Joe Knetter y Robert L. Lucas, esta semana ha visto la luz el tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de The Amusement Park, film de 60 minutos de duración que data del año 1973 y que surgió a modo de encargo por parte de la Sociedad Luterana en donde se pretendía mostrar la discriminación que solían sufrían las personas mayores por parte de la sociedad. El film, que en su día fue descartado por ser considerado demasiado explícito en relación a la alegoría del envejecimiento mostrada, ha sido rescatado y restaurado del ostracismo recientemente por parte de la viuda del cineasta Suzanne Desrocher-Romero y la Fundación George A. Romero.

En The Amusement Park vemos como un hombre entrado en años sale de su casa para disfrutar de un día normal y corriente en un parque de atracciones, pero antes de que pueda darse cuenta se ve envuelto en una pesadilla de dimensiones nunca antes vistas.

La película que se estrenará en la cadena estadounidense Shudder el próximo 8 de junio cuenta con guion de Wally Cook estando protagonizada por Lincoln Maazel, Harry Albacker, Phyllis Casterwiler, Pete Chovan, Marion Cook, Sally Erwin, Michael Gornick, Jack Gottlob, Halem Joseph, Bob Koppler, Sarah Kurtz, Aleen Palmer, Georgia Palmer, Arthur Schwerin, Bill Siebart y Gabriel Verbick.

https://youtu.be/Z5i6zOY5FJU

Escritos sobre cine (1921-1953). Jean Epstein

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Para Jean Epstein, el cine es “esa última reserva de lo féerico, de parque internacional de la maravilla”, donde el espacio y el tiempo se entrelazan, se disuelven para fluir y se hacen uno. La cámara cinematográfica, diabólica por su capacidad de derrumbar la lógica en la que han sido entrenadas nuestras vidas, detecta y ofrenda el milagro en lo banal. El cine, para Jean Epstein, es el lugar donde el hombre “preserva de la extinción total a la especie envejecida del prodigio”. El cine dinamita el hábito, hace de la mera duración una experiencia, desorganiza la normalidad. Es un bendito veneno que corroe, sin pausa y sin piedad, y sin siquiera saberlo, la hegemonía rígida y cruel de lo binario. No instaura jerarquías, no favorece divisiones, no pone al elemento a competir. Provisto de su técnica, nos devuelve a un mundo anterior a todas las técnicas. Armado de su conocimiento, nos libera del concepto y el número para restituirnos el reino de la sensación. No pretende enseñarnos nada, no se dedica a señalarnos un camino, no tiene mandamientos ni moral.

En el cine no hay Papas ni rey ni parlamentos. No hay saberes expertos ni tablas de la ley. Ni siquiera se necesitan las palabras (por eso Epstein amó el cine mudo). Pero hay un ojo que todo lo ve y es ese el don, el acontecimiento imperdonable. La escritura de Epstein es la casa de la poesía y la física cuántica, donde se anudan y se aúnan espíritu y materia. Es surrealista y queer, es rigurosa y tiembla, desencadenada.

Este libro reúne los escritos fundamentales de Jean Epstein, tal como fueran publicados en dos volúmenes, en francés, en la mítica e inhallable edición de la editorial Seghers, en 1974-1975. Pueden leerse como el testimonio de un precursor y un vidente, un teórico estricto y un empirista enamorado. Un hombre honrado y solo, definitivamente solo en el centro del viento. El viento duradero de sus visiones.

SUMARIO

Prólogo
Jean Epstein. La obra fílmica, por Henri Langlois
Jean Epstein: La obra escrita, por Pierre Leprohon
La lirosofía (extractos), por Jean Epstein (1922)

Escritos sobre cine (1921-1947)

Memorias inconclusas
Las películas de Jean Epstein, vistas por él mismo
El cine y las letras modernas(1921)
Buenos días, cine (1921)
Artículos, conferencias, declaraciones (1922-1925)
El cinematógrafo visto desde el Etna (1926)
Artículos, conferencias, declaraciones (1927-1935)
Fotogenia de lo imponderable (1935)
La inteligencia de una máquina (1946)
El cine del diablo (1947)
Artículos, conferencias, declaraciones (1946-1947)

Escritos sobre cine (1947-1953)

Espíritu de cine (1946-1949)

Artículos (1948-1951)

Alcohol y cine

Tornada


Apéndice.  La caída de la casa Usher

Proyecto de versión sonora (découpage)


Filmografía

Bibliografía

 

JEAN EPSTEIN

(Varsovia, 1897- París, 1953). Figura emblemática del cine de vanguardia, Jean Epstein fue también novelista, crítico literario y teórico del cine. Cursó estudios de medicina en la Universidad de Lyon y fue asistente de Auguste Lumière. Llegó al cine de la mano de Blaise Cendrars e integró, durante la segunda década del S. XX, la segunda generación de “nuevos cineastas franceses”, posterior a la generación de Marcel L’Herbier, Germaine Dulac y Abel Gance. Reivindicó el cine como un dominio autónomo e independiente de la literatura y el teatro, dotado de recursos propios. Persiguió durante toda su vida la independencia dentro de la industria cinematográfica y la alcanzó con la fundación, en 1926, de su productora Les Films Jean Epstein.

Filmó con la misma audacia y sutileza ficciones en decorados de estudio y en paisajes naturales, con actores profesionales y no profesionales. Entre las obras claves del período mudo de su filmografía se encuentran Cœur fidèle (Corazón fiel, 1923), Six et demi onze (Seis y medio por once, 1927), La Glace à trois faces (El espejo de tres caras, 1927), La Chute de la maison Usher (La caída de la casa Usher, 1928) y Finis Terrae (1929). En el período sonoro, se destacan Mor’vran – La Mer des corbeaux (Mor’vran – El mar de los cuervos, 1930), L’Or des mers (El oro de los mares, 1932), Chanson d’Ar-mor (Canción de Amor, 1934) y Le Tempestaire (El domador de tempestades, 1947).

Autor: Jean Epstein, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 694

El pecado según Paul Verhoeven, primer tráiler de «Benedetta»

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Tras estar en la nevera más de un año a causa de la pandemia la nueva y esperada nueva película de Paul Verhoeven titulada Benedetta, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, ya tiene fecha para su premier mundial. Como estaba previsto será en la próxima edición del Festival de Cannes que este año se celebrará del 6 al 17 de julio teniendo previsto su estreno comercial en Francia para el 9 del mismo mes. Benedetta, anteriormente conocía con el título de Blessed Virgin, es una adaptación de la novela «Immodest Acts: The Life of a Lesbian Nun in Renaissance Italy (Studies in the History of Sexuality)» obra de la historiadora Judith C. Brown.

Ambientada a finales del siglo XV en la película vemos como una joven llamada Benedetta Carlini se une al convento de la Madre de Dios en Pescia como novicia. Supuestamente capaz de realizar milagros desde niña, la irrupción de Benedetta en la vida de la comunidad es inmediata, sin embargo la joven empezará a sufrir una serie de perturbadoras visiones a modo de visiones eróticas en donde mantiene relaciones sexuales con otras mujeres.

Benedetta que vendrá a España de la mano de Avalon cuenta con un guion adaptado a cargo de David Birke y el propio Paul Verhoeven estando protagonizada por Virginie Efira, Lambert Wilson, Daphne Patakia, Charlotte Rampling, Olivier Rabourdin, Clotilde Courau, Louise Chevillotte, Hervé Pierre, Alexia Chardard, Quentin D’Hainaut, Antoine Lelandais, Satya Dusaugey, Nicolas Gaspar, David Clavel, Nicolas Béguinot y Pero Radicic.

Nueva edición de Pantalla Sitges

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El Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y el FIC-CAT han renovado su acuerdo de colaboración, hecho que permite al festival rodense dar visibilidad al cine fantástico realizado en nuestro país.

El espacio Pantalla Sitges estará presente en el FIC-CAT, por sexto año consecutivo, apadrinado por el Festival de Sitges. La película elegida para la edición de este año es La vampira de Barcelona, de Lluís Danés, ganadora del Grand Premio del Público en la última edición del Festival de Sitges, y que se podrá ver en el Pabellón polideportivo de Roda de Berà el sábado 12 de junio a las ocho de la tarde.

Como cada año, la entrada será gratuita y, Àngel Sala, director del Festival de Sitges, estará presente en Roda de Berà para presentar la sección y seguir de cerca el desarrollo del FIC-CAT. Sala es conocedor del Festival, puesto que ha formado parte del Jurado y ha estado presente en varias ediciones.

La vampira de Barcelona, que se proyectará fuera de competición, es una coproducción de Brutal Media, Filmax y TV3, y está interpretada por Nora Navas, Roger Casamajor, Bruna Cusí, Nuria Primo, Sergi López, Francesc Orella, Mario Gas, Francesca Piñón o Pablo Derqui, entre otros.

Inspirada en la historia de Enriqueta Martí, conocida como “la vampira del Raval”, la película fue la gran triunfadora de los últimos Premios Gaudí, en qué consiguió cinco galardones: Mejor Película, Mejor Dirección Artística, Maquillaje y Peluquería, Vestuario y Efectos Visuales.

Un cuento de hadas postapocalíptico, primer tráiler de «Sweet Tooth»

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La esperada adaptación televisiva del exitoso comic homónimo de Jeff Lemire titulada Sweet Tooth acaba de ver publicado un primer adelanto en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página. La serie, que constará de 8 capítulos en su primera temporada, y que cuenta con Jim Mickle (Stake Land, We Are What We Are, Cold in July, In the Shadow of the Moon) como uno de sus creadores,  verá la luz a través de Netflix el próximo 4 de junio.

En Sweet Tooth vemos como un tremendo cataclismo ha devastado la práctica totalidad del mundo. Gus, mitad chico y mitad ciervo, se une a un variopinto grupo de niños híbridos con los que emprenderá un viaje por lo que queda de Estados Unidos en la búsqueda de respuestas acerca de sus verdaderos orígenes.

La serie con guion adaptado a cargo de Jim Mickle, Beth Schwartz, Christina Ham y Jeff Lemire está protagonizada por Nonso Anozie, Christian Convery, Stefania Owen, Aliza Vellani, Naledi Murray, Adeel Akhtar, Nixon Bingley, Ava Diakhaby, Seth Flynn, Will Forte, River Rain Jarvis, Dania Ramirez, Neil Sandilands, Christopher Sommers,  Christian Tessier y James Brolin como narrador.