Mes: marzo 2023

Proyecciones Xcèntric: Fever Dreams

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Las cinco cineastas de esta sesión conciben el cine como un medio total con el que despertar los sentidos. En este programa, la vida y los rituales domésticos o los periodos de gestación dejan progresivamente paso a la exploración de la sensualidad y la sexualidad, el inconsciente y el deseo o el delirio y el trance. Las experiencias sensoriales desembocan aquí en las fantasías más extáticas.
El retrato doméstico, a la vez familiar y alucinado de A Trojan House queda construido en la relación entre las estructuras arquitectónicas y emocionales. Sharon Couzin concibe la casa como un organismo vivo, espacio de orden, protección y clausura, pero también como un arma con la que conquistar un terreno creativo. Por su parte, a través de transiciones elusivas y ambiguas, Chick Strand compone no tanto el retrato lírico de una persona como el de su conciencia. En Mujer de Milfuegos las repetitivas tareas diarias, convertidas en obsesiones litúrgicas, se intercalan con el deseo y experiencias de éxtasis y locura. Los rituales de la naturaleza también están presentes en Trumpet Garden, donde se perfila un retrato ambiental en la superposición de texturas visuales y sonoras. Barbara Klutinis descubrió una analogía entre los misterios, las alegrías y los miedos en torno a un jardín y el diario emocional de su embarazo.
«Nos dejan solas, y somos nosotras solas quienes vemos cosas y completamos las visiones. Es con la imagen de la elasticidad, de la tenacidad y de la majestuosidad de la mente humana con la que tengo un verdadero romance», escribió Chick Strand. Sobre la piel y las caricias se apoya su retrato de la fantasía sexual de dos mujeres en Fever Dream. Por su lado, Coni Beeson, pionera en la filmación del sexo lésbico explícito, también realiza un retrato erótico activado por el tacto. A través de la acumulación de superposiciones realiza un collage de cuerpos fragmentados con el mar, las colinas y los bosques en el que fusiona los ritmos temporales en el acto sexual. Por último, Women I Love, un retrato sensorial de las amigas y amantes de las vidas pasadas de Barbara Hammer, está concebida como un collar: a la cualidad de cada mujer se atribuye una fruta, una flor o un vegetal para diferenciar en forma y contenido los diferentes tipos de relación. Hammer rompe la relación entre sujeto y objeto incluyéndose en esta celebración de la completitud, recordándonos en plena culminación tántrica de la sexualidad sostenida que, al nacer, tocamos antes de ver: sobre las imágenes de la masturbación se ha posado una mariposa.
A Trojan House, Sharon Couzin, 1981, 16 mm, 21′; Mujer de Milfuegos, Chick Strand, 1976, 16 mm, 15′ ; Trumpet Garden, Barbara Klutinis, 1983, 16 mm, 10′; Fever Dream, Chick Strand, 1979, 16 mm, 7’; Holding, Coni Beeson, 1971, 16 mm, 13′; Women I Love, Barbara Hammer, 1976, 16 mm, 22′
Proyección en 16 mm. Copias de Mujer de Milfuegos y Women I Love procedentes de Light Cone. Copias de A Trojan House, Trumpet Garden, Fever Dream y Holding procedentes de Canyon Cinema.
Fecha: 13 abril 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

 

 

«Sala:B»: 10 años sin Jess Franco

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La venganza del doctor Mabuse (Dr. M schlägt zu, Jesús Franco, 1972). Int.: Fred Williams, Ewa Strömberg, Jack Taylor, Robert Camardiel. RFA, España. 35 mm. VE. Color. 74’
El siniestro doctor Orloff (Jesús Franco, 1984). Int.: Howard Vernon, Antonio Mayans, Rocío Freixas, Tony Skios. España. 35 mm. Color. 87’

«En abril de 2013 fallecía el director Jesús Franco, uno de los autores de cabecera de «Sala:B». A él dedicamos este programa doble de doctores locos.

La venganza del doctor Mabuse es una coproducción hispano-italo-alemana que, a pesar del título, podríamos conectar con la saga de otro doctor: Orloff, el personaje franquiano por excelencia. Franco era un gran seguidor de Mabuse, en concreto de la trilogía de Fritz Lang, y también trató a menudo el tema del control mental. Mabuse fue además una de las fuentes de inspiración para crear al Orloff de Gritos en la noche (1961), que interpretaba Howard Vernon (presente a su vez en el último Mabuse de Lang). Orloff vendría a ser una especie de Mabuse enamorado, menos interesado en dominar el mundo y más en recuperar al amor de su vida, su hija Melissa. Aunque se habla mucho de cómo inaugura el género de terror en España, Gritos en la noche tiene más que ver con el krimi alemán y con la saga de Lang que con el terror. Oculto entre La Manga y Torremolinos, el doctor Mabuse de Jess Franco es Jack Taylor, tiene toques de Fu Manchú y funciona a la vez como remake de Miss Muerte, por lo que todo queda en casa. En un momento de la película, alguien recuerda a Mabuse que Orloff le lleva la delantera experimentando con el polimagnetismo; la reacción del primero es lo más cerca que estaremos de este increíble duelo de mad-doctors. Estamos ante otro pastiche pop en forma de tebeo expresionista, cruzado con una trama policial que parece sacada de una parodia de spaghetti western. Una explosiva mezcla de géneros que Jess Franco ya había experimentado antes, adelantándose décadas a los cineastas del exploit posmoderno.

Diez años y setenta películas más tarde, Jess Franco dirige El siniestro doctor Orloff, última secuela oficial de la saga, aunque el personaje y sucedáneos aparecerán en más ocasiones. En este caso vuelve el doctor original, un espectral Howard Vernon, pero cediendo el protagonismo a su hijo Alfred (Antonio Mayans), obsesionado también con Melissa. Lo curioso es que Melissa no es su hermana, sino su madre, ¿la madre de la Melissa de Gritos en la noche? No lo sabemos, pero queda claro que en casa de los Orloff el incesto es congénito. Para complicar más las cosas, la actriz que interpreta a Melissa, Rocío Freixas, sigue la tradición de hacer también el papel de la novia del inspector Tanner. El juego de espejos que tanto gusta al director se renueva cambiando el gótico tradicional de Gritos en la noche por un gótico mediterráneo y ochentero, saturado de color y sintetizadores». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo del actor Antonio Mayans, el director Pedro Temboury y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).

 Cine Doré: Viernes  28/04/2023      19:30

La regeneración según Paul Schrader, primer tráiler para «Master Gardener»

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Momento pletórico en el que parece encontrarse el veterano Paul Schrader, tras su premier mundial el pasado año en el Festival de Venecia Master Gardener, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, viene a ser el fin de esa trilogía redentora compuesta por las anteriores First Reformed (2017) y The Card Counter (2021). La película tiene previsto su estreno comercial en nuestro país de la mano de Youplanet Pictures y Caramel Films para el próximo 9 de junio.
Master Gardener nos cuenta como Narvel Roth es el meticuloso horticultor de Gracewood Gardens. Está tan dedicado a cuidar los jardines de esta maravillosa e histórica finca como a complacer a su jefa, la rica viuda Sra. Havernhill. Pero el caos se apodera de la ordenada existencia de Narvel cuando la Sra. Haverhill le exige que tome como aprendiz a su rebelde y problemática sobrina nieta Maya. Esta nueva situación va a sacar a la luz oscuros secretos de un pasado violento que también es una amenaza para todos.
La película, con guion a cargo del propio Paul Schrader, está protagonizada por Joel Edgerton, Sigourney Weaver, Quintessa Swindell, Esai Morales, Victoria Hill, Eduardo Losan, Rick Cosnett, Amy Le, Erika Ashley, Jared Bankens, Cade Burk, DJames Jones y Matt Mercurio.

L.A. Queer. El cine de Gregg Araki

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Señalado por la crítica como provocador desde sus primeras películas amateurs, Gregg Araki siempre ha sido una figura controvertida que ha desarrollado su carrera al margen de la industria audiovisual comercial. Pionero del New Queer Cinema, su fiel retrato de las inquietudes y la angustia adolescente en la década de los noventa se convirtió en un fenómeno que llevó a las salas a miles de jóvenes que no encontraban representación en el cine. Con la siempre apocalíptica ciudad de Los Ángeles como telón de fondo, un mordaz humor negro y una selección musical que ilustra las tendencias alternativas de la época, el catálogo de películas de este irrepetible director es un explosivo cóctel no apto para todos los paladares.
A través de las páginas de “L.A. Queer: el cine de Gregg Araki”, Daniel Alcaide se sumerge en la filmografía del director para mostrar todas sus particularidades, referencias y códigos, que constituyen uno de los pilares fundamentales del cine independiente durante la década de los noventa y que ha influido a directores como Xavier Dolan o Yann Gonzalez, colecciones de innumerables firmas de moda y artistas de todas las disciplinas. Un adictivo viaje en el que descubrir el universo creado por una mente brillante en la que no pesa el paso del tiempo.
Incluye entrevistas exclusivas a la decoradora Jennifer M. Gentile y al actor Johnathon Schaech.
Autor: Daniel Alcaide. Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Cineclub Applehead. Páginas: 244

Empieza el rodaje de «Anatema», tercera entrega del sello The Fear Collection

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Después Veneciafrenia y Venus el sello liderado por Álex de la Iglesia The Fear Collection ha iniciado el rodaje de la que será su tercera película que tendrá como título Anatema, trabajo que supone el debut tras las cámaras de la escritora y guionista Jimina Sabadú, firmante también del guion junto a Elio Quiroga.
Leonor Watling, Pablo Derqui, Keren Hapuc, Jaime Ordoñez, Mauro Brussolo, Mariano Llorente, Manuel de Blas y Xoan Forneas encabezan el reparto de esta película. En palabras de la propia directora, el film «es una historia de terror gótico con las raíces hincadas en el Madrid más ancestral, el de los pasadizos y las arquitecturas perdidas. Y es que como yo bebo, como y respiro cine de miedo, es un sueño poder ambientar mi película en este submundo tan inquietante, siniestro y a la vez fascinante. Además, tener la confianza como productor del director de cine con quien más he disfrutado es todo un honor y, por supuesto, una gran responsabilidad«.
Anatema nos cuenta como Juana es una monja de fuerte carácter marcada por una experiencia paranormal. Un misterioso encargo del Arzobispado la llevará hasta una antigua iglesia del viejo Madrid, construida sobre un entramado de pasadizos de origen desconocido. Allí Juana descubrirá que en las entrañas del edificio hay algo anterior a las leyendas que se explican sobre aquel lugar. Y el Mal que allí habita ha empezado a infectar el exterior.
El rodaje de Anatema se extenderá a lo largo de seis semanas en localizaciones de Madrid y País Vasco. Se trata de una producción de Pokeepsie Films (Banijay Iberia) y Sony Pictures International Productions que cuenta con la participación de Amazon Prime Video. La película, aún sin fecha de estreno, será distribuida en cines por Sony Pictures Entertainment Iberia, y tras su paso por salas estará disponible en Prime Video.

Amenaza bajo el agua, tráiler de «The Black Demon»

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Convertido casi en un subgénero propio, los tiburones agresivos y la serie B ha dado durante los últimos tiempos una ingente cantidad de títulos que indagaban en dicha materia, The Black Demon, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone una nueva vuelta de tuerca sobre la temática. La película, dirigida por Adrian Grunberg (Get the Gringo 2012) y (Rambo: Last Blood 2019), se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 28 de abril.
The Black Demon nos sitúa en unas aparentes idílicas vacaciones de una familia que se convierten de forma repentina en una pesadilla cuando se topan con un feroz tiburón gigante que no se detendrá ante nada para proteger su territorio. Paul, el padre de familia, es un trabajador de una petrolera que tiene que inspeccionar una plataforma y aprovecha para ir con la familia de vacaciones, pero una vez allí la encuentra abandonada. Varados y bajo constantes ataques por parte del tiburón, Paul y su familia deberán encontrar la manera de volver a la costa con vida.
La película, con guion a cargo de Boise Esquerra, está protagonizada por Josh Lucas, Fernanda Urrejola, Julio Cedillo, Héctor Jiménez, Raúl Méndez, Venus Ariel, Jorge A. Jimenez, Edgar Flores, Omar Patin, Arturo Duvergé y Luis del Valle.

«Cœur fidèle» de Jean Epstein, que cumple 100 años, inaugurará la 22ª edición del Festival de Cine de Las Palmas

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La 22ª edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria arrancará el próximo 14 de abril, a las 21:00 horas, con la proyección de Cœur fidèle (The Faithful Heart, Francia, 1923, 87 min.), un buen ejemplo del cine de vanguardia francés que este 2023 cobrará especial protagonismo en el apartado «Camera Obscura».

El drama amoroso rodado por Jean Epstein llegará a la Sala Miller cien años después de su estreno y lo hará arropado por la música en directo del extraordinario bandoneonista argentino Santiago Cimadevilla quien, junto al Ensamble Camera Obscura, interpretará una pieza propia inspirada en el legado de Astor Piazzolla y Dino Saluzzi.

 Por tercer año consecutivo, «Camera Obscura» invitará a recorrer la historia del cine y la música. Y es que, tal y como recuerda en el texto del catálogo el director del FICLPG, Luis Miranda, “aunque el cine fuera mudo en sus primeras tres décadas de desarrollo, en público muy rara vez fue silente. La música estuvo a su lado (casi) desde el principio. Antes de que nadie se atreviera a suponer que el cinematógrafo tuviera algún futuro como arte, la música ya estaba junto a las imágenes, aunque fuera de ellas”.  

De este modo, diferentes artistas y formaciones volverán a acompañar el programa de la sección que, este año, contará con otros tres títulos que celebran su primer centenario o están a punto de hacerlo entre los que se encuentra El hombre mosca (Safety Last!). La comedia de Fred C. Newmeyer y Sam Taylor (EE.UU., 1923, 80 min.) protagonizada por Harold Lloyd recalará en el Festival junto a los acordes del compositor, contrabajista y bajista eléctrico Tana Santana.

La música del International Bach Festival Ensemble, un aliado del apartado de la cita cinematográfica desde su nacimiento, cerrará el ciclo de proyecciones acompañando a otros dos cortometrajes franceses de vanguardia: el surrealista Entr’acte de René Clair (1924, 25 min.) y el impresionista La souriante Madame Beudet (La sonriente Madame Beudet) de la cineasta Germaine Dulac (1923, 38 min.).

Al igual que en la pasada edición, «Camera Obscura» dará el pistoletazo de salida a una concurrida agenda con la reposición de una de las grandes obras maestras de principio del siglo pasado. Y es que, a pesar de no haber contado con el apoyo del público el año de su estreno, Cœur fidèle se ha consolidado como uno de los títulos de referencia del cine de vanguardia francés por su carácter innovador en cuanto al uso de los primeros planos.

La cinta fue una de las primeras en rodarse en Marsella, ciudad en cuyos fondos se adentró para narrar los entresijos de un triángulo amoroso formado por una huérfana de nombre Marie (Gina Manés), un trabajador portuario llamado Jean (Léon Mathot) y un matón apodado Petit Paul (Edmund Van Daële). Epstein tardó una noche en escribir el guion del que fue su tercer film y el primero de estilo dramático en solitario.

La copia restaurada por la Fundación Jérôme Seydoux-Pathé se proyectará la noche del 14 de abril con la música original compuesta para la ocasión por el bandoneonista argentino Santiago Cimadevilla, quien estará acompañado por el Ensamble Camera Obscura. La creación tomará como referencia la música de los compositores y bandoneonistas Astor Piazzolla y Dino Saluzzi.

Otras citas de «Camera Obscura»

«Camera Obscura» volverá a encender la pantalla de Miller tan solo un día después de la inauguración de la cita cinematográfica capitalina con una de las grandes comedias del cine mudo: El hombre mosca (Safety Last!). Dirigida por Fred C. Newmeyer y Sam Taylor, la película brindó una de las imágenes memorables de la historia del séptimo arte en la que se puede ver al protagonista, el icónico Harold Lloyd, colgado de las manecillas de un gran reloj de un rascacielos.

“Este ‘hombre mosca’, en principio, no es sino un empleado de grandes almacenes, sometido a una escalada de peripecias que ponen su integridad física en serio peligro, al tiempo que exaltan su respuesta positiva a lo que se espera del dinamismo americano: iniciativa, vigor juvenil y valentía -pese-a-todo”, explica el texto de Luis Miranda. La obra fue seleccionada en 1994 para su conservación en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos (National Film Registry).

Su reposición llegará a la capital grancanaria con una propuesta musical del compositor, contrabajista y bajista eléctrico Tana Santana, basada en la sonoridad de las primeras bandas de jazz y dixieland de los años 20. Para ello, se ha optado por una formación de quinteto que completarán Roberto Nieva al saxo alto David Xirgu a la batería, Xan Campos al piano y Jairo Cabrera a la trompeta, fliscornio, flauta y clarinete.

La última cita de «Camera Obscura» del 22º FICLPGC tendrá lugar el miércoles 19 de abril. La jornada volverá a pivotar en torno al cine de vanguardia francés a través de dos títulos de renombre: el cortometraje surrealista Entr’acte de René Clair y el mediometraje impresionista La souriante Madame Beudet de Germaine Dulac. El primero de estos celuloides de marcado carácter dadaísta y surrealista vio la luz en diciembre de 1924 en el Théâtre des Champs-Élysées de París, donde se proyectó durante el intermedio del ballet Relâche escrito por Francis Picabia con música de Erik Satie.

La composición del francés volverá a sonar en vivo en la capital gracias al IBF Ensemble, proyecto vinculado a «Camera Obscura» desde su nacimiento en 2021 y que, bajo la dirección de Humberto Armas, interpretará la obra durante el visionado de la copia restaurada por la Fundación Jérôme Seydoux-Pathé.

La agrupación grancanaria también acompañará la proyección de La souriante Madame Beudet, rodada por la directora considerada pionera del cine de vanguardia, Germaine Dulac. En esta ocasión, será una pieza con música de piano de Debussy, obras de Ravel, Gounod, Dora Pejačević y composiciones propias de Armas las que suenen mientras se reproduce el celuloide que cuenta la historia de una mujer inteligente atrapada en un matrimonio sin amor a quien da vida la actriz Germaine Dermoz. Una perspectiva rompedora y atrevida para la época que ha hecho que la película, que también cumple un siglo, sea considerada una de las primeras verdaderamente feministas.

Otros festivales

Tras inaugurar la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria con la proyección de Nosferatu, el apartado de cine mudo con música en directo revivió de nuevo el pasado septiembre al icónico vampiro en el Festival de Cine de Ourense (OUFF) con la proyección del gran éxito de Friedrich Wilhelm Murnau. Humberto Armas, director musical de la actividad, y la pianista Noemí Salomón, ambos del IBC Ensemble, fueron los encargados de coordinar para la cita el Ensemble OU Camera Obscura, formado para la ocasión con miembros de la Real Filarmónica de Galicia y la Orquesta Sinfónica de Galicia.

Selección Cámera Obscura

Cœur fidèle / The Faithful Heart, de Jean Epstein (Francia, 1923, 87 min.)
Safety Last! / El hombre mosca, de Fred C. Newmeyer y Sam Taylor (EE.UU., 1923, 80 min.)
Entr’acte, de René Clair (Francia, 1924, 25 min.)
La souriante Madame Beudet / La sonriente Madame Beudet, de Germaine Dulac (Francia, 1923, 38 min.)

«Godard Cinema»: El documental definitivo sobre el maestro de la Nouvelle Vague

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Filmin homenajea al cineasta Jean-Luc Godard, fallecido el pasado mes de septiembre, con el estreno de esta película que tuvo su premiere mundial en el Festival de Venecia.
Filmin estrena el jueves 30 de marzo, «Godard Cinema«, el documental definitivo sobre el director emblema de la Nouvelle Vague: Jean-Luc Godard, que murió mediante suicidio asistido el pasado mes de septiembre. Estrenada mundialmente en el Festival de Venecia, la película está dividida por capítulos que condensan las distintas etapas creativas de la carrera de Godard y ahonda en las contradicciones y matices de su fascinante figura más allá de los clichés del mito.

Con más de 140 películas a sus espaldas, Godard hizo de su filmografía una incansable búsqueda de los límites del cine. Él era cine, su quintaesencia. «Al final de la escapada» (1960), «Vivir su vida» (1962) o «Pierrot el loco» (1965) son solo algunas de las películas que le convirtieron en el referente, por antonomasia, del cine contemporáneo.

El director del documental, Cyril Leuthy, explica: «Lo motivador de Godard es que lo permitía todo: hacía que otros cineastas fueran libres para atreverse, para probar, para desafiar las costumbres. Hacer este documental significaba explorar a un artista que, más que nadie, tenía una fe real en su arte. Para navegar en este océano de ideas, películas y material de archivo, decidí dar voz a quienes le conocieron». Y es que «Godard Cinema» recoge el legado del cineasta con los testimonios de biógrafos, historiadores, críticos y artistas que trabajaron con él (Julie Delpy, Thierry Jousse, Macha Meril, Alain Bergala, Nathalie Bae, Hanna Schygulla, Marina Vlady y Romain Goupil, entre otros). Sigue: «La película se centra más en el hombre que en su cine; aunque cuando se trata de Godard, cine y vida se fusionan… terminan siendo una misma cosa«.

Godard Cinema
Título original: Godard seul le cinéma.
País y año de producción: Francia, 2022.
Duración: 100 minutos.
Dirección y guion: Cyril Leuthy.
Fotografía: Gertrude Baillot.
Música: Thomas Dappelo.
Intervienen: Julie Delpy, Thierry Jousse, Macha Meril, Alain Bergala, Nathalie Bae, Hanna Schygulla, Marina Vlady, Romain Goupil.

 

«Nocebo» review

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Una diseñadora de moda sufre una enfermedad misteriosa que desconcierta a sus médicos y frustra a su esposo, hasta que llega la ayuda de un cuidador filipino, que usa la curación popular tradicional para revelar una verdad horrible.
Varias fueron las propuestas presentes el pasado año en el festival de Sitges que de alguna manera siguieron una serie de pautas genéricas hoy en día percibidas como preestablecidas, en una época en que el género de terror está plagado de remakes y secuelas algunas de ellas intentaron buscar ciertos resquicios, y plantear una cierta originalidad, en relación a un material aparentemente ya transitado.
A tal respecto muchos fueron los relatos sobre brujería presentes en Sitges 2022, uno de ellos, Nocebo, parte de dichas coordenadas genéricas a la hora de indagar en una historia de venganza sobrenatural con reminiscencias al folk horror, narrada a modo de thriller psicológico con ciertos apuntes de denuncia social. Su director, Lorcan Finnegan, es un cineasta al que se le intuyen interesantes maneras a la hora de articular conceptos de género fantástico, algo visible tanto en su estimulante debut, el terror ecológico Without Name (2016), como en ese elaborado juguete distópico que era Vivarium (2019), película que bebía de fuentes tan reconocibles como The Twilight Zone, Tales of the Unexpected o Black Mirror.
Nocebo, trabajo menos satisfactorio que las dos películas anteriores, conserva algún que otro apunte sugerente, especialmente el que queda distante al género, con relación a la apropiación cultural que alberga una sociedad consumista, en ese sentido a través de un dialogo sociopolítico con elementos de suspense sobrenatural, posiblemente la mayor virtud de la película resida en la indagación, algo tímida, del fantástico a través de lo social, y lo más importante, sin difuminar, o dejar en un segundo lugar el primer concepto, algo bastante habitual en nichos genéricos de la actualidad.
Lástima que Lorcan Finnegan sea un autor que a veces dé la sensación de estar demasiado pendiente de un estilo, más atento al cómo que al qué; Nocebo, pese a que intenta ser algo compleja en ese sentido no es una excepción, pues la ausencia de una narrativa entendida como sólida, por culpa en gran parte de un flashback estructurado de la peor forma posible, un déficit paliado de forma algo puntual por su decidida adscripción al drama de terror que expone los complejos estados psicológicos por los que atraviesan sus tortuados personajes.

Valoración 0/5:2

 

Friccionar la realidad, tráiler de «Roleless»

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Fue una de las sorpresas más estimulantes vistas en la sección Nuevos Directores del pasado Festival de San Sebastián. El debut tras las cámaras a tres manos, Masahiko Sato, Yutaro Seki y Hirase Kentaro, titulado Roleless (Miyamatsu to Yamashita), cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, nos presenta un relato pausado e inteligente en lo concerniente a su utilización de la elipsis, colocando al espectador en un continuo desconcierto a la hora de discernir qué es realidad y qué es ficción. Como actor principal nos encontramos con Teruyuki Kagawa, uno de los rostros más perturbadores que ha dado el cine nipón en estos últimos años, y del cual Kiyoshi Kurosawa ha sabido sacar un generoso provecho en algunas de sus películas.
Roleless nos cuenta como Miyamatsu, que trabaja como operario en un teleférico, es también extra de cine. A través de sus diversos personajes ha estado viviendo la vida de un extraño, interpretando solo ese papel. Finalmente, se encuentra cara a cara con su propia vida, aquella que había perdido.
La película, con guion a cargo de los propios Masahiko Sato, Yutaro Seki y Hirase Kentaro, está protagonizada por Teruyuki Kagawa, Noriko Nakagoshi y Kanji Tsuda.

Alain Resnais. Los entresijos de la memoria

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La memoria, la guerra, el pasado, el amor y la muerte son los temas recurrentes en la filmografía de Alain Resnais. Aunque su nombre se asocia a la nueva ola del cine francés surgido a finales de la década de los años cincuenta, su trayectoria representa un tiempo y un espacio único que lo desmarcan de otros cineastas de ese movimiento como Jean-Luc Godard, François Truffaut, Agnès Varda, Éric Rohmer, Claude Chabrol, Chris Marker o Jacques Rivette. En él se dan a un tiempo la inquietud y la sensibilidad de un director de cine, un escritor, un escenógrafo, un músico y un pintor, conformando un corpus de películas en las que el montaje y la fotografía sugieren fascinantes asociaciones entre personajes y escenarios.
Noche y niebla, Hiroshima mon amour, El año pasado en Marienbad, Muriel, La guerra ha terminado, Providence, Asuntos privados en lugares públicos y Las malas hierbas son algunos de los títulos más destacados de una carrera que se prolongó durante seis décadas. Distinguido en varias ocasiones en los festivales de Cannes y Venecia, y asiduo ganador de los premios Cesar, Resnais gozó de un notable éxito de crítica y público que sin embargo no adocenó las formas experimentales de su cine. Desde territorios que lindan con el sueño y la irrealidad, sus películas nos hablan con pasión de las heridas que deja el tiempo, alfa y omega de la vida y el cine.
Alain Resnais. Los entresijos de la memoria celebra el centenario del nacimiento de este director irrepetible con una monografía, la primera de estas características publicada en español, que reivindica la vigencia de una figura esencial para entender no solo una época brillante del cine francés, sino también las claves estilísticas de un lenguaje narrativo que impregnó buena parte del cine de autor producido durante la segunda mitad del siglo XX. Y lo hace de la mano de un grupo de escritores que aprecian su legado desde una amplia comprensión del hecho cinematográfico; porque Resnais hay muchos, aunque todos se refugien en una sola mirada.
Contenidos
Prólogo. Alain Resnais en el presente, en movimiento
Jean-Michel Frodon
Capítulo 1. Cuando rodar es una aclaración
Quim Casas
Capítulo 2. Las claves de un estilo
Ignacio Pablo Rico
Capítulo 3. El cine y la memoria: escenas de la vida mental
Carlos Losilla
Capítulo 4. El orden de la realidad, el desorden de lo imaginario: Alain Resnais y la cultura popular
Elisa McCausland y Diego Salgado
Capítulo 5. La mirada del documentalista
Carlos Tejeda
Capítulo 6. La representación teatral: la realidad como escenario
Israel Paredes
Capítulo 7. Músicas, musicales y otras partituras
Carlos Tejeda
Capítulo 8. Las maniobras del amor
Raúl Álvarez
Capítulo 9. La guerra, la muerte y otras carambolas
José Ángel Barrueco
Capítulo 10. Enfoques, desenfoques y reenfoques: Las narrativas de las emociones y otras construcciones ilusorias
Alexander Zárate
Coordinado por: Raúl Álvarez, Israel Paredes y Carlos Tejeda.
Autor:Raúl Álvarez, José Ángel Barrueco, Quim Casas, Jean-Michel Frodon, Carlos Losilla, Elisa McCausland, Israel Paredes, Ignacio Pablo Rico, Diego Salgado, Carlos Tejeda, Alexander Zárate. Editorial: SOLARIS, Textos de cine. Páginas: 202

 

El relato especulativo, tráiler para «LOLA» de Andrew Legge

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Aprovechando su estreno comercial en Reino Unido este próximo 7 de abril acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final, de página junto a su póster oficial, de la ópera prima del realizador irlandés Andrew Legge LOLA. Película, presente dentro de la sección Noves Visions en el pasado Festival de Sitges, que se adentra  en la ciencia ficción especulativa a través de  ligeros retazos de steampunk formulados mediante el found footage.
LOLA nos sitúa en la Inglaterra de 1941, las hermanas Thomasina y Martha han creado una máquina que puede interceptar transmisiones del futuro. Este delicioso aparato les permite explorar su punk interno una generación antes de que el movimiento surja. Pero con la Segunda Guerra Mundial intensificándose, las hermanas deciden usar la máquina como arma de inteligencia, con consecuencias que alteran el mundo.
La película, con guion a cargo del propio Andrew Legge junto a Angeli Macfarlane, está protagonizada por Emma Appleton, Stefanie Martini, Rory Fleck-Byrne, Hugh O’Conor, Aaron Monaghan, Ayvianna Snow, Philip Condron y Shaun Boylan.

El 22 Festival de Cine de Las Palmas, rinde tributo a El espíritu de la colmena de Víctor Erice y homenajea a Terence Davies

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El espíritu de la colmena celebra en 2023 el 50 aniversario de su estreno y la recepción del máximo reconocimiento del Festival de Cine de San Sebastián, la Concha de Oro de 1973.

Las Palmas de Gran Canaria ha querido rendir tributo a esta efeméride y subrayar el valor de esta obra maestra del cine con un ciclo que gira en torno al clásico y que ha sido comisariado por el crítico y programador Jaime Pena y que, entre otras joyas, contempla la proyección de El largo día acaba con la presencia de su director Terence Davies.

Asimismo, el cartel de la vigésima segunda edición de la cita grancanaria celebra el aniversario y muestra, en una de sus versiones, a una de las protagonistas de la película, Ana, en la misma actitud que los tres monos sabios, así como al monstruo que la fascina, Frankenstein de James Whale, triplicado y en idéntica actitud en la otra adaptación de la imagen del Festival.
«Ecos de un espíritu. 50 años de El espíritu de la colmena» es el título bajo el que el gallego Jaime Pena presenta 10 obras conectadas, de una u otra manera, con la de Víctor Erice, “una película fundamental”, según el director del Festival, un referente en el cine como estado de arte que, en palabras de Luis Miranda, “tiene una gran capacidad de evocación, conecta con cualquier tipo de público en cualquier lugar del mundo y ha ejercido una influencia real sobre el cine de los últimos 50 años”.
La infancia, la poesía, el cine y la fascinación que provoca son algunos de los nexos de unión en la selección propuesta, una colección que contempla grandes joyas del cine, empezando por la propia película de Erice y la mencionada El largo día acaba (The Long Day Closes) de Terence Davies (Reino Unido, 1992, 85 min.), además de Le printemps de Marcel Hanoun (Francia, 1971, 82 min.); El viajero (Mossafer) de Abas Kiarostami (Irán, 1974, 84 min.); Cría Cuervos de Carlos Saura (España, 1976, 110 min.); Los motivos de Berta de José Luis Guerín (España, 1983, 85 min.); La sangre (O Sangue) de Pedro Costa (Portugal, 1989, 99 min.); Ponette de Jacques Doillon (Francia, 1996, 90 min.); Ya viene, aguanta, riégueme, mátame del Colectivo Los Hijos (España, 2009, 8 min.); Verano 1993 de Carla Simón (España, 2017, 96 min) y Train Again de Peter Tscherkassky (Austria, 2021, 20 min.).

Retrospectiva integral de la obra de Terence Davies

La confirmación de asistencia de Terence Davies, a propósito del tributo a la creación que considera “obra maestra del cine mundial”, será celebrada por el equipo de programación del Festival con una retrospectiva de la obra completa del cineasta británico.

En total una decena de títulos de un cine que, tal y como señaló Luis Miranda, tiene “un aliento clásico, lírico y muy personal. De una elegancia formal y narrativa que a penas tiene parangón en el cine contemporáneo”.

The Terence Davies Thrilogie: Children (1976, 47 min.); Madonna and Child (1980, 30 min.); Death and Transfiguration (1983)
Distant Voices, Still Lives (1988)
The Long Day Closes (1992)
The Neon Bible (1995)
The House of Mirth / La casa de la alegría (2000)
Of Time and the City (2008)
The Deep Blue Sea (2011)
Sunset Song (2015)
A Quiet Passion / Historia de una pasión (2016)
Benediction (2021)

El teléfono inteligente, primer tráiler para «BlackBerry» de Matt Johnson

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Tras darse a conocer hace unos años dentro del panorama del cine independiente norteamericano con films tan interesantes como The Dirties (2013) o Operation Avalanche (2016) Matt Johnson se adentra en su tercer trabajo tras las cámaras en un proyecto de una mayor envergadura comercial como es BlackBerry, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Basada en el libro de Jacquie McNish titulado Losing the Signal: The Untold Story Behind the Extraordinary Rise and Spectacular Fall of BlackBerry el film de Matt Johnson se estrenará comercialmente en Estados Unido y Canadá en próximo 12 de mayo, en España aún sin fecha de salida lo hará de la mano de Diamonds Films.
En BlackBerry vemos como dos emprendedores, el innovador Mike Lazaridis y el despiadado empresario Jim Balsillie, unieron sus fuerzas en una empresa que se convertiría en un éxito mundial en poco más de una década. El dispositivo que uno de ellos inventó y el otro vendió, BlackBerry, fue un adictivo teléfono móvil que cambió la forma en la que el mundo trabajaba, jugaba y se comunicaba. Pero justo cuando BlackBerry alcanzaba nuevas cimas, también empezó a perderse entre la niebla de las guerras de los teléfonos inteligentes, la indecisión de sus directivos y las distracciones externas, algo que provocó la quiebra de una de las empresas de mayor éxito en la historia del mundo de la tecnología y los negocios.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Matt Johnson junto a Matthew Miller, está protagonizada por Jay Baruchel, Glenn Howerton, Matt Johnson, Cary Elwes, Saul Rubinek, Rich Sommer, Martin Donovan, Michael Ironside, SungWon Cho, Michelle Giroux, Laura Cilevitz, Elena Juatco, Mark Critch, Ethan Eng y Eric Osborne.

Frederick Wiseman, padre del documental moderno, aterriza en Filmin

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A partir del 24 de marzo, los suscriptores de Filmin tendrán acceso a 17 de sus largometrajes, muchos de ellos inéditos hasta ahora en España.
Tras las colecciones dedicadas a cineastas como Lars von Trier, David Lynch o Chantal Akerman, el próximo viernes 24 de marzo llega el turno de Frederick Wiseman, quien con más de 40 películas en su filmografía, está considerado como el padre del documental americano moderno.

La obra de Wiseman se ha dedicado a radiografiar con exhaustividad algunas de las instituciones más relevantes del sistema estadounidense. El sistema de salud fue puesto en tela de juicio con su ópera prima, «Titicut Follies» (1967), prohibida en algunos Estados por mostrar los abusos que sufrían los internos en un hospital psiquiátrico de Massachussets; o en «Hospital» (1970), una panorámica del Metropolitano, uno de los hospitales más grandes de Nueva York. La policía de Kansas en «Law and Order» (1969), el sistema de protección a mujeres víctimas de maltrato en «Domestic Violence» (2001) y su secuela (2002); el Ayuntamiento de Boston en «City Hall» (2020), o la Biblioteca Pública de Nueva York en «Ex Libris» (2017) son otras de las instituciones que Wiseman, ganador del Óscar Honorífico en 2017, ha retratado con su incesante cámara.

«Parto de la asunción de que los espectadores son igual de inteligentes que yo», afirmaba Wiseman en una entrevista con El País en 2018. El director, que llegó a ejercer como profesor de Derecho y reconoce que no ve ni películas ni series, y que no tiene televisor en su casa, afirma que la mirada política de sus obras responde a una máxima: «Mi trabajo es encontrar la forma narrativa adecuada de expresar las experiencias que he tenido filmando y preparando la película. Hago mis películas pensando en mis deseos e intereses». Se declara políticamente «marxista» por su admiración hacia los hermanos Marx («Además de tristes y trágicos, los humanos somos y hacemos cosas absurdas y humorísticas», afirma), y considera que ninguna ideología puede representar la variedad y complejidad del comportamiento humano.

LAS PELÍCULAS DEL CICLO:
– «Titicut Follies» (1967)
– «Law and Order» (1969)
– «Hospital» (1970)
– «Essene» (1972)
– «Primate» (1974)
– «Model» (1980)
– «The Games of Love» (1996)
– «Domestic Violence» (2001)
– «Domestic Violence 2» (2002)
– «The Last Letter» (2002)
– «La danse, The Paris Opera Ballet» (2009)
– «National Gallery» (2013)
– «At Berkeley» (2013)
– «In Jackson Heights» (2015)
– «Monrovia, Indiana» (2018)
– «Ex Libris» (2017)
– «City Hall» (2020)

Una historia de autoaceptación, tráiler y póster de «Blue Jean»

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Tras su buen recibimiento el pasado año en festivales como la Mostra de Venecia o Sevilla acaba de ver la luz el tráiler subtitulado al castellano, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut tras las cámaras de Georgia Oakley Blue Jean. Relato sobre la identidad sexual que se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Surtsey Films el próximo 5 de abril.
Blue Jean nos sitúa en la Inglaterra, 1988. Con Margaret Thatcher al poder, se promulga la famosa Sección 28, una ley claramente homofóbica (apenas derogada en 2003) que prohibía “promover la homosexualidad”. Con este hostil panorama Jean, profesora de gimnasia, se siente obligada a mantener su sexualidad es un secreto. Un ocultamiento que le enfrenta a su novia Viv, que vive abiertamente como lesbiana, y que estallará en paranoia cuando una de las alumnas de Jean empiece a frecuentar uno de los bares de ambiente a los que va la pareja.
La película, con guion a cargo de la propia Georgia Oakley, está protagonizada por Rosy McEwen, Kerrie Hayes, Lydia Page, Lucy Halliday, Stacy Abalogun, Deka Walmsley, Gavin Kitchen, Farrah Cave, Amy Booth-Steel, Lainey Shaw, Aoife Kennan y Scott Turnbull.

Pierre Clémenti, protagonista del documento del mes de ‘Artxiboa’

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‘Artxiboa’, la página web que permite la consulta libre a la ciudadanía y a especialistas de los 70 años de historia del Festival de San Sebastián, tiene como propósito generar un archivo vivo que funcione como un espacio de reflexión y discusión en torno al pasado, el presente y el futuro del Festival abierto a diálogos críticos con el pensamiento, la investigación y la creación contemporánea. Para ello, desde el inicio del proyecto se han definido diferentes focos de investigación y, además, todos los meses el equipo de ‘Artxiboa’ escoge el documento del mes, una de las colecciones digitales a partir de las cuales se puede bucear en el archivo histórico del Festival, como los diarios, los carteles o las fotografías.
En el caso del documento del mes se trata de ofrecer pistas sobre los fondos del Festival a partir de diferentes objetos del archivo: en diciembre, coincidiendo con la inauguración de ‘Artxiboa’ se puso en circulación la autorización de un jovencísimo Pedro Almodóvar que, en 1980, daba permiso para proyectar Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón en distintas localidades del País Vasco y Navarra a través de la Comisión Barrios y Pueblos; en enero, se rescató el material de cartelería más antiguo conservado en el archivo del Festival: el póster de la segunda semana de formación cinematográfica celebrada en 1955, diseñado por el humorista, escritor y cineasta José María González Castrillo ‘Chumy Chúmez’; y en febrero, en un guiño a la celebración de la Berlinale, se difundía la acreditación para el festival de Berlín de Pilar Olascoaga, secretaria general del Festival y una de las personalidades clave del certamen. En marzo, el documento del mes que se publica hoy tiene como protagonista al actor y director francés Pierre Clémenti que, en 1979, fue invitado a participar en la sección Nuevos Realizadores del Festival con su película New Old. El rastro en el archivo de la visita del actor de Belle de jour (Bella de día, Luis Buñuel, 1967), que trabajó también a las órdenes de Visconti, Pasolini y Bertolucci, es fecundo. Entre sus documentos, figura la emblemática imagen de su entrada en el teatro Victoria Eugenia del brazo de Ocaña.

Vídeo de Kutxa Fundazioa
Precisamente, la fotografía de Clémenti y Ocaña es una de las dos imágenes escogidas -de las cerca de 60.000 posibles- para explicar en un vídeo la colaboración entre el Festival y Kutxa Fundazioa que ha permitido recuperar, conservar, catalogar y difundir los fondos del Festival y de Fototeka, coincidiendo con su 50 aniversario, y ponerlo a disposición tanto de la ciudadanía como de especialistas. En el documento audiovisual, las voces de Ane Abalde, directora de Arte y Patrimonio de Kutxa Fundazioa; Maialen Beloki, subdirectora del Festival de San Sebastián; Pablo La Parra, investigador principal del proyecto Zinemaldia 70: todas las historias posibles; el fotógrafo Juantxo Egaña; las conservadoras-restauradoras Anna Ferrer, Lorena Soria y Andrea Sánchez y el técnico de digitalización Niko Iturralde explican tanto las dificultades técnicas como la trascendencia política, social y artística que entraña ‘Artxiboa’.

 

Vampiros en las sombras

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«Vampiros en las sombras» aborda tres obras independientes unidas por su temática vampírica y el sello inconfundible de los realizadores neozelandeses Taika Waititi y Jemaine Clement, englobadas bajo el título “Lo que hacemos en las sombras». Su autora, Pilar Pedraza, ahonda en las fuentes que inspiran la franquicia profundizando en su naturaleza irreverente y su irresistible combinación entre horror y comedia.
El libro que tienes en las manos, desmonta cuidadosamente, sin romperlas, las tres piezas del conjunto: el cortometraje, la película y las cuatro temporadas de la serie estrenadas hasta el momento, a la vez que profundiza en las claves de su humor, su encanto y su originalidad, proporciona informaciones valiosas para comprender y disfrutar el conjunto.
Autor: Pilar Pedraza, Ilustraciones: Miki Edge. Editorial: Hermenaute, Páginas: 288

Primer tráiler para el thriller de ciencia-ficción «Simulant»

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Un temario bastante recurrente en estos últimos años dentro de la ciencia ficción en el cine ha sido el referido a la inteligencia artificial y la sustitución de los humanos por androides. Como bien indica su título la producción canadiense Simulant, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, indaga en dicho universo. La película, dirigida por April Mullen (Dead Before Dawn 3D 2012, Wander 2020), tiene previsto un estreno en cines y VOD de Estados Unidos para el próximo 2 de junio.
Simulant nos sitúa en un mundo en donde los androides y los humanos coexistiendo. En el vemos como Faye, quien ya desconectó a su difunto esposo, ahora no se atreve a hacer lo mismo con Evan, su contraparte androide. En lugar de desactivar a Evan, Faye lo prepara para que viva ilegalmente por su cuenta. Mientras tanto, conoce a Casey, un brillante programador que lo ayuda a volverse más humano para recuperar a Faye. Pero sin el conocimiento de Evan, su nuevo amigo es buscado para ser interrogado por un determinado agente de Cumplimiento de la Inteligencia Artificial. Evan tendrá que ganarse el corazón de Faye antes de ser descubierto y perderlo todo.
La película, con guion a cargo de Ryan Christopher Churchill, está protagonizada por Robbie Amell, Jordana Brewster, Sam Worthington, Alicia Sanz, Simu Liu, Samantha Helt, Vienna Hehir, Emmanuel Kabongo, Christine L. Nguyen, Moni Ogunsuyi, Patrick Stevenson, Tremaine Nelson, Keethan Krish, Mayko Nguyen, Masa Lizdek y Mercedes Leggett.

Ciclo Circulo bellas Artes. La noche bizarra. Lucio Fulci: Poéticas del terror

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Cada sábado noche, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.
El primer ciclo de la noche bizarra se centra en la obra del director italiano Lucio Fulci (1927-1996), cineasta fundamental del cine fantástico de los años 70-80 que, pese a influir en directores como Quentin Tarantino o James Wan y disfrutar de cierto reconocimiento entre los fans del género, aún no ha sido suficientemente reivindicado. Apodado el “padrino del gore” por la explícita y violenta brutalidad de sus películas, su cine está también plagado de visiones poéticas y alucinaciones pesadillescas. El ciclo incluye las tres películas que conforman la llamada “Trilogía de las puertas del infierno” (El más allá, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes, Aquella casa al lado del cementerio), en las que zombies y el gore más sangriento y visceral se funden con una atmósfera llena de surrealismo y poesía decadente. El ciclo se clausura con Angustia de silencio, magnífico giallo rural con tintes de folk horror considerado como una de las obras cumbres del género. Todas las proyecciones se realizan desde nuevos masters 2K/4K restaurados digitalmente a partir de los negativos originales. [La noche del 18 presentación a cargo de Alberto Sedano, comisario de “La noche bizarra”]

Películas del ciclo

El más allá

Lucio Fulci, Italia, 1981, 1h 27min, VOSE [Archivo digital]
+ presentación de Alberto Sedano (comisario de La noche bizarra)
Definida como “una de las películas más terroríficas que jamás he visto” por el guionista de La matanza de Texas, El más allá se considera la obra maestra de Lucio Fulci y una de las mejores películas de zombies de todos los tiempos. Una joven que hereda un viejo hotel en Louisiana pronto descubrirá que fue construido sobre una de las siete puertas del infierno, de la que emergerán toda clase de horrores. Un espeluznante viaje alucinatorio al universo Fulci, plagado de sangre y vísceras.
Sesiones:
Miércoles 18.03.23 · 22:00

Miedo en la ciudad de los muertos vivientes

Lucio Fulci, Italia, 1980, 1h 33 min VOSE [Archivo digital]
Una médium participa en una sesión de espiritismo en la que tiene una misteriosa visión de un sacerdote ahorcándose en el cementerio de una iglesia. Un reportero descubrirá que el suicidio del sacerdote ha abierto una puerta al infierno y debe ser sellada antes del Día de todos los santos o, de lo contrario, los muertos se apoderarán de la humanidad. Fulci renuncia a la lógica narrativa convencional en favor de un onirismo delirante que hace hincapié en la atmósfera, el surrealismo y los efectos prácticos gore extremadamente explícitos.
Sesiones:
Sábado 25.03.23 · 22:00

Aquella casa al lado del cementerio

Lucio Fulci, Italia, 1981, 1h 26min, VOSE [Archivo digital]
Una joven familia se muda de su pequeño apartamento de Nueva York a una nueva y espaciosa casa en Nueva Inglaterra. Pero no se trata de una casa de campo cualquiera: el anterior propietario era el trastornado Dr. Freudstein, cuyos monstruosos experimentos con seres humanos han dejado un legado de sangriento caos. Ahora, alguien -o algo- está vivo en el sótano, y el dulce hogar está a punto de convertirse en un horrible infierno en la tierra.
Sesiones:
Sábado 01.04.23 · 22:00

 

Angustia de silencio

Lucio Fulci, Italia, 1972, 1h 41min, VOSE [Archivo digital] 08.04.23
Una de las obras cumbres del Giallo, género popularizado por Dario Argento que acapararía las carteleras de Italia (y buena parte del mundo) en los años 70. En este caso, el habitual y sofisticado escenario urbano se cambia por un pequeño pueblo de Sicilia plagado de supersticiones, en el que un detective deberá encontrar al culpable de una serie de asesinatos de niños. Una mujer a la que el pueblo acusa de bruja será la principal sospechosa en esta perturbadora y violenta película con aroma a folk horror, en la que Fulci ahonda en la influencia de la Iglesia Católica en la sociedad italiana.
Sesiones:
Sábado 08.04.23 · 22:00

Envejecer en el mañana, tráiler en castellano de «Plan 75»

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Plan 75 supone el debut en solitario de Chie Hayakawa en la dirección, tras varios cortometrajes y su colaboración en la película Ten Years Japan, una antología de cinco cortometrajes de diferentes directores donde se narraban historias costumbristas de la Japón contemporánea. La película, cuyo tráiler en castellano podéis ver a final de página junto a su póster oficial, tras haber sido elegida para representar a Japón en los Premios Oscar, llegará a los cines de nuestro país de la mano de Adso Films el próximo 5 de abril previo paso por el D’A Film Fest.
Plan 75 nos sitúa en Japón, en un futuro cercano, el envejecimiento de la población se acelera. El gobierno estima que, a partir de cierta edad, los mayores se convierten en una carga inútil para la sociedad e implementa el “Plan 75”. Dicho programa propone a los ancianos un acompañamiento logístico y financiero para poner fin a su vida. Una anciana cuyos medios de subsistencia se están desvaneciendo, un pragmático vendedor del Plan 75 y un joven trabajador filipino se enfrentan a la toma de decisión entre la vida y la muerte.
La película, con guion a cargo de la propia Chie Hayakawa, está protagonizada por Chieko Baisho, Hayato Isomura, Stefanie Arianne, Yumi Kawai, Taka Takao, Hisako Ôkata, Kazuyoshi Kushida, Yûsaku Mori, Yôko Yano, Mari Nakayama, Motomi Makiguchi, Koshirô Asami y Hiroaki Kawatsure.

El Festival de Málaga acogerá el estreno mundial de las cintas peruanas «Diógenes» y «El caso Monroy»

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El país andino, invitado de honor, participará con cuatro largometrajes
en Sección Oficial y otros tres en el ciclo Focus Perú.
La campaña ‘El cine nos representa’ llevará hasta el certamen andaluz a más de 20 profesionales que participarán en secciones de MAFIZ como Málaga Talent, Hack MAFIZ y Warmi Lab, una residencia para mujeres cineastas de diversas regiones del Perú.
Perú será el país invitado de honor del 26 Festival de Málaga, donde será el protagonista del Latin American Focus de MAFIZ (Málaga Festival Industry Zone), un espacio para dar a conocer la cinematografía peruana contemporánea, el talento que hace posible su crecimiento y las posibilidades de colaboración con su industria y de rodar en sus localizaciones.

A través de la campaña EL CINE NOS REPRESENTA el país andino presentará lo mejor de su producción cinematográfica actual con dos estrenos mundiales y películas programadas tanto en Sección Oficial (Diógenes, El caso Monroy, Hipocampo) como en el ciclo Focus Perú (El corazón de la luna, Invasión Drag, Un mundo para Julius). Se trata de propuestas que abordan cuestiones como  la realidad LGTBQ+, la gastronomía, las lenguas indígenas, el valor de la tierra o  la denuncia social a través de la ficción, el documental y la ciencia ficción.

Entre el 13 y el 17 de marzo, visitará el certamen andaluz una delegación encabezada por la Ministra de Cultura del Perú, Leslie Carol Urteaga Peña; la responsable de la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios (DAFO); Erika Chávez Huamán; y la jefa de la Oficina de Estrategia de Imagen y Marca País; Carmen Julia García. Junto a ellas viajarán trabajadores del cine y del audiovisual, autoridades y representantes institucionales para establecer relaciones profesionales, artísticas, comerciales, y fomentar las oportunidades de colaboración y coproducción. Asimismo, se espera la presencia en Málaga de cineastas como Leonardo Barbuy, Jose Mández, Delia Ackerman, Víctor César Ybazeta Guerra, Aldo Salvini, Alberto Castro o  Rossana Díaz Costa, así como las directoras programadas en la sección Warmi Llab.

CINE PERUANO EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA
En ediciones anteriores de este festival han sido reconocidos algunos de los cineastas más importantes del cine peruano. Es el caso de Claudia Llosa, ganadora del Oso de oro en Berlín con La Teta Asustada, que en 2005 ganó en este festival  el premio a Mejor Película latinoamericana por Madeinusa. O del ganador del Goya Javier Corcuera, cuyo film Invierno en Bagdad fue reconocido como Mejor Película Documental.

El Festival de Málaga es el escenario elegido para presentar dos estrenos mundiales de la reciente cinematografía peruana. En primer lugar, DIÓGENES (2023), la ópera prima de Leonardo Barbuy, una coproducción con Colombia y Francia, es una historia sobre una búsqueda del pasado en plenos Andes peruanos, se podrá ver, dentro de la Sección Oficial Zonacine, el martes 14 en la Sala Albéniz en dos sesiones: a las 16:00 y a las 22.15.

También tendrá su premiere internacional EL CASO MONROY (2023) tercer largometraje de Josué Méndez, primer cineasta peruano en participar en el programa Work In Progress del Festival de Cannes. Programada en Sección Oficial Fuera de Competencia, esta coproducción con Argentina está  inspirada en las crónicas del libro Día de visita de Marco Avilés. Una historia sobre la corrupción judicial que se podrá ver el jueves 16 a las 20:45 en Cine Albéniz, y el sábado 18 a las 17:00 en Sala María Victoria Atencia.

Además, participará en Sección Oficial Hatun Phaqcha, Tierra Sana (2021) de Delia Ackerman, un documental sobre la paradoja que se vive en Perú, un país productor de alimentos nutritivos que, sin embargo, sufre de malnutrición y otras enfermedades ligadas a una dieta inadecuada. Se proyectará el sábado 11 a las 16:00 en Teatro Echegaray.

Víctor César Ybazeta Guerra presentará HIPOCAMPO (2022), donde además de la dirección firma el guion, la fotografía y el montaje. Este cortometraje documental que retrata  un viaje sensorial hacia el futuro de Paita se ha programado el miércoles 15 a las 19:30 en Teatro Echegaray.

Hatun Phaqcha de Delia Ackerman.

Otras tres producciones participarán en Latin American Focus, un encuentro de coproducción con Latinoamérica en el que un país de este territorio se convierte en protagonista: El corazón de la luna, Invasión Drag y Un mundo para Julius. Tras Costa Rica en 2022, Perú es el país elegido en 2023 para centrar esta iniciativa que nace con la vocación de ser punto de encuentro entre productores latinoamericanos y distribuidores e inversores de España y resto de Europa con el fin de fomentar la coproducción de proyectos latinoamericanos destinados al mercado internacional.

EL CORAZÓN DE LA LUNA (2021) de Aldo Salvini es una fábula de ciencia ficción que narra la búsqueda de la felicidad de una anciana. La película fue seleccionada por el Ministerio de Cultura de Perú para competir en la 95.ª edición de los Premios Óscar en la categoría Mejor Película Internacional. Se proyectará el miércoles 15 a las 16:15 en Cine Albéniz.
Dirigida y escrita por Rossana Díaz Costa a partir de la novela homónima de Alfredo Bryce Echenique, UN MUNDO PARA JULIUS (2021) es la historia del desencanto y la pérdida de la inocencia de un niño de clase alta. Esta coproducción con España y Argentina se ha programado el viernes 17 a las 18:45 en Cine Albéniz. 

Con INVASIÓN DRAG (2020) Alberto Castro inició su trilogía de películas de temática LGBT+. Este documental filmado en 2017 registra la llegada a Lima de los integrantes del famoso programa internacional RuPaul Drag Race. Seleccionado en el short list de los Premios Platino del Cine Iberoamericano a Mejor Documental,  se podrá ver el viernes 17 a las 17:00 en Cine Albéniz.

El corazón de la luna de Aldo Salvini

PERÚ, PROTAGONISTA DE MAFIZ
Una delegación oficial  seleccionada por el Festival visitará las diferentes secciones del MAFIZ con sus proyectos en desarrollo y postproducción, y participarán en espacios formativos como el Málaga Talent, el Hack MAFIZ y el Warmi Lab, una residencia para mujeres cineastas de diversas regiones del Perú.

Los proyectos 4EBER de Ximena Valdivia (Montaña Rosa Films), Gloria de Sairah, Josefina Choque (Llamkaq Warm Cine), La otra orilla de Francesca Canepa (Splitfilms), Misión Kipi de Sonaly Tuesta (Ayni Producciones) se presentarán en MAFF; Aida de Alejandra Gómez (Conteo Regresivo Films) en MAFF Women Screen Industry; y Estados generales de Mauricio Freyre (Estudio Rien, Tasio) y Punku de Juan Daniel Fernández Molero (Tiempo Libre) en Málaga WIP Iberoamérica. Por su parte, Katya Zevallos Ynmenso participará en Hack Málaga.

Asimismo, entre el 14 y el 16 de marzo se presentarán cuatro proyectos de directoras peruanas jóvenes bajo el sello Warmi Lab: Cabeza de Toro de Kandy Nataly Aures; Catorce de María Jimena Calderón; Ukhu de Sadeli Nina Contreras; y Watukamunayki, de Gladis Flórez. Con este laboratorio, cuyo significado es «mujer» en lengua quechua, se pone en marcha una iniciativa de formación de mujeres jóvenes cineastas que tendrá continuidad en próximas ediciones del Festival de Málaga.

Perú cerrará su participación en el Festival de Málaga el 15 de marzo, con una serie de reuniones y actividades profesionales para crear un punto de encuentro e intercambio entre los profesionales peruanos y la industria cinematográfica nacional e internacional. Esta jornada culminará con la entrega de la Biznaga de Plata, de manos de Francisco de la Torre, alcalde de Málaga.

Una noche en la comisaria, tráiler para la cinta de terror «Malum»

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El estadounidense Anthony DiBlasi es uno de esos realizadores afines al cine de género a través de un buen número de películas con un muy marcado tono de serie B. Su último trabajo tras las cámaras Malum, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, que viene a ser una especie de nueva versión de su anterior Last Shift (2014), tiene previsto su estreno en plataformas de Estados Unidos para el próximo 31 de marzo.
En Malum vemos como una oficial de policía novata acepta voluntariamente el último turno en una estación de policía recién clausurada en un intento por descubrir la misteriosa conexión entre la muerte de su padre y un oscuro culto.
La película, con guion a cargo del propio Anthony DiBlasi junto a Scott Poiley está protagonizado por Jessica Sula, Candice Coke, Monroe Cline, Valerie Loo, Kevin Wayne, Chaney Morrow, Natalie Victoria, Clarke Wolfe, Britt George, Sam Brooks, Ben Kacsandi, Morgan Lennon, Christopher Matthew Spencer, Megan Massie, Eric Olson, David Fultz, Danielle Reverman, Angel Ray, Marcus Jorgensen, Bekah Medford, Donovan Kirkpatrick y Brooklyn Durs.

Seminario Kieślowski: documentalista del alma

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Impartido por Joanna Bardzinska
Fecha y horario
Sábado 27 de mayo, de 2023
de 10.30 a 14.30h
Presentación
En la frágil frontera entre la razón y el misterio, la representación y la metáfora, lo físico y lo metafísico, se revela la obra de Krzysztof Kieślowski, el más universal de los cineastas polacos. Su estilo está marcado por la ambivalencia del significado, la articulación abierta y connotativa que parece querer establecer en cada film un sistema simbólico que trasciende a lo explícito, para poder referirse a lo oculto e inefable, a las propias ideas que se van articulando. El seminario pretende una aproximación a la trayectoria del cineasta, desde sus orígenes en el documental, para apreciar su obra en plena dimensión y responder las siguientes preguntas: ¿Pervive en el cine de ficción su vocación documentalista? ¿Se puede hablar de su huida de la convención realista o, más bien, de un nuevo rumbo en su exploración?
Objetivo 
Desarrollar la sensibilidad estética a través de Joanna Bardzinska.
Dirigido a
Cineastas, artistas, fotógrafos, estudiantes de cine, de Bellas Artes, de Comunicación Audiovisual, y a personas interesadas en el cine.
Metodología
El seminario se imparte por videoconferencia a través de Zoom. Se visualizan y se comentan escenas de la filmografía de Kieślowski seleccionadas por Joanna Bardzinska.
Impartición
Joanna Bardzinska es doctora en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, traductora y autora de publicaciones sobre el cine polaco y español, coordinadora de la monografía La doble vida de Krzysztof Kieslowski (Donostia Kultura, 2016) y autora de textos para las ediciones Blu Ray de Tres colores (Cameo, 2016) y El Decálogo (A Contracorriente Films, 2022). Desde 2015 dirige AVA Arts Foundation (www.ava-arts.org), una organización non profit dedicada a la promoción cultural. Ha programado y coordinado muestras y ciclos de cine español en Polonia y de cine polaco en España y América Latina.
Precio
45€
https://www.educatumirada.com/matriculacion/

Enzo G. Castellari. El cineasta se rebela (Autobiografía)

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Si la gran aventura colectiva del cine italiano fue una de las hazañas culturales más fructíferas y cautivadoras del siglo XX, las historias personales de sus varios centenares de protagonistas constituyen una fuente inagotable de sensaciones, anécdotas y brillantes experiencias humanas; en definitiva, de puro goce. Es en ese inmenso marco donde entra la arrebatadora autobiografía de Enzo G. Castellari (1938, Roma), un realizador famoso en el mundo entero por sus películas de acción y del Oeste. Nacido por, para y en el cine (su padre es Marino Girolami, una figura importantísima de la industria italiana), el autor de títulos de culto como “Keoma” o “1990: Los guerreros del Bronx” realiza un exhaustivo recorrido por su vida y obra desde la Segunda Guerra Mundial, con su primera visita a un set cinematográfico, donde conoció a Anna Magnani, hasta épocas recientes en las que vio cómo Quentin Tarantino rodó “Malditos bastardos”, un largometraje inspirado en su largometraje “Aquel maldito tren blindado”.
 “El cineasta se rebela” nos abre la puerta al interior del séptimo arte como muy pocos libros lo consiguen. Directo, apasionado y torrencial, tal y como son sus películas, Castellari relata sin tomar aliento una vida repleta de encuentros con grandes artistas, de muchos éxitos y ciertos fracasos, de situaciones difíciles y heroicas decisiones creativas, de broncas y risas, de rodajes en Italia, España y medio planeta. Haciendo gala siempre de una pasión insobornable por el oficio, nadie más que él podría reunir en las mismas páginas, solo por indicar una muestra mínima de una lista larguísima y variopinta, nombres de la talla de Federico Fellini, Vittorio Gassman, Joan Manuel Serrat, Aphra Behn, Franco Nero, Charles Bronson, Van Johnson, Burt Lancaster, John Wayne, Robert Mitchum, Carlo Ponti, Natalie Wood, Barbara Steele, Paul Newman o, incluso, un casi redivivo Benito Mussolini en los años ochenta. Y todo ello plantando al lector en medio del set y con el director a punto de gritar: «¡¡Acción!!». Por eso y mucho más, las memorias de Enzo G. Castellari no solo llegarán por igual al corazón de los interesados en el cine italiano clásico, el mundial y el de género, sino que encandilarán a quien quiera averiguar cómo se hacen las películas y cómo funcionaba por dentro la industria en la segunda mitad del siglo pasado. “El cineasta se rebela” es una carta de amor al doble acto de vivir rodando y vivir disfrutando delante de una pantalla.
Autor: Enzo G. Castellari, Traducción de Santiago Alonso. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas:

Reimaginando abismos, teaser tráiler para la nueva versión de «Dead Ringers»

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Dead Ringers, una de las obras cumbres de David Cronenberg rodada en 1987, tiene ya lista la que será su adaptación televisiva con Rachel Weisz sustituyendo en el rol principal a Jeremy Irons. La serie, cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional, constará de 6 episodios estrenándose vía Amazon Prime Video el próximo 21 de abril.
Dead Ringers versión 2023 nos cuenta como las gemelas Mantle son brillantes, exitosas y lo comparten todo, incluidos sus amantes. Ambas son ginecólogas y tienen una misión: transformar la práctica en las que las mujeres dan a luz. Su proyecto empieza en Manhattan, donde serán pioneras de un estudio médico que roza lo ilegal, porque están dispuestas a desafiar los límites de la ética con tal de llevar la atención médica de la mujer a la vanguardia.
La serie, con guion adaptado del libro Twins de Bari Wood y Jack Geasland a cargo de Alice Birch, está protagonizada por Rachel Weisz, Tia Barr, Jennifer Ehle, Emily Meade, Britne Oldford, Michael Chernus, Poppy Liu, Christina Brucato, Jeremy Shamos, Tony Crane, Aaron Dean Eisenberg, René Ifrah y Kevin Anton.

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FlixOlé celebra el centenario de José Mª Forqué con una colección de sus obras maestras

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La plataforma FlixOlé  estrenará el viernes, 3 de marzo, el especial compuesto por cerca de una treintena de películas, y que incluye títulos imprescindibles.
El calendario del mes de marzo viene marcado por la celebración del centenario de uno de los cineastas más importantes del patrimonio audiovisual español: José María Forqué. Director de referencia por la originalidad de sus historias, y la calidad técnica con la que las rodó, el zaragozano desarrolló una prolífica carrera con la que conmovió e hizo reír, sobre todo reír, al espectador. El próximo 8 de marzo se cumplirán 100 años de su nacimiento, y FlixOlé ha preparado su particular homenaje para la ocasión, el cual permitirá disfrutar de las obras maestras que el realizador dejó al mundo del cine.
La plataforma estrenará el viernes, 3 de marzo, una colección con cerca de una treintena de títulos firmados por el autor aragonés. La misma recorre desde las primeras películas estrenadas por Forqué, como Amanecer en puerta oscura (1957), filme que lo consagró como director, y con el que además obtuvo el Oso de Plata – Premio Extraordinario del Jurado en la Berlinale; hasta su último filme: Nexus 2.431 (1994), una ‘rara avis’ de espadas y amazonas en el espacio.
Y es que a lo largo de su prolífica carrera cinematográfica, el realizador no le hizo ascos a ningún género, cultivando tanto el musical: El secreto de Mónica (1961) y Tengo 17 años (1964); trabajos relacionados con el mundo del toreo: La becerrada (1962) y Yo he visto la muerte (1965); pequeñas incursiones en el cine de terror: El ojo del huracán (1971); intrigantes thrillers y filmes policíacos: De espaldas a la puerta (1959), 091, Policía al habla (1960) y El juego de la verdad (1963); hasta escenas subidas de tono, como: La cera virgen (1972) y No es nada mamá… Solo un juego (1974).

Amanecer en puerta oscura

Comedia humana
Igual de resolutivo se mostró en el ámbito televisivo, donde el director hizo gala también de su impecable factura técnica en trabajos como la popular serie Ramón y Cajal  (1982).
Sin embargo, fue en la comedia donde Forqué encontró la horma de su zapato. El director tiró de ‘somarda’ maña para construir películas donde el humor compartía protagonismo con la humanidad. Así surgieron auténticos éxitos como Maribel y la extraña familia (1960), adaptación de la obra teatral de Miguel Mihura; la canita al aire que le salió cara a los personajes de Usted puede ser un asesino (1961); sin olvidar dos de los grandes títulos del cine español, Atraco a las tres (1963) y Un millón en la basura (1967).
 

 

Sobrevivir, primer tráiler para «Asedio» de Miguel Ángel Vivas

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Acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Miguel Ángel Vivas Asedio. Thriller urbano de acción que se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 5 de mayo previo paso por el inminente Festival de Málaga, certamen en donde tendrá lugar su premier mundial.
Asedio parte del interrogante de ¿Qué es ser español? Dani lo tiene muy claro. En su caso es servir a su país como antidisturbios, honrar su bandera. Hacer cumplir la Ley. Siempre pensó que ser policía era una forma de proteger a la gente, de hacer justicia. Pero durante un desahucio en un barrio conflictivo de Madrid, Dani se encontrará con un dinero escondido, una trama de corrupción policial y un crimen que harán que tenga que huir por su vida en un territorio hostil, en el que no conoce el idioma, no es bien recibida y su autoridad no vale nada. Sólo podrá contar con la ayuda de Nasha, una joven nigeriana a la que acaba de desahuciar, y su hijo Little. Y será entonces cuando se dé cuenta de que si el sistema para el que trabaja no es la solución, quizás siempre fue parte del problema.
La película, con guion a cargo de Marta Medina, está protagonizada por Natalia de Molina, Bella Agossou, Óscar Eribo, Francisco Reyes, Fran Cantos, Chani Martín, Jorge Kent, Efraín Rodríguez, Lucas Nabor, Federico Pérez, Luis Hacha, Fernando Valdivieso, Karlos Aurrekoetxea y Alejandro Casaseca.
Asedio es una producción de Enrique López Lavigne para Apache Films en asociación con Sony Pictures International Productions y México City Project que cuenta con la participación de RTVE y Prime Video.