Sitges 2015 y Filmarket Hub anuncian el Sitges Pitchbox

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Sitges Pitchbox ofrecerá la oportunidad a proyectos de largometraje de género de realizar un pitch a productoras el 16 de octubre.

La 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presentó hace pocos días algunas de las obras que formarán parte de su programación. No obstante, a apenas dos meses del inicio del Festival, las novedades no quedan ahí. En la edición de este año destaca también la colaboración con la plataforma online Filmarket Hub, que será la encargada de organizar una edición especial de su evento de pitching, Pitchbox, en el marco del certamen.

Sitges Pitchbox ofrecerá la oportunidad a guionistas, directores y productores de realizar un pitch de venta de sus proyectos de largometraje de terror, ciencia ficción o fantástico a productoras y distribuidoras que asistirán al Festival, además de otras que serán invitadas especialmente para la ocasión.

El pitching tendrá lugar el viernes, 16 de octubre, en la sala Miramar, y de entre todos los recibidos serán seleccionados 7 proyectos. Aquellas personas interesadas en inscribir el suyo podrán hacerlo a través de una convocatoria especial que se abrirá el lunes 10 de agosto y durará hasta el 15 de septiembre. Las inscripciones serán gratuitas y se tendrán que realizar a través de Filmarket Hub.

Además, como regalo, los proyectos permanecerán de forma gratuita hasta el 31 de octubre en Filmbox, el mercado online de guiones y coproducción de Filmarket Hub, a la vista de las productoras que ya participan en él.

Pero la colaboración entre Sitges 2015 y Filmarket Hub no se limita a este evento de pitching. Las personas que adquieran acreditaciones profesionales para el Festival, tendrán la posibilidad de conectar con el resto de acreditados a través de la red social de Filmarket Hub. Estos podrán descubrir quién asiste y qué días para así poder cerrar reuniones de trabajo.

Desde la plataforma online se destaca la importancia del acuerdo: “Sitges es uno de los festivales más importantes de España y Europa. Sin duda, es el marco perfecto para ayudar a guionistas y directores a que puedan mostrar su talento y sus proyectos de género a productoras y distribuidoras”.

Filmarket Hub es una plataforma online enfocada a hacer realidad proyectos cinematográficos a través de una red social de profesionales y un mercado online de guiones y coproducción para películas, documentales y series de televisión que se encuentran en fase de desarrollo. Establece una red global que conecta a potenciales inversores de diversos sectores con productores, creadores y otros profesionales de la industria. Este proyecto nace con el claro objetivo de ocupar un puesto de peso en el mercado internacional. Filmarket Hub permite a los creativos y productores ampliar su red de contactos en el sector audiovisual, potenciar sus carreras de manera sencilla y rápida y hacer que sus proyectos se hagan realidad.

Tráiler español de la épica «The Revenant» (El Renacido)

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Es una de las películas más esperadas de principios del próximo año, el nuevo film de Alejandro González Iñárritu «The Revenant» se perfila como uno de los acontecimientos cinematográficos más importantes con vistas a los próximos Oscar, aparte de tener una pinta espectacular el film también ha sido noticia por su algo atípica producción (rodando únicamente con luz natural y en escenarios reales lo que ha representado multitud de adversidades de tipo logístico). La película descrita como un «thriller fronterizo de supervivencia» está basado en el personaje histórico Hugh Glass, trampero y explorador de finales del siglo XIX, personaje en el que se inspiró Michael Punke para escribir la novela que Iñárritu adapta al cine. Ahora de la mano de 20th Century Fox
 nos llega su primer tráiler en castellano que podéis ver a final de página, su estreno en USA está previsto para las navidades de este mismo año, en España será el próximo 5 de febrero de 2016.

«The Revenant» nos cuenta como en 1820, un hombre que vive en las montañas resulta herido de muerte por el ataque de un oso. Viendo que nada pueden hacer por él, sus compañeros lo abandonan en el bosque. Pero sorprendentemente se repone de sus heridas y trata de vengarse de quienes lo abandonaron a su suerte.

La película está interpretada por Leonardo DiCaprio,  Tom Hardy,  Domhnall Gleeson,  Will Poulter,  Lukas Haas,  Paul Anderson,  Kristoffer Joner,  Brendan Fletcher,  Brad Carter,  Christopher Rosamond,  Timothy Lyle,  Robert Moloney,  McCaleb Burnett y Mark Krysko.

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«Eternal» review

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A un poderoso millonario, enfermo de cáncer, le ofrecen la posibilidad de someterse a un procedimiento médico radical para transferir su conciencia al cuerpo de un hombre más joven. Al principio la operación va bien y el hombre disfruta de su renovada juventud, pero todo se complica cuando empieza a descubrir los detalles en torno a la procedencia de su nuevo cuerpo.

Tarsem Singh se presentó en sociedad con la carta de ser uno de los alumnos más prometedores y aventajados proveniente de la generación del videoclip a finales de los noventa, su opera prima «The Cell» 2000 venía a ser un perfecto compendio de lo que se le espera de un autor en donde la imagen y el estilismo es primordial a la hora de ejecutar cualquier tipo de historias, su excelente barroquismo visual hacia presagiar una carrera de lo más prometedora algo que se vio confirmado en parte con su siguiente trabajo, la notable «The Fall» 2006, un paso hacia delante por parte de Tarsem Singh que aquí además lograba potenciaba un imaginario que desvelaba complejas inquietudes conceptuales y hasta filosóficas, y que conseguía al mismo tiempo amoldarse por difícil que pueda parecer en un principio a las referencias visuales tan características del director, logrando un producto tan atípico como estimulante. Con «Immortals» y «Mirror Mirror» más tarde supo sobrevivir con cierto tino al producto major conservando en algo su propia autoría.

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Lo peor que le puede pasar a un director de esta índole es caer dentro de un producto rutinario en su ejecución, «Eternal» se desvela como un trabajo sin alma, bien manufacturado, con buenos actores y competente diseño de producción, pero poseedora de un inconfundible halo de déjà vu en el desarrollo tanto de su historia (el film acaba por inundarse de personajes y situaciones mil veces vistas con anterioridad, de la misma forma hace gala de unas reiteraciones formales que no solo llegan a cansar al espectador curtido en estas lideres sino que llega a rozar sin atisbo de equivocación la saturación mas desacomplejada) como en el empleo que se hace en como mostrárnoslo, es aquí cuando se hace harto evidente que Tarsem Singh se limita a tirar de manual despojándose de cualquier percepción en lo referente a su trazo autoral, el no presentar ningún rasgo propio es una de las connotaciones más negativas que le pueden ocurrir a un director de estas características.

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Más doloroso aun es el comprobar las posibilidades desaprovechadas en el guión escrito por los hermanos Pastor, directores de «Infectados» (2009) y «Los últimos días» (2013), una historia repleta a priori de reflexiones y matices de interés que no se llegan a desarrollar y que oscila entre el thriller y la ciencia ficción, dejando sobre el tapete cuestiones tan atrayentes a priori como la inmortalidad, segundas oportunidades o la posibilidad de comprar el tiempo, un argumento que remite de forma inequívoca a la magna «Seconds» (1966) de John Frankenheimer, sin embargo no hay atisbo de las reflexiones existencialistas entre otras de las muchas cosas que poseía esta obra maestra, de echo «Eternal» no logra tener una pertinencia clara y definitoria hacia la ciencia ficción, decantándose más hacia el thriller al uso, relegándola a un sinfín de secuencias de acción y manidos golpes de efecto en la mayor parte de su metraje logrando que el espectador se llegue a desentender mucho antes de su final y emparejándola de algún modo más a productos tipo «Freejack» 1992 Geoff Murphy, ¿alguien se acuerda de este film, Emilio Estévez,
  Anthony Hopkins,  Mick Jagger?.

En definitiva, «Eternal» no pasa de ser un inocuo entretenimiento con etiqueta de encargo, tan ligeramente correcto como convencional en su confección, quedando a años luz del estilismo e inventiva  visual que tiempo atrás nos llegó a obsequiar el bueno de Tarsem Singh, una verdadera lastima.

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13 películas competirán en la sección ‘Nuev@s Director@s’ del Festival de San Sebastián

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Hoy se ha presentado la selección de películas que componen la sección Nuev@s Director@s. El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, junto a Ander Aizpurua, Director de Banca Mayorista de Kutxabank, han desvelado los títulos de las trece películas que competirán por el Premio Kutxabank-Nuev@s Director@s, fallado por un jurado internacional específico y dotado con 50.000€. La sección Nuev@s Director@s presentará en la nueva edición del Festival una serie de primeras o segundas películas realizadas por cineastas de todo el mundo.

La competición por el Premio Kutxabank-Nuev@s Director@s supone para el Festival de San Sebastián una apuesta por los nuevos talentos cinematográficos internacionales y se ha convertido en una importante plataforma para dar visibilidad a sus obras. Es el caso de la película ganadora del Premio Kutxabank-Nuev@s Director@s en la pasada edición del Festival, Urok / The Lesson, dirigida por Kristina Grozeva y Petar Valchanov. Tras su estreno mundial en el Festival de Toronto y su estreno europeo en Nuev@s Director@s de San Sebastián, la película ha sido distribuida en todo el mundo y premiada en diversos festivales internacionales como Gotemburgo, Tesalónica, Tokio, Varsovia, Varna, Vilna, Sofía o Transilvania. Urok / The Lesson es, además, una de las tres películas finalistas para los Premios Lux del Parlamento Europeo, que se fallarán el próximo 25 de noviembre.

El apoyo de Kutxabank a la sección Nuev@s Director@s se enmarca dentro de una participación más amplia, que mantiene un año más a la entidad financiera como Colaboradora Oficial del Festival de Cine.

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AFTER EDEN. Hans Christian Berger
  (Canadá)

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Un cuento de amor y tentación en la era de la pornografía en Internet. Un solitario estudiante universitario localiza a su actriz porno favorita y se convierte en su anónimo perseguidor… hasta que encuentra el valor para conocerla en persona.

 

BARASH. Michal Vinik  (Israel)

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Naama Barash es una adolescente de 17 años a la que le gusta beber, las drogas y sus salidas con su grupo de amigos. Intenta escapar de una casa donde sus padres siempre están discutiendo y tiene una hermana rebelde enrolada en el ejército que un día desaparece. Cuando una chica nueva llega al instituto, Barash se enamora por primera vez y la intensidad de esta experiencia la confunde a la vez que da un nuevo sentido a su vida.

 

EINER VON UNS / ONE OF US. Stephan Richter  (Austria)

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Julian, un adolescente de 14 años de edad, muere rodeado por los coloridos productos de un gran supermercado. Una película basada en una historia real que muestra la rebelión de la juventud ante la anodina vida en la periferia de las grandes ciudades.

 

GRANNY’S DANCING ON THE TABLE. Hanna Sköld  (Suecia – Dinamarca)

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Eini ha sido criada en total aislamiento de la sociedad por su padre, un hombre temeroso del mundo. Su mayor miedo es que Eini lo abandone. Hace todo lo posible para hacerle creer que el mundo exterior y la gente que lo habita son malvados, y que todo lo que tiene que ver con la sexualidad y la vida adulta es peligroso.

 

IONA. Scott Graham  (Reino Unido – Alemania)

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Tres años después de competir en Nuev@s Director@s en 2012 con Shell, el escocés Scott Graham regresa al Festival de San Sebastián con este drama. Tras un violento crimen, Iona y su hijo adolescente Bull buscan refugio en la isla donde ella nació. Este regreso obliga a Bull a llevar una forma de vida que Iona rechazaba cuando era adolescente y provoca una onda de choque en la familia que dejó atrás.

 

JAJDA / THIRST. TSOTSORKOVA SVETLA  (Bulgaria)

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Una pareja y su hijo adolescente se ganan la vida a duras penas en lo alto de una colina con un servicio de lavandería para los hoteles locales, a pesar de que el suministro de agua es muy intermitente. Su sencilla vida es puesta patas arriba por la llegada de un padre y una hija que forman equipo: ella es zahorí y él perforador de pozos de agua.

 

LE NOUVEAU / THE NEW KID. Rudi Rosenberg  (Francia)

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Benoit, un chico de catorce años, ha dejado el campo para mudarse a París. Su primer día en el colegio resulta ser más difícil de lo que esperaba, y pronto se siente aislado. Hasta que un día, una chica nueva llega a clase…

 

PARASOL. Valéry Rosier  (Bélgica)

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Vacaciones, una isla en el Mediterráneo. Tres extravíos al final del verano. La determinación de hacer que las cosas cambien sin que importe el precio. Nostalgia por un pasado que nunca existió.

 

PAULA. Eugenio Canevari  (Argentina – Españapaula.jpg
Paula es una joven que vive y trabaja en la estancia de una familia burguesa cuidando a sus hijos. Su vida da un giro inesperado al descubrir que está embarazada de un joven que no se hace cargo de su paternidad. Presentada en Cine en Construcción en la pasada edición del Festival, es la ópera prima de Eugenio Canevari, quien también participó en el Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine de San Sebastián en 2013 con su corto Gorila baila.

 

PIKADERO. Ben Sharrock  (España – Reino Unido)

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Una pareja sin dinero encuentra serios obstáculos para consumar su fugaz relación en casa de sus padres, lo que pone en peligro una historia de amor que trata de librarse de los grilletes de una economía que se derrumba. Una comedia romántica protagonizada por Barbara Goenaga y Joseba Usabiaga.

 

RODINNY FILM / FAMILY FILM. Olmo Omerzu  (Rep.Checa – Alemania – Eslovenia – Francia – Eslovaquia)

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Un matrimonio sale a navegar al océano, dejando que sus hijos exploren el sentimiento de libertad de vivir solos en la casa familiar. El barco se hunde y la familia también. Un perro, abandonado en una isla desierta, es su única esperanza.

 

STAY WITH ME. Jinwoo Rhee  (Corea del Sur)

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Iseop es un estudiante nuevo en la clase donde también está la problemática Hayun. Se hacen amigos, y sus respectivas vidas se influyen y cambian poco a poco. Un drama que explora minuciosamente la vida adolescente.


VIDA SEXUAL DE LAS PLANTAS. Sebastián Brahm  (Chile)

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Después de que un accidente transforma al amor de Bárbara en un extraño de pocas luces ella se involucra con un hombre que le ofrece estabilidad sin pasión. Trata de adaptarse a su nuevo destino pero la memoria del amor perdido la atormenta. Hasta que entiende que lo más importante no está perdido.

Kaidan Eiga (1950-1970), diez propuestas

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El director nipón Hideo Nakata en su paso por el festival de Sitges en el 1999 para presentar «Ringu» y previendo que a partir de este film se abría una nueva etapa dentro del género de terror japonés, el denominado y a día de hoy prácticamente extinto a causa de su nula evolución j-horror, Nakata venía a reivindicar el cine clásico de genero japonés como marco referencial, poseedor al mismo tiempo de una notoria herencia artística de raíces bien profundas. Si estamos algo acostumbrados a resaltar en lo referente a su repercusión a cinematografías tan importantes en la evolución del género (en su mayoría europeas) como son el gótico y el giallo italiano, la fecunda etapa británica con la Hammer Films a la cabeza y sus derivados o incluso el esforzado fantaterror hispánico, no convendría olvidar el rico y variado cine de género japonés clásico, una cinematografía esta que poco o nada tiene que envidiar a las arriba comentadas.

El denominado Kaidan Eiga que aquí nos ocupa hacen referencia  al cine (Eiga) de fantasmas y espíritus (Kaidan) que se realiza en Japón prácticamente desde inicios de siglo, teniendo una edad de oro entre los añoa 50 y 60, es precisamente en los 60 hasta finales de los 70 cuando aparecen los maestros clásicos del género como Yoshihiro Ishikawa, Nobuo Nakagawa o Satoru Kobayashi, de la misma manera grandes directores no afines a este tipo de cine como Kaneto Shindô y Masaki Kobayashi irrumpen de forma definitoria con obras maestra que dotan al género de un prestigio antes no reconocido.

La presente lista viene a servir como una modesta herramienta informativa a los no iniciados en la materia, una breve lista compuesto por diez títulos en donde resalto lo primordial y básico de un subgénero hoy día poco conocido o valorado por las nuevas generaciones, un tipo de cine en donde nos encontramos de forma fecunda un predominio de fantasmas vengativos femeninos ubicados dentro de una sociedad feudal marcada de una manera clara por un abuso de poder claramente machista y patriarcal, todo ello enmarcado dentro de una tradición rica en elementos literarios, folklóricos, o incluso filosóficos.

1. Ugetsu monogatari (Tales of a Pale and Mysterious Moon After the Rain 1953) Kenji Mizoguchi

Japón, siglo XVI. Durante la guerra civil, los campesinos Genjuro y Tobei pretenden hacer fortuna: Tobei como vendedor y Genjuro como samurai. Los dos llegan al castillo de la princesa Wakasa, donde Genjuro se convierte en su amante. Por otro lado, Tobei se enamora de otra mujer.

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Obra maestra indiscutible a cargo del gran Kenji Mizoguchi donde el elemento fantástico es abordado de manera tan sutil y breve como elegante en una historia contada como uno de los más desgarradores testimonios de la codicia humana jamás llevados a la gran pantalla, perfecto equilibrio entre lo real y lo sobrenatural en un relato poseedor de una innegable sensibilidad de contornos puramente orientales.

2. The Ghost Cat of Ouma Crossing (Kaibyo Omagatsuji 1954) Bin Kado

Una actriz kabuki muere asesinada por envenenamiento. En su regazo, su gato prueba la sangre de su ama y se convierte en un espectro con ansias de venganza.

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Segunda película a cargo de Bin Kado que aborda la temática kaidan de gatos, filmada entre The Terrible Ghost Cat of Okazaki (1954) y The Ghost Cat of Gojusan-Tsugi (1956). Film ambientado dentro del entorno kabuki e interpretada por la veterana actriz Takako Irie, una habitual en este tipo de roles, película característica de venganza de tono espectral con la simbología del gato como principal referente, a destacar especialmente su tramo final a la hora de escenificar dicha venganza con un ritual tan atípico como inusualmente macabro.
 

3. Ghost of Kasane (Kaidan Kasane-ga-fuchi 1957) Nobuo Nakagawa

Un hombre le reclama a un samurái que le pague una deuda. El samurái mata al hombre y le ordena al criado que lo arroje a un pantano. Desde ese momento el fantasma del hombre acosará al samurái y su familia.

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Posiblemente la versión más notoria de un relato capital dentro del kaidan (el denominado relato de la compasión escrito por Encho Sanyutei) que ha sido adaptado a la gran pantalla en varias ocasiones. Nobuo Nakagawa nos propone aquí un fascinante relato que bebe del imaginario patrimonio cultural japonés de una manera acertada, en donde los celos deviene como el auténtico motor de una historia que es representada de forma icónica en su ámbito sobrenatural en la escenificación propia de los espectros que surgen del pantano al que hace referencia el título.

4. The Ghost of Yotsuya (Tokaido Yotsuya kaidan 1959) Nobuo Nakagawa

Las relaciones amorosas entre el despiadado ronin Iyemon y la bella Iwa no cuentan con la aprobación del padre de ésta. Iyemon lo asesina y huye a Edo con Iwa y su hermana, Sode, aparentando inocencia ante ambas. Poco después, una joven perteneciente a una familia poderosa, Ume, se enamora de Yyemon, lo cual motiva que el ronin, aconsejado por sus cómplices, mate a Iwa, con el fin de casarse con aquélla y superar sus míseras condiciones de vida.

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Nuevamente Nobuo Kanagawa recreando de manera magistral
  la obra homónima escrita por Namboku Tsuruya, posiblemente el relato por antonomasia del Kaidan mas importante y más veces adaptado al cine (más de medio centenar, la última a cargo de Takashi Miike). Estamos pues ante una muy fiel representación del relato original en una historia en donde Kanagawa demuestra un extraordinario buen hacer a la hora de plasmar visualmente todos los elementos sobrenaturales, consiguiendo un equilibrio casi perfecto entre la elegancia visual mostrada y la aspereza moral que posee la propia historia.

5. Ghost of Kagami Pond (Kaidan Kagamigafuchi 1959) Masaki Mori

En el Japón feudal hay una famosa tienda llamada Edoyo, cuyo encargado, Kinbei, sabe para sí mismo que algún día heredará el negocio, debido a que el propietario no tiene familia. Pero, de repente, el anciano adopta a un joven ronin llamado Yasujiro, lo que pone tenso a Kinbei, de manera que busca eliminarlo. En pos de un plan funesto, Kinbei asesina a la hermana de la novia de Yasujiro y arroja el cadáver al estanque de Kagami.

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Considerada una obra menor pero no exenta de varios elementos interesantes, film modesto que no deja de ser una reiteración formal de los espectros en busca de venganza tan característicos en este género, posiblemente abuse en su trama de una cantidad elevada de intrigas familiares algo que en parte es paliado por el buen uso del sonido fuera de campo a la hora de escenificar la consabida amenaza espectral.

6. Onibaba (1964) Kaneto Shindô

En el Japón medieval, la madre y la esposa de un guerrero esperan su vuelta del frente. Sobreviven engañando a los soldados perdidos en los campos, a los que asesinan para luego vender sus pertenencias…

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Otra de las cumbres indiscutibles del género, una excelente metáfora visual sobre las consecuencias de la guerra, el material que maneja Kaneto Shindo en el film es soberbio, conformando una sencilla historia triangular con una asombrosa definición espectral y sombría, aplicando un acertado uso del folclore japonés más primitivo, máscaras y leyendas sobrevuela la cinta pero implantadas de manera cuidadosa y elegante, en ningún momento se nos define por completo como una historia puramente de fantasmas ni demonios como en otras producciones de terror, aquí los demonios vienen a estar representados de alguna manera por los seres humanos.

7. Kaidan (Kwaidan 1964) Masaki Kobayashi

Filme basado en cuatro historias del escritor Lafcadio Hearn. «Pelo negro»: un samurái no soporta a su mujer y la abandona por una princesa. Años después vuelve a casa para realizar un terrible descubrimiento. «La mujer en la nieve»: dos leñadores se refugian de una tormenta de nieve en una especie de cobertizo abandonado. «Hoichi»: el fantasma de un samurái le pide a un músico ciego que toque una balada en la tumba de su señor. «En la taza de té»: un samurái se asusta ante la visión de un hombre reflejado en su taza.

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Magnífica y absoluta obra maestra esta película japonesa de Kobayashi que aquí se desmarca por completo de sus anteriores films para ofrecernos cuatro cuentos sobrenaturales (adaptando los relatos recogidos por el británico nacionalizado japonés Lafcadio Hearn), film de un innegable y notable preciosismo formal y estético, siendo posiblemente la gran referencia del cine de fantasmas japonés (galardonada en 1960 con el premio especial del jurado del Festival de Cannes). Film decididamente manierista pero que al mismo tiempo viene a ser un ejemplo modélico de que el cine fantástico también es sobre todo una cuestión de puesta en escena.

8. Kuroneko (Yabu no naka no kuroneko 1968) Kaneto Shindô

Una mujer y su nuera son atacadas y violadas por un grupo de samurais, que las asesinan cuando prenden fuego a la cabaña en que ellas viven. Poco después 2 mujeres muy parecidas a las muertas entran en escena atrayendo a samuráis solitarios hasta su casa con oscuras y vengativas intenciones.

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Otras de las cimas de la presente lista, no solo en lo referente al subgénero del kaidan eiga sino a la perfecta simbiosis existente aquí a la hora de conjuntar el relato espectral junto al de la reflexión-denuncia sobre la crueldad de la guerra. La sutileza y elegancia está presente prácticamente en
 todos los aspectos del film, desde su narración hasta su acertado empleo en aspectos técnicos, iluminación, maquillaje o efectos especiales.

9. Ghost Story of the Snow Witch (Kaidan yukijorô 1968) Tokuzô Tanaka

Un joven aprendiz y su maestro buscan en las montañas un árbol con el que tallar una estatua de la diosa Kannon. Tras encontrarlo, una tormenta de nieve les sorprende y se ven obligados a refugiarse en una cabaña. Pronto recibirán la visita de la mujer de nieve, que mata al maestro pero deja con vida al joven aprendiz a cambio de nunca rebele lo acontecido esa noche. Tiempo más tarde, el joven conoce una bella y misteriosa mujer de la que se enamora perdidamente.

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Sin la menor duda estamos ante la recreación cinematográfica por antonomasia de la historia Yuki onna, uno de los más características de la ghost story nipona desde que la incluyera Lafcadio Hearn en su antología Kwaidan y llevada al cine con anterioridad por Masaki Kobayashi , con un impecable sentido del romanticismo del que está dotado el relato que aquí se ve enriquecido en diversas y variadas vertientes, con uno de los finales más conmovedores de la historia del cine japonés, siendo al mismo tiempo un prodigio de narración que sabe aunar a la perfección el drama y la fantasía.

10. The Haunted Castle (Hiroku kaibyô-den 1969) Tokuzo Tanaka

1729, el Lord Tangonokami Nabeshime se encapricha de Sayo, hermana de un monje ciego. El monje Matashichiro se niega a ceder a los intereses lascivos del señor Nabeshime. Ante tal circunstancia, Nabeshime decide matar al monje, pero las circunstancias no serán las esperadas, Sayo se suicida y en su último aliento le pide a su gato Tama que beba de su sangre para que la venganza pueda perpetrarse.

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Enésima muestra del subgénero del gato espectral, imprescindible para los incondicionales del género como todos los film de la presente lista, el año algo tardío en que está realizada sirve para que el film sepa sacar el máximo partido en lo que se refiere al uso del color a la hora de escenificar sus secuencias más impactantes, suicidio-maldición-venganza.

StarWars. La creación de la Trilogía Original

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StarWars, o La Guerra de las Galaxias en España, es posiblemente la saga cinematográfica más importante de la historia. Más allá de su calidad artística o de su éxito comercial, esta obra marcó profundamente no solo a la industria del séptimo arte- que vio como la forma de hacer cine cambiaba de la noche a la mañana gracias a estas películas- sino a toda una generación de espectadores que adoptaron las aventuras de LukeSkywalkery compañía como parte intrínseca de sus propias vidas. Y es que ninguna otra serie de films ha impactado en la cultura popular de la forma en que lo hizo la creación de George Lucas.

Hoy, casi 40 años después y con todo un aluvión de nuevas entregas a la vista podría parecer que la franquicia lo ha tenido siempre todo de su parte, pero nada más lejos de la realidad. Los inicios, como casi siempre, fueron muy duros y la crónica de como StarWars llegó a hacerse realidad está repleta de matices. StarWars. La creación de la Trilogía Original adentra al lector en el corazón de esa apasionante historia que se esconde tras la realización de aquellas películas clásicas distinguiendo entre el mito y la realidad: Las motivaciones tras la visión de George Lucas, la concepción de los guiones, el desarrollo de toda una serie de nuevas técnicas cinematográficas, las anécdotas y curiosidades de los diversos rodajes…todo eso y mucho más en un relato indispensable para entender porque StarWars sigue siendo hoy, más que nunca, un hito de la historia del cine.

 http://creaciondelatrilogiaoriginal.blogspot.com.es/

Autor; Francisco Javier Martínez García. Editorial; ASOCIACIÓN CULTURAL DEL CÓMIC. Páginas; 216

Primer tráiler de la Palma de Oro 2015 «Dheepan» de Jacques Audiard

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«Dheepan«, el nuevo film de Jacques Audiard
 Un Prophète» y «De ruille et d’os«) acaba de estrenar un primer tráiler que podéis ver a final de página, la película ganadora con cierta polémica, pues muchos no la consideraron ni mucho menos entre las favoritas, de la Palma de Oro otorgado por el jurado presidido por los hermanos Coen en el pasado Festival de Cannes se mueve en los territorios del drama al igual que los anteriores trabajos de su director para contarnos una historia sobre la inmigración. El film llegará a los cines de Francia el próximo 26 de agosto.

«Dheepan» nos cuenta como para huir de la guerra civil en Sri Lanka, Dheepan hace pasar por su esposa a una mujer y por su hijo a una niña con la esperanza de que su engaño le otorgue fácilmente el derecho de asilo en Francia. El “héroe” de la película, tras ser un vendedor callejero, encuentra un trabajo como guardián de un edificio en un barrio problemático de las afueras. Yendo de un lado a otro observando y sin comunicarse verbalmente, en su desconocimiento casi total de la lengua francesa, los dos adultos se adaptarán progresivamente, aprendiendo también a conocerse mejor hasta empezar a amarse, mientras que la pequeña Illayal avanza a mayor velocidad gracias a la escuela. Pero Dheepan verá cómo finalmente las actividades del tráfico de drogas que lo rodean lo obligarán a salir de su reserva y sus sueños de la jungla tomar una dimensión urbana brutal…

La película está interpretada por Vincent Rottiers,  Marc Zinga,  Jesuthasan Antonythasan,  Franck Falise y Claudine Vinasithamby.

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Sitges 2015 se prepara con una sesión de cortos al aire libre

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A falta de poco más de dos meses para la 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, el Festival organiza una minimaratón de cortometrajes en el Port de Sitges – Aiguadolç, una iniciativa que se celebra desde hace cuatro años.

La cita será el próximo sábado, 1 de agosto, a las 23 horas, con un programa que incluye siete cortometrajes que se pudieron ver en la edición de Sitges 2014. Todos tienen en común la temática fantástica y de terror, y su trayectoria por diferentes festivales nacionales e internacionales, donde muchos de ellos han recogido destacados premios.

Programa

Sábado, 1 de agosto, a las 23 horas

Port de Sitges – Aiguadolç (Moll de Llevant)

Entrada gratuita

Cortos seleccionados (por orden alfabético)

Aún hay tiempo, de Albert Pintó. La noche de Navidad, Ángel se presenta en el centro comercial dónde trabaja su exnovia Nina con intención de arreglar las cosas con ella. Lo que aún no sabe es que para recuperar a la chica deberá escapar de un laberinto espacio-temporal creado por un misterioso muñeco Santa Claus.

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Baskin, de Can Evrenol. Rodada durante las cargas policiales en el parque Gezi de Istambul, Baskin sigue a cuatro policías que tras recibir una llamada rutinaria descubrirán algo aterrador.

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El bosque negro, de Paul Urkijo. Sir Héctor, un valiente caballero con armadura y corcel, se dispone a penetrar en el impío Bosque Negro para liberar a una hermosa y virginal dama, presa de un terrible ogro. ¿Conseguirá nuestro héroe vencer donde otros han sucumbido al horror y a la muerte?

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Interior. Familia, de Gerard Quinto, Esteve Soler y David Torras. Una pareja de padres cariñosos despierta a su hijo en medio de la noche. Deben hablar con él sobre algo urgente y aterrador que cambiará su vida por siempre jamás. 

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La carrera, de Christopher Cartagena. Un pequeño pueblo ha sido sitiado por la aparición de una extraña epidemia que ha afectado a toda la población. Alfredo también ha sido contagiado, pero con un juego entrenará a su hija para salir de ahí sola. ¿Será capaz la niña de abandonar a su padre llegado el momento?

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Nada S.A., de Albert Pintó y Caye Casas. Carlos lleva años en paro, está desesperado después de fracasar en todas las entrevistas de trabajo a las que se presenta. Un día ve un anuncio de una empresa que busca a alguien que quiera cobrar por no hacer nada. Carlos consigue el trabajo y ese día le cambiará la vida.

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Óscar desafinado, de Mikel Alvariño. En tono de broma, Violeta le dice a su novio Óscar que, si ella muere antes, él deberá esperar al menos 2 años antes de salir con otra mujer y que, si no lo hace, ella volverá de la tumba para vengarse. Poco después, Violeta muere. Y Óscar conoce a Ana.

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Vuelta al horror de Auschwitz, primer tráiler de la aclamada «Son of Saul»

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Primer tráiler que podéis ver a final de página de «Son of Saul» que supone el debut tras las cámaras de László Nemese que anteriormente había trabajado como asistente de dirección del reconocido cineasta húngaro Béla Tarr. «Son of Saul» fue una de las películas que más conmocionaron en la pasada edición del
 Festival de Cannes, hasta el punto de conseguir el gran premio del jurado, teniendo la sensación entre gran parte de la crítica que realmente era la merecedora a la palma de oro. A día de hoy se tiene cierta certeza de que el cine ya ha tratado el tema  del holocausto nazi de todas las perspectivas y maneras posibles, al parecer este nuevo cineasta húngaro ha logrado con «Son of Saul» lo que parecía algo difícil, mostrar de nuevo la misma historia pero desde una perspectiva totalmente nueva. El film que ya ha sido seleccionada por parte de Hungría como su representante en la carrera hacia los Oscar se estrenará en España el próximo 4 de diciembre de la mano de Avalon.

«Son of Saul» nos sitúa en el año 1944, durante el horror del campo de concentración de Auschwitz, un prisionero encargado de quemar los cadáveres de su propia gente encuentra cierta supervivencia moral tratando de salvar de los hornos crematorios a un niño que toma como su hijo, llegando a obsesionarse con él y con la loca idea de proporcionarle un entierro digno, con rabino incluido.

La película está interpretada por Géza Röhrig,  Levente Molnár,  Urs Rechn,  Sándor Zsótér,  Todd Charmont,  Björn Freiberg,  Uwe Lauer,  Attila Fritz,  Kamil Dobrowolski y Christian Harting.

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Llevando la autoridad al límite, tráiler de «Experimenter»

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Michael Almereyda se dio a conocer a mediados de los noventa con la peculiar «Nadja«, un film de vampiros en blanco y negro
 apadrinado por David Lynch, película casi experimental que pese a ser algo irregular poseía varios puntos de interés, de su filmografía posterior destacar básicamente su también curiosa «Trance» y su atípica visión Shakespeariana con «Hamlet«, después de varios años sin nada destacado en su haber ahora nos llega  un film algo más convencional, al menos en apariencia, que anteriores trabajos suyos, «Experimenter» cuyo primer tráiler y poster podéis ver a final de página. La película es un drama biográfico que se pudo ver en el pasado festival de Sundance y que tendremos la ocasión de ver en el próximo festival de Sitges. Su estreno en cines en Estados Unidos está previsto para el 16 de Octubre.

«Experimenter» gira en torno a un experimento que el afamado psicólogo Stanley Milgram llevó a cabo en la Universidad de Yale en los años 60, la cual tenía como fin medir la disposición de un participante para obedecer las órdenes de una autoridad superior aun cuando éstas pudieran entrar en conflicto con su propia conciencia, ordenó a los sujetos de dicho estudio que aplicaran una serie de corrientes eléctricas a un individuo que no podían ver, conforme subía el voltaje de las descargas y los gritos de la víctima eran más evidentes, Milgram acentuaba su papel autoritario y acababa ordenaba a los sujetos que continuaran aplicando electricidad a sabiendas de que estaban torturando a ese desconocido individuo. Milgram ideó estos experimentos para responder a la pregunta ¿Podría ser que millón de nazis en el Holocausto sólo estuvieran siguiendo órdenes?

La película está interpretada por Winona Ryder,  Taryn Manning,  Kellan Lutz,  Anton Yelchin,  John Leguizamo,  Peter Sarsgaard,  Dennis Haysbert,  Lori Singer,  Josh Hamilton,  Anthony Edwards,  Jim Gaffigan y  Vondie Curtis-Hall.

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Del Trazo al Píxel

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Del trazo al píxel. Un recorrido por la animación española es el complemento ideal del ciclo itinerante Del trazo al píxel. Más de cien años de animación española, producido por el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y Acción Cultural Española (AC/E), una antología de piezas históricas olvidadas y trabajos recientes en el centenario del nacimiento del cine animado en nuestro país.

La selección del ciclo, a cargo de la comisaria Carolina López, incluye películas de autores como Segundo de Chomón, Josep Escobar, Francisco Macián, José Luis Moro, Jordi Amorós, Tomàs Bases, Raúl García, Juan Pablo Etcheverry, Isabel Herguera,  Javier Mariscal, Anna Solanas, Marc Riba, Alberto Vázquez, Pedro Rivero, Izibene Oñederra, Nicolai Troshinsky y Rocío Álvarez entre muchos otros.

Algunas de las piezas menos conocidas y sorprendentes del programa son: Garbancito de la Mancha (Arturo Moreno, 1945), primer largometraje de dibujos animados en color de Europa; anuncios en blanco y negro de los años 30 de dibujantes catalanes como Serra i Massana y Ferran; La Edad de Piedra (Gabriel Blanco, 1965), con dibujos de Chumy Chúmez; los spots de los Estudios Moro y Estela, un breve film de Frederic Amat creado para la ocasión.

A modo de catálogo del ciclo, y como ya se hizo con Del éxtasis al arrebato. Un recorrido por el cine experimental español, Cameo edita ahora un pack cuyo contenido hará felices a los seguidores de la animación tanto en nuestro país como en el mundo entero. Una edición de lujo que contiene 3 DVD con más de 50 títulos, un libro de 164 páginas con amplia información sobre cada una de las piezas incluidas, además de los artículos escritos para la ocasión por Carolina López, comisaria del ciclo, y Alfons Moliné y Susana Rodríguez Escudero, dos de los principales especialistas en animación de nuestro país. Todo ello reunido en un digipack con una cuidada presentación, diseñado por Estela Robles y con retoques de Iván Jiménez.

El triple DVD-catálogo, editado por Cameo, contiene algunos títulos diferentes a los del ciclo. Andrés Hispano ha coordinado los contenidos de la edición en DVD, que incluye 52 piezas, entre las que se encuentra el largometraje Historias de amor y masacre (Jordi Amorós, 1979), y en la que destaca también una cuidada selección de 28 anuncios de televisión de los Estudios Moro.

El programa de animación española Del trazo al píxel. Más de cien años de animación española se estrenará en la 55 edición del  Annecy, festival international du film d’animation (Francia) del 15 al 20 de Junio, dónde será uno de los platos fuertes de este año, en el que España es país invitado.

La industria española de animación también será la protagonista del mercado internacional más destacado de este género, el MIFA (Marché International du Film Animé), en Annecy.

Del Trazo al Píxel da continuidad al proyecto de recuperación de cinematografías poco conocidas iniciado por el CCCB y A/CE con Del Éxtasis al Arrebato (dedicado al cine experimental español y comisariado por Antoni Pinent y Andrés Hispano) y ha supuesto un trabajo de dos años de investigación y recuperación de materiales. El proyecto ha contado con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya, la Filmoteca Española y Movierecord, entre otros.

Tras su estreno en Francia, el ciclo recorrerá los principales museos, cinematecas y festivales internacionales y está previsto que se estrene en Barcelona y Madrid este próximo otoño. El catálogo-DVD saldrá a la venta en nuestro país el próximo 24 de junio editado por Cameo, y estará disponible en todos los puntos especializados y en www.cameo.es

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El Festival de San Sebastián desvela el cine español presente en su 63ª edición

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Pablo Agüero, Asier Altuna, Cesc Gay, Marc Recha, Federico Veiroj, Agustí Villaronga y Álex de la Iglesia estrenarán sus nuevas películas en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. Imanol Uribe y Pere Joan Ventura presentarán sus últimos trabajos en proyecciones especiales dentro de la Sección Oficial. Dos coproducciones con España compiten en Nuev@s Director@s, y otros nueve títulos se presentan en otras secciones.

Hoy ha tenido lugar en la sede de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas la presentación de las películas de producción española que podrán verse en la 63 edición del Festival de San Sebastián, cuya inauguración tendrá lugar el próximo 18 de septiembre. José Luis Rebordinos, director del Festival, y Maialen Beloki, miembro del Comité de Dirección, han dado a conocer los títulos que se presentarán en las diferentes secciones.

Algunos de los más destacados cineastas españoles competirán con sus últimos trabajos por la Concha de Oro en la Sección Oficial: Asier Altuna, Cesc Gay, Marc Recha, Federico Veiroj y Agustí Villaronga, junto con el argentino Pablo Agüero. Álex de la Iglesia presentará su nueva película, Mi gran noche, fuera de concurso, mientras que en proyecciones especiales se estrenará el film de Imanol Uribe Lejos del mar y el documental de Pere Joan Ventura No estamos solos.

La sección Nuev@s Director@s incluye la participación de dos coproducciones con España: Paula, dirigida por el argentino Eugenio Canevari, y Pikadero, film del escocés Ben Sharrock rodado en el País Vasco. Otras dos coproducciones se presentarán en la sección Horizontes Latinos: El botón de nácar, nuevo film del cineasta chileno Patricio Guzmán, y Magallanes, ópera prima como director del actor peruano Salvador del Solar.

Como es habitual, la sección Zabaltegi presenta una selección de otros títulos destacados del año y en esta edición se incluyen varios títulos de producción nacional: Isla bonita de Fernando Colomo, La Novia de Paula Ortiz, Un día vi 10.000 elefantes, de Alex Guimerà y Juan Pajares, Mi querida España, de Mercedes Moncada, y The Propaganda Game, de Álvaro Longoria. El cortometraje de Tucker Dávila Wood Duellum se presentará también en esta sección.

Por último, la pantalla gigante del Velódromo de Anoeta acogerá un pase especial del film de Dani de la Torre El desconocido.

SECCIÓN OFICIAL

A competición

AMAMA. Asier Altuna   (España) 

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La nueva película del cineasta vasco Asier Altuna. Una historia familiar sobre el conflicto entre lo urbano y lo rural, entre pasado y presente, padres e hijos. Dos formas opuestas de entender la existencia, y una abuela que observa el mundo desde el más elocuente de los silencios. Protagonizada por Iraia Elias, Amparo Badiola, Ander Lipus, Manu Uranga, Kandido Uranga y Klara Badiola.

EL APóSTATA. Federico Veiroj   (España – Uruguay – Francia)

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El tercer largometraje de Federico Veiroj cuenta la historia de un joven que desea emanciparse de la fe que ha heredado de sus padres, al tiempo en que repara en su historia, sus cicatrices, las marcas de la culpa y el deseo. Interpretada por Álvaro Ogalla, Bárbara Lennie, Marta Larralde, Joaquín Climent y Vicky Peña.

UN DIA PERFECTE PER VOLAR  (UN DÍA PERFECTO PARA VOLAR). Marc Recha   (España

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Marc Recha presenta su nueva película, protagonizada por su hijo Roc y Sergi López. En un paraje solitario, un niño hace volar la cometa que ha hecho su padre. Sopla viento y el niño necesita la ayuda del adulto para seguir haciendo volar la cometa, que se ha enredado en la vegetación. En plena naturaleza, explican un cuento especial.

EVA NO DUERME. Pablo Agüero   (Argentina – Francia – España)

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Eva Perón ha muerto. Es la figura más amada y más odiada de Argentina. Un gran especialista se encarga de embalsamarla. Tras meses de trabajo logra un resultado perfecto. Pero se suceden una serie de golpes de Estado en Argentina y algunos dictadores quieren borrar el legado de Evita de la memoria popular. Su cuerpo se convierte entonces en el centro de una confrontación que durará 25 años. 25 años durante los cuales Evita ha sido una figura más poderosa que cualquier político vivo. Protagonizada por Gael García Bernal, Denis Lavant e Imanol Arias.

EL REY DE LA HABANA. Agustí Villaronga   (España – Rep. Dominicana)

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Agustí Villaronga adapta la novela homónima de Pedro Juan Gutiérrez. Reinaldo, un adolescente recién escapado de un correccional, se lanza a las calles de La Habana durante los duros años 90 del «período especial» cubano. Un pícaro con pocos escrúpulos que se enfrenta al hecho cotidiano de vivir. Interpretada por Maykol David, Yordanka Ariosa y Hector Medina.

TRUMAN. Cesc Gay   (España – Argentina)

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La nueva película de Cesc Gay, protagonizada por Ricardo Darin y Javier Cámara, se centra en la relación de dos amigos: Julián recibe la visita inesperada de su amigo Tomás que vive en Canadá. Ambos, junto a Truman, su perro fiel, compartirán, a lo largo de cuatro intensos días, momentos emotivos y sorprendentes provocados por la difícil situación de Julián.

Fuera de concurso

MI GRAN NOCHE. Alex de la Iglesia   (España)

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Jose, en paro, es enviado por la ETT para trabajar como figurante en la grabación de un programa especial de Nochevieja, en pleno agosto. Cientos de personas como él llevan semana y media encerradas día y noche, mientras fingen reír, festejando estúpidamente la falsa venida del año nuevo. ¿Hay hueco para el amor en medio de ese caos incontrolable? Una comedia coral de Álex de la Iglesia en la que la estrella de la canción Raphael se une a un reparto impresionante: Carlos Areces, Carolina Bang, Luis Callejo, Mario Casas, Carmen Machi, Pepón Nieto, Terele Pávez, Ana Polvorosa, Carmen Ruiz, Hugo Silva, Santiago Segura, Blanca Suárez, Antonio Velázquez y Enrique Villén.

Proyecciones especiales

LEJOS DEL MAR. Imanol Uribe   (España)

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Imanol Uribe refleja en su última película el drama de unos personajes que se enfrentan a los horrores del pasado. Santi sale de la cárcel y viaja al sur para visitar a Emilio, un antiguo compañero de celda que arrastra una enfermedad terminal. La casualidad hace que tropiece con Marina, la doctora que atiende a su amigo, con quien Santi tuvo un encuentro terrible hace muchos años y que ha marcado desde entonces la vida de ambos. Elena Anaya y Eduard Fernández son los protagonistas.

NO ESTAMOS SOLOS. Pere Joan Ventura   (España)

Una historia coral de la gente que, desde la soledad o la multitud, desde el barrio o el estrado de una universidad, agita diariamente la vida en las ciudades españolas.

NUEV@S DIRECTOR@S

PAULA. Eugenio Canevari   (Argentina – España)

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Paula es una joven que vive y trabaja en la estancia de una familia burguesa cuidando a sus hijos. Su vida da un giro inesperado al descubrir que está embarazada de un joven que no se hace cargo de su paternidad. Ópera prima de Eugenio Canevari, que participó en el Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine de San Sebastián en 2013 con su corto Gorila baila.

PIKADERO. Ben Sharrock   (España – Reino Unido)

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Una pareja sin dinero encuentra serios obstáculos para consumar su fugaz relación en casa de sus padres, lo que pone en peligro una historia de amor que trata de librarse de los grilletes de una economía que se derrumba. Una comedia romántica protagonizada por Barbara Goenaga y Joseba Usabiaga.

HORIZONTES LATINOS

EL BOTÓN DE NÁCAR. Patricio Guzmán   (Chile – España – Francia)

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El cineasta chileno Patricio Guzmán nos habla en su nuevo documental del agua, el cosmos y nosotros, los humanos. Todo comienza con el descubrimiento de dos misteriosos botones en lo profundo del Océano Pacífico, en las costas chilenas.

MAGALLANES. Salvador del Solar   (Perú – Argentina – Colombia – España)

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Película ganadora del Premio Cine en Construcción en la pasada edición del Festival. Magallanes reconoce a una mujer que sube a su taxi. Es Celina, la campesina menor de edad que detuvo arbitrariamente hace más de veinte años, cuando él era soldado. Tienen ambos un asunto pendiente. Y Magallanes una oportunidad de redención. Damián Alcázar, Magaly Solier y Federico Luppi son los protagonistas.

ZABALTEGI

UN DÍA VI 10.000 ELEFANTES. Alex Guimerà, Juan Pajares   (España)

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Angono Mba, rememora la expedición en la que hizo de porteador para el cineasta Hernández Sanjuán recorriendo la Guinea Española entre 1944 y 1946, en busca de un misterioso lago, donde según contaba una leyenda, se podían ver 10.000 elefantes.

ISLA BONITA. Fernando Colomo   (España)

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Fernando Colomo protagoniza y dirige su nueva película. Fer, un veterano publicista que está pasando por una crisis vital, es invitado a la isla de Menorca por su amigo Miguel Angel. Una vez allí, se reunirá con Nuria, una escultora antisistema, y su hija Olivia.

MI QUERIDA ESPAÑA. Mercedes Moncada   (España)

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Jesús Quintero acuñó, durante su larga carrera de periodista, un inmenso universo de personajes, de todo tipo de registro, que incluía a los que estaban excluidos de la versión imperante del país. Sus entrevistas reflejan también la palabra que no se pronuncia, y a los cuerpos que hablan aunque los sonidos le contradigan; así sus entrevistas nos devuelven un espejo más rico y complejo donde contemplarnos. Esta narrativa y sus entrevistas, emitidas e inéditas, son la materia prima de este relato de los años de España en Democracia.

LA NOVIA. Paula Ortiz   (España – Turquía – Alemania)

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La segunda película de Paula Ortiz está basada en Bodas de Sangre de Federico García Lorca y protagonizada por Inma Cuesta, Asier Exteandía, Leticia Dolera y Álex García. La Novia, angustiada e infeliz, se prepara para su boda con El Novio en medio del desierto blanco… pero existe un hilo invisible, feroz e imposible de romper, que une a La Novia y a Leonardo.

THE PROPAGANDA GAME. Álvaro Longoria (España)

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Largometraje documental dirigido por Álvaro Longoria, en el que se analizan las diversas técnicas y estrategias de la Propaganda centrándose en el sorprendente y siempre llamativo caso de Corea del Norte. La película ha sido rodada aprovechando el acceso privilegiado a filmar en Corea del Norte de la mano de Alejandro Cao de Benós, el único extranjero que trabaja para el gobierno comunista.
  El film analiza las estrategias utilizadas por los diferentes «jugadores» para manipular la «verdad» y sus intereses. Noticias falsas, medias verdades y  polémicas surrealistas sirven para que el espectador llegue a sus propias conclusiones y reflexione sobre lo difícil que es saber la verdad.

DUELLUM (Cortometraje). Tucker Dávila Wood   (España)

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Un duelo en el bosque, un día cualquiera.

VELÓDROMO

EL DESCONOCIDO. Dani de la Torre   (España)

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Luis Tosar, Goya Toledo y Javier Gutiérrez protagonizan un thriller dirigido por Dani de la Torre. Cuando Carlos, ejecutivo de banca, arranca su coche, recibe una llamada que le anuncia que tiene una bomba debajo de su asiento. Apenas tiene unas horas para reunir una gran cantidad de dinero o su coche volará por los aires.

El vínculo sobrenatural por encima de la cruda realidad, tráiler de «One and Two»

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Primer tráiler del film independiente «One and Two«, la película supone el debut de Andrew Droz Palermo en un trabajo de ficción, antes había dejado buenas sensaciones con el documental «Rich Hill» ganador del premio al mejor documental en el festival de Sundance del pasado año. «One and Two» viene a ser una nueva muestra del ese cine independiente
 estadounidense cada vez más habitual en estos últimos años en donde se nos presenta un drama familiar con algún que otro elemento fantástico en su historia, la película que se estrenará en Estados Unidos el próximo 14 de agosto ha pasado con buena nota en la sección panorama del pasado festival de Berlín y el SXSW de hace bien poco.

«One and Two» nos cuenta como dos hermanos que viven apartados de la sociedad en una remota granja descubren una forma sobrenatural de escapar de un hogar con problemas, pero encuentran su vínculo a prueba cuando la realidad amenaza con destruir su familia.

La película está interpretada por Kiernan Shipka,  Timothée Chalamet,  Elizabeth Reaser,  Grant Bowler,  Kyle Bell,  Zachary Dylan Brown y Chantey Colet.

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«Blind» review

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«Blind» nos sumerge en la historia de Ingrid, quien tras haber perdido recientemente la vista se retirará a la seguridad de su hogar, sitio en el que poder sentir que está todo controlado, a solas con su marido y sus pensamientos
  pronto empezará a sospechar que su marido oculta algún secreto pero, ¿será fruto de su paranoia o habrá alguna amenaza real a la que temer? sin embargo, los problemas reales de Ingrid se hallan precisamente ahí, entre esas cuatro paredes del apartamento en el que se refugia y reside, empezando a aflorar sus profundos temores y sus fantasías más reprimidas.

«Blind» supone la ópera prima tras las cámaras de Eskil Vogt (guionista de «Reprise» 2006 y «Oslo, 31 de Agosto» 2011), ofreciéndonos una interesante aproximación en donde la percepción y la imaginación de su personaje principal basculan a lo largo de todo el metraje del film en forma de un acertado discurso metafórico sobre ceguera física y pasional y como esta puede llegar a desgranar la complejidad de las relaciones personales y el vacío existencial inherente del mundo adulto y sus supuestos vínculos de pareja, estamos pues ante un original estudio sobre esa ceguera emocional antes comentada que sabe alejarse de manera inteligente del prototipo de film confuso argumentalmente hablando, una primera impresión puede conducir a esta apreciación, nada más lejos de la realidad, el objetivo de Eskil Vogt es otro bien distinto que el mero hecho de despistar al espectador a la hora de narrar.

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En «Blind» todo llega ha estar conjugado de una manera intencionada y condicional en lo que respeta a las fantasías ficcionadas de su protagonista, el reto de la película consiste (y ahí radica su principal virtud) en lograr situar al espectador en la piel de una persona ciega que no se preocupa en absoluto por lo real más que en la medida de lo que ella misma quiere conseguir visualizar en su subconsciente, por consiguiente cada nueva escena constituye una nueva ocasión o posibilidad de dar con un hallazgo cambiante de manera inesperada en su puesta en escena o de guion, consiguiendo dirigirla de una forma clara hacia una narración que podría calificarse como totalmente sensorial, lanzando al mismo tiempo un lucida reflexión que versa sobre la insatisfacción de una persona. Eskil Vogt da muestras de mucho humor (ese humor nórdico tan característico e inusual) e imaginación en este sentido, su lado más lúdico logra aligerar el peso de lo que ante todo es un drama sobre la desintegración de una pareja y el aislamiento de una mujer por causa de un aflicción física y moral. El director nórdico embarca al espectador hacia una experiencia que sutilmente se termina transformando en algo alejado completamente de lo que se supone que es una narración clásica.

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Aunque en ocasiones la película puede llegar a resultar algo cruda y directa en su puesta en escena, esta puede llegar a estar por momentos provista de una abundancia de escenas pornográficas que puede pillar por sorpresa a más de uno, en «Blind» no llegan a faltar ni la inteligencia ni las citas, Eskil Vogt termina haciendo una perfecta metáfora con el propio título del film al jugar dentro de su propia narración de una manera inteligente, alejándose conscientemente de ser caprichoso de forma gratuita y aportando ricos matices intercalados dentro de sus escenas. «Blind» posee también esa frialdad escandinava tan característica, llegando a estar representada en este aspecto y de manera inmejorable en la fisionomía de su actriz principal, hermosa pero extraña, una excelente elección de casting que corrobora todo el potencial interpretativo de la bella Ellen Dorrit Petersen.

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De la misma manera se tendría que destacar varios aspectos técnicos del film, por ejemplo su apartado visual es contundente, cuidado y pulcro, también resaltar su extraordinario sonido, impresionante en su afán por recrear notablemente las texturas sonoras captadas por la protagonista, algo que lamentablemente hace que su BSO no llegue a estar a la altura al equipararla, esta cumple sin más dando cierta sensación poco equilibrada en su conjunto con respecto a este apartado. «Blind» termina siendo una película original y muy recomendable de ver que nos habla y nos hace reflexionar al mismo tiempo de que lo que vivimos rara vez coincide con lo que deseamos, Eskil Vogt pues se sitúa como uno de los directores más interesantes del actual panorama cinematográfico europeo, cuya futura trayectoria habrá que seguir muy de cerca a partir de ya.

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Halloween en segmentos, tráiler oficial de «Tales of Halloween»

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Fue en la pasada Comic-Con de San Diego donde se dio a conocer el primer tráiler de la película de antologías de terror «Tales of Halloween«, film que tendrá su premiere mundial en el Fantasia International Film Festival. «Tales of Halloween» se estrenará en Estados Unidos el próximo 16 de Octubre, su tráiler que tiene una pinta inmejorable lo que podéis ver a final de página.

«Tales of Halloween» está compuesto por 11 episodios y sigue en algo la estela de la muy reivindicable  «Trick or Treat» ambientado todos los capítulos en la noche de Halloween, las historias y directores que componen la película son los siguientes, «BAD SEED» Directed by Neil Marshall, «GRIMM GRINNING GHOST» Directed by Axelle Carolyn, «THE WEAK AND THE WICKED» Directed by Paul Solet, «FRIDAY THE 31st» Directed by Mike Mendez, «TRICK» Directed by Adam Gierasch, «THE RANSOM OF RUSTY REX» Directed by Ryan Schifrin, «DING DONG» Directed by Lucky McKee, «THIS MEANS WAR» Directed by Andrew Kasch and John Skipp, «THE NIGHT BILLY RAISED HELL» Directed by Darren Lynn Bousman y «SWEET TOOTH» Directed by Dave Parker.

El reparto del film está compuesto entre otros por Pat Healy, Barry Bostwick, Noah Segan, Booboo Stewart, Greg Grunberg, Clare Kramer, Alex Essoe, Lin Shaye, Dana Gould, James Duval, Elissa Dowling, Grace Phipps, Pollyana McIntosh, Marc Senter, Tiffany Shepis, John F. Beach, Trent Haaga, Casey Ruggieri, Kristina Klebe, Cerina Vincent, John Savage, Keir Gilchrist, Nick Principe, Amanda Moyer, Jennifer Wenger, Sam Witwer, Jose Pablo Cantillo, Ben Woolf, Caroline Williams, Robert Rusler, Cameron Easton, Austin Falk, Madison Iseman, Daniel Dimaggio, Natalie Castillo, Ben Stillwell y Hunter Smit, la película también contará con cameos de gente tan afín al género como Joe Dante, John Landis, Mick Garris, Stuart Gordon, Adrienne Barbeau o Adam Green.

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Takeshi Kitano se pone a las órdenes de Wayne Wang en «While the Women Are Sleeping»

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Viendo que su trayectoria como director se encuentra algo estancada
 (su último film aún por estrenar «Ryuzo And The Seven Henchmen» no parece dar síntomas de mucha mejoría) el japonés Takeshi Kitano después de 12 años se vuelve a pone delante de las cámaras para interpretar un papel protagonista en una película no dirigida por él mismo. Será en la nueva cinta del hongkonés Wayne Wang «While the Women Are Sleeping«, un filme basado en el relato de 1990 Mientras ellas duermen, del escritor español Javier Marías.

El film además de Takeshi Kitano está interpretado por la australiana Shiori Kutsuna y los japoneses Hidetoshi Nishijima y Sayuri Oyamada. La película que tiene previsto su estreno para el próximo año trata sobre una pareja formada por un hombre maduro (Kitano) y una chica mucho más joven que él (Shiori Kutsuna). Ambos se convierten en el centro de la obsesión de un escritor (Hidetoshi Nishijima) en un complejo turístico cerca del mar.

Amistades quebradas, tráiler del thriller psicológico «Queen of Earth»

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Póster y primer tráiler (subtitulado en francés) que podéis ver a final de página de la cinta independiente «Queen of Earth«, un interesante en apariencia drama psicológico que recuerda en estilo a ciertas películas dirigidas años atrás por Roman Polanski o Ingmar Bergman protagonizadas por mujeres ubicadas dentro de un escenario de tono algo claustrofóbico, el film que se pudo ver en el pasado festival de Berlín y en el
 BAFICI está escrito y dirigido por Alex Ross Perry (Listen Up Philip). La película se estrenará el próximo 25 de agosto en Estados Unidos, en Francia lo hará el mes de septiembre.

«Queen of Earth» nos cuenta como una pareja de mejores amigas se retiran a una casa en la playa para liberar presiones y estrés, tras sufrir una de ellas una traumática ruptura sentimental. Fueron grandes amigas en el pasado, pero durante estos días juntas se dan cuenta de cómo han desconectado entre ellas con el paso del tiempo, haciendo que sospechas pasadas y resquemores presentes afloren inesperadamente.

La película está interpretada por Katherine Waterston,  Elisabeth Moss,  Patrick Fugit,  Kate Lyn Sheil,  Kentucker Audley y Keith Poulson.

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«The Nightmare» review

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«The Nightmare» explora el fenómeno de la parálisis del sueño a través de los ojos de ocho personas. Ellos a menudo se encuentran atrapados entre el sueño y la vigilia, incapaces de moverse, pero conscientes de su entorno, mientras quedan sujetos a lugares de lo más inquietantes.

Hace pocos años Rodney Ascher nos sorprendía con el excelente documental «Room 237«, una fascinante reflexión que exploraba y proponía una serie de alucinógenas teorías ocultas sobre los posibles significados de la mítica «The Shining» de Stanley Kubrick, hablándonos acerca de las obsesiones de un variopinto grupo de personas en busca de simbolismos utópicos dentro del film, un trabajo sin embargo que siempre he tenido la sensación que no llego a ser entendido en toda la plenitud de su estimulante propuesta pues la película de Ascher no dejaba de ser una brillante disección que lindaba casi en una broma dirigida al público geek, estando camuflada de formato de falso documental, y que servía al mismo tiempo como una reflexión hacia esa nueva crítica inmersiva, una nueva forma de experimentar y analizar las películas y series que cada vez está más en boga. Ahora Rodney Ascher vuelve a incidir en el formato documental con «The Nightmare«, un trabajo que visto el precedente y el tema que trata prometía bastante más de lo que finalmente nos da.

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«The Nightmare» recopila información detallada en forma de testimonios de ocho entrevistados que relatan sus experiencias sobre la denominada “parálisis del sueño”, un trastorno que se sufre entre el estado de sueño y de vigilia y que provoca una parálisis transitoria en la que la persona es incapaz de cualquier tipo de movimiento voluntario, un documental que recurre en parte al modo ficcionado a la hora de representar en pantalla parte de esas experiencias de las que nos hablan los sufridos testimonios, el problema del film de Rodney Ascher viene dado en que a la media hora del film este agota casi por completo la fórmula que nos propone, se reincide una y otra vez de manera algo torpe sobre lo ya explicado y uno tiene la sensación de que llegados a este prematuro punto todo lo que se tenía que contar ya está de sobra expuesto, de la misma manera hay una evidente irregularidad en los testimonios, si exceptuamos a tres de los entrevistados los demás son casi anecdóticos, esto provoca evidentes socavones de ritmo pues asistimos a un vaivén narrativo algo desestructurado dando cierta sensación de que todas las piezas del puzle no estén calibradas de una manera acorde y lineal.

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Tampoco ayuda en exceso la forma en que Rodney Ascher estructura el documental para que este discurra de una forma liviana, no hay prácticamente un solo momento dentro del film en se abandone la dinámica del testimonio-recreación, aunque si tuviera que destacar la principal falla de «The Nightmare» este sería su no posicionamiento entre lo documental y la ficción, la película se queda de una forma clara en tierra de nadie, se puede llegar a entender en lo referente a la parte ficcionada dada la propia naturaleza del producto pero en la parte documental se nota de forma clara una carencia explicativa hacia lo científico, apenas hay referencia informativas medicas sobre los casos, posiblemente si se hubiera recurrido a este aspecto aunque fuera de manera leve se habría paliado en algo esa sensación repetitiva que prácticamente inunda todo el metraje del film.

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De todas maneras tampoco quiero el resaltar a «The Nightmare» como una mala película documental, de echo está por encima de la media de productos de una naturaleza similar, tiene un empaque visual potente, al mismo tiempo poseedora de un openning bastante sugerente y un trabajo en lo referente al sonido bastante acertado, simplemente estamos ante un film fallido que no cumple con las expectativas depositadas en el en un principio, no estando a la altura de su interesante propuesta. Posiblemente Rodney Ascher tendría que proponerse en el futuro dar el salto a la ficción, pues estamos ante un director que al igual que Mark Hartley ha demostrado en el pasado dentro del género del documental una innegable soltura y habilidad a la hora de manejar los recursos con los que dispone, unas habilidades estas que bien utilizadas dentro de la ficción podrían dar unos resultados a priori bastante prometedores.

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Valoración 0/5:2’5

La violencia de «Green Room» y el porno romántico de «Love» se suman a Sitges 2015

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Será una edición marcada por la pluralidad, que acogerá el terror sobrenatural de ‘We Are Still Here’ y lo último del cine asiático. La 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya continúa añadiendo títulos a su programación. El director del certamen, Ángel Sala, anunció ayer algunas de las nuevas incorporaciones a Sitges 2015 en un encuentro mantenido con el público en la Fàbrica Mortiz de Barcelona. Las esperadas Green Room, de Jeremy Saulnier, y Love, de Gaspar Noé, estarán en Sitges 2015.

El director de Blue Ruin, Jeremy Saulnier, causó impacto en Cannes con Green Room, una sangrienta batalla entre una banda punk y una de skinheads. Cine independiente norteamericano de ultraviolencia, protagonizado por el capitán Jean-Luc Picard, Patrick Stewart.

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Green Room

Tras las transgresoras Irreversible y Enter the Void, Gaspar Noé, director argentino afincado en Francia, cierra la trilogía con Love, un experimento de romanticismo pornográfico en 3D que también creó controversia en Cannes. El film mantiene los ambientes claustrofóbicos de las cintas anteriores, aunque se adentra en el terreno del melodrama, centrado en la historia de un triángulo amoroso lleno de flash-backs, drogas, música y fluidos.

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Love

En la programación del Festival no podía faltar un subgénero con numerosos adeptos siempre fieles, el del terror de casas encantadas. En Sitges 2015 podrán disfrutar con We Are Still Here, opera prima de Ted Geoghegan, protagonizada por la mítica Barbara Crampton (Doble cuerpo, Re-Animator, The Lords of Salem, entre otros).

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We Are Still Here

En una 48ª edición que mira con especial atención hacia Japón, tres producciones se añaden a  las nuevas propuestas, ya anunciadas, de Takashi Miike (Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld), Sion Sono (Love & Peace) o las dos partes de Ataque a los Titanes. Se trata de la adaptación animada de estas últimas; Parasyte, adaptación del manga homónimo de Hitoshi Iwaaki, dirigido por Takashi Yamazaki, que también se verá en dos partes, y The Ninja War of Torakage, el retorno del director Yoshihiro Nishimura, que se aleja del gore de anteriores cintas como Tokyo Gore Police o Vampire Girl vs Frankenstein Girl.

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Parasyte

Sin movernos de Asia, el Festival anuncia The Taking of Tiger Mountain, de Tsui Hark, una coproducción entre China y Hong Kong de temática bélica, y SPL 2: A Time for Consequences, dirigida por Pou-Soi Cheang, proveniente de Hong Kong.

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The Taking of Tiger Mountain

Sitges 2015 –una edición centrada en el homenaje a Seven, de David Fincher, en el 20 aniversario de su estreno– ya ha anunciado uno de los premiados: el director Nicolas Winding Refn, que recibirá el Premio Màquina del Temps. Entre las películas más esperadas que cubrirán la parrilla destacan Victoria, de Sebastian Schipper; la última producción made in Blumhouse, The Gift, los niños zombies de Elijah Wood en Cooties, o el Schwarzenegger más dramático de Maggie. Por lo que se refiere a la producción catalana, el Festival presentará Segon origen, de Carles Porta; El cadáver de Anna Fritz, de Hèctor Hernández Vicens; Vulcania, de José Skaf; Summer Camp, de Alberto Marini y Sacramento, de Carlos Ca& ntilde;eque.

Primer avance en forma de tráiler de la segunda temporada de «Fargo»

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Fue una de la grandes sorpresas de la pasada temporada televisiva, la miniserie «Fargo» venía a ser una brillante aproximación al clásico film de los hermanos Cohen reincidiendo y compartiendo elementos en común como su violencia y humor negro, y poseedora al mismo tiempo de una indiscutible calidad artística que le permitió ganar como mejor serie dramática en los pasados premios Emmys, ahora nos llega un primer avance de esta segunda temporada en forma de tráiler que podéis ver a final de página, la serie volverá a contar con diez capítulos de duración tiene previsto su emisión para el próximo mes de septiembre, de hecho estamos ante una precuela de la anterior temporada, contándonos la historia de un joven policía (padre de Molly, la agente de policía interpretada por la actriz Allison Tolman). En la primera temporada el papel estuvo interpretado por el actor Keith Carradine.

En esta segunda temporada de «Fargo» nos situaremos a finales de la década de los setenta, presentándonos como principal protagonista a Lou Solverson, un agente de policía que ha pasado por el duro trance de la Guerra de Vietnam y que intenta acostumbrarse a su nuevo trabajo como agente de policía.

La serie está protagonizada por Patrick Wilson,  Kirsten Dunst,  Ted Danson,  Jean Smart,  Jesse Plemons,  Nick Offerman y  Keir O’Donnell.

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Akira Kurosawa. El Emperador y el Lobo

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Cuando se cumplen 100 años del nacimiento del cineasta japonés más internacional de todos los tiempos es un buen momento para repasar su obra. Sus películas han inspirado popularísimas versiones norteamericanas e influido en directores como George Lucas, Steven Spielberg, Francis Ford Coppola y Martin Scorsese. Su impacto sobre el mundo del cine internacional es indiscutible.

Este libro analiza en profundidad a este gran artista y su legado cinematográfico, combinanando detalles curiosos, muchos de ellos no conocidos hasta ahora, sobre la tumultuosa vida de Kurosawa y la tormentosa relación que mantuvo con los estudios y con su actor fetiche, Toshiro Mifune, con una perspicaz lectura de los grandes temas de la obra del cineasta japonés. Stuart Galbraith se detiene en su infeliz experiencia al frente de algunos pasajes de ¡Tora! ¡Tora! ¡Tora! y en cómo su afán creativo le llevó a recuperarse y completar una espléndida filmografía.

Pero además de la crónica de la vida y el arte de Akira Kurosawa, El emperador y el lobo es la historia del cine japonés, su evolución, sus directores y sus actores, y un irreverente estudio de las culturas norteamericana y nipona, el punto de vista desde el que cada sociedad observa a la otra y un comentario sobre cómo eran recibidas las grandes cintas japonesas en su país y en el resto del mundo.

«Si usted tiene algún interés en el trabajo de Kurosawa en particular o en el cine japonés en general, este libro es de lectura obligada»

MARTIN SCORSESE

 

•UNA NOTA SOBRE EL TEXTO Y UNOS CUANTOS COMENTARIOS PERSONALES

•AGRADECIMIENTOS

•INTRODUCCIÓN

1.Fragmentos

2.P.C.L. y Yama-san

3.Pisando la Cola del Tigre

4.Nuevos Rostros de 1946

5.Tres gangsters, un día de campo y pimienta de cayena

6.Perros rabiosos

7.Una nueva década

8.Una puerta abierta al mundo

9.Paso en falso

10.Vivir

11.Los siete magníficos

12.La edad de oro

13.Vivo con miedo

14.Dos obras de teatro

15.Entretenimiento cien por cien

16.Viento

17.Moras, camelias y cactus

18.Cielo e Infierno

19.Lluvia

20.Sekai no Mifune-Mifune del mundo

21.Fuego

22.Loco por el tranvía

23.Ronin

24.Siberia

25.Señores y Gaijin

26.Nubes

27.Vagabundo

28.Aún no

29.La sombra del lobo; después de la lluvia

 

•FILMOGRAFÍA

•BIBLIOGRAFÍA

•ÍNDICE ONOMÁSTICO

Autor; Stuart Galbraith IV. Editorial; T&B Editores. Páginas; 648

El lado oscuro de la infancia, tráiler de «The Boy»

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Los niños también pueden llegar a transformarse en unos sociópatas, no pocas películas han tratado el tema, el film independiente «The Boy» es un escalofriante retrato íntimo de la creciente fascinación de un niño con la muerte y las nefastas consecuencias que ello puede acarrear a su alrededor, la película que se pudo ver en el pasado SXSW está dirigida y escrita por el debutante Craig William Macneill y tiene previsto su estreno en Estados Unidos el próximo 18 de agosto en salas limitadas y VOD. Su perturbador tráiler y varias de sus imágenes lo podéis ver a final de página.

«The Boy» trascurre en el verano de 1989, Ted Henley un niño de nueve años y su padre John son los propietarios del Vista Motel, un complejo de ruinas enterradas en las montañas del oeste americano. Desde la madre de Ted se fue, John ha caído en el desánimo, dejando a Ted a su suerte. En este aislamiento sin control y en los límites de la enseñanza de los hijos, los impulsos más oscuros de Ted comienzan a manifestarse. La llegada de un vagabundo misterioso cautiva a Ted y los dos forman una extraña amistad, preparandose el escenario final para la metamorfosis del joven Ted.

La película está interpretada por David Morse, Rainn Wilson, Jared Breeze, Bill Sage, Mike Vogel, Zuleikha Robinson, Aiden Lovekamp y David Valencia.

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Elio Quiroga gana el Premio Minotauro 2015 con la novela de ciencia ficción «Los que sueñan»

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La reunión y fallo del Jurado del Premio Minotauro 2015 tuvo lugar ayer martes 14 de julio en Barcelona y la obra que ha resultado ganadora es Los que sueñan, de Elio Quiroga. Los que sueñan es una novela de ciencia ficción pura, que refleja el auge internacional que vive ahora el género. Es una historia que plantea un dilema muy actual, y que sorprende al lector constantemente.

Elio Quiroga es escritor, guionista y director de cine. Ha publicado tres novelas: El despertar (Timun Mas), Los códices del Apocalipsis (Tyranosaurus Books) e Ydill (Dolmen). Ha dirigido cuatro largometrajes: Fotos (Premio al mejor guión y Premio especial del jurado en el Festival de Sitges, 1997), La hora fría (2007), No-Do (2009) y The Mystery of the King of Kinema (2015), además de numerosos cortometrajes.

El 6 de octubre de 2015 saldrá a la venta el libro y el 13 de octubre se presentará en Sitges a las 12h en rueda de prensa, con la presencia del autor y los miembros del Jurado. La entrega oficial del Premio será también el día 13, sobre las 20h, antes de la proyección de una de las películas del Festival.

El Premio Internacional de Ciencia Ficción y Literatura Fantástica de Ediciones Minotauro alcanza ya su duodécima edición. Autores como Javier Negrete, León Arsenal, Carlos Sisí o Clara Tahoces figuran entre sus ganadores y se ha consolidado como un referente de la literatura de género, dotado con 6.000 euros.

Además, por segundo año, el Premio Minotauro se ha vinculado a Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que en su 48ª edición acogerá la rueda de prensa y entrega del Premio. Esta iniciativa vincula el Premio Internacional de Literatura Fantástica y Ciencia Ficción con el primer festival de cine fantástico del mundo, y busca ofrecer a todos los aficionados al género la ocasión de disfrutar y participar del evento que significa la entrega de la distinción.

Ediciones Minotauro es el sello editorial más significativo en el panorama de la ciencia ficción, la literatura fantástica y el terror en castellano. En su catálogo encontramos autores clásicos como Tolkien, Philip K. Dick o Ray Bradbury, junto a nuevos valores como Kim Stanley Robinson, John Scalzi o Christopher Moore, y autores nacionales como Laura Gallego, José Carlos Somoza o Nerea Riesco.

El Festival de Sitges está considerado el primer festival de cine fantástico del mundo. Creado en 1968, Sitges es un privilegiado escaparate de las múltiples opciones que ofrece el cine de género, así como una plataforma de exhibición de las últimas tendencias de la producción audiovisual, a través de las trece secciones que estructuran su programación.

Sion Sono suma y sigue, tráiler de «The Virgin Psychics»

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Tras «Love & Peace«
y «Shinjuku Swan« nos llega un tercer trabajo del incansable Sion Sono para este 2015, se trata de «The Virgin Psychics«, adaptación del manga Minna! Esper Dayo! de Kiminori Wakasugi que ya conoció una versión televisiva hace pocos años. Su fecha de estreno en Japón será para el próximo 4 de septiembre y su alocado primer teaser tráiler lo podéis ver a final de página.

«The Virgin Psychics» nos cuenta como un tímido estudiante algo ordinario y virgen llamado Yoshirō de repente adquiere la extraña habilidad de leer la mente de otras personas. Pero no será la única persona con estos poderes. Terumitsu Nagano, también aparentemente retraído y virgen, y que trabaja en un café cercano a la escuela de Yocchan adquiere también poderes mentales que usa con juguetes eróticos. Al mismo tiempo Yōsuke Enomoto, probablemente virgen y jugadora de baloncesto es capaz de tele portarse, pero solo cuando se encuentra desnuda.

La película está interpretada por Shota Sometani, Elaiza Ikeda, Erina Mano, Makita Sports, Motoki Fukami, Reiya Masaki, Megumi Kagurazaka, Ken Yasuda, Maryjun Takahashi, Ami Tomite, Rosa Sahel y Anna Konno.

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Tráiler para la nueva miniserie de David Simon, «Show Me a Hero»

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La nueva miniserie a cargo del gran David Simon «Show Me a Hero» ya tiene fecha de emisión, será el próximo 16 de agosto de la mano como no podía ser de otra manera de la HBO, la miniserie constara de seis episodios y su primer tráiler lo podéis ver a final de página. El guionista, ex periodista y creador de series tan fundamentales como
 «The Wire«, «Generation Kill» y «Treme» nos presenta en esta ocasión la adaptación junto a William F.Zorzi del libro del mismo nombre escrito por Lisa Belkin y publicado en 1999. En la dirección nos encontramos al oscarizado Paul Haggis (Crash).

«Show Me a Hero» nos cuenta la historia real de Nick Wasicsko, alcalde de Yonkers (Nueva York), la serie explora las nociones de hogar, raza y comunidad a través de las vidas de burócratas, activistas y ciudadanos de dicha localidad. El joven alcalde se enfrenta a una orden judicial que le obliga a construir un grupo de viviendas para familias sin recursos en los barrios blancos de su ciudad. El proyecto dividirá a la ciudad.

La serie está protagonizada por Oscar Isaac,  Catherine Keener,  Winona Ryder,  Alfred Molina,  Jim Belushi,  Bob Balaban,  Clarke Peters,  Jon Bernthal,  Latanya Richardson-Jackson,  Terry Kinney y Daniel Stern.

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«Fièvre» (Horsehead) review

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En 1781, Henry Fuseli pintó su cuadro La pesadilla, en el que el sueño de una joven era atormentado por un incubo y por un aterrador caballo blanco, estas visiones parecen inspirar a Jessica que ha comenzado a estudiar la psico-fisiología de los sueños en un intento de entender su significado. Cuando su abuela muere, Jessica vuelve a su casa familiar en la campiña francesa, donde recibe un frío desdén por parte de su madre. Después de una difícil primera noche, Jessica usa su estado postrada en cama para practicar el arte del sueño lúcido. Jessica pronto descubre que su abuela había estado obsesionada con la misma aparición que ahora persigue sus propias pesadillas. Cuanto más bucea en sus sueños, más aprende sobre los oscuros secretos profundamente arraigados en su línea de sangre. Secretos que la llevan a una monstruosa cabeza de caballo.

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He de confesar que siempre he sentido una cierta predilección poco racional hacia las películas poseedoras de una narrativa criptica o aquellas que se sustentan casi por completo en base en el arte visual a través de sus imágenes, evidentemente siempre que el conjunto tenga un sentido y sobre todo una coherencia en sí mismo, pues estamos ante una categoría de films en que las fronteras de la genialidad y pretenciosidad son algo difusas, penden de un hilo demasiado frágil. Romain Basset debuta tras las cámaras con «Horsehead«, una clara muestra de ese cine figurativo antes mencionado en donde más que mostrarnos una narrativa criptica estamos ante un amplio y extenso muestrario onírico donde simbología e imágenes efectistas campan a sus anchas durante gran parte de su metraje.

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El principal problema de «Horsehead» radica es su evidente irregularidad a la hora de cohesionar la realidad y el mundo onírico, si bien ese surrealismo es la parte de la película más conseguida, excelente trabajo en su fotografía a cargo de Vincent Vieillard-Baron, consiguiendo
 una lograda estética de tono gótico-bizarro en su atmósfera que la emparenta de algún modo al cine de un Dario Argento en su mejor etapa «Suspiria» e «Inferno» muy especialmente, y prescindiendo por completo de uso digital a la hora de rodar estas escenas algo que le confiere al film un halo de artesanilidad bastante sugerente, el problema del film vine  cuando  Romain Basset nos muestra esos momentos de supuesta tregua, momentos familiares de aparente realidad que rompen casi por completo su ritmo narrativo, deviniendo estos como lastre algo tedioso al conjunto, como impuesto de una manera poco inteligente. En este sentido es cuando se aprecia de una manera meridiana que Romain Basset no se ha atrevido a poner toda la carne en el asador, como sí que suelen hacerlo por ejemplo Hélène Cattet y Bruno Forzani («Amer«, «L’étrange couleur des larmes de ton corps«) pese a las consecuencias que ello pueda acarrear, ese juego a dos bandas impuesto por Basset es evidente que no favorece a una propuesta en principio destinada a ser una especie de referencias en forma de puzle psicológico acerca de diversos traumas de tintes casi freudianos.

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No creo que «Horsehead» sea un film hueco o pretensioso, simplemente es un producto que no termina de cuajar en su totalidad, en su idea de fusionar esos intervalos entre la realidad con los sueños, algo descompensado en su conjunto pero poseedor de un notable sentido a la hora de plasmar ese imaginario psicoonirico, una muestra de cómo experimentar un tipo cine de terror plagado de simbologías algo distinto a lo acostumbrado por el espectador, si además tenemos el placer de volver a ver en pantalla a la antigua chica Fulci
 Catriona MacColl y a la esplendorosa Lilly-Fleur Pointeaux como su principal protagonista, igual el visionado de «Horsehead» puede llegarse a convertir en un pequeño placer no confesado para el fiel seguidor del fantástico menos convencional.

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Valoración 0/5:3

«Ash vs Evil Dead» anuncia fecha de estreno y presenta un prometedor primer tráiler

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La Comic-Con 2015 fue el escenario elegido por la cadena Starz para lanzar el primer tráiler de la esperada serie «Ash vs. Evil Dead«, Sam Raimi quien se encarga de dirigir el piloto de la serie comento en dicho evento que la serie es como el regreso que Ash siempre debió tener, además anunció que si Starz decide renovar el programa, estará de vuelta en la segunda temporada, es realmente una continuación de las películas de Evil Dead, lo cierto es que visto el tráiler y las buenas sensaciones que ha ofrecido este primer avance las expectativas están altas y más viendo que la esencia y los responsables de la trilogía Sam Raimi, Rob Tapert y Bruce Campbell están ahí. La cadena Starz estrenará “Ash vs Evil Dead” el próximo 31 de octubre, coincidiendo con la festividad se Halloween, la serie constará de diez episodios en su primera temporada con una duración de 30 minutos cada uno.

«Ash vs Evil Dead» es una secuela directa de la saga de películas «Posesión infernal» situándose después de los eventos de «El ejército de las tinieblas«, con un Ash que lleva los últimos 30 años evitando la responsabilidad, madurez y terrores surgidos del Necronomicón. No obstante cuando una plaga de Deadites (humanos poseídos por demonios de Kandarian) amenace con destruir a toda la humanidad, Ash tendrá que meterle mano de nuevo a su motosierra para hacer frente a sus demonios… de manera literal.

La serie está interpretada por Bruce Campbell,  Lucy Lawless,  Ray Santiago,  Dana DeLorenzo y Jill Marie Jones.

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Don Coscarelli. Phantasmas, momias y otras bestias

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La primera monografía dedicada íntegramente al director de cine Don Coscarelli, en España y a nivel internacional. En Phantasmas, momias y otras bestias, Gerardo Santos realiza un riguroso y profundo análisis a través de toda la filmografía del cineasta Don Coscarelli, desde sus primeras películas Jim, The World’s Greatest y Kenny & Company, hasta John muere al final, su última producción estrenada hasta la fecha, pasando por la saga Phantasma (que lo dio a conocer a nivel internacional) y sus otras producciones alejadas del cine de terror como El señor de las Bestias o Escuela de supervivencia, sin pasar por alto su incursión en Masters of Horror con Esculturas humanas y la mítica Bubba Ho-Tep, protagonizada por Bruce Campbell. Un recorrido que muestra el talante y el talento de Don Coscarelli, un realizador que ha sabido adaptarse a las diversas situaciones que se le han presentado a lo largo de una carrera que ha desarrollado a caballo entre los grandes estudios y las producciones más indies. Un detallado trabajo que nos muestra las constantes de su cine, su manera de trabajar, sus actores fetiche y los entresijos de las producciones que ha desarrollado.

Con prólogo de Francisco Miguel Collado Gabaldón, administrador de la comunidad española dedicada a Phantasma (www.phantasma.es)

Sobre el autor

 Gerardo L. Santos Bocero

 Nacido en Murcia (1982), criado en Madrid y residente en Almería desde los doce años, es Maestro en Educación Musical, Licenciado en Psicopedagogía y Titulado Profesional de Conservatorio en Piano y Violoncello;

 En 2014 publicó La leyenda del luchador borracho (y otras 99 películas con patadas y puñetazos de Jackie Chan) (Diábolo Ed.), el primer libro en castellano dedicado al actor hongkonés y Premio Imaginamálaga 2015 al mejor escritor revelación. En la actualidad, prepara nuevos libros relacionados con el séptimo arte y colabora en el periódico La Voz de Almería, escribiendo sobre cine y TV en su columna “La última escena”. www.laultimaescenaalaizquierda.blogspot.com

Autor; Gerardo Santos Bocero. Editorial; TYRANNOSAURUS BOOKS. Páginas; 266

Tráiler para lo nuevo de Apichatpong Weerasethakul «Cemetery of Splendor»

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Presentada en el pasado festival de Cannes dentro de la sección Un Certain Regard, el nuevo film del siempre interesante
 Apichatpong Weerasethakul «Cemetery of Splendor» (Rak ti Khon Kaen) estrena un primer teaser tráiler que podéis ver a final de página, el cineasta tailandés ha contado en esta ocasión con un libreto a cargo de Diego García. El director de la excelente «El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas» nos presenta en esta ocasión una historia a través de los sueños y la memoria contada a modo de falso documental y que seguro no defraudara a  los amantes de su cine.

«Cemetery of Splendor» nos cuenta como unos soldados con una misteriosa enfermedad del sueño son enviados a una clínica temporal en un antiguo colegio. Una memoria completamente ocupada es un revelador mundo para la ama de casa y voluntaria Jenjira, que cuidará de Itt, un atractivo soldado sin visitas familiares. Un amigo de Jenjira, Keng, se valdrá de sus poderes psíquicos para comunicarse con el comatoso joven. Los médicos, entretanto, exploraran diferentes métodos y terapias para hallar los problemas de sueño de Itt. Jenjira descubrirá un críptico diario lleno de extraños textos y dibujos, lo que supondrá una conexión entre el enigmático síndrome y la mítica anciana. Magia, curación, amor y sueños son parte del camino de bondad hacia el mundo de Jenjira.

La película está interpretada por Jenjira Pongpas y  Banlop Lomnoi.

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El universo ‘pulp’ de Vicente Ballestar se expondrá en Sitges 2015

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El mundo fantástico del Cazafantasmas John Sinclair y todo un cosmos habitado por cowboys, piratas y batallas épicas estará presente en la 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya a través de una exposición de la obra del ilustrador Vicente B. Ballestar (1929-2014).

El artista barcelonés, uno de los creadores del género dark pulp y realistic supernatural, poseía un estilo caracterizado por el movimiento dinámico, los claroscuros, las expresiones faciales y las ambientaciones en escenarios de peligro y misterio. Son ilustraciones dramáticas y teatrales de héroes que transportan al espectador directamente al mundo del imaginario.

Vicente Ballestar alcanzó la fama con las portadas del Cazafantasmas John Sinclair, el western G. F. Unger y el mundo del Profesor Zamorra, revistas pulp de las décadas de los 70, 80 y 90. “Siempre intentaré dotar a las ilustraciones de novela pulp de un sentido artístico”, explicaba. Las imágenes del artista combinan la cotidianidad de la época con un mundo sobrenatural de seres humanos, monstruos y máquinas.

Sitges 2015 expondrá alrededor de 45 obras de Ballestar en el Palau de Maricel, que se podrán visitar entre el 9 y el 18 de octubre, durante los días del Festival. El Palau de Maricel se incorporó al mapa de espacios del Festival hace dos años acogiendo algunas de las exposiciones que llenan las activitades paralelas del certamen. En 2013 mostró los carteles de las primeras 45 ediciones del Festival y el año pasado presentó dos muestras: una con serigrafías de diferentes artistas sobre Tetsuo y otra con ilustraciones fantásticas de Carles Ganya.

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Tráiler oficial de «Goosebumps», la esperada adaptación al cine de las novelas de R. L. Stine

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Sony acaba de lanzar un primer tráiler en castellano que podéis ver a final de página de «Goosebumps«, adaptación de la popular serie de libros escritos por Robert Lawrence Stine (conocida bajo el titulo de Pesadillas o Escalofríos en países de habla hispana) y que ya fue adaptada con anterioridad a la televisión en los noventa, la película está dirigida por Rob Letterman quien repite por tercera vez con el actor Jack Black tras coincidir en «Shark Tale» y
 «Gulliver´s Travels«, visto su tráiler parece que estamos ante comedia fantástica destinado a todos los públicos y que recuerda en algo a otro film de características similares como fue «Jumanji«. «Goosebumps» se estrenará el próximo 16 de octubre en Estados Unidos mientras que en España tendremos que esperar hasta el 4 de diciembre.

«Goosebumps» nos cuenta como el adolescente Zach Cooper se muda sin muchas ganas con su familia desde la gran ciudad de Nueva York al pequeño pueblo de Greendale. Allí, encuentra un resquicio de esperanza cuando conoce a una hermosa chica, Hannah, que vive justo al lado, y se hace rápidamente amigo de Champ. Pero toda esperanza se pierde, cuando Zach se entera de quién es el padre de la misteriosa Hannah: RL Stine, el autor del Bestseller de la serie Pesadillas. Zach comienza a investigar acerca de la extraña familia que tiene al lado, y pronto descubre que Stine tiene un oscuro secreto: las criaturas de las historias que le hicieron famoso son reales, y que el mismo protege a sus lectores manteniéndolos encerrados en sus libros.

La película está interpretada por Dylan Minnette,  Odeya Rush,  Amy Ryan,  Jillian Bell,  Jack Black,  Ryan Lee,  Steven Krueger,  Larry Mainland,  Jeremy Ambler,  Ken Marino y Halston Sage.

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«Dead of Night» (Al Morir la Noche 1945) retro

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En un caserón inglés se reúne un grupo de personas que empiezan a contar historias de misterio: la de un conductor de autobús que parece anunciar la muerte, la de un fantasma infantil que mora en una mansión, la de dos amigos enfrentados por una mujer incluso después de la muerte, la de un espejo maldito, la de un muñeco de ventrílocuo que controla a su propietario.

Podríamos llegar a definir a «Dead of Night» 1945 como un film tan atípico como referencial a la hora de ofrecernos desde un planteamiento clásico y reflexivo lo que puede dar de sí una película de sketches, algo por otra parte no muy corriente por aquella época y que le otorga una porción algo pionera en su propuesta, abriendo al mismo tiempo un importante camino a otros realizadores y corrientes del fantástico que luego se atreverían a hablar de lo sobrenatural de la manera que vemos en el film, la película, hoy es un clásico indiscutible del cine de género fantástico y sus derivaciones,  «Dead of Night» no deja de ser un brillante ensayo, una variación a través de cinco historias sobre el tema del sueño premonitorio, narración-ensoñación, para presentarnos su funcionamiento y sus límites, todo contado a través de una tradición oral de tono clásico, relatos contados en voz alta, un poco a la antigua usanza, una abundancia de diálogos explicativos que puede llegar a enturbiar en algo su conjunto por pausado, y un film atípico por su descendencia poco usual al estar producida por los Estudios Ealing, productora especialista en comedias clásicas y poco dada a realizar piezas de género, convirtiéndola de esta manera en un producto inusual, una especie de rara avis dentro del mismo estudio.  

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Los cinco relatos que nos presenta 
 «Dead of Night» se basan en piezas literarias, The Hesrse Driver (El Conductor del Coche Fúnebre) dirigido por Basil Dearden (basado en un cuento de E.F. Benson), The Christmas Party (La Fiesta de Navidad) dirigida por Cavalcanti (según cuento de Angus MacPhail), The Haunted Mirror (El Espejo Encantado) dirigido por Robert Hamer (basado en un cuento de John V. Baines, The Golfing Story (El Cuento del Golf) dirigido por Charles Crichton (según cuento de H.G. Wells) y Ventriloquist’s Dummy (El Muñeco del Ventrílocuo) dirigido por Cavalcanti, la novedad radica en que las cinco historias contadas por los personajes se ven encauzadas por una sexta, destacando muy especialmente los dos segmentos dirigidos por el realizador brasileño de Alberto Cavalcanti, muy especialmente Ventriloquist’s Dummy (con una excelente actuación por parte de Michael Redgrave) que ha devenido como la clara insignia de la película, una historia perturbadora de tono oscuro que posteriormente serviría a modo de temática bastante recurrente en la televisión «Twilight Zone» y cine «Magic«, «Child’s Play» o «Dead Silence«, el episodio menos logrado posiblemente corresponda a The Golfing Story, una fallida historia de tono algo cómico que no consigue adecuarse de manera óptima al conjunto.

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No es fácil el evaluar de una manera justa y razonable un film de segmentos, su hasta cierto punto lógica irregularidad dentro de su conjunto la hacen algo difícil el llegar a catalogarla de forma adecuada, «Dead of Night» en este aspecto no es una excepción y por tanto contiene baches, sin embargo estamos ante un film que marca de alguna manera un antes y un después dentro del cine de terror británico, una especie de notable predecesora de la Hammer y demás producciones que vendrían en un futuro de las islas.

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Estamos pues ante una película en donde su relato introductorio sirven a la perfección como una acertada herramienta de narración al servicio de las demás historias, no asistimos a un mero agregado de piezas, algo bastante habitual en el cine de segmentos sino a una sólida estructura, con el acierto y virtud de presentarnos una puesta en escena en donde su poder de sugestión sabe jugar y crear de manera inteligente una cierta inquietud con respecto al espectador mediante pequeños giros argumentales, unas historias sin embargo que tienen idiosincrasias y singularidades bastante diferenciadas entre sí, de ahí la ciertas irregularidades antes comentadas pero que devienen como un ejercicio que posee unos elementos especialmente en lo referente a sus ambientes oníricos y premonitorios que remiten a un fabulario fantástico de una agudeza tan tradicional como brillante, una película en definitiva merecedora a todas luces del prestigio que se le ha ido atribuyendo con el paso de los años.

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