Mes: junio 2022

La actriz Macarena Gómez es la protagonista del cartel de la Semana de Terror 2022

  Por ,

La actriz Macarena Gómez será durante los próximos meses la imagen oficial de la 33ª Semana de Cine Fantástico de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 28 de octubre y el 4 de noviembre.
Una ilustración protagonizada por Macarena, realizada por el dibujante Carlos Fdez (Penrider), es la imagen de la Semana 2022, en la que también tiene un protagonismo especial una araña, símbolo del festival desde sus comienzos.
La coordinación y el diseño del cartel han corrido a cargo de Arteuparte Estudio.
Macarena Gómez, convertida en los últimos años en una de las actrices más representativas del fantástico español gracias a películas como Platillos volantes (Óscar Aibar, 2013), Las brujas de Zugarramurdi (Álex de la Iglesia, 2013) o Pieles (Eduardo Casanova, 2017), ha visitado la Semana con películas como Dagon (Stuart Gordon, 2001), uno de sus primeros trabajos, o Musarañas (Esteban Roel y Juanfer Andrés), que inauguró la edición de 2014.
En palabras de Carlos Fdez: «Para realizar este trabajo buscábamos algo inquietante. Tras varias pruebas nos decidimos por un impactante plano frontal en el que la mirada de Macarena directa al espectador aportara toda la fuerza a la ilustración».
Macarena Gómez
Desde que debutara como actriz hace 20 años, Macarena Gómez ha participado en más de 80 proyectos entre cine, televisión y teatro por los que ha recibido casi medio centenar de premios y nominaciones, incluyendo la nominación a Mejor Actriz en los premios Goya por su papel en Musarañas.
Lleva 12 temporadas siendo una de las protagonistas de «La que se avecina» (2007-), una de las series más exitosas de España, y recientemente ha protagonizado la serie de HBO «30 monedas» (2020-), con la que volvió a ponerse a las órdenes de Álex de la Iglesia tras Las brujas de Zugarramundi y cuya 2ª temporada se encuentra rodando.
Carlos Fdez (penrider.com)
Nacido en Madrid en 1980, sin realizar estudios oficiales en Bellas Artes aprendió a dibujar haciendo algunos cursos de ilustración y cómic en la Escuela Superior de Dibujo Profesional de Madrid (ESDIP) y sobre todo de manera autodidacta invirtiendo muchas horas.
Obtenida cierta visibilidad y ayudado por las redes sociales, ha participado en diferentes exposiciones colectivas, culminando en 2020 con su primera exposición individual en Haven Gallery en Nueva York.
Especializado en el dibujo a lápiz, su trabajo trata de describir atmósferas misteriosas a través de delicados degradados, con una visión trágica del mundo y una temática surrealista a través de la cual representa sueños, sentimientos y emociones. Le interesa la soledad de los incomprendidos, ama la naturaleza, los animales y el espacio exterior.
Siempre intenta contar una pequeña historia con un final abierto a diferentes interpretaciones para involucrar al espectador.

 

Exposición homenaje a Luis Gasca en la Semana de Terror de 2022

KOLDO MITXELENA Kulturunea (KMK) y Donostia Kultura / Semana de Terror, con la colaboración del Festival de Cine, organizan la exposición LUIS GASCA: Cómics y cine, que estará abierta entre el 8 de septiembre y el 8 de noviembre en Okendo Kultur Etxea.
Luis Gasca (Donostia / San Sebastián, 1933-2021), figura fundamental del cómic y el cine españoles, editor, historiador, guionista y coleccionista, director del Festival de Cine (siempre recordado por ser el responsable del estreno europeo en el Zinemaldia en 1977 de La guerra de las galaxias), apasionado de la imagen, dedicó gran parte de su vida al mundo del tebeo.
La exposición, comisariada por Asier Mensuro y Álvaro Pons, pretende rendir homenaje a la trayectoria profesional y vital de Gasca, parte de cuyo legado se encuentra en KOLDO MITXELENA Kulturunea (KMK).

 

La editorial Hermenaute publicará para la Semana un libro sobre el canibalismo en el cine

Hermenaute editará para la Semana una publicación escrita por Antonio José Navarro dedicada al canibalismo en el cine, que tendrá su reflejo en la programación de la Semana de 2022.
El periodista y escritor cinematográfico Antonio José Navarro, que ha colaborado en las publicaciones de la Semana desde hace años, entre otras como coordinador del libro colectivo American Gothic. El cine de terror USA 1968-1980 (2007) y autor de Líbranos del mal. Un estudio cultural del cine de posesiones demoníacas y exorcismos (2021), editado por Hermenaute para la Semana del año pasado, se adentra en este ensayo en cómo el cine fantástico se ha acercado al canibalismo a lo largo de su historia.

Tráiler final para «Resurrection» de Andrew Semans

  Por ,

Tras el buen sabor de boca dejado el pasado año con The Night House de David Bruckner y su aparición en el Godzilla vs. Kong de Adam Wingard Rebecca Hall sigue siendo una figura recurrente en películas de género fantástico, en esta ocasión es turno para Resurrection, film que tras un primer teaser de hace un par de meses nos presenta su tráiler final que de la mano de IFC Films podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un thriller psicológico de terror dirigido por Andrew Semans (Nancy, Please 2012), tras su premier mundial a principios de año en el Festival de Sundance se estrenará en Estados Unidos simultáneamente en cines y VOD el próximo 5 de agosto.
Resurrection nos muestra como Margaret es una mujer que lleva una vida exitosa y ordenada, equilibrando perfectamente su ajetreada carrera profesional y su soltera maternidad con su independiente hija Abbie. Todo está bajo en aparente control, pero ese equilibrio se verá repentinamente alterado cuando una sombra no deseada, David, regresa trayendo consigo los horrores del pasado de Margaret. En una lucha contra su creciente miedo, Margaret deberá enfrentarse al monstruo que ha evadido durante dos décadas y que ha venido a terminar unos asuntos pendientes.
La película con guion a cargo del propio Andrew Semans está protagonizada por  Rebecca Hall, Tim Roth, Angela Wong Carbone, Josh Drennen, Rosemary Howard, Winsome Brown, Jaime Zevallos, Michael Esper, Grace Kaufman, Patrick Klein y Colin Bradley Lewis.

El Festival de San Sebastián otorgará un Premio Donostia a David Cronenberg

  Por ,

El director y guionista canadiense recibirá la distinción durante una gala en el Teatro Victoria Eugenia tras la que se proyectará ‘Crimes of the Future’, su nuevo largometraje.
El director y guionista canadiense David Cronenberg (Toronto, 1943) recibirá un Premio Donostia de la 70ª edición del Festival de Sebastián, que reconocerá con su máxima distinción honorífica la carrera de uno de los cineastas más singulares del último medio siglo. El 21 de septiembre el Teatro Victoria Eugenia acogerá la ceremonia de entrega del galardón, tras la que se proyectará Crimes of the Future (2022), el largometraje protagonizado por Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart que concursó en el último Festival de Cannes.
Maestro del horror biológico, de las atmósferas turbadoras y de un universo tan personal como intransferible, Cronenberg ha dirigido una veintena de largometrajes entre los que destacan obras convertidas en clásicos de géneros como la ciencia ficción, el terror, el drama psicológico o el thriller. También es autor de numerosos trabajos para televisión.
En 2004 el Festival de San Sebastián proyectó Crash (1996) en el marco de la retrospectiva Incorrect@s y tres años después Cronenberg visitó San Sebastián por primera y única vez hasta la fecha para inaugurar la Sección Oficial a concurso con Eastern Promises (Promesas del Este, 2007). El canadiense se suma así al listado de directoras y directores que también han recibido el Premio Donostia, entre quienes destacan Francis Ford Coppola, Woody Allen, Oliver Stone, Agnès Varda, Hirokazu Koreeda y Costa-Gavras.
Hijo de una pianista y de un escritor, David Cronenberg creció entre libros y cómics que cimentaron su interés por la cultura y el cine. Autodidacta, sus primeros trabajos fueron cortos como Transfer (1966) y From the Drain (1967), a los que siguieron sus primeros largometrajes, de corte experimental, Stereo (1969) y Crimes of the Future (1970), cuyo título coincide con el de su película más reciente. En estas obras primerizas podían rastrearse ya los rasgos de una filmografía marcada por temas como la enfermedad, la violencia, el sexo, el cuerpo o la experimentación científica.

Esta última está muy presente en la primera etapa de su obra, por ejemplo, en Shivers (Vinieron de dentro de…, 1975), Rabid (Rabia, 1977) o The Brood (Cromosoma 3, 1979), en las que conviven parásitos asesinos, plagas violentas y terapias fallidas para tratar psicópatas. También firmó encargos como Fast Company (1979), una película sobre carreras de coches, aunque los títulos que forjaron su prestigio como autor dentro del cine de género más radical fueron Scanners (1981), sobre un grupo de personas con mortales poderes mentales, y Videodrome (1983), una de las cimas de la estética de la Nueva Carne. Tras narrar en The Fly (La mosca, 1986) la asfixiante historia de un científico que se transforma en insecto, contó con Jeremy Irons para protagonizar dos de sus siguientes películas: Dead Ringers (Inseparables, 1988), en la que el actor se desdobló para encarnar a unos atormentados ginecólogos gemelos, y M. Butterfly (1993), el ambiguo romance entre una misteriosa diva de la ópera y un diplomático francés en la China de los años 60.
Cronenberg ha llevado a la pantalla novelas de escritores tan icónicos como Stephen King —The Dead Zone (La zona muerta, 1983)—, William Burroughs —The Naked Lunch (El almuerzo desnudo, 1991), quizá su mayor obra de culto— y J.G. Ballard, a quien adaptó en Crash (1996), que analizaba la excitación sexual de varios personajes al sufrir accidentes automovilísticos y que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes. Tras adentrarse en la realidad virtual con eXistenZ (1999) y asomarse a los abismos de la enfermedad mental en Spider (2002), el cineasta canadiense inauguró una etapa en su filmografía en la que el fantástico dejó de ser el ingrediente principal de su cine, hasta que ahora, 20 años después, acaba de estrenar Crimes of the Future (2022), una revisión o compendio de sus antiguas obsesiones que será Proyección Premio Donostia en la 70ª edición del Festival de San Sebastián.
Esta última película supone su cuarta colaboración con el actor Viggo Mortensen, con quien primero rodó A History of Violence (Una historia de violencia, 2005), un thriller sobre un hombre marcado por un intrigante pasado. Los otros filmes son Eastern Promises (Promesas del Este, 2007), una inmersión en el infierno de la mafia rusa de Londres, y A Dangerous Method (Un método peligroso, 2011), en la que Mortensen interpretaba a Sigmund Freud. Los dos últimos títulos anteriores a Crimes of the Future fueron Cosmopolis (2012), adaptación de la novela de Don DeLillo, y Maps to the Stars (2014), una ácida reflexión sobre la fama.

En ambos trabajos participó Robert Pattinson, uno de los últimos en sumarse a la amplia nómina de estrellas con las que David Cronenberg ha trabajado a lo largo de su dilatada carrera y en la que destacan, entre otras, Juliette Binoche –otro de los Premios Donostia de esta edición–, Gabriel Byrne, Willem Dafoe, Geena Davis, Michael Fassbender, Ralph Fiennes, Jeff Goldblum, Ed Harris, Holly Hunter, William Hurt, Keira Knightley, Jude Law, Jennifer Jason Leigh, Miranda Richardson, Martin Sheen, James Spader, Christopher Walken, Naomi Watts, Peter Weller y James Woods.
David Cronenberg también ha intervenido como actor en películas de otros cineastas como, por ejemplo, en Nightbreed (Razas de noche, 1990, Clive Barker), To Die For (Todo por un sueño, 1995, Gus Van Sant), Extreme Measures (Al cruzar el límite, 1996, Michael Apted) y Falling (2020), a cuyo director, Viggo Mortensen, felicitó a través de un vídeo cuando recibió en el Kursaal el Premio Donostia en 2020. Además, ha sido distinguido con la Orden de Canadá y es Oficial de la Orden de las Artes y las Letras y Caballero de la Legión de Honor francesas. En 2014 publicó su primera novela, Consumed: A Novel (Consumidos).
Crimes of the Future

David Cronenberg (Canadá)
País(es) de producción: Canadá – Grecia
Intérpretes: Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart, Scott Speedman, Welket Bungué
A medida que la especie humana se adapta a un entorno sintético, el cuerpo sufre nuevas transformaciones y mutaciones. Saul Tenser (Viggo Mortensen), célebre artista de performance, muestra públicamente la metamorfosis de sus órganos en actuaciones vanguardistas con su compañera Caprice (Léa Seydoux). Timlin (Kristen Stewart), una investigadora del Registro Nacional de Órganos, sigue obsesivamente sus movimientos, y es entonces cuando se descubre a un misterioso grupo… Su misión: utilizar la notoriedad de Saul para arrojar luz sobre la siguiente fase de la evolución humana.

La sonrisa perturbadora, primer tráiler para «Smile»

  Por ,

Tras una extensa trayectoria dentro del cortometraje el realizador norteamericano Parker Finn debuta en el largo con Smile, cinta de terror con posesiones cuyo primer avance en forma de tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a uno de sus carteles promocionales. La película de la mano de Paramount Pictures tiene previsto estrenarse comercialmente en cines de Estados Unidos el próximo 30 de septiembre.
En Smile vemos como la doctora Rose Cotter, tras presenciar un extraño y traumático incidente con un paciente suyo, comienza repentinamente a experimentar sucesos aterradores que no puede llegar a explicar. A medida que un miedo sobrecogedor comienza a afectar a todos los aspectos de su vida, Rose se verá obligada a enfrentarse a su problemático pasado a la hora de intentar sobrevivir y poder escapar de su horripilante nueva realidad.
La película con guion a cargo del propio Parker Finn está protagonizada por Sosie Bacon, Kyle Gallner, Rob Morgan, Caitlin Stasey, Kal Penn, Judy Reyes, Jessie T. Usher, Gillian Zinser, Kevin Keppy, Scot Teller, Nick Arapoglou, Sara Kapner, Setty Brosevelt, Jerry Lobrow, Perry Strong, Vanessa Cozart y Shevy Berkovits Gutierrez.

Miradas ascéticas. Poéticas del distanciamiento en el cine moderno y contemporáneo

  Por

Robert Bresson, Michelangelo Antonioni, Abbas Kiarostami y Lisandro Alonso nos han legado y transmitido sus miradas a través de sus obras. Un acto de ver y representar que catalogamos bajo la idea de ascetismo. Transitamos a través del cine moderno y sus derivas contemporáneas, y navegamos entre la opacidad, el distanciamiento, el extrañamiento, la sustracción, la austeridad, la pausa, el silencio, el azar o la desnarrativización, pero también el enigma, el secreto, lo inefable, la inaccesibilidad, la inmanencia y la trascendencia. Se trata de búsquedas estéticas subjetivas, nunca derivadas de imposiciones o limitaciones ajenas, sino fruto de una voluntad estética que conlleva apostar por la emancipación del espectador en el sí de obras que proponen una mirada ascética hacia lo real, con construcciones muy contenidas de la puesta en escena, de las narrativas y de la psicología de los personajes, acercándose a una indefinición o incluso a una ausencia.
Miradas ascéticas: poéticas del distanciamiento en el cine moderno y contemporáneo propone una constelación de autores para desplegar una aproximación transversal al cine y se articula a partir de cuatro ejes clave: el suicidio en Bresson, la incomunicación en Antonioni, el tránsito en Kiarostami y el extrañamiento en Alonso. Finalmente, en una coda se abordan otros cineastas que comparten rasgos de este ascetismo y, por ello, se consideran como cuerpos celestes que están más o menos cerca de los que conforman la constelación que se ha constituido, aunque algunos tienen una relación más tangencial u otros actúan más bien como satélites; entre otras figuras, encontramos a Wim Wenders, Carlos Reygadas, Wong Kar-Wai, Edward Yang, Hou Hsiao-Hsien, Tsai Ming-Liang, Jia Zang-ke, Andrey Zvyagintsev, Yorgos Lanthimos, Eugène Green, Aki Kaurismäki, Hong Sang-soo, Andrei Tarkovski, Yasujiro Ozu, José Luis Guerín, Darezhan Omirbayev, Nuri Bilge Ceylan, Carlos Reygadas o Sharunas Bartas.
El autor
MARTA PIÑOL LLORET, Profesora en la Universidad de Barcelona, también ha impartido clases en la UOC, en la UIC y en ESCAC, de Historia del Cine, Historia y Teoría de la Fotografía, Cine Documental o Dirección Artística. Cursó la licenciatura de Historia del Arte, el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte y el doctorado en la Universidad de Barcelona, obteniendo en los tres casos premio extraordinario. Su tesis fue galardonada con el premio Claustre de Doctors de la UB. Es autora de los libros Europa como refugio. Reflejos fílmicos de los diversos exilios españoles (1939-2016) (Edicions UB, 2020) y Con las maletas a otra parte. La emigración española hacia Europa en el cine (Sans Soleil Ediciones, 2020), así como ha sido editora de múltiples obras, como Monstruos y monstruosidades (Sans Soleil, 2015), Relaciones Ocultas. Símbolos, alquimia y esoterismo en el arte (Sans Soleil Ediciones, 2018), entre otras, o ha coeditado, junto a José Enrique Monterde, Crónica de un desencuentro. La recepción del cine moderno en España (Ediciones de la Filmoteca, IVAC, 2015) y ha traducido varios volúmenes. Ha sido profesora invitada en la Université Toulouse Jean Jaurès y ha obtenido una beca de investigación del Harry Ransom Center (Austin).
Autor: Marta Piñol Lloret, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre], Páginas: 360

Extraños en la noche, tráiler de «Barbarian»

  Por ,

Después de codirigir junto a Trevor Moore películas como Miss Marzo (2009) o The Civil War on Drugs (2011) Zach Cregger debuta en solitario con Barbarian, film que de la mano de 20th Century Fox acaba de estrenar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Un thriller de terror interpretado por Bill Skarsgård que aún sin fecha de salida en nuestro país tiene previsto su estreno comercial en Estados unidos para el próximo 31 de agosto.
En Barbarian vemos como una joven que viaja a Detroit para una entrevista de trabajo alquila una casa para poder pasar la noche. Pero cuando llega a altas horas descubre sorprendida que la casa ha estado doblemente reservada y que un hombre extraño ya se está quedando allí. En contra de su buen juicio, decide pasar la noche en el inmueble, pero pronto descubre que hay mucho más que temer que a un invitado inesperado.
La película con guion a cargo del propio Zach Cregger está protagonizada por Georgina Campbell, Bill Skarsgård, Justin Long, Jaymes Butler, Trevor Van Uden, J.R. Esposito, Sophie Sörensen, Kalina Stancheva y Matthew Patrick Davis.

Los neones de «Tron» iluminan Sitges 2022

  Por ,

Las nuevas propuestas de Dario Argento, Quentin Dupieux o Peter Strickland integran una Sección Oficial que acoge el género más diverso e innovador
En la actual era de la hiperconexión y los metaversos, el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya mira atrás y se adentra en los mundos virtuales y deslumbrantes de Tron (Steven Lisberger, 1982) para celebrar su cuadragésimo aniversario. Visionario y pionero, el film protagonizado por Jeff Bridges inspira el cartel de la 55ª edición del certamen e invita a un viaje al otro lado de la pantalla. Del 6 al 16 de octubre, Sitges volverá a ser el epicentro del cine de género y la cita anual indispensable para todos sus fans.
El cartel de esta edición ha sido elaborado, un año más, por la agencia China. Sobre el proceso creativo que han desarrollado, comentan: “Para los que vamos teniendo una edad, es muy especial poder trabajar alrededor de un clásico de nuestra infancia y de la ciencia ficción como Tron, una obra más actual que nunca con palabras como metaverso o realidad virtual colándose en casi cualquier conversación. Tomando como inspiración el universo gráfico en el cual Kevin Flynn se ve atrapado al penetrar en los circuitos de su ordenador, vimos la oportunidad de recuperar el gran icono del festival y, por primera vez, cederle todo el protagonismo. Realidad virtual y Sitges, fusionados en una imagen concebida desde el digital y para el digital. Para diseñarla, hemos apostado por el artista visual barcelonés Sergi Delgado quien, con su estilo minimalista, jugó y exploró con efectos ópticos hasta encontrar el equilibrio entre la sencillez y rotundidad que todo cartel necesita y el desorden de unas líneas distorsionadas e inmersivas que, de cerca, te invitan a entrar literalmente en el leit motiv de esta edición.”
Sitges 2022 avanza los primeros títulos confirmados dentro de su programación de Sección Oficial. Películas predominantemente europeas que aportan diferentes miradas al fantástico de directores con gran recorrido y habituales de Sitges, como Dario Argento, Quentin Dupieux o Peter Strickland, junto con nombres que despuntan como Hanna Bergholm o Léa Mysius.

El maestro Dario Argento vuelve una década después de su último trabajo Drácula 3D con Occhiali Neri (Dark Glasses), sobre una joven invidente que, con la ayuda de un niño chino, intenta acabar con un asesino en serie. El cineasta italiano despliega su universo sangriento inimitable en un film interpretado por Ilenia Pastorelli y Asia Argento, y que supone el reencuentro con uno de los imprescindibles del terror.
El rey francés del absurdo, Quentin Dupieux, presentará sus dos últimas películas en Sitges 2022. Incroyable mais vrais, con un reparto formado por Alain Chabat, Léa Drucker, Anaïs Demoustier y Benoît Magimel, es una divertida y excéntrica comedia sobre un matrimonio y el misterioso sótano de su nueva vivienda, que llega al Festival después de su paso por Berlín. Con Fumer fait tousser, Dupieux propone una sátira del cine de superhéroes, con tortugas demoníacas, que se presentó en Cannes en sección oficial fuera de concurso y que vuelve a contar con Anaïs Demoustier y Alain Chabat, a los cuales se unen Adèle Exarchopoulos, Vincent Lacoste y Benoît Poelvoorde.
Otro clásico de Sitges es Peter Strickland. El nuevo trabajo del director británico, Flux Gourmet, se centra en un colectivo gastronómico, sus inquietudes artísticas y luchas de poder, mientras exploran el concepto de “cocina sónica”. Asa Butterfield y Gwendoline Christie son los protagonistas de esta propuesta al mismo tiempo delirante e inquietante.
De Finlandia llega Hatching, la ópera prima de Hanna Bergholm, una historia de terror familiar, arriesgada y sorprendente, con criatura monstruosa incluida. Una combinación de coming-of-age y body horror que tuvo su presentación mundial a Sundance, donde Bergholm se reveló como una de las promesas más sólidas del género.
Otro debut femenino destacado es Les cinq diables, de Léa Mysius, guionista habitual de cineastas como Claire Denis, Jacques Audiard o Arnaud Desplechin. Presentada en la Quincena de Realizadores de Cannes, el film se sitúa a medio camino entre el thriller y el drama con toques fantásticos; una historia familiar al pie de los Alpes sobre una niña con una sensibilidad olfativa extraordinaria y protagonizada por Adèle Exarchopoulos y Daphne Patakia.

El director gallego Alberto Vázquez presentará en Sitges Unicorn Wars, largometraje de animación antibelicista de coproducción francesa que ha competido recientemente en la sección oficial del festival de Annecy. Vázquez, ganador de tres premios Goya, reflexiona en el film sobre el origen de los conflictos bélicos a través de la historia de una guerra ancestral entre oseznos y unicornios.
Coupez!, la película inaugural de Cannes 2022, también estará en el Festival. Michel Hazanavicius dirige el remake de One Cut of the Dead -la sorprendente comedia de zombis japonesa que supuso todo un fenómeno en Sitges 2018- manteniendo su espíritu festivo y meta, con Romain Duris y Bérénice Bejo.
Vuelve el thriller a Órbita
La 55ª edición del Festival recupera Órbita, la sección dedicada al thriller, que toma fuerzas renovadas y presenta un adelanto de dos títulos procedentes de Corea del Sur, una de las cinematografías más poderosas actualmente.
Hunt, el debut en la dirección de Lee Jung-jae -protagonista de El juego del calamar– es un frenético thriller de espías ambientado en la Corea del Sur de los años 80. Acción criminal de violencia desbordante que aterrizará en Sitges después de verse en Cannes en sección oficial fuera de concurso.
Lee Sang-yong firma The Roundup, la secuela de Ciudad sin ley (Kang Yoon-sung, 2017). La película coreana más taquillera del año, que ha logrado cifras pre-pandémicas, es un thriller de acción criminal protagonizado por Ma Dong-seok, popular por sus papeles en Train to Busan o Eternals.
Industria: Sitges Fanlab y Woman in Fan
El programa del Festival de Sitges para la visibilización y la incorporación de la mujer creadora en la cinematografía fantástica presenta una convocatoria para la realización de un corto-teaser.
Woman in Fan propone con este concurso la creación de una pieza para su circulación en el mercado audiovisual. Así pues, el corto teaser tiene que servir como muestra de una idea de largometraje de corte fantástico.
El programa amplía de este modo su campo de actuación hasta la producción cinematográfica para apoyar al trabajo de las cineastas dentro de la industria del género fantástico.
La Comisión de evaluación seleccionará diez proyectos entre todos los presentados de los cuales habrá un ganador. Los nueve finalistas y el proyecto ganador tendrán derecho a participar en varias formaciones del Sitges Fanlab durante la 55ª edición del certamen. Además, la cineasta ganadora dispondrá de un presupuesto de 10.000 euros, que serán destinados íntegramente a la producción del corto-teaser ganador, con el apoyo del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya en las funciones de producción del proyecto. La presentación del proyecto se realizará dentro del marco de la edición correspondiente del Festival.

 

La Casa Encendida: Ciclo Alrededor de la fragilidad

  Por ,

Ciclo de cine y coloquio que, los martes y jueves del mes de julio, analiza a través de seis películas los conceptos de fragilidad y vulnerabilidad. Estos largometrajes son también un homenaje a la fuerza y capacidad de lucha de los más frágiles.
Cuando consultamos en el diccionario de la Real Academia Española el significado del adjetivo «frágil» nos encontramos con palabras o conceptos como: quebradizo, algo que con facilidad se hace pedazos, débil, deterioro, escasez de fuerza…, pero también nos ayuda a ahondar en diferentes acepciones un sinónimo revelador: «vulnerable». Entonces los significados se amplían, el diccionario nos dice ante tal término que algo o alguien «puede ser herido o recibir lesión, física o moralmente». Vulnerable puede ser una persona, un colectivo, un país o la propia Naturaleza. Si estudiamos el sustantivo vulnerabilidad desde un punto de vista social, el asunto se complica más: refleja la inseguridad y la indefensión de ciertas comunidades, grupos, familias o individuos en su forma de vida por el impacto negativo de algún factor natural, político, económico o social. La fragilidad está siempre presente.
Un paso más allá nos permite corroborar un hecho que suele obviarse: la fuerza y la capacidad de lucha del vulnerable, de aquel o aquella que es más frágil. No hay mejor manera de ejemplificarlo que con el mito bíblico de David y Goliat. Gracias a la existencia de muchas personas como David, el mundo se va rebelando contra los derechos vulnerados.
Ese es otro punto peliagudo: un grupo no es solo frágil, sino que se define por muchas cosas más. Por ejemplo, los niños son un colectivo vulnerable, pero aportan vitalidad, esperanza, enseñan a vivir el presente, son el futuro… Tendría que darse por sentado que sus derechos y necesidades han de estar cubiertos, pero muchas veces lo que ocurre es una vulneración de esos derechos y un no cumplimiento o un difícil acceso a la solución de sus necesidades.
Y ahí ya entran las relaciones de poder y las responsabilidades ante ciertas situaciones que viven estos colectivos. El ciclo nos guiará por temas como el cambio climático, la situación de los migrantes en el Mediterráneo, los mayores y el acceso a la sanidad, etcétera.
Tras las proyecciones habrá un coloquio con especialistas en distintos ámbitos.
Participan:
  • Luis Enrique Alonso, catedrático de Sociología de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad Autónoma de Madrid.
  • José Carlos López Seisdedos, director de la Fundación Porque Viven.
  • Esteban Sánchez Moreno, director del Instituto Universitario de Desarrollo y Cooperación de la Universidad Complutense de Madrid.
  • Marifé Santiago Bolaños, poeta, filósofa y profesora titular de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid.
  • Paula Palacios, cineasta.
  • Ignacio Santos Molina, consultor en medio ambiente, desarrollo y cooperación internacional.
Comisariado por: Isabel Sánchez Fernández, periodista y comisaria de exposiciones.

Programación

05 julio

Encuentros, Audiovisuales «El agente topo», de Maite Alberdi

Precio: 4.00 €

Entradas

 

07 julio

Encuentros, Audiovisuales «Ganar al viento», de Anne-Dauphine Julliand

Precio: 4.00 €

Entradas

 

12 julio

Encuentros, Audiovisuales «La mujer del chatarrero», de Danis Tanovic

Precio: 4.00 €

Entradas

 

14 julio

Encuentros, Audiovisuales «Nación», de Margarita Ledo

Precio: 4.00 €

Entradas

 

19 julio

 

Encuentros, Audiovisuales «Cartas mojadas», de Paula Palacios

Precio: 4.00 €

Entradas

 

21 julio

Encuentros, Audiovisuales «La mujer de la montaña», de Benedikt Erlingsson

Precio: 4.00 €

Entradas

 

 

 

 

 

 

Teaser tráiler para lo nuevo de Eduardo Casanova «La piedad»

  Por ,

Tras su debut en el largometraje en 2017 con Pieles Eduardo Casanova sigue siendo uno de los jóvenes realizadores de nuestro país con un imaginario de lo más propio como se puede comprobar en el primer avance, en forma de teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster promocional, de su nuevo trabajo tras las cámaras titulado La piedad, film en el que vuelve a mostrarnos ese universo estético y colorista tan reconocible en su cine. La película tendrá su premier mundial en el próximo Festival de Cine internacional de Karlovy Vary para pasar posteriormente por el BIFAN coreano.
En La piedad vemos, a modo de alegoría en forma de los paralelismos existentes entre una toxica relación materno filiar con la dictadura de Corea del Norte, como Mateo vive con su madre Libertad en un mundo color de rosa: un microcosmos que tiene precisamente dos habitantes, madre e hijo. Un día a Mateo le diagnostican cáncer…
La película con guion a cargo del propio Eduardo Casanova está protagonizada por Ángela Molina, Manel Llunell, Ana Polvorosa, Antonio Durán Morris, María León, Daniel Freire, Songa Park, Alberto Jo Lee, Macarena Gómez y Meteora Fontana.

Filmoteca Española clausura la exposición dedicada a José Luis López Vázquez con 3.500 visitantes

  Por ,

José Luis López Magerus, hijo del intérprete, dona a Filmoteca Española los materiales de su archivo personal que había prestado para la muestra
Más de 3.500 personas han visitado la exposición “Del escenario a la pantalla. Los diseños de José Luis López Vázquez”, una muestra organizada por Filmoteca Española para conmemorar el centenario del nacimiento del intérprete.
A lo largo de tres meses los públicos asistentes han podido conocer la faceta menos conocida de López Vázquez, la de dibujante, a través de un itinerario diseñado por el historiador del arte Joaquín Cánovas Belchí que ha abarcado desde sus inicios y periodo de formación, hasta sus trabajos como figurinista y escenógrafo, así como su labor en el campo del diseño gráfico.
Tras la clausura de la exposición José Luis López Magerus, hijo del intérprete, ha donado a Filmoteca Española los materiales de su colección privada que había prestado para la muestra. La escenografía para el montaje teatral de Don Juan Tenorio (1952), el cartel para la Feria del Mar de San Sebastián (1957) o el figurín de Los sacristanes burlados (1942) son solo algunos de los tesoros cinematográficos que ahora custodiará Filmoteca Española en sus dependencias.
Esta donación se suma a la colección de Fondos Cinematográficos de Filmoteca Española, que cuenta con más de un centenar de archivos personales y de entidades cinematográficas, entre ellos los de figuras como Juan Antonio Bardem, Ana Mariscal o Luis Buñuel.

 

Tras el colapso, primer tráiler de «Vesper»

  Por ,

Vesper, cuyo tráiler de la mano de IFC Films acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone uno de los proyectos europeos más ambiciosos de este 2022, una sci-fi dirigida a cuatro manos por Kristina Buozyte, responsable de la también distópica Aurora (Vanishing Waves) 2012, y Bruno Samper que había colaborado con el primero en la colectiva The ABCs of Death 2 2014. La película aún sin fecha en nuestro país llegará a las pantallas francesas el próximo 10 de agosto con un estreno comercial en cines y VOD de Estados Unidos previsto para finales del mes de septiembre.
Ambientada en un futuro distópico en Vesper vemos como después del colapso del ecosistema de la Tierra, una niña de 13 años llamada Vesper que lucha por sobrevivir con su padre paralizado, conoce a una misteriosa mujer con un secreto que obliga a Vesper a utilizar su ingenio, su fuerza y sus habilidades de bio-hackeo para luchar por la posibilidad de un futuro.
La película con guion a cargo de los propios Kristina Buozyte y Bruno Samper junto a Brian Clark está protagonizada por Raffiella Chapman, Eddie Marsan, Rosy McEwen, Richard Brake, Melanie Gaydos y Edmund Dehn.

Amicus, terror británico más allá de la Hammer

  Por

El cine de terror siempre ha sido la oveja negra del séptimo arte. Se le suele considerar un género menor. A los críticos no les interesan las películas de horror. Pero, sea como sea, este género del Fantástico levanta pasiones desde el expresionismo alemán hasta los slashers. La Hammer Films fue durante su reinado, y sigue siendo, tan famosa que a veces pensamos que muchos títulos de películas del mismo estilo pertenecen a su filmografía. Pero no, ya que muchos de ellos, y sobre todo los protagonizados por la realeza del terror británico, Peter Cushing y Christopher Lee, son obra de dos pioneros y amantes del cine como lo fueron Max-J-Rosenberg y Hamilton Subotsky cuando crearon AMICUS.
Autor: Antonio Piñera García, Editorial: The Force Books, Páginas: 178

El auge, primer tráiler para «Blonde» de Andrew Dominik

  Por ,

Será indiscutiblemente una de las películas más esperadas una vez acabado el verano, Blonde, cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, supone el nuevo trabajo tras las cámaras del siempre interesante Andrew Dominik, The Assassination of Jesse James By The Coward Robert Ford (2007), Killing Them Softly (2012), que aquí adapta libremente la novela de Joyce Carol Oates. La película, que ha sufrido una accidentada postproducción,  tras su paso por el Festival de Venecia se estrenará a través de Netflix el próximo 23 de septiembre.
En Blonde vemos como Marilyn Monroe era una artista en ciernes plagada de romances turbulentos, pero también era una mujer frágil, asustada y repleta de inseguridades que buscaba en otros, en el ex deportista, en el dramaturgo o en el Presidente de por aquel entonces, ese amor que ella misma se negaba. Una estrella cargada de conflictos interiores, temores y pasiones desatadas, una niña que no dejó de huir hacia delante y que de alguna manera llegó a burlar a la propia muerte para convertirse en leyenda.
La película con guion adaptado a cargo del propio Andrew Dominik está protagonizada por Ana de Armas, Bobby Cannavale, Adrien Brody, Julianne Nicholson, Evan Williams, Xavier Samuel, Caspar Phillipson, Toby Huss, Sara Paxton, Chris Lemmon, Dan Butler, Garret Dillahunt, Lucy DeVito, Michael Masini, Ned Bellamy, Scoot McNairy, Rebecca Wisocky, Catherine Dent, Spencer Garrett, Eden Riegel, Tygh Runyan, Sonny Valicenti, Haley Webb, David Warshofsky, Ravil Isyanov, Judy Kain, Time Winters, Jerry Hauck, Patrick Brennan, Colleen Foy, Mike Ostroski, Rob Brownstein y Rob Nagle.

«As In Heaven» review

  Por

El debut en la dirección de la joven realizadora danesa Tea Lindeburg fue una de las pocas cintas de las varias presentes en la pasada edición del festival  de San Sebastián que logro de alguna manera solventar la pobreza de un mensaje alegórico que pareció estar presente hasta la saciedad en el certamen, metáfora sobre la mujer del hoy y del ayer tan manida como poco consistente que aquí es solventada gracias a un ejercicio de estilo cinematográfico de tono potente en relación al retrato que se nos hace de un asfixiante drama psicológico, a tal respecto el premio a la mejor dirección fue posiblemente el galardón más coherente otorgado este año en el festival.
As In Heaven nos sitúa a finales del siglo XIX, la vida de Lise, de 14 años, cambia para siempre. Es la mayor de sus hermanos, la primera de su familia en ir a la escuela y está llena de esperanza y confianza en la vida. Pero cuando su madre se pone de parto, pronto algo parece ir mal. A medida que cae la noche y el parto avanza, Lise empieza a comprender que el día que comenzó siendo una niña podría terminar con ella convertida en la mujer de la casa.
As In Heaven vuelve a incidir mediante la tiranía estructural del patriarcado en la precariedad de la mujer del pasado extrapolable a según qué circunstancias del presente, en realidad el mensaje que se expone en la película no va mucho más allá de dicho enunciado, en un escueto periodo de 24 horas, espacio temporal que cambiará la existencia de la protagonista para siempre, asistimos al complicado parto de una madre, mientras tanto la hija mayor del clan familiar se debate en quedarse en el hogar o irse a estudiar a un internado de la ciudad y desligarse de alguna manera de ese universo opresivo en el que parece estar condenada a subsistir, llegados a este punto lo realmente interesante que vemos en As In Heaven no es tanto el mensaje, por momentos bastante obvio, y si como este queda plasmado en la pantalla a través de un preciosismo visual que por momentos puede colindar peligrosamente con lo ostentoso de dicho posicionamiento. Hace un par de años Malgorzata Szumowska intento de forma defectuosa hacer algo parecido aplicando el concepto me too en la fallida The Other Lamb, en este sentido Tea Lindeburg recurre a través de la imagen y el sonido a estilismos más propios del cine de terror premonitorio con reminiscencias telúricas a la hora de mostrarnos un oscuro imaginario onírico que orbita principalmente sobre los miedos y los sentimientos de culpa que parecen anidar en la psique de la protagonista.
Una película que pese a atesorar un continuo conflicto de intereses en referencia a lo que es su fondo y sus formas tiene la innegable virtud de no recurrir a proclamas gravitatorias de índole gratuitas en lo concerniente a la negación del consabido coming of age expuesto aquí a modo de sacrificio por parte de esas mujeres que convivían en ese perturbador y marginal mundo rural de finales del siglo XIX en donde era habitual el dogmatismo religioso y la explotación femenina.

Valoración 0/5:3’5

El Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva al director francés Claude Sautet

  Por ,

En la 70ª edición se inaugurará una nueva colección de libros editados en colaboración con Filmoteca Vasca y el primer número tratará sobre el cineasta galo.
El Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva, con la colaboración de Filmoteca Vasca, al director y guiónista francés Claude Sautet (1924-2000), autor de películas tan celebradas como Classe tous risques (A todo riesgo, 1960), Les choses de la vie (Las cosas de la vida, 1970) y Max et les ferrailleurs (Max y los chatarreros, 1971). Conocido por sus colaboraciones con artistas como Romy Schneider, Michel Piccoli o Emmanuelle Béart, Sautet se situó en una cierta encrucijada en la historia del cine francés: no pertenecía a la generación de los realizadores de posguerra ni formó parte de la Nouvelle Vague.
Nacido en Montrouge en 1924 y fallecido en París en 2000, Sautet comenzó en la industria del cine en 1950 como ayudante de dirección y trabajó en una docena de filmes entre comedias y relatos criminales realizados por André Cerf, Edouard Molinaro y Richard Pottier. Su película más importante como asistente fue la última en la que desempeñó esta función, Les yeux sans visage (Los ojos sin rostro, 1960), influyente película de Georges Franju en cuyo guión también participó.
Antes había dirigido su primer filme, Bonjour sourire! (1956), una comedia musical bien alejada de lo que luego desarrolló en el grueso de su filmografía. La peculiaridad es que estuvo protagonizada por Henri Salvador, importante cantante y guitarrista que cultivó el jazz, la bossa nova, la chanson y el rock’n’roll.
Los primeros intereses del Sautet director se deslizaron hacia el polar, género al que aportó Classe tous risques (A todo riesgo, 1960), protagonizada por uno de los actores más representativos del género, Lino Ventura, y basado en una novela de otro nombre crucial para la literatura y el cine policíaco francés, José Giovanni. Un año antes, Sautet ya había coincidido con Ventura en otro polar, Le Fauve est lâché (La fiera anda suelta, 1959), en el que firmó el guión y parece ser que rodó algunas secuencias, aunque la película está acreditada a Maurice Labro en solitario. Eran los tiempos de la eclosión de la Nouvelle Vague y aunque Sautet no formó parte del movimiento, ahí estaba Jean-Paul Belmondo encarnando a un delincuente en A todo riesgo como lo había hecho en À bout de souffle (Al final de la escapada, 1960), de Jean-Luc Godard.
Sautet siguió vinculado al cine criminal y a José Giovanni al participar en el guión de Symphonie pour un massacre (Ronda de crímenes, 1963), de Jacques Deray, y en varios filmes policíacos más. Alternó su faceta como guiónista para otros con la realización y escritura de sus propias películas, siempre dentro del género, como en su nuevo encuentro con Lino Ventura en L’Arme à gauche (Armas para el Caribe , 1965), esta vez con soporte literario del estadounidense Charles Williams.
Y con el cambio de década Sautet inauguró la etapa más fecunda y popular de su carrera gracias al impulso de Romy Schneider y Michel Piccoli, una de las mejores parejas del cine francés de los primeros años 70. Sus colaboraciones con el infalible tándem interpretativo fueron Les choses de la vie (Las cosas de la vida, 1970), donde ambos fueron vértices de un triángulo amoroso, y Max et les ferrailleurs (Max y los chatarreros, 1971), una incursión distinta en el policíaco con Piccoli-Schneider atrayéndose y rechazándose en los papeles de un policía y una prostituta. Yves Montand se unió al grupo a partir de César et Rosalie (Ella, yo y el otro, 1972), con Schneider, yVincent, François, Paul et les autres… (Tres amigos, sus mujeres y… los otros, 1974), con Piccoli.
El éxito de esta especie de díptico sobre las crisis sentimentales y existenciales de diversos personajes de mediana edad marcó un nuevo tono en la obra de Sautet. El drama se volvió más oscuro en Mado (1976), su último filme con Piccoli; Une histoire simple (Una vida de mujer, 1978), la última colaboración con Schneider, y Garçon! (1983), el último con Montand. Todas son películas centradas en desencuentros y reencuentros amorosos, en la idea de agarrarse a una última oportunidad.
Sautet realizó también un drama centrado en la rehabilitación emocional y familiar de un drogadicto, Un mauvais fils (1980), y una comedia romántica bien distinta, Quelques jours avec moi (1988), interpretada por Sandrine Bonnaire y Daniel Auteuil, además de devolverle el favor a Giovanni escribiéndole el guión de Mon ami le traître.
Después encontró en Emmanuelle Béart a una nueva actriz con la que se sintió tan seguro como con Schneider. Con ella realizó sus dos últimos filmes, Un coeur en hiver (Un corazón de invierno, 1992) y Nelly et Mr. Arnaud (Nelly y el Sr. Arnaud, 1995), dramas delicados sobre triángulos amorosos y atracciones inesperadas.
Su último trabajo se encuadró en el Collectif de Cinéastes Pour les Sans-Papiers, colectivo formado por 200 directores, productores, exhibidores y distribuidores franceses –entre ellos Sautet, Bertrand Tavernier, Jacques Audiard, Sólveig Anspach, Catherine Corsini, Laurent Cantet, Philippe Garrel, Lola Doillon y Alain Bergala– que firmaron un manifiesto en forma de cortometraje en apoyo a todos los inmigrantes ilegales en Francia, Nous, sans-papiers de France (1997).
En la 70ª edición del Festival, que tendrá lugar del 16 al 24 de septiembre, se inaugurará una línea de libros de cine editados en colaboración con Filmoteca Vasca y cuyo primer número estará dedicado a Claude Sautet. Esta nueva etapa se abre tras la finalización de la fructífera colección de publicaciones que en los últimos años el Festival de San Sebastián ha coeditado junto a Filmoteca Española.

 

Deconstrucción amorosa, tráiler de «Avec amour et acharnement» de Claire Denis

  Por ,

Para satisfacción de los incondicionales de la cineasta francesa Claire Denis dos películas serán las películas que estrenará este año la responsable de Beau travail, por un lado recientemente vista en el festival de Cannes Stars at Noon y por otro Avec amour et acharnement, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, Oso de Plata a la Mejor dirección en el pasado festival de Berlín,  que llegará a España de la mano de Caramel Films con el título de Fuego se estrenará comercialmente en territorio francés el próximo 31 de agosto.
Avec amour et acharnement nos cuenta como cuando se conocieron, Sara vivía con François, el mejor amigo de Jean. Ahora, Jean y Sara se quieren y viven juntos hace 10 años. Un día, Sara ve a François por la calle. Él no se da cuenta, pero a ella le invade la sensación de que su vida podría cambiar repentinamente. Al mismo tiempo, François retoma el contacto con Jean por primera vez en años y le propone volver a trabajar juntos. A partir de aquí, todos perderán el control.
La película con guion a cargo de la propia Claire Denis junto a Christine Angot está protagonizada por Juliette Binoche, Vincent Lindon, Grégoire Colin, Bulle Ogier, Mati Diop, Issa Perica y Hana Magimel.

 

Seminario online Pier Paolo Pasolini

  Por ,

Presentación
La obra fílmica de Pier Paolo Pasolini permanece viva, por cuanto continúa originando nuevas enseñanzas filosóficas y provocando nuevas emociones estéticas. El cine de Pier Paolo Pasolini aún mantiene en alto sus espadas, ya que es fuente inagotable de debate, de discusión, acicate para articular nuevas maneras de cuestionar la sociedad occidental moderna y las tensiones anímicas e intelectuales que sacuden al hombre dentro de dicha sociedad. Las películas de Pier Paolo Pasolini, vanguardistas, primitivas y vagamente clásicas, sin posibilidad alguna de crear escuela por únicas, suponen actualmente una experiencia límite al plantear sin remilgos la conflictiva coexistencia entre lo viejo y lo nuevo, entre la civilización y la barbarie, entre la opulencia y el subdesarrollo, entre el cuerpo y el espíritu. Pero, sobre todo, el trabajo de Pier Paolo Pasolini tras las cámaras se nos revela como una de las cumbres del cine como arte.
Objetivo
Desarrollar la sensibilidad estética y cinematográfica a través de la mirada de Antonio José Navarro.
Metodología
El seminario se imparte por videoconferencia a través de Zoom. Se visualizan y se analizan escenas cuidadosamente seleccionadas por Antonio José Navarro de Accatone (1961), Mamma Roma (1962), El Evangelio según San Mateo (1964), Edipo Rey (1967), Teorema (1968), El Decamerón (1970), Las Mil y una Noches (1974) y Saló o los 120 días de Sodoma (1975).
Impartición
Antonio José Navarro es crítico e historiador de cine, miembro de la Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) y la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC). Ha escrito en diversos medios vinculados a la crítica de cine como Dirigido por, Imágenes de Actualidad, Time Out Barcelona o El Periódico de Catalunya. Ha publicado diversos libros de cine como El imperio del miedo. El cine de horror norteamericano post 11-S (2016), Choque de titanes. 50 películas fundamentales sobre la Guerra Fría (2017) o Hollywood y la Guerra contra el Terror (2021).
Precio
45€
https://www.educatumirada.com/matriculacion/

La sororidad en clave atmosférica, tráiler de «She Will»

  Por ,

El debut en el largometraje de la artista multidisciplinar Charlotte Colbert She Will, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, viene a significar uno de esos trabajos cuya adscripción genérica al género fantástico parece venir acompañada por la imperiosa necesidad de expandir un tema de índole social, en este caso podría ser perfectamente el concerniente al #MeToo, aplicada en esta ocasión a modo de canalización fantástica. La película (critica aquí) tras su estar presente el pasado año en festivales como Locarno o Sitges tendrá un estreno limitado en cines y VOD de Estados Unidos previsto para el próximo 15 de julio.
She Will nos cuenta como tras una mastectomía doble, Veronica Ghent viaja a una clínica situada en Escocia. Su intención es curarse de la operación, pero una vez allí descubre que para sanarse totalmente también es necesaria una meditación psicológica sobre su existencia y algunos traumas del pasado. Veronica establece un vínculo especial con Desi, una joven enfermera, y juntas descubren unas fuerzas misteriosas relacionadas con los sueños.
La película con guion a cargo de la propia Kitty Percy junto a Charlotte Colbert está protagonizada por Malcolm McDowell, Amy Manson, Alice Krige, Rupert Everett, John McCrea, Daniel Lapaine, Jonathan Aris, Olwen Fouere, Jack Greenlees, Kenneth Collard, Joanna Bacon, Kota Eberhardt, Apple Yang, Catriona McNicoll, Fiz Marcus, Stephen Kyem y Thomas Handling.

Solaris-Textos de Cine: Monstruos

  Por

¿De qué está hecho un monstruo? ¿Cuál es, en esencia, esa naturaleza primaria que lo constituye y lo funda monstruoso? ¿Qué parte de lo humano se activa con su presencia, se siente concernida y hasta se reconoce en la criatura monstruosa? ¿De qué es metáfora la figura de los monstruos que más nos han fascinado y atemorizado en el cine? ¿Cómo se ha empleado el lenguaje fílmico para su articulación en la pantalla? Corriendo hacia los monstruos, en lugar de huyendo de ellos, nos proponemos analizar la figura del monstruo tal como ha comparecido en la imagen cinematográfica, a ver si terminamos encontrándonos nosotros mismos.
Monstruos, pero no solo en el sentido de la criatura-monstruo, sino también en el de aquellos humanos que devienen monstruos, como los psicópatas o los torturadores, que nos acercan a lo abominable como un fenómeno íntimo y plausible. Nos adentramos en el análisis de lo insoportable en películas como Funny Games, Psicosis, Seven, Alien, La parada de los monstruos, El silencio de los corderos, el imaginario de Frankenstein, el repertorio monstruoso de Cronenberg, etc., y nos sumergimos en la reflexión del cine mismo como monstruo y su construcción iconográfica sobre la pantalla.
Este volumen temático de SOLARIS contará con los textos de reflexión y el pensamiento de autores multidisciplinares: analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, cineastas y autores especializados en el estudio de la imagen de ciencia ficción, que nos devuelven una estampa peligrosamente reconocible de eso que se nos resiste bajo el semblante de lo monstruoso.
Índice
Prólogo
Elisenda N. Frisach
En la oscuridad… Estética cinematográfica del monstruo
Antonio José Navarro
Diabolus in imago
Raúl Álvarez
La monstruosidad de Frankenstein y su criatura: los límites de la empatía
Miriam Borham Puyal
Formas monstruosas en Psicosis
Israel Paredes
Cine-monstruo
Carlos Losilla
Algunas sucias lecciones. Seven (David Fincher, 1995)
Aarón Rodríguez Serrano
Lo que se ve y lo que se oculta. La evolución del concepto de lo monstruoso en el cine de David Cronenberg
José Antonio Jiménez de las Heras
Monstruos invisibles
Carlos Atanes
La vida dolorosa de los desechados
Quim Casas
Miedo a perder las formas y otros avisos de la enunciación psicópata en Funny Games
Shaila García-Catalán
Autor: Varios, Editorial: SOLARIS, Textos de cine, Páginas: 206

 

Reiner Werner Fassbinder según François Ozon, tráiler de «Peter von Kant»

  Por ,

No es la primera vez que el francés François Ozon versiona la obra de Reiner Werner Fassbinder, si en el 2000 adaptaba Gouttes d’eau sur pierres brûlantes ahora es turno para la puesta al día y adaptación libre de Peter von Kant, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Peter von Kant tras su premier mundial en el pasado festival de Berlín se estrenará comercialmente en Francia el próximo 6 de julio.
La película nos cuenta como Peter von Kant es un director de cine de éxito. Vive con su asistente Karl, a quien le gusta maltratar y humillar. Sidonie es la gran actriz que fue su musa durante muchos años. Ella es quien le presenta a Amir, un apuesto joven de escasos recursos. Peter se enamora de Amir al instante y le ofrece alojamiento en su apartamento y ayudarle a entrar en la industria del cine. El plan funciona, pero en cuanto adquiere fama, Amir rompe con Peter, dejándole solo para enfrentarse a sus demonios.
Peter von Kant con guion adaptado a cargo del propio François Ozon está protagonizada por Denis Menochet, Isabelle Adjani, Khalil Ben Gharbia, Hanna Schygulla, Stefan Crepon y Aminthe Audiard.

https://youtu.be/WXe6yT3ERgw

Nuevo tráiler para «Nop» de Jordan Peele

  Por ,

Después de su algo accidentada etapa televisiva con una poca afortunada re visitación de la fundamental Twilight Zone Jordan Peele ya tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras tras sus exitosas Get Out y Us titulado Nope, película que tras un pequeño avance de hace unos meses nos presenta de la mano de Universal Pictures su tráiler final de casi tres minutos de duración que podéis ver a final de página junto a uno de sus carteles promocionales.
Nope, en donde parece vistas sus primeras imágenes que Jordan Peele nos vuelve a ofrecer un relato de terror a través de conceptos relativamente originales, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 22 de julio, a España legará casi un mes después, el 19 de agosto .
En Nope vemos como dos habitantes de un remoto pueblo en el interior de California realizan un descubrimiento tan insólito como escalofriante. La película con guion del propio Jordan Peele está protagonizada por Steven Yeun, Daniel Kaluuya, Keke Palmer, Terry Notary, Donna Mills, Michael Wincott, Barbie Ferreira, Brandon Perea, Jennifer Lafleur, Ryan W. Garcia, Sophia Coto, Andrew Patrick Ralston, Conor Kowalski, Gloria Cole, Lincoln Lambert, Mark Casimir Dyniewicz, Griffin Fenady y Evan Shafran.

Cineteca Madrid explora el complejo y enriquecedor idilio entre el cine y la música

  Por ,
“Musicalidades” profundiza durante junio en los trasvases entre dos artes.
Cineteca Madrid, espacio perteneciente al Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, centra su programación de junio en los vínculos e híbridos entre el cine y la música, dos artes cuya historia ha sido inseparable durante el último siglo. Bajo el título “Musicalidades”, la propuesta cinematográfica de este mes huye de la visión canónica del musical clásico y reflexiona sobre las cualidades musicales del montaje y el estrecho vínculo del cine, género popular por excelencia, con el archivo y la representación de la historia popular.
La cartelera de junio ofrece así un recorrido por los trasvases entre música y cine, una relación compleja y enriquecedora, con una atractiva propuesta que abarca el documental musical, la musicalidad de la obra del director francés Jaques Demy y el cine austríaco de vanguardia, grandes musicales queer, paseos sonoros por la España de la revolución sexual de los 70 y estrenos imprescindibles donde la música juega un papel protagonista.
El arte de hacer música captado por la cámara
Con motivo del Día Europeo de la Música el próximo 21 de junio, Cineteca Madrid ofrece una selección de documentales sobre bandas musicales emblemáticas como The Doors y The Stooges, cantautores como Chicho Sánchez Ferlosio o Paco Loco, o DJs como Clara Rockmore, Daphne Oram y Laurie Spiegel. Las sesiones serán presentadas por artistas y periodistas musicales relevantes del panorama español, entre los que destacan Miren Iza (Tulsa), Fernando Navarro (El País) o Patri Di Filippo (Blackie Books, Radio Primavera Sound).  Además, se proyectará el documental “Off the Record” (Barry Avrich, 2019), una sesión especial sobre el importante DJ y productor francés Laurent Garnier que contará con la presencia de DJs y figuras de primera línea de la música techno como el británico Dave Clarke.
Musicalidad en la gran pantalla con (Re)visiones y cine austríaco de vanguardia
En sintonía con la temática del mes, Cineteca invita al espectador a volver al encanto, el colorido y la musicalidad del cine del director francés Jacques Demy a través de la sección (Re)visiones, que recupera cuatro de sus películas fundamentales: “Los paraguas de Cherburgo” (1964), “Las señoritas de Rochefort” (1967), “El flautista de Hamelín” (1972) y “Una habitación en la ciudad” (1982).
La música visual también está presente en el cine austríaco de vanguardia, cuya contribución a la historia del cine es mundialmente conocida. Cineteca acoge algunas de las obras maestras de sus pioneros, como Kurt Kren, Maria Lassnig, Valie Export o Mark Adrian, que abrieron importantes caminos para la investigación en el arte contemporáneo. Además, se estrenará en exclusiva “Train Again” (2021), la última película de Peter Tscherkassky, heredero de la importante tradición de la escuela austriaca, en una sesión excepcional que incluirá las otras dos partes de su trilogía “Rushes Series: Coming Attractions” (2010) y “The Exquisite Corpus” (2015).
Musical queer, masculinidades y ecos de la revolución sexual
De cara a la semana del Orgullo LGTBI, que tendrá lugar del 1 al 10 de julio en Madrid, Cineteca propone calentar motores con una programación que incluye algunos de los musicales queer más reseñables de la historia del cine, películas rompedoras y emocionantes que esconden importantes reflexiones sobre la identidad y la libertad: “Cabaret” (Bob Fosse, 1972), “The Rocky Horror Picture Show” (Jim Sharman, 1975), “Las aventuras de Priscilla, reina del desierto” (Stephan Elliott, 1994) “Velvet Goldmine” (Todd Haynes, 1998), “Mysterious Skin” (Gregg Araki, 2004), entre otras. En esta recopilación, no podía faltar “Diferente” (1961, del director español Luis María Delgado, uno de los musicales más notables de la historia de nuestro cine.
Además, la sección Arqueologías viaja de la mano del doctor en Historia y Teoría del Arte Alberto Berzosa hasta la España de los años 70, época en la que, bajo la bandera de la liberación sexual y la derogación de la Ley de Peligrosidad y Rehabilitación Social, se articuló una escena cinematográfica alternativa, formada por una red de cineastas, actores y artistas. A pesar de que se desarrolló en el plano de la marginalidad ideológica, cultural, social y política, dejó una producción de alrededor de 60 películas que conformaron en plena transición el primer imaginario de la revuelta sexual. Bajo el título “Ecos de la revolución sexual”, Berzosa tratará asuntos como la vanguardia de lo trans, la ocupación festiva de los espacios públicos, la sexopolitización de la cultura popular, la subversión de los principios morales franquistas, o el desborde de los tabúes.
Y en la sección de acceso gratuito Espacio hablado, que plantea un acercamiento teórico al tema del mes, la Doctora en Bellas Artes Gloria G. Durán, y el sociólogo Antonio A. García proponen un paseo sonoro por algunas de las películas más vistas en el último siglo del cine español, pero desde una mirada que cuestione los estereotipos masculinos construidos por nuestro cine. ¿Cómo suenan las masculinidades en los taquillazos del cine español”? ¿Qué hombres las habitan? ¿Qué relaciones de género se establecen?, son algunas de las cuestiones que se debatirán junto con el público.
Los estrenos del mes narran problemáticas contemporáneas
La musicalidad juega un papel principal en algunos de los estrenos de junio, como “Memoria” (Apichatpong Weerasethakul, 2021), que cuenta la historia de Jessica (Tilda Swinton), una botánica establecida en Colombia que una noche se despierta al escuchar un sonido inexplicable. Fascinada por este episodio, emprenderá un viaje hasta el corazón de la selva para descubrir el origen del misterioso sonido. También en la última película de Moguillansky y Luciana Acuña, “La edad media” (2022), la música aparece en clave de comedia musical para reflexionar sobre los problemas derivados del confinamiento.
En esta línea, que reflexiona sobre problemáticas existenciales actuales, se encuentra otros estrenos como “Diarios de Otsoga” (Miguel Gomes, Maureen Fazendeiro, 2021), que ofrece un profundo retrato veraniego de la pandemia del Covid desde una visión profunda, emocionante y luminosa. “Regreso a Reims” (2018), de Jean-Gabriel Périot, propone un intenso recorrido por la historia íntima y política de la clase obrera francesa, mientras que “Rendir los machos” (2022), de David Pantaleón, retrata un drama sobre una familia ganadera de Fuerteventura. “A este lado del mundo” (2020), la última película de David Trueba, aborda la complejidad de uno de los grandes asuntos que sacuden el mundo: la inmigración.
CineZeta, ciclo de cine rumano y mucho más
El equipo de jóvenes programadores de CineZeta propone este mes un acercamiento a la exploración de la identidad desde el proceso de ensayo y error, poniendo el foco en cuatro películas que se construyen desde la performance, el bucle y la repetición. “Je ne suis pas morte” (2008), cuyo estreno en Madrid contará con la presencia del director Jean-Charles Fitoussi; “Night Passage» (Trinh T. Minh-ha y Jean-Paul Bourdier, 2004), donde se explorará la construcción de las relaciones a través de la paranoia; “Chain Letters” (Mark Rappaport, 1985) se adentra en la construcción de las relaciones a través de la paranoia; y, por último, “¿Cómo sabes si…?” (James L. Brooks, 2010), una película que desde el género de la comedia romántica explora la naturaleza de la equivocación, del error y la apreciación de intentar, una y otra vez, acertar.
Por otro lado, en colaboración con el Instituto Cultural Rumano, se proyectará un ciclo del mejor cine rumano reciente, con cinco películas premiadas en grandes festivales de todo el mundo. Completa esta programación una masterclass con el director Radu Muntean, quien presentará su película “Intregalde” (2021), premiada en el pasado Festival Internacional de Gijón.
Los Matinés infantiles, el ciclo Emergencia, la sección Alrededores con “Aquel querido mes de agosto” (Miguel Gomes, 2008), La noche Z con “Killer Barbys Vs. Drácula” (Jesús Franco, 2022), FILMADRID Festival Internacional de Cine, RIZOMA Festival Internacional de Cine & Cultura Entrelazada, Docs Barcelona del Mes, Ciclo Docma, TVE Somos Documental, y CIMA en corto completan la amplia programación de Cineteca en junio.

 

En lo más profundo de la noche, tráiler de «Swallowed»

  Por ,

Bastante interesante resulta ser la trayectoria dentro del género fantástico por parte de Carter Smith, tras trabajos tan interesante como antagónicos entre sí como resultan ser The Ruins (2008) y Jamie Marks Is Dead (2014) nos llega ahora Swallowed, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. La película, un body horror de texturas amateurs, se podrá ver en la próxima edición del Fantasia Film Festival.
Swallowed nos cuenta como Benjamin y Dom son dos compañeros que se conocen desde la infancia. Benjamin ha estado secretamente enamorado de Dom durante mucho tiempo, pero ha llegado el momento de abandonar la ciudad natal por otro lugar en donde pueda ser el mismo y tal vez encontrar a una persona que le quiera. Benjamin por otra parte tiene previsto ir a Los Angeles en donde acaba de conseguir un papel en una película porno gay. Dom tiene un plan para despedir a su amigo en la última noche en que van a estar los dos juntos, lo único que tiene que hacer el entregar un paquete al otro lado de la ciudad.
La película con guion a cargo del propio Carter Smith está protagonizada por Jena Malone, Mark Patton, Cooper Koch, Roe Pacheco y Jose Colon.

«X» review

  Por

En 1979, un grupo de jóvenes cineastas se propusieron hacer una película para adultos en la zona rural de Texas, pero cuando sus anfitriones solitarios y ancianos los atrapan en el acto, el elenco pronto se encuentra en una lucha desesperada por sus vidas.
Si hay existido a lo largo de estas últimas décadas un género cinematográfico por antonomasia que de alguna manera ha recurrido por activa y por pasiva a la re visitación propiciada por la sistemática demanda del aficionado este ha sido sin lugar a dudas el referido al terror, en unos tiempos de continua referencialidad, no muy bien planteada, en donde gran parte de la crítica y los fans vitorean y validan al unísono productos tan deficitarios en su concepción como por ejemplo la última versión de Texas Chainsaw Massacre a cargo de David Blue Garcia, por el mero hecho de ser una película supuestamente disfrutable en función únicamente de su abundante dosis de gore, no es de extrañar que surjan un generoso número de películas con una poco disimulada mirada pretérita como por ejemplo X, en este caso en lo concerniente tanto al slasher USA de los años setenta como al American Gothic que confrontaban de forma abrupta la modernidad y un enfermizo conservadurismo situado en la América rural profunda.
Posiblemente el gran déficit de X pueda percibirse en tener la sensación de estar ante un producto demasiado calculado en relación a sus supuestos propósitos y alegorías por las que supuestamente transita, por otra parte su invocación al cine primigenio de Tobe Hooper se queda en eso, en una pulcra ambientación de texturas ambivalentes en donde se apuesta por un gore analógico como es preceptivo y en especial en lo concerniente a la exposición de un árido escenario y en homenajear para regocijo del fandom otra película del responsable de la original The Texas Chainsaw Massacre como es Eaten Alive (1976). Lo que en estos relatos venía a ser una ruptura conceptual que nos derivaba a un compendio del sucio realismo especialmente brillante en su faceta sonora aquí nos encontramos con una realización demasiada cuidada, gracias principalmente a la presencia de la productora A24, y lo que es peor provista de un mensaje algo obvio en relación a confluir dos corrientes seminales no especialmente antagónicas entre sí como son el porno y el terror, la juventud y la vejez, estigma también muy presente en otra película de genero de este mismo año como es La abuela de Paco Plaza, y en especial en ese incipiente liberalismo enfrentado a un perturbador anacronismo represor en donde suelen nacen monstruos, todo ello aderezado con una innecesaria revelación final.
La carrera de Ti West ha basculado en gran parte en lo concerniente a una continua referencialidad genérica, labor especialmente afortunada en la re visitación del terror satánico de los años 70 con The House of the Devil (2009) y el relacionado con ese horror de carácter más popular y desinhibido bastante muy proclive en los años 80 con The Innkeepers (2011), sin embargo en otras reformulaciones venidas a posteriori West no se muestra tan certero, tanto con el fanatismo religioso expuesto en formato found footage visto en The Sacrament (2013) como el western a modo de revival de In a Valley of Violence (2016), propuestas al fin y al cabo que al igual que X son percibidas en base a una estructura algo más ambiciosas y modélicas que sus predecesoras pero también más direccionadas a una clara naturaleza de artificio pese a anidar supuestamente a través de discursos potencialmente nuevos.
Ubicada a finales de los 70 X representa a la perfección ese tipo de cine bastante reconocible en estos últimos años que parece más preocupado en plantear que en desarrollar, a tal respecto hay acotaciones ciertamente interesantes como el que nos dice como el sexo a modo de represión desemboca en barbarie, también el referido a ese juego meta que nos muestra el cine dentro del cine en donde los tópicos de los géneros van apareciendo uno por uno a modo de festín cinéfilo o incluso la reformulación de las reglas a la hora de definir a figura de la Final Girl, no yendo sin embargo más allá de una distendida  acumulación de elementos referenciales más cercanos al hype generado por el entorno que a la veracidad del producto entendido como tal, un cine en definitiva concebido bajo los dictámenes y parámetros de la exploitation setentera que sin embargo y a diferencia de gran parte de aquellas producciones dista mucho de atesorar el espíritu trasgresor que las solía caracterizar.

Valoración 0/5:2

La delgada línea entre la ficción y la realidad, tráiler de la nueva «Irma Vep» de Olivier Assayas

  Por , ,

Tampoco debe ser motivo de sorpresa que un autor de las características de Olivier Assayas actualice de alguna manera un discurso de tono metaficcional que el mismo ya había abordado con anterioridad, la serie televisiva Irma Vep, cuyo primer tráiler subtitulado al español acaba de ver la luz de la mano de HBO y A24 y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, no deja de ser una relectura de otro relectura, en concreto posiblemente de su mejor película del mismo título e interpretada por Maggie Cheung en 1996, adaptación cinematográfica a su vez del clásico del cine mudo francés de 1915, Les Vampires. La versión televisiva de Irma Vep constará  de ocho episodios estrenando HBO Max el primero el próximo 7 de junio.
En Irma Vep vemos como Mira es una estrella de cine desengañada tanto por su carrera como por una reciente ruptura. Llega a Francia para encarnar a Irma Vep en una adaptación del clásico francés del cine mudo “Los vampiros”. A medida que avanza el rodaje, Mira se da cuenta de que los límites entre ella misma y el personaje que interpreta comienzan a difuminarse y a fusionarse.
La serie con guion a cargo del propio Olivier Assayas está protagonizada por Alicia Vikander, Adria Arjona, Fala Chen, Carrie Brownstein, Lars Eidinger, Jess Liaudin, Vincent Lacoste, Jeanne Balibar, Hippolyte Girardot, Vincent Macaigne, Nora Hamzawi, Antoine Reinartz, Alex Descas, Michèle Clément, Johannes Oliver Hamm y Tom Sturridge.

Hollywood y la Guerra contra el Terror

  Por

En el transcurso de casi dos décadas, Hollywood se ha convertido en una verdadera (y atormentada) conciencia y memoria colectiva en relación con el 11-S y la Guerra contra el Terror. Si alguien hubiese vivido en completo aislamiento todo este tiempo, sin leer ningún periódico, revista o libro, ni haber visto un informativo televisivo o escuchar la radio, viendo únicamente el cine y la televisión de Hollywood, podría hacerse una idea bastante precisa de que fue el 11-S, por qué y cómo se ha desarrollado la Guerra contra el Terror, cuál es la percepción que los estadounidenses tienen de sí mismos y de otros países o culturas, y que sentimientos les provoca enfrentarse a su maldad, a su rabia, a su miedo, a su sufrimiento. En la presente obra se analizan numerosos documentales, cintas de ficción y productos televisivos de diferentes estilos, dramaturgias e ideologías, un espacio de debate, de disputa, en que los espectadores adquieren conciencia de su posición cultural y política frente a semejante conflicto.
Autor: Antonio José Navarro, Editorial: CATEDRA PIRAMIDES, Páginas: 384

Talleres Xcèntric: Entre el yo y la otredad. Metodologías etnográficas para la creación cinematográfica

  Por

Participantes
Adriana Vila Guevara
Este taller teórico-práctico, a cargo de la cineasta y antropóloga Adriana Vila Guevara, pretende crear un espacio para la reflexión (sensitiva y experiencial) sobre algunas de las condiciones que circundan el planteamiento y desarrollo de una aproximación a lo desconocido, al misterio de la otredad.
A lo largo de su historia como disciplina, la antropología se ha dedicado a la compleja tarea de comprensión de la otredad, enfrentándose a las contradicciones de la propia presencia de quien investiga. De la misma manera, en la creación cinematográfica (e incluso en distintas disciplinas artísticas interesadas en la intersubjetividad) el acercamiento y desarrollo de las relaciones que se establecen con quienes se trabaja y a quienes se desea representar, suele colocar al creador o creadora en un constante debate sobre su posición, poder, intervención, responsabilidad o compromiso.
En esta sesión única de 4 horas de duración, con plazas limitadas a un grupo reducido, se desarrollarán una serie de ejercicios prácticos (de meta-observación, de escucha reflexiva, entre otros) que crearán las bases para la discusión colectiva y fomentarán el encuentro con un conocimiento situado e incorporado. El taller aportará empíricamente una serie de herramientas etnográficas, útiles para transitar las etapas de investigación que acompañan los procesos artísticos o cinematográficos de descubrimiento y representación de la otredad.
El taller está dirigido a toda persona interesada en estas cuestiones, sin necesidad de conocimientos previos, y especialmente artistas y cineastas que quieran enriquecer sus procesos creativos y explorativos. La sesión complementa el curso F(r)icciones Etnográficas y el pasado ciclo de proyecciones del programa Xcèntric dedicado a las intersecciones entre cine experimental y antropología.
Fecha: 10 junio 2022
Horario: 16.00 – 20.00
Espacio: Archivo Xcèntric
Precio: 6 € (4 € entrada reducida)
Inscripciones
Es necesario enviar una carta de motivación a xcentric@cccb.org antes del 27 de mayo (asunto del mail: TALLER ANTROPOLOGIA) con los siguientes datos:
Nombre y apellidos / Mail y teléfono / Edad y profesión / Cuatro líneas con tu motivación para asistir al taller (si estás desarrollando algún proyecto, explícalo brevemente).
La lista de personas admitidas se hará pública antes del 31 de mayo.
Matrícula limitada a 15 participantes.
Idioma; Castellano

Terror en la alta cocina, primer tráiler para «The Menu»

  Por ,

No será la única aproximación que en mayor o menor medida aborda el fantástico a ese nuevo imaginario que transcurre través de la alta cocina, si desde su particular mirada autoral Peter Strickland lo hace con Flux Gourmet The Menu, cuyo primer tráiler de la mano de Searchlight Pictures acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, aborda dicha temática a través de una vertiente algo más lúdica. La película, dirigida por Mark Mylod (Ali G Indahouse 2002, The Big White 2005) e interpretado por Anya Taylor-Joy, que acaba de empezar estos días el rodaje de la esperada Furiosa de George Miller, tiene previsto su estreno comercial en cines de Estados Unidos para el próximo 18 de noviembre.
En The Menu vemos como una joven pareja viaja a uno de los destinos más exclusivos del mundo para cenar en un restaurante que ofrece una experiencia culinaria única. Sin embargo, el chef ha preparado un ingrediente secreto que tendrá un resultado sorprendente en los dos enamorados.
La película con guion a cargo de Seth Reiss y Will Tracy está protagonizada por Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, Ralph Fiennes, Hong Chau, John Leguizamo, Janet McTeer, Judith Light, Christina Brucato, Aimee Carrero, Paul Adelstein, Arturo Castro, Reed Birney, Rob Yang, Rachel Trautmann, Peter Grosz, Mel Fair, Adam Aalderks, Rebecca Koon, Mark St. Cyr, Jon Paul Allyn, Brandon Herron y Elbert Kim.

Filmin traerá a España «The Kingdom Exodus», la nueva serie de Lars von Trier

  Por ,

La tercera temporada de «The Kingdom», que llega 25 años después del final de la serie, se estrenará en España el próximo otoño.
Filmin ha llegado a un acuerdo con TrustNordisk para estrenar en España la trilogía «The Kingdom», la célebre serie que Lars Von Trier creó en los años 90 y que, 25 años después de su final, estrenará su tercera temporada en otoño de 2022.

Las dos primeras temporadas de «The Kingdom» han sido remasterizadas para ofrecer la mejor experiencia audiovisual a los espectadores que quieran descubrir o rememorar una serie que se ambienta en un moderno y laberíntico hospital situado en un antiguo pantano, y que mezcla géneros y tonos de manera apasionante. El reparto incluye a estrellas del cine nórdico como Lars Mikkelsen («Devils»), Nikolaj Lie Kaas («Los casos del Departamento Q»), Mikael Persbrandt («El Hobbit») o Tuva Novotny («Nobel»). Alexander Skarsgaard («Succession») será la estrella invitada de la tercera temporada, escrita, como la serie original, por Lars Von Trier en colaboración con Niels Vørsel.

Además, Filmin ha adquirido también la filmografía completa del director danés, perteneciente a TrustNordisk, que incluye películas tan célebres como «Bailar en la oscuridad», «Dogville», «Anticristo», «Melancolía» o «La Casa de Jack», así como sus dos primeros largometrajes, «El elemento del crimen» y «Epidemic».

Sinopsis de «The Kingdom Exodus»
Fuertemente influenciada por los hechos narrados en las dos primeras temporadas de «The Kingdom», la sonámbula Karen busca respuestas a los problemas no resueltos de la serie para salvar al hospital de la perdición. Una noche, profundamente dormida, Karen se adentra en la oscuridad e inexplicablemente termina frente al hospital. La puerta del Reino se abre de nuevo…

Tráiler en castellano para lo nuevo de Terence Davies «Benediction»

  Por ,

Tras estar presente en el Festival de San Sebastián (critica aquí) el pasado año el nuevo trabajo tras las cámaras del veterano realizador Terence Davies Benediction lanza un primer tráiler en castellano que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, biopic del poeta Siegfried Sassoon, se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 8 de julio de la mano de Festival Fims.
Benediction nos cuenta como Siegfried Sassoon fue un hombre complejo que sobrevivió a los terrores de combatir en la I Guerra Mundial y fue condecorado por su valentía, pero a su regreso se convirtió en un firme crítico de la continuación de la guerra por parte de su gobierno. Su poesía se inspiró en sus experiencias en el frente occidental y terminó siendo uno de los principales poetas de guerra de la época. Idolatrado por aristócratas y estrellas del mundo literario y escénico londinense, mantuvo relaciones con varios hombres mientras intentaba aceptar su homosexualidad. Al mismo tiempo, roto por el terror de la guerra, hizo de su viaje vital una búsqueda de la salvación, tratando de hallarla en la conformidad del matrimonio y la religión.
La película con guion a cargo del propio Terence Davies está protagonizada por Jack Lowden, Simon Russell Beale, Peter Capaldi, Jeremy Irvine, Kate Phillips, Gemma Jones, Ben Daniels, Geraldine James, Joanna Bacon, Anton Lesser, Lia Williams, Thom Ashley, Kellie Shirley, Suzanne Bertish, Paddy Rowan, Calam Lynch, Harry Lawtey, Tom Blyth, David Shields, Edmund Kinsgley, Jude Akuwudike, Jamie-Lee Beacher, Stacey Lynn Crowe, Bobby Robertson y Ernest Vernon.