Mes: septiembre 2017
«Framed», premier mundial en la inauguración del TerrorMolins
TerrorMolins acoger la Premiere Mundial de la película Framed, cinta dirigida por Marc Martínez Jordán que tendrá su estreno el viernes 10 de Noviembre en el Teatre de La Peni de Molins de Rei. Framed mezcla los componentes más clásicos del cine de terror (y en especial las denominadas “home invasión movies”) con el imparable auge de las nuevas tecnologías de la comunicación (facebook, instagram, twitter, etc:.). Un fenómeno tecnológico que está cambiando la sociedad en la que vivimos y sobretodo la forma en la que nos comunicamos. Framed es un ensayo terrorífico, crítico, y con pinceladas de humor, del uso desmedido y sin filtro por parte de una sociedad cada vez más entregada al fenómeno de la viralidad.
La cinta está dirigida por Marc Martínez Jordán, graduado por la ESCAC en 2012 en la especialidad de Dirección. Su proyecto final de carrera, el cortometraje de terror “Timothy” (2014) estuvo incluido en la Sección oficial del Sitges Film Festival. Tras dos años de exhibición, acumuló 36 premios y cerca de 200 selecciones nacionales e Internacionales.
En 2013 también codirigió la película “Los inocentes”, slasher adolescente producido por Escandalo films y realizado íntegramente por alumnos de la Escac. Un film presente en la sección panorama del Festival de Sitges, no solamente cosechando selecciones en diversos festivales si no también varias vendas internacionales.
Su último trabajo, el cortometraje “Caradecaballo” en blanco y negro, con un presupuesto de 20 euros y protagonizado por su abuela y él mismo, le ha reportado más de 60 premios nacionales e internacionales y 250 selecciones. Algunos premios en festivales tan importantes como en Milano Film Festival, Brussels short film festival, Sitges film festival o las Vegas film festival.
El guión está firmado por el propio Marc Martínez Jordán y por Jaume Cuspinera, actual tutor de guión de los proyectos finales de carrera de la ESCAC y uno de los responsables del desarrollo de guiones como “Eva” (Kike Maíllo, 2011) y “Animals” (Marçal Forés, 2012).
El debut con este largometraje de Martínez Jordan está apadrinado por el director y productor, Marc Carreté director de títulos como Asmodexia y Afther The Legacy y creador del sello indie Creatures Of The Dark.
El reparto principal está formado por Àlex Maruny (Promoción Fantasma, El Club de los incomprendidos, Barcelona noche de invierno, Pulseras Vermelles), Clàudia Pons (Asmodexia, Elisa K, Desclasificats ) y Joe Manjon (Risen, Megan Leavey, Según Mateo).
Completan el reparto Julia Molins (Hooked Up, La Riera, Sé quién eres), Enric Auquer (Los Inocentes, Ebre del bressol a la batalla), Biel Montoro (Black Snow, L’altra Frontera) , Daniel Horvath (Encouter with a Mirror,Kamikaze, Buscando el Norte), Carlus Fábrega (Los Ojos de Julia, Nit i Dia), Ramon Canals (Asmodexia),Santos Adrián (Rotten Train,The Glorious Seven), Adriana Feito (La Revolución de los Angeles,Mis Ex novias), José García (El Crack, Losers), Marina Durán (Asmodexia, El Dibuix) i Mar Serra (Nit i Dia, Asmodexia).
Además Framed cuenta con la colaboración especial de Pep Sais(Ocho apellidos catalanes, Los Últimos días), Mercè Montalà(Secuestro, Camille) y Ann Perelló (Amor tóxico,Otel.lo).
Sinopsis
Framed es una aplicación que permite emitir video en streaming desde cualquier dispositivo móvil conectado a internet. Al no existir censura muchos de sus usuarios hacen cualquier cosa con tal de cosechar el mayor número de audiencia posible: palizas y violaciones se suceden en los streamings, no existe el límite. Alex se reúne con sus amigos una noche antes de marcharse a Berlín a trabajar. La noche transcurrirá con relativa normalidad hasta que él y sus amigos serán atacados por tres individuos que les obligarán a participar en macabros y crueles juegos mortales. Todo ello será retransmitido en streaming con un solo objetivo: conseguir una audiencia récord en Framed.
Vivencias en Ferentari, primer tráiler de «Soldatii. Poveste din Ferentari»
Soldatii. Poveste din Ferentari será otra de las películas que participe en la sección oficial de la ya inminente nueva edición del festival de San Sebastián, el film que acaba de verse en el TIFF y cuyo primer avance en forma de un primer tráiler subtitulado al inglés y póster oficial que podéis ver a final de página supone la opera prima en el largometraje de la rumana Ivana Mladenovic, realizadora con amplia experiencia en el ámbito del cortometraje y el documental.
En Soldatii. Poveste din Ferentari vemos como Adi, de 40 años, un joven antropólogo a quien su novia ha abandonado recientemente, se muda a Ferentari (el barrio más pobre de Bucarest), con la intención de escribir un estudio sobre el manele (la música popular de la comunidad romaní). Mientras investiga sobre el tema, conoce a Alberto, un ex convicto romaní que promete ayudarle. Pronto ambos inician un romance en el que Adi alienta a Alberto con improbables planes para salir de la pobreza y Alberto le corresponde con palabras de amor bien elaboradas. Cuando el dinero se acaba, ambos se ven atrapados en un apartamento en el que se aman y se utilizan el uno al otro, en un juego de necesidad y poder que no tiene ganadores.
La película con guion a cargo de la propia Ivana Mladenovic junto a Adrian Schiop adaptando el libro autobiográfico de este último que también ejerce como protagonista principal del film junto a Vasile Pavel-Digudai, Stefan Iancu, Nicolae Marin-Spaniolul, Kana Hashimoto y Dan Bursuc.
Sitges Pitchbox anuncia los proyectos seleccionados para su nueva edición
Los proyectos se presentarán a la industria cinematográfica durante el Festival de Sitges 2017. La plataforma online Filmarket Hub y el Festival de Sitges han dado a conocer los proyectos de largometraje seleccionados para participar en Sitges Pitchbox 2017, el evento internacional de pitching que tendrá lugar en la quincuagésima edición del Festival.
La convocatoria ha sido de nuevo un éxito contando con más de 150 proyectos candidatos. Una gran variedad de propuestas de género procedentes de toda Europa y Latinoamérica, y de países como Estados Unidos o Nueva Zelanda. Todos ellos están inscritos y disponibles en el mercado online de proyectos de Filmarket Hub. Los siete proyectos que forman la selección oficial son: Biopunk de Andrew Harmer (Reino Unido), Conexo de Carlos García (España), Matilda Corksrew de Victor Jaquier (Francia), Pochinok de Daniel M. Caneiro (España), Restore Point de Robert Hloz (República Checa), Teo de Víctor Manuel Checa (Perú), y The Monster Within de Rodrigo Susarte (Chile).
El viernes 6 de octubre en el Hotel Meliá, y dentro de las actividades de industria que programa el Festival, los directores de los siete proyectos tendrán la oportunidad de hacer un pitch de venta ante reconocidos productores y empresas del sector. Una vez presentados, tendrá lugar una sesión de networking con todos los asistentes y se procederá a la entrega de premios.
Premios para desarrollo y viajes a otros festivales internacionales
Además, Sitges Pitchbox entregará tres premios económicos destinados a gastos de desarrollo y viajes para presentar los proyectos de películas en otros festivales. El ganador del premio Sitges Pitchbox recibirá una ayuda de 6.000 euros para el desarrollo de su proyecto. La película de mayor proyección internacional o referencias asiáticas será galardonada con el premio NAFF, que consta de 5.000 euros destinados a mentoring y una bolsa de viaje para asistir y realizar una presentación en el Bucheon International Film Festival (Corea del Sur). También se entregará el premio FICG, valorado en 4.000 euros para que otro de los proyectos pueda asistir y presentarse en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (México).
El jurado de expertos internacionales que se encargará de conceder estos tres premios estará compuesto por: Iván Guyot (Canal+ Francia), Oriol Sala-Patau (TVC), Jongsuk Thomas Nam (BIFAN), Estrella Araiza (FICG) y Javier Porta (BAFICI).
Por otro lado, el International Film Festival & Awards – Macao seleccionará uno de los proyectos para que participe en The Crouching Tigers Project Lab, su encuentro de coproducción y cofinanciación.
Por último, Catalan Films & TV y Blood Window seleccionarán los dos mejores proyectos catalanes de la convocatoria para que participen en una sesión de pitching en la sección de género fantástico del mercado cinematográfico Ventana Sur.
Menciones especiales
Ante la dificultad de seleccionar únicamente siete proyectos, Sitges Pitchbox también concede diez menciones especiales para destacar la alta calidad de otros proyectos que se han quedado a las puertas de la selección oficial: Armada de Dios de Fernando Urdapilleta (México), Car-Y de Olivier Guerpillon (Suecia), Freshblood de Tom Holland, Juan de Dios Garduño y Fernando Samper (EEUU & España), Hum de Stefano Nurra (Reino Unido), Iceberg de Pelayo Muñiz (España), La bestia de David Casademunt (España), La ira de Roberto San Sebastián (España), Simient y reja de Roberto Ruiz (España), The Eternal White de Christoph Behl (Argentina), y The Van de Jesús Hernández (España).
Estos proyectos no se presentarán en el evento de Sitges Pitchbox, pero estarán incluidos en el programa y serán recomendados a toda la red de empresas de Filmarket Hub a través de su mercado online.
Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981
Tonio L. Alarcón nos entrega un ambicioso e innovador estudio sobre el apasionante cine de terror que, entre los años 1970 y 1981, se produjo para la televisión norteamericana. Títulos míticos como El estrangulador de la noche y La oscura noche del espantapájaros —que en España conocimos en las emisiones de Estrenos Tv—, El diablo sobre ruedas, El misterio de Salem’s Lot… Un viaje que también recupera películas menos populares, pero que, durante los años 80, seguramente disfrutamos en sus pases de fin de semana o incluso en ediciones en vídeo que podíamos encontrar en el videoclub.
Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981, que cuenta además con un prólogo de Jesús Palacios, recoge una época fascinante para el cine de terror y para la televisión, examinada por Tonio L. Alarcón con la agilidad y el rigor que lo caracteriza. Por el libro desfilan figuras como Dan Curtis, John Llewellyn Moxey, Steven Spielberg, Richard Matheson, Curtis Harrington, John Badham, Wes Craven, John Carpenter y Tobe Hooper, entre muchas otras, lo que convierte este volumen en una obra necesaria para cualquier aficionado al cine de género.
Índice
PRÓLOGO
INTRODUCCIÓN
CAPÍTULO 1: PRIMEROS
TERRORES
CAPÍTULO 2: MÁS ALLÁ DE LA REALIDAD:
CONTEXTO Y MARCO GENÉRICO
CAPÍTULO 3: DAN CURTIS: EL REY DE LA TELEVISIÓN
CAPÍTULO 4: CURTIS HARRINGTON: EL REFUGIO DE UNA
PERSONALIDAD PECULIAR
CAPÍTULO 5: JOHN LLEWELLYN MOXEY: EL HOMBRE EN
LA SOMBRA (TELEVISIVA)
CAPÍTULO 6: DIRECTORES ESTRELLA ENFORMATO TELEFÍLMICO
CAPÍTULO 7: LA SOMBRA DEL PRODUCTOR
CAPÍTULO 8: ANTOLOGÍA DE PELÍCULAS
FICHAS
BIBLIOGRAFÍA
Autor; Tonio L. Alarcón, Editorial; Applehead Team Creaciones, Páginas;
«L’amant double» review
Chloé es una joven frágil que se enamora de su psicoterapeuta, Paul. Unos meses más tarde, cuando se van a vivir juntos, ella descubre que su amante le ha ocultado una parte de su identidad, con la que Chloé se obsesionará.
Mucho se ha hablado del cambio de registro llevado a cabo por el otrora enfant terrible del cine francés François Ozon en esta su nueva película titulada L’amant double, su decimoctavo largometraje, con respecto a anteriores trabajos suyos, si bien es cierto el aparatoso cambio temático con respecto a su anterior y clasicista drama posbélico Frantz lo cierto es que si uno repasa con algo de detenimiento la filmografía orquestada hasta la fecha por François Ozon salta a la vista un inconformismo temático bastante evidente, poniendo un especial énfasis en historias en donde parábolas, metáforas o símbolos juegan caprichosamente con el espectador, es por eso entre otras cosas que un thriller erótico y psicológico de las características de L’amant double más que una evolución o un retroceso hacia unos primero trabajos como pueden ser Sitcom o Les amants criminels no deja de ser un punto y aparte en referencia a un material con el que se desenvuelve con cierta soltura, un trabajo en donde lo implícito se convierte irremediablemente en explícito, expuesto básicamente y de manera casi exclusiva a través de imágenes.
François Ozon en L’amant double (indudablemente su película más de género realizada hasta la fecha) adapta de manera muy libre una conocida novela policiaca de tono algo clásico escrita por Joyce Carol Oates y la trasforma en una suerte de pastiche genérico a medio camino entre el Brian De Palma más desmedido y una suerte tramposa del Dead Ringer de David Cronenberg o incluso algún que otro matiz del cine más impertinente perpetrado por Paul Verhoeven. El gran lastre que subyace en L’amant double no está en apoyar la tesis del engaño narrativo sino más bien en cómo se utilizan ciertos recursos para ello, el juego de espejos que nos propone Ozon lejos de fascinar o perturbar causa cierta perplejidad al espectador desprevenido, el film se apoya en el manierismo y el abuso de la elipsis de una forma abrupta, hay tal énfasis en este tipo de formalismos que la argumentación termina siendo incluso algo predecible, o sea se anula la supuesta principal baza del producto en cuestión, no se trata de poner en riego la credibilidad de la historia en base a su más que evidente tono histriónico y rocambolesco sino más bien en el poco sutil énfasis que se hace del dispositivo formal, no hay mejor ejemplo de todo ello que la imagen con que comienza el film, en ella somos testigos de cómo el exterior de la vagina de la protagonista termina confundirse o mutando en su ojo lloroso, en cierta manera toda la película podría sustentarse en dicha escena, lo curioso del caso es que la premisa de la que parte y se desarrolla L’amant doublé es ciertamente interesante, diócesis acerca de una tara emocional en donde la dualidad interior a modo de gemelo parásito queda reflejada en modo obsesivo hacia el exterior, lástima que ese juego situado entre realidad e ilusión termine yéndose al lastre a causa de ese exceso de manierismo formal arriba comentado, algo que la deriva a una especie de desvarió o delirio narrativo de naturaleza muy poco sutil.
También es justo el decir que el L’amant double se beneficia para bien de la química existente entre sus dos protagonistas, Marine Vacth y Jeremie Jenier, de echo podríamos decir que es uno de sus escasos aciertos que podemos encontrar en el film, ahí hay una interesante representación actoral de lo que podríamos denominar como la irrupción de una especie de corrupción enfocada hacia un ser supuestamente inocente, ese dolor físico y psicológico que remite al conflicto de identidad y el trastorno sexual al que se ve sometido el personaje interpretado por Marine Vacth queda completamente diluido al ver como el filme se toma muy poco en serio la credibilidad de un argumento, una narración en donde parece que Ozon se sitúa con demasiada frecuencia en el borde de lo más puramente grotesco, direccionando sus supuestas intenciones en intentar elaborar un ejercicio casi de estilo en donde el plagio o el homenaje más acertado o menos buscará la interpelación emocional de un público muy poco exigente con lo que está presenciando.
Valoración 0/5:2’5
El paraíso diminuto, tráiler de «Downsizing»
Paramount Pictures acaba de lanzar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster de la nueva película de Alexander Payne, uno de los cineastas más consolidados del actual cine independiente norteamericano, el film titulado Downsizing del cual comentado el propio Alexander Payne como su mayor y más ambicioso desafío hecho hasta la fecha fue presentado en la pasada edición del festival de Venecia siendo descrito como una brillante fábula a medio camino entre la ciencia ficción y el drama con un tono mucho menos amable de lo que puede dar a entender en un principio su premia argumental, siendo posiblemente uno de los títulos más a tener en cuenta en la próxima carrera hacia los Oscars.
Downsizing que en España llevará el título (muy vulgar dicho sea de paso) de Una vida a lo grande nos cuenta como en un futuro incierto la mayor preocupación existente es cómo solucionar el problema de la sobrepoblación, un grupo de científicos noruegos encuentra la respuesta al descubrir cómo encoger a los humanos para mejorar las condiciones del planeta y llevar una vida mejor. Paul es un hombre corriente que se da cuenta de que tendría una vida mucho mejor si encogiese, pues todo lo que necesita en la vida lo tendría igualmente pero en abundancia. Así que decide reducir enormemente su tamaño.
La película que se estrenará en cines de Estados unidos y España el próximo 22 de diciembre cuenta con guion del propio Alexander Payne junto a Jim Taylor y música compuesta por Rolfe Kent está protagonizada por Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Jason Sudeikis, Kristen Wiig, Alec Baldwin, Neil Patrick Harris, Laura Dern, Margo Martindale, Kerri Kenney, Maribeth Monroe, Niecy Nash, Rune Temte, Udo Kier, Donna Lynne Champlin y Joaquim de Almeida.
«Errementari» inaugurará el 28 de octubre la Semana de Terror de San Sebastián
El sábado 28 de octubre se inaugurará en el Teatro Principal la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián con la proyección de Errementari (2017), dirigida por el cineasta vitoriano Paul Urkijo Alijo. El pase supondrá el estreno del film en Euskadi tras su paso por el Festival de Sitges.
La película, primer largometraje de Urkijo, está producida por Álex de la Iglesia, Luis de Oza, Carolina Bang y Kiko Martínez con las productoras Kinoskopik, Pokeepsie, Gariza, Nadie es Perfecto, Ikusgarri Films y la francesa The Project. Protagonizada por Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy y Ramón Agirre es un cuento gótico rodado en euskera que se inspira en el mítico personaje del folclore vasco Patxi Errementaria.
Han pasado 10 años desde la Primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.
Paul Urkijo debuta en el largo tras haber dirigido diversos cortos, como Ohe azpiko zera (2011), Monsters Do Not Exist (2012) o El bosque negro (2015), el primero y el tercero proyectados en anteriores ediciones de la Semana.
Avance de programación de la Semana de Terror
A continuación se avanzan algunos de los largometrajes que participarán en la Sección Oficial de la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror, que tendrá lugar entre el 28 de octubre y el 3 de noviembre.
Les Affamés (2017). Robin Aubert. Canadá
En una pequeña localidad quebequesa las cosas han cambiado. Algunos de sus habitantes, cada vez más, no son lo que solían ser. Sus cuerpos se están descomponiendo y manifiestan una gran atracción hacia la carne. Les llaman los affamés, los hambrientos. Unos pocos supervivientes tratan de escapar de ellos. Los zombis han llegado hasta Quebec en esta producción de look realista con escenas sangrientas, momentos de humor absurdo y antihéroes convertidos en última esperanza.
Bad Black (2016). Nabwana I.G.G. Uganda
Bienvenidos a Wakaliwood, donde se producen «da best of da best movies». Desde hace unos años, a las afueras de Kampala, Uganda, un grupo de aficionados al cine y a las artes marciales, encabezados por Nabwana Isaac Godfrey Geoffrey, se dedica a rodar de forma artesanal, con presupuestos irrisorios, películas de acción, kung-fu, fantasía, mucho humor y ninguna vergüenza. En esta película, que obtuvo el pasado año el premio del público en el Fantastic Fest de Austin, Texas, un apocado médico es entrenado por un joven del gueto llamado Wesley Snipes para salvar a su familia.
Before We Vanish (2017). Kiyoshi Kurosawa. Japón
Después de estar unos días desaparecido, Shinji vuelve a casa completamente cambiado. Cuando se fue su relación con Narumi, su mujer, atravesaba una grave crisis; ahora Shinji es cariñoso y atento con ella y con todo el mundo con el que se encuentra en sus paseos. Al mismo tiempo una familia es brutalmente asesinada en la ciudad. Un periodista empieza a investigar. Fábula de ciencia ficción que se adentra en los entresijos del alma humana a cargo de uno de los directores más importantes del cine japonés de las dos últimas décadas, responsable de títulos como Viaje hacia la orilla (2014), Creepy (2016) o Le Secret de la chambre noire (2016).
Black Hollow Cage (2017). Sadrac González-Perellón. España
Alice, una niña de trece años, vive con su padre, Adam, en una enorme casa en medio del bosque, tras un accidente de tráfico en el cual la niña perdió a su madre y parte de su brazo derecho. Alice está encerrada en sí misma. Odia a su padre, al que culpa del accidente, odia la rehabilitación y odia el nuevo brazo electrónico que tiene que llevar y apenas sabe manejar. La niña tiene un fuerte vínculo con Beatrice, un perro lobo hembra que habla a través de un dispositivo electrónico de traducción que lleva colgado al cuello, a quien llama «mamá».
The Crucifixion (2017). Xavier Gens. EEUU
Basada en hechos reales, The Crucifixion cuenta la historia de un sacerdote que es encarcelado en Rumanía por el asesinato de una monja a la que realizaba un exorcismo. La periodista Nicole Rawlins investiga si el asesinato fue a una persona mentalmente enferma o, por el contrario, las acusaciones son falsas y simplemente perdió la batalla contra una presencia demoniaca. Una presencia que ahora podría estar experimentando ella misma… Dirige el francés Xavier Gens, uno de los clásicos del género de la última década con títulos como Frontière(s) (2007), The Divide (2011) o este mismo año La piel fría (2017).
The Endless (2017). Justin Benson, Aaron Moorhead. EEUU
Los hermanos Justin y Aaron se escaparon de niños de la secta donde habían sido criados. Años después reciben una cinta de video procedente de la que fue su «familia». Tras muchas discusiones entre ellos, ya que llevan media vida intentando olvidar aquel lugar, deciden volver para averiguar qué está sucediendo. Una vez allí comienzan a sucederse diversos fenómenos inexplicables que les hacen replanteárselo todo de nuevo. Justin Benson y Aaron Moorhead vuelven a la Semana, donde se han proyectado sus anteriores largometrajes, Resolution (2012) y Spring (2014).
Jupiter’s Moon (2017). Kornél Mundruczó. Hungría-Alemania
Aryan es un refugiado sirio que junto a su padre y otros migrantes trata de cruzar la frontera húngara. Son disparados por la policía y Aryan recibe varios disparos. Pero las heridas no le matan, sino que sorprendentemente le otorgan el poder de levitar. Encerrado en un campo de refugiados, escapa con la ayuda del doctor Stern, que trata de aprovecharse en beneficio propio de los milagrosos nuevos poderes de Aryan. Thriller en el que lo sobrenatural se mezcla con una de las grandes tragedias contemporáneas dirigido por el responsable de la poderosa White God (2014).
Meatball Machine Kodoku (2017). Yoshihiro Nishimura. Japón
Unos sanguinarios extraterrestres que quieren conquistar el planeta invaden un barrio de Tokio. Convierten a sus habitantes en cyborgs asesinos que se lanzan a acabar con todo aquel que se ponga por delante. Un apocado cobrador de deudas a quien los poderes de los necroborgs no afectan debido a su enfermedad terminal se convierte en la última esperanza de la raza humana en este remake del original de 2005 que dirige el maestro de los efectos especiales Yoshihiro Nishimura, que ha trabajado con los cineastas nipones más importantes del género y ha dirigido filmes como Tokyo Gore Police (2008) o Vampire Girl vs Frankenstein Girl (2009), proyectadas en la Semana.
Rescate en Osiris (2016). Shane Abbess. Australia
Cuando una inminente crisis amenaza con acabar con la vida de todos los residentes en el planeta Osiris, el teniente Sommerville, que trabaja para Exor, la compañía que gestiona la colonia y que está a punto de acabar con ella, emprende una carrera contrarreloj para salvar a su hija, que está esos días de visita. Junto al presidiario recién fugado Lombrock y a otros socios que van recogiendo por el camino deberán enfrentrarse a unas criaturas monstruosas para conseguir su objetivo: salvar a la niña. Producción australiana protagonizada por Kellan Lutz, Daniel MacPherson, Rachel Griffiths y Temuera Morrison.
Los resucitados (2017). Arturo de Bobadilla. España
Madrid, 1994. Comienza el rodaje del largometraje Los resucitados, de Arturo de Bobadilla, inspirado en leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer, un proyecto plagado de misterios que cuenta con la participación, entre otros muchos, de Santiago Segura y Paul Naschy. La película se rueda en varios formatos y se edita en 1997. Algunas personas dicen que la vieron en un pase privado realizado en el marco de la Semana de Terror de aquel año. Poco después la primera copia desaparece y los materiales originales parecen inencontrables. Dos décadas después el material de rodaje aparece y se edita de nuevo partiendo del guion original.
Revenge (2017). Coralie Fargeat. Francia
Tres hombres ricos se reúnen para su juego de caza anual en mitad del desierto. Esta vez uno de ellos viene acompañado por su amante, que despierta rápidamente el interés de los otros dos. Las cosas se complican de una forma dramática para ella… Dada por muerta y abandonada en medio de la nada, la joven vuelve a la vida y el juego de caza se convierte en una venganza implacable. Ópera prima de la realizadora francesa Coralie Fargeat protagonizada por la actriz italiana Matilda Lutz.
El Festival de Sevilla recupera la obra de Margarida Cordeiro y António Reis
La obra de la pareja de cineastas portugueses Margarida Cordeiro (1939) y António Reis (1927-1991), podrá verse en el marco del Festival de Sevilla. Por primera vez en España, y gracias a la colaboración con la Cinemateca Portuguesa, se programa una retrospectiva que recupera la totalidad de sus largometrajes y los pone a dialogar con otras obras relacionadas con su cine.
El Festival de Sevilla a menudo ha dado muestras de la eclosión de autores de distintas generaciones que crean su propio lenguaje cinematográfico en Portugal. En 2013 el Festival dedicó una sección especial a su cinematografía, y edición tras edición, en diversas secciones de su programación, se han incorporado obras de Manoel de Oliveira, Paulo Rocha, Pedro Costa, João César Monteiro, João Pedro Rodrigues o Miguel Gomes. El peso cinematográfico de estas figuras, demasiado a menudo, ha eclipsado el trabajo visionario y apasionado de Margarida Cordeiro y António Reis. Admirados por cineastas de la talla de Joris Ivens, Marguerite Duras, Jean-Marie Straub y Danièle Huillet o Jean Rouch, y por los críticos más prestigiosos, como el francés Serge Daney, su corta pero legendaria filmografía merece una página propia en la historia del cine no solo portugués sino universal.
Las películas de Margarida Cordeiro y António Reis se realizaron entre los años 70 y 80 y son cintas inusuales en su forma y contenido, de estilo hipnótico y profunda sensibilidad, a medio camino entre el documental poético y el cine etnográfico, donde los paisajes naturales y humanos son los protagonistas y donde el tiempo es un continuo suspendido. Se trata de obras precursoras que explican el devenir posterior del cine europeo.
Nacido en Oporto y reconocido como poeta antes que como cineasta, António Reis tuvo una gran influencia en el desarrollo del cine portugués tras la Revolución de los Claveles así como en la joven generación de cineastas que surgió a continuación. Fue guionista y ayudante de dirección de dos filmes claves de los sesenta que marcaron el inicio del cine radical moderno en Portugal como Mudar de vida (Paulo Rocha, 1966), y Acto de primavera (Manoel de Oliveira, 1963), dos obras pioneras que ya cabalgaban entre la ficción y la no ficción, y que trasladaban la mirada del espectador al universo rural como es habitual en la obra de Cordeiro y Reis. Reis fue también profesor en la Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisboa, donde marcó a toda una generación de cineastas portugueses contemporáneos, entre los que se encuentran sus admiradores Pedro Costa y João Pedro Rodrigues, perfecta encarnación de su legado.
Este ciclo recupera la obra de Cordeiro y Reis comenzando con ‘Jaime‘ (1974), su primer trabajo en colaboración; una obra de culto y un cortometraje fundamental para comprender la trascendencia del trabajo de estos cineastas. Podrá verse también la monumental ‘Trás-os-Montes‘ (1976), un profundo y certero estudio de las profundidades geográficas, históricas e identitarias de Portugal, de su alma reflejada en los mitos y el folklore campesino, reconocida como una de las cimas del cine documental. A continuación se programa ‘Ana‘ (1985), su primer largometraje de ficción, un retrato intergeneracional cargado de una poética insólita. Fundiendo símbolos del pasado con la realidad del mundo moderno, Ana es una poderosa meditación sobre la historia de la civilización humana. Algo similar puede afirmarse de ‘Rosa de Areia‘ (1989), filme de clara inspiración literaria en el que se aprecian las huellas de Kafka o Montaigne.
Rosa de Areia
Además de los trabajos realizados por la pareja, esta retrospectiva incluye algunas de las películas en las que colaboraron -como las anteriormente citadas de Oliveira y Rocha- o para las que supusieron una influencia, como ‘O Sangue’ de su discípulo Pedro Costa, dando una visión esférica del universo creativo y conceptual de Cordeiro y Reis. El ciclo se completa con la proyección del cortometraje ‘Farpões Baldios’ de Marta Mateus, obra estrenada en el pasado Festival de Cannes que supone la recuperación del espíritu de Reis y Cordeiro aportando una perspectiva insólita y una mirada audaz.
Todas las películas se proyectarán en su formato original, 35 milímetros en la mayoría de los casos, a excepción de ‘Mudar de vida’ y ‘Trás-os-Montes’, de las que disfrutaremos sus recientes copias restauradas en formato digital. De esta manera la retrospectiva renvindica la importancia de Reis y Cordeiro en el presente y el futuro del cine portugués.
Tras su paso por el Festival de Sevilla, la obra de Cordeiro y Reis será revisada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) en Madrid, en el Centro Galego de Artes da Imaxe-Filmoteca de Galicia (CGAI) en A Coruña y en La Filmoteca del Instituto Valencià de Cultura (IVC), haciendo posible que otros públicos tengan la ocasión de acceder a al trabajo de estos cineastas únicos.
António Reis y Margarida Cordeiro se unen a la lista de autores ya programados en la XIV edición del Festival de Sevilla y que, a la espera de confirmar otras incorporaciones, cuenta con Manuel Muñoz Rivas, Pedro Pinho, Valeska Grisebach, Carlo Padial, Adrián Orr, Romuald Karmakar, Ayse Toprak, Francis Lee, Roberto de Paolis, Valérie Massadian, Velasco Broca, David Gutiérrez Camps, Laurent Cantet, Claire Denis, Teresa Villaverde, Serge Bozon, Mathieu Amalric y Jean-Charles Fitoussi.
La invasión zombie en Quebec de Robin Aubert, tráiler de «Les affamés»
A pocos días de que empiece una nueva edición del festival de Sitges empiezan a aparecer los primeros avances de algunas de las películas que estarán presentes en el certamen catalán. El canadiense Robin Aubert responsable de cintas como À quelle heure le train pour nulle part (2009), À l’origine d’un cri (2010) o Tuktuq (2016) ya había abordado el género fantástico años atrás con la estimable Saints-Martyrs-des-Damnés presente en Sitges en el año 2005, ahora con Les affamés, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, nos da una nueva visión de un subgénero tan saturado y denostado en estos últimos años como es el de los muertos vivientes, por fortuna y vistas las primeras reacciones tras su reciente paso por el TIFF la visión que nos ofrece del tema Robin Aubert tiende a ser muy personal alejándose bastante de la convencionalidad tan presente en este tipo de películas. Aún sin fecha de estreno Les affamés llegará a España de la mano de La aventura.
En Les affamés vemos como en un pequeño pueblo remoto situado en Quebec las cosas han cambiado. La gente local no es la misma, sus cuerpos se están descomponiendo y se sienten atraídos por la carne humana.
La película con guion del propio Robin Aubert y música a cargo de Pierre-Philippe Côté está protagonizada por Marc-André Grondin, Monia Chokri, Charlotte St-Martin, Micheline Lanctôt, Marie-Ginette Guay, Brigitte Poupart, Édouard Tremblay-Grenier, Luc Proulx, Didier Lucien, Robert Brouillette, Martin Héroux y Patrick Hivon.
https://youtu.be/HmG1PeGodpU
Sitges celebra el 50 aniversario con una programación que mira al nuevo milenio
El Festival, que se inaugura con ‘La forma del agua’, reciente ganadora del León de Oro de Venecia, se clausurará con la cinta de terror gótico ‘The Lodgers’
El Festival de Sitges llega a su 50ª edición rindiendo homenaje a los clásicos, y lo hace de la mano de cuatro grandes invitados: Guillermo del Toro, Susan Sarandon, Dario Argento y William Friedkin, que son claves para entender la evolución que el fantástico ha experimentado en las últimas décadas. Para ello, su programación se nutre de realizadores, hombres y mujeres, destinados a convertirse en los líderes del fantástico del nuevo milenio. Además, el Festival entra de lleno en el futuro del universo de la exhibición de la realidad virtual, de la mano de la Samsung Sitges Cocoon, y de las nuevas fronteras de la distribución y las producciones de series, en las que las nuevas plataformas tienen mucho que decir. Este es el relato de Sitges 2017.
Sitges alcanza el medio siglo de vida, y lo hace fiel a sus raíces: recordando a los clásicos del cine fantástico que han pasado por sus salas desde aquella primera proyección que tuvo lugar en el Prado en 1968. Para recordar esta efeméride, el cine de esta centenaria entidad local acogerá el próximo jueves 28 de septiembre la proyección de Aelita (Yakov Protazanov, 1924), un clásico soviético de la ciencia ficción con la que se inauguró la primera edición del Festival. Pero habrá más. De la mano de Guillermo del Toro, Dario Argento y William Friedkin, Sitges recuperará films como El exorcista (1973), Suspiria (1977) o La cumbre escarlata (2015), claves para entender la evolución del fantástico desde finales del siglo XX hasta llegar al nuevo milenio. Además, el Festival rendirá homenaje a la actriz Susan Sarandon, protagonista de la película de culto, The Rocky Horror Picture Show (1975), que luego llegaría a convertirse en una de las grandes damas de Hollywood.
El director irlandés Brian O’Malley clausurará la 50 edición de Sitges con The Lodgers, un cuento gótico de horror situado en la Irlanda rural de principios del siglo XX, que acaba de presentarse en el Festival de Toronto.
The Lodgers
El esqueleto que sustenta la programación que podrá verse en el Festival, del 5 al 15 de octubre, está conformada por la obra de jóvenes realizadores procedentes de Estados Unidos, Latinoamérica, Asia y Europa, que están llamados a convertirse en los líderes del fantástico de los próximos años. Brian Taylor, Hélène Cattet, Bruno Forzani, Emilio Portes, Cho Sun-ho, Andrés Goteira, entre otros, van a dejar su huella en un Festival que, lejos de acomodarse, busca nuevo talento capaz de reinventar el género tanto en su lenguaje, como en sus argumentos. El escritor y director Brian Taylor dirige Mom and Dad, su primera película en solitario tras la imprescindible Crank: veneno en la sangre. Mom and Dad con un argumento delirante, una extraña epidemia que provoca ataques de violencia l etal de padres contra hijos. Está protagonizada por Nicolas Cage y Selma Blair en una fiesta para el fan del género. Por su parte S. Craig Zahler –que deslumbró con su ópera prima, Bone Tomahawk– regresa a Sitges con la brutal Brawl in Cell Block 99, en la que un exboxeador reconvertido en traficante de drogas aterriza en una prisión que se convertirá en un auténtico campo de batalla. Procedente de Estados Unidos también podrá verse Happy Death Day, una divertida comedia de terror firmada por Christopher Landon, que mezcla los argumentos de Scream y Atrapado en el tiempo, hasta enloquecer a Jessica Rothe (La La Land), que ve como un enmascarado la mata, una y otra vez.
Brawl in Cell Block 99
Un argumento, el del tiempo, que también será el protagonista de la película coreana A Day, del debutante Cho Sun-ho, en la que un famoso cirujano es testigo de un accidente en el que ve morir a su hija. Una escena que se repetirá en un bucle sin fin, y en la que el padre intentará cambiar el destino de su hija. Después de un año 2016 en el que los grandes autores asiáticos coparon la programación del Festival de Sitges, en la presente edición, el espectador podrá comprobar que hay vida más allá de grandes títulos como La doncella, con películas como por ejemplo la taiwanesa mon mon mon Monsters, de Giddens Ko, que combina el bullying escolar con el terror sobrenatural en un film que desborda talento, ingenio y que se encuentra entre las sorpresas que el Festival presenta cada año. Otros debuts destacados de la selección asiática son el de Jonathan Li (asistente de dirección en la trilogía de Infernal Affairs) que presenta The Brink, un thriller 100% hongkonés, protagonizado por Shawn Yue, que va a sorprender; y el de Lee Sa-Rang que consigue con Real, un cruce entre Nicolas Winding Refn y el mejor thriller coreano.
mon mon mon Monsters
La canadiense Les affamés, de Robin Aubert –conocido por la inquietante Saints-Martyrs-des-Damnés–, reinventa el género de zombis, con una visión intelectualizada y casi ya de culto tras su pase por los festivales de Toronto y Austin. Otro de los grandes debuts del año, que consolida el papel de las mujeres realizadoras dentro del cine de género, es el de la directora francesa Coralie Fargeat. Su ópera prima, Revenge, destila una violencia con guiños a los clásicos de los años 70, y contiene un clímax final que será un sueño para los amantes del fantástico. De Hungría llegará Jupiter’s Moon, de Kornél Mundruczó –autor de la extraordinaria White God–, director que siempre ha intro ducido el elemento fantástico de manera inteligente en sus películas, convirtiéndolo en un mecanismo visual perfecto. Por su parte, el británico David Bruckner, juega en The Ritual con texturas que van más allá de La bruja de Blair o La bruja, para conseguir una película de horror, que ha gozado de una excelente recepción en Toronto. Más talento europeo este año en Sitges con Thelma, del noruego Joachim Trier, que desde un punto de vista autoral, presenta un thriller sobrenatural que ahonda en la existencia humana; con la superproducción rusa Salyut-7, film que narra el rescate de la estación espacial Salyut 7 en 1985; o con el espectacular western holandés Brimstone, protagonizado por Dakota Fanning y Guy Pearce.
Salyut-7
Latinoamérica sigue su apuesta por el fantástico con la película brasileña As boas maneiras, un relato ente lo real y lo onírico sobre el poder del amor materno, dirigido por Marco Dutra y Juliana Rojas; El habitante, del uruguayo Guillermo Amoedo, ganador del Premio a la Mejor Película Iberoamericana con The Stranger en 2014; o la terrorífica Belzebuth, del mexicano Emilio Portes. El talento catalán estará presente, una vez más, en el Festival, con diversas producciones, entre ellas el último trabajo de Jaume Balagueró: Muse. Sitges tambien contará con el debut de Sergio G. Sánchez, con Marrowbone, y programará films como Dhogs de Andrés Goteira, una producción independiente que narra el encuentro casual entre un hombre de negocios y una misteriosa mujer, que nos conduce a una aventura furtiva, a un desierto y a un crimen; y Black Hollow Cage, de Sadrac González-Perellón, un film que mezcla el género del terror con el de ciencia ficción. Completan el panorama español Errementari, la última producción de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, dirigida por Paul Urkijo; Most Beautiful Island, dirigida por la realizadora Ana Asensio, que abrirá la sección de Noves Visions One, y Arder, Compulsión y The Biggest Thing That Ever Hit Broadway, tres títulos del más actual cine independiente español.
El documental, presente siempre en la programación del Festival, tendrá su representación con títulos como 78/52, de Alexandre O. Philippe –que ha presentado varios documentales en ediciones pasadas del Festival–, que estará en la Sección Oficial a competición. La pieza analiza minuciosamente la escena de la ducha de Psicosis, de Alfred Hitchcock. Junto a este, podrá verse Caniba, tras su paso por la Mostra de Venecia, un film dirigido por Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel, que refleja la desconcertante importancia del deseo caníbal en la existencia humana.
Caniba
Samsung Sitges Cocoon, series, animación…
En su 50 aniversario, el Festival de Sitges da un paso adelante y refuerza la presencia de la realidad virtual a través de Samsung Sitges Cocoon, que este año amplía su programación con dos nuevos espacios, y que cuenta con una sección oficial a competición que será valorada por un jurado oficial, compuesto por Jaume Balagueró y Javier Olivares. Dentro de la programación podrá verse el estreno mundial de Campfire Creepers, la primera serie de terror en realidad virtual y con una visión de 360º, dirigida por el realizador francés Alexandre Aja (Alta tensión), además de Night, Night, una experiencia terrorífica sobre los miedos infantiles, realizada por Guy Shelmerdine, director de Catatonic, pieza impactante que se vio en Samsung Sitge s Cocoon en la edición pasada.
Las producciones de series de género tambén protagonizan este año un papel destacado con proyecciones en el mismo Auditori. Movistar+ estrena La Zona; y también podrá verse la presentación de la segunda temporada de Stranger Things –con las presencias de Millie Bobby Brown y Noah Schnapp, dos de sus protagonistas– o la proyección de la coreana Okja, y What Happened to Monday?, dirigida por un director muy conocido en el Festival, el noruego Tommy Wirkola.
Desde 1995, Sitges ha dedicado un espacio a la animación. En la presente edición, rendirá homenaje a los cien años de animación japonesa, y lo hará con la programación de cinco películas de animación procedentes de Japón en la sección Anima’t, entre las que destacan la multipremiada Lu Over the Wall, o A Silent Voice, que ha tenido un recorrido espectacular por las pantallas asiáticas. Sin descuidar la animación europea, con joyas como la francesa Loving Vincent.
Loving Vincent
El próximo lunes 18 de septiembre (a las 13 horas), se iniciará la preventa de entradas –para poseedores de packs de entradas–, y el martes 19 (a las 13 horas), la venta de entradas general.
En busca de la dignidad perdida, tráiler y póster para «Alanis»
Alanis, el nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora argentina Anahí Berneri responsable de títulos como Encarnación, Por tu culpa o Aire libre será otras de las películas que formarán parte de la sección oficial a competición de la inminente edición del festival de San Sebastián, el film del cual podéis ver su primer tráiler y póster oficial a final de página acaba de ser presentado en el festival de Toronto, según palabras de la propia directora esta producción independiente aborda «el vacío legal, la persecución y la vergüenza de quienes ejercen un trabajo, o son víctimas de una forma de esclavitud o simplemente no pudieron encontrar una forma mejor de sobrevivir».
La película nos cuenta como Alanis trabaja como prostituta. Tiene un bebé y comparte con Gisela, una compañera, un apartamento en el que vive y atiende a sus clientes, hasta que dos inspectores municipales clausuran su hogar y se llevan a Gisela, acusada de trata. Alanis llega llena de engaños al local de su tía, frente a Plaza Miserere. Desde ese barrio multirracial y violento, Alanis intenta recuperar su dignidad, ayudar a su amiga y cuidar a su hijo. Ofrece en la calle lo que sabe hacer, pero hasta la calle tiene sus reglas y Alanis debe pelear por su lugar.
El film con guion de la propia Anahí Berneri junto a Javier Van De Couter está protagonizado por Sofía Gala, Dante Della Paolera, Dana Basso, Silvina Sabater, Carlos Vuletich y Santiago Pedrero.
¡Hasta el infinito y más allá! La historia de Pixar a través de sus películas
Pixar es sinónimo de buen cine, de animación de calidad, de historias con fondo, de personajes carismáticos y de horas y horas de entretenimiento. Su historia comenzó hace muchos años y es el momento de recordarla, de saber quiénes han estado detrás de todo, de ver sus influencias, de adentrarse en su universo, ¿y hay mejor forma de hacerlo que buceando en sus filmes? ¡Hasta el infinito y más allá! Pixar a través de sus películas es un viaje lleno de respeto y amor hacia la empresa que cambió para siempre la forma de hacer y ver el cine de animación.
El autor
Doc Pastor, escritor, divulgador y periodista especializado en Cultura Pop. Autor de los libros Los sesenta no pasan de moda, #PeriodismoZen:30 epígrafes para comunicadores inquietos, Doctor Who: el loco de la cabina, 007: James Bond, de espía a icono, Star Trek: el viaje de una generación, Vestidos para el éxito: 35 + 1 series llenas de estilo, Doctor Who, el loco de la cabina: The Golden Years, ¡¡¡BATMAN!!! La inolvidable serie de los 60, Celuloide y seda: iconos del estilo en el cine, ¡Hasta el infinito y más allá! Pixar a través de sus películas y Frost, perrito de aventuras.
Autor; Doc Pastor, Editorial; Dolmen Editorial, Páginas; 248
Ciencia versus arte, teaser tráiler de «Licht»
A pocos días de empezar una nueva edición del festival de San Sebastián van apareciendo los primeros avances de algunas de las películas que formarán parte de su sección oficial a competición, una de ellas es Licht (Mademoiselle Paradis), cuyo primer teaser junto a un clip de cerca de dos minutos de duración y póster oficial podéis ver a final de página, el nuevo trabajo de la directora austriaca Barbara Albert (Nordrand, Böse Zellen, Fallen y Die lebenden), un film de época situado a finales del Siglo XVIII acerca del descubrimiento sensorial que acaba de recibir muy buenas críticas en su reciente premier mundial dentro del festival de Toronto.
Basada en una historia verdadera Licht nos sitúa en la Viena de 1777, Maria Theresia Paradis, niña prodigio, pianista ciega de 18 años, perdió la vista de la noche a la mañana cuando tenía tres años. Tras innumerables experimentos médicos fallidos, sus padres la llevan a la finca del polémico ‘doctor milagro’ Franz Anton Mesmer, donde se une a un grupo de estrafalarios pacientes. Disfruta del ambiente liberal de la casa en un mundo rococó y conoce la libertad por primera vez, pero empieza a notar que, mientras el tratamiento de Mesmer le está devolviendo la vista, está perdiendo su apreciado virtuosismo musical…
La película con guion a cargo de Kathrin Resetarits y Alissa Walser está protagonizada por Susanne Wuest, Maria-Victoria Dragus, Devid Striesow, Stefanie Reinsperger, Sascha Merényi, Sascha Merényi, Julia Pointner, Lukas Miko, Theresa Martini y Attila Beke.
Cartel y nuevo avance de programación del XIV Festival de Cine Europeo de Sevilla
María Cañas despliega el “espíritu incandescente del cine en resistencia” en el cartel del XIV Festival de Cine Europeo de Sevilla.
La premier mundial de ‘Bajo la piel de Lobo’ de Samu Fuentes, protagonizada por Mario Casas, Irene Escolar y Ruth Díaz; y ‘El autor’ de Manuel Martín Cuenca, con Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre y María León, podrán verse en sendos pases especiales. Mathieu Amalric, Jean-Charles Fitoussi, Francis Lee, Roberto de Paolis, Valérie Massadian, Velasco Broca y David Gutiérrez Camps amplían con nuevas propuestas las secciones competitivas del festival.
“Esto es cine europeo”. El Festival de Sevilla afronta su décimo cuarta edición lanzando un mensaje claro y contundente que acompaña a la obra “El ojo que lloraba mujeres” de la iconoclasta audiovisual María Cañas. La artista se alinea con el espíritu del festival en su apelación “a la constante reformulación y evolución del cine europeo como vehículo cultural”; rasgo esencial, definitorio y determinante de las obras de los autores que participan en la cita sevillana. El cartel del festival, como toda la obra de esta creadora, es un compromiso con la recuperación del archivo audiovisual como herramienta de desarrollo cultural y con la necesidad de educar en la agitación y el reciclaje de nuestros imaginarios, para así alimentar espectadores más libres, críticos y creativos, que no es otra cosa que lo que persigue el Festival de Sevilla cada año con su programación.
“El cartel del Festival de Sevilla simboliza el espíritu incandescente del cine en resistencia. Es un parto ocular donde una heroína resurge del fuego y de las cenizas del celuloide como el ave fénix. Es el cine-ojo que siempre se está reinventando, el celuloide en llamas en un bucle eterno que está renovándose constantemente” ha dicho Cañas, una de las artistas sevillanas más reconocidas internacionalmente por su amplia creación multidisciplinar que va desde la instalación hasta la expresión pictórica, pasando de forma fundamental por su especial y única concepción de la obra audiovisual.
Con una biografía llena de términos acuñados para su autodefinición, María Cañas es una salvaje mediática, una pirómana de mentes, una videópata que practica la videoguerrilla introduciéndose en los tópicos y los géneros para dinamitarlos. Su amplia creación artística y audiovisual ha sido exhibida en multitud de festivales como el MIRA, Brasil. Muta, Perú. Mar del Plata, Argentina. Cali, Colombia. Film Society of Lincoln Center, Nueva York. Museos y galerías nacionales e internacionales de prestigio como el C.A.A.C, SCAN, Londres. Centre D´Art Contemporain Genéve, Suiza o el MAMBA, Buenos Aires. El propio Festival de Cine Europeo de Sevilla le dedicó una retrospectiva en 2013.
María Cañas no solo ha mostrado su trabajo en el festival, sino que también ha sido una fiel espectadora edición tras edición: “Son muchos los directores que he descubierto, me han sorprendido y he disfrutado en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, como Agnès Varda, Rita Azevedo, Vivienne Dick, Gustav Deutsch, Kurdwin Ayub, Kikol Grau, Ben Rivers, Peter Tsherkassky, Juan Sebastián Bollaín, Yorgos Lanthimos, Leos Carax, Ulrich Seidl, Miguel Gomes, José Luis Guerin… la lista es interminable”. En la imagen de esta edición del festival, llena de color y estilo retrofuturista, la archivera de Sevilla ha buscado inspiración precisamente en el género experimental. Desde la transgresión de la ficción pulp de los años 20 con su énfasis por la aventura, la intriga, las historias fantásticas y los seres mitológicos de naturaleza paranormal o mágica, hasta sus hallazgos y descubrimientos en el propio Festival de Sevilla.
Estreno absoluto de Bajo la piel del Lobo y pase especial de El Autor
Insistiendo en su papel como espacio para la difusión y el apoyo al cine español el Festival de Cine Europeo de Sevilla acogerá en 2017 la proyección de títulos de nuestra cinematografía con inminente estreno comercial. En este contexto el festival acogerá la premier mundial, dentro de la Sección Oficial fuera de competición de Bajo la piel de lobo, debut en la ficción de Samu Fuentes en la que Mario Casas interpreta a un trampero que escoge alejarse de la civilización para adentrarse en la soledad del monte. Casas, acompañado en el reparto por Irene Escolar, Ruth Diaz y Ramón Barea, comparte protagonismo con el entorno natural que le rodea, el impactante Pirineo Oscense y el Occidente asturiano. La película, cuyo equipo al completo acudirá a Sevilla para su estreno, está producida por Joseba Garmendia (Orreaga Filmak) y Javier Pruaño (NASA Producciones), cuenta con la participación del ICAA y TVE.
Bajo la piel de lobo
Tras su paso por San Sebastián, también será en Sevilla, la ciudad que enmarcó su rodaje y que tiñe su espíritu, donde podremos ver antes de llegar a salas El autor del andaluz Manuel Martín Cuenca. Basada en ‘El Móvil‘, la primera novela de Javier Cercas, la película recrea los conflictos personales de un novelista novel que, en busca de inspiración y experiencias que llevar al papel, moldeará y ficcionará su realidad más próxima. Quinto largometraje de ficción del director de Caníbal o La flaqueza del Bolchevique, está producido por Icónica, Lazona y La Loma Blanca PC., cuenta con el apoyo del ICAA, la Junta de Andalucía, TVE y Canal Sur, y está protagonizada por Javier Gutiérrez, María León y Antonio de la Torre a quienes acompaña un amplio elenco de actores andaluces entre los que destacan la malagueña Adelfa Calvo y el sevillano Rafael Téllez.
El autor
Las secciones a concurso del festival siguen creciendo con la incorporación de obras de referencia del cine europeo reciente
La Sección Oficial del Festival Europeo de Sevilla incorpora en su programación Bárbara, filme que firma el director y actor francés Mathieu Amalric, uno de los nombres más destacados de la cinematografía francesa. Este biopic musical da a conocer al gran público la figura de Bárbara, intérprete de la canción gala y musa de la intelectualidad parisina de los años sesenta, con un discurso que rompe los moldes del género a través del metacine y que cosechó el elogio de prensa y público en el pasado Festival de Cannes. El filme está rotundamente protagonizado por Jeanne Balibar quien aporta a su interpretación todo el carácter y todo el temperamento por el que Bárbara se hizo una artista de culto.
Bárbara
Junto a trayectorias tan reconocidas como las de Amalric y Balibar, la sección oficial del Festival de Sevilla incorpora a nuevos valores del cine como Francis Lee y Roberto de Paolis, dos jóvenes directores que debutan en el largometraje con dos historias de iniciación, de aprendizaje y búsqueda de identidad. En Tierra de Dios (God’s Own Country) el británico Francis Lee sitúa a sus jóvenes protagonistas, un granjero y un emigrante rumano, en los inmensos paisajes de la campiña de Yorkshire, universo rural que será el contexto donde surja el amor entre ambos. Premio a la Dirección en la sección World Cinema del Festival de Sundance, Premio Michel Powell a la Mejor Película en el Festival de Edimburgo y a la Mejor Película del Galway Film Flead, entre otras distinciones, la cinta destila sencillez y emoción en un entorno natural donde superar los prejuicios sociales.
En Tierra de Dios (God’s Own Country)
Por su parte el italiano Roberto de Paolis presta atención en Corazón Puro (Pure Hearts / Cuori Puri) a los jóvenes de la periferia romana firmando con realismo una historia de crecimiento personal y pasiones al límite seleccionada en la Quincena de los Realizadores del 70º Festival de Cannes. Los distintos entornos sociales que conviven en las zonas periurbanas chocan con la energía que desprenden sus protagonistas, una adolescente de familia católica que desafía los códigos tradicionales en los que ha sido educada para dar rienda suelta a su lado más salvaje y caer en brazos de un chico que no goza de la aprobación de su entorno.
Corazón Puro (Pure Hearts / Cuori Puri)
Estos títulos vienen a sumarse en la Sección Oficial a los ya anunciados El mar nos mira de lejos, de Manuel Muñoz Rivas con producción de Azhar Media, CTM Docs, El Viaje, 59 en Conserva, y Canal Sur TV; Un sol interior (Let the sunshine in / Un Beau Soleil Interieur) de Claire Denis, El taller de escritura (The Workshop / L’Atelier) de Laurent Cantet, Western de Valeska Grisebach, y A Fábrica de Nada (‘The Nothing Factory’) de Pedro Pinho.
En la sección Las Nuevas Olas se incorporan cuatro títulos a engrosar la lista de los nuevos discursos del cine europeo. Ampliando más que ninguna edición anterior la nómina española, se incorporan dos obras de nuevos talentos nacionales: Ayudar al Ojo Humano de Velasco-Broca y el colectivo Canódromo Abandonado y Sotobosque de David Gutiérrez Camps.
Con la expectación de quienes han aplaudido su trabajo en festivales de prestigio internacional (Cannes, Locarno, Bafici), Velasco Broca junto al Colectivo Canódromo Abandonado presentan Ayudar al Ojo Humano, su primer y esperado largometraje. Esta obra modular se compone de cuatro piezas cortas de tono y formato diferentes (el telefilm, el giallo, la telecomedia, el cine mudo) por las que transita la figura espectral de un sacerdote solitario sacudido por sus pasiones: el gnosticismo, el cine y las mujeres. Broca y sus compañeros han jugado a intercambiarse los roles en el set asumiendo alternativamente las funciones de dirección, guion o interpretación. Esta propuesta provocadora cuenta con Julián Génisson como protagonista al que acompañan Andrés Gertrúdix, Nacho Vigalondo, Joe Crepúsculo y Lorena Iglesias.
Ayudar al Ojo Humano
David Gutiérrez Camps en Sotobosque utiliza el entorno rural de Gerona para contextualizar el día a día de un emigrante africano en su esfuerzo por superar las barreras de la diferencia y subsistir. Alejado del melodrama, la película consigue la identificación con el personaje gracias a su sinceridad, a sus silencios, y a su tono elegante y equilibrado.
Sotobosque
Es en Las Nuevas Olas donde Valérie Massadian (Premio a la Mejor Ópera Prima de Locarno con Nana) presenta Milla, su segunda incursión en el largometraje, para proponer un acercamiento al despertar de la madurez a través de una vitalista adolescente que debe afrontar el inevitable cambio de vida que conlleva su prematura maternidad. Así como en Nana, Massadian retrata con intimidad y profunda emoción el mundo de la mujer, logrando una obra atmosférica y estilizada.
Milla
Jean-Charles Fitoussi, cineasta de culto que ha fraguado su propio estilo tras colaborar con Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, llega a Las Nuevas Olas para mostrar Vitalium, Valentine!, una delirante revisión del mito de Frankestein en la que el legado del famoso doctor se perpetúa en el seno de la familia que pasa a ocupar el castillo donde está su laboratorio. Esta comedia de enredos protagonizada por Guillaume Gallienne (director y protagonista del éxito del cine francés Guillaume y los chicos ¡a la mesa!) muestra, a modo de virtuoso cuento de hadas, la complejidad del alma humana, tema filosófico recurrente en el cine siempre onírico de Fitoussi.
Vitalium, Valentine!
Estas películas se añaden al estreno absoluto de Algo muy gordo de Carlo Padial, con guión e interpretación de Berto Romero y producción de Paco Ramos por parte de Zeta Zinema, que inaugurará la sección; Niñato de Adrián Orr, Mrs Hyde (Madame Hyde) de Serge Bozon, y Colo de Teresa Villaverde, ya confirmadas.
El terror gótico de Brian O’Malley, primer tráiler de «The Lodgers»
El irlandés Brian O’Malley salto a la palestra hace un par de años con su opera prima Let Us Prey, una curiosa cinta que mezclaba un explícito homenaje al Assault on Precinct 13 de John Carpenter en clave Lovecraniana. The Lodgers que acaba de ser presentada en el Toronto International Film Festival (TIFF) es su segundo trabajo tras las cámaras, el film, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, vuelve a incidir en el fantástico aunque a diferencia de su anterior Let Us Prey aquí nos encontramos ante una película que aborda el género desde la perspectiva del terror gótico, subgénero poco habitual y rentable a día de hoy como lo demuestran cintas recientes como el Crimson Peak de Guillermo del Toro o la fallida Voice from the Stone de Eric D. Howell. Curiosamente The Lodgers no será la única película que transite dicha temática en este año como lo demuestra la esperada Marrowbone, el debut en la dirección del guionista Sergio G. Sánchez que se podrá ver dentro de pocos días en el festival de San Sebastián.
The Lodgers nos sitúa en la Irlanda rural de hace un siglo, en el año 1920 durante la guerra de independencia, en ese escenario vemos como Rachel y Edward, un par de gemelos anglo-irlandeses que están a punto de cumplir 18 años residen desde la muerte de sus padres en Crumbling Manor, una mansión decrepita en las afueras de un pueblo. Lo único es que no están totalmente solos, ya que comparten casa con una fuerza invisible que se aloja en el sótano. Los gemelos deberán seguir unas reglas muy estrictas dictadas por los propios entes, deben estar en la cama a medianoche, no deben permitir que nadie de fuera entre en la casa y si intentan escapar de ella la vida del otro se pondrá en peligro, el desobedecer dichas normas le supondrán enfrentarse a castigos estremecedores.
La película con guion del reconocido músico David Turpin está protagonizada por David Bradley, Eugene Simon, Moe Dunford, Bill Milner, Charlotte Vega, Deirdre O’Kane, Roisin Murphy y Emmet Kelly.
https://youtu.be/ZN0Dcm6wULM
Monica Bellucci, Ricardo Darín y Agnès Varda Premios Donostia de la 65 edición del Festival de San Sebastián
Además, Javier Bardem, Bérénice Bejo, Steve Coogan, Glenn Close, Penélope Cruz, James Franco, Jean-Pierre Léaud, Benoît Magimel, Arnold Schwarzenegger, el Premio Jaeger-LeCoultre al Cine Latino Paz Vega y Alicia Vikander, entre otros, han confirmado su presencia en San Sebastián. El actor John Malkovich presidirá el jurado de la Sección Oficial, en el que le acompañarán las actrices Dolores Fonzi y Emma Suárez, el cineasta William Oldroyd, la productora y guionista Paula Vaccaro y el director de fotografía Fabio Cianchetti.
Darren Aronofsky, Raymond Depardon, Ildikó Enyedi, Robert Guédiguian, Todd Haynes, Aki Kaurismäki, Hirokazu Koreeda, Ruben Östlund, Lynne Ramsay, Carlos Saura, Wim Wenders, Michael Winterbottom y Frederick Wiseman presentarán sus películas en San Sebastián.
En la 65 edición del Festival de San Sebastián se entregarán tres Premios Donostia. Además de distinguir al actor argentino Ricardo Darín, el Festival reconocerá las trayectorias de la actriz italiana Monica Bellucci y la cineasta de origen belga Agnès Varda. En su recorrido como intérprete durante más de 25 años, Bellucci ha trabajado con algunos de los cineastas referentes tanto en Europa como en Estados Unidos, entre ellos Francis Ford Coppola, Gaspar Noé, las hermanas Wachowski, Mel Gibson, Terry Gilliam, Spike Lee, Paolo Virzì, Philippe Garrel, Sam Mendes o Emir Kusturika. Agnès Varda, por su parte, es una leyenda del cine europeo, cuya carrera ha sido reconocida con los premios más importantes de Cannes, Berlín, Venecia, Locarno y la Academia de cine francesa.
Además de los tres Premios Donostia, una larga lista de intérpretes y directores han confirmado su presencia en San Sebastián. Para presentar sus películas en la Sección Oficial, visitarán el Festival el actor James Franco, que competirá por la Concha de Oro con su película The Disaster Artist, Glenn Close, que clausurará la sección con The Wife, Jean-Pierre Léaud -el inolvidable Antoine Doinel de Les quatre cents coups-, que protagoniza la película de Nobuhiro Suwa (Le lion est mort ce soir); Arnold Schwarzenegger, la voz de la proyección especial Wonders of the Sea 3D; y Alicia Vikander, que protagoniza la película de inauguración, dirigida por Wim Wenders (Submergence).
Además, algunos de los directores más importantes del panorama actual acudirán a San Sebastián para presentar sus películas en las secciones de Perlas, Zabaltegi-Tabakalera y Horizontes Latinos: Darren Aronofsky, Kantemir Balagov, Robin Campillo, Raymond Depardon, Ildikó Enyedi Michel Franco, Robert Guédiguian, Todd Haynes, Hirokazu Koreeda, Sebastián Lelio, Martin McDonagh, Janus Metz, Ruben Östlund, Lynne Ramsay, Carlos Saura (en su caso, una película de Félix Viscarret sobre él) y Frederick Wiseman, entre otros. Además, el cineasta Michael Winterbottom y el actor Steve Coogan pondrán el broche a la sección Culinary Cinema y Aki Kaurismäki recogerá en la gala de inauguración del Festival el Gran Premio FIPRESCI 2017 (Toivon tuolla puolen / The Other Side of Hope).
Javier Bardem y Penélope Cruz, que asistirán a la clausura de Perlas en el Velódromo (Loving Pablo) y la Premio Jaeger-LeCoultre al Cine Latino Paz Vega encabezan la representación de cine español, compuesta por el reparto de El autor, en el que figuran Javier Gutiérrez (que presentará también Vergüenza), María León y Antonio de la Torre; la delegación de La peste, liderada por Alberto Rodríguez y Paco León; la protagonista de la coproducción Una especie de familia, Bárbara Lennie; la pareja de Morir, formada por Marian Álvarez y Andrés Gertrúdix; Elena Anaya, que participa en la proyección especial Premio Donostia La cordillera; los equipos de los dos estrenos del Velódromo, Jordi Mollà, Karra Elejalde y Unax Ugalde (Operación Concha) y Javier Cámara, Miren Ibarguren, Gorka Otxoa y Julián López (Fe de etarras), entre muchos otros.
También el cine francés contará con una nutrida representación. En la Sección Oficial, con La douleur viajarán el director Emmanuel Finkiel y los intérpretes Benoît Magimel (La Haine), y Gregoire Leprince-Ringuet (La belle personne), y para presentar Le lion est mort ce soir, a Jean Pierre Léaud estará acompañado por la actriz que le da la réplica en la película, Pauline Etienne (Eden). En la sección Perlas, Léa Drucker (La chambre bleue) y Denis Ménochet (Inglourious Basterds) encarnan a los progenitores de Jusqu’à la garde, y Jean-Pierre Darrousin, uno de los tres hermanos de La villa de Guèdiguian. Y la actriz Bérénice Bejo presentará en Savage la película Tout là-haut, acompañada del director, Serge Hazanavicius, y las productoras Julie Gayet y Nadia Turincev.
Además, los nuevos talentos cinematográficos estarán presentes en el Festival no solo a través de las óperas primas presentes en todas las secciones y especialmente en Nuev@s Director@s, sino también a través de la visita de intérpretes que se encuentran en los inicios de su carrera como los protagonistas de Marrowbone, Charlie Heaton (Stranger Things, As You Are) y George MacKay (Captain Fantastic); de Sollers Point McCaul Lombardi (American Honey); Esther Garrel, que participa en el Festival por partida doble en L’amant d’un jour y Call Me By Your Name; Nahuel Pérez Biscayart (Je suis à toi), de 120 battements par minute; y el joven protagonista de Jusqu’à la garde, Thomas Gioria.
MONICA BELLUCCI
El gran talento de la actriz italiana Monica Bellucci es reconocido y apreciado en todo el mundo.
Después de pasar por la escuela de Derecho y de una carrera como modelo para los más importantes diseñadores de moda, tomó clases de interpretación e inició su carrera como actriz en 1990 con Vita coi Fligi, dirigida por Dino Risi. En 1991 consiguió su primer papel en una película importante en La riffa, de Francesco Laudadio. Un año después, Francis Ford Coppola se fijó en ella, e hizo una de sus primeras apariciones en su película Dracula (Drácula de Bram Stoker), en la que interpretaba a una de las mujeres del vampiro.
Después de varios papeles en Italia, Monica Bellucci se trasladó a Francia y se hizo conocida en 1996 por su papel de Lisa en L’Appartement (Flash-Back [El Apartamento]), dirigida por Gilles Mimouni, por la que fue nominada al premio a la Mejor Actriz Joven en los Césars de 1997. A finales de los 90 y principios de 2000 protagonizó varias producciones importantes en Francia, en las que ofreció interpretaciones particularmente memorables, entre las que se incluyen la de Nathalie en Dobermann (1997), dirigida por Jan Kounen, la de Cleopatra en Asterix & Obelix: Mission Cleopatra (Astérix y Obélix: Misión Cleopatra), y la de Alex en la controvertida Irreversible (2002), de Gaspar Noé, un film en el que compartía protagonismo con Vincent Cassel y Albert Dupontel.
Al tiempo que desarrollaba su carrera en Francia, Monica Bellucci, que habla italiano, francés e inglés, continuó con su carrera internacional. En Estados Unidos trabajó, entre otros, para Stephen Hopkins en Under Suspicion (Bajo sospecha, 2000), para Antoine Fuqua en Tears of the Sun (Lágrimas del sol, 2003) y para las hermanas Wachowski en la popular saga Matrix (Matrix Reloaded y Matrix Revolutions, 2003). En 2004 Mel Gibson la dirigió en su papel de María Magdalena en The Passion of the Christ (La pasión de Cristo).
En los años siguientes participó en más de veinte producciones alrededor del mundo y colaboró con cineastas de primera fila, como Bertrand Blier, Gabriele Muccino, Terry Gilliam, Spike Lee, Paolo Virzì, Rebecca Miller, Alain Corneau, Marina de Van, Philippe Garrel y muchos otros. En 2014 interpretó el personaje de Milly Catena en Le meraviglie (El país de las maravillas), de Alice Rohrwacher, que fue aclamada en el Festival de Cannes, donde ganó el Gran Premio del Jurado.
En 2015 fue chica Bond junto al actor inglés Daniel Craig en el nuevo film de James Bond, Spectre, dirigido por Sam Mendes. El año pasado participó en la serie de televisión norteamericana Mozart in the Jungle, con Gael García Bernal como compañero de reparto. En 2017 la hemos visto en una aparición especial en la serie de David Lynch Twin Peaks y fue la bella novia de Emir Kusturica en su película On the Milky Road (En la vía láctea).
Malèna / Malena
Giuseppe Tornatore (Italia – EEUU)
Malena es la belleza más encantadora e irresistible de Castelcutò, un tranquilo pueblo de la soleada costa siciliana. Es nueva en el pueblo y, estando su marido en la guerra, cada paseo que da se convierte en un espectáculo que va acompañado de las lujuriosas miradas de los hombres y de los resentidos cotilleos de sus envidiosas esposas. Un ejército de flacos adolescentes en bicicleta la sigue allí donde vaya, con la única intención de observar su exquisita y arquetípica belleza. Pero entre ellos se encuentra Renato, un chico de trece años con mucha imaginación que lleva su deseo a unos límites de obsesiva fantasía.
Under Suspicion (Bajo sospecha)
Stephen Hopkins (EEUU – Francia)
En San Juan (Puerto Rico), el abogado Henry Hearst, una de las personalidades más importantes de la isla, es citado por el capitán de la policía para que complete su declaración sobre el rapto y la muerte de una niña que ha sido asesinada en las mismas circunstancias que otras dos en el plazo de un mes. Sin embargo, lo que parecía una visita rutinaria se convertirá en un duro interrogatorio de consecuencias impredecibles.
ÀGNES VARDA
Nacida en Ixelles, Bruselas, en 1928, Agnès Varda pasó su infancia en Bélgica con sus cuatro hermanos. En 1940 la guerra hizo que la familia se mudase al sur de Francia. Agnès pasó su adolescencia en Sète y después en París, donde cursó el bachillerato, para después estudiar en el Louvre y en la escuela nocturna Vaugirard, donde cursó fotografía. Ha vivido en la rue Daguerre de París, en el distrito 14, desde 1951.
Varda se convirtió en fotógrafa para Jean Vilar, fundador del Festival de Avignon, en 1948, y después para el Théâtre National Populaire (TNP) (donde brillaba, entre otras, la estrella del cine Gerard Philipe).
En 1954 realizó su primera exposición en solitario en su patio, a la que siguieron varios reportajes en China y Cuba. A lo largo de sus viajes y a través de las personas a las que conoció, realizó varios retratos de personas tanto desconocidas como famosas.
Sin tener ninguna clase de formación, Agnès Varda se pasó al mundo del cine. Creó su propia pequeña compañía, Ciné-Tamaris, para producir su primer largometraje, La Pointe-Courte (1955), que escribió y dirigió. Más adelante le valdría el título de “Abuela de la Nouvelle Vague”.
Casada con el director de cine Jacques Demy (fallecido en 1990), la hija de ambos, Rosalie Varda-Demy, es diseñadora de moda, y su hijo Mathieu Demy es actor y director. Pasaron varios años en Los Ángeles, donde Agnès filmó Lions Love (…and Lies) (1960), Black Panthers (1969), Mur Murs (1981) y Documenteur (1980).
Entre sus películas más conocidas se incluyen: Cléo de 5 à 7 (Cleo de 5 a 7, 1962), Le bonheur (La felicidad, 1965, Oso de Plata en el Festival de Berlín), Sans toit ni loi (Sin techo ni ley, 1985, León de Oro en el Festival de Venecia), Jacquot de Nantes (1991), Les glaneurs et la glaneuse (Los espigadores y la espigadora, 2000, premio Gold Hugo en el Festival de Chicago).
En 2008 Les plages d’Agnès, un poético y juguetón autorretrato fílmico, encontró eco entre el público y ganó en Francia el premio César al Mejor Documental. Entre 2010 y 2011 escribió y dirigió la serie documental Agnès de ci de là Varda (compuesta por 5 episodios de 45 minutos), en la que registraba un viaje abierto y encuentros con artistas contemporáneos en diveros países.
Su trabajo cinematográfico más reciente, Visages, Villages (Caras y lugares), codirigido con el artista JR, fue presentado fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de Cannes de 2017 y será estrenado en España en el marco de esta edición del Festival de San Sebastián.
En 2003 Agnès Varda emprendió su tercera carrera, la de artista visual. Sus instalaciones se han mostrado en foros como la Biennale de Venecia y la Biennale d’art contemporain de Lyon, el SMAK de Gante, Art 41 Basel, la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, la Galerie Martine Abouacaya de París, el Musée Paul Valéry de Sète… Su serie Broken portraits fue exhibida en la Galerie Nathalie Obadia de Bruselas. En marzo de 2012 el CAFA Art Museum de Beijing y el Hubei Museum of Art de Wuhan exhibieron muchas de sus instalaciones contemporáneas y fotografías tomadas en China en 1957. En junio de 2012 formó parte de la exposición colectiva “Le voyage à Nantes” con dos nuevas vídeo-instalaciones, «Des chambres en ville» y «Paroles de squatters«. En julio de 2012 el Festival de Cine de La Rochelle albergó una retrospectiva de sus películas y la instalación “Patatutopia”. En noviembre de 2012 el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla exhibió “Las dos orillas de Agnès Varda”, que incluía instalaciones y películas. En febrero de 2014 “Triptyques atypiques” se exhibió en la Galerie Nathalie Obadia de París. En los últimos años han tenido lugar otras exhibiciones de su obra: “Photographs Get Moving (potatoes and shells, too)” (Logan Center for the Arts, University of Chicago, 2015); “Varda / Cuba” (Centre Georges Pompidou, París, 2015); “Agnès Varda. Patates & compagnie” (Ixelles Museum, Bruselas, 2016); «Une barrière ouverte» (Galerie Lumière, Lyon, 2016); “solo show” (Blum & Poe Gallery, Nueva York, 2017).
Entre los galardones concedidos a su carrera, destacan el Leopardo de Honor del Festival de Locarno (2014) y la Palma de Oro de Honor del Festival de Cannes (2015).
El próximo mes de noviembre, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le entregará un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.
Visages, villages / Faces, places (Caras y lugares)
Agnès Varda, JR (Francia)
La veterana cineasta Agnès Varda y el joven fotógrafo y artista gráfico urbano JR recorren en una furgoneta las calles y paisajes de diferentes lugares de la Francia rural. El objetivo es muy sencillo: conocer gente con la que intercambiar ideas, fotografiar a estas personas y mostrar luego las imágenes a gran escala en plena calle, para ver qué reacciones provocan.
Jurados
El jurado de la Sección Oficial estará presidido por el actor, director, productor y escritor estadounidense John Malkovich. Estará acompañado en las deliberaciones para otorgar la Concha de Oro por la actriz argentina Dolores Fonzi, el director británico William Oldroyd, que el año pasado presentó Lady Macbeth en el Festival, la actriz española Emma Suárez, la productora y guionista italiana Paula Vaccaro, el director de fotografía italiano Fabio Cianchetti y un jurado aún por confirmar.
Jurado Sección Oficial
Jurado Premio Kutxabank-Nuev@s Director@s
Jurado Premio Horizontes
Jurado Premio Premio Zabaltegi-Tabakalera
Jurado Premio Premio Irizar al Cine Vasco
Jurado Premios Foro de Coproducción Europa-América Latina
Jurado Premio Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine
The Limehouse Golem (Los misteriosos asesinatos de Limehouse) review
Londres, 1880. Una serie de asesinatos sacuden el ya de por sí peligroso distrito de Limehouse, y los vecinos comienzan a conjeturar que tan monstruosos crímenes solo pueden ser obra del Golem. Desesperada, la policía pone al experimentado detective Kildare al frente de la investigación.
El español Juan Carlos Medina fue el encargado de clausurar la pasada edición del festival de Sitges después de su muy válida opera prima Insensibles (otra estimulante revisitación en clave fantástica de los contornos de la guerra civil española que también estuvo presente en el certamen catalán en 2012), ahora nos presenta su segundo film como director titulado The Limehouse Golem, su primer trabajo en lengua inglesa que adapta la prestigiosa novela de Peter Ayckroyd Dan Leno and the Limehouse Golem, un film que fundamenta prácticamente sus algo escasas virtudes en un esforzado diseño de producción a la hora de recrear una lúgubre atmosfera ubicada en el Londres de finales del siglo XIX.
The Limehouse Golem tiene básicamente su razón de ser como un producto de naturaleza algo atípica, no ya solo por su propia y extraña condición debido a la escases de este tipo de productos en los tiempos que corren sino por ser una suerte de hibridación de subgéneros tales como el thriller de época victoriana con estructura de relato criminal amen de contener ciertas reminiscencias góticas, muy escasas pues pese anidar a través del prototípico horror victoriano de un tono digamos Dickensiano esto no quiere decir que estemos ante un film de unas características plenamente góticas como muchos se han apresurado a decir de ella, como ejemplo de un cine actual el termino gótico sí que lo era como tal en la reciente y vilipendiada de manera algo injusta según mi opinión el Crimson Peak de Guillermo del Toro, por el contrario si podríamos llegar a aseverar que The Limehouse Golem si logra representar en base a una buena utilización de sombras y escenarios una ajustada recreación de una ciudad de naturaleza blasfema y libertina potenciada aquí a través de un amplio y por momentos acertado uso del plano interior, algo que le otorga al relato una cierta teatralidad que en un principio puede ayudar a conceptuar los referentes de los que parte la historia.
El segundo trabajo tras las cámaras de Juan Carlos Medina bebe de manera genérica de una trama detectivesca (en lo relativo a este aspecto el film podríamos decir que se estructura narrativamente en base a diferentes puntos de vista, a veces falsos, otros verídicos o incompletos en relación a situaciones, acciones, sospechosos o posibles víctimas del asesino de la trama), una historia que incorpora en el enunciado de su narrativa conceptos genéricos y reverenciales tales como Jack el destripador, el golem, el mítico monstruo surgido de la mitología judía o que su protagonista principal tenga por nombre Lizzie Borden, una premisa en definitiva que no es algo muy habitual de ver hoy en día dentro del cine de género fantástico, sin embargo este envoltorio ciertamente atractivo a primera vista y expuesto a medio camino entre lo romántico y lo barroco se queda solo en eso, un enunciado provisto de una factura y una puesta en escena ciertamente impecables dado el raquítico presupuesto del que se sustenta, artificio estilístico este que no llega a disimular un muy torpe guion a cargo de Jane Goldman que denota un vaivén de tensión argumental muy mal distribuido, algo que en vez de subyugar al espectador logra un efecto de despiste bastante manifiesto amen de una previsibilidad muy notoria a la hora de abordar su conclusión, una película que en definitiva se sitúa en unos barómetros en lo referente a su valía artística bastante equidistantes dando como resultado un ejercicio correcto pero algo desprovisto de esa valía y substancia necesaria a la hora de llegar a trascender.
Valoración 0/5: 2
https://youtu.be/h2J5jxOLZX8
Brigadoon apuesta por el fantástico más heterogéneo y rinde homenaje a Terele Pávez y George A. Romero
El actor Tony Isbert recibirá el Premi Nosferatu, y la sección proyectará algunos títulos de su carrera, entre los que se encuentra la inédita El espectro de Justine. El estreno de The Song of Solomon, uno de los films de terror más extremos de los últimos años; un homenaje a dos grandes figuras del fantástico que nos han dejado durante este año, la actriz Terele Pávez y el director George A. Romero; un focus documental del fantástico realizado en Panamá, y una retrospectiva de la obra del actor Tony Isbert, Premi Nosferatu 2017, conforman las líneas maestras de la programación del espacio Brigadoon.
Hijo de María Isbert, y nieto de Pepe Isbert, Tony Isbert entra en contacto con el mundo de la interpretación desde una temprana edad. Sus primeros créditos los encontramos en la serie de televisión Historias para no dormir, y desde entonces, su relación con el fantástico se mantiene a lo largo de toda su carrera en films como La saga de los Drácula de León Klimovsky (1973), Nadie oyó gritar de Eloy de la Iglesia (1972) o La grieta de Juan Piquer Simón (1990). Además del Premio Nosferatu, Tony Isbert estará presente con varios films en la programación de la sección Brigadoon. Entre otros títulos podrán verse Tres días de noviembre, de León Klimovsky (1971) y El espectro de Justine, de Jordi Gigó (1986), película inédita en nuestro país, tanto en cines como en formato doméstico.
Otra de las secciones destacadas en la presente edición del espacio Brigadoon es la dedicada a los estrenos. En ella podrán verse cintas como The Song of Salomon, de Stephen Biro, director y alma mater de la mítica Unearthed Films y que ahora dirige uno de los films más extremos de terror de los últimos tiempos; Los resucitados, la película que Arturo de Bobadilla empezó a rodar a mediados de los noventa y que, después de dos décadas, ve finalmente la luz. Los resucitados cuenta con un reparto estelar en el que destacan Santiago Segura, Antonio Mayans y Paul Naschy, entre otros. Paul Naschy, además, será protagonista por partida doble en Brigadoon, donde se presentará el libro Paul Naschy/Jacinto Molina: la dualidad de un mito, editado por Vial Books.
The Song of Salomon
Siguiendo con los estrenos también podrán verse la primera película de terror de origen albanés en coproducción con Australia, Bloodlands, de Steven Kastrissios; The Terror of Hallow’s Eve, dirigida por Todd Tucker, responsable de los efectos de maquillaje de cintas como El hombre sin rostro o El curioso caso de Benjamin Button; el documental Culto al terror de Gustavo Leonel Mendoza; y Confession of Murder (2012), la primera película del coreano Jeong Byeong-gil, que presenta La villana (2017) en la Sección Oficial del Festival.
Bloodlands
Brigadoon rendirá homenaje a dos figuras destacadas del fantástico nacional e internacional que nos han dejado a lo largo del presente año: por un lado se proyectará Las brujas de Zugarramurdi, que rendirá homenaje a la gran Terele Pávez (Premio Nosferatu 2016), en una proyección que contará con la presencia de Álex de la Iglesia y Carolina Bang; y por otro lado, podrá verse Los ojos del diablo, película dirigida por Dario Argento y George A. Romero. Una proyección donde se rendirá homenaje al realizador estadounidense y que contará con la presencia del mítico director italiano Dario Argento.
Los ojos del diablo
Los cortometrajes también serán protagonistas de la sección. En la presente edición destacan el Focus Cortometrajes Fantástico Panamá, una selección de diversos trabajos en formato corto que van desde la década de los ochenta hasta la actualidad; y The Final Girls Present: We Are the Weirdos, selección de cortometrajes del colectivo inglés The Final Girls: agrupación cinematográfica con sede en Reino Unido dedicado a explorar las intersecciones del cine de género y el feminismo.
Para finalizar, como ya es habitual, la tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar el primer sábado del Festival, que será el 7 de octubre y que volverá a llenar la ciudad de zombis llegados de todas partes.
Primer tráiler de «Lady Bird», debut en la dirección de Greta Gerwig
De la mano de la cada vez más consolidada A24 nos llega un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su curioso póster de la cinta independiente Lady Bird, debut en la dirección de Greta Gerwig, actriz muy vinculada en estos últimos años al cine independiente estadounidense como lo demuestra trabajos como Frances Ha, Maggie’s Plan, Mistress America o la reciente Wiener-Dog de Todd Solondz entre otra. La película que tuvo su premier mundial en el Telluride Film Festival el pasado 1 de septiembre cosechando buenas críticas se proyectará esta misma semana en el marco del TIFF. Lady Bird ha sido descrita como un drama con elementos de comedia marcadamente femenino acerca del paso a la madurez.
Lady Bird nos narra las vivencias de una chica adolescente bastante peculiar en la ciudad de Sacramento en el norte de California durante el año 2002, Christine «Lady Bird» McPherson completa su último año en una escuela católica poco después de los atentados del 9/11, ella pasa los días discutiendo acaloradamente con su madre de carácter tan fuerte como el de ella, Lady Bird está en continua lucha contra las opiniones de su familia de clase media, situación que se ira agravando en el momento en que su padre pierda el trabajo y vea como su madre tenga que trabajar en turnos dobles como enfermera en un hospital, será entonces cuando empezará a ser consciente de que la vida después de la escuela no será precisamente un camino de rosas.
La película que se estrenará en Estados Unidos el próximo 10 de noviembre cuenta con guion de la propia Greta Gerwig y fotografía a cargo de Sam Levy estando protagonizada por Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Lucas Hedges, John Karna, Beanie Feldstein, Tracy Letts, Timothée Chalamet, Danielle Macdonald, Bayne Gibby, Monique Edwards, Roman Arabia, Shaelan O’Connor, Marielle Scott, Ithamar Enriquez y Christina Offley.
Applehead Team presenta sus novedades para el último trimestre de 2017
La editorial Applehead Team afronta el último trimestre de 2017 con un cambio de imagen corporativa, pero no de rumbo: tras unos meses cogiendo fuerzas ante todo lo que está por llegar, ahora presenta en público los tres libros que se unirán de manera más inmediata a su catálogo. Además, potenciando su apuesta por el ensayo dedicado al cine (algo que ha sido y será el puntal de la editorial, aunque seguirá publicando ocasionalmente obras de ficción), estrena un lema que resume una ideología y unas intenciones: “El cine que siempre has querido leer”.
Estos son, en orden de publicación (con fechas que se irán desvelando próximamente) los tres volúmenes:
AL CAER LA NOCHE: TERROR CATÓDICO AMERICANO 1970-1981
Autor: Tonio L. Alarcón.
Prólogo: Jesús Palacios.
Colección: Cineclub Applehead.
Tonio L. Alarcón nos entrega un ambicioso e innovador estudio sobre el apasionante cine de terror que, entre los años 1970 y 1981, se produjo para la televisión norteamericana. Títulos míticos como El estrangulador de la noche y La oscura noche del espantapájaros —que en España conocimos en las emisiones de Estrenos Tv—, El diablo sobre ruedas, El misterio de Salem’s Lot… Un viaje que también recupera películas menos populares, pero que, durante los años 80, seguramente disfrutamos en sus pases de fin de semana o incluso en ediciones en vídeo que podíamos encontrar en el videoclub.
Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981, que cuenta además con un prólogo de Jesús Palacios, recoge una época fascinante para el cine de terror y para la televisión, examinada por Tonio L. Alarcón con la agilidad y el rigor que lo caracteriza. Por el libro desfilan figuras como Dan Curtis, John Llewellyn Moxey, Steven Spielberg, Richard Matheson, Curtis Harrington, John Badham, Wes Craven, John Carpenter y Tobe Hooper, entre muchas otras, lo que convierte este volumen en una obra necesaria para cualquier aficionado al cine de género.
BRUCEPLOITATION: LOS CLONES DE BRUCE LEE
Autor: Iván E. Fernández Fojón.
Colección: La Generación del Videoclub.
Tras el fallecimiento de Bruce Lee, las salas de los años 70 recibieron un aluvión de producciones protagonizadas por “clones” del Pequeño Dragón: actores con nombres como Bruce Li, Bruce Lai, Bruce Le, Bronson Lee y Dragon Lee emulaban los gestos de la estrella desaparecida y llenaban los bolsillos de productores sin escrúpulos. Alguna de estas películas rehacían los argumentos de la filmografía del astro de Hong Kong o bien explotaban su biografía. Otras abrazaban directamente el delirio: en El dragón ataca, por ejemplo, desfilaban Drácula, James Bond, Clint Eastwood, El exorcista, Emmanuelle, Vito Corelone, Laurel y Hardy… Incluso uno de los coreógrafos de Lee, Sammo Hung, se reiría del fenómeno —desde el cariño y la admiración hacia Lee, eso sí— en Le llamaban… Dragón gordo.
Iván E. Fernández Fojón, especialista en cine asiático y de artes marciales y redactor en revistas como Dragonz y Acción Cine-Vídeo, profundiza en esta moda cinematográfica con todo lujo de detalles, consiguiendo un libro pionero en nuestro país que Applehead Team publica dentro de su colección La Generación del Videoclub (donde ya aparecieron ensayos sobre Cannon Films, la IFD y la Filmark).
Bruceploitation: Los clones de Bruce Lee es un trabajo recomendable tanto para los amantes del cine de artes marciales como para los interesados en el exuberante y provocador mundo del cine de explotación.
GOMA-2: EL CINE EXPLOSIVO DE JOSÉ ANTONIO DE LA LOMA
Autor: Javier Ikaz.
Colección: Made in Spain.
Javier Ikaz, uno de los creadores del fenómeno Yo fui a EGB y autor de Disparate Nacional: El cine de Mariano Ozores, nos entrega el primer libro dedicado a José Antonio de la Loma, uno de los directores españoles más taquilleros de finales de los años 70 y los años 80. Conocido como el padre del cine “quinqui”, de la Loma cultivó el thriller y el cine de acción, trabajó con estrellas internacionales y retrató las miserias de la España posfranquista.
Goma-2: El cine explosivo de José Antonio de la Loma ofrece un acercamiento honesto y emocionante a un cineasta a reivindicar, guionista de diversos filmes –westerns, cintas de Lucio Fulci y Antonio Margheriti…– y autor de treinta películas, algunas tan populares como Yo, “el vaquilla”, Goma-2, Perros callejeros y Nunca en horas de clase. Todas ellas son reseñadas en un volumen indispensable para los interesados en el cine popular producido en España, publicado por la editorial Applehead Team dentro de su colección Made in Spain.
También, como nexo de unión entre todos los trabajos publicados hasta la fecha y los que saldrán a la luz durante esta nueva etapa, Applehead Team presenta un vídeo donde se resume todo ello y ofrece al público pistas sobre cuáles serán los temas que ocuparán las páginas de sus siguientes volúmenes.
Una mirada a la infancia, tráiler para The Night I Swam
The Night I Swam (La nuit où j’ai nagé en original) supone la unión de dos talentos tan prometedores como son el japonés Kohei Igarashi Voice of Rain That Comes at Night (2008) y Hold Your Breath Like a Love (2014) y el francés Damien Manivel responsable de Un jeune poète 2014 y la sensacional Le parc (2016). The Night I Swam cuyo primer tráiler de la mano de Cineuropa y póster oficial podéis ver a final de página se adentra en el minimalista retrato de un infancia vivida en primera persona, el film que se podrá ver estos días en el festival de Venecia dentro de la sección Orizzonti estará presente en la próxima edición del festival de San Sebastián en la reestructurada sección Zabaltegi-Tabakalera.
En The Night I Swam vemos como la nieve cubre las montañas de Japón. Como cada noche, un pescador realiza su viaje al mercado en la ciudad. Su hijo de seis años se despierta con su marcha y le resulta imposible volver a dormir. En su dormitorio, el niño hace un dibujo que luego introduce en su mochila. De camino al colegio, aún adormilado, se sale de la ruta y comienza a vagar por la nieve…
La película co-produción francesa japonesa cuenta con guion de los propios Damien Manivel y Kohei Igarashi y música a cargo de Jérôme Petit estando protagonizada por Takara Kogawa, Keiki Kogawa y Chisato Kogawa.
El neo- wéstern según Cattet y Forzani, tráiler de «Laissez bronzer les cadavres»
El dúo de cineastas belgas formado por Hélène Cattet y Bruno Forzani lograron con tan solo dos películas como Amer y The Strange Colour of Your Body’s Tears rendir homenaje de una manera excelsa y desde unas coordenadas casi invasivas a los códigos genéricos del giallo, los que sentimos una especial devoción por dichos cineastas ya desde su primer trabajo estamos de enhorabuena pues en este 2017 será el año en donde verá la luz su tercer largometraje titulado Laissez bronzer les cadavres, film cuyo primer tráiler y extraordinario póster (a semejanza de los correspondientes a sus dos anteriores películas) podéis ver a final de página, la película es la adaptación a la gran pantalla de la novela negra de culto escrita en 1971 por Jean-Patrick Manchette y Jean-Pierre Bastid y que Hélène Cattet y Bruno Forzani describen como un polar con elementos de western psicodélico, un cambio al parecer de registro genérico aunque afortunadamente no de estilo viendo las primeras informaciones del film que nos están llegando. La película tras su premier mundial en el pasado festival de Locarno formará parte de la sección Midnight Madness del inminente TIFF, en España se podrá ver el próximo mes de octubre en el festival de Sitges.
Laissez bronzer les cadavres nos cuenta como Luce, una pintora excéntrica de cincuenta años, se instala en pleno verano en una pequeña casa aislada y medio en ruinas al sur de Francia en busca de inspiración, rodeada de invitados como Max Bernier, su antiguo amante, un escritor alcohólico, un abogado llamado Brisorgueil y tres amigos de este que no conocía todavía, Rhino, Gros y Alex, una banda de ladrones profesionales que tras haber hecho la compra en la ciudad asaltan un furgón blindado y se hacen con 250 kilos de oro. Volviendo poco después a la casa de Luce, con la idea de ocultarse allí tranquilamente hasta el final del verano. Ellos piensan que han encontrado el lugar perfecto para esconderse y ocultar el botín, pero algunos sucesos van a dificultar sus planes viendo como la casa se va a convertir en un campo de batalla con la llegada por sorpresa de dos agentes de policía.
La película con guion adaptado de los propios Hélène Cattet y Bruno Forzani está protagonizada por Elina Löwensohn, Stéphane Ferrara, Bernie Bonvoisin, Hervé Sogne y Dominique Troyes.
Thierry Frémaux presentará la película «Lumière!» en el 65 Festival de San Sebastián
La proyección comentada tendrá lugar el día 23 en la sala de cine de Tabakalera. Thierry Frémaux (Tullins-Fures, France) es el director del Festival de Cannes desde 2001, del Instituto Lumière de Lyon, institución académica francesa dedicada a promover y divulgar la cinematografía francesa y honrar la contribución al cine de los hermanos Auguste y Louis Lumière, y del Lumière Festival. Además, entre sus notas biografícas destaca que es maestro de judo cinturón negro 4e dan, especialista en Bruce Springsteen y aficionado del club de fútbol Olympique de Lyon. Vive entre Lyon y París, pero en París vive en la ‘rue de Lyon’, puntualiza.
Lumière! L’aventure commence (¡Lumière! La aventura comienza, 2016) es una colección de copias restauradas de los hermanos Lumière, en la que Frémaux es el director, el montador junto a Thomas Valette, el productor, acompañado de Bertrand Tavernier, y la voz de la película, en la que además de los hermanos Auguste y Louis, aparece Martin Scorsese. El filme se proyectó en Cannes Classics y en la sección oficial de Toronto.
El día 23 Frémaux presentará y comentará la película en la sala de cine de Tabakalera en el marco del Festival de San Sebastián. “Estoy muy feliz y orgulloso de enseñar mi película Lumière! en el Festival de San Sebastián, que es uno de mis festivales de cine favoritos en el mundo y no solo porque es, con Lyon, el mejor lugar para comer en el planeta”, señala.
“Como embajador de los hermanos Lumière, seguiré el camino de Alexandre Promio, el famoso camarógrafo de los hermanos Lumière que vino por primera vez a España en 1896. Llevo conmigo un largometraje de los Lumière, que es un programa que he compuesto para mostrar cuán rico, fascinante y poderoso era el cine. Louis Lumière no era solo un inventor, era un auténtico artista, el último inventor y el primer director. Él tenía 30 años, era joven y estaba lleno de alegría, exactamente lo que este programa de 90 minutos brinda. El mundo mostrado por los Lumière estaba hecho de generosidad, sensibilidad y calidad artística. Estaré en el escenario para explicarlo y será un maravilloso viaje para todos”, concluye Fremaux.
Caramel Films estrenará la película en las salas de cine españolas próximamente.
Lumière!
Thierry Frémaux (Francia)
Viaje por el universo de los fundadores del cine, narrado por Frémaux con pasión y humor, Lumière! brinda imágenes inolvidables y una visión única de Francia y del mundo en los albores de la era moderna; películas verdaderamente esenciales que iluminan el mundo de la cinematografía contemporánea.
El edificio de la lectura, tráiler de «Ex Libris: The New York Public Library» de Frederick Wiseman
Intentar indagar a estas alturas en la figura de un tótem en la evolución del documental como es el norteamericano Frederick Wiseman, activo desde el año 1967, sería poco menos que entrar en la redundancia, lo cierto es que una personalidad tan legendaria en el desarrollo del subgénero lejos de desgastarse con los años parece estar en plena forma como ya lo demostró en sus últimos y apasionantes trabajos National Gallery e In Jackson Heights. Su nuevo trabajo tras las cámaras es Ex libris: The New York Public Library, documental cuyo primer tráiler podéis ver a final de página, un trabajo de 200 minutos de duración que nos adentra en la Biblioteca Pública de Nueva York, un documental que se presenta como realmente fascinante por lo que cuenta y quien lo cuenta, un trabajo que indaga en lo relativo a la importancia de las bibliotecas y el poder de estas que aún tienen sobre las personas y la sociedad.
El documental que estos días compite en la sección oficial del festival de Venecia también pasara en los próximos días por el TIFF y el festival de San Sebastián dentro de ese interesante cajón de sastre temático que es Zabaltegi – Tabakalera.
Ex Libris: The New York Public Library lleva al espectador a la trastienda de una de las más grandes instituciones de conocimiento del mundo. La película examina cómo esta legendaria institución ha seguido con sus actividades habituales adaptándose a la vez a la revolución digital. Ex libris: The New York Public Library muestra que las bibliotecas informan y educan de múltiples formas: libros, conciertos, conferencias, clases y mucho más. Esta biblioteca se esfuerza en inspirar el estudio del conocimiento avanzado y fortalecer a la comunidad.
Primer avance de programación de la XIV edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla
Las premieres con los hallazgos internacionales del año y el cine español más esperado del 3 al 11 de noviembre en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Sevilla será el escenario del estreno absoluto de Algo muy gordo de Carlo Padial y Berto Romero que inaugurará la Sección Las Nuevas Olas. El mar nos mira de lejos del sevillano Manuel Muñoz Rivas en la Sección Oficial y Niñato de Adrián Orr en Las Nuevas Olas reafirman el compromiso del festival con las nuevas voces del cine español. Cineastas consagrados como Claire Denis, Laurent Cantet, Teresa Villaverde o Serge Bozon sumarán sus discursos a otros que surgen con fuerza y voluntad transformadora como el de Pedro Pinho en A Fábrica de Nada o el de Valeska Grisebach en Western.
A Fábrica de Nada
El Festival de Sevilla escribe de nuevo un discurso propio que va más allá de procedencias, géneros y lenguajes, pero que apuesta claramente por autores con miradas no convencionales capaces de sorprender a público y crítica. En esta edición, Sevilla será el punto de encuentro donde conocer qué está sucediendo en el cine europeo, un lugar para disfrutar de los descubrimientos de este 2017 y donde, sin duda, se producirán nuevos hallazgos.
Así, una propuesta novedosa y una película que rompe esquemas será la que inaugurará con su estreno absoluto la sección Las Nuevas Olas: Algo muy gordo, proyecto cinematográfico que han desarrollado Carlo Padial (autor del éxito editorial ‘Dinero gratis’ y director de ‘Mi loco Erasmus’ o ‘Taller Capuchoc’) como director y Berto Romero (habitual colaborador de Andreu Buenafuente y protagonista de ‘Tres bodas de más‘, ‘Ocho apellidos catalanes‘ o ‘El pregón‘) como guionista y protagonista. Ambos se unen a un casting que completan Carlos Areces, Carolina Bang, Miguel Noguera y Didac Alcaraz para el trazado de una comedia deconstruida que se apoya en el posthumor para huir del discurso convencional.
Algo muy gordo
Siguiendo en esta línea, en su edición número catorce el festival se reafirma en su compromiso de visibilizar y acercar a los espectadores el cine español, incorporándolo de forma transversal en distintas secciones del Festival. Muestra de ello es la programación dentro de la Sección Oficial a concurso de El mar nos mira de lejos, ópera prima del sevillano Manuel Muñoz Rivas que tuvo su estreno mundial en la sección Forum de la pasada Berlinale y que se verá en España por primera vez en Sevilla. Con esta obra de no ficción Muñoz Rivas se estrena como director tras haber firmado el montaje de películas tan celebradas por el público de esta cita con la cinematografía europea como ‘Arraianos’ de Eloy Enciso o ‘Dead Slow Ahead’ de Mauro Herce, director de fotografía para Muñoz Rivas en esta ocasión. Como ocurre con otras obras de esta nueva hornada del cine español, El mar nos mira de lejos es un filme que se vincula con las raíces culturales y el entorno de su autor. Muñoz Rivas se alimenta de la naturaleza, la historia y los mitos para establecer una conexión profunda con su identidad andaluza.
El mar nos mira de lejos
Ya en Las Nuevas Olas, , apartado que reúne a realizadores que discurren con nuevos lenguajes en el cine contemporáneo europeo, se confirma la presencia de Niñato del debutante Adrián Orr que tras su premiado corto documental ‘Buenos días resistencia’ retoma aquellos personajes para componer éste largo entorno a un personaje con dificultades para asumir la responsabilidad de su paternidad . Orr rompe los límites entre ficción y no ficción en este relato repleto de sutiles revelaciones cotidianas, de humanidad y de agridulce desencanto, y que se ha alzado con el Premio del Jurado en la Sección Nuevas Miradas del Festival Visions du Reel, y con el Premio a la Mejor Película en el Bafici (Festival de Cine de Buenos Aires).
Niñato
En el ámbito internacional, las voces más veteranas que no languidecen y continúan mostrando constante renovación, se conjugan en el SEFF con nuevos discursos que han irrumpido en el escenario de las cinematografías europeas. Así, el cine francés en 2017 tendrá una sólida representación con la incorporación de cineastas de la talla de Claire Denis, Laurent Cantet o Serge Bozon.
En la Sección Oficial a concurso Claire Denis rompe con la gravedad de su cine para presentar Un sol interior (Let the sunshine in / Un Beau Soleil Interieur), filme aplaudido en la Quincena de Realizadores del pasado Festival de Cannes y preseleccionado para las nominaciones a los Premios de la EFA. Acompañada por un elenco integrado por Gérard Depardieu, Valeria Bruni Tedeschi, Nicolas Duvauchelle, Josiane Balasko o Xavier Beauvois, una luminosa Juliette Binoche protagoniza esta comedia anti-romántica que desmonta los clichés de género y que discurre hacia la búsqueda de la identidad, la verdad, la realización y la liberación de la mujer madura en base a las relaciones que mantiene con los hombres que la rodean.
Un sol interior
Atraído también por los personajes femeninos con fuerza, autonomía y madurez, Laurent Cantet, estará en la Sección Ofical del festival con El taller literario (The Workshop / L’Atelier). Protagonizada por Marina Foïs, la película cuenta la intensa relación de una escritora con los alumnos de su taller literario, siete jóvenes que, de alguna forma, representan y sintetizan la diversidad étnica y religiosa de la Francia actual. El realizador de ‘Recursos humanos’ y ‘El empleo del tiempo’ recupera en El taller literario el espíritu de ‘Entre los muros’, película con la que ganó la Palma de Oro de Cannes en 2008.
The Workshop
Por su parte Serge Bozon revisa en la irreverente Mrs Hyde (Madame Hyde) el clásico de la literatura fantástica creado por Robert Louis Stevenson. En esta comedia que llega a Las Nuevas Olas, Bozon vuelve a hacer tándem en el guión con Axelle Ropert, y emplea a Isabelle Huppert, una de sus actrices fetiches, para encarnar el doble personaje de una profesora que en el enfrentamiento con sus alumnos adolescentes hace brotar su fuego interior. Este personaje le valió a Huppert el Premio a la Mejor Actriz en el pasado Festival de Locarno.
Mrs Hyde
Diez años después de ganar el Festival de Cine de Gijón con ‘Sehnsucht’, la alemana Valeska Grisebach retoma su trayectoria cinematográfica con Western, aclamado tercer largometraje de esta realizadora que, tras pasar por Cannes tendrá en Sevilla su estreno nacional. Las claves del western son el vehículo para hablar de la masculinidad en el marco de los desplazamientos sociales. Las dos Europas, la colonizadora y la colonizada, se confrontan en esta historia que opta al Premio Lux y a los Premios de la EFA y que nos invita a repensar el continente, a recuperar las raíces culturales y naturales enterradas bajo décadas de lucha económica y a mantener la esperanza en la reconciliación.
Western
El trasfondo de la crisis económica en Portugal teñirá este año las historias del festival sevillano, de la mano del debutante Pedro Pinho y de la veterana Teresa Villaverde, representantes de excepción de la cinematografía del país vecino. El documentalista Pedro Pinho, al abrigo del colectivo de cineastas Terratreme, ha hecho de su primer largometraje de ficción la película europea revelación del año. A Fábrica de Nada (‘The Nothing Factory’) es una referencia desde que se presentó en la Quincena de Realizadores de Cannes, opta a las nominaciones de los Premios de la EFA y tendrá en Sevilla su premier nacional. La más política de las películas que competirán en la Sección Oficial propone la acción artística como herramienta de intervención en el mundo, construyendo un cine social reivindicativo y atrincherado en la solidaridad y la conciencia de clases. Por su parte Colo, la última película de Teresa Villaverde, formará parte de la sección Las Nuevas Olas. La reconocida cineasta portuguesa realiza en este filme, que compitió en la Sección Oficial de la pasada Berlinale, un retrato familiar inteligente, seco e introspectivo que describe con la saudade portuguesa la pérdida de la razón y la confrontación generacional.
Colo
En la competición de no ficción, esta nueva edición también asociará discursos maduros como el del cineasta alemán Romuald Karmakar con la pasión descriptiva de jóvenes cineastas como la turca Ayse Toprak. Así Karmakar, de la mano de Djs de referencia como Ricardo Villalobos, ATA, Roman Flügel, Sonja Moonear o Move D, nos mostrará a modo de recorrido envolvente la incombustible potencia de la escena de la música electrónica alemana en If I Think of Germany at Night, filme que podrá verse en Sevilla en colaboración con el Festival Internacional de Cine Documental Musical In-Edit de Barcelona. Muestra de implicación, respeto y compromiso, Toprak presenta en Sevilla Mr Gay Syria, ejemplo de la amalgama de culturas, identidades y realidades fronterizas que es la Europa de hoy. De nacionalidad turca esta película sacude las conciencias analizando la dificultad de ser refugiado y musulmán en un país europeo, a la que debe sumarse la de ser gay en la sociedad islámica actual.
If I Think of Germany at Night
Organizado por el Ayuntamiento de Sevilla, el XIV Festival de Cine Europeo de Sevilla, que se celebrará del 3 al 11 de noviembre de 2017, volverá a convertirse en un encuentro entre directores de todo el continente y el público para participar de la historia del cine europeo más reciente.
Red band tráiler del «Blade of the Immortal» de Takashi Miike
Blade of the Immortal (Mugen no jûnin en original) traslación al cine del manga escrito por Hiroaki Samura, una publicación que empezó a editarse en 1993 y finalizó en 2012 constando de 30 volúmenes y que en 2008 tuvo una adaptación al anime, supone el film número cien en la que podríamos denominar como increíble carrera del japonés Takashi Miike como director, ahora Magnolia Pictures y Magnet Releasing acaban de lanzar un extenso red band tráiler de casi tres minutos de duración que junto a su póster oficial podéis ver a final de página. El film tras su premier mundial en el pasado festival de Cannes se estrenará en Estados Unidos el próximo 3 de noviembre, en España aún sin fecha de salida se podrá ver en el mes de octubre en el festival de Sitges, certamen en donde Takashi Miike presentará en persona junto a su anterior Jojo’s Bizarre Adventure, película que está rodada en su gran mayoría en la propia localidad catalana.
Blade of the Immortal nos sitúa en el periodo Edo, un guerrero samurái de nombre Manji tras varias batallas se encuentra con una centenaria monja que le concede el don de la inmortalidad. Más tarde sin embargo, la muerte de su propia hermana y otros sucesos le llevaran a desear volver a la mortalidad, algo que solo podrá conseguirlo si consigue matar a 1000 hombres malvados para poder así redimirse. Pasado un tiempo conocerá a la joven Rin Asano, a quien promete ayudarla a vengarse por la muerte de sus padres a manos de un grupo de espadachines denominados Itto ruy.
La película con guion de Tetsuya Oishi basado en el manga de Hiroaki Samura y música a cargo de Kôji Endô está protagonizada por Takuya Kimura, Hana Sugisaki, Sôta Fukushi, Erika Toda, Chiaki Kuriyama, Kazuki Kitamura, Min Tanaka, Tsutomu Yamazaki, Ebizô Ichikawa, Hayato Ichihara y Shin’nosuke Mitsushima.
L’Odyssée (Jacques) review
El legendario explorador Jacques Cousteau y su hijo Philippe, que mantienen una relación distanciada, se embarcan en su mayor aventura. A bordo del Calipso, se encontrarán el uno al otro, antes de que la tragedia les golpee.
El biopic del famoso oceanógrafo Jacques Cousteau (1910-1997) a cargo del francés Jerôme Salle responsable de películas como Largo Winch o Zulu entre otras, encargada de clausurar la pasada edición del festival de San Sebastián y recientemente conmemorados los 20 años del fallecimiento del personaje tiene la muy difícil tarea de condensar en poco menos de dos horas la vida, obra y milagros de un personaje tan complejo como puede ser Cousteau, alguien que jugaba con la seducción y su indudable fuerte carisma para llevar a su tripulación, equipo y familia hacia objetivos bien lejanos. Tomando como principal referencia los libros Capitaine de La Calypso de Albert Falco y Mi Padre, El Capitán Jacques-Yves Cousteau de su hijo Jean-Michel asistimos a un retrato que abarcan 30 años de un periplo vital, una visión en la que se intenta por todos los medios equilibrar los claroscuros del personaje en base a una fractura narrativa en donde las hazañas marinas (potenciadas por la gran labor fotográfica de Matias Boucard y la competente música a cargo de Alexandre Desplat) quedan confrontadas con la representación de una relación familiar algo conflictiva dando como resultado final un retrato que queda a medio camino entre lo convencional y superficial y un intento algo fallido hacia la narración de tono épico.
L’Odyssée poseedora de una factura que podríamos denominar como bastante aceptable (sus 35 millones de presupuesto terminan luciendo bastante bien en pantalla) termina convirtiéndose en un minucioso, por momentos incluso poseedor de pasajes amenos y livianos, compendio vital del personaje que queda claramente desprovisto de un discurso que le otorgué al producto una identidad que sea bien definida y marcada, por otra parte resulta muy visible ese conflicto antes arriba comentado de intereses a la hora de dramatizar y documentar la historia, uno tiene la impresión viendo L’Odyssée de que aunque se intenta alejar en algo del retrato de características amables en ningún momento se consigue profundizar adecuadamente en lo referente al personaje como tal, Jerôme Salle en su trabajo más ambicioso hasta la fecha intenta por todos los medios equilibrar el retrato del legendario explorador partiendo como eje principal de su visión desde el ángulo visto a través de la familia y de su tensa evolución, también indaga en el retrato del hombre de negocios, su defensa del medio ambiente o su algo complicada y disoluta vida sentimental, aunque posiblemente sea esa relación con su hijo Philippe en donde vemos más claramente un intento de abordar un discurso que pueda resultar coherente o al menos interesante, una relación marcada por dos visiones que en el film se nos muestra como completamente antagónicas y que perfectamente podrían servir a modo de clara metáfora del cambio que debe producirse en la mirada de la sociedad con respecto a la conservación y mejora del medio ambiente, lástima que prácticamente todo lo demás que vemos en L’Odyssée deambule a través de una muy manifiesta falta de una personalidad propia.
Curiosamente y valga el juego de palabras utilizadas para la ocasión L’Odyssée termina siendo un film que no termina de profundizar convenientemente en la tesis en la en un principio se tendría que sustentar deviniendo un producto que parece destinado más hacia al gran público que a la trascendencia del relato propiamente dicho resultado este que irremediablemente deriva al producto a la categoría de biopic de índole indeciso en lo referente a sus supuestas intenciones, hay un evidente y muy minucioso trabajo de investigación con respecto al personaje que no acaba de estar bien estructurado en lo que es el guion, uno tiene la percepción viendo la película que ese exceso de información termina yendo en un claro detrimento de lo que tendría que ser el estudio intimo acerca de la persona de Jacques-Yves Cousteau. L’Odyssée sin ser un producto que llegue a molestar en exceso sí que tiene al menos la semejanza de equiparar (seguramente de forma involuntaria) sus matices y contradicciones estilistas a las del propio personaje real, algo es algo.
Valoración 0/5: 2
https://youtu.be/ePGq-o2e-SU
En busca de lo real. 50 documentales esenciales
¿Qué es lo real? Tradicionalmente, el documental se ha entendido como lo opuesto a la ficción, como aquel género que documentaba la realidad. Sin embargo, a poco que indaguemos en sus muchas ramificaciones, comprobaremos que lo real se nos escurre de los dedos, que de hecho es inalcanzable. En su lugar, tendremos que lidiar con la verdad que vive en la mirada de cada cineasta. Este libro propone un viaje apasionante a través de 50 obras que revelan la enorme complejidad del documental, sus formas mutantes y sus vericuetos éticos. Un trayecto en el que caben hombres con cámaras, metrópolis incipientes, esquimales cómplices de la ficción, fascismos y genocidas, leyendas del rock y del ring, surferos y revolucionarios, grafiteros y espigadores. Toda una aventura dispuesta a rasgar las paredes de lo real. A replantear, en cada paso, nuestra mirada sobre el mundo y aprender a campar por la incertidumbre.
Índice:
En busca de lo real (p. 9)
LAS PELÍCULAS (pp. 39-188)
La sortie de l’usine Lumière à Lyon (Louis Lumière, 1895)
Nanuk, el esquimal (Nanook from the North, 1922)
Berlín, sinfonia de una gran ciudad (Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt, 1927)
El hombre de la cámara (Chelovek s kino-apparatom, 1929)
Drifters (John Grierson, 1929)
A propósito de Niza (À propos de Nice, Jean Vigo, 1930)
Las Hurdes, tierra sin pan (Luis Buñuel, 1933)
El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens, Leni Riefenstahl, 1935)
Tierra de España (The Spanish Earth, Joris Ivens, 1937)
Let There Be Light (John Huston, 1946)
Le sang des bêtes (Georges Franju, 1949)
Noche y niebla (Nuit et brouillard, Alain Resnais, 1956)
El misterio de Picasso (Le mystère Picasso, Henri-Georges Clouzot, 1956)
Window Water Baby Moving (Stan Brakhage, 1959)
Chronique d’un été (Paris, 1960) (Edgar Morin y Jean Rouch, 1960)
Up Series (Paul Almond y Michael Apted, 1964-2012)
El juego de la guerra (The War Game, Peter Watkins, 1965)
Don’t Look Back (D. A. Pennebaker, 1967)
Titicut Follies (Frederick Wiseman, 1967)
La evaporación de un hombre (Ningen jôhatsu, Shôhei Inamura, 1967)
High School (Frederick Wiseman, 1969)
Le chagrin et la pitié (Marcel Ophüls, 1969)
Gimme Shelter (Albert y David Maysles y Charlotte Zwerin, 1970)
Fata Morgana (Werner Herzog, 1971)
Reminiscences of a Journey to Lithuania (Jonas Mekas, 1972)
Fraude (F for Fake, Orson Welles, 1973)
Grey Gardens (Ellen Hovde, Albert y David Maysles y Muffie Meyer, 1975)
Harlan County, U.S.A. (Barbara Kopple, 1976)
La batalla de Chile: La lucha de un pueblo sin armas (Patricio Guzmán, 1975-1979)
Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1982)
Sans soleil (Chris Marker, 1983)
Cabra marcado para morrer (Eduardo Coutinho, 1984)
Shoah (Claude Lanzmann, 1985)
The Thin Blue Line (Errol Morris, 1988)
Close-up (Nema-ye Nazdik, Abas Kiarostami, 1990)
Corazones en tinieblas (Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocaypse, Fax Bahr, George Hickenlooper y Eleanor Coppola, 1991)
Crumb (Terry Zwigoff, 1994)
Hoop Dreams (Steve James, 1994)
Cuando éramos reyes (When We Were Kings, Leon Gast, 1996)
Histoire(s) du cinéma (Jean-Luc Godard, 1988-1998)
Los espigadores y la espigadora (Les glaneurs et la glaneuse, Agnès Varda, 2000)
Bowling for Columbine (Michael Moore, 2002)
S-21: La máquina de matar de los jemeres rojos (S-21, la machine de mort Khmère rouge, Rithy Panh, 2003)
Rumores de guerra (The Fog of War: Eleven Lessons from the Life of Robert S. McNamara, Errol Morris, 2003)
Super Size Me (Morgan Spurlock, 2004)
Grizzly Man (Werner Herzog, 2005)
Vals con Bashir (Vals Im Bashir, Ari Folman, 2008)
Exit Through the Gift Shop (Banksy, 2010)
The Act of Killing (Anónimo, Joshua Oppenheimer y Christine Cynn, 2012)
Bibliografía (p. 189)
Índice de películas (p. 195)
Autor; Jordi Revert, Editorial; EDITORIAL UOC, S.L. Colección: Filmografías esenciales, Páginas; 198