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Conocido por su faceta dentro del cine de animación, Palmipedarium (2012), Tigre et dragón (2016), J’ai perdu mon corps (2019), el francés Jérémy Clapin debuta en el largometraje de ficción con Pendant ce temps sur Terre, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, que transita a través de la ciencia ficción de tono intimista, tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Berlín dentro de la sección Panorama en donde obtuvo el Premio del Público a la Mejor Película.
En Pendant ce temps sur Terre vemos como los hermanos Elsa y Franck siempre estuvieron muy unidos. Cuando Franck desapareció misteriosamente durante una misión espacial hace tres años, todo cambió para Elsa. Desde entonces, esta joven de 23 años lucha por seguir adelante con su vida. Un día, una forma de vida no identificada se pone en contacto con ella y le ofrece traer a su hermano de vuelta a la Tierra. Pero hay un precio que pagar.
La película, con guion a cargo del propio Jérémy Clapin, está protagonizada por Megan Northam, Catherine Salée, Sam Louwyck, Roman Williams, Sofia Lesaffre, Sébastien Pouderoux, Arcadi Radeff, Sabine Timoteo, Christian Bouillette, Marie Bray, Nicolas Avinée, Yoann Thibaut Mathias y Dimitri Doré.
A través de la Cátedra FlixOlé-URJC de Cine Español, la plataforma y la universidad han organizado unas jornadas en memoria del director oscense que consistirán en la proyección de clásicos de su filmografía.
Cumplido más de un año de su fallecimiento, el nombre de Carlos Saura continúa protagonizando homenajes y reconocimientos en los principales festivales cinematográficos y encuentros culturales de todo el mundo. En el marco de su programación de actividades encaminadas a promover el patrimonio audiovisual del país entre las nuevas generaciones, la Cátedra FlixOlé-URJC de Cine Español celebrarán los días 6 y 7 de junio unas jornadas destinadas a poner en valor la memoria y legado del director.
A través de la cátedra, la plataforma y la Universidad Rey Juan Carlos (URJC) han organizado un ciclo retrospectivo para abordar la filmografía y acercar al público la figura del influyente cineasta. El mismo consistirá en la proyección de cuatro de sus obras más emblemáticas, cada una de las cuales se analizarán bajo la forma de mesas redondas donde se expondrán las distintas facetas narrativas y estilísticas de Saura. Para ello, las jornadas contarán con la participación de autoridades y profesionales del cine español, investigadores, críticos y periodistas especializados en el sector.
En palabras del director de la Cátedra FlixOlé-URJC de Cine Español, Mario Rajas, esta iniciativa tiene como objetivo que “la comunidad universitaria descubra a uno de los directores más importantes, creativos e internacionales de nuestro cine”.
Los actos tendrán lugar en el Salón de Grados del Campus de la URJC en Vicálvaro (Paseo Artilleros s/n, Madrid). El evento será gratuito y estará abierto al público hasta completar aforo. Las personas interesadas podrán inscribirse para acudir a través del siguiente enlace: http://eventos.urjc.es/go/saura
Conociendo a Carlos Saura
El jueves, 6 de junio, el vicerrector de Investigación, Innovación y Transferencia de la URJC, Fernando García Muiña, y el presidente de la Asociación Científica Icono 14, Francisco García García, inaugurarán el ciclo para, minutos después, ceder la palabra al presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite, quien introducirá a los presentes al cine y persona de Carlos Saura.
A las 10:30 horas, tendrá lugar la primera proyección de las jornadas: La caza (1966), la insólita película con la que el director oscense se adentró en las secuelas de la Guerra Civil al tiempo que desmembraba la cultura del ‘amiguismo’ en la España del desarrollismo.
Primera colaboración entre Saura y el productor Elías Querejeta, el largometraje situó a su autor en el mapa fílmico internacional. Dicho hito se encargarán de desglosarlo las personalidades que intervendrán en el coloquio después de la proyección: los hijos del cineasta, los productores Antonio y Anna Saura, junto con el director de Fotografía, José Luis Alcaine, quien colaboró con el director en varios proyectos.
En la tarde del mismo día se retomará la programación con el romance contado en tono de cine quinqui: Deprisa, deprisa (1981). Esta crónica sobre la juventud perdida de los descampados en la España de los 80 conquistó a público y crítica y obtuvo el Oso de Oro en el Festival de Berlín, certamen al que regresó la película el presente año a través de una renovada versión en 4K restaurada por FlixOlé y la distribuidora Mercury Films.
Precisamente sobre este estreno mundial que acogió la Berlinale en su sección Classics hablará el responsable de Marketing, Miguel López, en el apartado ‘Análisis y más’ que cerrará la primera jornada, y que incluirá intervenciones cortas donde los protagonistas serán los propios estudiantes.
Rasgos de un autor
Miembros del Grupo Ciberimaginario, constituido por un equipo de investigadores de comunicación y cultura digital, abrirá las jornadas el 7 de junio con una charla donde Manuel Gértrudix, Váleri Codesido, Héctor Canorea y Mario Rajas abordarán la puesta en escena de canciones populares en el cine de Carlos Saura.
Inmediatamente después se proyectará La prima Angélica (1974), cierre de la críptica trilogía con la que el director cargó las tintas contra los estamentos religiosos, burgueses y castrenses que auspiciaba el régimen franquista. La película será analizada en una nueva mesa redonda en la que tomarán la palabra el periodista y crítico, Quim Casas (Dirigido Por…), el historiador y director editorial de la revista ‘Caimán Cuadernos de Cine’, Carlos F. Heredero, la también periodista y responsable de Comunicación de Teatro del Barrio, Paloma Fidalgo, y el docente de la Universidad Camilo José Cela, Gabriel Doménech.
Por la tarde se exhibirá el último título de las jornadas: ¡Ay, Carmela! (1981). La tragicomedia protagonizada por unos cómicos de la legua a los que la Guerra Civil les pilla en medio de los dos bandos se convirtió en la segunda película con más premios Goya en la historia de la gala.
Una nueva sesión de ‘Análisis y más’ concluirá un evento que, además de contar con importantes especialistas y colaboradores directos del cineasta, tiene como finalidad, según Rajas, “generar un debate ameno y enriquecedor sobre uno de los directores españoles más importantes de la historia: Carlos Saura”.
Pese a su formato y ser presentado fuera de competición fue uno de los eventos más comentados por la crítica en la pasada edición del Festival de Cannes, C’est pas moi, cuyo primer adelanto en forma de un breve tráiler podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, supone el nuevo trabajo tras las cámaras, tres años después de Annette, de Leos Carax, mediante un mediometraje de 40 minutos que venía a ser un encargo sobre una exposición en el Centro Pompidou que nunca llegó a concretarse.
La sinopsis de C’est pas moi es la siguiente: “El Centro Pompidou había encomendado al cineasta la tarea de responder a la pregunta: ¿dónde estás, Leos Carax? Si bien la exposición finalmente no se llevó a cabo, este mediometraje se basa en ensayos visuales y autoficción para ofrecer una respuesta rica en imágenes, con el épico Denis Lavant interpretando a Monsieur Merde en Tokio!. Para C’est pas moi, el director volvió a trabajar con su equipo habitual, aprovechando los talentos de la directora de fotografía Caroline Champetier y el diseñador de escenario Florian Sanson, quienes trabajaron con él en Holy Motors y Annette«.
El mediometraje, que con toda seguridad solo llegará a nuestro país vía festivales y plataformas, tendrá un estreno comercial en Francia previsto para el próximo 12 de junio de 2024.
Aterrizas en Los Ángeles y eres Betty, una inocente chica de Ontario que sueña con ser estrella de Hollywood. Parece que su narrativa ya te acoge, que te despliegas en una trama que oscila del melodrama al thriller. Sí, hay piezas a encajar, mind-game film y expectativas en contexto. Nada puede salir mal. Pero cuidado, tu demiurgo es un águila de los scouts, David Lynch, y esta vez su mirada proyecta un imaginario que ese cine en el que ansías triunfar no puede contener en su gramática. Te vas a retorcer en el misterio, Betty. Vas a desbordarte. Tu rostro se va redescubrir como Diane y la narrativa genérica va a tensarse hasta disolverte en su metástasis. Silencio. No te conoces ni recuerdas. Lynch va a colocarte ante la esfinge del cine para que te proponga un enigma, pero encarnarás su misterio. No hay libro negro de Ed, no hay respuestas porque el enigma solo era el MacGuffin de un MacGuffin. Serás entonces Diane y amargada recorrerás la torcedura angosta del cine fuera de sus márgenes canónicos. Tu sueño devendrá pesadilla siniestra. Rita es Camilla y no es nada, tu doble es el súcubo que te succiona para tomar posesión de tus sueños. Todo es ilusión. Solo queda el club Silencio. Rebekah del Río está “Llorando por tu amor”. Su voz descarnada y en fuga te alcanza y tu mirada cae sin cuerpo en la caja azul. Betty, estás muerta y viva a la vez y no lo sabes. De ti solo queda tu deseo. Diane, vas a soñar como sueñan los muertos con la vida. Vas a ser el último deseo de un fantasma y, ya se sabe, que el cine, como la vida, es una trampa de fantasmas. No te preocupes, Dick Laurent y Laura Palmer ya estaban muertos cuando todo empezó a suceder. Lynch sabe que los muertos lanzan desde su mortaja las mejores historias sin respuestas. Con él vuestro misterio siempre permanece. Sí, This is the girl. Es hora de levantarse.
El autor
MARCOS JOAQUÍN FERRER GARCÍA
(Valencia, 1975). Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universitat Jaume I y licenciado en Derecho por la Universitat de València. En su tesis doctoral, “Lo siniestro como condición y límite del Modo de Representación Institucional. A propósito de David Lynch” (Universitat Jaume I, 2017), abordó el análisis de la representación de lo siniestro en el cine de David Lynch. Ha colaborado con diferentes revistas cinematográficas como L’Atalante Revista de Estudios Cinematográficos, Archivos de la Filmoteca, Miguel Hernández Communication Journal (MHJournal), Academia. Revista del Cine Español, o 7K Gara.
JOSÉ ANTONIO PALAO ERRANDO
(Valencia, 1962). Profesor titular del Departamento de Ciencias de la Comunicación de la Universitat Jaume I de Castelló. Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia (2001) y licenciado en Filología Hispánica (1985).
Autor: Marcos J. Ferrer García y José A. Palao Errando, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 248
El director Espiga de Honor de Seminci en 2018 presento este pasado viernes en Cannes su última película, The Seed of the Sacred Fig, pocos días después de huir de su país.
Con «Mohammad Rasoulof: Un cineasta íntegro», el festival suma un nuevo ejemplar digitalizado y a libre disposición de su extenso catálogo de publicaciones.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) pone a disposición del público desde este viernes la edición digital y bilingüe en inglés y español del libro «Mohammad Rasoulof: Un cineasta íntegro», editado por el festival en la 63ª edición, coincidiendo con el estreno mundial en el Festival de Cannes de The Seed of the Sacred Fig, la última película del cineasta iraní, quien recientemente ha abandonado su país tras sufrir una severa condena por un tribunal revolucionario iraní. (https://www.seminci.com/en/publicaciones/mohammad-rasoulofun-cineasta-integro/#flipbook)
Escrito por Jose Cabrera, Andreea Pătru –miembros del equipo de Programación de Seminci- y Diego Morán -gestor cultural y colaborador del festival-, este libro aborda la figura de uno de los máximos exponentes del cine iraní contemporáneo quien, pese a las dificultades para poner en pie sus películas, censuradas en su país, ha conseguido lanzar su mensaje, a menudo mediante relatos simbólicos y metafóricos.
El director, que ha sido detenido y condenado a penas de arresto en varias ocasiones por sus películas críticas al actual régimen iraní, ha permanecido en los últimos años retenido en su país. Esta circunstancia le impidió acudir en 2018 a Valladolid con motivo del homenaje que Seminci le preparó en su 63 edición con la entrega de la Espiga de Honor, una retrospectiva integrada por siete de sus películas elegidas por él mismo y la edición del libro que, desde hoy, se puede descargar de forma gratuita a través de la página web del festival.
Ese año, el cineasta protagonizó una rueda de prensa por videoconferencia, en la que repasó su trayectoria hasta ese momento y aseguró que la falta de libertad y de derechos siempre ha ocupado su mente, pues ve al Estado como “un gigante enorme y poderoso que intenta aplastar a los más débiles e inocentes para beneficio propio”. Además, afirmó que el sistema político iraní es “más complejo que una dictadura” porque funciona como una pirámide de poder en la que “siempre hay alguien por encima”.
Mohammad Rasoulof (Shiraz, Irán, 1972) comenzó su actividad artística a los nueve años actuando en el teatro en su ciudad natal para más tarde dedicarse a la escritura y dirección teatral. Estudió Ciencias Sociales, enfocándose en el impacto que supone vivir bajo un régimen dictatorial tanto en el propio individuo como en la sociedad, algo que refleja en la mayoría de sus películas. El documental Gagooman (The Twilight, 2002) fue su primer largometraje y ganó el Fénix de Cristal en el Fajr International Film Festival en Teherán, así como el Premio al Mejor Documental en la Iran Cinema House.
Rasoulof fue detenido en 2010 con su amigo, el director Jafar Panahi, y sentenciado a seis años de prisión, acusados de conspiración y propaganda contra el gobierno de Irán. La sentencia más tarde fue reducida a un año. En 2013 le fue confiscado su pasaporte en Teherán cuando se disponía a viajar al Festival de Derechos Humanos de Núremberg para la presentación de su película Dast-Neveshteha Nemisoozand, rodada de forma clandestina, al igual que su siguiente trabajo Lerd (2017), cuya proyección en el Festival de Cannes le acarreó la prohibición de trabajar y viajar fuera del país.
Con su siguiente largometraje, La vida de los demás (There Is No Evil, 2020) se alzó con el Oso de Oro del Festival de Berlín, además de lograr una Mención Especial del Jurado de la 65 Seminci, certamen donde su película se presentó al público español. En marzo de ese mismo año, Rasoulof fue condenado a un año de prisión por tres de sus películas, consideradas «propaganda contra el sistema», y la prohibición de rodar durante dos años.
El cineasta anunció el pasado 13 de mayo que había huido de Irán pocos días después de ser condenado por un tribunal revolucionario iraní a una pena de ocho años de prisión, latigazos y la confiscación de sus bienes por el delito de «colusión con la intención de cometer crímenes contra la seguridad del país». Este viernes acude al Festival de Cannes para presentar su último film, The Seed of the Sacred Fig, donde aborda las protestas desatadas por la muerte de Mahsa Amini en 2022 tras ser detenida por no llevar bien puesto el velo islámico. La causa contra Rasoulof ha llevado a un grupo de cineastas ha solidarizarse con los creadores iraníes en una carta abierta que condena la “continua criminalización sistémica de la libertad artística”, a la que se han adherido más de medio centenar de cineastas de todo el mundo.
Seminci suma de esta manera un nuevo ejemplar digitalizado y a libre disposición del público de su extenso catálogo de publicaciones, actividad iniciada el pasado mes de octubre con la obra Cine independiente americano. Una introducción, un destacado texto concebido como complemento al ciclo temático celebrado en la 27 edición del Festival, firmado por los programadores y críticos Fernando Herrero y José Ignacio Fernández Bourgón.
La web de Seminci ofrece además otras publicaciones de forma gratuita, como los especiales editados en colaboración con la revista Caimán Cuadernos de Cine sobre la sección Memoria y Utopía, que reivindica y pone en valor el patrimonio cinematográfico, o sobre el País Invitado de las últimas ediciones, con un exhaustivo análisis de las cinematografías de Irlanda, Argentina, Georgia, Portugal, Islandia, Chile, Turquía, Marruecos, India, Suecia y Brasil.
Juan Domínguez y María Jerez se grabaron durante el confinamiento mientras seguían trabajando por Zoom desde sus respectivas viviendas en Berlín y Madrid. Los barrocos es el resultado de ese trabajo.
Los barrocos, una película de principios de siglo. 2021. 60 min.
A principios del siglo XXI, la pandemia del Covid forzó un confinamiento global. Millones de personas vivieron encerradas en sus casas durante meses. Otros tantos millones debieron salir a trabajar en plena pandemia. Muchos proyectos de diferente índole fueron pospuestos o cancelados.
El formato de videollamada que facilitaron Zoom, Skype o Jitsi fueron algunos de los medios para que muchas personas pudieran comunicarse, teletrabajar y seguir desarrollando proyectos desde sus encierros. Durante este periodo, la noción del tiempo a menudo se veía distorsionada, se incrementaba la atención, las situaciones cotidianas tenían una relevancia sobredimensionada o se convertían en algo totalmente absurdo.
El desconcierto, la incertidumbre, la ansiedad, el ocio, la hiperactividad… Se dieron emociones de todo tipo. La desconfianza, incluso, se podía llegar a sospechar de un picaporte de una puerta a la que llevabas mirando un buen rato.
Dependiendo del carácter y de la situación económica, cada persona vivió este estado de alarma de manera diferente.
Después de los primeros momentos de desconcierto, María Jerez y Juan Domínguez siguieron trabajando en la distancia a través de la pantalla desde sus respectivos confinamientos en Madrid y Berlín. Las imágenes de esta película fueron grabadas desde el interior de sus casas, incluyendo objetos más o menos cotidianos y materiales de trabajo, además de imágenes que se veían a través de sus ventanas y patios.
Un año después decidieron reunirse para editar estas conversaciones visuales.
Los barrocos, una película de principios de siglo es una producción de Juan Domínguez realizada e interpretada por María Jerez y Juan Domínguez. Forma parte del ciclo de cine Tramas, comisariado por Juan Domínguez.
Juan Domínguez es performer, coreógrafo, curador y artista dentro de los ámbitos de las artes performáticas. Su trabajo aboga por la completa disolución entre ficción y realidad: utilizando esta para producir aquella, y viceversa. Trabaja obsesivamente con el concepto de tiempo a través del cual entreteje narraciones de procesos pasados y futuros proyectados, recuerdos y promesas, desestabilizando el sentido del presente, exponiéndolo con capas de realidad temporal, abriendo la posibilidad de un presente que no es ni lineal ni circular, sino vibrante, simultáneamente suspendido y (dis)continuo, buscando siempre un tiempo performativo.
Entre sus trabajos más recientes se cuentan: Tálamo (2020), This Is Not Normal y This Is Still Not Normal (2021-2022), en colaboración con Arantxa Martínez, Rhythm Is The Place (2023). Fue director artístico del festival In-Presentable en La Casa Encendida (2003-2012), co-director del Living Room Festival (2010-2017) y codirector, junto a Arantxa Martínez, del Festival Avant-Garten (Internationales Sommer Festival Kampnagel, 2017).
María Jerez (Madrid, 1978) sitúa su trabajo «entre» la coreografía, el cine y las artes visuales. Más allá del interés, en sus primeras piezas, por las convenciones teatrales y cinematográficas, y la comprensión implícita del espectador de las mismas, en sus últimos trabajos busca cuestionar esta relación abriendo espacios de potencialidad a través de encuentros con aquello que encontramos extraño y ajeno. Su trabajo más reciente insiste en la performatividad del encuentro como espacio de transformación. En este proceso de transformación, el «otro» se aloja en uno mismo, estableciendo bordes difusos entre lo conocido y lo desconocido, el objeto y el sujeto, lo animado y lo inanimado. Su trabajo trata de escapar de las lógicas logocéntricas y antropocéntricas, donde el propio conocimiento humano se convierte en un algo vulnerable ante otros ecosistemas enigmáticos y complejos. María Jerez combina la producción de su trabajo artístico con proyectos pedagógicos, curatoriales y editoriales.
Películas como L’Inconnu du lac (2013) o la espléndida Rester vertical (2016), han situado en estos últimos años al realizador Alain Guiraudie como uno de los autores de culto mas interesantes del momento. Su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Miséricorde, film presente estos días en el Festival de Cannes cuyo primer tráiler acaba de salir a la luz y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, supone una nueva indagación sobre la naturaleza humana a través de esas rupturas de las convenciones sexuales y religiosas tan características en su autor, aquí expuesta mediante una trama que coge como principal referencia el Teorema de Pier Paolo Pasolini y la novela escrita por el propio Alain Guiraudie titulada Rabalaïre.
En Miséricorde vemos como Jérémie regresa a Saint-Martial para el funeral de su antiguo jefe, el panadero del pueblo. Decide quedarse unos días con Martine, la viuda del hombre. Una misteriosa desaparición, un vecino amenazador y un sacerdote con extrañas intenciones hacen que la corta estancia de Jérémie en el pueblo tome un giro inesperado.
La película, con guion cargo del propio Alain Guiraudie, está protagonizada por Félix Kysyl, Catherine Frot, Jacques Develay, Jean-Baptiste Durand, David Ayala, Sébastien Faglain, Tatiana Spivakova, Salomé Lopes, Serge Richard y Elio Lunetta.
Organizado en colaboración con el Americana Film Festival, la muestra programará las películas Showing Up, de Kelly Reichardt; Las habitaciones rojas, de Pascal Plante; Riddle of Fire, de Weston Razooli, y Shortcomings, de Randall Park.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid y los cines Casablanca, en colaboración con el Americana Film Festival de Barcelona, organizan el próximo mes de junio un ciclo que reunirá algunas de las películas más premiadas o esperadas del panorama indie norteamericano.
Esta actividad de Seminci acerca al público vallisoletano lo más destacado del Americana Film Festival de Barcelona, plataforma destacada para la promoción del cine de Estados Unidos, México y Canadá en España con una cuidada selección de películas que abarcan géneros, estilos y temáticas variadas.
El ciclo Americana, que tendrá lugar todos los martes de junio a las 19:00 horas en los Cines Casablanca, programará las películas de EE UU Showing Up, de Kelly Reichardt (2022); Riddle of Fire, de Weston Razooli (2023); Shortcomings, de Randall Park (2023), y la canadiense Las habitaciones rojas, de Pascal Plante (2023).
El ciclo arranca el 4 de junio con Showing Up, programada por el Festival de Cannes y uno de los títulos Top 10 del año de Cahiers du Cinema, es la nueva película de la veterana cineasta Kelly Reichardt (First Cow, Meek’s Cutoff) que narra la historia de una escultora que se prepara para abrir una nueva exposición y debe equilibrar su vida creativa con los dramas diarios de la familia y los amigos. Michelle Williams y Hong Chau interpretan a dos artistas plásticas que rivalizan por su arte.
El 11 de junio se programará Las habitaciones rojas, producción canadiense dirigida por Pascal Plante (Falsos tatuajes, Nadia mariposa). Esta película intensa trata sobre el sonado juicio al asesino en serie Ludovic Chevalier, a cuyo juicio asisten fascinadas dos mujeres jóvenes. Cuando la realidad se mezcla con sus fantasías morbosas, una de ellas se adentra en un oscuro camino para buscar la última pieza del rompecabezas: el vídeo desaparecido de una niña de 13 años, con la que guarda un inquietante parecido. Esta fascinante película participó en los festivales de Sitges y Karlovy Vary, entre otros.
El 18 de junio es el turno de Riddle of Fire, ópera prima de Weston Razooli que fue programada en la Quincena de Cineastas de Cannes y recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Sitges. En Riddle of Fire, tres niños intentaban descifrar el control parental de su videoconsola y dar con la receta de la tarta de arándanos perfecta.
El ciclo finaliza el 25 de junio con Shortcomings, ópera prima del también actor Randall Park, quien en su debut firma una comedia tierna e ingeniosa de personajes en busca de la felicidad, basada en el conocido cómic de Adrian Tomine (Rubia de verano) y que formó parte de la selección oficial de Sundance. Ben, un cineasta en apuros, vive con su novia, Miko, que trabaja para un festival de cine muy local. Cuando no está en una sala de cine viendo cine de autor, Ben pasa su tiempo obsesionado con mujeres rubias y comiendo en restaurantes con su mejor amiga Alice.
Programación – Cines Casablanca a las 19.00 horas
Martes, 4 de junio – Showing Up, Kelly Reichardt (Estados Unidos, 2022)
Martes, 11 de junio – Las habitaciones rojas, Pascal Plante (Canadá, 2023)
Martes, 18 de junio – Riddle of Fire, Weston Razooli (Estados Unidos, 2023)
Martes, 25 de junio – Shortcomings, Randall Park (Estados Unidos, 2023)
Interesante la trayectoria como director de Oz Perkins dentro del fantástico, tras dos primeros trabajos tan a tener en cuenta como The Blackcoat’s Daughter (2015) y la reivindicable ghost story I Am the Pretty Thing That Lives in the House (2016), llego su reinterpretación en clave de terror del clásico Gretel & Hansel (2020), película que supuso un impasse solo interrumpido con su participación en la fallida re visitación de la fundamental The Twilight Zone a cargo de Jordan Peele. Longlegs es su nuevo trabajo tras las cámaras, film de terror psicológico cuyo primer tráiler final vía Neon, que ya inició una inteligente campaña de marketing meses atrás, acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a un par de carteles promocionales. La película tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 12 de julio de 2024, en España lo hará el 27 de septiembre de la mano de DeAPlaneta.
En Longlegs vemos como a medida que el caso de un escurridizo asesino en serie sin resolver va tomando giros cada vez más oscuros, la agente del FBI Lee Harker descubrirá nueves evidencias y una conexión personal con el despiadado asesino, algo que le hará emprender una carrera contra el reloj para poder llegar a detenerlo antes de que vuelva a matar.
La película, con guion cargo del propio Oz Perkins, está protagonizada por Maika Monroe, Nicolas Cage, Alicia Witt, Blair Underwood, Dakota Daulby, Vanessa Walsh, Rryla McIntosh, Michelle Cyr, Anita Wittenberg, Marlea Cleveland, Erin Boyes, Lisa Chandler, Charles Jarman y Lauren Acala.
Venerada por Stephen King en redes sociales el pasado fin de semana, la película de Caye Casas es un auténtico hit de festivales, no había encontrado distribución en España hasta ahora.
Filmin estreno el pasado viernes 17 de mayo «La mesita del comedor«, segundo largometraje como director del catalán Caye Casas («Matar a Dios«). Es con diferencia la película más premiada del cine español en festivales de cine esta temporada y acumula más de 40 galardones alrededor del mundo, entre ellos el Premio a la Mejor Película y el Premio del Público de TerrorMolins, el Premio a la Mejor Película del Festival de Cine Fantástico de Bruselas o el Premio del Público en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. No obstante, y a pesar de su innegable éxito y el prestigio adquirido en los últimos meses gracias al boca-oreja, la película no había logrado encontrar distribución en España. Ahora llega a Filmin en exclusiva en plataformas digitales en España.
La popularidad de «La mesita del comedor» se ha multiplicado este fin de semana, después de que el mismísimo Stephen King, posiblemente el mayor referente mundial del género fantástico y de terror, publicase un mensaje en sus redes sociales elogiando la película. «Creo que nunca, ni una vez en tu vida, has visto una película tan negra como esta. Es horrible y horriblemente divertida. Es el sueño más oscuro de los Hermanos Coen.», ha afirmado el escritor estadounidense.
«La mesita del comedor” narra la desventura de María y Jesús, una pareja en crisis que acaba de tener un bebé. A él se le antoja comprar una mesita realmente hortera para el comedor. A pesar de las reticencias de ella, la mesa acaba en casa y su adquisición se acaba convirtiendo en la peor decisión de sus vidas. La película está protagonizada por David Pareja («Amigo«) y Estefanía de los Santos («Que Dios nos perdone«) y cuenta con la participación de la fallecida Itziar Castro.
A pesar de su éxito internacional, el director Caye Casas lamenta que la película haya visto hasta ahora todas las puertas cerradas en nuestro país: «Para la industria somos invisibles, unos outsiders que hacen un cine que nadie se atreve a hacer«, afirma. Fue una auténtica sorpresa su ausencia en la programación del Festival de Sitges, que parecía por razones obvias el lugar ideal para su estreno y Casas ha tenido que escuchar todo tipo de negativas en todo este tiempo. «Un distribuidor llegó a decirme que ojalá esta película no se hubiese hecho nunca«, confiesa.
«La mesita del comedor» es una producción de Alhena Production, La Charito Films y Apocalipsis Producciones.
Descendiente de un linaje de cineastas que dejó una huella imborrable en la industria cinematográfica de su país, Lamberto Bava también fue, por méritos propios, uno de los grandes protagonistas de la escena de terror italiana de los años ochenta. Su película “Demons”, de 1985, marcó un cénit en el género y se convirtió en un filme de culto que es aún hoy reverenciado en todo el mundo. Pero antes de ese éxito, Bava ya tenía en su filmografía algunos títulos más que reivindicables y siguió firmando largometrajes y series de televisión relevantes después de su díptico demoníaco, transformándose en una figura clave para el renacer del fantástico italiano en la televisión gracias al enorme éxito de la saga “Fantaghirò”. En esta autobiografía, Lamberto recorre de manera pormenorizada su carrera y su vida, en un apasionante relato acompañado, además, de jugosas anécdotas nunca contadas y de imágenes inéditas provenientes del propio archivo personal del autor.
Autor: Lamberto Bava, Prólogo de Manlio Gomarasca, Traducción de Santiago Alonso. Editorial: APPLEHEAD TEAM CREACIONES, Páginas:
Presentada recientemente en el festival de Cannes, Horizon: An American Saga, cuyo tráiler final vía Warner Bros. Pictures podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, supone una nueva aproximación de Kevin Costner a un género, lamentablemente casi extinto, como es el western. Concebida inicialmente para televisión, el nuevo trabajo del responsable de Open Range estará dividido en cuatro capítulos, los dos primeros se estrenarán comercialmente en Estados Unidos el próximo 28 de junio y 16 de agosto, teniendo previsto llegar a España el mismo 28 de junio y 30 de agosto, y los dos últimos en un principio se rodarán de forma simultánea este verano de 2024.
El capítulo uno de Horizon: An American Saga abarca los cuatro años de la Guerra Civil, de 1861 a 1865, narrando una historia a través de un viaje emocional en un país en conflicto consigo mismo, mostrado mediante la lente de familias, amigos y enemigos, el intento por descubrir lo que realmente es y significa pertenecer en aquella época a los Estados Unidos de América.
La saga, con guion a cargo del propio Kevin Costner junto a Jon Baird, está protagonizada por Kevin Costner, Sienna Miller, Sam Worthington, Giovanni Ribisi, Jena Malone, Abbey Lee, Michael Rooker, Danny Huston, Luke Wilson, Isabelle Fuhrman, Jeff Fahey, Will Patton, Tatanka Means, Owen Crow Shoe, Ella Hunt y Jamie Campbell Bower.
En el Fantastic Pavilion del Marché du Film del Festival de Cine de Cannes, se ha dado el pistoletazo oficial de salida a la previa de la 57ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Ángel Sala y Mònica Garcia i Massagué, Director Artístico del certamen y Directora de la Fundació, han presentado un acto ante periodistas, agentes de la industria fílmica y representantes institucionales, en el que ha empezado a tomar forma la nueva edición de la mayor celebración del cine fantástico a nivel mundial.
La 57ª, ni más ni menos, se celebrará del 3 al 13 de octubre, y lo hará bajo la imagen gloriosamente deformante de uno de los grandes clásicos de la Historia del cine. 92 años después de su impactante estreno, el espíritu de los “Freaks” de ‘La parada de los monstruos’, tomará las calles y las salas de proyección de Sitges.
Sin lugar a duda, el film de Tod Browning supone uno de los hitos que mejor puede explicar el poderoso sentimiento de comunidad alrededor del cine fantástico. A esto cabe sumar, de forma orgánica, el contagioso ambiente festivo que cada año empapa nuestro Festival… como si éste, en cierto modo, fuera heredero directo de aquellas ferias donde la gente se juntaba para maravillarse y horrorizarse a partes iguales.
Un año más, la identidad visual del certamen surge de la colaboración con las mentes creativas de la agencia CHINA parte de LLYC cuyos representantes, para la ocasión, han emitido la siguiente declaración:
“No sería raro afirmar que el Festival de Sitges es el sitio de lo diferente, de lo extraño, es decir, de lo raro. Y tampoco sería raro pensar que ha sido ese cine distinto y valiente que se ve aquí el que ha dado lugar a una tipología de fan que no se parece al de ningún otro festival. Precisamente eso es lo que hemos querido mezclar en el cartel de esta edición: el poder transformador del cine y el miedo a lo diferente. Para ello, hemos colaborado con el fotógrafo Mikel Bastida en un proyecto en el que se ha intervenido un retrato aplicando químicos sobre las emulsiones del celuloide como se ha hecho históricamente en el cine. El resultado, un rostro distorsionado, deforme. Pero también una metáfora visual que nos habla de cómo tememos a lo diferente, a lo que no reconocemos, y lo excluimos. Aquí eso no pasa, al contrario: se celebra.»
Freaks que generan cine y cine que genera freaks. Imágenes de rostros bellos desfigurados por productos y procesos que nos hablan del paso del tiempo… de cómo la adopción de la monstruosidad puede generar un nuevo tipo de belleza: extraña, misteriosa; más magnética si cabe.
SITGES vuelve así a apostar por un impacto visual que invita a disolverse en todas sus capas y texturas; en el conjunto que éstas componen… y que llama a los miembros de la audiencia a abrazar esta nueva apariencia: a convertirse en una de los nuestros.
En este sentido, se ha aprovechado el acto de hoy para anunciar la primera estrella que acudirá a dicha llamada.
Mike Flanagan (Salem, Massachussetts, 1978) lleva más de una década consagrado como una de las figuras clave del cine de terror. En este período de tiempo, se ha descubierto como una fuerza creativa incansable, tanto desde las labores de dirección, escritura, montaje y producción.
Sus películas y series conforman un rico ecosistema de propuestas escalofriantes y emocionantes a partes iguales, fenómenos de audiencias masivas a nivel mundial y objetos de culto que también confirman el talento diferencial de su autor. Desde ‘Absentia’ (2011) a ‘La caída de la casa Usher’ (2023), pasando por ‘Oculus: El espejo del mal’ (2013), ‘Somnia: Dentro de tus sueños’ (2016) (ambas mostradas en la Sección Oficial a Competición del Festival de Sitges), ‘Ouija: El origen del mal’ (2016), ‘La maldición de Hill House’ (2018), ‘Doctor Sueño’ (2019), ‘Misa de medianoche’ (2021) o ‘El club de la medianoche’ (cuyos primeros episodios también fueron presentados en Sitges.
En este ritmo de producción espectacular, sobresale la ambición de un cineasta capaz de salir reforzado del reto mayúsculo de adaptar las obras de gigantes como Shirley Jackson, Stephen King, Henry James o Edgar Allan Poe. También su impresionante capacidad a la hora de dotar a cada título de una personalidad única. Alejándose de los estruendos del jump scare, los momentos más terroríficos en su cine suelen cocinarse a fuego lento, e incluso pueden manifestarse a plena luz del día.
La estrecha complicidad que establece con sus actores le define tanto como el mimo por la palabra hablada, así como por el montaje de cortes limpios… y por supuesto, la conciencia de que lo sobrenatural es la mejor puerta de entada a historias cargadas con un poso humano apabullante. No en vano, en su universo, los fantasmas tienen el mismo peso que las buenas y las malas decisiones que pueden llevarnos por los tortuosos caminos del perdón y la redención.
Por todo esto, Mike Flanagan es el artista ideal para empezar a desvelar nuestra lista de invitados de la 57ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Este 2024, el festival contara con su presencia otorgándole el Premio Honorífico Màquina del Temps.
A pocos días de su estreno mundial en el Festival de Cannes acaba de ver la luz un primer adelanto, en forma de un breve teaser, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo, tras su ópera prima (Revenge 2017), de la realizadora francesa Coralie Fargeat The Substance. El film, un estilizado body horror, ha sido adquirido recientemente por Mubi para los derechos de distribución a nivel mundial.
La sinopsis promocional de The Substance es la siguiente ¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti mismo? Tú misma, sólo que mejor en todos los sentidos. Deberías probar este nuevo producto, se llama The Substance. Cambio mi vida. Con The Substance puedes generar otro tú: más joven, más bello, más perfecto. Sólo tienes que compartir el tiempo: una semana para uno, una semana para el otro. Un equilibrio perfecto de siete días cada uno… fácil ¿verdad? Si respetas el equilibrio… ¿qué podría salir mal?
La película, con guion a cargo de la propia Coralie Fargeat, está protagonizada por Margaret Qualley, Demi Moore, Gore Abrams, Tom Morton, Tiffany Hofstetter, Dennis Quaid, Joseph Balderrama, Oscar Lesage, Matthew Géczy, Vincent Colombe, Philip Schurer, Olivier Raynal y Hugo Diego Garcia.
A lo largo de tres meses, Filmoteca Española dedica una retrospectiva integral al cineasta sevillano Manuel Summers, uno de los grandes nombres del Nuevo Cine Español
Manuel Summers. Un verso suelto´ se presentará el 10 de mayo en el Cine Doré con la proyección del documental Summers el rebelde (Miguel Olid, 2024) y de El viejecito (Manuel Summers, 1959), cortometraje que dio inicio a su carrera.
La sesión contará con la presencia del periodista y director Miguel Olid, quien ha indagado en la figura del cineasta a través de entrevistas con directores, críticos y familiares del cineasta.
Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, dedica una retrospectiva completa al cineasta Manuel Summers, uno de los grandes nombres del llamado Nuevo Cine Español. El ciclo `Manuel Summers. Un verso suelto´ se celebrará entre los meses de mayo y julio en el Cine Doré.
Un verso suelto
El genio y humanidad de Manuel Summers llega al fin al Cine Doré. Una retrospectiva completa de este “verso suelto” de la historia de nuestro cine arranca en mayo en Filmoteca Española, saldándose así una deuda pendiente con el cineasta. La degradación de determinadas copias había impedido hasta la fecha su programación, pero una reciente masterización digital de determinados títulos, acometidos por su familia, han hecho posible la celebración de este exhaustivo ciclo que revisita su filmografía.
La sesión de presentación de esta retrospectiva tendrá lugar el viernes 10 de mayo con la proyección del documental Summers el rebelde (2024). La sesión contará con la presencia de su director, el periodista y cineasta Miguel Olid, quien ha indagado en la figura del cineasta a través de entrevistas con directores, críticos y familiares del cineasta. En esta misma sesión se proyectará El viejecito (1959), que dio inicio a su trayectoria como cortometraje de fin de carrera en el IEC (Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas). En él afloraba ya de forma temprana su interés por la muerte y el humor negro, así como su debilidad por contar con actores no profesionales.
Durante el mes de mayo, se proyectarán en el Cine Doré Adiós cigüeña adiós (1971), El niño es nuestro (1973), secuela de Adiós, cigüeña, adiós ; Del rosa… al amarillo (1963), con la que recibió la Concha de Plata al mejor director, entre otros galardones; o la trilogía To er mundo é… (1982 1985), entre otros títulos.
Manuel Summers
Manuel Summers (Sevilla, 1935-1993) destacó desde sus inicios por su personal forma de entender el cine. Una vez admitido en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, sobresalió entre sus compañeros con el cortometraje de fin de carrera, El viejecito (1959), en el que ya afloraba su interés por la muerte y el humor negro.
Su trayectoria continuó con películas como Del rosa al amarillo (1963) y La niña de luto (1964), reflejándose en ambos títulos —imbuidos por su particular sentido del humor— los problemas políticos y sociales de la época. Con la primera debutó por todo lo alto estrenándose en el Festival de cine de San Sebastián y recibiendo la Concha de Plata al mejor director, entre otros galardones. Con la segunda, participó en el Festival de Cine de Cannes. A ellas se suman en estos años iniciales de su carrera obras documentales como la excelente Juguetes rotos (1966) o Urtain, el rey de la selva… o así (1969), crítica de la violencia cotidiana en la sociedad y alegato antibelicista en plena guerra del Vietnam, lo que le ocasionó numerosos problemas con la censura.
Pese a estos problemas y a que, tal y como señala Miguel Olid, en su trayectoria no faltaron elogios, pero también críticas y algún descalabro, gozó de un incontestable éxito con el público: títulos como Adiós, cigüeña, adiós fue visto por 3.500.000 personas en España, en Francia estuvo más de 15 semanas en cartel, en Venezuela más de 20 y, según la publicidad de la época, en Colombia su recaudación superó a la de El Padrino. Llegó, además, a mercados inusuales en el cine español, desde el Lejano Oriente, hasta África, pasando por la península arábiga, entre otros muchos países.
Este éxito pudo facilitar que se atreviese a adentrarse en diferentes géneros y tonos, llegando a las películas musicales que realizó en los 80 con el grupo de moda, Hombres G, liderado por su hijo David. Aunque esta fórmula no siempre es sinónimo de buenos resultados, logró con ellas un gran éxito, no solo en España sino también en Iberoamérica. En estos años, a estos títulos se sumaría su trilogía To er mundo é… (1982 1985).
En la necrológica de su fallecimiento que publicó Basilio Martín Patino en el diario `El País´ destacó que había conocido “a pocos hombres de su genio, con una humanidad más generosamente noble, más bueno, desde su sonrosado aire de colegial díscolo y sentimental. (…) Y se enmascaraba de francotirador insolidario en el papel de lobo al que se le veía la patita bonachona bajo el disfraz”.
Fiel al fantástico, incluso desde una segunda línea de frotación en estos últimos años con trabajos alimenticios como Crawl (2019) o Oxygène (2021), el francés Alexandre Aja vuelve a ponerse detrás de las cámaras con Never Let Go, film cuyo primer tráiler oficial de la mano de Lionsgate acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su cartel promocional. La película, anteriormente conocida con el título de Mother Land, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 27 de septiembre de 2024.
En Never Let Go una vemos como una madre y a sus dos hijos mellizos, que han sido atormentados por un espíritu maligno durante años, están convencidos de que nunca abandonarán el extraño vínculo protector que rodea a la familia. Pero cuando uno de los niños se pregunta si el mal es real, su conexión se rompe, desencadenando una aterradora lucha en mitad de un bosque por la supervivencia.
La película, con guion a cargo de Kevin Coughlin y Ryan Grassby, está protagonizado por Halle Berry, Percy Daggs, Anthony B. Jenkins, Matthew Kevin Anderson, Christin Park, Stephanie Lavigne y Cadence Compton.
31 de octubre de 1977. Night Owls, el programa nocturno de entrevistas de Jack Delroy, es el espacio favorito para los insomnes de los Estados Unidos. Ahora bien, un año después de la trágica muerte de su esposa, los índices de audiencia se han desplomado. Desesperado por mejorar su suerte, Jack planea un especial de Halloween, sin saber que está a punto de llevar el mal a los hogares americanos.
La particularidad, tanto como la originalidad, ha sido a lo largo de los años dentro del cine fantástico una de las virtudes más apreciadas por parte del fan al género. Dentro de esta faceta, plagada de matices, el cine proveniente de Australia ha ido ofreciendo a lo largo de los años 70 y 80 una serie de coordenadas genéricas que hacían de esa particularidad antes comentada unas inequívocas señas de identidad, así pues autores como Peter Weir o indagaciones dentro del género como la reivindicable Summerfield (Ken Hannam, 1977), Long Weekend (Colin Eggleston 1978), Patrick (Richard Franklin 1978), The Survivor (David Hemmings 1981) o Next of Kin (Tony Williams, 1982), por poner unos ejemplos, nos ofrecían una vocación al fantástico distinta a la habitual, una extrañeza formulada desde unos parámetros cuanto menos novedosos.
Evidentemente con el paso de los años esos rasgos, tan propios y territoriales, han ido globalizándose sin dejar apenas rastro de aquellas pretéritas señas de identidad, sin embargo, hoy en día aun podemos encontrar ciertos resquicios de originalidad proveniente de Australia, con respecto a Late Night with the Devil, concerniente a la cultura popular de los 70, siendo otra de las película vistas en la pasada edición del festival de Sitges que se amparaban en el exceso, en el buen sentido de la palabra, partiendo como principal referente de la estupenda Ghostwatch (Lesley Manning 1992). Concebida a cuatro manos por Cameron Cairnes y Colin Cairnes, estamos ante una historia que sustituye el terror en tiempo real por una suerte de found footage de tono vintage que nos traslada a los 70. La película puede carecer de cierta credibilidad y realismo con relación a la utilización de sus muy variados dispositivos formales, sin embargo, tiene la virtud de evitar subrayados narrativos proclives a dicho formato, desplegando una ingeniosa, y por momentos divertida, mirada sobre la fascinación y credulidad de América por lo oculto y las consecuencias que acarrea el anhelo de éxito bajo cualquier tipo de circunstancias.
Situada a medio camino entre Network de Sidney Lumet y Rosemary’s Baby de Roman Polanski, y pervirtiendo el concepto del reality show, el film de Cameron Cairnes y Colin Cairnes, que cuenta con un extraordinario David Dastmalchian, por fin en un papel principal, atesora como gran virtud con uno de los clímax mejor llevados en relación con su puesta en escena del reciente cine de terror, sirviendo al mismo tiempo a modo de metáfora perfecta de como el entretenimiento nocturno desbloquea y expande lo malévolo, atributo complementado a través de una innata capacidad de sus autores a la hora de introducir al espectador en un formato, y una cinematografía, que aún parece resistirse a ciertos convencionalismos.
Ensayo fundamental de la literatura cinéfila española, en el Leo McCarey de Miguel Marías sigue brillando, inalterable al paso del tiempo, la incisiva y cultivada pluma de uno de nuestros mejores críticos y uno de los principales expertos mundiales en su obra. A partir de una familiaridad desa¡costumbrada con la filmografía del director de películas legendarias como The Awful Truth, Make Way for Tomorrow o An Affair to Remember, y de una férrea voluntad por ¡desbrozar de tópicos y malentendidos a la débil historiografía del cine (que seguía y sigue considerando un simple panfleto anticomunista una película tan sutil y compleja, si bien frágil y de fortuna esquiva, como My Son John, a la que el libro dedica un justamente famoso análisis), ¡Marías entra de lleno en los entresijos creativos de McCarey, ofreciendo al lector, muy lejos de la jerga especializada, un emocionante ensayo que amplía las consideraciones estéticas y éticas del clasicismo cinematográfico y contextualiza a uno de los grandes creadores nacidos y formados en el cine mudo. De modo ejemplar y clarificador, más allá de su objeto de estudio, esta profunda cata en el legado de ¡McCarey prescinde de herramientas metodológicas y quincalla narratológica (incluso de la todopoderosa «puesta en escena») a la hora de comprender el arte de un cineasta que confió más en los actores y en los instantes que en los temas, las secuencias y los planos.
«Uno escribe un libro, entre otros motivos, porque lo echa en falta, no tanto para los demás como para uno mismo. En este sobre Leo McCarey va mucho de lo que he podido aprender o pensar sobre cine en general».
Miguel Marías
Autor: Miguel Marías, Prólogo de José Luis Garci. Editorial: ATHENAICA EDICIONES, Páginas: 352
Con el Festival de Cannes a la vuelta de la esquina siguen apareciendo los primeros avances de algunas de las películas que este año competirá por la Palma de Oro. Dos años después de su estupenda Crimes of the Future, David Cronenberg se vuelve a poner detrás de las cámaras con The Shrouds, película, que se estrenará comercialmente en Francia el próximo 25 de septiembre, cuyo prime teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial.
En declaraciones de Cronenberg a Variety a propósito de The Shrouds, el responsable de Videodrome comenta que “La mayoría de los rituales funerarios tratan de evitar la realidad de la muerte y lo que le sucede a un cuerpo que deja de vivir. Yo diría que en nuestra película esto es una inversión de la función normal de un sudario. Aquí se trata de revelar más que de ocultar”. También comenta que “Estaba escribiendo esta película mientras experimentaba el dolor por la pérdida de mi esposa, que murió hace siete años. Fue una exploración para mí porque no fue sólo un ejercicio técnico, fue un ejercicio emocional”. Y añade: “En cierto modo, los velatorios que ha inventado mi personaje principal son dispositivos cinematográficos. Están creando su propio cine, un cine post mortem en decadencia. Antes de escribir el guion, era consciente de que había un aspecto cinematográfico en los sudarios, creando su propio y extraño lenguaje. Es muy interesante porque a menudo veo películas para ver gente muerta. Quiero volver a verlos, quiero escucharlos. Y entonces el cine es en cierto modo una especie de máquina encubierta después de la muerte, ¿sabes? En cierto modo el cine es un cementerio”.
En The Shrouds vemos como Karsh, de 50 años, es un destacado hombre de negocios. Apenado desde la muerte de su esposa, inventa GraveTech, una tecnología revolucionaria y controvertida que permite a los vivos monitorear a sus seres queridos difuntos en sus mortajas. Una noche, se profanan varias tumbas, incluida la de su propia esposa. Karsh se propone localizar a los profanadores, no sin antes reflexionar no sólo sobre su negocio, sino también sobre su pasado con su esposa y los recuerdos que le quedan de dicha relación.
La película, con guion a cargo del propio David Cronenberg y música compuesta por Howard Shore, está protagonizada por Vincent Cassel, Diane Kruger, Guy Pearce, Sandrine Holt, Elizabeth Saunders, Ingvar Eggert Sigurdsson, Jennifer Dale, Matt Willis, Jeff Yung, Steve Switzman, Eric Weinthal y Al Sapienza.
El curso, abarca desde los clásicos japoneses (con Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi y Yasujiro Ozu a la cabeza), hasta el cine japonés contemporáneo de Hirokazu Koreeda y el anime; pasando por la cinematografía coreana, oculta a lo largo de los años de dictadura, pero que hoy se ha hecho universal gracias a la Nueva Ola de directores; el cine chino junto al producido en Hong Kong y Taiwán; un repaso a una de los cines más coloridos y variados del mundo como es el cine indio; para continuar repasando las cinematografías del Sudeste Asiático, entre las que se encuentran Filipinas (Lav Diaz), Tailandia (Apichatpong Weerashetakul), Vietnam (Tran An Hun), Singapur, Indonesia y Malasia.
Tras la experiencia adquirida entre 2012-2022, el curso ‘Estudios del cine asiático’, se imparte por primera vez a lo largo de un curso académico para todas aquellas alumnas y alumnos que quieran tener una visión global de las diferentes cinematografías asiáticas.
Bloque 1. Japón y Corea. De los inicios del cine a las nuevas olas del siglo XX
Bloque 2. China – Hong Kong – Taiwán: diferencias y similitudes. historia.
Bloque 3. Inicios del cine en India y sudeste asiático (Tailandia y Filipinas)
Bloque 4. Japón y corea: de las nuevas olas al cine contemporáneo
Bloque 5. China: el gigante asiático despierta. Hong Kong y Taiwán: bajo la guardia de la china continental
Bloque 6. el cine indio: evolución y actualidad. sudeste asiático: Indonesia, Vietnam
Acaba de ser presentado un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la comedia dramática Mother, Couch, debut en el largometraje de Niclas Larsson basado en la novela Mama i soffa de Jerker Virdborg, que parte de la premisa de un hecho, en un principio anecdótico: el intento infructuoso de tres hermanos por sacar de un almacén de muebles decrépito a su madre que se niega a salir; será a través del absurdo, lo inverosímil que transmuta en surreal, lo que nos mostrara los vaivenes de una familia totalmente fracturada. La película, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Toronto y estar presente en el Zinemaldia dentro de la sección Nuevos Directores, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 5 de julio.
En Mother, Couch vemos como mientras David está en una tienda de muebles con su madre, ella retira la lona de un sofá cubierto y se deja caer. Con una montaña de obligaciones esperando a la vuelta de la esquina, él está ansioso por marcharse, pero ella se niega a levantarse. Gruffudd, el hermano de David, y Linda, su hermana, parecen menos preocupados por la situación, ocupándose despreocupadamente de asuntos que parecen exasperantemente sin importancia. David se vuelve agresivo a la vez que intenta ser amable, reconociendo que el extraño comportamiento de su madre puede ser un signo de psicosis.
La película, con guion a cargo del propio Niclas Larsson, está protagonizado por Ewan Mcgregor, Rhys Ifans, Taylor Russell, Ellen Burstyn, Lake Bell, Mar’Ques Woolford, Lara Flynn Boyle, Penelope Young, Shelby Lee Parks, Cesar Ramos, F. Murray Abraham, Erin Fritch Y Kenna Blackburn.
La actriz y productora australiana, ganadora de dos Oscar, recibirá el máximo reconocimiento honorífico del certamen y protagonizará el cartel oficial. La imagen del póster es obra del diseñador gráfico José Luis Lanzagorta, que ha partido de una fotografía de Gustavo Papaleo.
Cate Blanchett, una de las intérpretes más relevantes de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia en la 72ª edición del Festival de San Sebastián, al tiempo que protagonizará el cartel oficial. La imagen del póster es obra del diseñador gráfico José Luis Lanzagorta, que ha partido de una fotografía de Gustavo Papaleo.
Blanchett acumula más de 200 reconocimientos y galardones, incluidos dos Oscar -y otras seis nominaciones-, dos Copas Volpi del Festival de Venecia, cuatro premios Bafta y cuatro Globos de Oro, el César y el Goya honoríficos en una trayectoria de más de tres décadas que combina el cine de autor con películas dirigidas al gran público. La intérprete y productora australiana ha trabajado con cineastas como Martin Scorsese, Terrence Malick, Steven Soderbergh, Steven Spielberg, David Fincher, Ridley Scott, Sally Potter, Wes Anderson, Alfonso Cuarón, Alejandro G. Iñárritu, Woody Allen, Gillian Armstrong, Taika Waititi, Peter Jackson, Todd Haynes, Richard Linklater, Jim Jarmusch, Guillermo del Toro, Adam McKay o Todd Field.
Esta será su primera visita a San Sebastián, aunque alguna de sus películas han sido proyectadas en el Festival como Babel (Alejandro G. Iñarritu, Perlak, 2007) o Veronica Guerin (Joel Schumacher, Sección Oficial, 2003), que compitió por la Concha de Oro.
Cate Blanchett es la segunda intérprete australiana en recibir el premio honorífico más importante del Festival tras Hugh Jackman (2013).
El Festival instauró en 2018 una nueva línea de carteles, presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche y Javier Bardem han precedido a Blanchett como imagen oficial, que este año ha sido creada por el diseñador gráfico donostiarra José Luis Lanzagorta a partir del retrato del fotógrafo Gustavo Papaleo.
Lanzagorta también ha realizado los carteles del resto de secciones. Junto al fotógrafo José Luis López de Zubiria, han optado por confrontar la ilustración con la fotografía: así, el megáfono de un cineasta arroja ideas de papel en New Directors; un transatlántico expulsa humo en forma de cactus en Horizontes Latinos; un boxeador pelea contra el filamento incandescente de una bombilla en Zabaltegi-Tabakalera; una nadadora se sumerge en busca de tesoros nacarados en Perlak; una cámara retro proyecta pompas de jabón en Nest; una fresa se convierte en una isla dispuesta para la aventura en Culinary Zinema; y una raíz-rayo homenajea al artista vasco Vicente Ameztoy en Zinemira. Además, este año se incorpora el cartel de la sección Made in Spain, a la que se ha asignado el color azul añil, protagonizado por un astronauta que explora un planeta en forma de clavel, flor que remite al universo del cine español.
Estos carteles se suman a los tres presentados anteriormente para ilustrar la iniciativa Klasikoak, que une bajo la misma marca tres propuestas que ya existían: el ciclo de primavera de la Filmoteca Vasca, la retrospectiva del Festival (este año dedicada al poliziesco italiano) y la sección Klasikoak.
Biografía Cate Blanchett
Cate Blanchett es una actriz de renombre internacional, productora, directora artística, filántropa y muy implicada con el sector cultural. Junto a sus socios Andrew Upton y Coco Francini, es cofundadora y directora de la productora de cine y televisión Dirty Films, que acaba de lanzar Proof of Concept, un programa que ofrece apoyo financiero, tutoría y visibilidad a cineastas emergentes. Blanchett produjo y protagonizó la premiada The New Boy (Perlak, 2023), de Warwick Thornton con su empresa. También estuvo tras el largometraje de Apple Original Films Fingernails (Esto te va a doler, Sección Oficial, 2023), de Christos Nikou, con Jessie Buckley, Riz Ahmed y Jeremy Allen White, y el premiado debut de Noora Niasari, Shayda, protagonizada por Zar Amir Ebrahimi.
Con Dirty Films ha producido Carol, de Todd Haynes, y Tár, de Todd Field; Apples, de Christos Nikou; Mrs America, miniserie de FX nominada a 10 premios Emmy; y ha producido y cocreado para Netflix la serie Stateless (Desplazados), ganadora de 13 premios AACTA. También ha creado y producido el premiado podcast original de Audible Climate of Change, y Evolver, una experiencia interactiva de realidad virtual que se estrenó en Tribeca y ha sido seleccionada para la primera competición inmersiva del Festival de Cannes de 2024.
Entre los trabajos como actriz de Blanchett se incluyen Tár, Nightmare Alley (El callejón de las almas perdidas), Don’t Look Up (No mires arriba), Ocean’s 8, Thor: Ragnorok, Carol, Blue Jasmine, I’m Not There, The Curious Case of Benjamin Button (El curioso caso de Benjamin Button), Notes on a Scandal (Diario de un escándalo), The Life Aquatic (Life Aquatic), Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), la trilogía de The Lord of the Rings(El señor de los anillos) y The Hobbit (El Hobbit), The Good German (El buen alemán), The Aviator (El aviador),The Talented Mr Ripley (El talento de Mr. Ripley) y Elizabeth. Entre los innumerables premios que ha recibido cabe destacar cuatro BAFTA, dos Oscar, tres Globos de Oro y tres premios del Sindicato de Actores.
Entre 2008 y 2013 Blanchett trabajó junto a Andrew Upton como codirectora artística y codirectora ejecutiva de la galardonada Compañía de Teatro de Sídney, con la que produjo 16 espectáculos al año en cuatro sedes, con giras nacionales e internacionales. Entre sus producciones más destacadas figuran Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, dirigida por Liv Ullmann; Tío Vania, de Antón Chéjov, dirigida por Tamas Ascher, y Tot Mom, de Steven Soderbergh; los aclamados montajes de Benedict Andrew de La guerra de los Rose, Las criadas de Genet y Gross und Klein (Big and Small) de Botto Strauss; la adaptación seminal de The Secret River, de Neil Armfield, que también ha inspirado la serie de televisión homónima de ABC; producciones del dramaturgo Kip Williams; y The Present, de Andrew Upton, dirigida por John Crowley y por la que Blanchett obtuvo una nominación a los premios Tony. Blanchett ha actuado recientemente en la adaptación de la producción del National Theatre When We Have Sufficiently Tortured Each Other, de Martin Crimp.
Blanchett y Upton recibieron el Premio Green Globe por su destacada labor en la Compañía de Teatro de Sídney, tras haberla transformado en una de las entidades culturales más ecológicas del mundo, gracias, por ejemplo, a la construcción de la segunda mayor instalación de paneles solares en tejado de Australia.
Ha presidido jurados de festivales como Cannes y Venecia, y el Festival de Venecia le ha concedido en dos ocasiones la Copa Volpi a la Mejor Interpretación. Blanchett es miembro honorífica del BFI del London Film Festival, ha recibido el Premio Stanley Kubrick a la excelencia cinematográfica y tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Asimismo, ha sido reconocida con el César Honorífico, el Goya Internacional y el Chaplin. Blanchett ha sido nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, Miembro de la Orden de Australia, Medalla del Centenario por sus servicios a la sociedad australiana y Doctora Honoris Causa por la Universidad de Nueva Gales del Sur, la Universidad de Sídney y la Universidad Macquarie, entre otros.
Blanchett es Embajadora Mundial de Buena Voluntad de ACNUR, la Agencia de la ONU para los Refugiados, y miembro del consejo del Premio Earthshot. Es la primera embajadora de Wakehurst y del Banco de Semillas del Milenio. Ha recibido el Premio Crystal del Foro Económico Mundial de Davos y el Premio Humanitario de la Fundación Kuwait-América. Es miembro vitalicio de la Australian Conservation Foundation, socia destacada del Actors Benevolent Fund, la Fundación SAG-AFTRA, la Australian Wildlife Conservancy, Embajadora AFI y Patrona del Festival de Cine de Sídney y la Fundación NIDA, el centro de arte dramático en el que se formó. Vive en la campiña inglesa con su marido, cuatro hijos, tres perros, dos gatos, cerdos y gallinas.
Biografía José Luis Lanzagorta
Diseñador gráfico y músico, fundador y director creativo de Estudio Lanzagorta, empresa con amplia experiencia en el sector de la cultura. Entre sus clientes se encuentran Koldo Mitxelena Kulturunea, Tabakalera, San Telmo Museoa, Kutxa Fundazioa, Donostiako Jazzaldia, Fundación Kursaal, Quincena Musical de San Sebastián, Euskadiko Orkestra, Warner Music, Sony Music y Get In. Miembro fundador de la Orquesta Mondragón y de los grupos Puskarra y Amateur, también formó parte del grupo de pop donostiarra La Buena Vida.
Exposición virtual del I Concurso de Carteles (1959-1960)
Con motivo de la presentación de los carteles de la 72ª edición, el Festival ha inaugurado hoy en la página web de Artxiboa una exposición virtual titulada Dibujar el Festival. La muestra recoge los bocetos del I Concurso de Carteles del Festival de San Sebastián, convocado en diciembre de 1959 con vistas a la celebración de su octava edición en julio de 1960. La exposición recupera la desconocida iniciativa pionera del certamen a través de la exhibición de los bocetos participantes y propone una aproximación a los materiales y una atención detallada a los engranajes del concurso.
Matías Fajn y Laura Alhach, alumni de Elías Querejeta Zine Eskola, han realizado la investigación y comisariado de la exposición junto al equipo del proyecto Artxiboa. Los bocetos fueron encontrados en 2022 y han podido ser analizados tras una importante labor de conservación, catalogación y digitalización.
Acaba de salir a la luz vía Paramount Pictures un segundo tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de ciencia ficción A Quiet Place: Day One, precuela y spin-off de las exitosas A Quiet Place 1 y 2 (2018-2022) de John Krasinski, que en esta ocasión solo ejercerá como co-guionista. La película, que cuenta tras las cámaras con Michael Sarnoski (Pig 2021), llegará a las salas comerciales de nuestro país el próximo 28 de junio de 2024.
En A Quiet Place: Day One vemos como una joven mujer llamada Sam trata de sobrevivir a una invasión en la ciudad de Nueva York por parte de unas criaturas alienígenas sedientas de sangre que reaccionan de forma letal a cualquier indicio de sonidos causados por el ser humano. Sam se encontrara con un hombre llamado Eric, con el que se unirá con cierta desgana, con la intención de poder sobrevivir juntos.
La película, con guion a cargo del propio Michael Sarnoski junto a John Krasinski, Michael Sarnoski, está protagonizada por Lupita Nyong’o, Joseph Quinn, Alex Wolff, Djimon Hounsou, Denis O’Hare y Elijah Ungvary.
La 46ª película en la filmografía de Frederick Wiseman nos sumerge en Les Troisgros, uno de los restaurantes con más solera de Francia, que ostenta tres estrellas Michelin desde hace 55 años.
Filmin estrena el próximo viernes 17 de mayo, en excusiva en España, el documental «El gran menú», una mirada reposada y paciente a uno de los restaurantes más prestigiosos del mundo, Les Troisgros, ubicado en Roanne (Francia), a 100 kilómetros de Lyon. La película lleva el sello de su creador, el veterano Frederick Wiseman, uno de los documentalistas más relevantes del cine contemporaneo, que ha dedicado su vida a retratar algunos de los espacios e instituciones más importantes del mundo, como el Ballet de la Ópera de París (en «La danza»), la National Gallery de Londres («National Gallery»), la biblioteca pública de Nueva York («Ex Libris») o la Comedie-Française («The Games of Love»). Sus documentales se caracterizan, más allá de por su dilatada duración, por no hacer uso de entrevistas, de un narrador o de música extradiegética. Por su parte Les Troisgros, fundado en 1930, posee tres estrellas Michelin desde hace 55 años y ya ha conocido a cuatro generaciones de chefs, todos de la familia Troisgros.
Cuenta Wiseman que en el verano del 2020 se alojó en casa de unos amigos en Borgoña. Para agradecerles su hospitalidad quiso invitarles a comer a un buen restaurante, y acabaron en Les Troisgros. Al finalizar el almuerzo, el chef César Troisgros se acercó a saludarles y en ese momento Wiseman le preguntó si podía rodar un documental sobre el restaurante. El chef le dijo que debía consultarlo primero con su padre, pero media hora después el director recibió la autorización. «Después me enteré de que el padre no estaba aquel día en el restaurante y que lo que el chef hizo fue buscar mi nombre en Wikipedia», recuerda Wiseman.
El director cree que hay algo que comparten el cine y la cocina como expresiones artísticas: «Como los cineastas, los chefs también están muy preocupados por el aspecto de sus platos, no sólo por el contenido. Como se ve en la película, cada plato se inspecciona antes de que el camarero lo lleve al comedor. Si un riñón está a un centímetro del centro del plato, habrá alguien con unas pinzas para moverlo. Si queda un poco de salsa en el plato fuera de lugar, habrá alguien que la limpiará. Están tan preocupados por la apariencia como por el sabor.». Wiseman no tiene dudas de que «los chefs son artistas en todos los aspectos de su trabajo» y compara la alta cocina con el ballet o el teatro por su naturaleza efímera: «No hay dos actuaciones iguales. Los actores están geniales, el público responde y luego se acabó. No hay ningún registro duradero. En la cocina pasa lo mismo.»
Wiseman, que tiene 94 años, confiesa que solo enciende el televisor para ver tenis o baloncesto, por lo que se ha mantenido alejado del auge mediático de la cocina en televisión gracias a diversos realities emitidos alrededor del mundo. «Tampoco he visto nunca películas de restaurantes, pero por lo que me dijeron mis amigos, siempre implican muchos gritos y discusiones. Ese no fue el caso aquí, y estuve demasiado tiempo con ellos para que lo pudieran encubrir: siete semanas.», explica.
«El gran menú» se presentó en el Festival de Venecia y ha sido reconocida con el premio al Mejor Documental por las asociaciones de críticos de Florida, Los Angeles o Nueva York. La película se suma al amplio catálogo de Filmin alrededor de la obra de Frederick Wiseman, que incluye 20 de los 46 trabajos que ha realizado hasta la fecha.
Si algo han demostrado Danièle Huillet (1936-2006) y Jean-Marie Straub (1933-2022) desde sus primeras obras es que es posible hacer un cine exigente consigo mismo y respetuoso con un espectador al que se trata de igual a igual haciéndole ver aquello que sin esa mirada nunca hubiera podido ver. De hecho, todo su trabajo ha buscado intentar alejar el cinematógrafo de las limitaciones que lo mantienen encerrado en la prisión de alta seguridad forjada por los condicionantes del dinero y por la adhesión a los lugares comunes de una estética complaciente. Excavando en la realidad para desenterrar la verdad sepultada bajo el sedimento de la evidencia con el fin de hacer sentir que lo que se ve no es ni natural, ni inmutable, ni inevitable.
El resultado: un cine que se instala en el territorio de la artesanía, del cuidado exquisito con el que se trata en sus filmes la materialidad de la obra, al tiempo que se construye desde la absoluta modestia —ni uno solo de los casi cincuenta filmes que forman el dilatado corpus completo del artista que conocemos como “Los Straub” responde a una fabulación personal sino que se apoya siempre en obras ajenas—, entendiendo que los textos de la más variada procedencia que llevaban a la pantalla eran el espacio de un desafío radical y el lugar donde aplicar un método de trabajo capaz de hacer visible la idea de que todo lo individual es, en el fondo, colectivo.
Por eso conviene tomarse en serio las palabras de Jean-Marie Straub cuando reivindicaba las cualidades de su cine: “Pensamos que nuestro cine es un cine sencillo. Es indudable que para apreciar mejor nuestras películas hace falta tener determinados intereses: el cine, el arte, la literatura. Pero sobre todo hace falta tener ideas sobre el mundo. En todo esto no me parece que haya nada elitista. Nuestro cine es el único cine sencillo, son otros los que hacen películas retóricas en las que no se sabe de qué se está hablando”.
Hoc opus. Hic labor est.
Santos Zunzunegui
El autor
Santos Zunzunegui (Bilbao, 1947) Catedrático Emérito de Comunicación Audiovisual y Publicidad (Universidad del País Vasco). Doctor Honoris Causa por la Universidad Jaume I-Castellón. Semiólogo, analista e historiador cinematográfico. Ha sido profesor invitado en diversas universidades de Europa, EE. UU. y América del Sur.
Entre sus principales libros se cuentan: Mirar la imagen (1984); El cine el País Vasco (1985); Pensar la imagen (1989); La mirada cercana. Microanálisis fílmico (1996; nueva edición revisada y ampliada, Shangrila, 2016), Robert Bresson (2001); Historias de España. De qué hablamos cuando hablamos de cine español (2002, nueva edición revisada Shangrila, 2018), Metamorfosis de la mirada. Museo y semiótica (2003; versión italiana Metamorfosi dello sguardo, 2011); Orson Welles (2005); Las cosas de la vida. Lecciones de semiótica estructural (2005); La mirada plural (2008), ganadora del Premio Internacional de Ensayo “Francisco Ayala”. En 2013 ha publicado Lo viejo y lo nuevo (Cátedra) donde se recogen cinco años de su trabajo en Caimán. Cuadernos de Cine. En 2017 apareció Bajo el signo de la melancolía. Cine, desencanto y aflicción (Cátedra, 2017). Entre 2021 y 2023 han aparecido tres volúmenes de Mis historias de cine (Shangrila), fruto de sus cursos en la Escuela de Cine Elías Querejeta-Tabakalera.
Aprovechando su próximo estreno comercial en Francia, previsto para el 5 de junio, acaba de ver la luz un primer adelanto, en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página, del film de adolescente vampiros titulado En attendant la nuit. Debut en el largometraje de ficción, tras su documental 140 km à l’ouest du paradis (2020), de la realizadora gala Céline Rouzet, que estuvo presente el pasado año en festivales como Venecia o Sitges dentro de la sección Noves Visions.
En En attendant la nuit vemos como la familia Feral se muda a un nuevo vecindario con la intención de dejar su pasado atrás y pasar desapercibidos en su nuevo hábitat. Sin embargo, el pequeño de la familia no es un adolescente normal, padece una extraña enfermedad que debe mantener oculta a toda costa. Cuando íntima con su nueva vecina, su sed de sangre crece y sus diferencias con respecto a todo lo que le rodea se vuelve imposible de ignorar.
La película, con guion a cargo de la propia Céline Rouzet junto a William Martin, está protagonizada por Mathias Legout Hammond, Elodie Bouchez, Jean-Charles Clichet, Céleste Brunnquell y Laly Mercier.
La producción francesa Emmanuelle, dirigida por Audrey Diwan, inaugurará a concurso la 72ª edición del Festival de San Sebastián. El largometraje se proyectará en estreno mundial el 20 de septiembre y contará con la presencia de su directora y de sus protagonistas.
Diwan, ganadora del León de Oro del Festival de Venecia con L’événement (El acontecimiento, 2021), ha coescrito el guion junto a la también cineasta Rebecca Zlotowski. La película sigue los pasos de una mujer que busca un placer perdido y que en un viaje de negocios a Hong Kong tiene numerosos encuentros, incluido uno con Kei, un hombre que la elude constantemente.
La película se inspira en el personaje y el mundo creados por la escritora Emmanuelle Arsan. Concebida por Audrey Diwan como una exploración del placer en la era post Me Too, Emmanuelle se rodó durante el otoño de 2023 en Hong Kong y París.
La actriz y directora Noémie Merlant (Portrait de la jeune fille en feu / Retrato de una mujer en llamas, Un año, una noche, L’innocent / El inocente, Tár, Mi iubita, mon amour…) interpreta al personaje principal del filme acompañada de Naomi Watts (Mulholland Drive, 21 gramos, The Impossible / Lo imposible…), Will Sharpe (The White Lotus), Jamie Campbell Bower (Stranger Things), Chacha Huang y Anthony Wong.
El debut de Audrey Diwan, Mais vous êtes fous / Losing It (2019), fue protagonizado por Pio Marmaï y Cécile Sallette. Su segunda película, El acontecimiento, adaptación del libro de Annie Ernaux sobre su aborto ilegal en los años 60, contó con un reparto de nuevos talentos del panorama francés (Anamaria Vartolomei, Kacey Mottet-Klein, Luàna Bajrami) y logró el León de Oro en Venecia, además de cuatro nominaciones en los Premios César y una nominación en los BAFTA, entre otros galardones. En 2021, Diwan formó parte del Jurado de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.
Emmanuelle es una producción de Chantelouve, Rectangle Productions y Goodfellas. Beta Fiction Spain llevará la distribución de la película en el territorio español. La película se estrenará en Francia, tras su presentación en el Festival de San Sebastian, el 25 de septiembre.
BIOFILMOGRAFÍA
La directora, autora y guionista Audrey Diwan debutó en la dirección de largometrajes con Mais vous êtes fous / Losing It, protagonizada por Celine Sallette y Pio Marmaï. Su segunda película, L’événement / El acontecimiento, ganó el León de Oro en el Festival de Venecia de 2021. Ese mismo año formó parte del Jurado Oficial del Festival de San Sebastián. En 2023, fue galardonada con el César al mejor guion junto a Valerie Donzelli por L’amour et Les Fôrets. Su tercer largometraje, Emmanuelle, tendrá su estreno mundial en el Festival de San Sebastián donde será la película inaugural a concurso.
Emmanuelle
Audrey Diwan (Francia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Noémie Merlant, Naomi Watts, Will Sharpe, Jamie Campbell Bower, Chacha Huang, Anthony Wong
Inauguración a concurso
Emmanuelle sale en busca de un placer perdido y vuela sola a Hong Kong en viaje de negocios. En esta sensual ciudad global, donde inicia numerosos encuentros, conoce a Kei, un hombre que la elude constantemente.
El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas
Dedicamos el mes de mayo de La noche bizarra a dos auténticas películas de culto, obra del artista, cineasta, poeta y psicomago Alejandro Jodorowsky (Chile, 1929). Dos alucinados viajes cinematográficos que se han convertido en referentes de la contracultura de los años 70, el misticismo audiovisual y el cine más bizarro e inclasificable.
Fecha: 11.05.2024 — 18.05.2024
Precio: [entrada 5,5 € – mayores de 65 y Carnet Joven 4 € – abono 3,6 € – socios 3,5 €]
Considerada una de las películas más misteriosas de la historia del cine, convertida en la película-escándalo de Cannes 1973 por su imaginería blasfema, simbolismo místico y violencia surrealista. Ambas películas se proyectarán en todo su esplendor visual, gracias a nuevas restauraciones 4K supervisadas por el propio Jodorowsky.
Inauguró el fenómeno de las Midnight Movies en Nueva York. La película se proyectaría durante meses a medianoche en el Elgin Theater de Chelsea, agotando entradas todas las noches. Entre sus fans se encontraba John Lennon, que convenció a su manager Allen Klein para que financiara la siguiente película de Jodorowsky, aportando un millón de dólares y ofreciéndole absoluta libertad creativa
De testamento fílmico podría considerarse la génesis y posterior desarrollo de una película de las características de Megalópolis, epopeya futurista, que supone el nuevo, y posiblemente último, trabajo tras las cámaras de Francis Ford Coppola, que acaba de estrenar un primer teaser tráiler oficial que podéis ver a final de página. El film, la superproducción más personal de las ultimas décadas, con un presupuesto autofinanciado de 120 millones de dólares, mediante un proyecto que ha durado más de cuarenta años en poder ser una realidad, tendrá su premier mundial el 17 de mayo en la próxima edición del Festival de Cannes, en donde optara por la Palma de Oro.
Megalópolis nos cuenta cómo un gran cataclismo destruye una gran ciudad similar a Nueva York, lo que lleva a un arquitecto idealista llamado Cesar, a querer reconstruirla para poder convertirla en una urbe sostenible. Sin embargo, el alcalde tiene otros planes. Entre medias de tal conflicto se encuentra Julia, la hija del alcalde y amante de César.
La película, con un guion, que necesito mas de 300 versiones, a cargo del propio Francis Ford Coppola, está protagonizada por Adam Driver, Nathalie Emmanuel, Giancarlo Esposito, Aubrey Plaza, Nathalie Emmanuel, Lawrence Fishburne, Shia LaBeouf, Jon Voight, Dustin Hoffman, Talia Shire, Jason Schwartzman, Kathryn Hunter, James Remar y Grace VanderWaal.
Los últimos trabajos de la cineasta chilena Malena Szlam y de la artista catalana Patricia Dauder presentan múltiples correspondencias. Las imágenes y sonidos de algunas de sus películas aluden, por un lado, a ciertas estructuras geológicas de lugares marcados por topografías volcánicas y sísmicas, y, por otro, a ciertas figuraciones cósmicas y astrológicas.
Lunar Almanac, la primera película de Malena Szlam que veremos en esta sesión, es un trabajo que registra en 16 mm el ciclo lunar a través de diversas capas y puntos de vista, creando reverberaciones visuales de este astro obtenidas a través de superposiciones y largas exposiciones. A este trabajo le sigue Altiplano, película filmada en la cordillera de los Andes, en el norte de Chile y en el noroeste de Argentina, que presenta paisajes vibrantes de salinas ancestrales, desiertos volcánicos y lagos de colores acompañados de infrasonidos de volcanes, géiseres y ballenas azules. Por último, Merapi es un estudio fragmentado del paisaje alrededor de la «montaña de fuego», un volcán situado en Indonesia en el que la cineasta chilena observa de cerca ciertos fenómenos corrientes como el movimiento de las nubes, el amanecer y el atardecer y sus variaciones lumínicas.
Insulana, de Patricia Dauder, es un trabajo inspirado en la erupción volcánica que afectó al archipiélago de las Azores entre 1957 y 1958 y que dejó la isla de Faial completamente cubierta de cenizas. La película no pretende trazar la historia de este hecho, sino compilar ciertas huellas donde el presente y el pasado conviven indistintamente, y lo hace mezclando imágenes de archivo y otras filmadas por la artista en su estudio y en los lugares afectados por la erupción. La segunda película que veremos de Dauder, Península, es un trabajo que presenta una yuxtaposición constante de espacios interiores y exteriores, formatos (16 mm y súper-8), color y blanco y negro, para intentar trazar un retrato de lo que es estar físicamente en un lugar y mentalmente en otro. La sesión finalizará con March 5th 1979, que parte de una serie de imágenes fijas que retratan un fenómeno luminoso no identificado que tuvo lugar en el cielo de las Islas Canarias el 5 de marzo de 1979.
Malena Szlam: Lunar Almanac, 2013, 16 mm, sin sonido, 4’; Altiplano, 2018, 35 mm, 16’; Merapi, 2021, 16 mm a digital, 8’.
Patricia Dauder: Insulana, 2021, 16mm a digital, 16’; Península, 2018, digital, sin sonido, 5’; March 5th 1979, 2011, 16 mm, sin sonido, 5’.
Copias de Malena Szlam procedentes de Light Cone. Copias de Patricia Dauder cortesía de la autora.
Fecha: 23 mayo 2024
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Tras un 2023 en donde presento las películas Yannick y Daaaaaalí!, el realizador francés Quentin Dupieux se estrena en este 2024 con la comedia de enredos titulada Le Deuxiéme Acte, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que inaugurará la inminente edición del Festival de Cannes, llegará a los cines de Francia el mismo día de su premier mundial en el certamen galo, el próximo 14 de mayo.
En Le Deuxiéme Acte vemos como una joven llamada Florence quiere presentarle a David, el hombre del que está perdidamente enamorada, a su padre, Guillaume. Pero David no se siente atraído sentimentalmente por Florence, por lo que decide arrojarla a los brazos de su mejor amigo Willy. Los cuatro personajes se encuentran en un restaurante situado en medio de la nada llamado Le deuxième acte…
La película, con guion como viene siendo habitual a cargo del propio Quentin Dupieux y una escueta duración de 76 minutos, está protagonizada por Léa Seydoux, Vincent Lindon, Louis Garrel, Manuel Guillot y Raphaël Quenard.
No se puede poner límites a la imaginación. Todo cabe en el mundo de la fantasía, y si es de cine de lo que hablamos, entonces las posibilidades no solo son fascinantes, sino también infinitas. Y eso es lo que quiere transmitir y compartir este libro, en el que se aborda el cine fantástico de la forma más amplia y panorámica posible, incluyendo en él la ciencia ficción, el terror y otros subgéneros imprescindibles para entender este universo fílmico en su globalidad.
El objetivo de esta obra es, por lo tanto, desglosar y analizar en diferentes apartados temáticos un género ecléctico por definición, y cuyo denominador común en todas las películas que de él forman parte es la ruptura con la realidad. A partir de ahí, la mirada es poliédrica: mitos, leyendas, monstruos, criaturas, robots, extraterrestres, brujas, demonios, fantasmas, vampiros, zombis, viajes en el tiempo y en el espacio… Un universo simplemente alucinante.
Los autores:
Amat Ferris, Sintu · Ávila Salazar, Alberto · Azzam, Marcos · Bustillo Ramírez, Marcos · Campillo Bueno, Pere · Casals Campmany, Quim · Chantal Ibán · Codina, Toni · Díaz Maroto, Carlos · Graña, Telmo · Hidalgo, David · Jiménez i Prunera, Xavi · Juanmartí, Jordi · Lago, Cristina · Lens, Jesús · López Gómez, Héctor · López Poy, Manuel · Morell, Dani · Moreno, Joel · Nasarre, Lluís · Ribhi Hassan, Laila · Romero, Javier G. · Salvador Estébenez, José Luis · Sanz, Katia · Soldevila, Frederic · Vilaseca, Jaume · Villar Duque, Guillermo
Ensayo fundamental de la literatura cinéfila española, en el Leo McCarey de Miguel Marías sigue brillando, inalterable al paso del tiempo, la incisiva y cultivada pluma de uno de nuestros mejores críticos y uno de los principales expertos mundiales en su obra. A partir de una familiaridad desa¡costumbrada con la filmografía del director de películas legendarias como The Awful Truth, Make Way for Tomorrow o An Affair to Remember, y de una férrea voluntad por ¡desbrozar de tópicos y malentendidos a la débil historiografía del cine (que seguía y sigue considerando un simple panfleto anticomunista una película tan sutil y compleja, si bien frágil y de fortuna esquiva, como My Son John, a la que el libro dedica un justamente famoso análisis), ¡Marías entra de lleno en los entresijos creativos de McCarey, ofreciendo al lector, muy lejos de la jerga especializada, un emocionante ensayo que amplía las consideraciones estéticas y éticas del clasicismo cinematográfico y contextualiza a uno de los grandes creadores nacidos y formados en el cine mudo. De modo ejemplar y clarificador, más allá de su objeto de estudio, esta profunda cata en el legado de ¡McCarey prescinde de herramientas metodológicas y quincalla narratológica (incluso de la todopoderosa «puesta en escena») a la hora de comprender el arte de un cineasta que confió más en los actores y en los instantes que en los temas, las secuencias y los planos.
Audrey Diwan (Francia)
