Las colecciones de Filmoteca Española salen de los almacenes para instalarse en el cine Doré

A partir del 18 de junio de 2023, una pequeña selección de las colecciones de fondos cinematográficos de Filmoteca Española se expondrá en las vitrinas del cine Doré.
Esta nueva muestra comienza con el centenario del nacimiento del actor José Luis Ozores y las piezas prestadas por su hija Adriana, junto a materiales de nuestras colecciones de Museo, Archivo y Biblioteca. A lo largo del año le seguirán otras exposiciones.
Se podrá visitar de forma gratuita hasta el 17 de septiembre de 2023, de martes a domingo en horario de 16:00 A 22:30H.
Siguen las celebraciones del 70 aniversario de Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación del patrimonio cinematográfico español, con un nuevo proyecto que saca nuestros fondos de los almacenes para llevarlos a las vitrinas del cine Doré y acoger, a lo largo del año, una pequeña selección de las colecciones de Museo, Archivo y Biblioteca.
Con el objetivo de difundir el patrimonio audiovisual y poner en valor nuestros fondos cinematográficos —que acompañan y completan la valiosa colección de fondos fílmicos de Filmoteca Española—, el 18 de junio se inaugura esta pequeña muestra gratuita con las piezas de José Luis Ozores prestadas por su hija Adriana. Para presentarla en el cine Doré ese mismo día, a las 17 horas, contaremos con la actriz Adriana Ozores acompañada de Noelia Sastre, responsable de fondos cinematográficos de Filmoteca Española. A esta presentación le seguirá la proyección de `El último caballo´ (Edgar Neville, 1950).
Entre las piezas que se podrán ver destacan precisamente varias fotografías de esta película que resistió la censura de la dictadura franquista, en la que Ozores compartió cartel con Fernando Fernán Gómez y Conchita Montes. Rodada en las calles de Madrid, Neville muestra con eficacia y naturalidad un retrato de la sociedad del momento y sus problemas, entre ellos el paro o la implacable llegada del capitalismo.
Junto a su filmografía, la muestra repasa las aficiones —fotografía, pintura, escritura— de uno de los actores más populares en la España del momento. Nieto, hijo y hermano de cómicos, trabajó junto a sus hermanos, Antonio y Mariano, en el cine, el teatro, la televisión o el humor con sus viñetas en La Codorniz.
La esclerosis múltiple que le diagnosticaron en 1963 truncó su carrera. A partir de ese momento sus apariciones se fueron espaciando, quedando progresivamente condicionadas por sus dificultades para moverse. Ozores había conseguido una importante ristra de éxitos, populares y críticos, pero se daba por hecho que aún había tiempo para mucho más. De ahí que amigos, conocidos y extraños se lanzaran a ayudarle.
En 1966, cuando estrena Hoy como ayer, su último largometraje, la enfermedad está ya muy avanzada. El año anterior había protagonizado `El poder´, estrenada el 5 de octubre de 1965 en el teatro Alcázar de Madrid. Joaquín Calvo Sotelo firmó este drama que dirigió Adolfo Marsillach, escrito para Ozores en el papel de Bruno, un maquiavélico príncipe italiano del siglo XVI en silla de ruedas.
Cuando falleció, el 10 de mayo de 1968 a los 45 años, su casa se inundó de telegramas y tarjetas de ciudadanos anónimos, cineastas, políticos y amigos, demostrando que a los maestros de la comedia se les quiere porque se ha compartido con ellos algo tan personal y sincero como la risa. En la exposición se puede ver una selección de aquellas cartas guardadas por su familia desde entonces.
A la muestra `José Luis Ozores, la comedia en la sangre´, le seguirán otros montajes a lo largo del año para mostrar, en pequeñas dosis, la gran riqueza y complejidad de las colecciones de Filmoteca Española.
Filmoteca Española se dedica a recuperar, investigar, conservar y difundir el patrimonio cinematográfico, labor reconocida en la redacción de la Ley del Cine y en la de Patrimonio Histórico Español, en la que convivirá con el artístico, el arqueológico o el bibliográfico, permitiendo a Filmoteca Española, Bien de Interés Cultural, caminar junto al Museo del Prado o la Biblioteca Nacional como uno más de los grandes centros del saber en nuestro país.
Entrada gratuita
Del 18 de junio al 17 de septiembre de 2023, de martes a domingo. Abierta al público de 16:00 a 22:30. Cine Doré. Calle de Santa Isabel, 3, Madrid

El regreso de Jigsaw, póster y tráiler para «Saw X»

Acaba de ver la luz de la mano de Lionsgate un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Saw X, reinicio de la famosa saga creada por James Wan en 2004 que supone la vuelta de Tobin Bell en el papel del icónico Jigsaw. La película, dirigida por Kevin Greutert (Saw VI y VII, Jessabelle (2014), Visions (2015), se estrenará simultáneamente en Estados Unidos y España el próximo  29 de septiembre.
 Situada entre los acontecimientos sucedidos en Saw y Saw II, John, desesperado y enfermo, viaja a México para someterse a un tratamiento experimental muy arriesgado con la esperanza de curar su cáncer mortal. Sin embargo, toda la operación resulta ser un fraude para engañar a aquellos más vulnerables. Lleno de rabia y con un nuevo y escabroso propósito, John retomará su trabajo como asesino en serie y dará a probar su propia medicina a los embaucadores. Bajo la atenta mirada de Jigsaw, los jóvenes se enfrentaran a las trampas más ingeniosas, mortales y tortuosas en un visceral y despiadado juego…
La película, con guion a cargo de Josh Stolberg y Pete Goldfinger, está protagonizada por Tobin Bell, Shawnee Smith, Synnøve Macody Lund, Steven Brand, Michael Beach, Renata Vaca, Paulette Hernandez, Octavio Hinojosa y Joshua Okamoto.

Proyecciones Xcèntric: Las maravillas del agua

Cinema 3/99, la propuesta de cine familiar del CCCB, presenta una selección de ocho cortometrajes para todos los públicos sobre el tema del agua en todas sus formas.
Las películas seleccionadas nos embarcan en un viaje por las maravillas del agua: mágicos peces perlados y fascinantes medusas; vistas distorsionadas, gotas de agua sobre las imágenes, nadadores del cielo y colecciones de conchas marinas… Un festín de colores, formas, figuras y estados, que incluye una pieza realizada para la ocasión por Laura Rius Aran.
Programa
Korálková pohádka (Cuento de hadas de coral), Hermína Týrlová, Checoslovaquia, 1968, 8’
Un cuento poético de cristal en que unos peces rojos se pelean con unos peces amarillos antes de que un pez más grande llegue y ¡se los quiera comer a todos!
Au bord du lac (A orillas del lago), Patrick Bokanowski, Francia, 1994, 6’
Un día en torno al lago y sus actividades de ocio, se transforma por su reflejo en una placa deformada de acero inoxidable y por una composición sonora de Michèle Bokanowski.
La mar salada, Elena Duque, España, 2014, 3’
«Nuestro amor es azul, como el mar, azul» (Christian Castro). Película sobre la mar salada (gallega y sobre todo coruñesa), con un popurrí de canciones marineras (asturianas) de la Coral Bajamar de Luanco.
Terrestrial (Terrenal), Faith Johnson, Estados Unidos, 2022, 5’
Cuando paramos y escuchamos, la magia del mundo natural nos susurra. ¿Qué magia comparten contigo la tierra y el agua?
Shorelines (Orillas), Al Jarnow, Estados Unidos, 1977, 4’
«Souvenirs naturales» (conchas de mar, piedras, palos, algas) de un día en la playa, y animaciones hipnóticas y palpitantes de las formas y texturas de la vida oceánica.
O sohno do sol (El sueño del sol), Florence Cha Cayron, Bélgica, 2017, 5’
Una colección de sueños sobre el agua, el mar, el cielo y una piscina, en que las estrellas se encuentran con las olas y los cuerpos flotan en el agua, así como en el aire.
Chrysaora Colorata, Denise Batchelor, Nueva Zelanda, 2015, 3’
Un misterioso retrato en imágenes y sonidos de una especie de medusas que se encuentra principalmente en la bahía de Monterrey (California, EEUU).
Eco, eco, Laura Rius Aran, España, 2023, 4’
Con la llegada de una feria a las orillas del lago Léman, la nieve empieza a fundirse en las montañas de los Alpes. A partir de un montaje guiado por asociaciones poéticas, donde los gestos y movimientos se desplazan y resuenan de un plano a otro, Eco, eco explora la conexión íntima entre humanidad y naturaleza.
Proyección en digital. Copia de Korálková pohádka del Národní filmový archiv. Copias de Au bord du lacLa mar salada del Collectif Jeune Cinéma. Copia de Chrysaora Colorata de CIRCUIT Artist Moving Image. Copias de Terrestrial, Shorelines, O sonho do sol y Eco, eco cortesía de sus respectivos autores.
Un programa de Marie-Pierre Bonniol, con aportaciones de Gloria Vilches.
Fecha: 23 y 24 septiembre, 14 y 15 octubre, 25 y 26 noviembre 2023
Horario: Sábados: 17.00
Domingos: 11.00
Espacio: Hall
Precio: Entrada libre

 

La conspiración alienígena, tráiler para «Monolith» de Matt Vesely

El contacto extraterrestre expuesto a través de un escenario minimalista que evoca un estado opresivo suele ser un recurso bastante habitual en cintas de ciencia-ficción low cost, si hace bien poco la película española La paradoja de Antares de Luis Tinoco incidía en dicho recursos y propósitos este año nos llegará la cinta australiana Monolith, film cuyo primer tráiler de la mano de XYZ Films podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que supone el debut en la dirección de Matt Vesely, tras su premiere mundial el pasado año en Adelaide y pasar por el South by Southwest de Austin, estará presente el próximo mes de octubre en el Festival de Sitges.
En Monolith vemos como una joven periodista obstinada, que produce y presenta un podcast de investigación, descubre un artefacto extraño, algo que le llevará a plantearse la existencia de una conspiración alienígena a través de una serie de evidencias y supuestas mentiras.
Monolith, con guion de Lucy Campbell y fotografía a cargo de Michael Tessari, está protagonizada por Lily Sullivan, Belle Kalendra-Harding, Ling Cooper Tang, Ansuya Nathan, Erik Thomson, Terence Crawford, Matt Crook, Brigid Zengeni, Kate Box y Rashidi Edward.

Don Siegel

Aunque, en un principio, Don Siegel pueda estar integrado en la Generación de la Violencia, lo cierto es que el cineasta mantendría una clara independencia y no poca distancia con respecto a los vaivenes de la industria cinematográfica estadounidense. Siegel, de hecho, es uno de los pocos direc­tores que lograrían mantener un sólido sello autoral produ­ciendo sus propias películas, aunque con la mirada siempre situada en las exigencias del público, muy especialmente a partir de sus colaboraciones con Clint Eastwood. De esta manera, obras maestras como «La invasión de los ladrones de cuerpos», «El seductor», «Harry, el sucio» o «La gran estafa» in­tegran elementos temáticos que van mucho más allá de sus anclajes genéricos, como la destrucción de la identidad, la reflexión sobre la violencia o la construcción de un antihéroe siempre enfrentado a las instituciones. Esta monografía, la más completa escrita en castellano sobre Don Siegel, analiza minuciosamente toda su obra, tanto sus películas y cortometrajes como sus trabajos televisivos.
Autor: Joaquín Vallet Rodrigo, Editorial: Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 328

Once primeras y segundas películas competirán por el Premio Kutxabank-New Directors del Zinemaldia 2023

Once producciones de diecinueve países se disputarán el Premio Kutxabank-New Directors del Festival de San Sebastián, que celebrará su 71ª edición del 22 al 30 de septiembre. Del total de trabajos elegidos, siete son óperas primas y el resto son segundas películas de sus autoras o autores, según han desvelado hoy en rueda de prensa el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y la directora de la Red Gipuzkoa de Kutxabank, Marta Madinabeitia.
Entre quienes concursarán con su segundo largometraje figura el actor, director y guionista Liang Ming (Yichun, China. 1984), cuyo estreno en el largometraje, Wisdom Tooth (2020), obtuvo reconocimiento en diferentes festivales internacionales. El realizador inaugurará New Directors con Xiao yao you / Carefree Days, la adaptación de la novela homónima de Ban Yu que sigue a una joven enferma que trata de buscar su lugar en el mundo.
Tras dirigir varios cortos y el largometraje Roll (2020), Daichi Murase (Shigaraki, Japón. 1997) mostrará su segundo filme, Kiri no Fuchi / Beyond the Fog, que clausurará New Directors. Su autor ofrece el retrato íntimo de una familia que durante generaciones ha regentado una posada en un remoto pueblo de montaña.
Con su debut, À l’ouest de Pluton / West of Pluto (2008), Henry Bernadet (Quebec, Canadá. 1977) participó en distintos festivales internacionales como Rotterdam y Zurich. Ahora, en Les Rayons Gamma / Gamma Rays brinda al público un retrato generacional de un grupo de jóvenes que viven en Montreal.

Además, New Directors también incluirá una segunda película de producción española ya anunciada, La estrella azul / The Blue Star, de Javier Macipe (Zaragoza, 1987). Se trata de una aproximación en clave de ficción a la historia del músico zaragozano Mauricio Aznar, fundador de bandas como Golden Zippers, Más Birras o Almagato. Su debut, Los inconvenientes de no ser Dios (2014), le valió a Macipe el premio a la mejor primera película del Festival de Cine de Zaragoza. También ha dirigido cortometrajes de ficción como Gastos incluidos (2019) u Os meninos do rio (2014), que resultaron finalistas en los Goya.
El resto de cineastas incluidos en la selección concursarán con sus óperas primas. Así, el cineasta Farhad Delaram (Teherán, Irán. 1988) participará en New Directors con su primera incursión en el largometraje, Ashil / Achilles, que trata sobre un joven cineasta que trabaja en un hospital y cuya vida cambia tras conocer a una misteriosa joven.
El primer trabajo de Askhat Kuchinhirekov (Almaty, Kazajistán. 1982) se titula Bauryna salu, que es el nombre que recibe una antigua tradición nómada que consiste en entregar al primogénito a los abuelos para que lo cuiden ellos en lugar de sus padres. Antes de ponerse tras la cámara, Kuchinhirekov ha trabajado como actor y ayudante de dirección en títulos como Tulpan (2008) y Aika (2019), de Sergei Dvortsevoy, que ganaron respectivamente los premios Un Certain Regard y Mejor actriz en Cannes.
Taylor Russell, Ewan McGregor y Ellen Burstyn protagonizan Mother, Couch!, la ópera prima de Niclas Larsson (Malmö, Suecia. 1990), que comienza cuando tres hermanos distanciados se reúnen para averiguar por qué su madre se niega a leventarse del sofá de una tienda de muebles.

La hasta ahora guionista y montadora Ilia Malakhova (San Petersburgo, Rusia. 1973) se estrena con el largometraje Hi, mom, centrado en la figura de Kira, una mujer de 36 años que no ha superado la desaparición de su madre y que vive en la misma casa que su hermana pequeña y sus hijas.
Juan Sebastián Quebrada (Medellín, Colombia. 1987), que estrenó su trabajo de grado Días extraños (2015) en Bacifi y su corto La casa del árbol (2017) en el Festival de Toronto, muestra ahora su debut en el largometraje, El otro hijo / The Other Son, que en su fase de proyecto participó en el Foro de Coproducción Europa-América Latina en 2020. El cineasta colombiano sigue los pasos de un adolescente que, tras la inesperada muerte de su hermano, trata de encontrar la fuerza necesaria para seguir viviendo.
Con experiencia previa como ayudante de dirección y novelista, la realizadora Diwa Shah (Nainital, India. 1995) debuta con Bahadur the Brave, una película que transcurre durante los primeros momentos de la pandemia en una aldea india fronteriza con Nepal, donde un inmigrante nepalí trata de ganar dinero para curar a su hijo enfermo.
Last Shadow at First Light, también presente en la selección, es el estreno en el largometraje de Nicole Midori Woodford (Singapur, 1986), que narra el viaje a Japón de una joven que, atormentada por apariciones recurrentes, parte en busca de su madre desaparecida. Los cortos que ha dirigido anteriormente han participado en festivales como Busan, Clermont-Ferrand o Tokio.

Las once películas optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre la directora o el director y la distribuidora de la película en España. El Premio Kutxabank-New Directors está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. El Jurado del Premio Kutxabank-New Directors es el encargado de valorar y premiar estas películas. Los trabajos correspondientes a la sección de New Directors son candidatos también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
New Directors es un ejemplo de la apuesta del Festival de San Sebastián por los nuevos talentos, pero no el único, puesto que se programan primeras y segundas obras en prácticamente todas las secciones, y también se muestran primeros trabajos en Nest, la sección competitiva de cortometrajes de estudiantes de escuelas de cine de todo el mundo. Además, el Festival lidera junto a Tabakalera y Elías Querejeta Zine Eskola el programa de apoyo a proyectos audiovisuales innovadores Ikusmira Berriak, que contempla un plan de residencias artísticas.

Xiao yao you / Carefree Days

Liang Ming (China)

País(es) de producción: China

Intérpretes: Lu Xing Chen, Li Xue Qin, Li Cong Xi, Ai Li Ya

Inauguración

En el noreste de China, Shenyang es una ciudad en decadencia. Xu Lingling es una joven de 25 años que padece uremia y cuya vida se ha derrumbado. En el punto álgido de su enfermedad, su disoluto padre ha regresado para cuidar de ella con su mejor amiga Tan Na y su antiguo compañero de clase Zhao Dongyang. A pesar de su sufrimiento y gracias al amor de su familia y amigos, siente que vivir merece la pena. Un día, Xu Lingling decide salir de viaje con Tan Na y Zhao Dongyang.

Kiri no Fuchi / Beyond the Fog

Daichi Murase (Japón)

País(es) de producción: Japón

Intérpretes: Shuri Miyake, Masaki Miura, Shinzo Hotta, Asami Mizukawa

Clausura

Ihika vive en una tranquila e inaccesible aldea en las montañas de Japón, un lugar que en su tiempo estuvo lleno de excursionistas y comercios. La niña, que tiene 12 años, ha crecido en una familia que ha regentado una posada durante generaciones. Su padre vive separado desde hace algunos años y Saki, la madre de Ihika, dirige el lugar junto a Shige, su suegro. Un día Shige desaparece y la supervivencia de la posada corre peligro mientras se avecinan cambios para la familia de Ihika.

Ashil / Achilles

FARHAD DELARAM (Irán)

País(es) de producción: Alemania – Irán – Francia

Intérpretes: Mirsaeed Molavian, Behdokht Valian, Roya Afshar, Neda Aghighi

Un joven cineasta que actualmente trabaja en un hospital emprende un breve viaje en compañía de una paciente con problemas de salud mental para descubrir quién es en realidad. Ahora debe decidir si huir con ella o llevarla de vuelta al hospital.

Bahadur the Brave

Diwa Shah (India)

País(es) de producción: India

Intérpretes: Rupesh Lama, Rahul Mukhia

Durante la pandemia de coronavirus, India decreta el confinamiento. Mientras todos los trabajadores migrantes nepalíes se ven forzados a regresar a su país, Hansi ve en la crisis laboral en ciernes una oportunidad de ganar más dinero para su hijo enfermo cuando su cuñado, Dil Bahadur, le ofrece trabajar como ilegal en un almacén.

Bauryna salu

Askhat Kuchinhirekov (Kazajistán)

País(es) de producción: Kazajistán

Intérpretes: Yersultan Yermanov

Siguiendo una antigua tradición nómada llamada ‘bauryna salu’, Yersultan fue entregado a su abuela cuando nació para que le criara. Creció con resentimiento y distanciado de sus padres. Cuando cumple 12 años, su abuela muere y tiene que regresar con su familia, a la que apenas conoce. El paso a la vida adulta de Yersultan coincide con una transformación insoportable y un intento de restaurar la relación entre él y sus padres, especialmente con su progenitor.

El otro hijo / The Other Son

Juan Sebastián Quebrada (Colombia)

País(es) de producción: Colombia – Francia – Argentina

Intérpretes: Miguel González, Ilona Almansa, Jenny Navarrete

Foro de Coproducción Europa-América Latina 2020

Federico y su hermano Simón viven plenamente su adolescencia hasta el día en que Simón muere al caer de un balcón en una fiesta. Mientras su entorno familiar se desmorona ante sus ojos, Federico intenta vivir con normalidad sus últimas semanas de colegio. Incapaz de hacer el duelo, se va acercando a Laura, la novia de su hermano fallecido, en quien parece encontrar alivio.

Hi, mom

Ilia Malakhova (Rusia)

País(es) de producción: Rusia

Intérpretes: Daria Saveleva, Aglaya Tarasova, Anna Osipova

Kira tiene 36 años. Trabaja en el centro de llamadas del aeropuerto de Pulkovo y vive con su hermana menor Vera y sus hijas. Hace un par de años, su madre echó de casa a las hermanas y luego desapareció. Kira debe aceptar que su madre está muerta y seguir adelante, para lo cual necesita obtener el certificado de defunción, reclamar su herencia y comenzar a vivir sin su hermana y sus sobrinas. Una nueva vida la espera, pero Kira no quiere cambiar nada y solo sueña con que su madre regrese.

La estrella azul / The Blue Star

Javier Macipe (España)

País(es) de producción: España – Argentina

Intérpretes: Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí, Marc Rodriguez, Mariela Carabajal, Noelia Verenice Díaz

Años 90. Un famoso rockero español recorre Latinoamérica intentando reconectar con su vocación. Allí conoce a un anciano músico en horas bajas y de su encuentro nace un dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial.

Last Shadow at First Light

Nicole Midori Woodford (Singapur)

País(es) de producción: Singapur – Japón – Eslovenia – Filipinas – Indonesia

Intérpretes: Masatoshi Nagase, Mihaya Shirata, Mariko Tsutsui, Peter Yu

Atormentada por apariciones recurrentes, Ami se embarca en un viaje de Singapur a Japón en busca de su madre desaparecida. Entre paisajes que se transforman, los sueños, los fantasmas y la madre perdida de Ami desvelan su verdadera forma.

Les Rayons Gamma / Gamma Rays

Henry Bernadet (Canadá)

País(es) de producción: Canadá

Intérpretes: Chaimaa Zinedine, Chris Kanyembuga, Yassine Jabrane, Hani Laroum, Océane Garçon-Gravel

La tranquila vida de Abdel se ve alterada por la llegada de su extrovertido primo, que se queda a pasar el verano con él. Fátima, que va a empezar un nuevo trabajo como cajera en un supermercado, anhela una vida más estable. Mientras pesca, Toussaint encuentra en la orilla una botella con un mensaje en su interior. A caballo entre la ficción y el documental, Les Rayons Gamma / Gamma Rays es una comedia dramática rodada con jóvenes actrices y actores no profesionales de comunidades inmigrantes.

Mother, Couch!

Niclas Larsson (Suecia)

País(es) de producción: EEUU – Dinamarca – Suecia

Intérpretes: Taylor Russell, Ewan McGregor, Ellen Burstyn

Taylor Russell, Ewan McGregor y Ellen Burstyn protagonizan esta historia de tres hermanos distanciados que se unen cuando su madre se niega a moverse de un sofá en una tienda de muebles.

 

La obra testamentaria, primer tráiler para «Cerrar los ojos» de Víctor Erice

Posiblemente la película española más esperada de este 2023, tras su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes, Cerrar los ojos, el esperado regreso tras las cámaras de Víctor Erice 31 años después El sol del membrillo (1992), estrena un primer tráiler subtitulado al francés que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película llegará a las salas comerciales de Francia el próximo 16 de agosto, a España, de la mano de Avalon, lo hará el 29 de septiembre.
En Cerrar los ojos vemos como un célebre actor español, Julio Arenas, desaparece durante el rodaje de una película. Aunque nunca se llega a encontrar su cadáver, la policía concluye que ha sufrido un accidente al borde del mar. Muchos años después, esta suerte de misterio vuelve a la actualidad a raíz de un programa de televisión que pretende evocar la figura del actor, ofreciendo como primicia imágenes de las últimas escenas en que participó, rodadas por el que fue su íntimo amigo, el director Miguel Garay.
La película, con guion a cargo del propio Víctor Erice junto a Michel Gaztambide, está protagonizada por Manolo Solo, Ana Torrent, José Coronado, María León, Soledad Villamil, Ginés García Millán, Petra Martínez, Mario Pardo, Josep Maria Pou, Juan Margallo y Helena Miquel.

Ciclo: Nikkatsu: El crepúsculo de los dioses. Volumen 1″

La Asociación de cine Vértigo organiza un año más la Semana de Cine Japonés de Las Palmas de Gran Canaria, que este año cumple su 21ª edición, con la colaboración de La Casa de Colón y del Cabildo de Gran Canaria.
Del 24 al 28 de julio, la Semana se celebrará bajo el título Nikkatsu. El crepúsculo de los dioses. Volumen 1.
Las proyecciones, de carácter gratuito, tendrán lugar de lunes a viernes a las 19:30 horas. Aythami Ramos, crítico cinematográfico, escritor y Máster Universitario en Teoría e Historia de la Arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona – Universitat Politécnica de Catalunya, será el encargado de presentar cada película y el lunes impartirá la conferencia «La corrupción de un ángel: ascenso y caída de la Nikkatsu«.
Así pues, el público de Las Palmas de Gran Canaria podrá disfrutar durante toda la semana de distintos filmes de la mítica productora Nikkatsu (Nippon Katsudō Shashin Kabushiki-kaisha) producidos entre 1929 y 1975.
Esta Semana del Cine Japonés cuenta con el apoyo de Fundación Japón.
DETALLES:

Katanas, pistolas y medias de seda

La caída del sistema de estudios en Japón significó la muerte —cuando no la puesta en crisis— de una cierta forma de entender el mundo. En un tiempo en el que las grandes compañías aún dirigían el destino del cine, los platós de Nikkatsu, Shôchiku, Tôhô, Daiei y Tôei conformaron el Olimpo sobre el que se erigió la moderna Historia de las imágenes en aquel país. En este sentido, al menos, puede decirse que el trágico derrumbe de aquella industria de sueños no fue una mera perturbación de la modernidad, sino un reflejo de la modernidad misma y su ulterior quiebra. Pues así como los poetas de la palabra procedieron —inquietantemente, según George Steiner— a semejanza de la divinidad, sus homólogos de la pantalla creyeron, con terrible osadía, haber ocupado por siempre su lugar en el corazón de los hombres.
Al igual que otros jóvenes ilustres del período Meiji, Katsutarô Inabata fue promocionado por el interés de la nación para ampliar sus estudios en la más avanzada Europa. Sus inquietudes se orientaban entonces al conocimiento de la química textil, y con ese propósito se matriculó en la escuela técnica de La Martinière en Lyon, donde permanecería entre 1880 y 1883 aprendiendo todo lo relacionado con las nuevas técnicas de teñido empleadas en la fabricación de sedas. Pero a Inabata, además de la ciencia, le interesaban muchos otros aspectos de la vida moderna. De modo que, cuando en 1896 los negocios le llevaron nuevamente a Francia, no perdió la ocasión de visitar a sus viejos compañeros de clase entre los que se hallaba Auguste Lumière. La familia Lumière había hecho fortuna con la venta de productos fotográficos, y Auguste, junto a su hermano Louis, acababa de inventar un aparato capaz de registrar y proyectar imágenes cinéticas reales. A tal punto aquel artilugio despertó el interés del industrial japonés, que éste convino introducirlo en su país a cambio de un porcentaje menor de los beneficios. Aunque no tardaría demasiado en arrepentirse de su idea.
El 9 de enero de 1897 el Cinematógrafo desembarcó finalmente en Kobe, y un mes más tarde tuvo lugar la primera proyección en el teatro Nanchi Enbujô de Osaka. Pese a la entusiasta acogida, las complicaciones derivadas de la precaria infraestructura eléctrica de las islas y la sobrevenida competencia del Vitascopio Edison, presentado también en Osaka el 22 de febrero, apagaron rápidamente el entusiasmo de un Inabata que, ya en marzo, informó por carta a los Lumière de su intención de traspasar el negocio tan pronto como acabase el plazo de concesión pactado.
El hermano menor de su viejo amigo Masunosuke Yokota, Einosuke, apareció entonces como la solución a sus problemas. Einosuke Yokota había vivido algún tiempo en Estados Unidos, de donde regresó con una máquina de rayos-X a la que extraía un inusitado beneficio exhibiéndola como atracción de feria por diferentes ciudades de Japón. A diferencia del inexperto Inabata, tenía ambición, conocía el mundo del espectáculo y sabía cómo entretener al público. Equipado con un proyector y un lote de ‘actualités’ Lumiére, Yokota abandonó Osaka y se dirigió a Tokyo, donde ese mismo mes arrancó una fulgurante carrera que le llevaría en poco más de una década a comandar la primera gran compañía de ‘katsudô-sashin’ [imágenes en movimiento] del país.
El inicio del nuevo siglo marcó el comienzo del proceso de industrialización del cine y su consolidación como medio de comunicación y entretenimiento de masas. A su popularidad en Japón contribuyó sobremanera el estallido de la guerra con Rusia que se prolongaría entre 1904 y 1905, generando en la sociedad del momento una demanda creciente de información, no sólo escrita, sino también visual. Al público ya no le bastaba con saber lo que ocurría; también quería verlo del modo más inmediato y realista posible. Sirviéndose de ello, los documentales de guerra lograron mantener el interés por el cine más allá de la novedad. Pero tras el armisticio se hizo evidente que la supervivencia del medio pasaba por su transformación en una eficaz máquina de producir ficciones, asumiendo el papel que hasta ese momento había ejercido el teatro popular.
Unos años antes, Ken’ichi Kawaura había reconvertido su comercio de linternas mágicas en la primera compañía cinematográfica del país, la Yoshizawa Shôten, y en 1908 abrió sus propios estudios de filmación en Meguro. Pronto la seguirían la M. Patê Shôkai, creada en 1906 por Shôkichi Umeya, y la Fukohôdô, fundada en 1910 por Kenzô Tabata bajo la dirección de Kisaburô Kobayashi. Yokota, por su parte, había puesto en marcha su propia empresa de importación y exhibición de cintas Pathé en 1901, la Yokota Shôkai, y en torno a 1907 comenzó también a financiar sus propias películas en Kyoto.
A la vista del lucrativo circuito comercial que las cuatro compañías estaban empezando a implementar por todo el país, Umeya propuso a sus rivales la creación de un ‘trust’ a semejanza de la Motion Picture Patents Company que Edison había impulsado en los Estados Unidos para anular a los productores independientes. Acosado por las deudas, Kawaura se retiró de la partida y vendió la Yoshizawa a Umeya, que al fin conseguiría convencer a los otros dos para formar la Dai-Nihon Firumu Kikai Seizô Kaisha [Gran Compañía Manufacturera de Maquinaria Cinematográfica Japonesa] en 1910, con Yokota como presidente y Kobayashi como director general. Dos años después, Umeya también abandonó y Yokota refundó la empresa bajo el nombre de Nippon Katsudô-Sashin Kabushiki Kaisha [Compañía Cinematográfica de Japón], más conocida por su apócope comercial de Nikkatsu.
Bajo la presidencia de Yokota, Nikkatsu afianzó con celeridad su status de ‘major’. Su sede en Kyoto se había especializado en filmar escenas de conocidas obras ‘kabuki’, y tras la fusión continuó explotando con éxito aquel género —bautizado popularmente como ‘kyû-geki’ [viejos dramas]— con el actor Matsunosuke Onoe como principal reclamo. Entretanto, los tres estudios de Tokyo, antaño propiedad de sus rivales, fueron reemplazados por un nuevo complejo en Mukôjima, cuya producción se dedicó casi en exclusiva a adaptar lacrimógenos melodramas shinpa: una forma de teatro moderno «a la japonesa» caracterizado por mostrar interpretaciones más realistas y situaciones más cercanas a la actualidad de la era Meiji que los tradicionales ‘sewa-mono’ [obras de temática contemporánea] del ‘kabuki’ y ‘bunraku’. Yokota se ocupó también de ampliar la cuota de exhibición, incrementando el número de salas en propiedad de la compañía y firmando provechosos contratos de distribución con otros empresarios del sector. Sólo la resistencia de un puñado de pequeños estudios liderados por Komatsu, Tôyô, Shikishina y, sobre todo, Tenkatsu, le impidieron monopolizar el mercado en su época de mayor expansión.
A comienzos de la nueva década, Nikkatsu se había hecho con la mitad de las salas existentes en Japón y continuaba reinando en la industria a pesar de que sus películas empezaban a resultar anticuadas. Sobre todo, tras la irrupción en 1920 de una nueva compañía, Shôchiku, mucho más avanzada y abierta a las influencias occidentales que su ilustre competidora. Sus problemas, sin embargo, no se acabarían ahí. A la presión de una segunda ‘major’ se sumó la pérdida de buena parte de sus estudios en el Gran Terremoto de Kantô que asoló Tokyo en 1923. Obligado por las circunstancias, Yokota centralizó toda la actividad en Kyoto y otorgó un mayor peso a los directores, dando paso a una generación de cineastas de la que surgirían algunos de los primeros maestros del cine japonés como Kenji Mizoguchi, Daisuke Itô y Tomu Uchida. Pero los modos autoritarios del viejo presidente, con su política de salarios bajos y sus reticencias a modernizar los métodos de trabajo del estudio, provocaron la marcha de muchos de aquellos talentos y terminaron forzando la destitución de Yokota en 1933. De poco sirvieron sus intentos postreros de liderar la sonorización de la industria japonesa.
Como parte de una profunda política de reestructuración, la compañía adoptó ese mismo año el sistema de grabación de sonido de Western Electric y se hizo con unas nuevas instalaciones en Tamagawa para producir películas contemporáneas, mientras su sede en Kyoto se disponía a alumbrar la primera edad de oro del cine de época gracias al nuevo ‘jidai-geki’ de Sadao Yamanaka y Hiroshi Inagaki, entre otros. Nada hacía presagiar entonces que en poco menos de una década la gran Nikkatsu dejaría de existir. Al menos, de forma temporal.
En plena escalada de militarización, el gobierno Shôwa promovió la reconversión de la industria cinematográfica para servir a sus intereses propagandistas y ordenó la unificación de las diez mayores productoras del país en dos grandes bloques. Los recelos entre directivos y el comienzo de la guerra bloquearon la cuestión hasta que Masaichi Nagata, antiguo jefe de producción de Nikkatsu y responsable de Shinkô Kinema, sugirió crear tres compañías en lugar de dos: una formada por Shôchiku y Koa; otra con Tôhô, Otaguro, Tokyo Hassei, Nan-o y Takarazuka; y una última en la que se integrarían Nikkatsu, Daitô Eiga y la propia Shinkô. La propuesta fue aceptada y en 1942 la antaño todopoderosa ‘major’ acabó disolviéndose a la fuerza dentro de la nueva Daiei. Fue un golpe duro, pero no mortal. Como compensación, a Nikkatsu se le permitió conservar sus derechos de explotación de las salas, y tras el fin de la II Guerra Mundial pudo independizarse de nuevo gracias a los beneficios que le reportaron la distribución y exhibición de películas hollywoodienses durante la Ocupación, reanudando su actividad en 1954 con la oposición en bloque de sus principales adversarias.
Paradójicamente, esta segunda etapa devino en muchos aspectos menos ‘convencional’ que la primera. Ante la imposibilidad de contratar a cineastas consagrados por causa del ‘gôsha kyôtei’ [el «pacto de las cinco compañías» suscrito por Shôchiku, Tôhô, Shintôhô, Daiei y Tôei para impedir el trasvase de profesionales a Nikkatsu], el nuevo presidente, Kyûsaku Hori, tuvo que confiar el futuro de la empresa a realizadores noveles como Kô Nakahira y Shôhei Imamura, más interesados en retratar la convulsa realidad de su tiempo que en dar continuidad a las viejas rutinas del teatro o el cine clásicos. El resultado fue un cine ‘mainstream’ destinado principalmente al público juvenil, lo cual permitía asumir ciertas dosis de irreverencia y hasta de experimentación dentro de la propia industria.
Con Yujirō Ishihara como nueva estrella en alza, Nikkatsu regresó a la senda del éxito con su serie de películas ‘taiyôzoku’ [literalmente, la ‘tribu del sol’] protagonizadas por jóvenes nihilistas de clase alta abiertamente hostiles a la moralidad y los modos de vida tradicionales. Aquellas historias pretendían mostrar el desencanto del Japón post-ocupado a través del desarraigo de las nuevas generaciones y su deseo indiscriminado por todo lo nuevo. Pero Nikkatsu quiso explotar al máximo su rentable combinación de erotismo, violencia y masculinidad desafiante, y acabó empujando su producción hacia la formalización del ‘mukokuseki akushon’ o ‘borderless action’: una extraña forma de cine transcultural llevada al paroxismo por Seijun Suzuki, que se convertiría en sello de identidad de la compañía hasta comienzos de los años 70.
Aquella nueva era de prosperidad, sin embargo, no duraría demasiado. La caída de ingresos que siguió a la implantación masiva de la televisión en los hogares japoneses durante la década de los 60 abocó a toda la industria cinematográfica nipona a su desaparición. Shintôhô cerró sus puertas en 1961 y Daiei se declaró en bancarrota diez años más tarde. Nikkatsu, por su parte, trató de mantenerse a flote abrazando los contenidos para adultos. Entre 1971 y 1988 dedicó sus recursos casi en exclusiva a la elaboración de películas eróticas ‘roman poruno’, llegando a rodar más de 700 títulos antes de que la competencia de la pornografía en vídeo obligase a buscar nuevas vías de negocio en la televisión. Pero ya era demasiado tarde. Para entonces, el nombre de Nikkatsu no era más que un leve recuerdo del pasado. Un triste vestigio de los años de esplendor y catástrofe del sistema de estudios.
Aythami Ramos
Las Palmas de Gran Canaria
https://www.canarias7.es/cultura/cine/katanas-pistolas-medias-seda-20230723230332-nt.html?ref=https%3A%2F%2Ft.co%2F

 

 

 

 

El crecimiento emocional, póster y tráiler para «Un verano con Fifí»

Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su cartel español, del debut tras las cámaras del dúo formado por los franceses Jeanne Aslan y Paul Saintillan Un verano con Fifí. La cinta, que se alzó con el Premio a Mejor Película New Directors en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (crítica aquí), llegará a la salas de cine de nuestro país de la mano de SIDERAL CINEMA el próximo 25 de agosto.
Un verano con Fifí nos sitúa en Nancy, este de Francia durante el verano. Tratando de escapar de su problemático entorno familiar, Sophie, una chica de 15 años, aprovecha la oportunidad de hacerse con un juego de llaves de la casa de su adinerada amiga Jade. Mientras disfruta de la amplia vivienda, que creía vacía durante el verano, se topa con el hermano mayor de su amiga, Stéphane, quien, por azares del destino, también estaba planeando quedarse. Pero, en lugar de echarla, Stéphane decidirá dejar la puerta abierta invitando a Sophie a un verano inesperado.
La película, con guion a cargo de los propios Jeanne Aslan y Paul Saintillan junto a Agnès Feuvre, está protagonizada por Céleste Brunnquell, Quentin Dolmaire, Chloé Mons, Megan Northam, François Négret, Anthony Sonigo, Ilan Schermann, Romane Bertrand, Shirel Nataf y Igor Kovalsky.

El cine de Rainer Werner Fassbinder llega a Filmin

La amplia retrospectiva que la plataforma dedica al miembro más ilustre del Nuevo Cine Alemán incluye 19 largometrajes, dos series y dos cortos.
Filmin añadirá a su catálogo el próximo lunes 24 de julio 23 producciones dirigidas por Rainer Werner Fassbinder, en la que constituye la mayor colección de títulos del director alemán disponible en plataformas digitales en España. El ciclo consta de 19 largometrajes, dos series de televisión y dos cortometrajes, y se inscribe en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest. El festival de cine de Filmin, que el año pasado dedicó su retrospectiva al ucraniano Sergei Loznitsa, ha decidido en esta ocasión recuperar las películas más significativas del que está considerado como el mayor exponente del Nuevo Cine Alemán, corriente cinematográfica que imperó en el país germano entre los años 60 y 80 y que reúne a otros cineastas como Volker Schlöndorff, Werner Herzog o Wim Wenders. Las películas de Fassbinder permanecerán en Filmin una vez finalizado el Atlàntida Mallorca Film Fest.

Tras una primera etapa dedicada al teatro (en la que dirigió obras que posteriormente llevaría al cine como «Katzelmacher» o «Las amargas lágrimas de Petra von Kant») y unos primeros pasos en el séptimo arte de corte más experimental e influenciados por la Nouvelle Vague, el cine de Fassbinder vivió una revolución tras descubrir la obra de Douglas Sirk, al que incluso fue a conocer personalmente a Lugano (Suiza). Llegarían entonces sus «melodramas distanciados», una mezcla entre el melodrama clásico hollywoodiense y los preceptos del dramaturgo Bertold Brecht, películas analíticas, intelectualizadas y que rehuían la identificación del espectador con los personajes.

Fassbinder, que falleció en 1982 a los 37 años, tuvo tiempo de dirigir más de 40 obras en apenas 15 años, y se convirtió en uno de los mejores retratistas de su Alemania natal: su historia, su sociedad, su cultura, su geografía, y el malestar del tiempo en el que él vivió. No en vano, se ganó el apodo de «Balzac del cine alemán» gracias a una mirada amplia que le permitió retratar todas las clases sociales. Sus estrechas relaciones con los directores de fotografía Michael Ballhau Xaver Scharzemberger son clave para entender la sofisticación de su puesta en escena, y su relación con actrices como Hanna Schygulla, Margit Carstensen, Ingrid Caven o Irm Hermann explican su vinculación a un llamado «cine de mujeres» (retratos de personajes femeninos fuertes y complejos) que junto a su mirada queer le han llevado a ser relacionado en muchas ocasiones con Pedro Almodóvar.

Títulos que integran el ciclo:
El pequeño caos (Corto, 1966) ● El vagabundo (Corto, 1966) ● El amor es más frío que la muerte (1969) ● Katzelmacher (1969) ● El soldado americano (1970) ● Dioses de la peste (1970) ● ¿Por qué le da el ataque de locura al Sr. R.? (1970) ● El mercader de las cuatro estaciones (1971) ● Atención a esa prostituta tan querida (1971) ● Las amargas lágrimas de Petra Von Kant (1972) ● 8 horas no hacen un día (serie TV, 1972) ● El mundo conectado (serie TV, 1973) ● Todos nos llamamos Alí (1974) ● Effi Briest (1974) ● La ley del más fuerte (1975) ● El viaje a la felicidad de mamá Küster (1975) ● El asado de Satán (1976) ● La ruleta china (1976) ● Un año con trece lunas (1978) ● El matrimonio de Maria Braun (1979) ● La tercera generación (1979) ● Lola (1981) ● La ansiedad de Veronika Voss (1982)

Primer tráiler para lo nuevo de Philippe Garrel «Le grand chariot»

Tres años después de su notable Le sel des larmes (2020) el veterano realizador francés Philippe Garrel vuelve a ponerse detrás de las cámaras con Le grand chariot, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que tuvo su premiere mundial en el pasado Festival de Berlín, tiene previsto su estreno comercial en Francia para el próximo 13 de septiembre.
En Le grand chariot vemos como tres hermanos forman la última generación de una familia de titiriteros dirigida con pasión por su padre. Son una especie de magos, pero apenas pueden llegar a fin de mes, trabajando principalmente por amor a su oficio. Su abuela también contribuye, no solo como costurera sino también como depositaria de recuerdos y sabiduría. Un evento trágico pondrá a prueba el deseo de cada hermano de continuar con el legado.
La película, con guion a cargo del propio Philippe Garrel junto a Jean-Claude Carrière, Caroline Deruas-Garrel y Arlette Langmann está protagonizada por Louis Garrel, Damien Mongin, Esther Garrel, Lena Garrel, Francine Bergé, Aurélien Recoing, Asma Messaoudene y Mathilde Weil.

El personaje y la persona en el cine de no ficción

Las fronteras entre documental y ficción se han diluido en muchos aspectos, especialmente a partir de los años noventa del siglo XX. La habitual distinción entre persona, entendida como sujeto documental o actor social, y el personaje, como el protagonista de la ficción, han dejado de ser compartimentos estancos en un género híbrido donde conviven ambas clasificaciones, pero también formas mixtas de ambas. El objetivo de esta tesis es demostrar los cada vez más difusos límites entre la persona y el personaje en la no ficción, centrándonos en el estudio de veinte filmes producidos entre 1990 y 2015, y establecer las características de los sujetos que aparecen en ellos.
El autor
Julio Vallejo Herán es licenciado en Periodismo y Experto Universitario en Comunicación y Arte por la Universidad Complutense de Madrid, Julio Vallejo Herán ha desarrollado gran parte de su carrera en el campo de la comunicación cultural y cinematográfica. Entre sus trabajos destaca la participación en 16 volúmenes de los anuarios de críticas Cine para leer y en el libro Historia del cine en películas (1970-1979), además de sus colaboraciones periodísticas en medios como Lainformacion.com o la revista AB Magazine, entre otros. Además, ha trabajado en los gabinetes de prensa del festival DocumentaMadrid y los Cursos de Verano de la Universidad Complutense de Madrid. Acaba de finalizar el doctorado en Historia del Arte y la tesis La dialéctica personaje/persona en la hibridación de documental y ficción del cine español (1990-2015).
Autor: Julio Vallejo Herán, Editorial: Punto Rojo Libros S.L., Páginas: 186

El cuerpo como lo irracional, tráiler de «Tiger Stripes» de Amanda Nell Eu

Amparada en ese subgénero propio en donde la parábola social nos es mostrada bajo claros conceptos fantásticos la cinta malaya Tiger Stripes, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, fue una de las sorpresas vistas en la Semana de la Crítica de la pasada edición del Festival de Cannes. Con la pubertad femenina ubicada en la Asia islámica como principal eje argumental, Tiger Stripes supone el debut en el largometraje de la realizadora Amanda Nell Eu.
En Tiger Stripes vemos como Zaffan, una niña de 12 años, lucha contra la pubertad descubriendo un secreto aterrador sobre su físico. Sus intentos fallidos de ocultar lo inevitable llevan a sus amigos a que descubra quién es realmente, y la atacan por ello. Atacada también por su propia comunidad, pronto Zaffran se dará cuenta de que quizá abrazar su verdadero yo es la única respuesta a su libertad.
La película, que estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges, cuenta con un guion a cargo de la propia Amanda Nell Eu, estando protagonizada por Shaheizy Sam, Khairunazwan Rodzy, June Lojong y Fatimah Abu Bakar.

 

Sitges 2023 presenta el mejor fantástico nacional y mundial

La 56ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebrará del 5 al 15 de octubre, empieza a tomar cuerpo con un primer avance de la programación donde brillan presencias como Pablo Berger, Carlota Pereda, Álex de la Iglesia, Jessica Hausner, Bertrand Mandico, Lee Unkrich o Mary Lambert.
En la Fàbrica Moritz de Barcelona, Ángel Sala y Mònica Garcia i Massagué, Director Artístico del Festival y Directora de la Fundación respectivamente, han ofrecido un primer avance de la programación de la 56ª edición del certamen referente del cine fantástico.

 

La imagen multiplicada

Dicho anticipo ha estado precedido por la presentación de las nuevas versiones del cartel de 2023 que, un año más, ha confeccionado el equipo de CHINA. En la misma línea de la impactante imagen desvelada en el pasado Festival de Cine de Cannes, se mantiene y refuerza la apuesta por la sangre; por un rojo intenso que impregna unas manos cuya disposición nos recuerda el vuelo amenazante de ‘Los pájaros’ de Alfred Hitchcock… y al mismo tiempo nos lleva al recuerdo de incontables películas y criaturas que igualmente han protagonizado algunos de nuestros sueños más inolvidables; algunas de nuestras pesadillas más traumatizantes.

 

En ningún sitio como en casa

Como no podía ser de ninguna otra manera, la representación de producciones catalanas y españolas va a tener un peso fundamental en esta 56ª edición. Al ya anunciado regreso de Paco Plaza al hogar (a razón de la presentación de ‘HERMANA MUERTE’, nuestra película de apertura), SITGES2023 suma las presencias de nombres tan consagrados, y con tanta proyección como Pablo Berger, Carlota Pereda o Álex de la Iglesia. El primero presentará ‘ROBOT DREAMS’, espectacular cinta animada que ya ha causado furor tanto en su desembarco oficial en Cannes, como en su confirmación en Annecy, la Meca del cine de animación donde ha conquistado el Premio a la Mejor Película en la Sección Contrechamp. Por su parte, la directora de ‘Cerdita’ presentará ‘LA ERMITA’, drama sobrenatural protagonizado por Belén Rueda, y que debe servir para aupar a la que claramente se descubrió, la temporada pasada, como una de las grandes revelaciones del cine de género.

Robot Dreams

En el formato serie, daremos la bienvenida a la esperada 2ª temporada de la serie original de HBO ’30 MONEDAS’, nuevo trabajo del maestro Álex de la Iglesia; resaca deliciosamente diabólica del combate épico entre el padre Vergara y el cardenal Santoro, con uno de los repartos más impresionantes que veremos este año, con Eduard Fernández, Megan Montaner, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez y la incorporación de Najwa Nimri y Paul Giamatti, entre otrxs. También desvelaremos los sucesos paranormales de ‘EL OTRO LADO’, la serie original de Movistar Plus+ producida en colaboración en El Terrat (The Mediapro Studio) y creada por Berto Romero que dirigen Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro. Berto Romero, Andreu Buenafuente, Eva Ugarte, María Botto y Nacho Vigalondo nos descubrirán el reverso cómico de los poltergeist. En el apartado de series, también contaremos con la presentación de ‘ROMANCERO’, un original de Prime Video en forma de thriller sobrenatural andaluz, dirigido por Tomás Peña, escrito por Fernando Navarro y protagonizado por Sacha Cócola, Elena Matic, Alba Flores, Belén Cuesta, Ricardo Gómez y Guillermo Toledo. Por último, y de vuelta al formato largo, recibiremos a F. Javier Gutiérrez, cinco años después de su última película, para descubrir ‘LA ESPERA’, una retorcida intriga a tres bandos (entre Víctor Clavijo, Ruth Díaz y Manuel Morón) que supondrá el regreso del cineasta andaluz a su tierra natal.

30 Monedas (Temporada 2)

Nuestras conexiones francesas

 

Conann

Cruzando la frontera, la 56ª edición del Festival servirá también para comprobar el excelente estado de salud por el que actualmente pasa el fantastique francés. A partir de una fructífera cosecha proveniente del último Festival de Cannes, podremos ver ‘ACIDE’, de Just Philippot (gran sensación en Sitges2020 gracias a ‘La nube’, su sorprendente debut), una cinta en la que las angustias de la supervivencia emanan de la ecoansiedad de un mundo azotado por una naturaleza vengativa. En un escenario igualmente desconcertante (y desesperante), en el que algunos seres humanos se han transformado en animales, nos sumergirá la nueva propuesta de Thomas Cailey, ‘THE ANIMAL KINGDOM’, protagonizada por Romain Duris y Adèle Exarchopoulos. Por su parte, Bertrand Mandico tendrá ocasión de consagrarse como uno de los nuevos tótems del ecosistema Sitges, gracias a ‘CONANN’, una de las películas más libres, bárbaras y por esto, alucinantes del año. Por último, Sébastien Vanicek activará nuestra aracnofobia con ‘VERMIN’, y Stéphan Castang nos apabullará con ‘VINCENT DEBE MORIR’, sobre el drama agónico de un hombre (encarnado por un Karim Leklou estelar) que al despertar, descubre que una horda de gente desconocida quiere matarle.

 

All around (the world)

Pero Sitges, ya lo sabemos, es también el lugar ideal para asomarse a las cinematografías emergentes; a esas voces cuyo arrojo nos hace descubrir nuevas maneras de relacionarnos con el mundo. Es el caso de la malaya ‘TIGER STRIPES’, de Amanda Nell Eu, gran campanada en Cannes… la cual ya vislumbramos en la edición de 2018 del Sitges Fanpitch. Pero habrá tiempo para más: desde Pakistán llegará ‘IN FLAMES’, de Zarrar Kahn; el rapero Baloji nos llevará al Congo de sus orígenes en ‘OMEN’; Kenneth Lim Dagatan fundirá en ‘IN MY MOTHER’S SKIN’ el folk horror con la barbarie de la Segunda Guerra Mundial en Filipinas, y Bishal Dutta tenderá (y zarandeará) puentes entre Estados Unidos y la India en ‘IT LIVES INSIDE’.
Otros títulos que están marcando tendencia este año en el fantástico desembarcarán igualmente en Sitges. Serán los casos de ‘LATE NIGHT WITH THE DEVIL’, de Cameron y Colin Cairnes, ‘SLEEP’, de Jason Yu, ‘RIDDLE OF FIRE’, de Weston Razooli, ‘BRUJERÍA’, de Christopher Murray’, ‘WHEN EVIL LURKS’, de Demián Rugna, o ‘CLUB ZERO’, con Mia Wasikowska, nuevo y controvertido trabajo de Jessica Hausner, uno de los talentos más consolidados del cine europeo.

Late Night With the Devil

También podremos ver ‘PANDEMONIUM’, de Quarxx, ‘MONOLITH’, de Matt Vesely, ‘THE UNCLE’, de David Kapac y Andrija Mardešić, ‘WHERE THE DEVIL ROAMS’, de John Adams, Zelda Adams y Toby Poser, ‘MOON GARDEN’, de Ryan Stevens Harris, ‘MAD FATE’, de Soi Cheang, ‘BROOKLYN 45’, de Ted Geoghegan, ‘SUITABLE FLESH’, de Joe Lynch o ‘THE ROUNDUP: NO WAY OUT’, de Lee Sang-yong, con el arrollador carisma de Ma Dong-seok.
Como no podía ser de otra forma, la animación y el documental tendrán una destacada representación con propuestas como ‘DEEP SEA’, de Tian Xiao Peng o ‘FOUR SOULS OF COYOTE’, de Áron Gauder, mientras que tanto ‘STOPMOTION’, de Robert Morgan, como ‘DIVINITY’, de Eddie Alcazar (producida por Steven Soderbergh), sorprenderán por sus tratamientos puntuales de la imagen animada. En la carpeta de no-ficción, tendremos ‘ENTER THE CLONES OF BRUCE’, de David Gregory, ‘A DISTURBANCE IN THE FORCE’, de Jeremy Coon y Steve Kozak, ‘THE J-HORROR VIRUS’, de Sarah Appleton y Jasper Sharp o ‘KAIDAN. STRANGE STORIES OF JAPANESE GHOSTS’, de Yves Montmayeur, estas dos últimas, dedicadas a la atracción incansable que ejerce sobre nosotros el terror nipón.
En cuanto a los clásicos, volveremos a fijarnos en la obra de Álex de la Iglesia con el 30º aniversario de ‘ACCIÓN MUTANTE’, su legendaria ópera prima, y con la eterna polémica de Tinto Brass con ‘CALIGULA: THE ULTIMATE CUT.

Caligula: The Ultimate Cut

Presencias estelares

El dos veces ganador del Oscar LEE UNKRICH, pilar fundamental de la etapa dorada de la factoría Pixar, gracias a títulos como ‘Monstruos, S.A.’, ‘Buscando a Nemo’, ‘Coco’ o la segunda y tercera entregas de la saga ‘Toy Story’, llegará a Sitges… pero no por ninguno de estos grandes logros. Recibiremos al legendario director y montador americano para verle desgranar los laberínticos entresijos de una de sus obsesiones vitales: ‘El resplandor’, de Stanley Kubrick, un objeto de culto inagotable, esa obra maestra de la que pensábamos que ya lo sabíamos todo, pero que un increíble libro escrito por Unkrich y editado por Taschen, demuestra que aún quedan innumerables misterios con los que seguir rondando los pasillos del hotel Overlook.
En su firme compromiso por reivindicar las figuras femeninas del fantástico, este año el Festival rendirá homenaje a MARY LAMBERT, quien tiene el honor de haber sido la primera mujer en dirigir un largometraje de zombies (con ‘Cementerio viviente’, célebre adaptación de la novela homónima de Stephen King), y cuya dilatada carrera tanto en la gran como en la pequeña pantalla, se refrenda asimismo en un formato videoclip (donde encontramos piezas para artistas de la talla de Madonna, Ramones, Chris Isaak o Rod Stewart) donde también se confirma su estatus de Historia viva del audiovisual.
El cine italiano de décadas pasadas brillará con la presencia, primero, de LAMBERTO BAVA, director, guionista, productor y montador romano de “demoníaco” pedigrí; y después con BARBARA BOUCHET, Premio Nosferatu, icónica actriz afincada a dicha cinematografía y nombre clave del giallo y el poliziesco.

Lamberto Bava

Por último, también se ha anunciado la visita de CHARLES BAND, nuestro querido “maestro titiritero”, cuya dilatada trayectoria en el cine de terror será celebrada tanto desde su posición de director como de productor, y también con la presentación de su nuevo proyecto, ‘THE PRIMEVALS’, de Dave Allen.

El Festival que se lee

Un año más, Sitges transmitirá su amor por el cine fantástico también a través de la palabra escrita. En nuestro ya tradicional apartado de publicaciones, cristalizará uno de los leitmotivs de esta 56ª edición. “CIUDAD PÁNICO”, sobre la urbe como catalizador del terror, y que se verá reflejada en la pantalla con un foco donde podremos recuperar títulos como ‘EL ALMUERZO DESNUDO (NAKED LUNCH)’, de David Cronenberg, ‘DEMON (GOD TOLD ME TO)’, de Larry Cohen, ‘AMENAZA EN LA SOMBRA (DON’T LOOK NOW)’, de Nicolas Roeg o ‘LA CASA SIN FRONTERAS’, de Pedro Olea.

Naked Lunch

También, desde la iniciativa WomanInFan, llegará “MISTRESS OF FAN. MONSTRUOS, CRIATURAS Y PESADILLAS ENGENDRADOS POR ELLAS”, sobre el legado femenino en la construcción y consolidación de algunas de las figuras y mecanismos clave del cine de género. Un libro editado por Hermenaute y coordinado por Mònica Garcia i Massagué, que contará con las colaboraciones de Alexandra Heller-Nicholas, Alexandra West, Jordi Sánchez- Navarro, Ángel Sala, Alan Jones y Mikko Aromaa.

 

A la caza del arquitecto, tráiler para «The Creator» de Gareth Edwards

Tras sus incursiones en la franquicia Godzilla (2014) y Star Wars (Rogue One 2016) Gareth Edwards sigue indagando en la ciencia ficción con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado The Creator, film cuyo tráiler final acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos y España para el próximo 29 de septiembre.
En The Creator vemos como en medio de una futura guerra entre la raza humana y las fuerzas de la inteligencia artificial, Joshua, un curtido ex agente de las fuerzas especiales que sufre por la desaparición de su esposa, es reclutado para cazar y matar al Creador, el arquitecto de IA avanzada que ha desarrollado un arma misteriosa con el poder de poner fin a la guerra, e incluso a toda la humanidad. Joshua y su equipo de agentes de élite viajan a través de las líneas enemigas hasta el corazón oscuro del territorio ocupado por la IA. Una vez allí, descubren que el arma que acabará con el mundo y que les han ordenado destruir es una IA que ha adoptado la forma de una niña pequeña.
La película, con guion a cargo del propio Gareth Edwards está protagonizada por John David Washington, Gemma Chan, Ken Watanabe, Sturgill Simpson, Madeleine Yuna Voyles, Allison Janney, Robbie Tann y Marc Menchaca.

El Día del Cine Español celebrará su tercera edición con el centenario de Lola Flores y la proyección de «Embrujo»

Dos películas dirigidas por mujeres cineastas, ‘Las Niñas’ de Pilar Palomero y ‘Valentina’ de Chelo Loureiro, serán títulos claves de la programación
El Día del Cine Español, organizado por el Ministerio de Cultura y Deporte, a través del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), con la colaboración de Filmoteca Española, celebrará su tercera edición el próximo 6 de octubre.
La cita pretende poner en valor de forma colectiva el peso y la importancia del cine español cine como patrimonio cultural, generador de una identidad e imaginario común. Con este propósito, se llevan a cabo distintas actividades y acciones que dan a conocer y celebran la riqueza y la diversidad de la cinematografía española, así como a sus profesionales y sus públicos: proyecciones, coloquios, encuentros, actividades formativas, publicaciones, exposiciones y acciones de comunicación.
Este año, el Día del Cine Español estará dedicado a la actriz, bailaora y cantante Lola Flores con motivo del centenario de su nacimiento. Por ello, se proyectará ‘Embrujo’ de Carlos Serrano de Osma, protagonizada por Lola Flores y Manolo Caracol, dentro del ciclo de la programación.
‘Embrujo’ de Carlos Serrano de Osma
La pareja que formaron Lola Flores y Manolo Caracol protagonizan uno de los filmes más singulares e inclasificables del cine español: un drama musical con el que Serrano de Osma pretendía “llegar a las tinieblas del inconsciente por las rutas brillantes del folclore”, fusionando la narrativa clásica con la poética vanguardista que proporcionaban las composiciones cubistas y futuristas o el expresionismo surrealista.
Para sus escenas musicales, se contó con el Cuerpo de Baile del Gran Teatro del Liceo de Barcelona y con Juan Magriñá como director coreográfico y primer bailarín. Entre sus temas musicales más notables se encuentran ‘Qué grande es la pena mía’, ‘La niña de fuego’, ‘La Salvaora’ y ‘Tú a mí no me quieres’.
Sinopsis Manolo y Lola forman una pareja artística de gran éxito, paseando su espectáculo flamenco por los grandes teatros. Poco a poco, Manolo va enamorándose de Lola, pero ella solo quiere mantener una relación de amistad.
Lecciones de cine con ‘Las Niñas’ y ‘Valentina’
La programación prevista para celebrar el Día del Cine Español contempla otras dos películas, ambas dirigidas por mujeres cineastas. Las películas ‘Las Niñas’ (Pilar Palomero, 2020) y ‘Valentina’ (Chelo Loureiro, 2021), serán dos títulos claves, con proyecciones en todo el país.
‘Las Niñas’, ganadora de numerosos premios, entre ellos el Goya a la Mejor Película, es el debut en la dirección de Pilar Palomero, que después dirigió La Maternal (2022). Estrenada en Berlinale, Las Niñas es la historia de Celia, una niña de 11 años que vive con su madre y estudia en un colegio de monjas en Zaragoza. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia. En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.
‘Valentina’ consiguió el Goya a la Mejor Película de Animación en 2022 y en ella Valentina sueña con ser trapecista y cree que por ser Down no podrá conseguirlo. Su abuela, compañera de juegos, aprendizajes y canciones, le anima a perseguir su sueño y a seguir aprendiendo con las mismas ganas que ella pone, aún a su edad, para convertirse en directora de orquesta.
En anteriores ediciones
En 2021, el Consejo de Ministros acordó instaurar el 6 de octubre como el Día del Cine Español con el objetivo de reconocer el papel de los profesionales del sector del cine, su influencia e importancia en la vida cultural y social de nuestro país y el papel que el cine español ha desempeñado a lo largo de su historia y con el que tiene que seguir.
La fecha coincide con el final de la producción de ‘Esa pareja feliz’, película dirigida y guionizada por Bardem y Berlanga y protagonizada por Fernando Fernán Gómez, símbolo de una de las más brillantes generaciones de cineastas e intérpretes de nuestro país.
En las dos anteriores ediciones del Día del Cine Español se llevó a cabo una amplia y diversa agenda de actividades nacionales e internacionales organizadas por instituciones y entidades relacionadas con el mundo del cine.
Alrededor de 100 países contando con 50 embajadas, 40 sedes del Instituto Cervantes y 18 centros culturales de España en el exterior, comunidades autónomas, filmotecas, academias de cine y los principales festivales de cine españoles se sumaron a esta celebración. También se realizaron numerosas actividades de alfabetización audiovisual en más de 30 centros educativos.
En la segunda edición adquirió especial importancia la primera convocatoria del Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual, entregado al preservador y restaurador cinematográfico Ferrán Alberich.
El propósito de este premio es reconocer la relevancia del cine como gran arte universal del siglo XX y del audiovisual como testigo vivo de nuestros tiempos, situando su valor en condición de igualdad con el resto de las artes y patrimonios culturales.

 

Jaione Camborda, Isabel Coixet e Isabel Herguera competirán en la Sección Oficial de la 71ª edición del Festival de San Sebastián

La serie ‘La Mesías’, de Javier Ambrossi y Javier Calvo, formará parte de la Sección Oficial fuera de concurso, y ‘They Shot the Piano Player’, de Fernando Trueba y Javier Mariscal, tendrá una Proyección Especial dentro de la Sección Oficial.
‘La estrella azul’, la segunda película de Javier Macipe, ha sido seleccionada en New Directors.
La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha acogido hoy en Madrid el anuncio de 14 títulos de producción española (nueve largometrajes, un mediometraje, un corto y tres series de televisión) que podrán verse entre el 22 y el 30 de septiembre en la Sección Oficial y en las secciones New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera y Velódromo de la 71ª edición del Festival de San Sebastián.
Tras debutar en el largometraje con Arima (2020), que fue seleccionada en Made in Spain tras ser galardonada en Sevilla y Gijón, Jaione Camborda (San Sebastián, 1983) competirá por la Concha de Oro con su segundo trabajo, O Corno / The Rye Horn. La película, que está rodada en gallego y en su fase de proyecto participó en el programa de residencias Ikusmira Berriak, cuenta la historia de María (Janet Novás), una mujer que asiste en partos y que, tras un horrible suceso, se ve obligada a huir de la isla donde vive.
Isabel Herguera (San Sebastián, 1961) es una artista visual, productora y directora de animación con una filmografía en la que destacan cortometrajes multipremiados como Kutxa beltza (2016), Amore d’inverno (2015), Bajo la almohada (2012), Ámár (2010) o La gallina ciega (2006), por el que fue nominada a mejor cortometraje de animación en los Premios Goya. En El sueño de la sultana / Sultana’s Dream, su primer largometraje, Herguera nos presenta un relato basado en el cuento escrito en 1905 por Rokeya Hossain donde narra su historia personal y la historia de Ladyland, un mundo utópico gobernado por mujeres.
Por su parte, Isabel Coixet (Sant Adrià de Besòs, 1960) optará por primera vez a la Concha de Oro con Un amor, basada en la novela homónima de Sara Mesa y protagonizada por Laia Costa, que encabeza un reparto en el que también figuran Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Ingrid García-Jonsson y Francesco Carril. Coixet presentó en el Festival su primera película, Demasiado viejo para morir joven (New Directors, 1988). Desde entonces, ha competido en Cannes, Berlín y Venecia, y ha obtenido, entre otros reconocimientos, seis premios Goya. En la pasada edición del Festival Coixet participó por primera vez en la Sección Oficial con la proyección especial fuera de concurso del documental El sostre groc (El techo amarillo), que fue reconocido con el Premio RTVE-Otra Mirada y una mención especial del Premio Dunia Ayaso.

Asimismo, Javier Ambrossi (Madrid, 1984) y Javier Calvo (Murcia, 1991), que forman la pareja artística conocida popularmente como ‘Los Javis’, debutarán en la Sección Oficial con la serie de siete episodios La Mesías, definida como un thriller familiar que se proyectará fuera de concurso y en cuyo reparto figuran, entre otros, Roger Casamajor, Macarena García, Lola Dueñas, Carmen Machi, Ana Rujas, Albert Pla, Amaia, Biel Rossell y Cecilia Roth. Ambrossi y Calvo han dirigido y/o producido series de éxito como Paquita Salas (2016), La Veneno (2020) o Cardo (2021). En 2017 estrenaron en el Festival su primer largometraje, La llamada / Holy Camp, que protagonizó la Gala RTVE.
La Sección Oficial contará además con una proyección especial de producción española: They Shot the Piano Player (Dispararon al pianista), dirigida por Fernando Trueba (Madrid, 1955) y Javier Mariscal (Valencia, 1950), que forman de nuevo equipo tras haber obtenido la nominación al Óscar a la mejor película de animación por Chico & Rita (2011). En esta nueva colaboración animada reivindican la figura del músico brasileño Tenório Jr., en un retrato de los inicios del movimiento musical conocido como bossa nova. En el filme, narrado por la voz de Jeff Goldblum, suena música de Caetano Veloso, Antonio Carlos Jobim, Joao Donato, Toquinho, Bill Evans y Vinicius de Moraes, entre otros artistas.

 Javier Macipe, en New Directors

La sección New Directors, dedicada a primeras y segundas películas,acogerá el estreno del segundo largometraje de Javier Macipe (Zaragoza, 1987), La estrella azul / The Blue Star, una aproximación en clave de ficción a la historia del músico zaragozano Mauricio Aznar, fundador de bandas como Más Birras o Almagato. Su debut en el largometraje, Los inconvenientes de no ser Dios (2014), le valió el premio a la mejor primera película del Festival de Cine de Zaragoza. También ha dirigido cortos como Gastos incluidos (2019) u Os meninos do rio (2014), que resultaron finalistas en los Goya.

 Martín Benchimol y Dolores Fonzi, en Horizontes Latinos

Horizontes Latinos, sección dedicada al cine latinoamericano, contará con la participación del primer documental en solitario de Martín Benchimol (Buenos Aires, 1985), El castillo / The Castle, que competirá por el Premio Horizontes tras hacerse con los Premios WIP Latam y Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam en la última edición del Festival de San Sebastián y ser escogido por la sección Panorama de la Berlinale. Con El espanto (2017) obtuvo el premio a la mejor película en el IDFA (Festival Internacional de Cine Documental de Amsterdam).
Ya son varias las visitas que la actriz Dolores Fonzi (Buenos Aires, 1978) ha hecho al Festival, gracias a sus actuaciones en El aura (Sección Oficial, 2005), Truman (Sección Oficial, 2015), Paulina (Horizontes Latinos, 2015), La cordillera / The Summit (Proyección Especial Premio Donostia, 2017) y Distancia de rescate / Fever Dream (Sección Oficial, 2021), aunque este año volverá a San Sebastián en calidad de directora debutante. Presentará en la sección Horizontes Latinos Blondi, la historia de la especial relación que mantiene una madre con su hijo protagonizada por la propia Fonzi junto a Carla Peterson, Rita Cortese, Toto Rovito y Leonardo Sbaraglia.

Alberto Martín Menacho, An Pham Thien, Irati Gorostidi y Ion de Sosa, en Zabaltegi-Tabakalera
Zabaltegi-Tabakalera, la sección competitiva más abierta del Festival, acogerá la primera película de Alberto Martín Menacho (Madrid, 1986), Antier noche / Nights Gone By, que desarrolló en el programa de residencias y desarrollo de proyectos Ikusmira Berriak y fue estrenada en Visions du Réel. La película realiza un retrato de cierta juventud rural del sur de Europa que vive entre un mundo que desaparece y uno moderno que sigue avanzando.
Tras obtener la Cámara de Oro, galardón que recibe el mejor debut del Festival de Cannes, An Pham Thien (Vietnam, 1989) también competirá por el Premio Zabaltegi-Tabakalera con Bén Trong Vo Ken Vang / Inside the Yellow Cocoon Shell. Esta coproducción internacional cuenta la historia de Thien, un hombre que, tras una tragedia familiar, debe hacerse cargo de su sobrino y emprende la búsqueda de su hermano, desaparecido años atrás.
Ion de Sosa (Urnieta, 1981), autor de títulos como True Love (2011) y Sueñan los androides (2014), ha sido también director de fotografía en distintos proyectos y codirector del cortometraje Leyenda dorada / The Golden Legend (2019), que participó en Zabaltegi-Tabakalera tras competir en la Berlinale. En esta ocasión, De Sosa regresa en solitario a esta sección con el mediometraje Mamántula, que es también el nombre de una araña gigante travestida de humano.
También formará parte de la sección el cortometraje Contadores, de Irati Gorostidi (Eguesibar, 1988), que participó en la Semana de la Crítica de Cannes y formó parte del catálogo Kimuak del año pasado. Actualmente, Gorostidi está desarrollando su primer largometraje, Anekumen, seleccionado en Ikusmira Berriak 2022 y en otros programas de mentoría y mercados.

 Dos series en el Velódromo

El Velódromo, acondicionado para casi 3.000 espectadores, es la sala con mayor aforo del Festival, y en esta edición acogerá el estreno de dos series. Dirigida por Santos Bacana (Madrid, 1991), Cris Trenas (Madrid, 1987) y Rogelio González (Madrid, 1991), Esta ambición desmedida / This Excessive Ambition consta de tres partes que aprovechan la creación y puesta en marcha de la gira musical Sin Cantar ni Afinar para explorar el proceso creativo del artista C. Tangana.
También se presentará en el Velódromo El otro lado / The Other Side, una nueva serie original de Movistar Plus+ de seis episodios dirigida por Javier Ruiz Caldera (Viladecans, 1976) y Alberto de Toro (Barcelona, 1972), y creada, coescrita y protagonizada por Berto Romero (Cardona, 1974). El popular cómico televisivo, autor de series como Mira lo que has hecho, se adentra por primera vez en el género de terror con la historia de Nacho, un periodista especializado en lo paranormal que atraviesa un mal momento profesional y personal.

 

SECCIÓN OFICIAL – A competición

El sueño de la sultana / Sultana’s Dream

Isabel Herguera (España)

País(es) de producción: España – Alemania

Inspirada por un cuento de ciencia ficción feminista escrito en Bengala en 1905, Inés emprende un viaje iniciático por India en búsqueda de Ladyland, la utópica tierra de las mujeres.

O corno / The Rye Horn

Jaione Camborda (España)

País(es) de producción: España – Portugal – Bélgica

Intérpretes: Janet Novás, Siobhan Fernándes, Carla Rivas, Daniela Hernán Marchán, María Lado, Julia Gómez, José Navarro, Nuria Lestegás, Diego Anido

Ikusmira Berriak 2020

Illa de Arousa, 1971. María es una mujer que se gana la vida mariscando. También es conocida en la isla por ayudar a otras mujeres en sus partos con especial dedicación y cuidado. Tras un inesperado suceso, se ve obligada a huir y comienza una peligrosa travesía que le hará luchar por su supervivencia. Buscando su libertad, María decide cruzar la frontera por una de las rutas de contrabando entre Galicia y Portugal. 

Un amor

Isabel Coixet (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Ingrid García-Jonsson, Francesco Carril

Tras escapar de su agobiante vida en la ciudad, Nat, treintañera, encuentra refugio en el pequeño pueblo de La Escapa, en lo más profundo de la España rural. En una casa rústica y en ruinas, acompañada de un perro salvaje y tosco, esta joven intenta reconstruir su vida de nuevo. Después de enfrentarse a la hostilidad de su casero y a la desconfianza de los habitantes del pueblo, Nat se descubre a sí misma aceptando una inquietante propuesta sexual de su vecino Andreas. A partir de este extraño y confuso encuentro, surge una pasión devoradora y obsesiva que consumirá a Nat completamente y le hará poner en cuestión el tipo de mujer que cree ser. 

 

SECCIÓN OFICIAL – Fuera de concurso

La Mesías

Serie

Javier Calvo (España), Javier Ambrossi (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Roger Casamajor, Macarena García, Lola Dueñas, Carmen Machi, Ana Rujas, Albert Pla, Amaia , Biel Rossell, Cecilia Roth

Fuera de concurso

El vídeo viral de un grupo de música pop cristiana compuesto por varias hermanas impacta en la vida de Enric, un hombre atormentado por una infancia marcada por el fanatismo religioso y el yugo de una madre con delirios mesiánicos.

 

SECCIÓN OFICIAL – Proyecciones especiales

They Shot the Piano Player (Dispararon al pianista)

Fernando Trueba (España), Javier Mariscal (España)

País(es) de producción: España

Proyecciones especiales

Fuera de concurso

Un periodista musical de Nueva York comienza una trepidante investigación detrás de la misteriosa desaparición del pianista brasileño, Tenorio Jr, habitual de Vinicius de Moraes, entre otros. Este thriller de animación al ritmo de jazz y bossa-nova supone un punto de inflexión justo antes de que el continente latinoamericano fuera envuelto por regímenes totalitarios.

 

NEW DIRECTORS

La estrella azul / The Blue Star

Javier Macipe (España)

País(es) de producción: España – Argentina

Intérpretes: Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí, Marc Rodriguez, Mariela Carabajal, Noelia Verenice Díaz

Años 90. Un famoso rockero español recorre Latinoamérica intentando reconectar con su vocación. Allí conoce a un anciano músico en horas bajas y de su encuentro nace un dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial.

 

HORIZONTES LATINOS

Blondi

Dolores Fonzi (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – España – EEUU

Intérpretes: Dolores Fonzi, Carla Peterson, Rita Cortese, Toto Rovito, Leonardo Sbaraglia

Blondi y Mirko son mejores amigos. Les encanta vivir juntos, escuchan la misma música, miran las mismas películas, les gusta fumar marihuana, ir a recitales, tienen los mismos amigos, todo es perfecto entre ellos… pero, aunque parecen casi de la misma edad, Blondi es la madre de Mirko.

El castillo / The Castle

Martín Benchimol (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Francia – España

Intérpretes: Justina Olivo, Alexia Caminos Olivo

Tras trabajar como empleada doméstica toda su vida, Justina hereda de su antigua empleadora una enorme mansión en medio de las pampas argentinas. La única condición es que jamás la venda.

 

ZABALTEGI-TABAKALERA

Antier noche / Nights Gone By

Alberto Martín Menacho (España)

País(es) de producción: Suiza – España

Intérpretes: Juan Francisco Cambero Domínguez, Pepa Gracia, Antonio Acosta Narciso, Alba Domingo Martínez

Ikusmira Berriak 2019

Juan Francisco tiene doce años y vive en un pueblo del sur de Extremadura, un lugar rodeado de encinas milenarias y placas solares. A través de la caza con galgos, el niño descubre la estrecha relación que une a humanos y animales. Santi y Antonio forman parte de la juventud y de una modernidad que convive con las más antiguas tradiciones. Pepa es una joven madre que trabaja como temporera en el matadero. Mediante el retrato coral de estos jóvenes, se revela un territorio habitado por liebres y burros, historias de amor, incendios y raves.

Bén Trong Vo Ken Vang / Inside the Yellow Cocoon Shell

An PHAM THIEN (Vietnam)

País(es) de producción: Singapur – Vietnam – Francia – España

Intérpretes: Le Phong Vu, Nguyen Thi Truc Quynh, Nguyen Thinh, Vu Ngoc Manh

Un reticente Thien debe llevar el cuerpo de su cuñada, fallecida en un extraño accidente de moto en Saigón, y a su hijo Dao, de cinco años, que sobrevivió milagrosamente al accidente, a su pueblo natal en el campo. Thien emprende la búsqueda de su hermano mayor, desaparecido años atrás, para entregarle a Dao. En el camino, Thien tiene una serie de sueños sugestivos y encuentros cautivadores que reavivan recuerdos reprimidos y deseos prohibidos. En el laberinto de estas búsquedas fantasmales, Thien se enfrenta a su propia crisis existencial sobre por qué merece la pena vivir.

Contadores

Cortometraje

Irati Gorostidi (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Santiago Fernández de Mosteyrín, Jaume Ferrete, Claugia Pagès, Iskandar Rementeria, Natalia Suárez, Marina Suárez, Mugerza Ronse

Durante las negociaciones por un nuevo convenio del metal en 1978, un grupo de militantes libertarios defiende ante sus compañeros de fábrica su radical postura mientras atestiguan con decepción la atomización del movimiento obrero.

Mamántula

Mediometraje

Ion de Sosa (España)

País(es) de producción: Alemania – España

Intérpretes: Lorena Iglesias Lista, Moisés Richart, Marta Bassols

Mamántula es el chico al que todos desean, pero también una araña gigante travestida de humano, fruto de un breve encuentro en el Tiergarten berlinés, en un pasado alternativo de saunas brutalistas, interminables pasillos de metro y detectives con gabardina y sombrero. 

 

Primer tráiler para «The Holdovers», lo nuevo de Alexander Payne

Seis años después de su comedia dramática distópica Downsizing Alexander Payne está de vuelta con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado The Holdovers, película que de la mano de Focus Features acaba de lanzar un primer avance en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página. El film se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 27 de octubre, teniendo previsto llegar a España el 26 de enero de 2024.
En The Holdovers vemos como a nadie le gusta el profesor Paul Hunham ni a sus alumnos, ni a sus compañeros, ni al director de la escuela secundaria donde trabaja, a todos les resulta exasperante su pomposidad y rigidez. Sin familia y sin ningún lugar a donde ir durante las vacaciones de Navidad de 1970, Paul se queda en la escuela para supervisar a los estudiantes que no han podido viajar a casa. Después de unos días, solo queda allí un estudiante: un problemático chico de 15 años llamado Angus, un buen estudiante cuyo mal comportamiento siempre amenaza con expulsarlo. Junto a Paul y Angus está la cocinera Mary, una mujer afroamericana que atiende a hijos privilegiados y cuyo propio hijo perdió la vida recientemente en Vietnam. Estos tres náufragos tan diferentes formarán una improbable familia durante dos semanas muy nevadas en Nueva Inglaterra.
La película con guion a cargo de David Hemingson, está protagonizada por Paul Giamatti, Dominic Sessa, Da’Vine Joy Randolph, Carrie Preston, Gillian Vigman, Tate Donovan, Michael Malvesti, Pamela Jayne Morgan, Greg Chopoorian, Dustin Tucker, Ian Lyons, Bill Mootos, Howard Breslau, Osmani Rodriguez, Jon DiVito, Matt DiVito, Ian Dylan Hunt, Michael Provost, Brady Hepner, Oscar Wahlberg, Naheem Garcia y Colleen Clinton.

Melancolía. El mal de Saturno en el cine

Memento mori! (¡Recuerda que eres mortal!). En los momentos victoriosos, así se le recordaba al militar romano su finitud. Sentimos a diario los avisos de la muerte y del (paso del) tiempo, y sobre ellos se edifica buena parte de la actividad artística, filosófica y narrativa del ser humano a lo largo de la Historia. No solo es una fórmula que articula narrativamente tantos relatos, sino también la causa de un habitual derrumbamiento en la desdicha: la imposibilidad de recuperar el pasado, la nostalgia provocada por una juventud perdida, la melancolía estimulada por su devenir, el recuerdo de un viejo amor… El propio transcurso del tiempo es capaz de provocar tristeza, pero la memoria es el proceso mental que activa el dolor, ese sufrimiento provocado por la dificultad para olvidar y borrar, y convierte a muchos personajes cinematográficos en seres anclados en el pasado, con el que se torturan morbosamente, incapaces de vivir en el presente o entrever un futuro esperanzador. Y el tiempo (sobre todo aquel que pasa, que huye irremediablemente y nos convoca a la vejez y la muerte: la dolorosa experiencia de un tránsito fugaz) se erige en un ingrediente esencial del cine, pues este es el arte del tiempo y de la memoria por excelencia: es el regreso a los lugares del pasado, para poner en justa evidencia la implacable diferencia entre la plenitud de antaño y la desolación presente, y activar la nostalgia del pretérito huido. En definitiva, la inscripción de la biografía en el relato, que se asocia a la nostalgia como la trágica consciencia de lo irreversible; un sentimiento que se acomoda también al cinema en cuanto arte del tiempo, que no puede acelerarse, ni retroceder ni suspenderse.

“Oh, melancolía, señora del tiempo”, cantaba el cubano Silvio Rodríguez. Este libro ensaya una teoría de la melancolía en el cine (y en la literatura, y en la vida) a partir del análisis de secuencias que evocan ese sentimiento de inefable tristeza y contagian al espectador un amargo deleite que resulta tan estimulante como satisfactorio.

El autor

(Zaragoza, 1964). Autor de más de una veintena de libros sobre temas cinematográficos. Entre ellos: Thelma y Louise / La ventana indiscreta (Dirigido por), Maenza filmando en el campo de batalla (Gobierno de Aragón), El cine melodramático (Paidós), Voces en la niebla. El cine durante la Transición española (1973-1982) (Paidós), Jerry Lewis (Cátedra), Escritos sobre cine español. Tradición y géneros populares (Institución Fernando el Católico – CSIC), Dolor en la pantalla. 50 melodramas esenciales (Universitat Oberta de Catalunya), etc. Ha estudiado, con Javier Hernández, el cine aragonés en diversas monografías: Antonio Artero, Moncayo Films, Antón García Abril, Adolfo Aznar… Además, ha colaborado en numerosos libros colectivos y en revistas culturales como Turia, Dirigido por, Cuadernos de la Academia, Versión Original o Nosferatu. Es también autor de un libro de narrativa: Locos de cine y otros relatos (La Fragua del Trovador). En Shangrila Ediciones ha publicado El cine de Frank Tashlin. América satirizada y ha colaborado en el volumen Josef von Sternberg, estilización y deseo.
Autor: Pablo Pérez Rubio, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 176

Primer tráiler para «Un silence» de Joachim Lafosse

La desintegración familiar suele ser un recurso temático bastante frecuente en el cine del realizador Joachim Lafosse, tras su notable Les intranquilles (2021) acaba de ver la luz un primer adelanto en forma de tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Un silence. La película, que formara parte de la Sección Oficial a concurso de la próxima edición del Festival de San Sebastián, llegará a las salas comerciales de Francia el próximo el 10 de enero de 2024.
En Un silence conocemos a Astrid, la esposa de un conocido abogado. Silenciada durante 25 años, la estabilidad de su familia se resquebraja repentinamente cuando sus hijos emprenden su búsqueda de justicia.
La película, con guion a cargo del propio Joachim Lafosse junto a Chloé Duponchelle, Paul Ismael y Thomas van Zuylen, está protagonizada por Emmanuelle Devos, Daniel Auteuil, Matthieu Galoux, Jeanne Cherhal, Louise Chevillotte, Benoît Poelvoorde, Salomé Dewaels, Larisa Faber, Denis Simonetta y Elsa Rauchs.

«Lynch/Oz» review

La película de Victor Fleming de 1939 ‘The Wizard of Oz’ es una de las obsesiones más persistentes de David Lynch. Este nuevo documental se adentra en este tema para explorar esta corriente Technicolor en la obra de Lynch.
Al igual que Yves Montmayeur, otro de esos autores que suelen tener una presencia fija en festivales como Sitges es Alexandre O. Philippe, no en vano sus siete anteriores documentales estuvieron presentes en el certamen. Realizador fiel al formato que ha ido evolucionando conforme ha ido avanzando su trayectoria, su último trabajo, Lynch/Oz, al igual que sus anteriores, y posiblemente más notables trabajos, 78/52 (2017) y The Taking (2021) queda supeditada casi por completo a la validez de terceros, de unos interlocutores que analizan y diseccionan una materia o aspecto y su correspondiente mitificación. De la escena de la ducha de Psicosis, o las representaciones culturales próximas a Monument Valley, pasamos a las confluencias, pulsiones, o multiplicidad de miradas, entre dos fascinantes mundos, ámbitos percibidos como inabarcables, que han hecho soñar durante décadas al espectador, The Wizard of Oz de Victor Fleming y el imaginario del creador de Blue Velvet.
Lynch/Oz según se mire puede llegar a ser interpretada a modo de relato dual, el visual, frenético y solvente collage de imágenes y escenas a cargo de Alexandre O. Philippe, y el analítico, en donde el responsable de Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist cede terreno a varios mediadores, a través de un análisis expuesto en forma de compilación de ensayos fílmicos en donde la crítica Amy Nicholson y los cineastas John Waters, David Lowery, Justin Benson & Aaron Moorhead, Karyn Kusama y Rodney Ascher exploran de forma episódica, casi a modo de coordinada tesis universitaria, una conexión que resulta tan evidente como fascinante en relación a según qué aspectos.
De forma casi inevitable se producen irregularidades según la supuesta valía de la tesis ofrecida por parte del interlocutor, también esporádicas reiteraciones y sobre explicaciones en determinados apartados, aunque posiblemente el principal lastre del documental pueda llegar a ser percibido por parte del espectador en relación a unas formas didácticas, y que de manera más acertada o menos, palidecen ante una serie de imágenes totémicas que dejan en evidencia cualquier tipo de definición sobre ellas. Con todo, y con permiso de Orchestrator of Storms: The Fantastique World of Jean Rollin de Dima Ballin y Kat Ellinger, Lynch/Oz, dada su loable labor de estudio metacinematográfico, seguramente fue el documental  más interesante visto en el pasado Sitges 2022.

Valoración 0/5:2’5

La actriz Itziar Ituño se convierte en una bruja ancestral en el cartel oficial de la Semana de Terror 2023

Este 2023 las brujas son las protagonistas de la Semana, y su cartel oficial les rinde también tributo. La actriz vasca Itziar Ituño encarna a una sorgina dual, luminosa y oscura, poderosa y clemente a la vez.
El equipo creativo liderado por Nerea Torrijos, también diseñadora del vestuario, ha querido huir de las representaciones más tópicas de la bruja, persiguiendo la Magia. El diseño en forma de carta de tarot quiere conectar con esencias más ancestrales y sutiles, con los oráculos griegos, con los arcanos… recogiendo la fuerza de las dos magias.
La autora de la fotografía es Marta Fresnillo y el diseño del cartel lo ha realizado Alive VFX & Design.
El diseño del cartel se enmarca dentro del leitmotiv conjunto con TerrorMolins Sorginak-Bruixes, ya anunciado hace unos días, que incluye la exposición Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado, comisariada por Borja Crespo, y la edición del libro escrito por Elisa McCausland y Diego Salgado Beso negro: Brujería, cine y cultura pop.

 

Itziar Ituño
Nacida en 1974 en Basauri, actualmente es una de las actrices vascas más internacionales gracias a su participación en la serie «La casa de papel» (2017-2021).
Desde su debut en televisión en 1993 ha alternado su trabajo en la pequeña pantalla con el cine, el teatro y la música.
En 1999 debuta en la longeva serie «Goenkale», donde permanece hasta 2015. Ha trabajado en películas como Loreak (2014), Un otoño sin Berlín (2015), Morir (2017), Errementari (2017), Campanadas a muerto (2020), Todas las lunas (2020), Irati (2022) o Las buenas compañías (2023) y en 2022 protagonizó la serie «Intimidad» (2022).

 

Okendo Kultur Etxea acogerá la exposición «Iconos del cine fantástico japonés»

Donostia Kultura y la Fundación Japón presentan, dentro del programa de actividades Euskadi Japón 2023 y en el marco de la Semana de Terror, la exposición Iconos del cine fantástico japonés. Colección Aguilar-Haraguchi, que estará abierta en Okendo Kultur Etxea entre el 14 de septiembre y el 4 de noviembre.
Terror, ciencia ficción y fantasía. Kaijus, yokais, espectros, vampiros y extraterrestres. Antes de la explosión del cine de animación japonés, que comenzó a propagarse a gran velocidad por el mundo hasta llegar a la situación actual, y del hoy conocido como J-Horror, en Japón se produjeron un gran número de películas del género fantástico en imagen real. Historias de venganzas espectrales nacidas del kabuki, peripecias con los trasgos locales conocidos como yokai, monstruos gigantes representados por ese Godzilla que hoy es estrella mundial o películas que adaptaban las modas del cine occidental, como las invasiones extraterrestres o los vampiros.
Todo este cine dio lugar a una cartelería muy imaginativa que hoy es muy apreciada. La Colección Aguilar-Haraguchi (una de las mayores del mundo, recopilada por el escritor y especialista en cine japonés Daniel Aguilar y el cineasta y técnico de efectos especiales de maquillaje Tomoo Haraguchi) reúne posters, guías de prensa, fotografías, pressbooks y todo tipo de material publicitario hoy inencontrable que se podrá ver en Okendo Kultur Etxea, así como muestras del trabajo de Haraguchi en el campo de la creación de criaturas fantásticas.

Tráiler y póster para lo nuevo de Quentin Dupieux «Yannick»

El cine de Quentin Dupieux podría considerarse perfectamente un subgénero en sí mismo, un tipo de cinematografía bastante prolífica que nos suele dar al menos un par de películas al año. Algunos de esos títulos están traspasando últimamente de forma tímida el circuito de festivales para ver la luz comercialmente en nuestro país, como el caso de la reciente Fumer fait tousser, cuyo estreno en cines de la mano de A Contracorriente Films está previsto para el próximo 8 de septiembre. Junto a la ya anunciada Daaaaaali! este 2023 verá la luz Yannick, película cuyo primer tráiler acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Yannick, que tendrá su premiere mundial en la próxima edición del Festival de Locarno, nos sitúa durante la representación de una obra de teatro que tiene como título Le Cocu, durante la cual un joven llamado Yannick se levantará de entre el público, interrumpiendo el espectáculo forma repentina con la intención de reconducir la obra según su propio parecer.
La película, con guion como viene siendo habitual a cargo de Quentin Dupieux, está protagonizada por Raphaël Quenard, Pio Marmaï, Blanche Gardin, Agnès Hurstel y Sébastien Chassagne.

Más de 100 películas integran la programación online de Atlàntida Mallorca Film Fest 2023

La 13ª edición del mayor festival de cine online de Europa se celebrará en Filmin del 24 de julio al 24 de agosto.
Después de presentar el pasado viernes 7 de julio la programación de la edición física de su festival en Palma, Filmin anuncia hoy los más de 100 títulos que integrarán la edición online de Atlàntida Mallorca Film Fest. En su edición número 13, el mayor festival online de cine de Europa presenta una amplia y variada programación con títulos inéditos comercialmente en España y algunas de las joyas que han triunfado recientemente en el circuito internacional de festivales de cine.

La programación se divide en diferentes bloques temáticos. Por segundo año consecutivo, el festival contará con una Sección Oficial a Competición que podrá verse íntegra en Palma y en Filmin, y que está compuesta por 13 largometrajes. Entre ellos destacan «Falcon Lake», el debut como directora de la actriz Charlotte Le Bon, un drama romántico con tintes de cine fantástico sobre la relación entre un adolescente y una chica mayor que él; «Chiara», la nueva película de Susanna Nicchiarelli («Miss Marx»), una biografía de Clara de Asís protagonizada por Margherita Mazzucco («La amiga estupenda»); o «Aurora’s Sunrise», documental de animación dirigido por Inna Sahakyan sobre la estrella del Hollywood mudo y superviviente del genocidio armenio Aurora Mardiganian.

En la sección Memoria Histórica, integrada por obras que reflexionan sobre el pasado de Europa, encontramos películas como «Marcha sobre Roma», documental sobre el ascenso del fascismo en Italia que firma Mark Cousins; «Apaches», de Romain Quirot, una suerte de «Peaky Blinders» a la francesa protagonizada por Niels Schneider; o «Lola», de Andrew Legge, fascinante película fantástica de viajes en el tiempo ambientada en la Segunda Guerra Mundial.

En la sección Arties, consagrada a ficciones y documentales sobre Arte, Literatura, Música y Cine, encontramos nombres propios tan sugerentes como los de William Shakespeare («Dentro de Hamlet»), T. S Elliot y Ralph Fiennes («Cuatro cuartetos»); Johannes Vermeer («Cerca de Vermeer»), Liv Ullmann («Liv Ullmann: El camino menos transitado»), Josef Mysliveček («Il Boemo»), Elfriede Jelinek («Elfriede Jelinek: El lenguaje desatado»), Isabelle Huppert («Mi vida en el teatro»), Umberto Eco («Umberto Eco: La biblioteca del mundo») o Igor Levit («Igor Levit: Sin miedo»).

En Política y controversia encontramos once películas entre las que destacan «The Ordinaries», de Sophie Linnenbaum, comedia dramática distópica sobre una sociedad dividida en tres tipos de casta; la singular cinta portuguesa «Tommy Guns», de Carlos Conceiçao, extraño cuento de terror sobre la Angola colonial que, acaba ofreciendo una lección de historia aplicable globalmente; o «Las aventuras de Gigi La Ley», del italiano Alessandro Comodin, Premio Especial del Jurado en el Festival de Locarno, sobre un policía de tráfico que debe investigar una misteriosa ola de suicidios.

La sección Climatics reflexiona desde diversos ángulos sobre el Medio Ambiente y la sostenibilidad, e incluye propuestas tan heterogéneas como la última película de Peter Strickland, «Flux gourmet», joya surrealista ambientada en un espectáculo culinario; «La montaña», de Thomas Salvador, en la que un ingeniero parisino se refugia de su vida cotidiana en lo alto del Mont Blanc; o «Burning Days», del turco Emin Alper, sobre el enfrentamiento entre un joven fiscal y una comunidad rural y conservadora en la que los nobles locales no quieren que nada cambie.

En Domestic encontramos películas que exploran el modo en que la sociedad, sus cambios y tendencias afectan a la vida cotidiana de los ciudadanos. Un caso de violencia doméstica se encuentra en el centro de «La línea», la última película de Ursula Meyer («Sister») con Valeria Bruni-Tedeschi al frente del reparto. En «Maya Nilo (Laura)», Lovisa Sirén nos ofrece un melodrama sobre ruedas que retrata el viaje de dos hermanas y la hija de una de ellas para visitar a su madre enferma de cáncer. Por su parte, Maha Haj ganó el Premio al Mejor Guion de la sección Un certain regard del Festival de Cannes con «Mediterranean Fever», comedia sobre la amistad y la depresión llena de sorpresas.

En la sección LGTBIQ+ destacan «Beautiful Beings», la nueva película de Guðmundur Arnar Guðmundsson («Heartstone»), sobre la vulnerabilidad en la infancia y cuya trama navega entre el cine social y el realismo mágico; «Deja de decir mentiras», de Olivier Peyon, está protagonizada por un afamado escritor que regresa a su pueblo natal para conectar de nuevo con su primer amor, de naturaleza homosexual, y que él creía olvidado; y en «Vera», el matrimonio formado por Tizza Covi y Rainer Frimmel nos presentan a Vera Gemma, una celebrity en horas bajas que vive bajo la sombra de su padre, una leyenda del Spaghetti Western.

La programación se completará con una selección de los mejores largos y cortos baleares de la temporada, integrados en la sección Balearics, y con una amplísima retrospectiva del director Rainer Werner Fassbinder, en la que podremos disfrutar de dos cortos, dos series y 15 largometrajes del más célebre representante del Nuevo Cine Alemán. Finalmente, para los más pequeños de la casa ofrecemos una compilación de cortometrajes de los entrañables Moomins, los simpáticos personajes creados por Tove Jansson, bajo el título «La fantástica biblioteca de los Moomins», dirigida por Veronica Lassenius. 

ATLÀNTIDA MALLORCA FILM FEST: PROGRAMACIÓN ONLINE

SECCIÓN OFICIAL:
«Falcon Lake» (Charlotte Le Bon, Francia, 2022)
«Dalva» (Emanuelle Nicot, Francia, 2022)
«Neon Spring» (Matiss Kaza, Letonia, 2022)
«Safe Place» (Juraj Lerotic, Croacia, 2022)
«Pensive» (Jonas Trukanas, Lituania, 2022)
«To the North» (Mihai Mincan, Rumanía, 2022)
«Aurora’s Sunrise» (Inna Sahakyan, Armenia, 2022)
«Chiara» (Susanna Nicchiarelli, Italia, 2022)
«Inland» (Fridtjof Ryder, Reino Unido, 2022)
«Delegation» (Asaf Saban, Israel, 2023)
«Thunder» (Carmen Jaquier, Suiza, 2022)
«January» (Viesturs Kairiss, Letonia, 2022)
«The Gravity» (Cédric Ido, Francia, 2022)

MEMORIA HISTÓRICA:
«Apaches» (Romain Quirot, Francia, 2023)
«Lola» (Andrew Legge, Irlanda, 2022)
«El fin de Eichmann (June Zero)» (Jake Paltrow, Israel, 2022)
«El hombre más feliz del mundo» (Teona Strugar Mitevska, Macedonia, 2022)
«Marcha sobre Roma» (Mark Cousins, Italia, 2022)
«El eclipse» (Nataša Urban, Noruega, 2022)
«Disturbios» (Cyril Schäublin, Suiza, 2022)
«Human Flowers of Flesh» (Helena Wittman, Alemania, 2023)
«Leonora Addio» (Paolo Taviani, Italia, 2022)
«Nayola» (José Miguel Ribeiro, Portugal, 2022)
«Magdala» (Damien Manivel, Francia, 2022)
«Carpetas azules» (Ander Iriarte, España, 2022)
«Soy vertical pero me gustaría ser horizontal» (María Antón Cabot, España, 2022)

ARTIES:
«Dentro de Hamlet» (Ken McMullen, Reino Unido, 2022)
«Cuatro cuartetos» (Sophie Fiennes, Reino Unido, 2023)
«Cerca de Vermeer» (Suzanne Rae, Países Bajos, 2023)
«Liv Ullmann: El camino menos transitado» (Dheeraj Akolkar, Noruega, 2023)
«Elfriede Jelinek: El lenguake desatado» (Claudia Müller, Alemania, 2022)
«Umberto Eco: La biblioteca del mundo» (Davide Ferrario, Italia, 2022)
«Mi vida en el teatro (By Heart)» (Benoit Jacquot, Francia, 2023)
«Igor Levit: Sin miedo» (Regina Schilling, Alemania, 2022)
«Il Boemo» (Petr Vaclav, República Checa, 2022)
«La vida de Charlotte Salomon»  (Joseph Curran y Dominic Aubrey de Vere, Reino Unido, 2023)
«See you friday, Robinson» (Mitra Farahani, Francia, 2022)
«Mutzenbacher» (Ruth Beckerman, Austria, 2022)

POLÍTICA Y CONTROVERSIA:
«The Ordinaries» (Sophie Linnenbaum, Alemania, 2022)
«Tommy Guns» (Carlos Conceiçao, Portugal, 2022)
«Las aventuras de Gigi La Ley» (Alessandro Comodin, Italia, 2022)
«Grand Paris» (Martin Jauvat, Francia, 2022)
«Como salvar a un amigo muerto» (Marusya Syroechkovskaya, Suecia, 2022)
«Cryptoqueen» (Johan von Mirbach, Alemania, 2022)
«A German Party» (Simon Brückner, Alemania, 2022)
«Working Class Heroes» (Milos Pusic, Serbia, 2022)
«Néixer per néixer» (Pablo García Pérez de Lara, España, 2023)
«La esperanza atómica» (Frankie Fenton, Irlanda, 2022)
«Desvelando Arafat» (Fabrice Gardel, Francia, 2023)

CLIMATICS:
«Flux Gourmet» (Peter Strickland, Reino Unido, 2022)
«La montaña» (Thomas Salvador, Francia, 2022)
«Burning Days» (Emin Alper, Turquía, 2022)
«Enys Men» (Mark Jenkin, Reino Unido, 2022)
«Domingo, domingo» (Laura García Andreu, España, 2023)
«La paradoja de Antares» (Luis Tinoco, España, 2022)
«Fauna» (Pau Faus, España, 2023)
«Du vin dans le voiles» (Xavi Herrero, España, 2023)

DOMESTIC:
«La línea» (Ursula Meier, Suiza, 2022)
«Maya Nilo (Laura)» (Lovisa Sirén, Suecia, 2022)
«Mediterranean Fever» (Maha Haj, Palestina, 2022)
«Borders of Love» (Tomasz Winski, Polonia, 2022)
«Queens» (Yasmine Benkiran, Francia-Marruecos, 2022)
«Happiness» (Askar Uzabayev, Kazajistán, 2022)
«Nosotros también podríamos estar muertos» (Natalia Sinelnikova, Alemania, 2022)
«Brillantes» (Sylvie Gautier, Francia, 2022)
«Home Invasion» (Graeme Arnfield, Reino Unido, 2023)
«Pink Moon» (Floor van der Meulen, Países Bajos, 2022)
«Family Dinner» (Peter Hengl, Austria, 2022)
«Marx puede esperar» (Marco Bellocchio, Italia, 2022)
«H» (Carlos Pardo Ros, España, 2023)
«Sueños y pan» (Luis Soto, España, 2023)

LGTBIQ+:
«Vera» (Tizza Covi, Rainer Frimmel, Austria, 2022)
«Deja de decir mentiras» (Olivier Peyon, 2023, Francia)
«Beautiful Beings» (Guðmundur Arnar Guðmundsson, Islandia, 2022)
«Norwegian Dreams» (Leiv Igor Devold, Noruega, 2023)
«Tres noches por semana» (Florent Gouëlou, Francia, 2022)
«My Way Out» (Izaskun Arandia, España, 2023)
«Le Beau Mec» (Wallace Potts, Francia, 1979)
«Prejuicio y orgullo» (Eva Beling, Suecia, 2023)

CICLO FASSBINDER:
«The American Soldier» (RW Fassbinder, 1970, Alemania)
«The Merchant of Four Seasons» (RW Fassbinder, 1972, Alemania)
«Satan’s Brew» (RW Fassbinder, 1976, Alemania)
«Love is Colder than Death» (RW Fassbinder, 1969, Alemania)
«Katzelmacher» (RW Fassbinder, 1969, Alemania)
«The Bitter Tears of Petra von Kant» (RW Fassbinder, 1972, Alemania)
«Ali: Fear Eats the Soul» (RW Fassbinder, 1974, Alemania)
«Gods of the Plague» (RW Fassbinder, 1970, Alemania)
«Beware of a Holy Whore» (RW Fassbinder, 1971, Alemania)
«Fontan Effi Briest» (RW Fassbinder, 1974, Alemania)
«Fox and his Friends» (RW Fassbinder, 1975, Alemania)
«Mother Kürters Goes to Heaven» (RW Fassbinder, 1975, Alemania)
«Chinese Roulette» (RW Fassbinder, 1976, Alemania)
«The Marriage of Maria Braun» (RW Fassbinder, 1979, Alemania)
«La ansiedad de Veronika Voss» (RW Fassbinder, 1982, Alemania)
«Lola» (RW Fassbinder, 1981, Alemania)
«Why Does Herr R. Run Amok?»  (RW Fassbinder, 1970, Alemania)
«In Year With 13 Moons» (RW Fassbinder, 1978, Alemania)
«The Third Generation» (RW Fassbinder, 1979, Alemania)
«The Little Caos» (RW Fassbinder, 1967, Alemania)
«The CIty Tramp» (RW Fassbinder, 1966, Alemania)
«World on a Wire» (RW Fassbinder, 1973, Alemania)
«8 Hours Don’t Make a Day» (RW Fassbinder, 1972, Alemania)

BALEARICS:
«María y la película olvidada» (Marta Hierro y Nuria Abad, 2023)
«Beach House» (Héctor Hernández Vicens, 2023)
«Operación Brooklyn» (Tomas Ocaña, 2023)
«Naturaleza muerta» (Toti García, 2023)
«Morir en Ibiza» (Mattéo Eustachon, Léo Couture, Anton Balekdjian, 2022)
«Anecoica» (Marcos Callejo, 2023, corto)
«Fiona» (Rafa Cortés, 2023, corto)
«Cleo vendrá esta noche» (Aitana Ahrens, Miguel Guindos, 2023, corto)
«Ben» (Miki Durán, 2023, corto)
«Zeta» (Ismael Luna, Toni Amengual, 2023, corto)
«Al compás» (Ghinwa Daher. 2022, corto)
«Archipiélago: A Love Story» (Kalle Gustafsson, 2023, corto)
«La nau» (Guillem Miró, 2023, corto)
«La herida luminosa» (Christian Avilés, 2022, corto)

KIDS:
«La fantástica biblioteca de los Moomins» (Veronica Lassenius, Finlandia, 2023)

Bonaparte según Ridley Scott, primer tráiler para «Napoleón»

Acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures Entertainment un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la esperada nueva película del veterano Ridley Scott Napoleón. La película, que se estrenará en cines el próximo 24 de noviembre, para más tarde estar disponible en exclusiva en Apple TV+, nos muestra una mirada personal a los orígenes del líder militar francés y su rápido y despiadado ascenso a emperador. La historia se ve a través de la lente de la relación adictiva y volátil de Napoleón Bonaparte con su esposa y único amor verdadero, Josefina.
Napoleón, con guion a cargo de David Scarpa, está protagonizado por Joaquin Phoenix, Vanessa Kirby, Ludivine Sagnier, Ben Miles, Tahar Rahim, Ian McNeice, Matthew Needham, Paul Rhys, John Hollingworth, Youssef Kerkour, Scott Handy, Sam Crane, Benjamin Chivers, Jonathan Barnwell, Phil Cornwell, Gavin Spokes, Harry Taurasi y Peter Sandys-Clarke.
La película es una producción de Apple Studios y Scott Free Productions que cuenta con Kevin Walsh, Mark Huffam y los mencionados Ridley Scott y Joaquin Phoenix como productores, con Michael Pruss y Aidan Elliott como productores ejecutivos.

Kubrick total. Cómo cambió el rumbo del cine de Hollywood

Esta es la historia de dos caminos. El primero es el recorrido por Stanley Kubrick y su carrera cinematográfica. El segundo es el de la historia del cine de Hollywood. Ambos se encontrarán en un momento crucial, el año 1968, provocando lo que Steven Spielberg definió como “el big-bang” del género clave del cine comercial moderno, la ciencia ficción. Ese punto crucial de la historia del cine será 2001: una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968). El presente libro constata la relevancia de esta película, no solo por su calidad cinematográfica, sino por constituirse como punto de giro y unión entre el final de la Era Dorada y el inicio del cine contemporáneo de Hollywood, centrado en las cintas de efectos visuales espectaculares del género de la ciencia ficción y fantasía, que tiene a Star Wars (George Lucas, 1977), y su saga-franquicia, como mayor representante y modelo.
Autor: Sergio Peral. Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L. Páginas: 792

Las películas de Robin Campillo, Joachim Lafosse y Cristi Puiu, entre otras, competirán en la 71ª edición del Festival de San Sebastián

La debutante estadounidense Raven Jackson formará parte de la Sección Oficial con un largometraje desarrollado en el programa Ikusmira Berriak
María Alché y Benjamín Naishtat, Robin Campillo, Joachim Lafosse, Noah Pritzker, Cristi Puiu y Martín Rejtman presentarán sus películas más recientes en la Sección Oficial de la 71ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará entre el 22 y el 30 de septiembre. Asimismo, Raven Jackson concursará con su primer largometraje, que en su fase de proyecto participó en el programa de residencias Ikusmira Berriak.
María Alché (Buenos Aires, Argentina. 1983) y Benjamín Naishtat (Buenos Aires, Argentina. 1986) dirigen conjuntamente Puan, en la que Marcelo Subiotto y Leonardo Sbaraglia interpretan a dos profesores enfrentados por una cátedra universitaria. Alché obtuvo el Premio Horizontes con su primer largometraje, Familia sumergida / A Family Submerged (2018), y es, además, residente del programa Ikusmira Berriak de este año. Por su parte, Naishtat ganó la Concha de Plata a la mejor dirección con Rojo (2018), que también obtuvo los premios al mejor actor y a la mejor fotografía, y anteriormente participó en la sección Horizontes Latinos con Historia del miedo / History of Fear (2014). Puan fue seleccionada para Proyecta 2021 y con sus trabajos individuales Alché y Naishtat han visitado otros festivales de cine como los de Berlín y Locarno.
El cineasta francés Robin Campillo (Mohammédia, Marruecos. 1962) competirá por primera vez en San Sebastián con la película L’île rouge / Red Island (La isla roja), cuyo escenario es la colonización francesa de Madagascar. Su cuarto trabajo como director llega después de obtener el Gran Premio del Jurado de Cannes con 120 battements par minute (120 BPM) / 120 Beats Per Minute (120 pulsaciones por minuto, Perlak, 2017). En 2009 su debut tras la cámara, Les Revenants / They Came Back (La resurrección de los muertos, 2004), fue incluido en la retrospectiva La contraola: novísimo cine francés, y en 2012 figuró en la Sección Oficial como coguionista de Foxfire, de Laurent Cantet.
La directora Raven Jackson (Tennessee, EEUU. 1990) competirá en San Sebastián con su debut, pero su relación con el Festival es estrecha. Por un lado, participó en la sección Nest, la competición internacional de cortometrajes de estudiantes de cine, con Nettles (2018) y, por otro, en el programa Ikusmira Berriak desarrolló la película que presenta en esta 71ª edición, All Dirt Roads Taste of Salt, una exploración lírica de la vida de una mujer en Misisipi que fue estrenada este año en la sección U.S. Dramatic Competition de Sundance.

Joachim Lafosse (Uccle, Bélgica. 1975) volverá a la competición oficial con su décimo largometraje, Un silence / A Silence, un drama protagonizado por Emmanuelle Devos y Daniel Auteuil. En 2015 el realizador ganó la Concha de Plata a la mejor dirección por Les chevaliers blancs / The White Knights (Los caballeros blancos), y dos de sus trabajos han pasado por la sección Perlak: L’économie du couple / After Love (Después de nosotros, 2016) y Les intranquilles / The Restless (Un amor intranquilo, 2021).
Tras su debut con la película Quitters (2015), Noah Pritzker (San Francisco, EEUU. 1986) visitará San Sebastián por vez primera para presentar su segundo largometraje, Ex-Husbands, que retrata los vaivenes sentimentales de varios hombres de una misma familia. En el reparto del filme figuran Griffin Dunne, James Norton, Miles Heizer, Rosanna Arquette y Eisa Davis.
Las obras del realizador Cristi Puiu (Bucarest, Rumanía. 1967) han pasado por los festivales de Cannes y Karlovy Vary, y The Death of Mr. Lazarescu (La muerte del Sr. Lazarescu, 2005), que en 2014 fue incluida en la retrospectiva Eastern Promises. Retrato de Europa del Este en 50 películas, es considerada una obra capital de la nueva ola del cine rumano. En 2016 participó en la sección Perlak con Sieranevada, y este año estará en la competición oficial con MMXX, que sigue las andanzas de un puñado de almas errantes atrapadas en la encrucijada de la Historia.
Martín Rejtman (Buenos Aires, Argentina. 1961) participará por primera vez en la Sección Oficial con La práctica / The Practice, una comedia en la que el actor Esteban Bigliardi interpreta a un profesor de yoga inmerso en una crisis matrimonial. Varias de las películas anteriores del director argentino han pasado por San Sebastián: Silvia Prieto (1999) fue exhibida en la sección Made in Spanish; Los guantes mágicos (2004) y Dos disparos / Two Shots Fired (2014) estuvieron en Horizontes Latinos, y el cortometraje Shakti (2019) fue incluido en Zabaltegi-Tabakalera el año en que Rejtman presidió el jurado de Nest. Por último, en 2020 su proyecto El repartidor está en camino / Riders obtuvo el Premio Eurimages al Desarrollo de Coproducción en el Foro de Coproducción Europa-América Latina.

Películas

All Dirt Roads Taste of Salt

Raven Jackson (EEUU)
País(es) de producción: EEUU
Intérpretes: Charleen McClure, Reginald Helms, Jr., Moses Ingram, Zainab Jah, Sheila Atim, Chris Chalk
El debut en el largometraje de la galardonada poetisa, fotógrafa y cineasta Raven Jackson es una exploración lírica que abarca varias décadas de la vida de una mujer en Misisipi, un retrato inquietante con multitud de capas y una hermosa oda a las generaciones de personas y lugares que nos dan forma.

Ex-Husbands

Noah Pritzker (EEUU)
País(es) de producción: EEUU
Intérpretes: Griffin Dunne, James Norton, Miles Heizer, Rosanna Arquette, Eisa Davis
Los padres de Peter se divorciaron tras 65 años juntos; su mujer le abandonó después de 35 y sus hijos, Nick y Mickey, tienen su propia vida. Cuando Peter vuela a Tulum y se cuela en la despedida de soltero de Nick organizada por su hermano Mickey, se da cuenta de que no es el único en crisis.

La práctica / The Practice

Martín Rejtman (Argentina)
País(es) de producción: Argentina – Chile – Portugal
Intérpretes: Esteban Bigliardi, Mirta Busnelli, Manuela Oyarzún, Camila Hirane, Gabriel Cañas
Gustavo y Vanesa se separan y tienen que revisar los proyectos en común. Los dos son profesores de yoga. Gustavo es argentino; Vanesa, chilena. El viaje a la India se cancela. Vanesa se queda con el departamento y deja el estudio que compartían; Gustavo se queda sin casa. Por el estrés acumulado Gustavo se lesiona la rodilla y reemplaza el yoga: primero por ejercicios de cuádriceps y después por el gimnasio. Pero poco a poco su vida empieza a encarrilarse y vuelve a encontrar el camino a la práctica.

L’île rouge / Red Island (La isla roja)

Robin Campillo (Marruecos)
País(es) de producción: Francia – Bélgica
Intérpretes: Nadia Tereszkiewicz, Quim Gutiérrez
L’île rouge / Red Island (La isla roja) nos sitúa en Madagascar a principios de los 70, en una de las últimas bases aéreas del ejército francés, donde las familias de los militares viven los últimos coletazos del colonialismo. Thomas, un niño de 10 años muy influenciado por la lectura de los relatos de la intrépida heroína Fantômette, observa con fascinación todo cuanto le rodea, mientras el mundo se abre gradualmente a otra realidad.

MMXX

Cristi Puiu (Rumanía)
País(es) de producción: Rumanía
Intérpretes: Bianca Cuculici, Laurențiu Bondarenco, Otilia Panaite, Florin Țibre, Igor Babiac, Roxana Ogrendil, Adelaida Perjoiu, Dorian Boguță, Dragoș Bucur, Marin Cumatrenco
Oana Pfifer, una joven terapeuta, se enreda poco a poco con las preguntas que le hace a su paciente. Preocupado por su cumpleaños, Mihai, el hermano de Oana, se ve atrapado en una historia mucho más grande de lo que puede manejar. Septimiu, el marido de Oana, inquieto por su salud, escucha sin demasiada atención una extraña historia en la que se vio involucrado un compañero de trabajo. Narcis Patranescu, inspector del área de crimen organizado, se enfrenta a una inquietante y oscura historia mientras interroga a una joven durante un funeral.

Puan

María Alché (Argentina), Benjamín Naishtat (Argentina)
País(es) de producción: Argentina – Italia – Alemania – Francia – Brasil
Intérpretes: Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia, Julieta Zylberberg, Alejandra Flechner, Mara Bestelli, Andrea Frigerio
Marcelo ha dedicado su vida a la enseñanza en la Facultad de Filosofía. Cuando el Profesor Caselli, su mentor, muere inesperadamente, Marcelo asume que heredará la posición de titular de Cátedra que ha quedado vacante. Lo que no imagina es que Rafael Sujarchuk, un carismático y seductor colega, regresará de su pedestal en las universidades europeas para disputar esa misma Cátedra. Los torpes esfuerzos de Marcelo por demostrar que es el mejor candidato desencadenarán un divertido duelo filosófico, mientras su vida y el país entran en una espiral de caos.

Un silence / A Silence

Joachim Lafosse (Bélgica)
País(es) de producción: Bélgica – Francia – Luxemburgo
Intérpretes: Daniel Auteuil, Emmanuelle Devos, Matthieu Galoux, Salomé Dewaels, Jeanne Cherhal
Astrid es la esposa de un conocido abogado. Silenciada durante 25 años, la estabilidad de su familia se resquebraja repentinamente cuando sus hijos emprenden su búsqueda de justicia.

Un nuevo Expediente Warren, primer tráiler para «The Nun II»

Vía Warner Bros acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de terror The Nun II, secuela del film dirigido por Corin Hardy en 2018 y así mismo spin-off  de la saga The Conjuring. Tras las cámaras Michael Chaves, responsable de otras incursiones en el género de terror como La Llorona (2019) o la reciente The Conjuring: The Devil Made Me Do It (2021). El estreno comercial de la película tanto en cines de Estados Unidos como de España está previsto para el próximo 8 de septiembre.
El Universo Expediente Warren es una de las franquicias de terror más taquillera de la historia, con más de 2.000 millones de dólares en todo el mundo. Cuatro de sus películas han recaudado más de 300 millones de dólares cada una en todo el mundo (La monja, 366; Expediente Warren: El caso Enfield, 322; Expediente Warren: The Conjuring, 320; Annabelle: Creation, 307).
The Nun II nos sitúa en la Francia de 1956, en donde vemos como un sacerdote es asesinado y un mal se está extendiendo. La hermana Irene una vez más se tendrá que encontrar cara a cara con Valak, la monja demonio.
La película, con guion a cargo de Akela Cooper, Ian Goldberg y Richard Naing, está protagonizada por Taissa Farmiga, Jonas Bloquet, Storm Reid, Anna Popplewell, Katelyn Rose Downey y Bonnie Aarons.

Filmoteca Española dedica un foco a Ana Mariscal en el centenario de su nacimiento

Las sesiones en el cine Doré recorrerán la filmografía de la cineasta en todas las facetas de su carrera como actriz, productora y directora
El 18 de julio se proyectará la restauración de `Segundo López, aventurero urbano´ (Ana Mariscal, 1953), llevada a cabo por David García Rodríguez, hijo de la directora
Con motivo del centenario del nacimiento de Ana Mariscal, en julio de 1923, Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación del patrimonio cinematográfico español, dedica un foco a la actriz, productora y directora.
Este foco, que dio comienzo el pasado 2 de julio, está dividido en 14 sesiones, en las que se proyectarán algunas de las películas más personales realizadas por Ana Mariscal, como `Con la vida hicieron fuego´ (1959) o `El camino´ (1964), así como `Segundo López, aventurero urbano´ (1953), cuya restauración ha sido llevada a cabo por el hijo de Ana Mariscal, David García Rodríguez. También se programarán otras películas en las que destaca como intérprete, como `La violetera´ (Luis César Amadori, 1958) o `La princesa de los Ursinos´ (Luis Lucia, 1947).
Asimismo, forman parte de la retrospectiva “Ana Mariscal. Una discreta rebeldía” títulos populares que produjo y en los que también actuó como `Feria en Sevilla´ (1962), `Los duendes de Andalucía´ (1966) o `Vestida de novia´ (1966).
De entre las actividades que acompañan el ciclo, tuvo lugar ayer 4 de julio una mesa redonda sobre la cineasta a cargo de las investigadoras Marina Díaz, Sonia García López y María Rosón; y el día 13 tendrá lugar la presentación del libro `El universo de Ana Mariscal´ por sus autores, Jaime Iglesias y Lucía Tello.
Ana Mariscal. Una discreta rebeldía
Ana Mariscal ha sido una de las creadoras más singulares del cine producido en España. A los 19 años protagonizó `Raza´ (José Luis Sáenz de Heredia, 1942), hagiografía del dictador Francisco Franco con un guion firmado por él mismo bajo el seudónimo Jaime de Andrade. A los veintidós, en 1945, fundó su propia compañía teatral y con ella interpretó `Don Juan Tenorio´ en el papel de Don Juan, encendiendo un debate en la prensa sobre el travestismo y la ambigüedad sexual del personaje.
En un tiempo en el que las mujeres estaban relegadas de la esfera pública, y la licencia marital vigente no les permitía defenderse en un juicio o adquirir o enajenar sus propios bienes, Ana Mariscal fundó Bosco Films, con la que produjo catorce películas, de las cuales dirigió doce y escribió o coescribió el guion de ocho, además de protagonizar o realizar algún papel en siete de ellas. Mariscal fue, además, una de las pocas profesoras de la Escuela Oficial de Cinematografía, y también impartió conferencias y colaboró con revistas como “La Codorniz” y “Primer Plano”. También escribió varios libros, entre ellos una novela titulada ´Hombres´ que fue censurada al poco tiempo de su puesta en circulación al considerarse contraria al matrimonio.
Aunque nunca renegó de su adhesión al régimen de Franco, ello no le impidió condenar la guerra, ni llevar las obras de Federico García Lorca a escena en numerosas ocasiones. Solamente en Argentina, donde vivió entre 1954 y 1956, interpretó para la televisión y en adaptaciones de Rafael Alberti `Yerma´, `Bodas de sangre´, `Doña Rosita la soltera´ y `La casa de Bernarda Alba´. Posteriormente, en 1959, realizó `Con la vida hicieron fuego´, que hablaba sin maniqueísmo de la herida que la guerra había abierto y que seguía sangrando silenciosamente.
Restauración de `Segundo López, aventurero urbano´
El 18 de julio podrá volver a verse esta película tras un largo proceso de restauración, que ha corrido a cargo del hijo de Ana Mariscal, David García Rodríguez. Filmada en 1952, acreditada en 1953, `Segundo López, aventurero urbano´ tuvo muy poco presupuesto desde su partida. Por ello, el material con el que se contaba para su restauración se encontraba en muy mal estado de conservación. A partir de únicamente el negativo original y una copia positiva, el proceso de restauración ha consistido en una primera fase de etalonaje y limpieza de la imagen, en la corrección de la falta de foco en los títulos iniciales y, mediante la creación de un algoritmo, en la neutralización de los arañazos derivados de las líneas de arrastre verticales que se producen por el paso de la película a través del reproductor o moviola.
Calendario de sesiones en el cine Doré
5 de julio – 18.00h
‘Con la vida hicieron fuego’ (Ana Mariscal, 1959)
6 de julio – 20.30h
‘La violetera’ (Luis César Amadori, 1958)
9 de julio – 19.30h
‘De mujer a mujer’ (Luis Lucia, 1950)
13 de julio – 18.00h
‘El camino’ (Ana Mariscal, 1964)
14 de julio – 19.30h
‘Feria en Sevilla’ (Ana Mariscal, 1962)
15 de julio – 20.30h
`Vestida de novia´ (Ana Mariscal, 1967)
18 de julio – 18.30h
`Segundo López, aventurero urbano´ (Ana Mariscal, 1953)
Presentación a cargo de David García Rodríguez, hijo de Ana Mariscal, y Valeria Camporesi, directora de Filmoteca
22 de julio – 22.30h
`La princesa de los Ursinos´ (Luis Lucia, 1947)
23 de julio – 19.30h
‘Con la vida hicieron fuego’ (Ana Mariscal, 1959)
26 de julio – 20.00h
‘La violetera’ (Luis César Amadori, 1958)
29 de julio – 21.00h
`Segundo López, aventurero urbano´ (Ana Mariscal, 1953)
30 de julio – 19.00h
‘El camino’ (Ana Mariscal, 1964)

Tráiler final para «Killers of the Flower Moon» de Martin Scorsese

Indiscutiblemente una de las películas del año, el último trabajo tras las cámaras del veterano Martin Scorsese, Killers of the Flower Moon, acaba de estrenar su tráiler final que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Basada en la aclamada novela de David Grann, el film tras su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes, se estrenará comercialmente el próximo 20 de octubre para algo más tarde formar parte del catálogo de Apple TV+.
Killers of the Flower Moon, basada en hechos reales, nos sitúa en el Oklahoma de los años 20, mostrándonos como la Nación Osage se convirtió de la noche a la mañana en uno de los pueblos más ricos del mundo gracias al petróleo. Dicha riqueza atrajo de forma inmediata a una gran cantidad de intrusos blancos que manipularon, extorsionaron y robaron tanto dinero Osage como pudieron, recurriendo incluso al asesinato.
La película, con fotografía  a cargo Rodrigo Prieto y guion adaptado por parte del propio Martin Scorsese junto a Eric Roth, está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Jesse Plemons, Lily Gladstone, Tantoo Cardinal, John Lithgow, Brendan Fraser, Cara Jade Myers, JaNae Collins, Jillian Dion, William Belleau, Louis Cancelmi, Tatanka Means, Michael Abbot Jr, Scott Shepard, Jason Isbell y Sturgill Simpson.
Killers of the Flower Moon se estrenará en los cines de todo el mundo el próximo viernes 20 de octubre en asociación con Paramount Pictures. Para su estreno en salas IMAX, la película será remasterizada digitalmente en la calidad de imagen y sonido de IMAX con la tecnología patentada IMAX DMR (Digital Re-mastering).

Cine de verano: Bestiario. Vampiros, brujas y otros inadaptados

Un año más vuelve el cine de verano al jardín del Edificio Sabatini. Esta nueva edición está dedicada a los monstruos que pueblan el imaginario colectivo y suelen ser la representación del mal, pero también de lo raro, marginal e inadaptado. Cada viernes y sábado de julio y agosto este ciclo convoca en el Museo un bestiario de vampiros, brujas y otros seres especiales: un aquelarre de desviados y heterodoxos para  compartir fobias históricas, fabular sobre el rechazo a la norma y ofrecer una mirada alternativa de lo monstruoso a través del cine.
Organizadas en diferentes programas temáticos, se reúnen películas de épocas y latitudes diversas: cine de terror clásico, moderno o contemporáneo procedente de Latinoamérica, Asia y Europa, cada tiempo y cada lugar con sus códigos, ansiedades y miserias. También de distintos géneros: cine clásico, independiente, de autor, de culto y, por primera vez en el programa de verano, cine de animación para el público infantil y familiar.
Bestiario. Vampiros, brujas y otros inadaptados muestra películas que reflexionan sobre los monstruos ocultos en la actualidad y la corta distancia que separa lo normal de lo abyecto. Este ciclo de verano está habitado por monstruos furibundos y bondadosos; hombres lobo pequeños y confundidos; cuerpos inanimados que han recibido el don de la vida; vampiros criminales, capitalistas y también anticapitalistas; brujas empoderadas y feministas; monstruos nucleares salidos de las profundidades del mar; espíritus de mujeres condenadas que buscan venganza y, al mismo tiempo, asumen la psicosis de un tiempo histórico catastrófico; y, sobre todo, inadaptados que han sido condenados a ser monstruos contra una normalidad más tirana de lo que parece.
Esta es una oportunidad para pensar tanto en la otredad como en lo que nos acerca y aleja de un mal ubicuo y cambiante, también para aproximarnos a los orígenes del cine como un medio-monstruo, un artefacto dador de vida a través del movimiento y devorador del tiempo. En última instancia, el ciclo, con su galería de descartes y desviados, formula un hechizo para repensar lo natural y la norma, el miedo y el tabú.
Programa
Alumbrar al monstruo
Programa 1
Este primer programa en el marco de la celebración en Madrid de la semana de reivindicación de la diferencia y los derechos del colectivo LGTBIQ+, consta de dos películas: una contemporánea y otra clásica. Ambas tratan sobre parejas queer que conciben y crían a dos incomprendidos.
Viernes 7 de julio, 2023 – 22:00 h
Sesión 1

Marco Dutra y Juliana Rojas. As Boas Maneiras [Los buenos modales]
Brasil, 2017, color, VO en portugués con subtítulos en español, 135’

—Con la presentación de Territorio Doméstico

Una película de hombres lobo, pero especialmente sobre sus madres. Empieza con una mujer rica entrevistando a una pobre. Ana está embarazada y busca una niñera para su hijo, alguien que también la ayude en la casa; Clara necesita un trabajo y un lugar para vivir. Del padre del niño no se sabe nada: apareció misteriosamente una noche de fiesta y desapareció al día siguiente. En medio de esa intimidad, primero fabricada por el trabajo y luego por el deseo, Clara comienza a ver cosas extrañas: cada luna llena Ana parece rehén de un encantamiento y sale a caminar por la ciudad buscando pequeñas presas que no recuerda al día siguiente. Entre el terror, el melodrama y el musical, Los buenos modales está dividida en dos partes: la primera es la espera de un niño que nace en un barrio rico, la segunda es la vida de ese niño extraño en un barrio pobre.

Sábado 8 de julio, 2023 – 22:00 h

Sesión 2

James Whale. Frankenstein [El doctor Frankenstein]
Estados Unidos, 1931, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, 71’

Del clásico de Mary Shelley se han realizado numerosas adaptaciones. Algunas de ellas se han vuelto de culto: así ocurre con El doctor Frankenstein, dirigida por James Whale, uno de los pocos directores del cine clásico de Hollywood abiertamente homosexual. Durante más de veinte años el estudio Universal dedicó una buena parte de su fuerza de trabajo a producir películas de terror y, con ellas, estrellas monstruosas. El actor Boris Karloff fue uno de los más célebres, su gesto petrificado inmortalizó el rostro de la bestia creada por el doctor Frankenstein. En esta película un hombre y su secuaz se obsesionan con la posibilidad de crear vida desde su laboratorio.

 

¡Que viene la bruja!
Programa 2
Para la cultura occidental, la bruja representa un saber arcano, esotérico e irracional. También simboliza la misoginia a lo largo de la historia: la persecución y el ajusticiamiento de mujeres independientes y poderosas, como Juana de Arco y Marie Laveau. En esta doble sesión se proyecta una película de culto sobre las causas e historia de la persecución a las brujas, seguida de un giro de tuerca lúdico con las aventuras de dos amigas (una de ellas bruja) en el París más irreverente.

Viernes 14 de julio, 2023 – 22:00 h

Sesión 3

Benjamin Christensen. Häxan [Häxan. La brujería a través de los tiempos]
Suecia, 1922, b/n, VO con subtítulos en español, 105’

-Con la presentación de Memoria de las Brujas

Admirada joya del cine mudo, censurada durante décadas y presentada aquí en una nueva versión restaurada del Svenska Filminstitutet. Häxan. La brujería a través de los tiempos se inspira en el Malleus Maleficarum (1486), libro notoriamente usado para la persecución y el ajusticiamiento de las brujas, incluso en el mundo contemporáneo. En la película un narrador nos cuenta esta historia, a la vez que se escenifican escenas teatralizadas mostradas como reales, un perfecto y tempranísimo ejemplo del falso documental. Se estructura en cuatro partes: la fe y sus desvíos en la Edad Media, la recreación de las visiones fantásticas de las brujas, casos de estudio presentados como ficción dentro de la ficción y la relación contemporánea entre brujería e histeria. Häxan. La brujería a través de los tiempos no solo fue la película muda más cara del cine escandinavo, sino que despertó la admiración de Carl Theodor Dreyer, Alfred Hitchcock, los artistas surrealistas y, más adelante, el underground de la década de 1970, con célebres demonólogos como William S. Burroughs o Kenneth Anger.

Sábado 15 de julio, 2023 – 22:00 h

Sesión 4

Jacques Rivette. Céline et Julie vont en bateau [Celine y Julie van en barco]
Francia, 1974, color, VO en francés con subtítulos en español, 193’

Durante un verano en París, el director Jacques Rivette trabajó en estrecha colaboración con sus estrellas y cómplices Juliet Berto y Dominique Labourier con la intención de reescribir las reglas del cine desde el espíritu del juego. El resultado es una de las películas más inventivas y encantadoras de la nouvelle vague. Julie (Labourier), una bibliotecaria soñadora, conoce a Céline (Berto), una bruja enigmática. Juntas se convierten en las heroínas de aventuras que implican una casa hechizada, dulces psicotrópicos y un melodrama de misterio y asesinato. Con alusiones a Lewis Carroll o Louis Feuillade, esta película ha sido considerada una de las mejores comedias de todos los tiempos y un espacio lúdico de ensueño cinematográfico que se detiene en los placeres y las posibilidades infinitas de las historias.

 

Vampiros de imágenes
Programa 3
En cierto modo, el cine puede interpretarse como una tecnología vampírica: un medio que roba imágenes bajo la promesa de la vida eterna. Así, no es extraño que en los orígenes de este nuevo arte proliferen las alusiones a los vampiros. Entre ellas destaca la serie Les vampires [Los vampiros], de Louis Feuillade, que casi un siglo después sigue inspirando al cine.

Viernes 21 de julio, 2023 – 22:00 h

Sesión 5

Louis Feuillade. Les vampires : Les Yeux Qui Fascinent [Los vampiros. Los ojos que fascinan]
Francia, 1915-1916, b/n, VO con subtítulos en español, 60’

Los vampiros de esta serie muda no son los seres mitológicos tradicionales, sino una superbanda de ladrones que pone en jaque a la sociedad burguesa de París durante los primeros años del siglo XX. Les vampires [Los vampiros], diez capítulos que despertaron pasiones en la época, es un gran clásico de la historia del cine. Su gran estrella es Musidora (pseudónimo de la actriz Jeanne Roques), una temprana femme fatale que logró fama internacional gracias a su interpretación de Irma Vep: corista convertida en ladrona que enfundada en su traje de cuero se transformó en icono por antonomasia de lo vamp y musa de los surrealistas. Los vampiros. Los ojos que fascinan constituye el sexto episodio de la serie.

Sábado 22 de julio, 2023 – 22:00 h

Sesión 6

Oliver Assayas. Irma Vep
Francia, 1996, color, VO en francés e inglés con subtítulos en español, 99’

Homenaje a Los vampiros, de Louis Feuillade, y en particular a su protagonista: Irma Vep, anagrama de la palabra vampire, interpretada por la arrolladora Musidora. Un personaje que se convirtió en icono temprano del girl power, una mujer poderosa e independiente al margen de la moral pazguata de principios del siglo XX. En esta película, Assayas, erudito cinéfilo, pone en marcha un juego de espejos, un ejercicio metaficcional de cine dentro del cine en el que Los vampiros sintetiza el encantamiento de este medio. Por otro lado, la idea del vampiro, en esta ocasión sinónimo de rebelde y forajido, sirve para representar la noción de libertad que presupone cualquier vida dedicada al arte.

 

Vampiros chupasangre. El gótico tropical
Programa 4
Existen los vampiros en los bosques brumosos de Transilvania, pero también en las playas cálidas del Trópico. Es la revisión del mito desde la geografía y el sentir sureño. El gótico tropical es un género que forma parte de la literatura latinoamericana (Álvaro Mutis o Andrés Caicedo) y también del cine de estas latitudes, como se muestra en las siguientes películas: dos grandes clásicos de la comedia que usan los tropos del cine de terror.

Viernes 28 de julio, 2023 – 22:00 h

Sesión 7

Juan Padrón. ¡Vampiros en La Habana!
Cuba, España y Alemania, 1985, color, VO en español, 69’

Un filme de culto sobre el anhelo vampírico de disfrutar de la vida. En esta historia un vampiro científico, hijo de Drácula, ha descubierto el Vampisol, una pócima revolucionaria que permite a los vampiros pasear a plena luz del día. La noticia llega a oídos de los grandes clanes internacionales que viajan a La Habana para hacerse con el control de la fórmula: los estirados y siniestros vampiros europeos, Grupo Vampiro, y los mafiosos vampiros norteamericanos, Capa Nostra. Pepito, un trompetista sobrino del creador de Vampisol, será perseguido por ambos grupos desde que se le encarga la custodia de la fórmula. El resultado es una parodia por igual del género de vampiros, las películas de gánsteres y el thriller político de la Guerra Fría.

Sábado 29 de julio, 2023 – 22:00 h

Sesión 8

Luis Ospina. Pura sangre
Colombia, 1982, color, VO en español, 99’

Película insignia del colombiano Grupo de Cali, liderado por los cineastas Luis Ospina, Carlos Mayolo y el escritor Andrés Caicedo. Se trata de una historia de terror urbano que mezcla vampiros, salsa, drogas, sexo y corrupción para dar lugar a una de las cintas míticas del gótico tropical. Aquí el vampiro es un chupasangre —nunca mejor dicho—, un misántropo multimillonario explotador que, aquejado de una extraña enfermedad sanguínea, debe recibir transfusiones de sangre de niños para sobrevivir. La película se inspiró en el llamado “monstruo de los mangones”, un supuesto psicópata anónimo que asesinaba jóvenes y los dejaba abandonados, que aún hoy puebla la macabra cultura popular caleña. Considerada como la primera película colombiana de terror, Pura sangre consta de momentos de comedia salpicados de crítica social al subdesarrollo y a la explotación.

 

Lo normal es lo monstruoso
Programa 5
Lo normal y lo monstruoso, lo convencional y lo desviado, responden a una serie de reglas, órdenes y conceptos morales que varían entre distintos tiempos históricos, como bien nos enseña la filosofía y la antropología social. Algo muy diferente nos muestran los cineastas de este programa, dos de los autores más talentosos e internacionales del nuevo cine español. Lo normal y lo monstruoso también son situaciones —performances—, mascaradas en las que un mismo sujeto puede interpretar ambos roles. ¿Cuáles son entonces los límites entre ambos conceptos?

Viernes 4 de agosto, 2023 – 22:00 h

Sesión 9

Carlos Vermut. Mantícora
España, 2022, color, VO en español, 115’

Un diseñador de videojuegos introspectivo y educado (interpretado por Nacho Ruiz) trabaja ideando bestias imaginarias, una ocupación que le mantiene abstraído de su deseo más oscuro: los niños. Mantícora es un animal mitológico persa con cabeza humana, cuerpo de león y cola de escorpión cuyo significado es “devorador de personas”. Entre el thriller psicológico y el cine de terror, la película plantea una pregunta incómoda y desasosegante: ¿es también delito el deseo —el pensamiento— o solo su ejecución? Obra de madurez de uno de los cineastas más originales del panorama europeo, nominada al Goya a la mejor dirección y al mejor guion, su sencillez argumental y contención de los actores devela un cine sobre los abismos y las profundidades recónditas del alma humana, culminando con una pregunta: ¿dónde está el límite entre el sadismo y lo monstruoso?

Sábado 5 de agosto, 2023 – 22:00 h

Sesión 10

Carlota Pereda. Cerdita
España y Francia, 2022, color, VO en español, 99’

—Con la presentación de Carlota Pereda y coloquio

Cine slasher teñido de costumbrismo ibérico y caracterizado por la mirada feminista a los cuerpos y la sociedad. Verano sofocante en Extremadura, piscinas, bikinis y pandillas. Una chica con obesidad (interpretada por Laura Galán, Goya a la mejor actriz revelación de 2023) sufre los insultos de las chicas del pueblo por su diferencia física y su condición de clase obrera. Una desaparición, un crimen atroz y un silencio. Apropiándose y dando la vuelta a los clichés del cine de terror, Cerdita muestra que el mal no solo consiste en la atrocidad más luctuosa, sino también en ejercicios cotidianos e invisibles como el bullying. A partir de ahí plantea cómo estos males microscópicos pueden derivarnos a la siguiente cuestión: ¿y si el monstruo es la víctima? ¿Y si tal vez todos estemos habitados por estas micromonstruosidades?

 

Embrujos de amor
Programa 6
El concepto de bruja se ha usado históricamente para controlar y atacar a las mujeres. El amor romántico en la ficción ha tenido efectos similares: es siempre la obligación de las mujeres, y también su trampa. ¿Qué pasa cuando el personaje es en realidad una bruja y, consciente de lo que se espera de ella, usa pociones? Un giro de tuerca sobre la pareja y el romanticismo en un clásico y su inspiración contemporánea.

Viernes 11 de agosto, 2023 – 22:00 h

Sesión 11

Faith Hubley. Witch Madness [Locura de brujas]
Estados Unidos, 1999, color, VO con subtítulos en español, 9’

René Clair. I Married a Witch [Me casé con una bruja]
Estados Unidos, 1942, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, 74’

Faith Hubley cuenta en apenas diez minutos una historia que duró siglos: hubo un tiempo en que las mujeres fueron diosas, sacerdotisas y dirigentes de Estado, luego llegaron las acusaciones de brujería, hogueras, la conquista de América y la esclavitud. Este cortometraje fue realizado con animación pintada a mano en colaboración con las dos hijas de la directora: Emily, también animadora, y Georgia, del grupo musical Yo La Tengo.

Por su parte, Me casé con una bruja es una película del director René Clair, una de las cuatro que surgieron cuando llegó a Hollywood huyendo de la Segunda Guerra Mundial. En esta historia dos brujos, padre e hija, son condenados a la hoguera en el Salem del siglo XVII. Antes de morir, la joven bruja (interpretada por Veronica Lake) deja caer una maldición sobre su acusador: que todos los hombres de su familia se casen con las mujeres incorrectas y sean infelices. Siglos más tarde, en el Nueva York de la década de 1940, ambos espíritus errantes toman forma humana para atormentar a un descendiente de la familia que les causó una condena eterna. Una poción de amor cambia de manos y la película de terror se convierte en comedia romántica. Tras un disfraz de inocencia, Me casé con una bruja hila la hoguera con la condena del romance, males con los que se ha sepultado a las mujeres durante siglos.

Sábado 12 de agosto, 2023 – 22:00 h

Sesión 12

Anna Biller. The Love Witch [La bruja del amor]
Estados Unidos, 2016, color, VO en inglés con subtítulos en español, 120’

—Con la presentación en vídeo de Anna Biller

Anna Biller es una cineasta que hace películas extrañas y feministas. Apoyada en dos géneros, las películas de brujas y las de asesinos en serie, crea una bruja que, como la de René Clair, busca venganza con una poción de amor como arma. La película es un túnel del tiempo hacia la década de 1960, como si Bewitched [Hechizada] se cruzara con la estética del cine giallo italiano. Biller creció viendo a su madre trabajar de vestuarista y heredó una obsesión por hacer las cosas a mano, realizarlas hermosas, fabricar con ellas un mundo propio. En esta película ella hace todo: escribe, dirige, decora, crea los vestuarios, pinta los cuadros, inventa los aparatos de bruja y escribe la música que suena, basada en melodías medievales. La bruja del amor es una película que, con la textura de lo popular, abre preguntas sobre el lugar que tienen las mujeres en el cine de terror.

 

Terror en Japón. El monstruo de la historia
Programa 7
En la posguerra, después de las bombas de Hiroshima y Nagasaki y durante la Guerra Fría, Japón encontró en el cine la manera de pensar entre la ansiedad ante el pasado y el escepticismo del futuro. El género J-Horror (terror japonés) es una radiografía mental de un país, del que destaca el monstruo Godzilla y espíritus errantes y endemoniados como los de la película Kuroneko [El gato negro].

Viernes 18 de agosto, 2023 – 22:00 h

Sesión 13

Ishirō Honda. Godzilla [Japón bajo el terror del monstruo]
Japón, 1954, b/n, VO en japonés con subtítulos en español, 96’

“Los monstruos nacen demasiado grandes, demasiado fuertes, demasiado pesados, esa es su tragedia”, dijo Ishirō Honda, conocido en todo el mundo por sus tokusatsu, películas en las cuales la realidad se mezcla con efectos especiales. En 1954, inspirados por King Kong, Honda y el artista de efectos especiales Eiji Tsuburaya crearon este monstruo mítico de cientos de metros que penetró en las ciudades costeras de Japón y en el imaginario del cine de monstruos. Lo que para el mundo fuera una amenaza y para Japón una historia violenta (bombas nucleares, radioactividad) se muda al mar, donde encuentra la presa para una mutación monstruosa. Godzilla es la venganza de la naturaleza contra la humanidad.

Sábado 19 de agosto, 2023 – 22:00 h

Sesión 14

Kaneto Shindō. Kuroneko [El gato negro]
Japón, 1968, b/n, VO en japonés con subtítulos en español, 99’

El cineasta japonés Kaneto Shindō nació y murió en Hiroshima. Tenía 33 años cuando Estados Unidos destruyó su ciudad con la bomba atómica. Tiempo después, Shindo se hizo cineasta y comenzó a participar en la tradición nacional de películas protagonizadas por espíritus y demonios. Esta historia está ambientada en el Japón feudal (con ecos del presente), durante el período Sengoku (1467-1615). Dos mujeres (una madre y una esposa) esperan al hombre de la casa, un samurái que está en la guerra. Al estar solas en medio del bosque son asesinadas por un grupo de samuráis malvados. Luego, transformadas en espíritus vengativos con la forma de un gato negro (kuroneko, en japonés) juran dedicar su eternidad condenada a vengarse de estos hombres de guerra. Cuando el hijo/marido vuelve a casa, la maldición se cierne sobre todos. La película está realizada en un blanco y negro muy poroso en el que los rostros y sus gestos se ven como manchas de luz en medio de la oscuridad.

 

¿Monstruos o inadaptados?
Programa 8
¿Existen los monstruos? ¿O serán en realidad seres inadaptados, incomprendidos, fuera de la norma, sin afinidades? El clásico de Tod Browning sobre lo evidente y lo no evidentemente monstruoso se cruza aquí con una película para todas las edades que piensa en la familia como una unidad (¿positivamente?) monstruosa. Una sesión de cierre para todos los públicos de nuestro cine de verano.

Viernes 25 de agosto, 2023 – 22:00 h

Sesión 15

Tod Browning. Freaks [La parada de los monstruos]
Estados Unidos, 1932, b/n, VO en inglés, francés y alemán con subtítulos en español, 64’

Tod Browning fue un gran cineasta de películas extrañas, un poeta de lo monstruoso. Fue actor, escritor, director y sobre todo artista de circo y vodevil. Este hombre de giras y espectáculos le dio al cine entre 1919 y 1939 un bestiario propio. Trabajó con Lon Chaney y Bela Lugosi, entre otros intérpretes de las sombras. La parada de los monstruos es un clásico del cine de monstruos porque escribió su propia historia sobre la relación entre lo monstruoso y la ternura. En un circo ambulante lleno de “anormales”, una mujer “normal” ingresa como trapecista con un designio oculto: seducir a Hans, un hombre con enanismo que ha heredado una vasta fortuna. La pregunta es: ¿quién es el verdadero monstruo: aquel que se ve fuera de la norma o aquella que actúa vilmente? La película exprimentó numerosos problemas para su estreno, sobre todo con su estudio Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), que cortó la mitad de las escenas para no incomodar a sus ejecutivos y espectadores. La historia misma de la película está plagada de incomprensión.

Sábado 26 de agosto, 2023 – 22:00 h

Sesión 16

Spike Jonze. Where the Wild Things Are [Donde viven los monstruos]
Estados Unidos, Australia y Alemania, 2009, color, VO en inglés con subtítulos en español, 101’

En 1963 el escritor norteamericano Maurice Sendak publicó un libro para niños titulado Where the Wild Things Are [Donde viven los monstruos]. Luego, en 2009, Spike Jonze lo adaptó al cine. Max es un niño que vive con su madre, una mujer soltera que carga con todo el peso de llevar una casa y una familia. Max tiene sus propios problemas: no logra hacer amigos y los pocos que tiene le dan la espalda. Cada uno con sus miserias, una noche discuten y él hace una pataleta tan monumental que pasa a otra dimensión, un mundo habitado por monstruos. Por suerte lleva su propio disfraz y los habitantes de esta aldea lo nombran monarca. Allí aprende sobre su nueva vida y sobre la antigua con su madre, con su condición de familia inadaptada en ese contexto suburbano. Un cuento de una ternura absoluta.

 

Tráiler para lo nuevo de Ken Loach «The Old Oak»

Tras su premier mundial en el pasado Festival de Cannes el nuevo trabajo tras las cámaras, después de Sorry We Missed You (2019), del veterano realizador británico Ken Loach titulado The Old Oak estrena un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, una crónica social sobre el choque cultural situada en un pequeño pueblo de Inglaterra, se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Vértigo Films el próximo 29 de septiembre.
La película nos cuenta el incierto futuro del último pub, llamado The Old Oak, que queda en un pueblo del noreste de Inglaterra, donde la gente está abandonando la tierra a medida que se cierran las minas. Las casas son baratas y están disponibles con cierta facilidad a un nivel económico, por lo que es un lugar ideal para la aparición de refugiados sirios.
The Old Oak, con guion a cargo del habitual Paul Laverty, está protagonizada por Debbie Honeywood, Andy Dawson, Dave Turner y Ebla Mari.