Mes: abril 2022
Simetrías. Los 5 actos en las películas de John Ford
De una incomparable familiaridad con el legado clásico y moderno del cine, del estudio exhaustivo de sus películas y de los rasgos de estilo de sus cineastas, nace el Paulino Viota teórico, ese sabio que ha plantado en artículos, libros, conferencias y cursos la fructífera semilla de su apasionamiento, marcando a varias generaciones de cinéfilos mediante la finura del análisis, la argumentación audaz y la iluminación arrebatadora. Fue, como bien se ha dicho, la opción elegida para seguir siendo creativo, para hacer cine de otra manera, cuando su carrera de cineasta se vio desgraciadamente truncada. En «Simetrías. Los cinco actos en las películas de John Ford», catorce títulos del director de Fort Apache o The Searchers son desmenuzados para hacer comparecer a su cineasta-constructor, demiurgo tras las apariencias que apuntala la narración y gestiona su memoria esa guía afectiva del espectador atento a partir de cinco actos, unidades de sentido de raigambre mítica relacionadas entre sí por simetrías y correspondencias que explican la pregnancia del cine fordiano. Así, Paulino Viota, con una clarividencia que se impone a la hybris, nos faculta a comprender y sentir la parte sumergida que sustenta la punta visible de ese imponente iceberg llamado John Ford; y mientras, el lector, en justa proporción, celebra el trabajo minucioso y callado, la tramoya de diagramas y esquemas que el analista ha ido desarrollando durante años para poder arribar a sus emocionantes conclusiones, aquí donadas con la generosidad que todos conocemos y admiramos en él.
Autor: Paulino Viota Cabrero, Editorial: Athenaica, Páginas: 256
El Marché du Film -Festival de Cannes y el Festival de Sitges presentan el cartel del FANTASTIC 7 del que será madrina Ana Lily Amirpour
El Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, en colaboración con el el Marché du Film – Festival de Cannes y el Director de Asuntos Internacionales del INCAA Bernardo Bergeret – vuelve a Cannes este año con la 4ª edición de Fantastic 7.
Lanzado en 2019, Fantastic 7 está diseñado para fomentar a los cineastas emergentes y conectarlos con potenciales socios comerciales en Cannes para obtener financiación y oportunidades de coproducción. Cada año, siete festivales de primera categoría -dedicados a, o con una fuerte tradición de, destacar el cine de género y los talentos- seleccionan siete proyectos de género para ser exhibidos en el Marché du Film.
Estos prometedores proyectos -que se encuentran en distintas fases de postproducción o han sido recientemente completados- son presentados y lanzados por los cineastas ante un público de inversores, distribuidores o agentes de ventas que podrían ayudar a que sus proyectos despeguen y lleguen a un público más amplio.
Al reunir nuevas obras de género de todo el mundo, Fantastic 7 también arroja luz sobre las nuevas tendencias e influencias del cine de género, al tiempo que demuestra el poder de la creatividad y la expresión cultural.
La cineasta estadounidense-iraní Ana Lily Amirpour -cuya alucinante película Mona Lisa & The Blood Moon inauguró el Festival de Sitges 2021- ha sido nombrada oficialmente madrina del evento Fantastic 7 de este año. La edición de 2022 acogerá a los siguientes siete festivales y sus selecciones:
Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya
VENUS
Director: Jaume Balagueró
País: España
Sinopsis: Una historia de terror sobrenatural ambientada en un entorno urbano de supervivencia con elementos de brujería moderna.
Festival Internacional de Cine Fantástico de Bucheon
SEOUL HORROR STORY
Director: Kim Hyunjin
País: Corea
Sinopsis: Varias historias de fantasmas, ambientadas en Seúl, que tratan diferentes horrores de la vida cotidiana.
Festival Internacional de Cine de El Cairo
THE PORTAL
Director: Chadi Abo
País: Francia/Siria
Sinopsis: En una zona de guerra, una niña reza por la salvación. Un poder cósmico viene a ayudarla. A partir de ahora, Sara resucitará a los niños muertos.
Festival Internacional de Cine en Guadalajara
LA MALA MADRE
Director: Alicia Albares
País: España
Sinopsis: Victoria, una periodista que ha escrito un libro muy polémico sobre la maternidad, se despierta en una casa sin recuerdos. Ángel, un médico, le dice que ha tenido un accidente de coche en el que ha muerto su hija. La presencia de una mujer embarazada la ayudará a descubrir la verdad.
SXSW South by Southwest Film Festival
MOSHARI
Director: Nuhash Humayun
País: Bangladesh
Sinopsis: Cuando unas criaturas sedientas de sangre se han apoderado del mundo, los únicos supervivientes se encuentran en el sur de Asia: dos hermanas se ven obligadas a meterse en una red de mosquitos (moshari) sólo para sobrevivir, pero primero deben sobrevivir la una a la otra.
Festival Internacional de Cine de Toronto
NATURALEZA OSCURA
Director: Berkley Brady
País: Métis, Canadá
Sinopsis: Un grupo de terapeutas se ve obligado a enfrentarse a los monstruos de su pasado cuando un retiro de fin de semana aislado en las Rocosas canadienses pone a prueba no sólo su resistencia emocional, sino su capacidad de supervivencia.
Festival Internacional de Cine de Nueva Zelanda
THE CAGE
Director: Paul Campion
País: Nueva Zelanda
Sinopsis: Un cliente y el personal cautivos en una tienda de electrónica doméstica deben escapar de un fanático que pretende utilizarlos como sacrificios humanos para invocar a una malvada deidad interestelar.
La sesión de pitching de Fantastic 7 tendrá lugar el domingo 22 de mayo (12h00 – 14h00) en Cannes y estará abierta a todos los participantes del Marché du Film previa presentación de su acreditación. (El evento también se retransmitirá en directo en la plataforma Marché du Film Online).
Primer tráiler de «Broker», lo nuevo de Hirokazu Koreeda
Con el reciente anuncio de las películas que formaran parte de la sección oficial del próximo Festival de Cannes van viendo la luz los primeros avances de algunos de ellas, Hirokazu Koreeda un habitual de la Croisette presentara este año a competición Broker, film cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película rodada en Corea del Sur se estrenará en su país de origen el próximo mes de junio, a España llegara de la mano de Avalon y Filmin previo paso por el Festival de San Sebastián.
Broker sigue a Sang-hyun, quien tiene la misión de encontrar unos nuevos padres para un bebé que quedó en una «baby box» (cajas configuradas para que las personas que ya no pueden mantener a sus bebés los entreguen de forma anónima) y hace un trato especial con ellos, llamándose a sí mismo un «corredor de la buena voluntad». Sang-hyun contará para esto con la ayuda de Dong-soo viéndose también involucrada So-young, quien colocó a su bebé en una «baby box» y ahora ha decidido regresar a por él. Mientras, los detectives Soo-jin y Lee siguen de cerca a Sang-hyun y Dong-soo.
La película con guion del propio Hirokazu Koreeda está protagonizada por Song Kang-ho, Gang Dong-won, Doona Bae, Iu, Lee Joo-young y Bek Hyun-jin.
«Déjà vu» rescata dos títulos del cine clásico japonés: Kinuyo Tanaka. 21º Festival Internacional de Cine de Las Palmas
«Déjà vu» rescata dos títulos de la obra de uno de los rostros más conocidos del cine clásico japonés: Kinuyo Tanaka.
Durante la vigésima primera edición del Festival se proyectarán La luna se levanta y Forever a Woman, obras de la conocida actriz y cineasta del país asiático que serán introducidas por Ia experta en cine nipón, Irene González-López.
El camino de Ana Mariscal, contará con la presencia de su hijo, David García, que charlará con el público junto a la experta en directoras de cine español, Virginia Guarinos. La sección rescata del olvido otros cuatro títulos dirigidos por Mohammad Reza Aslani, Adolfas Mekas, Helma Sanders-Brahms y Wojciech Jerzy.
El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria recupera en «Déjà vu» dos obras de uno de los rostros más conocidos del cine clásico japonés, Kinuyo Tanaka. Concretamente, durante la vigésima primera edición de la cita cinematográfica se proyectarán La luna se levanta y Forever a Woman, películas que serán introducidas por la experta en cine nipón, Irene González-López. A estos títulos se sumarán otros cinco de diferentes autores, entre ellos la española El camino, de Ana Mariscal, para conformar la sección que, tal y como asegura su programadora, Gloria Benito, busca cada año “dar luz a ciertas filmografías para que no caigan en el olvido”.
Con más de 200 trabajos cinematográficos a sus espaldas a lo largo de más medio siglo de una carrera profesional que arrancó cuando tenía tan solo 14 años, Tanaka Kinuyo (1909-1975) logró convertirse en una de las mejores actrices de la historia de Japón. Asimismo, fue también la primera mujer de su país en adentrarse en el mundo de la dirección de largometrajes de ficción que, según destaca González-López, se centran especialmente en personajes femeninos fuertes.
En total, entre 1953 y 1962, la directora realizó seis películas entre las que se encuentran Love Letter (Koibumi, 1953), La luna se levanta (Tsuki Wa Noborinu, 1955) y Forever a Woman (Chubusa Yo Eien Nare, 1955). El Festival, precisamente, ‘desempolvará’ en «Déjà vu» estas dos últimas. La primera se proyectará el próximo domingo 24 de abril, a las 17:00 horas, en la sala 5 de Cinesa El Muelle. En este drama familiar protagonizado por tres hermanas que viven junto a su padre, la actriz muestra una clara influencia de muchos de los cineastas con los que trabajó como Ozu Yasujirō. El film también se podrá disfrutar el sábado 30, a las 12:00 horas, en la sala 9 del citado cine.
En la misma sala y a la misma hora, tan solo un día después, el lunes 25, se llevará a cabo la reproducción de Forever a Woman (1955, 110 min.), donde se narran los últimos años de la poeta Nakajo Fumiko, fallecida cuando tenía 32 años a causa de un cáncer de mama. Con esta obra, que también se proyectará el domingo 1 de mayo al mediodía en la sala 5 de Cinesa el Muelle, Kinuyo Tanaka aborda desde un enfoque pionero un tema tan delicado como es la enfermedad en una obra considerada por muchos como la mejor de la cineasta. Así lo cuenta Irene González-López, la profesora de estudios japoneses en Birkbeck, Universidad de Londres e investigadora asociada del Centro de Investigación de Cultura Visual y Material de la Universidad de Kingston que se encargará de introducir ambos títulos de Tanaka antes de su proyección en el Festival.
Además de estos dos trabajos, entre la selección de películas que integran este 2022 «Déjà vu», se encuentran también otros cinco títulos que, como adelanta Gloria Benito, son “mayoritariamente desconocidos” por el público. Algunos de ellos, de hecho, son inéditos en España y, en su mayor parte, se trata del estreno de estas versiones restauradas digitalmente en el territorio nacional.
La primera que llegará este viernes 22 de abril a las 18:00 horas a la sala 5 del cine de la capital grancanaria será Germany Pale Mother/ Alemania, madre pálida (1980, 151 min.). Se trata de una producción dirigida por Helma Sanders-Brahms en la que narra con su propia voz en off la experiencia de su madre durante el Tercer Reich. Un trabajo que se postuló como un claro ejemplo del cine feminista de esa generación y que estuvo nominado al Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín el año de su estreno. La película contará con otro pase en la misma sala el domingo 24, a las 20:00 horas.
Hallelujah the Hills (1963, 88 min.), la disparatada comedia de Adolfas Mekas, hermano de Jonas Mekas, será otra de las joyas rescatadas durante el Festival que se proyectará a las 20:00 horas del sábado 23 en la sala 6 y el jueves 28, a las diez de la noche, en la sala 5 del citado cine. Tras pasar por la sección de críticos del Festival de Cannes y el Festival de Cine de Montreal, este largometraje se hizo con la Vela de Plata del Festival de Locarno en 1963, antes de su debut ese mismo año en Estados Unidos en el Primer Festival de Cine de Nueva York que se llevó a cabo en el Lincoln Center.
Otra comedia, El sanatorio de la clepsidra (1973, 124 min.), considerada una de las películas más importantes de la historia del cine polaco dirigida por Wojciech Jerzy Has, adentrará a los espectadores en las aventuras surrealistas de un hombre que busca a su padre en uno de estos centros de salud mental. La película ganó en 1973 el Premio del Jurado del Festival de Cannes donde también fue nominada a la Palma de Oro. Un año más tarde, obtuvo el galardón al mejor diseño de producción en el Festival de Cine Polaco. En Las Palmas de Gran Canaria podrá disfrutarse de su visionado en dos pases en Cinesa El Muelle. El primero, tendrá lugar el lunes 25, a las 22:00 horas, en la sala 7; mientras que el domingo 1 de mayo, la proyección pondrá el punto y final a la programación de «Déjà vu» a las seis de la tarde en la sala 8.
El camino (1964, 91 min.) de Ana Mariscal es otra de las obras programadas para la sección. En ella, la cineasta pionera en España adapta la novela homónima de Delibes con una estética muy cercana al neorrealismo italiano. La nueva versión restaurada ha pasado recientemente por grandes festivales internacionales como el de Cannes, donde fue presentada en la sección de Clásicos el año pasado. Este 2022 recala en la cita cinematográfica de la capital grancanaria, donde se proyectará por primera vez el martes 26, a las 17:00 horas, en la sala 11 de los cines ubicados junto al parque Santa Catalina. Acto seguido, se celebrará un coloquio con David García Rodríguez, hijo de la directora; y Virginia Guarinos, profesora de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Sevilla, experta en directoras de cine español. La obra contará con un segundo pase previsto para el jueves 28, a las 20:30 horas, en la sala 7.
También el martes 26, pero a las 22:00 horas en la sala 11 de Cinesa El Muelle, se proyectará el thriller familiar The Chess Game of the Wind (1976, 93 min.), dirigido por el iraní Mohammad Reza Aslani en 1976 que, tras recibir duras críticas, tan solo se exhibió dos veces en el país natal del realizador. La película, que fue restaurada en París después de ser encontrada en una tienda de chatarra en 2014 tras varios años desaparecida, volverá a proyectarse en el Festival el jueves 28, a las seis de la tarde, en la sala 8.
Estos son los siete títulos de «Déjà vu» 2022:
Deutschland bleiche mutter/ Germany Pale Mother de Helma Sanders-Brahms (Alemania, 1980, 151 min.)
El camino/ The Path de Ana Mariscal (España, 1964, 91 min.)
Hallelujah the Hills de Adolfas Mekas (Estados Unidos, 1963, 88 min.)
Sanatorium Pod Klepsydra/ The Hourglass Snatorium de Wojciech Jerzy Has
(Polonia, 1973, 124 min.)
Shathranj- E Baad/ Chess Game of the Wind de Mohammad Reza Aslani (Irán, 1976, 93 min.)
Chubusa Yo Eien Nare/ Forever a Woman aka The Eternal Breasts de Kinuyo Tanaka (Japón, 1955, 110 min.)
Tsuki Wa Noburinu/ The Moon Has Risen/ La luna se levanta de Kinuyo Tanaka (Japón, 1955, 102 min.)
Radiografía al metraje encontrado, tráiler de «The Found Footage Phenomenon»
Pocos subgéneros como el denominado Found Footage han sido durante estas últimas décadas tan prolíficas y determinantes en relación a su adscripción al género de terror moderno, The Found Footage Phenomenon, cuyo tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, es un documental dirigido y producido por Sarah Appleton y Phillip Escott que indaga en la evolución de dicho formato cinematográfico. El documental, que estuvo presente en la pasada edición del Festival de Sitges, estará disponible en la plataforma estadounidense Shudder a partir del próximo 19 de mayo.
The Found Footage Phenomenon documenta la historia del found footage, una de las herramientas narrativas más importantes del siglo XXI, con entrevistas a directores y guionistas tales como Stephen Volk, Eduardo Sánchez, André Øvredal o Ruggero Deodato entre otros muchos repasando los films importantes de su historia reciente y pasada como Holocausto Caníbal, Host, Paranormal Activity o El proyecto de la bruja de Blair.
La Casa Encendida: Ciclo Pasajes FILMADRID
El programa Pasajes FILMADRID llega a La Casa Encendida y rescata el espíritu de los primeros Pasajes de Cine, el proyecto de exhibición itinerante que comenzó en 2013 mostrando películas españolas e internacionales que abrían nuevos caminos en las formas narrativas contemporáneas, con un carácter fresco e innovador.
A lo largo de 2021, La Casa Encendida acoge cinco pases de Pasajes FILMADRID; los programas que mantienen encendida, durante todo el año, la llama de FILMADRID Festival Internacional de Cine. Este programa anual está compuesto por películas inéditas en Madrid, de directoras y directores con lenguajes e intereses muy diferentes, a través de los cuales se mostrará parte de la diversidad y riqueza que subyace en una visión del cine amplia y heterogénea.
Con estos programas ideados específicamente para La Casa Encendida, se ahonda en el trabajo de jóvenes cineastas que están investigando el mundo audiovisual desde múltiples perspectivas. Las proyecciones se acompañan de coloquios con los directores y directoras, moderados por miembros del equipo de FILMADRID, en los que se profundiza en las obras mostradas y en las líneas de trabajo propias de la creación audiovisual contemporánea.
28 abril
Audiovisuales Fuego en la habitación. El cine de Judith Adataberna
Precio: 4.00 €
29 septiembre
Audiovisuales Un cuerpo suena aquí. El cine de Laura Moreno Bueno
Precio: 4.00 €
01 diciembre
Audiovisuales Cinco años de The video essay
Precio: 4.00 €
07 abril 2021
Cine, Audiovisuales ‘Big, Big, Big’, de Carmen Haro y Miguel Rodríguez
20 mayo 2021
Cine, Audiovisuales ‘Este fotograma intencionalmente en negro’, de Bruno Delgado Ramo
23 septiembre 2021
Cine, Encuentros, Audiovisuales ‘El archivo nos habla del presente’, de Jorge Moneo Quintana
16 diciembre 2021
Cine, Audiovisuales ‘Um fio de baba escarlate’, de Carlos Conceição
24 febrero
Cine, Encuentros, Audiovisuales Mundos que desaparecen. El cine de Adrián Canoura
El infierno interior, tráiler de «The Execution»
Tras estar presente en el pasado Festival de Sitges (critica aquí), en donde obtuvo una Mención especial del jurado a mejor ópera prima, la puesta de largo del realizador ruso Lado Kvataniya titulada The Execution aprovechando el estreno comercial en su país de origen da a conocer un primer tráiler que podéis ver vía Cine Maldito a final de página junto a su póster oficial. Una película que parte de un argumento que nos remite parcialmente al triste caso real del Carnicero de Rostov que ya fue llevado a la pantalla por Chris Gerolmo en la aplicada Citizen X (1995) y que indaga en el concepto del true crime a través del estudio de una vertiente dual que equipara tanto la psique del asesino como la del investigador tomando como referencia trabajos como por ejemplo I Saw The Devil (Kim Jee-woon 2010) o la televisiva Mindhunter (Joe Penhall, 2017-2019).
En The Execution vemos como durante años, las fuerzas policiales rusas han intentado detener al asesino en serie más inteligente y buscado del país. Pero incluso cuando lo atrapan, nadie puede demostrar su culpabilidad. A medida que se intensifica la persecución, la investigación se vuelve cada vez más personal entre el detective y el supuesto sospechoso.
La película con guion del propio Lado Kvataniya junto a Olga Gorodetskaya está protagonizada por Niko Tavadze, Daniil Spivakovsky, Yuliya Snigir, Evgeniy Tkachuk, Aglaya Tarasova y Viktoriya Tolstoganova.
El cine de Marco Bellocchio. Rabia, desencanto y lucidez
Esta aproximación totalizadora a la obra de Marco Bellocchio –la primera en español dedicada al cineasta italiano– es un recorrido por su amplísima y heterogénea obra cinematográfica, que abarca sesenta años, y casi cuarenta largometrajes de ficción, otros tantos documentales, cortometrajes y obras experimentales. En este viaje literario queda patente la idiosincrasia de un artista algo atormentado por los fantasmas y con una particular conexión con la familia, presente desde su ópera prima, la emblemática Las manos en los bolsillos, que revolucionó el panorama cinematográfico y político en su día.
La obra de Bellocchio transita desde su primera época, la de la rabia revolucionaria, que incluye otras obras de notable impacto, en pleno periodo del esplendor del cine italiano de los años sesenta y setenta, como La Cina è vicina, Noticia de una violación en primera página o Marcha triunfal, pasando una etapa de desencanto, presidida por la inmersión psicoanalítica y el sexo, que se sintetiza en el escándalo provocado por la explicitud erótica de El diablo en el cuerpo, hasta culminar en la madurez lúcida de obras maestras como Buenos días, noche o la reciente El traidor. No obstante, hemos de advertir que resulta casi una profanación tratar de encorsetar a un cineasta que permanentemente se rebela contra la expectativa creada, y que hace precisamente de la ruptura formal y discursiva, a veces consigo mismo y con su arte, una de sus señas de identidad. Todo está mezclado en el universo bellocchiano, y en todas sus obras, en las primeras y en las últimas, aparecen sus obsesiones, sus madres impasibles, sus inconformistas antropológicos, sus espejos que rasgan la frontera entre la realidad y la ficción, el sueño y la razón, o la cordura y la locura, aunque sea bajo formas dispares.
Es esta una de las características más loables del cineasta, capaz de mezclar sin posos la reflexión lucida sobre la realidad sociopolítica de cada tiempo, con una mirada de surrealismo costumbrista. El parsimonioso Bellocchio, al que siempre puede uno identificar entre sus personajes, tan pronto histriónico y visceral, arrollador en su locuacidad, como abrumado, tímido y expectante, sigue detrás de una cortina observando el mundo con su mirada dual, con su habilidad para ofrecer la reflexión humanista y el vértigo ante el caos.
El autor
RICARDO JIMENO ARANDA (Valladolid, 1984) es licenciado en Comunicación Audiovisual y en Ciencias Políticas y se doctoró con una tesis sobre cine político centrada en las figuras de Costa-Gavras y, precisamente, de Marco Bellocchio. Actualmente es profesor en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, donde imparte las asignaturas Historia del Cine y Narrativa Audiovisual. Entre sus escritos pueden citarse diversos artículos y colaboraciones académicas sobre cine, ideología y política, centradas en el cine italiano, en la figura de Jorge Semprún, en el wéstern norteamericano, o en la representación del terrorismo en el cine español. Ha sido coordinador del libro La infancia en el cine (Fragua, 2020) y ha colaborado puntualmente en revistas como Miradas de Cine, particularmente realizando entrevistas a directores como Bong Joon-ho, Richard Lester, Volker Schlöndorff, Pino Solanas, Carlos Saura o el propio Bellocchio. Además, en la faceta creativa, es autor de diversos trabajos documentales, cortometrajes y videoclips. El cine de Marco Bellocchio. Rabia, desencanto y lucidez es su primer libro escrito en solitario.
Autor: Ricardo Jimeno Aranda, Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 500
One Cut of the Dead según Michel Hazanavicius, primer teaser de «Z (Comme Z)»
Con el anuncio ayer de las películas que conforman la sección oficial de la próxima edición del Festival de Cannes varios son los primeros adelantos de algunas de las presencias que se podrán ver en el certamen galo, Z (Comme Z) conocida en Estados Unidos con el título de Final Cut, cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, será la encargada de inaugurar fuera de competición el festival el próximo 17 de mayo. Dirigida por Michel Hazanavicius, (The Artist 2011, Le redoutable 2017), la película, que en un principio tenía que haber estado presente meses atrás en el Festival de Sundance, es un remake de la comedia independiente meta de terror japonesa One Cut of the Dead de Shinichirô Ueda.
Z (Comme Z) nos sitúa en una fábrica en desuso, el rodaje de una película de terror de serie Z está en pleno apogeo. Técnicos hastiados, actores desinteresados… sólo el director parece poseer la energía necesaria para dar vida a esta enésima película de zombies de bajo presupuesto. Durante la preparación de un plano particularmente difícil, el rodaje se ve interrumpido por una erupción de unos muertos vivientes aparentemente reales. Frente a la cámara, todo parece más o menos normal. Detrás de él, el equipo se mueve libremente con la única intención de salvar la película mientras sigue un único lema: ¡NO CORTES!
La película que se estrenará comercialmente en Francia el próximo 15 de junio cuenta con guion adaptado a cargo del propio Michel Hazanavicius estando protagonizada por Matilda Anna Ingrid Lutz, Bérénice Bejo, Romain Duris, Luàna Bajrami, Lyès Salem, Finnegan Oldfield, Grégory Gadebois, Raphaël Quenard, Sébastien Chassagne, Jean-Pascal Zadi, Charlie Dupont, Agnès Hurstel, Raïka Hazanavicius, Yumi Narita y Simone Hazanavicius.
https://youtu.be/OO_VMCuhUe4
Teaser tráiler de «Crimes of the Future» de David Cronenberg
La vuelta a la dirección del canadiense David Cronenberg tras ocho años de ausencia desde su último trabajo tras las cámaras Maps to the Stars es indiscutiblemente uno de los acontecimientos más importantes de este 2022, si además la película supone un regreso en toda regla a su vertiente fantástica más trasgresora tras una etapa algo más generalista la expectación aumenta de forma considerable. Crimes of the Future, cuyo primer teaser de apenas un minuto de duración acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a un par de carteles promocionales, tendrá su premier mundial en la sección oficial del próximo Festival de Cannnes teniendo previsto su estreno comercial en Francia para finales del mes de mayo.
Crimes of the Future nos sitúa en un futuro no muy lejano en donde la humanidad está aprendiendo a adaptarse a su entorno sintético, en un mundo donde no existe el dolor. Esta evolución lleva a los humanos más allá de su estado natural hacia una metamorfosis, alterando de forma drástica su estructura biológica. Saul Tenser, un reconocido artista junto a su compañera Caprice exhibirán la metamorfosis de sus órganos a través de performances vanguardistas. Sin embargo Tenser se verá obligado a reconsiderar su actuación ante el acoso de Timlin, una investigadora del Registro Nacional de Órganos que rastrea obsesivamente sus movimientos en busca de un grupo misterioso, cuya misión al parecer es utilizar la notoriedad de Tenser para dar a conocer al mundo la siguiente fase de la evolución humana.
La película con guion a cargo del propio David Cronenberg y música compuesta por Howard Shore está protagonizada por Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart, Scott Speedman, Welket Bungué, Don McKellar, Lihi Kornowski, Tanaya Beatty, Yorgos Karamihos, Nadia Litz y Yorgos Pirpassopoulos.
Proyecciones Xcèntric: En Primavera, de Mijaíl Kaufman
Mijaíl Kaufman retrata en esta sinfonía urbana de 1929 el complicado deshielo primaveral que empantana Kyiv y cómo la vida se abre paso una vez seco el barro, recorriendo la ciudad y el campo y siguiendo a personas, animales y plantas a través de una dinámica sorprendente, tierna y próxima. Esta proyección especial supone una colaboración con el Centro Dovzhenko para darle apoyo en la actual situación de guerra.
Metáfora de la dureza de los principios revolucionarios, según Erik Barnouw, excepcionalmente hermosa en su modo de filmar, según Sfir Shub, En Primavera maravilla por las tomas, el peculiar trabajo sobre el movimiento y la atmósfera luminosa en un acercamiento singular a la forma de sinfonía, la más natural y rural de las sinfonías urbanas y la más tocada por la ternura infantil, ampliando visual y conceptualmente el programa exploratorio del subgénero.
Kaufman ya había dirigido otra sinfonía, Moscú (1926), filmada junto a Kopalin y sin su hermano Dziga Vértov, del que era camarógrafo habitual y con quien acababa de estrenar ¡Adelante, soviet! (1926), considerada película melliza de la sinfonía moscovita. En Primavera es también un filme mellizo de otro en el que trabajó con Vértov, El hombre de la cámara (1929), pero ésta sería ya la última vez que colaborarían. Despedidos de la productora Sovkino, que alega exceso de gasto de celuloide sin entregar plan de rodaje ni acabar a tiempo las películas, la troika de los tres (Dziga Vértov, Yelizaveta Svilova y Mijaíl Kaufman) se muda de Moscú a Kyiv, capital de la Ucrania soviética, donde la productora ucraniana VUFKU les permite terminar El hombre de la cámara (filmado pues en Moscú, Kyiv y Odessa) y a Kaufman ir realizando En Primavera (1929), un filme que es una respuesta al desacuerdo con el modo de trabajar de Vértov y que supone la ruptura definitiva entre ambos.
En Primavera contiene los temas programáticos y la concepción fílmica común de muchas películas que hicieron juntos (la cámara como ojo perfeccionado, la explicación metacinematográfica de los procesos de filmación y reconstitución del movimiento, la fractura de la temporalidad, la filmación de todos los aspectos de la «vida al imprevisto», el deporte como conquista obrera, la nefasta relación alcohol-religión, el trabajo, el ocio, la nueva sociedad soviética…) pero retiene y profundiza en las tomas frescas, hermosas, tiernas, próximas, fabulosamente móviles y divertidas de Kaufman, sin reutilizar tanto material y dejando respirar a la naturaleza, como una parte más de esa nueva sociedad que se consolida en esta parábola revolucionaria de la primavera.
Por María Soliña Barreiro González
Navesni (En Primavera), Mijaíl Kaufman, URSS, 1929, 35 mm, sin sonido, 45 min.
Proyección en digital. Copia procedente del Centro Dovzhenko (cinemateca ucraniana).
Agradecimientos: Arsenii Kniazkov.
Fecha: 27 abril 2022
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: Entrada libre
Primer tráiler de «Suzume no Tojimari», lo nuevo de Makoto Shinkai
Makoto Shinkai, uno de los indiscutibles puntales actuales de la animación nipona, tres años después de El tiempo contigo tiene ya casi lista la que será su nueva película como director titulada Suzume no Tojimari, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, en donde volverán a colaborar nombres como Tanaka Masayoshi, Tsuchiya Kenichi o Tanji Takumi, se estrenará comercialmente en Japón el próximo 11 de noviembre.
En Suzume no Tojimari vemos el día a día de Suzume, una chica de 17 años que vive en un pueblo muy tranquilo en la región de Kyushu. Un día, Suzume conoce a un joven que está buscando una puerta que los dos terminaran encontrando en una casa abandonada. De repente al abrirla, Suzume siente como algo la arrastra hacia la puerta y es absorbida en su interior, una acción que provoca un efecto en cadena al abrirse otras puertas por todo Japón, invitando de esta manera a un peligro desconocido a nuestro mundo. Para intentar deshacer el daño, Suzume deberá emprender un viaje por todo el país para cerrar una a una dichas puertas.
«Inexorable» review
En Inexorable somos testigos de cómo Marcel Bellmer busca desesperadamente inspiración para la novela que sigue a su bestseller “Inexorable” y se muda con su familia a la antigua mansión familiar de su esposa. Mientras se acostumbran a su nueva vida, la silueta de una joven llamada Gloria acecha alrededor de la casa. Parece fascinada por la obra literaria de Marcel y decidida a echar raíces dentro del núcleo familiar.
El Festival de Sitges durante estos últimos años ha tenido el acierto de reclutar en su programación casi como presencia fija en el certamen al cineasta belga Fabrice Du Welz, a excepción de su muy competente Message from the King la práctica totalidad de sus película hasta día de hoy han estado presentes en el festival catalán, con su nuevo trabajo tras las cámaras el responsable de magnífica Vinyan parece dar por concluida la que podría considerarse como su trilogía sobre el amor desaforado que deriva en una locura y que inevitablemente va dejando victimas a su paso, pues al final todo se circunvala a través del pecado, el correspondiente castigo y la inevitable redención, tras Alleluia y Adoration en Inexorable Fabrice Du Welz nos ofrece un thriller febril puro y visceral provisto de una de factura impecable.
Tras ese relato de consonancias oníricas en donde se le negaba sistemáticamente el paraíso a sus protagonistas como fue Adoration en cierta manera Fabrice Du Welz con Inexorable vuelve a bajar al fango de las pulsiones humanas al proponer una nueva vuelta de tuerca al prototípico relato de amour fou llevado al límite que ya pudimos ver en su anterior Alleluia, la novedad aquí viene dada en la medida de ver como 
Fabrice Du Welz se hace apropio en el buen sentido de la palabra de un material que da la sensación de ser en una primera instancia de derribo o manido, según se prefiera el termino, pero que en realidad atesora en su interior un muy generoso número de segundas lecturas y lo que es más importante un subtexto en la historia que actúa como tal, a tal respecto Inexorable es interpretable en una primera instancia como un retrato sobre el concepto de la descomposición que parece revisitar a través de reconocibles pautas genéricas ese concepto del thriller USA tan característico en los años 90 en donde la aparición de un intruso que descubre las mentiras e imposturas de los otros termina por desestabilizar un núcleo familiar de engañosa apariencia sólida, las muestras son abundantes pero películas que lograron ser puntas de iceberg en tal cometido como Fatal Attraction (Adrian Lyne 1987), The Hand that Rocks the Cradle (Curtis Hanson 1992) o Single White Female (Barbet Schroeder 1992) entre otras muchas nos mostraban bajo la apariencia y los dictámenes de un thriller visceral como esa forzada tensión sexual provocada desde el exterior podía desencadenar en algo ciertamente horrible.
En ese sentido la notable Inexorable da la sensación de ser una película que parece estar imbuida en todo momento por un cierto grado de nostalgia cinéfila, lo es gracias al innegable buen hacer detrás de las cámaras de Fabrice Du Welz, para ello se tomó su tiempo, títulos de créditos anticuados o esa tonalidad granulada que otorga rodar en 16mm (inmenso trabajo a cargo de Manu Dacosse y Manu De Meulemeester) marcan las características y pautas de una película en donde el fondo no llega a ser tan importante como lo son las formas empleadas por Du Welz, unas formas que aquí nos remiten al concepto de lo sutil, de esa tensa calma tan característica en el thriller que preside a la tormenta, esta como mandan los patrones genéricos hará acto de aparición de forma física y bastante abrupta en el tramo final de un relato que es llevado en su conclusión al terreno de lo inevitablemente explícito. Inexorable supone un nuevo capítulo de una sugerente autoría que indaga de forma casi sistemáticamente en la maldad que anida en el alma humana, al mismo tiempo también en la exploración de una mirada oculta situada en la trastienda, aquí mostrada a través de uno de los ejercicios de estilos cinematográficos más estimulantes que se podrán ver en este 2022.
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Terror retro, tráiler de «Choose or Die»
El próximo 15 de abril es la fecha elegida por Netfilx para el estreno mundial de la cinta de terror Choose or Die (Elige o Muere en nuestro país), película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Choose or Die, que supone el debut en la dirección de Toby Meakins, cuenta con el aliciente añadido de contar en su elenco con una figura tan icónica dentro del cine de terror de estas últimas décadas como es Robert Englund.
En Choose or Die vemos como una universitaria arruinada decide jugar a un oscuro juego de ordenador de supervivencia de los años 80, en busca de un premio no reclamado de 125.000 dólares. Pero el juego la maldice y se enfrenta a peligrosas decisiones y a retos que alteran su realidad. Tras una serie de momentos inesperadamente aterradores, se da cuenta de que ya no juega por el dinero, sino por su vida.
La película con guion a cargo de Simon Allen está protagonizada por Asa Butterfield, Eddie Marsan, Kate Fleetwood, Ryan Gage, Angela Griffin, Caroline Loncq, Ioanna Kimbook, George Taylor, Pete MacHale y Robert Englund.
Lucifer, pacto fáustico y posesión demoníaca
En el tercer volumen de la colección «El Ocultismo en el cine» nos centramos en la figura del Diablo, en su indiscutible relevancia histórica, social y cultural, y asimismo en la enorme importancia que ha tenido a lo largo de toda la historia del cine. Tomando como punto de partida el dios Pan de la mitología griega y su transfiguración en Satán como la quintaesencia del mal puro, llevamos a cabo un viaje emocionante de la mano de los aventurados investigadores de lo oculto Dani Morell, Javier J. Valencia, José Ángel De Dios, Óscar Sueiro, Victor Castillo y Xavi Torrents, analizando la relevancia de Lucifer para la historia del séptimo arte y escudriñando su protagonismo en una lista de más de 50 obras cinematográficas. Dicho periplo lo estructuran tres principales bloques temáticos: LA TENTACIÓN DIABÓLICA Y EL PACTO FÁUSTICO, donde hablamos de films como el Fausto de Murnau, la cinta danesa Häxan de 1922, Alias Nick Beal, la francesa No nos libres del mal de 1971, El corazón del ángel, o El imaginario del Doctor Parnassus, entre otras; EL ANTICRISTO, en el que analizamos películas tan relevantes como son La semilla del diablo de Polanski, La profecía, El príncipe de las tinieblas, o El día de la bestia; y LA POSESIÓN DEMONÍACA, donde nos centramos en films como El exorcista, Posesión infernal, la italiana El engendro del diablo, Ángeles y demonios, o la saga de Expediente Warren, entre otros. Asimismo, añadimos también un apartado final dedicado a la representación de Lucifer en el género de la comedia en el cine.
Sed bienvenidos a un viaje a través de cómo el Diablo ha extendido su manto a lo largo de décadas del séptimo arte, haciendo acto de presencia para tentarnos a que le dejemos entrar y pueda cruzar nuestro umbral. Y es que, de hecho, advertencia para navegantes, a Mefistófeles somos siempre nosotros quienes le invitamos a entrar en nuestra casa, él simplemente se busca las formas más originales para llamar a la puerta.
Autor: Dani Morell, Javier J. Valencia, José Ángel De Dios, Óscar Sueiro, Victor Castillo y Xavi Torrents, Editorial: Dilatando Mentes, Páginas: 486
Gaspar Noé presentará Vortex en la sección Panorama del 21º Festival Internacional de Cine de Las Palmas
Gaspar Noé visitará la ciudad para presentar la polémica Vortex en una cita que contará con los últimos trabajos de Apichatpong Weerasethakul, Hong Sangsoo, Miguel Gomes y Maureen Fazendeiro, Panah Panahi y del equipo de cineastas Pietro Marcello, Francesco Munzi y Alice Rohrwacher.
Las Palmas de Gran Canaria ofrecerá una colección de obras exquisitas en el apartado Panorama de la vigésima primera edición de su Festival de Cine. La sección “llega nutrida de maestría fílmica y nombres ilustres” confirma el programador José Cabrera en el texto sobre el capítulo del festival referido a títulos señalados en el circuito de festivales.
Así, la cita cinematográfica grancanaria contará con los trabajos más recientes de autores como Apichatpong Weerasethakul, Hong Sangsoo, Miguel Gomes, en tándem con Maureen Fazendeiro; Panah Panahi, el equipo formado por Pietro Marcello, Francesco Munzi y Alice Rohrwacher; y Gaspar Noé que visitará la ciudad precisamente para presentar Vortex, película que mostró en Cannes, Mar del Plata y San Sebastián.
La concurrencia de cineastas como estos —un ganador de la Palma de Oro de Cannes (Apichatpong Weerasethakul); un ganador de tres Osos de Plata de Berlín (Hong Sangsoo); el ganador de un Oso de Oro, también de la Berlinale (Miguel Gomes) o el multipremiado y reconocido Gaspar Noé, con numerosos premios en Cannes y en grandes festivales— y de realizadores que recientemente han sido laureados como Panah Panahi, Mejor Película del Festival de Londres y Mejor Película en Mar del Plata, entre otros, por Jadde Khaki, con la que también llega a Las Palmas de Gran Canaria; Maureen Fazendeiro corresponsable de la dirección de Diários de Otsoga que le ha reportado un premio en la dirección, junto a Gomes, en Mar del Plata, y el trío de directores italianos Pietro Marcello, Francesco Munzi y Alice Rohrwacher de los que se mostrará Futura, película seleccionada por Cannes, hacen de este apartado un esencial del Festival, según el programador “una arteria principal” del mismo o (….)“Una forma de no perder el contacto con viejos conocidos y de dar la bienvenida a nuevas voces”.
Porque si algo subraya José Cabrera al referirse a la selección es el haber logrado sumar a esta nómina de cineastas en una sección que cuenta con una dificultad en sus requisitos: que las obras no hayan sido estrenadas en salas comerciales. Una complejidad que este año se ha saldado sin ausencias destacadas.
Así, Panorama no solo mostrará Vortex del autor franco argentino Gaspar Noé, título seleccionado por Cannes y Mar del Plata que se hizo con el premio a la mejor película de Zabaltegi, el apartado más arriesgado del festival donostiarra, sino que contará con la presencia del director. Efectivamente, Noé, un autor radical y extremo, firma de títulos como Irreversible o Clímax, presentará en las salas de Cinesa Centro Comercial El Muelle su última producción, una reflexión sobre la muerte, a través de la representación en pantalla dividida de una pareja de ancianos en declive.
Y del abismo de la decrepitud, al ahora de tres jóvenes que comparten la rutina del hogar en la portuguesa Diários de Otsoga, un diario invertido que retrocede en el tiempo. El filme, premiado en Mar del Plata, ha pasado por Cannes, Karlovy Vary, Sevilla y Busan. Al llegar a Las Palmas de Gran Canaria se convierte en el reencuentro del público de lpafilmfestival con Miguel Gomes (Lady Harimaguada de Plata 2012 por Tabú) que, en esta ocasión, codirige la cinta junto a Maureen Fazendeiro.
Panorama también mostrará Memoria, una nueva experiencia sensorial de Apichatpong Weerasethakul. La película, Premio del Jurado en Cannes, certamen que no deja escapar ninguna obra del que lograra su Palma de Oro en 2010 por Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas, cuenta con un amplio recorrido en festivales. Los sonidos que sorprenden a Jessica (Tilda Swinton), una escocesa en Colombia, la llevan a iniciar un viaje a la Amazonía colombiana en una exploración sobre la memoria que va más allá de lo personal.
La poesía del surcoreano Hong Sangsoo vuelve a Las Palmas de Gran Canaria. Su trabajo In front of your Face / Dangsin-eolgul-apeseo, último por el momento, sigue explorando el universo femenino y lo hace a través de los secretos que guarda una mujer que regresa a Corea del Sur. La protagonista, residente en Estados Unidos, se instala en la casa de su hermana con el pretexto de ver a su sobrino y con el firme propósito de mirar al presente: In front of your face.
Panorama, asimismo, mostrará la ópera prima de Panah Panahi, hijo del cineasta iraní Jafar Panahi: Jadde Khaki / Hit the Road. La mejor película de los festivales de Londres y de Mar del Plata tiene como punto de partida un viaje hacia un destino incierto. La ruta en coche que emprende la familia, el parloteo incesante del hijo pequeño y el silencio del mayor, prometen ternura y momentos agridulces a los espectadores del Festival de Cine grancanario, lo mismo que sucedió en citas como la Quincena de Realizadores de Cannes, Viena o Valladolid, además de las mencionadas Londres y Mar del Plata.
La sexta película de la selección Futura de Pietro Marcello, Francesco Munzi y Alice Rohrwacher es prácticamente un trabajo de investigación, una idea del futuro que esperan los jóvenes italianos. A través de una serie de entrevistas realizadas a jóvenes y adolescentes de entre 15 y 20 años, los cineastas comparten los miedos, las expectativas y los anhelos de la juventud italiana.
La percepción pública, póster y tráiler en castellano de «Arthur Rambo» de Laurent Cantet
Laurent Cantet lleva años radiografiando la sociedad que nos rodea con películas tan a tener en cuenta como por ejemplo Ressources humaines (1999), L’emploi du temps (20019 o la más reciente L’Atelier (2017) por citar solo unas cuantas. Tras su paso el pasado mes de septiembre por el Festival de San Sebastián (critica aquí) Cantet vuelve a indagar en problemáticas actuales con Arthur Rambo, película cuyo primer tráiler en castellano acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, basado en la historia real del escritor Mehdi Meklat, se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Golem el próximo 22 de abril.
Arthur Rambo nos hace la pregunta de ¿Quién es Karim D.? ¿El nuevo escritor, joven y comprometido, del que los medios nunca tienen suficiente? ¿O su alias, Arthur Rambo, autor de mensajes alimentados por el odio que se escribieron hace tiempo y que se extrajeron, un día, de los sitios web de las redes sociales?
La película con guion delo propio Laurent Cantet junto a Fanny Burdino y Samuel Doux está protagonizada por Rabah Nait Oufella, Antoine Reinartz, Aleksandra Yermak, Sofian Khammes y Anaël Snoek.
