Mes: agosto 2015

El maestro del cine de terror ha muerto a los 76 años víctima de un cáncer cerebral. El creador de Freddy Krueger, figura legendaria del cine de terror, ha dejado huérfanos a una legión de fans del género esta madrugada. Wes Craven, director de las emblemáticas sagas de terror Pesadilla en Elm Street y Scream, ha muerto a los 76 años a causa de un cáncer cerebral. El film The Girl in the Photographs, producido por Craven, se podrá ver en Sitges 2015 después de haberse estrenado en el Festival de Toronto.

The Girl in the Photographs, dirigido por Nick Simon, es un slasher ambientado en el mundo de la moda, centrado en la historia de un fotógrafo de famosos y su séquito, que abandonarán el lujo de la gran ciudad para acudir a un pequeño pueblo y empezar a investigar los sangrientos crímenes que está cometiendo un asesino en serie.

The Girl in the Photographs

Wes Craven nació en 1939 en Cleveland, Ohio, y en 1972 dejó su trabajo de profesor de humanidades para debutar a su carrera cinematográfica con La última casa a la izquierda (1972), una violenta historia de unos jóvenes que son secuestrados por unos psicóticos. Craven logró destacar en la industria para aportar un sello distintivo en el cine de terror a partir de mezclar diversos géneros en sus proyectos, como en Las colinas tienen ojos (1977), una historia con pinceladas de humor que ganó el Premio de la Crítica Internacional del Jurado en el Festival de Sitges 1977 y que fue reversionada en 2006.

También fue uno de los primeros en inspirarse en cómics para sus creaciones, como en La cosa del pantano (1982), basada en la historieta de Len Wein. Fue en 1984 cuando Craven consiguió aterrorizar a las grandes audiencias con el asesino en serie Freddy Krueger, interpretado por Robert Englund, que sería galardonado con el premio la Màquina del Temps en la edición de 2007 del Festival de Sitges.

El director también se movió en otros terrenos, como en el caso de Música del corazón (1999), con la que Meryl Streep consiguió una nominación al Oscar, aunque, sin embargo, no fue una apuesta que consiguiera el éxito del que disfrutó con el lenguaje del terror. El gran reconocimiento volvió en 1996 cuando estrenó Scream con una joven Neve Campbell como protagonista, con un reparto ilustre del cine de los noventa con nombres como David Arquette, Courtney Cox, Rose McGowan o Drew Barrymore, y con unos asesinos perturbados interpretados por Skeet Ulrich y Matthew Lillard, que acababan de empezar sus carreras. El film revitalizó la escena del género y consiguió un gran éxito de taquilla en Estados Unidos, lo que le llevó a convertirse en el primer título de una conocida tetralogía.

Otros títulos que hay que destacar del director son La serpiente y el arco iris (1988), Visiones nocturnas (1990), El sótano del miedo (1992, presentada en Sitges), Un vampiro suelto en Brooklyn (1995) o Vuelo nocturno (2005). Su último film como director fue el cuarto título de la saga Scream (2011) de la que la MTV estrenó la adaptación televisiva con una primera temporada el pasado mes de junio.

Video tributo

Vinila von Bismark protagoniza el cartel de la Semana de Cine Fantástico y de Terror 2015

La actriz y cantante Vinila von Bismark es la protagonista del cartel de la XXVI Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 31 de octubre y el 6 de noviembre.

Ambientada en un futuro posindustrial y posapocalíptico, la imagen del cartel se inscribe en la estética de películas que muestran un planeta Tierra en un futuro no demasiado lejano destruido por guerras o epidemias, donde la supervivencia es lo único que cuenta. También pretende rendir homenaje a las heroínas del cine fantástico y de acción. Filmes como Mad Max: Salvajes de autopista (George Miller, 1979) o Kamikaze 1999 (Luc Besson, 1983) han sido el punto de partida estético de la imagen de la Semana de este año; películas que conforman un subgénero propio dentro de la ciencia ficción que cada año crece con nuevos títulos.

La fotografía ha sido realizada por José Luis López de Zubiria, responsable de gran cantidad de carteles de la Semana. El diseño es del estudio Ytantos, como en los últimos años. El arma ha sido diseñada por Gorka Aguirre. Nerea Torrijos se ha encargado del vestuario y Koro Ramón del maquillaje y la peluqueria. El making of es de Aritz Moreno.

Vinila von Bismark

Cantante, DJ, actriz, bailarina y performer, Vinila von Bismark es más que el álter ego de Irene López Mañas, mucho más que un personaje o una imagen. Vinila es, por encima de todo, una actitud, una presencia icónica, un sello de identidad; el carácter genuino de una artista que nació en Peligros (Granada) en 1986. De algún modo su trayectoria quedará ligada a su lugar de nacimiento, ya que Vinila es una artista precoz a la que siempre le ha gustado jugar con los límites de la provocación, la seducción y el deseo.

Sus primeros devaneos con la música y el espectáculo fueron en la ciudad de Granada, donde fundó el colectivo de performance punk Freak Factory. Más tarde se muda a Madrid, donde conoce a Petra Flurr y empiezan a actuar bajo el nombre de Krakovia, formación que ficha por la discográfica Subterfuge, con la que publican el disco Road Movie (2008).

En su faceta como DJ trabaja en pasarelas de moda internacionales, festivales de música o clubes de toda Europa. Su nombre hace honor a la pasión que siente por los discos de vinilo, con los que siempre pincha y de los que atesora una colección con más de 1000 auténticas joyas.

Las productoras de televisión se fijan en ella y Vinila se atreve a dar sus primeros pasos en este medio en la serie de terror de Cuatro «Hay alguien ahí» (2009-2010).

En 2010 conoce al trío madrileño de rockabilly The Lucky Dados, con los que se pone a trabajar en estilos como el calypso, el ska, el surf o el rock’n’roll y publican The Secret Carnival (Subterfuge, 2010).

En 2011 comienza a actuar en el espectáculo de cabaret The Hole, donde puede desarrollar su pasión por el burlesque.

En 2014 publica también con Subterfuge su primer disco en solitario, A Place With No Name, donde da un paso de gigante en su carrera musical, un paso valiente hacia un estilo mucho más personal y propio que, sin relegar su lado más salvaje y rockero, enseña otros matices. Fue nominada a un MTV European Music Award.

Tras ganar el premio a Mejor Música con el videoclip de Snake en el Fashion Film Festival de La Jolla y triunfar en el Ink-N-Iron – Kustom Kulture Festival de Long Beach (ambos en California), Vinila von Bismark vuelve a la carretera para dar vida a madame Zoltar en la gira de The Hole 2 y llevar su tour A Place With No Name por todos los rincones de España. En los que además presentará su personal homenaje a La Faraona, en el vigésimo aniversario de su muerte, compartiendo con todos su nuevo single Pena, penita, pena, del que aquí se puede ver el video producido por Gus&Lo y dirigido por Gustavo López Mañas.

El 30 de octubre, día anterior al comienzo de la Semana, a las 22:00, Vinila von Bismark ofrecerá un concierto en el C. C. Intxaurrondo, organizado por Donostia Kultura y Nordika Produciones. El precio de la entrada es de 13 € anticipada y 16 € en taquilla.

Ciclo «¡Sigue grabando!» en la Semana de Terror

La Semana ha preparado para este año el ciclo ¡Sigue grabando! Falso documental, metraje encontrado y tele-realidad en el cine de horror.

La Semana se acerca este año en su ciclo a uno de los géneros más en boga en el mundo del terror en los últimos tiempos, utilizado por cineastas de todo el planeta, del que cada año se ruedan decenas de películas. Desde el éxito de El proyecto de la bruja de Blair (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999) y [REC] (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007), los falsos documentales (o mockumentarys) y filmes de metraje encontrado (found footage) de todo tipo comenzaron a aparecer en las pantallas del mundo entero, multiplicándose su presencia año tras año. Películas de vocación más o menos realista, rodadas con cámara en mano, una estética cercana a los programas televisivos de calle, sensación de inmediatez…

Häxan: La brujería a través de los tiempos

El ciclo mostrará algunos de los títulos más importantes del género de los últimos años, pero con algunos guiños al pasado, como la proyección de la mítica película noruega La brujería a través de los tiempos (1922), dirigida por Benjamin Christensen, falso documental adelantado varias décadas a su tiempo.

El ciclo se organiza en colaboración con el Festival Internacional de Cine de Gijón. La Semana colaborará en un libro que lo acompaña, coordinado por Jesús Palacios, padre espiritual del proyecto, que será editado por Gijón y que se presentará también en San Sebastián.

La exposición «Iberia FX. Oficio y artificio en el cine español» en la Semana de Terror

La exposición Iberia FX. Oficio y artificio en el cine español recoge la evolución de los efectos especiales en la historia del cine del Estado, homenajeando a grandísimos profesionales que son los verdaderos protagonistas de esta muestra, que estará abierta entre el 31 de octubre y el 19 de diciembre en el C. C. Okendo.

El Laberinto del Fauno

Maquetas de submarinos y bizarras naves espaciales, monstruos prehistóricos, imposibles bebés mutantes o momificados templarios se dan cita en esta exposición única, creados por atrezistas, decoradores, maquilladores, directores de arte, técnicos en efectos especiales… Todos ellos presentes en los numerosos paneles informativos que detallan sus biofilmografías, acercando al visitante a los principales trucos y técnicas de FX, desde los inicios del siglo XX hasta los más recientes hallazgos digitales. Se muestran igualmente valiosos objetos originales, muchos de ellos inéditos hasta el momento: atrezo de época, carteles, diseños, bocetos, preciados documentos y toda clase de memorabilia, maquetas rescatadas de rodajes de inolvidables filmes. Retazos de grandes obras de culto para los admiradores y seguidores de un cine en muchas ocasiones de verdadera Serie B o de superproducciones internacionales rodadas en España.

Se recordarán desde pioneros como Segundo de Chomón o Fructuoso Gelabert hasta recientes y multipremiadas citas del fantástico como El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006) o Eva (Kike Maíllo, 2011), pasando por iconos del terror como los templarios de Amando de Ossorio, la scifi de Juan Piquer Simón, películas como Conan, el bárbaro (John Milius, 1982) y nombres de los FX como Emilio Ruiz, Carlo de Marchis, Arturo Balseiro, Colin Arthur, Gumersindo Andrés, Reyes Abades y un largo etcétera de técnicos y artesanos.

Merian C. Cooper (1893-1973) y Ernest B. Schoedsack (1893-1979) formaron en la era clásica del cine estadounidense una de las parejas creativas más curiosas y estimulantes que ha dado la historia de Hollywood. La próxima edición del Festival de San Sebastián recuperará su obra a través de un ciclo dedicado a sus películas.

Reconocidos durante generaciones por ser los artífices de la emblemática King Kong (King Kong, 1933), la aportación de Cooper y Schoedsack al cine no se reduce a esta obra maestra. Su carrera se inicia con dos piezas clave en la historia del documental, Grass; A Nation’s Battle for Life (Hierba, 1925) y Chang (1927). Después realizarán películas fantásticas, dramas, de aventuras y de misterio, algunas de las cuales son hoy títulos de culto: The Four Feathers (Las cuatro plumas, 1929), The Most Dangerous Game (El malvado Zaroff, 1932), The Last Days of Pompeii (Los últimos días de Pompeya, 1935), Dr. Cyclops (1940), The son of Kong (El hijo de Kong, 1933) o Mighty Joe Young (El gran gorila, 1949).

La retrospectiva está dedicada a sus trabajos como directores, tanto en colaboración como de Schoedsack en solitario. Está organizada por el Festival de San Sebastián en colaboración con Filmoteca Española. El ciclo se complementará con la publicación de un libro dedicado a los dos cineastas coordinado por Quim Casas.

GRASS; A NATION’S BATTLE FOR LIFE  GRASS; A NATION’S BATTLE FOR LIFE (HIERBA). Merian C. Cooper, Marguerite Harrison, Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1925

El debut tras las cámaras de Cooper y Schoedsack fue este clásico del documental antropológico, rodado en los espectaculares paisajes de Irán. La vida cotidiana de la tribu Bakhtiari, en la antigua Persia, y su migración en busca de pastos para el ganado: 50.000 personas y sus rebaños tienen que atravesar barreras naturales y afrontar duras condiciones metereológicas para conseguir alimentar a sus animales.

CHANG. Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1927

La segunda aventura cinematográfica de Cooper y Schoedsack los llevó hasta las selvas de Tailandia. Un documental con elementos ficcionados donde los directores dan rienda suelta a su pasión por los escenarios exóticos y su sentido del espectáculo, gracias a este apasionante relato sobre la lucha del hombre contra la bestia.

THE FOUR FEATHERS (LAS CUATRO PLUMAS). Merian C. Cooper , Ernest B. Schoedsack , Lothar Mendes   (EEUU)  1929

Schoedsack y Cooper realizaron la primera adaptación sonora de la famosa novela colonial de A.E.W. Mason, llevada en varias ocasiones a la pantalla. Las aventuras en Sudán del teniente Faversham, acusado de cobardía por sus amigos, son la perfecta excusa para que los directores impriman a la narración original el brío y dinamismo que caracterizan su cine. Fue su primera colaboración con una actriz recurrente en su filmografía, Fay Wray.

RANGO. Ernest B. Schoedsack    (EEUU)  1931

Dos años antes de rodar su obra maestra, King Kong, Cooper y Schoedsack fantasearon sobre las relaciones entre los hombres y los monos gracias a este relato de aventuras con vocación antropológica ambientado en las selvas de Sumatra. Pero, como era habitual en su cine, su poder fabulador siempre se imponía sobre la mera observación de la realidad.

THE MOST DANGEROUS GAME (EL MALVADO ZAROFF). Ernest B. Schoedsack, Irving Pichel   (EEUU)  1932

Adaptación de un clásico relato de Richard Connell, este film fue para Cooper y Schoedsack un ensayo de los alucinantes ambientes de pesadilla que culminarían en King Kong al año siguiente, ya que ambos títulos fueron rodados en los mismos decorados. El cine de aventuras se funde con el cuento gótico en una película cruel y salvaje, cuyas frenéticas secuencias de acción aún sorprenden hoy día.

BLIND ADVENTURE (UNA AVENTURA EN LA NIEBLA). Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1933

Cooper y Schoedsack abandonan los escenarios exóticos tan habituales en su filmografía para trasladarnos al Londres de las intrigas detectivescas. Su actor fetiche, Robert Armstrong, es en esta ocasión un americano perdido en la niebla londinense y envuelto en una enrevesada trama que parece sacada de una película de Alfred Hitchcock.

KING KONG. Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1933

La película de monstruos más famosa de la historia del cine, un título mítico que nos dio uno de los iconos más perdurables del séptimo arte. La triste historia del gorila gigante que pierde su reino por un amor imposible no solo es una onírica revisión del mito de la Bella y la Bestia, reivindicada por intelectuales y artistas de todo el mundo, sino todo un alarde de efectos especiales, espectáculo, imaginación y poesía en estado puro.

THE SON OF KONG (EL HIJO DE KONG). Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1933

El éxito de King Kong obligó a Cooper y Schoedsack a entregar la obligada secuela, en un plazo muy apretado y con mucho menos presupuesto. Descubrimos ahora que el viejo y airado King Kong había dejado un cachorro en la Isla de la Calavera, un entrañable y bonachón gorila que se convertirá en inesperado aliado del protagonista del anterior film, una vez más metido en todo tipo de problemas por culpa de su afán aventurero.

LONG LOST FATHER. Ernest B. Schoedsack    (EEUU)  1934

Una sorprendente incursión de Cooper y Schoedsack en los terrenos de la comedia dramática, un género en principio muy alejado de sus intereses habituales. Este relato sobre el reencuentro de un padre y una hija que han vivido separados es, ante todo, un vehículo para el lucimiento de una de las grandes estrellas del Hollywood de la época, John Barrymore.

THE LAST DAYS OF POMPEII (LOS ÚLTIMOS DÍAS DE POMPEYA). Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1935

La novela de Bulwer Lytton Los últimos días de Pompeya ha sido uno de los textos más adaptados de la historia del cine desde la época muda. Cooper y Schoedsack no podían dejar pasar la oportunidad de llevarla a la pantalla en una versión sonora. Las mejores técnicas de efectos especiales de la época permiten visualizar el grandioso y trágico espectáculo de la orgullosa ciudad que fue destruida por la erupción de un volcán.

OUTLAWS OF THE ORIENT. Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1937

El desierto del Gobi es en esta ocasión el escenario elegido por Schoedsack para un relato con todos los ingredientes que necesitaban para hacer una película: hombres emprendedores luchando contra la naturaleza, peligrosos bandidos y el amor por la aventura y el peligro.

DR. CYCLOPS. Ernest B. Schoedsack, Merian C. Cooper   (EEUU)  1940

Una de las más imaginativas fantasías urdidas por Cooper y Schoedsack, un pequeño clásico del cine de ciencia ficción: la increíble historia de unos hombres miniaturizados por un científico loco resulta ser un delicioso entretenimiento donde resuenan los ecos mitológicos del combate del hombre contra el cíclope.

MIGHTY JOE YOUNG (EL GRAN GORILA). Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1949

El maestro de los efectos especiales Ray Harryhausen debutó en esta película en la que Cooper y Schoedsack volvían a dejar clara su fijación por los monos gigantes. Esta vez el simio en cuestión no se enoja con tanta facilidad como Kong, por lo que el resultado es una tierna y amable aventura familar donde no faltan espectaculares alardes de efectos especiales.

THIS IS CINERAMA (ESTO ES CINERAMA). Michael Todd, Michael Todd, Jr., Gunter von Fritsch, Ernest Schoedsack , Merian C. Cooper, Fred Rickey    (EEUU)  1952

 Era lógico que Merian C. Cooper, el maestro del cine-espectáculo, se sintiera fascinado por el Cinerama, un sistema de proyección envolvente que revolucionó la exhibición cinematográfica en la década de los 50. Este documental explora sus posibilidades a través de una serie de recorridos por paisajes y lugares que hacen  que el espectador se sumerja en la pantalla.

I’M KING KONG!: THE EXPLOITS OF MERIAN C. COOPER. Christopher Bird, Kevin Brownlow    (EEUU)  2005

Un documental que reivindica la figura de Merian C. Cooper, cineasta y aventurero, responsable de una de las películas míticas de la historia del cine, King Kong. Narrado por Alec Baldwin, es un apasionante recorrido por su novelesca biografía, sus películas y su arrolladora personalidad.

La 63 edición del Festival de San Sebastián dedica un ciclo al nuevo cine independiente producido en Japón en los últimos quince años. Más allá de las películas surgidas de los grandes estudios, el fenómeno del cine independiente en Japón ha generado un importante foco de creatividad cinematográfica que se manifiesta en una serie de películas producidas fuera de la industria. En esta categoría se encuentran los primeros trabajos de jóvenes directores, pero también los de una serie de consagrados cineastas que encuentran, en este territorio al margen del cine comercial, una mayor libertad expresiva.

El ciclo se convierte así en un recorrido que permitirá descubrir la vitalidad y energía de la cinematografía de este país a través de la obra de algunos de sus más notables cineastas.

El ciclo Cine independiente japonés 2000-2015 está organizado por el Festival de San Sebastián en colaboración con CulturArts-IVAC (Valencia), Museo San Telmo, Filmoteca Vasca y Conversaciones Donostia/San Sebastián 2016.

La retrospectiva se completará con una publicación coordinada por Shôzô Ichiyama, productor japonés y director de programación del Festival Internacional de Cine de Tokio Filmex.

Fantasia estará presente en el certamen para contaros con detalle todo acerca no solo en lo referente a esta retrospectiva sino a todo lo que de si un festival que ofrece una programación de lo más lujosa e interesante.

»Cine independiente japonés 2000-2015»

H STORY. Nobuhiro Suwa   (Japón)  2001

Nobuhiro Suwa, uno de los cineastas japoneses contemporáneos más fascinados por la cultura europea, plantea un film-ensayo, a medio camino entre el documental y la ficción, sobre la (im)posibilidad de recuperar el pasado a través del remake de un título mítico del cine francés, Hiroshima mon amour.

SORA NO ANA / HOLE IN THE SKY. Kazuyoshi Kumakiri   (Japón)  2001

La segunda película del cineasta Kazuyoshi Kumakiri fue presentada en la sección Forum del Festival de Berlín en 2001. Un delicado relato sobre la inesperada relación que se establece entre un joven solitario que apenas ha tenido relación con el mundo y una chica que ha visto ya demasiado.

BORDER LINE. Sang-il Lee   (Japón)  2002

El debut del realizador japonés de origen coreano Sang-il Lee es un fresco del Japón actual a través de las vivencias entrecruzadas de tres personajes de diferentes edades, pero todos marcados por la desesperación, la soledad y su triste destino.

ROKUGATSU NO HEBI / A SNAKE OF JUNE. Shinya Tsukamoto   (Japón)  2002

Tras consagrarse internacionalmente con su impactante film Tetsuo (1989), Shinya Tsukamoto volvió a sumergirse en sus atmósferas claustrofóbicas y enfermizas para contar un fábula llena de erotismo, culpa y pasión: una mujer casada empieza a ser acosada por un hombre misterioso.

AKARUI MIRAI / BRIGHT FUTURE. Kiyoshi Kurosawa   (Japón)  2003

Aunque Kiyoshi Kurosawa es un prestigioso cineasta que se ha dado a conocer por sus películas de temática fantástica, compitió en el Festival de Cannes con este film de corte realista, una sutil crónica sobre el desconcierto de la juventud japonesa y la falta de rumbo de una sociedad que ha perdido sus referentes.

BAKA NO HAKONUBE / NO ONE’S ARK. Nobuhiro Yamashita   (Japón)  2003

Una mordaz sátira de la «burbuja económica» de Japón que adopta la forma de una comedia minimalista: Daisuke e Hisako deciden iniciar una nueva vida en una remota isla después de que un negocio ruinoso los haya endeudado hasta el cuello. Pero la vida en esa plácida comunidad no será tan idílica como ellos pensaban. La película fue seleccionada por el Festival de Rotterdam en 2003.

VIBRATOR. Ryuichi Hiroki   (Japón)  2003

Un sensible retrato femenino que tiene como protagonista a una mujer aislada del mundo, incapaz de sentir más que la vibración de un teléfono móvil que nunca contesta. Sin embargo, un encuentro casual con un desconocido la hará embarcarse en un viaje de autodescubrimiento emocional y sexual.

KANARIA / CANARY. Akihiko Shiota   (Japón)  2004

Basándose en el atentado llevado a cabo por la secta Aum en el metro de Tokio en 1995, Akihiko Shiota construye una parábola que trata de indagar en el fenómeno social de los cultos religiosos. Lejos de todo efectismo, narra con especial delicadeza la historia de un niño que ha pasado toda su infancia recluido en una secta y ahora debe enfrentarse al mundo.

OSOI HITO / LATE BLOOMER. Go Shibata   (Japón)  2004

El actor discapacitado Sumida Masakiyo es el protagonista de este cuento cruel, cómico e irónico pero siempre terriblemente humano: Sumida, un joven que tiene sus funciones motrices limitadas, se enamora de una estudiante que se ha prestado voluntaria para cuidarlo; sin embargo, ella se siente atraída por el mejor amigo de Sumida. Presentada en el Festival de Rotterdam en 2005.

ARU ASA SOUP WA / THE SOUP, ONE MORNING. Izumi Takahashi   (Japón)  2005

Ganador del premio a la mejor película en el Pia Film Festival, el paraíso del cine independiente japonés, este debut del director Izumi Takahashi es la claustrofóbica crónica de la desintegración de una relación de pareja, filmada de manera tan implacable como empática, con tanto rigor como sensibilidad.

BASHING. Masahiro Kobayashi   (Japón)  2005

Masahiro Kobayashi se inspiró en un hecho real para esta película, que compitió en el Festival de Cannes: el secuestro de la activista Nahoko Takato por parte de terroristas islámicos. Sin embargo, el verdadero tema de su película es la intransigencia de la sociedad japonesa y la manera en que fue juzgada por el simple hecho de haber sobrevivido.

A STRANGER OF MINE. Kenji Uchida   (Japón)  2005

Kenji Uchida obtuvo el Premio de la Crítica Joven del Festival de Cannes gracias a esta ingeniosa comedia romántica narrada desde los diferentes puntos de vista de los personajes implicados. Una historia de chico-conoce-chica que se va complicando cada vez más, porque la vida nunca es tan sencilla como en las películas.

TARACHIME / BIRTH – MOTHER. Naomi Kawase   (Japón – Francia)   2006

Un descarnado y sincero documental autobiográfico en el que una de las más prestigiosas directoras de Japón, Naomi Kawase, reflexiona sobre los ciclos de la vida y la muerte a través de la figura de su anciana abuela y del nacimiento de su propio hijo.

HITO NO SEX WO WARAUNA / SEX IS NO LAUGHING MATTER. Nami Iguchi   (Japón)  2007

Matsuyama Kenichi, una popular estrella juvenil del cine japonés, protagoniza este relato sobre el despertar sexual y la confusión sentimental de un estudiante que inicia una relación con su profesora, veinte años mayor que él. Una historia de amor que la directora Nami Iguchi observa con distancia clínica para captar con más precisión sus diferentes matices.

JITSUROKU RENGO SEKIGUN / UNITED RED ARMY. Koji Wakamatsu   (Japón)  2007

El Ejército Rojo Japonés fue uno de los más activos y temidos grupos terroristas de la década de los 70. El veterano cineasta Koji Wakamatsu afrontó, a los 72 años de edad, la labor de contar la historia de un grupo armado que él llegó a conocer bien de cerca. Metraje de archivo y reconstrucciones con actores componen una prolija crónica de este episodio de la historia del moderno Japón.

JUYONSAI / FOURTEEN. Hiromasa Hirosue   (Japón)  2007

El bullying en colegios e institutos es uno de los temas candentes que acucian a la sociedad japonesa actual. El actor y director Hiromasa Hirosue compitió en el Festival de Rotterdam con esta película que se acerca al tema huyendo de cualquier efectismo, acercándose con pudor y respeto a las víctimas de este lamentable fenómeno social.

SAD VACATION. Shinji Aoyama   (Japón)  2007

Uno de los más destacados representantes de la llamada «nueva ola japonesa» de la década de los 90, Shinji Aoyama, se plantea en este film, que fue presentado en el Festival de Venecia, cuál es la naturaleza de los vínculos familiares. Su protagonista, el joven Kenji, ha formado una familia por su cuenta, pero el reencuentro con la madre que lo abandonó de niño lo pone todo en cuestión.

AI NO MUKIDASHI / LOVE EXPOSURE. Sion Sono   (Japón)  2008

Sion Sono es, probablemente, el más extremo e imprevisible de los directores japoneses actuales y muchos consideran que esta película, premiada en el Festival de Berlín, es su obra maestra: una historia de amor de tintes épicos que se desarrolla a través de un metraje colosal en el que hay sitio para todo: el arte, la religión, el sexo, la familia y un buen catálogo de excentricidades.

PASSION. Ryusuke Hamaguchi   (Japón)  2008

Ryusuke Hamaguchi compitió en 2008 en la sección Nuev@s Director@s del Festival de San Sebastián con este debut, un film en el más puro espíritu del cine independiente: un sagaz estudio de las relaciones a través del relato de una pareja a punto de casarse que se ve ensombrecida por la infidelidad.

SEISHIN / MENTAL. Kazuhiro Soda   (Japón)  2008

El prestigioso documentalista Kazuhiro Soda rompe con esta película un gran tabú de la sociedad japonesa: su reticencia a hablar del problema de las enfermedades mentales. Rodado a lo largo de un mes en el hospital psiquiátrico de Okayama, este documental, presentado en el Festival de Berlín, observa con detalle la vida diaria de una serie de pacientes víctimas de sus tendencias suicidas y su miedo a la sociedad.

PARADE. Isao Yukisada   (Japón)  2009

Presentada en el Festival de Berlín, esta película de Isao Yukisada es un agudo estudio psicológico de cuatro personas que comparten piso. Su vida parece rutinaria y tranquila hasta que la llegada de un extraño pone en evidencia la fragilidad del sistema en el que vivían. ¿Quién es el quinto habitante de la casa? ¿Es posible que sea el asesino en serie que ronda la vecindad?

YELLOW KID. Mariko Tetsuya   (Japón)  2009

«Yellow Kid» fue un popular personaje del cómic americano al que un artista de manga japonés da nueva vida en el siglo XXI: un muchacho de las calles que se convierte en boxeador, un héroe para los marginados de la sociedad. Pero cuando un joven se inspira en este personaje para cumplir su sueño, el contraste entre realidad e ilusión puede ser muy doloroso. Un film seleccionado por el Festival de Rotterdam en 2010.

FUYU NO KEMONO / LOVE ADDICTION. Nobuteru Uchida   (Japón)  2010

Una pieza de cámara sobre las complejas relaciones sentimentales entre cuatro personajes, rodada con un presupuesto equivalente al precio de un coche de segunda mano a lo largo de varios fines de semana, con los actores improvisando sus diálogos. Un film sorprendente, pese a sus aparentes limitaciones, que compitió en el Festival de Rotterdam en 2011.

HEAVEN’S STORY. Takahisa Zeze   (Japón)  2010

Takahisa Zeze se ha convertido en figura de culto en el panorama del cine independiente japonés. Esta es probablemente su película más ambiciosa, y fue presentada en el Festival de Berlín en 2011. Un prolijo fresco de la sociedad japonesa actual que entrelaza las historias de personajes atormentados por la venganza, el adulterio, la avaricia, el amor y la necesidad de redención.

KAWA NO NAKAKARA KONNICHIWA / SAWAKO DECIDES. Yuya Ishii   (Japón)  2010

Sawako es una mujer en crisis profesional y sentimental que vuelve al lugar donde nació para hacerse cargo del negocio familiar. Un delicioso retrato femenino, repleto de ternura y sentido del humor, que se sustenta sobre el espléndido trabajo de su protagonista, Hikari Mitsushima. El film fue presentado en el Pia Film Festival de Tokio en 2009.

SAUDADE. Katsuya Tomita   (Japón)  2011

Una historia de amistad entre dos hombres de muy diferente carácter nos sumerge en la comunidad de inmigrantes brasileño-japoneses, sus sentimientos contradictorios y su forma de expresarse a través del hip hop, pero también en ese mundo proletario que no se suele mostrar habitualmente en el cine japonés. Un film que compitió en el Festival de Locarno en 2011.

FUGAINAI BOKU WA SORA O MITA / THE COWARDS WHO LOOKED TO THE SKY. Yuki Tanada   (Japón)  2012

Adaptación de una novela superventas de Misumi Kubo, una de las grandes revelaciones de la nueva literatura erótica japonesa, esta película de Yuki Tanada explora las relaciones de varios personajes con el sexo y los sentimientos, mientras tratan de combatir el tedio, la frustración, la soledad o la desesperación.

KIRISHIMA BUKATSU YAMETATTEYO / THE KIRISHIMA THING. Daihachi Yoshida   (Japón)  2012

Como si de una versión de Rashomon en clave high school se tratara, esta película del siempre imaginativo Daihachi Yoshida cuenta desde diferentes puntos de vista un extraño incidente: Kirishima, la estrella del club de voleibol, ha desaparecido y la estructura jerárquica del instituto peligra. El enigma se mueve entre la comedia freak y la inmersión en los laberintos de la mentalidad adolescente.

MUJIN CHITAI / NO MAN’S ZONE. Toshi Fujiwara   (Japón)  2012

El cineasta Toshi Fujiwara se adentra en la zona de seguridad de 20 kilómetros que rodea la planta nuclear de Fukushima. A través de conversaciones con los residentes que aguardan a que se lleve a cabo la orden de evacuar la zona, Fujiwara deja testimonio de su entrega al pasado que dejan atrás y su incertidumbre acerca del futuro. Un documental que fue seleccionado por el Festival de Berlín.

SAKURA NAMIKI NO MANKAI NO SHITA NI / COLD BLOOM. Atsushi Funahashi   (Japón)  2012

Un sombrío drama ambientado en el duro mundo del proletariado japonés, siempre impotente ante las maquinaciones de los poderes económicos que están detrás de los complejos industriales. El relato de una mujer que pierde a su marido en un accidente laboral es la base de un film presentado en el Festival de Berlín y que sigue la estela de los grandes clásicos del cine japonés de los años 50 y 60.

HOTORI NO SAKUKO / AU REVOIR L’ÉTÉ. Koji Fukada   (Japón)  2013

Koji Fukada homenajea el cine de Eric Rohmer con este cuento que sigue con exquisita delicadeza el despertar de una joven que, antes de entrar en la universidad, se traslada a una plácida ciudad costera para pasar el verano con su tía. Todo un canto al placer sensorial, pero también una reflexión sobre las desilusiones y dolores que acechan en el camino de la vida.

IYA MONOGATARI / THE TALE OF IYA. Tetsuichiro Tsuta   (Japón)  2013

Rodada en los espectaculares parajes de la región de Iya, al sur de Japón, una poética fábula sobre un hombre que huye del ajetreo de la gran ciudad, solo para descubrir que la naturaleza vive amenazada por la vida moderna. Tetsuichiro Tsuta rodó con 28 años de edad esta sabia y madura película que ha sido comparada con la obra de los grandes maestros del cine japonés.

MISS ZOMBIE. Sabu    (Japón)  2013

Una de las grandes revelaciones del cine japonés de la década de los 90, Sabu, ofrece su peculiar homenaje a los clásicos del cine de terror con esta fantasía en blanco y negro acerca de un Japón del futuro en el que los zombies son domesticados y sirven como criados. Pero, más allá del puro cine de horror, Sabu construye una macabra y perturbadora sátira social.

SOKO NOMI NITE HIKARI KAGAYAKU / THE LIGHT SHINES ONLY THERE. Mipo Oh   (Japón)  2014

Mipo Oh es una de las más notables guionistas y realizadoras del cine japonés contemporáneo. En esta, su segunda película, narra con especial tacto una hermosa y desoladora historia de amor que sale a la luz entre las ruinas de una sociedad donde toda esperanza parece imposible.

SHARING. Makoto Shinozaki   (Japón)  2014

La catástrofe de Fukushima ha dado en los últimos años un buen número de documentales que se acercan al tema desde diferentes perspectivas. Pero Makoto Shinozaki prefiere utilizar las herramientas de la ficción en esta fábula con elementos fantásticos donde dos mujeres, una profesora de psicología y su estudiante, tratan de lidiar con el gran trauma de la actual sociedad japonesa.

El Festival Internacional de Cine de Gijón dedicará su homenaje estrella al director tailandés Apichatpong Weerasethakul, nombre clave del pujante cine asiático y reconocido además como una de las voces más originales del panorama audiovisual contemporáneo. El FICX ofrecerá una completa retrospectiva de este creador multipremiado en los festivales internacionales más prestigiosos como el Festival de Cine de Cannes (Palma de Oro, Premio del Jurado o el Premio de Un certain regard), Festival de Toronto, Chicago, Bafici, Tokio o Rotterdam, entre otros.

El FiCX ya mostró alguno de sus trabajos en ediciones anteriores como el cortometraje A letter to Uncle Boonmee (2007) y el mediometraje Mekong Hotel (2012) y en esta ocasión ha decidido dedicar a este cineasta un homenaje con la proyección de su filmografía más destacada.

Según Nacho Carballo, director del certamen, Apichatpong Weerasethakul ha desarrollado una de las más personales trayectorias del cine actual, ha conseguido unir las más renovadoras formas de expresión audiovisual con referencias al folclore y la tradición de su lugar de origen, la televisión de los setenta, el cine popular de su país y los tebeos sobre espíritus y fantasmas. Sus películas se sitúan lejos del cine comercial tailandés, en ellas explora los límites entre lo real y lo ficticio, por lo que este homenaje encaja 100% con el espíritu del festival.

En paralelo a sus largometrajes, ha filmado cortos, vídeos y piezas para instalaciones, en súper-8, 16 mm, 35 mm, vídeo digital o teléfono móvil. Algunas de ellas, se han mostrado en los más importantes museos y galerías de arte de todo el mundo y le han valido numerosos galardones.

El FICX editará un libro sobre su obra y próximamente comunicará la programación completa de las obras que se proyectarán de este creador.

El Festival de San Sebastián presentará de nuevo, en su 63 edición, algunos de los títulos más destacables de la producción latinoamericana del año. La programación de la sección Horizontes Latinos incluye catorce producciones provenientes de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Chile, Guatemala, México, Perú y Venezuela. Películas que han competido o han sido presentadas en importantes festivales internacionales, pero que no han sido vistas previamente en ningún festival español ni estrenadas comercialmente en nuestro país.

Las películas seleccionadas compiten por el Premio Horizontes, que será fallado por un jurado específico y está dotado con 35.000€, de los cuales 10.000€ están destinados al director de la película ganadora y los 25.000€ restantes al distribuidor en España.

La sección se inaugurará con El club, de Pablo Larraín, ganadora del Oso de Plata Gran Premio del Jurado en la última edición del Festival de Berlín. La película cuenta la historia de cuatro hombres que viven juntos en una casa aislada de un pequeño pueblo costero, al que han sido enviados para que expíen los pecados que han cometido en el pasado.

EL CLUB. Pablo Larraín   (Chile)

Pablo Larraín obtuvo el Oso de Plata Gran Premio del Jurado en la última edición del Festival de Berlín con esta película. Cuatro hombres viven juntos en una casa aislada de un pequeño pueblo costero, enviados a ese lugar para que expíen los pecados que han cometido en el pasado.

600 MILLAS. Gabriel Ripstein   (México)

Arnulfo Rubio, un joven traficante de armas en la frontera de Estados Unidos y México, está siendo vigilado por Hank Harris, agente de la Agencia de Tabaco y Tráfico de Armas. Tras cometer Harris un peligroso error, Rubio toma una desesperada decisión: introducir clandestinamente al agente en México. Premio a la Mejor Primera Película de la sección Panorama del Festival de Berlín.

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE. Ciro Guerra   (Colombia – Argentina – Venezuela)

Presentada en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, la nueva película de Ciro Guerra es la épica historia del primer contacto, el encuentro, el acercamiento, la traición y, finalmente, una amistad que va más allá de la vida entre un chamán amazónico y dos exploradores occidentales.

EL BOTÓN DE NÁCAR. Patricio Guzmán   (Francia – Chile – España)

El cineasta chileno Patricio Guzmán nos habla en su nuevo documental del agua, el cosmos y nosotros, los humanos. Todo comienza con el descubrimiento de dos misteriosos botones en lo profundo del océano Pacífico, en las costas chilenas. Ganadora del Oso de Plata al Mejor Guión en el Festival de Berlín.

CHRONIC. Michel Franco   (México – Francia)

David es un enfermero que trabaja con pacientes terminales. Eficiente y dedicado por entero a su profesión, crea estrechos lazos con las personas a las que atiende. Pero fuera de su trabajo, David es ineficaz, torpe y reservado. Una película ganadora del Premio al Mejor Guión en el Festival de Cannes.

DESDE ALLÁ. Lorenzo Vigas   (Venezuela)

Armando, de 50 años, busca hombres jóvenes en las calles de Caracas y les paga para que lo acompañen a su casa. También espía regularmente a un hombre mayor con el cual parece estar atado por algún nexo del pasado. Un día conoce a Elder, de 17 años, líder de una pequeña banda de malandros. Un film que competirá en la Sección Oficial del Festival de Venecia.

LAS ELEGIDAS. David Pablos   (México – Francia)

La segunda película de David Pablos participó en el Foro de Coproducción de San Sebastián en 2014 y fue presentada después en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Sofía, una adolescente de 14 años, está enamorada de Ulises. Por él, y a pesar de él, acaba encerrada en una red de prostitución en el norte de México. Para liberarla, Ulises tendrá que encontrar a otra chica como reemplazo.

IXCANUL. Jayro Bustamante   (Guatemala – Francia)

María, una joven maya de 17 años, vive y trabaja con su familia en una plantación del altiplano Guatemalteco. Allí pasa sus días tranquilamente hasta que sus padres la comprometen con el capataz de la finca, Ignacio. Una película que recibió una mención especial en la pasada edición de Cine en Construcción y compitió en el Festival de Berlín, donde obtuvo el Premio Alfred Bauer.

MAGALLANES. Salvador del Solar   (Perú – Argentina – Colombia – España)

Película ganadora del Premio Cine en Construcción en la pasada edición del Festival. Magallanes reconoce a una mujer que sube a su taxi. Es Celina, la campesina menor de edad a la que detuvo arbitrariamente hace más de veinte años, cuando el era soldado. Tienen ambos un asunto pendiente. Y Magallanes una oportunidad de redención. Damián Alcázar, Magaly Solier y Federico Luppi son los protagonistas.

LA OBRA DEL SIGLO. Carlos M. Quintela   (Cuba – Argentina – Alemania – Suiza)

En plena plaga de mosquitos, Leonardo, que está lidiando con la crisis de su relación sentimental, se va a vivir con su abuelo, siempre en lucha contra todo y contra todos, y su padre, que vive en un estado melancólico por lo inconcluso. Película ganadora del Premio Tigre en la última edición del Festival de Rotterdam.

PAULINA. Santiago Mitre   (Argentina – Brasil – Francia)

Paulina decide dejar su brillante carrera como abogada para dedicarse a la enseñanza en una región desfavorecida de Argentina. En un ambiente hostil, se entregará a su misión pedagógica, aunque deba perder a su novio y enfrentarse a su padre. Película ganadora del Premio Fipresci de la Semana de la Crítica en la última edición del Festival de Cannes.

PARA MINHA AMADA MORTA (PARA MI AMADA MUERTA). Aly Muritiba   (Brasil)

Fernando es un buen hombre que se hace cargo de su único hijo, Daniel, un chico tímido y sensible. Después de la muerte de Ana, su esposa, todas las noches Fernando recuerda su amor arreglando las cosas de su amada muerta. Un día encuentra una cinta VHS que lo cambiará todo. Un  film que participó en la sección Cine en Construcción en la pasada edición del Festival tras haber participado en el Foro de Coproducción el año anterior.

TE PROMETO ANARQUÍA. Julio Hernández Cordón   (México – Alemania)

La nueva película de Julio Hernández Cordón ha sido seleccionada para la competición del Festival de Locarno. Miguel y Johnny se conocen desde la infancia. Se dedican a patinar y pasarlo bien. Para ganar dinero fácil y seguir patinando, venden su propia sangre a un contacto clandestino. La actividad se convierte en negocio, hasta que una gran transacción no resulta como ellos imaginaban.

LA TIERRA Y LA SOMBRA / LAND AND SHADE. César Augusto Acevedo   (Colombia – Chile – Brasil – Países Bajos – Francia)

Ganador del Premio Caméra d’Or en el Festival de Cannes tras haber sido presentado en el Foro de Coproducción de San Sebastián en 2013, este film nos muestra a una familia que intenta reparar los frágiles lazos que los unen ante su inminente desaparición, provocada por el poder avasallador del progreso.

Ya tenemos al completo la programación oficial del próximo festival internacional de cine de Toronto TIFF que se celebrara del 10 al 20 de septiembre, posiblemente estemos a día de hoy ante el festival de clase A más reconocido e importante del actual panorama festivalero, no solo por el generoso volumen de películas exhibidas sino también por la calidad de su heterodoxa programación, una selección de títulos que aúna lo más destacado del año visto en otros certámenes junto a primicias mundiales, un equilibrio casi perfecto de tendencias cinematográficas de lo más diversas, un festival el de Toronto con especial atención al fantástico, visibles principalmente en las secciones Midnight Madness y Vanguard, esta última más diversificada  y enfocada hacia el cine de autor. A continuación os ofrecemos un pequeño repaso de las diez películas que se podrán ver en la Midnight Madness, la sección dedicada más claramente al cine fantástico, en su mayoría estrenos mundiales, una lista de títulos que en su práctica mayoría se podrán ver en el próximo festival de Sitges.

«Baskin» Can Evrenol .Turquía. 97 minutos

Un escuadrón de policías responde a una llamada rutinaria, topándose con una misa negra de culto lovecraftiano que se celebra en un edificio abandonado, a partir de ese momento la pesadilla empezara para el grupo de policías.

«The Devil’s Candy» Sean Byrne. USA. 90 minutos

El director de la divertida «The Loved Ones» nos presenta en esta ocasión un film de género sobrenatural. Un artista y su familia después de muchos problemas consiguen comprar la casa de sus sueños, una vez instalados descubren el misterioso pasado oscuro de la propiedad y un ex inquilino que quiere algo más que volver a su antigua casa.

«The Final Girls» Todd Strauss-Schulson. USA. 91 minutos

Max y sus amigos son absorbidos por una pantalla de cine encontrándose atrapados en un famoso slasher ochentero que hizo a su madre en el pasado, una reconocida scream queen. Atrapados dentro de la película, Max se reúne con su madre, a quien perdió en la vida real. El grupo de millenials se une a Max y sus amigos para enfrentarse a un psicópata asesino, escapar de la película y encontrar una manera de regresar a casa.

«The Girl in the Photographs» Nick Simon. USA. 95 minutos

La vida de Colleen en la tranquila ciudad de Spearfish se ve interrumpida de golpe cuando recibe una serie de fotografías de mujeres brutalmente asesinadas. Las cosas se ponen aún más tensas para Colleen cuando el célebre fotógrafo Peter Hemmings abandona L.A para regresar a su ciudad natal de Spearfish para investigar el misterioso caso.

«Green Room» Jeremy Saulnier. USA. 95 minutos

«Green Room« nos cuenta como los miembros de una banda punk, tras perderse en una zona aislada, se topan con un horrendo acto de violencia. Debido a que son los únicos testigos, se convierten en el blanco de una pandilla aterradora de skinheads.

«Hardcore» Ilya Naishuller. Russia/USA. 90 minutos

«Hardcore» nos cuenta la historia de un Henry, un cyborg que emprende una misión casi suicida: Rescatar a su creadora de las garras de un temible telépata asesino y su ejército de sicarios, contando para ello únicamente con la ayuda de un estrafalario amigo suyo.

«The Mind’s Eye» Joe Begos. USA. 87 minutos

Zack Connors (Graham Skipper), cuyas habilidades de telequinesias le han mantenido fuera del mundo real durante años es reclutado por el misterioso Dr. Slovak. El paisaje nevado de Nueva Inglaterra se convierte en un torbellino de furia psíquica y brutal venganza cuando Zack tiene que utilizar todo su poder para detener la locura del Dr. Slovak.

«Southbound» Roxanne Benjamin, David Bruckner, Patrick Horvath and Radio Silence. USA. 89 minutos

Cinco historias entrelazadas de terror que ocurren en una interminable carretera del desierto. En un tramo desolado de la carretera una serie de viajeros – dos hombres que rememoran su pasado, una banda en su camino hacia el próximo concierto, un hombre que lucha por llegar a casa, un hermano en busca de su hermana perdida y una familia vacaciones – se ven obligados a enfrentarse a sus peores temores y los secretos más oscuros en este film de segmentos donde impera el terror y los remordimiento.

«SPL 2 – A Time For Consequences» Soi Cheang . Hong Kong. 120 minutos

«SPL 2: A Time For Consequences» nos cuenta como un policía de Hong Kong llamado Kit tendrá un altercado con un gángster importante en una operación encubierta. Los secuaces del mafioso en represalia, secuestran y ponen en una cárcel tailandesa bajo una identidad falsa al policía. Un guardia de la prisión llamado Chai con extraordinarias habilidades para el combate frustra su fuga de la prisión. Por otra parte la hija del guardia de la prisión sufre de una rara forma de leucemia y Kit es el único donante que puede salvarla. Chai descubre la verdadera identidad de Kit y le ayuda a escapar a cambio de un acuerdo para salvar a su hija. Juntos deberán enfrentarse al gángster y sus esbirros.

«Yakuza Apocalypse» Takashi Miike. Japón.115 minutos

«Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld» nos cuenta como Kagayama es un débil subalterno leal al legendario jefe de la yakuza Kamiura, que resulta ser un legendario vampiro. Cuando un asesino de un sindicato internacional llega a Japón para entregar un ultimátum, Kamiura es asesinado. Pero no antes de llegar a morder a Kagayama. Ahora, su subalterno ya convertido en vampiro buscará venganza contra un formidable equipo de asesinos.

El prolífico director japonés presentará en el Festival los films ‘Tag’, ‘Love & Peace’ y ‘The Virgin Psychics’. El cine japonés tiene en Sion Sono uno de los máximos exponentes actuales. Reconocido y galardonado internacionalmente, el cineasta y poeta visitará la 48ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya para recoger el premio Màquina del Temps a su trayectoria y, presentar tres de sus últimos films: Tag, Love & Peace y The Virgin Psychics.

Sion Sono (Toyokawa, 1961) se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del cine asiático moderno, un irreverente director de culto que ha conseguido crear un lenguaje fílmico muy personal a lo largo de su carrera, donde la juventud, la muerte o la religión aparecen como obsesiones recurrentes. Su éxito se inició con la impactante Suicide Club (2002) y se consolidó con la multipremiada Love Exposure (2008), una cinta épica de cuatro horas de duración que supuso una crítica radical a los valores juveniles. También destacan los títulos Why Do not You Play in Hell? (2013) y Tokyo Tribe (2014). Con una creatividad sin límites y más en forma que nunca, Sion Sono tiene previsto estrenar hasta cinco filmes durante este año 2015.

El fascinante director es un habitual del Festival, donde presentó en 2010 Cold Fish, ganadora del Premio Casa Asia, Guilty of Romance y Himizu en 2011 y Bad Film en 2013. Dos de sus últimas locuras, Tag y Love & Peace, recientemente han obtenido el premio a la mejor película y actriz, y el premio del público, respectivamente, en el Festival Fantasía de Montreal.

Tag es una película sangrienta, explosiva y divertida en la que un grupo de colegialas se enfrenta a una amenaza sin forma que las ataca brutalmente. Se trata de una adaptación de la novela Riaru Onigokko, de Yusuke Yamada. Love & Peace, en cambio, enlaza dos tramas que se inician con un gris y aburrido oficinista, aspirante a estrella de la música que, en un arrebato, lanza su mascota, una tortuga, por el inodoro. Y en contraste con el horror psico-sobrenatural de Tag y la fábula socio-fantástica y piro-musical de Love & Peace, llega The Virgin Psychics, comedia erótica y fantasía juvenil sobre una imposible revolución sexual en el corazón de Japón. Tres propuestas con el inimitable sello de Sion Sono que prometen grandes dosis de delirio en Sitges 2015.

Tag

Love & Peace

The Virgin Psychics

El último trabajo de Alejandro Amenábar, Regresión, será la película de inauguración de la próxima edición del Festival de San Sebastián. La premiere mundial del film, que se presenta en la Sección Oficial fuera de concurso, tendrá lugar el 18 de septiembre en el Auditorio Kursaal.

Regresión tiene un reparto internacional encabezado por Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis y David Dencik. En su sexto largometraje Alejandro Amenábar, que también es autor del guión, vuelve al thriller psicológico, un género al que ha aportado títulos ya clásicos como The Others (Los Otros), Abre los Ojos o Tesis. La película, rodada en Canadá y en lengua inglesa, está producida por Fernando Bovaira.

Ambientada en Minnesota en 1990, Regresión tiene como protagonista al detective Bruce Kenner (Ethan Hawke), quien investiga el caso de Angela (Emma Watson), la joven que acusa a su padre, John Gray (David Dencik), de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar nada de lo sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorpora al caso para ayudarle a revivir sus recuerdos reprimidos. Lo que descubren desenmascara una siniestra conspiración.

Telecinco Cinema presenta Regresión, una producción hispano-canadiense de MOD Entertainment, MOD Producciones, Himenóptero, First Generation Films, Telefónica Studios y Regression A.I.E. en asociación con FilmNation Entertainment, con la participación de Telefilm Canada, en colaboración con Mediaset España y con la participación de Movistar+. La película será distribuida en España por Universal Pictures International Spain y su estreno en salas está previsto para el 2 de octubre. Tras su paso por San Sebastián, Regresión se estrenará en otros grandes territorios este otoño, incluyendo Alemania, Reino Unido, Francia, Italia, China y Corea. El resto de estrenos, hasta completar su distribución mundial, se sucederán en los próximos meses.

Por otra parte la película »London Road», de Rufus Norris, clausurará el Festival de San Sebastián. La 63 edición del Festival de San Sebastián se cerrará el próximo 26 de septiembre con la proyección fuera de concurso del film británico London Road, tras su paso por el Festival de Toronto. Producida por BBC Films, British Film Institute y National Theatre y dirigida por Rufus Norris con guión de Alecky Blythe y música de Adam Cork, la película es una adaptación para la gran pantalla de la obra musical homónima alabada como una notable e innovadora pieza teatral tras dos temporadas de gran éxito en el National Theatre.

London Road narra los sucesos reales que conmovieron a la población del condado de Suffolk en 2006, cuando la tranquilidad de la ciudad de Ipswich se vio alterada por el descubrimiento de los cuerpos de cinco mujeres. Los residentes de London Road llevaban años luchando contra la frecuente aparición de hombres que recorrían la calle para solicitar los servicios de prostitutas. El film describe cómo la comunidad se convirtió en el epicentro de esos trágicos acontecimientos. Haciendo uso de los testimonios auténticos de estas personas y con una innovadora partitura musical, London Road cuenta una emocionante historia sobre cómo la gente corriente se une para hacer frente a una terrible experiencia.

La película está protagonizada por un reparto coral formado por Olivia Colman, Clare Burt, Rosalie Craig, Anita Dobson, James Doherty, Hal Fowler, Kate Fleetwood, Linzi Hateley, Nick Holder, Claire Moore, Michael Shaeffer, Nicola Sloane, Paul Thornley, Howard Ward, Duncan Wisbey y Tom Hardy.

La 63 edición del Festival de San Sebastián ofrecerá, dentro de la sección Perlas, la premiere española de algunas de las más importantes películas presentadas a lo largo del año en diversos festivales internacionales.

Entre las películas seleccionadas se encuentran la ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín, Taxi Téhéran, de Jafar Panahi; Me and Earl and the Dying Girl (Yo, él y Raquel), de Alfonso Gómez-Rejón, Gran Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival de Sundance; Nie yinniang / The Assassin, de Hou Hsiao-Hsien, Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes; y el film que obtuvo el Gran Premio del Jurado en este mismo festival, Saul Fia / Son of Saul, de László Nemes. Además podrán verse en la sección los nuevos trabajos de directores como Arnaud Desplechin, Jia Zhang-ke, Charlie Kaufman, Hirokazu Kore-eda, Nanni Moretti, Pablo Trapero o Denis Villeneuve.

El nuevo film de Woody Allen, Irrational Man, también está incluido en la sección fuera de competición. El resto de películas de Perlas serán candidatas al Premio del Público, que será otorgado por votación por los espectadores asistentes a la primera proyección pública de cada película de dicha sección. El Premio del Público se compone de dos galardones: un Primer Premio a la Mejor Película, dotado con 50.000 euros, y un Segundo Premio a la Mejor Película Europea, dotado con 20.000 euros. El Premio del Público está destinado al distribuidor de la película en España.

ANOMALISA. Charlie Kaufman, Duke Johnson   (EEUU)

Charlie Kaufman y Duke Johnson cuentan la historia de un hombre que se enfrenta con su incapacidad para conectar con la gente. Estreno en España tras su paso por el Festival de Venecia.

BLACK MASS. Scott Cooper   (EEUU)

Johnny Depp, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Dakota Johnson y Kevin Bacon protagonizan este film presentado fuera de concurso en el Festival de Venecia. El agente del FBI, John Connolly, convence al gánster irlandés, Jimmy Bulger, para que colabore con el FBI para así poder eliminar a su enemigo común: la mafia italiana. Esta nefasta alianza se escapa de cualquier control.

EL CLAN. Pablo Trapero   (Argentina – España)

La nueva película de Pablo Trapero compite en el Festival de Venecia. Argentina, comienzos de los años 80. Detrás de la fachada de una típica familia del distinguido barrio de San Isidro, se oculta un siniestro clan dedicado al secuestro y asesinato como modo de vida.

HITCHCOCK / TRUFFAUT. Kent Jones   (Francia – EEUU)

Medio siglo después de la publicación del libro «El cine según Hitchcock» de François Truffaut, el director Kent Jones invita a alguno de los mejores directores de nuestro tiempo (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, Olivier Assayas…) a compartir sus pensamientos sobre el maestro del suspense, Alfred Hitchcock.

ME AND EARL AND THE DYING GIRL (YO, ÉL Y RAQUEL). Alfonso Gómez-Rejón   (EEUU)

La historia divertida y conmovedora de Greg, un alumno de último curso de secundaria que evita toda relación humana profunda como forma de atravesar con seguridad ese terreno minado que es la vida social de un adolescente. Ganadora del Gran Premio del Jurado y del Premio del Público en el Festival de Cine Sundance de 2015.

MIA MADRE. Nanni Moretti   (Italia – Francia – Alemania)

Nanni Moretti compitió en el Festival de Cannes con esta película sobre Margherita, una directora de cine que está rodando una película con un actor estadounidense, todo un número uno en el plató. Fuera del rodaje, Margherita se esfuerza en no derrumbarse ante la enfermedad de su madre y la rebeldía de su hija adolescente.

NIE YINNIANG / THE ASSASSIN. Hou Hsiao-Hsien    (Taiwán)

Hou Hsiao-Hsien ganó el premio al mejor director en el Festival de Cannes con su nuevo trabajo. China, siglo IX. Nie Yinniang regresa a casa tras años de exilio, convertida en una auténtica justiciera. Cuando su maestro le encarga acabar con su primo, tendrá que elegir entre el hombre que ama o su fidelidad a «la orden de los Asesinos».

SAUL FIA / SON OF SAUL. László Nemes   (Hungría)

Ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, el debut del cineasta húngaro László Nemes está ambientado en Auschwitz en 1944. Saul Auslander es un prisionero húngaro que trabaja en uno de los hornos crematorios de Auschwitz. Trata de salvar de las llamas el cuerpo de un joven muchacho a quien él cree su hijo.

SHAN HE GU REN / MOUNTAINS MAY DEPART. Jia Zhang-ke   (China – Francia – Japón)

Estreno en España del último trabajo de Jia Zhang-ke, tras su paso por la competición oficial del Festival de Cannes. China, 1999, dos amigos de la infancia cortejan a una joven de Fenyang. Uno de ellos tiene el futuro solucionado pero el otro no. La joven tiene el corazón dividido entre ambos, pero deberá tomar una decisión que marcará su vida y la de su hijo.

SICARIO. Denis Villeneuve   (EEUU)

En la zona fronteriza entre EEUU y México, una agente del FBI es reclutada por un oficial de las fuerzas de élite estadounidenses para ayudar en la creciente guerra contra las drogas. La nueva película de Denis Villeneuve compitió en la Sección Oficial de Cannes 2015.

TAXI TÉHÉRAN. Jafar Panahi   (Irán)

La película ganadora del Oso de Oro en la última edición del Festival de Berlín. Un taxi amarillo recorre las vibrantes y animadas calles de Teherán. Al taxi se suben todo tipo de pasajeros, a cual más variopinto. Y hablan con el conductor con absoluta franqueza. No saben que quien les está entrevistando no es otro que el director Jafar Panahi, uno de los grandes nombres del cine iraní actual.

TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE / MY GOLDEN DAYS. Arnaud Desplechin   (Francia)

Arnaud Desplechin regresa a los paisajes emocionales de sus películas Comment je me suis disputé… (ma vie sexuelle) y Un cuento de Navidad (Un conte de Noël) con este film que fue presentado en la Quincena de Realizadores de Cannes. Paul recuerda su juventud y su primer -y único- amor.

UMIMACHI DIARY / OUR LITTLE SISTER. Hirokazu Kore-eda   (Japón)

Un film del cineasta japonés Hirokazu Kore-eda que compitió en la Sección Oficial del Festival de Cannes. Tres hermanas comparten casa en la ciudad. Cuando muere su padre, al que no han visto en 15 años, las tres viajan al campo para asistir a su entierro. Alli conocerán a su tímida hermanastra adolescente. No tardarán en encariñarse con ella.

Fuera de concurso

IRRATIONAL MAN. Woody Allen   (EEUU)

El nuevo filme de Woody Allen, presentado en la última edición del Festival de Cannes, trata sobre un profesor de filosofía atormentado que recupera la voluntad de vivir cuando comete un acto existencial.

Un año más, la sección Zabaltegi se convierte en un espacio privilegiado dentro del Festival de San Sebastián para descubrir algunas de las propuestas más inclasificables y sugestivas del panorama cinematográfico actual. La programación de Zabaltegi de la 63 edición ofrece los estrenos en España de los últimos trabajos de reputados cineastas (Laurie Anderson, Jem Cohen, Anca Damian, Andrés Di Tella, Eric Khoo, Corneliu Porumboiu, Walter Salles, Alexander Sokurov) y de películas que han sido seleccionadas y premiadas en festivales internacionales. Largometrajes de ficción, documentales, cine de animación y un cortometraje conforman una selección que demuestra la vitalidad del cine contemporáneo.

La primera proyección de todas las películas de la sección tendrá lugar en  el centro de creación y cultura contemporánea Tabakalera que se convertirá, a partir de la 63 edición, en sede de Zabaltegi.

327 CUADERNOS. Andrés Di Tella   (Argentina – Chile)

Un documental de Andrés Di Tella que tiene como protagonista a Ricardo Piglia, uno de los grandes narradores en lengua hispana, quien se propone revisar exhaustivamente, por primera vez, su diario íntimo. Un registro de 50 años de vida. 327 cuadernos idénticos, de tapas negras de hule, guardados en 40 cajas de cartón.

ADAMA. Simon Rouby   (Francia)

Presentada en el Festival de Annecy, esta película de animación es un relato de iniciación que tiene como protagonista a Adama, un chico de doce años que vive en una remota aldea del África Occidental. Una noche su hermano mayor, Samba, desaparece y decide buscarlo en una aventura que lo llevará allende los mares, al Norte, al frente de batalla de la I Guerra Mundial.

ALLENDE MI ABUELO ALLENDE. Marcia Tambutti   (Chile)

35 años después del golpe de estado que derrocó a su abuelo, Salvador Allende, Marcia Tambutti dibuja un retrato familiar que refleja toda la complejidad de una pérdida irreparable y el papel de la memoria en tres generaciones de una familia tan icónica. Premio L’Oeil d’Or al Mejor Documental en la última edición del festival de Cannes.

COMOARA / THE TREASURE. Corneliu Porumboiu   (Rumanía – Francia)

Corneliu Porumboiu regresa con una tierna comedia negra, en la que el amor de padre convierte una improbable caza de un tesoro en un cuento de hadas. Película ganadora del Premio Un Certain Talent en la última edición del Festival de Cannes.

COUNTING. Jem Cohen   (EEUU)

Quince capítulos distintos pero conectados entre sí, filmados en diferentes localizaciones, desde Rusia a Nueva York y Estambul. La suma de todos ellos es un recorrido por la tenue línea que hay entre la sinfonía de una ciudad, el diario y el cine-ensayo. Presentado en la sección Forum del Festival de Berlín, es quizá el documental más personal de Jem Cohen, un film que toma la medida a la vida en las calles, la luz y el tiempo y que pone en relieve tanto la vigillancia a la que se está sometido y el desarrollo desmesurado como la resistencia y sus fantasmas que se manifiestan en la música, los animales y la magia cotidiana.

EFTERSKALV / THE HERE AFTER. Magnus von Horn   (Polonia – Suecia – Francia)

El debut en el largometraje de Magnus von Horn fue presentado en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. Tras cumplir condena en prisión, el castigo de John parece haber llegado a su fin. Pero pronto descubrirá que el verdadero dolor que aún tiene que experimentar apenas acaba de empezar.

FRANCOFONIA. Alexander Sokurov   (Francia – Alemania – Países Bajos)

Paris 1940. Grandes ejércitos arrasan el corazón de la civilización y el fuego de los cañones se cobra sus víctimas. Jacques Jaujard y el conde Franziskus Wolff Metternich colaboran para proteger y preservar los tesoros del Museo del Louvre. Alexander Sokurov nos cuenta su historia, explora la relación entre arte y poder y nos pregunta qué nos dice el arte sobre nosotros mismos desde el corazón de uno de los conflictos más devastadores que el mundo ha conocido. El film compite en la Sección Oficial del Festival de Venecia.

HEART OF A DOG. Laurie Anderson   (EEUU)

La compositora y artista Laurie Anderson explora en este personal film-ensayo los temas del amor, la muerte y el lenguaje. La voz de la directora es una presencia continua, mientras historias sobre su perra Lolabelle o su madre, fantasías de la infancia y teorías políticas y filosóficas se despliegan en una canción que es como un flujo constante. El film compite en la sección oficial del Festival de Venecia.

IN THE ROOM. Eric  Khoo   (Hong Kong – Singapur)

La última película de Eric Khoo es un mosaico de historias que se desarrollan en la habitación de un hotel durante varias décadas. El hilo conductor es el sexo. Esa habitación de hotel es la número 27 del Hotel Singapura, que empezó siendo un lujoso establecimiento en los años 40, pero que ha perdido a lo largo de las décadas su lustre y respetabilidad. En ese tiempo, la habitación 27 ha experimentado y sentido, a través de las personas que cruzaron sus puertas e hicieron el amor en sus camas, todas las facetas de la condición humana: alegría, amor, compasión, crueldad, depravación y redención.

UNE JEUNESSE ALLEMANDE / A GERMAN YOUTH. Jean-Gabriel Périot   (Francia – Suiza – Alemania)

Crónica de la radicalización política de algunos jóvenes alemanes a finales de los años 60 que dio lugar a la Facción del Ejército Rojo, un grupo terrorista revolucionario alemán fundado por, entre otros, Andreas Baader y Ulrike Meinhof. Presentada en la sección Panorama Dokumente del Festival de Berlín.

JIA ZHANG-KE, UM HOMEM DE FENYANG / JIA ZHANGKE, A GUY FROM FENYANG. Walter Salles   (Brasil)

El retrato de un joven director chino que se ha convertido en uno de los más importantes cineastas de nuestro tiempo. Este documental dirigido por Walter Salles se centra en el tema de la memoria (individual y colectiva) y el cine. Jia Zhang-ke regresa a su lugar de nacimiento, la provincia Shanxi en el norte de China, y a las localizaciones de sus películas. Presentada en la sección Panorama Dokumente del Festival de Berlín.

KARATSI / LOSERS. Ivailo Hristov   (Bulgaria)

Ganadora del gran premio del Festival de Moscú, esta película tiene como protagonistas a Elena, Koko, Patso y Gosho, estudiantes de instituto en una ciudad de provincias. Koko está enamorado de Elena. Ella quiere ser cantante y está emocionada por la próxima visita de una famosa banda de rock. Un acontecimiento que agita la vida de la ciudad y hace que nazca un nuevo amor.

MARIPOSA. Marco Berger   (Argentina)

El aleteo de una mariposa divide el universo de Romina y de Germán en dos realidades paralelas: en una de ellas, crecen como hermanos que ocultamente se desean; mientras que en la otra son dos jóvenes que tienen una extraña amistad. La película ganadora del Premio Sebastiane Latino 2015.

MONTANHA. João Salaviza   (Portugal – Francia)

Un cálido verano en Lisboa. David, de 14 años, espera la inminente muerte de su abuelo, pero se niega a visitarlo temiendo esta terrible pérdida. El vacío dejado por su abuelo lo obliga a convertirse en el hombre de la casa. No se siente preparado para asumir este papel, pero cuanto más intenta evitar la vida adulta, más cerca está de ella. Seleccionada para la Semana de la Crítica del Festival de Venecia.

MUNTELE MAGIC / THE MAGIC MOUNTAINUN. Anca Damian   (Rumanía – Francia – Polonia)

La nueva película de la realizadora Anca Damian (Crulic) obtuvo una mención especial en el Festival de Karlovy Vary. Con la forma de de un docudrama de animación, la biografía de Jacek Winker, refugiado polaco en París, es una vida sin ataduras movida por el deseo de cambiar el mundo.

PSICONAUTAS. Alberto Vázquez, Pedro Rivero   (España)

Birdboy y Dinki son dos adolescentes que han decidido escapar de una isla asolada por una catástrofe ecológica: Birdboy aislándose del mundo, Dinki emprendiendo un arriesgado viaje con la esperanza de que Birdboy la acompañe.

THE SHOW OF SHOWS: 100 YEARS OF VAUDEVILLE, CIRCUSES AND CARNIVALS. Benedikt Erlingsson   (Islandia – Reino Unido)

Benedikt Erlingsson, ganador del Premio Kutxa-Nuev@s Director@s en 2013 por Of Horses and Men, nos lleva de vuelta a los días en que los más extravagantes, virtuosos e impresionantes espectáculos viajaban por el mundo. La película recopila raras imágenes y metraje inédito de ferias, espectáculos de circo, exhibiciones de freaks, revistas de variedades, music hall y entretenimientos veraniegos desde el siglo XIX al XX, acompañado de música original de Sigur Rós.

SWAP. Remton Zuasola   (Filipinas)

Con producción ejecutiva de Brillante Mendoza, este film de Remton Zuasola narra la historia de un joven padre que se ve ante el dilema de resolver un delito o de cometer otro cuando su único hijo es secuestrado y la manera de recuperarlo es secuestrar a otro niño a cambio de la vida del suyo.

Estos títulos se suman a las producciones españolas previamente anunciadas:

• UN DÍA VI 10.000 ELEFANTES – Alex Guimerà, Juan Pajares

• ISLA BONITA – Fernando Colomo

• MI QUERIDA ESPAÑA – Mercedes Moncada

• LA NOVIA – Paula Ortiz

• THE PROPAGANDA GAME – Álvaro Longoria

• DUELLUM (Cortometraje) – Tucker Dávila Wood