Cartel oficial y William Friedkin primer Gran Premio Honorífico del 50 aniversario de Sitges

El Festival celebra 50 ediciones con una nueva imagen, un cartel que evoca a Drácula y un programa de actividades especiales que incluye exposiciones, un ciclo de cine y otras propuestas. El director asiático Johnnie To y el mexicano Guillermo del Toro –padrino del cincuenta aniversario– también estarán en Sitges 2017.

Medio siglo de vida apostando por el mejor cine de género. El 50 aniversario del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ya está en marcha. El certamen es protagonista de la agenda cultural con una programación especial que culminará con la 50ª edición del Festival, del 5 al 15 de octubre. Una edición que tendrá la figura de Drácula como leit motiv, donde la realidad virtual tendrá un peso relevante con el Samsung Sitges Cocoon y que anuncia ya la presencia de dos directores de referencia en la historia del cine de género: William Friedkin y Johnnie To, entre otras figuras que se darán a conocer en los próximos meses.

El Festival de Sitges celebra sus 50 años de historia. Con nueva imagen, pero conservando como emblema el clásico gorila y la esencia que lo hace único en el mundo, el certamen quiere compartir la celebración del 50º aniversario con su público fiel y con todos aquellos espectadores interesados en el fantástico y en el cine en un sentido amplio. El nuevo logo es una adaptación de la histórica marca de Sitges y una reafirmación en su apuesta por el género.

El cartel de la 50ª edición hace referencia al leit motiv del Festival –la figura de Drácula– mito por excelencia del fantástico, aprovechando el 25º aniversario del estreno de una película tan definitiva como Drácula de Bram Stoker, de Francis Ford Coppola. El póster, creado una vez más por la agencia China, recupera la esencia misteriosa y espectral del vampiro, alejándolo tanto de banalizaciones recientes como de tópicos demasiado explotados. Uno de los aspectos que el cartel explora es la rigidez post mortem del vampiro, su ambigüedad, el carácter de aparecido en un contexto gótico y expresionista, pero a la vez hipermoderno y culturalmente atemporal.

En palabras de Rafa Antón, miembro del equipo creativo de China: “Hemos querido homenajear la obra de Stoker a través de un ejercicio que va más allá de los clichés, apostando por la sola presencia de una figura misteriosa y evocadora que emerge de la bruma. Una bruma que ya aparece en el texto original y que sirve como metáfora visual de ese ‘océano de tiempo’ que atraviesa Drácula para alcanzar su destino y a su amada”. La fotografía, realizada por Biel Capllonch, está inspirada en la atmósfera abstracta característica de pintores del siglo XIX como Friedrich o Turner, cuya obra sirvió de preámbulo estético a la propia novela”. El equipo creativo que ha realizado el cartel lo completan Miguel Ángel Duo y Nico Ordozgoiti.

Como novedad, el cartel de Sitges 2017 incorpora una creatividad extra en formato de realidad aumentada, realizada por la empresa Wöwster.

Dos maestros del terror y el thriller estarán en Sitges 2017. William Friedkin –director reconocido mundialmente por cintas como El exorcista, The French Connection o Sorcerer– recibirá el Gran Premio Honorífico del Festival; y Johnnie To –máximo exponente del cine negro asiático con títulos como Drug War o Election y premio Máquina del Tiempo en Sitges 2005, entregado por Quentin Tarantino– también visitará Sitges. Estas presencias se suman a la de Guillermo del Toro, que ejerce de padrino del 50º aniversario del Festival.

La 50ª edición del certamen presentará una pieza audiovisual creativa y un libro oficial que conmemorarán el aniversario y dedicará un homenaje a sus fundadores y personalidades vinculadas a los inicios del Festival. El programa de actos elaborado con motivo de la celebración de las 50 ediciones pretende ser una reafirmación de la condición del cine de género como lenguaje universal y, al mismo tiempo, la proyección de la marca Sitges como sello de todos los campos que integran el cine fantástico. El cincuentenario del Festival es uno de los actos oficiales de la Generalitat de Catalunya como efeméride de 2017. En este sentido, el pasado 2 de mayo, el Festival recibió la Creu de Sant Jordi que entrega el Govern de la Generalitat en reconocimiento a sus 50 ediciones.

La marca Sitges y 50 ya se ha empezado a visualizar en algunos de los escenarios más relevantes del cine a nivel internacional. El pasado mes de febrero, el Festival fue protagonista de una recepción en Los Angeles, conjuntamente con CAA, la prestigiosa agencia de representación artística.

Además de Los Angeles, el 50º aniversario del Festival también ha sido protagonista en Cannes 2017. En el marco del certamen más importante del mundo, Sitges ha sido coanfitrión del Fantastic Mixer –un encuentro dirigido a directores y programadores de festivales de cine fantástico, así como a productores y distribuidores del género– y, al mismo tiempo, ha organizado un cóctel conmemorativo al cual asistieron 300 profesionales del sector.

 

Exposiciones del 50º aniversario

El Festival acercará su historia al gran público con la exposición 50è Aniversari Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 1969-2017: El cinema és fantàstic, en la Filmoteca de Catalunya, primero, y en el Edificio Miramar de Sitges, luego. La muestra está comisariada por Diego López, programador del Festival y responsable de la sección Brigadoon, y organizada conjuntamente con la Filmoteca. Exhibirá un recorrido por los 50 años del Festival a través de sus carteles, películas destacadas, invitados e imágenes diversas. En Barcelona, se podrá visitar del 22 de junio al 17 de septiembre, mientras que en Sitges estará el mes de octubre.

El Reial Cercle Artístic de Barcelona –entidad con la cual el Festival ha firmado recientemente un acuerdo de colaboración– será el escenario de una exposición que se podrá ver del 5 al 24 de septiembre y que llevará por título 50è aniversari Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 1968-2017: Memòria del Fantàstic y se compondrá de documentación del Archivo Histórico de Sitges, ejemplares del Diari del Festival desde 1979 hasta la actualidad, catálogos de todas las épocas, libros y cuadros originales de carteles.

Para las dos exposiciones hay que agradecer la colaboración de Jordi Rosell i Milà, David Rosell, el Archivo Municipal de Sitges y Maria Pilar Ráfales.

 

Ciclo de cine

También en la Filmoteca de Catalunya, se celebrará un ciclo conmemorativo de proyecciones con una selección de unos cincuenta títulos destacados dentro la historia del Festival, programados conjuntamente entre la Filmoteca y el Festival. Posesión infernal, El exorcista, La cosa, Akira, Reservoir Dogs, Oldboy, REC, El día de la bestia, Mulholland Drive o Martyrs son algunas de las cintas que los fans podrán disfrutar en la gran pantalla del 22 de junio al 30 de septiembre.

 

Samsung Sitges Cocoon

La realidad virtual será uno de los ejes del Festival en esta 50ª edición. Después de la exitosa primera experiencia del año pasado, Samsung apuesta por Sitges para trasladar las últimas tecnologías en el ámbito de la realidad virtual y los contenidos inmersivos y 360º.

Samsung Sitges Cocoon es fruto del nuevo acuerdo de colaboración entre la multinacional tecnológica y el Festival. Este acuerdo aporta a Sitges el privilegio de ser escenario de algunas de las producciones más innovadoras en este sector. De esta manera, la realidad virtual triplicará su presencia en el Festival con la estrena de una sección oficial competitiva, un hecho inédito en el panorama europeo de festivales cinematográficos.

 

 28 de septiembre de 1968

La primera edición del Festival, entonces llamado Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror, tuvo lugar en el cine del Prado del 28 de septiembre al 4 de octubre de 1968. El film inaugural fue Aelita (Yakov Protazanov, 1924), un clásico soviético de ciencia ficción que explicaba cómo la revolución comunista podía exportarse al planeta Marte. Para recordar esta efeméride, el Prado acogerá la proyección del film el próximo 28 de septiembre.

 

Cupón de la ONCE conmemorativo

Con motivo del 50º aniversario del Festival, la ONCE (Organización Nacional de Ciegos Españoles) ha diseñado un cupón conmemorativo cuyo sorteo se efectuará el domingo 15 de octubre, coincidiendo con la clausura de Sitges 2017.

 

Máster en cine fantástico

La Universitat Oberta de Catalunya (UOC) estrenará el próximo curso el máster Cine fantástico y ficción contemporánea, que nace de la colaboración con el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. El objetivo de estos nuevos estudios es formar profesionales altamente cualificados, con los conocimientos específicos sobre la rama de más trascendencia dentro del mercado y la cultura audiovisual actual.

El máster está dirigido por el profesor Jordi Sánchez-Navarro, que fue subdirector del Festival de Sitges (2001-2004) y desde 2005 colabora como programador de la sección Anima’t. En el equipo docente destacan Ángel Sala, director del Festival de Sitges, y Mike Hostench, subdirector, entre otros nombres vinculados al certamen.

 

Literatura y gastronomía

Sitges extiende su marca a otras industrias culturales. La Federación de Gremios de Editores de España (FGEE) y el Festival han firmado un acuerdo de colaboración para que autores y representantes del sector audiovisual estudien la posible adaptación de obras literarias a películas de género fantástico. La iniciativa ha sido bautizada como Taboo’ks y la convocatoria de presentación de obras ya se ha iniciado.

Durante los días del Festival, Sitges 2017 celebrará un acto singular alrededor de la gastronomía, relacionado con el leit motiv de Drácula. Llevará por título Sitges Bacanal y en los próximos meses se ampliará la información al respecto.

 

Apoyo a la 50ª edición

Un año más, el Festival agradece el compromiso de las entidades y empresas colaboradoras: Gas Natural Fenosa y Moritz (patrocinadores principales), Torres y Samsung (patrocinadores), Meliá Sitges (patrocinador y sede oficial), Movistar+ (socio multimedia), Deluxe (colaborador), La Vanguardia (periódico oficial), TV3 (televisión oficial) y Autolica – Mercedes Benz (vehículo oficial).

Sitges 2017 se organiza gracias a la implicación del Ayuntamiento de Sitges y del Institut Català de les Empreses Culturals del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, y cuenta con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes, de la Diputación de Barcelona y del Carnet Jove – Departament de Benestar i Família.

 

 

Programa de actos Sitges 50 aniversario

Exposición 50è Aniversari Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 1968-2017: El cinema es fantàstic

Del 22 de junio al 17 de septiembre

Filmoteca de Catalunya

La muestra exhibirá un repaso de los 50 años del Festival a través de sus carteles, películas destacadas, invitados e imágenes diversas. A partir del 5 de octubre se podrá visitar en Sitges.

 

Ciclo de películas de Sitges

Del 22 de junio al 30 de septiembre

Filmoteca de Catalunya

Selección de unos cincuenta títulos destacados de la historia del Festival. Posesión infernal, El exorcista, La cosa, Akira, Reservoir Dogs, Oldboy y muchos más.

 

Exposición 50è aniversari Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 1968-2017: Memòria del Fantàstic

Del 5 al 24 de septiembre

Reial Cercle Artístic de Barcelona

Ejemplares del Diari del Festival, catálogos de todas las épocas, libros y cuadros originales de los carteles. Todo tipo de documentación, archivo y publicaciones vinculadas al Festival

 

Proyección del film Aelita

28 de septiembre

Cine Prado de Sitges

Proyección especial de la película que inauguró la primera edición del Festival el 28 de septiembre de 1968. Un clásico soviético de 1924 dirigido por Yakov Protazanov.

 

Exposición 50è aniversari Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 1968-2017: Memòria del Fantàstic

Del 5 al 22 de octubre

Edificio Miramar de Sitges

Coincidiendo con la inauguración del Festival, la exposición del Reial Cercle Artístic de Barcelona se trasladará a Sitges y se podrá visitar hasta finales de mes.

 

Exposición 50è Aniversari Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 1968-2017: El cinema es fantàstic

Del 5 al 31 de octubre

Edificio Miramar de Sitges

La exposición de la Filmoteca también se trasladará a Sitges con el inicio del Festival y se podrá visitar hasta finales de mes.

 

Sorteo de la ONCE con cupón conmemorativo del 50 aniversario

15 de octubre

La ONCE ha diseñado un cupón conmemorativo que se sorteará el domingo 15 de octubre, coincidiendo con la clausura de Sitges 2017.

La justicia de Diane Kruger, teaser tráiler de «In The Fade»

El nuevo trabajo del realizador alemán de origen turco Fatih Akin (Contra la pared, Al otro lado o Goodbye, Berlín entre otras) titulado In The Fade fue posiblemente uno de los films que peores críticas cosecho en la recientemente finalizada edición del festival de Cannes dentro de la sección oficial a concurso, al parecer básicamente por desaprovechar la relevancia de su interesante premisa, ello sin embargo parece que no fue ningún tipo de obstáculo para que su protagonista principal Diane Kruger obtuviera el Premio a la Mejor Actriz. In The Fade, cuyo primer teaser tráiler junto a su póster oficial podéis ver a final de página, se adentra de lleno en un tema tan candente en la actualidad como es el terrorismo, al igual que la reciente y notable Nocturama de Bertrand Bonello pero desde una perspectiva totalmente diferente al film francés, aquí Fatih Akin nos ofrece el retrato de una mujer que pasa de ser víctima a verdugo, todo ello expuesto a través de una película que transita a medio camino entre el cine de tono judicial y el thriller político.

In The Fade nos muestra como la vida de una mujer alemana llamada Katja se hunde cuando su marido de origen kurdo y su hijo mueren en un atentado con bomba realizado por un grupo neonazi. Tras el duelo y la sensación de injusticia, llegará el tiempo de la venganza.

La película está protagonizada por Diane Kruger, Numan Acar, Ulrich Tukur, Johannes Krisch, Siir Eloglu, Denis Moschitto, Jessica McIntyre, Ulrich Brandhoff y Samia Muriel Chancrin.

https://youtu.be/HzMZT1FhtwY

Primer tráiler de «Logan Lucky», lo nuevo de Steven Soderbergh

No parece que el realizador estadounidense Steven Soderbergh vaya a seguir al pie de la letra sus intenciones que el mismo se encargó de difundir hace ya algunos años de abandonar el mundo del cine, más bien parece todo lo contrario viendo la extensa lista de títulos que han visto la luz tras aquel anuncio, Magic Mike, el notable biopic televisivo Behind The Candelabra, Side Effects o su participación en las dos interesantes temporadas de la serie The Knick han sido sus últimos trabajos tras las cámaras, ahora con Logan Lucky, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, vuelve al terreno de la comedia negra con gángsters y ladrones varios como principales protagonistas, una historia de robos y persecuciones ambientada en el mundo de las carreras de automóviles, una fórmula argumental que ya le dio muy buenos resultados especialmente en taquilla con la saga Ocean’s Eleven. Aún sin fecha de estreno en España Logan Lucky se estrenará en los cines de Estados Unidos el próximo 18 de agosto bajo un nuevo modelo de distribución ideado por el propio Steven Soderbergh a través de su recién creada productora Fingerprint Releasing, un modelo en donde todas las ganancias generadas irán destinadas exclusivamente a dicha productora sin necesidad de ningún intermediarios en lo referente a repartir dividendos económicos.

Logan Lucky nos cuenta como tres hermanos intentan cometer un gran y definitivo atraco poco antes de una importante carrera de coches, una de las pruebas de más larga duración denominada Copa NASCAR que se disputara en Carolina del Norte. El extenso reparto de la película está compuesto por Channing Tatum, Adam Driver, Riley Keough, Daniel Craig, Katherine Waterston, Sebastian Stan, Hilary Swank, Seth MacFarlane, DJ Qualls, David Denman, Jack Quaid, Robert Walker Branchaud, Jim O’Heir y Brian Gleeson.

«Historias del otro lado» a la venta en DVD el próximo 9 de junio

39 Escalones pondrá a la venta en DVD el 9 de junio la serie televisiva Historias del otro lado, serie de género fantástico creada y dirigida por José Luis Garci y compuesta de 13 episodios. La edición ofrece las dos temporadas de la serie incluyendo como extra el episodio piloto titulado Mnemos en los dos montajes con los cuales se exhibió en televisión, 45 y 50 minutos respectivamente, además incluye un libreto de 24 páginas a cargo de Carlos Díaz Maroto. 39 Escalones tras editar en formato domestico series tan imprescindibles para el amante del cine de género patrio como la mítica Historias para no dormir, El quinto jinete o La huella del crimen entre otras ha vuelto a escarbar en los archivos de TVE para poner a punto y editar Historias del otro lado, serie de los noventa de difícil visionado hasta día de hoy y que supone una interesantísima y muy particular visión del género fantástico por parte de uno de los realizadores fundamentales del cine español de las últimas décadas.

Episodios

Mnemos

Director: José Luis Garci. Guion: José Luis Garci y Horacio Valcárcel. Intérpretes: Lara de Miguel, Victoria Vera, Imanol Arias, Fernando Fernán Gómez, Jesús Puente, Encarna Paso, Manuel Tejada, José María Forqué, Luis del Val.

Alicia es una niña de seis años que va al colegio como cualquier otra niña de su edad. Allí dibuja una y otra vez el mismo paisaje: una pequeña estación de ferrocarril, un tren que pasa, el jefe de estación y el letrero del nombre del lugar: ‘Mnemos’. Según la niña, es ahí donde ella vive con sus ‘otros papás’. Aconsejada por una profesora, su madre la lleva a un gabinete psicológico. Norma, la madre, es violonchelista y está separada de su marido, y su actual compañero opina que la niña necesita del cariño de un padre, y que cuando los tres vivan juntos la niña olvidará pronto sus tontas fantasías. Mientras tanto, en un lugar llamado Mnemos, la pequeña hija del jefe de estación dibuja obsesivamente a una mujer que toca el violonchelo en un paisaje urbano, y le cuenta a su madre que ha vuelto a soñar con sus ‘otros papás’.

 

El que decide

Dirección: José Luis Garci. Guion: José Luis Garci y Juan Miguel Lamet. Intérpretes: Jesús Puente, Pepe Lara, Ángeles Macua, Fernando Guillén, Rafael de Penagos.

Arturo Valls es un maduro autor teatral que ha tenido muchos éxitos profesionales, pero cuya gran frustración es no haber alcanzado el triunfo indiscutible. Durante uno de los ensayos de su próximo estreno, por confidencia de un viejo conserje del teatro, se entera de que hay un misterioso personaje, ‘el que decide’, que es quien con su sola visita hace que una obra alcance el favor del público de forma inmediata y total; que se convierta, sencillamente, en el gran éxito. Escéptico al principio, Arturo al fin se obsesiona con la búsqueda del misterioso personaje.

 

Delirium

Dirección: José Luis Garci. Guión: José Luis Garci y Horacio Valcárcel. Intérpretes: Ana Marzoa, José Soriano, Julio Gavilanes, Carlos Mendy, Juan Calot, Queta Claver, José María Pou.

El matrimonio Newman son paleontólogos que efectúan trabajos de investigación en un yacimiento perdido en uno de los más desolados parajes de Alemania. De repente, el señor Newman sufre un delirium tremens y todo parece indicar que Alemania está de nuevo bajo el poder de los nazis.

 

El sueño

Dirección: José Luis Garci. Guion: Juan Miguel Lamet. Intérpretes: Pedro Díez del Corral, Lourdes Ferriol, José María Pou, Rafael de Penagos, Juan Calot y Manuel Alexandre.

Tom Murray, agente policial en el condado de Macon (Carolina), vive una horrible pesadilla: Es un condenado a muerte pendiente de ejecución en la silla eléctrica. Únicamente se liberará si logra despertar.

 

El hombre medicina

Dirección: José Luis Garci. Guión: Horacio Valcárcel. Intérpretes: Pepe Lara, Maribel Verdú, José Soriano, José Manuel Cervino, Héctor Colomé, Rafael de Penagos, José María Pou.

Jimmy Estelrich es un ambicioso ejecutivo que tiene como amante a Diana Kyteler, la esposa de su jefe. Por aparente capricho de Diana se presta a un extraño juego: Entrar en contacto con una empresa que comercializa unos útiles servicios de magia negra.

 

El gran truco

Dirección: José Luis Garci. Guión: Juan Manuel Lamet. Intérpretes: María Massip, Concha Cuetos, José Soriano, Paco Valladares, Jesús Puente, Pepe Lara, Lourdes Ferriol y Arantxa Atutxa.

Dos amigas, Mabel y Loli, se encuentran al cabo de 20 años. Mabel entrega a Loli una carta de un viejo amor, buen prestidigitador y vulgar mago, que también se acuerda de ella. Evocado por la lectura de la carta, el antiguo amor cobra presencia real…

 

Semiosis

 

Dirección y guión: José Luis Garci. Intérpretes: Jesús Puente, Lourdes Ferriol, Concha Cuetos, Kunio Kobayashi, Pilar Uribe, Sergio Valcárcel y Álvaro Rojo.

Alegoría crítica de la influencia que las nuevas tecnologías tienen en la sociedad actual y en especial en las relaciones humanas. Una sociedad en la que los hombres no hablan, los libros ya no se leen sino se escuchan, las puertas no se abren con llaves sino con tarjetas magnéticas…

 

Luciérnagas

Dirección y guión: José Luis Garci. Intérpretes: Nacho Martínez, María Massip, Pepe Lara, Lourdes Ferriol, Francisco Piquer, Mario Pardo, Raúl Freire y Víctor Valverde.

Dánova es un detective atípico, venido a menos, pero con algunos contactos importantes cerca del poder, que recibe el encargo más extraño de su carrera: investigar la desaparición de cadáveres del Instituto Anatómico Forense. El caso, con un aspecto inicial de necrofilia, acaba con el descubrimiento de una complicada trama extraterrestre.

 

Eternamente

Dirección y guión: José Luis Garci. Intérpretes: Juan Calot, María Massip, Pepe Lara, Lourde Ferriol, Carmen Rossi y Amparo Pamplona.

Un alto ejecutivo celebra en su casa una fiesta de fin de año. Durante la misma, un loco monstruoso asesina a su mujer en el jardín. Pasado un año, sus amigos son convocados misteriosamente a la casa para celebrar nuevamente el fin de año. La historia se repite como si el tiempo volviera una y otra vez para protagonizar la sangrienta historia.

 

Regalo de navidad

Dirección: José Luis Garci. Guión: José Luis Garci y Juan Miguel Lamet. Intérpretes: Carlos Estrada, María Massip, Francisco Piquer y José María Pou

Después de varios años sin contacto, el padre Assens y el profesor Assens deciden pasar juntos la navidad. Ambos hermanos se encuentran en un momento de duda sobre los valores que hasta entonces habían centrado su vida. El sacerdote ha empezado a perder la fe y el científico se pregunta por la existencia de una realidad más allá de la razón. La larga conversación que mantienen en torno a la celebración navideña no resuelve sus problemas.

 

Mujer con violetas

Dirección y guion: José Luis Garci. Intérpretes: Juan Calot, Francisco Piquer, Rafael de Penagos, Lourdes Ferriol, Ana Marzoa y Amparo Pamplona.

Un cuadro maldito pintado a finales del siglo XIX ejerce un mortal efecto sobre sus poseedores. Cada vez que el cuadro cambia de manos, una joven similar a la pintada se aparece en la vida de los propietarios.

 

Dual

Dirección y guion: José Luis Garci. Intérpretes: Nacho Martínez, Pepe Lara, Josep María Pou, Víctor Valverde, Gerardo Malla, Lola de Páramo y Jesús Puente.

Un ejecutivo de una importante agencia de publicidad empieza a dudar de su memoria. Todos le achacan actos que no ha cometido, creándole problemas con cuantos le rodena. La confusión sobre su personalidad lo lleva a verse envuelto en un ajuste de cuentas entre matones, del que se salva en un primer momento. Pero ya nada será igual y la dualidad en la que se ve inmerso le impide saber finalmente quien es quien en realidad.

 

El gabinete del doctor Armengot

Dirección: José Luis Garci. Guion: Horacio Valcárcel. Intérpretes: Mario Pardo, Ana Marzoa, Josep María Pou, Ángeles Macua, Julio Gavilanes, Carmen Rossi, Eduardo McGregor y Amparo Pamplona.

Nathan, ingeniero prestigioso, oye voces de su mujer recientemente fallecida y de otros muertos. Incluida la de una extraña mujer que vive en una habitación de hotel que no existe, que le anuncia su propio fallecimiento.

 

Características

Música: Jesus Gluck, Javier Utray.

Género: Series TV, Series TV Españolas, Thriller, Terror.

Año: 1991, 1996.

Duración: 811 min.

Nacionalidad: España.

Calificación: Autorizada para todos los públicos

Imagen: Color – PAL – Fullscreen 1.33:1 – 4:3.

Audio: Español (Dolby Digital 2.0).

Subtítulos: No Dispone.

Región: 2.

Edición: Multi Estuche

Discos: 5

Distribuidora: 39 Escalones

Lanzamiento: 09/06/2017.

 

Promo

El regreso de la madre ausente, primer tráiler de «Las hijas de Abril»

Durante estos días siguen viendo la luz primeros avances de películas que estos días están presentes en el festival de Cannes, ahora es turno para Las hijas de Abril, el nuevo trabajo tras las cámaras del  cineasta mexicano Michel Franco vuelve a estar presente en el certamen francés en esta ocasión dentro de la sección Un Certain Regard tras Después de Lucía (2012) premio a la mejor película en la misma sección y la notable Chronic que participo en el sección oficial llevándose el Premio al Mejor Guion en 2015. Las hijas de Abril un oscuro drama familiar que explora los límites de la maternidad y el conflicto que puede derivar en la ética de tal acción cuenta al frente de su reparto con la española Emma Suárez tras su triunfal 2016 en donde estuvo presente con las premiadas La próxima piel y Julieta. A final de página podéis ver el tráiler y póster oficial.
Las hijas de Abril nos cuenta como Valeria tiene 17 años y está embarazada. Vive en Puerto Vallarta con Clara, su media hermana. Valeria no ha querido que Abril –la madre, que lleva mucho tiempo ausente– se entere del embarazo. Sin embargo Clara, ante la presión económica y las responsabilidades que implica tener un bebé en casa, decide llamarla. Abril llega con disposición de ayudar a sus hijas, pero pronto entenderemos por qué Valeria prefería mantenerla lejos.
La película está protagonizada por  Emma Suárez, Hernán Mendoza, Iván Cortés, Joanna Larequi y Enrique Arrizon.

El mundo de la ciencia. 50 películas esenciales

Este libro propone una mirada al mundo de la ciencia desde el cinematógrafo y, al mismo tiempo, un repaso por la historia de un arte con más de 120 años de existencia. Historias sobre personalidades únicas que trabajaron para favorecer el progreso de la humanidad, narraciones que buscan estimular el conocimiento del organismo humano o de los mundos animal y vegetal, ejercicios especulativos fundamentados en principios científicos que predicen qué futuro espera a nuestra especie… El lector encontrará en este libro un repaso a producciones cuyo punto de partida es la glosa de la obra de científicos cuyo trabajo ha producido beneficios para la sociedad en general, junto a otras que han pretendido colocar el mundo de la ciencia al frente de una realidad cinematográfica que trata de conjugar la transmisión de conocimiento (científico) con el entretenimiento.
Autor; Christian Aguilera. Editorial; Editorial de la Universitat Oberta de Catalunya. Col·lecció: Filmografías esenciales. Páginas; 198

Primer tráiler de «Wind River» de Taylor Sheridan

Después de su premier mundial en el pasado festival de Sundance a principios de año en donde tuvo una acogida con disparidad de opiniones y su participación estos días en la sección Un certain regard del festival de Cannes nos llega a través de Weinstein Company un primer avance en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial del segundo trabajo tras las cámaras (tras su inédita opera prima Vile) de Taylor Sheridan titulada Wind River, thriller fronterizo que cuenta con un guion a cargo del propio Taylor Sheridan, autor que en estos últimos años ha sido merecidamente reconocido por ser el responsable de los guiones de las notables Sicario y Hell or High Water. Wind River aún sin fecha de salida en España tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 14 de agosto.

Wind River nos cuenta como una joven agente del FBI tendrá que cooperar con un veterano rastreador que vive en la reserva india de Wind River para investigar un misterioso asesinato ocurrido en los inhóspitos bosques de Wyoming.

La película está protagonizada por Elizabeth Olsen, Jeremy Renner, Jon Bernthal, Julia Jones, Matthew Del Negro, Kelsey Asbille, Gil Birmingham, Ian Bohen, Martin Sensmeier, Hugh Dillon, Eric Lange, Mason D. Davis, James Jordan, Teo Briones y Tara Karsian.

https://youtu.be/zN9PDOoLAfg

«The Eyes of my Mother» review

Un forastero llega a una apacible granja. Ahí viven Francisca y su madre, una cirujana de origen portugués que enseña a su hija los secretos de la anatomía. La inesperada visita terminará en tragedia y traumatizará, a la par que despertará la curiosidad, de la pequeña Francisca.

El director de origen neoyorkino Nicolas Pesce presento dentro de la sección Noves Visions en el pasado festival de Sitges una de las películas más esperadas del año por parte del aficionado al género después de las buenas sensaciones y criticas de las que venía precedida tras su premiere en el festival de Sundance a comienzos de año y en posteriores certámenes donde se pudo ver, la muy estilizada The Eyes of my Mother que en sus escasos y bien aprovechados setenta minutos de duración nos llega a ofrecer una particular y muy estimulante visión de horror gótico a través de una mirada autoral tan fascinante como atípica a día de hoy, un viaje situado a medio camino entre una estética de naturaleza estilizada y un trazo escénico costumbrista, aquí escenificado en lo rural, un tránsito al interior de una mente perturbada que termina colindando con el retrato del psycho-killer contado y vivido desde dentro (acertada interpretación a cargo de una Kika Magalhaes a medio camino entre la vulnerabilidad y la psicopatía más explícita), una visión de la poética del desequilibrio aquí representada a través de una sola mirada que bien podría resumirse en como la soledad y la falta de un referente familiar puede jugar una mala pasada a la mente.

Rodada en portugués e inglés y provista de una imponente fotografía en blanco y negro The Eyes of My Mother al igual que en su día lo hizo la magistral Repulsion de Roman Polanski transita básicamente a través de una pesadilla de la feminidad provista de claros contornos minimalistas, su apuesta es tan clara en este sentido que puede llegar a jugar alguna que otra mala pasada en el subconsciente del espectador poco predispuesto como por ejemplo el ejercer sobre él una cierta sensación de estar más ante un producto que tiende a ser un cuidado mediometraje que de forma voluntaria puede dar la impresión de que obvia el profundizar en sus personajes secundarios, sin embargo la opera prima de Nicolas Pesce (tan solo 27 años) que aquí sabe alejarse de un posible contorno pedante y que desde una perspectiva poco frecuentada no llega a desperdiciar ni una sola de sus imágenes, cuidando al máximo todas sus costuras y engranaje, una pequeña y cuidada pieza de orfebrería de síntesis genérica muy ambivalente, su supuesta catalogación podría ser la de una piece arty de horror de tono malsano, de hecho la historia que nos es contada no es nueva y tampoco original, si lo es en parte en la manera en que lo hace. En The Eyes of My Mother vemos como a raíz de un violento hecho traumático la pequeña Francisca en los albores de lo que podemos entender como iniciación a la vida queda marcada en lo psicológico y más allá, aquí entra en escena lo que podríamos entender como la importancia de la familia, o más bien la ausencia de ella, a partir de ese momento somos testigos de cómo su ya dañado imaginario anidara a través de la locura, transito este de la que ella no parece ser plenamente consciente, siendo incapaz de vislumbrar ese conclave que nosotros entendemos como la realidad, un viaje casi dramático de una persona solitaria, incapaz de asimilar cualquier concepto básico de relación afectiva.

The Eyes of my Mother por su indudable riesgo en referencia a lo que termina siendo su apuesta acaba convirtiéndose en una de las películas más interesantes vistas en el pasado curso si nos ceñimos a ese otro cine de género fantástico que a veces le cuesta tanto el darse a conocer en un ámbito alejado del circuito de festivales, una apuesta atípica que basa su principal potencial en su incuestionable buen gusto a la hora de cómo elaborar un brillante ejercicio de nivel técnico y audiovisual (ojo a la extraordinaria labor fotográfica a cargo de Zach Zuperstein o a la atmosférica y ceñida música de Ariel Loh) que no llega a entrar en ningún momento en conflicto en lo concerniente al supuesto tono retorcido y enfermizo que nos llega a exponer la historia, unos horrores interiores que aquí nos son expuestos a través de la sutileza y el estilismo visual, lejos del posicionamiento tan gratuito y habitual de lo explícito en referencia a un tipo de cine que hoy deviene mayoritariamente saturado de una gran variedad de tópicos, ya solo por este inusual posicionamiento autoral merece que estemos atentos a lo que en un futuro nos pueda deparar la ya prometedora carrera de Nicolas Pesce.

Valoración 0/5: 3’5

John Cameron Mitchell entre el punk y los alienígenas, tráiler y clips de «How to Talk to Girls at Parties»

La friolera de dieciséis años han pasado desde que John Cameron Mitchell debutara en el cine con la considerada por mucho pieza de culto Hedwig and the Angry Inch, entre tanto tan solo dos films como Shortbus y Rabbit Hole, ambos algo alejados en temática y repercusión mediática de su muy celebrada opera prima. How to Talk to Girls at Parties cuyo primer tráiler, clips y póster oficial podéis ver a final de página supone su regreso al musical, la película que estos días se ha podido ver en la sección oficial fuera de concurso del festival de Cannes adapta una historia corta del conocido escritor británico Neil Gaiman (estos días noticia por su algo descafeinada adaptación televisiva de su popular novela American Gods) aquí conocida con el título de Cómo hablar con chicas en fiestas, relato publicado por primera vez dentro de la antología Objetos frágiles en 2006 y que posteriormente fue adaptado al cómic, una historia en la que se mezcla géneros tan dispares como pueden ser la comedia, el fantástico o el musical, todo ello desde una visión totalmente excéntrica a modo de una desquiciada fabula punk que promete no dejar indiferente a prácticamente nadie.

How to Talk to Girls at Parties nos cuenta como una pareja de jóvenes británicos se mueven en el Londres underground de los años 70, Enn y Vic, va a una fiesta para poder conocer chicas, pero descubren que éstas son más diferentes de lo que su mente masculina adolescente esperaba en un primer momento, siendo la mayoría de ellas alienígenas a punto de iniciar un macabro rito.

La película está protagonizada por Nicole Kidman, Elle Fanning, Ruth Wilson, Matt Lucas, Alex Sharp, Ethan Lawrence, Stephanie Hazel, Rory Nolan, Jessica Kate Plummer, Olivia Short, Nansi Nsue y Emma Wattam.

Teaser 1

https://youtu.be/HyCxuJz9Vlo

Teaser 2

https://youtu.be/SXoL92Mvc8k

Tráiler

https://youtu.be/gnDyjAcofio

Robin Campillo y el activismo épico de los 90, tráiler de «120 battements par minute»

Con tan solo un par de títulos en su haber hasta la fecha (la notable Les revenants y Eastern Boys) el realizador Robin Campillo ha demostrado ser uno de los realizadores cuya inquieta mirada le han situado por ser uno de los más interesantes  y prometedores del actual panorama cinematográfico europeo. 120 battements par minute que compite estos días por la Palma de Oro en el festival de Cannes es su nuevo trabajo tras las cámaras, posiblemente el más ambicioso a fecha de hoy, con guion del propio Campillo y fotografía a cargo del habitual Jeanne Lapoirie la película nos cuenta una historia de amor gay con el trasfondo social del SIDA y el activismos que derivo de todo ello en los años 90. 120 battements par minute cuyo primer tráiler oficial podéis ver a final de página tiene previsto su estreno comercial en Francia para el próximo 23 de agosto.
120 battements par minute nos sitúa en París a principios de los años 90. Un grupo de jóvenes activistas intenta generar conciencia sobre el SIDA. Un nuevo miembro del grupo, Nathan, se quedará sorprendido ante la radicalidad y energía de Sean, que gasta su último aliento en la lucha.
La película está protagonizada por Adèle Haenel, Yves Heck, Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois, Emmanuel Ménard, Antoine Reinartz y François Rabette.

Primeras confirmaciones para el Festival Nits de cinema oriental de Vic 2017

El éxito cinematográfico del año en China y Hong Kong se estrenará en el Festival Nits.

El Festival Nits de cinema oriental de Vic (18-23 de julio) ofrecerá la première estatal de Shock Wave (Herman Yau, 2017), un thriller espectacular que ha sido éxito de taquilla en China y Hong Kong arrebatando la primera posición en el ranquin de recaudaciones a Fast & Furious 8.

Este filme se añade a los dos títulos previamente anunciados: The Posterist (Hui See-Wai, 2016) y Vampire Cleanup Department (Yan Pak Wing, Chiu Sin Hang, 2016), dentro de la Sección Oficial del certamen.

The Posterist es un documental sobre Yuen Tai-Yung, ilustrador de algunos de los carteles más míticos de la historia del cine de Hong Kong. La ciudad de Vic acogerá al equipo artístico de la película, incluido el posterista, que actualmente tiene 76 años y ha recibido diversos homenajes por parte de la industria de su país. Aprovechando la visita de Yuen Tai-Yung, el Festival expondrá una muestra de su trabajo.

Por otra parte, Vampire Cleanup Department supone el retorno al popular cine de vampiros chinos. Combina humor y terror en un guion ingenioso y genuino repleto de referencias al cine de este género en Hong Kong. 40 títulos, entre largometrajes y cortometrajes, completarán el programa de un festival que se consolida como referente del cine asiático en Cataluña y el resto del estado.

La mujer, protagonista de esta edición

Junto a la publicación del libro Kung Fu Girls!, el Festival Nits dedicará una retrospectiva a las protagonistas femeninas del cine de acción chino y cantonés.

Mientras que en los filmes de acción occidentales las mujeres han quedado siempre relegadas a papeles secundarios, en China y Hong Kong actrices como Moon Lee, Sharon Yeung Pan-Pan, Michelle Yeoh, Kara Hui, Maggie Q, Cheng Pei-Pei, Angela Mao o Mandy Ho se han convertido en grandes estrellas del género con filmes estrenados y reeditados en el mercado internacional. La retrospectiva incluye títulos tan emblemáticos como Yes, Madam (Ultra Force 2), My Young Auntie (Las garras de la tigresa), Iron Angels, Naked Weapon o los documentales Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques de Yves Montmayeur y The Beauties of the Shaw Studios, un viaje a los viejos tiempos del cine de Hong Kong a través de las intérpretes más destacadas de este estudio.

Este homenaje a las mujeres de acción continuará más allá del Festival, con sesiones de cineque tendrán lugar en el Instituto Confucio de Barcelona después del verano.

El Festival completa con éxito el Verkami para publicar el libro Kung Fu Girls!

La tercera publicación de la Biblioteca FesNits será posible gracias a las aportaciones de 134 mecenas y a la colaboración del Hong Kong Trade and Economic Office de Bruselas.

Kung Fu Girls! Las actrices del cine de acción de Hong Kong y China, escrito por Domingo López y Jorge Endrino, será el primer libro dedicado exclusivamente a las mujeres en el cine de artes marciales. Esta publicación, imprescindible para los amantes del género, incluirá el contexto histórico, una guía de películas, una galería con las actrices más destacadas e ilustraciones originales del dibujante Toni Benages.

Póster y tráiler oficial de «Okja» de Bong Joon-ho

Mucho se ha hablado durante estas últimas semanas de la polémica existente entre la plataforma televisiva Netflix y el festival de Cannes y el debate que ha generado a raíz de la participación en la sección oficial del certamen francés de dos películas producidas por el canal de pago, dos trabajos (Okja de Bong Joon-ho  y The Meyerowitz Stories de Noah Baumbach) films que salvo en alguna contada excepción no pasaran por las salas de cine, el director surcoreano en su visita a Cannes ha querido quitar hierro al asunto asegurando que ambos modelos de visionado están condenados a coexistir en un futuro, un debate que da para mucho ciertamente y que seguro ira en aumento próximamente por razones que parecen muy obvias, sea como fuere Okja del siempre interesante Bong Joon-ho, cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, acaba de ser proyectada en Cannes cosechando buenas críticas, cuento moral en donde nuevamente y como viene siendo habitual en el cine de Bong Joon-ho este vuelve a recurrir a una brillante amalgama genérica dotadas en esta ocasión con inequívocos  ecos al cine Amblin y claras referencias al mito de King Kong. Okja estará disponible en todo el mundo a través de la plataforma de streaming el próximo 28 de junio.

Okja nos cuenta como durante los últimos 10 años la pequeña Mija ha sido la cuidadora y compañera de Okja, un gigantesco animal mutado genéticamente con el que ha convivido en su casa de las montañas ubicada en Corea del Sur. Pero todo cambiará repentinamente cuando la gran multinacional Mirando Corporation se lleve a Okja para trasladarla a Nueva York, donde la narcisista y egocéntrica CEO Lucy Mirando tiene grandes planes para la mejor amiga de Mija. Sin ningún plan pero con un claro objetivo en mente, Mija viaja a Estados Unidos y emprende una peligrosa misión de rescate que se complicará aún más cuando se tope con diversos grupos de capitalistas, manifestantes y consumidores que también luchan por controlar el destino final de Okja.

La película está protagonizada por Tilda Swinton, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Devon Bostick, Lily Collins, Steven Yeun, Byun Hee-bong, Shirley Henderson, Daniel Henshall, Je Moon y Choi Woo-sik.

El vacío moral ruso, tráiler de «Loveless»

Una de las películas que ya se han podido ver dentro de la sección oficial del festival de Cannes es la rusa Loveless (Nelyubov), el nuevo trabajo del siempre interesante realizador Andrei Zvyagintsev, el denominado en algunos círculos como heredero, más asequible en lo formal, del cine de Tarkovski y responsables de títulos tales como El regreso, The Banishment, Elena o la notable Leviatán, su anterior trabajo ganador del premio al mejor guion en la edición del certamen francés de 2014. Loveless cuyo primer avance en forma de tráiler y póster oficial podéis ver a final de página ha recibido muy buenas crítica en su reciente pase en Cannes, el film dirigido por Andrei Zvyagintsev que aquí vuelve a contar con un guion obra de Oleg Negin y fotografía a cargo de Mikhail Krichman ha sido descrita como una suerte de brillante noir de tono doméstico con un claro y definido trasfondo alegórico del contexto político y social de la Rusia de hoy en día. Aun sin distribución en territorio español la película que será distribuida en Estados Unidos por Sony tendrá un estreno comercial en Francia para el próximo mes de septiembre.

Loveless nos cuenta como una pareja que atraviesa por un difícil divorcio debe aunar sus fuerzas para poder encontrar a su hijo, desaparecido tras una de sus continuas peleas. La pareja se verá obligada a recurrir tanto a una incompetente policía como a una especie de ONG especializada en buscar desaparecidos. La película está protagonizada por Maryana Spivak, Alexey Rozin, Matvey Novikov, Marina Vasilyeva, Andris Keishs y Alexey Fateev.

Regreso a Twin Peaks

David Lynch hizo historia en la televisión de los noventa. Twin Peaks se convirtió en un fenómeno de masas que mantuvo a los espectadores en vilo. Ahora, veinticinco años después, tras el abrupto final de la segunda temporada, regresamos a Twin Peaks con una tercera entrega. Pero Twin Peaks ya no es un simple escenario para una serie, un pueblo más de la América profunda, sino un lugar mítico, una auténtica mitología moderna. Y el retorno a ese lugar no es una coda ni un homenaje, sino la confirmación de un clásico. También es la oportunidad, a través de este libro, de volver a aquellos bosques y a aquel café, la ocasión para pensar qué hizo de Twin Peaks un relato televisivo revolucionario y cómo se ha convertido en el estreno más esperado en muchos años. Para ello contamos con el propio David Lynch, que nos relata cómo surgió y cómo se hizo Twin Peaks, con todo detalle y con anécdotas tan inverosímiles como reales. También nos acompaña David Chase, creador de Los Soprano, que nos habla de la influencia de la serie de Lynch sobre los mafiosos de Nueva Jersey y sus sueños. A continuación, uno de nuestros cineastas más internacionales, Nacho Vigalondo, escribe sobre el desconocido final alternativo de Twin Peaks y la importancia que tuvo en su cine, y Michel Chion, máximo especialista mundial en la obra de Lynch, nos propone un inmejorable umbral para analizar los diferentes temas de esta producción. De ello se ocuparán los demás autores de este volumen, que abordan de manera ágil y lúcida la relación de la serie con la filosofía, la naturaleza, la historia, lo salvaje o el mal. Bienvenido, de nuevo, a Twin Peaks.
Autor; Coordinada por Enric Ros y Raquel Crisóstomo, Nacho Vigalondo · David Chase · Michel Chion · Chris Rodley · Enric Ros · Raquel Crisóstomo · Iván Pintor · Aaron Rodríguez · Hilario J. Rodríguez · Carlos Losilla · Fernando de Felipe e Iván Gómez · Michael Carroll · Rick Stoeckel, Editorial; ERRATA NATURAE. Páginas; 312

Superhéroes con trasfondo social, tráiler de «Jupiter’s Moon»

El realizador húngaro Kornél Mundruczó pese a contar con películas tan interesantes como Johanna, Delta o Tender Son se dio a conocer de alguna manera entre el gran público con la fantástica White God (Fehér isten) review aquí, fabula canina con clara alegoría social que le valió a Mundruczó el premio a la Mejor película en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes de hace tres años, ahora vuelve al certamen francés ya luchando por la Palma De Oro con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Jupiter’s Moon, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés y póster oficial podéis ver a final de página. Jupiter’s Moon cuyo guion corre a cargo del propio Kornél Mundruczó junto a Kata Wéber y que se estrenará comercialmente en su país de origen el próximo 1 de noviembre vuelve al igual que en su anterior film a utilizar una base fantástica para hablarnos acerca de los problemas existentes en la actual sociedad Europea.

Jupiter’s Moon (Felesleges ember en original) nos cuenta la historia de un joven inmigrante que recibe un disparo cuando intenta cruzar la frontera de Hungría ilegalmente. Después de ese incidente, es capaz de levitar. Le enviarán a un campo de refugiados del que se escapará con ayuda de un doctor que querrá aprovecharse de sus poderes.

La película está protagonizada por Mónika Balsai, Merab Ninidze, György Cserhalmi y Zsombor Jéger.

https://youtu.be/qSNNubBp5WY

«Alien: Covenant» review

Alien: Covenant nos sitúa rumbo a un remoto planeta al otro lado de la galaxia, la tripulación de la nave colonial Covenant descubre lo que creen que es un paraíso inexplorado, pero resulta tratarse de un mundo oscuro y hostil cuyo único habitante es un “sintético” llamado David (Michael Fassbender), superviviente de la malograda expedición Prometheus”.

Intentar desgranar Alien: Covenant de una forma justa a la hora de valorar sus múltiples lecturas y connotaciones ya no solo en lo referente a un nivel meramente formal sino también como vehículo de reformulación propia por parte de un autor pasa por la imperiosa obligación de detenerse brevemente tanto en la carrera del realizador implicado como en el devenir temporal de la saga que precede al film que nos ocupa. En primer lugar habría que valorar en su justa medida el posicionamiento (muy valiente en mi opinión) de Ridley Scott, que un director de ochenta años mire de frente, sin tapujos estilísticos y reformule desde su particular punto de vista nuevos conceptos de las dos películas que marcaron a fuego su filmografía como son Alien (1979) y Blade Runner (19829), esta última próximamente e implicado solo como productor ejecutivo, no deja de tener un indudable mérito, por lo que respecta a la saga Alien el discurso tiende a ser incluso más apasionante pues consigue aquí un difícil equilibrio en lo referente a su por momentos inusual condición de hibrido de ciencia ficción estilizada con claros retazos de eficaz serie B casi de consumo pulp deviniendo una agraciada unión de los conceptos básicos que estructuraban tanto Alien como Prometheus.

Alien: Covenant no deja de ser una continua lucha de dichos conceptos, entre las diferentes maneras de mostrar una saga y su mitología, la antigua y la más reciente arriba citadas, con un claro destino final que no es otro que enlazar argumentalmente y temáticamente su modelo inicial, o sea el Alien originario, para ello Ridley Scott reformula a partir y desde la reinvención del universo que estructuraba la infravalorada Prometheus (extraordinario prólogo Weyland) para ir poco a poco derivando a lo que podríamos definir como su propia génesis primaria, lo que digamos la mayoría de fans incondicionales exigían de alguna manera u otra, una especie de regresión a los condicionantes narrativos de la franquicia iniciada en 1979, tenemos ahora a los xenomorfos de vuelta, la consabida aniquilación sistemática de los tripulantes de la Covenant y un twist final que hereda el concepto de heroína omnipresente en toda la saga amen de una gratuita (e inusual por lo poco creíble de la situación en el momento que se produce) escena de sexo de final funesto digna del más puro estilo slasher al uso, todo ello aderezado conscientemente por guiños tales como los títulos de créditos iniciales o el continuo homenaje musical a cargo de Jed Kurzel a la originaria banda sonora compuesta en su día por Jerry Goldsmith, aunque de forma curiosa (y de ahí la principal valía del film) el mejor tramo de Alien: Covenant sea aquel en el que momentáneamente se aparta del tratado que estamos comentando, en donde vemos como Ridley Scott en el tramo narrativo central y mirando de reojo al Frankenstein de Mary Shelley discierne acerca sobre lo efímero del conocimiento por parte dela existencia humana algo que deriva irremediablemente en un impulso de connotaciones fáusticas en lo relativo a la creación y posterior evolución, tratado que termina siendo un claro vaso comunicante acerca de la pesimista e incluso por momentos terrorífica visión que se ofrece del A.I, no en vano los androides que vemos en la película están muy por encima en lo referente al peso dramático de la historia que cualquiera de los humanos que aparecen en la trama.

No deja de estar claro que dicha amalgama conceptual y genérica que atesora un film de las características de Alien: Covenant, que también podría ser definida como la insondable labor de un realizador por intentar contarnos algo nuevo sin renunciar al sintomático déjà vu, lo convierte en un producto tan fascinante como por momentos irregular, es evidente que pese que hay tramos brillantes no hay un tempo narrativo consistente en lo referente a lo que es su historia, también se podría achacar a la cinta el cómo diluye o anula en parte la esencia del misterio de la mimética película originaria, sin embargo todo esto no deja de ser un mal menor, la impresión de que Ridley Scott se deshace de las cuestiones más intrincadas que exponía Prometheus también podría considerarse como algo engañosa, tan solo las simplifica, resuelve en parte y adecua de cara al futuro, una especie de vuelta a los orígenes de su creación para tratar de explicarla desde dentro, pues otra de las principales virtudes que atesora Alien: Covenant (aparte de contar con la labor interpretativa de un Michael Fassbender en estado de gracia)no es otro que el de amplificar y sobre todo mantener viva una saga que hasta hace bien poco parecía estar completamente muerta y sin visos de que pudiera ser reactivada, algo que visto hoy en día el devenir de las mayorías de franquicias auspiciadas por los grandes estudios no deja de ser un triunfo en si mismo.

Valoración 0/5.3’5

La carrera contra reloj de Robert Pattinson, tráiler de «Good Time»

Será una de las películas que lucharán por la Palma De Oro en el inminente festival de Cannes, Good Time thriller dramático cuyo primer tráiler y póster oficial cortesía de A24 podéis ver a final de página cuenta con la dirección y guion (junto a Ronald Bronstein) de los hermanos Ben y Joshua Safdie responsables de la alabada e interesante cinta independiente Heaven Knows What. Good Time aún sin fecha en España tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 11 de agosto.

Good Time nos cuenta como un ladrón de bancos ve como uno de sus asaltos se tuerce de forma inesperada, mientras él logra huir su hermano Nick es detenido por la policía. Mientras intenta reunir la fianza para poder liberarlo aparece otra opción, organizar su huida. Comienza entonces una larga noche ubicada en los fondos neoyorquinos  viéndose a sí mismo en una situación en la que le es imposible escapar de aquellos que empiezan a perseguirle.

La película está protagonizada por Robert Pattinson, Jennifer Jason Leigh, Barkhad Abdi, Cliff Moylan, Phil Cappadora, Souleymane Sy Savane, Buddy Duress, Mahadeo Shivraj, Jibril Goodman, Ratnesh Dubey, Shaun Rey, Laurence Blum, Marcos A. Gonzalez y Tara Lynn Wagner.

La Seminci evoca a Alfred Hitchcock en el cartel de la 62ª edición

La novena convocatoria del concurso de carteles organizado por la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) ha recibido un total de 618 propuestas, 205 más que el pasado año. Cabe destacar la participación internacional con 85 diseños procedentes de Argentina, México, Uruguay, Brasil, Francia, Italia, Reino Unido, Colombia y Andorra.
El jurado del concurso ha decidido seleccionar como imagen oficial de la próxima 62ª edición el cartel que lleva por título ‘Encadenados’, de Toni Pontí, para el que ha tomado como referencia el título de una película de Alfred Hitchcok de 1946 (Notorius) y las iniciales del festival y su edición, en este caso 62S. Creador especializado en diseño gráfico, fotografía, dirección de arte y diseño de vestuario para cine y publicidad, el diseñador leridano ilustró también la sección Punto de Encuentro en el 60º aniversario del certamen y ha sido el autor de la imagen oficial del festival en las ediciones de los años 2014 y 2016, respectivamente.
La obra del director británico ha estado presente en varias ocasiones en el Festival. La primera vez que su nombre apareció en la programación fue en la 13ª Semana Internacional de Cine Religioso y de Valores Humanos (1968), cuando su película Yo confieso (1953) se proyectó en el ciclo más importante de la edición: “El sacerdote y la pantalla”. En 1986, el maestro del suspense volvió a figurar en la programación dentro del ciclo “Remakes”, integrado por la versión original y la reinterpretación de la misma película realizada años después. El titulo seleccionado fue El hombre que sabía demasiado, una historia que Alfred Hitchcock dirigió en 1934 y versionó en 1956. Dos años después, su obra formó parte del ciclo “Extraños en el paraíso” y en el libro del mismo título, de John Russell Taylor, dedicado a los cineastas que emigraron a Estados Unidos durante la II Guerra Mundial. Precisamente, la 38ª Seminci programó en Punto de Encuentro Bon voyage y Aventure malgache, dos piezas de 26 y 32 minutos, respectivamente, dirigidas por Hitchcock en 1944 como aportación a la propaganda de los aliados durante el conflicto bélico. La última vez que el Festival ha mostrado la obra del realizador fue en el año 2000. La 45ª Seminci proyectó en Punto de Encuentro la copia restaurada de La ventana indiscreta (1954) una de las películas más populares del realizador británico.
Por su parte la propuesta ganadora para la sección Punto de Encuentro, que incluye primeras y segundas películas, lleva por título ‘Estamos’ y es obra de la diseñadora gráfica de origen argentino Natalia Volpe, que actualmente reside en Lyon (Francia). Es cofundadora y miembro del grupo de diseño colectivo Onaire, y desarrolla proyectos integrales de diseño y comunicación relacionados con el arte, la cultura y la educación desde el año 2001.

En cuanto a la sección documental Tiempo de Historia, ha sido seleccionado el cartel con el título ‘Manchas en el tiempo’, de José Luis Pulido, diseñador gráfico en Madrid, licenciado en Bellas Artes que comenzó su carrera profesional en la compañía estadounidense de telecomunicaciones AT&T y más tarde se integró en el estudio del diseñador Frank Memelsdorff. Actualmente trabaja como grafista independiente desde su propio estudio.

Los ganadores de este concurso recibirán tres premios dotados económicamente con 2.000€ para el autor de la imagen oficial de la 62ª edición, y 600€ para los autores de los carteles de las secciones Punto de Encuentro y Tiempo de Historia, respectivamente.

Primeros carteles para lo nuevo de Darren Aronofsky, Michael Haneke y Yorgos Lanthimos

Con el festival de Cannes a punto de empezar nos llegan los primeros avances en forma de pósters de tres de las películas que a priori pueden marcar de una manera u otra el presente curso cinematográfico, Mother! de Darren Aronofsky, Happy End de Michael Haneke del que también podéis ver un primer clip y The Killing of a Sacred Deer del griego Yorgos Lanthimos, estas dos últimas presentes en el certamen francés.

Mother!, un thriller de terror psicológico que nos cuenta como una pareja ve como su estable relación se pone a prueba cuando reciben en su hogar la visita inesperada de una serie de extraños invitados. Desde ese preciso momento, su tranquila existencia quedará trastocada por completo. La película que se estrenará el próximo 13 de octubre está interpretada por Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, Domhnall Gleeson, Kristen Wiig, Brian Gleeson, Cristina Rosato, Marcia Jean Kurtz, Ambrosio De Luca, Hamza Haq, Anana Rydvald, Arthur Holden, Bineyam Girma, Jaa Smith-Johnson y Xiao Sun.

Por su parte Michael Haneke nos narra en Happy End una historia que curiosamente guarda algún que otro punto en común con el argumento de Mother!,  aquí vemos como una acomodada familia residente en Calais durante la crisis europea tendrá que lidiar con la visita de los refugiados. El film está protagonizado por Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant, Mathieu Kassovitz, Fantine Harduin, Toby Jones, Franz Rogowski y Laura Verlinden.

Por último el inclasificable Yorgos Lanthimos presenta The Killing of a Sacred Deer, un oscuro thriller que narra la historia de un brillante cirujano que asume bajo su mando a un adolecente, este último se inmiscuye paulatinamente en su familia resultando ser cada vez más amenazador, algo que hará conducir al cirujano a un impensable sacrificio. El film está interpretado por  Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp, Denise Dal Vera y Jerry Pope.

La cara oculta de un mito, tráiler de «Becoming Cary Grant»

Será uno de los documentales que se podrán ver dentro de la cada vez más interesante sección Classics en el inminente festival de Cannes, Becoming Cary Grant cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de página está dirigido por el británico Mark Kidel, realizador con una amplísima experiencia en lo referente a documentales (Alfred Brendel: Man and Mask, A Journey with Peter Sellars, Elvis Costello: Mystery Dance o la reciente The Island of 1000 Violins entre otros muchos trabajos) aquí al frente de un documental que podría definirse como una especie de autobiografía inédita provista de mucho material inédito del protagonista Arsenic and Old Lace.

Becoming Cary Grant con música a cargo de Adrian Utley (Portishead) y Tim Norfolk y Bob Locke (The Insects) y que cuenta con la narración del actor Jonathan Pryce (que en estos precisos momentos está rodando la ansiada The Man Who Killed Don Quixote de Terry Gilliam) será emitida después de su paso por Cannes por la cadena Showtime el próximo 9 de junio, el film como bien indica su título gira en torno a la figura el mítico Cary Grant pero desde una visión nada complaciente, centrándose básicamente en los aspectos menos conocidos del actor como su difícil y tortuosa relación con sus padres, su ambigua y oculta sexualidad o su habitual consumo de drogas con especial atención al tratamiento de LSD a que fue sometido a finales de los años 50 debido a sus traumas personales.

https://youtu.be/WHkMZfmxDB8

El festival de San Sebastián desvela los carteles para su 65 edición

Los conceptos de corte y montaje protagonizan la imagen de la 65 edición. El autor del cartel es el estudio donostiarra de diseño gráfico Husmee.

El patio del Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera ha acogido esta mañana, por primera vez, el acto de presentación de la imagen de la 65 edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará entre el 22 y el 30 de septiembre. El estudio donostiarra de diseño gráfico Husmee, que este año cumple una década y estrena sede en Londres, ha diseñado la propuesta seleccionada para la Sección Oficial. Su cartel está compuesto por una retícula de 24 fotogramas, que cuenta la historia del número 65. El cartel juega con los conceptos de corte y montaje y sugiere en todos sus soportes la idea de ritmo y movimiento.

El cartel a cargo de Husmee ha sido seleccionado entre las ocho propuestas de estudios y diseñadores de prestigio invitados a elaborar la imagen del Festival. En la rueda de prensa se han presentado también las imágenes ganadoras del concurso de carteles convocado por el Festival para las secciones de Nuev@s Director@s, Horizontes Latinos, Perlas, Zabaltegi-Tabakalera y Culinary Zinema. El jurado, compuesto por el diseñador Jorge Primo, autor de la imagen de la 64 edición, Miren Arzalluz, directora del Instituto Etxepare, y Lur Olaizola, coordinadora de la Programación de Cine y Audiovisual de Tabakalera, junto a dos miembros de comité de dirección de Festival, ha escogido en cada categoría entre veinte propuestas: diez seleccionadas por los 61.592 votos de público y diez elegidas por el equipo del Festival entre las 1.620 propuestas presentadas.

En la sección de Nuev@s Director@s se ha impuesto Primer vuelo, un avión “audaz” que busca “una nueva dirección”, diseñado por Angel Aldarondo, que también ha creado la propuesta ganadora de Horizontes Latinos, Muros, donde un pintor proyecta su “deseo de libertad”. La diseñadora Maite Rosende reflexiona sobre el cristal en su creación para Perlas, mientras que Sara Zamarro retoma la metáfora del vuelo en la sección Zabaltegi-Tabakalera, aunque en esta ocasión el destino sea más “imprevisible”. Por último, el estudio TGA ha apostado por la austeridad para combinar los conceptos de gastronomía y cine en la imagen de Culinary Zinema.

Además, se han mostrado los carteles de la retrospectiva de la 65 edición, dedicada al director estadounidense establecido en Inglaterra Joseph Losey, que ha diseñado Eurosíntesis junto al Festival, y de Savage Cinema, que, como el año pasado, ha creado Maurix, quien hace un guiño a las postales de parques naturales de los años 50 y 60.

En la rueda de prensa, el director de Festival, José Luis Rebordinos, avanzó algunas claves de la edición, en la que el descubrimiento de nuevos talentos volverá a ser uno de los ejes, y recordó la puesta en marcha de la nueva actividad de industria, Glocal in Progress, dirigida a producciones europeas en lenguas no hegemónicas.

 

SECCIÓN OFICIAL: FOTOGRAMAS

Autor: HUSMEE STUDIO GRAPHIQUE!

BIOGRAFÍA

Especializados en identidad corporativa y diseño editorial, la base de su trabajo es la forma, el color y la tipografía. El estudio nace en 2007 de la mano de Alain Villastrigo y Ernesto Arnáez como una inquietud alrededor de la escena del diseño gráfico. En paralelo a la actividad diaria del estudio surgen diferentes acciones como la revista cultural del mismo nombre, eventos, intervenciones, exposiciones, etc.

DESCRIPCIÓN

El cartel está dividido en una retícula que genera 24 ‘fotogramas’, en los cuáles se narra una historia cuyo protagonista es el número 65, con diferentes cortes y encuadres que variarán a lo largo de la gráfica. Las composiciones no siguen un ritmo temporal sino que se juega con el concepto de corte y montaje. El uso de este elemento permite generar ritmo y diversidad de composiciones para todos los soportes.

 

Nuev@s Director@s: PRIMER VUELO

Autor: Angel Aldarondo

BIOGRAFÍA

Polifacético profesional del sector audiovisual, escribe, dirige y edita proyectos para publicidad, cine y televisión. Además de colaborar en distintos medios escritos, está especializado en postproducción y motion-graphics. Realizador de videoclips, spots, trailers o cortometrajes, su corto Ondar Ahoak fue seleccionado en el catálogo Kimuak, y obtuvo diferentes galardones como el premio al mejor corto experimental en el Festival de San Diego.

DESCRIPCIÓN

Aunque pueda parecer bisoño y frágil, en su primer vuelo este avión de papel (que bien podría tratarse de un guion) se dirige audaz en busca de una nueva dirección. El cartel representa «el vértigo de las primeras veces».

 

Horizontes latinos: MUROS

Autor: Angel Aldarondo

BIOGRAFÍA

Polifacético profesional del sector audiovisual, escribe, dirige y edita proyectos para publicidad, cine y televisión. Además de colaborar en distintos medios escritos, está especializado en postproducción y motion-graphics. Realizador de videoclips, spots, trailers o cortometrajes, su corto Ondar Ahoak fue seleccionado en el catálogo Kimuak, y obtuvo diferentes galardones como el premio al mejor corto experimental en el Festival de San Diego.

DESCRIPCIÓN

Una manera de enfrentarse y salvar un muro, proyectando en el obstáculo un deseo de libertad.

 

Perlas: OJO DE PERLA

Autora: Maite Rosende

BIOGRAFÍA

San Sebastián, 1991. Se mudó a Barcelona a realizar un grado superior de Pintura Mural y decidió estudiar ilustración, un mundo por el que, desde muy pequeña, se había sentido atraída. Completó su formación con estudios de diseño gráfico, fotografía y edición de video. Actualmente trabaja como freelance, principalmente enfocada a la ilustración infantil.

DESCRIPCIÓN

Dicen que nada es verdad o mentira, nada es bello o feo, todo depende del cristal con que se mire. Perlas es la sección que recoge las producciones cinematográficas más destacadas del año. Dichas ‘perlas’ son el cristal que el Zinemaldia coloca delante de cada espectador para que a través de su propia mirada alcance a contemplar toda la belleza del séptimo arte.

 

Zabaltegi-Tabakalera: VUELOS

Autora: Sara Zamarro

BIOGRAFÍA

San Sebastián, 1990. Diseñadora formada en gráfica publicitaria en el Centro de Artes Plásticas y Diseño Kunsthal y en producción y postproducción audiovisual en la escuela Centa. Sus trabajos más recientes son la imagen del proyecto de la Fundación Donostia / San Sebastián 2016 Karta Zuriak / Cartas Blancas, dirigido por el escritor Anjel Lertxundi; la adaptación de láminas del comic-book Patria (Fatherland) de la dibujante canadiense Nina Bunjevac; y la identidad gráfica y su aplicación en el espacio expositivo para Ahotsak / Voces, una exposición de la Fundación Real Sociedad.

DESCRIPCIÓN

Vuelos con un destino imprevisible que sin normas se cruzan por necesidad de explorar, crear y enfrentarse a nuevos retos en un espacio enigmático e inmenso.

 

Culinary Zinema: Cz

Autor: TGA

BIOGRAFÍA

Estudio de diseño de San Sebastián. “Nos gusta ser funcionales. Proponemos soluciones de diseño gráfico, interactivo e interiorismo que son útiles, sencillas, duraderas y que responden con eficacia a las necesidades de los clientes. Ser un estudio pequeño nos permite más implicación, flexibilidad, cercanía y responsabilidad directa en todo el proceso creativo y productivo”.

DESCRIPCIÓN

Austero en composición, de tipos y colores, tiene elementos iconográficos propios del mundo de la gastronomía, pero que, por su simplicidad formal, también aluden a elementos del mundo cinematográfico. Este diseño, visualmente sencillo y minimalista, posibilita una lectura fácil y la comprensión rápida y directa del mensaje.

 

SAVAGE CINEMA: Greetings from the savage cinema natural park

Autor: Carlos Mauricio Maurix

BIOGRAFÍA

Maurix, director de arte y diseñador gráfico gallego (1979). Ha trabajado para Zara, David Delfín y Bambú Producciones, entre otros. Desde hace varios años vive en Madrid, donde dirige su propio estudio.

DESCRIPCIÓN

Guiño a las postales de parques naturales de los años 50 y 60. Maurix ha pintado un valle imaginario, con sus montañas vírgenes, cascadas, bosques, con tonos ajados que juegan con la melancolía y recuerdos infantiles. Y un mensaje simpático, una invitación directa para aquellos curiosos que aún no conocen la naturaleza de la sección Savage Cinema: Greetings from the Savage Cinema Natural Park.

 

RETROSPECTIVA: JOSEPH LOSEY

Autor: Festival de San Sebastián y Eurosíntesis

DESCRIPCIÓN

El cartel de la retrospectiva dedicada al cineasta estadounidense afincado en Inglaterra Joseph Losey está extraído de una escena emblemática de una de sus películas más conocidas, The Servant (El sirviente). El clip de la retrospectiva ha sido elaborado por Carlos Rodríguez, del estudio MorganCrea.

https://youtu.be/sPv7yzEFBJ4

Un cuento gótico en el Londres victoriano, tráiler de «The Limehouse Golem»

Juan Carlos Medina y su segundo trabajo tras las cámaras titulado The Limehouse Golem, cuyo primer tráiler y póster podéis ver a final de página, fue la encargada de clausurar la pasada edición del festival de Sitges, reseña que podéis leer aquí. Después de su muy válida opera prima Insensibles 2012 (otra estimulante revisitación en clave fantástica de la guerra civil española) el director español con The Limehouse Golem, un thriller de época con reminiscencias góticas, realiza el que es su primer trabajo en lengua inglesa, el film que se estrena el próximo 1 de septiembre en el Reino Unido adapta la prestigiosa novela escrita en 1994 por Peter Ayckroyd Dan Leno and the Limehouse Golem, conocida también por el título de The Trial of Elizabeth Cree.

The Limehouse Golem  nos sitúa en el Londres de 1880, una serie de asesinatos sacuden el ya de por sí peligroso distrito de Limehouse, y los vecinos comienzan a conjeturar que tan monstruosos crímenes solo pueden ser obra del Golem. Desesperada, la policía pone al experimentado detective Kildare al frente de la investigación.

La película está protagonizada por Bill Nighy, Olivia Cooke, Douglas Booth, Daniel Mays, Eddie Marsan, María Valverde, Sam Reid, Morgan Watkins, Adam Brown, Peter Sullivan, Amelia Crouch, Damien Thomas, Mark Tandy, Michael Jenn y Simon Meacock.

Howard Hawks. El camaleón de Hollywood

En 2017 se celebra el 40 aniversario del fallecimiento de Howard Hawks (1896-1977), uno de los cineastas norteamericanos más influyentes de la historia. Versátil como ningún otro director, la obra de Howard Hawks abarca todos los géneros sin para ello perder ni un ápice de su estilo y personalidad. Este volumen pretende rendir homenaje al hombre y a su cine, explorando su forma de adentrarse en cada género y ejemplificando las numerosas correspondencias que le confieren el sello de innegable autor en toda regla. Aunque tuvo que transcurrir un tiempo considerable hasta poner a Howard Hawks en el Olimpo de los mejores directores del mundo, actualmente su obra goza de una vigencia exultante y sus películas son necesarias para entender la evolución de la comedia, el cine negro o el western. Responsable de clásicos inmortales como La fiera de mi niña, El sueño eterno o Río Bravo, en la filmografía de Howard Hawks se dan cabida más de cuarenta películas en las que se mantienen las características propias de un cine repleto de honor y pasión.
Autor; Albert Galera, Editorial; T&B EDITORES, Páginas; 272

El musical según Bruno Dumont, primer tráiler de «Jeannette l’enfance de Jeanne d’Arc»

Aun reciente el buen sabor de boca dejado con la televisiva P’tit Quinquin (cuya segunda temporada titulada Coincoin et les z’inhumains se rodará este verano) y su magnífica Ma Loute acaba de ver la luz un primer avance en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página junto a dos de sus pósters de su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Jeannette, l’enfance de Jeanne d’Arc. El film que tendrá su premier mundial en el inminente festival de Cannes dentro de la Quincena de realizadores y que contará con música a cargo de Gautier Sierre (Igorrr) volverá a ser un banco de pruebas genérico por parte del realizador belga que aquí se adentrara por primera vez en la comedia musical centrándose para más inri en la infancia de un personaje histórico.

Jeannette, l’enfance de Jeanne d’Arc adapta la obra de teatro de Charles Péguy que nos cuenta la historia de Juana de Arco desde su infancia hasta que ardió en la hoguera, aunque esta historia solo se centrará en lo que es su infancia, contada a modo de comedia musical íntegramente cantada con tan solo unos pocos diálogos.

La película está protagonizada por Lise Leplat Prudhomme, Jeanne Voisin, Lucile Gauthier, Victoria Lefebvre, Aline Charles y Élise Charles.

Póster y fecha de estreno de «Musa», lo nuevo de Jaume Balagueró

Filmax estrenará en cines el nuevo trabajo tras las cámaras de Jaume Balagueró titulado Musa el próximo 1 de diciembre. Protagonizada por Elliot Cowan, Franka Potente, Ana Ularu, Manuela Vellés, Leonor Watling, Joanne Whalley y Christopher Lloyd. Musa es un thriller sobrenatural de suspense que supone el noveno largometraje en la filmografía de Jaume Balagueró contando con un guion del propio Balagueró y Fernando Navarro a partir de la novela “La dama número 13”, de José Carlos Somoza.

Musa nos cuenta como Samuel, profesor de literatura, no pisa la universidad desde la trágica e inesperada muerte de su novia. Desde entonces, sufre una recurrente pesadilla en la que una mujer es brutalmente asesinada a través de un extraño ritual. Cuando la misma mujer que aparece todas las noches en sus sueños es hallada muerta en idénticas circunstancias, Samuel se cuela en la escena del crimen para investigar. Allí se encuentra con Rachel, una joven a la que no conoce de nada, pero que asegura haber soñado también con el asesinato. Juntos, harán todo lo posible para descubrir la identidad de la misteriosa mujer, sumergiéndose en un oscuro mundo para intentar averiguar la verdad.

Musa se rodó durante 9 semanas en diversas localizaciones de Irlanda, Bélgica y España. Es una coproducción de Castelao Pictures (España), Fantastic Films (Irlanda), Frakas Productions (Bélgica), The Jokers Films (Francia) y MUSE Film AIE.

Hipnótico y paranoico primer tráiler de «Woodshock»

Primer avance en forma de tráiler de Woodshock, debut en la dirección de las hermanas Kate y Laura Mulleavy ambas conocidas por ser las fundadoras de la reputada firma de alta costura Rodarte. Una entrada en el séptimo arte que al igual que en su día lo hiciera Tom Ford no dejará indiferente a prácticamente nadie vistas sus primeras y sugerentes imágenes, la película que transita a través del drama psicológico de claro tono experimental cuenta como principal protagonista con Kirsten Dunst en una historia que según palabras de las directoras «parte de un guión escrito por ambas que ha estado en desarrollo durante un largo periodo de tiempo«. Woodshock de la mano de A24 se estrenará en Estados Unidos el próximo 15 de septiembre, a final de página podéis ver su primer tráiler y póster oficial.

Woodshock nos cuenta como una joven tras la pérdida de un ser querido ve como su estado emocional se derrumba por completo viendo como su propia realidad queda alterada por los efectos de una potente droga de cannabis que ha tomado cayendo profundamente en una espiral de paranoia que no parece tener fin.

La película está protagonizada por Kirsten Dunst, Pilou Asbæk, Joe Cole, Lorelei Linklater, Jack Kilmer, Susan Traylor, Steph DuVall y Damian Lund.

Déjame salir (Get Out) review

Un joven afroamericano visita a la familia de su novia blanca, un matrimonio adinerado. Para Chris (Daniel Kaluuya) y su novia Rose (Allison Williams) ha llegado el momento de conocer a los futuros suegros, por lo que ella le invita a pasar un fin de semana en el campo con sus padres, Missy (Catherine Keener) y Dean (Bradley Whitford). Al principio, Chris piensa que el comportamiento «demasiado» complaciente de los padres se debe a su nerviosismo por la relación interracial de su hija, pero a medida que pasan las horas, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes le llevan a descubrir una verdad inimaginable.

Antes de entrar en profundidad acerca de Get Out no estaría de más el apuntar y contextualizar en algo el actual momento del cine de género y en especial el del terror a la hora de valorar en su justa medida la opera prima de Jordan Peele, pues esta aparte de las indudables virtudes que atesora ha sabido aprovecharse con inusitada inteligencia de una actual coyuntura ciertamente preocupante. Es en cierta manera la escases de productos como el que nos ocupa una de las razones de su éxito, el de una producción que con apenas 6 millones de presupuesto haya recaudada más de 160 en territorio norteamericano. Que el cine de terror siempre ha sido relegado a un segundo término en la historia del cine no es ningún secreto, pero de alguna manera este siempre ha sabido encontrar una suerte de resquicio a la hora de reinventarse y presentar lo que podríamos definir como novedad o evento de cara a un público digamos de naturaleza mainstream, esas aberturas a día de hoy son de muy difícil acceso, posiblemente más que nunca debido en parte junto a otros aspectos a esa abusiva proliferación imperante a día de hoy en donde la mayoría de majors suelen acaparar mucho cine de género dando lugar primordialmente a franquicias, remakes y otras actividades de naturaleza semejante, dando por consiguiente muy poca chance al producto que ellos y nosotros consideramos como imprevisible. Como antes comentábamos el éxito de Get Out o el de las películas perpetradas por James Wan (cuyo cine entra a la perfección en la ecuación que nos ocupa) poniendo de manifiesto como el público de una manera casi cíclica siempre ha requerido de ese elemento que aunque no invente nada nuevo si ha sabido moverse con soltura dentro de unas coordenadas genéricas muy específicas, y lo que es más importante, el poseer la gran virtud de huir de paroxismos cinematográficos actuales.

Get Out empieza con una premisa que bien podría estar sacada del Guess Who’s Coming to Dinner de Stanley Kramer, no es una premisa o punto de partida expuesto de una forma casual o anecdótica por parte de Jordan Peele, también responsable del guion, el tema racial dentro de la actual sociedad norteamericana es parte fundamental de Get Out aunque su mayor validez la podemos encontrar en la forma en que Peele logra cohesionar dicho tratado al relato, un ensamblaje narrativo expuesto de forma sutil pues una de las grandes virtudes de la película es que esta en ningún momento pierde de vista su condición de producto de puro entretenimiento genérico, es aquí cuando las referencias entre otras muchas a Invasion of the Body Snatchers, The Stepford Wives e incluso al blacksploitation hacen merecedora al producto de una validez indiscutible como vehículo de terror al uso provisto de algo más. Como decía más arriba una de las condiciones sine qua non para que una película de las características de Get Out no llegue a desvirtuarse es como saber equilibrar ese ensamblaje genérico, muchas veces el humor o la sátira distorsiona el elemento primordial del relato, si bien podríamos aseverar que estamos ante una película que no se ampara en el humor como tal sí que lo hace en lo irónico de su contenido social con el trasfondo del racismo disfrazado adyacente en nuestra sociedad, dos tendencias que de alguna manera tienden a cohesionarse y que requieren de una habilidad por parte del realizador a la hora de saber conjugar dicha amalgama genérica con acierto. También es digno de elogio la sobria realización a cargo de Jordan Peele, lejos de estilismos actuales aquí da la sensación que se opta por la sobriedad, el aprovechamiento de espacios reducidos e incluso por una curiosa deriva hacia lo que definimos como clásico como bien podemos apreciar en la moralidad que impera en todo el relato y que mira sin ningún tipo de reparo a arcos escénicos que bien podrían provenir de por ejemplo la fundamental The Twilight Zone.

Tampoco estaría de más dada la actual proliferación desmesurada al hype en este tipo de películas el contextualizar en su justa medida las virtudes que atesora Get Out, estas demuestran de una forma muy clara que no son ni su originalidad ni su trascendencia argumental sino la de saber sacar y manejar con destreza e inteligencia los muy habituales resortes genéricos en lo que se ampara, un tratado cinematográfico tan simple y efectivo como lo que nos muestra la opera prima a cargo de Jordan Peele  y que a día de hoy de forma algo lamentable nos resulta tan novedoso.

Valoración 0/5.3

Palmarés del D’A Film Festival de Barcelona 2017

El D’A Film Festival de Barcelona 2017 ha anunciado los premios de la séptima edición del festival. El jurado oficial del D’A 2017, formado por Nuria Vidal, crítica de cine, Jan Cornet, actor, y Mercedes Martínez-Abarca, miembro del comité de selección del Festival de Rotterdam, han concedido el premio Talents D’A 2017 al film People That Are Not Me (Israel, 2016) de la directora Hadas Ben Aroya. El jurado ha declarado que la película ganadora es merecedora del premio por “la capacidad de la directora de estar delante y detrás de la cámara, con una frescura y libertad que se transmite a los espectadores”. El premio Talents se concede dentro de la sección del mismo nombre, con obras de directores con menos de tres largometrajes en su filmografía y está dotado con 6.000 euros que recibe el director del film ganador. La directora Hadas Ben Aroya ha visitado Barcelona para presentar su película y recibió el galardón personalmente en la ceremonia de clausura.

El Premio de la Crítica a la mejor película de la sección Talents concedido con la colaboración de la ACCEC (Asociación Catalana de Críticos y Escritores Cinematográficos) se otorgó a la película El futuro perfecto (Argentina, 2016) de la directora alemana y residente en Buenos Aires, Nele Wohlatz. El jurado, formado por los críticos Carlota Moseguí, Paula Arantzazu Ruiz y Javier Osuna, ha concedido el premio a El futuro perfecto porque “mediante una sencilla puesta en escena despliega una serie de cuestiones de difícil articulación, desde la incomunicación del que acaba de llegar a un país nuevo al uso del lenguaje como herramienta de autoconocimiento”.

Igualmente, el jurado de la crítica ha hecho una mención a la película de Enrique Baró, La película de nuestra vida, por “cómo establece un discurso del recuerdo que más que ser un relato de la nostalgia es una celebración de la vida”. La película de nuestra vida, protagonizada por Teodoro Barón Rey, Francesc Garrido y Nao Albet, es el debut en el cine de Enrique Baró.

El Premio del Público, concedido a partir de las votaciones de los espectadores a todas las películas del festival, se ha concedido al film filipino The Woman who Left de Lav Diaz, ganador en Venecia 2016 del León de Oro.

Primer tráiler para «The Day After» de Hong Sang-soo

Después de presentar en el pasado festival de Berlín On the Beach at Night Alone (Premio a la Mejor Actriz para Kim Jinyoung) el siempre interesante y cada vez más en alza realizador surcoreano  Hong Sang-soo desembarcará en el inminente festival de Cannes con dos cintas, por una parte Claire’s camera que se podrá ver en un pase especial fuera de concurso, film por cierto que utiliza el propio festival como escenario estando protagonizada por Isabelle Huppert con la que trabajo anteriormente en In Another Country y The Day After (Geu Hu en original) película rodada en blanco y negro que estará compitiendo por la Palma de Oro y cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página.

The Day After que se estrenará en Francia el próximo 7 de junio está interpretada por Kwon Hae-hyo,  Kim Sae-byeok y Kim Min-hee y nos cuenta como una mujer que comienza un nuevo trabajo en una editorial se involucra en un espinoso asunto cuando de forma inesperada la esposa del jefe la confunde con su supuesta amante, una antigua compañera de trabajo con la que el marido acaba de romper. Ese día, como es habitual, el marido sale del domicilio conyugal antes del amanecer para ir a trabajar, caminando por calles vacías va reflexionando sobre los recuerdos de su pasada aventura.

https://youtu.be/04U_qUJkZG0

Memorias. Roman Polanski

La biografía definitiva del más controvertido de los cineastas. La tragedia y la polémica han marcado la vida de Roman Polanski. A principios de los 80, el cineasta escribió unas memorias prematuras que ahora, treinta años después, ha decidido completar y matizar desde una perspectiva mucho más madura. En estas Memorias, Polanski nos habla de la vida y de su vida, de los hechos que la han marcado y de las polémicas que lo han acorralado. Un libro único de uno de los últimos genios vivos.

Roman Polanski – (París, 1933) es uno de los cineastas más importantes del siglo xx y principios del xxi y uno de los más grandes vivos. Superviviente del Holocausto judío, fue estudiante en la famosa escuela de cine de Lodz. Su primer largometraje, El cuchillo en el agua (1962), fue seleccionado para competir por el Oscar a mejor película en habla no inglesa. Vivió en el Reino Unido, donde realizó los largometrajes Repulsión (1965), Callejón sin salida (1966), que ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín, y El baile de los vampiros (1967). El apabullante éxito de La semilla del diablo (1968) le confirmó como uno de los directores más importantes de su generación.

Autor; Traducido por Mª Antonia Menini, Editorial; Malpaso. Cineastas, Páginas; 560

Masato Harada y el Japón feudal, tráiler de «Sekigahara»

Con el gran Koji Yakusho al frente del reparto el nuevo trabajo tras las cámaras del veterano realizador nipón Masato Harada (Painted Desert, Inugami, The Suicide Song o la reciente The Emperor in August entre otra muchas) titulado Sekigaharanos nos presenta un primer avance en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film cuyo guion también es obra de Masato Harada está basada en la novela homónima escrita por Ryotaro Shiba en el año 1964 teniendo previsto estreno comercial en Japón para el próximo 26 de agosto.

Sekigahara nos relata la épica batalla de mismo nombre que tuvo lugar en el año 1600 al poco de finalizar del período Sengoku entre el oeste, con Mitsunari Ishida al mando y el este, liderado por Leyasu Tokugawa, ambos clanes se enfrentan por el destino de la nación. La joven Hatsume es enviada a espiar a Mitsunari Ishida, sin embargo los acontecimientos darán un giro drástico cuando ella se enamore de su objetivo.

La película está protagonizada por Kôji Yakusho, Jun’ichi Okada, Kasumi Arimura, Ken Yamamura, Ayumi Itô, Johan Karlberg, Masahiro Higashide, Akaji Maro,  Ken’ichi Takitô, Noriko Nakagoshi, Takehiro Hira y Shô Ikushima.

Teaser tráiler de la esperada «Oro» de Agustín Díaz Yanes

Apunto de estrenarse en nuestro país la excelente The Lost City of Z de James Gray  otra película que transita por una temática semejante como es Oro, la nueva película del director Agustín Díaz Yanes basada en un relato inédito de Arturo Pérez-Reverte que se estrenará en España el próximo 27 de octubre de la mano de Sony Pictures Releasing nos presenta un primer teaser tráiler que podéis ver a final de página. La película rodada entre Canarias, Andalucía, Madrid y Panamá vuelve a reunir al director ganador de dos premios Goya, Díaz Yanes (guion original y dirección novel por Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto), con el autor superventas Pérez-Reverte, cuya obra se ha traducido a más de 40 idiomas y vendido más de 15 millones de ejemplares. Díaz Yanes y Pérez-Reverte colaboraron por última vez en el gran éxito de taquilla Alatriste, protagonizado por Viggo Mortensen.

Oro nos traslada a una época inspirada en las épicas expediciones de los conquistadores españoles del siglo XVI, Lope de Aguirre y Núñez de Balboa, a través de la selva amazónica en busca de una mítica ciudad que, según se creía, estaba hecha completamente de oro. La película retrata con crudeza la violencia existente tanto en los acontecimientos como en las personalidades de aquellos españoles que se embarcaron en la mayor proeza de la historia como fue el descubrimiento y la conquista de América, y la permanente búsqueda del mítico El Dorado.

El reparto de Oro lo forman Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, José Coronado, Antonio Dechent, José Manuel Cervino, Luis Callejo, Juan José Ballesta, Andrés Gertrúdix, Diego París, Ana Castillo y Juan Carlos Aduviri, con la colaboración especial de Juan Diego.

Oro es una producción de Apache Films, Atresmedia Cine, Movistar+, Sony Pictures España y Tezutlan Films AIE, con la producción asociada de Aralan Films y Virtual Contenidos, la participación de Atresmedia, Movistar+ y Canal Sur Televisión, con el apoyo del ICAA y la financiación de Crea SGR.