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Primer tráiler de «Los parecidos» la nueva película del realizador mexicano Isaac Ezban tras su notable ópera prima del pasado año «El incidente«, el film que se pudo ver en la reciente edición del festival de Sitges siendo galardonada con el premio a la mejor película en la sección Blood Window es un thriller sobrenatural con algunas gotas de humor absurdo que homenajea a los seriales de género fantásticos de los años 60 y 70 tales como The Twilight Zone o The Outer Limits, una cinta con una premisa de lo más original como lo demuestra su muy sugerente primer tráiler que podéis ver junto a su extraordinario poster a final de página.
«Los parecidos» nos cuenta como en la lluviosa madrugada del 2 de octubre de 1968, ocho personajes que esperan un camión en una remota estación en el medio de la nada para dirigirse a Ciudad de México comienzan a ser víctimas de un extraño fenómeno.
La película está interpretada por Gustavo Sánchez Parra,Cassandra Ciangherotti,Humberto Busto,Fernando Becerril,Carmen Beato,Santiago Torres,María Elena Olivares,Catalina Salas,Alberto Estrella,Pablo Guisa Koestinger yLuis Alberti.
Después de debutar en 2013 con la notable «Stoker» en la que fue su primera película de habla inglesa el director surcoreano Park Chan-wook vuelve a su país de origen para rodar «The Handmaid» cuya primera imagen acaba de ver la luz a través de Twitch, el film es una adaptación de la novela ambientada en la era victoriana del Londres de 1930 Fingersmith de Sarah Waters, el libreto corre a cargo de Jeong Gyeong-Seo que ya se había ocupado de los guiones de las anteriores «Thirst» y «I’m a Cyborg, But That’s OK«. La película que tiene previsto su estreno en el 2016 está interpretada por Kim Min-hee, Kim Tae-ri, Ha Jung-woo, Cho Jin-Woong, Moon So-ri y Kim Hae-sook y nos cuenta como una carterista (Kim Tae-ri) es contratada en secreto por un estafador (Ha Jung-woo) para entrar como criada de servicio en la casa de una ingenua mujer adinerada (Kim Min-hee).
Will y Eden perdieron a su hijo años atrás. La tragedia afectó su relación de forma irreversible, hasta el punto de que ella desapareció de la noche a la mañana. Un día, Eden regresa a la ciudad; se ha vuelto a casar y en ella parece haber cambiado algo, convirtiéndola en una presencia inquietante e irreconocible incluso para Will.
Galardonada con el premio a la mejor película en la presente edición del festival de Sitges el film independiente «The Invitation» es indiscutiblemente una de las sorpresas más positivas de este 2015, aunque en un principio pueda llegar a descolocarnos en algo dado los antecedentes de sus responsables, su directora Karyn Kusama se resarce aquí de anteriores trabajos suyos como eran las horrendas «Aeon Flux» o «Jennifer´s Body» para presentarnos un producto de premisa modesta pero de resultado enriquecedor, ubicado en un escenario claramente minimalista «The Invitation» se presenta en forma de un drama psicológico que va mutando hacia el horror conforme avanza su recorrido argumental, que sabe alejarse de manera consiente del consabido relato de tono críptico usado de forma algo habitual en productos de trazado indie para ofrecernos lo diametralmente opuesto, una historia cocinada a fuego lento en base a un tempo narrativo bien llevado, de estructura sencilla en apariencia, una interpretación de ciertos comportamientos sociales bajo la apariencia de un drama profundamente dialogado y expuesto en cómo el dolor asumido de forma personal ante un hecho luctuoso puede llegar a convertirse en algo realmente espeluznante según como sea aceptado, a partir de dicha premisa el film va jugando en lo concerniente a una serie de continuas sospechas que nos van siendo mostradas y dosificadas en forma de pistas, para dar paso a un continuo tour de force en lo referente a una tensión muy bien direccionada y que termina derivándola en su tramo final a un twist-ending en el que cambia por completo de registro, algo que posiblemente rompa el tono exhibido hasta ese momento.
Seguramente «The Invitation» expuesta en términos plurales no sea el mejor film de los 38 vistos en competición este año en Sitges, de echo la propuesta presentada por Karyn Kusama es tan sencilla de como efectiva en resultados, pero no deja de ser un notable ejercicio de cómo saber ejecutar el recurso de la tensión psicológica a un relato, en donde su mejor virtud es la de lograr reclutar por completo la atención del espectador durante prácticamente todo su metraje, algo hoy en día digno de resaltarse.
Valoración 0/5: 4
Love 3D
Un 1 de enero por la mañana, el teléfono suena. Murphy se despierta junto a su esposa y su hijo de dos años. Escucha el mensaje, la madre de Electra, muy inquieta, le pregunta si tiene noticias de su hija que está desaparecida. Teme que le haya sucedido algo grave. A lo largo de un día lluvioso, Murphy se encuentra solo en casa, recordando su historia de amor más grande; dos años con Electra. Una pasión llena de promesas, juegos, excesos, errores…
Como viene siendo habitual en todo trabajo que se precie por parte del irreverente Gaspar Noé su nueva película «Love 3D» había despertado un inusitado interés tras su paso por el festival de Cannes de este año, no deja de ser preocupante las reacciones por parte de la crítica exhibidas en el certamen francés que llego a escandalizarse, vapuleando y poco menos que ninguneando el film de Noé por lo que ellos entendían como una provocación en toda regla, un producto en cuyo envoltorio no hay nada en su interior, nada más lejos de la realidad, en primer lugar «Love 3D» ni es porno ni la intención de su director es la de escandalizar, la película dirigida por Gaspar Noé no deja de ser un drama romántico entre otras muchas cosas que puntualmente recurre a lo explícito a la hora de explicarnos un historia que intenta reconstruirse en la memoria del protagonista a lo largo del film, una antigua relación amorosa que orbita alrededor de una afectividad pasada, a partir de una serie de flashbacks expuestos de una forma no cronológica que recurre a un pasado, su trayecto y los complejos recovecos existentes dentro de las relaciones sentimentales de una pareja.
«Love 3D» termina siendo una obra en la que el sexo fluye como un elemento narrativo más de la función y que es utilizado como una herramienta para ir descubriendo el significado que el amor tiene para el protagonista, utilizando un discurso que incluso tiende la mano a lo reflexivo o a lo más puramente filosófico, un relato de contornos muy marcadamente bellos pero también de un tono muy triste. Curiosamente estamos ante el trabajo de Gaspar Noé más lineal, contenido y de alguna manera clarividente, que quizás abuse en algo de cierta tendencia hacia lo autorreferencial, posiblemente estemos ante la película más incomprendida por parte de su director, y no deja de ser anecdótico que pese a que se recurra a un innecesario 3D a la hora de intentar captar de una forma legítima a un público muy determinado estemos ante la película menos provocadora y gratuita de las realizadas por el director francés hasta la fecha de hoy.
Valoración 0/5: 4
Miss Hokusai
Nos encontramos en el año 1814, en Edo, ahora conocido como Tokio. Una de las ciudades más pobladas del mundo con campesino, samuráis, ciudadanos, comerciantes, nobles, artistas, cortesanas y quizás también algunas cosas sobrenaturales. Tetsuzo es un artista de unos 50 años muy dotado para su tiempo. La tercera de sus cuatro hijas ha heredado el talento de su padre, y la obstinación también. A menudo pinta en vez de su padre, aunque sin llevarse ningún crédito.
El japonés Keiichi Hara responsable de la notable Colorful (2010) presento en Sitges su nueva película «Miss Hokusai«, film galardonado en la pasada edición del Festival de Annecy, siendo una de las apuestas más fuertes de este año por parte del festival en lo referente a la animación, un relato biográfico ubicado a finales del siglo XVIII que se centra en la figura de la hija del famoso pintor Hokusai, film de trazo costumbrista y tono inequívocamente contemplativo con algún que otro elemento fantástico en el desarrollo de su historia, si bien la película posee unos atributos dignos de reseñar en lo referente muy especialmente a su apartado visual y diseño lo cierto es que estamos ante un trabajo de una cierta irregularidad en lo que respecta a su estilo narrativo, se abusa de una sutileza en personajes y situaciones que terminan derivándola hacia un hermetismo que la direcciona a un tono algo superficial que no termina de beneficiar al conjunto, dando cierta sensación de llamar más la atención del espectador en base a detalles y matices expuestos de forma muy puntual que a la propia historia que nos pretenden contar, «Miss Hokusai» termina siendo un catálogo de sugerentes y dispersos aciertos y alguna que otra palpable imperfección, una propuesta de animación adulta en definitiva tan ambiciosa como algo carente de la cohesión que requería dicha empresa.
Valoración 0/5: 3
El cadáver de Anna Fritz
Anna Fritz, una famosa y joven actriz de cine, es encontrada muerta en la suite de un hotel. Pau trabaja como celador en el hospital donde han llevado el cadáver de Anna. Es un chico tímido e introvertido, y cada vez que entra en el depósito el cuerpo de chica atractiva que acaba de morir, no puede evitar mirarla desnuda. Hace una foto a Anna Fritz y la envía a sus amigos Iván y Javi. Estos van al hospital para ver de cerca el cuerpo de la actriz. Entran en la morgue y quedan admirados por su gran belleza. Tienen a Anna Fritz desnuda. Podrían poseerla y nadie lo sabría. Víctimas de sus instintos más primitivos, no saben que van a bajar a un infierno del que les va a ser muy difícil salir.
«El cadáver de Anna Fritz«, producto low cost que supone el debut en la dirección de Héctor Fernández Vicens tiene la virtud de ser un film honesto en lo que expone y de no intentar ir mas allá de lo que realmente puede abarcar, aunque recurra a una premisa inicial algo incomoda y nada fácil como es la necrofilia esta no es más que un mero enunciado, se parte de una estructura y desarrollo posterior de lo más simple posible pero efectiva en su resultado final que logra funcionar de forma algo liviana, un solo escenario y cuatro personajes encerrados en el depósito de cadáveres de un hospital, un punto de partida que en una primera parte báscula sobre la integridad y moralidad de un posible acto a realizar para enseguida pasar al thriller de tono tan convencional como entretenido y que juguetea de pasada en su parte final con el rape and revenge. «Elcadáver de Anna Fritz» termina siendo una producción española de género valido cuya intención no es la trascendencia como en un principio pueda dar a entender su premisa inicial sino la de ser un simple y correcto vehículo de entretenimiento de tono algo inofensivo y ceñida duración (75 minutos), intentar dotarle de más atributos a una película de estas características es un ejercicio tan vano como inútil.
Valoración 0/5: 2’5
Nowhere Girl
En un instituto de bellas artes, la joven Ai es ridiculizada por algunos compañeros y profesores, que rechazan por pura envidia unos trabajos de indudable talento. Una atmósfera férrea y opresiva acabará por sacar toda la rabia de Ai, que se tomará la justicia por su mano.
El gran Mamoru Oshii vuelve a la imagen real con el film «NowhereGirl«, un medio este en el que el realizador japonés no acaba de encontrar un acertado discurso que si posee de sobras dentro del ámbito del anime, aun así el nuevo trabajo de Oshii proyectado casi de tapado en el festival dentro de la sección Noves Visions se presenta bajo los rasgos de aparentar ser una cosa totalmente opuesta a lo que realmente esconde en su interior, siendo finalmente un sugerente discurso que conecta a la perfección con un imaginario claramente propio, se aleja del ejercicio de acción al uso para presentarnos una introspección psicológica cocinada a fuego lento y de ritmo quizás extremadamente pausado, un recorrido en los recovecos de la mente de la protagonista rica en símbolos y capas de lectura que cobran un sentido en su parte final, un producto en definitiva que sin ser de los mejores de su autor se eleva en lo referente a su calidad con respecto a otros trabajos realizados en acción real por parte de Mamoru Oshii, de echo podríamos estar hablando de un pequeño apéndice argumental previo de su genial «Avalon«, una colisión entre mundos reales y oníricos intercalados por conflictos bélicos de raíz distópica, elementos estos perfectamente reconocibles dentro de un universo expuesto con anterioridad en muchas ocasiones por parte de su autor.
TriPictures ha lanzado el tráiler final en castellano de «Point Break«, remake del clásico de acción dirigido en 1991 por Kathryn Bigelow e interpretado por Patrick Swayze y Keanu Reeves cuyo título en España fue el de «Le llaman Bodhi«. Esta nueva versión dirigida por Ericson Core responsable de «Invencible» (2006) y escrito por Kurt Wimmer se estrenará en cines del territorio español el próximo 1 de enero de 2016, en Estados Unidos verá la luz una semana antes, el 25 de diciembre. Su tráiler junto algunas de sus imágenes podéis verlo a final de página.
«Point Break» nos cuenta como un joven agente del FBI Utah se infiltra en un equipo de atletas de élite, liderado por el carismático Bodh. Los atletas son sospechosos de llevar a cabo una serie de crímenes de forma extremadamente inusual. Infiltrado en el grupo de forma encubierta y arriesgando su vida a cada instante, Utah se esfuerza por demostrar que son los artífices de una cadena de crímenes inconcebibles.
La película está protagonizada por Luke Bracey,Edgar Ramirez,Teresa Palmer,Delroy Lindo,Ray Winstone,Bojesse Christopher,Tobias Santelmann,Matias Varela,Clemens Schick,Nikolai Kinski,Glynis Barber y Jaymes Butler.
Una película que narra los sucesos reales que conmovieron a la población de Suffolk en 2006, cuando la tranquilidad de la ciudad de Ipswich se vio alterada por el descubrimiento de los cuerpos de cinco mujeres. Los residentes de London Road llevaban años luchando contra la frecuente aparición de hombres que recorrían la calle para solicitar los servicios de prostitutas. El film describe cómo la comunidad se convierte en el epicentro de esos trágicos acontecimientos.
«London Road» fue la encargada de clausurar el festival de San Sebastián, la segunda película del británico Rufus Norris tras su notable «Broken» acabo siendo una algo deslucida clausura, una norma que viene siendo ya norma habitual no solo en San Sebastián sino en prácticamente todos los festivales de clase A que no terminan de apostar por un producto fuerte a la hora de cerrar el certamen, Norris adapta al cine la obra de teatro homónima que él mismo dirigió años atrás, un musical que se aleja de las adaptaciones de clásicos tan en boga dentro del género para adentrarse en utilizar un caso real, los asesinatos a cinco prostitutas en la ciudad británica de Ipswich y presentar las reacciones de los vecinos de London Road mientras se investiga y resuelve el caso, una originalidad en la propuesta que no viene acompañada de buenos resultados, «London Road» deviene como un producto claramente fallido en función de unos números musicales, algo que a fin de cuentas se presenta como el motor narrativo que cualquier musical, que no llegan a enganchar en prácticamente ningún momento del film al ser algo rutinarios y escasamente elaborados y con una ausencia de ritmo bastante evidente, un producto poseedor de un tono muy atípico en lo más puramente cinematográfico que no termina de ensamblarse de una manera coherente dentro de la historia que nos proponen, «LondonRoad» termina siendo un experimento en sí mismo que se aleja de lo convencional, tan arriesgado e inusual como tedioso en su resultado final.
Valoración 0/5. 2
Palmares
CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA
Sparrows, de Rúnar Rúnarsson
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
Evolution, de Lucile Hadzihalilovic
CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR
Joachim Lafosse por Le chevaliers blancs
CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ
Yordanka Ariosa por El rey de La Habana
CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR (ex aqueo)
Ricardo Darín y Javier Cámara por Truman
PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN
Arnaud y Jean-Marie Larrieu por 21 nuits avec Pattie
PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFíA
Manu Dacosse por Evolution
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO
El apóstata, de Federico Veiroj
PREMIO NUEVOS DIRECTORES
Le nouveau, de Rudi Rosenberg
PREMIO NUEVOS DIRECTORES (Menciones Especiales): Drifters, de Peter Grönlund y Vida sexual de las plantas, de Sebastián Brahm
PREMIO HORIZONTES
Paulina, de Santiago Mitre
PREMIO HORIZONTES (Menciones especiales): Luis Silva por Desde allá y Te prometo anarquía, de Julio Hernández Cordón
El estreno de Seven en 1995 marcó un antes y un después en el thriller norteamericano. El clásico de David Fincher se alejaba de manera radical de las películas de policías y de psicópatas que lo precedían y proponía una colección de ideas renovadas que causaron sensación y serían imitadas hasta la saciedad por otros cineastas. Entre otras muchas cosas, Seven trazaba el nuevo territorio híbrido delpsycho thriller rompiendo la narración y con una nueva puesta visual rotundamente visceral, convertía al espectador en peón de un adictivo y a la vez terrorífico juego de manipulación y abría un amplio arco reflexivo poco común en el thriller del momento. Con motivo del veinte aniversario de la película, de sus dos décadas como referente esencial para el cine norteamericano, los autores ahondan en los orígenes, los pliegues y la inabarcable influencia de uno de los filmes más importantes del moderno cine de género.
El libro ha sido coordinado por la crítica cinematográfica Desirée de Fez (autora también en el libro), junto a las plumas de referencia Ángel Sala, John Tones, Quim Casas, Fausto Fernández, Daniel Ausente, Noel Ceballos y Jorge Gorostiza. Un libro indispensable para los amantes del cine de Fincher, de Seven, del thriller y por qué no, del fantástico moderno. Con prólogo de Ángel Sala (Director del SITGES-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya).
Autor; Coordinado por Desirée de Fez; Editorial; Tyrannosaurus Books. Páginas; 218
Mientras en Montreal se produce una ola de secuestros de niños, Félix, un chico de diez años, termina el colegio en Old Longueuil, un barrio residencial de pacífica apariencia. Imaginativo y sensible, Félix, como muchos niños, le tiene miedo a todo: el posible divorcio de sus padres, que parecen atravesar una crisis; los maníacos que acechan a los niños pequeños; los vecinos sospechosos, e incluso el SIDA. Poco a poco, los demonios imaginarios de la infancia se mezclan con los de una realidad inquietante.
El penúltimo día del festival se presentó una de las sorpresas más positivas vistas en esta edición de San Sebastián dentro de la sección oficial, «TheDemons» opera prima del director canadiense Philippe Lesage explora a fuego lento un retrato de la infancia de tono algo perturbador, los miedos internos de un niño vividos desde dentro y expuestos alrededor de un contexto que pretende explorar un supuesto conocimiento del mal que orbita alrededor de sus propias vivencias, de lo que se aleja a su entendimiento, una hostilidad existente dentro de un universo que se le antoja ha día de hoy totalmente incomprensible, nuestro precoz protagonista vive entre discusiones paternas, desubicación, unido a un acoso infringido y recibido escolar, un primer y frustrado amor, la homosexualidad, un en definitiva variado temario en la que el director impone una narración quizás algo contemplativa pero que termina focalizando de un modo acertado en la trama en base a la utilización de unos recursos bien explotados como por ejemplo su notable banda sonora, para ir incidiendo en base a pequeños detalles que se van fraguando poco a poco y de un modo similar en la formación de la psique del niño protagonista.
Lástima que el jurado no terminara de dar el visto bueno a una propuesta tan estimulante y valida como la presentada por Philippe Lesage, «The Demons» es una pequeña joya a descubrir y una de las sorpresas más agradables de la presente temporada.
Valoración 0/5: 4
Black Mass
En el sur de Boston, en la década de 1970, el agente del FBI John Connolly convence al gánster irlandés Jimmy Bulger para que colabore con el FBI para así poder eliminar a su enemigo común: la mafia italiana. Esta nefasta alianza se escapa de cualquier control, permitiendo que Bulger evada el peso de la ley mientras consolida su poder y se convierte en uno de los gánsters más implacables y peligrosos de la historia de Boston.
«Black Mass» dirigida por Scott Cooper y presentada en la sección Perlas vuelve a incidir en el biopic gansteril, en este caso la historia real de James “Withey” Bulger y sus sangrientas andanzas a lo largo de más tres décadas, uno de los criminales más duros y temibles de los Estados Unidos aquí caracterizado bajo los rasgos de Johnny Depp, un producto que partía con todos los atributos para convertirse en una de las películas del año y por ende en una firme candidata para los próximos Oscars pero que sin embargo deviene como un producto totalmente fallido, el principal error del tercer largometraje de Scott Cooper es una clara indecisión narrativa que se denota de forma demasiado visible, aparte de llegar a abusar sobremanera de unos testimonios proveniente de múltiples fuentes que la dirigen hacia una disparidad argumental que hacen que el relato adquiera un tono algo deslavazado, no logra apoyarse en una trama tejida de forma correcta apareciendo en escena un barnizado superficial que se apodera de la función por completo y de una forma notoria, de echo una vez acabado el film seguimos sin conocer realmente al personajes principal, todo llega a estar muy esquematizado y de la misma forma da la impresión de que en su variada cartera de personajes se le da demasiada importancia a unos quedándose otros sin embargo a estar muy desaprovechados prentandonoslos como simples apéndices de la historia.
Una propuesta fílmica en definitiva no puede funcionar casi nunca de una manera correcta si su máximo responsable no consigue que la narración tenga que estar al servicio del propio contenido. «BlackMass» solo termina siendo ligeramente disfrutable muy desde la distancia y basándose en los propios atributos que posee la historia en si misma, convirtiéndose en un perfecto ejemplo de como un material a priori prometedor puede llegar a ser desaprovechado por completo por una dirección y un guion que en ningún momento llegan a estar expuestos de una forma acertada.
Valoración 0/5: 2
After Eden
Eve es una actriz de cine para adultos de gran éxito, cuya rutina diaria consiste en fingir una juvenil inocencia para dar placer a su invisible audiencia. Adam es un solitario estudiante universitario obsesionado por los medios de comunicación y con una fijación por Eve. Al conseguir dar con su pista en el mundo real, se convierte en su anónimo perseguidor… hasta que encuentra el valor para tratarla en persona. Cuando Eve accede a protagonizar un vídeo de sexo en privado para Adam, el sueño de este está a punto de hacerse realidad. Una tendencia muy habitual vista en la mayoría de óperas primas presentadas este año en la sección Nuevos Directores es que estas se basan y en un número bastante elevado en un material y su correspondiente desarrollo normalmente apoyadas bajo un tono que la direccionan inequívocamente hacia lo convencional, se echa en falta un mayor riesgo formal en propuestas que por ser primerizas tendrían que apostar de una forma más clara por una visión de tono más autoral, afortunadamente «After Eden» de Hans Christian Berger se aleja de convencionalismos para ofrecernos una brillante metáfora resuelta y expuesta en poco más de cinco planos secuencia, el sexo y su idolatracion vista de forma subjetiva, desde el modo vouyer en contraposición con lo explicito o practicado, en unos tiempos actuales en donde la virtualidad se apodera de las constantes necesidades del ciudadano de a pie, un presente el de hoy en día en donde la máxima comunicación ha abocado a gran parte de la sociedad actual a encontrarse perdida a la hora de intentar encontrar la verdad oculta tras la fachada, Hans Christian Berger nos habla de una supuesta falsedad inherente dentro de la figura idolatrada de una porno actriz pero el temario podría extrapolarse a diferentes ámbitos de comportamientos humanos que invitan a la reflexión, siendo esta la principal virtud de «After Eden«, un trabajo que bajo la apariencia de estar expuesto bajo un trazado superficial nos está hablando de algo mucho mas profundo.
Valoración 0/5: 3’5
Mia Madre
Margherita, una directora de cine, está en pleno rodaje de una película protagonizada por un famoso actor estadounidense. A las preguntas que se plantea en calidad de artista comprometida se suman las preocupaciones de su vida privada: su madre, que está ingresada en un hospital, su hija, que está en plena crisis adolescente y su hermano, cuyo comportamiento es absolutamente irreprochable.
Tras su paso por la última edición del festival de Cannes la nueva película Nanni Moretti se presentó de forma algo tardía en la sección Perlas. En «Mia Madre» el director italiano recure un relato autobiográfico que orbita alrededor de la agonía materna con la figura de la actriz Margherita Buy como alter ego en un juego de roles femeninos y masculinos invertidos al azar pues el mismo Moretti interpreta al hermano de la protagonista y en donde por otra parte no escatima una implícita autocrítica a su propia profesión. A medio camino entre un drama que afortunadamente no abusa de lo lacrimógeno y la comedia de tono algo absurdo personificado en el personaje interpretado de manera notable por John Turturro, un equilibrio este que está construido en base a situaciones que basculan entre lo más puramente onírico y los flashbacks insertados de una forma hábil y que sirven al mismo tiempo como claro exponente de hasta qué grado la desaparición de la figura materna o patriarcal puede hacer tambalear la realidad en la que viven de sus allegados así como la evolución de sus propias relaciones ante el inminente desenlace fatídico. Nanni Moretti con «Mia Madre» da un paso hacia adelante con respecto a anteriores trabajos, una reflexión de tono alegórico sobre la vida y la muerte, las metas y de la supuesta finalidad de nuestros propios actos y hacia donde nos llegan a derivar ante un hecho luctuoso y en definitiva el cómo saber hacer emocionar en imágenes través de una carga dramática bien direccionada.
Valoración 0/5: 3’5
Psiconautas, los niños olvidados
Birdboy y Dinki son dos adolescentes que han decidido escapar de una isla asolada por una catástrofe ecológica: Birdboy aislándose del mundo, Dinki emprendiendo un arriesgado viaje con la esperanza de que Birdboy la acompañe.
«Psicópatas, los niños olvidados» de Pedro Rivero y Alberto Vázquez tuvo un paso muy desapercibido por el festival, algo a lamentar pues la propuesta de los ganadores del Goya al mejor corto de animación por «Birdboy» en el 2012 es de las propuestas que merecen un total apoyo, una apuesta tan diferente como arriesgada en su concepción, que se aparta de una forma voluntaria de la animación más puramente infantil y convencional para adentrarse en una sórdida metáfora de tono oscuro sobre las miserias del consumo feroz así como el desprecio a la naturaleza. «Psiconautas» deviene como una fábula post-apocalíptica que vertebra su discurso en base a una textura de tono acido en lo referente a la inocencia de sus personajes y en cómo estos tienen que sobrevivir a los aspectos más oscuros del mundo que les ha tocado vivir. «Psiconautas» termina siendo una pequeña joya de la animación patria no apta para todos los públicos por el temario expuesto, que sabe transitar por territorios complejos y que posee al mismo tiempo una ambientación visual que apuesta de forma valiente por lo sucio e incómodo, merecedora en definitiva de un reconocimiento del todo unánime.
StudioCanal acaba de lanzar un primer tráiler que podéis ver a final de página de la nueva película del director italiano Luca Guadagnino «A Bigger Splash«, el film es un libre remake de «La piscine«, un drama sexual dirigido por Jacques Deray en 1969, «A Bigger Splash» tuvo su premiere en la pasado edición del festival de Venecia teniendo unas criticas bastante dispares, aún sin fecha en España la película se estrenará el próximo 26 de Noviembre en Italia y el 12 de febrero en Reino Unido.
«A Bigger Splash» se centra en la leyenda del rock Marianne Lane que se encuentra en la isla volcánica de Pantelleria recuperándose de una operación junto a su pareja. Todo marcha a la perfección hasta que la mujer invita a su ex amante y a su hija a pasar unos días en la casa. Pronto la tensión empieza a crecer entre los cuatro y bajo una falsa apariencia de cordialidad se va creando un clima de celos y sospechas dando lugar a un complejo y siniestro juego de relaciones.
La película está interpretada por Ralph Fiennes,Dakota Johnson,Tilda Swinton,Matthias Schoenaerts,Aurore Clément y Corrado Guzzanti.
En plena excursión escolar, el viento corta un bus por la mitad, decapitando a todas las chicas excepto a Mitsuko, que logra escapar para llegar a su colegio. Ahí encuentra, de nuevo, a sus compañeras. ¿Ha sido todo una pesadilla?
Si hubo un nombre destacado en esta edición del festival de Sitges este fue sin lugar a dudas el del realizador japonés Sion Sono, presente en el certamen con tres películas «Tag«, «Love & Peace» y«The Virgin Psychics» y homenajeado de una forma merecida con el premio la máquina del tiempo, «Tag» su film a competición es el brillante compendio de un universo propio, una experiencia que por momentos desborda para bien ante un catálogo de lo más inverosímil que aúna sin ningún tipo de pudor desde el gore más explícito a un surrealismo de visión alternativa pasando por el alegato acerca de la difícil posición de la figura femenina dentro de la sociedad japonesa, «Tag» recuerda por momentos a su anterior «Suicide Club» en donde se partía de estructura parecida al empezar con una secuencia inicial de puro impacto para proseguir con una narrativa pobladas de capas a diferentes niveles de interpretación aquí presentadas bajo un tono inequívocamente onírico que va lanzando más preguntas en vez de proporcionar una serie de respuestas esperadas por el espectador, hasta llegar a un final que roza casi lo trascendental, y por increíble que pueda parecer todo ello llega a tener un sentido, o sea estamos frente a un perfecto ejemplo de un producto puro Sion Sono. Posiblemente no estemos ante la mejor película de su director,«LoveExposure«, «Guilty of Romance» y sobre todo «Cold Fish» siguen estando en un lugar privilegiado, aun así «Tag» demuestra de forma meridiana los cambios y brillantes manejos de registros de un autor tan inclasificable como único.
Valoración 0/5: 4
Vulcania
Jonás, que acaba de perder a su familia en un misterioso accidente, comienza a trabajar en la fundición del pueblo. Ahí conoce a Marta, con la que comparte tragedia y de la que intentará sacar información sobre lo sucedido. Su descubrimiento sacudirá los cimientos de la comunidad.
«Vulcania» la ópera prima delargentino José Skaf había despertado mucha expectación previo paso por el festival, un proyecto nacional de cierta envergadura y con una premisa bastante interesante en donde se nos presenta un supuesto acontecimiento distópico atemporal que bebea medias de un universo Orwelliano y un argumento que la asemeja al «The Village» de M. Night Shyamalan, el control sobre las masas, en este caso una comunidad completamente aislada de la realidad, a través del dominio de la información, el film de Skaf se centra básicamente en este conflicto social en donde roba elementos de nuestro pasado a modo de simbología franquista, en este aspecto el diseño de producción de «Vulcania» es impagable, lamentablementela película tiene un recorrido demasiado pausado y monótono, se centra en especial en construir un escenario distópico pero se olvida de generar una historia que trascienda a este ambiente, se hace más hincapié en los personajes que en la situación, también se prescinde por completo de un elemento fantástico que le hubiera otorgado una mayor vitalidad al relato, en este aspecto no deja de ser una pena pues «Vulcania» podría haber sido un trabajo que marcara en algo el devenir del genero patrio, la sensación de ocasión desaprovechada está ahí, aun así es digno de elogiar la existencia de un producto de esta características que se aleja de las premisas de género tan manidas hoy en día para ofrecernos una pieza que bordea la ciencia ficción adulta de tono reflexivo, una pena sin embargo que el resultado final no esté a la altura de su enunciado.
Valoración 0/5: 2’5
Baskin
Un grupo de inocentes policías en turno de noche reciben una llamada que los lleva hasta el medio de la nada para investigar un incidente. Acabarán en unas ruinas laberínticas, topándose con una misa negra de culto lovecraftiano que se celebra en un edificio abandonado, a partir de ese momento el grupo de policías se sumergirán en un mundo sangriento y de violenta locura.
Opera prima del director turco Can Evrenol que adapta en gran formato un corto propio del mismo título realizado el pasado año, «Baskin» era uno de los films a competición más esperados este año en Sitges convirtiéndose por méritos propios en una de las piezas más estimulantes del genero del terror que han visto la luz este año y a su director como uno de los valores en alza más prometedores a partir de este momento. «Baskin» va directa al grano, un terror circular con reminiscencias argumentales a lo The Twilight Zone revestidas de un gore que bebe de universos similares a los de Clive Barker, un auténtico descenso a las profundidades del horror, en este aspecto la apuesta de Evrenol es valiente pues pone toda la carne en el asador medianteuna valentía visual de pura abstracción, y en donde asistimos a un tempo narrativo bastante acertado en lo que es la propuesta en sí, un primer tercio en donde se nos presenta a los cuatro policías en modo cotidiano para a continuación presentarnos un lienzo de contornos oníricos, un expresionismo malsano y aberrante durante más de cincuenta minutos, sin posibilidad de freno, la película turca no deja indiferente a nadie y eso es bueno, y más hoy en día en donde el género más puramente genuino de terror se ve tan diseccionado en pautas, encontrarte ante un producto de horror tan honesto es motivo de satisfacción, inexplicablemente ausente en el palmarés «Baskin» hará las delicias de los seguidores más acérrimos a un tipo de cine de una representación puramente grafica en todo lo que expone.
Valoración 0/5: 3’5
SPL 2: A Time for Consequences
Un policía de Hong Kong llamado Kit tendrá un altercado con un gángster importante en una operación encubierta. Los secuaces del mafioso en represalia, secuestran y ponen en una cárcel tailandesa bajo una identidad falsa al policía. Un guardia de la prisión llamado Chai con extraordinarias habilidades para el combate frustra su fuga de la prisión. Por otra parte la hija del guardia de la prisión sufre de una rara forma de leucemia y Kit es el único donante que puede salvarla. Chai descubre la verdadera identidad de Kit y le ayuda a escapar a cambio de un acuerdo para salvar a su hija. Juntos deberán enfrentarse al gángster y sus esbirros.
Si Soi Cheang que ya demostró atributos de sobras en sus anteriores «Accident» y «Motorway» en esta edición presento «SPL 2: A Timefor Consequences» una nueva muestra de su innegable talento a la hora de dirigir acción y una cinta que se erigió como el film imperdible proveniente de Hong Kong presentado este año en Sitges, una de las experiencias vividas más disfrutables dentro del claro contexto en el que se mueve. «SPL 2» aúna a partes iguales desde planosimposibles, unas coreografías totalmente espectaculares con unos Wu Jing y Tony Jaa en estado de gracia hasta un temario de claro tono sentimentaloide que puede chirriar en algo al no iniciado en esta cinematografía, todo en un pack que funciona a la perfección en lo que a su cometido se refiere, supera claramente a su predecesora (sin ninguna vinculación argumental entre ambas) y demuestra el talento innato de Soi Cheang, un director que ha sabido ir labrándose una carrera del todo intachable, con un gusto por el detalle muy a tener en cuenta hasta llegar a convertirse a día de hoy en un claro referente del actual cine de acción oriental. «SPL 2: A Time for Consequences» termina ejemplificando a la perfección lo que tendría que ser un buen drama de acción proveniente de Hong Kong.
Valoración 0/5: 3’5
The Visit
«The Visit» nos plantea la hipotética pregunta de cómo reaccionaríamos ante la llegada de un grupo de extraterrestres a la Tierra, ¿cómo los trataríamos? ¿Qué les daríamos de comer? ¿Tendrían derechos? La visita investiga a nivel científico una hipotética visita extraterrestre a la Tierra. Enfocándose en nuestras posibles reacciones y una confrontación con el miedo a lo extraño, la película documental que explora las implicaciones de un encuentro de este tipo, que nos obligaría a hacernos preguntas fundamentales sobre nosotros mismos.
El director danés Michael Madsen presento en la sección Nuevas Visiones su nuevo documental friccionado de premisa futuro-hipotética «The Visit» repitiendo los esquemas ya expuestos en su anterior y brillante Into Eternity (2010), si allí nos hablaba de los posibles peligros del cementerio nuclear en un futuro en «The Visit» da un paso más hacia la ciencia ficción y nos plantea las repercusiones de una posible llegada de seres de otro planeta a nuestro hábitat. Un «Encounters of the Third Kind» en formato de especulación documentada que se sitúa algo por debajo de «IntoEternity«, más que nada porque el recurso narrativo del producto propuesto por Madsen se va agotando conforme avanza su metraje, no porque su discurso sea demasiado científico y ahuyente al espectador de a pie sino porque da la impresión de que se pierde algo en divagaciones, expone demasiadas y contrapuestas teorías para dar lugar más al debate o la reflexión que a la afirmación más propiamente dicha, orbita en demasía hacia unos esquemas que lo derivan a lo complejo dentro de un tono algo repetitivo, aun así estamos ante un producto que se aleja en positivo del documental convencional al uso y que nos hace discernir aunque sea de una manera algo desordenada acerca de un temario de un claro calado visual y científico en lo que es su exposición.
Valoración 0/5: 3
Love and Peace
Ryoichi es un oficinista que sueña con ser una estrella de la música y que adora a su tortuga Pikadon. Cuando sus compañeros comiencen a mofarse de él, se verá forzado a tirar a su querida mascota por el váter. La tortuga, por su parte, emprenderá su propia aventura.
Otra de las películas presentadas este año en Sitges por parte del genial Sion Sono fue «Love and Peace» presentada dentro de la sección Nuevas Visiones One, estamos ante el que es posiblemente el mejor film de su director en el presente curso, de los seis que ha filmado, si hablábamos antes del amplio catálogo de registros que posee Sion Sono «Love and Peace» ejemplifica de manera perfecta dicha habilidad tan anárquica como sugerente, basado en un guion propio de hace más de veinticinco años atrás y destinado a todos los públicos (aun con la ausencia de un temario violento-sexual en el film se me hace difícil el imaginar que un producto de esta características puede llegar a ser perfectamente entendible para un público no adulto) el film transita entre el musical kaiju eiga y un Toy Story al uso, una multirreferencial comedia de tono romántico de final plenamente apoteósico que nos habla en modo de fabula de la persecución del deseo del triunfo personal por parte del individuo de a pie entre bastantes más cosas.. «Love and Peace» termina siendo un compendio genérico rico en matices y metáforas, mostradas desde el exceso, una obra bizarra en el buen sentido de la palabra que abusa de la estridencia para bien y que vuelve a demostrar el incuestionable talento de Sion Sono como creador.
Phenomena inaugura Phantasma. Weekend of Horror, una muestra de cine de terror que abarca el género de todas las épocas. Del 29 de octubre al 1 de noviembre, la sala de cine acogerá 21 películas de terror, desde clásicos como La novia de Frankenstein y La mujerpantera hasta films contemporáneos como El ansia y Pesadilla en Elm Street (1984). La programación de esta primera edición se abrirá el jueves 29 de octubre, a las 20:30 h., con Drácula, de John Badham, un film a reivindicar que destacó, sobre todo, por su uso del color y la banda sonora de John Williams. Por la noche se proyectará El ansia, la ópera prima del director Tony Scott, una sofisticada revisión del mito del vampiro que se ha convertido en todo un film de culto.
La segunda jornada del festival, el viernes 30 de octubre, se abrirá con el giallo Bahía de sangre, de Mario Bava. Los viajeros de lanoche, una mirada fresca y original a la figura del vampiro, dirigida por la oscarizada Kathryn Bigelow; Candyman: El dominio de la mente, basada en un relato de Clive Barker, y El exorcista III, dirigida por el propio autor de la novela original, William Peter Blatty, completará la programación del día, que se cierra con el programa doble formado por Superstición y Lucifer, dos muestras de terror demoníaco ochentero.
El sábado 31 de octubre, Phenomena acogerá más de doce horas de programación ininterrumpida. El clásico La novia de Frankenstein abrirá la jornada con una sesión matinal a las 11.30 h. La divertida Temblores, la inquietante historia de fantasmas Al final de la escalera y la pequeña joya de terror holandés El ascensor son algunos de los títulos que se podrán ver a lo largo de todo el día. Las tres películas del Maratón Extremo pondrán punto final a la programación del sábado con psicópatas y caníbales que llenarán la pantalla de sangre y vísceras en La casa de los 1000 cadáveres, de Rob Zombie, Caníbal feroz, de Umberto Lenzi, y Maniac, el film original de William Lustig.
La muestra Phantasma se cerrará el domingo 1 de noviembre con títulos como La mujer pantera, la obra maestra de Jacques Tourneur; Historia macabra, fantasmal relato protagonizado por veteranos actores del Hollywood clásico como Fred Astaire; y El corazón del ángel, con un inquietante Robert De Niro haciendo que Mickey Rourke investigue una desaparición relacionada con la magia negra. No podía faltar el homenaje al desaparecido Wes Craven con la proyección de Pesadilla en Elm Street, la primera aparición de su personaje más famoso: Freddy Krueger. La muestra se cerrará con Christine, adaptación del libro de Stephen King, dirigida por John Carpenter, sobre un coche que parece tener vida propia.
En total, 21 películas que convertirán este Halloween en cuatro días de puro terror con la muestra Phantasma. Weekend of Horror, del 29 de octubre al 1 de noviembre.
Se pondrá a la venta un abono especial, disponible solo en la taquilla del cine Phenomena (Sant Antoni Maria Claret, 168). Este abono dará derecho a una entrada por película (1 entrada para cada sesión individual, 1 entrada para la sesión doble y 1 entrada para la maratón). Estas entradas podrán ser utilizadas tanto por el titular como por otras personas. El precio de este abono es de 85 €.
STX Entertainment y Lakeshore Entertainment acaba de publicar un primer tráiler de la cinta de terror «The Boy» (no confundir con el film indie de este mismo año a cargo de Craig William Macneill), la película dirigida por William Brent Bell responsable de «The DevilInside«, «Wer» y «Stay Alive» y con guión de Stacey Menear vuelve a incidir en la temática del muñeco diabólico, un subgénero este posiblemente algo trillado en los últimos tiempos, aun así su tráiler que podéis ver a final de página se ve efectivo aparte de contar con la siempre agraciada presencia de la Walking Dead Laura Cohan en el papel protagonista. «The Boy» tiene previsto su estreno en los cines de Estados Unidos para el próximo 22 de enero.
«The Boy» nos cuenta como una joven estadounidense que toma un empleo como niñera en un remoto pueblo de Inglaterra, descubre que el niño de 8 años al que tiene que cuidar es un muñeco de tamaño natural, al que la pareja que la ha contratado trata como si fuera un niño real, como una manera de sobrellevar el duelo por la muerte de su hijo, ocurrida 20 años antes. Luego de violar una lista de estrictas reglas, una serie de inquietantes e inexplicables eventos convierten en realidad las peores pesadillas de la niñera, llevándola a creer que el muñeco efectivamente está vivo.
La película está interpretada por Lauren Cohan,Rupert Evans,Ben Robson,Diana Hardcastle,Jim Norton,James Russell y Jett Klyne.
En un paraje solitario cerca de la costa, un niño hace volar la cometa que le ha construido su padre. Sopla el viento y la cometa se enreda entre la vegetación. El niño necesita la ayuda del adulto para seguir haciendo volar la cometa. Juntos, perdidos en medio de la naturaleza, empezarán la narración de un cuento de miles de episodios. Una historia protagonizada por un gigante que siempre tiene hambre, al que pondrá voz el padre, y con el que el pequeño entablará una larga conversación.
Marc Recha presento a concurso su nueva película «Un dia perfecteper volar«, una muestra más del talento cinematográfico del realizador catalán en una apuesta tan rica en matices como arriesgada en su concepción, a partir de una premisa sencilla, solo en apariencia, con dos únicos personajes y el dialogo entre ambos Marc Recha despliega un apasionante abanico alegórico alrededor del imaginario infantil, la paternidad, la perdida o la ambivalencia del legado, son algunos de los múltiples conceptos que van orbitando alrededor de este sincero homenaje fílmico al valor de las palabras, una declaración de amor a la importancia de las historias ubicadas en un entorno natural y contadas desde lo cotidiano. «Un dia perfecte» per volar posee la virtud de transcender a su visionado, un experimento cinematográfico que le da una validez mayor al espectador una vez digerida, una verdadera pena que una propuesta tan inusual y valida como «Un dia perfecte per volar» no se haya visto recompensada en el palmarés, el fabulario propuesto por Marc Recha poseía más atributos que todos los films españoles juntos presentados este año a competición, un tipo de cine en definitiva en donde se parte del cimiento para subrayar el recorrido y no la finalidad, todo una rara avis cinematográfica que habría que saber valorar en su justa medida.
Valoración 0/5: 4
Granny’s Dancing on the Table
Eini ha sido criada en total aislamiento de la sociedad por su padre, un hombre temeroso del mundo. Su mayor miedo es que Eini lo abandone. Hace todo lo posible para hacerle creer que el mundo exterior y la gente que lo habita son malvados, y que todo lo que tiene que ver con la sexualidad y la vida adulta es peligrosa. La brutalidad a la que Eini se ve expuesta la empuja casi hasta perder el sentido de su propio yo.
Primer largometraje de Hanna Sköld presentada en la sección nuevos directores «Granny’s Dancing on the Table» es un interesante relato que apuesta por una narración cuanto menos original al vertebrar la historia en dos apartados bien diferenciados, por un lado tenemos el más puramente real, un presente seco, crudo y contundente, marcado por una acentuada atmósfera opresiva en el que intenta subsistir la sufrida protagonista, por otra parte asistimos a una representación mental a cargo del propio personaje que evoca sueños y pasado familiar en forma de stop-motion, posiblemente estas dos representación cinematográficas no lleguen a complementarse de una forma consistente en el relato, da la impresión de una desconexión narrativa entre ambas técnicas que desembocan irremediablemente en una frialdad emocional en lo concerniente a su protagonista principal, nos cuesta ser cómplices de esa mirada de sufrimiento a la que asistimos. Aun con sus evidentes defectos de cohesión «Granny’s Dancing on the Table» tiene la virtud al menos de alejarse ese cine nórdico tan característico visto últimamente y que suele presentarse bajo una mirada en donde la estética contemplativa se adueña por completo de la función, la película de Hanna Sköld se desmarca por fortuna de esa tendencia tan manida para ofrecernos algo diferente aunque su resultado final sea de un tono ciertamente irregular.
Valoración 0/5:3
El Clan
Argentina, comienzos de los años 80. Detrás de la fachada de una típica familia del distinguido barrio de San Isidro, se oculta un siniestro clan dedicado al secuestro y asesinato como modo de vida. Arquímedes, el patriarca, lidera y planifica los operativos. Alejandro, el hijo mayor, estrella del club de rugby CASI y jugador del seleccionado nacional Los Pumas, se somete a la voluntad de su padre para «marcar» posibles candidatos y se sirve de su popularidad para no levantar sospechas.
Otro de los platos fuertes vistos este año dentro de la sección perlas en San Sebastián fue la nueva película de Pablo Trapero «El Clan«, un relato en forma de crónica negra ubicado en la Argentina de los años 80, una historia criminal dentro de un contexto político-social bastante definido, la apuesta de Trapero en este sentido es bastante clara, pone toda la carne en el asador al ceñirse a unos hechos cronológicos, una narración hasta cierto punto lineal que engancha en su enunciado pero no tanto en su fondo, aun así en lo referente al aspecto de la ambientación que le otorga al conjunto esta llega a ser inmaculada en lo referente a dotar al film de un clima inquietante y asfixiante que llega a funcionar, la labor actoral también sobresale muy especialmente en el trabajo de Guillermo Francella y Peter Lanzani, el problema de «El Clan» viene dado a la hora de discernirse una falta de determinación en lo que es propiamente su guion que llega a lastrar al film hacia una ausencia de cohesión bastante evidente en lo referente a su historia y a unos personajes a los que no se les llega a profundizar de una forma convincente, todo ello y pese a sus puntuales virtudes hacen que nos invada una sensación de estar visionando un producto desprovisto de la garra que requería la historia.
Valoración 0/5: 2’5
Son of Saul
Auschwitz, 1944. Saul Auslander es un prisionero húngaro que trabaja en uno de los hornos crematorios del campo de concentración. Es obligado a quemar todos los cadáveres de los habitantes de su propio pueblo pero, haciendo uso de su moral, trata de salvar de las llamas el cuerpo de un joven muchacho a quien él cree su hijo y buscar un rabino para poder enterrarlo decentemente.
El húngaro László Nemes (antiguo asistente de Béla Tarr) presento en la sección Perlas unas de las películas del año, tras su paso por el festival de Cannes «Son of Saul» se ha erigido como una pieza tan incisiva como innovadora dentro de un temario bastante expuesto en la gran pantalla, quizás por eso la principal virtud de la propuesta es el poder ver el infierno de Auschwitz desde dentro, un inmersión en primera persona y cámara en mano al horror, en este sentido Nemes no da tregua al espectador en ningún momento en este virtuoso en lo técnico paseo por los infiernos, una sucesión de planos secuencias en formato 4:3, herramienta esta utilizada para que no apartemos la vista del rostro-nuca del protagonista.
El visionado de «Son of Saul» pone de manifiesto hasta qué punto la mirada cinematográfica de un autor con atributos puede imponerse o intercalarse a un rigor formal expuesto de forma preconcebida, esta visita guiada por la fábrica de la muerte aparte de poseer una sobriedad incuestionable, rigor, y especialmente unos planos secuencias prodigiosos también logra trasmitirnos un ideario semi-religioso acerca de la salvación del espíritu en un escenario en donde lo más puramente terrenal queda condenado por la decisión del verdugo, el intentar preservarun último resquicio de inocencia en la acción de tratar de salvar el cuerpo de un niño muerto de las llamas y poder dedicarle un entierro decente dentro de un mundo carente de cualquier raciocinio humano. László Nemes en este sentido se aleja de convencionalismos, en lo que vemos no hay lugar para un tipo de belleza y emociones sentimentales que suele caracterizar a menudo el tratamiento de un tema como este en el cine, «Son of Saul» nos ofrece la visión más veraz posible que existe en lo visual sobre la experiencia de un ser humano dentro del infierno, es por ello que la obra deviene como una experiencia cinematográfica única y por ende una de las películas del año.
Valoración 0/5: 4’5
No estamos solos
¿Por qué miles y miles de ciudadanos decidieron tomar las calles y plazas de toda España para expresar su indignación frente a los recortes, las privatizaciones, los desahucios y la corrupción política? La película retrata la fuerza y la imaginación de los movimientos sociales para denunciar la degradación de la democracia. Una etapa de rebelión espontánea, de participación de la sociedad civil, que marcará, sin duda, el futuro de la vida política en nuestro país.
«No estamos solos» el documental producido por El Gran Wyoming y Pere Portabella es una oportunidad desaprovechada por parte de sus responsables de presentar un trabajo sólido y más dado la actual coyuntura social existente en el país, de la misma manera cuesta algo de entender como el festival ha incluido en la sección oficial fuera de concurso a un producto tan descuidado como este, por mucha cuota de cine social y compromiso que se quiera tener dentro del certamen la calidad siempre tiene que ir un paso por delante del propósito, «No estamos solos» podría ser perfectamente un apéndice de cualquier programa televisivo al uso, el material es disperso, se abusa de imágenes de archivo no propias y se descuida sobremanera una falta de lectura crítica en su enunciado, ni se analiza ni se profundiza de manera convincente un supuesto discurso que se ve diluido por un camino tan fácil y confuso como el que deciden escoger finalmente sus responsables, una verdadera pena, el tema y su actual ubicación de realidad político-social existente a día de hoy merecían de un trabajo más diáfano y contundente.
Después de su adaptación de la novela de Thomas Hardy Far Fromthe Madding Crowd nos llega un primer tráiler que podéis ver a final de página de la nueva película del siempre interesante Thomas Vinterberg «Kollektivet» conocida internacionalmente como «TheCommune«, el film se estrenará en Dinamarca el próximo 14 de enero, en España aún sin fecha de estreno llegará de la mano de Golem Distribuciónes. La película que supone el regreso del director danés a un tipo de cine más de autor es la adaptación de una obra de teatro propia en torno al día a día de una comuna danesa e inspirada en la época en que el mismo vivió en una comuna académica al norte de Copenhague.
«The Commune» nos cuenta como Erik y Annam una pareja de académicos junto a su hija Freja establecen una comuna vecinal en su propia casa situada en la localidad suburbana de Hellerup. Hay amistad, amor y familia bajo un mismo techo. Pero cuando la amante de Erik se incorpora a la comuna todo empezará a cambiar, conforme el tiempo pasa una incómoda realidad va invadiendo la casa amenazando con destruir a la familia, la amistad y el sueño de la propia comunidad.
La película está interpretada por Ulrich Thomsen,Fares Fares,Trine Dyrholm,Ole Dupont,Julie Agnete Vang,Lars Ranthe,Lise Koefoed,Adam Fischer,Magnus Millang,Oliver Methling Søndergaard,Helene Reingaard Neumann yRasmus Lind Rubin.
¿Qué pasaría si Dios existiese y viviese en Bruselas? Dios en la tierra es un cobarde, tiene patéticos códigos morales y su conducta con su familia es odiosa. Su hija Ea, que se aburre mortalmente en la anodina Bruselas, decide rebelarse contra su padre, entra en su ordenador y le dice a todo el mundo el día en el que morirá, con lo que hace que de repente todos se pongan a pensar que hacer con los días, meses, o años que les quedan por vivir.
Jaco Van Dormael presento a concurso su nuevo film «Le ToutNouveau Testament«, sátira irreverente en forma de cuento de hadas de tono algo sentimental acerca la figura del mismísimo Dios aquí trivializado en lo ordinario bajo los rasgos de Benoît Poelvoorde, posiblemente no estemos ante el mejor trabajo del director belga (Toto, el héroe o Le huitième jour siguen teniendo el listón demasiado alto) pero aun así la película posee multitud de capas originales especialmente direccionadas a sus incondicionales, con varios niveles de análisis sobre temas profundos, rico en texturas visuales-sonoros y lejos de la provocación, se distancia de forma consciente y agradecida de un supuesto tono hiriente o blasfemo en lo que nos relata. Es evidente que el imaginario de un autor tan atípico y especial como es Jaco Van Dormael puede llegar a indigestar al no preparado para según qué líderes, se sigue denotando un aunque rico en matices exceso formal, en ocasiones se abusa de lo kitsch que aunado a una tendencia algo naif puede llegar a saturar al espectador, pero aun así es indiscutible que estamos ante un autor diferente, de los que no proliferan hoy en día, con una capacidad inherente a la hora de fabricar imágenes con una fuerza visual muy detallada, un empleo en lo referente a el movimiento de la cámara que sabe cuadra con habilidad a la narración, «Le Tout NouveauTestamente» es puro Van Dormael, para bien y para mal, con sus excesos y aristas pero sobretodo es plenamente honesta a un universo y un discurso muy propio, y que aunque algunos aun no lo sepan ya existía antes de ver la luz un film como «Le fabuleux destind’Amélie Poulain«..más que nada por aquello de las fuentes.
Valoración 0/5:3’5
The Gift
Simon y Robyn son la pareja perfecta, hasta que un extraño irrumpe en sus vidas. Al principio, Simon no le reconoce, pero luego se da cuenta de que es Gordo, un antiguo compañero del instituto. Lo que Simon no sabe es que Gordo le guarda algo más que rencor por una cosa que hizo. Han pasado más de veinte años, pero Gordo está dispuesto a llegar hasta el final para vengarse.
Debut como director del actor Joel Edgerton bajo la producción de Blumhouse Productions, «The Gift» dejo un buen sabor de boca en su paso por el festival, principalmente porque su revestimiento o apariencia de thriller psicológico de tono convencional engaña algo, un tono que muta en su tramo final hacia el drama de contornos también psicológicos, una película en la que su gran baza es el giro argumental cosa que la aleja de lo manido o previsible pero que tampoco la convierte en una gran película como muchos han querido ver, aunque las interpretaciones sean realmente notables la realización a cargo de Joel Edgerton es muy plana, se abusa de una excesiva duración a la hora de presentar personajes aunque hay que reconocerle una efectividad en lo referente a su planteamiento, aun así no estaría de más a aquellos que la han elevado, en mi opinión de forma algo excesiva, a un film de las características de «The Gift» que le echaran un vistazo a «Mientras Duermes» de Jaume Balagueró, película está con la que guarda muchas y curiosas similitudes argumentales, «The Gift» termina siendo un correcto ejercicio, una pequeña sorpresa si se quiere, pero está muy lejos de ser un producto que innove.
Valoración 0/5: 2
Knock Knock
«Knock Knock» nos cuenta como un padre de familia que se ha quedado solo en casa ve como un par de chicas llaman a su puerta pidiendo ayuda. Después de seducirle, las jóvenes deciden que nuestro hombre de familia será la víctima de un sádico juego sexual.
Eli Roth presento en Sitges su nueva película «Knock Knock«, remake no oficial de la curiosa «Death Game» de 1977 cuyo título en España fue Las Sádicas, estamos ante un supuesto ejercicio de suspense con moralina de tono conservador incluido que demuestra por las claras el escaso talento como director de Roth, aquí posiblemente quede más al descubierto que en anteriores trabajos suyos por la propia naturaleza de producto, si en el torture porn (Hostel) o su recordatorio al mondo (The Green Inferno) pasaba el corte en mayor o menor medida, en «Knock Knock» a la hora de intentar construir unas coordenadas dentro del thriller de suspense fracasa por completo, asistimos a una incapacidad a la hora de generar tensión en sus secuencias bastante evidente, una falta de sutileza que si en sus películas anteriores funcionaban de algún modo aquí se presenta un obstáculo insalvable.
«Knock Knock» solo puede salvarse enfrentándote a ella como un mero y anecdótico pasatiempo algo disfrutable solo según como se mire, una home invasión de tono cambiante pues no acierta ni se posiciona ni por el suspense, horror o humor negro, ni por supuesto por un hipotético trasfondo moral (acoso y derribo de la institución familiar presentado no de forma ambigua sino más bien torpe) una indeterminación genérica que apoyadas por una interpretaciones de un nivel muy bajo hacen del producto un perfecto ejemplo de como a veces es mejor no intentar llegar a intentar generar postulados que van a llegar a descubrir por las claras una innegable falta de talento por parte de sus responsables.
Valoración 0/5: 1’5
Goodbye Uncle Tom
Dos documentaristas viajan en el tiempo hasta antes de la guerra civil americana para filmar las ventas de esclavos. Con Addio zio Tom, los creadores de la seminal Este perro mundo se superaron a sí mismos, imaginando un viaje en el tiempo a la época donde la esclavitud era moneda común en los Estados Unidos. La explotación propia del género mondo se une a la reconstrucción histórica.
Una de los cometidos de los festivales, o tendría que serlo, es el ofrecer o rescatar clásicos o films olvidados para una nueva divulgación especialmente dirigida a las nuevas generaciones de espectadores, lamentablemente en Sitges es una tendencia que ha ido a la baja en los últimos tiempos, no resulta fácil rescatar según qué cosas y tampoco ha habido una respuesta favorable de público ante estas propuestas, afortunadamente siempre hay excepciones y este año aprovechando el homenaje a Nicolas Winding Refn se proyectó uno de sus film predilectos elegido por el mismo, nada menos y nada más que el «Goodbye Uncle Tom» de Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi, una reivindicación quizás poco amable pero de lo más interesante. Los creadores del mondo y artífices del mockumentary presentan un inclasificable producto que mezcla la denuncia sobre la esclavitud sin escatimar en un supuesto morbo, un exploit vérité de militancia política bastante radical y ..ojo..rodado..con medios bastantes holgados donde sobresale muy especialmente la música a cargo de Riz Ortolani. Puede que «Goodbye Uncle Tom» sea infame y hasta detestable en su forma pero su visionado lejos de envejecer sigue siendo una experiencia única y totalmente recomendada para cinefagos inquietos, eso sí, continua sin ser apta para estómagos sensibles.
Valoración 0/5: 3’5
Ni le ciel ni la terre
Afganistán, 2014. El Capitán Bonassieu está al mando de una patrulla a la que han asignado una misión de vigilancia en el valle de Wakhan. El lugar se revela como una zona difícil de controlar, y la tensión no tarda en subir. Pero lo más extraño es que, de pronto, los soldados empiezan a desaparecer.
Presentada en la semana de la Crítica de la última edición de Cannes, «Ni le ciel ni la terre» del francés Clément Cogitore pudo ver dentro de la siempre interesante Noves Visions constituyendo una de las sorpresas más estimulantes vistas este año en Sitges. La mixtura genérica del cine bélico de tono realista con elementos fantásticos ha dado resultados bastantes irregulares en estos últimos años, films como The Bunker 2001, Deathwatch (2002), TheObjective (2008) o la colombiana El Paramo (2011) han demostrado intenciones conceptuales hasta cierto punto loables pero una clara indefinición o posicionamiento en su propuestas dando lugar a productos en su mayoría claramente fallidos. «Ni le ciel ni la terre» se eleva en algo en lo referente a las películas antes mencionadas aunque parezca que siga unas mismas pautas y coordenadas en lo concerniente a su argumento, la confrontación de unos soldados dentro de un ámbito tan físico como es la guerra a algo no visible, de tono casi mitológico-religioso como se intuye en la historia aquí expuesta, el acierto de la propuesta en si viene dado en como Clément Cogitore sabe agregar una tensión de contornos casi metafísicos, que va en aumento y que sabe cómo explotar a la perfección en la amplitud de decorados naturales que dispone como escenario, poniéndolos de forma adecuada al servicio en esta ocasión de una metáfora bien utilizada.
Habrá que seguirle la pista en un futuro a Clément Cogitore, en este su primer trabajo demuestra una mirada autoral muy válida, «Ni leciel ni la terre» termina siendo un boceto fantastico-arty de lo más estimulante.
Valoración 0/5:4
Tales of Halloween
Diez terroríficas historias se interconectan durante la noche de Halloween en un suburbio americano, donde demonios, extraterrestres, espectros y asesinos con hacha aparecen por una noche para aterrorizar a los residentes desprevenidos.
«Tales of Halloween» era una de las dos películas presentes en el certamen de este año dedicadas al díptico del género de terror, un subgénero temático este que en los últimos años se ha visto algo pervertido por propuestas alejadas de una tendencia digamos clásica, Amicus o producciones ochenteras, hablamos de compilaciones tales como V/H/S o ABC’s of Death en donde se prioriza más aún si cabe la diversificación en deterioro de una supuesta y ya de por sí difícil dada la naturaleza de un producto de estas características solidez argumental. Las antologías de «Tales ofHalloween» aunque intenta inscribirse en ese apartado nostálgico termina perteneciendo a ese grupo de recientes producciones antes comentadas pues asistimos más bien a una suma de cortos entrelazados alrededor de la festividad de Halloween dejando de lado cualquier atisbo de consistencia narrativa en su propuesta. Aun así el propósito del film no deja de ser otro que un disfrute fan sin pretensiones, un correcto entretenimiento en que las elevadas dosis de gore son muy bien recibido por un público entregado a la tarea como bien se pudo apreciar en su festivo pase nocturno en el cine Retiro.
Ciencia ficción es una guía realmente internacional que abarca desde taquillazos de Hollywood hasta clásicos de culto rusos, y desde literatura europea hasta franquicias australianas. Una obra imprescindible para todos los aficionados a la ciencia ficción. El libro incluye infografías, fotogramas de película, portadas de libros y todo tipo de material gráfico de referencia para todo amante del género. Organizado en orden cronológico, permite apreciar la evolución del género y de los más de 200 títulos principales que se incluyen, son 576 páginas que se dividen en cinco grandes apartados:
1.1818–1925 Ciencia ficción primitiva: el nacimiento de un género.
2.1920–1950 La época pulp: la edad de oro de la ciencia ficción.
3.1950–1970 La era del átomo: maravillas y peligros de la ciencia.
4.1970–1990 Futuros siniestros: apocalipsis y guerra en el espacio.
5.1990–presente La aventura continúa: ciencia ficción moderna.
El autor
Guy Haley es un experto periodista y crítico de ciencia ficción. Ha sido subdirector de la revista SFX y editor de la revista de videojuegos White Dwarf y la revista Death Ray. También escribe para la Black Library de Games Workshop. Aparte de libros, sigue publicando artículos y entrevistas en diversas revistas de CF y videojuegos.
Autor; Guy Haley; Editorial; LUNWERG. Páginas; 576
Después de salir de prisión, Mamuka trata de sacar a su familia de la pobreza. Su madre trabaja en el extranjero, su padre está en silla de ruedas y su hermano, desempleado, se siente atraído por la compañía de delincuentes. Gracias a un préstamo, compra un pequeño barco de pesca. Está dispuesto a trabajar y hacer que su madre regrese. Los dos hermanos bautizan el barco como Moira, una diosa del destino. Pero el destino es ciego y despiadado.
«Moira» segundo largometraje del georgiano Levan Tutberidze se presentó dentro de la sección oficial a concurso, film modesto en estructura pero poseedor de algunos matices que se merece destacar, en especial en lo referente a su dirección y a la hora de escenificar según que secuencias en base a una utilización y composición de espacios bastante digna (donde destaca por encima y muy especialmente ese notable plano final) en una historia cocinada a fuego lento, que nos remite a la tragedia griega de tono premonitorio (las Moiras eran las representaciones y las encargadas de controlar el destino metafórico en forma de hilo de la vida de cada persona), «Moira» es un film lento, posiblemente no en un sentido negativo aunque flojee algo en su parte central, su narrativa es previsible conscientemente en beneficio de una puesta en escena en donde la cámara se posiciona siempre de forma distante, definiendo de forma acentuada el espacio entre personajes y acción temporal. La película utiliza el tratamiento de la figura paterna como entidad inherente de un drama social dentro de una historia de supervivencia económica en un país completamente devastado por la crisis y la miseria, un mensaje fatalista y muy poco esperanzador el que nos ofrece Tutberidz. «Moira» termina siendouna perfecta muestra de ese pujante cine georgiano que se está haciéndose poco a poco un hueco dentro del panorama internacional, muy especialmente en el ámbito de festivales, un cine solvente y ahora mismo en clara fase de crecimiento.
Valoración 0/5: 2’5
Mountains May Depart
China, a finales del año 1999. Dos amigos desde la infancia, Zang y Liangzi, cortejan a Tao, una joven de Fenyang. Zang es dueño de una gasolinera y tiene un futuro prometedor. Liangzi trabaja en una mina de carbón. Tao tiene el corazón dividido entre ambos, pero deberá tomar una decisión que marcará su vida y la de Dollar, su futuro hijo. Desde una China en pleno cambio a una Australia como promesa de una vida mejor, la película sigue las esperanzas y amores de estos personajes.
Jia Zhang Ke presento dentro de la sección perlas su último film presentado en la pasada edición del festival de Cannes «MountainsMay Depart«, cine de quilates y extraordinaria alegoría-reflexión del vínculo familiar y territorial, una cinta que se abre y se cierra bajo el tono musical claramente irónico del Go West de los Pet Shop Boys, presentándonos a unos personajes ubicados alrededor de una realidad rota, mostrada en tres actos bien definidos, pasado, presente y futuro, tres espacios escénicos que van desde la China de finales del siglo XX hasta la Australia del año 2025, diferenciados no solo en su tono sino también en su formato cinematográfico, todo ello dentro de un escenario marcado por un progreso tecnológico y social bastante acelerado. Film de claro tono melodramático en el que la representación de los sueños de prosperidad de todo una generación se estampa de forma violenta frente a un modelo socioeconómico que no se detiene.
Posiblemente Jia Zhang Ke incida sobre formularios ya expuestos con anterioridad, la pérdida de valores e identidad en la cultura china a favor de ese creciente capitalismo y globalización, la quimera de un sueño que nunca llego a aparecer (en este apartado la interpretación de Tao Zhao vuelve a ser prodigiosa) pero otra vez lo hace de forma magistral, de echo «Mountains May Depart» es un proyecto ambicioso en su estructura y no por eso menos incisivo en el brillante mensaje que siempre nos propone un genio de la talla de Jia Zhang Ke.
Valoración 0/5: 4
Lejos del mar
Santi sale de la cárcel y viaja al sur para visitar a Emilio, un antiguo compañero de celda que arrastra una enfermedad terminal. La casualidad hace que tropiece con Marina, la doctora que atiende a su amigo, con quien Santi tuvo un encuentro terrible hace muchos años y que ha marcado desde entonces la vida de ambos. Este reencuentro les hará revivir los horrores del pasado.
La ración de descalabros dentro del festival vino con la última película de Imanol Uribe presentada fuera de concurso «Lejos delmar«, lamentablemente un auténtico despropósito fílmico que aborda la temática del conflicto vasco para tratar de contarnos una supuesta historia dramática de reconciliación entre verdugo y víctima, el problema viene dado a la hora de tratar un tema tan serio, el film lo hace desde una perspectiva de personajes, diálogos, situaciones no ya inverosímiles en sí mismo sino por momentos completamente ridículos, elementos estos que ante un material de corte tan dramático como cambiante en tono quedan al descubierto con relativa facilidad, podría explayarme en multitud de situaciones dentro del film que chirrían sobremanera, pero no merece mucho la pena. Hablar del terrorismo dentro el cine no siempre es una fácil tarea, Imanol Uribe lo había hecho anteriormente en films bastante notorios como «La muertede Mikkel» o «Días contados«, es por eso que duele especialmente que su vuelta a dicho temario sea con algo tan fallido, sus antecedentes no merecían un producto de estas características, una verdadera pena.
Valoración 0/5: 1
Freeheld
Basada en un suceso real, la historia de amor de Laurel Hester y Stacie Andrée y su lucha por la justicia. A la condecorada policía de Nueva Jersey Laurel le diagnostican cáncer y quiere dejar su pensión ganada durante años a su pareja de hecho, Stacie. Sin embargo, los funcionarios del condado legisladores, que no ven con buenos ojos la pareja homosexual, conspiran para evitarlo. El detective Dan Wells y el activista Steven Goldstein se unen en su defensa, reuniendo a oficiales de policía y ciudadanos de a pie para apoyar su lucha por la igualdad.
En esta jornada también hubo cabida para despropósitos no solo patrios sino también proveniente del cine norteamericano, «Freeheld«, drama gay provisto de un catálogo de refritos y clichés muy manidos y vistos con demasiada frecuencia anteriormente en la gran pantalla, supuesto cine pro derechos con final judicial solo oscarizable en lo referente a sus interpretaciones, cinta desprovista de cualquier tipo de matices ya sea en personajes o en su pobrísima narración, de estética televisiva la película no exige absolutamente nada al espectador para su seguimiento, utiliza el piloto automático en lo referente a su discurso cinematográfico por parte de Peter Sollett, posiblemente va siendo hora que este tipo de productos con temario reivindicativo provisto del consabido basada en hechos reales sirvan y se adecuen de forma más lógica dentro del ámbito del documental y no en una serie de trivialidades de ficción que empieza a dar claras y alarmantes muestras de un notorio agotamiento creativo.
La inclusión a competición de un producto de las características de «Freeheld» solo es entendible desde la perspectiva de que sirva como excusa para traer al festival a sus protagonistas (hasta un último momento se barajó la posibilidad de contar con Julianne Moore para el premio Donostia), un peaje este hasta cierto punto entendible dentro un festival como el de San Sebastián.
Valoración 0/5: 1
La Novia
Leonardo, El Novio y La Novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y La Novia poseen un hilo invisible, feroz, imposible de romper. Pasan los años y ella, angustiada, se prepara para su boda con El Novio en medio del desierto blanco donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia, a su puerta llama una Mendiga que le ofrece un regalo y un consejo: «No te cases si no le amas», mientras le da dos puñales de cristal. Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de La Novia.
Indudablemente fue una de las grandes sorpresas en positivo en esta edición del festival, «La Novia«, una verdadera lástima que no fuera a competición pues su difusión hubiera sido más amplia y merecida, segundo trabajo tras las cámaras de la aragonesa Paula Ortiz tras su notable «De tuventana a la mía«, que se atreve en esta ocasión con la adaptación cinematográfica de uno de los grandes de la literatura, Federico García Lorca y sus Bodas de sangre. «La Novia» es sí mismo un triunfo, en cómo saber adaptar-evocar un universo literario tan complejo de visualizar en imágenes, en donde de una manera casi milagrosa todo los elementos cuadran a la perfección, se adecuan a un propósito concreto, desde la música, canciones populares +banda sonora compuesta por el japonés Shigeru Umebayashi hasta sus aspectos técnicos, diseño de producción de Jesús Bosqued, fotografía de Migue Amoedo, que logran transmitir con acierto ese sensación de tragedia tan característica en el imaginario Lorca. Paula Ortiz construye un relato que sabe alejarse de forma consciente de lo más puramente teatral y pictórico, todo ello elaborado en base una potencia visual incuestionable, una imagen al servicio del texto que sabe exactamente por donde direccionar la historia, cómo querer contarlo y dónde saber colocar la cámara en el momento oportuno para facilitar de este modo una brillante narración. En los próximos premios Goya «La Novia» no solo tendría que ser reconocida a un nivel de música o fotografía, Paula Ortiz es de forma clara una de las voces más refrescantes y rompedoras del actual panorama del cine español, su valiente propuesta merece un reconocimiento mucho más elevado.
Parece que el western no acaba de rendirse a un nivel cinematográfico, este año hemos tenido la oportunidad de ver varias películas del género tales como «Slow West«, «Bone Tomahawk» o próximamente el nuevo trabajo de Quentin Tarantino «The Hateful Eight«, ahora le toca el turno a «Jane Got a Gun» cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto algunos de sus posters, el film protagonizado por Natalie Portman parece que por fin vera la luz tras numerosos problemas en su producción, la bancarrota de su productora Relativity o el cambio de director Gavin O’Connor «Warrior» en lugar del previsto inicialmente Lynne Ramsay. La película se estrenará en noviembre en Francia, mientras que en Estados Unidos llegará a las salas de cine en febrero del próximo año.
«Jane Got a Gun» nos cuenta como la joven Jane está casada con uno de los tipos más peligrosos del Oeste. Un día su marido regresa a casa con 8 heridas de bala. La banda del cruel Bishop lo ha acribillado. Sobrevive, pero sabe que es cuestión de tiempo que Bishop y sus chicos vengan a rematar la faena. Jane decidirá no esperar a que venga e ir directamente a por ellos. Con la ayuda de un enemigo acérrimo de su marido, un hombre enamorado de ella, Jane irá a enfrentarse la banda de delincuentes.
La película está interpretada por Natalie Portman,Ewan McGregor,Rodrigo Santoro,Joel Edgerton,Noah Emmerich,Boyd Holbrook,Todd Stashwick,River Shields,Jacob Browne ySam Quinn.
La noticia ha saltado en la reciente Monster Mania de Maryland, George A. Romero declaro a los asistentes del evento el descubrimiento de una copia del film original en 16 mm que contiene una escena de nueve minutos de duración nunca vista anteriormente y que se consideraba perdida hasta este momento, el propio Romero aseguro que dicha escena fue en su día eliminada por el estudio y no por él. La escena en cuestión acontece en el sótano de la casa donde se refugian los protagonistas del film. Martin Scorsese será nada menos que el encargando de la restauración de la escena que esperamos poder ver próximamente.
De todos es conocido los problemas que tuvieron los responsables de «Night of the Living Dead» al no patentar en su día el copyrigh a la hora de estrenar el film en las salas comerciales, la película paso inmediatamente a ser de dominio público y Romero y compañía no vieron prácticamente un dólar de beneficio, esperemos que este material inédito sirva para al menos quitarnos el mal sabor de boca que nos dejó hace algunos años el señor John A. Russo con el lamentable postizo de nuevas escenas rodadas para la versión que vio la luz en DVD en su treinta aniversario.
Del 9 al 18 se celebró la 48 edición del festival de Sitges, a la hora de hacer un balance general y al igual que en las últimas ediciones este tiende a ser positivo, se ha seguido con unas costantes que han funcionado en pasadas ediciones, introduciendo pequeñas variaciones, la mayoría bien direccionadas, la respuesta del público en esta edición a sido incuestionable, aunque evidentemente en un certamen de la características como el de Sitges siempre hay claroscuros que convendría apuntar, en lo positivo señalar la fructífera presencia de homenajeados, reunir gente tan variopinta e importante dentro del ámbito como Nicolas Winding Refn, Sion Sono, Rick Baker, Simon Yam, Oliver Stone o Terry Jones (lamentablemente Andrzej Zulawski causo baja de última hora) no es fácil y más en los tiempos actuales en donde cada vez es más complicado traer a según qué invitados incluso para festivales de una mayor envergadura como por ejemplo San Sebastián, se redujo levemente el número de películas, algo que es de agradecer, de la misma forma se incluyó una cuarta sala de proyecciones, aquí cabria señalar que la iniciativa por parte de la organización es loable pues permite una mayor flexibilidad especialmente a la prensa para visionados pero el Tramuntana pese a las mejoras realizadas sigue sin ser una sala de cine propiamente dicha, la pantalla es pequeña y el nivel no descendiente del suelo hacen algo incómodo el visionado, esto obliga a poner subtítulos en la parte superior de la pantalla algo que puede modificar el formato del film, no estaría de más que en próximas ediciones y especialmente de cara al público se rebajara en algo el precio de las entradas en esta sala, no es lógico pagar un mismo precio en el Auditori y Tramuntana.
Sitges no deja de ser un amplio temario de diferentes propuestas, una especie de cajón de sastre genérico por momentos bastante inabarcable y excesivo, un modelo de festival algo inusual en Europa pero cuya fórmula es aceptada y funciona, y que parece haber encontrado una estabilidad de consenso bastante aceptable. A la hora de hacer un balance de lo que fue la programación oficial del festival resaltar que prácticamente todo lo disponible estuvo en Sitges, se repesco de forma inteligente títulos importantes que estuvieron en San Sebastián, apuntar también que la mayoría de majors continuan dando la espalda al festival, ni «Crimson Peak» o «The Martian» que pudiendo estar por fechas no pudo verse en Sitges, España hoy en día no es un territorio rentable en lo económico para las grandes distribuidoras, en este aspecto los festivales patrios por fuerza han de tener claro redefinir sus propuesta y apostar por un estilo de pogramacion donde impere producciones más modestas e independientes, afortunadamente hoy en día hay mucho material disponible dentro de esta tendencia por lo que el camino a seguir por parte de los certámenes han de estar bastante claro. También se pudo observar una cada vez más notoria división en aceptación o inscripción en lo referente a la tendencia genérica expuesta por el festival en estos últimos años por parte tanto de la crítica como del público, algo que se pudo apreciar en el palmarés, parece que cada vez más se acentúa la frontera existente en los films más puramente de género y ese otro apartado que apuesta por películas más ambivalentes en su identidad genérica, Cemetery of Splendou, La Novia, Love 3D o Macbeth entre otra muchas, esto a priori tendría que ser positivo siempre que se contextualice de una manera adecuada, la apuesta del festival por esta diversificación de abanicos es aparte de obligada necesaria, Sitges si quiere mantener un estatus como el actual tiene que apostar por abrir estas nuevas vías, solo es cuestión de saberlas interpretar de una forma ecuánime por los asistentes y abandonar ese absurda polémica de distanciamiento acerca de esa supuesta identidad autoral y genérica que tendría que enriquecer la propuesta y no polarizarla hacia una discusión hasta cierto punto absurda.
En Noves Visions, una de las secciones más interesantes del festival, se redujo de manera acertada el confuso número de subsecciones que contenía, en una de ellas, Panorama Documenta, se echó en falta un mayor número de documentales, cinco films son pocos, posiblemente esta sea una sección en la que el público responde de una manera algo tibia pero el material existente hoy en día en este apartado es bastante fecundo e interesante, un material por otra parte que difícilmente llega a cines o televisión por lo que su difusión en festivales se me antoja esencial, a este respecto hubo trabajos exhibidos dentro de brigadoon que merecían una mayor difusión en lo concerniente a sus proyecciones .
Sitges 2016 ya empieza a estar en marcha, lapróxima edición del festival estará dedicada en su cartel y leiv motiv al universo StarTrek aprovechando los 50 años de la emisión del primer episodio de la mítica serie de ciencia-ficción, será el preámbulo a el cincuenta aniversario del certamen, 50 años de un festival que ha sabido subsistir a todo tipo de coyunturas, algo digno de elogiar. A continuación iré reseñando todo lo visto durante el festival a través de crónicas diarias, más adelante se irán publicando criticas individuales de las películas vistas ya sea aprovechando su estreno comercial o como simple ampliación a la cobertura realizada.
The Girl in the Photographs
En uno de esos pueblos donde nunca ocurre nada, un psicópata empieza a masacrar jóvenes, sacando fotografías a los (ya no tan bellos) cuerpos en posiciones que “homenajean” las instantáneas de un célebre fotógrafo sospechosamente similar a Terry Richardson.
«The Girl in the Photographs» de Nick Simon se presentaba como la última película en el que aparecía el nombre del recientemente fallecido Wes Craven en los títulos de crédito, en este caso como productor ejecutivo, al final nosencontramos ante un producto totalmente desaprovechado, muy especialmente en lo referente al nivel de la teórica de su enunciado, no logra sacar partido de la premisavoyeur del «Peeping Tom«, tampoco incide de una manera acertada en la supuesta puya al famoseo y la falsas celebrities así como la referencia que hace a su vinculación a las nuevas tecnologías, solo lo hace en un brillante último plano eso sí, el problema viene en el trayecto que realiza hasta llegar a ese punto, prácticamente toda la película se convierte en un slasher en demasía tópico, con ligeros ecos a un «Scream» de rebajas, se ve desprovisto del ese elemento distorsionador de la realidad que se intuía en su premisa inicial convirtiéndose en propuesta que lamentablemente destaca por lo pesimamente que llega a estar ejecutada.
Valoración 0/5: 2
The Witch
Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.
«The Witch» fue la encargada de inaugurar la presente edición de Sitges, posiblemente si el debut en la dirección de Robert Eggers (galardonado a la mejor dirección en el pasado Festival de Sundance) hubiera ido a concurso habría arrasado en el palmarés pues estamos ante un brillante regreso a un terror adulto de época algo escaso últimamente, mostrado de manera casi primigenia, en donde sobretodo se prioriza lo sugerido a lo explícito en base a un apabullante y malsana recreación atmosférica compuesta de planos muy minuciosos, acompañado y ensamblado de forma notable por el trabajo del director de fotografía Jarin Blaschke y el compositor Mark Korven, una presión ambiental la mostrada que nos va a acompañar en un angustiante in crescendo representada como amenaza mitad sobrenatural mitad mitológica, de echo la narrativa argumental de «The Witch» es tan simple como anecdótica, una representación perturbadora acerca de una histeria puritana ubicada en el núcleo de una familia abandonada en el escenario de un territorio completamente hostil. Robert Eggers, un nombre que seguir en el futuro, logra en «The Witch» un cine independiente de genero de alta calidad y voltaje, pero sobre todo el producto deviene como un extraordinario y depurado ejercicio de estilo fílmico y devuelve, al igual que hizo recientemente Rob Zombie en su «Lords of Salem«, a la figura de la bruja una dignidad cinematográfica bastante abandonada y frivolizada en los últimos tiempos, y de paso convierte la película en una muestra inusual hoy en día de cómo lograr incidir en la psicología del espectador en base a una serie de sugerencias fuera de campo, consiguiendo una sensación de angustia tan efectiva y elegante como meritoria, sin llegar a recurrir en lo gratuito, todo un triunfo digno de alabar.
Valoración 0/5: 4
Absolutely Anything
Una junta alienígena (cuyas voces pertenecen nada más y nada menos que a los Monty Python) da a un hombre cualquiera la habilidad de hacer lo que se le antoje. Si demuestra que puede usar sus poderes para bien, invitarán a la Tierra a sumarse al consejo de sabios interplanetario. Si no, simplemente destruirán el planeta.
«Absolutely Anything«, comedia dirigida por el ex-Monty Python Terry Jones y que cuenta con la colaboración del resto de integrantes del famoso grupo a nivel solo vocal, partiendo de un disparatado argumento que promete caos pero avanza sin llegar a eclosionar del todo, es de esas comedias que hoy en día parecen algo desubicadas o ancladas, inmersas dentro de una situación casi atemporal por un tono que en vez de beneficiarla la perjudica, no se llega a ofrecer una dinámica que sorprenda para bien, aquí la sonrisa algo cómplice prevalece a la carcajada y eso no es una buena señal en este tipo de películas, se le echa en falta la incorreción o sarcasmo característico de sus autores y que no llega aparece en absoluto a lo largo del film, en realidad la película se presenta bajo una serie acumulación de gags, un bucle de temarioalgo simplón que remite en su argumento a «The Man Who Could Work Miracles«, todo bajo un tono demasiado repetitivo y que no logra llegan a acercarse a anteriores trabajos de su director. «Absolutely Anything» es un humor nostálgico poco funcional, solo se salva en parte por el carisma que casi siempre otorga la presencia en la pantalla de Simon Pegg.
Valoración 0/5: 2’5
What we Become
Un vecindario se ve atacado por un brote de gripe fulminante, que no tarda en dejar cadáveres. Las autoridades se ven forzadas a acordonar la zona y ponerla en cuarentena, dejando aisladas a multitud de familias. Entre ellas están los Johansson, que deberán hacer todo lo posible para protegerse mientras, en el exterior, la situación se tensa hasta estallar en caos.
Temática zombie proveniente de Dinamarca a cargo del director Bo Mikkelsen que transita en la mayor parte de su metraje bajo un tono bastante heterogéneo en lo que respecta a su narrativa y que intenta utiliza el pretexto fantástico para centrarse básicamente en un relato que presenta una cotidianidad en lo referente a sus personajes y el cómo afrontar desde su inicio el brote e intentar de alguna manera hacer frente a lo anómalo, todo contado bajo un prisma y ritmo de corte claramente previsible, sin nada nuevo que aportar al subgénero, si en un principio el film viene a ser una versión actualizada a la europea de «The Crazies«, «What we Become» al menos tiene la ligera virtud de volver a mirar de reojo en su parte final a George A Romero y su «Night of the Living Dead«, tomando como referencia lo clásico del tema y alejándose afortunadamente de intentar ofrecernos algo que vaya más allá de lo que realmente puede llegar a aportar su sencilla pero efectiva propuesta.
Valoración 0/5: 3
Summer Camp
En la búsqueda de diversión y nuevas experiencias, cuatro jóvenes estadounidenses se apuntan como monitores en un campamento de verano en Europa. Están preparados para todo: insectos, noches en vela, niños gamberros… pero no para que ese sea su último verano. Al llegar al campamento, una extraña infección que causa furia extrema sumerge al grupo en una espiral de terror y locura. Comienza entonces una carrera a contrarreloj para encontrar la fuente del contagio y poder salvar sus vidas.
No podía faltar dentro del festival la última producción Filmax, film producido por Jaume Balaguero y puesta de largo en la dirección de Alberto Marini responsable de los guiones de «Mientras Duermes«, «El desconocido» o «Extinction«, «Summer Camp» se presenta como una curiosa vuelta de tuerca al temario infectados/zombies cuya validez solo tiene un disfrute desde una perspectiva claramente fan, solo y únicamente desde ahí, una horror movie que pervierte de forma algo desinhibida los clichés del género de terror moderno de modo tan honesto como gamberro, una perversión de conceptos que le otorga al conjunto una cierta originalidad pese a la manifiesta modestia del producto. «Summer Camp» parte de una idea muy sencilla para terminar convirtiéndose en un aceptable grindhouse patrio que aporta de pasada algo de frescura al temario genérico del bodycount en base a un cruce involutivo en el tono de comedia –horror, algo ligeramente parecido y salvando las lógicas distancias a lo que vimos en las dos primeras «Evil Dead«, la intención aquí está bastante clara..un simple disfrute de marcado tono gamberro, el intentar por otra parte buscar algún tipo de consistencia en un producto de estas características es hasta cierto punto absurdo.
Valoración 0/5: 2’5
Martyrs
Lucie escapa de un almacén en el que estaba cautiva y acaba en un orfanato. Una década después, localizará a la familia que la torturó, pero su deseo de venganza será el portal hacia un horror aún mayor.
Enésimo revisionada yanqui de un film de genero europeo, en esta ocasión el «Martyrs» de Pascal Laugier, el hacer nuevas versiones de films algo recientes suele ser sinónimo de fracaso tanto en lo comercial como lo artístico, el film de los hermanos Goetz seguramente se convertirá en un perfecto paradigma de ser un ejercicio tan innecesario como fallido, por mucho que sus directores nos aconsejes visionar la película como algo independiente al original, algo bastante complicado la verdad, poco importa su correcta factura técnica pues estamos ante una película que anula por completo tanto la fiereza como la idiosincrasia y atributos que poseía film original, me atrevería a decir incluso que estamos más que ante un remake a una reconversión que la direccionan hacia lo más puramente convencional, muy extremadamente sobre explicada en su parte final, aquella en la que toma un camino diferente a su predecesora y que termina por despojándola del impacto que poseía el film francés..en definitiva un trabajo muy precindible.
Tras su cálida acogida en el pasado Fantastic Fest y su inminente paso por el festival de Sitges nos llega un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página de «Bone Tomahawk«, western algo atípico, con claros elementos de terror que supone el debut tras las cámaras de S. Craig Zahler y que cuenta como protagonista principal con Kurt Russell, actor que también protagonizara otro sonado western a finales de año, «The Hateful Eight» la nueva película dirigida por Quentin Tarantino. «Bone Tomahawk» tiene previsto su estreno en Estados Unidos de manera simultánea en cines y VOD el próximo 23 de octubre.
«Bone Tomahawk”»nos cuenta como la llegada de un forastero a Bright Hope despierta las sospechas del sheriff, que detiene al desconocido después de una disputa. Una bella mujer, cuyo marido está lesionado, cuida del preso, pero una noche los dos desaparecen. La única pista sobre su paradero es una flecha que parece pertenecer a una tribu de caníbales.
La película está protagonizada por Kurt Russell,Patrick Wilson,Matthew Fox,Lili Simmons,Richard Jenkins,Sean Young,David Arquette,Kathryn Morris,Sid Haig,Geno Segers,Michael Paré y Jamie Hector.
Para renunciar al pasado y dar la bienvenida al futuro, para curarse, para emanciparse, Tamayo, un hombre de treinta y pico años, debe apostatar ante jurisdicciones, autoridades, burocracias y otras membresías vitales. Durante un arduo proceso de búsqueda y cuestionamiento se colarán la intermitente relación que mantiene con una prima, algunos pecados de niño cruel, el vínculo con una espiritualidad forastera, sus dificultades para seguir el camino paterno, las promesas y mieles de una madurez nueva.
Galardonada con una mención especial del Jurado y el Premio FIPRESCI «El Apóstata» es el nuevo trabajo del uruguayo Federico Veiroj, film que se presenta como un perfecto ejemplo en donde un enunciado-premisa está por encima del resultado que nos ofrece, en «El Apóstata» asistimos a la aproximación de un relato en donde una crisis de identidad deriva en una necesidad imperiosa de romper con todo lo establecido, película de tono tan original como extraño, de una cierta concepción cinematográfica admirable, hay muchos matices interesantes en la propuesta de Veiroj pero el film termina siendo una obra demasiada esporádica en sus variantes temáticas, relato pseudofilosófico, comedia irreverente y muchos más temas que orbitan de forma dispersa alrededor de este Apóstata, dando la sensación que su director anda tan despistado y en ocasiones tan ausente como su protagonista, un Álvaro Ogalla que se me antoja insuficiente, carece del carisma y la experiencia que el papel requería. «ElApóstata» termina siendo una fábula algo distinta, agradables por momentos al esquivar lo obvio pero desaprovechada y confusa en la mayor parte de su metraje, demasiadas direcciones solo expuestas de una manera leve y otras que simplemente no son desarrolladas, la desidia y la abulia del ser humano como principal obstáculo a sus propósitos por ejemplo.
Valoración 0/5:2’5
The Boy and the Beast
Kyuta es un niño solitario que vive en Tokio y Kumatetsu es una criatura sobrenatural aislada en un mundo imaginario. Un día el niño cruza la frontera al mundo imaginario y entabla amistad con Kumatetsu, que se convierte en su amigo y guía espiritual. Este encuentro los llevará a multitud de aventuras.
«The Boy and the Beast» tuvo el honor de ser la primer película animada a competición en toda la historia del festival, algo que se intuye como lógico y más viendo como otros certámenes de categoría A ya lo habían apostado por dicha premisa con algunos años de antelación, abrir nuevas vías y conceptos de manera justificada siempre será un motivo tan renovador en lo positivo como gratificante en su intención, el nuevo film de Mamoru Hosoda no defraudo, posee virtudes claramente reconocibles aunque si cabria resaltar que pese a ser un film muy válido estamos ante un trabajo algo inferior a sus anteriores «Summer Wars» o «WolfChildren«, poseedora de un tono quizás más asequible y menos hermético para un sector de público que le costaba entrar en películas anteriores suyas, «The Boy and the Beast» utiliza de manera acertada la metáfora de la animalidad del individuo para discernir acerca de su propia identidad, lazos familiares y aprendizaje social, todo ello desde una óptica de claro tono didáctico perfectamente inherente e inculcado dentro del imaginario oriental de la animación, de espacios abrumadoramente detallados y poderío visual rico en matices pese un argumento algo convencional. Un Mamoru Hosoda en definitiva quizás algo menor, pero que tras la desaparición de Satoshi Kon y la retirada de Hayao Miyazaki ya tiene que ser una figura considerada de forma incuestionable como el principal referente actual de la animación nipona.
Valoración 0/5:3’5
Irrational Man
El profesor de filosofía Abe Lucas ha tocado fondo a nivel emocional y se ve incapaz de encontrarle ningún sentido ni alegría a su vida. Poco después de empezar a dar clase en la universidad de una pequeña localidad, Abe conoce a dos mujeres: Rita Richards, una profesora que se siente muy sola, y Jill Pollard, su mejor estudiante, que se convierte en su amiga más íntima. Aunque Jill quiere a su novio, Roy, encuentra irresistible la personalidad artística y atormentada de Abe y se siente cada vez más fascinada por él. Pero todo cambia por puro azar, cuando Abe y Jill se ponen a escuchar una conversación de unos desconocidos y se quedan absortos con ella.
Woody Allen presento dentro de la sección Perlas su último film «Irrational Man«, película que recupera conceptos y estilos ya vistos en anteriores trabajos suyos, la pregunta sería ¿esos matices ya conocidos esta entre lo mejor o lo no tan bueno de Allen? «Irrational Man» se sitúa en lo entonado del director neoyorquino, tomando claras referencias a Dostoievski (Crimen y Castigo) y partiendo como en él es habitual en muchos de sus relatos a partir de una pequeña idea que logra articularla alrededor de una historia de marcado tono existencialista, que discierne a través de un humor cínico en el tema de la moralidad, moviéndose al mismo tiempo sobre la consabida línea vital que divide el bien y el mal.
Posiblemente estemos ante una película que resulta algo menos fascinante que otras obras suyas, pero recordemos que Woody Allen nunca deja de ser disfrutable, fresco e inteligente, de genialidad única, aquí ofreciendo un sutil ejercicio filosófico de lo más apetecible, y eso para un autor de casi ochenta años y que sigue haciendo películas de una manera continua es algo digno de alabar.
Valoración 0/5:3
El rey de La Habana
Reinaldo, tras fugarse de un correccional, trata de sobrevivir en las calles de La Habana de finales de los 90, una de las peores décadas para la sociedad cubana. Esperanzas, desencantos, ron, buen humor y sobre todo el hambre, le acompañan en su deambular, hasta que conoce a Magda y Yunisleidy, también supervivientes como él. Entre los brazos de una y de la otra, intentará evadirse de la miseria material y moral que le rodea, viviendo hasta el límite el amor, la pasión, la ternura y el sexo más desvergonzado.
Después de presentar en San Sebastián hace unos años «Pan Negro» Agustí Villaronga vuelve al festival con la adaptación de la novela homónima del escritor cubano Pedro Juan Gutiérrez «El rey de LaHabana«, libro que no he tenido oportunidad de leer por lo que no puedo discernir sobre la fidelidad de dicha adaptación, si sin embargo valorar esta desafortunada película que se sitúa muy por debajo de anteriores trabajos del director mallorquín. «El rey de LaHabana» fracasa de manera estrepitosa a la hora de retratar un relato de realismo sucio mediante una mixtura genérica, drama-comedia, que no llega a funcionar en ningún momento, más que nada porque ese tono humorístico nunca llega a ser fluido y casi siempre es barnizado en base a una representación del sexo demasiado chabacana que termina anulando cualquier atisbo de cine social de tono profundo, algo que se me antoja como un elemento esencial en el relato, el mensaje aquí es claro..nacemos en la mierda y morimos en ella..pero todo es contado de manera demasiado liviana, carece por completo de ese atrevimiento formal tan característico en el cine de Villaronga, un éxtasis y el tormento el de este «El reyde La Habana» mal formulado y pobremente narrado, por más que se insista en demasía en el dicho la mejor manera de afrontar un problema es con humor, en esta ocasión el conjunto está muy lejos de estar cohesionado de una manera acertada..una pena.
Valoración 0/5:1’5
Drifters
Minna, que se gana la vida trapicheando droga, tiene dificultades para pagar el alquiler, por lo que, tras timar a unos delincuentes, huye con el dinero. Se encuentra con Katja, una madre a la que los servicios sociales han retirado la custodia de su hijo. Minna y Katja se trasladan a una residencia ilegal a las afueras de la ciudad, donde un grupo de personas ha decidido unirse y elegir sus propias condiciones de vida. Pero uno de los hombres a los que Minna engañó la anda buscando, lo que acarreará consecuencias impredecibles a todos los habitantes de la residencia. El filme es un moderno drama social sobre la lucha de una mujer por salir adelante en los niveles más bajos de la sociedad.
La ópera prima del director sueco Peter Grönlund «Drifters”»que se presentó dentro de la sección Nuevos Realizadores bascula dentro de una coordenadas de relato social de marginalidad y bajos fondos bastante acentuado, todo ello en base a una sencillez narrativa que funciona de manera algo irregular, un universo tan inquietante como desalentador que nos es ofrecido bajo un inconfundible tono realite que roza por momentos el trazo documental, algo que en su puesta en escena y en base a un nivel claramente descriptivo funciona de manera puntual pero que le resta empatía hacia unos personajes algo carentes de profundidad, un reparto en su mayoría no profesional que cumple y en donde destaca muy por encima del resto su actriz principal Malin Levanon, «Drifters» termina siendo un film correcto en esencia pero claramente carente de ambición, en una estructura fílmica que parece más preocupada por el retazo social que por los personajes que la pueblan.
Wild Wild East. Del curry western al soja western es el primer libro sobre el género del western en el cine asiático que se publica en el mundo. Un análisis exhaustivo a través de varias filmografías escrito por Domingo López, autor de diversos libros, editor y programador especializado en cine asiático. Ilustrado por Xavi Dominguez y que contará con importantes firmas invitadas.
Justicieros que montan caballos desbocados, sombreros de ala redonda, sheriffs corruptos, damas duras de pelar, duelos al sol y peleas en el saloon. Todas estas características del western norteamericano se exportaron con éxito en Europa. Más allá del mundo occidental, en el continente asiático, el cine del oeste gozó de tanta popularidad que rápidamente se transfiguró, adaptándose al paladar del consumidor local. Tailandia, India o Taiwan fueron algunos de los países en los que el salvaje oeste tomó formas insólitas, conservando con fidelidad sus características genéricas, pero adobado con las especies locales. ¿Sabías que en Hong Kong contrataron a un clon de Clint Eastwood -poncho incluido- para enfrentarlo al Conde Drácula y Emmanuelle? Un repaso a un género bastardo que ha originado algunas de las mejores obras del cine popular asiático.
Capítulos:
•Sholay y el Curry-Western
•La Ley del Karate en el Oeste: El soja-western
•El neo-western chino
•Las lágrimas del tigre negro y el western tailandés
•Sol rojo: el lejano oeste nipón
•El bueno, el malo y el raro: el salvaje oeste en Corea
John Hillcoat siempre ha sido un director muy a tener en cuenta, tanto el western «The Proposition» como su extraordinaria adaptación de «The Road» son films bastante notables, posiblemente su último trabajo «Lawless» no estuvo a la altura de las dos anteriores, ahora nos llega a través de Open Road Films un primer tráiler que podéis ver a final de página de su último film «Triple 9«, un thriller policial que recuerda algo en estética al «Heat» de Michael Mann y que llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 19 de febrero, una película con un reparto estelar y que viendo su primer y espléndido tráiler puede convertirse en una de las sorpresas del año que viene.
«Triple Nine» es un código policial que significa ayuda inmediata. Un grupo de ladrones planean activar esta alerta para así desviar toda la atención de la policía hacia la otra punta de la ciudad del lugar en el que están perpetrando un gran robo.
La película está protagonizada por Chiwetel Ejiofor,Aaron Paul,Casey Affleck,Kate Winslet,Woody Harrelson,Michael B. Jordan,Teresa Palmer,Michael Peña,Gal Gadot,Anthony Mackie,Norman Reedus,Luis Da Silva Jr.,Anthony Belevtsov,Ian Casselberry,Terence Rosemore .
1975. Dos millas al oeste de Londres. El doctor Robert Lang se muda a su nuevo apartamento buscando un desangelado anonimato, solo para descubrir que los residentes del edificio no tienen intención de dejarlo en paz. Resignado a las complejas dinámicas sociales que lo rodean, Lang afronta la situación y se convierte en un buen vecino. Mientras trata de establecer su posición, los buenos modales y la salud mental de Lang se desintegran con el edificio. Las luces se apagan y los ascensores no funcionan, pero la fiesta continúa. La gente es el problema. La bebida, la moneda de cambio. El sexo, la panacea.
La adaptación a cargo del británico Ben Wheatley de la novela High-Rise de J.G. Ballard fue uno de los platos fuertes presentes este año en el certamen donostiarra, una apuesta atrevida y poco complaciente por parte de la organización del festival el incluirla a competición al no ser un film poseedor de unas coordenadas habituales de las que se suelen ver normalmente compitiendo por la concha de oro, «High-Rise» que causo adhesiones y rechazos a partes iguales de una manera hasta cierto punto lógica nos presenta una distopia retro futurista de premisa clara, el sistema capitalista puesto en entredicho y expuesto de forma tan dantesca como real, a cierta semejanza de la reciente «Snowpiercer» de Bong Joon-ho pero sustituyendo el relato de aventuras de ciencia ficción de aquella por un tono más acentuado de metáfora social en donde jerarquías y desigualdades derivan en caos y anarquía, abriéndonos al mismo tiempo un apasionante discurso acerca de la pérdida de valores por parte del individuo.
«High-Rise» termina siendo no muy fiel al relato original en texto pero si en espíritu, un deslumbrante trabajo por parte de Wheatley, tan potente en su discurso como brillante en lo estético, en donde nos guía en un viaje hacia la locura y la anarquía como única solución ante la pérdida absoluta de un código social de valores básicos por parte del individuo, un film eso si excesivo en su tono, lejos de ser un producto ideal para todos los paladares, poseedora de matices casi surrealistas y un barroquismo desorbitado, aunque también plagado de unas aristas que alternan momentos excepcionales, especialmente ese prólogo y unos cuarenta minutos finales realmente abrumadores, banda sonora acertada con esa irresistible versión del ‘S.O.S.’ de ABBA a cargo de Portishead, con otros no tan conseguidos, cierto abuso de elipsis, falla narrativa en su ecuador al obviar el trayecto de ciertos personajes hacia la locura. «High-Rise» termina siendo es una obra única, de las que tendrían que abundar más a menudo en cine de hoy en día, no perfecta en su conjunto pero si rompedora en lo referente a su poder de sugestión de no dejar indiferente a nadie, y eso en si ya es un logro, una muestra en donde Ben Wheatley sale triunfante ante un proyecto tan ambicioso como arriesgado de llevar a buen puerto, y así mismo un vehículo deslumbrante al funcionar como una acertada herramienta visual al servicio del paroxismo más extremo.
Valoración 0/5:4
Eva no duerme
Eva Perón ha muerto. Es la figura más amada y más odiada de Argentina. Un gran especialista se encarga de embalsamarla. Tras meses de trabajo logra un resultado perfecto. Pero se suceden una serie de golpes de Estado en Argentina y algunos dictadores quieren borrar el legado de Evita de la memoria popular. Su cuerpo se convierte entonces en el centro de una confrontación que durará 25 años. 25 años durante los cuales Evita ha sido una figura más poderosa que cualquier político vivo.
«Eva no duerme» coproducción entre Argentina, Francia y España parte de una premisa a priori interesante, la de combinar imágenes históricas documentadas con otras friccionadas para contarnos el periplo y la enorme influencia social y emocional que tuvo el cuerpo embalsamado de Eva Perón en la historia de Argentina a lo largo de 25 largos y convulsos años, presentados en un prólogo y un epílogo separados por tres episodios centrales friccionados y titulados respectivamente “el embalsamador”, “el transportador” y “elverdugo” y sirviéndose de un tono claramente claustrofóbico (todas las acciones acontecen en lugares oscuros y cerrados) el resultado final es algo irregular, su director Pablo Agüero expone más que discierne, da la impresión de permanecer quizás demasiado distante con respecto al espectador dando lugar a una cierta frialdad y del mismo modo esa irregularidad antes mencionada se vislumbra de manera bastante notoria en los segmentos, algunos más acertados que otros en su exposición. A falta de un posicionamiento más incisivo en su discurso político «Eva no duerme» sin embargo sí que sabe utilizar la figura de un símbolo para estudiar en parte ese pensamiento encontrado y tan característico en el pueblo argentino de continuas crispaciones y polarizaciones extremas, ya no solo en el ámbito político-social sino como un comportamiento bastante generalizado dentro de la psique de sus habitantes.
Valoración 0/5:2’5
Hitchcock / Truffaut
Medio siglo después de la publicación del libro «El cine según Hitchcock» de François Truffaut, el director Kent Jones invita a los mejores directores de nuestro tiempo (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, Olivier Assayas,…) a compartir sus pensamientos sobre el maestro del suspense, Alfred Hitchcock.
Presentada en la sección perlas el documental «Hitchcock/Truffaut» del norteamericano Kent Jones, colaborador de la revista Film Comment nos rememora el cincuenta aniversario del famoso encuentro y posterior publicación del libro. Un documental interesante, quizás de tono demasiado convencional, casi televisivo, que no indaga ni aporta nada nuevo al tema, tampoco es su intención, simplemente funciona a modo de reivindicación-recordatorio (posiblemente destinado especialmente a las nuevas generaciones) valiéndose de testimonios de directores de primera línea del cine contemporáneo como Martin Scorsese, David Fincher, Wes Anderson, Richard Linklater, Kiyoshi Kurosawa, Olivier Assayas o Paul Schrader que comparten sus pensamientos acerca de su cine. «Hitchcock / Truffaut» quizás utiliza un lenguaje demasiado didáctico, pero claro.. todo lo que nos explica el documental es tan grande que irremediablemente nos surge una necesidad urgente de revisionar el cine del maestro, convirtiéndose a todas luces en un producto de visión obligada por razones bastante obvias.
Valoración 0/5:3
Desde allá
Armando, de 50 años, busca hombres jóvenes en las calles de Caracas y les paga para que lo acompañen a su casa. También espía regularmente a un hombre mayor con el cual parece estar atado por algún nexo del pasado. Un día conoce a Elder, de 17 años, líder de una pequeña banda de malandros. Su relación, violenta al principio, se transforma en algo hermoso… Hasta que ocurre lo inevitable.
Esta edición de San Sebastián confirmo una incuestionable pujanza en lo referente al cine latinoamericano, una tendencia está especialmente visible dentro del círculo de festivales europeos, la coproducción venezolana-mexicana «Desde allá» que se pudo ver dentro de la sección Horizontes Latinos venía precedida por el León de Oro conseguido recientemente en Venecia, premio este que se me antoja algo excesivo pese a las virtudes que posee el film dirigido por Lorenzo Vargas, más que nada por las erróneas expectativas por parte de un cierto público que puedan derivarse de un producto de estas características, de tono demasiado mimético y sin apenas diálogos. «Desde allá» nos retrata mundo sin cualquier atisbo de esperanza y la relación que se establece entre dos personajes totalmente antagónicos y marcados por un destino a la deriva, tanto en lo emocional como en lo coyuntural, Lorenzo Vargas utiliza de modo acertado el recurso de la filmación fuera de campo en prácticamente todo el metraje de la película a modo premonición fatalista, y en donde su final se advierte con quizás demasiada previsibilidad. «Desde allá» termina siendo un film estimulante en su recorrido pero algo previsible en su narrativa al utilizar una fórmula de recursos que empieza a ser ya demasiado habitual en un número elevado de películas proveniente de Latinoamérica.
Valoración 0/5:3’5
El desconocido
Carlos, ejecutivo de banca, comienza su mañana rutinaria llevando a sus hijos al colegio. Cuando arranca su coche, recibe una llamada de alguien que, si bien es un completo desconocido para Carlos, en realidad es alguien que lo sabe todo sobre él. Esta persona le anuncia que tiene una bomba debajo de su asiento y le comunica que tiene apenas unas horas para reunir una elevada cantidad de dinero. Si no lo consigue, su coche volará por los aires.
Dani de la Torre presento fuera de concurso «El desconocido«, thriller de acción al más puro estilo hollywoodiense de intenciones tan loables como arriesgadas al intentar hacer un cine comercial y desacomplejado a imagen y semejanza de ese cine de evasión supuestamente bueno que nos viene tan a menudo desde fuera, lo consigue solo a medias, un producto irregular, de sabor algo agridulce, si bien no se le puede negar cierto manejo bien llevado en lo referente a sus secuencias de acción, unos planos secuencias bien construidos que quedan algo lastrados por otros elementos que acompañan al conjunto de una forma claramente errónea, una series de diálogos demasiado repetitivos, personajes que abusan de un histrionismo poco creíble o un final tan predecible como inverosímil, tampoco ayuda mucho cierta aparición final de un discurso social poco cohesionado dentro del relato. De todas maneras habrá que seguir de cerca la trayectoria de Dani de la Torre, «El desconocido» apunta maneras en su dirección, los demás elementos sí que requieren en un futuro una pulida más a fondo.
Quien haya seguido de una manera algo regular la trayectoria tras las cámaras del gran Johnnie To sabrá lo heterodoxo de géneros que ha sido la carrera del genial autor de «Election«, «BreakingNews», «The Missión» o «Exiled» entre otras muchas, por lo que no es de extrañar que su última película sea una comedia musical sobre la vida corporativa, no es la primera vez que Johnnie To se atreve con un musical , «Office» filmada en 3D es la adaptación al cine de la obra de teatro Taiwanesa de 2008 escrita por Sylvia Chang “Designfor Living”, un musical ambientado en el mundo de las altas finanzas, y que mezcla el melodrama, las canciones y la comedia romántica, la película de reciente estreno en Hong Kong acaba de presentarse estos días en el festival de Toronto cosechando buenas críticas, su estimulante tráiler junto algunos de sus posters e imágenes lo podéis ver a final de página.
La película está interpretada por Yun-Fat Chow, Sylvia Chang, Eason Chan, Wei Tang,, Ziyi Wang, Yue-ting Lang, Siu-Fai Cheung, Timmy Hung, Stephanie Che, Tien Hsin, Mickey Chu, Hoi-Pang Lo y Mimi Kung.
Las fobias y los 50 años de la película Repulsión (Roman Polanski, 1965), serán las protagonistas de la 34ª edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei. Ocasión inmejorable de celebrar el medio siglo de uno de los films europeos más emblemáticos del género, y por este motivo habrá una proyección especial y una master class posterior a cargo de Christian Aguilera, escritor que, entre otras, ha publicado monografías sobre Stanley Kubrick, Joseph L. Mankiewicz o Milos Forman es creador de cinearchivo.com y colaborador en revistas como Dirigido Por e Imágenes de Actualidad. Repulsión pues, será sin duda una de las protagonistas de este año.
Un año más, la diseñadora Maite Pascual ha dado forma a la imagen gráfica del festival. El homenaje a Repulsión y, las fobias por extensión, ha sido el punto de partida de la artista para crear el cartel de este año, inspirándose directamente en una de las escenas icónicas del film de Polanski.
Las últimas semanas se han ido avanzando algunos de los films que componen la sección oficial para esta 34ª edición (III dirigida porPavel Khvaleev, The House on Pine Street dirigida por Aaron Keeling y Austin Keeling y Luna de Miel dirigida por Diego Cohen
El resto de películas de la sección Oficial 2015 son las siguientes:
TURBO KID
Nos situamos en un futuro post-apocalíptico, el agua es un bien muy preciado y en todo el mundo solo hay una ley, la del más fuerte. The Kid es un joven que se ha criado solo en un mundo duro y cruel, gracias sobretodo a la ayuda de cómic retro y otros objetos de tiempos pasados que se han convertido en su particular obsesión. Con ayuda de compañeros que irá encontrando a lo largo de su camino deberá luchar contra Zeus y su grupo de salvajes que se han auto-proclamado los jefes de todo el territorio.
SOME KIND OF HATE
Lincoln sufre de continuos abusos en el instituto, después de un encontronazo con uno de sus compañeros de clase, le envían a un reformatorio. Lo que no esperaba encontrarse allí es el espíritu de una niña que también había sufrido abusos con ganas de mucha venganza y cargada de ira.
THE THOLLOW ONE
Después de un fatídico accidente de coche donde la madre de Rachel y Anna murió, estas deciden mudarse a la ciudad y dejar atrás el pasado. Años más tarde deciden volver después de recibir un mensaje de su padre… al volver a la casa donde se criaron todo ha cambiado… una extraña y oscura presencia les acecha.
TRUE LOVE WAYS
Séverine tiene sueños recurrentes donde conoce a un misterioso hombre del cual queda totalmente prendada de él, es por eso que ha decidido apartarse de su actual novio y salir en busca de una nueva vida. Pero su amante novio no quiere dejarla escapar, por eso con ayuda de un total desconocido urde un plan maestro para conseguir que su querida Séverine no huya de su lado… como es lógico, el plan era más sencillo sobre el papel…
EXCESS FLESH
Jill tiene una fijación bastante importante con su peso, y el tener a una compañera de piso sexy y de gran éxito social como es Jennifer no ayuda en absoluto. Su obsesión por ser como ella se irá acentuando a medida que el tiempo pasa, hasta convertirse en algo tan obsesivo como peligroso.
BLACK MOUNTAIN SIDE
Un grupo de arqueólogos afincados en las tierras al norte de Canadá, harán un descubrimiento que puede cambiar el rumbo de la humanidad para siempre. Unas ruinas totalmente desconocidas con más de diez mil años de antigüedad. Ahora es decisión del equipo como comunicar tal descubrimiento, pero pronto se darán cuenta que están completamente aislados en medio de la nada. Algo extraño parece estar acechando a todo el equipo…
HOWL
Cuando el tren nocturno tiene que frenar en seco debido a que algo bloquea su camino, los pasajeros empiezan a ponerse nerviosos, más y cuando se dan cuenta que hay algo acechándoles en el exterior… Deberán permanecer unidos para intentar sobrevivir a los ataques de la misteriosa criatura.
THE HALLOW
Una pareja acaba de mudarse con su hijo recién nacido a una pequeña casita en medio del bosque. Pronto se darán cuenta que ese espeso bosque que les rodea esconde un oscuro secreto que amenazara sus vidas y la de su bebe. Una lucha por la supervivencia ha comenzado.
WE ARE STILL HERE
Tras perder a su hijo, una familia destrozada decide mudarse a un nuevo hogar para intentar empezar de cero. Pero la casa escogida para empezar sus vidas trae consigo una antigua maldición. Cada 30 años, los inquilinos de están deben ser sacrificios para la propia casa, sino un mal ancestral se cernirá sobre todo el pueblo.
BUNNY THE KILLER
Un grupo de amigos deciden subir hasta una remota cabaña en el bosque que les cede el tío de uno de ellos. Cerveza y juerga así es como se las promete el fin de semana, pero pronto se verá truncado por una especie de humano/conejo de dos metros sediento de sexo y sangre. Preparaos para una locura de sexo, sangre y momentos de lo más bizarro.
En la zona fronteriza sin ley que se extiende entre Estados Unidos y Mexico, Kate Mercer, una idealista agente del FBI, es reclutada por Matt Graver, un oficial de las fuerzas de élite gubernamentales, para ayudar en la creciente guerra contra las drogas. Liderado por Alejandro, un enigmático consultor con un pasado oscuro, el equipo se embarca en un viaje clandestino que obligará a Kate a cuestionarse todo aquello en lo que cree si quiere sobrevivir.
Después de su premiere en el pasado festival de Cannes el director canadiense Denis Villeneuve presentaba en Donostia su último trabajo dentro de la sección perlas, «Sicario«, un thriller fronterizo situado entreEstados Unidos y México, de tono marcadamente contundente y minuciosamente planificada es en definitiva un nuevo paso hacia delante de uno de los directores llamados a ser referente en un futuro muy cercano, posiblemente estemos ante un film ligeramente inferior a «Prisoners» o «Enemy«, un producto de tono algo más mainstream que anteriores trabajos suyos pero que lo refrendan como un notable creador de atmósferas opresivas y personajes ambiguos, logrando una dirección magistral pese a un guión quizás demasiado básico, poseedor de un estilo inconfundible en donde la fotografía de Roger Deakins y la música de Johan Johannsonjuegan un papel importante, «Sicario» de hecho debería contemplarse como una muy buena muestra de lo que tendría que ser el buen cine comercial con ligeros e inconfundibles rasgos autorales, un cine de género de alto voltaje en donde de manera sabia impera más la tensión a la acción, una propuesta en definitiva impecable en lo formal y al mismo tiempo poseedor de un mayor trasfondo del que puede parecer a primera vista, la secuela de Blade Runner espera para confirmar a Denis Villeneuve como un directo de una importancia vital en el cine contemporáneo.
Valoración 0/5:3’5
Stay with Me
Hayun es una chica problemática que solo quiere terminar el instituto, Iseop es un chico blando de corazón que llora demasiado a menudo. Dos adolescentes de caracteres muy diferentes que se hacen amigos al sentarse juntos en clase. Se envidian el uno al otro por las cosas que no tienen, pero también encuentran consuelo en su mutua compañía.
La esforzada cinta surcoreana «Stay with Me» presentada en la sección Nuevos Directores vuelve a incidir en la problemática adolecente, una temática bastante recurrente en óperas primas como se ha podido comprobar este año en San Sebastián, Rhee Jin-woo vertebra la trama entre la denuncia social (sistema educativo, ausencia parental) y el viaje iniciático (relación de jóvenes de distinto extracto social), el film pese a un cierto manejo bien llevado en lo relativo a visualizar un relato de claro tono psicológico e intimista se ve lastrado por un guion algo irregular, llegados a un punto Rhee Jin-wooparece no saber muy bien que camino llevar en la historia, diversificando tramas y personajes, algo que favorece poco la solidez del relato en sí mismo, quedando algunos peldaños por debajo de por ejemplo «Han Gong-ju«, cinta del pasado año de idéntica nacionalidad y temática y que si sabía enfocar con más determinación y acierto una problemática social en donde el refugio emocional adolecente se erige como principal protagonista.
Valoración 0/5:2’5
21 nuits avec Pattie
Caroline, parisina de unos 40 años, llega a un aletargado valle en el suroeste de Francia. Ha acortado sus vacaciones familiares para organizar el funeral de su madre, Isabelle, que ha muerto repentinamente. No estaban muy unidas. Caroline es recibida por Pattie, también de unos 40 años, que es quien cuida de la casa de Isabelle. Caroline había planeado marcharse al día siguiente, pero el cuerpo de su madre desaparece misteriosamente.
Arnaud y Jean-Marie Larrieu volvían al festival de San Sebastián presentando en la sección oficial «21 nuits avec Pattie«, comedia pretendidamente excéntrica y de planteamiento inicial algo prometedor en bases a unos diálogos cuanto menos ingeniosos y una interactuación de personajes algo curiosa, lamentablemente los hermanos Larrieu conforme avanza la trama del film se desentienden por completo de ese tono para adentrarse en un relato de tintes seudofilosóficos poco agraciado y de final demasiado alargado.
«21 nuits avec Pattie» nos presenta un variado temario que abarca temas tale como la frigidez, necrofilia y libertinaje tratados en un principio en forma de comedia liviana poblada de excéntricos personajes pero que termina desembocando de manera involuntaria hacia un tono naif poco favorecedor y que fracasa estrepitosamente al intentar convertirse en una especie de cuento fantástico-filosófico en su parte final, convirtiéndolo en un perfecto ejemplo de como las convenciones genérica mal conducidas pueden desvirtuar por completo una obra a priori interesante.
Valoración 0/5:2
Anomalisa
La película tiene por protagonista a un motivador profesional que, cuanto más ayuda a la gente, más monótona y anodina es su vida; todo el mundo le parece y le suena igual. Hasta que la voz de una chica le suena diferente y está dispuesto abandonarlo todo y a todos por alcanzar la felicidad con ella.
«Anomalisa» en un perfecto ejemplo que vuelve a poner de manifiesto que los grandes autores pese a ciertos antibajos a lo largo de su carrera tienden a reinventarse incluso de la manera menos esperada posible, esto es algo inherente al talento, Charlie Kaufman después de triunfar en el festival de Venecia (ganadora del Gran Premio del Jurado) presento en San Sebastián dentro de la sección Perlas la película «Anomalisa«, cinta que utiliza la técnica stop motion de forma nada gratuita, dirigida a cuatro manos junto a Duke Johnson, vemos a un Kaufman aquí mucho más comedido que en su anterior e inabarcable «Synecdoche, New York«y en donde demuestra ir sobrado de talento.
«Anomalisa» es una comedia romántica de tono existencial y de naturaleza algo menos bizarra que en anteriores historias suyas, un relato tan simple en un principio como rico en unos matices que vamos descubriendo conforme avanza el metraje, y que sabe adecuarse a la perfección al imaginario narrativo de Charlie Kaufman, en una historia donde se nos habla de esa sensación de aislamiento tan característico en sus personajes, evocando un discurso tan agudo como demoledor acerca de las relaciones esporádicas del ser humano y el vacío emocional del individuo que anhela que su relación con el mundo y con los demás sea algo más fructífera, valiéndose poseedor de esa virtud anómala, aquella que nos hace creer distintos o especiales a los todos demás ..lo dicho algo tan sencillo expuesto de una manera tan brillante solo está al alcance de muy pocos, Charlie Kaufman es uno de ellos..no lo duden.
Valoración 0/5:4
Amama
El caserío representa un mundo antiguo, una forma de vida, sabiduría y valores, que se desvanece ante nuestros ojos. El caserío es familia, un clan que tiene sus raíces en lo mas hondo del conocimiento heredado por siglos. La familia es el lugar donde chocan dos mundos, donde se rompe el cordón entre padres e hijos. Los hijos de Tomas e Isabel experimentan el conflicto entre el mundo antiguo y el nuevo. Cómo vivir en la ciudad sin dar la espalda al caserío, cómo liberarse del caserío sin romper la cadena de conocimiento, cómo elegir su camino sin traicionar a sus antepasados. Amaia, hace frente a esos dos mundos que habitan en ella a través del arte. Para encontrar su camino debe salir del caserío, enfrentarse a su padre, provocar heridas y romper el vínculo. Sólo podrá avanzar si encuentra el modo de convivir con la herencia de sus predecesores. Entre tanto, la abuela observa a todos. Como si su mirada diera sentido a esa mutación, un mundo que se acaba y otro que parece surgir.
El director guipuzcoano Asier Altuna presento a concurso «Amama«, film hablado en euskera que deviene como una justa y esta vez necesaria cuota de cine local dentro del festival, una pequeña pero concisa y honesta película que nos habla de la desintegración familiar en clave rural, en donde dos mundos colindantes se enfrentan por seguir hacia delante en el día a día, lo tradicional frente lo moderno, exponiendo sugerentes referencias en torno a las raíces y como estas pese al cambio generacional están ligadas al destino, todo ello visto y mostrado desde una óptica claramente poética que posiblemente abuse en algo de un cierto y exagerado simbolismo en determinados momentos, algo que le acerca por momentos a un tono casi experimental del vídeo-arte, una apuesta estilística esta algo arriesgada pues entra en clara confrontación con una narrativa más propia de un cine más intimista y familiar, con todo «Amama» es un film completamente coherente con lo que expone que no es otra cosa que una esforzada oda al apego a la tierra, algo tan simple como efectivo.
El Festival estrena una sala y se convierte en punto de encuentro de la industria y el talento con nuevas iniciativas. A una semana del inicio de la 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, esta mañana el director del Festival, Àngel Sala, acompañado por Ferran Mascarell, conseller de Cultura de la Generalitat, y por Miquel Forns, alcalde de Sitges, ha presentado en rueda de prensa, en el Claustro del Arts Santa Mònica de Barcelona, las novedades de la presente edición. El Festival, que se celebra del 9 al 18 de octubre, presenta una completa y plural muestra de las diferentes propuestas y tendencias del cine de género de todo el planeta. Sitges 2015 reúne un mosaico formado por firmas reconocidas y de larga trayectoria en el género, con talentos emergentes. El Festival -que en esta edición suma una nueva sala y amplía el número de pantallas- se convierte también, este año, en un foco de confluencia de la industria cinematográfica catalana y de oportunidades para las propuestas de producciones planteadas por jóvenes realizadores.
La programación de Sitges 2015 recoge el terror más genuino de todo el mundo, representado por las últimas producciones norteamericanas y el emergente fantástico de países que se consolidan como verdaderas potencias del género; presenta propuestas estimulantes y transgresoras; muestra las últimas tendencias asiáticas del fantástico y la nueva serie B norteamericana, además de la completa cosecha catalana del género. El carácter multidisciplinar del Festival se completa con un amplio abanico de secciones que recogen una cuidada selección de documentales y las mejores series de televisión del momento.
Con motivo de su 20 aniversario, Sitges 2015 rinde homenaje a la película Seven, protagonista del cartel de esta 48ª edición, el psicothriller de David Fincher que creó escuela combinando magistralmente el género policiaco con el de terror y que confirmó el talento de su director. Con este motivo, el Festival ha editado el libro Seven. Los pecados de David Fincher, con la aportación de diversos autores y que aborda la influencia que ha ejercido este film en el terror y el thriller de los últimos años.
Las 169 películas que integran las secciones del Festival contienen firmas de sólida garantía en el cine de género y de las propuestas más interesantes del cine actual. Es el caso de Alex van Warmerdam, Takashi Miike, S. Craig Zahler, Can Evrenol, Kiyoshi Kurosawa, Marcin Wrona, Andrzej Zulawski, André Turpin, Robert Carlyle, Patricia Rozema, Cédric Anger, Ryoo Seung-wan, Terry Jones, Paolo Sorrentino, Charlie Kaufman, Takeshi Kitano, Rick Alverson, Joe Begos, Sebastian Schipper o Jaco Van Dormael, entre otros. Las pantallas del Festival proyectarán films repletos de rostros conocidos como Michael Fassbender, Marion Cotillard, Nicole Kidman, Kurt Russell, Michael Caine, Harvey Keitel, Ewan McGregor, Ellen Page, Evan Rachel Wood, Kevin Bacon, Keanu Reeves, Arnold Schwarzenneger, Taissa Farmiga, Sam Rockwell, Robert Carlyle, Emma Thompson, Simon Pegg, Kate Beckinsale, Elijah Wood, Robert Pattinson, Vincent Cassel, Joseph Fiennes, Isabelle Huppert, Gérard Depardieu, Ron Perlman, Mads Mikkelsen, Winona Ryder y Eva Green, entre muchos otros.
La oferta cinematográfica del Festival se completará con un amplio abanico de actividades culturales y eventos, nuevos espacios y el estreno de una nueva sala de proyección: la Sala Tramuntana. Este espacio se sumará a las otras tres salas de cine: el Auditori, el Retiro y el Prado. El espacio -que hasta ahora acogía presentaciones y actividades paralelas- ha sido acondicionado como sala de cine y proyectará un buen número de sesiones, como también algunas clases magistrales relevantes. Además de estas cuatro salas de cine, el Festival dispondrá de otros espacios para proyecciones y eventos: el Escorxador (que acoge, una vez más, la sección Brigadoon), el Hotel Avenida Sofía (que exhibe dos sesiones de serial Sitges, patrocinadas por FNAC) el Palau de Maricel (que presenta un especial de Juego de tronos) el Espacio Movistar+ (espacio gratuito en la Fraga ta con diferentes sesiones el primer fin de semana del Festival) y L’Hort de Can Falç (que, por tercer año consecutivo, proyecta sesiones abiertas los dos fines de semana).
Una puerta abierta a la industria y las universidades
Sitges estrena este año cuatro iniciativas orientadas a proyectar su papel como punto de encuentro de la industria y el talento catalán. Por un lado, el Sitges Pitchbox nace como una herramienta del Festival y la plataforma Filmarket Hub, que ofrece oportunidades a posibles producciones de largometraje de género y en el que se han inscrito 170 proyectos. Por otro, el Industry Meeting Point –instalado en el Hotel Meliá- pondrá en común actuaciones e iniciativas de profesionales e industriales catalanes. Paralelamente, la Blood Window Red Carpet también nace este año como un panel de actores y actrices con proyección internacional, seleccionados por un jurado integrado por la Acadèmia del Cinema Català, la Associació Catalana d’Actors i Directors Professionals de Catalunya y profesionales del sector. Por &uacu te;ltimo, el Festival estrena en esta edición el Sitges Campus 2015, un foro sobre el thriller realizado con la colaboración de las universidades y las escuelas de cine catalanas.
Por tercer año consecutivo, Sitges acogerá el ESCAC Week, un programa de actividades y proyecciones donde participan centenares de alumnos de la escuela dentro del marco del Festival. Esta experiencia como acreditados de Sitges les permite vivir desde dentro esta cita artística y de la industria, entender la cinematografía internacional de género fantástico y participar en la red profesional del país.
Y como cada año, el Festival también acogerá la sesión SGAE Nova Autoria, una selección de cortometrajes de los alumnos de escuelas de cine y audiovisuales catalanas que optan a los Premios SGAE Nova Autoria al mejor guión, mejor dirección y mejor música.
Producciones catalanas
La 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya apuesta, una vez más, por las producciones catalanas y constituye una pasarela de los últimos trabajos nacionales de género. Seis producciones catalanas incluyen la programación de Sitges 2015: El cadàver de Ana Fritz, Vulcania, Segon Origen, Summer Camp, La novia y Sacramento.
Sitges se viste de fantástico
Más de 190 establecimientos han respondido a la iniciativa del Festival y se han sumado a la campaña del Circuit Fantàstic. Hoteles, bares, restaurantes y comercios de Sitges ofrecerán un montón de ventajas sólo por ser público del Festival. Losasistentes al Festival disfrutarán de ofertas, descuentos, promociones y experiencias fantásticas. La iniciativa ha elaborado un pack de productos para los establecimientos de Sitges con la intención de potenciar los negocios de cara a los visitantes, tanto en imagen como en difusión de los mismos.
Salas y espacios de proyección
Salas de cine:
Auditori: 1.384 plazas. Proyecta filmes de la Secció Oficial Fantàstic, Secció Oficial Fantàstic Especials, Òrbita, Midnight X-Treme, Inauguració i Cloenda.
El Retiro: 600 plazas. Proyecta filmes de la Secció Oficial Fantàstic, Panorama Fantàstic, Òrbita, Anima’t, Midnight X-Treme i Sitges Clàssics.
Prado: 450 plazas. Proyecta filmes de la Secció Oficial Fantàstic Especials, Òrbita, Noves Visions, Panorama Documenta, Sitges Clàssics, Seven Chances, Midnight X-Treme i SGAE Nova Autoria.
Tramuntana: 400 plazas. Proyecta filmes de la Secció Oficial Fantàstic, Secció Oficial Fantàstic Especials, Panorama Fantàstic, Òrbita, Noves Visions, Panorama Documenta, Anima’t, Midnight X-Treme, Serial Sitges i clases magistrales.
Espacios de proyección:
Brigadoon (L’Escorxador): 100 plazas. Acoge toda la programación y actividades de la sección Brigadoon.
Palau de Maricel: 110 plazas. Acoge una proyección y evento de Serial Sitges.
Hotel Avenida Sofía: 150 plazas. Acoge proyecciones de Serial Sitges.
Hort de Can Falç: 200 plazas. Acoge proyecciones abiertas.
Sitges 2015 en datos
◦Número de films: 169
◦Número de films en la sección oficial: 37
◦Número de cortos: 83
◦Número de películas en espacios gratuitos: 60
◦Número de cortos en espacios gratuitos: 50
◦Número de series de TV: 14
◦Número de sesiones: 375
◦Nombre de secciones: 9
◦Número de cines: 4
◦Aforo total de los cines: 2.894 butaques
◦Número de pantallas: 9
◦Minutos de proyección de películas: 21.894 min.
◦Minutos de proyección de series: 870 min.
◦Minutos de proyección de cortos: 1.423 min.
◦Número de actividades paralelas: 83
◦Número de abonos vendidos: 350
◦Número de espectadores (datos de 2014): 180.000
◦Número de periodistas acreditados (datos de 2014): 602
◦Noticias publicadas (datos de 2014): 13.893
JURADOS
Jurado Oficial Fantàstic
Jarod Neece (productor), Kier La-Janisse (productora), Carlos Areces (actor), Javier Ruiz Caldera (director)y Fernando Ronchese (director)
Jurado Noves Visions
Evrim Ersoy (director), Alexandre Philippe (director) y Toni Espinosa (productor)
Jurado Blood Window / Panorama
Tom Davia (productor), Romain Roll (actor) y Nicolás López (director)
Jurado Meliès
Luis Rosales (crítico), Uri Aviv (director) y Manuel Carballom (director)
Jurado Focus Àsia – Anima’t
Jongsuk Thomas Nam (director del Festival BIFan), Pierce Conran (productor) y Me Me Lai (actriz)
Jurado Òrbita
Giorgio Gosetti (periodista) y Josep Parera (crítico)
Jurado Brigadoon
Mónica Murguía (maquilladora), Víctor García (director) y Omar Parra (programador)
Jurado Phonetàstic
Can Evrenol (director), Thierry Philips (director del Festival de Liège) y Domingo López (crítico)
Jurado de la Crítica
Joan Millaret Valls (profesor y escritor) , Endika Rey (crítico), Daniel Jiménez Pulido (crítico)
Jurado Carnet Jove
Marga Almirall (crítico), Mario de Carbajosa (director), Ricardo Jorner (crítico y realizador), Javier Parra (crítico), Tariq Porter (programador)
ACTIVIDADES PARALELAS
Sitges 2015 ha programado una intensa lista de actividades paralelas que complementará la oferta cinematográfica del Festival. Sábado 10 de octubre se celebrará la esperada Sitges Zombie Walk 2015, el desfile de muertos vivientes que llenará las principales calles de Sitges. Los cines Prado, Retiro y la Sala Tramuntana acogerán en esta 48ª edición numerosas sesiones Q&A (Questions & Answers) sobre filmes proyectados en el Festival, que contarán con la presencia de parte del equipo artístico o técnico de cada película y donde los asistentes podrán formularles preguntas.
La oferta paralela del Festival incluirá también varias exposiciones que vinculan arte y cine, como la exposición sobre el artista Vicente B. Ballestar, en el Palau de Maricel, uno de los creadores del género dark pulp y realístico supernatural; la exposición sobre Jacques Monory, Mon cinéma, en la Fundación Stämpfli: un paseo por el universo cinematográfico de uno de los artistas más relevantes del panorama del arte contemporáneo francés; la muestra de una veintena de carteles vintage de películas norteamericanas, editados por el reconocido cineasta Nicolas Winding Refn, en el vestíbulo del Auditorio; y la exposición de iconos del cine fantástico de uno de los exponentes del movimiento street art, Juan Manuel Pajares, en la Galería Guerrero.
Además, el Espacio FNAC, ubicado junto al Auditori, acogerá numerosas presentaciones de libros, mesas redondas y novedades editoriales del género. La Sala Tramuntana, además de las proyecciones programadas, también acogerá dos Master Class muy esperadas: las clases magistrales que impartirán el director Oliver Stone y el especialista en maquillaje Rick Baker.Los nuevos espacios en el Palau de Maricel, el Hotel Avenida Sofía y el Espacio Movistar+ acogerán proyecciones de reconocidas series de televisión programadas en la sección Serial Sitges, además de filmes, actividades y eventos.
Por último, el espacio del Hort de Can Falç programará también varias sesiones de cine al aire libre.
LIBROS
El Festival edita este año dos libros: Seven. Los pecados de David Fincher, una edición coordinada por Desirée de Fez, que repasa los orígenes y la inabarcable influencia de uno de los filmes más importantes del cine de género moderno, y Taboada, un retrato del realizador mexicano Carlos Enrique Taboada. Seven. Los pecados de David Fincher, editado con Tyrannosaurus Books, reúne el estudio sobre la obra maestra que elaboran varios críticos y cuenta con un prólogo del director del Festival, Ángel Sala. Por su parte, Taboada -escrito por varios autores- es un estudio y homenaje a la figura del director mexicano Carlos Enrique Taboada, editado también por Tyrannosaurus Books junto con el festival mexicano Mórbido, y abrirá la flamante colección de libros Brigadoon.