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Por primera vez se publica en español un libro dedicado a los dos cineastas británicos que alcanzaron la gloria varias décadas atrás y que hoy están injustamente olvidados. Todo el mundo ha visto alguna vez en su vida Los cañones de Navarone, El cabo del terror o El justiciero de la ciudad, pero pocos conocen a los directores que estaban detrás de estas exitosas películas. Tirso Calero se acerca a su universo con admiración, respeto y mucha curiosidad. Para ello, ha logrado entrevistar a actores y productores que trabajaron con estos cineastas, así como a prestigiosos especialistas y críticos de cine. Michael Winner y Jack Lee Thompson despuntaron en su Inglaterra natal. Fueron fichados por Hollywood. Consiguieron buenas críticas con sus primeras películas y luego abrazaron el cine más comercial. Y ambos terminaron al servicio de Charles Bronson en la denostada Cannon. Su pasión era rodar. Buenas, malas o mediocres películas. Lo importante era seguir rodando porque el cine era su vida.
Acaba de ser presentada en sociedad un primer adelanto, en forma de un tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster promocional, del film El deshielo. Dirigida por la realizadora chilena Manuela Martelli, Chile Factory (2015), 1976 (2025), la película, un thriller con una fuerte alegoría política, tras su estreno mundial en Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes, estará presente en la próxima edición del Festival de San Sebastián dentro de la sección Horizontes Latinos.
El deshielo nos sitúa en el Chile del año 1992. Durante su estancia en el hotel de sus abuelos en las montañas, Inés se hace amiga de Hanna, una esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece sin dejar rastro, su búsqueda revela verdades que se mantenían ocultas.
La película, con guion a cargo de la propia Manuela Martelli, está protagonizada por Maya O’Rourke, Saskia Rosendahl, Maia Rae Domagala, Jakub Gierszal, Paulina Urrutia, Mauricio Pesutic, Paula Zúñiga, Roberto Farias, Lautaro Cantillana Teke, Luis Uribe, Daniela Pino y Marcela Salinas.
Ava, una mujer desesperada cuyo marido ha desaparecido tras un catastrófico experimento militar, se une a una «unidad de recuperación de cadáveres», pero su búsqueda da un giro escalofriante cuando los cadáveres que está enterrando empiezan a dar señales de vida.
El director australiano Zak Hilditch insiste de forma recurrente en escenarios apocalípticos, si en su anterior These Final Hours (2014) observábamos la conducta de un grupo de personas en el último día antes del fin del mundo, en We Bury The Dead, somos testigos de la travesía a través de los áridos paisajes de Tasmania de una mujer que busca a su marido desaparecido tras un catastrófico experimento militar.
Al igual que veíamos en Monsters (Gareth Edwards, 2010), dos personajes antagónicos entrarán en una zona de cuarentena, sustituyendo el virus alienígena de esta por otro provocado por el hombre que ha convertido a algunas víctimas en muertos vivientes. We Bury The Dead vendría a ser un nuevo ejemplo de relato que se aleja conscientemente del género que explota, donde el concepto fantástico sirve como excusa para una serie de disertaciones, algunas centradas en los supervivientes y sus dilemas, otras provistas de un carácter escénico contemporáneo para recrear escenarios que nos pueden remitir al COVID-19 o al accidente nuclear de Fukushima de 2011. En tal sentido, esa ramificación del subgénero, que podríamos denominar como «drama zombie», hace tiempo que muestra un considerable agotamiento creativo.
Rememorando dicho concepto, uno de sus últimos exponentes podríamos encontrarlo en el plano final de Arnold Schwarzenegger llorando la muerte de su hija en Maggie (Henry Hobson, 2015), cinta cuya retórica introspectiva pasaba de forma bastante más inadvertida que en We Bury The Dead.
Bi Gan (“Largo viaje hacia la noche”) regresa tras siete años con una obra monumental sobre los sueños, el cine y nuestra capacidad para dejarnos llevar por ellos. Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.
El próximo 21 de agosto, Filmin estrena “Resurrection”, el tercer largometraje de Bi Gan, uno de los cineastas más singulares y visionarios del panorama internacional. Siete años después de “Largo viaje hacia la noche”, el director chino regresa con una película que fue una de las grandes sensaciones del Festival de Cannes de 2025, donde se alzó con el Premio Especial del Jurado en su primera participación en la Sección Oficial.
A medio camino entre la ciencia ficción, el cine negro, el cine de terror y el melodrama, “Resurrection” propone un viaje a través de un siglo de historia del cine. Bi Gan estructura el relato en cinco capítulos que recorren diferentes épocas y géneros cinematográficos. En un futuro en el que la humanidad ha renunciado a soñar para alcanzar la vida eterna, aquellos que todavía conservan esa capacidad son considerados una amenaza. Una premisa que permite al director construir una obra tan fascinante como melancólica sobre la pérdida de una determinada forma de mirar y experimentar las películas.
Sinopsis En un mundo donde la humanidad ha perdido la capacidad de soñar, una criatura sigue fascinada por las ilusiones que se desvanecen del mundo onírico. Este monstruo, a la deriva en la ensoñación, se aferra a visiones que nadie más puede ver… hasta que aparece una mujer. Dotada del raro poder de percibir estas ilusiones tal como son, se adentra en los sueños del monstruo, decidida a descubrir la verdad que se oculta en su interior.
El cine de un soñador
La película se divide en cinco capítulos, vinculados a diferentes momentos de la historia del séptimo arte y también a los cinco sentidos. Multitud de géneros y distintas formas de lenguaje cinematográfico aparecen así integrados en un relato que entiende la experiencia cinematográfica como una extensión de la ensoñación. “Cuando pienso en estos dos conceptos, los sueños y el cine, tiendo a pensar en ellos como una misma cosa. Creo que ambos son el mismo recipiente y que se refuerzan mutuamente”, explica Bi Gan.
El proyecto tomó su forma definitiva durante la pandemia, un periodo en el que el director observó tanto la proliferación de sueños lúcidos como el creciente aislamiento de las personas frente a las pantallas. Para Bi Gan, nuestra dependencia de dispositivos y algoritmos ha reducido la capacidad de experimentar el mundo de manera plena y compartir esas experiencias con los demás. “Lo que hemos perdido en estos cien años no es el cine como forma de arte, sino nuestra incapacidad para conectar nuestros sueños con él”, afirma.
El maestro de los planos secuencia
Los planos secuencia son una de las grandes señas de identidad de Bi Gan. En “Kaili Blues”, su debut, el director sorprendió con una secuencia de 43 minutos; en “Largo viaje hacia la noche”, llevó todavía más lejos su exploración del tiempo y el espacio con un plano de más de 50 minutos rodado en 3D. En “Resurrection”, vuelve a recurrir a esta técnica en el tramo final, con una secuencia de 40 minutos que transcurre durante la última noche de 1999 y culmina con la llegada del año 2000.
La decisión de rodarla sin cortes surgió durante el propio proceso de producción. Bi Gan, el director de fotografía Dong Jinsong y el director artístico Liu Qiang habían barajado inicialmente otras posibilidades para este capítulo, pero acabaron considerando que un único plano era la mejor manera de representar el tránsito entre dos siglos concentrado en una sola noche. “Aunque estos planos secuencia puedan ser algo que se espera de mí, esta técnica es perfecta y apropiada para la narrativa de ‘Resurrection’”, explica el cineasta.
El desafío consistía entonces en encontrar una aproximación distinta a la de sus trabajos anteriores. Para ello, Bi Gan tomó como referencia las pinturas de Mark Rothko y su construcción del espacio mediante capas de color. La cámara atraviesa diferentes escenarios y situaciones de forma progresiva, modificando la percepción del espacio sin recurrir al montaje, hasta alcanzar el amanecer. El resultado es un recorrido continuo en el que la transformación de la imagen acompaña el paso de una época a otra.
Acaba de ser presentada en sociedad de la mano de Warner Bros. Clockwork el tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Ken Russell’s The Devils, versión definitiva del film realizado en 1971 que adapta la novela de Aldous Huxley ‘Los demonios de Loudun‘. Esta nueva restauración en 4K, llevada a cabo a partir del negativo original de la cámara, presenta la visión definitiva de Ken Russell sobre The Devils, tomando como referencia el montaje que él mismo creó en el año 2004. La película, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Cannes, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 16 de octubre.
En Ken Russell’s The Devils vemos como un clérigo, en la Francia del XVII, es acusado de herejía. La historia se basa en los hechos reales de la ciudad de Loudun, que son conocidos como el caso más grande de posesión diabólica jamás registrado dentro de la Iglesia católica.
La película, que se podrá ver en la próxima edición del Festival de Sitges, cuenta con un guion adaptado a cargo del propio Ken Russell junto a John Whiting, estando protagonizada por Vanessa Redgrave, Oliver Reed, Dudley Sutton, Max Adrian, Gemma Jones, Murray Melvin, Brian Murphy, Michael Gothard, Georgina Hale, Christopher Logue, Graham Armitage, John Woodvine e Izabella Telezynska.
Sus trabajos se suman a los diez títulos ya anunciados a competición, dirigidos por Roberto Bueso, Nicole Garcia, Mikel Gurrea, Maha Harada, Pablo Larraín, Mike Leigh, Hans Petter Moland, Benjamín Naishtat, Javier Ruiz Caldera y Yeşim Ustaoğlu
Las nuevas películas de Fred Cavayé, Jesse Eisenberg, Amanda Kernell y Gabriel Martins, junto a los debuts en el largometraje de Ah Biao y Tony Vahl, competirán en la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián. Sus respectivos filmes Les Misérables (Los Miserables), The Debut (El debut), Garrat du váimmu / Brace Your Heart, Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son, Bian jing / Border y Krux se suman a los diez títulos ya anunciados y que también se disputarán la Concha de Oro y el resto de premios del palmarés oficial.
El realizador, guionista y director de fotografía afincado en Bangkok Ah Biao (Shanxi, 1990) competirá con Bian Jing / Border. Su ópera prima está ambientada en un pueblo fronterizo, donde un minero marcado por una vida de abusos es arrastrado a cometer un crimen.
Fred Cavayé (Rennes, 1967) concursará con una nueva adaptación de Les Misérables (Los Miserables) de Víctor Hugo, protagonizada, entre otros, por Vincent Lindon, Tahar Rahim y Noémie Merlant. El guionista y director francés ha demostrado una gran versatilidad a lo largo de su carrera. Tras firmar Pour elle / Anything for Her (Cruzando el límite, 2008), adaptada posteriormente en Hollywood por Paul Haggis, se consolidó en el thriller con À bout portant / Point Blank (Cuenta atrás, 2010) y Mea culpa (2014), para después adentrarse con éxito en la comedia con Radin! / Penny Pincher! (Manual de un tacaño, 2016) y Le Jeu / Nothing to Hide (El juego, 2018), abordar el drama histórico con AdieuMonsieur Haffmann / Farewell, Mr. Haffmann (Adiós, señor Haffmann, 2021) y regresar a la comedia con Les Chèvres! / This Is the Goat! (2024).
Jesse Eisenberg (Nueva York, 1983) dirige a Julianne Moore y a Paul Giamatti en su tercer largometraje tras la cámara. The Debut (El debut), que sigue a una tímida ama de casa convertida inesperadamente en estrella de la música, está escrita, dirigida y producida por Eisenberg, que también actúa en la película y es el compositor de su música y sus letras originales. Su debut como director, When You Finish Saving the World (Cuando termines de salvar el mundo, 2022), inauguró la Semana de la Crítica de Cannes tras su estreno en Sundance, mientras que A Real Pain (2024) ganó el Premio Waldo Salt al mejor guion en Sundance y le valió, entre otros galardones, una nominación al Óscar y un BAFTA al mejor guion original. En su faceta de actor, Eisenberg ha trabajado con cineastas como Noah Baumbach, Kelly Reichardt, Woody Allen, Zack Snyder y David Fincher. Su interpretación en The Social Network (La red social, 2011) a las órdenes de Fincher le valió una nominación al Óscar al mejor actor.
La directora sueca AmandaKernell (Umeå, 1986) presentará Garrat du váimmu / Brace Your Heart, en la que una joven hace todo lo posible para mantener con vida el rebaño de renos de su familia, traspasando sus propios límites y renunciando a su verdadero amor. Kernell obtuvo con su primer largometraje, Sami Blood (2016), el Europa Cinemas Label Award y el Premio Fedeora a la mejor dirección novel en la sección Giornate degli Autori del Festival de Venecia, entre otros galardones. Su segunda película, Charter (2020), compitió en Sundance y fue elegida para representar a Suecia en los Óscar.
Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son es el tercer largometraje del brasileño Gabriel Martins (Belo Horizonte, 1987), en el que una mujer busca el perdón de las familias de un accidente provocado por su hijo. El primer filme de Martins, codirigido por Maurilio Martins, se estrenó en el Festival de Rotterdam bajo el título de No coração do mundo / In the Heart of the World (2019), mientras que su segundo largometraje, Marte um / Mars One (2022), fue presentado en Sundance. Asimismo, sus cortos han sido proyectados en festivales de todo el mundo, como por ejemplo la Quincena de Cineastas de Cannes, que acogió la proyección de Nada / Nothing (2017).
Tony Vahl competirá en la Sección Oficial con Krux. Inspirado en hechos reales, su debut en el largometraje narra la oscura historia de un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial, cuando el régimen nazi ordenó a sus ciudadanos no dejar con vida nada que el enemigo pudiera encontrar. La cineasta alemana ha dirigido cortometrajes como Pein (2014), nominado al Premio Alemán de Cortometrajes y premiado en el Festival de Dresde, y Gömböc (2010), estrenado en Locarno y ganador del Gran Premio del Festival de Bristol.
Estos seis largometrajes se suman a los diez títulos ya anunciados, que también competirán por la Concha de Oro: El mal padre, de Roberto Bueso;7:40 ce matin-là/ Milo, de Nicole Garcia;Sants / Saints, de Mikel Gurrea; Muyou no hito/In My Father’s Room, de Maha Harada;Mis muertos tristes/My Sad Dead, de Pablo Larraín;Tender Loving Care, de Mike Leigh;Markens Grode /Growth of the Soil, de Hans Petter Moland;Glaxo, de Benjamín Naishtat; 5 minutos más / 5 more minutes, de Javier Ruiz Caldera; yArtakalan/ What Remains, de Yeşim Ustaoğlu.
País(es) de producción: Hong Kong – EEUU – Corea del Sur
Intérpretes: Zheyan Li, Feng Qi , Sanming Han, Gang Zheng, Tao Guo
En un pueblo olvidado donde los hombres han aprendido a sobrevivir ocultando sus sentimientos y utilizando pocas palabras, un joven minero sin dinero pasa silenciosamente y a la deriva por una vida que apenas siente. Su entumecida rutina se ve rota por la llegada de una joven enigmática que atiza una curiosidad dormida y la promesa de algo nuevo. Él la sigue por un camino oscuro, dejando atrás la tranquila seguridad del único mundo que conoce, sin saber que esta desconocida no es lo que parece.
Intérpretes: Elli Sara Valkeapää, Andte Gaup-Juuso, Vincent Niia
Ejva hereda el rebaño de renos de su difunto padre. Mientras lucha por sacarlo adelante, Heaika, el jefe local, se enamora de ella y, aunque duda, Ejva se siente obligada a aceptarlo. Pero todo cambia cuando llega Nejla, primo de Heaika, y Ejva descubre el amor verdadero por primera vez. Sintiéndose traicionado y celoso, Heaika reacciona con dureza, dejando a Ejva con un trastorno que provoca que le tiemblen las manos de forma incontrolable, poniendo en peligro su capacidad para cuidar del rebaño.
Inspirada en hechos reales, Krux narra la oscura historia de un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial, cuando el régimen nazi ordenó a sus habitantes no dejar nada vivo que el enemigo pudiera encontrar. La mayoría de los hombres están en el frente. Lo que queda es un puñado de mujeres, niños y los pocos hombres a quienes se les permitió quedarse. La vida aún se sostiene en sus viejos rituales: escuela, iglesia, bodas, trabajo. Los vecinos todavía creen que todo terminará bien. Entonces el río devuelve cuerpos que nadie puede nombrar. Nadie sabe cuándo llegará el enemigo ni qué ocurrirá cuando lo haga. Los rumores llenan el silencio donde deberían estar los hechos. De ese silencio crece un miedo más grande que el propio enemigo
Intérpretes: Vincent Lindon, Tahar Rahim, Camille Cottin, Benjamin Lavernhe, Noémie Merlant, Vassili Schneider, Megan Northam, Marie Colomb
Tras 19 años en prisión por robar una hogaza de pan, Jean Valjean busca redención reinventándose como un respetado dignatario bajo una nueva identidad. Promete a Fantine, una trabajadora de fábrica moribunda, rescatar y proteger a su hija, Cosette, quien está siendo explotada y maltratada por la engañosa familia Thénardier. Mientras Valjean cría a Cosette como si fuera su propia hija, es perseguido sin descanso por el inspector Javert. En medio de la agitación social que sacude Francia, los destinos de Valjean, Cosette, su enamorado Marius y Javert se entrelazan en un París turbulento y revolucionario. A través de luchas, sacrificios y un profundo anhelo de justicia, Valjean se esfuerza por culminar su camino de redención y darle a Cosette un futuro de amor y libertad.
Intérpretes: Julianne Moore, Paul Giamatti, Halle Bailey, Jesse Eisenberg, Cara Buono, Craig Bierko, Eldar Isgandarov, Bernadette Peters
Cuando Mona Friedman consigue un pequeño papel en un teatro comunitario, pasa de ser una ama de casa tímida y discreta a convertirse en una apasionada actriz, dispuesta a hacer cualquier cosa para proteger la integridad artística de su papel, aunque eso signifique entrar en guerra con el autoritario director de la obra.
Cuando el autobús conducido por su hijo se precipita desde un paso elevado y causa la muerte de decenas de personas, Vicentina busca a las familias de las víctimas para pedirles disculpas y termina descubriendo los límites del perdón.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del film de terror Trees are Watching. Primera incursión en el género del realizador de origen iraní Bahman Ghobadi, Las tortugas también vuelan (2004), Media luna (2006) o Nadie sabe nada de gatos persas (2009), que tendrá su estreno mundial en la próxima edición del Festival de Toronto.
En Trees are Watching vemos como Darya, una escritora obsesionada con la resonancia espiritual de los árboles regresa a su ciudad natal, Mardin, con su hija sorda y se ve acosada por los recuerdos del pasado relacionados con Spin y Nihal, unas hermanas gemelas que conoció de niña. Al residir en la antigua casa familiar —rodeada de una deforestación masiva, salvo por un par de árboles siniestros plantados uno para cada hermana—, la inquietud de Darya se ve repentinamente agravada por las visitas nocturnas de una entidad maligna que adopta una forma aparentemente inofensiva: una silla fabricada con madera local. Al poco tiempo, mientras reflexiona sobre su relación llena de altibajos con Spin y Nihal —esta última afirmaba estar aterrorizada por un elemento igualmente temible, concretamente una bruja maternal que, según se decía, acechaba en el ruidoso aseo—, la cordura de Darya comienza a desvanecerse.
La película, con guion a cargo del propio Bahman Ghobadi, está protagonizada por Eva Green, Murat Yildirim, Lucas Akoskin, Zeynep Çamci, Eren Demir y Özlem Taş.
Agnès Varda (1928-2019) fue considerada en vida una de las mejores y más influyentes directoras de cine del siglo xx. Precursora de la nouvelle vague francesa, su producción cinematográfica es extensísima y de gran valor. Aun así, su legado se está desdibujando con el paso del tiempo. Buena parte de las nuevas generaciones de cinéfilos la desconocen. Normalmente, si acceden a alguna de sus obras, suele ser a los documentales. Ese extremo no tiene nada de malo, pero obvia el grueso de su trabajo ficcional. Este ensayo pretende reflexionar sobre sus menos conocidos filmes de ficción, pero sin abandonar el ámbito documental. Varda fue pionera en atravesar esa barrera difusa entre ambos modos de narrar. Dentro de su obra, indistintamente de géneros o mixturas, aparecen temas que la configuran como una autora universal, pertinente y de actualidad. El papel de la mujer en la sociedad, con referencias explícitas a un feminismo renovador, así como a su derecho a decidir sobre su cuerpo y sexualidad, la libertad del ser humano o lo absurdo de ciertas instituciones sociales son algunos de ellos. Asimismo, destila críticas al consumismo, cariño por los personajes marginales y destellos de memoria convertida en espejo. Popularizar a Varda, valorada hoy solo por un reducto de fieles entusiastas, es algo necesario por la potencia latente en su filmografía. Revisitar sus piezas y dotarlas de un sentido nuevo anhela reparar cierta invisibilización artística, a todas luces injusta, y profundizar en la realidad del arte de nuestro tiempo.
Autor: Juan Laborda Barceló, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 150
En un campamento de waterpolo masculino, un preadolescente de doce años con ansiedad social se ve arrastrado a formar parte de una cruel tradición que dice atacar a los que no se integran con una enfermedad llamada ‘La Plaga’. Pero a medida que se difuminan los límites entre el juego y la realidad, el chico teme que la broma pueda estar ocultando algo real.
El oscuro imaginario del infante/adolescente y la crueldad existente en dicho microcosmos son los principales protagonistas de la sugerente The Plague, drama con retazos de thriller psicológico, sin atisbo de componente fantástico, más allá de utilizar de forma puntual un extraño contagio cutáneo como metáfora del acoso escolar que mira de reojo la novela de William Golding Lord of the Flies.
Historia situada en un campamento de waterpolo masculino donde tendrá lugar, de forma parecida a la francesa Un monde (Laura Wandel 2021), aunque sin la agitación e hiperrealismo de esta, un laberíntico juego de dinámicas de poder entre alumnos que derivará en presiones grupales, inclusiones, exclusiones y al consabido desarrollo de la personalidad por parte del protagonista. Como punto a su favor, la ópera prima de Charlie Polinger, que, por momentos, parece deleitarse con las posibilidades estéticas que le brinda el tema, no recurre a retóricas manidas o catarsis violentas, y sí a una serie de matices expuestos a modo de una ponderable reflexión sobre las distintas maneras de afrontar el ser diferente.
‘Siempre soy tu animal materno’ de Valentina Maurel inaugurará Horizontes Latinos, que mostrará los trabajos de Ricardo Alves Jr., Juan Miguel Gelacio y Esteban Hoyos García, Lorenzo Ferro y Lucas A. Vignale, Alessandra Sanguinetti, Dominga Sotomayor y Bruno Santamaría Razo
Horizontes Latinos contará con una docena de títulos en la 74º edición del Festival de San Sebastián, que incluirá el estreno mundial de A Professora de Francês / The French Teacher, de Ricardo Alves Jr. Siempre soy tu animal materno / Forever Your Maternal Animal, de Valentina Maurel, inaugurará la sección, y la clausura correrá a cargo de Marcelo Martinessi con Narciso. La programación la completan largometrajes nominados y premiados en festivales como Cannes, Berlín o Locarno. Las películas seleccionadas, que están producidas total o parcialmente en América Latina, dirigidas por cineastas de origen latino o se enmarcan en comunidades latinas, optarán al Premio Horizontes Make & Mark.
Marina De Tavira, Daniela Marín Navarro y Mariangel Villegas se alzaron con el premio a mejor interpretación femenina en la sección Un Certain Regard de Cannes por Siempre soy tu animal materno / Forever Your Maternal Animal. La segunda película de Valentina Maurel (San José, 1988) que inaugurará la sección, cuenta el regreso de Europa a Costa Rica de una joven que, al llegar a casa, se encuentra a su familia totalmente dividida. La cineasta costarricense obtuvo con su primer largometraje, Tengo sueños eléctricos (2022), más de treinta galardones internacionales, entre los que destacan los premios a la mejor dirección, actriz y actor en el Festival de Locarno, y el Premio Horizontes en el Festival.
El estreno mundial de A Professora de Francês / The French Teacher es el cuarto largometraje de ficción de Ricardo Alves Jr. (Belo Horizonte, 1982). El director, guionista, productor y director de teatro brasileño, que ha desarrollado su carrera entre el cine experimental, la no ficción y la ficción, presenta este thriller psicológico en el que una mujer regresa a casa tras enfermar su padre y es acogida por vecinos de una congregación religiosa que amenazan su identidad y su cordura.
Tras presentar en WIP Latam 2023 su primer largometraje Selva / Jungle, el dúo, formado por los colombianos Juan Miguel Gelacio (Bogotá, 1995) y Esteban Hoyos García (Bogotá, 1995) regresa a San Sebastián para presentar su última película Cinco años, cuatro meses / Five Years, Four Months, estrenada en Karlovy Vary. El filme, que en su fase de postproducción obtuvo el Premio EGEDA Platino Industria al Mejor WIP Latam 2025 con el título A la hora de poner la mesa ya no éramos cinco, cuenta la historia de una mujer que sigue el rastro de un oscuro rumor para encontrar a su hijo desaparecido en el conflicto armado de Colombia.
El tren fluvial / The River Train narra el sueño de un bailarín de malambo de nueve años que anhela viajar en tren y conocer Buenos Aires. El filme, dirigido por Lorenzo Ferro (Buenos Aires, 1998) y el recientemente fallecido Lucas A. Vignale (Buenos Aires, 1997-2026), llegará al Festival tras su paso por la sección Perspectives de la Berlinale. Ferro, debuta como cineasta en San Sebastián, un certamen que conoce bien como actor gracias a El Ángel / The Angel (Perlak, 2018), Simón de la montaña / Simon of the Mountain (Horizontes Latinos, 2024) o Cómo ser Pehuén Pedre / How to Be Pehuén Pedre (Zabaltegi-Tabakalera, 2024), interpretaciones por las que recibió diversos reconocimientos en Latinoamérica. Su primer trabajo detrás de las cámaras fue el cortometraje La Pasión (2025), codirigido junto a Vignale. Este último desarrolló buena parte de su trayectoria como realizador especializado en la industria musical, colaborando con artistas como Bizarrap, Nicki Nicole o Nathy Peluso, entre otros. Además, es autor del documental Tripolar 360 (2024), y de varios trabajos de ficción en formato corto y mediometraje.
La reputada fotógrafa Alessandra Sanguinetti (Nueva York, 1968) hace su primera incursión en el cine con La ilusión de un verano sin fin / The Illusion of an Everlasting Summer, una no ficción presentada en la sección Cineasti del Presente del Festival de Locarno. El filme, rodado a lo largo de 25 años, acompaña a Guille y Belinda, dos primas que viven en la pampa argentina y que pasan de la fantasía de la infancia y los deseos de la adolescencia, a los desafíos de la maternidad. Las obras de Sanguinetti, que es miembro de Magnum Photos desde 2007, forman parte de las colecciones del MoMA de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art, el Museum of Fine Arts de Houston y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.
Después de inaugurar Horizontes Latinos en 2025 con el estreno mundial de Limpia, Dominga Sotomayor (Santiago de Chile, 1985) regresa al Festival para mostrar La Perra. El filme, que ha recibido un Palm Dog en la Quincena de Cineastas de Cannes, es una adaptación libre de la novela homónima de Pilar Quintana en la que aborda el duelo íntimo por una maternidad que no fue y cuyas heridas se reabren al aparecer una cachorra abandonada. La cineasta chilena ha dirigido además otros títulos como De jueves a domingo (2012), Tarde para morir joven (2018) y el cortometraje Correspondencia, codirigido con Carla Simón (Zabaltegi-Tabakalera 2020).
El director de fotografía y realizador de largometrajes de no ficción Bruno Santamaria Razo (Ciudad de México, 1986) se lanza a la ficción con Seis meses en el edificio rosa con azul / Six Months In a Pink & Blue Building, estrenado en la Semana de la Crítica de Cannes y que en 2022 recibió el Premio al Mejor Proyecto del Foro de Coproducción y el Premio Dale! (Desarrollo América Latina-Europa). El filme, ambientando en los años 90 en México, se centra en un niño de 11 años que descubre su deseo por su mejor amigo, mientras lidia con la enfermedad de su padre, diagnosticado de VIH.
Todos estos títulos se suman a las películas con coproducción española ya anunciadas, como Ceniza en la boca / Ashes,de Diego Luna; Chicas tristes / Sad Girlz, de Fernanda Tovar; El deshielo / The Meltdown, de Manuela Martelli; Moscas / Flies, de Fernando Eimbcke, y Narciso, de Marcelo Martinessi, que será la encargada de clausurar la sección.
Estos doce títulos que componen la sección Horizontes Latinos optan al Premio Horizontes Make & Mark, dotado con 35.000 euros destinados al productor mayoritario y al distribuidor español de la película. Además, Narciso; Chicas tristes; El Deshielo; Cinco años, cuatro meses; El tren fluvial; Soy tu animal materno, y La ilusión de un verano sin fin, al tratarse de las primeras o segundas películas de su directora o director optan también al Premio DAMA de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
País(es) de producción: Bélgica – Francia – México
Intérpretes: Daniela Marín
Inauguración
Tras años estudiando en Europa, Elsa regresa a Costa Rica para reunirse con su familia. Allí, encuentra a su hermana menor viviendo sola en la casa familiar, cada vez más distante y solitaria, como si se hubiera sumergido en su propio mundo. Mientras tanto, sus padres están absortos en sus propias vidas. Su padre va de un lado a otro con una serie de aventuras amorosas, mientras que su madre está inmersa en la reedición de los poemas eróticos de su juventud, sin que ninguno de los dos comprenda del todo la urgencia de la situación.
Paraguay, 1959. Bajo un régimen militar sofocante, Narciso regresa de Buenos Aires fascinado por el rock and roll. Carismático, enigmático y deseado por hombres y mujeres, pronto se convierte en una estrella de la radio y en un símbolo de libertad. Pero tras su último show aparece sin vida. En un país donde el silencio domina y el miedo asfixia la verdad… ¿quién mató a Narciso?
País(es) de producción: Brasil – Francia – Portugal
Intérpretes: Grace Passô, Jehnny Beth, Pedro Goifman
Proyecta 2018
Graça vive en Belo Horizonte, donde imparte clases particulares de francés y convive con su novia francesa. Tras una emergencia de salud de su padre, regresa a la casa de su infancia en las afueras. Allí, una familia vecina que lidera una congregación religiosa local le ofrece apoyo. Mientras intentan devolverla a «su lugar», Graça queda atrapada en un mundo de intolerancia y fanatismo, lo que la conduce por un inquietante camino hacia la pérdida de la cordura.
En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban.
La Maestra y Paula son las mejores nadadoras de su equipo y mejores amigas hasta que un incidente en una fiesta lo trastoca todo. La Maestra, intensa e imparable, nota que algo en su mejor amiga ha cambiado: ahora está triste. Cuando la verdad sale a la luz, ambas se enfrentan a una decisión imposible: Paula quiere guardar silencio, y la Maestra quiere justicia. Su amistad, antes invencible, se pone a prueba como nunca.
Juan Miguel Gelacio (Colombia), Esteban Hoyos García (Colombia)
País(es) de producción: Colombia – EEUU
Intérpretes: Jenny Nava, Carmiña Martínez
WIP Latam 2025
Martha, una madre que perdió el rastro de su hijo durante el conflicto armado colombiano, recibe la noticia de que no se encontró ninguna coincidencia ósea en la última exhumación en la que había participado. Tras agotar todas las vías institucionales, acude a un grupo de mujeres en el que conoce a Sandra, quien le habla de un rumor: “En un pueblo remoto de las llanuras, puedes pedirle un favor a un muerto”. Juntas emprenden un viaje en busca de respuestas.
País(es) de producción: Chile – EEUU – España – México
Intérpretes: Maya O’Rourke, Saskia Rosendahl, Maia Rae Domagala, Jakub Gierszal, Paulina Urrutia
Proyecta 2022
Chile, 1992. Durante su estancia en el hotel de sus abuelos en las montañas, Inés se hace amiga de Hanna, una esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece sin dejar rastro, su búsqueda revela verdades que se mantenían ocultas.
Milo, de 9 años, vive en un remoto pueblo de Argentina, donde se forma como bailarín de malambo. Sin embargo, sus verdaderos sueños apuntan a otra parte: anhela viajar en tren y explorar Buenos Aires, la ciudad que solo ha visto en películas. Para liberarse de su pequeño mundo, deberá atreverse a emprender un nuevo viaje.
El documental arranca en 1999, cuando Sanguinetti invita a sus vecinas de nueve años a compartir sus fantasías, iniciando una colaboración de décadas. Mientras Guillermina y Belinda dejan la infancia, sus juegos adquieren el peso de la realidad. Con el paso del tiempo como eje, la película registra su amistad frente al trabajo, la maternidad y futuros distintos. En la pampa argentina, el film ofrece una mirada femenina sobre una región mitologizada por hombres.
Intérpretes: Manuela Oyarzún, David Gaete, Selton Mello, Paula Luchsinger, Paula Dinamarca, Rafaella Grimberg
En una remota y ventosa isla chilena, Silvia se gana la vida recolectando algas marinas y lleva una vida tranquila junto a su pareja. Cuando adopta a Yuri, una cachorra abandonada, sus días se llenan de tanta alegría, amor y ternura que se vuelve a despertar su deseo de ser madre, que había reprimido durante un largo tiempo. Pero la desaparación repentina de Yuri reaviva un trauma infantil que no había dejado de atormentar a Silvia y le fuerza a enfrentarse a un pasado que nunca había superado.
Desde que Olga sufrió una gran pérdida, se ha aferrado a la soledad, pero la falta de dinero para llevar a cabo una intervención quirúrgica en el dedo gordo de su pie la orilla a rentar un cuarto de su departamento a Tulio, el marido de una paciente hospitalizada en el centro médico que se encuentra frente al enorme multifamiliar en el que vive Olga. Cuando el hombre debe irse por unos días y deja a su hijo Cristian en su lugar.
Ciudad de México, principio de los años 90. El día que Bruno cumple 11 años se enamora de su mejor amigo Vladimir. Esa noche su padre recibe un diagnóstico de VIH positivo que transforma la vida familiar. Como en las canciones de salsa, su familia intenta cantar y bailar para espantar el dolor. Treinta años después, Bruno filma y reimagina la memoria de aquello que de niño no logró comprender del todo.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del drama The Only Living Pickpocket in New York. Dirigida por Noah Segan, Scare Package (2019) y Blood Relatives (2022), la película, tras pasar por festivales como Sundance, Berlín o el inminente TIFF, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 23 de octubre de 2026.
The Only Living Pickpocket in New York nos muestra como en sus días de gloria, las habilidades exquisitamente perfeccionadas y la infalible astucia callejera del experto carterista Harry Lehman (John Turturro) lo convirtieron en un maestro de su oficio. Ahora, a punto de cumplir 70 años, vive en una ciudad de Nueva York muy cambiada, donde el ciudadano medio ya no lleva grandes cantidades de efectivo ni relojes caros, donde las tarjetas de crédito se pueden cancelar al instante y los teléfonos móviles se pueden rastrear con la misma rapidez. Harry sigue siendo un tipo analógico en un mundo digital, luchando por llegar a fin de mes. En una de sus rondas nocturnas, sin darse cuenta le roba una valiosa memoria USB a un joven rico y fiestero, que resulta ser Dylan Diamond (Will Price), el heredero de una despiadada familia criminal que no se detendrá ante nada para recuperar sus propiedades. El viaje para recuperar la memoria USB llevará a Harry a través de los cinco distritos de la ciudad de Nueva York, mientras revisita el mundo de su pasado que se desvanece rápidamente.
La película, con guion a cargo del propio de Noah Segan, está protagonizada por John Turturro, Steve Buscemi, Giancarlo Esposito, Will Price, Tatiana Maslany, Jamie Lee Curtis, Victoria Moroles, Karina Arroyave, Tommy Bayiokos, Delaney Grace Coyle, Ethan Herschenfeld, Michael Hsu y Kelvin Han Yee.
Tras su paso por la Berlinale y la vertiente presencial del Atlàntida Mallorca Film Fest, llega a la plataforma la delicada ópera prima de Muriel d’Ansembourg, una reflexión sobre la educación afectiva de las nuevas generaciones a través del hijo de un productor de cine para adultos.
El próximo 14 de agosto, Filmin estrena «Truly Naked», el debut en el largometraje de la directora belga Muriel d’Ansembourg, nominada al BAFTA por su cortometraje «Good Night». Tras su paso por la sección Perspectives de la Berlinale y su proyección en la vertiente presencial del Atlàntida Mallorca Film Fest, la película llega ahora a la plataforma como parte de la sección Trends.
Ambientada en un pequeño pueblo costero británico, «Truly Naked» transforma una premisa tan insólita como sugerente en un delicado relato de iniciación. A través de la historia de Alec, un adolescente criado en el negocio familiar de la pornografía, Muriel d’Ansembourg explora el despertar sentimental de una generación que ha crecido rodeada de imágenes sexuales, pero no siempre de educación afectiva.
Sinopsis Alec, un adolescente introvertido y de voz suave, siempre ha visto la vida a través del prisma del pequeño negocio de pornografía de su padre. Cuando se mudan de Londres a un tranquilo pueblo costero, Alec espera empezar de cero, intentando hacer amigos sin revelar la naturaleza de su vida poco convencional. Todo cambia cuando conoce a la ferozmente independiente Nina, cuyas convicciones redefinen el mundo en el que él ha crecido. A medida que su relación se profundiza, la comprensión de Alec sobre la sexualidad y el deseo empieza a cambiar. Lo que comienza como una conexión improbable evoluciona hacia una historia tierna e inesperadamente conmovedora sobre el descubrimiento de la verdadera intimidad… y lo que realmente significa ser visto.
Una mirada sin prejuicios
Aunque la pornografía marca el contexto en el que crece su protagonista, «Truly Naked» nunca pretende ser una película sobre la industria del cine para adultos. Muriel d’Ansembourg utiliza ese universo como punto de partida para reflexionar sobre cómo construimos nuestra idea del sexo, el deseo y las relaciones afectivas, especialmente en una generación que ha crecido rodeada de imágenes sexuales, pero no necesariamente de educación emocional.
«Vivimos rodeados de sexualidad; se utiliza para vender absolutamente todo y, al mismo tiempo, sigue estando rodeada de vergüenza y de juicios. Me parece algo profundamente triste», explica la directora. «La sexualidad puede enseñarnos mucho sobre nosotros mismos y sobre nuestra forma de relacionarnos con los demás.»
Una idea que también comparte la actriz de cine para adultos Alessa Savage, que participa en la película: «Lo que ves en el porno no está pensado para reproducirse en casa. La verdadera intimidad debería sentirse mejor de lo que parece.»
Un coming-of-age sobre aprender a querer
«Truly Naked» es, en esencia, la historia del despertar emocional de Alec: su primer amor, el descubrimiento de una forma distinta de entender la intimidad y la compleja relación con un padre que, pese a haber normalizado su trabajo en la industria pornográfica, siempre ha intentado protegerle. El resultado es un coming-of-age que habla menos del sexo que de la dificultad de mostrarse vulnerable y construir vínculos auténticos.
«Quería hablar de personas imperfectas atravesando situaciones complicadas, pero que, por encima de todo, desean encontrar algo verdadero con otra persona», resume d’Ansembourg.
Esa misma idea atraviesa el viaje de Alec, interpretado por el debutante Caolán O’Gorman: «En el fondo, esta no es una película sobre el porno. Es una historia sobre romper con los patrones heredados y dejar de observar la vida desde detrás de una cámara para empezar, por fin, a vivirla.»
Nombrar las cosas por su nombre es, de entrada, un ejercicio de visibilidad. Las películas de esta sesión ponen sobre la mesa la inestabilidad de esta relación. Este programa de proyecciones está vinculado al Aula Xcèntric, dedicada este año al uso de la palabra en el cine experimental.
Guy Sherwin recoge en Messages las asociaciones que hace su hija entre los dos y los cuatro años, justo cuando empieza a ordenar el mundo a través de las palabras y a cuestionar la naturaleza de ciertas conexiones. Las imágenes, entonces, se incorporan para explorar la rara y maravillosa capacidad del cine para hacer que, al allanar todo sobre la superficie de la pantalla, el árbol, por ejemplo, sea, simplemente, el árbol, sin agotar, pero, el misterio que representa para cada uno desde la intimidad de su butaca.
A The leaden echo and the golden echo Margaret Tait recoge el poema de Gerard Manley Hopkis para bajar a la tierra el sentido trascendental que proclama la belleza. Las palabras, sujetas a las idiosincrasias de la voz de quien las pronuncia, se hacen hueco entre los elementos cotidianos de un mundo que las incorpora, les responde y, a veces, también las rechaza.
Gently Down the Stream se aboca a la desconfianza hacia un lenguaje travesado y malogrado por las convicciones que lo sostienen. A través de los descosidos del espacio onírico, las palabras rayadas directamente sobre el material fílmico y unas imágenes que van desnudando cualquier pretensión de coherencia, la película deshace la posibilidad de un relato estable sobre la identidad, aquí escindida entre la educación católica y el deseo lésbico.
Entre la experiencia privada del mote y el uso que arrastra la memoria y las formas compartidas, es cuestión de tiempo que todo se vuelva opaco. En la oscuridad de la pantalla negra, Black, de Anouk de Clercq, se pregunta por la materialidad de la misma oscuridad y por la posibilidad de una imagen que devuelva la claridad al mundo.
Empujando el medio fílmico al límite de una correspondencia siempre intermediada entre lenguaje y referente. Las cuatro películas ensayan diferentes maneras de poner las palabras en relación con una realidad más o menos visible, más o menos reconocible, más o menos descifrable. «Los nombres son eso que ves cuando miras las cosas», se lee en el inicio de Messages, una frase que aparece con la claridad de un sol de mediodía y que parece reverberar a lo largo de todo el programa.
Messages, Guy Sherwin, 1981-1983, 16mm, 34 min; The leaden echo and the golden echo, Margaret Tait, 1955, 16mm, 7 min; Gently down the stream, Su Friedrich, 1981, 16mm, 14 min; Black, Anouk de Clercq, 2015, 35mm, 5 min.
Las películas de esta sesión serán tratadas en profundidad en las ponencias de Aula Xcèntric «Grabada, escrita, pronunciada. La palabra en el cine experimental». Consulta el programa.
Copias de Messages y Gently down the stream procedentes de Lightcone. Copia deThe leaden echo and the golden echo procedente de LUX. Copia de Black procedente de Argos.
No se podrá acceder a la sala una vez iniciada la proyección.
Precios
5 € / 4 € Reducida Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y en línia. Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas. Entradas disponibles a partir de septiembre.
Con su vida literalmente derrumbándose a su alrededor, Linda intenta lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, su marido ausente, una persona desaparecida y una relación cada vez más hostil con su terapeuta.
En If I Had Legs I’d Kick You asistimos a una frustración que, a semejanza de ciertas coordenadas narrativas presentes en aquella frenética y desquiciada cinta británica titulada Surge (Aneil Karia, 2020), nos muestra el colapso interno de un personaje omnipresente en cada plano de la película; Rose Byrne, como una sufrida madre que tendrá que enfrentarse, con un marido ausente, entre otras cosas, a la enfermedad de su hija.
La maternidad como campo de batalla psicológico es una temática que empieza a mostrar numerosos signos de agotamiento, especialmente en digresiones tan cuestionables como, por ejemplo, las recientes Nightbitch (Marielle Heller, 2024) o Salve María (Mar Coll, 2024). En dicho apartado, el film de Mary Bronstein sale relativamente airoso en relación con dichas comparativas, especialmente siendo entendida, salvando las distancias, como una suerte de versión mumblecore de Eraserhead (David Lynch, 1977), con relación a mostrar una fuga disociativa sobre un estado de ansiedad maternal a medio camino entre la psicopatía y la parodia.
Sucio, fuerte y ejecutor. La ley de Harry Callahan es un profundo y concienzudo ensayo que nace de nuestra imperiosa necesidad de rendir tributo a la figura de Harry Callahan, uno de los mayores iconos del cine policíaco estadounidense.
Deteniéndonos minuciosamente en cada una de las cinco películas que componen la saga, hemos procurado analizar con la máxima lucidez posible todos aquellos factores que, a nuestro juicio, contribuyen a definir a nuestro personaje. Pero no sólo eso. Sucio, fuerte y ejecutor. La ley de Harry Callahan también profundiza en los antecedentes cinematográficos de Callahan, en sus secuelas, en su hábitat urbano, en su relevancia como icono pop, en su visión contemporánea y, sobre todo, en sus dos grandes puntas de lanza: Don Siegel y Clint Eastwood.
De lo que no nos cabe ninguna duda, en definitiva, es que Harry el sucio supone un punto de inflexión en la historia del cine policíaco. Para nosotros existe un antes y un después de Harry. Y eso es, precisamente, lo que este libro pretende contaros.
Autor: Xavi J. Prunera y Lluís Nasarre. Textos adicionales: Jaime Vicente Echagüe, Joel Moreno y Ad. Prólogo: Miguel Juan Payán. Portada: Valen García Rodríguez (aka Ron B. Sobbert), Editorial: Applehead team, Colección: Actioner Applehead, Páginas:
Denis Côté, uno de esos autores cuyos trabajos desafían constantemente el lenguaje cinematográfico, tras su incursión en la no ficción con la reciente Paul (2025) regresa a sus habituales universos herméticos con Violence du corps de l’autre. Película, cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, que estará presente en la próxima edición del Festival de Locarno.
En Violence du corps de l’autre vemos como sin un rumbo fijo en la vida ni una dirección que la guíe, Mira se une a Madeleine y Ludo, dos hedonistas de espíritu libre que viven en lo profundo del bosque. Allí comienza a cuestionar su vida errante y a reconsiderar los oscuros pactos que sella con las almas desesperadas que buscan su ayuda.
La película, con guion a cargo del propio Denis Côté, está protagonizada por Larissa Corriveau, Philippe Rebbot, Xavier Bergeron, Gabrielle Lazure y Pierrette Robitaille.
Acaba de ser presentada de la mano de A24 un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut de Lance Oppenheim en el largometraje de ficción titulado Primetime. La película, tras su paso por el inminente festival de Venecia donde competirá por el León de Oro, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 25 de septiembre de 2026.
Ambientada en el año 2006 y basada en hechos reales, el film sigue a Chris Hansen mientras desarrolla para la NBC el controvertido programa de televisión ‘To Catch a Predator‘, en el que se organizan operaciones encubiertas para descubrir y detener a presuntos depredadores sexuales. A medida que el programa se convierte en un fenómeno televisivo, Hansen debe enfrentarse a las implicaciones éticas de convertir investigaciones criminales en entretenimiento, mientras se adentra en un peligroso submundo del crimen y la manipulación mediática.
Primetime, con guion a cargo de Ajon Singh, está protagonizada por Robert Pattinson, Merritt Wever, Skyler Gisondo, Matthew Maher, Phoebe Bridgers, Bokeem Woodbine, Sean Bridgers, Ja’Quan Monroe-Henderson, Russell C. Gibbs, Stanley White Jr., Jessica Blackmore, Ernest Marsh y Brittany Seals.
Natalia, Mariela y Josefina son tres inseparables amigas que viven en las afueras de Buenos Aires y están locamente enamoradas de Diego, su amigo de la infancia. En un verano caluroso de 2001, tras el estallido de violencia que terminó en una profunda crisis económica y social, aparece Silvia, más mayor y más mundana, que cautiva a Diego. Natalia, decidida a reconquistar a Diego, pide ayuda a su abuela, Rita, que la adentrará en el reino de los hechizos y la magia negra.
El retrato alegórico femenino llevado al fantástico continuó siendo el denominador común en el pasado Festival de Sitges, siendo varias las propuestas que orbitaron alrededor de dicho concepto. A tal respecto, la cinta argentina La virgen de la tosquera de Laura Casabé deviene una metódica adaptación de dos cuentos de Mariana Enríquez, El carro y La virgen de la tosquera, pertenecientes a la colección Los peligros de fumar en la cama.
Película que difumina con solvencia los límites entre el terror psicológico y lo social, donde el componente fantástico, manifestado de forma abrupta en un final que posa su mirada sobre el cuento gótico y el ritual pagano, se adentra en un inquietante contexto de realidad; un caluroso verano ubicado en una apocalíptica Argentina al borde del colapso económico del 2001. Se agradece que, mediante oscuras exploraciones del deseo y el poder en el imaginario adolescente, se pervierta ese concepto tan manido del coming-of-age, aquí expuesto desde una perspectiva que sondea el horror de la adolescencia a través del retrato de una joven insatisfecha consigo misma, con el sexo y con todo lo que la rodea.
El realizador británico Christopher Smith, tras películas como Creep (2004), Severance (2006), Triangle (2009) o Black Death (2010), regresa al género fantástico con la comedia de terror titulada Spider Island, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Spider Island, que estará presente en la próxima edición del FrightFest de Londres, nos cuenta como en una apartada isla tropical privada, el hotel Oceania Pearl invita a un grupo de famosos influencers de las redes sociales a su fiesta de inauguración para consolidar su posición como uno de los complejos turísticos más lujosos del mundo. Pero bajo su brillante fachada, el hotel esconde un secreto de pesadilla… Las cuevas subterráneas perturbadas durante una reciente construcción han despertado a una horda de arañas mortíferas, dispuestas a recuperar su hábitat natural.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Christopher Smith junto a Christopher Jolley y David Quantick, está protagonizada por Rose Williams, Tim McInnerny, Andy Nyman, Anuschka van Lent, Carlotta Banat, Lena Mahfouf, Abraham Lewis, Avani Gregg, Edeen Bhugeloo y Divian Ladwa.
El cineasta alemán será homenajeado en la gala de apertura y presentará su película ‘Bucking Fastard’ tras su estreno en Venecia
El director, guionista, productor y actor Werner Herzog recibirá un Premio Donostia en reconocimiento a su carrera durante la gala de apertura del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre en su 74ª edición. La máxima distinción honorífica del Festival para el cineasta alemán irá acompañada de la proyección de su nuevo largometraje, Bucking Fastard, que competirá en el próximo Festival de Venecia.
A lo largo de una carrera que abarca seis décadas, Werner Herzog se ha convertido en una de las figuras más influyentes del cine contemporáneo, construyendo una obra extraordinaria ―alrededor de 80 filmes― y moldeada por la obsesión, las situaciones extremas y las contradicciones de la naturaleza humana. Sus películas, tanto de ficción como de no ficción, están pobladas por soñadores y conquistadores que se enfrentan a paisajes extremos y fuerzas que escapan a su control. Guiado por su concepto de «verdad extática», Herzog defiende un cine que trasciende la mera observación de los hechos para revelar una dimensión más profunda y poética de la realidad.
La proyección del Premio Donostia, que tendrá lugar en el Teatro Victoria Eugenia antes de la ceremonia de entrega en el Kursaal, contará con la última película de Werner Herzog. Protagonizada por Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom y Domhnall Gleeson, Bucking Fastard cuenta la inusual historia de dos hermanas gemelas cuyo vínculo extraordinario las lleva a hablar al unísono, amar al mismo hombre y compartir los mismos sueños.
Biografía
Nacido en Múnich en 1942, Werner Herzog creció en un valle remoto de las montañas bávaras. Hasta los 11 años ni siquiera conocía la existencia del cine. Comenzó a desarrollar proyectos cinematográficos a los 15 años y, dado que nadie parecía dispuesto a financiarlos, durante sus últimos años de instituto trabajó en el turno de noche de una fábrica de acero como soldador. También empezó a viajar a pie.
Hizo su primera llamada telefónica a los 17 años y su primera película a los 19. Abandonó la universidad, donde estudió historia y literatura.
Desde entonces ha escrito, producido y dirigido unas 80 películas, entre las que figuran Aguirre, der Zorn Gottes / Aguirre, the Wrath of God (Aguirre, la cólera de Dios, 1972); Fitzcarraldo (1982), para la cual trasladó un barco de vapor sobre una montaña en plena selva; Grizzly Man (2005) y Cave of Forgotten Dreams (La cueva de los sueños olvidados, 2010).
Ha publicado libros de poesía y prosa como Of Walking In Ice (Del caminar sobre hielo), Conquest of the Helpless (Conquista de lo inútil) y, recientemente, la novela The Twilight World (El crepúsculo del mundo).
Ha sido director de escena de una docena de óperas en Bayreuth y en La Scala de Milán, así como en otros teatros de ópera alrededor del mundo.
También ha actuado en películas como Jack Reacher, The Mandalorian y en papeles como invitado en Los Simpson. Creó una instalación artística, Hearsay of the Soul, para la Bienal del Whitney Museum de Nueva York y el Getty Museum de Los Ángeles. Fundó Rogue Film School como contrapunto a lo que se enseña en la mayoría de las escuelas de cine del mundo.
Intérpretes: Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom, Domhnall Gleeson
Bucking Fastard trata sobre dos hermanas, Jean y Joan Holbrooke, que están tan unidas que hablan al unísono, aman al mismo hombre y comparten los mismos sueños. Incluso cometen el mismo desliz al mismo tiempo. No podemos ver el mundo tal y como ellas lo ven, pero sí vemos cómo el mundo reacciona ante ellas: a través de los tribunales y la prensa, de quienes quieren ayudarlas y de quienes pretenden aprovecharse de ellas.
El próximo 14 de agosto, Filmin estrena «El sonido de la caída», la nueva película de la directora alemana Mascha Schilinski.Ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes y gran vencedora de los Premios del Cine Alemán, donde obtuvo 10 galardones de 11 nominaciones, la película se ha consolidado como una de las propuestas más celebradas del cine europeo de los últimos años.
Ambientada en una antigua granja del norte de Alemania, «El sonido de la caída» entrelaza las vidas de cuatro niñas separadas por casi un siglo. A través de una narración fragmentada que hace convivir pasado y presente, Schilinski compone un relato hipnótico sobre la memoria, el tiempo y las huellas invisibles que dejan varias generaciones de mujeres en un mismo lugar.
Sinopsis Cuatro niñas, Alma, Erika, Angelika y Lenka, pasan su juventud en la misma granja del norte de Alemania. A medida que la casa evoluciona a lo largo de un siglo, los ecos del pasado perduran en sus paredes. Aunque separadas por el tiempo, sus vidas empiezan a conectarse y reflejarse entre ellas.
Un laberinto de recuerdos
Mascha Schilinski convierte la memoria en el auténtico motor de la película, alejándose de cualquier narración lineal. El relato avanza mediante asociaciones, ecos visuales y pequeños gestos que enlazan a sus protagonistas a través del tiempo, como si los recuerdos de unas acabaran infiltrándose en la vida de las otras.
«La memoria y la imaginación se mezclan constantemente», explica la directora. «No recordamos los hechos de forma cronológica, sino emociones, habitaciones, imágenes que reaparecen muchos años después.»
Esa misma lógica impregna la puesta en escena. La cámara atraviesa puertas, habitaciones y décadas como una presencia silenciosa que intenta reconstruir las vidas de quienes habitaron la casa. Más que un escenario, la granja termina convirtiéndose en un espacio donde el tiempo parece haberse plegado sobre sí mismo.
El peso invisible de lo heredado
Sin recurrir a explicaciones psicológicas ni a grandes revelaciones dramáticas, «El sonido de la caída» reflexiona sobre la forma en que los traumas, los silencios y la violencia atraviesan las generaciones. Schilinski sugiere que ciertas experiencias permanecen inscritas en los lugares y en los cuerpos mucho después de haber sido olvidadas, manifestándose como intuiciones, miedos o recuerdos que nunca llegaron a vivirse.
«Todos podemos sentir cosas que ocurrieron antes incluso de haber nacido, acontecimientos que han moldeado a quienes vinieron antes que nosotros», afirma la directora. Una idea que atraviesa toda la película y que encuentra en la infancia el territorio perfecto para explorar aquello que todavía no puede explicarse con palabras, pero que, de algún modo, sigue presente.
Una aproximación original e imprescindible al universo del legendario cofundador de Studio Ghibli, premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2026.
Explora las fuentes de inspiración de las obras de Hayao Miyazaki, uno de los creadores de cine de animación más importantes de todos los tiempos.
Miyazaki es capaz de imaginar y poblar mundos como ningún otro director o creador de animaciones. Sus brillantes películas, como Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro o El chico y la garza, las dos últimas ganadoras de un Óscar, desarrollan una versión completa y fascinante de la realidad.
Este libro explora la creación de esos mundos, conectando su origen con los intereses, las obsesiones y las influencias del director japonés.Al hablar de las ubicaciones geográficas reales citadas por Miyazaki, de sus propias creencias y biografía, del impacto del manga y del anime, de aspectos de la cultura japonesa tradicional y de los muchos escritores, artistas y cineastas a los que admira, esta obra ofrece una nueva manera de entender y disfrutar sus magistrales películas.
Tras su estreno mundial en la Sección Oficial del pasado Festival de Cannes, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler internacional, que podéis ver a final de página junto a su póster promocional, de la nueva película del sudcoreano Na Hong-jin titulada Hope. Film, que mezcla géneros como la ciencia ficción, acción o comedia, que se estrenará comercialmente en nuestro país, previo paso por los Festivales de San Sebastián y Sitges, a finales de año de la mano de Mubi.
La película nos sitúa en Hope Harbor, una aldea remota cerca de la Zona Desmilitarizada (DMZ) que separa las dos Coreas. Lugar donde los refuerzos se han desviado para combatir los incendios forestales y se han cortado todas las comunicaciones. El jefe del puesto policial de Hope, Bum-seok, y la agente Sung-ae luchan por defender un pueblo de extraños fenómenos, mientras que en las montañas, Sung-ki y los lugareños que se han lanzado a la búsqueda de una bestia. Lo que comienza como un acto de ignorancia siembra la semilla de un desastre, que se intensifica a través del conflicto humano hasta convertirse en una tragedia de proporciones cósmicas.
Hope, con guion a cargo del propio Na Hong-jin, está protagonizada por Hwang Jung-min, Zo In-sung, Jung Ho-yeon, Taylor Russell, Cameron Britton, Michael Fassbender, Alicia Vikander y Eum Moon-Suk.
El ciclo se completará con un libro sobre la obra completa de Giovanni escrito por Felipe Cabrerizo
Un total de 20 largometrajes estrenados entre los años 1960 y 2001 integrarán la retrospectiva dedicada al cineasta, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés. En su 74ª edición, el Festival de San Sebastián recuperará la práctica totalidad de la obra que Giovanni firmó como director, así como ocho títulos que escribió para realizadores como Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico.
Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación del libro José Giovanni. No hay vida plena sin piedad, escrito por Felipe Cabrerizo y editado por Quim Casas, crítico y miembro del comité de Selección del Festival. El estudio recorre toda la obra como novelista, guionista y director de Giovanni, así como aquellos aspectos de su vida envueltos en cierta polémica, desde su cometido durante la ocupación alemana hasta su intento de huida de la cárcel.
El libro, editado en castellano e inglés, es el quinto de la colección impulsada por el Festival y la Filmoteca Vasca tras los dedicados a Claude Sautet, Hiroshi Teshigahara, el cine policíaco italiano y la guionista Lillian Hellman.
En esta ocasión fue Claude Sautet quien llevó a la pantalla otra novela de un Giovanni que empezaba a ser muy requerido en el cine. Lino Ventura es Abel Davos, un criminal que consigue huir a Italia con su familia eludiendo el cerco policial. Pero tras una escaramuza en la frontera, el protagonista se queda solo con sus hijos. Se basa, con el nombre ligeramente cambiado, en un gánster que durante la ocupación colaboró con la Gestapo francesa.
Intérpretes: Michel Constantin, Jean Keraudy, Philippe Leroy, Marc Michel, Raymond Meunier
En su película póstuma, Jacques Becker adaptó la novela de Giovanni en la que relata su intento de fuga de la cárcel de La Santé. El escritor acabó participando activamente en el guion y suministrando todos aquellos elementos que confieren un extremo realismo al filme. Los cuatro protagonistas comparten celda. Cuando están a punto de acometer la huida, les asignan un quinto y desestabilizador recluso en el mismo y reducido espacio.
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Mario David, Béatrice Altariba, Christine Kaufmann, Henri Virlogeux
Robert La Rocca deja la vida criminal y se retira al campo, pero su meta es lograr la libertad de su mejor amigo, Xavier, condenado a varios años de cárcel. Una serie de acontecimientos le llevan a entrar en el mismo presidio. Tiempo después se les ofrece la posibilidad de aligerar su condena si ayudan a deactivar las minas que han quedado en las playas después de la guerra. Primera adaptación de su novela L’Excommunié.
Intérpretes: Michel Auclair, Charles Vanel, José Giovanni, Claude Dauphin, Michèle Mercier
Cuatro hombres bien posicionados económicamente quieren aumentar sus ingresos participando en el negocio de la droga. Un quinto individuo (interpretado por el propio Giovanni) debe traer el alijo desde Marsella, pero los planes se tuercen y los protagonistas acaban enfrentados entre ellos. Primera de las fructíferas colaboraciones entre Giovanni y Jacques Deray, con participación de Claude Sautet en el guion.
País(es) de producción: Francia – Italia – Alemania – 1966
Intérpretes: Lino Ventura, Marilù Tolo, Jean Bouise, Jean Servais, Wolfgang Preiss
Inmersión de Giovanni y Deray en el relato de espionaje. Lino Ventura es Paul Fabre, un oficial de los servicios secretos franceses enviado a Viena para esclarecer si el responsable de la inteligencia francesa en Austria es en realidad un doble agente. Fabre es requerido para la misión confiando en su experiencia e instinto, y porque es uno de los mejores amigos del sospechoso.
Intérpretes: Lino Ventura, Paul Meurisse, Raymond Pellegrin, Marcel Bozzuffi, Christine Fabrega
Tras evadirse de la cárcel, el peligroso criminal llamado Gustave Minda (Lino Ventura) quiere reactivar a sus hombres pero se ve involucrado en una masacre entre bandas rivales. Un inspector de policía intenta atraparlo mientras él busca dar un último golpe y huir del país. Primera y última colaboración entre dos de los grandes arquitectos del policíaco francés, Giovanni –autor de la novela y coguionista– y Jean-Pierre Melville.
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Joanna Shimkus, Raymond Bussières, Paul Crauchet, Stéphane Fey
Uno de los pocos casos en los que Giovanni no participaría como guionista en la adaptación de una de sus novelas. Jean-Paul Belmondo interpreta a un excorredor automovilístico. Ha dejado las carreras después de la muerte de un compañero en accidente y ahora trabaja como chófer para una banda criminal que realiza pequeños atracos. Poco a poco trama la realización de un golpe en solitario
País(es) de producción: Francia – Italia – México – 1968
Intérpretes: Lino Ventura, Rosa Furman, Aurora Clavel, Enrique Lucero, Xavier Marc, Farnesio De Bernal
El segundo largometraje dirigido por Giovanni, a partir de la novela The Vulture, del escritor escocés John Carrick, tiene como protagonista a un asesino a sueldo (Lino Ventura) a quien un grupo insurrecto encarga el asesinato de un presidente latinoamericano. Desprovisto de todo ideal, cínico e inflexible, el asesino, apodado Le Rapace, participa de este golpe de Estado sin conocer sus inmediatas consecuencias
Intérpretes: Jean Gabin, Alain Delon, Lino Ventura, Irina Demick, Jacques Duby
Un hombre encarcelado por asesinato es liberado por los miembros del clan de un venerable gánster siciliano. Juntos planean asaltar el avión con destino a Nueva York que transporta unas preciadas joyas, mientras un policía intenta darles caza. Adaptación de una novela de André Le Breton concebida como una gran producción internacional. Reúne a los tres grandes actores del polar: Delon, Gabin y Ventura.
Intérpretes: Lino Ventura, Marlène Jobert, Michel Constantin, Paul Crauchet, Alain Mottet
Lino Ventura interpreta a un encallecido inspector de policía que es relegado de su cargo tras haber detenido al hijo alcoholizado de un abogado influyente. Su nuevo hábitat es una comisaría de barrio en la que inicialmente le encargan detener a delincuentes sexuales. Cuando le asignan una compañera novata (Marlène Jobert, madre de Eva Green), juntos afrontan la búsqueda de un testigo protegido de quien solo conocen el último domicilio en el que habitó.
País(es) de producción: Francia – Italia – España – 1971
Intérpretes: Jean-Claude Bouillon, Nicoletta , Maurice Garrel, Paola Pitagora, Jean Gaven
Un policíaco de cámara basado en una novela estadounidense publicada en la colección Série Noire de la editorial Gallimard. Su personaje principal acaba de fracasar en el atraco a un banco y debe solucionar algunos aspectos de su pasado reciente, ya que es acusado de un crimen que no ha cometido. La historia ya había sido llevada a la pantalla por Robert Siodmak en el film noir Cry of the City (1948).
Intérpretes: Rufus , Paul Crauchet, Alexandra Stewart, Jean Gaven, Philippe March
Filme protagonizado por un actor generalmente identificado con la comedia, Rufus, que ya había participado en Un aller simple. Es una película de marcado signo político: su protagonista trabaja en una organización de carácter pacifista que lucha por liberar a presos políticos, pero poco a poco descubre que la no violencia en la que siempre ha creído ya no funciona, por lo que pasa al otro lado, a la lucha armada.
No contento del todo con la versión que de su novela L’Excommunié había realizado Jean Becker en Un nommé La Rocca, Giovanni la adaptó personalmente, ahora en color, pero con el mismo actor, Jean-Paul Belmondo. La película detalla mejor que la anterior la vida de la delincuencia organizada en la Marsella de los años 30, antes de que el personaje termine en la cárcel y vuelva a la vida civil tras una serie de peripecias
Intérpretes: Jean Gabin, Alain Delon, Mimsy Farmer, Michel Bouquet, Victor Lanoux
Planteada como un alegato contra la pena de muerte, la película narra la historia de un delincuente que logra reintegrarse en la sociedad tras salir de la cárcel. Lo consigue gracias a la ayuda de un educador, pero una serie de acontecimientos, además de la presión que recibe de un inspector de policía que conoce su historial, le devuelven a la vida criminal. Producida por Alain Delon, protagonista junto a Jean Gabin.
Intérpretes: Alain Delon, Paul Meurisse, Annie Girardot, Marcel Bozzuffi, Bernard Giraudeau
En su segunda colaboración con Giovanni como actor y productor, Alain Delon encarna a Hugo Sennart, un gitano francés al que la policía busca por diversos crímenes. Hugo prepara el que podría ser su último golpe, pero su itinerario se mezcla con el de un ladrón de joyas a quien pone cerco el mismo inspector que le busca a él. Pese a ser un relato de ficción, el filme propone una mirada documental a los campamentos de gitanos y su forma de vida.
Intérpretes: Francis Huster, Jean-François Balmer, Lila Kedrova, Bérangère Bonvoisin, Gabriel Briand
Adaptación de la novela autobiográfica de Albert Spaggiari, el cerebro de uno de los mayores atracos bancarios cometidos hasta entonces. Durante un día de julio de 1976, Spaggiari y sus compinches se desplazaron por las alcantarillas hasta la sede central de la Société Général de Niza, permanecieron dentro todo un fin de semana y robaron 60 millones de francos, además de bonos y bienes. Fue conocido como el robo del siglo.
Intérpretes: Annie Girardot, Claude Brasseur, Jacques Perrin, Renaud Verley, François-Éric Gendron
Giovanni relató en este filme la historia de un falso culpable, Simon Risler (Claude Brasseur), quien escapa de la policía después de ser juzgado y condenado a muerte por un asesinato que no ha cometido. Encuentra refugio en casa de su abogada (Annie Girardot), con quien se dispone a demostrar su inocencia y desvelar un turbio asunto en el que puede estar implicados elementos de la Brigada Financiera de la policía francesa.
Intérpretes: Claude Brasseur, Bernard-Pierre Donnadieu, Gérard Darmon, Niels Arestrup, Daniel Duval
A caballo entre la aventura y el espionaje, la pelicula comienza con el secuestro de un importante general de la OTAN por parte de un grupo terrorista. A continuación, los servicios secretos franceses reclutan a una serie de individuos y los entrenan para formar parte del comando que debe liberar al militar. El rodaje fue complicado, pero muy del gusto de Giovanni, con escenas submarinas y otras de dificilísima escalada vertical.
Intérpretes: Valérie Kaprisky, André Dussollier, Thierry Frémont, Steve Kalfa, Yves Kerboul
Otra de las películas de Giovanni con tintes autobiográficos. Se centra en un joven que durante la ocupación, para salir de la cárcel, aceptó colaborar con los nazis. Tiempo después, a las puertas del final de la guerra, intenta obtener la rehabilitación ayudando a un oficial de inteligencia francés a desenmascarar a ciudadanos y policías que participaron duramente en la represión, incluido su propio hermano
Intérpretes: Bruno Cremer, Vincent Lecoeur, Rufus , Michelle Goddet, Nicolas Abraham
Partiendo de su novela Il avait dans le coeur des jardins introuvables, Giovanni realiza un sentido homenaje a su padre, Joe Damiani, quien no ceja en el empeño de liberar a su hijo condenado a la pena capital por su complicidad en un asesinato. El padre (Bruno Cremer) intenta conseguir las pruebas que demuestren su inocencia. Giovanni se despidió del cine con este viaje en el tiempo hasta una de las épocas más dramáticas de su vida.
Biografía
José Giovanni (1923-2004), nacido Joseph Antoine Roger Damiani en París, en el seno de una familia acomodada de origen corso, escribió algunas de las páginas más brillantes tanto de la novela policíaca como del polar, el cine policíaco francés, tan influyente como el film noir estadounidense. Fue antes novelista, adaptador y guionista, pero cuando tomó las riendas de sus propios proyectos como director, estableció una mirada y una estética en el policial francés pareja a la de sus autores más reputados, Jean-Pierre Melville o Jacques Deray. Con ambos colaboró estrechamente en un momento, la primera mitad de los años 60, en el que tener a Giovanni en los créditos suponía una garantía de interés y de éxito cuando el policíaco era uno de los géneros más sólidos del cine francés.
Tuvo una vida ajetreada y compleja, repleta de zonas oscuras. De ella extrajo no pocos elementos argumentales para sus novelas. Su irrupción en el cine fue por la puerta grande: Jacques Becker se fijó en su novela La evasión, en la que Giovanni relataba su estancia en la cárcel –acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena capital le fue conmutada por trabajos forzados–, y decidió llevarla a la pantalla. La conexión con el escritor fue inmediata y Giovanni, que había sido contratado como consejero técnico, terminó ejerciendo de coguionista de Le Trou / The Hole (La evasión, 1960). Fue la obra póstuma de Becker y pudo verse en la retrospectiva que el Festival de San Sebastián dedico al director en 2016.
Giovanni publicó La evasión en 1958, año y medio después de salir de prisión. Poco después ya era uno de los escritores incluidos en la prestigiosa Série Noire, la colección de libros policíacos que había ideado Marcel Duhamel en la editorial Gallimard y que marcó una nueva y moderna apreciación de la literatura criminal, incluyendo las traducciones al francés de los clásicos norteamericanos. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), dio pie a Classe tous risques / The Big Risk (A todo riesgo, 1960), de Claude Sautet, en la que Giovanni ejerció también de guionista. Y la segunda, Le Deuxième souffle (1958), fue adaptada años más tarde por Jean-Pierre Melville en uno de los títulos clave del polar, Le Deuxième souffle / Second Wind (Hasta el último aliento, 1966). Tanto este filme como el de Sautet, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2022, contaron con Lino Ventura, uno de los intérpretes clave del género junto a Jean Gabin y Alain Delon.
Otra de sus novelas del productivo año 1958, L’Excommunié, sirvió de base para Un nommé La Rocca / A Man Named Rocca (Un tal La Rocca, 1961), película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y en la que se prolongaba la buena relación con los Becker: fue dirigida por Jean Becker, hijo de Jacques. En 1963 inició como guionista su fructífera colaboración con el director Jacques Deray –(Symphonie pour un massacre / Symphony for a Massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo / Rififi in Tokyo (Rififí en Tokio, 1963), L’homme de Marrakech / The Man from Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966) y Avec la peau des autres / To Skin a Spy (Red siniestra, 1966)–, y tres años después lo hizo con Robert Enrico –Les Grandes gueules / The Wise Guys (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers / The Last Adventure (Tres aventureros, 1967) y Ho! / Ho! Criminal Face (¡Ho!, 1968)–. Pero para entonces Giovanni ya barruntaba su paso a la dirección. Debutó tras la cámara con La Loi du survivant / Law of Survival. (La ley del superviviente, 1967), un polar en tiempos bélicos en el que aparecen tres de sus motivos temáticos principales: la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial, los ambientes de Córcega y la traición.
A partir de este momento, y con la sola excepción de Le Clan des Siciliens / The Sicilian Clan (El clan de los sicilianos, 1969) de Henri Verneuil –obra clave del polar, guion modélico de Giovanni a partir de la novela de Auguste Le Breton y reunión de alto voltaje entre Ventura, Delon y Gabin–, nuestro protagonista se dedicó principalmente a la dirección. Y si bien en sus películas hay rasgos de todos los cineastas con los que trabajó, no tardó en imponer un estilo propio, crudo y directo, adaptándose a sí mismo o a otros escritores, en filmes en los que mostró a asesinos a sueldo, policías de barrio, jóvenes rebeldes enfrentados al sistema, el hampa marsellesa, delincuentes que no pueden reinsertarse en la sociedad, ladrones marginales que viven según sus códigos, robos a gran escala, presidiarios que intentan demostrar su inocencia o buscadores de oro. Un estilo tan agitado como lo fue su propia existencia, muy física y aventurera: por ejemplo, practicó la escalada tanto alpina como urbana, y en una ocasión escaló hasta lo alto de la Torre Eiffel.
De entre los quince largometrajes que dirigió, además de dos filmes para televisión y tres episodios de un par de series, destacan Le Rapace / Birds of Prey (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu / Last Known Address (Último domicilio conocido, 1970) –ambas con Ventura–, Un aller simple / One Way Ticket (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune / Hit Man (El clan de los marselleses, 1972) –con Belmondo, Claudia Cardinale y el actor fetiche de Giovanni, Michel Constantin–, Deux hommes dans la ville / Two Men in Town (Dos hombres en la ciudad, 1973) –con Delon y Gabin compartiendo protagonismo–, Le Gitan / The Gypsy (Alias el gitano, 1975) –producida e interpretada por Delon– y Une robe noire pour un tueur (1981), con Annie Girardot. En sus dos últimas películas, Mon ami le traître / My Friend the Traitor (1988) y Mon père, il m’a sauvé la vie / My Father Saved My Life (Mi padre, 2001) –coescrita con Bertrand Tavernier– reflexionó desde la ficción sobre aspectos determinantes de su propia vida.
Cuando un documentalista descubre una nueva pista perturbadora, la búsqueda desesperada de una mujer por su hermana perdida hace mucho tiempo se convierte en obsesión al darse cuenta de que el demonio imaginario de su infancia puede haber sido real.
La sección Panorama del Festival de Sitges fue concebida con la intención de reunir una serie de títulos que, por logística, no tenían espacio en la Sección Oficial. Con el propósito de ofrecer un tipo de cine independiente más orientado al fantástico, la sección en estos últimos años ha cumplido con relativa solvencia el cometido de detectar virtudes y deficiencias en las propuestas, carencias detectadas en Shelby Oaks, debut en el largometraje del youtuber Chris Stuckmann que pone de manifiesto la supuesta validez de fórmulas y determinadas campañas mediáticas destinadas a embaucar al fandom.
A tal respecto, ni la producción ejecutiva de Mike Flanagan ni la distribución de la cada vez más poderosa NEON legitiman como sello de garantía la indigesta mezcla de formatos, mockumentary, found footage y ficción de una película de nulo pulso visual y atropellada narrativa. En tal sentido, no deja de ser sintomático que su estreno mundial ocurriera hace más de un año en el Fantasia-fest, sufriendo posteriores remontajes y añadidos. La sensación final es la de estar ante una autoría perteneciente a ese grupo de noveles realizadores cuyos conocimientos del cine de terror contemporáneo (las referencias a films como The Blair Witch Project (1999), Session 9 (2001) o Lake Mungo (2008) son evidentes) se limitan a la parte teórica, muy distanciados de una parte práctica consistente.
Un recorrido por diferentes formas de interacción, tensión y transgresión entre imagen y lenguaje en el cine experimental.
La palabra ha mantenido desde sus inicios una estrecha relación con la imagen; una relación muy anterior al cine pero que, con su llegada, se convierte en plena en la confluencia entre las dos. Pronunciada, escrita, invocada o filmada, la palabra se hace imagen; y la imagen, con la incorporación del sonido sincronizado y la liberación de la función narrativa del intertítulo, amplía esta proximidad hacia un abanico de nuevas posibilidades. El cine experimental recoge este legado y se pregunta: ¿hasta dónde se puede estirar la naturaleza de esta afinidad?
Este curso plantea un recorrido que explora distintas formas de interacción, tensión y transgresión entre imagen y lenguaje. No se trata tanto de describir un eje evolutivo como de observar una serie de desplazamientos posibles a través del trabajo particular de algunos cineastas de referencia (dentro del contexto europeo y anglosajón) como Guy Sherwin, Johan van der Keuken, Danièle Huillet i Jean-Marie Straub, Margaret Tait, Su Friedrich y Derek Jarman, entre otros.
20 de octubre de 2026 Escrito en la pantalla. Enrico Camporesi
En el mundo del cine, los textos en pantalla ocupan fundamentalmente espacios liminares (los créditos iniciales o finales), intersticios (los intertítulos del cine mudo) o la periferia de la pantalla (como en el caso de los subtítulos). El radio de acción de estos textos viene determinado, sobre todo, por su función (comunicativa o narrativa). En pantalla, la palabra escrita parece un extra, un añadido, un complemento, un apéndice. Pero ¿qué pasa en el cine que explora los márgenes? Las películas experimentales o de autor tienden a invertir la relación entre el centro y los márgenes situando en primer plano el texto que se proyecta en pantalla.
*Sesión en inglés con traducción simultania al catalán.
27 d’octubre de 2026 Imágenes y palabras cerca del corazón salvaje. Renan Camilo
«La libertad que sentía a veces. No venía de reflexiones nítidas, sino de un estado hecho como de percepciones excesivamente orgánicas para poder ser formuladas a través de pensamientos». (Cerca del corazón salvaje, Clarice Lispector)
A partir de la materialidad fílmica de Guy Sherwin y Johan van der Keuken, y la poética de Lispector, reflexionaremos sobre la curiosidad radical de la infancia, cuando la imagen es una experiencia sensorial arraigada en el cuerpo, y el significado de las palabras se difracta entre luces y sombras. Como decía Van der Keuken, el cine no es un lenguaje en el que ciertas combinaciones de signos cubren ciertas nociones bajo una sintaxis ordenada, sino un medio de amplificación para mostrarlo todo de muchas formas posibles.
3 de novembre de 2026 Subtítulos: lagunas y presencias. Marc Torres Vallverdú
La paradoja de los subtítulos radica en el hecho de que, más allá de su función de traducción o adecuación lingüística, introducen una nueva capa de escritura dentro de la imagen cinematográfica. Los subtítulos orientan inevitablemente la mirada, desvían la atención del cuadro y tienden a hipertrofiar el sentido de las palabras por encima de otros elementos esenciales del cine: la textura de la voz, el ritmo, el silencio o la composición visual. Lejos de ser un elemento neutro o accesorio, constituyen una forma adicional de la escritura cinematográfica, y por tanto una cuestión estética y política que hay que pensar y potencialmente tensionar. La charla tomará como caso paradigmático el trabajo de Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, que extendieron su radicalidad formal a la cuestión de los subtítulos, así como otras prácticas vinculadas a la tradición del cine experimental y documental.
10 de novembre de 2026 La eclosión de una amapola. La poesía en el cine de Margaret Tait. Mireia Montané Guitart
Margaret Tait, poeta y cineasta escocesa, escribía por la misma razón que hacía películas: porque era una forma de prestar atención al mundo, de permanecer al lado de las flores, del barrio, de la madre, del estudio, del mar; de observarlos hasta hacer emerger de ellos la amplificación poética, una especie de verdad inefable a la que ella llamaba «el latido de las cosas».
En esta sesión veremos las particularidades de su lenguaje poético y cinematográfico, así como la disolución de sus límites mediante un compromiso paciente y delicado con el instante presente, en el espíritu del famoso verso de T. S. Eliot: «I have measured out my life with coffee spoons».
17 de novembre de 2026 Hacer temblar las palabras. El cine como ejercicio de lectura. Manuela Gutiérrez
En un cartel del grupo activista LSD, impreso durante la década de los noventa, leemos: «Hay motivos para hacer temblar las palabras, porque en nuestro principio estaba la acción». En la literatura producida desde la militancia queer aparece un deseo manifiesto de generar un nuevo lenguaje. Desde El sueño de una lengua común, de Adrienne Rich, hasta los numerosos textos traducidos y difundidos en los fanzines de las LSD, reaparecen las mismas preguntas: ¿es posible crear un nuevo lenguaje? ¿Podemos romper las palabras hasta que signifiquen lo que queremos decir? Partiendo de cineastas como Su Friedrich, Derek Jarman o Lesley Loksi Chan, esta sesión propone pensar cómo este deseo de generar un nuevo alfabeto se manifiesta en el cine de la disidencia sexual, atendiendo a las múltiples formas en las que la imagen convierte la sala de cine en un ejercicio de lectura.
24 de novembre de 2026 La palabra como única imagen. Marta Azparren
Un recorrido por algunas películas sin imagen o monocromas (cine ciego) donde la única imagen posible es la palabra. Una palabra escrita o hablada que actuará como disparador de los fotogramas de una película propia que siempre será interior. Siguiendo un inventario de nombres para lo que no puede ser visto (invisible, borrado, absente, inmaterial, censurado, vaciado, inconcebible…), encontraremos expresiones en el umbral de lo que consideramos cinematográfico, que, atravesadas por la palabra, llegan donde no puede hacerlo la imagen puramente visual.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer adelanto, en forma de un breve teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del último trabajo tras las cámaras del realizador japonés Takashi Miike titulado Bad Lieutenant: Tokyo. La película, una nueva actualización del film de Abel Ferrara Bad Lieutenant (1992), que en el año 2009 tuvo un remake dirigido por Werner Herzog, (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans), tendrá su estreno mundial en la próxima edición del Festival de Toronto.
En Bad Lieutenant: Tokyo vemos como un policía de Tokio adicto al juego y un agente del FBI buscan a la hija desaparecida de un político. Mientras tanto, un misterioso asesino acecha en el submundo criminal, vigilando todos sus movimientos.
La película, con guion a cago de Daisuke Tengan, está protagonizada por Shun Oguri, Lily James, Liv Morgan, Shôtarô Mamiya, Jun Kunimura, Hiroshi Tachi y Nanase Nishino.
‘El mal hijo’, ópera prima de Jaime Lorente, inaugurará la sección, mientras que ‘Florid’, debut en el largometraje de Billy Lumby, será la encargada de clausurarla
Cineastas de Alemania, Bulgaria, Chile, Corea del Sur, España, Irán, Japón, Kazajistán, México, Noruega, Reino Unido, Ucrania y Taiwán presentarán sus primeros y segundos largometrajes en la sección New Directors. El mal hijo / The Bad Son, ópera prima de Jaime Lorente será la encargada de inaugurar la sección, mientras que Florid, el debut en el largometraje de Billy Lumby, será la encargada de clausurarla. Los catorce títulos competirán por el Premio Kutxabank-New Directors durante la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará entre el 18 y el 26 de septiembre.
Billy Lumby (Londres, 1980) presenta su primer largometraje, Florid, en el que un joven intenta equilibrar sus problemas mentales, la medicación y las drogas, con sus ambiciones musicales. El cineasta y guionista británico se lanza al formato largo tras cosechar reconocimientos por sus cortometrajes Suspended Animation (2009), Gold View (2012) o Samuel-613 (2015), con el que fue nominado a un premio BAFTA.
Naëmi Ada (Tübingen, 1994) estrena su ópera primaBody of Glass.El filme cuenta la historia de una joven bailarina que comienza a llevar una vida paralela tras un enfrentamiento con su novio, al que le une una relación tóxica. Antes de estudiar cine y dirigir cortometrajes y obras experimentales, la realizadora alemana se formó en el campo de la danza contemporánea.
Tras mostrar su ópera prima, Lluvia (2023), en varios festivales como Málaga, Miami, Morelia, La Habana o Los Ángeles, Rodrigo García Saiz (Ciudad de México) estrena en San Sebastián Morro. Su segunda película está ambientada en un pueblo mexicano, donde un veterinario, tras la muerte de su hijo, cura al perro de un capo local, de modo que entre ambos se genera un vínculo atravesado por el duelo no resuelto.
La cineasta noruega afincada en Dinamarca Marlene Emilie Lyngstad (Oslo, 1997) debuta en el largometraje con Cute, la historia de un hombre preocupado por sus sentimientos prohibidos, que se niega a vivir con su novia y su hija. Entre los cortometrajes previos dirigidos por Lyngstad destacan Norwegian Offspring (2023), ganador del primer premio de La Cinef, la sección del Festival de Cannes que acoge trabajos presentados por escuelas de cine.
The Ballet Lesson es la segunda obra del director japonés Kazuya Murayama (Ishikawa, 1982) después de Torao (2021). El filme acompaña a un exsoldado ruso en su regreso a Japón en busca de sus hijos, que tienen doble nacionalidad, para llevarlos con su madre, una bailarina de ballet japonesa.
Con experiencia previa como ayudante de dirección y directora de arte, la realizadora kazaja Ayana Nurdinova (Almatý, 1995) presenta su ópera prima. Mugalim está protagonizada por un profesor de música que sueña con abandonar la pequeña localidad de Balkhash, pero que en el camino entiende que la música es igual de importante en todas partes.
El cineasta iraní Massih Parsaei (Teherán, 1992) debuta con Lovers Sleep Alone, una película que fue seleccionada el año pasado en WIP Europa. El filme retrata la vida de un joven exiliado iraní que malvive con trabajos precarios en Berlín. Su único vínculo es con un hombre con el que mantiene sexo esporádico en un parque, hasta que un día recibe la visita de su prima de Teherán a la que apenas conoce.
Ri Guang / Will You Still Be My Friend, es la opéra prima de Lu Po-Shun (Taiwán, 1992). Ambientada en una aldea rural de Taiwán inmersa en un conflicto en plena escalada, plasma la lucha de un joven por conservar la amistad con su mejor amigo, criado en Singapur.
Hristo Simeonov (Bulgaria, 1985) debuta en el largometraje con Obuvkite na bashta mi / My Father’s Shoes. El filme acompaña a una joven y a su madre que deben enfrentarse al reconocimiento del cuerpo sin vida de su padre y marido, de quien estaban distanciadas hacía tiempo.
El director Thomas Woodroffe (Santiago de Chile, 1995), que actualmente cursa el máster de Archivo en la Elías Querejeta Zine Eskola, estrena Bloques erráticos / Erratics. Su primer largometraje narra la historia del fantasma del cineasta Lucien Castelnau que, después de ser liberado de un glaciar tras cien años de cautiverio, deambula por una Patagonia futurista, donde el progreso tecnológico colisiona con historias olvidadas. Su cortometraje Fiebre austral / Austral Fever (2019) obtuvo una mención especial del Premio Nest y se exhibió también en los festivales de Venecia y Toronto.
Después de lograr distintos premios en Busan y Rotterdam con su ópera prima Nam-mae wui Yeo-reum-bam / Moving On (Hermanos en una noche de verano, Perlak, 2020), la directora surcoreana Yoon Dan-bi (Gwangju, 1990) estrenará en San Sebastián su segundo largometraje, The World Before. La producción cuenta la historia de Jin, una joven que vive inmersa en la tranquilidad de una isla remota con su abuela. Tras la muerte de la anciana, Doojae llega a la isla y entre ambos surge una intimidad inesperada.
Todas las películas, además de las producciones españolas ya anunciadas, como Esta soledad / This Solitude, de Javier Giner; El mal hijo / The Bad Son, de Jaime Lorente, que inaugurará la sección, ySieben Tage Februar / February, Seven Days, de Tatjana Moutchnik, optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre la directora o el director y la distribuidora de la película en España. Dicho reconocimiento está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. Además, los trabajos correspondientes a la sección de New Directors optan también al Premio DAMA de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
El Festival de San Sebastián cuenta desde hace más de cinco décadas con una sección dedicada a primeras y segundas películas de sus cineastas, lo que demuestra la apuesta decidida por los nuevos talentos. El certamen donostiarra ha apoyado en sus inicios a cineastas como Olivier Assayas, Nicolas Winding Refn, Jonathan Glazer, Luicile Hadzihalilovic, Bong Joon-ho, Isabel Coixet, Walter Salles o Kevin Smith. Concretamente, las películas seleccionadas el año pasado en esta sección cosecharon cerca de medio centenar de premios y nominaciones tras su paso por San Sebastián.
Intérpretes: Miguel Ángel Puro, Susi Sanchéz, Hugo Arbués, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente
Inauguración
Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación, y luchará a medida que crece por intentar sanarlas
Intérpretes: Jonathan Jules, Saskia Chana, Unknown T
Clausura
Jamal, diagnosticado con esquizofrenia, vive en una residencia junto a otras personas con problemas de salud mental. Frustrado por los efectos secundarios de su medicación, deja de tomarla, lo que provoca que las voces que oye se vuelvan más frecuentes e intensas. Con un estado de ánimo cada vez más inestable, Jamal entabla amistad con Kyla, otra residente. Sin embargo, a medida que las voces se intensifican, Jamal debe enfrentarse a la difusa línea que separa la realidad de los sucesos que vivió su familia en el pasado para lograr reconciliarse con esas voces.
País(es) de producción: Chile – Francia – Argentina
Intérpretes: Denis Lavant, Daniel Muñoz
Liberado de un glaciar tras cien años de cautiverio, el fantasma del cineasta Lucien Castelnau deambula por una Patagonia futurista, donde el progreso tecnológico colisiona con historias olvidadas. Incapaz de encontrar descanso mientras su legado cinematográfico permanece invisible, atraviesa un mundo que lo ha borrado de la memoria, en busca de un lugar en la historia y de la audiencia, que finalmente pueda devolver la vida a su obra perdida
Intérpretes: Soma Pysall, Elise Tilloloy, Manuel Severin, Younès Boucif
Tras un violento incidente con Felix, la bailarina Tian huye de su controladora pareja y de la vida que compartían en Marsella. Aislada y desesperada por conectar con alguien, se infiltra en el grupo de duelo de un joven al que nunca conoció, haciéndose pasar por su novia secreta. Mientras se ve envuelta en el dolor y el afecto de ese círculo, oculta una peligrosa verdad: Felix permanece cautivo y atado en el apartamento. Cuando las mentiras, el duelo y la realidad chocan entre sí, Tian debe decidir si romper el ciclo.
País(es) de producción: Dinamarca – Suecia – Noruega
Intérpretes: Jan Gunnar Røise, Gina Jaqueline , Karin Bertling, Kitt Maiken Mortensen, Molly Kirk Rasmussen
Atormentado por los sentimientos prohibidos que alberga hacia su hijastra, que tiene siete años, Richard decide dejar a su novia para refugiarse en la casa donde creció y reformarla antes de venderla. Pero el retiro que se ha autoimpuesto se ve perturbado por la presencia de Stella, la aniñada cuidadora de su madre. Pronto descubre que lleva una doble vida como camgirl, haciendo de Lolita, y empiezan una relación transgresiva, como si fueran padre e hija, que se hace añicos cuando la hijastra a la que abandonó, retoma el contacto
Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez, Kai Etxaniz, Itziar Lazkano
Leo y Lorea se han querido. Quizá se siguen queriendo. Pero algo en ellos se ha roto. Su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.
Intérpretes: Pooyesh Frozandeh, Ava Darvishi, Marcel Kohler, Wolfgang Wobéto
WIP Europa 2025
Iman ha construido su vida en Berlín en torno a la ausencia: la de su familia, la de Irán y la de ser conocido por los demás. Llena el silencio con trabajo, historias inventadas y noches junto a un hombre con quien se cita en el parque para tener sexo. Cuando su prima, a quien apenas conoce, llega de Teherán para una breve visita, aquello que había dejado atrás regresa silenciosamente a su vida.
Intérpretes: Gustavo Sánchez Parra, Anna Diaz, Ernesto Meléndez
Mateo es veterinario en un pequeño pueblo. Desde la muerte de su hijo, su vida transcurre entre rutinas silenciosas y una culpa que permanece sin nombre. La violencia del lugar no irrumpe: se mantiene latente, como un eco constante. Ese equilibrio frágil se ve alterado cuando Mateo debe curar a Morro, el perro herido de un capo local. En el cuidado cotidiano del animal surge un vínculo inesperado: una relación sin juicio ni palabras, que devuelve el sentido a la vida de Mateo.
Intérpretes: Oljas Dalelkhan, Rustem Zhanyamanov, Shynar Janysbekova, Olga Landina, Gulnara Dusmatova, Akif Petrov, Madina Yesmanova, Anna Starchenko, Ruslan Duysembekov
Zhandos, un apreciado profesor de música que vive en la pequeña ciudad de Balkhash, sueña con mudarse a una gran ciudad. La escuela hace la vista gorda ante sus trabajos extra, pero cuando llega un mecenas nostálgico de su ciudad natal, a Zhandos se le presenta la oportunidad de marcharse. En ese momento, debe decidir qué es más importante: el arte que lleva dentro o su papel en el arte.
Mima ha crecido con la ausencia de su padre y una madre inflexible, Boyka. Cuando llega la noticia de la muerte de su padre y el cadáver regresa al pueblo, reconocerlo se convierte a la vez en un deber y un dilema. Mientras Boyka se niega a ver en esas condiciones al hombre que una vez amó, madre e hija se ven obligadas a encarar un pasado silenciado, y Mina debe decidir qué significa tener que llevar una vida que nunca eligió.
Intérpretes: Jaden Wang, Aloysius Looi, Lung Tien Hsiang, Lu Yi-Ching, Andie Chen, Kate Pang
En medio de un conflicto cada vez más intenso en un pueblo de Taiwán, un chico lucha por proteger la amistad secreta que mantiene con su mejor amigo, criado en Singapur, mientras los enfrentamientos entre los adultos amenazan con separarlos. Al mismo tiempo, empieza a cuestionarse en silencio la verdadera naturaleza de los sentimientos que alberga hacia su colega.
Dos concepciones diferentes de la identidad familiar entran en conflicto cuando un hombre de Odesa y su hijo visitan a su hermano en Alemania para asistir el funeral de su madre en la víspera del estallido de la guerra de Ucrania.
En una ciudad de provincias japonesa, los hermanos Nikita y Nina, de ascendencia nipona y rusa, llevan una vida aislada junto a sus abuelos rusos. Solo conocen a sus padres ausentes a través de los relatos que han oído sobre ellos. Cuando su padre, Nikolai, regresa de forma inesperada, emprende con ellos un viaje en busca de su madre, Yuki, una bailarina de ballet japonesa. En el camino, los niños descubren nuevos paisajes, encuentros fugaces y los frágiles vínculos que unen a una familia.
País(es) de producción: Corea del Sur – Japón – Francia
Intérpretes: Su-bin Sim, Eo-jin Kim
Jin tiene 17 años y nunca ha salido de la isla donde nació: un lugar remoto, sin carreteras que la conecten con tierra firme, y donde el mar marca apaciblemente el ritmo de la vida. Cuando Dujae regresa para el funeral de su abuela, se aloja a solas en la casa que dejó atrás. Jin empieza a buscar pequeñas excusas para visitarle y, poco a poco, verle se convierte en parte de su día a día. A medida que avanza el verano, la isla que siempre ha conocido empieza a resultarle ajena; los caminos, el mar y los rostros que la rodean parecen haberse transformado sutilmente. Jin se descubre observando su entorno —y a sí misma— por primera vez. Pero el verano, al igual que todo lo demás en la isla, no durará para siempre.
Esteve Riambau ha ejercido a lo largo de su vida casi todas las labores relacionadas con el séptimo arte: ha sido crítico e historiador del cine, cronista de los más importantes festivales, jurado en diversos certámenes, profesor universitario y también guionista y director. Esta riquísima trayectoria profesional le ha brindado la oportunidad de conocer y entrevistar a grandes realizadores, así como a actores y actrices internacionales, que en estas páginas aparecen con toda su humanidad y sus flaquezas, retratados siempre con ironía, ternura e ingentes dosis de humor. Estas deliciosas memorias comienzan cuando Esteve Riambau organizaba cineclubes de arte y ensayo en los años setenta y culminan con su efectiva gestión al frente de la Filmoteca de Catalunya. Entre ambos periodos, el lector de esta obra disfrutará con este deslumbrante homenaje a grandes protagonistas de la gran pantalla, desde los creadores de la Escuela de Barcelona hasta el glamur de Hollywood pasando por maestros del mejor cine europeo retratados, en algunos casos, desde una entrañable amistad.
A través de material poco visto y durante mucho tiempo olvidado, este documental descubre la maquinaria oculta de la dictadura de Alfredo Stroessner en Paraguay, uno de los regímenes más largos de la historia. Desde la propaganda hasta las emisiones internacionales, la película expone cómo los medios de comunicación dieron forma al poder, controlaron la memoria y construyeron un legado que aún perdura hoy en día.
Presente en la secciónZabaltegi-Tabakalera en el pasado festival de San Sebastian, Bajo las banderas, el sol del debutante Juanjo Pereira, nos muestra el régimen de Alfredo Stroessner en Paraguay entre 1954 y 1989, a través de una vasta recuperación de material propagandístico. Negando el testimonio o la crónica personal, el documental recurre a conceptos cercanos al formato del found-footage a la hora de reconstruir el ascenso, la toma de poder y caída de la dictadura más longeva de Latinoamérica, mediante la maquinaria visual que lo legitimó.
Un detallado ejercicio de arqueología de la imagen política que tiene la virtud de saber utilizar la no ficción como formato narrativo inmejorable para la manipulación de material, en ocasiones, focalizado de forma algo obvia como, por ejemplo, cuando paralelamente superpone las palabras del dictador Alfredo Stroessner loando «las virtudes democráticas» de su mandato con imágenes de la dura represión que ocurría al mismo tiempo en las calles.
Acaba de ser presentada en sociedad de la mano de Black Bear Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la comedia dramática de tono fantástico dirigida por Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson (Save Yourselves! 2020) titulada Wicker. Film basado en el relato corto de Ursula Wills-Jones ‘The Wicker Husband’, que tras su estreno mundial en el pasado Festival de Sundance llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 23 de octubre de 2026.
En Wicker vemos como una solitaria pescadora vive en la periferia de un pueblo costero; es soltera, desaliñada y objeto de constantes burlas por parte de la gente de su alrededor. Un día, cansada de sus estirados y estrechos vecinos, encarga un marido de mimbre para ella.
La película, con guion adaptado a cargo de los propios Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson, está protagonizada por Olivia Colman, Alexander Skarsgard, Peter Dinklage, Elizabeth Debicki, Ella Bruccoleri, Richard E. Grant, Nabhaan Rizwan, Gustav Lindh, Kiell Smith-Bynoe, Marli Siu, Ben Ashenden, Anders Olof Grundberg, Emily Lloyd-Saini, Scott Alexander Young y Daniel Bellus.
La muestra reúne materiales del fondo Eduardo Ducay, recientemente incorporado a las colecciones de Filmoteca Española, y conmemora el centenario de dos figuras esenciales del cine español del siglo XX
La iniciativa Las vitrinas del Doré pone en valor los fondos extrafílmicos como parte fundamental del patrimonio cinematográfico y como fuente para el estudio de la historia del cine
Los espectadores del Cine Doré podrán visitar estos fondos desde el 28 de julio hasta el 25 de noviembre en la antesala de la Sala 1 del Cine Doré
Madrid, 29 de julio de 2026. Filmoteca Española presenta una nueva muestra en el punto expositivo situado en la antesala de la Sala 1 del Cine Doré dedicada a Eduardo Ducay y Francisco Rabal, coincidiendo con el centenario de sus nacimientos y con la reciente incorporación, mediante donación, del fondo documental de Eduardo Ducay a las colecciones de la institución.
La muestra establece un diálogo entre dos trayectorias fundamentales de la cinematografía española y propone una aproximación a la historia del cine a través de los fondos bibliográficos, museográficos y documentales que acompañan a las películas y permiten profundizar en los procesos creativos, profesionales y culturales que las hicieron posibles.
Con esta nueva muestra, Filmoteca Española reafirma la vocación del punto expositivo del Cine Doré como un espacio de encuentro entre los espectadores del cine, las películas y los materiales que las rodean, poniendo en valor unos fondos extrafílmicos esenciales para la conservación, investigación y difusión de la memoria del cine español y para la creación de nuevas lecturas sobre su historia.
Vitrinas del Doré
Inauguradas en 2023, Las vitrinas del Doré ofrecen la posibilidad de descubrir materiales que amplían la mirada sobre las películas y sobre quienes las hicieron posibles: fotografías, guiones, correspondencia, documentos de producción, carteles, programas de mano y otros testimonios que ayudan a reconstruir los procesos creativos, industriales y culturales que forman parte de la historia del cine.
Desde su creación, este espacio ha acogido muestras dedicadas a figuras como José Luis Ozores, Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal, así como selecciones centradas en la prensa cinematográfica española o en la Escuela Oficial de Cine. Estas propuestas expositivas que se articulan en torno a distintas líneas de trabajo, como la recuperación y difusión de la memoria de cineastas e intérpretes, la celebración de aniversarios y centenarios, la presentación de investigaciones vinculadas a sus fondos, las muestras complementarias a las exposiciones temporales organizadas por la institución en sus salas de la calle Magdalena o la puesta en valor de nuevas incorporaciones a sus colecciones.
La muestra que ahora se presenta en estas vitrinas establece un diálogo entre Eduardo Ducay y Francisco Rabal, ambos nacidos en 1926, cuya actividad contribuyó de forma decisiva al desarrollo del cine español contemporáneo. La relación entre ambos nombres permite aproximarse a dos ámbitos complementarios de la creación cinematográfica: la producción y la interpretación, dos dimensiones imprescindibles para comprender la historia de las películas y de quienes las hicieron posibles.
Eduardo Ducay
La reciente incorporación del fondo Eduardo Ducay supone un importante enriquecimiento de las colecciones de Filmoteca Española. Productor, guionista, crítico e impulsor de la cultura cinematográfica, Ducay desempeñó un papel decisivo en la evolución del cine español desde mediados del siglo XX.
Vinculado al cineclubismo y a la reflexión crítica, participó activamente en la renovación de la cultura cinematográfica española y desarrolló una destacada trayectoria como productor, colaborando con algunos de los cineastas más relevantes de su tiempo.
Los materiales procedentes de su fondo ponen de manifiesto el valor de los archivos personales y profesionales como herramientas esenciales para la investigación, conservación y difusión del patrimonio audiovisual. Algunos ejemplos son la nutrida correspondencia con Buñuel, con quien mantuvo una gran amistad -Ducay fue el productor de Tristana-, el plan de rodaje de Padre nuestro, el cuaderno de notas y las fotografías de Carlos Saura para Carta de Sanabria o sus apuntes durante el rodaje de El bosque animado y la fotografía dedicada por José Luis Cuerda.
Francisco Rabal
Francisco Rabal fue uno de los actores españoles de mayor reconocimiento nacional e internacional del siglo XX. A lo largo de más de cinco décadas de carrera trabajó con algunos de los grandes cineastas españoles y europeos, entre ellos Luis Buñuel, Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Carlos Saura o Mario Camus. Su interpretación en Los santos inocentes (1984), por la que recibió el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cannes, consolidó una trayectoria marcada por la versatilidad y la excelencia interpretativa.
Esta muestra de fotografías procedentes del archivo personal del actor pone el broche a las actividades organizadas por la institución con motivo del Centenario Rabal, programa que incluyó la celebración del ciclo Francisco Rabal. Cicatriz y memoria, durante los meses de febrero y marzo.
Programación complementaria
La relación entre ambos creadores tiene uno de sus principales puntos de encuentro en Padre nuestro (1985), dirigida por Francisco Regueiro, protagonizada por Francisco Rabal y producida por Eduardo Ducay junto a Julián Marcos. Como complemento a la muestra, el 30 de septiembre, a las 17:30 horas, el Cine Doré acogerá una sesión especial dedicada a la proyección de esta película. Considerada una de las producciones españolas más relevantes de mediados de los años ochenta, Padre nuestro fue seleccionada para la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes y recibió el Gran Premio de las Américas en el Festival Internacional de Cine de Montreal de 1985.
La sesión de homenaje se completará con la proyección del cortometraje El mitin, dirigido por Gloria Carrión, Eduardo Ducay, Bernardo Fernández y Manuel Vicent, un valioso testimonio audiovisual de un momento clave de la Transición española. La pieza recoge la filmación del mitin unitario de los partidos de izquierda celebrado en Valverde del Fresno (Cáceres) el 26 de febrero de 1978, considerado el primero de estas características desde el estallido de la Guerra Civil. De carácter prácticamente inédito, el cortometraje apenas ha tenido oportunidades de exhibición pública. Entre ellas figura la proyección realizada en la Filmoteca de Zaragoza en 2004, dentro de un ciclo de homenaje como cofundador del CineClub de la ciudad y como productor. Tanto en aquella ocasión como en la presente, su recuperación ofrece una oportunidad excepcional para acercarse a un documento que preserva la memoria visual de un acontecimiento histórico y que refleja el proceso de recuperación de las libertades democráticas tras décadas de dictadura.
