Mes: abril 2020
Programación del DocsBarcelona 2020
DocsBarcelona mantiene sus secciones y actividades en una edición online que llegará a los espectadores a través de Filmin.
Entre el 19 y el 31 de mayo de 2020, dos jornadas más de las inicialmente previstas, y con la ventana digital de Filmin, que ofrecerá la práctica totalidad de su programación, el DOCSBARCELONA mantiene un espíritu inquieto y curioso, incluyendo 35 documentales (28 largometrajes y 7 cortos). Más de la mitad de los quales están dirigidos o codirigidos por mujeres (20 títulos, un 55 por ciento del total); y 19 son óperas primas, aspecto que demuestra una constante renovación en el panorama del documental. De la misma manera, no se olvidará de la actividad profesional, abriendo una puerta online para continuar trabajando en la búsqueda de financiación y desarrollo de nuevos proyectos.
13 trabajos optarán al Premio al Mejor Documental DocsBarcelona dentro de la Sección Oficial Panorama: destacan películas como Vivos, del artista, activista y disidente chino Ai Weiwei. Tras centrarse en el tema de la inmigración en Human Flow (2017) y en The Rest (2019), el cineasta viaja ahora a México para denunciar la corrupción sistémica de las instituciones, poniendo el foco en la desaparición de una cuarentena de estudiantes que una madrugada de septiembre de 2014, mientras viajaban camino de Ciudad de México para conmemorar la Masacre de Tlatelolco de 1968, fueron atacados por la policía.
Todo un referente por su mirada original y contundente a los temas que trata en sus films, la checa Helena Třeštíková firma, junto a Jakub Hejna, Forman vs. Forman. Un documental sobre la figura del oscarizado director de Amadeus y Alguien voló sobre el nido del cuco, que es también una mirada al comunismo, al sueño americano y al proceso de independencia de la República Checa. También hace un retrato a un artista el primer largometraje (y testamento cinematográfico) del recientemente fallecido productor Artemio Benki: Solo acompaña al compositor y pianista Martín Perino, testigo de la batalla de su propia genialidad contra los efectos de la enfermedad mental que le diagnosticaron.
Otro de los platos fuertes del festival es Winter Journey, del danés Anders Østergaard. Un híbrido, ficción disfrazada de documental o viceversa, que nos descubre la existencia de la Jüdischer Kulturbund, o Liga Cultural Judía, con la que, a principios de los años 30, el Ministerio de Propaganda nazi de Goebbels permitía que artistas judíos actuaran para público judío. Un film sobre el significado de ser alemán y sobre cómo los hijos de la generación que vivió la guerra debieron afrontar sus consecuencias. Y con un plus añadido: en las dramatizaciones que incorpora el relato brilla el legendario actor suizo Bruno Ganz (El hundimiento, El Cielo sobre Berlín, en el que fue su último trabajo cinematográfico.
La sección Panorama presentará también películas como Overseas, donde la cineasta coreana Sung A-Yoon habla del destino de las inmigrantes filipinas que se exilian al primer mundo para ganarse la vida como niñeras o trabajadoras del hogar, pasando antes por una especie de escuelas de esclavitud moderna, que las convierte casi en heroínas nacionales para el gobierno de su país. O títulos como Hi, A.I., de la alemana Isa Willinger, que reflexiona sobre el desarrollo de la robótica y la inteligencia artificial, sin evitar los conflictos éticos que se derivan, desde una perspectiva insólita no exenta de sentido del humor.
En la sección Latitud, dedicada al cine iberoamericano, brillarán películas como ¿Puedes oírme?, dirigida por Pedro Ballesteros y producida por Paco Poch, que se sumerge en la obra y la personalidad del artista Jaume Plensa. La sesión especial de esta edición estrenará Constel·lació Comelade, en la que el director Luis Ortas penetra en el particular universo creativo del músico Pascal Comelade.
https://docsbarcelona.com/es/festival-edicion-2020/programacion-2020
Dos extraños, tráiler de «A Stormy Night» de David Moragas
Será la encargada de clausurar el D’A Film Festival 2020 que empieza mañana, la opera prima de David Moragas titulada A Stormy Night estrena un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. A Stormy Night que en un principio tenía previsto su premier en el cancelado Festival de Málaga se podrá ver el próximo sábado 9 de mayo a partir de las 20.00 horas durante solo 24 horas a través de la plataforma Filmin.
A Stormy Night nos narra una noche en la vida del joven Marcos, un director barcelonés de documentales que se queda atrapado en la ciudad Nueva York tras cancelarse su vuelo de escala con destino a San Francisco. Sin sitio en donde alojarse acabará pasando la noche en casa de Alan, compañero de piso de una conocida compañera de la universidad. Los dos jóvenes, que aparentemente no tienen nada en común, aprenderán a conocerse a lo largo de una noche de tormenta en la ciudad de los rascacielos.
La película, un drama intimista filmada en un sugerente blanco y negro, cuenta con un guion del propio David Moragas y música a cargo de Ángel Perez estando protagonizada por Marc DiFrancesco, Jordan Geiger, Elena Martín, David Moragas y Jacob Perkins.
Los principales festivales de cine se unen para anunciar el «We Are One: A Global Film Festival»
El festival digital de 10 días, producido y organizado por Tribeca Enterprises, contará con la programación de 20 festivales, incluidos Cannes, Berlín, Venecia y San Sebastián, permitiendo al público disfrutar de películas de todo el mundo. Los beneficios del festival irán destinados al Fondo de Respuesta Solidaria a la Covid-19 de la Organización Mundial de la Salud.
Tribeca Enterprises y YouTube han anunciado hoy de manera conjunta We Are One: A Global Film Festival, un festival de cine digital inédito, de 10 días de duración, que tendrá lugar de manera exclusiva en YouTube y reunirá a una comunidad internacional de contadores de historias para presentar la programación del festival de manera gratuita para las audiencias de todo el mundo. El festival, que comenzará el 29 de mayo en YouTube.com/WeAreOne, contará con programación seleccionada por los festivales de Annecy, Berlín, Cannes, Guadalajara, Jerusalén, Karlovy Vary, Locarno, Londres, Macao, Marrakech, Mumbai, Nueva York, San Sebastián, Sarajevo, Sundance, Sydney, Tokio, Toronto, Tribeca y Venecia, entre otros, que ofrecerán al público historias procedentes de todo el mundo, proporcionando a los cineastas un altavoz en un escenario global.
Una parte esencial de los festivales de cine es la convicción de que los artistas y creadores tienen el poder de unir a las personas y generar conexiones significativas, en un momento en que el mundo más lo necesita. A través de We Are One: A Global Film Festival, el público no solo podrá conocer diferentes culturas a través de una nueva perspectiva, sino que también podrá apoyar a las comunidades locales mediante la donación directa a organizaciones que contribuyen a la asistencia de los afectados por la Covid-19. El festival destinará sus beneficios a la Organización Mundial de la Salud (OMS), así como a las entidades de cada territorio.
«A menudo hablamos del poder de las películas para inspirar y unir a las personas más allá de las fronteras y las diferencias para ayudar a sanar el mundo. Todo el mundo necesita sanarse en este momento«, señala Jane Rosenthal, cofundadora y directora ejecutiva de Tribeca Enterprises y Tribeca Film Festival. “We Are One: A Global Film Festival une a programadores, artistas y contadores de historias para entretener y reconfortar a las audiencias de todo el mundo. Al trabajar con nuestros extraordinarios socios y YouTube, esperamos que todos experimenten un poco de lo que hace que cada festival sea tan único y aprecien el arte y el poder del cine«.
«Uno de los aspectos más singulares e inspiradores de que todos nos quedemos en casa es nuestra capacidad de reunirnos y experimentar un evento como una sola persona, y We Are One: A Global Film Festival es justo eso«, explica Robert Kyncl, director comercial de YouTube. «Junto a Tribeca Enterprises y nuestros magníficos socios, ofrecemos a los cinéfilos la oportunidad de disfrutar de una programación seleccionada que cada uno de estos festivales propone como parte de nuestro festival de diez días de duración. Es un evento que nunca antes se había hecho y estamos orgullosos de ser los anfitriones de este fantástico contenido, que es gratuito para los aficionados al cine de todo el mundo«.
«Estamos orgullosos de unirnos a otros festivales para poner el foco en películas y talentos extraordinarios, permitiendo al público experimentar las maneras de narrar historias en todo el mundo y la personalidad artística de cada festival«, subrayan Pierre Lescure y Thierry Frémaux, presidente y delegado general, respectivamente, del Festival de Cannes.
We Are One: A Global Film Festival se celebrará entre el 29 de mayo y el 7 de junio en YouTube.com/WeAreOne. La programación estará disponible de forma gratuita e incluirá películas, cortometrajes, documentales, música, humor y charlas. La programación completa estará disponible en una fecha más próxima al inicio del festival.
Sobre Tribeca Enterprises
Tribeca Enterprises es una compañía de narración de historias multiplataforma, fundada en 2003 por Robert De Niro y Jane Rosenthal. Tribeca ofrece a los artistas plataformas únicas que amplían la audiencia para sus trabajos y el acceso del consumidor a la experiencia de contar historias, películas independientes y producciones audiovisuales. La compañía dirige una red de negocios de entretenimiento que incluyen el Festival de Cine de Tribeca, el Festival de Televisión de Tribeca y su área de producción de entretenimiento Tribeca Studios.
Sobre YouTube
Lanzado en mayo de 2005, YouTube permite a miles de millones de personas descubrir, contemplar y compartir vídeos de creación original. YouTube proporciona un foro para que las personas se conecten, se informen e inspiren a otros alrededor del mundo y actúa como una plataforma de distribución para creadores de contenido original y pequeños y grandes anunciantes. YouTube es una empresa de Google.
El Disneyland utópico, tráiler de «Los lobos»
Otras de las películas que podremos ver en esta edición on line del D’A 2020 que empieza este próximo 30 de abril es el segundo trabajo tras las cámaras del realizador mexicano Samuel Kishi titulado Los lobos, film cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Tras su opera prima Somos Mari Pepa también presente en el certamen en 2014 Samuel Kishi dirige una historia con tintes autobiográficos cuyo argumento parece remitirnos en algo al The Florida Project de Sean Baker. Los lobos recibió el premio del Jurado Internacional a la Mejor Película en la sección Generation Kplus durante la pasada edición del Festival de Berlín.
En Los lobos vemos como Max y Leo de 8 y 5 años, son llevados de México a Albuquerque (EU) por Lucía, su madre, en busca de una mejor vida. Mientras esperan que su mamá regrese del trabajo, los niños exploran a través de la ventana de su departamento el inseguro barrio habitado por latinos y asiáticos; escuchan los cuentos, reglas y lecciones de inglés que ella les deja en una vieja grabadora de cassette, construyen un universo imaginario con sus dibujos y anhelan que su mamá cumpla la promesa de ir a Disneylandia.
La película con guion del propio Samuel Kishi junto a Luis Briones y Sofía Gómez-Córdova y música compuesta por Kenji Kishi está protagonizada por Martha Lorena Reyes, Maximiliano Nájar Márquez, Leonardo Nájar Márquez, Cici Lau, Johnson T. Lau, Kevin Medina, Josiah Grado, Marvin Ramírez, Alejandro Banteah, Edwin Ramírez, Aylin Payen, Shacty Díaz, María Teresa Herrera y Amy Puente.
El Festival de Sitges proyecta «Vaya luna de miel» a través de su Cuaderno de Bitácora en la web
Es uno de los tesoros perdidos del director Jess Franco (1930 – 2013), recuperado hace dos años y proyectado en la última edición del Festival de Sitges dentro de la sección Seven Chances. La película Vaya luna de miel (1980) nunca se llegó a estrenar en su tiempo y durante cerca de 40 años estaba desaparecida, aunque forma parte de la cinematografía del prolífico realizador del cine de terror. Vaya luna de miel no se estreno en sales ni tampoco no se hizo ninguna otra comercialización posterior.
Hace dos años aparecieron en el Centro de Conservación y Restauración de Cinematografía de la Filmoteca Española los negativos de imagen y el sonido del montaje del film. La Filmoteca los digitalizó y permitió la recuperación de la película perdida de Jess Franco.
Vaya luna de miel es una adaptación de El escarabajo de oro (1843), un cuento de Edgar Allan Poe al “estilo comedia moderna”, según la definió el mismo Franco. El reparto cuenta con Lina Romay, Emilio Álvarez y Antonio Mayans, entre otros.
El Festival de Sitges proyectó en su última edición Vaya luna de miel después de la recuperación de la Filmoteca Española y una anterior sesión. El Sitges – Cuaderno de Bitácora ofrece ahora la posibilidad de ver el film en abierto, gracias a un acuerdo con la misma Filmoteca Española. El Cuaderno de Bitácora es la nueva propuesta del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya para ofrecer contenidos de cine fantástico y del mismo universo del festival.
El culto adolecente, tráiler de «The Color Rose»
La joven actriz estadounidense Courtney Paige que hemos visto en series recientes como Star Trek: Renegades o The Arrangement debuta tras las cámaras con el film The Color Rose, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. The Color Rose aborda la temática del culto a la brujería desde una perspectiva adolescente femenina muy al estilo de cintas como The Craft (1996) o la reciente Assassination Nation de Sam Levinson.
En The Color Rose vemos como siete chicas deciden fundar una secta en la que cada una de ellas debe encarnar uno de los siete pecados capitales. Sin embargo, descubren que en su religioso pueblo en el que viven se esconde un terrible secreto cuando empiezan a desaparecer una tras otra sin motivo aparente.
La película aún sin fecha de estreno prevista cuenta con guion de la propia Courtney Paige junto a Erin Hazlehurst y Madison Smith estando protagonizada por Kaitlyn Bernard, Brenna Llewellyn, Brenna Coates, Keilani Elizabeth Rose, Jasmine Randhawa, Carly Fawcett, Natalie Malaika, Aleks Paunovic, Lochlyn Munro, Dylan Playfair, Tahmoh Penikett, Loretta Walsh, Elysia Rotaru, Jerry Trimble y Michael Eklund.
Hace un millón de años – Todo el cine de dinosaurios – 1941-1987
Hace un millón de años recorre la historia de las producciones cinematográficas -grandes clásicos y joyas olvidadas- centradas en estos grandes animales del pasado, desde el nacimiento del séptimo arte hasta el ocaso del stop motion como método revitalizador a finales de la década de los ochenta. Un sentido homenaje a todos aquellos artistas, que dedicaron su vida a rescatar de la extinción a estos fabulosos animales que dominaron la Tierra y dominan nuestra fantasía desde la más tierna infancia. Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, Gorgo, La tierra olvidada por el tiempo, El último dinosaurio, Viaje al centro de la Tierra, El planeta de los dinosaurios y muchas más películas en un libro bellamente ilustrado.
Autor; Octavio López San Juan, Editorial: DIABOLO EDICIONES S.L., Páginas: 290
Un cuento de hadas al amparo del virtuosismo técnico. «Gretel & Hansel» review
En Baviera, a principios del siglo XIV, Gretel y Hansel, de 13 y 9 años respectivamente, viven en la miseria más absoluta. Su padre murió hace años y su madre está casada ahora con un hombre malvado. Debido a la falta de recursos y al creciente miedo que les produce su padrastro, Gretel y Hansel deciden huir del pueblo en busca de un futuro mejor. En el bosque se encuentran con varias personas que, de una forma u otra, intentan aprovecharse de ellos. Huyendo de unos y otros, conocen a un amigable cazador, que por fin les indica cual es el camino seguro a seguir. Así, los dos hermanos llegan a la cabaña de Holda, una amable mujer mayor que decide acogerlos. Lo que Gretel y Hansel no pueden imaginarse es que en esa cabaña tendrán que enfrentarse a sus peores miedos si quieren sobrevivir.
Es ciertamente complicado el ubicar unos rasgos autorales que se perciban como definidos o detectables en la trayectoria de un realizador de las características de Osgood Perkins, con tan solo tres trabajos tras las cámaras en su haber y una participación en el guion de The Girl in the Photographs podríamos aseverar que posiblemente el único nexo en común entre todos ellos radique en centrar sus historias desde el prisma de personajes femeninos que de una manera u otra terminan estando a merced de una amenaza de índole sobrenatural, también en la forma de como las historias insinúan mucho más que revelan, por el contrario si nos centramos en el tono de los tres largometrajes estos no pueden estar más diferenciados entre sí, si en su opera prima The Blackcoat’s Daughter primaba por encima de cualquier otro elemento un retorcido y juguetón entramado narrativo en aras de intentar desubicar y sorprender en todo momento al espectador poco prevenido de su zona de confort en I Am the Pretty Thing That Lives in the House, por lo que a un servidor respecta su mejor trabajo hasta la fecha, reinterpretaba de forma muy arriesgada el prototípico cuento de fantasmas clásico prescindiendo por completo que cualquier artilugio o tropo genérico para apostarlo prácticamente todo a un clima fantasmagórico que a la manera de la modesta pero interesante I am a Ghost H.P. Mendoza no es narrada de forma minimalista en un rigurosísimo primera persona.
Esta difusa autoría genérica no tiene que ser algo peyorativo por definición, de alguna manera tal posicionamiento puede ser considerado incluso como una muestra bastante defendible y loable de lo entendible como labor artesanal aplicada a los nuevos tiempos, sea como fuere Gretel & Hansel dista bastante de atesorar cualquier tipo de semejanza con respecto a los dos anteriores trabajos de Osgood Perkins, siguiendo un poco la estela de pervertir una base literaria ya propensa a dicha desvirtualización oscura estamos ante un film que fundamenta básicamente su acción en el folklore y en el temor, el transformar el texto de los hermanos Grimm en una película de terror no deja de ser un salto cognitivo que ya se había hecho con anterioridad, al igual como ya ocurriera con otro famoso cuento con el Snow White: A Tale of Terror de Michael Cohn Osgood Perkins opta por indagar en la oscuridad a través de ensalzar lo tétrico y lo onírico en base a su estética visual, a tal respecto la fotografía a cargo de Galo Olivares deviene clave a la hora de mostraros junto a un elaborado diseño de producción un relato en donde prima el terror gótico atmosférico. Al igual que The Witch aparte de compartir una decidida apuesta por la estética
en un ejercicio de claro índole visual también existe una conexión bastante evidente en relación a presentar a un personaje principal que va madurando al mismo tiempo que se adentra en un imaginario sobrenatural, del mismo modo que en la película de Robert Eggers Gretel & Hansel bordea de forma algo peligrosa esa nueva, y en parte negativa, nomenclatura denominada Elevated Horror, a tal respecto es harto evidente que la narrativa deviene como la principal víctima de dicho posicionamiento, en el film de Osgood Perkins dicho desarrollo en vez de ser solido deviene como claramente irregular, hay momentos en que la película da la impresión de ir a trompicones en referencias a unas formas que se perciben involuntariamente como episódicas, pese a una duración de poco más de hora y media uno tiene la sensación que el relato llega muy justo a su conclusión en base a la construcción de una historia sobre otra que ya de por sí da la impresión de estar extendida de forma algo forzada, especialmente visible en esas secuencias del bosque plagadas de voces en off introspectivas que nos remite tanto a la ensoñación fantástica como incluso a texturas propias del cine perpetrado por Terrence Malick por aquello de un cierto preciosismo visual que es consciente de su propia condición.
Al igual que en aquella simpática e interesante Whoever slew Auntie Roo? de Curtis Harrington la adaptación de Hansel y Gretel por parte de Osgood Perkins es bastante libre, empezando por el cambio de orden en los nombres del título, cuestión que por fortuna no resulta baladí ni aleatoria y si lógica dado el punto de visto de relato contado a través de una sola mirada, a tal respecto también es digno de agradecer que dicha coyuntura no se deba a ningún tipo de tesis de apoderamiento o líquidos paradigmas feministas tan habituales en muchas producciones de género actual, por mucho que estemos ante una historia de terror existe una vía que permite que la película funcione también como un cuento reflexivo acerca de la mayoría de edad de una joven que gradualmente se da cuenta de que el poder adquirido puede usarlo para abrirse camino en un mundo que es completamente antagónico a su naturaleza, en ese sentido lejos de militancias estériles e impostadas Hansel y Gretel pese a atesorar una inequívoca mirada femenina, que no feminista, conserva a través de un enfoque por momentos original su condición de fábula a modo de relectura de un clásico relato expuesto aquí en clave pesadillesca que aborda un amplio abanico de simbolismos a la hora de reinterpretar los arquetipos habituales de un cuento de hadas cuya mayor virtud en esta ocasión radica en el hecho de saber construir un creciente estado de inquietud en el espectador en detrimento del susto al uso para con el respetable, a fin de cuentas Hansel y Gretel es una película que más que asustar intenta perturbar, lo hace principalmente a través del magnetismo de unas imágenes que en esta ocasión juegan en contra de una narrativa que se percibe como algo errática.
Valoración 0/5:3
El duelo negado, tráiler de «A White, White Day»
Otras de las películas que se podrán ver en la inminente edición del D’A 2020 será la cinta islandesa A White, White Day (Hvítur, Hvítur Dagur en original), el film, cuyo tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página junto a su póster oficial y que estuvo presente en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes del pasado año, supone el segundo trabajo tras las cámaras del realizador Hlynur Palmason tras la interesante Winter Brothers (2017). A White, White Day, un thriller de venganza con claros aires existenciales tendrá una distribución comercial en España de la mano de La Aventura.
A White, White Day nos sitúa en una remota ciudad islandesa, un jefe de policía retirado comienza a sospechar que un hombre tuvo un romance con su esposa, quien recientemente murió en un accidente automovilístico. Poco a poco, su obsesión por descubrir la verdad se acumula e inevitablemente mientras comienza a ponerse en peligro a sí mismo y a sus seres queridos.
La película con guion del propio Hlynur Palmason está protagonizada por Ingvar Eggert Sigurdsson, Ída Mekkín Hlynsdóttir, Hilmir Snær Guðnason, Sara Dögg Ásgeirsdóttir, Björn Ingi Hilmarsson, Elma Stefania Agustsdottir, Haraldur Ari Stefánsson, Laufey Elíasdóttir, Sigurður Sigurjónsson, Arnaldur Ernst, Þór Hrafnsson Tulinius y Sverrir Þór Sverrisson.
Primer tráiler de «El verano que vivimos» de Carlos Sedes
Después de una amplia experiencia televisiva con trabajos en series tales como Las chicas del cable, Fariña, Instinto o Alta mar entre otras muchas el realizador Carlos Sedes dirige el drama de época, en donde veremos los tres vértices del triángulo amoroso, titulado El verano que vivimos, film que de la mano de Warner Bros. Pictures España acaba de ver la luz un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film rodado en localizaciones de Andalucía y Galicia durante ocho semanas tuvo un avance de algunas de sus primeras imágenes en la pasada edición del Festival de San Sebastián.
El verano que vivimos nos sitúa entre el verano de 1958 y el año 1998. Isabel, estudiante de periodismo, se ve obligada a realizar sus prácticas en el diario de un pequeño pueblo costero gallego para terminar la carrera. Al llegar, quiere empezar cuanto antes a investigar, a demostrar todo lo que ha aprendido para convertirse en una auténtica periodista. Pero el puesto que le asignan es el último que ella esperaba: la escritura y gestión de las esquelas que llegan a la redacción. Pero esto, que podría parecer en principio algo aburrido, se convierte en la puerta a una investigación que la llevará por diferentes puntos de la geografía española en busca de una historia de amor imposible.
La película con guion a cinco manos por parte de Ramón Campos, Gema R. Neira, Salvador S. Molina, Javier Chacártegui y David Orea y música a cargo de Federico Jusid está protagonizada por Blanca Suárez, Javier Rey, Pablo Molinero, Carlos Cuevas, Guiomar Puerta, María Pedraza, Moreno Borja, Adelfa Calvo, Manuel Morón, Joaquín Núñez, Pedro Rudolphi y Paloma Reynaud.
Producida por Mr. Fields and Friends, Atresmedia Cine, Warner Bros. Entertainment España, Bambú Producciones, La Claqueta y 4 CATS, el estreno en cines de «El verano que vivimos» está anunciado en un principio y salvo cambios de última hora para el próximo 6 de noviembre.
La Filmoteca de Catalunya ofrece en línea una retrospectiva del cineasta Pere Portabella
Tras el estreno del ciclo «Días Cortos«, dedicado al mundo del cortometraje y a cineastas que apenas empiezan en la dirección, la Filmoteca de Cataluña continúa ofreciendo en línea una programación de calidad y coherente con sus propósitos. En este caso una retrospectiva de uno de los cineastas más universales de nuestro país, Pere Portabella con más de 13 títulos repartidos en varias sesiones.
La trayectoria cinematográfica de Pere Portabella se ha desarrollado entre el arte y la política, siempre a contracorriente de las tendencias dominantes y de la ortodoxia narrativa. Sus filmes, a menudo realizados con la complicidad de otros artistas, incorporan la música, la pintura o la poesía como referentes de un universo personal que exige de la complicidad del espectador.
A menudo presente en la programación de la Filmoteca de Cataluña y activo preservador de su legado con la colaboración del Centro de Conservación y Restauración, el cineasta ahora es objeto de esta retrospectiva online provocada por el coronavirus. Mientras las salas permanezcan cerradas, su complicidad y de su productora (Films 59) permitirán visualizar su obra con una periodicidad de una sesión semanal, de lunes a domingo.
Cada lunes a las 20h, al nostre canal de Youtube, estará disponible una nueva sesión formada por uno o varios filmes de Pere Portabella.
https://youtu.be/ao8xGxdjTPs
El Festival de Sitges crea un espacio web para dialogar con los fans
Después de los cortos en cuarentena de la propuesta Sitges Countdown, ahora es el turno del Sitges – Cuaderno de Bitácora. El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya estrena hoy un nuevo espacio web de entretenimiento para todos los fans del cine fantástico, donde podrán seleccionar sus films y directores preferidos, conocer la historia del Festival más a fondo, participar en juegos de conocimiento y seguir las recomendaciones del director, Ángel Sala, y otros responsables del comité de selección.
El Sitges – Cuaderno de Bitácora es una nueva propuesta del Festival para hacer más ameno el confinamiento. Se trata de una web en continua actualización, que pretende acercar la historia del Festival desde su creación (en 1968) hasta nuestros días y adentrarse en el universo del cine fantástico, tanto a partir de contenidos informativos como de recomendaciones de los responsables de la programación del mismo Festival. El espacio está estructurado en cinco áreas: Recomendaciones, Ránking, Consultorio, Mundo Fantástico y Fanómetro.
En su estreno hoy, El Sitges – Cuaderno de Bitácora presenta las recomendaciones del programador de la sección Anima’t, Jordi Sánchez Navarro, de películas para ver en familia, las primeras preguntas del Fanómetro sobre la historia del Festival o una entrevista a Luigi Montefiori, entre otros contenidos.
El Sitges – Cuaderno de Bitácora toma el relevo del Sitges Countdown, la selección de cortos en abierto que el Festival proyectó entre el 31 de marzo y el 13 de abril a través de su canal de YouTube.
Ambigüedad generacional, tráiler de «Nocturnal»
Seguimos con el repaso de algunas de las película que se podrán ver en la próxima edición on line del D’A 2020 que se celebrará dentro de unos pocos días a través de Filmin, Nocturnal, drama generacional cuyo primer tráiler oficial podéis ver a final de página, supone el debut en el largometraje de la joven realizadora de origen italiano Nathalie Biancheri, autora que empezó su trayectoria en la BBC, dirigiendo y produciendo documentales cuya temática incidía en la ciencia y naturaleza. Su corto de ficción The Crossing (2014) fue seleccionado en festivales tales como Edimburgo, Sofía o Goa.
En Nocturnal vemos como Lauren, una cínica estudiante, alimenta una amistad en un principio secreta con Pete, un hombre algo más mayor que está aparentemente obsesionada con ella. Entre ambos surgirá una extraña relación amorosa que dará lugar a diversas salidas nocturnas bañadas de alcohol, éxtasis y varias estancias en la playa o en paisajes de extrarradio.
La película con guion de la propia Nathalie Biancheri junto a Olivia Waring está protagonizada por Sadie Frost, Cosmo Jarvis, Laurie Kynaston, Amber Jean Rowan, Yasmin Monet Prince, Amy Griffiths, Lauren Coe, Ella-Grace Gregoire, Jonathan Milshaw, Patrick Connolly, Ethan Wilkie y Daisy Farrar.
Un proyector en Finisterre. Cine y demolición
El cine, como la naturaleza, nos sobrevivirá. Aun después del fin, un proyector continuará proyectando en Finisterre. Hará visibles sus figuras sobre la superficie del aire, reflejará sus fantasmas sobre el mar. Nada quedará de nosotros, salvo nuestros proyectos. Proyectar es hacer imágenes. Imágenes más altas, más hermosas que nosotros mismos. Hacer imágenes es creer. El credo de Jay Gatsby (escrito por Fitzgerald, encarnado una vez por DiCaprio) era la esperanza. Esperar es inclinarse y recoger los restos de una demolición. Tal vez hay solo dos preguntas en la vida: por qué no matarse, por qué no salir a matar. Van más allá de la ley. Es el suicidio, o el amor. Decir que ya no más o decir que sí, todavía. El cine dice sí. Nos necesita para hacer cuerpo a cuerpo. Nuestros ojos se inclinan y recogen los cuerpos y las cosas del cine. Se hacen manos.
En este libro hay cuarenta y ocho textos sobre cine concentrados en películas de este siglo que muchos hemos visto, con saltos hacia atrás, aperturas hacia géneros y filmografías e intersecciones constantes con otras disciplinas. Este libro es como girar un caleidoscopio. Están, entre otros, Bresson, Fincher y Scorsese, Ferreri, Chabrol, Jarmusch y Sofia Coppola, Herzog, Duras, Eastwood y Tarantino, Fellini, Baumbach, Spielberg y Buñuel, junto a Joseph Cornell y Andy Warhol, el western, los vampiros y el slash, Tolstoi, Miguel Ángel y la comedia romántica, Salinger, el biopic y el terror. Es un libro de preguntas y problemas acerca de la naturaleza y los límites de una imagen, su pudor, su ternura y su tiranía.
Lo propio del cine es demoler para reconstruir. También debería ser lo propio de la escritura sobre cine, en ese tránsito que va desde mirar hasta ver, desde ver hasta derramarse y, finalmente, tocar. Tocar la luz que parpadea en la noche desde el faro, rozarla apenas, como la rozó Jay Gatsby.
El autor
MARIEL MANRIQUE (Buenos Aires, 1968). Estudió leyes e historia del arte. Ejerció la docencia universitaria en la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires. Ha escrito ensayos sobre literatura y artes audiovisuales, publicados en diversos medios de América Latina y España. Integra el equipo de redacción de Shangrila y codirige, para Shangrila Textos Aparte, la colección Contracampo, en la que ha traducido a diversos autores. Publicó los poemarios La constelación de Andrómeda (Crack-Up, 2008), Descartes en Holanda (Paradiso, 2010), Cómo nadar estilo mariposa (Paradiso, 2011) y Flores en la boca (Paradiso, 2012), y el ensayo Magdalena Montezuma. Musa, máscara y muñeca (Shangrila, 2016).
Autor; Mariel Manrique, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 440
Historia de una desigualdad, teaser tráiler de «Todos os Mortos»
Marco Dutra se ha convertido por méritos propios en una de las voces autorales más interesantes surgida en estos últimos años dentro del panorama cinematográfico Latinoamericano, sus películas junto a Juliana Rojas Trabalhar Cansa o As boas maneiras así lo atestigua, Todos os Mortos, cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, es su último trabajo tras las cámaras, en esta ocasión acompañado en la realización por Caetano Gotardo responsable de la curiosa Seus Ossos e Seus Olhos. En Todos os Mortos, presente en la pasada edición de la Berlinale, Marco Dutra se acerca en esta ocasión a un relato de características algo más académicas con una historia de época social aunque no exenta de esa ambigüedad genérica tan habitual en su cine.
Todos os Mortos nos sitúa en el año 1899. La esclavitud acaba de ser abolida en Brasil. Tras la muerte de la última criada, las tres mujeres de la familia Soares están perdidas en una ciudad emergente como Sao Paulo. La familia, que en su día tenía riqueza, ahora está al borde de la ruina e intenta adaptarse. Al mismo tiempo, la familia Nascimento, que trabajaban de esclavos para los Soares, van a la deriva en una sociedad que no está preparada para la gente negra recién liberada.
La película con guion de los propios Marco Dutra y Caetano Gotardo está protagonizada por Mawusi Tulani, Clarissa Kiste, Carolina Bianchi, Thaia Perez, Agyei Augusto, Leonor Silveira, Alaíde Costa, Rogério Brito, Thomas Aquino, Andréa Marquee, Luciano Chirolli, Teca Pereira, Gilda Nomacce, Vinicius Meloni, Eduardo Silva, Lívia Silva, Tuna Dwek, Ledda Marotti, Dagoberto Feliz, Lucio Correia, Edgar Castro, Palomaris Mathias Mansel, Pedro Souza, Luís Mármora, Eduardo Rodrigues Deguti Barros, Laura Vieira, Gustavo Vinagre, Clément Duboin, John Trengove y Othon Perdigão.
Romanticismo adolecente desvirtuado. «Adoration» review
Adoration nos presenta a Paul, un joven solitario que casualmente conoce a Gloria, una nueva paciente en la clínica psiquiátrica donde trabaja su madre. Enamorándose locamente de esta adolescente problemática y sola, Paul después de cometer un crimen huirá con ella, intentando escapar lejos del mundo adulto.
Fabrice Du Welz volvía al pasado Festival de Sitges con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Adoration, de forma más que merecida fue una de las películas más galardonadas en esta edición, Premio Especial del Jurado, Mejor fotografía y Méliès d’Argent. El director de origen belga ha estado en estos últimos años transitando a través del noir con películas como Colt 45 o Message from the King, films ciertamente competentes que de alguna manera son percibidos en base a su buena labor como artesano pero que quedan algo alejados por cuestiones obvias de ese imaginario tan particular visto al principio de su carrera en trabajos como Calvaire, Vinyan, indiscutible cenit de su carrera, y su reinvención de The Honeymoon Killers titulada Alleluia, un tipo de cine que basa su tesis principal a través de una búsqueda que suele devenir como visceral y en ocasiones quimérica, Adoration pertenece de una forma clara a este grupo, un film expuesto a modo de perfecto cierre de esa trilogía ardenesa formada por sus anteriores Calvaire y Alleluia.
Al igual que en las dos películas antes citadas Adoration parte del concepto del amour fou aunque aquí representado de una forma algo más íntima aún si cabe, mirándolo bien de forma algo caprichosa podría ser una ceñida precuela de su anterior Alleluia, un film en donde también encontraremos similitudes bastantes evidentes con aquel romance orgánico de la también gala Les amants criminels de François Ozon. Continuaciones esquemáticas y referenciales aparte lo bueno del cine de Fabrice Du Welz es su innegable adscripción a un imaginario tan personal como intuitivo, en Adoration están perfectamente definidos y no por ello los conceptos deja de ser nuevamente atrayentes de cara al espectador, una indagación a las profundidades de la mente en donde se explora inocencia, amor, imaginario escapista y dura realidad, a través de todos estos trayectos seremos testigos de cómo el sentimiento de amor, en el más amplio sentido de la palabra, actúa a modo de ente derrocador de lo entendible
como realidad, de alguna manera los dos jóvenes protagonistas transitan en todo momento a través de fronteras terrenales, tanto físicas como figuradas, que han de ir sorteando, aunque ese recorrido o huida a ninguna parte termine siendo circular, a tal respecto queda muy claro que en el cine de Fabrice Du Welz siempre existe una colisión en relación a sus formas a la hora de saber llevarte de un relato a otro a través de un cine muy sensual pero a la vez extremadamente visceral u orgánico, Adoration es posiblemente la perfecta quintaesencia de este tratado, Fabrice Du Welz se acerca a los cuerpos de una manera casi epidérmica, pese a aparentar ser una película sencilla con respecto a su ejecución la narrativa y sobre todo la parte técnica devienen como claves y complejas a la hora de retratar con un inusual acierto un extremo realismo poético que por momentos parece surgido de imaginarios más propios del cine francés de los años 30-50.
Atmósfera abrasiva rodada en 16mm con fotografía del ya fundamental Manuel Dacosse, cuya labor en estos últimos años se percibe como totémica dentro de autorías francesas tan notables como las de Hélène Cattet y Bruno Forzani o Lucile Hadzihalilovic, y música a cargo de otro habitual como es Vincent Cahay Fabrice Du Welz tiene la virtud de trasportar al espectador a los estados mentales de sus protagonistas en relación a unos cambiantes estatus psicológicos en donde por una razón u otra vemos a unos personajes incapaces de afrontar las embestidas emocionales que están por aparecer, el concepto del amor adolescente escenificado como ente monstruoso o si se prefiere como acto de fe, será a partir de esta premisa en donde el tono onírico se adueña tanto de los protagonistas como de la historia, también lo hará el escenario como clara extensión de un estado de ánimo, aquel en que la naturaleza queda encuadrada en cada plano de la película, la enfermedad mental y la interactuación con el mundo adulto hará que dicho imaginario termine desvirtuándose hacia lo abstracto. Como buen viaje al corazón de la oscuridad que es lo que en un principio parecía una fábula intima ahora se trasforma en un cuento de hadas con claras texturas de horror, al final el mensaje vuelve a ser aquel que nos dice que la adolescencia es campo abonado para historias que terminan derrotándonos por mucho que nos empeñemos en lo contrario. Fabrice Du Welz es indiscutiblemente uno de los realizadores más importantes de la actualidad, de alguna manera pertenece a esa clase de autores intuitivos que consideran esencial la puesta en escena, los decorados y la fotografía a la hora de contarnos una historia percibida como íntima, Adoration, que termino siendo una de las cimas autorales más interesantes de las vistas el pasado año en Sitges, ejemplifica ese tratado a la perfección.
Valoración 0/5: 4
El crepúsculo del gánster, primer tráiler de «Capone»
Bastante accidentada está resultando hasta el momento la carrera como realizador de Josh Trank, tras aquel prometedor debut en 2012 con Chronicle llegó tres años después un tormentoso conflicto con 20th Century-Fox y su The Fantastic Four, un film que de alguna manera parece haber marcado su trayectoria hasta día de hoy. Capone, cuyo primer tráiler oficial acaba de ser publicado y podéis ver a final de página, es su nuevo trabajo tras las cámaras, anteriormente conocida con el título de Fronzo la película, un violento biopic en torno a un Al Capone crepuscular, tampoco parece que ha sido un camino de rosas, de hecho su rodaje data de hace un par de años. Finalmente y salvo cambios de última hora el film verá la luz en streaming en Estados Unidos el próximo 12 de mayo de la mano de Vertical Entertainment, distribuida que suele estrenar directamente en VOD su extenso catálogo.
La sinopsis de Capone nos cuenta como la demencia comienza a deteriorar seriamente la mente de Al Capone al tiempo que su pasado se hace presente a través de los angustiosos y violentos recuerdos de una vida dedicada al crimen que por momentos parece fundirse con su actual estado de vigilia al borde de la muerte.
La película con guion del propio Josh Trank está protagonizada por Tom Hardy, Linda Cardellini, Kyle MacLachlan, Matt Dillon, Jack Lowden, Kathrine Narducci, Gino Cafarelli, Noel Fisher, Al Sapienza, Matilda Del Toro, Wayne Pére, Mason Guccione, Sue-Lynn Ansari, Rose Bianco, Jhemma Ziegler, Samantha Czosnek, CG Lewis, Edgar Arreola, David Wachs y Patti Brindley.
«Beanpole» disponible en Filmin, Movistar, Itunes y Rakuten a partir del 17 de abril
UNA GRAN MUJER (BEANPOLE), la segunda película de Kantemir Balagov, estrenada en cines en el pasado mes de diciembre, fue una de las diez películas finalistas a los Premios Oscars 2020 en la categoría de «Mejor Película Internacional». En España se estrenó en la sección de Perlas del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
Hace un año, en la última edición del Festival de Cine de Cannes, «UNA GRAN MUJER (BEANPOLE)» ganaba el Premio Fipresci de la crítica de la sección «Un Certain Regard» y el Premio a Mejor Director para Kantemir Balagov, su joven director. Su ópera prima, Demasiado Cerca (Tesnota), ya se había alzado con el Premio Fipresci en el Festival de Cine de Cannes de 2017 y con una Mención Especial en la sección Zabaltegui del Festival de San Sebastián de ese mismo año . Una de las protagonistas, Viktoria Miroshnichenko, consiguió la nominación a Mejor Actriz en los últimos Premios de Cine Europeo.
Basada en el libro «La guerra no tiene rostro de mujer», UNA GRAN MUJER (BEANPOLE) es una historia de amor y guerra, contada desde el punto de vista femenino que llegará el viernes 17 de abril a las plataformas de VOD: Filmin, Itunes, Movistar Plus y Rakuten.tv.
Una gran mujer (Beanpole) review
Leningrado, 1945. La Segunda Guerra Mundial ha devastado la ciudad y derruido sus edificios, dejando a sus ciudadanos en la miseria tanto a nivel físico como psíquico. El asedio (uno de los peores de la Historia) ha terminado, la vida y la muerte continúan combatiendo en el desastre que la guerra deja tras de sí. Dos mujeres jóvenes, Iya y Masha, tratan de encontrar un sentido a sus vidas para reunir fuerzas de cara a reconstruir la ciudad.
Hace un par de años el joven cineasta ruso de tan solo 25 años de edad Kantemir Balagov consiguió sorprender a propios y extraños con aquella sugerente y a la vez contundente opera prima titulada Tesnota, un ejemplar y modélico ejercicio de violencia contenida ambientada durante la Guerra de Chechenia y expuesta a través de un crudo retrato que indagaba en irrompibles y dolorosos lazos familiares que devenían como tóxicos, dos años más tarde el joven Kantemir Balagov se enfrenta a esa tesitura tan habitual y en parte comprometida en la medida de poder reafirmar o no esas buenas sensaciones cosechadas con anterioridad con un segundo trabajo tras las cámaras que a priori y si es posible sea algo más ambicioso en lo relativo a fondo y forma, en Beanpole, tras su pasó por Cannes en Una Cierta Mirada y presente en la sección Perlas del Festival de San Sebastián, Kantemir Balagov nos vuelve a situar en un drama intimista de claro tono femenino en donde se nos revela un imaginario que al igual que su opera prima nos trasporta a un nuevo viaje al pasado, aunque aquí a través de un desarrollo y una estética de índole mucho más clásico en base a su condición de un melodrama de época que deviene como sórdido y en donde asistiremos a una oscura historia expuesta a modo de retrato intimista ubicado pocos meses después de finalizar la Segunda Guerra Mundial.
Beanpole, inspirada en la novela La guerra no tiene rostro de mujer de Svetlana Aleksándrovna Aleksiévich, no solo reafirma un talento que en parte deja de estar ya en ciernes sino que deviene como una incuestionable confirmación de un autor que todo indica que puede ser clave en un futuro, Kantemir Balagov en esta ocasión vuelve a incidir en retratos femeninos densos y asfixiantes llevados al límite, aquí nuevamente ubicados en un escenario que se percibe tan devastador como resulta ser unas psiques, la de sus dos protagonistas, situadas a través de un estado de auténtica devastación existencial a causa la barbarie provocada por la guerra, de alguna manera este intenso drama de cámara provisto de una gravedad extrema termina siendo inequívocamente inmersivo para con el espectador a través de una narrativa que no deja de estar expuesto a modo de un profundo y continuo estudio del estrés postraumático relatado a través de una dramaturgia de tintes casi bergmanianos en donde se nos muestras unas heridas que se prevén como incurables, una mirada a una de las muchas caras no visibles de la trastienda bélica en donde se cuestiona ese unitario heroísmo patriótico del supuesto vencedor, la notable reconstrucción de la época resultara un activo clave a la hora de transportar directamente al espectador a un imaginario desgarrador en donde por ejemplo vemos como los soldados malheridos de la trastienda piden que los liberen de su sufrimientos a sus cuidadores, en tal sentido el retrato que nos propone Beanpole quedara siempre situado a modo de un purgatorio mental situado siempre al borde de un colapso emotivo y moral escenificado en esta ocasión en el imperioso deseo de ser madre, para más inri Kantemir Balagov que da nuevamente la sensación de ser un alumno aventajado de la escuela de Aleksandr Sokurov, aquí dotado de un presupuesto bastante mayor que en su opera prima, se permite el lujo de rodar con una excelente pulcritud espacios escénicos de una belleza cromática que por momentos da la impresión de estar colindando con el arte pictórico a través de un extraordinario rigor formal.
Beanpole como relato que indaga en la genealogía cinematográfica de un territorio y un país ya pretérito es indiscutiblemente una de las películas más notorias de este año 2019 que está a punto de finalizar, un film que termina transitando mucho más allá de la empatización del dolor de unos personajes víctimas de una coyuntura silenciada, a tal respecto el estudio que se nos ofrece de ese vacío total de la victoria será la de un doloroso un sufrimiento interior alejado de cualquier tipo de épica, el resultado final en lo relativo a una ejecución brillante de sus aspectos formales es ciertamente admirable confirmando a Kantemir Balagov como un talento autoral al cual habrá que seguir muy de cerca en un futuro que dada su actual precocidad, ahora tan solo 28 años, se prevé como ciertamente brillante.
Valoración 0/5:4
El último cazador, tráiler de «Blood and Money»
Posiblemente gran parte de los aficionados al cine tengan principalmente en el recuerdo a Tom Berenger por su papel en la oscarizada Platoon aunque lo cierto es que ha sido un actor bastante presente especialmente en los años 80 con trabajos tan interesantes como por ejemplo Butch and Sundance: The Early Days (1979), The Big Chill (1983), Someone to Watch over Me (1987) o Betrayed (1988) por poner solo algunos ejemplos de su larga trayectoria. A pesar de que en estas últimas décadas ha seguido en activo su carrera se ha movido dentro de unos parámetros claramente alimenticios, su último trabajo delante de las cámaras es este Blood and Money, film cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película del debutante John Barr, cuya semejanza argumental nos remite a cintas como el Cliffhange de Renny Harlin o aquella entretenida Shoot to Kill de Roger Spottiswoode protagonizada por el propio Tom Berenger, estará disponible en VOD a partir del próximo 15 de mayo.
En Blood and Money vemos como un veterano retirado que caza en el campo de Allagash en Maine descubre el cadáver de una mujer con una bolsa llena de dinero. Pronto se encontrara atrapado en una red de engaños y asesinatos cuando un grupo de delincuentes aparezcan y emprendan la búsqueda del dinero.
La película con guion del propio John Barr junto a Michael McGrale está protagonizada por Tom Berenger, Kristen Hager, Paul Ben-Victor, Mark Sivertsen, Gary Tanguay, Melissa McMeekin, Bates Wilder, Erica McDermott, Caroline Portu, Ryan Homchick, Lisa Lynch, Jimmy LeBlanc, Brian Duffy, Ace Gibson y David J. Curtis.
Un itinerario fúnebre, tráiler de «Homeward»
Continuamos acercándonos a algunas de las películas que se podrán ver en el próximo D’A 2020, recordemos una edición que dadas la excepcionalidad que nos ha tocado vivir será ofrecido online a través de la plataforma Filmin. Homeward (Evge en original) supone la ópera prima del joven ucraniano Nariman Aliev, realizador que entre los años 2013 y 2016 dirigió una trilogía de cortometrajes que incidían de alguna manera en el que es el principal leitmotiv de su breve filmografía, su tierra de origen, Crimea. El film, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, y que explora a modo de road movie alegórica las cicatrices existente en la situación social y política de un país, tuvo su premier mundial el pasado año en el Festival de Cannes dentro de la sección Un Certain Regard
Homeward nos cuenta como un padre y su hijo, miembros de una familia de Crimea, transportan el cadáver de su hijo y hermano respectivamente desde Kiev a Crimea para así poder enterrarlo en casa, un viaje que cambiará completamente la relación entre ambos.
La película con guion del propio Nariman Aliev junto a Marysia Nikitiuk está protagonizada por Akhtem Seitablaev, Veronika Lukyanenko, Viktor Zhdanov, Dariya Barihashvili, Remzi Bilyalov, Akmal Gurezov y Larysa Yatsenko.
Solaris 2 – Trilogía del apartamento de Roman Polanski
Monográfico dedicado a la llamada Trilogía del Apartamento, que comprende los films Repulsión (1965), La semilla del diablo (1968) y El quimérico inquilino (1976).
Repulsión, La semilla del diablo, El quimérico inquilino… ¿Qué se vislumbra en los apartamentos de los films de Polanski cuya metáfora nos alcanza aún hoy, y nos interroga en nuestros temores más íntimos? ¿En qué consiste esta productiva metáfora de los apartamentos, que iluminó una nueva forma de miedo en el cine, y nos descubrió indefensos de nosotros mismos? ¿Hasta dónde alcanza el juego de los apartamentos y cuánto de nosotros podemos pensar en ellos?
Con la llamada Trilogía del Apartamento, Polanski desvió para siempre el rumbo del cine de terror y revolucionó la lógica del psicodrama, situando la amenaza en nuestras propias entrañas, haciéndonos intuir la emergencia interior de nuestro lado más siniestro, al borde de la locura, en la travesía alucinatoria. En sus imágenes, se construyen los ambientes más inquietantes, y con ellos reflexionamos sobre la pérdida de la seguridad, la alienación social, la fragilidad de la propia identidad, el arraigo de nuestras fobias, el origen mismo del horror y hasta su propio sentido.
La Trilogía del Apartamento de Roman Polanski despliega en estas páginas el pensamiento de ensayistas de múltiples disciplinas, analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, pensadores de renombre nacional e internacional, para escudriñar y esclarecer el alcance y los enigmas tras estos inolvidables apartamentos.
Índice de Contenidos
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Polanski en la órbita de Solaris. (Prólogo)
Joanna Bardzinska
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La semilla del diablo, Roman Polanski y el género de terror
Marek Haltof
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¿Qué derecho tiene mi cabeza de llamarse Yo? El que habita en mí. El quimérico inquilino, de Polanski
Vanessa Brasil
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Alicia a través del espejo: miradas, contrastes e imaginario surrealista en Repulsión
Raúl Álvarez
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¿Qué le habéis hecho a sus ojos? Mirar y habitar La semilla del diablo
Aarón Rodríguez
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El sexo como abertura al delirio
Fernando Usón Forniés
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El cuerpo como agente narrativo en la Trilogía de los apartamentos de Roman Polanski
Israel Paredes
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Inquilinos del cuerpo. Polanski: El quimérico inquilino
Amaya Ortiz de Zárate
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El quimérico inquilino: mutación de identidad y siniestra realidad de lo surreal
Simón Royo
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Variaciones sobre una trilogía: El quimérico inquilino, Inseparables y The pornographers. Sexo, identidad y pulsión de muerte en Polanski, Cronenberg e Imamura
José Antonio Jiménez de las Heras
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Estructura de Repulsión
Manuel Canga Sosa
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En clave de sol: la música en el cine de Polanski
Carlos Tejeda
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Cuando el vecino es la amenaza
José Ángel Barrueco
Autor; VVAA, Coordinación: Marta Villarreal y Ricardo Sánchez Ramos, Editorial: TRAMA EDITORIAL, Páginas: 320
Modernidad mal asumida. «The Turning» review
The Turning nos cuenta como una joven institutriz es contratada para hacerse cargo de la educación de dos niños huérfanos que viven en una apartada mansión rural. Pronto empieza a sospechar que los antiguos criados, muertos hace tiempo, ejercen todavía una perniciosa influencia en la vida de los niños.
Si a lo largo de la historia ha existido una novela que haya sabido aprovechar mejor los resortes de lo que podríamos llamar como el gótico fantasmal de ambigua interpretación esa ha sido sin lugar a dudas The Turn of the Screw de Henry James, publicado en el año 1898 dicho texto ha sido llevado en multitud de ocasiones tanto a la pequeña como a la gran pantalla, también a la opera por parte de Benjamin Britten cuya primera representación data del año 1954. Si se tuviera que elegir una sola adaptación que haya sabido plasmar con mejor tino la esencia de la novela esta seria sin pocas dudas al respecto la espléndida The Innocents de Jack Clayton, tomando pues como principal referencia comparativa tanto el texto original como el film del responsable de Room at the Top analizaremos por encima la que ha sido la última adaptación al cine de dicha obra titulada The Turning.
En una escala de valores en referencia a su posible valía como adaptación el film de Floria Sigismondi, que a diferencia de otra apócrifa actualización como fue aquella aparatosa The Haunting de Jan de Bont, y que pese a estar auspiciado por un gran estudio como es Amblin da la sensación de ser un producto de serie B, podría situarse perfectamente en el escalafón más bajo de la larga lista existente, dudoso honor este pues es complicado el desperdicio de una base tan sólida y con tantas salidas con respecto a posibilidades bifurcaciones genéricas, a tal respecto es difícil ver alguna adaptación de la obra que careza de algún tipo de interés en su haber, incluso en aquellas que intentan algún tipo de reinterpretación como por ejemplo las patrias Otra vuelta de tuerca de Eloy de la Iglesia (1985) o la curiosa El celo de Antoni Aloy (1999) o incluso aquella atrevida y nada desdeñable re imaginación a modo de precuela como fue The Nightcomers (1971) del siempre eficaz Michael Winner. Lo peor del caso y partiendo del escollo de no saber aprovechar adecuadamente un elemento tan primordial en el relato como es el tono atmosférico viene en la medida
de ver como The Turning se sitúa de forma supuestamente consciente en las antípodas de la naturaleza del material primigenio. Un servidor siempre ha sido de la opinión de que un remake o nueva adaptación tiene la perfecta legitimidad de seguir un camino diferente al de la obra de la que parte, de hecho si nos fijamos en la larguísima lista de esta clase de películas, casi un sub género en sí mismo, encontraremos las mejores muestras en aquellas obras que han intentado exponer su propio discurso y se han apartado del simple escaneo referencial. En el caso que nos ocupa los guionistas Chad Hayes y Carey W. Hayes en parte toman esta dirección aunque de manera tan torpe como contradictoria, por un lado y al igual que la reivindicable The Turn of the Screw de Rusty Lemorande (1991) se nos sitúa la acción lejos de la época victoriana, sabemos que es a mediados de los 90 por una referencia televisiva sobre la muerte de Kurt Cobain, vemos algún vehículo o teléfono que más que de esa época parece sacada de los años 70, poca más indagación de la contextualización temporal encontraremos en una película que utiliza dicha traslación de tiempo de manera tan caprichosa como vacua pues al final toda la acción se sustentara en una mansión que bebe, o intenta hacerlo, del gótico.
Lo peor sin embargo de este The Turning que intenta modernizar un clásico de forma deficiente vendrá en lo referido a su tono, si tanto en la novela como en el film de Jack Clayton lo sugerido y lo sutil se manifestaba como principal status quo del relato aquí el posicionamiento elegido deviene como como una autentica antítesis, el golpe de efecto sonoro, o el denominado jump scares estridente, aquí aparte de estar omnipresente deviene como extremadamente predecible estando presente en prácticamente cada uno de los momentos en donde se pretende inquietar al espectador. Puestos a escarbar en la difícil tarea de intentar percibir algún elemento que se aparte del tono ordinario imperante en la película este lo podríamos encontrar en una suerte de trauma, mal desarrollado, de la protagonista principal, si en la base original la raíz de la fragmentación mental de la institutriz venia dada en lo concerniente a una mal asimilada represión sexual en la película de Floria Sigismondi es sustituido por una deriva psicológica materna, tanto en referencia a su ausencia como a una posible herencia genética de disfunción mental, a tal respecto la conclusión de The Turning, en donde la ambigüedad es sustituida por la confusión y que da la sensación de estar sacada de algún descarte en referencia a finales alternativos, no deja lugar a dudas acerca del resultado final, no tanto en lo concerniente a sus difusas intenciones en intentar ser fiel a su manera al concepto final de vuelta de tuerca, y si en la certeza de no saber sacar partido a un material original que en esta ocasión es víctima de una modernidad mal entendida y peor desarrollada.
Valoración 0/5: 1’5
Imaginarios bizarros, tráiler de «The Twentieth Century»
Será uno de los platos fuertes de este especial D’A 2020 online, The Twentieth Century, la opera prima del canadiense Matthew Rankin, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, nos remite inequívocamente a una estética y narrativa que ya ha sido definida como un cruce imposible entre el cine de Guy Maddin, el onirismo más particular de David Lynch y el fetichismo más exagerado de John Waters. La película presente en la Berlinale de este año (Premio FIPRESCI en la sección Forum) obtuvo el pasado mes de septiembre el galardón al Mejor debut canadiense en el Festival de Toronto.
The Twentieth Century nos sitúa en el Toronto del año 1899, a través de ese escenario seremos testigos de un bizarro biopic que re imagina los años de formación del antiguo primer ministro canadiense William Lyon Mackenzie King, también sus dudas a la hora de elegir entre el amor de un heroico soldado británico o el de una enfermera de Quebec, situación está que le llevará a ser víctima de una serie de diversas y abyectas humillaciones.
La película con guion del propio Matthew Rankin está protagonizada por Dan Beirne, Sarianne Cormier, Catherine St-Laurent, Mikhail Ahooja, Brent Skagford, Sean Cullen, Louis Negin, Kee Chan, Trevor Anderson, Emmanuel Schwartz, Richard Jutras, Satine Scarlett Montaz, Charlotte Legault, Marc Ducusin y Jadyn Malone.
Programación del D’A 2020
Los grandes autores contemporáneos del D’A 2020
Entre los grandes directores de la programación del D’A 2020, un clásico del festival como Arnaud Desplechin y su nueva obra, Roubaix, une lumière, estrenada en Cannes 2019 y que supone la primera incursión del director en el polar, adentrándose en los suburbios de una ciudad asediada por el paro y la pobreza. Estreno español de esta película que ha ganado el César al mejor actor para su protagonista, Roschdy Zem, acompañado en el film por dos estrellas del cine francés, Léa Seydoux y Sara Forestier. Otro de los grandes tótems del cine contemporáneo es Werner Herzog y su documental Nomad: In the Footsteps of Bruce Chatwin, un penetrante homenaje a su amigo Chatwin, escritor y aventurero muerto de sida en 1989, que nos muestra a un director perpetuamente curioso ante los misterios del mundo. El director de culto japonés Kiyoshi Kurosawa clausuró el último festival de Locarno con esta película que llega ahora al D’A 2020, la deliciosa To the Ends of the Earth, protagonizada por el icono del pop japonés Atsuko Maeda en el papel de una reportera de viajes que se enfrenta al choque cultural en Uzbekistán. El director chino Lou Ye (ganador del Premio Tiger en Rotterdam 2000 por Suzhou River) presenta Saturday Fiction, un drama de espías ambientado durante la ocupación japonesa de China y protagonizado por la gran Gong Li (2046, Adiós a mi concubina), premiado con la mejor dirección en Gijón 2019.
El D’A 2020 apuesta por el cine independiente español y catalán
Uno de los rasgos distintivos del D’A Film Festival Barcelona es su atención al cine español y catalán hecho al margen de la industria, con películas inquietas, radicales e independientes a las que a veces les cuesta encontrar encaje en las carteleras de los cines. Así, en esta nueva edición del festival, encontraremos películas como My Mexican Bretzel de Núria Giménez, ganadora en Rotterdam 2020 del premio Found Footage, o poderosos debuts como La educación sentimental de Jorge Juárez, retrato generacional en primera persona sobre los años de la crisis o la comedia minimalista Violeta no coge el ascensor de Mamen Díaz.
También podrán verse en el D’A 2020 películas de viejos conocidos del festival como La reina de los lagartos, el regreso de los Burnin’ Percebes con una comedia romántica totalmente marciana y un reparto de lujo formado por Bruna Cusí, Javier Botet, Ivan Labanda, Miki Esparbé y Roger Coma. No podía faltar a su cita anual con el D’A Film Festival Barcelona uno de nuestros directores fetiche, Marc Ferrer, que estrena su mediometraje El corazón rojo, ambientado en el D’A 2019 con Louis Garrel como peculiar McGuffin y las apariciones de Hidrogenesse y Masoniería.
También podrán verse en el D’A 2020 algunos de los cortos más destacados del año como Leyenda dorada de los directores de culto Chema García Ibarra (La disco resplandece, Uranes) e Ion de Sosa (Sueñan los androides), estrenado mundialmente en la Berlinale 2019. También cabe destacar Panteres de la directora Èrika Sánchez, una de las sorpresas del último festival de Berlín o Carne de Camila Kater, que ha pasado por Locarno o Gijón y que ganó el premio al mejor corto documental en Zinebi 2019.
Los directores emergentes se citan en el D’A 2020
El D’A Film Festival continúa fiel a su voluntad de rastrear entre las propuestas más emergentes y los directores y directoras noveles, no solo a través de la sección Talents (sección competitiva dedicada a los directores y directoras con menos de tres largometrajes en su filmografía), sino en el resto de secciones del festival. Películas inquietas y urgentes, de la mano de directores y directoras que merece la pena seguir de cerca.
Algunas de las películas destacadas del festival son Abou Leila de Amin Sidi-Boumédine, un drama psicológico sobre el peso de la violencia que fue una de las sensaciones de la Semana de la Crítica de Cannes y que ganó el premio Nuevas Olas en Sevilla 2019; la historia de dolor, venganza y amor incondicional Un blanco, blanco día de Hlynur Pálmason, premio al mejor actor en la Semana de la Crítica de Cannes 2019, además de 12 premios más en festivales internacionales; el premio especial del jurado de la sección World Cinema de Sundance 2020, This Is Not A Burial, It’s A Resurrection de Lemohang Jeremiah Mosese, una combativa película africana; o Ivana The Terrible de la directora serbia Ivana Mladenovic (conocida por su anterior film Soldatii. Poveste din ferentari, vista en el D’A 2018), que con esta película ganó el Premio Especial del Jurado de la sección Cineasti del presente en Locarno 2019.
Desde EE UU llega Adam de Rhys Ernst, estrenada en Sundance 2019 y premiada en el Outfest de Los Angeles, un coming of age delicioso en el ambiente LGBTQ de Brooklyn protagonizado por Nicholas Alexander (I Love You Philipp Morris), Margaret Qualley (Once Upon a Time in Hollywood) y Bobbi Salvör Menuez (Lo que esconde Silver Lake). De la potencia del último cine chino es una buena muestra Dwelling in the Fuchun Mountains de Gu Xiaogang, película que clausuró la Semana de la Crítica de Cannes 2019. También impactante es el debut en el largometraje del director canadiense Matthew Rankin con The Twentieth Century, premio FIPRESCI de la sección Forum de la Berlinale 2020 y mejor ópera prima canadiense en TIFF 2019, una obra que lo sitúa en la estela de su compatriota Guy Maddin.
A Stormy Night clausurará el D’A 2020
El D’A 2020 se clausurará con la producción catalana A Stormy Night de David Moragas, cortometrajista que estuvo presente en la anterior edición del D’A con sus trabajos Boyfriend y Only Fools Rush In, y que debuta ahora en la dirección de largometraje con un film rodado en Nueva York, donde completa sus estudios. Rodada en un sugerente blanco y negro, evoca tanto al Woody Allen de los años setenta como al cine indie estadounidense, y se acerca a la cuestión gay sin traumas ni complejos.
Reinventando identidades, tráiler de «How to Build a Girl»
Era cuestión de tiempo que la aclamada novela de Caitlin Moran How to Build a Girl fuera llevada al cine, Coky Giedroyc responsable de Women Talking Dirty (1999) y con una amplísima experiencia televisiva ha sido el encargado de llevar a buen puerto dicha adaptación. La película, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, que tenía previsto un estreno simultáneo en cines y VOD en Estados Unidos para el próximo mes de mayo vera de momento la luz solamente mediante la segunda opción de visionado.
En How to Build a Girl vemos como Johanna Morrigan decide abandonar su modesta vida en Wolverhampton para mudarse a Londres. En el proceso, cambia radicalmente su forma de ser e incluso su propio nombre, pasando a ser conocida ahora como Dolly Wilde. Por suerte para ella, obtiene un trabajo como crítica musical que le permite dejar atrás su vida de pobreza, sin embargo dicho cambio le llevara a plantearse cuestiones tales como si ese el tipo de chica en la que quiere convertirse o si realmente necesita comenzar de nuevo para poder construir su vida desde cero.
La película con guion adaptado por parte de Caitlin Moran y John Niven está protagonizada por Emma Thompson, Beanie Feldstein, Alfie Allen, Frank Dillane, Chris O’Dowd, Jameela Jamil, Paddy Considine, Edward Bluemel, Viktorija Faith, Sarah Solemani, Joanna Scanlan, Sue Perkins, Tadhg Murphy, Sonia Goswami, Hammed Animashaun, Arinzé Kene, Bobby Schofield, Ruth Horrocks, Laurie Kynaston, Ziggy Heath, Asheq Akhtar, Kishore Bhatt y Jason Shillingford.
Curso de cine online: El despertar del cine chino
CineAsia organiza conjuntamente con Casa Asia el primer curso de cine online. La historia del cine chino se analiza en tres vertientes: el cine realizado en Hong Kong, el realizado en la China continental y el de Taiwán. Un cine del que conocemos la punta del iceberg (en China se producen anualmente más de 850 largometrajes) y que ha vivido diferentes etapas que se conocen como Generaciones.
Un cine que en estos últimos años está viviendo un fenómeno de expansión, con la consolidación de una industria que nada tiene que envidiar a la estadounidense.
Ficha técnica:
Fecha
20/04/2020 al 29/06/2020
Horario
10 sesiones de 2 horas en la plataforma Zoom (Casa Asia): del lunes 20 de abril de 2020 al lunes 29 de junio de 2020 cada lunes de 19.00 h a 21.00 h
Duración total del curso y número y duración de las sesiones: 20 horas, 10 sesiones de 2 horas (las 10 sesiones en Casa Asia) + acceso gratuito a las 6 proyecciones en la Filmoteca de Catalunya*.
Lugar
Online. 24 horas antes del acto las personas inscritas recibirán la información necesaria para acceder.
Precio:
80 euros por las 10 sesiones de 2 horas en Casa Asia. Se entregará por correo electrónico un certificado de asistencia al curso para quien lo solicite y que haya asistido al 80% de las clases.
Inscripciones:
Detalles del curso por sesiones:
SESIÓN 1: lunes 20 de abril de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
El cine de China en diez apuntes. Clase de inicio en el que se repasarán las diferencias entre las tres cinematografías más destacadas que aparecen al analizar el cine chino: China, Hong Kong y Taiwán.
SESIÓN 2: lunes 27 de abril de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
Las generaciones en el cine chino. El cine chino clásico. La clasificación de los cineastas por generaciones. De los inicios a la Cuarta Generación de Directores chinos: 1900-1970. El cine propaganda.
SESIÓN 3: lunes 4 de mayo de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
La Quinta Generación de directores chinos. Tras la apertura de la Escuela de Cine de Beijing en 1981, aparece una nueva generación de directores que van a traspasar fronteras con su nueva manera de ver el cine. Tierra Amarilla y Sorgo rojo marcan el inicio de esta nueva generación. Zhang Yimou, Chen Kaige, Tian ZhuangZhuang.
SESIÓN 4: lunes 11 de mayo de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
La Sexta Generación de directores chinos. A diferencia de la Quinta Generación, este nuevo grupo de directores centra su visión en lo que ocurre en las ciudades china (generación urbana). Muchos de ellos son graduados de la Escuela de Cine de Beijing a partir de 1991. El cine de Jia Zhangke, Wang Quan’an, Wang Xiaosghuai, Zhang Yang.
SESIÓN 5: lunes 18 de mayo de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
Más allá de la Sexta Generación. ¿Existe una séptima generación de directores chinos? El relevo generacional de la Sexta generación no está tan definido. Aparece un nuevo grupo de directores, pero con una visión más comercial. Nuevos nombres: Diao Yinan, Bi Gan. El Cine chino del Blockbuster. La industria de cine despierta.
SESIÓN 6: lunes 25 de mayo de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
La edad de oro del cine de Hong Kong. El cine que se produce en la que fuera colonia británica tiene unas características propias. Desde el idioma (las películas se filman en cantonés), hasta las temáticas. Primeros años. Estudios de cine. La Shaw Brothers. Golden Harvest. El cine de wuxia, la fantasía y las artes marciales.
SESIÓN 7: lunes 8 de junio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
De John Woo al cine en Hong Kong post colonial. Los años 70. El cine de acción. El cine de John Woo. Nueva Ola de cine de Hong Kong: Wong Kar-wai, Ann Hui, Fruit Chan, Peter Chan, Clarence Fok. Los años 80 y 90. El cine de Johnnie To. Pang Ho-cheung. El cine en Hong Kong como post colonia británica.
SESIÓN 8: lunes 15 de junio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
Los inicios del cine de Taiwán. El cine de Taiwán se desarrolló de manera diferente al cine más comercial de Hong Kong y al de la China continental. Desde su entrada en 1901 el cine taiwanés ha estado muy ligado a la turbulenta historia de la isla en sus etapas. Los inicios y la influencia japonesa. De 1945 a 1980.
SESIÓN 9: lunes 22 de junio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
Los grandes nombres del cine taiwanés. La Nueva Ola del cine de Taiwán (1982-1990) Los nombres de Edward Yang, Hou Hsiao-Hsein, Tasi Ming-Liang, Ang Lee. Segunda Nueva Ola de cine en Taiwán (De 1990 a la actualidad)
SESIÓN 10: lunes 29 de junio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
El presente y el futuro del cine chino. Las taquillas, la proyección internacional, los mercados. La importancia de las series chinas. El cine de ciencia ficción y de animación como nuevos baluartes de la industria china.
Ciclo de cine en colaboración con la Filmoteca de Catalunya:
El curso se complementa (para las personas residentes en Barcelona o alrededores) con 6 proyecciones de cine en la Filmoteca. *Las 20 primeras personas inscritas residentes en Barcelona o alrededores podrán de manera voluntaria asistir de manera gratuita a las 6 proyecciones en la Filmoteca de Catalunya de una selección de películas chinas, Habrá una presentación a cargo de CineAsia y tras la proyección un cinefórum. Las películas que se proyectarán en VOSC (castellano/catalán) son:
1- «Street Angel» (Yuan Muzh, 1937)
2- “Life” ( Wu Tianming, 1984)
3- “Sorgo Rojo” (Zhang Yimou,1987)
4- “Xiao Wu/Pickpocket” (Jia Zhangke, 1997)
5- “Election” (Johnnie To, 2005)
6- “Yi Yi” (Edwarg Yang, 2000)
*Las 6 proyecciones en la Filmoteca de Catalunya para las 20 primeras personas inscritas residentes en Barcelona o alrededores quedan sujetas a cómo evolucione la situación por COVID-19. En cualquier caso, el importe de la matrícula del curso es por las 10 sesiones online.
Perfil del profesorado:
Ricard Planas
Ricard es licenciado en filosofía (UB), Estudios de Asia Oriental (Pompeu Fabra-UAB) y Máster en Estudios Chinos (Pompeu Fabra). Hace una estancia en la Beijing Foreign Studies University como becario del ICO. Actualmente acaba de cursar su tesis doctoral sobre el cineasta Yuan Muzhi e imparte la asignatura de Historia del cine chino en la Univ. Pompeu Fabra. El año pasado publicó para la editorial Berenice el libro “Historia del cine chino”.
Josep Santcristòfol
Acabando de cursar sus estudios de Filosofía en la UAB, Josep es licenciado en Estudios de Asia Oriental (UAB) y está cursando un Máster Universitario en Estudios de Cine y Audiovisuales por la Pompeu Fabra, donde se especializa en cine chino. Colaborador habitual de CineAsia para la que ha escrito artículos (Anuario CineAsia Vol. III, cineasiaonline.com) y realizado algunas conferencias sobre algunos directores y aspectos de la cinematografía de China.
Gloria Fernández
Licenciada en Periodismo y miembro fundador de CineAsia, Gloria ha colaborado en diversas publicaciones y coordinado y escrito libros, entre ellos Johnnie To: Redefiniendo el Cine de Autor para el Sitges-Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, o Brillante Mendoza, retratando la realidad filipina o El cine de Hong Sang-soo para el Festival de Cine de Gijón. Compaginando su labor de docencia en universidades (UB, UMA, UIC), en la actualidad es programadora del Festival de Sitges y colabora asiduamente en otros festivales, instituciones y centros de cultura como la Fundación La Caixa, Casa Asia o Filmoteca de Catalunya
Enrique Garcelán
Licenciado en Dirección y Guion cinematográfico, es miembro fundador de CineAsia. Enrique forma parte del Comité de programación del Festival de cine de Sitges y Fancine de Málaga. Compagina esta labor con la docencia en universidades (UAB, UB, UIC, UMA, Universidad Carlos III), escuelas de cine (La Casa del Cine, San Antonio de los Baños en Cuba), con la colaboración con otros festivales, instituciones y centros de cultura, como la Fundación La Caixa, Casa Asia y Filmoteca de Catalunya.
Víctor Muñoz
Miembro activo del equipo de CineAsia, Víctor se ha especializado en el trabajo de Web Manager y Community Manager (lleva el blog y redes sociales -Facebook, Twitter e Instagram-) de CineAsia. Cinéfilo empedernido, lleva 20 años especializándose en las cinematografías asiáticas y ha escrito multitud de artículos y reseñas de películas procedentes de Asia.
Para más información contactar a educacion@casaasia.es
La boda más caótica, tráiler de «Dreamland» de Bruce McDonald
Su nombre posiblemente sea recordado por los aficionados al género fantástico por ser el responsable de una de las películas que abordaban la temática zombie desde una vertiente más original como era la notable Pontypool y en menor medida su posterior Hellions, lo cierto es que al veterano realizador de origen canadiense Bruce McDonald le viene como anillo al dedo el calificativo de autor inclasificable se echamos un vistazo por su extensa filmografía. Dreamland, que tuvo su premier mundial el pasado año dentro del Fantasia Film Festival de Montreal y cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, es su nuevo trabajo tras las cámaras, film que cuenta con el interés añadido del reencuentro del realizador con el actor Stephen McHattie, que en Dreamland interpreta a dos personajes, diez años después de colaborar juntos en Pontypool.
En Dreamland vemos como por orden de su jefe, un gángster llamado Hércules y un asesino a sueldo de nombre Johnny deben cortar el dedo meñique de un célebre trompetista de jazz llamado “El Maestro” justo antes de la celebración de un importante concierto. Una misión que en un primer momento parece bastante simple, sin embargo el concierto se celebrará como preámbulo de una boda que tendrá lugar en un palacio fortificado propiedad de una reina del crimen llamada The Countess. Johnny siente un continuo remordimiento por su trabajo algo que le llevará a prometer que abandonará el crimen una vez termine la misión.
La película con guion de Tony Burgess y Patrick Whistler y música a cargo de Jonathan Goldsmith está protagonizada por Juliette Lewis, Henry Rollins, Stephen McHattie, Tómas Lemarquis, Lisa Houle, Astrid Roos, Hana Sofia Lopes, Barbara Hellemans, Guillaume Kerbusch, Julian Nest, Stéphane Bissot, Daphné Huynh, Éric Gigout y Jean-Marc André.
Fred Zinnemann
Cineasta perteneciente a la «Generación perdida», Fred Zinnemann (1907-1997) pudo conformar a lo largo de casi medio siglo una trayectoria cinematográfica de una notable calidad, pero no lo suficientemente ponderada por el grueso de la crítica a escala mundial. Responsable de algunas películas que forman parte del imaginario colectivo, como «Solo ante el peligro» (1962), «De aquí a la eternidad» (1953) o «Historia de una monja» (1959), Zinnemann se desenvolvió en diversas compañías productoras, siendo la Metro-Goldwyn-Mayer la «major» que lo acogió en sus años de aprendizaje en calidad de cortometrajista. Estamos ante la primera monografía publicada en lengua española sobre el director de origen vienés, en la que se analizan de manera pormenorizada la veintena de largometrajes que jalonan su filmografía, que bien podrían ser consideradas piezas de culto.
Autor; Christian Aguilera, Editorial: Ediciones Cátedra Colección: Signo e imagen>Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 368
Los niños del apocalipsis, tráiler de «Girl With No Mouth» de Can Evrenol
De alguna manera el realizador de origen turco Can Evrenol viene a ser un claro ejemplo de una coyuntura bastante habitual dentro del fantástico contemporáneo, las altas, y en parte algo infundadas, expectativas generadas dentro de ese ecosistema de festivales de género con su opera prima Baskin hicieron posteriormente enfriar el interés por su segundo trabajo tras las cámaras, la bastante más interesante Housewife. Después de su participación en la colectiva The Field Guide to Evil (reseña aquí) Can Evrenol sigue indagando en el fantástico aunque pero desde una vertiente algo diferente a sus anteriores trabajos con la cinta post apocalíptica Girl With No Mouth, film cuyo primer tráiler vía Cineuropa acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Girl With No Mouth nos cuenta la historia de Perihan, una niña nacida sin boca, que subsiste como puede en un desolado paramo después de un desastre nuclear. Los militares, liderados por su tío, están cazando a los niños expuestos a la radiación y nacidos con deficiencias corporales. Para proteger a su hija, el padre de Perihan la crió en un refugio escondido en medio del bosque. Su travesía comienza cuando finalmente son descubiertos, y su padre es asesinado por su propio hermano gemelo. Cuando logra escapar al bosque, se encuentra con una pandilla de tres niños, también nacidos deficiencias que al igual que ella intentan huir del acoso al que están siendo sometidos.
La película con guion del propio Can Evrenol junto a Kutay Ucun está protagonizada por Denizhan Akbaba, Elif Sevinç, Özgür Civelek, Kaan Alpdayi, Sermet Yesil, Mehmet Yilmaz Ak y Özay Fecht.
Hasta que la boda nos separe y Especiales nuevas películas para la «Sala virtual de cine» de A Contracorriente Films
Hasta que la boda nos separe, del director de «El mejor verano de mi vida» Dani de la Orden, y Especiales, la nueva película de los directores de «Intocable» Éric Toledano y Olivier Nakache, llegarán a la salavirtualdecine.com y a plataformas a partir del miércoles 8 de abril. Los espectadores podrán disfrutar de las dos películas desde casa.
Con este movimiento, la distribuidora de ambas películas, A CONTRACORRIENTE FILMS, en colaboración con cuantos cines se están adhiriendo a su iniciativa (de momento más de 70), pretende continuar online la comercialización de estas dos exitosas películas, cuyo acceso al espectador ha quedado abruptamente interrumpido por la crisis sanitaria que atravesamos.
Los dos filmes se juntan así a las películas de estreno que se podrán ver en la plataforma salavirtualdecine.com de forma online, desde este mismo lunes 6 de abril, en que se estrenará la nueva entrega de la Temporada de Arte 2019-2020 «La pasión en el arte». De cara a las vacaciones de Semana Santa, junto a la recuperación de “Especiales” y “Hasta que la boda nos separe”, llegarán los estrenos de «Vivarium» (a partir del 8 de abril) y «La alegría de las pequeñas cosas» (a partir del 10 de abril). Y el primer viernes después de las vacaciones se estrenará la gran sorpresa de la temporada en Francia, «Los profesores de Saint-Denis» (desde el 17 de abril).
Como ya se anunció la semana pasada, A CONTRACORRIENTE FILMS pondrá a disposición del espectador la plataforma salavirtualdecine.com, un espacio creado para que el público, desde sus dispositivos móviles, Smart TV y de forma online, pueda ver los estrenos cinematográficos programados para estrenarse en salas de cine convencional, cuyo nivel de actividad será nulo en las próximas semanas.
La plataforma, específicamente habilitada para albergar películas de estreno en cine, pretende convertirse en un servicio al espectador que en las próximas semanas tendrá mayores dificultades o incluso imposibilidad de acceder a un cine en su ciudad. La plataforma pretende convertirse en una auténtica sala virtual del cine más reciente y se ha propuesto su participación a las distintas salas, cadenas y circuitos de exhibición que operan en España. Los espectadores habituales de las salas de cine que se vayan adhiriendo (hasta hoy más de 70 en toda España) serán invitados a visionar en la plataforma las películas más actuales, al menos mientras los cines permanezcan cerrados. A Contracorriente Films seguirá negociando con todos los circuitos, así como con otros distribuidores, su posible adhesión a esta iniciativa.
En dicha plataforma, los espectadores podrán acceder a las películas mencionadas a precio de entrada normal de cine, 6,95 euros. De esta forma, el espectador tendrá la oportunidad de ver los próximos estrenos cinematográficos y las películas que se mantenían en salas directamente desde sus televisores, ordenadores, tablets o teléfonos móviles sin tener que salir de sus casas, dada la situación de confinamiento recomendada en este momento por las autoridades de nuestro país. La plataforma contará con App propia para dispositivos Smart TV (LG, Samsung y Android TV para televisores Sony, Philips y de otras marcas), IOS (con AirPlay), Android (con Chromecast) y AppleTV. Los usuarios podrán disfrutar de la película alquilada 72 horas y hasta en 4 dispositivos.
Por otro lado, además del estreno en las salas de cine que pueda haber abiertas y en la Sala Virtual de Cine, las películas se podrán ver desde el mismo día del estreno a través de las plataformas digitales como Movistar+, Vodafone y Rakuten TV.
Hasta que la boda nos separe
Marina es una treintañera que se gana la vida organizando bodas. A diferencia de sus clientes, ella disfruta de una vida sin ataduras ni compromisos, hasta que una noche conoce a Carlos, un affaire más para ella y un momento de debilidad para él. Porque él tiene novia: Alexia, una joven perfecta y amiga de infancia de Marina. Cuando Alexia descubre la tarjeta de visita de Marina entre las cosas de Carlos, lo interpreta como una propuesta de matrimonio y dice que sí de inmediato.
Especiales
Bruno y Malik son dos amigos que durante veinte años han vivido en un mundo diferente: el de los niños y adolescentes autistas. A cargo de dos organizaciones sin ánimo de lucro, forman a jóvenes para que sean cuidadores de casos extremos. De esta forma crean una asociación excepcional, fuera de los entornos tradicionales, para unas personas extraordinarias.
Tráiler de «Voices in the Wind», lo nuevo de Nobuhiro Suwa
Tres años después de la notable Le lion est mort ce soir el realizador nipón Nobuhiro Suwa tiene listo el que es su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Voices in the Wind, también conocida como The Phone of The Wind, film, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, que está basada parcialmente en el suceso real de un hombre que instaló tras la muerte de un familiar una cabina de teléfono junto a una pequeña libreta en su jardín de Otsuchi, un lugar abierto a todo el público que desde entonces han visitado más de 30.000 personas. La película, que tuvo un estreno comercial en su país de origen poco antes de estar presente en el Festival de Berlín dentro de la sección Generation 14PLUS en donde obtuvo una mención especial, sigue a día de hoy sin fecha de estreno en nuestro país.
En Voices in the Wind vemos como una joven de 17 años llamado Haru emprende un largo viaje a través de Japón para buscar respuestas en una ciudad donde, en 2011, el devastador tsunami se llevó a su hermano y sus padres. Este viaje lleva a la joven, todavía atormentada por la pérdida de sus seres queridos, desde Hiroshima a Tokio, Fukushima y Ōtsuchi, donde una vez estuvo su hogar. En el camino se encuentra con otras personas y las historias de sus pérdidas.
La película con guion del propio Nobuhiro Suwa junto a Kyôko Inukai está protagonizada por Serena Motola, Tomokazu Miura, Toshiyuki Nishida, Hidetoshi Nishijima y Makiko Watanabe.
