«The innocents» (Suspense) Retro

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Una puritana institutriz es contratada para hacerse cargo de la educación de dos niños huérfanos que viven en una apartada mansión rural. Pronto empieza a sospechar que los antiguos criados, muertos hace tiempo, ejercen todavía una perniciosa influencia en la vida de los niños.

Si tuviera la absurda e innecesaria tarea de elegir un solo film favorito del cine terror a lo largo de la historia este sería probablemente «The innocents» (Jack Clayton,1961), me niego a referirme a esta maravilla fílmica por el  horrible nombre de “Suspense”, título con el que la bautizaron en nuestro país,  la película es una adaptación del relato de Henry James «Otra vuelta de tuerca», que también conocería varias adaptaciones al cine con posterioridad y una adaptación operística por parte del compositor Benjamin Britten. Del guión de esta adaptación cinematográfica se encargó Truman Capote, la banda sonora fue compuesta por uno de los más interesantes compositores clásicos del s.XX, el francés George Auric, y de la fotografía se encargó el gran Freddie Francis.

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De inusitado lirismo y belleza el film es puro terror psicológico, y precursor a nivel cinematográfico de un sinfín de películas en donde una casa es el supuesto eje de una serie de acontecimientos sobrenaturales.. o no.. aquí la represión en los días de la infancia a que se vio sometida nuestra protagonista es el origen de unas supuestas alucinaciones de claro raíz sexual, Jack Clayton parece querer dar una visión bastante concreta de la obra de Henry James (posiblemente el mejor relato de fantasmas jamás escrito), estos son los fantasmas sexuales generados por una educación represiva, «The Innocents» de todas maneras juega con los puntos de vista de forma brillante. La película da la impresión de querer manipula al espectador porque la forma que tiene de contar lo que está sucediendo no es en ningún caso objetiva: no son objetivas las imágenes y tampoco los diálogos seleccionados; vemos lo que la cámara nos enseña y oímos lo que ciertos personajes están diciendo en momentos concretos… pero no lo abarcamos todo, no tenemos una visión omnipotente y completa de las circunstancias y por eso estamos condenados a creer lo que se nos cuenta y punto, aunque sea contradictorio. ¿Cómo interpretarla, entonces? ¿Cómo la revelación de unas mentes infantiles crueles y estremecedoras, atormentadas por almas en pena, que juegan con su virginal institutriz? ¿O, quizá, como la desviación de una mente reprimida y enferma que encuentra salida a sus pulsiones convirtiendo en turbio algo que en realidad es inocente?

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Para comprender mejor al personaje principal (una inconmensurable Deborah Kerr) hay que valorar tanto la información que se nos va suministrando a lo largo del film acerca de lo que fue su niñez, -no podía salir de su cuarto cuando su padre escribía los sermones- o  por ejemplo su mirada deslumbrada al apreciar por primera vez el fastuoso interior de la mansión donde va a vivir a partir de ahora, pocas veces se ha visto tan bien en una pantalla de cine lo que es una mirada plebeya, también sus preguntas acerca  la anterior institutriz si esta era guapa o su confesión espontanea «a veces no es posible evitar imaginarnos algo» nos dan claras pistas acerca lo que puede estar ocurriendo, ¿estamos asistiendo a un posible caso de histeria por parte del personaje principal? , posiblemente lo mejor de esta obra maestra sea la inquietud que produce la idea de la ambivalencia, representada por infinidad de detalles escénicos como esas llamas que iluminan de manera fantasmagórica los bajos de las puertas, por los gemidos que el viento arranca de tejados y de viejas ventanas, por la lluvia, los cristales y los dibujos que forma aquella sobre estos, el agua del estanque, las estatuas y los viejos retratos ocultos en los desvanes, hay tantos detalles en esta magnífica obra que representa de manera casi perfecta esa ambivalencia antes aludida, posiblemente sería imposible destacar todo lo que podemos apreciar en la contundente puesta en escena por parte de  Jack Clayton.

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«The innocents» se convierte en la obra maestra absoluta de manera inequívoca, básicamente porque las maneras formales en la puesta en escena mostradas por Jack Clayton no tienen parangón con ninguna obra anterior ni posterior vista en una pantalla de cine. El director edifica un estilo tan preciso y ceñido a unas determinadas infraestructuras artísticas que hacen de «The innocents» un milagro cinematográfico difícil de superar, encontrándose mucho más allá del arte al que pertenece.

Mención aparte, merece destacarse la prodigiosa fotografía en blanco y negro a cargo de un Freddie Francis en estado de gracia, absolutamente necesaria para la correcta interpretación de esta historia metafórica de fantasmas(no puedo llegar a imaginármela de otra forma), eran unos tiempos en lo que todavía la industria cinematográfica no estaba sometida una supuesta dictadura por parte del gran público que ve y entiende el uso del blanco y negro como algo desfasado y no como un valido recurso narrativo y estético de enorme importancia y que juega un papel relevante al servicio de la historia que se nos cuenta.

 

«Goodnight Mommy». La desintegración familiar en clave de terror

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La austriaca «Goodnight Mommy» (Ich Seh, Ich Seh) que estos días se puede ver en el Festival de Venecia, en el marco de la sección Horizontes y próximamente en TIFF de Toronto dentro de la sección Vanguard promete ser uno de esos films donde a través de un inquietante retrato de una familia en crisis se consigue crear una atmósfera inquietante y enrarecida que deriva en un terror malsano, a bote pronto su argumento  me hace recordar la notable «Home Movie» de Christopher Denham y prácticamente la mayor parte del cine del también austriaco Michael Haneke. El film está dirigido por Severin Fiala y Veronika Franz, esta última es reconocida por su trabajo como guionista con el aclamado director austriaco Ulrich Seidl. A falta de que aparezca un primer tráiler a final de página tenéis varias imágenes de esta prometedora película.

«Goodnig Mommy» nos cuenta como en una casa aislada en el campo, los gemelos de nueve años de edad, Lukas y Elías (Elías y Lukas Schwarz) viven con su madre (Susanne Wuest), quien se recupera de una reciente operación de cirugía estética. Con su cara hinchada, maltrecha y repleta de vendajes, la madre requiere  un  reposo absoluto con el fin de poder recuperarse,  esto rápidamente comienza a irritar a los dos muchachos inquietos. A medida que la madre se hace cada vez más estricta, los hermanos se van recluyen en su propio mundo, privado y agresivamente anti-social, sus oscuras imaginaciones derivan hacia una ira y un comportamiento bastante peligroso, incluso hasta el punto de dudar de que la persona que está debajo de los vendajes no es realidad su madre.

La película está interpretada por Susanne Wuest, Elias Schwarz y Lukas Schwarz.

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Tráiler de la última producción de Alexandre Aja «The Pyramid»

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A la espera de poder ver «Horns» su último film como director, el francés Alexandre Aja tiene ya listo un nuevo film en el que ejerce de productor, «The Pyramid» cuyo primer tráiler acaba de ser lanzado por parte de 20th Century Fox. «The Pyramid» es la opera prima de Gregory Levasseur que ya estuvo en varias de las películas y producciones de Aja actuando como director de fotografía, Daniel Meersand y Nick Simon se encargan del guión, visto el tráiler que parece contar bastante de la película, uno tiene la sensación que el film, que parece estar rodado al estilo found footage, guarda bastantes similitudes genéricas con films tipo «The Descent» o la reciente «La Cueva«. Aún sin fecha de estreno en España «The Pyramid» verá la luz el próximo 5 de diciembre en los Estados Unidos.

«The Pyramid» nos cuenta como un equipo de arqueólogos estadounidenses descubren una antigua pirámide en medio del desierto egipcio. Se adentran en ella y al poco tiempo se encontrarán perdidos en sus oscuras catacumbas que parecen no tener fin. Mientras tratan de encontrar una salida, poco a poco comienzan a desesperarse pensando que no volverán a ver la luz del día. Además, no tardarán en darse cuenta que también están siendo perseguidos por algo.

La película está interpretada por Ashley Hinshaw, Denis O’Hare, James Buckley, Daniel Amerman, Joseph Beddelem, Amir K, Christa Nicola, Garsha Arristos y Omar Benbrahim.

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«The Congress» review

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La necesidad de dinero, lleva a una actriz (Robin Wright) a firmar un contrato según el cual los estudios harán una copia de ella y la utilizarán como les plazca. Tras volver a la escena, será invitada a un congreso, que se desarrolla en un mundo que ha cambiado completamente. Basada en una novela de Stanislaw Lem, se trata del retrato de un mundo que se dirige inevitablemente hacia la irrealidad.

Ari Folman es un director hebreo experto en el arte de mezclar el documental y la animación. Su película «Vals con Bahir» del 2008, aún sigue siendo considerada una obra maestra por muchos, de esa nueva oleada de “dibujos dirigido para adultos” que han logrado calar en según que círculos después del nuevo milenio. Ari Folman es un director astuto e inteligente a la hora de relatarnos una historia donde los sueños, las pesadillas y el horror humano se conjugan en una fantasía animada (en aquella ocasión para hablarnos de la guerra en los países árabes) y esta vez para llevarnos a un mundo fantástico tejido en un argumento mitad película mitad documental, «The Congress» es  un viaje sorprendente que se puede amar u odiar, pero que no acepta términos medios.

El precio, para todos los actores, es desaparecer, retirarse de la vida pública, a cambio de la inmortalidad, y de la promesa de la eterna juventud. El film se maneja de esta manera durante los primeros 40 minutos, cuando vemos a una Robin Wright atravesada por sus problemáticas familiares (un hijo menor con sordera y ceguera crecientes), una carrera que dejo ser exitosa hace ya algunos años y una racha de malas elecciones amorosas. Su actuación es potente y desgarradora alcanzando su punto máximo en el momento de la “clonación” y captura de movimientos cuando su agente Al, recurre al pasado para generarle lágrimas, llanto y emoción.

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«The Congress» se inicia como una propuesta crítica al mundo del famoseo y las celebrities, e innovadora en cuanto a la forma de contar la historia de decadencia, con un acompañamiento musical ultra poderoso y sensible, quizás a medida que pasa el tiempo, la poca conexión de escenas, hacen perder algo de fuerza al entramado inicial, pero igualmente merece ser visto en varias ocasiones, el film lo vale, aparte de ser un puro entretenimiento audiovisual, propone una profunda reflexión personal sobre la soledad, el necesario narcisismo y la pérdida corporal. El discurso de Ari Folman es muy crítico también con el rumbo que está tomando la tecnología del ocio: tablets, móviles, foros de internet y demás, en los que nos damos a conocer mediante avatares y redes sociales que nos acompañan prácticamente todo el día, con el peligro de aislamiento que comporta. También cuestiona los derechos de imagen, la propiedad intelectual y el papel de los estudios y los productores. El debate moral es superior: individualidad, ausencia de tabús y egocentrismo sin límites frente a la interacción social y el amor desinteresado, plasmado en el que siente una madre por su hijo, que es superior a todos los demás. Y precisamente, para comprender la última escena de «The Congress«, una contundente, larga y emocionante escena muda resaltada con una música muy adecuada por parte de Max Richter, os conminamos a estar atento a ese emocionante reflejo que vemos al final, porque este reflejo nos cuenta la manera en la que el personaje de Robin Wright ha conseguido encontrar a su hijo.

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«The Congress» son dos películas en una, son dos historias en una sola, son dos reflexiones llevadas a cabo a través de narrativas contrapuestas; es un documental, es una cinta de animación, es una película y al mismo tiempo no es nada de eso… por todo ello «The Congress» es esencialmente genial, única y mágica, una rara avis como pocas veces  vemos en la gran pantalla.

 

Valoración 0/5:4

 

«La Marca del Fantasma de la Opera»

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Para la 15ª edición de la Semana Internacional de Cine Fantástico se editará una publicación conmemorativa titulada “La Marca del Fantasma de la Opera”, patrocinado por el Ayuntamiento de Benahavis, con textos de Juan Manuel de Prada (Literatura), Carlos Morcillo (Cine), Julio Peces (Música), DKiller Panda (Comic), Alfonso Azpiri (Comic, El Fantasma del Palacio), Julio Peces Ruiz (Novelizacion Comic El Fantasma del Palacio), José Ignacio Del Pino (Psiquiatría), Alejandro Santaella (Canciones), donde los autores harán un recorrido por los diferentes apartados que rodean la mítica novela de Gastón Leroux, una revisión a las adaptaciones Literarias, cinematográficas de comic y sus adaptaciones musicales e influencias en otras artes. En este libro diferentes autores gráficos incluirán dibujos relacionados con este tema, autores como Andrés Antunez, SanJulián, Alfonso Azpiri, Lorena Azpiri, DKiller Panda, Carlos Pacheco, etc. Un libro cuya edición será bilingüe, castellano e inglés. Este libro está previsto presentarlo en diferentes localidades de la Costa del Sol en la celebración de la XV Edición de la Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol, en otras ciudades españolas como Granada o Madrid, en el Museo Malba de Buenos Aires en Febrero del 2015 y en el Festival Terrorífica de Ushuaia en Febrero de 2015.

«Exists». La leyenda del Bigfoot según Eduardo Sánchez

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Pese a no tener un reconocimiento unánime entre los aficionados al género, en lo que respecta a un servidor Eduardo Sánchez es uno de los directores más interesantes del actual panorama de cine fantástico norteamericano, y no solo por codirigir la película con la que se dio a conocer entre el gran público, la famosa «The Blair Witch Project» sino por sus trabajos posteriores, tanto «Altered» como «Seventh Moon» son dos válidas e interesantes muestras de su cine, su último film estrenado fue posiblemente el más logrado de su carrera, la notable «Lovely Molly«, ahora vuelve con»Exists«, utilizando el Found footage como recurso narrativo, un subgénero del cual ha sabido sacar bastante provecho con sus anteriores films. «Exists» viene a ser una variación en clave de terror de la famosa  leyenda del Bigfoot, posiblemente no sea un tema muy original (aún está demasiado reciente la curiosa «Willow Creek» de Bobcat Goldthwait que trataba de más o menos lo mismo), pero habrá que darle un voto de confianza a Eduardo Sánchez, sus anteriores trabajos así lo obligan en cierta manera.

Lionsgate acaba de publicar un primer tráiler del film que podéis ver a final de página, la película que ya empieza a circular por el circuito de festivales de género  llegará en VOD el próximo 24 de octubre en los Estados Unidos.

«Exists» nos contará como un grupo de amigos se embarcan en un viaje hacia los bosques remotos de Texas para un fin de semana de diversión y acabarán siendo cazados por un bigfoot.

La película está interpretada por Chris Osborn, Dora Madison Burge, Roger Edwards, Denise Williamson, Samuel Davis y Brian Steele.

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Luigi Cozzi protagonista en el Brigadoon del Sitges 2014

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El cineasta italiano Luigi Cozzi visitará Sitges 2014 para presentar una serie de trabajos en Brigadoon, entre ellos la película «The Black Cat» (1979). Durante la sesión, se podrá ver el tráiler de su nuevo film, «Blood On Melies’ Moon«.

Luigi Cozzi es el responsable de clásicos como «Starcrash» (1979) o «Contamination-Alien arriva sulla terra» (1980) junto a varias exploitations ochenteras, una carrera que inició de la mano de Dario Argento como coguionista ayudante de dirección en «Quatre mosche di velluto grigio«, el realizador italiano recibió Premi Nosferatu a toda una carrera dedicada al género fantástico en el Brigadoon del 2011.

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Primer tráiler de «Amityville: The Awakening»

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Dimension Films acaba de publicar un primer tráiler de «Amityville: The Awakening» una nueva entrega de la franquicia que empezó hace 35 años con la clásica «The Amityville Horror» de Stuart Rosenberg, esta será la duodécima película sobre la terrorífica casa encantada. Pese a ser un subgénero que siempre me ha encantado normalmente me ha dado la sensación de ser una saga muy poco aprovechada, ni siquiera su remake del 2005 logro terminar de convencerme. Visto el tráiler tampoco es que se aprecié nada novedoso en él, sin embargo el estar dirigida por Franck Khalfoun (director del magnífico remake de «Maniac» y volver a ver en la gran pantalla a la gran Jennifer Jason Leigh son motivos más que suficientes como para darle un voto de confianza. El film llegará a los cines norteamericanos el próximo 2 de enero del 2015.

«Amityville: The Awakening» nos cuenta como Bella Thorne se va a vivir a una nueva casa en el Condado de Suffolk, en Long Island, junto con su madre y hermana. Se mudan allí porque su hermano tuvo un accidente que lo dejó en coma, estando cerca de la casa el mejor hospital de neurología del estado. Cuando fenómenos extraños empiezan a aparecer en la casa, incluyendo la recuperación milagrosa de su hermano, Belle empieza sospechar que su madre no le está diciendo todo y pronto se da cuenta de que acaba de mudarse a la casa infame de Amityville.

La película está interpretada por Cameron Monaghan, Jennifer Jason Leigh, Thomas Mann, y Mckenna Grace.

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La biografía definitiva del malo por excelencia de la ciencia ficción

La biografía completa de Darth Vader nos cuenta todos los secretos y anécdotas relacionados con el Señor Oscuro, desde su gestación y diseño por parte de George Lucas y su equipo de guionistas. Profusamente ilustrado con fotografías en color de gran tamaño, bocetos y todo tipo de ilustraciones relacionadas con Vader y Star Wars, el libro es un regalo perfecto para fans, nostálgicos y coleccionistas.

Peter Vilmur y Ryder Windham son expertos en Star Wars y han escrito distintos libros sobre la franquicia y sus personajes. También colaboran con la página web oficial StarWars.com

 

Autor; Ryder Windham y Meter Vilmur. Editorial; Timun Mas Narrativa, Páginas; 184

«Black Mirror» volverá en diciembre con un episodio especial de navidad

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Aunque aún no se sabe todavía sobre su fecha de rodaje y sin tener si quiera a los actores elegidos ya es oficial que tendremos una nueva entrega de la fantástica serie británica «Black Mirror» en diciembre, no será en el formato de tres episodios como las dos temporadas anteriores sino en un especial navideño de un capítulo, suponemos que de una duración más extendida en comparación a los episodios anteriores.

El capítulo se titulará «Yuletide» y en palabras de Channel 4, será el más sorprendente de la serie hasta ahora. Phil Clarke, directivo de Channel 4, el canal británico que alberga la serie, ha explicado que “Charlie Brooker ha escrito un cuento distópico que entrelaza tres historias para ofrecer un toque dramático y emocionante. Es satírico, cómico, inquietante y sugerente”. Por su parte el creador Charlie Brooker ha dicho: “Siempre disfruto de una buena historia de fantasmas en Navidad, y soy un fanático de las películas te terror del Amicus de los 70. Nuestro objetivo es crear el Black Mirror equivalente a eso.”

«Lucy» review

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Johansson da vida a una mujer obligada a ejercer de mula (de drogas) y que adquiere poderes sobrenaturales cuando la bolsa de la droga se rompe y los narcóticos entran en contacto con su cuerpo. Entonces, se convierte en una máquina de matar que adquiere una memoria prodigiosa y la velocidad del rayo.

No se le puede negar a Luc Besson una peculiar y en más de una ocasión acertada visión acerca comercialidad de sus films, con «Lucy» el director francés se adentra en un alocado viaje tan psicotrónico como divertido consiguiendo al mismo tiempo el ser tan personal como identificable con el resto de su filmografía pues «Lucy» no deja de ser un mix pasado de vuelta de  «Nikita» y «Léon«.

Hay que reconocer que esta mixtura delirante y bastante disparatada con toques de serie B que van desde el thriller a la ciencia ficción pasando por la action movie más desprejuiciada funcionan de manera algo errática en función de la predisposición del espectador a entrar en el juego que nos ofrece el director galo.

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En el aspecto argumental, el film parte de la curiosa teoría de que el ser humano sólo usa el 10% del cerebro y nos muestra qué pasaría si una droga consigue que aprovechemos el 100% de él, lo cual daría explicación a la telequinesis, la telepatía, al control mental y demás supuestos súper poderes, siempre desde un punto de vista que esquiva con más o menos habilidad una explicación científica sólida, aquí  Besson enarbola en su trama la bandera de la ciencia como explicación o sustento argumental a su disparatado guion haciendo de ella un símbolo en el que intenta equilibrar la parte narrativa de la ciencia ficción con la más pura película de acción, ante todo esto se puede llevar a la errónea conclusión por parte del según que espectadores de enjuiciar que esta falsa premisa científica es en teoría el apoyo o excusa para tal muestrario de espectacularidad cinematográfica, nada más lejos de la realidad, «Lucy» solo es en parte disfrutable desde una mirada “palomitera” todo lo demás seria atribuirle algo que no posee, claramente, Besson se interesa más o se siente más preparado por el impacto visual que por la pobre opción intelectual mostrada, a la que podría haber prestado mayor atención o credibilidad teniendo en cuenta las infinitas posibilidades que la historia le permitía.

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Pese a que Luc Besson suele manejar muy bien el ritmo y los tiempos de la acción «Lucy» adolece de una cohesión narrativa bastante evidente, da la impresión de querer ser muchas películas en una, mezcla, agita y demás  llevándonos al lógica batiburrillo genérico que hace que por momentos nos descoloquemos en su trama argumental tanto en ritmo como en narración.

Como anecdotario positivo destacar la vuelta al ruedo de un Eric Serra tan auto paródico como desenvuelto y una pequeña satisfacción para los amantes del cine asiático el poder ver fuera de las fronteras de su país y esperando que de una manera más generalista sea reconocido al gran Choi Min-Sik, un auténtico placer interpretativo al alcance de muy pocos.

Valoración 0/5:2’5

 

Tráiler para el film de terror «The Devil’s Hand»

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Habíamos hablado con anterioridad de «The Devil’s Hand» antes conocida como «Where the Devil Hides«, film dirigido por Christian E. Christiansen responsable de la irregular «The Roommate«, ahora y a través de Lionsgate tenéis un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página, quienes pudieron verla en el pasado festival de Cannes dentro del mercado du films destacan su hábil mezcla de films de temática de profecías diabólicas con el subgénero del serial killer. «The Devil’s Hand» tiene para el próximo 10 de octubre su fecha de estreno en suelo norteamericano tanto en un número limitado de salas como en VOD, algo últimamente bastante extendido en las películas de género.

«The Devil’s Hand» se centra en una pequeña comuna que sigue una profecía que predice la llegada de la hija del demonio. Cuando llega el 18 aniversario de cinco chicas, una sucesión de asesinatos causa el pánico en toda la comunidad, puede que la profecía se esté haciendo realidad o bien puede que alguien esté silenciando a los que saben demasiado.

La película está interpretada por Rufus Sewell, Alycia Debnam-Carey, Thomas McDonell, Adelaide Kane, Leah Pipes, Jennifer Carpenter, Jim McKeny, Katie Garfield, Ric Reitz y Ethan Alexander McGee.

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«The Tribe», juventud al borde de la perversión

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El debut en el largometraje del ucraniano Miroslav Slaboshpitsky con «The Tribe» (Plemya) ganadora de la Semana de la Crítica en la última edición del Festival de Cannes y que podremos ver en el próximo Festival de San Sebastián dentro de la sección Perlas  supone una de las películas más esperadas de este año, donde se nos cuenta una historia que roza lo explícito en su violencia y que ha causado cierta polémica haya donde se ha exhibido. Film al parecer puramente visual, sin diálogos, sólo la lengua de los signos que es utilizada por los personajes. «The Tribe» supone uno de los debuts más interesantes de este curso. A final de página podéis contemplar su tráiler.

«The Tribe» nos cuenta como un adolescente sordomudo ingresa en un internado especial donde, para sobrevivir, tiene que formar parte de una organización salvaje, la Tribu. Su amor por una de las concubinas del Jefe lo llevará a romper todas las reglas no escritas en la jerarquía de la Tribu.

La película está protagonizada por Grigoriy Fesenko, Yana Novikova, Rosa Babiy, Alexander Dsiadevich, Yaroslav Biletskiy, Ivan Tishko, Alexander Osadchiy, Alexander Sidelnikov y Alexander Panivan.

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La vuelta de Stephen King al cine. Tráiler de «A Good Marriage»

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Hacía tiempo que no veíamos películas basadas en relatos de Stephen King, especialmente si comparamos el aluvión de films que proliferaron en los ochenta y noventa. A la espera que se concrete tanto «The Dark Tower» o «It«, ha aparecido el tráiler de «A Good Marriage«,  adaptación de un relato corto suyo del mismo título aparecido en su colección Full Moon no Stars que el escritor lanzó en el 2010, King además es el responsable de adaptar su propia obra. La dirección del film corre a cargo de Peter Askin «Company Man«. Su estreno en los Estados Unidos se espera para el próximo 3 de octubre, la película se estrenará de forma limitada en cines y en VOD.

«A Good Marriage» nos muestra la vida de una pareja  aparentemente feliz y perfecta, con más de veinte años de matrimonio, mientras su esposo está en un viaje de negocios, Darcy Anderson descubre como este tiene un lado extraño y horrible que nunca había sospechado descubriendo que podría ser un asesino en serie.

La película está interpretada por Theo Stockman, Joan Allen, Anthony LaPaglia, Stephen Lang, Kristen Connolly, Kris Lundberg y Brady Bryson.

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El gurú de los efectos visuales, Pablo Helman, ofrecerá una masterclass en Sitges 2014

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Pablo Helman, una de las figuras clave del cine fantástico de las últimas décadas, visitará la 47ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya para protagonizar una masterclass. Helman (Buenos Aires, 1959) es el supervisor de efectos visuales de Industrial Light & Magic y ha trabajado codo con codo con Steven Spielberg y George Lucas.

Salvar al soldado Ryan, El mundo perdido, La guerra de los mundos, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, La amenaza fantasma o El ataque de los clones forman parte de la larga lista de títulos dirigidos por Spielberg y Lucas en los que ha trabajado Pablo Helman. Sus inicios se remontan a principios de los años 80, como autor de músicas para un canal de televisión de Los Ángeles, época en que se iniciaba la revolución digital en el cine, un momento que Helman vivió intensamente.

A partir de su trabajo en la serie de televisión Star Trek: The next generation, fue requerido para trabajar en Digital Domain, la empresa de efectos visuales y animación fundada, entre otros, por el director de cine James Cameron. Helman trabajó en grandes éxitos como Apolo 13 o Independence Day, dirigida por Roland Emmerich, que también estará este año en Sitges para recoger su Gran Premio Honorífico. Fue en ese momento que la empresa de George Lucas decidió integrarlo en Industrial Light & Magic, trabajando estrechamente con el director de efectos visuales Stan Wilson hasta la muerte de éste.

En la actualidad, sus últimos trabajos los ha realizado en los films Las tortugas Ninja (producida por Michael Bay) y Piratas del Caribe 5. Pablo Helman está considerado como uno de los mejores del mundo en su especialidad y compartirá con el público del Festival sus experiencias y diversos temas de interés como la captura digital de actuación de actores en el set, la relación entre la tecnologia y el arte, la creación de los personajes, o los diversos modelos de producción, así como imágenes inéditas y material de su trabajo como mano derecha de Spielberg y Lucas.

Tráiler para la nueva temporada de «Homeland»

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El 5 de octubre arranca en Showtime la cuarta temporada de «Homeland«, una de la serie de más éxito en los últimos años, creada por Howard Gordon y Alex Gansa. Para promocionar el estreno e ir calentando motores la cadena nos trae un nuevo tráiler que podéis ver a final de página.

Las nuevas temporadas de «Homeland» (los productores ya han anunciado que esperan hacer al menos dos entregas más) se centrarán más en las operaciones de campo, a pie del conflicto, desde Showtime recalcan que, precisamente, ese es el punto fuerte de esta serie: «Esta es una serie que consiste fundamentalmente en operaciones de campo y realmente esto no lo hemos visto este año». Son palabras de David Nevins, presidente de la cadena, en referencia a la tercera temporada que, elogiando la valentía de los guionistas por intentar sorprender al telespectador. Más acción, más tensión, más ritmo -fundamental- es lo que parece que entroncará la nueva temporada de «Homeland» a juzgar por lo visto en este primer tráiler de un minuto de duración.

La cuarta temporada de Homeland se estrenará el 5 de octubre en los Estados Unidos. En España la serie se emite en Cuatro.

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Primeras imágenes de la nueva producción Filmax. «Sweet Home»

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«Sweet Home» es la última apuesta por parte de Filmax después del agridulce sabor que nos dejó su última película estrenada «Torment«, siguiendo apostando por el género del terror de bajo presupuesto con vocación internacional. «Sweet Home» supone el debut de Rafa Martínez al frente de la dirección de un largometraje.

El rodaje de «Sweet Home» finaliza el próximo viernes, 22 de agosto, en Barcelona. Además de dirigir, Rafa Martínez firma también el guión junto a Teresa de Rosendo (series “Gavilanes”; “Suárez y Mariscal. Caso Cerrado”) y Ángel Agudo (cortometrajes ‘Trooper’;’ Go Home’).

La trama de «Sweet Home» se sitúa en un entorno cotidiano: una pareja decide pasar una noche romántica en un piso de un edificio semi-abandonado al que se cuelan porque ella trabaja como asesora de inmuebles para el Ayuntamiento y tiene las llaves. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… y ellos se convierten en su nuevo objetivo.

La película está interpretada por entre otros por Ingrid García Jonsson y Bruno Sevilla.

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«Guardians of the Galaxy» review

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El temerario aventurero Peter Quill es objeto de un implacable cazarrecompensas después de robar una misteriosa esfera codiciada por Ronan, un poderoso villano cuya ambición amenaza todo el universo. Para poder escapar del incansable Ronan, Quill se ve obligado a pactar una complicada tregua con un cuartero de disparatados inadaptados: Rocket, un mapache armado con un rifle, Groot, un humanoide con forma de árbol, la letal y enigmática Gamora y el vengativo Drax the Destroyer. Pero cuando Quill descubre el verdadero poder de la esfera, deberá hacer todo lo posible para derrotar a sus extravagantes rivales en un intento desesperado de salvar el destino de la galaxia.

El director James Gunn, anteriormente guionista en la célebre factoría de cine Z Troma y director de claros productos de vertiente fadom como son «Slither» y «Super» consigue con «Guardians of the Galaxy«, su primer trabajo para un gran estudio, en este caso Marvel Studios, un acertado equilibrio entre lo comercial y lo personal, Gunn sabe que teclas tocar para ofrecer un producto que complazca a la gran masa, todo ello bajo la apariencia de  un blockbuster veraniego que se inspira tanto en «Indiana Jones» y «Star Wars» como en  esos productos ochenteros tipo  «Battle Beyond the Stars» o «Spacehunter«, todo ello plagado de referencias tanto musicales como culturales.

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Para dar en la diana es necesario que a la audiencia le acaben gustando todos los personajes, Gunn logra un buen balance entre todos los personajes siendo bastante  curioso cómo posiblemente los dos mejores personajes de la película están generados con CGI,  el director da rienda suelta a unos diálogos veloces y divertidos huyendo de la superficialidad que suele generar este tipo de personajes, apoyándose y no dejando de lado en un espíritu subversivo que cuadra adecuadamente con dichos protagonistas en una historia que fusiona a la perfección el humor con las aventuras.

«Guardians of the Galaxy»  toma el siguiente paso de que el universo de Marvel es más grande de lo que creíamos, posiblemente sea la película más arriesgada de la Marvel, los personajes de «Guardianes de la Galaxia» son unos ilustres desconocidos para el gran público y le da un toque diferente a lo que nos tenía acostumbrando y ofreciendo hasta ahora, oxigenando en parte el extenso catálogo que dispone el estudio a la hora de trasladarlo a la gran pantalla.

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El aspecto visual que nos ofrece «Guardians of the Galaxy»  es por otro lado bastante satisfactorio, es posiblemente la película de Marvel más bonita a nivel visual que hemos tenido hasta el momento. La paleta de colores, los escenarios, relieves y demás brillan de manera clara, todo bajo una apariencia de un dinamismo  y colorido repleto de una esencia de la que es difícil no sentirse atraído hacia lo que tienes delante, hacia un sentimiento de exploración que  te invade y que te hace sentir que lo que estás viendo en la gran pantalla es parte de un universo mucho más grande del que hemos visto hasta ahora y que necesariamente tienes la sensación de conocerlo.

«Guardians of the Galaxy» es  a todas luces una película disfrutable, con una identidad propia mientras que, al mismo tiempo, es sin duda un homenaje a lo mejor del cine de fantasía/ciencia ficción de las últimas décadas, en definitiva una película que sabe jugar con sus propias dinámicas, con los propios esquemas y reglas genéricas, Gunn acierta al mismo tiempo de pleno en la diana geek y en el entretenimiento total cinematográfico con apariencia de blockbuster, todo un mérito a tener muy en cuenta.

 

Valoración 0/5:4

«Dios Local» el nuevo trabajo del uruguayo Gustavo Hernández

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Después del éxito de su ópera prima «La casa muda«, el realizador uruguayo Gustavo Hernández vuelve a la gran pantalla con «Dios Local«,  otra obra de clara vertiente fantástica aunque con un toque  más experimental y personal aun si cabe que en su anterior película. El film tendrá su Premiere Mundial en el Fantastic Fest 2014 teniendo su estreno europeo en el próximo festival de Sitges dentro de la sección Blood Window. Según palabras de su director «Dios Local» tiene muchos momentos impredecibles, fantásticos, amargos, con claros vértices fantásticos.

«Dios Local» cuenta como después de algunos hechos trágicos, un grupo de rock de veinteañeros se vuelca a un proyecto de corte conceptual que arroja como resultado un disco de solo tres canciones que componen la ópera de sus temores, culpas y abismos. Cada surco tiene la particularidad de incluir los hechos más traumáticos de cada integrante como una forma de exorcizar los momentos oscuros de sus vidas. Es en este marco que la banda decide retirarse a una grutas alejadas para grabar los vídeos que van a acompañar al disco. Adentro, entre las sierras irrumpen en una mina de oro abandonada y descubren entre sus paredes un ídolo construido en piedra; una vieja representación diabólica que los conquistadores españoles usaban para atemorizar y someter a los nativos y a su dios local. Habiendo liberado al espíritu regente de las cuevas, los tres jóvenes se sumergen en un territorio oscuro y conocido: el desesperante mundo creado en su propio disco. Ahora deben luchar por sobrevivir a los terrores del pasado que intentaron sanar y olvidar a través de su música, pero que se hacen presentes como un loop de forma salvaje y radical. Narrada en tres capítulos, uno por cada track, las tres historias convergen y se tejen en distintos actos de crueldad, locura y violencia.

La película está interpretada por Agustín Urrutia, Mariana Olivera y Gabriela Freire.

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Arquetipos femeninos perversos en el cine de terror

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A través de «Arquetipos femeninos perversos en el cine de terror: el mito y la construcción de la mujer vampiro y su (re)producción en la sociedad occidental» se ha tratado de revelar cómo se articulan las representaciones de las mujeres perversas en el espacio fílmico y cómo, a su vez, estas representaciones son un reflejo y una retroalimentación en y del espacio social, respectivamente. Teniendo en cuenta la multiplicidad incontable de miradas e intentando huir de generalizaciones globalizadoras y esencialismos que convierten la diversidad de experiencias subjetivas en interpretaciones «idénticas» se profundiza en cómo estas perversas han llegado a ser parte de nosotras, cómo han evolucionado a nuestro lado y cómo se han hecho imprescindibles. Imprescindibles en el «ser» ineludibles en el «hacer». Ellas nos muestran que hay más opciones, que existe un derecho a reivindicar ser lo que se quiera ser, incluso si la elección es ser «malvada o egoísta» aunque ser malvada no signifique más (y a su vez signifique tanto) que abandonarse a un placer sin medida ni remordimiento en el film o negarse a renunciar a una carrera profesional por cumplir con un rol impuesto de cuidadora en la vida real. Esto es lo verdaderamente aterrador: mujeres que sustituyen los «motivos» atribuidos a su condición femenina para ser malas por una actuación fuera de la moralidad patriarcal impuesta, sin valores, sin justificación, sin conciencia y sin responsabilidad, al igual que la monstrua de la gran pantalla. No hay nada más terrorífico, en un orden establecido, que abandonar un espacio determinado para acercarse a otro sin determinar.

 

Autor; María del Rocío Pérez Gañán. Editorial; Ediciones Universidad de Cantabria, Páginas;125

A la estela de Teen Wolf. Tráiler de «Wolfcop»

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Es evidente que la premisa del film independiente  «Wolfcop» de Lowell Dean remite de manera nada disimulada a las comedias de terror de los años ochenta, posiblemente su referencia más clara entre otras sea «TeenWolf«, una clase de películas que escasean últimamente. El Film de nacionalidad canadiense que se ha podido ver en el reciente Fantasia International Film Festival y parece ser una perfecta película para disfrutar en las sesiones de medianoche, un marco perfecto para esta clase de films. Su divertido tráiler lo podéis ver a final de página, lo dicho en la frase promocional, Harry el Sucio… pero con más pelo.

«Wolfcop» nos cuenta como un policía alcohólico llamado Lou Garou  suele perder el conocimiento y despertar al día siguiente en un lugar desconocido, pero últimamente los acontecimientos han tomado un giro extraño. Las escenas del crimen que visitan le resultan extrañamente familiares. Además sus sentidos se agudizan, y cuando la luna llena domina la noche, Lou se convierte en un poderoso hombre lobo.

La película está interpretada por Leo Fafard, Amy Matysio, Jonathan Cherry, Sarah Lind, Aidan Devine,  Jesse Moss,  Corinne Conley, James Whittingham y Ryland Alexander.

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Martin Scorsese produce lo nuevo de Andrew Lau. Tráiler de «Revenge of the Green Dragons»

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No deja de ser algo curioso que Martin Scorsese  sea productor ejecutivo de lo último del director de «Infernal Affairs«, Andrew Lau, film cuyo remake «The Departed»  le valió conseguir el Oscar a la Mejor Película en el 2007. «Revenge of the Green Dragons» que está codirigida por Andrew Loo será la segunda película de Andrew Lau en inglés, después de su debut en tierras americanas con «The Flock».

La premiere de la película tendrá lugar durante el próximo Festival de cine de Toronto (TIFF) teniendo previsto su estreno en los cines norteamericanos en el próximo mes de octubre, de momento podemos disfrutar del magnífico tráiler de uno de los films más prometedores de este año.

«Revenge of the Green Dragons» se basa en el artículo de Frederick Dannen para The New Yorker, el cual supuso una crónica de la vida criminal de los pandilleros asiáticos-americanos en Nueva York durante los años 80 y 90. Esta sigue a dos hermanos inmigrantes, Sonny y Steven, que se escapan de la pobreza al unirse a Los Dragones Verdes, una pandilla en el Barrio Chino. Los hermanos pronto empiezan a ascender en las filas, ganándose la atención no deseada de los duros policías de la zona.

La película está protagonizada por Justin Chon, Kevin Wu, Harry Shum, Jr., Shuya Chang, Geoff Pierson, Billy Magnussen y Ray Liotta.

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«The Story of Princess Kaguya» de Isao Takahata estará presente en el Festival de San Sebastián

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En la 62 edición del Festival de San Sebastián tendrá lugar el estreno en España de algunas de las más notables películas presentadas a lo largo del año en diversos festivales internacionales, una serie de títulos que forman parte de la programación de la sección Perlas.

Entre las películas seleccionadas se encuentran la ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín, Bai Ri Yan Huo / Black Coal, Thin Ice de Yinan Diao, y el film que obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes, Kis Uykusu / Winter Sleep, de Nuri Bulge Ceylan. Además podrán verse en la sección los nuevos trabajos de directores de la talla de Isao Takahata, Xavier Dolan, Wim Wenders, Abel Ferrara, Laurent Cantet, Naomi Kawase o Mathieu Amalric.

Todas las películas de la Sección Perlas serán candidatas al Premio del Público, que será otorgado por votación de los espectadores asistentes a la primera proyección pública de cada película de dicha sección. El Premio del Público se compone de dos galardones: un Primer Premio a la Mejor Película, dotado con 50.000 euros, y un Segundo Premio a la Mejor Película Europea, dotado con 20.000 euros. El Premio del Público está destinado al distribuidor de la película en España.

 

20,000 DAYS ON EARTH (20.000 DÍAS EN LA TIERRA)

Iain Forsyth, Jane Pollard  (Reino Unido) Ganadora del Premio a la Mejor Dirección de Documental en el Festival de Sundance, una película que combina drama y realidad en 24 horas ficticias en la vida del músico e icono cultural internacional, Nick Cave. Con ideas sorprendentemente francas y un íntimo retrato del proceso artístico, la película examina lo que nos hace ser, lo que somos, y celebra el poder transformador del espíritu creativo

BAI RI YAN HUO / BLACK COAL, THIN ICE Yinan Diao  (China) La película ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín fue esta producción china dirigida por Yinan Diao. Un trabajador de una mina de carbón es asesinado y su cuerpo mutilado aparece a cientos de kilómetros. La investigación sigue la pista de varios sospechosos, pero en el intento de apresarlos mueren dos oficiales y otro, herido, Zhang Zili es obligado a retirarse del caso y lo asignan como guardia de seguridad en una fábrica. Cinco años después vuelven a sucederse los asesinatos y Zhang Zili se apercibe de que todas las víctimas están relacionadas con una mujer de la que se enamora.

BANDE DE FILLES / GIRLHOOD Céline Sciamma  (Francia) Céline Sciamma (Tomboy) presentó esta película en la Quincena de Realizadores de Cannes. Oprimida por su entorno familiar, por una trayectoria escolar que lleva a un callejón sin salida y por la ley de los chicos en el barrio, Marieme comienza una nueva vida cuando conoce a tres chicas de espíritu libre. Cambia su nombre, su manera de vestir y deja el colegio para ser aceptada en la banda, confiando en que este sea el camino hacia la libertad.

CATCH ME DADDY Daniel Wolfe  (Reino Unido) La ópera prima de Daniel Wolfe fue presentada en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. En una comunidad cerrada, la libertad tiene un precio. ¿Deshonras a tu familia? Se paga con tu vida. Huyendo de cazadores de recompensas que no pararán hasta atraparlos, Leila y Aaron se ven lanzados hacia un dramático enfrentamiento.

CÉSAR CHÁVEZ Diego Luna  (México – EEUU) El aclamado director y actor Diego Luna presenta una película que recorre la lucha, resistencia y triunfo final de César Chávez a través de una visión personal del hombre de familia que arriesgó su vida por aquello en lo que creía, inspirando a miles de personas en el camino. César E. Chávez fue una figura legendaria en los movimientos por los derechos civiles de los años 60, ya que luchó por los derechos de millones de trabajadores americanos con la protesta no violenta más larga de la historia de Estados Unidos. Tras haber sido un trabajador de granja él mismo y haber sufrido las inhumanas condiciones del trabajo en el campo por una paga mínima, dedicó su vida a conseguir un futuro mejor para los oprimidos. Presentada en la última edición del Festival de Berlín

DIFRET ZERESNAY BERHANE MEHARI  (EEUU) Producida por Angelina Jolie, esta película obtuvo el Premio del Público en el Festival de Sundance y el Premio del Público en la sección Panorama del Festival de Berlín. En Adis Abeba, la abogada Meaza Ashenafi ha creado una red de ayuda a mujeres y niños pobres que necesiten la ayuda de un letrado. Se enfrenta a un hostigamiento constante por parte de la policía y del gobierno. Aun así, se atreve a defender a Hirut, una chica de 14 años a la que secuestraron y violaron cuando regresaba del colegio y que consiguió matar a sus raptores antes de escapar. A pesar de haber actuado en defensa propia, Hirut puede ser condenada a la pena de muerte.

FUTATSUME NO MADO / STILL THE WATER (AGUAS TRANQUILAS)

Naomi Kawase  (Japón – Francia – España) Una coproducción entre Japón, Francia y España, con participación de la productora española Eddie Saeta. Dirigida por Naomi Kawase, compitió en la última edición del Festival de Cannes. En la isla subtropical de Amami-Oshima, Kaiko, un joven de 16 años, descubre un cadáver flotando en el mar. Su amiga Kyoko trata de ayudarla a desentrañar este misterioso descubrimiento. Juntos, aprenderán a convertirse en adultos.

GETT, THE TRIAL OF VIVIANE AMSALEM (GETT, EL PROCESO DE VIVIANE AMSALEM)

RONIT & SHLOMI ELKABETZ  (Israel – Francia – Alemania) Los matrimonios civiles todavía no existen en Israel; tan solo manda la ley religiosa, que estipula que únicamente el marido puede conceder el divorcio. Un film que sigue la lucha de una mujer para conseguir lo que ella considera un derecho. Presentada en la Quincena de Realizadores de Cannes.

KAGUYAHIME NO MONOGATARI / THE STORY OF PRINCESS KAGUYA Isao Takahata  (Japón) El último trabajo del maestro de la animación japonesa Isao Takahata fue estrenado en la Quincena de Realizadores de Cannes y adapta un texto clásico de la literatura japonesa. Hallada dentro de un resplandeciente tallo de bambú, una pequeña niña crece hasta convertirse en una exquisita joven tras haber sido criada por un anciano recolector de bambú y su esposa. Desde el campo a la gran ciudad, cautiva a todos quienes la conocen, entre ellos cinco nobles pretendientes. Pero la joven tendrá que afrontar su destino.

KIS UYKUSU / WINTER SLEEP Nuri Bilge Ceylan  (Turquía – Francia – Alemania) El cineasta turco Nuri Bulge Ceylan obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes con esta película, el relato de Aydin, que lleva un pequeño hotel en Anatolia junto a su joven esposa Nihal y su hermana Necla. A medida que el invierno avanza el hotel se convierte en un refugio, pero también en un lugar sin salida para avivar los resentimientos.

LA CHAMBRE BLEUE / THE BLUE ROOM Mathieu Amalric  (Francia) Mathieu Amalric dirige y protagoniza una adaptación de una novela de Georges Simenon que fue presentada en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Un hombre y una mujer, enamorados en secreto, solos en una habitación. Se desean, se quieren, incluso se muerden el uno al otro. Después del amor, intercambian algunas palabras anodinas, o al menos así lo cree el hombre. Pero ahora, bajo investigación de la policía y los tribunales, Julien no encuentra las palabras: «La vida es diferente cuando la vives que cuando la cuentas después». ¿Qué sucedió? ¿De qué se le acusa?

LOVE IS STRANGE Ira Sachs  (EEUU) Presentado en los festivales de Sundance y Berlín, un film protagonizado por John Lithgow, Alfred Molina y Marisa Tomei. Cuando se legaliza en Nueva York el matrimonio entre personas del mismo sexo, Ben y George, que llevan 39 años juntos, deciden casarse. Poco tiempo después despiden a George sin explicación alguna de la escuela católica donde enseña música y pierden su piso. Se verán obligados a separarse y convivir con otras personas.

MOMMY Xavier Dolan  (Canadá) Xavier Dolan, el cineasta revelación de los últimos años, obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes con su nueva película. Una viuda debe hacerse cargo de su problemático hijo de quince años que sufre un trastorno por déficit de atención con hiperactividad. Madre e hijo se esfuerzan para encajar y llevar su obligada convivencia lo mejor posible. La llegada de Kyla, una nueva vecina, marcará sus vidas.

PASOLINI Abel Ferrara  (Francia – Italia – Bélgica) En una película onírica y visionaria, una mezcla de realidad e imaginación, Abel Ferrara reconstruye el último día en la vida de Pier Paolo Pasolini con su colaborador habitual Willem Dafoe como el gran poeta y cineasta. Un día, una vida. En Roma, la noche del 2 de noviembre de 1975, Pier Paolo Pasolini es asesinado. Pasolini es el símbolo del arte que lucha contra el poder. Sus escritos son escandalosos, sus películas son perseguidas por los censores, muchas personas lo aman y muchas lo odian. El día de su muerte, Pasolini pasa sus últimas horas con su querida madre y después con sus queridos amigos y, finalmente, se lanza en la noche en busca de aventuras en la ciudad eterna. Al amanecer, Pasolini es hallado muerto en una playa de Ostia, en las afueras de la ciudad. Una película seleccionada para la competición oficial del Festival de Venecia.

PLEMYA / THE TRIBE Myroslav Slaboshpytskiy  (Ucrania) La película ganadora de la Semana de la Crítica en la última edición del Festival de Cannes. Un adolescente sordomudo ingresa en un internado especial donde, para sobrevivir, tiene que formar parte de una organización salvaje, la Tribu. Su amor por una de las concubinas del Jefe lo llevará a romper todas las reglas no escritas en la jerarquía de la Tribu.

RELATOS SALVAJES / WILD TALES Damián Szifrón  (Argentina – España) Una coproducción hispano-argentina con participación de la productora española El Deseo, estrenada en la Sección Oficial de la última edición del Festival de Cannes. La desigualdad, la injusticia y la exigencia del mundo en que vivimos producen que muchas personas se estresen o se depriman. Algunas explotan. Esta es una película sobre ellos.

RETOUR À ITHAQUE / RETURN TO ITHACA (REGRESO A ITACA)

Laurent Cantet  (Francia) Una terraza panorámica sobre La Habana, la puesta de sol. Cinco amigos se reúnen para celebrar el regreso de Amadeo después de dieciséis años de exilio. Desde el crepúsculo hasta el amanecer, recuerdan sus tiempos de juventud, el grupo que formaban, la fe que tenían en el futuro… y también su desencanto. Un film de Laurent Cantet que ha sido seleccionado para la sección Venice Days del Festival de Venecia.

THE SALT OF THE EARTH (LA SAL DE LA TIERRA)

Wim Wenders, Juliano Ribeiro Salgado  (Francia) El nuevo documental de Wim Wenders obtuvo el Premio Especial Un Certain Regard del Festival de Cannes. Durante los últimos 40 años, el fotógrafo Sebastião Salgado ha dedicado su vida a viajar a través de los continentes, siguiendo los pasos de una humanidad que no ha dejado de cambiar. Ha sido testigo de algunos de los acontecimientos más relevantes de la historia reciente: conflictos internacionales, hambre y éxodos. Ahora, ha decidido embarcarse en el descubrimiento de territorios prístinos, de flora y fauna salvaje y grandiosos paisajes como parte de un gigantesco proyecto fotográfico que rinde tributo a la belleza de nuestro planeta. La vida y obra de Sebastião Salgado nos es revelada por su hijo, Juliano, que le acompañó en sus últimos viajes, y por Wim Wenders, también fotógrafo.

Nuevos posters de «Autómata»

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A la espera de que aparezca un primer tráiler se están comenzando a publicar nuevos posters de «Autómata» de Gabe Ibáñez, director que ya nos dejó un buen sabor de boca con su anterior «Hierro«. La película será presentada en el próximo Festival de Cine de San Sebastián dentro de la Sección Oficial y más tarde con toda seguridad pasara por el festival de Sitges. Sin tener todavía fecha de estreno en nuestro país, el film saldrá en VOD el 10 de octubre en los Estados Unidos.

En «Autómata» Jacq Vaucan (Antonio Banderas) es un agente de seguros de la corporación robótica ROC, investiga rutinariamente el caso de la manipulación de un robot. Sin embargo, lo que descubre tendrá profundas consecuencias para el futuro de la Humanidad…. Una película de ciencia ficción, a camino entre el policiaco y el western, y que tiene como trasfondo argumental la Singularidad Tecnológica, teoría que especula sobre el momento en el que la Inteligencia Artificial pueda alcanzar y superar a la inteligencia humana.

La película está interpretada por Antonio Banderas, Birgitte Hjort Sørensen, Melanie Griffith, Dylan McDermott, Robert Forster, Tim McInnerny, Andy Nyman, Dadid Ryall y Andrew Tiernan.

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Tráiler para «The Pact 2»

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Hace un par de años «The Pact» un film de terror modesto pero bastante efectivo dejó un buen sabor de boca entre los aficionados del género, su director Nicholas McCarthy empezó a ser un nombre a tener en cuenta  a partir de ese momento (su nueva película «At The Devil´s Door» ya empieza a verse dentro del circuito de festivales especializados). Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página, de la secuela de su ópera prima, aunque en esta ocasión la dirección ha corrido a cargo del dúo formado por Dallas Richard Hallam y Patrick Horvath. Su estreno en VOD está previsto para el próximo 5 de septiembre teniendo el 10 de octubre un estreno limitado en las salas de cine.

«The Pact 2» nos sitúa solo unas semanas después de que Annie Barlow acabará con el asesino Judas, nos encontramos con June, una mujer que vive en Los Ángeles y que empieza a ver como unas terribles pesadillas le van perturbando de manera atroz incluso cuando está despierta. Cuando el agente Kevin Dickey, asignado por parte del FBI para desenredar el caso del asesino Judas aparece en la puerta de June, no lo hará con buenas noticias, hay un imitador de Judas en el vecindario.

La película está interpretada por Camilla Luddington, Patrick Fischler, Scott Michael Foster, Haley Hudson, Mark Steger. Brad Grunberg , Joshua Grote, Scott Michael Foster, Suziey Block y Trent Haaga.

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El Festival de Sitges abre una ventana permanente en Canal+

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Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya tendrá una presencia destacada en Canal+ durante todo el año. Cada día 13 será el Día Sitges en Canal+ Xtra con la emisión de títulos vinculados al Festival. El primer Día Sitges se estrenará el próximo 13 de agosto, con Turistas (Sightseers, 2012), dirigida por Ben Weatley y que obtuvo los premios al mejor guión y a la mejor actriz (Alice Lowe) en Sitges 2012.

Paralelamente, Canal+ Xtra y Canal+ Acción difunden desde finales de julio unos espacios fijos en su programación que emiten trailers de algunos títulos confirmados en Sitges 2014.

También, durante el primer fin de semana de Sitges 2014 (los días 3 y 4 de octubre), Canal+ Xtra emitirá un maratón con lo mejor de la pasada edición de Sitges y una selección de algunas películas asiáticas proyectadas en el certamen. Igualmente, la cadena estará en Sitges durante esos días, desde donde emitirá #cinebasura, el espacio denominado como “cine de derribo”, dirigido por Paco Fox y José Viruete.

Los diferentes canales de la familia Canal+ y Yomvi se volcarán con contenidos y proyecciones especiales durante la próxima edición de Sitges, con el fin de estar siempre presentes en el primer festival de cine fantástico del mundo.

«L’Écume des jours» review

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Adaptación de la novela homónima de Boris Vian, que narra la historia de una mujer que padece una extraña enfermedad. El matrimonio entre el creativo y entusiasta Colin (Romain Duris) y su amada Chloe (Audrey Tautou) sufre un duro revés cuando a ella le empieza a crecer un nenúfar en un pulmón. Para costear el tratamiento de la enfermedad, Colin deberá trabajar en condiciones cada vez más absurdas.

Michel Gondry adapta la novela de Boris Vian del mismo título aunque no es la primera versión cinematográfica de la novela, en 1968 Charles Belmont ya la llevó a la gran pantalla, desconozco tanto la novela  como el film de Belmont por lo tanto me limitare a reseñar la película de Gondry evitando los consabidos paralelismos diferenciales.

Poseedor de una libertad e inquietud creativa casi única,  Michel Gondry  consigue contarnos una historia sobre el amor llevado al límite, donde tanto los sentimientos como la amistad son llevados y mostrados desde la libertad de los protagonistas que les da el suprimir en su vida todo lo que no se cree necesario, lo que produce hastío y  cierto aburrimiento, la pesadez de la existencia en definitiva, trasladándonos  a un mundo idílico, mágico, donde todos son felices y sonríen las 24 horas del día apoyado en el exceso visual con dos partes bastantes diferenciadas, una primera parte más alegre y romántica y una segunda parte oscura y dramática y por consiguiente más sobria y centrada.

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Posiblemente se puede terminar apabullando con semejante y vasta propuesta visual al espectador no habituado al cine de Michel Gondry  (la utilización del stop- motion le da ese toque especial y original a la historia), aunque parece ser toda esa parafernalia y surrealismo mostrado es prácticamente igual que en el libro de Boris Vian, ese exceso permanente en este caso se convierte en un mundo de sueños a medida que avanza la película y que va evolucionando hacía otro mundo que no es lo que evidentemente desean sus protagonistas al principio de la narración, y es que como muy bien se dice durante la película las personas no cambian lo hacen las cosas que suceden a su alrededor.

«L’Écume des jours»  navega entre lo poético, lo fantástico, lo estrafalario y lo absurdo siendo tan grande el peso de la dirección artística y el imaginario de Michel Gondry  que se hace difícil por momentos el centrarnos en la narración de esta historia de amor llena de alegría y vitalidad al principio y gris y mortecina al final.

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Pero hacer del arte cinematográfico un surrealismo puro en los tiempos que corren es una apuesta muy arriesgada y lo difícil es conseguir que una historia así atrape al espectador  de principio a fin, «L’Écume des jours» lo consigue de sobras, un viaje rebosante de imaginación y originalidad, y es que Gondry a través de su especial mirada fantástica siempre consigue sorprendernos para bien, siendo de aquellas películas que te hacen creer que al cine aún le queda algún que otro camino por explorar, algo que realmente tendría que ser valorado en su justa medida y más dado los tiempos en que nos toca vivir en lo referente a la imaginación fílmica.

 

Valoración 0/5:4

La Matanza de Texas edición 40º aniversario llegará a España el 9 de diciembre

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Con un master restaurado a 4K y sonido 7.1 fue estrenada en el Festival de Cannes del 2014 y posteriormente llegó a España al Festival Nocturna. La Matanza de Texas film de culto del director Tobe Hooper, fue estrenada originalmente en 1974. La distribuidora A Contracorriente Films lanzará el 9 de Diciembre al mercado «La Matanza de Texas» la edición 40º aniversario en formato Blu-ray con multitud de extras.

La distribuidora ha informado  que la fecha de salida al mercado doméstico será el próximo 9 de diciembre de este año con una edición que contendrá numerosos contenidos adicionales. A falta aún de conocer los detalles completos de la edición  A Contracorriente Films se encuentra en estos momentos consiguiendo materiales e intentando conseguir los dos doblajes existentes de la película.

Cinco adolescentes visitan la tumba, supuestamente profanada, del abuelo de uno de ellos. Cuando llegan al lugar, donde hay un siniestro matadero, toman una deliciosa carne en una gasolinera. A partir de ese momento, los jóvenes vivirán la peor pesadilla de toda su vida.

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«The Editor». El giallo en clave paródica

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«The Editor» será la décima película que se presentará en el Midnight Madness del próximo festival de Toronto. Si el pasado año la extraordinaria «Berberian Sound Studio» de Peter Strickland rendía en cierta manera un homenaje al giallo de manera algo particular, ahora el dúo formado por Matthew Kennedy y Adam Brooks son los autores de un film que rinde tributo en forma de parodia al subgénero. Anteriormente la pareja de directores había parodiado el slasher con la simpática «Father’s Day«. Como primer avance podéis ver a final de página un pequeño tráiler proveniente del canal del TIFF de Youtube.

«The Editor» nos cuenta cómo en la Italia de los años 70 un maestro editor de montaje de cine se convierte en el principal sospecho de una serie de brutales asesinatos.

La película está interpretada por Matthew Kennedy, Adam Brooks, Paz de le Huerta, Udo Kier, Laurence R. Harvey, Samantha Hill y Conor Sweeney.

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Primer póster para «The ABCs of Death 2»

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Primer póster  de «The ABCs of Death 2«, el nuevo film antológico donde 26 directores realizan un cortometraje que se corresponde con una letra del abecedario. La película tendrá su premier mundial en septiembre dentro del Fantastic Fest de Austin para más tarde salir al mercado del VOD  a partir del 2 de octubre, el 31 del mismo mes tendrá un estreno limitado en las salas de cine norteamericanas.

La extensa nómina de directores que están en el film está compuesta por EL Katz, Alejandro Brugués, Julian Barrat, Aharon Keshales y Navot Papushado, Sion Sono, Bill Plympton, Rodney Ascher, Erik Matti, Kristina Buozyte y Bruno Samper, Vincenzo Natali, Larry Fessenden, Marvin Kren, Todd Rohal, Steven Kostanski, Jim Hoskins, Hajime Ohata, Chris Nash, Julien Maury y Alexandre Bustillo, Jen y Silvia Soska, Julian Gilbey, Dennison Ramalho, Lancelot Imasuen, Jerome Sable y Robert Morgan.

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Hombres fuera de serie

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A finales de los noventa el panorama televisivo vivió una transformación sin precedentes. Mientras las grandes cadenas generalistas seguían a la búsqueda del mínimo común denominador, un puñado de series artísticamente ambiciosas que reinventaban la narración televisiva aterrizaron en la televisión por cable.  Series que dejaban de preocuparse por gustar al espectador medio, que se olvidaban de lugares comunes y personajes arquetípicos, de tramas cerradas y finales felices. Series como Los Soprano, The Wire o posteriormente Mad Men y Breaking Bad. De repente un estallido creativo llenaba la televisión de sexo, violencia, conflictos raciales y muerte. Igual que la novela en los años sesenta o el cine en los dorados setenta.

Estas series habían sido ideadas por personajes tan complejos como sus propios protagonistas, poderosísimos showrunners, las nuevas estrellas del espectáculo; desde neuróticos y egocéntricos como David Chase y su discípulo Matt Weiner, hasta el generoso y brillante Vince Gilligan y el aguerrido reportero David Simon.

Combinando el reportaje en profundidad y las entrevistas personales con el contexto histórico y el análisis cultural, este libro narra la epopeya de lo que ya se llama la tercera edad de oro de la TV. Martin nos sumerge entre bastidores para conocer el proceso creativo y los autores de esta revolución que nos ha legado historias y protagonistas inolvidables.

 

Autor; Brett Martin. Editorial; Ariel, Páginas;400

Terror y tensión bajo cero. Tráiler de «Black Mountain Side»

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El aislamiento de un grupo de personajes en un escenario tan hostil  como puede ser un paraje cualquiera helado en las montañas remite de forma directa a el aislamiento, el terror o la soledad, quizás sea una premisa no muy explotada en el cine, así a bote pronto recuerdo «The Thing» del maestro John Carpenter, la notable «The Last Winter» del independiente Larry Fessenden o la simpática «The Station» vista el pasado año.

«Black Mountain Side» es film canadiense que supone la opera prima del director  Nick Szostakiwskyj que también se ocupa del guión de la misma, la película tendrá su premier mundial estos días por el Festival Fantasia 2014, de momento el tráiler, que podéis ver a final de página, parece moverse más hacia el terreno de la atmósfera y tensión que el de la grandilocuencia más propia de una serie B.

«Black Mountain Side» nos cuenta  como un grupo de arqueólogos descubren una extraña estructura en el norte de Canadá que fecha de más 10.000 años atrás. El equipo se encontrará aislado cuando los sistemas de comunicación fallen a causa de una fuerte tormenta de nieve,  no tardando mucho en hacer acto de aparición los primeros efectos de la soledad en los miembros del equipo.

La película está interpretada por Shane Twerdun, Carl Toftfelt, Michael Dickson, Marc Anthony Williams y Andrew Moxham.

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