Mes: febrero 2024
El terror y la identidad, tráiler para «I Saw the TV Glow» de Jane Schoenbrun
Tras la interesante ópera prima We’re All Going to the World’s Fair (2021) la realizadora estadounidense Jane Schoenbrun vuelve a indagar en exploraciones oníricas adolescentes, colindantes al terror, con su nuevo trabajo tras las cámaras I Saw the TV Glow, film que de la mano de A24 acaba de estrenar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, tras el buen recibimiento obtenido en Sundance y Berlín, dentro de la sección Panorama, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 3 de mayo de 2024.
I Saw the TV Glow nos cuenta como dos marginados adolescentes residentes en un suburbio se unen por su interés compartido por un programa de televisión nocturno de misterio. Sin embargo, tras la inesperada cancelación del programa, el límite entre lo real y lo televisivo comenzará a desdibujarse. A la pálida luz que emana de la televisión, la percepción de ambos jóvenes de la realidad comienza poco a poco a resquebrajarse.
La película, con guion a cargo de la propia Jane Schoenbrun, está protagonizada por Justice Smith, Brigette Lundy-Paine, Helena Howard, Lindsey Jordan, Fred Durst, Phoebe Bridgers, Danielle Deadwyler, Haley Dahl, Amber Benson, Ian Foreman, Michael Maronna, Conner O’Malley, Emma Portner, Danny Tamberelli, King Woman, Marlyn Bandiero y Kenneth Kyle Martinez.
Primeros títulos del D’A 2024
El D’A – Festival de Cine de Barcelona continua como escaparate del mejor cine independiente ofreciendo la oportunidad de descubrir lo mejor del año, los grandes nombres que han triunfado en los grandes festivales internacionales y algunas de las propuestas más arriesgadas del año. Entre los primeros títulos, nombres imprescindibles del cine contemporáneo como Nuri Bilge Ceylan con Sobre la hierba seca, película estrenada en Cannes 2023 , donde ganó el premio a la mejor actriz; Lisandro Alonso (Jauja), en su reencuentro con Viggo Mortensen Eureka, para recorrer de norte a sur el continente americano, acompañado de Chiara Mastroiani; la directora francesa Catherine Corsini (Un amor de verano) presenta Le Retour, una historia intergeneracional que combina el retrato identitario y el coming-of-age; o Critical Zone , del director Ali Ahmadzadeh, uno de los nombres más destacados del cine iraní, cuya obra está prohibida en su país. Su nueva película ganó el Leopardo de Oro en el último festival de Locarno y fue premiada en la Seminci.
De Argentina nos llegan dos películas, posiblemente irrepetibles con los tiempos que se avecinan. Después de Juana a los 12 (Premio Talents D’A 2015), Martin Shanly vuelve al festival con Arturo a los 30, una indagación sobre la precariedad y la incomodidad social que rodea a una determinada juventud no tan joven. Por su parte, la directora Paula Hernández se lleva a Sergi López a la Argentina más profunda en El viento que arrasa, donde protagoniza un tenso relato sobre fanatismo y descubrimientos sexuales y sentimentales.
De cinematografías mucho más esquivas nos llegan películas que no dejan indiferente, como el estreno en España de Snow Leopard, obra póstuma del director tibetano Pema Tseden y ganadora en el Festival de Tokio (¡con Albert Serra en el jurado!). Una película auténtica y humanista que enfrenta al mundo rural y las nuevas tecnologías. Y desde Grecia nos llega Animal, la nueva película de Sofía Exarchou (premiada en San Sebastián por su primer film), para seguir indagando en la cara oscura de la sociedad griega, ahora a través de una precarizada trabajadora del sector turístico, interpretada por Dimitra Vlagopoulou, premiada en Locarno. También premiado en Locarno, el prometedor debut de Éléonore Saintagnan con Camping du lac, una docuficción con un relato fascinante con aura de cuento y conciencia climática.
Terror a medianoche, primer tráiler para «The Watchers» de la debutante Ishana Shyamalan
Después de participar en la escritura y dirección de algunos capítulos de la serie The Servant, Ishana Shyamalan, hija de M. Night Shyamalan, que estrenará su nueva película, Trap, el próximo mes de agosto, debuta en el largometraje con la cinta de misterio The Watchers, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz de la mano de Warner Bros. Pictures y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, adaptación a novela del mismo título de A. M. Shine, llegará a los cines cines de Estados Unidos el próximo 7 de junio de 2024.
The Watchers nos cuenta como Mina, una joven artista de 28 años, se queda de forma inesperada atrapada en un bosque situado en el oeste de Irlanda. Cuando Mina consigue llegar a un refugio, sin esperarlo, se encontrara a tres extraños que son observados y acechados por misteriosas criaturas cada noche.
La película, con guion adaptado a cargo de la propia Ishana Shyamalan, está protagonizada por Dakota Fanning, Georgina Campbell, Olwen Fouere, Siobhan Hewlett, Alistair Brammer, Seán T. Ó Meallaigh, Oliver Finnegan, Shane O’Regan, Kya Brame y Diarmuid de Faoite.
Proyecciones Xcèntric: Rituales de la transfiguración
En esta sesión, enmarcada dentro de la exposición “1.000 m2 de deseo. Arquitectura y sexualidad”, podremos ver tres piezas esenciales del cine experimental norteamericano. Barbara Rubin, Kenneth Anger y Jack Smith filman sendas visiones transgresoras del cuerpo y el deseo situadas en el espacio de la pura fantasía.
Rubin filma en Christmas on Earth una orgía en un lugar indeterminado, fuera del tiempo y el espacio. La doble proyección superpuesta de esta película se desarrolla de manera diferente en cada sesión. Lucifer Rising, por su parte, desarrolla la fascinación de Anger por el ocultismo, Aleister Crowley y la imaginería del antiguo Egipto. Esta película generó su propia mitología en torno a los participantes en el rodaje (Marianne Faithfull, el hermano de Mick Jagger o el líder de Led Zeppelin, Jimmy Page, entre otros) y a las vicisitudes que sufrió la filmación original. En Flaming Creatures, Smith juega a filmar situaciones aparentemente inconexas, quizás cercanas a la performance, en una película que valió a su creador un juicio por obscenidad.
Christmas on Earth, Barbara Rubin, 1963, 29 min; Lucifer Rising, Kenneth Anger, 1972, 29 min; Flaming Creatures, Jack Smith, 1963, 45 min.
Proyección en 16 mm. Mayores de 18 años.
Fecha: 19 febrero 2017
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
El vacío emocional, tráiler para «Asphalt City» de Jean-Stéphane Sauvaire
Acaba de ver la luz un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del thriller Asphalt City, anteriormente conocido con el título de Black Flies. Película del francés Jean-Stéphane Sauvaire que adapta la novela de Shannon Burke, situada a medio camino entre el Colors de Dennis Hopper y el Bringing Out the Dead de Martin Scorsese, que estuvo presente el pasado año por festivales como Cannes o Sitges.
En Asphalt City vemos como Ollie Cross es un joven paramédico que, mientras prepara el examen de acceso a la Facultad de Medicina, recorre con Gene Rutovsky en ambulancia las calles de Nueva York. Rutovsky, curtido en mil batallas y uno de los paramédicos más veteranos de la ciudad, será su compañero y mentor. Cross sin embargo no tarda en descubrir de primera mano el caos de un trabajo que pasa de lo desgarrador a lo sincero, poniendo a prueba su relación con Rutkovsky y la ambigüedad ética que marca la diferencia entre la vida y la muerte.
La película, que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 29 de marzo de 2024, cuenta con guion adaptado a cargo de Ben Mac Brown y Ryan King, estando protagonizada por Tye Sheridan, Sean Penn, Katherine Waterston, Michael Pitt, Mike Tyson, Ramon Aleman, Alisa Mironova, Jamie Cooper, Donna Glaesener, Kareemeh Odeh, Kali Reis, Raquel Nave y Anthony Ricciardi.
Berlinale homenajea a Carlos Saura con el estreno mundial de Deprisa, deprisa en 4K
El director de la sección Berlinale Classics, Rainer Rother, presentó la película junto a los hijos del cineasta, Antonio y Anna Saura, y la representante de FlixOlé y Video Mercury, Sophie de Mac Mahon.
El estreno mundial de la versión en 4K de Deprisa, deprisa (1981) puso el pasado lunes, 19 de febrero, el acento español al Festival de Berlín. La Akademie der Künste entonó en uno de sus templos culturales, el Hanseatenweg, la canción “Me quedo contigo” de Los Chunguitos ante más de 500 espectadores que acudieron a la proyección de la película quinqui, remasterizada para la ocasión por la distribuidora Video Mercury y la plataforma FlixOlé.
Galardonado con el Oso de Oro hace más de 40 años, el largometraje dirigido por Carlos Saura regresó al certamen cinematográfico internacional con una renovada imagen y sonido. El propio director del programa Retrospectiva y Berlinale Classics, Rainer Rother, fue el encargado de presentar el filme en un acto donde se rindió también homenaje al realizador aragonés. “Deprisa, deprisa fue una contribución crucial para el cine de delincuencia y un hito en la historia del cine español”, expresó Rother.
Además del responsable del festival, participaron en la presentación los hijos del cineasta, los productores Antonio y Anna Saura, y la representante de Video Mercury y FlixOlé, Sophie de Mac Mahon. El primero destacó el punto de inflexión que significó Deprisa, deprisa en la obra de su progenitor: “Esta película es muy diferente a lo que mi padre había hecho hasta el momento. Ese año había roto con Geraldine Chaplin y su vida había cambiado por completo. Pensó que debía volver al realismo que ya había realizado en Los golfos, su primera película”.
Primera película española en participar en Berlinale Classics
Por su parte, De Mac Mahon detalló el meticuloso proceso que se llevó a cabo para conseguir la versión que ha estrenado Berlinale. “Esta restauración ha sido hecha en Madrid, como parte de la iniciativa privada de Enrique Cerezo. Se ha trabajado desde el negativo original hasta conseguir una calidad 4K. La copia que se va a ver es exactamente igual a la que el público pudo ver el primer día que se presentó en Berlinale en 1981”, señaló De Mac Mahon, poniendo en valor las labores de restauración y promoción del patrimonio audiovisual español realizadas por la distribuidora y plataforma.
A la premier de Deprisa, deprisa en la Akademie der Künste, cita que arroparon numerosas personalidades del cine español, le seguirán nuevas proyecciones de la copia remasterizada el miércoles 21 a las 12:30 horas en el Cinestar Cubix 6, y el domingo 25 a las 18:30 horas en Haus der Kulturen der Welt.
Dichos eventos se enmarcan dentro de la programación de Berlinale Classics, sección del festival que desde 2013 acerca las obras maestras del cine mediante la visualización de sus versiones restauradas digitalmente en alta calidad. Sin embargo, el espacio no había contado con presencia española hasta la fecha, siendo Deprisa, deprisa la primera producción del país en participar. Y lo ha hecho junto con otros títulos de reconocido prestigio como Godzilla (Ishiro Honda, 1954), Sacrificio (Andrei Tarkovsky, 1986) o Jo ¡Qué noche! (Martin Scorsese, 1985).
Un cine quinqui estilizado
Después de enfrentar durante décadas la represión de la dictadura franquista con metáforas en la gran pantalla, Carlos Saura viró su carrera cinematográfica hacia el realismo con una película, Deprisa, deprisa, que se convirtió en un testimonio sobre la marginalidad juvenil en la España de los años 80. Entre el documental y la ficción, el filme se sumergió en el cine quinqui desde la sensibilidad y la objetividad. La propuesta del aragonés se alejaba así de la espectacularidad con la que otros directores habían abordado la vida de los bajos fondos y se centró en el romance al límite de sus protagonistas, así como en la espiral de violencia que los envuelve.
Pablo, un joven criado en los suburbios de Madrid que sobrevive y se divierte robando coches junto a sus amigos Meca y Sebas, está enamorado de Ángela, una joven camarera de bar. Ambos comienzan una relación en la que conviven los besos y miradas con los asaltos y disparos.
La poesía visual y argumentativa hizo de Deprisa, deprisa una exitosa obra maestra dentro del género quinqui, y de la filmografía de su director. Un clásico atemporal que ha vuelto a la gran pantalla de Berlinale junto con un nuevo cartel y tráiler de la película, elaborados para la ocasión por el proyecto creativo de David Rodríguez Losada y Jorge Luengo: ‘La Residencia’.
La tía Tula. Análisis, contexto e historia del filme
El filme La tía Tula, considerado como tal, es decir, con la mayor independencia posible de su precedente literario con el que guarda muchas menos analogías de las que comúnmente se le han venido atribuyendo, puede ser considerado como el título insignia del llamado Nuevo Cine Español aparecido en los primeros años sesenta, además de un referente indiscutible en la cinematografía española.
Lo es, no solo por la esencia misma de la carga psicológica y caracterológica de su personaje clave, sino por contener la representación de un tipo de mujer inherente a la sociedad española, que personifica un modelo femenino que ha perdurado -si no lo sigue haciendo todavía- merced a los poderosos condicionantes morales, religiosos y políticos que lo conformaron.
El guion que alumbra argumentalmente la historia de una mujer tan singular en la sociedad provinciana de la España franquista, es producto de una conjunción de talentos pocas veces coincidentes, cuyo corolario está representado en el retablo humano que se nos expone que, no por conocido y vivido por sucesivas generaciones de españoles, resulta menos sorprendente y sobrecogedor.
Miguel Picazo dirigió la película con el conocimiento de causa que supone haber vivido directamente lo que aparece en las imágenes, porque todo lo que nos muestra proviene de apuntes de un natural con modelos reales. De esta forma, el vibrante fresco humano que es La tía Tula, pasa a convirtiese en un genuino documento histórico de nuestro pasado reciente en el que el arquetipo femenino de Tula queda enmarcado, con un realismo sin concesiones banales, dentro de la realidad social de la España provinciana, previa al ciego desarrollismo transformador que tantas cosas mudó, no siempre para bien.
Este trabajo pretende ser, más que un análisis sociológico, una investigación histórica stricto sensu del porqué de esta película, del proceso que dio lugar a su consecución y los nombres que la hicieron posible, así como de los avatares que hubo de superar en un ambiente sociopolítico en el que este tipo de proyectos siempre inspiraban recelos en los poderes tan (en apariencia) férreamente constituidos.
El autor
Gabriel Porras se licenció en Historia Moderna y Contemporánea en la Universidad de Deusto, completando estudios en Florencia. Su vida profesional ha estado dedicada a la docencia en la Enseñanza Pública en institutos de Salamanca, Segovia y Cantabria.
Como autor ha publicado más de una quincena de trabajos, donde se cuentan varias investigaciones biográficas relacionadas con el teatro, el cine y la televisión españoles como (entre las más recientes): Julia Martínez, Vocación de actriz (2007), Amparo Soler Leal. Talento y coherencia (2012), Mis ‘Muertos de cine’ y otros artículos, (2015), Victoria Rodríguez, con Buero Vallejo de fondo (2017), Conversaciones con Alberto González Vergel. Sesenta años innovando en teatro y televisión (2021), Luis Varela. Los grandes genéricos españoles (2022), Maite Blasco. Los escenarios de la sensibilidad (2023) o el libro colectivo Buñuel: Calanda-Vega de Pas–Madrid–París–Hollywood–México (2023) en el que se ha ocupado del estudio de la influencia de Pérez Galdós y Menéndez Pelayo en el cine de Luis Buñuel, así como de la confección de una filmografía completa comentada de dicho director.
Autor: Gabriel Porras, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 480
La América dividida, tráiler final para «Civil War» de Alex Garland
Acaba de aparecer vía A24 el tráiler final, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la esperada nueva película de Alex Garland Civil War. La película hasta la fecha más cara del estudio independiente, 70 millones de dólares, que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 12 de abril, para una semana después, llegar a nuestro país de la mano de DeAPlaneta.
Civil War nos sitúa en un futuro cercano al mostrarnos a un equipo de periodistas que viaja a través de los Estados Unidos durante una guerra civil, en donde 19 estados, encabezados por Texas y California, se separan del país, que se recrudece rápidamente y que ha envuelto a toda la nación en el caos, luchando por sobrevivir en un mundo que se ha convertido en una dictadura distópica en la que las milicias extremistas partidistas campan a sus anchas cometiendo regularmente toda clase de violencia.
La película, con guion a cargo del propio Alex Garland, está protagonizada por Kirsten Dunst, Wagner Moura, Stephen McKinley Henderson, Nick Offerman, Jesse Plemons, Sonoya Mizuno, Karl Glusman, Jefferson White, Cailee Spaeny, Christopher Cocke, Jonica T. Gibbs, Juani Feliz y Alexa Mansour.
El ciclo de proyecciones Comunidad Seminci llevará algunos de los títulos más destacados de las últimas ediciones
Ponferrada, Salamanca, La Bañeza, Ciudad Rodrígo y Zamora acogen las proyecciones de esta actividad, organizada por el festival, la Consejería de Cultura y Turismo y la Filmoteca de Castilla y León.
La Consejería de Cultura y Turismo, la Filmoteca de Castilla y León y la Semana Internacional de Cine de Valladolid organizan la iniciativa ‘Comunidad Seminci’, que llevará a distintas ciudades de la región algunos de los títulos premiados por el certamen cinematográfico. El programa, elaborado por el Festival, incluye una muestra de cuatro títulos presentados con éxito en sus dos últimas ediciones y se proyectarán en las localidades de Ponferrada, Salamanca, La Bañeza, Ciudad Rodrigo y Zamora desde este lunes 19 de febrero hasta el mes de mayo.
La selección de películas que podrán verse en ‘Comunidad SEMINCI’ incluye la Espiga de Oro de la 68 edición, La imatge permanent, que supone la continuación lógica en la trayectoria de Laura Ferrés, que ganó el Goya, el Gaudí y la Semana de la Crítica de Cannes con su cortometraje Los deshederados (2017), un trabajo a caballo entre el documental y la ficción sobre la quiebra de la empresa de su padre estrenado en la Sección Oficial de la 62 Seminci.
La imatge permanent , cuya inspiración nace de su familia materna, procedente de Andalucía, se despliega como una historia dentro de otra historia. Carmen, una publicista en plena búsqueda de caras ‘reales’ para una campaña, se topa con Antonia, una mujer que emigró a Cataluña hace décadas y con quien entabla una particular relación. Este melodrama sobre la búsqueda de las raíces con actores no profesionales y no exento de pinceladas de humor absurdo ha sido la segunda producción española en ganar la Espiga de oro de Seminci en los 68 años de historia del festival y la primera que gana una mujer cineasta del país.
También se proyectará Muyeres, primer largometraje en solitario de la cineasta aragonesa Marta Lallana, galardonado con la Espiga Verde y el Premio del Público de la sección Punto de Encuentro de la 68 Seminci. En su debut, la cineasta aborda la memoria y las tradiciones de las montañas asturianas, donde viven Constantina e Irene, las últimas guardianas de una centenaria tradición oral destinada a desaparecer. Allí viaja, interpretándose a sí mismo, el músico Raül Refree para registrar todo este legado antes de que se extinga. Muyeres se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de Shanghái y se convirtió en una de las grandes triunfadoras del certamen al lograr el Gran Premio del Jurado y el premio a la mejor fotografía.
La programación incluye también títulos internacionales como En nombre de la tierra, segundo largometraje del dúo de cineastas DK Welchman y Hugh Welchman, presentado en la nueva sección del festival, ‘Alquimias’ y seleccionado por Polonia en la carrera por el Oscar a la mejor película internacional. La esperada nueva película de los directores de Loving Vincent es un film de animación pictórica que adapta la novela Los campesinos del premio Nobel de Literatura Władysław Reymont. Esta historia, ambientada en la campiña polaca a caballo entre los siglos XIX y XX, está protagonizada por una joven campesina obligada a casarse con un granjero rico y mucho mayor, pese a que ella está enamorada de su hijo.
La programación de Comunidad Seminci se completa con el largometraje italiano Las ocho montañas, dirigido por Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch, que formó parte de la Sección Oficial en la 67 edición del festival y logró el premio a la Mejor Dirección de Fotografía para Ruben Impens. Galardonado con el Premio del Jurado en el Festival de Cannes de aquel año y nominado al premio Goya a la mejor película europea, el film adapta la novela homónima de Paolo Cognetti, un gran éxito editorial en Italia, y aborda la relación de Pietro y Bruno, amigos desde niños pero, mientras Pietro es un chico de ciudad que todos los años pasa el verano con su familia en el pueblo de Bruno, éste permanece en el pueblo fiel a su montaña. Sus experiencias les harán enfrentarse al amor y a la pérdida.
A continuación detallamos la programación en las diferentes localidades y salas. El acceso será gratuito hasta completar el aforo.
Programación ‘Comunidad SEMINCI’:
Ponferrada – Biblioteca Municipal Valentín Garcia Yebra – 19.00 horas
19 de febrero – En nombre de la tierra
20 de febrero – La imatge permanent
21 de febrero – Las ocho montañas
22 de febrero – Muyeres
Salamanca – Teatro Juan del Enzina / 19.30 horas
22 de febrero – La imatge permanent
27 de febrero – En nombre de la tierra
28 de febrero – Las ocho montañas
5 de marzo – Muyeres
La Bañeza – Teatro Municipal – 20.30 horas
4 de abril – La imatge permanent
11 de abril – En nombre de la tierra
18 de abril – Las ocho montañas
25 de abril – Muyeres
Ciudad Rodrigo – Cine Juventud – 20.30 horas
28 de febrero – La imatge permanent
20 de marzo – En nombre de la tierra
17 de abril – Las ocho montañas
15 de mayo – Muyeres
Zamora – Salón de Actos de La Alhóndiga / 19.00 horas
5 de abril – La imatge permanent
12 de abril – En nombre de la tierra
19 de abril – Las ocho montañas
26 de abril – Muyeres
Ávila – Palacio del Episcopio / 20.30 horas
4 de abril – La imatge permanent
11 de abril – En nombre de la tierra
18 de abril – Las ocho montañas
25 de abril – Muyeres
La licantropía según Larry Fessenden, primer tráiler para «Blackout»
Uno de los autores más interesantes dentro del fantástico independiente USA de las últimas décadas es sin lugar a dudas Larry Fessenden, tras trabajos tan valiosos como Habit (1995) o Wendigo (2001) Fessenden nos ofrece una nueva vuelta de tuerca al mito del licántropo con Blackout, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
En Blackout vemos como en una pequeña ciudad del norte del estado de Nueva York, Charley, un hombre lobo infectado con la maldición y responsable de una serie de asesinatos salvajes, se enfrenta al individuo más corrupto de la zona, un magnate inmobiliario llamado Hammond. Al mismo tiempo, tratará de recuperar a su expareja Sharon, hija del magnate.
La película, que estuvo presente en la pasada edición del Festival de Sitges y se estrenará vía VOD en Estados Unidos el próximo 12 de abril de 2024, cuenta con un guion a cargo del propio Larry Fessenden estando protagonizada por Alex Hurt, Addison Timlin, Motell Gyn Foster, James Legros, Kevin Corrigan, Barbara Crampton, Marshall Bell, Ella Rae Peck, Joe Swanberg, Marc Senter, Michael Buscemi, Asta Paredes, Joseph Castillo-Midyett y Jeremy Holm.
«La última noche de Sandra M.» review
Año 1977, Sandra, de 18 años, es actriz en la España de la transición, en un momento en el que ser joven y guapa te relega irremediablemente a hacer cine llamado del destape. Pero Sandra aspira a ser una actriz seria, importante, y sabe que para ello tiene un duro camino por delante. Durante una calurosa tarde de agosto, sola y angustiada por un embarazo no deseado, intenta decidir su futuro, entre improbables planes de viaje y sus aspiraciones a gran actriz.
La representación patria en la sección Noves Visions de la pasada edición del Festival de Sitges vino de la mano de la modesta, pero estimable La última noche de Sandra M. de Borja de la Vega, película que se sumerge sin disimulo en el relato de ficción especulativo sobre las últimas horas de vida de la malograda actriz del destape Sandra Mozarowsky, una notable Claudia Traisac. De un claro talante teatral a nivel escénico y narrativo, y más próximo a un sugerido ejercicio de imaginación objetiva que un biopic entendido como al uso, el film de Borja de la Vega encierra bajo los postulados de crónica negra una sugerente doble lectura a modo de tratado de terror como noción básica de una subsistencia cuestionada, en donde visitas y llamadas amenazantes de origen anónimo actúan como una herramienta simple y efectiva a la hora de mostrar, con un aplicado aplomo dramático, la transición española, o el tardofranquismo como una entidad no material que imposibilita los sueños de la joven protagonista.
La última noche de Sandra M reinterpreta de forma bastante curiosa, y casi a modo de monologo que mezcla fantasía y realidad, conceptos ya vistos con anterioridad en cintas como Ema de Pablo Larraín, Blonde de Andrew Dominik o la más reciente Priscilla de Sofia Coppola, la fama, o la antesala de ella, y una desviada exposición pública, como relato de soledad y miedo, que trasmuta en una obra opresiva y claustrofóbica próxima a una pesadilla que nos traslada a una especie de home invasión anclada en un perpetuo y poco complaciente estado mental.
Valoración 0/5: 3
La pesadilla arácnida, tráiler para «Sting» de Kiah Roache-Turner
Reciente el estreno comercial en nuestro país de la francesa Vermin acaba de aparecer un primer avance, en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta australiana Sting, nueva incursión en el subgénero de los arácnidos letales con Kiah Roache-Turner tras las cámaras, Wyrmwood (2014), Nekrotronic (2018), Wyrmwood: Apocalypse (2021).
Sting nos sitúa en una tormentosa noche en la ciudad de Nueva York, un misterioso objeto sin identificar cae del cielo y atraviesa la ventana de un viejo edificio de apartamentos. Es una especie de huevo, y de este emerge una pequeña y extraña araña. Charlotte es una niña rebelde de 12 años y obsesionada con los comics que descubre la extraña criatura y la adopta como supuesta mascota a la que denomina Sting. A medida que aumenta la fascinación de Charlotte por la araña, también aumenta su tamaño, creciendo a un ritmo monstruoso y con un apetito de sangre desmedido, desatando el pánico en el edificio.
La película, que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 12 de abril, cuento con un guion a cargo del propio Kiah Roache-Turner, estando protagonizada por Penelope Mitchell, Alyla Browne, Ryan Corr, Jermaine Fowler, Noni Hazlehurst, Robyn Nevin y Tony J Black.
Filmin recupera dos obras clave del Nuevo Extremismo Francés
«Trouble Every Day» (16 de febrero) y «Martyrs» (15 de marzo) llegan al catálogo de Filmin de la mano de Vértigo Films
Filmin sumará en las próximas semanas a su catálogo de suscripción dos de las películas de terror más influyentes del siglo XXI: «Trouble Every Day», de Claire Denis (16 de febrero), y «Martyrs», de Pascal Laugier (15 de marzo). Ambas abanderaron una corriente cinematográfica a principios del milenio, el llamado Nuevo Extremismo Francés, heredero del gore y del cine de explotación estadounidense de los años 70. Bajo este paraguas algunos discursos críticos reunieron un puñado de películas francesas producidas en la primera década del siglo XXI que reconfiguraban el cine de terror apostando por altísimas dosis de violencia, una reflexión sobre el cuerpo, la carne y el erotismo deudora de Georges Bataille, y una celebración del exceso sádico. Las espantadas y desmayos en las proyecciones de estas películas configuraron la mejor campaña de marketing del movimiento, al que podemos sumar otros títulos clave como «Al interior» (Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007), «Frontière[s]» (Xavier Gens, 2007), «Alta tensión», (Alexandre Aja, 2003) o «Irreversible» (Gaspar Noé, 2002).
«Trouble Every Day» es sin duda una rareza dentro de la filmografía de Claire Denis («Un sol interior») y también una de las colaboraciones más exquisitas entre la directora y el grupo Tindersticks, responsables de la música en la mayoría de sus películas. Protagonizada por Vincent Gallo y Tricia Vessey, mezcla una trama asimilable al arquetipo del científico loco con el canibalismo que «padecen» algunos personajes a su pesar. A su vez, su extraño erotismo la emparentaba con la obra de otras autoras galas como Catherine Breillat o Virginie Despentes.
A «Martyrs», la película que puso en el mapa internacional a su director Pascal Laugier, no le quedaría ancha la etiqueta de ser considerada la película más violenta de todos los tiempos. Impacta por su salvajismo, perpetuado en el metraje con saña, pero también por el componente místico, trascendente y elevado de su desenlace que aporta extrañeza y remite a la etiqueta de culto del largometraje. La película nunca llegó a estrenarse en los cines españoles, y de hecho permanecía inédita en nuestro país hasta que Vértigo Film la editó en Blu-ray en 2021. Ahora debutará en plataformas digitales de la mano de Filmin.
Hawks! El zorro plateado de Hollywood
La primera biografía integral de uno de los más grandes directores de la época dorada de Hollywood, un cineasta de versatilidad incomparable cuya filmografía incluye obras maestras en casi todos los géneros cinematográficos. Elegido en su momento como libro destacado del año por el New York Times, hasta ahora inédito en España. Hawks fue durante un tiempo compañero de negocios del excéntrico Howard Hughes, compañero de bebida de William Faulkner y Ernest Hemingway, fue adorado y elevado a la categoría de autor en derecho propio por los Cahiers du Cinéma, Truffaut, Godard, Bazin y compañía. Fue el más moderno de los grandes maestros del cine y uno de los primeros en declarar su independencia del sistema de los grandes estudios de Hollywood. Descubrió a Lauren Bacall y Montgomery Clift entre otros, pero su gran creación fue su propio personaje.
Este libro consigue clarificar la verdad de las palabras de Hawks, y como dijo The Atlantic Monthly, consigue trillar como nadie antes lo ha hecho las palabras del director, separando las mentiras de las verdades sobre su vida, sus habilidades, sus conocimientos y los autoengaños y decepciones . Entre sus trabajos: la cinta de gánsteres más influyente, la seminal Scarface; las comedias locas La fiera de mi niña y Luna nueva; los clásicos del cine negro El sueño eterno y Tener o no tener; el musical Los caballeros las prefieren rubias; se adentró en la ciencia-ficción con una de las películas de más influencia en el género, La cosa; dominó el western con Río Bravo; y perfeccionó el cine de aventuras con Sólo los ángeles tienen alas y Hatari!
Autor: Todd Mccarthy. Editorial: Hatari Books. Páginas: 818
Tráiler final para «The Sympathizer» de Park Chan-wook
Acaba de ver la luz el tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la nueva incursión televisiva, tras The Little Drummer Girl (2018), de coreano Park Chan-wook The Sympathizer, miniserie, que se estrenará vía HBO Max el próximo 15 de abril, que adapta la novela publicada en 2015 de Viet Thanh Nguyen ganadora del Pulitzer.
The Sympathizer nos sitúa en abril de 1975 en la ciudad de Saigón. En su villa, un general del ejército de Vietnam del Sur elabora una lista de los que recibirán pasaje a bordo de los últimos vuelos que salen fuera del país. El general y sus compatriotas pretenden comenzar una nueva vida en Los Ángeles, sin saber que uno de ellos, el capitán, está informando sobre el grupo a un superior en el Viet Cong. The Sympathizer es la historia de este capitán: un hombre criado por un padre francés ausente y una madre vietnamita pobre, un hombre que fue a la universidad en Estados Unidos, pero regresó a Vietnam para luchar por la causa comunista.
La miniserie de siete episodios, con guion adaptado a cargo de Don McKellar, está protagonizada por Robert Downey Jr., Hoa Xuande, Fred Nguyen Khan, Sandra Oh, Kieu Chinh, VyVy Nguyen, Kayli Tran, Evan Shafran, Grace Gordon, B.J. Minor, Duy Nguyen y Alan Trong.
https://youtu.be/f3HSTmG5Lhc?si=1IA-2-8OWVcObOt0
Proyecciones Xcèntric: Cine y Pedagogía. Jaime Barrios y los Young Filmmakers
Las obras vinculadas a la experiencia pedagógica de la Young Filmmakers Foundation (1964-1974), a cargo del cineasta experimental chileno Jaime Barrios, junto con los educadores Rodger Larson y Lynne Hofer, revelan una historia del cine amateur aún por redescubrir. Esta sesión presenta las películas de adolescentes provenientes de las comunidades puertorriqueña y afroamericana en un agitado Lower East Side, tomando el cine como herramienta de expresión generacional.
Film Club (1968) documenta la vitalidad de los talleres de producción en 16 mm que tenían lugar tanto en Rivington Street como en el Movie Club del Henry Street Settlement, fundado por Bruce Spiegel. La película de Barrios nos permite participar en la efervescencia de la creación colectiva por la que pasaron más de mil alumnos a lo largo de los años: la experiencia material con las cámaras y el celuloide, el rodaje de cinco películas, las mesas de montaje y postproducción de sonido, así como su particular formato de distribución a través del Moviebus por los cinco distritos de Nueva York, proyectando las películas directamente en las paredes de los edificios.
Con el apoyo del Consejo de las Artes del Estado de Nueva York y medios rudimentarios, la gran diversidad formal y temática de los Young Filmmakers es testimonio de sus aspiraciones, frustraciones, sueños y placeres. Generando nuevos vínculos entre el cine underground neoyorquino y el latinoamericano, reinventaron el cine al ritmo de los Beatles, Willie Colón, Bob Dylan o Ray Barreto, formulando una visión particular sobre la masculinidad a través de coches de juguete (Superbug), la psicodelia y el consumo de drogas (Hip Jean Jeannie), una mirada lírica al amor adolescente (Young Love), la marginalidad y la rebeldía (Young Braves) y un desahogo profundo frente a la Guerra de Vietnam (America’s Best).
Film Club, Jaime Barrios, 1968, 16 mm, 26’; Superbug, Anthony Joseph, 1972, 16mm a digital, 8’; Hip Jean Jeannie, Fred Pérez, 1970, 16mm a digital, 9’; Young Love, Linda Rivera, 1970, 16mm a digital, 6’; Young Braves, Michael Jacobsohn, 1968, 16mm a digital, 9’; America’s Best, Michael Jacobsohn, 1970, 16mm a digital, 15’.
Proyección en 16 mm y digital (VOSC).
Copia de Film Club procedente de The Film-Makers’ Cooperative. Copias restantes en digital procedentes de Michael Jacobsohn y cortesía de los artistas. Agradecimientos a Jessica Gordon-Burroughs.
Fecha: 21 abril 2024
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online
La fábula infantilizada, tráiler para «Riddle of Fire» de Weston Razooli
Acaba de ver la luz un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la ópera prima del realizador Weston Razooli Riddle of Fire. Película independiente que pretende recuperar conceptos de la aventura infantil como perpetuo happy place de un claro tono hipster, y que recurre a una narrativa adyacente y deudora de la cultura popular a través de una trama que apela tanto al lenguaje del videojuego, como a una suerte de fábula de tono medieval. El film, que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la Quincena de Realizadores para pasar más tarde por certámenes como el TIFF o Sitges, llegará a nuestro país, aún sin fecha de estreno, de la mano de Flamingo Films.
En Riddle of Fire vemos como tres niños que tratan de encontrar la manera de quitar el control parental de su consola y de crear la receta perfecta para hacer un pastel de arándanos, salen a hacer un recado para su madre y se pierden por una América profunda llena de personajes extraños.
La película, con guion a cargo del propio Weston Razooli, esta protagonizada por Analeigh Tipton, Charles Halford, Danielle Hoetmer, Charlie Stover, Lorelei Mote, Phoebe Ferro, Sohrab Mirmont, Colleen Baum, Lonzo Liggins, Chuck Marra, Rachel Browne, Andrea Browne, Skyler Peters y Kent Richards.
John Waters, ‘gangsters queers’ y películas bastardas en Cineteca del mes de febrero
El siempre controvertido John Waters y cuatro directoras que se introdujeron en el sistema de Hollywood en los años 70 completan la programación desviada de Cineteca para este mes
También el arte sonoro y el cine negro mostrarán su cara más insólita de la mano de los programas presentados por José Iges y Juan Dos Ramos
Una nueva entrega del ciclo Confesionario y las proyecciones del Japanese film festival se suman a las habituales secciones de Cineteca Madrid completando su programación
Cineteca conmemorará el Año Nuevo chino con la proyección de la película Chinas, de Arantxa Echevarría
Cineteca, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se desvía este mes de febrero de las vías principales de la historia del cine para reivindicar los caminos secundarios al encuentro de estilos híbridos y cruces insólitos entre géneros. El 30 aniversario de Los asesinatos de mamá será celebrado con un foco dedicado a la figura de John Waters y se ofrecerá una selección de musicales westerns y thrillers que escapan de los cánones establecidos.
Son muchos los directores que se han servido de los códigos establecidos de los géneros cinematográficos, manipulándolos y transgrediéndolos para encontrar nuevas formas de contar las cosas. En este programa, Cineteca recupera clásicos del cine que han utilizado la hibridación y la introducción de temas insólitos en películas de género para abrir nuevas vías en la exploración de los límites del medio cinematográfico.
El primer género elegido para mostrar películas transgresoras es todo un clásico de Hollywood: el western, dentro del ciclo Westerns desviados. El jueves 1 de febrero se proyectará First Cow (Kelly Reichardt, EEUU, 2019, 121’). A continuación, la multioscarizada Brokeback Mountain. En terreno vedado (Ang Lee, EEUU, 2005, 129′), que cuenta la historia de dos vaqueros gais, y Dead Man (Jim Jarmusch, EEUU, 1995, 124′), con un elenco plagado de estrellas como Johnny Depp, Billy Bob Thornton o el mismísimo Iggy Pop, que completa la triada.
En la sección dedicada a las películas desviadas del cine de terror, destaca la proyección de Anticristo (Dinamarca, 2009, 105′) del director danés Lars Von Trier, programada para el miércoles 7 de febrero. Además, se podrán ver la inquietante Crash (Canadá, 1996, 98’), de David Cronenberg y El asesino del taladro (Abel Ferrara, EEUU, 1979, 96′), ambientada en las calles más sórdidas de Nueva York.
También el género musical tiene muestras de películas que se salen de los cauces de los temas más convencionales a lo largo de la historia del cine. Cineteca proyectará, a finales del mes de febrero, Annette (Leos Carax, Francia, 2021, 140′) y El fantasma del paraíso (EEUU, 1974, 92′), del siempre sorprendente Brian de Palma.
Desvíos sónicos, encuentros con José Iges
Siguiendo con los desvíos, el sonido es el protagonista de este programa comisariado y presentado por el artista sonoro José Iges que, a lo largo de cuatro sesiones, esbozará una historia personal y sentimental del arte sonoro y sus precedentes, apoyada en la escucha de piezas de artistas fundamentales. Cuatro viajes inmóviles a través de paisajes, relatos, procesos y significados de géneros tan dispares como la escultura sonora, la instalación, el radioarte, el concierto o la acción, que tendrán lugar todos los jueves a partir del día 8 de febrero.
Gangsters maricas, extravagancia y furia en el cine negro
Otra muestra de desvío, esta vez en el cine negro: Cineteca presenta el programa Gangsters maricas, comisariado y presentado por Juan Dos Ramos, inspirado en su ensayo del mismo título, que documenta la infiltración de la figura del gangster queer en películas del cine negro americano y británico a lo largo del siglo XX, invitando a revisar la idea de masculinidad asociada con el género. Son cinco películas que recorren más de medio siglo de historia del cine, donde se encriptan códigos y personajes que hoy se asocian con las identidades disidentes comenzando por Gilda (EE. UU., 1946, 112′) de Charles Vidor, con los inolvidables Rita Hayworth y Glenn Ford como protagonistas.
Completan el ciclo Al rojo vivo (Raoul Walsh, EEUU, 1949, 114′), Performance (Nicolas Roeg, Reino Unido, 1970, 100′), Carretera perdida (David Lynch, EEUU-Francia, 1997, 134’) y la obra maestra del cine negro, Los sobornados (Fritz Lang, EEUU, 1953, 90′).
John Waters. Buscando la belleza en la basura
El siempre provocador director de Baltimore protagoniza con su obra este ciclo de tres películas que se debaten entre la poesía desenfrenada de Jean Genet y el naturalismo desprejuiciado de Andy Warhol, rompiendo sistemáticamente las reglas del cine de Hollywood. Cineteca aprovecha el 30 aniversario de Los asesinatos de mamá (EEUU, 1994, 97′), que se proyectará el jueves 29, para reivindicar el papel fundamental de Waters en la creación de un cine desviado, presentando además las siguientes obras: Hairspray, fiebre de los 60 (EEUU, 1988, 92′) y Cry-Baby (El lágrima) (EEUU, 1990, 85′).
Working girls. La generación perdida del nuevo cine estadounidense
El ciclo Working Girls. La generación perdida del nuevo cine estadounidense presentará la obra de cuatro directoras que se introdujeron en el sistema de estudios de Hollywood en los años 70: Nancy Savoca, Claudia Weill, Joyce Chopra y Joan Micklin Silver. En un circuito comercial preponderantemente masculino, desarrollaron filmografías únicas y marcadas, si bien nunca de forma explícita, por la eclosión del feminismo.
Este programa de Irene Castro y Noah Benalal, fundadoras del proyecto Roedor que se dedica a la recuperación de películas poco conocidas en nuestro país, acercará a Cineteca los siguientes títulos: Household Saints (Nancy Savoca, EEUU, 1993, 124′), Las amigas (Claudia Weil, EEUU, 1978, 86′), Palabras suaves (Joyce Chopra, Reino Unido-EEUU, 1985, 92′) y A Fish in the Bathtub (Joan Micklin Silver, EEUU, 1998, 96′).
Estrenos y segundo mes de Confesionario: El cine iluminado de Sandra Davis
Los estrenos que Cineteca ofrecerá en febrero incluyen la proyección de Mudos testigos (Luis Ospina, Jerónimo Atehortúa Arteaga, Colombia, 2023, 79′), película póstuma de Luis Ospina en colaboración con Jerónimo Atehortúa, que narra una fantástica historia de amor construida a modo de collage con metraje encontrado de películas mudas colombianas de principios del siglo XX. También se proyectarán las últimas películas de Ion de Sosa Mamántula (España, 2023, 45′) y Velasco Broca Alegrías riojanas (España, 2022, 28′), que transgreden sistemáticamente los códigos de los géneros cinematográficos en historias desbordantes de imaginación. Entre otros estrenos, se podrán ver dos de las últimas obras del infatigable Pablo Llorca: Película del hierro y la nieve (España, 2023, 107′) y Sexo, drogas, rock ‘n’ roll y política. Instituto Santamarca 1975–1985 (España, 2024, 118′).
La sesión del programa mensual Confesionario, comisariado por el artista e historiador Pablo Marín, trae a Cineteca este mes la obra de la norteamericana Sandra Davis, figura insólita del cine de vanguardia. Se proyectarán tres de sus películas en formato de 16mm.
Japanese film festival: Special world tour 2024 y otras secciones
Además, el mejor cine japonés contemporáneo llega un año más a Cineteca Madrid de la mano de la Fundación Japón, con una muestra de seis películas que dan cuenta de las inquietudes de las nuevas generaciones de cineastas japoneses. Las proyecciones irán acompañadas por presentaciones de expertos y cineastas que acercarán la realidad de un panorama cinematográfico tan desconocido como estimulante.
Tampoco faltarán a su cita mensual las secciones más habituales de Cineteca como Cinezeta, Cineteca en familia, Relatos del ruido, Así son las cosas, La noche Z, Imprescindibles TVE, Ciclo Docma o CIMA en corto, además del pase especial de El dulce sabor del éxito (Emanuele Giusto y Carlos Tejeda, 2020, España, 75’). En conmemoración del Año Nuevo chino, se proyectará Chinas (2023, España, 118’), de Arantxa Echevarría, que muestra desde dentro la vida de una familia de la comunidad china residente en Madrid.
La programación de febrero en Cineteca Madrid incluye varios títulos no recomendados para menores de 18 años: El asesino del taladro (Abel Ferrara, EEUU, 1979), Los asesinatos de mamá (John Waters, EEUU, 1994), Crash (David Cronenberg, Canadá, 1996), Anticristo (Lars Von Trier, Dinamarca, 2009), Molina’s Ferozz (Jorge Molina, Cuba, 2010) y Mamántula (Ion de Sosa, España-Alemania, 2023).
El demonio en directo, primer tráiler para «Late Night with the Devil»
Acaba de ver la luz vía IFC Films un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de terror australiana Late Night with the Devil, película, presente en la pasada edición del Festival de Sitges dirigida por los hermanos Cameron Cairnes y Colin Cairnes, que cuenta con el principal referente de la estupenda Ghostwatch a través de una historia que sustituye el terror en tiempo real por una suerte de found footage de tono vintage que nos traslada a los años 70, desplegando una ingeniosa mirada sobre la fascinación y credulidad de América por lo oculto y las consecuencias que acarrea el anhelo de éxito bajo cualquier tipo de circunstancias.
Situada a medio camino entre Network y Rosemary’s Baby, y pervirtiendo el concepto del reality show, el film de Cameron Cairnes y Colin Cairnes, que cuenta con un extraordinario David Dastmalchian, por fin en un papel principal, atesora uno de los clímax mejor llevados en relación con su puesta en escena del reciente cine de terror.
El film llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 22 de marzo, a nuestro país lo hará el 24 de mayo para meses después estar disponible a través de Filmin.
Late Night with the Devil nos sitúa en vísperas del 31 de octubre de 1977. Night Owls, el programa nocturno de entrevistas de Jack Delroy, es el espacio favorito para los insomnes de los Estados Unidos. Ahora bien, un año después de la trágica muerte de su esposa, los índices de audiencia se han desplomado. Desesperado por mejorar su suerte, Jack planea un especial de Halloween, sin saber que está a punto de llevar el mal a los hogares americanos.
La película, con guion a cargo de los propios Cameron Cairnes y Colin Cairnes, está protagonizada por David Dastmalchian, Laura Gordon, Ian Bliss, Fayssal Bazzi, Christopher Kirby, Ingrid Torelli, Josh Quong Tart y Rhys Auteri.
FlixOlé amplía su catálogo de Goyas con nuevos estrenos
La plataforma ha incorporado a su catálogo Solas y La boda de Rosa, y estrenará en febrero otros títulos también galardonados en la gala, como El lobo y Moros y cristianos.
FlixOlé llega a la 38ª edición de los Goya batiendo récord de goyas en su catálogo y convirtiéndose en la plataforma con más ‘cabezones’: 140 películas galardonadas y más de 330 premios. Y lo hace con el estreno de títulos como: Solas y Habana Blues (Benito Zambrano, 1999 y 2005, respectivamente), La boda de Rosa (Icíar Bollaín, 2020), La flaqueza del bolchevique (Manuel Martín Cuenca, 2002); además de los cortos de animación Blue&Malone: casos imposibles (Abraham López Guerrero, 2020) y Madrid 2120 (José Luis Quirós y Paco Sáez, 2019). Un listado de goyas al que se sumará el estreno el viernes 16 de febrero de Moros y cristianos (Luis García Berlanga, 1987), y de El lobo (Miguel Courtois, 2004) el día 23 del presente mes.
Para celebrarlo, FlixOlé ha presentado varias colecciones que permiten disfrutar de las grandes ganadoras de la ceremonia. También de los títulos que se pasearon por la alfombra roja y los largometrajes en los que Juan Mariné, próximo Goya de Honor, intervino como director de fotografía.
A través del especial ‘Arrasaron en los Goya’, se podrá acceder a las películas que más estatuillas consiguieron llevarse a casa: Mar adentro (Alejandro Amenábar, 2004), ¡Ay, Carmela! (Carlos Saura, 1989), Días contados (Imanol Uribe, 1994), Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995), Las brujas de Zugarramurdi (Álex de la Iglesia, 2013), La buena estrella (Ricardo Franco, 1997) y Tarde para la ira (Raúl Arévalo, 2016). Así hasta un total de 14 filmes que acapararon los focos; y entre los que se encuentra el reciente estreno de Solas, la ópera prima con la que Benito Zambrano reflejó temas tan sensibles como la soledad y el maltrato.
La actriz Candela Peña, en la película ‘La boda de Rosa’
‘Cine con Goya’ y homenaje a Juan Mariné
La segunda colección, que lleva por nombre ‘Cine con Goya’, recoge más de 120 títulos que fueron galardonados por la Academia de Cine. Dentro de dicho especial se han incluido La boda de Rosa, tragicomedia sobre la importancia de cuidarse y respetarse a uno mismo; La flaqueza del bolchevique, adaptación de la novela de Lorenzo Silva que descubrió a María Valverde al espectador, llevándose el Goya a Mejor actriz revelación; los premiados en la categoría de Mejor cortometraje de animación en sus respectivas ediciones, Madrid 2120 y Blue&Malone: casos imposibles; así como el drama que Benito Zambrano mezcló con sonidos cubanos en Habana Blues.
La plataforma se suma además a la fiesta del cine español repasando la carrera de Juan Mariné, quien recibirá el Goya de Honor en la presente edición. El restaurador e investigador cinematográfico desarrolló una prolífica carrera como director de fotografía, dejando un creativo legado que se puede visitar en la colección que FlixOlé le ha dedicado. La misma alberga desde sus primeros trabajos hasta la última película en la que ejerció dicho rol: La grieta (Juan Piquer Simón, 1990).
FlixOlé estrenará el próximo 16 de febrero la película de Luis Berlanga, ‘Moros y cristianos’
Nuevas incorporaciones en febrero
A lo largo del mes de febrero, el servicio de vídeo bajo demanda especializado en cine español incorporará otros dos largometrajes que también se han dejado ver por la gala. El primero será la alocada comedia coral de Luis García Berlanga: Moros y cristianos, cuyo estreno el próximo 16 de febrero completa así la filmografía del director valenciano disponible en FlixOlé.
Una semana después, el 23 de febrero, llegará al catálogo de la plataforma El lobo. Este thriller protagonizado por Eduardo Noriega y que relataba en la gran pantalla la historia de uno de los primeros agentes infiltrados en la banda terrorista ETA, se convirtió en uno de los grandes éxitos del cine español en el año de su estreno. Asimismo, el filme obtuvo el Goya a Mejor montaje y Mejores efectos especiales.
Carlos Enrique Taboada. El Duque del terror mexicano
La figura de Carlos Enrique Taboada es más bien conocida tanto, en su país natal como en el resto del mundo, como la de un director de cine de terror de culto, y en realidad, así es. Pero el cine de Taboada va más allá de sus estupendos films de horror. El director mexicano fue además un gran guionista, trabajo con el que destacó en el cine, unos argumentos que supo magnificar tanto para sus propias cintas, como para las de los directores más alabados de la filmografía mexicana. También fue un hombre comprometido con las causas justas, y el avance hacia una mejor vida de su país, temas que fueron fuertemente tocados en sus películas, así como en sus guiones. Taboada dirigió una serie de producciones que, como ya he comentado, van más allá de sus films terroríficos, creando ambientes y situaciones de gran calado emocional, tanto como ahondaba en la psique del ser humano, creando personajes que van desde los más ruines, a los más apacibles. Por la tanto, con este volumen, el autor ha querido rendir un sentido homenaje a uno de los grandes nombres del cine azteca, desde un sentido respetuoso y afable, sin más pretensiones de dar a conocerlo un poco más entre el público.
Autor: Antonio Piñera García. Editorial:. Páginas: 199
La poética rural, tráiler y póster para «La chimera» de Alice Rohrwacher
Una de las realizadoras más interesantes del momento es sin duda la italiana Alice Rohrwacher, después del reconocimiento obtenido con su anterior Lazzaro feliz (2018) la responsable de Le meraviglie (2014) sigue indagando en ese realismo mágico tan característico en su cine con la cinta La chimera, film cuyo tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz vía Neon y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Después de su premier mundial en el pasado Festival de Cannes la película llegará a los cines de nuestro país de la mano de Elástica Films el próximo 12 de abril de 2024.
En La chimera vemos como un joven extranjero llamado Arthur lidera una banda de saqueadores de tumbas etruscas. Lo tiene fácil, puede sentir el vacío. El vacío de la tierra en la que yacen los restos de un mundo antiguo. El mismo vacío que deja en él el recuerdo de su amor perdido.
La película, con guion a cargo de la propia Alice Rohrwacher, está protagonizada por Josh O’Connor, Isabella Rossellini, Alba Rohrwacher, Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Milutin Dapcevic, Chiara Pazzaglia y Julia Vella.
Filmin estrena la serie «El Quinto Mandamiento», un true crime con Timothy Spall
Filmin estrena el próximo martes 13 de febrero, en exclusiva en España, la serie británica “El Quinto Mandamiento”, un drama basado en hechos reales en el que Timothy Spall (“Mr. Turner”) interpreta a Peter Farquhar, el inspirador exprofesor que, en 2015, a sus 69 años, fue asesinado por el joven capillero con quien mantenía una relación sentimental, Ben Field (Éanna Hardwicke). Firmada por Sarah Phelps (“Un escándalo muy británico”) y dirigida por Saul Dibb (“Senderos de honor”), la serie es uno de los platos estrella de la temporada de la BBC y ha sido descrita por The Guardian como “la pieza televisiva más inmaculada que verás jamás”.
Peter es un profesor homosexual que, por sus creencias y carácter, ha vivido reprimido toda su vida. Su alumno Ben, con su talante cortés y encantador, vislumbra la soledad de Peter y su clemente desesperación por hallar cualquier tipo de compañía. Con un poco de afecto y amor profesado por Jesucristo, el joven consigue entrar en la vida de Peter y hacerle creer que ha encontrado a su alma gemela. El veneno penetra en su relación de forma metafórica y literal. Primero, cuando Ben aísla al profesor del mundo y le induce en una espiral de luz de gas; después, cuando el alumno termina con la vida del docente.
Pero Peter no es el único. Detrás de él cae su vecina y amiga Anne Reid (Ann Moore-Martin, “Sanditon”), una señora de 83 años sobre quien Peter también echa el ojo y la garra, sometiéndola a diferentes formas de seducción, persuasión y envenenamiento.
“La serie va sobre la soledad y el amor”, explica Spall, “sobre los sueños cumplidos que son demasiado bonitos para ser verdad […]. No es una historia de manipulación al uso, en la que se suele ver a la víctima como una marioneta. Es mucho más sofisticado. Se habla de cómo las personas más inteligentes pueden ser engañadas por sus propios deseos consumados. Todo en base a una psicología muy sutil interpretada brillantemente por el joven actor Éanna Hardwicke, quien aparenta ser genuino, amable y servicial incluso cuando las cosas se ponen complicadas”.
El título original de la serie es “The Sixth Commandment” (El Sexto Mandamiento), en referencia al capítulo de la Ley de Dios que “prohíbe matar”. Sin embargo, el título se ha traducido al español como “El Quinto Mandamiento”, pues los católicos siguen una numeración distinta a los protestantes –anglicanos, en este caso–. Los 4 capítulos de 60 minutos que forman la serie estarán disponibles solo en Filmin a partir del 13 de febrero.
Terror en la campiña, tráiler para «Immaculate» de Michael Mohan
Aún reciente la estupenda Hermana muerte de Paco Plaza, otras cintas para ponernos un poco en contexto serian por ejemplo la curiosa Agnes de Mickey Reece o la algo más lejana y reivindicable Dark Waters de Mariano Baino, el terror religioso sigue siendo una buena fuente de ideas a la hora mostrar en la gran pantalla historias en donde la religión, y todo la adyacente a ella, se erigen como un subgénero propio dentro del fantástico. Immaculate, cuyo primer tráiler vía Neon acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster original, supone una nueva indagación en dicha temática. La película, dirigida por Michael Mohan (The Voyeurs 2021), se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 22 de marzo, a nuestro país de la mano de Diamond Films llegará el 26 de abril.
Immaculate nos muestra como Cecilia, una joven mujer de fe devota, recibe una calurosa bienvenida en la campiña italiana, donde se le ofrece un nuevo puesto en un ilustre convento. Sin embargo conforme pasa el tiempo más claro le resulta a Cecilia que su nuevo hogar alberga oscuros y horribles secretos.
La película, con guion a cargo de Andrew Lobel, está protagonizada por Sydney Sweeney, Simona Tabasco, Álvaro Morte, Benedetta Porcaroli, Giampiero Judica, Dora Romano y Giorgio Colangeli.
Los últimos trabajos de David Trueba e Isaki Lacuesta competirán en el 27 Festival de Málaga
‘El hombre bueno’, ‘Los pequeños amores’ y ‘Segundo premio’ participarán en la Sección Oficial a concurso
Las películas españolas El hombre bueno, de David Trueba; Los pequeños amores, de Celia Rico; y Segundo premio, dirigida por Isaki Lacuesta y codirigida por Pol Rodríguez, concursarán en la Sección oficial del 27 Festival de Málaga, que tendrá lugar del 1 al 10 de marzo de 2024.
El hombre bueno
El director y escritor David Trueba regresa al Festival de Málaga con su última película, El hombre bueno, producida por Buenavida Producciones y Perdidos G.C, con un reparto formado por Jorge Sanz, Macarena Sanz y Vito Sanz.
Vera (Macarena Sanz), Juan (Vito Sanz) y su hija Manuela viajan a Mallorca para pasar unos días en una casa idílica frente al mar propiedad de Alonso, antiguo compañero de trabajo de Juan, que tras perder a su pareja decidió retirarse del mundo. Han tomado la decisión de separarse y quieren que Alonso (Jorge Sanz) ejerza de hombre bueno, un mediador que les ayude en el proceso. Aislados en la casa frente al mar, llegará para todos ellos el momento de revelar los secretos y de enfrentarse con la idea del amor y de la pérdida.
La buena vida (1996), presentada en la Quincena de los Realizadores de Cannes, fue la primera película de David Trueba como director. En el año 2000 dirige Obra maestra y en 2003, Soldados de Salamina, presentada en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes y nominada a ocho premios Goya. Con Bienvenido a casa (2006), recibió el premio al Mejor Director en el Festival de Málaga. En 2011 participó en la sección oficial del festival de Sundance con Madrid, 1987. En 2013 dirige Vivir es fácil con los ojos cerrados, que recibe seis Premios Goya entre ellos los de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion. Casi 40 (2018) recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Málaga. En 2020 presenta en este mismo festival la película A este lado del mundo. En 2023 estrena Saben aquell, galardonada con 7 premios Gaudí y nominada a 11 premios Goya.
Los pequeños amores
Celia Rico Clavellino dirige y firma el guion de Los pequeños amores, producción hispano-francesa de Arcadia Motion Pictures, Viracocha Films y Noodles Productions, que cuenta con la financiación del ICAA-Ministerio de Cultura, el apoyo del ICEC, CNC y MEDIA Europa Creativa, y la participación de RTVE, TVC y Filmin, y distribuida por Bteam Pictures. Las ventas internacionales corren a cargo de Latido Films.
Los pequeños amores cuenta en su reparto con María Vázquez, Adriana Ozores y Aimar Vega y narra la historia de Teresa, quien cambia sus planes de vacaciones para ayudar a su madre, que ha sufrido un pequeño accidente. Madre e hija pasarán juntas un verano de lo más sofocante, en el que no conseguirán ponerse de acuerdo ni en las cosas más triviales. Sin embargo, la obligada convivencia removerá más de lo esperado y en las noches estivales Teresa vivirá momentos reveladores junto a su madre.
Celia Rico comenzó como guionista y directora con el multipremiado corto Luisa no está en casa, única representación española en La Biennale di Venezia en 2012 y ganadora del Premio Gaudí (2013). Viaje al cuarto de una madre, su ópera prima, se estrenó en New Directors del Festival de Cine de San Sebastián (2018), donde obtuvo la Mención Especial del Jurado. La película obtuvo cuatro nominaciones a los premios Goya y se alzó, entre otros, con cuatro premios Gaudí, un premio Feroz y cuatro premios Asecan, y la nominación a mejor ópera prima en los Premios Platino. Celia también ha trabajado en animación, cocreando la serie infantil Mironins y publicando el libro Celia se aburre (2017). Los pequeños amores es su segundo largometraje de ficción.
Segundo premio
Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez codirigen Segundo premio, producción hispano-francesa de La Terraza Films, Áralan Films, Ikiru Films, Bteam Prods, Sideral Cinema, Capricci, Los Ilusos Films y Toxicosmos AIE, distribuida por Bteam Pictures.
Segundo premio cuenta con la participación de RTVE, Canal Sur, 3CAT, Movistar Plus+, Mogambo, Vodafone y Crea SGR; en asociación con Latido; con la financiación del Gobierno de España Ministerio de Cultura y Deporte; con el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y la Región Nouvelle-Aquitaine en colaboración con el CNC; con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, la Comunidad de Madrid, la Diputación de Granada, Film In Granada y el Ayuntamiento de Granada.
Isaki Lacuesta y Fernando Navarro firman el guion de esta película, protagonizada por Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Chesco Ruiz y Edu Rejón.
Granada, finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción. Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país. Esta (no)es una película sobre los Planetas.
Isaki Lacuesta, doble ganador de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián por “Los pasos dobles” (2011) y “Entre dos aguas” (2018). Ha dirigido, entre otras, las películas “La leyenda del tiempo”, “Los Condenados”, “La noche que no acaba” y “La próxima piel”. Esta última tuvo su estreno en el Festival de Málaga. En 2022, estrenó “Un año, una noche” la cual compitió en la Sección oficial de la Berlinale.
Pol Rodriguez con su primer largometraje de ficción, “Quatretondeta» obtuvo 2 Biznagas en el Festival de Málaga. También ha dirigido capítulos de la serie «Deudas», y segundas unidades de películas como «Carta a Eva», «Descalzo sobre la tierra roja» y «Don’t grow up”. Ha realizado series documentales como la aclamada «Match Day”, o la serie documental «Year Zero» seleccionada en la sección oficial de Tribeca y producida por la ganadora de un Oscar, Kathryn Bigelow.
Proyecciones Xcèntric: Dominio público. Hollis Frampton
Straits of Magellan: Drafts & Fragments (Hollis Frampton, 1974)
¿Es el cine un invento sin futuro? Esta sesión dedicada a Hollis Frampton intenta, de alguna manera, responder a esa pregunta y, además, percibir qué papel jugaron las primeras películas, incluidas las de los hermanos Lumière, y la historia del cine en la obra del cineasta americano.
Hollis Frampton realizó Public Domain y Straits of Magellan: Drafts & Fragments en un momento en que su obra giraba alrededor de Magellan, su último gran ciclo inconcluso de películas. Esta obra inacabada explicita una concepción del cine y de su historia desvinculada de lo artístico y enlazada con todos los materiales que se filmaron, no importa con qué propósito, una especie de film infinito, en el que el cineasta de Ohio trabaja como un arqueólogo intentando restituir algunos de sus monumentos. En esta sesión intentaremos rastrear algunos de ellos, más concretamente los vinculados con las primeras películas que se realizaron, como las de los hermanos Lumière o las de Edison.
Frampton pasó mucho tiempo en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos investigando su colección de películas impresas en papel, filmes del llamado periodo «primitivo» hechos antes de 1912 cuyos derechos son de dominio público. Planeaba usar muchas de estas piezas, de aproximadamente un minuto de duración, como leitmotiv compositivo de Magellan. De este trabajo de archivo resultó, entre otras obras, Public Domain, compuesta por películas antiguas ordenadas alfabéticamente, entre las que se incluye Record of a Sneeze (1894) y Electrocuting an Elephant (1902), de Edison.
Por otro lado, Straits of Magellan configura un catálogo de «actualidades» hecho por Frampton que evoca el cine de los hermanos Lumière. En muchos casos se trata de una alusión directa, como en la reelaboración que el cineasta americano hizo de Démolition d’un mur (1895); en otros, metafórica: los operadores Lumière, al igual que Magallanes, viajaron por todo el mundo atrapando imágenes de distintos parajes. De las 720 películas mudas de un minuto que Frampton tenía previsto rodar, solo se hicieron 49, pero estos bocetos y fragmentos son un elemento central de Magellan, que, además de evocar el primer cine, reflexionan, a través de una serie de analogías, sobre lo que significa ver en el cine.
Hollis Frampton: Public Domain, 1972, sin sonido, 14’; Drafts & Fragments Straits of Magellan, 1974, sin sonido, 51’.
Proyección en 16 mm.
Copias procedentes de The Film-Makers’ Cooperative.
Fecha: 22 febrero 2024
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
La pesadilla cósmica, primer tráiler para «Lovely, Dark and Deep» de Teresa Sutherland
Conocida por ser la responsable del libreto de la interesante The Wind (Emma Tammi 2018, critica aquí) y participar en el guion de la serie Midnight Mass, Teresa Sutherland debuta tras las cámaras con Lovely, Dark and Deep, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis visionar a final de página junto a un par de carteles oficiales. Cinta de terror psicológico con derivaciones a la pesadillas cósmica, que parte de la premisa argumental de las cientos de desapariciones ocurridas en los parques nacionales de EE.UU, que tuvo su premier mundial el pasado año en el marco del Fantasia Film Festival y que llegará a Estados Unidos vía VOD, y a través de un estreno limitado en cines, el próximo 22 de febrero de 2024.
En Lovely, Dark and Deep vemos como una joven mujer llamada Lennon aprovecha la oportunidad de asumir un puesto de guardabosques en un lugar alejado de la civilización. Mientras intente adaptarse a su solitaria nueva existencia en lo profundo de la naturaleza, empieza a percatarse de una presencia siniestra que le acecha. Impulsada por la necesidad de obtener respuestas, se embarca en un viaje a través del amenazador terreno, intentando desvelar un oscuro secreto que la ha perseguido desde su infancia.
La película, con guion a cargo de la propia Teresa Sutherland, está protagonizada por Georgina Campbell, Nick Blood, Wai Ching-Ho, Edgar Morais, Maria de Sá, Paul S. Tracey, Soren Hellerup, Raquel Rocha Vieira, Celia Williams y Ana Sofia Martins.
Escritura fílmica y disidencia. La obra cinematográfica de José Antonio Nieves Conde (1947-1958)
El presente libro realiza un recorrido analítico por la filmografía de José Antonio Nieves Conde entre 1947 y 1958 con el objeto de explorar sus constantes formales, narrativas y temáticas, así como de concretar los estilemas enunciativos de una escritura fílmica que se distancia de los modelos canónicos del cine español del periodo a través de la estilización visual y la hibridación genérica, al tiempo que articula un punto de vista disidente, desencantado y crítico con respecto a la realidad político-social de la España autárquica, contraviniendo la idílica e idealizada imagen oficial que el gobierno franquista se esforzaba en difundir. Estas características convierten la obra del director segoviano en exponente de las posibilidades expresivas y narrativas que nuestro cine alcanzó a mediados del siglo pasado, desarmando la idea de homogeneidad discursiva, narrativa y formal que sobre el cine español de posguerra había predominado entre la historiografía fílmica.
La labor analítica está acompañada de una profunda investigación historiográfica y documental, durante la que se han consultado documentos procedentes del archivo personal del cineasta, noticias y críticas aparecidas en los diarios y las revistas cinematográficas de la época, diversa documentación administrativa y los expedientes de rodaje y de censura de cada una de las películas abordadas, entre las que se incluyen obras de la importancia de Balarrasa (1951), Surcos (1951), Los peces rojos (1955) o El inquilino (1957).
El autor
Rubén Higueras Flores, Docente del Departamento de Sociología y Comunicación de la Universidad de Salamanca. Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Es autor de los libros La escritura (in)visible: 50 películas esenciales para estudiar el cine clásico (con Aarón Rodríguez; UOC, 2018), Jacques Tourneur (Cátedra, 2016) y Guía para ver y analizar La matanza de Texas (Nau Llibres, 2014). Ha publicado artículos en las revistas científicas Fonseca, ZER, Documentación de las Ciencias de la Información, Comunicación, Fotocinema, Tripodos, Archivos de la Filmoteca y L’Atalante y coordinado diversos libros colectivos; entre ellos, Josef von Sternberg. Estilización y deseo (Shangrila, 2020) y Vida en sombras. El hechizo del cine, la herida de la Guerra (con José Luis Castro de Paz; Shangrila, 2018). Además, ha participado en los libros El deseo femenino en el cine español (1939-1975). Arquetipos y actrices (Cátedra, 2021), Viajes de cine. El relato del turismo en el cine hispánico (Tirant lo Blanch, 2017) o Diccionario de términos y conceptos audiovisuales (Cátedra, 2015), entre otros. Es miembro del consejo de redacción de Fotocinema. Revista científica de cine y fotografía, de la Universidad de Málaga.
Autor: Rubén Higueras Flores, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 404
«Best Wishes to All» review
Una joven estudiante de enfermería visita a sus abuelos en el campo. La reunión familiar se inicia de forma placentera, pero poco a poco el reencuentro se convierte en algo extraño e incómodo. ¿El motivo? Hay algo en la casa de los abuelos. Tras descubrir ese secreto, su vida feliz se convertirá en un infierno.
Dentro de la compleja labor de poder llegar a discernir alguna corriente nueva y sólida dentro del fantástico actual, se atisban dos apuntes a destacar surgidos en el ecosistema de festivales de género de 2023, por un lado, el asentamiento de un determinado cine francés que utiliza coordenadas del fantástico a la hora de ensamblar el relato a un poco disimulado contenido de índole social, películas como Le règne animal, Vincent doit mourir o Vermin, por poner algunos ejemplos, así lo atestiguan, y segundo, un tímido resurgimiento del terror asiático, subgénero en estado aletargado desde hace muchos años, a tal respecto la ópera prima del japonés Yûta Shimotsu Best Wishes to All parte de uno de los conceptos argumentales más originales vistos el pasado año en Sitges, al generar una serie de imágenes y situaciones insólitas, lindando con el terror, que hacen que la historia se posicione por delante de la percepción del espectador, posicionamiento que curiosamente se postula como antítesis de las películas arriba mencionadas, pues aquí el concepto fantástico actúa como eje central que desarrolla en su parte final un discurso sustentado en la alegoría social.
Posiblemente esa supuesta originalidad, de la que hace gala una película de las características de Best Wishes to All, hacia nuevas vías narrativas, sea a día de hoy el único camino valido a la hora de resucitar cinematografías cuya afiliación a según qué géneros no parte, como por ejemplo en gran parte de Occidente, de la reinterpretación o reedición temporal de una formula ya exitosa en el pasado.
Basado en su propio corto homónimo, la película de Yûta Shimotsu se sitúa a medio camino entre las extrañas texturas del cine de Kiyoshi Kurosawa y un trazo bizarro digno de imaginarios que parecen surgidos de la mente de un Hitoshi Matsumoto o Junji Ito. A tal respecto Best Wishes to All, que de alguna manera pervierte ciertas ideas vistas en la excelente The Visit de M. Night Shyamalan, cuestiona la estabilidad familiar y el sacrificio generacional que conduce a una supuesta armonía social. Su condición de rara avis, como relato metafórico que se sustenta en un tono inaudito, que trasgrede el concepto de la normalidad y la cotidianidad, mediante reminiscencias de leyendas autóctonas, no indica dada su particularidad que estemos ante una película que abra nuevas vías dentro del ahora extinto J-Horror, seguramente sí sea reconocida como vía alternativa de un tímido resurgimiento de ciertas autorías asiáticas provistas de ideas atrevidas, que lejos del concepto de industria son intuidas como periféricas, aquellas que intentan indagar desde la introspección en ese otro cine fantástico dispuesto a alejarse de fórmulas preconcebidas, aquí plasmadas a través de tangibles ecos existencialistas, en donde el idealismo inherente en la juventud cosmopolita trasmuta en una resignación causada por un realismo que aquí es percibido como terrorífico.
Valoración 0/5:3
Primer tráiler para «Longlegs», lo nuevo de Oz Perkins
Interesante la trayectoria como director de Oz Perkins hasta este momento dentro del fantástico, tras dos primeros trabajos tan a tener en cuenta como The Blackcoat’s Daughter (2015) y la reivindicable I Am the Pretty Thing That Lives in the House (2016), su reinterpretación en clave de terror del clásico Gretel & Hansel (2020) supuso de alguna manera un impasse solo interrumpido con su participación en la fallida re visitación de la fundamental The Twilight Zone a cargo de Jordan Peele. Longlegs, film de terror psicológico cuyo primer tráiler oficial vía Neon, que ya inició una inteligente campaña de marketing semanas atrás, acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster promocional, supone su nuevo trabajo tras las cámaras. La película, que vendrá a nuestro país de la mano de DeAPlaneta, tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 12 de julio de 2024.
En Longlegs vemos como a medida que el caso de un escurridizo asesino en serie sin resolver va tomando giros cada vez más oscuros, la agente del FBI Lee Harker descubrirá nueves evidencias y una conexión personal con el despiadado asesino, algo que le hará emprender una carrera contra el reloj para poder llegar a detenerlo antes de que vuelva a matar.
La película, con guion cargo del propio Oz Perkins, está protagonizada por Maika Monroe, Nicolas Cage, Alicia Witt, Blair Underwood, Dakota Daulby, Vanessa Walsh, Rryla McIntosh, Michelle Cyr, Anita Wittenberg, Marlea Cleveland, Erin Boyes, Lisa Chandler, Charles Jarman y Lauren Acala.
«Sala:B» Comedias del hambre
Hay que zurrar a los pobres / Un millón de amigos, 190′
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Hay que zurrar a los pobres (Santiago San Miguel, 1991). Int.: Francisco Casares, Agustín González, Juan Ribó, Mireia Ros. España. 35 mm. Color. 90’
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Un millón de amigos (Fernando Merinero, 2007). Int.: Álex de la Nuez, Miguel Esteban, Francisco Jurdao Arrones, Javier Jurdao. España. DCP. Color. 83’
Invitamos al director Fernando Merinero a una sesión doble con una de sus comedias más gamberras y nos trae una recomendación con sabor a decadencia baudelairiana y a esperpento.
Para Merinero, Hay que zurrar a los pobres parece protagonizada por los deudos de los mendigos de Viridiana, pero el director Santiago San Miguel va más atrás y agradece en los créditos la inspiración de Baudelaire. El título remite claramente a uno de los poemas en prosa del autor francés, donde narra precisamente la paradoja que abre y cierra la película. Merinero nos descubre aquí otra de esas producciones malditas del cine español, que ni con un reparto espléndido, ni con una fotografía del maestro José Luis Alcaine o con la presentación en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, consiguió evitar la indiferencia de crítica y público. En la carrera de San Miguel había hasta entonces películas personales como Adiós, Alicia y La casa del paraíso, y productos de crónica negra a la sombra de El crimen de Cuenca. Con esta película de muy bajo presupuesto intentó recuperar un cine que ya no se estilaba en los 90, con raíces literarias y un costumbrismo oscuro situado entre Berlanga y Ferreri. Hay que zurrar a los pobres bien podría pasar por un precedente de La comunidad de Álex de la Iglesia, con esa cochambrosa pensión Ezequiel y sus extravagantes inquilinos, pero en clave más amarga y simbólica.
Siguiendo el símil de Merinero, el protagonista de Un millón de amigos, Javier Jurdao, no desentonaría como huésped de la pensión Ezequiel; sus diatribas sobre el capitalismo, la religión o las mujeres, podrían haber sido tertulias de sobremesa con palillo en boca y copazo de sol y sombra. Hoy en día suenan a cómico anclado a otra época, que convierte su desubicación en un estilo de vida. Merinero se aproxima a la familia Jurdao como si fuera una versión malagueña de los Panero de El desencanto, más pillos y vividores, con el padre Francisco Jurdao como ‘intelectual con seis carreras’ que ni su exmujer reconoce. La película, reconoce Merinero, trata de empatizar con ellos mientras se ríe de sí misma y se desmitifica.
Presentan la sesión el director Fernando Merinero y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).
