Fantasia, web dedicada al cine, críticas y análisis de películas, series de televisión, festivales, noticias, libros, Dvd & Bluray, merchandising y todo lo que rodea al séptimo arte
El paleontólogo José Luis Sanz (Universidad Autónoma de Madrid) es uno de los grandes expertos en dinosaurios y, concretamente, un estudioso de la persistente atracción que estos grandes reptiles han ejercido desde sus orígenes sobre el cine y sobre la cultura popular en su conjunto. Del mismo modo que el invento de los Lumière presenta esa turbadora doble faz que aúna lo científico con lo fantástico, lo imaginario con lo real, en la permanente dinomanía (incluso entre jóvenes y niños) juega sin duda un papel fundamental esa razonable convivencia de lo mitológico con lo natural. De la mano del paleontólogo, propondremos una pequeña historia del cine sobre dinosaurios, desde los tiempos del cine mudo hasta la actualidad. La sesión inaugural (12 de septiembre) irá precedida de una conferencia de acceso libre, en la que el paleontólogo presentará las cinco películas que componen el ciclo.
Fecha: 12.09.2024 — 19.09.2024
Películas del ciclo
El mundo perdido (Harry O. Hoyt 1925)
Una expedición científica británica viaja a una remota meseta de la selva brasileña. Allí encuentran hombres prehistóricos y toda clase de dinosaurios en esta adaptación de la famosa novela de Sir Arthur Conan Doyle. Los efectos especiales corrieron a cargo de Willis H. O’Brien, un pionero de la animación en el cine que desarrolló la técnica de simular la animación por medio de figuras de goma con estructuras metálicas que se movían unos milímetros para cada fotograma.
Jue 12/09, 20:30. A las 19h conferencia de introducción al ciclo a cargo de José Luis Sanz
King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack 1933)
Un equipo de cine va a rodar una película a la misteriosa isla de Teschio, al este de Sumatra. Allí los recién llegados descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ancestral que secuestra a la atractiva Ann, la actriz protagonista, para ofrecerla en sacrificio ritual a King, un gigantesco gorila.
Vie 13/09, 19:00
El monstruo de tiempos remotos (Eugène Lourié 1953)
El mítico Ray Harryhausen dirigió los efectos especiales de esta clásica cinta de ciencia-ficción basada en un relato de Ray Bradbury «La sirena». Tras un experimento nuclear, un deshielo provoca la vuelta a la vida de un dinosaurio, que sembrará el pánico entre la población.
Mar 17/09, 19:30
Hace un millón de años (Don Chaffey 1966)
En tiempos prehistóricos, los hombres se guian por sus instintos de supervivencia, compitiendo contra los grandes depredadores y las tribus rivales. En una de ellas, Tumak es expulsado de su clan, el Pueblo de las Piedras, por haberse peleado con su padre. Tras vagar durante días, es salvado por el pacífico Pueblo de las Conchas, y allá Tumak se enamora de Loana, uno de sus miembros.
Mié 18/09, 19:30
Parque Jurásico (Steven Spielberg 1993)
Bienvenidos… a Jurassic Park. Los dinosaurios vuelven a caminar sobre la tierra en una de las obras más queridas y recordadas de Steven Spielberg, adaptación de la magnífica novela de Michael Crichton. Suyo es el honor de haber definido en nuestro imaginario al todopoderoso T-Rex y a los icónicos Velociraptores y que la melodía de John Williams suene en nuestras cabezas siempre que recordamos este título. El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.
Acaba de ser presentado de la mano de Searchlight Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de Nightbitch, nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Marielle Heller, The Diary of a Teenage Girl (20215), A Beautiful Day in the Neighborhood (2019), What the Constitution Means to Me (2020), que adapta la novela de Rachel Yoder conocida en nuestro país con el titulo de Canina. La película, una comedia negra con elementos de género fantástico, tras su premier mundial estos días en el marco del Festival de Toronto, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 6 de diciembre de 2024.
En Nightbitch vemos como una mujer hace una pausa en su carrera profesional para convertirse en madre y ama de casa, pero pronto su vida doméstica toma un giro surrealista. A medida que acepta el poder salvaje profundamente arraigado en la maternidad, se vuelve cada vez más consciente de las extrañas e innegables señales de que se puede estar convirtiendo en un perro.
La película, con guion adaptado a cargo de la propia Marielle Heller junto a Rachel Yoder, está protagonizada por Amy Adams, Scoot McNairy, Mary Holland, Ella Thomas, Kerry O’Malley, Jessica Harper, Michaela Baham, Stacey Swift, Garrett C Phillips, Zoe Chao, Michael Andrew Baker, Laura Meadows y Preston Galli.
“La fragilidad del hielo”: Instantes de vida suspendidos en el tiempo. Anthony Chen, director de la formidable «Retratos de familia (Ilo Ilo)», regresó al Festival de Cannes con su última película, una íntima exploración de las relaciones humanas y la amistad.
El viernes6 de septiembre Filmin estrena,en exclusiva en España, la película «La fragilidad del hielo», tercer largometraje del director singapurense Anthony Chen, quien obtuvo una gran notoriedad hace una década dentro del panorama del cine de autor internacional tras ganar la Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima del Festival de Cannes con «Retratos de familia (Ilo Ilo)«.
Su nueva película narra la relación entre tres jóvenes que se conocen en Yanji, una ciudad al norte de China. El introvertido Li Haofeng ha venido de visita desde Shangái, donde trabaja en una empresa de finanzas. En un tour turístico conoce a la guía Nana, por la que pronto siente una gran fascinación. Ella es quien le presenta a su amigo Xiao, un chico simpático pero frustrado por su trabajo en un restaurante. Los tres compartirán unos días de alcohol, música y risas que contrastan con las enormes heridas interiores que sufren. De Nana, por ejemplo, sabemos que un día soñó con ser patinadora sobre hielo, pero una grave lesión la apartó de su camino. Lo que atormenta a Li es menos obvio, pero a tenor de algunas de sus reacciones, parece algo serio.
El director Anthony Chen quería capturar el espíritu de la generación actual de jóvenes chinos sobre los que había estado leyendo mucho en los últimos tiempos. «Como no crecí ni viví en China, no siento que tenga la autoridad para esculpir un retrato realista y social auténtico de cómo es la vida de un joven en ese país. Por lo tanto, intenté traducir esas ideas sobre las que estaba leyendo a través de trazos más amplios y, idealmente, expresar las emociones y ansiedades de esta generación«, explica.
El título de la película hace referencia, según Chen, a una metáfora alrededor del hielo que puede identificarse con la relación breve pero intensa que une a los personajes: «Me parece fascinante que el agua se solidifique en hielo con bastante rapidez a bajas temperaturas y que, cuando entra en juego el sol o el calor, se derrita de nuevo en agua rápidamente. Hay algo en esta idea que me atrajo y, sin tener una idea clara de qué historia o trama quería escribir, sabía que quería capturar este sentimiento, el de tres jóvenes que se unen y desarrollan una relación en un tiempo relativamente corto«. En este «deshielo» impactan algunas escenas en las que el tiempo parece detenerse para los tres protagonistas, ya sea tocando una canción con una guitarra o frente a un oso salvaje en una montaña nevada. Son como epifanías suspendidas en el tiempo.
Chen confiesa que «Jules y Jim», de François Truffaut, fue su mayor inspiración para esta película. «Para mí era importante que no se tratara simplemente de un triángulo amoroso trillado con dos hombres enamorándose de la misma chica; quería establecer algún tipo de ambigüedad y complejidad en las relaciones», afirma. La película contiene también un pequeño homenaje a otra obra magna de la Nouvelle Vague: «Banda aparte«, de Jean-Luc Godard.
«La fragilidad del hielo» participó en la sección Un certain regard del Festival de Cannes 2023. Está protagonizada por tres estrellas emergentes del cine chino: Zhou Dongyu («Amor bajo el espino blanco«), Liu Haoran («Fire on the Plain«) y Qu Chuxiao («La Tierra errante«).
Tras varios años de gestación acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Adult Swim y Production I.G. un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la esperada adaptación animada del famoso manga de Junji Ito Uzumaki. Publicado en la revista Big Comic Spirits, entre los años 1998 y 1999, y con una versión al cine en imagen real a cargo de Andrey Higchinsky en el año 2000, la nueva adaptación, que constará de cuatro episodios en formato de miniserie, viene a ser una aproximación lo más fiel posible al manga, concebida a través de un enfoque visual en blanco y negro que busca reflejar mediante la animación el arte conceptual del maestro Junji Ito.
En Uzumaki vemos como Kurouzu, un pequeño pueblo rodeado por la niebla en la costa de Japón parece estar maldito. Según Shûichi Saitô, el novio de la joven Kirie Goshima, su hogar está encantado, no por una persona, sino por un patrón denominado Uzumaki, la espiral, el secreto hipnótico que da forma al mundo. Unos extraños sucesos empezaran a propagarse por toda la zona, llegando a infectar el cuerpo de las personas, lo que acaba convirtiendo al pueblo en un caos de horror. En un intento desesperado por escapar de la maldición de las espirales, Kirie decide huir de Kuouzu-cho.
Con dirección a cargo de Hiroshi Nagahama, (Detroit Metal City 2008), Flowers of Evil (2013), Mushishi: The Next Chapter (2014), el primer episodio de la serie estará disponible en nuestro país a través de Max el próximo 28 de septiembre.
A través de una obra compacta y cerrada sobre sí misma, André Delvaux visitó regularmente un extraño territorio a mitad de camino entre la realidad y lo imaginario. Su cine alude a una realidad fantástica mágica, como se la ha calificado recurrentemente, a una existencia transpuesta, la realidad de los sueños, de los temores y los remordimientos. Sus motores son los deseos inconscientes y el horror. Por ello, fue un maestro en la descripción de la subjetividad, porque creía en un arte que ha de representar no solo la vida exterior, sino sobre todo la interior. Y, así, partiendo de la realidad, su cine explora esa existencia íntima, reforzando su carácter espiritual y metafísico. Hoy, veinte años después de su muerte y casi cien de su nacimiento, ha caído sobre su obra una inmerecida penumbra que este libro quisiera contribuir a iluminar.
Índice
Prólogo
I. La otra parte
II. Una vida breve (a la manera de Aubrey)
III. La obra cinematográfica
Primer período: los años del realismo mágico (1965-1973)
El hombre del cráneo rasurado (De man die zjin haar kort liet knippen, 1965)
Una noche, un tren (Un soir, un train, 1968)
Cita en Bray (Rendez-vous à Bray, 1971)
Belle (1973)
Segundo período: las películas de investigación, ensayos cinematográficos y el cine de no ficción [1975-1989]
Met Dieric Bouts (1975)
To Woody Allen from Europe with love (1980)
Babel Opéra, ouLa répétition de Don Juan de Wolfgang Amadeus Mozart (1985)
Tercer período: ¿Un interludio naturalista?
Mujer entre perro y lobo (Een vrouw tussen hond en wolf,1979)
Cuarto período: el retorno al realismo mágico (1983)
Benvenuta (Benvenuta, 1983)
Coda: la última mirada
L’Œuvre au noir(1988)
IV. Películas que nunca veremos
La literatura en la pantalla
El control del tiempo
Ficciones autobiográficas
Una investigación sobre la herencia de la cultura
Conclusión
Apéndice
V. Documentación y anexos
«Una colaboración sin nubes»
«Literatura y cine», extractos de Leyendoescribiendo
Tres cartas de André Delvaux
Carta a Michel Ciment sobre el filme Met Dieric Bouts
«Hacer una película con Delvaux»
Fragmentos de la correspondencia entre André Delvaux y Marguerite Yourcenar a propósito de la adaptación de Opus Nigrum
El autor en la ciudad (Ponencia de André Delvaux)
VI. Filmografía
Cortometrajes
Programas televisivos
Largometrajes
Bibliografía
Obras citadas
Referencias y fuentes bibliográficas sobre André Delvaux
Agradecimientos
El autor
Santiago Rubín de Celis, licenciado en Sociología y doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, empezó su actividad docente en 2006. Ha trabajado en dicha universidad, como investigador contratado, el Instituto Europeo di Design-Madrid, la Univ. Técnica de Ambato (Ecuador) y la Univ. Internacional de La Rioja, y ha impartido conferencias y seminarios, entre otras, en las prestigiosas Anglia Ruskin University de Cambridge y la University of St. Andrews. Colaborador habitual de revistas especializadas y de medios generales, es autor de artículos científicos y divulgativos y de media docena de monografías, y ha participado en diversos libros colectivos dedicados a la cultura visual, los medios audiovisuales y la historia y la estética del cine.
Autor: Santiago Rubín de Celis, Editorial: Prensas Universidad Zaragoza, Colección Luis Buñuel. Cine y vanguardias, Páginas: 342
Se acerca el inicio del Festival de Sitges y con ello se intensifican los anuncios. Hoy toca desvelar los títulos españoles que se unen a las anteriores confirmaciones de Una ballena, de Pablo Hernando, Apocalipsis Z: El principio del fin, de Carles Torrens, Exorcismo, de Alberto Sedano o The Birthday (4K), de Eugenio Mira, cuya celebración del 20 aniversario de su estreno estará acompañada por la presencia de Corey Feldman (podéis consultar dicho anuncio completo a través de este enlace).
Cine nacional en la Secció Oficial Fantàstic a Competició (SOFC)
Empezamos la batería de nuevas incorporaciones por la Secció Oficial Fantàstic a Competició (SOFC), en la que encontramos algunos nombres que ya saben lo que es estar en ella (y que incluso se han coronado allí).
Nacho Vigalondo y Daniela Forever, su último trabajo, no se podían perder esta cita. Protagonizada por Henry Golding y Beatrice Grannò, la película trata sobre un hombre que decide tomar parte de un ensayo clínico con tal de poder controlar sus sueños y conseguir volver a reunirse con su novia fallecida. Evidentemente, este experimento tiene sus riesgos, y en este caso los que afronta Nicolas son los de perderse en sus sueños para siempre. Daniela Forever fue el proyecto presentado por el Festival de Sitges como parte del Fantastic 7 en el Marché du Film – Festival de Cannes, y se trata de uno de los trabajos más personales del director cántabro.
Otro “sospechoso habitual” que regresa a la SOFC es Galder Gaztelu-Urrutia, quien quiere conseguir revalidar premio tras alzarse con el galardón a la Mejor Película en 2020 con El Hoyo. El director bilbaíno vuelve a explorar los temas de la avaricia, la ambición y la riqueza desmedida en Rich Flu, un largometraje en el que un virus está matando a todo aquél que posea cualquier tipo de riqueza, por lo que todo el mundo se está intentando deshacer de unas posesiones que acaban siendo una auténtica maldición. La película cuenta con un reparto de lujo en el que destacan nombres como el de Mary Elizabeth Winstead, Jonah Hauer-King o Timothy Spall.
Un film que promete dar mucho que hablar es Luna, de Alfonso Cortés-Cavanillas, una propuesta de ciencia ficción en el que una expedición privada viaja a la luna para fotografiar un cometa. Un fragmento de éste termina impactando contra la Tierra, cortando toda comunicación y dejándoles completamente aislados, luchando desesperadamente por sobrevivir en el vacío lunar. Con un reparto encabezado por Marian Álvarez, Greta Fernández, Asier Etxeandíay Roberto ÁlamoLuna podría convertirse en una de las grandes sorpresas de la SOFC.
El último de los largometrajes españoles que estará presente en la Sección Oficial a Competición será la ópera prima de Enrique Buleo, Bodegón con fantasmas, nueva y prometedora voz de la comedia del absurdo avalada por Juan Cavestany que coproduce junto a Alejandra Mora y Sideral. La cinta, que cuenta con una trayectoria impecable por mercados nacionales e internacionales, formó parte de la Incubadora de la ECAM y está recién aterrizada del First Look de Locarno. Se trata de una deliciosa comedia negra coral, con elementos autobiográficos y típicos de la idiosincrasia española como el esperpento o la picaresca, donde la creencia en lo paranormal está totalmente aceptada. En definitiva, un retrato único de la Manchuela que hará las delicias de los espectadores del Auditori.
Cine nacional en las demás secciones oficiales
En Sitges Collection, sección que se estrena en el Festival dedicada al fantástico que ya ha causado sensación en otros grandes certámenes, también podremos encontrar dos nuevas propuestas nacionales que darán mucho que hablar. La primera de ellas es un largometraje de animación que participó en la Sección Contrechamp de la pasada edición del Festival de Annecy. Estamos hablando de Mariposas negras de David Baute, una historia inspirada por mujeres reales que propone un viaje desde África, el Caribe y Asia hacia un futuro incierto para la humanidad. ¿El motivo por el que estos seres tienen que migrar? Un cambio climático que avanza despiadadamente y cuyas víctimas siempre son los más vulnerables.
La segunda incorporación nacional a Sitges Collection (tercera si contamos con la ya anunciada Apocalipsis Z: El principio del fin de Carles Torrens) es El llanto, primer largometraje del director vallisoletano Pedro Martín-Calero. La película trata sobre Andrea (interpretada por Ester Expósito), quien se ve acechada por algo o alguien que ella no es capaz de ver. Veinte años antes, esto mismo le había pasado a Marie (Mathilde Ollivier) y sólo hubo una persona que fue capaz de entender lo que ocurría, una mujer llamada Camila (Malena Villa). Las tres se enfrentarán a esta amenaza en la sombra y las tres escucharán un mismo sonido sobrecogedor: el de un llanto.
La sección Noves Visions siempre nos ofrece algunas de las propuestas cinematográficas más interesantes del año. Centaures de la nit e Infinite Summer son muestras perfectas del espíritu de la sección. La primera de ellas la firma uno de los directores catalanes con más prestigio en la actualidad, Marc Recha. Centaures de la nit, su décimo largometraje, está mrodado mayoritariamente con actores invidentes, y está libremente inspirada en el mundo surrealista del fotógrafo invidente esloveno Evgen Bavèar y el imaginario de Luis Buñuel: cine libre, radicalmente independiente, global y transversal. Por otro lado, Infinite Summer llega de la mano de un director más que conocido para los aficionados al Festival de Sitges: Miguel Llansó. La película nos sitúa en una playa estonia, en la que las vacaciones de tres jóvenes se convertirán en un misterio transhumanista. Una exploración de la juventud, la sexualidad y la amistad con los giros surrealistas a los que nos tiene acostumbrados el director madrileño.
En la sección Panorama tendremos una coproducción española y mexicana filmada en Jalisco destinada a convertirse en una de las cintas más inquietantes de esta edición del Festival. Dirigida por Adrián Araujo, Estela es la historia de una pareja que decide mudarse a una mansión frente a un lago, en busca de una tranquilidad que les permita convertirse en padres. Su obsesión termina por atraer al fantasma de una niña que busca una madre. Además de Estela, también tendremos en Panorama Historias de Halloween, lo último de Kiko Prada. Trata sobre el periplo de Luis, quien en una noche de Halloween termina en un viejo anticuario que esconde muchos secretos. La película cuenta con un gran reparto coral en el que encontramos nombres como los de Macarena Gómez, Christian Thomas y Javier Botet.
En Anima’t también tendremos otra coproducción, en la que en este caso participan España, Argentina, Perú, Brasil, Ecuador y Colombia. Estamos hablando de Dalia y el Libro Rojo, de David Bisbano, una cinta de animación fantástica en la que Dalia se convertirá en parte del libro que estaba escribiendo su padre fallecido, enfrentándose cara a cara con los personajes que había creado.
Recuperando cine español de culto
En Julio ya avanzamos que dedicaríamos una retrospectiva dedicada a la figura de León Klimovsky y también que recuperaríamos algún clásico de culto del gran Jesús Franco. En el caso del primero, ya anunciamos las proyecciones de Dr. Jekyll y el hombre lobo y Último deseo. A ellas, se le suman dos de las grandes películas de vampiros que realizó el director nacido en Argentina pero que realizó la mayor parte de su obra en España: El extraño amor de los vampiros y La saga de los Drácula. Nos mantenemos en territorio vampírico con Las Vampiras, Drácula contra Frankenstein (4K) y El conde Drácula, obras de culto de Jesús Franco. A todos estos tesoros añadimos un título que encaja como anillo al dedo a leitmotiv feriante y circense de este año: Balada triste de trompeta, de Álex de la Iglesia.
Cortometrajes con sello nacional
A los largometrajes anunciados hay que añadirle un buen puñado de cortometrajes que se podrán ver en las distintas secciones del certamen sitgetano. En Sección Oficial, se proyectarán Imago, de Rafa Dengrá, Malet de Roger Danès y Alfred Pérez Fargas y Triangle de Joseph Díaz. Como sesiones especiales tendremos la presencia de Los comensales de Mj Fuentes,The Merchant de Gabriel Campoy y Guillem Lafoz Y Tengo que acabar el puto TFM de Estíbaliz Burgaleta y Andrea Casaseca. La primera, recordemos, fue la ganadora de la primera edición del Concurso de Creación de Corto-Teaser WomanInFan. La sección Anima’t – Curts contará con un total de cuatro producciones nacionales: The Hunt de Diogo Costa, Crimson Harbor de Victor Bonafonte, When It Comes (It Will Have Your Eyes) de Izibene Oñederra y La valla de Sam Orti. Por último, destacar también la presencia del cortometraje hispano-andorrano El mal donat, de Hector Mas y Alfons Casal, que participará en Noves Visions – Curts.
Cine español en Brigadoon
Siguiendo con la temática de cortometrajes nacionales, en la sección Brigadoon podemos encontrar una selección más que interesante, que además competirán por el Premio Brigadoon Paul Naschy. Son un total de cuatro: El Cristo de la Calavera de Chus Lara, Voyager de Pablo Pagán, The Harvest, de David Barrera y Manuel Carballo y Céntrico, de Luso Martínez.
En cuanto a largometrajes, hay que destacar la proyección de La tumba de la isla maldita (1973), de Julio Salvador y Ray Danton, que se proyectará como una sesión homenaje a Teresa Gimpera. También estarán presentes los documentales, empezando por José Lifante, una aventura en el cine, que dirige David García Sariñena. Otro documental que se proyectará será Este será el último. Naxo Fiol y su camarita de Carlos J. Lafuente Cerdán y Xavier Gullaumes que estará en una sesión acompañado del cortometraje El fantasma de la mediocridad de Naxo Fiol. Por último, en una sesión organizada por CineAsia podrá verse Los albores del Kaiju Eiga de Jonathan Bellés.
Sitges Family
En Sitges Family también podemos encontrar una buena cantidad de propuestas españolas. En cuanto a largometrajes, tendremos la presencia de Superklaus, de Steve Majaury y Andrea Sebastiá, una coproducción entre España y Canadá que nos cuenta la historia de Papá Noel que, tras golpearse la cabeza, se cree un superhéroe y se enfrenta a un empresario obsesionado con vender juguetes.
En cuanto a cortometrajes, la selección es muy extensa, llegando a los siete títulos nacionales: La gran cita de Conej de Pablo Río Gómez, Flocky de Esther Casas Roura, Gizaki de Xanti Rodríguez, El atrapasueños, de Guillermo Patrikios, Cuando llegue la inundación, de Antonio Lomas Domingo, Sincopat, de Pol Diggler, Un placer (A pleasure), de Sonia Estevez, Buffet Paradís, de Héctor Zafra y Santi Amézqueta y Malas hierbas, de Cristina Merino.
SOFC
‘Bodegón con fantasmas’ – Enrique Buleo (Estreno Mundial)
El legendario realizador británico Mike Leigh tras sus incursiones de época, Mr. Turner (2014) y Peterloo (2018), regresa al mundo contemporáneo con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Hard Truths, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que vuelve a reunir a Mike Leigh y Marianne Jean-Baptiste veintiocho años después de la premiada Secrets and Lies, ha sido descrita “como un estudio feroz, compasivo y a menudo oscuramente humorístico de la familia y los espinosos lazos que nos unen”.
En Hard Truths, que competirá por la Concha de Oro en la próxima edición del Festival de San Sebastián, vemos como para Pansy la vida es una lucha constante. Llena de dolor físico y mental, su manera de relacionarse con el mundo es a través del enfado y la confrontación: discute con su familia, con su dentista, con su médico, con la cajera del supermercado… Su marido Curtley hace tiempo que no sabe cómo tratarla, mientras Moses, su hijo, vive inmerso en su mundo, apenas dice una palabra y lo único que hace durante todo el día es caminar sin rumbo por la ciudad. Sólo su cariñosa hermana Chantelle la comprende y puede ayudarla.
La película, con guion a cargo del propio Mike Leigh, está protagonizada por Marianne Jean-Baptiste, Michele Austin, David Webber, Ani Nelson, Sophia Brown, Tuwaine Barrett, Felicita Ramundo, Elliot Edusah, Bryony Miller, Llewella Gideon y Tiwa Lade.
Seminci reúne en su 69 edición a los autores más deslumbrantes del nuevo cine independiente americano y dedica una retrospectiva al cineasta Nathan Silver
La 69 edición programará las películas «Bob Trevino Likes It», de Tracie Laymon; «Christmas Eve in Miller’s Point», de Tyler Taormina; «Eephus», de Carson Lund; «Blue Sun Palace», de Constance Tsang; «A Real Pain», de Jesse Eisemberg; e «Invention», de Courtney Stephens
El festival estrenará en España el último trabajo de Nathan Silver, «Between the Temples»
La programación de la 69 Semana Internacional de Cine de Valladolid, tras el éxito cosechado la pasada edición por títulos como The Sweet East (Sean Price Williams) o la ganadora de Punto de Encuentro Gasoline Rainbow (Bill Ross IV y Turner Ross), redobla su apuesta por el nuevo cine independiente americano, tanto en sus secciones competitivas como a través de la celebración de una retrospectiva que abordará en profundidad la obra de Nathan Silver, uno de los cineastas independientes estadounidenses más genuinos del panorama actual. Esta retrospectiva la forman cinco de sus largometrajes, entre ellos, el estreno en España de Between the Temples, su última película.
Los autores seleccionados que compiten en la 69 Seminci son, en Sección Oficial, Tracie Laymon (Bob Trevino Likes It) y Tyler Taormina (Christmas Eve in Miller’s Point); en Punto de Encuentro, Carson Lund (Eephus), Constance Tsang (Blue Sun Palace) y Jesse Eisenberg (A Real Pain), y en Alquimias Courtney Stephens (Invention).
Estos autores representan a la nueva generación de cineastas independientes que afronta en su mayoría sus primeras ficciones y, conservando rasgos clásicos del cine independiente –historias con cierto aire crepuscular protagonizadas por outsiders– indagan con una mirada desacomplejada en algunos temas cinematográficos más populares del cine norteamericano –la Navidad, el béisbol o las buddy movies– con una visión genuina alejada de clichés o llevando a otra esfera los códigos cinematográficos. Además, lejos de ser ejemplos del individualismo radical que identifica a la sociedad norteamericana, son proyectos muy colaborativos en los que unos autores participan en proyectos de otros.
Bob Trevino Likes It, protagonizada por John Leguizamo (Atrapado por su pasado, Romeo & Julieta, Moulin Rouge!) y Barbie Ferreira (Euphoria), es la historia de una joven solitaria, alejada de un padre narcisista y manipulador, que encuentra la paz al establecer una conexión emocional con un hombre que se llama igual que su padre al que conoce por Facebook. Tracy Laymon recibió el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público en el South By Soutwest Film Festival de Austin (Texas, EE UU). A Contracorriente Films distribuye la película en España.
Michael Cera (Juno, Scott Pilgrim contra el mundo, Barbie), Elsie Fisher (La matanza de Texas), Ben Shenkman (El juicio de los 7 de Chicago), Francesca Scorsese y Sawyer Spielberg protagonizan Christmas Eve in Miller’s Point, segundo largometraje de ficción de Tyler Taormina, estrenado en la Quincena de los Cineastas de Cannes. Autor de Happer’s Comet (2022) -presentada en Tiempo de Historia de la 67 Seminci- propone una relectura de uno de los géneros clásicos del cine americano, las películas navideñas, con la historia de una familia que reúne a cuatro generaciones para celebrar la que podría ser la última Navidad en su casa familiar en un pequeño pueblo de Long Island. La distribución en España corre a cargo de Flamingo Films.
Tyler Taormina es junto a Carson Lund uno de los fundadores de Omnes Films, un colectivo que aboga por un cine independiente «apasionado y ambicioso, realizado por amigos que priorizan la atmósfera sobre la trama y estudia las diversas formas de decadencia cultural en el siglo XXI». Carson Lund, director de fotografía de las película Christmas Eve in Miller’s Point, presenta su ópera prima, Eephus, con Tyler Taormina como productor, programada en Punto de Encuentro. Eephus, estrenada también en Cannes, es un film crepuscular que entronca con uno de los grandes iconos de Norteamérica, el béisbol, que plantea un hermoso tratado sobre el tiempo a partir de la celebración de un último partido de dos equipos aficionados en un destartalado estadio de Nueva Inglaterra a punto de ser demolido. La película está protagonizada por los actores Keith William Richards (Diamantes en bruto), Keith Poulson (The Great Pretender) y, en un guiño cinéfilo, el director de cine experimental Frederick Wiseman.
El actor Jesse Eisenberg (La red social) presenta su segunda película como director, A Real Pain, que protagoniza junto a un extraordinario elenco en el que figuran Kieran Culkin (Sucession), Jennifer Grey (Dirty Dancing) o Will Sharpe (The White Lotus). A Real Pain, cuyo guion fue premiado en Sundance, parte de la experiencia personal de Eisenberg: dos primos cuya abuela huyó de Polonia tras el ascenso de los nazis viajan a Varsovia para realizar un tour turístico para judíos o familiares de las víctimas del Holocausto. La película propone una reflexión sobre la banalización del pasado y la memoria de un lugar convertido hoy en un museo repleto de turistas. Walt Disney Studios Motion Picture Spain distribuye la película.
Blue Sun Palace, Premio de la Crítica de la Semana de la Crítica de Cannes, es el brillante y prometedor primer largometraje de Constance Tsang, con un triángulo amoroso accidental marcado por un trágico suceso, en el que dos mejores amigas que viven en la comunidad china de Nueva York y trabajan en el salón de masajes que da título al film mantienen una relación por separado con el mismo hombre casado. La película, una hermosa reflexión sobre la ausencia, el duelo y la necesidad humana de conexión, está protagonizada por el actor y director taiwanés Lee Kang Sheng (El sabor de la sandía), habitual de las películas de Tsai Ming-Liang. Atalante Cinema distribuye el largometraje en España.
En Alquimias compite Invention, de Courtney Stephens, una de las 25 nuevas caras del cine independiente para la revista Filmmaker, con Callie Hernández (The Flight Attendant), premio a la mejor actriz de la sección Cineastas del Presente de Locarno, como protagonista y coguionista. Tras la muerte de su padre, un hombre charlatán, excéntrico y conspiranoico, la protagonista hereda su patente de un dispositivo experimental que supuestamente produce una curación electromagnética.
Considerado un maestro modernista del melodrama, el escritor, productor y director neoyorkino Nathan Silver, graduado por la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York en 2005, aborda en sus películas profundos estudios de los protagonistas, muchos de ellos en los márgenes de la sociedad, que viven momentos existenciales complejos. Silver ha escrito y producido cinco cortometrajes y nueve largometrajes.
Seminci ofrecerá el estreno en España de Between the Temples (2023), su último film hasta la fecha y que representa un salto evolutivo en su carrera. Protagonizada por Jason Schwartzman (Gran Hotel Budapest, Asteroid City), Carol Kane (The Sisters Brothers, La princesa prometida) y Dolly de Leon (El triángulo de la tristeza, Ghostlight), en esta comedia un cantor de sinagoga atraviesa una profunda crisis de fe cuando su profesora de música de la escuela primaria regresa a su vida como su estudiante adulta de Bat Mitzvah. Sony Pictures España distribuye la película.
El ciclo incluye sus películas Soft in the Head(2013), una vuelta de tuerca a las películas románticas con personajes envueltos en grandes incertidumbres; Uncertain Terms (2014), que transcurre en un casa de acogida para adolescentes embarazadas en medio del bosque; Stinking Heaven (2015), ambientada en una comunidad para ex adictos en el que sus miembros afrontan sus traumas mientras se filman, y The Great Pretender (2018), donde la línea entre la ficción y la realidad se difumina cuando una directora de teatro estrena una obra basada en su historia de amor, que se solapa con el romance de los dos protagonistas del espectáculo.
Seis años después de su particular mirada a la crónica negra con El ángel (2018), el realizador argentino Luis Ortega vuelve a ponerse detrás de las cámaras con El Jockey, film cuyo primer adelanto en forma de tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, presente estos días en la competición oficial del Festival de Venecia, estará presente dentro de unas semanas en el Zinemaldia formando parte de la sección Horizontes Latinos.
En la película vemos como Remo Manfredini es un jockey legendario, pero su comportamiento autodestructivo comienza a eclipsar su talento y amenaza su relación con su novia Abril. El día de la carrera más importante de su carrera, que lo liberará de sus deudas con su jefe mafioso Sirena, sufre un grave accidente, desaparece del hospital y deambula por las calles de Buenos Aires. Libre de su identidad, comienza a descubrir quién está destinado a ser en realidad. Pero Sirena quiere encontrarlo, vivo o muerto.
El Jockey, con guion a cargo del propio Luis Ortega junto a Fabián Casas y Rodolfo Palacios, está protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart, Úrsula Corberó, Daniel Giménez Cacho, Mariana Di Girolamo, Daniel Fanego, Osmar Nuñez, Luis Ziembrowski, Roberto Carnaghi, Adriana Aguirre y Roly Serrano.
Andrew Garfield y Florence Pugh protagonizan este drama romántico programado fuera de concurso
El estreno europeo de We Live in Time (Vivir el momento), la nueva película de John Crowley, clausurará fuera de concurso la Sección Oficial de la 72ª edición del Festival de San Sebastián. Andrew Garfield y Florence Pugh protagonizan este drama romántico sobre dos personas cuyas vidas cambian para siempre tras conocerse en un accidente.
Director de cine, teatro y televisión, Crowley (Cork, 1969) debutó en el largometraje con InterMission (2003), incluido en la sección New Directors del Festival. El autor irlandés realizó después trabajos como Boy A (2007), en el que ya dirigió a Andrew Garfield, o Is Anybody There? (¿Hay alguien ahí?, 2008), Closed Circuit (Circuito cerrado, 2013), Brooklyn (2015) y The Goldfinch (El jilguero, 2019). También ha sido director en series como True Detective, Modern Love o Life After Life (Una y otra vez).
Escrito por Nick Payne, el guion de We Live in Time (Vivir el momento) muestra una serie de pasajes de la vida en común de Almut (Florence Pugh) y Tobias (Andrew Garfield), una pareja que aprende a apreciar cada instante del camino por el que transita su historia de amor.
Andrew Garfield dio sus primeros pasos como actor de largometrajes en Lions for Lambs (Leones por corderos, Robert Redford, 2007) y Boy A (John Crowley, 2007). Además de haber encarnado al hombre araña en la franquicia The Amazing Spider-Man, el intérprete angloestadounidense también ha trabajado en filmes como The Social Network (La red social, David Fincher, 2010), Silence (Silencio, Martin Scorsese, 2016), Under the Silver Lake (Lo que esconde Silver Lake, David Robert Mitchell, 2018) y The Eyes of Tammy Faye (Los ojos de Tammy Faye, Michael Showalter, 2021), que le valió a Jessica Chastain la Concha de Plata ex aequo a la mejor interpretación protagonista. Además, Garfield ha optado en dos ocasiones al Óscar al mejor actor por sus papeles en Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre, Mel Gibson, 2016) y en Tick, Tick… Boom! (Lin-Manuel Miranda, 2021).
Entre los principales trabajos de Florence Pugh, nominada al Óscar a la mejor actriz de reparto por Little Women (Mujercitas, 2019), figura una de sus primeras películas, Lady Macbeth (William Oldroyd, 2016), que concursó en la Sección Oficial y ganó el Premio Fipresci en San Sebastián. La actriz británica también ha participado en títulos como Midsommar (Ari Aster, 2019), The Wonder (El prodigio, Sebastián Lelio, 2022, Sección Oficial), Don’t Worry Darling (No te preocupes querida, Olivia Wilde, 2022, Perlak), Black Widow (Viuda negra, Cate Shortland, 2021), A Good Person (Una buena persona, Zach Braff, 2023) o Dune: Part Two (Dune: Parte dos, 2024, Denis Villeneuve).
La película We Live in Time (Vivir el momento) se estrenará en los cines españoles el 3 de enero de 2025 de la mano de Beta Fiction Spain.
We Live in Time (Vivir el momento)
John Crowley (Irlanda)
País(es) de producción: Reino Unido
Intérpretes: Andrew Garfield, Florence Pugh
Almut y Tobias se conocen en un encuentro inesperado que cambia sus vidas. A través de pasajes de su vida en común −se enamoran, construyen un hogar, forman una familia− se nos revela una difícil verdad que amenaza con sacudir sus cimientos. A medida que emprenden un camino que los límites del tiempo desafían, los protagonistas aprenderán a apreciar cada momento del inusual camino que ha tomado su historia de amor, profundamente conmovedora, que abarca una década.
Tras haber colaborado en películas como The Forbidden Room (2015) y The Green Fog (2017), y piezas situadas entre el corto y el mediometraje, Once a Chicken (2015), Lines of the Hand (2015), Accidence (2018), The Rabbit Hunters (2020) y Stump the Guesser (2020), Guy Maddin vuelve a unir fuerzas con Evan Johnson y Galen Johnson en Rumours, film cuyo primer adelanto en forma de un breve teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster promocional. La película, híbrido genérico situado a medio camino entre la comedia excéntrica de tono surrealista y la sátira sobre el horror apocalíptico, tras su premier mundial en el pasado Festival de Cannes, estará presente este mes de septiembre en el TIFF, teniendo previsto un estreno comercial limitado en Estados Unidos para el próximo 18 de octubre de 2024.
En Rumours vemos como los líderes de las siete democracias más ricas del planeta se reúnen para redactar una declaración sobre una crisis mundial. Mas tarde se perderán en el bosque, teniendo que enfrentarse a peligros desconocidos mientras intentan encontrar la salida.
La película, con guion a cargo de Evan Johnson, está protagonizada por Cate Blanchett, Alicia Vikander, Roy Dupuis, Charles Dance, Denis Ménochet, Takehiro Hira, Nikki Amuka-Bird, Zlatko Buric, Ralph Berkin, Rolando Ravello, Alexa Kennedy y Tomi Kosynus.
David Cronenberg siempre quiso ser escritor. Su deseo de escribir, aplazado en varios momentos de su vida por diversos motivos, regresaba una y otra vez. Su necesidad de narrar(se) a través de la palabra escrita, su admiración por los novelistas de ciencia ficción, la devoción por Nabokov, Kafka, Burroughs… Todo lo conducía inevitablemente a expresar su universo personal e intransferible mediante una letra que se fue infectando, con el devenir de los años, con una imaginería audiovisual inigualable. Una necesidad, una (com)pulsión, que ha cristalizado en una mentalidad artística propia y única en la industria cultural. Todo director de cine, dice Cronenberg, crea una realidad virtual.
El autor
Oriol Alonso Cano es profesor de los Estudios de Psicología y Ciencias de la Educación de la Universitat Oberta de Catalunya. También colabora en labores docentes en otros espacios universitarios y culturales. Ha realizado múltiples estudios y trabajos de investigación que se han publicado en varios medios de comunicación nacionales e internacionales y es autor de diversos ensayos y poemarios.
Autor: Oriol Alonso Cano, Editorial: EDICIONES DEL SUBSUELO, Páginas: 188
La mirada del cineasta Paco Plaza sobre el proceso de trabajo y la creatividad en el restaurante Mugaritz, la experiencia de un famoso chef japonés en un restaurante en París, una no ficción sobre la cultura gastronómica del norte de Japón y otra acerca del significado del envejecimiento del queso, así como la esperada segunda parte de El hoyo / The Platform de Galder Gaztelu-Urrutia componen el menú de la sección Culinary Zinema de la 72ª edición del Festival de San Sebastián. Las cuatro primeras películas competirán por el Premio Culinary Zinema, consistente en 10.000 euros para la película ganadora y El hoyo 2 / The Platform 2 clausurará la sección fuera de concurso.
Mugaritz. Sin pan ni postre abrirá la sección el lunes 23 en el Teatro Victoria Eugenia. La propuesta de Paco Plaza (Valencia, 1973), el director de Verónica (Made in Spain 2017) y La abuela (Sección Oficial 2021), va más allá de lo gastronómico. El espectador se convertirá en testigo de excepción del proceso de reinvención que tiene lugar en el restaurante de Andoni Luis Aduriz, uno de los chefs más creativos e influyentes del panorama internacional.
La cineasta Ayuko Tsukahara (Saitama, 1974) relata en Grand Maison Paris la historia de un chef japonés, amante de la cocina francesa, que abre un restaurante en la ciudad de la luz y sufre para conseguir su tercera estrella Michelin. Los platos que aparecen en la película han sido diseñados por Kei Kobayashi, el primer cocinero asiático en recibir tres estrellas Michelin en París.
Tetsuya Uesugi (Sapporo, 1983) debuta en el largometraje con Kita no syokukei / Northern Food Story, que hace un seguimiento de la vida cotidiana de cuatro chefs que trabajan en torno a la rica cultura gastronómica del norte de Japón, en particular de la isla de Hokkaido y su comunidad.
Tras ser seleccionado en la sección de documentales del Festival de Tribeca, Shelf Life competirá por el Premio Culinary Zinema. El director Ian Cheney (Boston, 1980) se propone descifrar si pasar tiempo entre personas que se dedican a envejecer el queso podría dar claves sobre el envejecimiento humano. Cheney confecciona un peculiar tratado sobre el queso, en un recorrido por varios países del mundo, para confirmar la importancia de ese producto legendario.
Tras el éxito global de su primera parte, Galder Gaztelu-Urrutia (Abadiño, 1974) dirige El hoyo 2 /The Platform 2, que clausurará la sección fuera de concurso. En esta nueva entrega protagonizada por Milena Smit y Hovik Keuchkerian, a medida que un líder misterioso impone su ley en El Hoyo, una nueva inquilina se implica en la batalla contra este controvertido método para luchar contra el brutal sistema de alimentación.
Cenas temáticas
Las cinco películas de la sección estarán acompañadas de cenas temáticas, que tendrán lugar entre los días 23 y 27 de septiembre en Basque Culinary Center. Las entradas conjuntas para las proyecciones y las cenas saldrán a la venta este viernes, 30 de agosto, a las 10:00 horas, a través de las páginas web del Festival y de Kutxabank. El precio de las entradas para la proyección y la cena temática es de 80 euros, salvo en el caso de El hoyo 2, que adoptará el formato cóctel y emulará la estética y experiencia de El hoyo y su icónica plataforma; la cena tendrá capacidad para 130 personas y costará 65 euros.
Las cenas temáticas de Culinary Zinema arrancarán el 23 de septiembre tras la proyección del documental Mugaritz. Sin pan ni postre, con una experiencia gastronómica que nos acercará al universo creativo de Mugaritz a través de diferentes platos, miradas y personas que han pasado por el restaurante y que lideran hoy proyectos relevantes a nivel nacional: Miguel Caño (Nublo), Juan Vargas (Muka), Alatz Bilbao (Bakea), Fran Baixas (Franca) y Carlos Salvador (Amaica). El equipo de Mugaritz, que utilizará para su elaboración productos de la huerta de Leire Etxaide, que formó parte de la casa y que coordina el proyecto de la Huerta BCC, cocinará en los fogones de Basque Culinary Center para elaborar un menú que homenajeará la cocina del restaurante con dos estrellas Michelin que invita a abrir la mente y no solo la boca. Los comensales, además, podrán degustar un maridaje acorde con la experiencia gastronómica, gracias a la colaboración de expertos y expertas del mundo líquido que también han sido parte de Mugaritz como Dani Lasa (AMA Brewery).
La cena del 24 de septiembre correrá a cargo de Paulo Airaudo, que se enfrenta al reto de la búsqueda de la excelencia en sus diferentes proyectos alrededor del mundo. El chef argentino brindará la oportunidad de degustar algunas de las elaboraciones de sus diferentes propuestas gastronómicas, Amelia (dos estrellas Michelin), Da Filippo e Ibai, entre otros, con los que ha conquistado paladares de las y los amantes de la alta gastronomía en diferentes rincones del planeta.
La experiencia del 25 de septiembre acercará a los y las asistentes a rica y delicada gastronomía japonesa, ofreciendo, la posibilidad de degustar las elaboraciones de dos chefs como Takeshi Takahashi (Le Santé)e Hiroshi Sakai (Ajidokoro), protagonistas de Kita no syokukei / Northern Food Story.
Al igual que en el filme Shelf Life, el queso será el protagonista indiscutible de la cuarta cena (el jueves 26), que, desde una visión más local, resaltará no solo la riqueza y diversidad de este producto, sino también su arraigo cultural y su valor como producto emblemático del territorio gracias al trabajo y dedicación de chefs de Mahaia Kolektiboa como Roberto Ruiz (HIKA), Dani López (Kokotxa) o Javi Rivero y Gorka Rico (AMA).
Cuando alimentarte del plato equivocado se convierte en una sentencia de muerte, ¿hasta dónde llegarías para salvar tu vida? Jóvenes talentos de la gastronomía darán vida al universo de El Hoyo 2 de la mano del chef Edorta Lamo (Arrea!) y su filosofía furtiva. Con una escenografía inspirada en la película, la última cena de Culinary Zinema (viernes 27) arrancará con un cóctel ofrecido por Aitor Sua y Lucas Fernández (Trèsde Restaurante) y elaboraciones de Jorge Sastre (Sartoria Panatieri, Brabo y Molla), todo ello impregnado de la filosofía disruptiva de Lamo.
Excepto en el cóctel de la película de clausura, en el resto de los casos, Culinary Zinema celebrará su formato habitual de diez comensales por mesa para propiciar diálogos que enriquezcan la experiencia. El profesorado y estudiantes del Basque Culinary Center participarán en todas las cenas colaborando tanto en cocina como en sala.
Mugaritz. Sin pan ni postre
Paco Plaza (España)
País(es) de producción: España
Inauguración
El equipo de Mugaritz trabaja a puerta cerrada para diseñar una propuesta gastronómica en la que no caben «grandes éxitos» del pasado. Cada temporada es un salto al vacío imprevisible. Un camino repleto de preguntas que, con suerte, se responden en la apertura del restaurante cada temporada con el objetivo de desafiar a los comensales curiosos que recojan el guante y acepten el reto.
El hoyo 2 / The Platform 2
Galder Gaztelu-Urrutia (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Milena Smit, Hovik Keuchkerian
Clausura fuera de concurso
A medida que un líder misterioso impone su ley en el Hoyo, una nueva inquilina se implica en la batalla contra este controvertido método para luchar contra el brutal sistema de alimentación. Pero cuando alimentarte del plato equivocado se convierte en una sentencia de muerte, ¿hasta dónde estarías dispuesto a llegar para salvar tu vida?
Shelf Life
Ian Cheney (EEUU)
País(es) de producción: EEUU
Shelf Life arranca con una premisa inusual: ¿pasar tiempo entre personas que envejecen queso podría proporcionar información sobre cómo es para nosotros los humanos envejecer? Un viaje itinerante a lugares remotos e inesperados, que van desde Japón hasta Tblisi, ofrece una experiencia culinaria y temporal inmersiva, intercalada con extrañas meditaciones visuales destinadas a desperta la curiosidad y plantear nuevas preguntas.
Grand Maison Paris
Ayuko Tsukahara (Japón)
País(es) de producción: Japón – Reino Unido
Intérpretes: Takuya Kimura, Ok Taecyeon , Kyōka Suzuki
El famoso chef japonés Obana abre un nuevo restaurante en París en busca de su esquiva tercera estrella Michelin. Pero a Obana le resulta difícil la vida como forastero en París e incluso tiene problemas para conseguir ingredientes. Su ambición causa tensiones con su equipo, incluido el pâtissier Yuan y el sous chef Rinko. Cuando su menú para una gala resulta ser un desastre, Obana le promete a su antiguo mentor que si no obtiene las tres estrellas, se irá de París. ¿Será capaz de lograrlo?
Kita no syokukei / Northern Food Story
Tetsuya Uesugi (Japón)
País(es) de producción: Japón
Cocina tradicional japonesa, cocina francesa y sushi. A través de las hermosas estaciones de Hokkaido, seguimos la vida cotidiana de cuatro chefs que practican sus artes culinarias, junto a agricultores y ciudadanos y la cultura del norte de Japón.
Lucecita (José Luis Madrid, 1976). Int.: Analía Gadé. Juan Luis Galiardo, Susana Estrada. España. 35 mm. Color. 96’
Me olvidé de vivir (Orlando Jiménez Leal, 1980). Int.: Julio Iglesias, Isa Lorenzm Carol Lynley. España. 35 mm. Color. 90’
Iniciamos temporada con un programa doble intenso y melodramático, fascinados por la publicación de Criaturas estáticas, un repaso a la historia de la fotonovela y una recopilación de sus mejores páginas.
Empezamos con Lucecita, dirigida por José Luis Madrid, alumno de la EOC especializado en serie B, que reunió a un reparto lleno de caras conocidas: Analía Gadé, Juan Luis Galiardo, Susana Estrada, Narciso Ibáñez Menta o el gran Eduardo Fajardo. Lucecita, una humilde empleada doméstica, trabaja en una casa de alta alcurnia. Su vida se complica cuando conquista el corazón de Gustavo, despertando el desprecio y el odio de las mujeres de la casa. Estamos ante un vodevil lleno de bajas pasiones, mentiras, traiciones y sofocos varios, como necesita toda buena telenovela, origen de este auténtico fenómeno intercontinental. Su autora original, la escritora cubana Delia Fiallo, fue una de las reinas del género, responsable además de enganchar a la España de los noventa con Cristal. Como recuerda Manuel Moreno, autor junto a Maite Zabaleta de Criaturas estáticas, “Lucecita fue una de las fotonovelas más vendidas en los años 70 en España, pero también fue radionovela y película, así como merecedora de libros en los que la intelectualidad intentaba, en vano, entender su éxito.” Como pasa con la serie B, estaba mal visto hacer fotonovelas, radionovelas y telenovelas, pero muchos actores y guionistas sobrevivían gracias a ellas, normalmente con seudónimos.
Había fotonovelas de todo tipo, no solo románticas, también de acción, de terror, de humor y hasta de vidas de famosos. Julio Iglesias tuvo su propia fotonovela y es el protagonista de nuestra segunda película: Me olvidé de vivir, una apología del latin-lover mezclada con un largo comercial de viajes. Según Moreno: “Si en La vida sigue igual Julio Iglesias fue protagonista de su propio biopic, en Me olvidé de vivir protagonizaba una ficción que encajaba perfectamente con sus letras y con el personaje que sus fans se habían creado, digno de fotonovelas.”
Presentan la sesión la actriz Susana Estrada, Manuel Moreno, editor, escritor y coleccionista de revistas baratas, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10’. (Total sesión: 190’). Antes de la proyección, de 19:30 a 20:00 en el hall del Doré, tendrá lugar la presentación del libro Criaturas estáticas (Libros Walden), de Manuel Moreno y Maite Zabaleta, que contará con la presencia de Manuel Moreno y la editora Ruby Fernández.
Llega a Filmin la nueva película de Andrea Jaurrieta (“Ana de día”), un western contemporáneo protagonizado por Patricia López Arnaiz (“20.000 especies de abejas») y Darío Grandinetti (“Empieza el baile”).
El 6 de septiembre Filmin estrena “Nina”, la nueva película de Andrea Jaurrieta (“Ana de día”). Se trata de un western contemporáneo sobre la venganza protagonizado por Patricia López Arnaiz (“20.000 especies de abejas») y Darío Grandinetti (“Empieza el baile”). La película fue una de las más aplaudidas del último Festival de Málaga, donde recibió el Premio de la Crítica, y del Festival D’A. Además, se estrenó en las salas de cine el pasado mes de mayo distribuida por BTeam Pictures.
“Nina” cuenta la historia de una mujer (López Arnaiz) que decide volver al pueblo costero donde creció, con una escopeta en el bolso y un objetivo: vengarse de Pedro (Grandinetti), un famoso escritor al que ahora rinden homenaje y que abusó de ella cuando era menor. El reencuentro de Nina con su lugar de origen, con sus recuerdos del pasado y con Blas, un amigo de la infancia, le hará replantearse si la venganza es su única opción. “Es muy fácil tipificar una violación de una menor, pero ¿cómo delimitar el abuso cuando hay un aparente consentimiento?”, se pregunta la directora.
La historia surge de la obra de teatro homónima de José Ramón Fernández, que a su vez es una versión libre del texto de Anton Chéjov “La Gaviota”. La cineasta explica: “La adaptación cinematográfica que yo presento supone una nueva revisión en el presente desde el punto de vista de Nina (adolescente y adulta) mediante una estructura narrativa cercana al western y un acercamiento visual más poético y contemporáneo”. Así, como una John Wayne moderna, la protagonista busca venganza rifle en mano. “Es el momento de que la mujer coja una escopeta… Hablo, entiéndase, metafóricamente”, explica Jaurrieta a El Mundo. “Ahora estamos en disposición de hablar de cosas de las que nunca hemos hablado y enfrentarnos a ellas. Hay que coger el toro por los cuernos. No estoy diciendo que hay que matar a nadie. Simplemente, el código que facilita el western es ése y creo que es muy útil porque forma parte de la mirada de todos”.
Concluida su última y notable trilogía de la redención, First Reformed (2017), The Card Counter (2021) y Master Gardener (2022), el veterano Paul Schrader vuelve a reunirse con Richard Gere, cuarenta y cuatro años después American Gigoló, con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Oh Canada, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que adapta la novela de Russell Banks, tras su premier mundial en el pasado Festival de Cannes, llegará de la mano de Avalon a las salas comerciales de nuestro país el próximo 25 de diciembre, previo paso por el Zinemaldia en donde estará presente dentro de la sección Perlas.
Oh Canada cuenta la historia de Leonard Fife, un exiliado que huyó a Canadá durante la guerra de Vietnam. Al borde de la muerte, Fife concede una última entrevista a uno de sus antiguos alumnos para contarle toda la verdad sobre su vida. Una confesión filmada delante de su mujer.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Paul Schrader, está protagonizada por Richard Gere, Uma Thurman, Jacob Elordi, Michael Imperioli, Kristine Froseth, Victoria Hill, Aaron Roman Weiner, Ryan Woodle, Megan MacKenzie, Joshua Wills, Gary Hilborn, Jean Brassard y Amanda Lea Mason.
‘Marco’, de Jon Garaño y Aitor Arregi, clausurará la sección, que también mostrará fuera de concurso ‘The Wild Robot’ y ‘Maria Callas: Letters and Memories’
La Palma de Oro y una amplia representación del palmarés del último Festival de Cannes, el Oso de Plata-Gran Premio del Jurado de la Berlinale o el Cristal al mejor largometraje en Annecy competirán por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián junto a otras películas seleccionadas en la Mostra de Venecia y el Festival de Toronto, entre otras citas. Andrea Arnold, Jacques Audiard, Sean Baker, Francis Ford Coppola, Emmanuel Courcol, Adam Elliot, Coralie Fargeat, Payal Kapadia, Mohammad Rasoulof, Walter Salles, Hong Sangsoo, Paul Schrader y Paolo Sorrentino mostrarán sus largometrajes en una sección que incluirá tres títulos fuera de concurso: Marco, con el que Jon Garaño y Aitor Arregi clausurarán Perlak en el Velódromo; el filme de animación TheWild Robot (Robot salvaje), de Chris Sanders, y la no ficción Maria Callas: Letters and Memories, de Tom Volf y Yannis Dimolitsas.
Emilia Pérez, que brindó a Jacques Audiard (París, 1952) el Premio del Jurado en el último Festival de Cannes, inaugurará Perlak a concurso. El elenco femenino integrado por Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón, Selena Gomez y Adriana Paz ganó también de modo colectivo el Premio a la mejor actriz por esta película en la que un narco mexicano decide cambiar de sexo y en cuyo reparto también figura Edgar Ramírez. Audiard ya conquistó en Cannes el Gran Premio del Jurado gracias a Un Prophète / A Prophet (Un profeta, Perlak, 2009) y la Palma de Oro con Dheepan (2015), mientras que en la Mostra de Venecia se hizo con el Premio a la mejor dirección con Les frères Sisters / The Sisters Brothers (Los hermanos sisters, Perlak, 2018). En 2009 su película De battre mon coeur s’est arrêté / The Beat That My Heart Skipped (De latir mi corazón se ha parado, 2004) participó en la retrospectiva temática La Contraola: novísimo cine francés.
Tras presentar Cow (Vaca, 2021) en Cannes Premiere, Andrea Arnold (Dartford, 1961) mostrará en Perlak Bird, película incluida en la Sección Oficial de Cannes, donde ha sido tres veces ganadora del Premio del Jurado gracias a Red Road (2006), Fish Tank (2009) y American Honey (2016). El nuevo trabajo de la cineasta británica narra la historia de una adolescente de 12 años que vive con su padre y hermano en una casa ocupada en el norte de Kent.
Anora, la película ganadora de la última Palma de Oro de Cannes, también figura en la selección de Perlak. Su autor, Sean Baker (Summit, 1971), plantea la peripecia de una joven trabajadora sexual de Brooklyn que se casa con un oligarca ruso. Será la tercera participación del director estadounidense en la sección después de The Florida Project (Perlak, 2017), estrenada en la Quincena de Cineastas de Cannes, y Red Rocket (Perlak, 2021), que compitió en la selección oficial del Festival de Cannes.
Francis Ford Coppola (Detroit, 1939) también concursó en la última edición del festival galo con Megalopolis (Francis Ford Coppola’s Megalópolis – Una fábula), una épica fábula romana ambientada en una imaginaria América y protagonizada, entre otras figuras, por Adam Driver, Giancarlo Esposito, Nathalie Emmanuel, Aubrey Plaza y Shia LaBeouf. Ganador de seis Oscars, incluido uno en reconocimiento a toda su trayectoria, en 2002 Coppola se alzó con el Premio Especial 50 Aniversario del Festival de San Sebastián, donde al inicio de su carrera logró la Concha de Oro con The Rain People (Llueve sobre mi corazón, 1969). También concursó con Rumble Fish (La ley de la calle, 1984) en la sección Oficial, que acogió fuera de concurso The Godfather Part II (El padrino: Parte II, 1975), The Conversation (La conversación, 1974) y Apocalypse Now (1979).
Cannes Premiere acogió el estreno de En fanfare / The Marching Band (Por todo lo alto), una comedia sobre un director de orquesta de renombre que descubre la existencia de un hermano que comparte su pasión por la música. Se trata del tercer largometraje del realizador francés Emmanuel Courcol (París, 1958), autor de Cessez-le-feu (Alto el fuego, 2016) y Un triomphe (El triunfo, 2020), que obtuvo el Premio a la mejor comedia en los galardones del cine europeo.
Especializado en el cine de animación, el director australiano Adam Elliot (Melbourne, 1972) mostrará en Perlak la película con la que ganó el Cristal al mejor largometraje en el Festival de Annecy, Memoir of a Snail (Memorias de un caracol), sobre una solitaria niña aficionada a coleccionar figuras decorativas de caracoles que siente un amor profundo por las novelas románticas. Se trata de su segundo trabajo largo después de Mary and Max (2009), que también venció en Annecy y fue programado en la retrospectiva Animatopía. Los nuevos caminos del cine de animación, y de obras como el cortometraje ganador del Oscar Harvie Krumpet (2003).
Coralie Fargeat (París, 1976), que debutó con Revenge (2017) y obtuvo el Premio a la mejor dirección en el Festival de Sitges, mostrará The Substance (La sustancia), ganadora del Premio al mejor guion en Cannes. Protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid, la segunda obra de la cineasta francesa trata sobre un producto revolucionario basado en la división celular que crea un alter ego más joven, bello y perfecto.
La directora india Payal Kapadia (Bombay, 1986), que obtuvo el Œil d’Or al mejor debut documental con A Night of Knowing Nothing (2021), programado en la Quincena de Cineastas de Cannes, presentará en San Sebastián su segunda película, All We Imagine as Light (Lo que imaginamos como luz), ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes. El filme sigue los pasos de una enfermera que se refugia en el trabajo para suprimir recuerdos dolorosos hasta que un regalo inesperado reabre las heridas del pasado.
El cineasta iraní Mohammad Rasoulof (Shiraz, 1972) estará en Perlak con la película ganadora del Premio Especial del Jurado y del Premio FIPRESCI en Cannes, Daney Anjir Maabed /The Seed of the Sacred Fig, en la que un juez se enfrenta a la paranoia en medio de los disturbios políticos de Teherán. El director, que participó en la Sección Oficial de San Sebastián con Keshtzar haye sepid / The White Meadows (2009), posee, entre otras distinciones, el Premio a la mejor película en Un Certain Regard de Cannes por Lerd / A Man of Integrity (2017) y el Oso de Oro por Sheytan Vojood Nadarad / There Is No Evil (La vida de los demás, 2020).
Walter Salles (Río de Janeiro, 1956) regresará a Perlak con Ainda Estou Aqui / I’m Still Here, que sigue la lucha de la mujer de un político laborista que desaparece durante la dictadura brasileña. El director, que concursará en Venecia con este filme, comenzó a destacar con Terra estrangeira (Zabaltegi-Nuevos Directores, 1995), a la que siguieron Central do Brasil (Estación central de Brasil, 1998), que tras lograr distinciones como el Oso de Oro o el Globo de Oro a la mejor película extranjera se hizo con los premios del Público y de la Juventud en San Sebastián. Este último galardón volvió a obtenerlo con Diarios de motocicleta (The Motorcycle Diaries, 2004), programada en Perlak al igual que el filme colectivo Paris, je t’aime (2006). Además, su documental Jia Zhang-ke, um homem de Fenyang / Jia Zhangke, A Guy From Fenyang (2015) se proyectó en Zabaltegi-Tabakalera.
Yeohaengjaui pilyo / A Traveler’s Needs (Necesidades de una viajera), ganadora del Oso de Plata-Gran Premio del Jurado en el último Festival de Berlín, es la nueva película de Hong Sangsoo (Seúl, 1960), en la que Isabelle Huppert interpreta a una mujer francesa que se instala en Corea. El prolífico cineasta concursó en la Sección Oficial de San Sebastián con Dangsinjasingwa dangsinui geot / Yourself and Yours (2016), que le brindó la Concha de Plata a la mejor dirección, y con Top / Walk Up (2022). En Zabaltegi-Tabakalera ha participado con Geu-hu / The Day After (2017), que concursó en Cannes, y con Domangchin yeoja / The Woman Who Ran (2020), que recibió una Mención Especial del Premio Zabaltegi-Tabakalera tras lograr el Oso de Plata a la mejor dirección en Berlín.
El director y guionista Paul Schrader (Grand Rapids, 1946) estará en Perlak con la película que llevó a Cannes, Oh Canada. Protagonizado por Richard Gere, Uma Thurman y Jacob Elordi, el filme trata sobre un documentalista que decide contar toda la verdad sobre su vida. Schrader, que había escrito los guiones de títulos como Yakuza (Sidney Pollack, 1975) o Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), presentó su debut tras la cámara, Blue Collar (1978), en la sección Barrios y Pueblos de San Sebastián en 1982. Años más tarde compitió por la Concha de Oro con Auto Focus (2002) y en 2019 la sección Klasikoak recuperó su película Mishima: A Life in Four Chapters (Mishima, una vida en cuatro capítulos, 1985).
Paolo Sorrentino (Nápoles, 1970), que estuvo en las Conversaciones del Festival de San Sebastián con È stata la mano di dio / The Hand of God (Fue la mano de Dios, 2021) tras ganar el Gran Premio del Jurado de Venecia, participará en Perlak con Parthenope, una epopeya femenina estrenada en Cannes. Entre los trabajos más destacados del director italiano figuran Il Divo (2008), que obtuvo el Premio del Jurado en Cannes; La grande bellezza (La gran belleza, 2013), ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa, y Youth (La juventud, 2016), que cosechó tres Premios del Cine Europeo.
Estas trece películas son candidatas al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián, patrocinado por el Ayuntamiento de San Sebastián, que es otorgado por el público asistente al primer pase de la película. El Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián se compone de dos galardones: el premio a la mejor película, dotado con 50.000 euros, y el premio a la mejor película europea, de 20.000 euros, destinados a las distribuidoras de las películas en España.
Tres ‘perlas’ fuera de concurso
Tras su paso por la sección Orizzonti de la Mostra de Venecia, Marco, la nueva película de Jon Garaño (San Sebastián, 1974) y Aitor Arregi (Oñati, 1977) clausurará Perlak fuera de concurso en el Velódromo. El actor Eduard Fernández da vida al personaje real de Enric Marco, un hombre que falseó su biografía para hacerse pasar por superviviente del campo de concentración de Flossenbürg. Los cineastas vascos han participado antes en la Sección Oficial de San Sebastián con Loreak / Flowers (2014), Handia (Premio Especial del Jurado y Premio Irizar, 2017) y La trinchera infinita / The Endless Trench (Concha de Plata a la mejor dirección y Premio al mejor guion, 2019), en cuya dirección también intervino Jose Mari Goenaga.
The Wild Robot (Robot salvaje) es una épica Aventura de DreamWorks Animation sobre una robot perdida en una isla deshabitada donde adopta a una cría de ganso huérfana. Este filme de animación que se estrenará en Toronto y está dirigido por Chris Sanders (Colorado, 1962) cuenta en su versión original con un elenco de voces entre las que figuran Lupita Nyong’o, Pedro Pascal, Catherine O’Hara, Bill Nighy, Kit Connor, Stephanie Hsu, Mark Hamill, Matt Berry y Ving Rhames.
Por último, Perlak acogerá la proyección fuera de concurso de la no ficción Maria Callas: Letters and Memories, un viaje íntimo a través de la legendaria soprano Maria Callas, interpretada por la actriz Monica Bellucci. Tras ser estrenada en la Festa del Cinema di Roma y pasar por el Festival de Tesalónica, esta película dirigida por Tom Volf y Yannis Dimolitsas (Chania, 1986) utiliza recuerdos nunca vistos, cartas e imágenes exclusivas para recordar al icono del bel canto.
Emilia Pérez
Jacques Audiard (Francia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón, Selena Gomez, Adriana Paz, Édgar Ramírez, Mark Ivanir
Inauguración a concurso
Sobrecualificada e infravalorada, Rita es abogada de un gran bufete que está más interesado en sacar a los criminales del atolladero que en llevarlos ante la justicia. Un día, se le presenta una salida inesperada cuando Manitas, el líder de un cártel, la contrata para que le ayude a retirarse de sus negocios y hacer realidad un plan que lleva años preparando en secreto: convertirse en la mujer que siempre ha soñado ser.
Marco
Jon Garaño (España), Aitor Arregi (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Eduard Fernández, Nathalie Poza
Clausura fuera de concurso
Enric Marco fue un deportado que nunca existió, un hombre que durante años fue capaz de mantener, ante la opinión pública y su propia familia, una mentira difícil de imaginar: que había sido prisionero en un campo de concentración nazi. Carismático y convincente, Marco ascendió a la presidencia de la Asociación Española de Víctimas del Holocausto, donde se convirtió en una figura destacada y admirada por su supuesta valentía y sufrimiento. Hasta que un día un historiador descubre que su relato es completamente falso.
Concurso
Ainda Estou Aqui / I’m Still Here
Walter Salles (Brasil)
País(es) de producción: Brasil – Francia
Intérpretes: Selton Mello, Fernanda Montenegro,
Río de Janeiro, principios de la década de 1970. Brasil se enfrenta a un control cada vez más férreo de la dictadura militar. Conocemos a la familia Paiva: Rubens, Eunice y sus cinco hijos. Viven junto a la playa, en una casa alquilada con las puertas siempre abiertas para sus amistades. El afecto y el humor con que se tratan mutuamente constituyen un modo propio y sutil de resistencia a la opresión que asfixia al país. Un día, sufren un acto violento y arbitrario que cambiará sus vidas para siempre y tras el cual Eunice se verá obligada a reinventarse y labrarse un nuevo futuro para ella y sus hijos. Conmovedora historia de una familia, basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, que contribuyó a la reconstrucción de una parte importante de la historia oculta de Brasil.
All We Imagine as Light (Lo que imaginamos como luz)
Payal Kapadia (India)
País(es) de producción: Francia – India – Países Bajos – Luxemburgo
En Mumbai, la rutina de la enfermera Prabha se altera cuando recibe un regalo inesperado de su marido, del que está distanciada. Su joven compañera de cuarto, Anu, intenta en vano encontrar un lugar en la ciudad para tener intimidad con su novio. Un viaje a un pueblo costero les permite hallar un espacio para que sus deseos se manifiesten.
Anora
Sean Baker (EEUU)
País(es) de producción: EEUU
Intérpretes: Mikey Madison, Mark Eydelshteyn, Yura Borisov, Karren Karagulian, Vache Tovmasyan
Anora, una joven trabajadora sexual de Brooklyn, tiene la oportunidad de hacer realidad el cuento de Cenicienta al conocer y casarse impulsivamente con el hijo de un oligarca. Pero cuando la noticia llega a Rusia, su cuento de hadas amenaza con derrumbarse, ya que los padres se desplazan a Nueva York con la intención de anular el matrimonio.
Bird
Andrea Arnold (Reino Unido)
País(es) de producción: Reino Unido
Intérpretes: Barry Keoghan, James Nelson-Joyce, Franz Rogowski, Jasmine Jobson, Joanne Matthews
Bailey, de 12 años, vive con su padre soltero Bug y su hermano Hunter en una casa ocupada del norte de Kent. Bug no tiene mucho tiempo para sus hijos y Bailey, que se acerca a la pubertad, busca atención y aventuras por su cuenta.
El juez de instrucción Iman se enfrenta a la paranoia en medio de los disturbios políticos de Teherán. Cuando su pistola desaparece, sospecha de su mujer y sus hijas, imponiendo medidas draconianas que tensan los lazos familiares a medida que las normas sociales se desmoronan.
En fanfare / The Marching Band (Por todo lo alto)
Emmanuel Courcol (Francia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Benjamin Lavernhe, Pierre Lottin
Thibaute es un director de orquesta de renombre internacional que viaja por el mundo. Cuando se entera de que fue adoptado, descubre la existencia de un hermano menor, Jimmy, que trabaja en la cafetería de una escuela y toca el trombón en una pequeña banda de música. Todo parece diferenciarlos, excepto su amor por la música.
Megalopolis (FRANCIS FORD COPPOLA)
Francis Ford Coppola (EEUU)
País(es) de producción: EEUU
Intérpretes: Adam Driver, Giancarlo Esposito, Nathalie Emmanuel
Nueva Roma debe cambiar, lo que provoca un conflicto entre César Catilina, un genio artista que busca saltar hacia un futuro utópico e idealista, y su opositor, el alcalde Franklyn Cicero, que sigue comprometido con un statu quo regresivo, perpetuando la codicia, los intereses particulares y la guerra partidista.
Memoir of a Snail (Memorias de un caracol)
Adam Elliot (Australia)
País(es) de producción: Australia
En la Australia de los años 70, la vida de Grace está marcada por la desgracia y la pérdida. Cuando su unidad familiar se desmorona y es separada de su hermano gemelo, Gilbert, desarrolla una afición a coleccionar adornos de caracoles para calmar su soledad. Grace encuentra esperanza cuando desarrolla una amistad con una anciana excéntrica, Pinky, quien la inspira a salir de su caparazón y dejar de lado las cosas que alborotan su hogar y su mente.
Oh Canada
Paul Schrader (EEUU)
País(es) de producción: EEUU
Intérpretes: Richard Gere, Jacob Elordi, Uma Thurman, Michael Imperioli, Kristine Froseth
Oh Canada cuenta la historia de Leonard Fife, un exiliado que huyó a Canadá durante la guerra de Vietnam. Al borde de la muerte, Fife concede una última entrevista a uno de sus antiguos alumnos para contarle toda la verdad sobre su vida. Una confesión filmada delante de su mujer. Basada en el texto de Russell Banks, la película explora la vida de un hombre inestable y cobarde, que buscó refugio en Canadá sin intenciones políticas. Schrader teje un relato de memoria y arrepentimiento, reflejando errores del pasado y el deseo de redención.
Parthenope
Paolo Sorrentino (Italia)
País(es) de producción: Italia – Francia
Intérpretes: Celeste Dalla Porta, Gary Oldman, Stefania Sandrelli
El largo viaje de la vida de Parthenope, desde su nacimiento en 1950 hasta hoy. Una epopeya femenina desprovista de heroísmo pero rebosante de una pasión inexorable por la libertad, Nápoles y los rostros del amor, todos esos amores verdaderos, inútiles e indecibles. El perfecto verano de Capri, el desenfado de la juventud, que acaba en emboscada. Y luego todos los demás: los napolitanos, hombres y mujeres, observados y amados, desilusionados y vitales, sus olas de melancolía, sus ironías trágicas.
The Substance (La sustancia)
Coralie Fargeat (Francia)
País(es) de producción: Reino Unido
Intérpretes: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, Gore Abrams, Tom Morton
«Tú, pero mejor en todos los sentidos». Esa es la promesa de La Sustancia, un producto revolucionario basado en la división celular que crea un alter ego más joven, más bello, más perfecto.
Yeohaengjaui pilyo / A Traveler’s Needs (Necesidades de una viajera)
Hong Sangsoo (Corea del Sur)
País(es) de producción: Corea del Sur
Intérpretes: Isabelle Huppert, Lee Hyeyoung, Kwon Haehyo
Iris, una viajera misteriosa, vagabundea por las afueras de Seúl. Allí convence a una serie de personas para enseñarles francés con un método tan poco ortodoxo como seductor, a pesar de su falta de experiencia. Entre paseos por el parque y botellas de vino de arroz makgeolli, Iris parece de pronto una más de la familia. Con sombrero de paja, vestido de flores y chaquetilla verde, su personalidad desinhibida crea a su alrededor un clima de confianza, diversión y aprendizaje que provoca momentos hilarantes fruto de su desparpajo y algún malentendido.
Fuera de concurso
Maria Callas: Letters and Memories
Tom Volf (Francia), Yannis Dimolitsas (Grecia)
País(es) de producción: Francia – Italia – Grecia
Intérpretes: Monica Bellucci
Fuera de concurso
Un recorrido íntimo por la vida de la legendaria soprano Maria Callas, interpretada por Monica Bellucci. A partir de recuerdos, cartas e imágenes exclusivas nunca antes vistas, Callas habla abiertamente de su humilde infancia en Nueva York hasta el cenit de su carrera global. Rodeada de recuerdos espectrales de su pasado, descubrimos a la mujer detrás del ícono, tendiendo un puente entre sus personalidades pública y privada. Un homenaje atemporal a una leyenda eterna.
The Wild Robot (Robot Salvaje)
Chris Sanders (EEUU)
País(es) de producción: EEUU
Fuera de concurso
Una épica aventura de DreamWorks Animation sobre el viaje de una robot que ha naufragado en una isla deshabitada y que deberá aprender a adaptarse al duro entorno, forjando poco a poco relaciones con la fauna local y convirtiéndose en madre adoptiva de una cría de ganso huérfana.‘Marco’, de Jon Garaño y Aitor Arregi, clausurará la sección, que también mostrará fuera de concurso ‘The Wild Robot’ y ‘Maria Callas: Letters and Memories’
Empiezan a ver la luz los primeros adelantos de algunas de las películas que se podrán ver en la próxima edición del Festival de San Sebastián, Brûle la sang, coproducción entre Francia, Bélgica y Austria cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en el largometraje del georgiano Akaki Popkhadze (Tbilissi,1991), autor de cortos como Je vois (2019) o Ici en silence tout hurle (2023). La película estará presente en el Zinemaldia dentro de la sección New Directors el próximo mes de septiembre.
Brûle la sang nos sitúa en un barrio obrero de Niza, Francia, es asesinado un pilar de la comunidad georgiana. Su hijo Tristan, que quiere ser sacerdote ortodoxo, es el único apoyo de su afligida madre. Gabriel, su hermano mayor con un pasado turbulento, reaparece tras un largo exilio para vengarse y restaurar el honor de la familia.
La película, con guion a cargo del propio Akaki Popkhadze junto a Florent Hill, está protagonizada por Nicolas Duvauchelle, Florent Hill-Chouaki, Denis Lavant, Finnegan Oldfield, Ia Shugliashvili, Sandor Funtek, Catherine Allégret, David Ayala y Jean-Philippe Ricci.
El pasado educativo tiene en el cine español un aliado esencial para su representación. Desde el franquismo son numerosas las películas ambientadas en el aula, en las que destaca el papel del profesorado y del alumnado, pero es a partir de la Transición y la llegada de la democracia que se introduce la crítica, tanto de la Segunda República como de la dictadura. Por ello, resulta necesario conocer el retrato que el celuloide ha hecho de los docentes desde estas etapas y hasta la década de los noventa, en el periodo de ochenta años comprendido entre la posguerra y la actualidad.
El autor
Valeriano Durán Manso, (Talavera la Real, Badajoz, 1984). Profesor titular en el Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universidad de Sevilla, doctor en Comunicación, licenciado en Periodismo por la misma universidad y graduado en Comunicación Audiovisual por la Universitat Oberta de Catalunya. Pertenece al Grupo de Investigación en Análisis de Medios, Imágenes y Relatos Audiovisuales (AdMIRA). Sus líneas de investigación giran en torno a la historia del cine universal, la historia del cine español, la narrativa audiovisual –centrándose en la construcción del personaje audiovisual–, y la representación cinematográfica del pasado histórico-educativo. Entre otras publicaciones, es autor de numerosos artículos científicos sobre estas materias en revistas académicas de impacto y coordinador del libro Rompiendo el Código: personajes y sexualidades latentes en el Hollywood clásico (ReaDuck Ediciones, 2020). Asimismo, es colaborador habitual de la revista cinematográfica Versión Original.
Después de estar presente en 2020 con Eté 85, el realizador francés François Ozon vuelve a competir en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián con el drama Quand vient l’automne, film cuyo primer teaser tráiler subtitulado al castellano acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película llegará a las carteleras galas el próximo 2 de octubre, a nuestro país de la mano de LAZONA Pictures y Caramel Films lo hará el 13 de diciembre de 2024 con el título de Cuando cae el otoño.
En Quand vient l’automne vemos como Michelle es una mujer jubilada cuya vida cambia de forma repentina cuando, estresada por la visita de su hija, le cocina unas setas silvestres tóxicas. Todo lo que acontece después parece fruto del infortunio, pero la sombra de la duda crece en su interior cuando conoce al hijo de su mejor amiga, que acaba de salir de prisión.
La película, con guion a cargo del propio François Ozon, esta protagonizada por Hélène Vincent, Josiane Balasko, Ludivine Sagnier, Pierre Lottin, Sophie Guillemin, Vincent Colombe y Marie-Laurence Tartas.
Protagonizada por Ángela Molina, Alfredo Castro y Mònica Almirall, esta gran historia de amor incondicional propone un viaje emocional sobre la decisión de morir a través de la comedia, el drama, la música de María Arnal y la danza de La Veronal
La producción hispano suiza Polvo serán, que dirige el cineasta Carlos Marques-Marcet (10.000 KM, Los días que vendrán), abrirá la 69 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid el próximo 18 de octubre.
En Polvo serán, Marques-Marcet pone una vez más el foco sobre la condición humana. Si en sus anteriores trabajos abordaba la llegada de una nueva vida (Los días que vendrán) y el amor (10.000 KM, Tierra firme), en esta ocasión propone un viaje emocional en forma de tragicomedia musical sobre las consecuencias de elegir poner fin a la propia vida.
La película está protagonizada por un destacado plantel de intérpretes encabezado por Ángela Molina, el actor chileno Alfredo Castro (El Club, Neruda) y la actriz catalana Mònica Almirall, fundadora de la compañía Atresbandes (Desert, Aspecto global de una cuestión), que debuta en la gran pantalla.
Tras ser diagnosticada con una enfermedad terminal, Claudia (Ángela Molina) decide hacer su último viaje a Suiza. Flavio (Alfredo Castro), que no se ha separado de ella en cuarenta años, decide acompañarla en este viaje sin retorno. Su hija Violeta (Mònica Almirall) se convierte en mediadora entre sus padres y todo aquello que dejan atrás, a la vez que busca su sitio en esta historia de amor incondicional.
Escrita por Marques-Marcet junto a Clara Roquet (guionista de las películas estrenadas en Seminci Libertad –que también dirigía- o Que nadie duerma) y Coral Cruz (Uno para todos), la banda sonora corre a cargo de la artista, cantante y compositora Maria Arnal –Premio Ojo Crítico de RTVE y mejor álbum y mejor canción de los Premios de la Música Independiente en 2018-, y que también compuso con John Talabot la pieza AIR para la Bienal de Arquitectura de Venecia 2021.
Además, las coreografías de la película son creación de La Veronal, prestigiosa compañía de danza fundada y dirigida por Marcos Morau, Premio Nacional de Danza en 2013 y Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia en 2023. Con La Veronal, ha recorrido festivales y teatros internacionales como el Théâtre National de Chaillot en París, la Biennale di Venezia o el Festival d’Avignon.
Del amor a la muerte a través de la comedia, el drama, la música, la danza… Según Marques-Marcet, su película “se pregunta sobre las cuestiones que nos hacemos todos: cómo queremos vivir y dejar de vivir, cómo queremos estar con la gente que tenemos cerca, cómo compartimos nuestras decisiones con nuestros seres queridos, cómo nos acompañamos y nos entendemos”. Para el director, “es un honor inaugurar Seminci, un festival con una gran trayectoria que ha ayudado a impulsar la carrera de muchos cineastas, y compartir con el público esta película tan particular, a la que tengo mucho cariño. Nos ha costado mucho hacerla pero creo que Polvo serán es bastante original y especial, y no va a dejar indiferente a nadie”.
Rodada en Barcelona, los Alpes italianos y Suiza, Polvo serán es una producción de la compañía Lastor Media de Tono Folguera y Ariadna Dot (Creatura, Suro, Mediterráneo, El maestro que prometió el mar); la suiza Alina Film de Eugenia Mumenthaler y David Epiney, productora de Abrir puertas y ventanas (Leopardo de Oro en el Festival de Locarno), El año del descubrimiento, El agua o Azor; y la italiana Kino Produzioni (La bella estate, My Summer with Irene, Alcarràs) de Giovanni Pompili. El film cuenta con la colaboración del ICAA, ICEC y MEDIA – Europa Creativa, más el apoyo de RTVE, Movistar Plus+, Direzione Generale Cinema e Audiovisivo del Ministero della Cultura DGCA – MIC, IDM Film Fund & Commission Südtirol Alto Adige y Eurimages. La película será distribuida en cines españoles por Wanda Vision y Elástica Films.
Carlos Marques-Marcet (Barcelona, 1983) es uno de los cineastas con más proyección del panorama actual. Director, montador y guionista, ganó el Goya al Mejor Director Novel (2015) por su ópera prima, 10.000 KM, film que además le reporta numerosos premios en, entre otros, el South By Southwest Film Festival SXSW (2014), el Festival de Málaga o los Premios Gaudí, así como la nominación en los European Film Awards.
Tras dirigir en 2015 la TV Movie 13 Dies d’Octubre -Premio Gaudí a la Mejor Película para Televisión 2016-, estrena en el BFI London Film Festival Tierra firme (2017), su segundo largometraje, y completa un intenso recorrido por festivales entre los que destacan Rotterdam, Guadalajara y Sevilla. En 2019 presenta en el Festival de Róterdam Los días que vendrán, película que narra las vicisitudes, dudas y discusiones de una pareja con apenas un año de relación que van a tener un hijo sin haberlo planeado, es elegida como mejor película en los Premios Gaudí y en el Festival de Málaga. Su filmografía se completa con los trabajos para televisión En el corredor de la muerte (2019), En casa (2020), Escenario 0 (2020) La ruta (2022) y La mort de Guillem (2020).
Nathan se considera a sí mismo un hombre normal. Un buen día despierta en una montaña helada, sin recordar cómo ha llegado hasta allí. Conforme prosiga en su inquietante e imaginativo descenso a los infiernos, conocerá a personas que le obligarán a replantearse la percepción que tiene de sí mismo y de su vida hasta ese momento.
En la sección Noves Visions de la pasada edición del Festival de Sitges se pudo ver Pandemonium, cinta del artista multidisciplinar francés conocido con el seudónimo de Quarxx. Presente hace unas ediciones con la interesante Tous les Dieux du ciel (2018), Pandemonium nace de la unión de tres cortos del autor, que pretende a través de curiosas referencias pictóricas tener una conexión argumental con el concepto de la muerte, sobre el tránsito y origen de almas condenadas al infierno. Tomando en consideración la estructura episódica insertada en el largometraje que siempre ha sido irregular dada su propia naturaleza, el film de Quarxx lo es doblemente por varios motivos.
El principal problema viene dado al no estar concebido como un largometraje, la unión de sus segmentos, en términos de agrupación temática resulta muy cuestionable, por momentos dan la impresión de estar ahí para servir a una misantropía monocorde, en especial en lo concerniente a tonos y narrativas que terminan siendo demasiado equidistantes entre sí; uno de los episodios podría pasar perfectamente como anuncio concienciador contra el bullying, mientras que el otro, el más afortunado, parece surgido de estéticas propias de imaginarios malsanos cercanos al universo Clive Barker. Obra fallida que solo puede despertar cierta curiosidad en el espectador en relación con su vocación de experimento fílmico. Puestos a buscar semejanzas, queda muy alejada en conceptos y resultados de las películas de antología de la Amicus, relatos que venían a explicar prácticamente lo mismo, el concepto del individuo y su condena, desde una perspectiva mucho más simple y efectiva, carente de estudios y cualquier tipo de tentativas sobre la moral y la metafísica.
Esta serie documental, que Filmin estrenará el 23 de agosto, se sumerge en el exigente y bellísimo trabajo del Ballet Nacional de Canadá durante la preparación de “El Lago de los Cisnes”, obra que supone la despedida de una de las bailarinas y coreógrafas más importantes de la historia: Karen Kain.
Filmin estrena el 23 de agosto la serie “Swan Song”, un documental inédito que se sumerge en una de las compañías de ballet más importantes del mundo, el Ballet Nacional de Canadá, durante su montaje de la monumental y ambiciosa producción de El Lago de los Cisnes. El ballet está dirigido por Karen Kain, la icónica y respetada bailarina canadiense que dio la vuelta al mundo sobre sus puntas –que incluso Andy Warhol retrató– y que ahora se despide de la compañía que marcó su vida coreografiando la misma obra con la que debutó como bailarina en 1971.
La grabación del documental duró casi dos años, en los que tanto Kain como la compañía dio a Chelsea McMullan, la directora de la serie, total libertad y acceso completo al proceso creativo. McMullan habla de “Swan Song” como un “cinema verité” que muestra la dualidad de este arte dotado tanto de un sacrificio como de una belleza extraordinarias: “Ha sido fascinante capturar la visión de Kain de El Lago de los Cisnes en contraposición a la crudeza del proceso hasta llegar al escenario”. Kain comenta: “Es adictivo formar parte de un arte como este. A veces te preguntas por qué lo estás haciendo. Pasas mucho dolor físico y emocional, pero los que lo hacemos y nos gusta sabemos el porqué”.
Aunque el foco principal está en el sudor y las lágrimas de los bailarines, el documental también se fija en la tradición del ballet clásico y en cómo esta obra pasará a la historia no solo por su colosal producción sino también por el color de las medias: “Siempre se han llevado las típicas medias rosa pálido, opacas”, explica Kain. “Decidí que ya era el momento de aceptar el hecho de que el Ballet Nacional de Canadá había cambiado: No todos los bailarines son blancos y es inaceptable forzar a alguien a fingir que lo es”. A lo que una de las bailarinas añade: “Todos queremos honrar la tradición, pero el racismo no es una buena tradición”.
“Swan Song”, formada por 4 capítulos de 50 minutos, se estrenará en exclusiva en Filmin el 23 de agosto después de su estreno mundial en la prestigiosa Sección Oficial del Festival de Toronto.
El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera conmemora junto a la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Sebastián el centenario del fallecimiento del escritor checo Franz Kafka (1883-1924) con la publicación de un ensayo escrito por el filólogo canario Jonathan Allen y el escritor y crítico de cine madrileño Jesús Palacios, quien recogió el Premio Isla Calavera a la Difusión del Fantástico en 2022.
Editado por Hermenaute, ‘Kafka, lo kafkiano y el cine fantástico’ se acerca a la enorme influencia del autor al género a lo largo de la historia, no solo a través de adaptaciones de sus obras, sino por el influjo que su trabajo ha ejercido en innumerables cineastas. Orson Welles (‘El proceso’, 1962), David Hugh Jones (El proceso de Kafka’, 1993), Michael Haneke (‘El castillo’, 1997) o Valeri Fokin (‘Metamorfosis’, 2002) son algunos de los directores que han llevado sus novelas y relatos a la pantalla.
El libro estará disponible durante la celebración de sendos festivales especializados, del 25 de octubre al 1 de noviembre la Semana de San Sebastián, y del 8 al 17 de noviembre el Festival Isla Calavera, y a la venta en librerías especializadas. El ilustrador de la cubierta es Miquel Rof.
En palabras de Jonathan Allen y Jesús Palacios: “En pleno centenario de la muerte de Franz Kafka, uno de los autores más relevantes de la literatura y el pensamiento universales, queremos destacar en esta pequeña aportación al extenso corpus de estudios sobre su obra la singular, fundamental y fundacional importancia de la misma para el género fantástico cinematográfico». “Partiendo del carácter netamente simbólico, alegórico y surrealista de la propia obra de Kafka, esta construye un modelo de lo fantástico singular y poderoso, que ha moldeado nuestra visión del universo, así como nuestra relación con lo real, con la ficción y la condición humana. Y si un género ha sentido ese poderoso influjo más que ningún otro, por su propia naturaleza y coincidencia con el pensamiento kafkiano, es el fantástico”, añaden.
Autor: Jonathan Allen, Jesús Palacios. Editorial: Hermenaute, Páginas:
Uno de los platos fuertes de la próxima edición del Festival de Sitges es la vuelta al largometraje, tras un largo periplo televisivo, del director E.L. Katz, (Cheap Thrills 2013), Small Crimes (2017), con la cinta de terror postapocalíptica Azrael, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ser presentado en sociedad por parte de IFC Films y Shudder y podéis ver a final de página. Presentado con éxito en el pasado South by Southwest, la película se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Vértice Cine el próximo 11 de octubre de 2024.
Azrael nos sitúa en un mundo del que nadie habla, una devota persigue a una joven que ha escapado de su encierro. Recapturada por sus despiadados líderes, Azrael debe ser sacrificada para apaciguar un antiguo mal en lo más profundo de las tierras salvajes que la rodean.
La película, con guion a cargo de Simon Barrett (A Horrible Way to Die 2010), You’re Next (2011), The Guest (2014), Blair Witch (2016), Godzilla x Kong: The New Empire (2024), esta protagonizada por Samara Weaving, Victoria Carmen Sonne, Rea Lest, Katariina Unt, Karen Bengo, Johhan Rosenberg, Sebastian Bull Sarning, Eero Milonoff, Kimi Vilkkula, Peter Christoffersen, Phong Giang, Jan Gebruk, Lucie Jan Martin y Sonia Roszczuk.
Tras su buena acogida en el pasado Festival de Cannes acaba de salir a la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador italiano Paolo Sorrentino titulado Parthenope, película en donde el responsable de La grande belleza vuelve a indagar en su amada de Nápoles a través de personajes que forman parte de la propia mitología de la propia ciudad. La película, previo paso por el Festival de San Sebastián dentro de la sección Perlas, se estrenará en nuestro país de la mano de BTEAM Pictures en el último trimestre de 2024.
Parthenope nos muestra el largo viaje de la vida de Parthenope, desde su nacimiento en 1950 hasta hoy. Una epopeya femenina desprovista de heroísmo, pero rebosante de una pasión inexorable por la libertad, Nápoles y los rostros del amor, todos esos amores verdaderos, inútiles e indecibles. El perfecto verano de Capri, el desenfado de la juventud, que acaba en emboscada. Y luego todos los demás: los napolitanos, hombres y mujeres, observados y amados, desilusionados y vitales, sus olas de melancolía, sus ironías trágicas y sus miradas abatidas. La vida, ordinaria o memorable, sabe ser muy larga. El paso del tiempo ofrece un vasto repertorio de emociones. Y ahí al fondo, tan cerca y tan lejos, está Nápoles, esa ciudad inefable que hechiza, encanta, grita, ríe y siempre sabe cómo hacerte daño.
La película, con guion a cargo del propio Paolo Sorrentino junto a Umberto Contarello, está protagonizada por Celeste Dalla Porta, Gary Oldman, Stefania Sandrelli, Luisa Ranieri, Silvio Orlando, Isabella Ferrari, Giampiero De Concilio, Dario Aita, Brando Improta, Silvia Degrandi, Peppe Lanzetta, Alfonso Santagata, Lorenzo Gleijeses, Biagio Izzo, Nello Mascia y Alessandro Cucca.
La restauración de ‘Tasio’, de Montxo Armendáriz, inaugurará la sección el sábado 21 en el Teatro Victoria Eugenia
La sección Klasikoak del Festival de San Sebastián acogerá las versiones restauradas de Tasio, de Montxo Armendáriz, que inaugurará la sección; Tatuaje, primera aventura de Pepe Carvalho / Tatuaje, the First Adventure of Pepe Carvalho, de Bigas Luna; The Piano (El piano), de Jane Campion; Sha Fu / The Woman of Wrath (Matar al marido), de Tseng Chuang-Hsiang; Surcos / Furrows, de José Antonio Nieves Conde, y Un rêve plus long que la nuit, de Niki de Saint Phalle.
Además de las retrospectivas, una de las señas de identidad del certamen, el Festival de San Sebastián rescata desde 2018 clásicos antiguos y modernos de la historia del cine universal. En su 72ª edición, 40 años después de su estreno en el Festival de San Sebastián, la película Tasio (Montxo Armendáriz, 1984), restaurada por la Filmoteca Vasca, inaugurará Klasikoak el sábado 21 en el Teatro Victoria Eugenia, tras haber sido seleccionada en los festivales de cine clásico más prestigiosos: Cannes Classics del Festival de Cannes, Cinema Ritrovato de Bolonia y el Festival Lumière de Lyon, donde se proyectará en octubre.
En colaboración con la Filmoteca de Catalunya, se recuperará Tatuaje, primera aventura de Pepe Carvalho / Tattoo, the First Adventure of Pepe Carvalho (Bigas Luna, 1978), el primer largometraje del cineasta catalán, basado en la novela homónima de Manuel Vázquez Montalbán, que participó en el guion junto a Bigas Luna y Josep Ulloa. En esta película de intriga, que clausurará la sección, protagonizada por Carlos Ballesteros, Pilar Velázquez y Mónica Randall, el famoso detective Pepe Carvalho, nacido de la pluma de Vázquez Montalbán, investiga la muerte de un joven cuyo cadáver aparece en una playa barcelonesa con una frase tatuada en su brazo: “He nacido para revolucionar el infierno”.
Asimismo, en colaboración con el Institut Lumière de Lyon, podrá verse la versión restaurada de The Piano (El piano, Jane Campion, 1993), la icónica película de época de la realizadora neozelandesa que impactó en la taquilla y la crítica de los 90. El filme, que será presentado por el director del Institut Lumière, Thierry Frémaux, fue reconocido con la Palma de Oro del Festival de Cannes –la primera dirigida por una mujer– y tres Oscar (al mejor guion y a las interpretaciones de Holly Hunter y Anna Paquin). La directora de The Power of Dog (El poder del perro, Perlak, 2022) cuenta la historia de una pianista muda que se traslada con su hija desde su Escocia natal a Nueva Zelanda, donde le aguarda un matrimonio concertado.
También figura en la selección Sha Fu/The Woman of Wrath (Matar al marido, Tseng Chuang-Hsiang, 1984), un clásico de la nueva ola de cine taiwanés de los 80. Tseng Chuang-Hsiang (Guandong, 1947) dirige la adaptación de la controvertida novela Matar al marido de la escritora y activista feminista Li Ang. Ambientada durante la ocupación japonesa de Taiwán e inspirada en un suceso real, denuncia la situación de una joven huérfana tras el suicidio de su madre, que es obligada por su familia a casarse con un carnicero.
Otro clásico del cine español será programado en la sección en colaboración con Videomercury: Surcos / Furrows (José Antonio Nieves Conde, 1951), “la primera película española con categoría internacional”, en palabras del historiador José María García Escudero. Nieves Conde ambienta la trama, adaptada por Gonzalo Torrente Ballester, el propio Nieves Conde, Eugenio Montes y Natividad Zaro, en el Madrid de finales de los años 40, donde una familia de emigrantes rurales –interpretada por Luis Peña, María Asquerino, Francisco Arenzana, Marisa de Leza y Ricardo Lucía–tratará de iniciar una nueva vida con la esperanza de mejorar.
Por último, Klasikoak presentará Un rêve plus long que la nuit (1976), la segunda y última película de Niki de Saint Phalle. La pintora, escultora y cineasta francesa, que la protagoniza -también figura en el reparto su marido, el escultor suizo Jean Tinguely, a quien el cineasta de la retrospectiva del año pasado, Hiroshi Teshigara, dedicó un documental-, dirige una película con apariencia de cuento infantil, en la que una princesa experimenta el paso a la vida adulta atravesando el campo minado del patriarcado, en un contexto fantasmagórico y surrealista.
Klasikoak ha programado en el último lustro películas como Akai Tenshi / TheRed Angel (El ángel rojo, 1966), de Yasuzo Masumura; Principio y fin / The Beginning and the End (1993), de Arturo Ripstein; Érase una vez… (1950), de Alexandre Cirici Pellicer y Josep Escobar; Festival en las entrañas (1963-1965) de José Val del Omar; Nueve cartas a Berta / Nine Letters to Berta (1966), de Basilio Martín Patino; Fúria espanyola/ Spanish Fury (Furia española, 1975), de Francesc Betriu; Manicomio / Asylum (1953), de Fernando Fernán-Gómez y Luis María Delgado; Sátántangó (1994), de Béla Tarr o Lumière! L’aventure commence/ Lumière! The Adventure begins (¡Lumière! Comienza la aventura, 2016), de Thierry Frémaux, cuya proyección fue el punto de partida de este programa.
En 2024 el Festival de San Sebastián y la Filmoteca Vasca han impulsado un festival de cine clásico expandido en el tiempo y en el espacio, agrupando tres ciclos: la docena de películas restauradas que la Filmoteca programa en primavera en distintas instituciones culturales de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y País Vasco francés; las seis películas de la sección Klasikoak anunciadas en esta nota que se proyectarán en septiembre en el marco del Festival, así como la retrospectiva dedicada este año al poliziesco, titulada Italia violenta. El cine policiaco italiano. Este año, además, ofrecerá un ciclo de cortometrajes restaurados que anunciará la próxima semana y que se podrán ver durante los días del Festival.
Klasikoak es heredero de la tradición histórica del Festival de San Sebastián por recuperar la obra de cineastas, épocas, temáticas o lenguajes cinematográficos que activó prácticamente desde sus inicios, con la retrospectiva dedicada a René Clair en 1959, y de la decidida apuesta de la Filmoteca Vasca tanto por la restauración de películas como por su divulgación.
Tasio
Montxo Armendáriz (España)
País(es) de producción: España – 1984
Intérpretes: Patxi Bisquert, Amaia Lasa
Inauguración
Tasio trabaja como carbonero desde los catorce años en un pequeño pueblo navarro de la sierra de Urbasa. La vida cambia, pero el monte permanece siempre igual: abrupto y hermoso. Es el escenario de sus juegos infantiles, pero es también el lugar donde encuentra el sustento para su familia. Cuando se hace adulto, al carbón añadirá la caza furtiva. Es la época del éxodo rural, pero Tasio prefiere quedarse y vivir en el monte, en la más absoluta soledad, con tal de salvaguardar su libertad.
Tatuaje, primera aventura de Pepe Carvalho / Tattoo, The First Adventure Of Pepe Carvalho
Bigas Luna (España)
País(es) de producción: España – 1978
Intérpretes: Carlos Ballesteros, Pilar Velázquez, Mónica Randall, Luis Ciges
Clausura
En una playa de Barcelona aparece el cadáver de un hombre con un mensaje tatuado en el brazo: «He nacido para revolucionar el infierno». El detective Pepe Carvalho será el encargado de llevar el caso, que lo llevará desde los bajos fondos de Barcelona hasta los canales de Amsterdam, sin que ello afecte a sus particulares métodos de investigación.
Sha fu / The Woman of Wrath (Matar al marido)
Tseng Chuang-hsiang (China)
País(es) de producción: Taiwan – 1984
Intérpretes: Pat Ha Man-Jik, Pai Ying, Chen Shu-fang, Yang Li-yin
Huérfana tras el suicidio de su madre y casada después con un carnicero lujurioso, Lin Shih lleva una vida de desesperación. Su oscuro viaje la lleva a un desgarrador acto de venganza: matar a su marido con su propio cuchillo de carnicero.
Surcos / Furrows
José Antonio Nieves Conde (España)
País(es) de producción: España – 1951
Intérpretes: Luis Peña, María Asquerino, Francisco Arenzana, Marisa de Leza, Ricardo Lucía
A finales de los años 40, una familia abandona el campo y emigra a Madrid con la esperanza de mejorar sus condiciones de vida. Sin embargo, la vida en la ciudad es cruel y está llena de desengaños y penalidades. Manuel, el padre, encuentra trabajo en una fundición, pero no puede soportar el ritmo. Pepe, el hijo mayor, se dedica a turbios asuntos de estraperlo. Manolo, el hijo menor, encuentra trabajo como chico de los recados y Tonia, la hermana, empieza a trabajar como asistenta.
The Piano (El piano)
Jane Campion (Nueva Zelanda)
País(es) de producción: Australia – 1993
Intérpretes: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin
Ada es una mujer muda desde los seis años que solo se comunica a través de la música y de su hija, Flora. Un matrimonio concertado la obliga a dejar su Escocia natal acompañada de su hija y su piano. Su destino es Nueva Zelanda, donde la espera Stewart, un granjero con el que no tiene nada en común. Su sufrimiento aumenta cuando su marido vende el piano a su vecino George. Pero Ada conseguirá seguir tocando a cambio de dar clases a George.
Un rêve plus long que la nuit
Niki de Saint Phalle (Francia)
País(es) de producción: Francia – 1976
Intérpretes: Niki De Saint Phalle, Humbert Balsan, Laura Duke Condominas, Laurence Bourqui, Laurent Condominas, Jean Tinguely
La joven princesa Camelia, transformada mágicamente en adulta, debe atravesar un paisaje fantasmagórico y surrealista lleno de seres encantados, duendes fantásticos y demonios de aspecto humano. A lo largo de su viaje hacia la edad adulta, navega por un campo minado de patriarcado, enfrentándose a una serie de espantosos encuentros en este caprichoso y surrealista nuevo mundo.
Tras su sonado pase por el pasado Festival de Cannes (Mejor guion), y meses después de aparecer un escueto teaser acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Mubi un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo y esperado trabajo de Coralie Fargeat The Substance. Tras su ópera prima Revenge (Mejor dirección y Dirección novel Sitges 2017), la realizadora francesa se adentra en esta ocasión en un estilizado y transgresor body horror que se estrenará comercialmente en nuestro país, previo paso por el Festival de Sitges, el próximo 11 de octubre de 2024 de la mano de ElásticaFilms y Filmin.
La sinopsis promocional de The Substance es la siguiente ¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti mismo? Tú misma, sólo que mejor en todos los sentidos. Deberías probar este nuevo producto, se llama The Substance. Cambio mi vida. Con The Substance puedes generar otro tú: más joven, más bello, más perfecto. Sólo tienes que compartir el tiempo: una semana para uno, una semana para el otro. Un equilibrio perfecto de siete días cada uno… fácil ¿verdad? Si respetas el equilibrio… ¿qué podría salir mal?
La película, con guion a cargo de la propia Coralie Fargeat, está protagonizada por Margaret Qualley, Demi Moore, Gore Abrams, Tom Morton, Tiffany Hofstetter, Dennis Quaid, Joseph Balderrama, Oscar Lesage, Matthew Géczy, Vincent Colombe, Philip Schurer, Olivier Raynal y Hugo Diego Garcia.
El director, guionista y productor español de mayor reconocimiento internacional será homenajeado el jueves 26 antes de la proyección de su última película, ‘La habitación de al lado / The Room Next Door’
El director, guionista y productor Pedro Almodóvar recibirá el jueves 26 de septiembre un Premio Donostia en la 72ª edición del Festival de San Sebastián. La entrega del galardón honorífico, que reconoce la aportación extraordinaria del homenajeado al mundo del cine, tendrá lugar en el Auditorio Kursaal previa a la proyección de su última película, La habitación de al lado / The Room Next Door, su primer largometraje en inglés, protagonizado por Tilda Swinton y Julianne Moore, que competirá por el León de Oro en el próximo Festival de Venecia. Precisamente, será Swinton quien le entregue el premio sobre el escenario.
La trayectoria de Pedro Almodóvar, que incluye más de una decena de cortos, algunos de gran proyección internacional como La voz humana (2020), estrenado en el Festival de Venecia, o Extraña forma de vida (2023), presentado en Cannes, y casi una treintena de largometrajes, está avalada por más de 170 premios y más de 200 nominaciones. Entre los reconocimientos figuran dos Oscar, dos Globos de Oro, siete premios de la Academia de Cine Europeo, cinco Bafta, cuatro Cesar, cinco Goyas y dos David de Donatello. Ha sido galardonado en los festivales de Cannes, Berlín, Venecia y San Sebastián, y homenajeado en el MOMA. También ha recibido reconocimientos como el Premio Jean Renoir, ha sido escogido para la David Lean Lecture y nombrado doctor honoris causa en Harvard y Oxford, y ha sido merecedor de la Medalla de Oro de las Bellas Artes de Estados Unidos, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes de España, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes o la Orden de Caballero de la Legión de Honor Francesa.
Además de su talento artístico y su reconocible estilo visual –su personalidad se evidencia desde la dirección de arte hasta la banda sonora–, el cine de Pedro Almodóvar sobresale por la escritura de los personajes femeninos, la dirección actoral, la audacia en la aproximación a temas como el universo LGTBIQ+, la religión, el sexo, las adicciones o la memoria histórica, y su compromiso político, que le ha llevado a posicionarse públicamente contra conflictos bélicos o los discursos de la extrema derecha.
Almodóvar en el Festival de San Sebastián
Pedro Almodóvar visitó por primera vez el Festival de San Sebastián en 1980 con su primer largometraje, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, que compitió en la sección Nuevos Realizadores. También fue proyectada en Barrios y Pueblos y, 24 años después, en 2004, fue recuperada en la retrospectiva Incorrect@s. Con su siguiente película, Laberinto de pasiones (1982), compitió en la Sección Oficial. Artxiboa, el archivo histórico del Festival de San Sebastián, da fe de estas visitas. De 1980 figura una fotografía del cineasta con Blanca Sánchez y Olvido Gara (Alaska) en el estreno de Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, así como una nota manuscrita para autorizar que su película se proyecte en Barrios y Pueblos, que llevaba la programación del Festival de San Sebastián a localidades del País Vasco y Navarra. De 1982 data una imagen a su llegada al Teatro Victoria Eugenia junto a las actrices Marta Fernández Muro y Cecilia Roth. De 1993 destaca la fotografía con Rossy de Palma, Bibi Andersen y Loles León en el Paseo de la República Argentina, año en el que el Festival recupera en Zabaltegi el debut del cineasta al margen del circuito comercial, Folle, folle, fólleme, Tim (1978) en el marco del homenaje que le rindió el Festival bajo el nombre La noche Almodóvar. También pudieron verse algunos fragmentos de Kika, que estaba en fase de postproducción.
(1) Pedro Almodóvar, Olvido Gara «Alaska» y Blanca Sánchez subiendo las escaleras del Teatro Victoria Eugenia en el estreno de Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón.(2) Nota manuscrita de Pedro Almodóvar en la que autoriza a la Comisión de Barrios y Pueblos proyectar su película Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón. [Archivo Festival de San Sebastián]
(3) El director Pedro Almodóvar y las actrices Marta Fernández Muro y Cecilia Roth, tras su llegada al Teatro Victoria Eugenia. (4) Pedro Almodóvar en el Paseo de la República Argentina con Rossy de Palma y Bibi Ándersen al fondo (Miguel Ángel Martirena, 1993). [Archivo Festival de San Sebastián]
En 1995 Almodóvar regresa a la Sección Oficial con La flor de mi secreto, que fue proyectada fuera de concurso. Ese mismo año la retrospectiva El bazar de las sorpresas recuperó su cortometraje Trailer para los amantes de lo prohibido (1985). A partir de entonces, buena parte de sus películas han formado parte de la programación del Festival, tras su paso por festivales como Cannes y Venecia, en la sección de Made in Spain: Carne trémula (1998); Todo sobre mi madre (1999), que recibió el Gran Premio Fipresci en San Sebastián; Hable con ella (2002); La mala educación (2004), que inauguró Cannes; Volver (2006), que también recibió en San Sebastián el Gran Premio Fipresci; Los abrazos rotos (2009), Los amantes pasajeros (2013), Julieta (2016) o Dolor y gloria (2019), por citar algunas de las más significativas.
(5) Pedro Almodóvar charla con Bertrand Tavernier en el Festival de 1996. (6) El director, al fondo de la imagen, aplaude a Al Pacino en la gala en la que el actor estadounidense recibió el Premio Donostia. (7) El cineasta Iván Zulueta abraza a su amigo Pedro en 2002, en el 50º aniversario del Festival.
Su presencia en San Sebastián ha estado ligada también a la productora El Deseo, que fundó en 1986 junto a su hermano Agustín y que, además de producir su filmografía, ha apoyado películas que han sido seleccionadas en la sección Horizontes Latinos como El último verano de la Boyita (2009) o en la sección Perlak de San Sebastián: Relatos salvajes (Premio del Público a la mejor película europea, 2014), El clan (2015) o El ángel (2018), cuya presentación coincide con la última visita de Almodóvar al Festival. Este año también figura como productor de Ramón y Ramón, de Salvador del Solar, que se proyectará en Horizontes Latinos.
(8-9) Pedro Almodóvar entregó el Premio Donostia a Woody Allen en 2004 y a Antonio Banderas en 2008.
(10) Su hermano y productor Agustín Almodóvar recogió el Gran Premio Fipresci obtenido por Volver en 2006 y en 2014 y 2018 El Deseo participó como coproductora de las películas Relatos salvajes (11) y El ángel (12).
Además de presentar películas, Almodóvar ha apoyado con su presencia al Festival de San Sebastián asistiendo a la celebración del 50º aniversario del certamen (2002) o entregando el Premio Donostia a Al Pacino (1996), Woody Allen (2004) y Antonio Banderas (2008). En 2024 será él quien lo reciba de manos de la actriz Tilda Swinton, protagonista del corto La voz humana (2020) y de su última película, La habitación de al lado / The Room Next Door.
«Mi carrera empezó en San Sebastián el año 1980 y desde entonces con o sin película he vuelto al festival muchas veces. Y siempre lo he disfrutado muchísimo. Le he entregado el premio Donostia a Al Pacino, Woody Allen y Antonio Banderas. En este año me lo entregan a mí, lo cual me llena de alegría y agradecimiento. De verdad, es un honor. San Sebastián es una de las ciudades donde se celebra el cine con mayor entusiasmo. Más que nunca, en estos momentos, necesitamos de la complicidad de los espectadores, y de su presencia en las salas. Es un sueño asistir a un festival como este, donde las salas de cine están siempre llenas«.
Pedro Almodóvar
La habitación de al lado / The Room Next Door
PEDRO ALMODÓVAR (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Tilda Swinton, Julianne Moore, John Turturro
Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce.
BIOGRAFÍA
Nace en Calzada de Calatrava, provincia de Ciudad Real, en pleno corazón de La Mancha, en los años cincuenta. A los ocho años emigra con su familia a Extremadura. Allí estudia el bachillerato elemental y superior, con los Padres Salesianos y los Franciscanos, respectivamente.
A los diecisiete años se independiza de su familia y se instala en Madrid, sin dinero y sin trabajo, pero con un proyecto muy concreto: estudiar y hacer cine. Imposible matricularse en la Escuela Oficial de Cine, Franco acababa de cerrarla. A pesar de la dictadura que asfixia el país, para un adolescente provinciano Madrid representa la cultura, la independencia y la libertad. Trabaja en múltiples y esporádicos trabajos, pero no puede comprarse su primera cámara de Super 8 mm. hasta conseguir un empleo «serio» en la Compañía Telefónica Nacional de España en el año 1971. Durante doce años trabaja en dicha C.T.N.E. como auxiliar administrativo, compartiendo este trabajo matinal con múltiples actividades que suponen su auténtica formación como cineasta y como persona.
Por las mañanas, en la Telefónica, conoce a fondo la clase media española en el inicio de la época del consumo, los años 70, sus dramas y sus miserias, todo un filón para un futuro narrador. Por la tarde-noche escribe, ama, hace teatro con el mítico grupo independiente Los Goliardos, rueda películas en Super 8 (su única escuela como cineasta). Colabora con distintas revistas undergrounds, escribe relatos, algunos se publican. Es miembro de un grupo de punk-rock paródico, Almodóvar y McNamara, etc. Y tiene la fortuna de que su explosión personal coincida con la explosión del Madrid democrático de final de los 70, principio de los 80. Lo que en el mundo se llamó La Movida.
Su cine es hijo y testimonio de la recién nacida democracia española. Después de año y medio de azaroso rodaje en 16 mm. estrena en 1980 Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón un film sin presupuesto y realizado en cooperativa con el resto del equipo, todos debutantes, excepto Carmen Maura.
En 1986 funda con su hermano Agustín la compañía de producción El Deseo S.A. Su primer proyecto es La ley del deseo. Desde entonces han producido todas las películas que Pedro ha dirigido y escrito, además de producir a otros jóvenes directores.
A lo largo de los últimos 24 años, Almodóvar ha recibido los galardones cinematográficos de mayor prestigio, nacionales e internacionales. Y continúa con el mismo ritmo de trabajo y la misma pasión que cuando empezó.
Será la tercera vez que el realizador argentino Diego Lerman este presente en el Festival de San Sebastián compitiendo por la Concha de Oro, tras Una especie de familia (2017) y El suplente (2022) es turno para El hombre que amaba los platos voladores, film, que indaga en la creación audiovisual de presencia alienígena más recordada de la televisión argentina, cuyo primer tráiler oficial acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página.
El hombre que amaba los platos voladores nos sitúa en 1986. El periodista José de Zer junto al Chango, su camarógrafo, emprenden el viaje hacia La Candelaria (Córdoba) tras recibir una propuesta extraña por parte de dos personajes sospechosos. Al llegar al pueblo no hay mucho que valga la pena analizar allí, tan solo un pastizal quemado en medio de los cerros. Lo que vino a continuación fue la labor de un genio mitómano con un talento oculto.
La película, con guion a cargo del propio Diego Lerman junto a Adrián Biniez, está protagonizada por Leonardo Sbaraglia, Sergio Prina, Osmar Nuñez, Renata Lerman, María Merlino, Daniel Aráoz, Mónica Ayos, Norman Briski y Agustín Rittano.
Pese al gran momento que está viviendo lo fantástico, apenas hay estudios que hayan analizado en su conjunto la renovación que las creadoras están llevando a cabo en todos los frentes audiovisuales. Este libro trata de compensar esa falta. Para ello se divide en dos secciones. La primera está conformada por seis largas investigaciones panorámicas que reflejan la tremenda variedad y riqueza en cuanto a temas y estéticas de la producción fantástica realizada por mujeres en el cine, la televisión y el cómic en España durante el siglo XXI. La segunda sección recoge los testimonios de autoras destacadas de cada ámbito a través de una serie de conversaciones sobre las claves de su trayectoria profesional, sobre los escollos y los prejuicios a los que se han enfrentado en un espacio históricamente masculino, sobre las condiciones que han favorecido el arraigo de lo fantástico y del terror, los nuevos referentes del género y sus horizontes de innovación.
La lectura de las dos partes del libro facilita el acceso a un valioso corpus de cortometrajes y largometrajes, cómics y series que se caracterizan por su mezcla de géneros y lenguajes, por la incorporación de una mirada feminista y, sobre todo, por la reformulación que sus autoras están haciendo de los miedos que nos acechan.
SUMARIO
1. INTRODUCCIÓN Enrique del Rey Cabero y Álvaro López Fernández
2. CREADORAS Y CINE FANTÁSTICO: EL LARGOMETRAJE EN EL PERIODO 2000-2022 David Roas
3. CREADORAS Y CINE FANTÁSTICO: EL CORTOMETRAJE DURANTE LA ÚLTIMA DÉCADA Álvaro López Fernández
4. LO FANTÁSTICO EN LAS CREADORAS TELEVISIVAS ESPAÑOLAS (1969-2023) Ada Cruz Tienda
5. HUMOR E INTERTEXTUALIDAD PARA CONSTRUIR UN ‘CONTRARRELATO’ Y SUBVERTIR LO REAL: LO FANTÁSTICO EN CLAVE ESTÉTICA Y DISCURSIVA EN DESTELLO BRAVÍO (2021) Elios Mendieta
6. LO FANTÁSTICO EN EL CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN ESPAÑOL DE AUTORÍA FEMENINA: EL EJEMPLO DE ISABEL HERGUERA Isabelle Touton
7. TRANSFORMACIONES FANTÁSTICAS EN PODRÍA SER PEOR, DE ANA GALVAÑ Enrique del Rey Cabero
8. RODAR CONTRACORRIENTE. CONVERSAVIÓN CON ANDREA JAURRIETA David Roas y Álvaro López Fernández
9. CREANDO SERIES DE FANTASÍA Y CIENCIA-FICCIÓN EN ESPAÑA. ENTREVISTA CON RUTH GARCÍA Concepción Cascajosa
10. OTROS MUNDOS QUE ESTÁN EN ÉSTE. ENTREVISTA CON LAURA PÉREZ GRANEL Iván Pintor Iranzo
11. AUTORÍA DE LOS TEXTOS
Autores
David Roas, Escritor y profesor de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada en la Universidad Autónoma de Barcelona, donde también dirige el Grupo de Estudios sobre lo Fantástico (GEF) y Brumal. Revista de Investigación sobre lo Fantástico. Especialista en lo fantástico, entre sus ensayos cabe destacar: Teorías de lo fantástico (2001), Tras los límites de lo real. Una definición de lo fantástico (2011; IV Premio Málaga de Ensayo), Historia de lo fantástico en la cultura española contemporánea (1900-2015) (2017) y Cronologías alteradas. Lo fantástico y la transgresión del tiempo (2022). Es autor, entre otros, de los libros de cuentos Distorsiones (2010; ganador del VIII Premio Setenil al mejor libro español de cuentos del año), Bienvenidos a Incaland® (2014), Invasión (2018), Monstruario (2021) y Niños (2022). También ha publicado las novelas Celuloide sangriento (1996) y La estrategia del koala (2013). Sus cuentos han sido traducidos al portugués, francés, italiano, inglés, croata, serbio y griego.
Enrique del Rey Cabero, Profesor de Literatura Española en la Universidad de Alcalá. Es doctor por la Universidad de Granada y ha llevado a cabo su actividad docente e investigadora en universidades como La Trobe University, University of Oxford, University of Exeter y Université Bordeaux Montaigne. Es autor de (Des)montando el lbro. Del cómic multilineal al cómic objeto (Universidad de León, 2021; Mejor Monografía en Artes y Humanidades en la XXV edición de Premios Nacionales de Edición Universitaria), coautor de How to Study Comics & Graphic Novelas. A Graphic Introduction to Comic Studies (TORCH, University of Oxford, 2021), obra que se está traduciendo en la actualidad a diez idiomas, y coeditor de la antología Dúplex. Cómic y poesía (Ediciones Marmotilla/Alas Ediciones, 2020). Es miembro del grupo de investigación GILCO y de la Cátedra ECC-UAH de Investigación y Cultura del Cómic, y forma parte del comité editorial de CuCo. Cuadernos de Cómic y Pasavento. Revista de Estudios Hispánicos. Su investigación se centra en torno a las narrativas gráficas en diversos ámbitos (teoría del cómic, cómic experimental, estudios autoriales, cómic fantástico) y la literatura del siglo XX y contemporánea, particularmente las relaciones ente música y literatura.
Álvaro López Fernández, Profesor e investigador posdoctoral Margarita Salas de la Universidad Complutense de Madrid (con estancia en la Universidad Autónoma de Barcelona). Sus líneas de investigación abarcan el análisis de lo fantástico y de lo grotesco en el cine y la literatura en España, las representaciones de la memoria y el estudio de la poesía española actual. En este sentido, es autor del libro El esperpento durante la Guerra Civil: propaganda y revolución (Guillermo Escolar Editor, 2020), co-editor de las ediciones críticas Raimundo Salas Mercadal. Poesía reunida (Universidad de Zaragoza, 2023, con Raúl Molina Gil) y Checas de Madrid de Tomás Borrás (Escolar y Mayo, 2016, con Emilio Peral Vega) y coordinador, en colaboración, de los números monográficos Experimentación y rupturas en la poesía española del siglo XXI (Tropelías, 2023) y Lecturas del desierto: nuevas propuestas poéticas en España (Kamchatka, 2018). Es miembro del Consejo de Redacción de Brumal. Revista de investigación para lo fantástico. Ha formado parte de cuatro proyectos de investigación nacionales y actualmente está ligado a los grupos de investigación Grupo de Estudios sobre lo Fántástico (GEF, UAB) y Crítica, edición y géneros literarios (CREGEL, VIU).
Autor: David Roas, Enrique del Rey Cabero y Álvaro López Fernández, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías, Páginas: 344
La restauración, llevada a cabo por FlixOlé y Enrique Cerezo PC, se estrenará mundialmente en el mes de septiembre dentro de la sección Klasikoak del festival
La obra maestra del cine español dirigida por José Antonio Nieves Conde, Surcos (1951), se estrenará mundialmente en una renovada versión en 4K en el Festival de San Sebastián el próximo mes de septiembre. Clasificada en su día como “gravemente peligrosa”, la película no estuvo exenta de roces con el régimen franquista al reflejar temas como el éxodo rural, la pobreza, el crimen organizado en torno al estraperlo y la prostitución.
A pesar de las dificultades y consecuencias que acompañaron al estreno del título, éste fue nominado a la Palma de Oro en su paso por Cannes y recibió numerosos premios por el Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC): Mejor película, Mejor actor secundario (Félix Dafauce), Mejor actriz secundaria (Marisa de Leza) y Mejor director. En la actualidad, es considerada como una de las mejores películas del audiovisual español, la cual podrá verse nuevamente en la gran pantalla después de que Donostia Zinemaldia la haya seleccionado en el marco de su programación en Klasikoak.
La incorporación de Surcosen dicha sección dedicada a los grandes clásicos del cine universal ha sido posible gracias a la restauración llevada a cabo por la plataforma FlixOlé y la productora Enrique Cerezo PC. Dicha rehabilitación ha consistido en el escaneo en 4K del interpositivo de 35 mm del que posteriormente se han etalonado y restaurado los planos. Debido al deteriorado estado en el que se encontraba el material, se ha desarrollado un minucioso trabajo en el que se llegaron a reconstruir fotogramas en los que se había perdido información.
La primera película neorrealista española
La familia Pérez se ve obligada a abandonar el pueblo y emigrar a Madrid con la esperanza de mejorar sus condiciones de vida. Van a parar a una corrala del barrio de Lavapiés, donde convivirán con Engracia y su hija Pili (María Asquerino), con quienes guardan parentesco. Los recién llegados deberán ponerse a buscar trabajo cuanto antes, pero descubrirán un mundo urbano hostil, quedando sus miembros a merced del engaño, la precariedad y la delincuencia.
Para sobrevivir, el padre de familia, Manolo (José Prada), hará cola en la oficina de empleo del sindicato para después emplearse como peón en una fundición de la que pronto lo echarán por su edad; sin mejor suerte, su ingenuo hijo menor (Ricardo Lucia) acabará mendigando un plato de comida por los cuarteles. Por su parte, Tonia (Marisa de Leza), se convertirá en la amante de ‘El Chamberlain’ (Félix Dafauce), un mafioso estraperlista que introducirá al hijo mayor del matrimonio, Pepe (Francisco Arenzana), en sus turbios negocios.
En torno a estos personajes, el director Nieves Conde construyó la que sería la primera película neorrealista del cine español, movimiento cinematográfico surgido en Italia tras la caída del estado fascista de Mussolini y que mostró la desgarradora realidad que se vivía en las calles del país transalpino. Junto al novelista Gonzalo Torrente Ballester, el inspirador de la historia, Eugenio Montes, y la productora y guionista Natividad Zaro, importaron el género a través de la innovadora Surcos.
Película de ‘Interés Nacional’
Alternando escenas rodadas en interiores y exteriores reales, vistieron al elenco con las ropas de los residentes de los barrios marginales para reflejar la claustrofóbica y decadente vida de aquellas gentes. El filme rompía así con la tradición audiovisual instaurada por la dictadura en la que abundaban las comedias blancas, películas folclóricas, largometrajes históricos, militares y religiosos de cartón piedra para mostrar a una capital ahogada por el hambre y corrompida por la crueldad, el mercado negro y la prostitución.
La valiente propuesta de Nieves Conde, militante falangista que introdujo algunos de los postulados del partido en la película para evidenciar su descontento por el franquismo, tuvo sus desavenencias con la censura. La Junta Nacional de Clasificación de Espectáculos la catalogó como “gravemente peligrosa”. A pesar de ello, pudo estrenarse después de modificarse el final propuesto. En lugar del cementerio que acaba fundido en los surcos del campo, el guion original planteaba un encuentro entre los Pérez que abandonan la ciudad y otra familia que aterriza en la ciudad con las mismas ilusiones que ellos tenían al comienzo de la película; asimismo, en su viaje de vuelta en tren, Tonia decide permanecer en la capital y salta del transporte en marcha.
Un tesoro oculto del cine español
Una de las personas que contribuyó a que Surcos llegase a las salas fue el recién nombrado Director General de Cinematografía y Teatros, José María García Escudero. Éste, crítico con el insustancial rumbo que estaba tomando el cine español, elevó el largometraje de Nieves Conde a ‘Interés Nacional’ (destinada a aquellos proyectos que exaltaban los valores del franquismo). Las protestas en el seno de la industria y del propio régimen condujeron a la dimisión de García Escudero, y a la retirada del favor a la película.
Adelantada a su tiempo, Surcos fue condenada al olvido, permaneciendo como un tesoro oculto en la cinematografía del país. En su empeño por recuperar el patrimonio audiovisual español y hacerlo viajar por los principales y más prestigiosos festivales de todo el mundo, la plataforma FlixOlé ha restaurado la copia en 4K que permitirá revisitar este clásico en San Sebastián.
es uno de los cineastas con más proyección del panorama actual. Director, montador y guionista, ganó el Goya al Mejor Director Novel (2015) por su ópera prima, 10.000 KM, film que además le reporta numerosos premios en, entre otros, el South By Southwest Film Festival SXSW (2014), el Festival de Málaga o los Premios Gaudí, así como la nominación en los European Film Awards.
