Jack Taylor. Mis 100 años de cine. Memorias

Fundamental para los amantes del cine, Jack Taylor desgrana en estas suculentas memorias, sus vivencias en el mundo del cine, cuando ya ha cumplido 99 años. Debutó en Hollywood, en el show de Jack Benny junto a Marilyn Monroe, pero antes tuvo la oportunidad de estar en rodajes míticos como el de Ha nacido una estrella o que la propia Marlene Dietrich le enseñase a hacer huevos revueltos. Admirado por los amantes del cine, especialmente por los del género fantástico, es muy reconocido por sus trabajos en prestigiosas películas como Necronomicon, The Birthday o La novena puerta, así como sus personajes del Profesor Brown en Mil gritos tiene la noche, el del sacerdote de Cónan, el bárbaro, o el Dr. Knox de Wax. 

Sobre el autor

Jack Taylor (Oregón City, 1926) se dedica desde edad temprana a la interpretación, primero de forma amateur y después, ya profesional, en Hollywood y más adelante, en México. Afincado después en España, desde donde viaja para trabajar en la mayoría de los países europeos, ha sido dirigido como actor por directores como Roman Polanski, André Techiné, Ridley Scott, Joseph L. Mankiewicz o Robert Siodmak. Y como director teatral, ha codirigido en España los montajes Auto de los Reyes Magos y 3 Peregrinas. A nivel literario, sumado a la escritura de guiones de cine y textos teatrales, ha prologado volúmenes como la novela «El diabólico Doctor Knox» de Carlos García Maroto, editada por grupo Sial-Pigmalión. 

Autor: Jack Taylor, Editorial: ‎ PIGMALION, Páginas: 154

«Blue Heron» review

A finales de los años 90, Sasha, de ocho años, y su familia de inmigrantes húngaros se mudan a una nueva casa en la isla de Vancouver. Su nuevo comienzo se ve interrumpido por el comportamiento cada vez más peligroso de Jeremy, el hijo mayor de la familia.

Dentro del apartado más orientado al riesgo conceptual, varias propuestas de un marcado tono ecléctico transitaron por el trauma y el autodescubrimiento en la pasada edición del Festival de San Sebastián dentro de la sección Zabaltegi-Tabakalera; a tal respecto, Blue Heron, debut en el largometraje de la realizadora canadiense Sophy Romvari, centra su mirada en un retrato de corte autobiográfico.

Película que, buscando paralelismos recientes, expande de alguna manera la última escena de Aftersun (Charlotte Wells, 2022), con relación a la concepción de la memoria, y cómo esta es expuesta mediante una narrativa ficticia y una documental: la enfermedad mental de un familiar cercano que nunca fue identificada ni tratada de forma satisfactoria. Resulta más interesante la indagación sobre el origen y el ocaso de los recuerdos (equiparando en ocasiones los detalles accidentales e incluso ambientales a los eventos más significativos) que la presumible función terapéutica para su autora en referencia al apartado de no ficción.

Valoración 0/5: 2’5

Primer tráiler para «La luz» de Fernando Franco

Después de la interesante Subsuelo, Fernando Franco vuelve a ponerse detrás de las cámaras con La luz, película, cuyo primer tráiler podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, que tiene previsto su estreno comercial en nuestro país para el próximo 5 de junio de 2026.

En La luz vemos como Manuel, un sacerdote muy apreciado en su parroquia está a punto de colgar los hábitos y empezar una nueva vida. Sin embargo, cuando su pasado amenaza con salir a la luz, se verá obligado a afrontar el peso de sus propias acciones. Comienza, así, un viaje sin retorno en el que desafiará abiertamente a la institución que lo protegió.

La película, con guion a cargo del propio Fernando Franco, está protagonizada por Alberto San Juan, Pedro Casablanc, Miguel Rellán, María Galiana, Luis Callejo, Ramón Barea, Pablo Gómez Pando, Nacho Sánchez, Santiago Mayorga, Antonio Zafra e Itziar Aizpuru.

“La Luz” es una producción de Morena Films, en coproducción con Ferdydurke Films, La Luz la Película AIE y Potemkino, con la financiación del ICAA (Ministerio de Cultura), el apoyo de Creative Europe MEDIA y la participación de RTVE, Movistar Plus+ y Canal Sur. Será distribuida por Buena Vista International. De las ventas internacionales se encargará Latido Films.

Maialen Beloki será la directora del Festival de San Sebastián a partir de 2027

El Consejo de Administración del Festival ha elegido por unanimidad a Beloki como sucesora de José Luis Rebordinos mediante concurso público

Maialen Beloki (San Sebastián, 1983) dirigirá desde enero de 2027 el Festival de San Sebastián tras haber sido designada para el cargo por el Consejo de Administración de la entidad, compuesto por el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación Foral de Gipuzkoa, el Gobierno Vasco y el Ministerio de Cultura del Gobierno de España.

La decisión ha sido adoptada esta tarde por unanimidad en una reunión extraordinaria del Consejo celebrada en San Sebastián y es el resultado del concurso público convocado el 4 de marzo para nombrar a la persona que sucederá a José Luis Rebordinos, que ostenta el puesto de director del Festival desde 2011 y abandonará esa responsabilidad el 31 de diciembre de 2026. Beloki es una de las dos subdirectoras del Festival desde el año 2016.

Batea, empresa de consultoría de recursos humanos especializada en selección y headhunting, ha gestionado el proceso.

Biografía

Subdirectora del Festival Internacional de Cine de San Sebastián desde 2016, ha sido una de las figuras clave en la evolución reciente del certamen, contribuyendo tanto a su posicionamiento internacional como a la ampliación de su actividad a lo largo de todo el año.

En este contexto, ha impulsado el modelo Z365/Festival de todo el año, una iniciativa estratégica centrada en el desarrollo de nuevos talentos, la formación cinematográfica y la generación de pensamiento en torno al cine.

Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra y Doctora Cum Laude en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), cuenta con una trayectoria que combina gestión cultural, docencia e investigación.

Forma parte de la Dirección Académica de Elías Querejeta Zine Eskola, donde también es docente, y ha colaborado como profesora en Mondragon Unibertsitatea.

A lo largo de su carrera ha participado en proyectos estratégicos como Donostia/San Sebastián Capital Europea de la Cultura 2016 y ha desarrollado una destacada actividad como conferenciante y autora en el ámbito cinematográfico.

Asimismo, ha formado parte de distintos programas e iniciativas de apoyo al sector audiovisual, colaborando con instituciones como el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA).

Su incorporación refuerza la apuesta por un perfil que combina visión estratégica, conocimiento del sector y compromiso con el desarrollo cultural.

Un amor trasformado en terror, tráiler para «Leviticus» de Adrian Chiarella

De la mano de Neon acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a un cartel promocional, del debut en la dirección de Adrian Chiarella Leviticus. Película de terror con temática LGBTQ, que tras su premier mundial en el pasado Festival de Sundance tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 19 de junio.

Leviticus nos cuenta la historia de dos adolescentes y su amor imposible. Ambos viven en una comunidad cristiana aislada y conservadora de la región de Victoria en Australia. Cuando un pastor local descubre dicha relación, los someterá a un ritual de conversión religiosa que no saldrá según lo deseado, liberando accidentalmente a una entidad violenta y malévola.

La película, con guion a cargo del propio Adrian Chiarella, está protagonizada por Joe Bird, Stacy Clausen, Jeremy Blewitt, Rose Flanagan, Julia Grace, Ewen Leslie, Davida McKenzie, Ewen Leslie y Mia Wasikowska.

Proyecciones Xcèntric: Cancionero. Notas, diarios y esbozos

Cancionero reúne dieciocho películas de jóvenes artistas y cineastas que parten del esbozo como forma creativa privilegiada. La sesión propone abrir un espacio para mostrar películas que quedan fuera del circuito de proyecciones públicas y festivales: piezas pequeñas y frágiles, imperfectas o muy sencillas que, sin embargo, contienen una creatividad y una emoción muy vivas. Este programa las agrupa como un álbum de canciones.

Todas estas piezas atienden a lo menor para exaltar la vida desde una dimensión diarística e íntima, y exploran nuevos medios expresivos para filmar y montar imágenes con ligereza y sin pretensiones retóricas.

En canción, Alfonso Serrano compone, montando en cámara, un juego de ritmos y sonidos a partir de imágenes de los rincones de un parque. A closer winter tunel es una película colectiva que forma parte de la serie FILM cuadros, de Master LAV, en la que se evocan, fotograma a fotograma, las texturas y los colores de un cuadro de David Hockney. En Batucada, Ariadna Essomba propone un remontaje enérgico y celebrativo de las películas en Súper 8 del cineasta José Val del Omar, trasladando el sonido de unos golpes de tambor a los propios cortes de montaje. Autodefinidos, de Lucía del Valle Ramírez, juega con la asociación entre imágenes cotidianas y palabras que aparecen en un cuaderno estival de autodefinidos. En Gay regular, una voz en off recita un texto de Gertrude Stein mientras vemos un diario de imágenes de la vida del autor Carlos Saldaña. Las películas de Imanol Expósito Delgado, Un corazón de tinta azul, Androide cansado, Cigarettes 1 y Cigarettes 2, de forma similar a un cover, hacen suya la música pop y evocan, con recursos rudimentarios de filmación, una nostalgia inexplicable. En poemas #4, de Ari Cardozo, un hipnótico zoom a los cables y aparatos de un concierto en vivo consigue expresar la intensidad de la música. tonight / forever juega con variaciones de velocidad para crear una coreografía de movimientos e inventar un videoclip a partir del remontaje de una batalla campal sobre patines de una película de serie B. No tengo Super 8, de Lucas Lagrange, muestra cómo el sensor roto de la cámara de un teléfono móvil agoniza y muere en el intento de hacer una película. En el punto de la noche donde empieza el día, Jara Roset utiliza el ralentí y la distorsión del sonido como gestos de edición para explorar temporalidades dilatadas. En las piezas de Daniel Galera Gonzalez una piedra, un niño, y en el aire conmovido, una coreografía de gestos recita un poema y un conjunto de diapositivas se suceden como recuerdos desde un ordenador. En Nightwish, Maite González Martínez filma un balcón de una ciudad desconocida durante la noche. Por último, Minila Café, de Amalia S-P de Nieves, reúne una serie de muñecos y figurines para crear un karaoke casero. 

Programa:

Alfonso Serrano, canción(7’09»); Máster LAV, Film-cuadro: A closer winter tunnel (2’52»); Ariadna Essomba Garsaball, Batucada  (2’05»); Lucía del Valle Ramírez, Autodefinidos (3’17»); Carlos Saldaña, Gay regular (6’) Imanol Expósito Delgado, Un corazón de tinta azul (2’); Ari Cardozo, poemas #4  (9’14»); Lucas Lagrange, No tengo Super 8 (2′); Jara Roset, el punto de la noche donde empieza el día (23’41»); Ari Cardozo, tonight / forever (6’47»); Imanol Expósito Delgado, Androide cansado (2’58»), Cigarrettes 1(2′), Cigarrettes 2(4′), Daniel Galera Gonzalez, una piedra, un niño (5’11»), en el aire conmovido (2’59»), Maite González Martínez, Nightwish (4’); Amalia S-P de Nieves, Minila café (4’43»).

Un programa de Marina Miyar i Carmela Sesé

Fecha y horario: 28 mayo 2026 19:00 h

Precios: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

El horror corporal como metáfora, primer tráiler para «Saccharine» de Natalie Erika James

Tras Relic (2020) y Apartment 7ª (2024), la realizadora de origen australiano Natalie Erika James vuelve a indagar en el terror con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Saccharine, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, tras su paso a principios de año por festivales como Sundance o Berlín, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 22 de mayo, en nuestro país de la mano de Diamond Films lo hará el 24 de julio.   

En Saccharine vemos como Hana, una joven estudiante de medicina con una fuerte dismorfia corporal, se somete voluntariamente a una moda de adelgazamiento tan absurda como macabra: comer cenizas humanas. A partir de ese momento, comienza a ser acosada por un fantasma hambriento, una manifestación literal del mito del ‘hungry ghost‘.

La película, con guion a cargo de la propia Natalie Erika James, está protagonizada por Midori Francis, Danielle Macdonald, Madeleine Madden, Robert Taylor, Showko Showfukutei, Annie Shapero, Emily Milledge, Anna Adams, Lisa Crittenden, Lucy Goleby, Maya Arielle, Joseph Baldwin y Andre Ong Carlesso.

El cine de Roland Barthes. Seguido de una entrevista a Jacques Rancière

Pensamos y soñamos imágenes. Somos una imagen para los otros y quizá también para nosotros mismos. Nos aferramos a las imágenes de los muertos queridos, de las ciudades desaparecidas, de los futuros deseados. Imaginamos imágenes, las atesoramos y las transmitimos de generación en generación. Quemamos e idolatramos imágenes, las veneramos o las sepultamos para cancelar lo que nombran. El amor es un ramo de imaginerías. También, y sobre todo, la nostalgia. Roland Barthes lo sabía y por eso se dedicó a pensar la imagen. Fue de su sentido obvio a su sentido obtuso, del mensaje que porta y nos atrapa y engaña a su existencia material resistente al desciframiento, de la trampa del significado al artificio del significante, de la definición a la máscara y el gesto. Pasó de la interpretación al hermetismo y de allí al fetiche y al punctum que se clava en el pecho. A la experiencia sensorial, hipnótica. Saltó de lo visual a lo táctil, a nuestro contacto con la imagen como un cuerpo a cuerpo. ¿Incluyó en ese salto al cine, ese arte de las imágenes en movimiento? Ese arte sobre el que escribió y al que opuso resistencia, entre la fascinación y el rechazo, la crítica y la rendición a la sugestión de la pantalla. ¿Permite ese salto pensar en la posibilidad de un espectador liberado, emancipado al fin de dogmas, narraciones y mandatos?

La imagen es un grifo de preguntas, como este libro. Un libro en el que Philip Watts se deja literalmente la vida y que incluye textos de Barthes sobre el cine y una entrevista a Jacques Rancière. Un viaje en el que Watts desanda el camino de Barthes y lo proyecta hasta nuestros días, para ver cuánto queda y cuánto sirve para mirar mejor, es decir, como un sujeto crítico, las películas que se empeñan en mirarnos.

El autor

PHILIP WATTS

(Los Angeles, 1961- Nueva York, 2013).

Especialista en literatura, cine y cultura francesa del S. XX, profesor universitario en la Universidad de Illinois en Chicago, la Universidad de Pittsburgh y Columbia University. Autor de Allegories of the Purge: How Literature Responded to the Postwar Trials of Writers and Intellectuals in France (Stanford University Press, 1999), Jacques Rancière: History, Politics, Aesthetics (Duke University Press, 2009), co-editado con Gabriel Rockhill, y del volumen de los Yales French Studies titulado Literature and History: Around Suite Française and Les Bienveillants (Yale University Press, 2012), co-editado con Joe Golsan, así como de diversos artículos sobre Jacques Rivette, Jean-Luc Godard, Jean-Marie Straub y Danièlle Huillet, Jean Genet, Roland Barthes y Gilles Deleuze, entre otros. A su muerte trabajaba en este libro, publicado originalmente en inglés por Oxford University Press en 2016.

Autor: Philip Watts, Traducción: Mario Domínguez Parra y Mariel Manrique, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas: 270

La 32ª edición FANT convertirá Bilbao en «epicentro internacional del cine fantástico» del 8 al 16 de mayo

El Festival de Cine Fantástico – FANT, organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, arranca oficialmente su 32ª edición el 8 de mayo. A partir de esa fecha y hasta el día 16, el público podrá disfrutar de una programación variada de cine vasco, estatal y del ámbito internacional.

FANT Bilbao inaugurará el viernes 8 de mayo en el Teatro Campos Eliseos su actual edición con la proyección de “La Casa en el Árbol”, película dirigida por Luis Calderón. Rodada en diversas localizaciones de Bizkaia y realizada con el apoyo de la Bilbao Bizkaia Film Commissión, la película se estrena en salas de cines este mismo día. El filme propone un slasher de autor con una marcada identidad visual y emocional, y está protagonizado por Sandra Escacena, Claudio Portalo, Kandido Uranga, Mala Rodríguez, Apolonia Lapiedra, Ai-xing Cobos, Asier Hernández e Inge Ugarte.

Posteriormente, a las 22:30 horas, se proyectarán los 10 cortos de FANT LABURREAN-EUSKAL FILMAK, de la Sección Oficial. La película que pondrá el punto y final a la edición 2026 será “Reflection in a dead diamond”, una coproducción de Bélgica, Luxemburgo, Francia e Italia dirigida por Hélène Cattet y Bruno Forzani. Se podrá ver el sábado 16 de mayo en la Sala BBK, durante la ceremonia de clausura.

SECCIÓN OFICIAL 2026

La Sección Oficial a concurso de Festival exhibe una programación diversa y variada en cuanto a subgéneros del fantástico y países de origen de los trabajos se refiere. Las 19 películas seleccionadas se proyectarán en el auditorio del Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao y la sala 1 de los cines Golem Alhóndiga.

Este año participan en esta sección: “All you need is kill”, de Kenichiro Akimoto (Japón, 2025); “Buffet libre”, dirigida por Zoe Berriatúa (España, 2026); “Buzzheart”, filmada por Dennis Iliadis (Grecia-Estados Unidos, 2024); “Camp”, de Avalon Fast (Canadá, 2025); “Cielo”, de Alberto Sciamma (Reino Unido-Bolivia, 2025); “Cuántica rave”, dirigida por Paco L. Campano (España, 2025); “Hokum”, filmada por Damian Mc Carthy (Irlanda- Estados Unidos, 2026); “Juego maldito”, de Carlos Marín (México, 2025); “La torre de hielo”, con dirección de Lucile Hadzihalilovic (Francia-Alemania, 2025); “La ventana abierta”, de Ana Graciani (España, 2026); “Los bobos”, dirigida por Basovih Marinaro y Sofía Jallinsky (Argentina, 2026); “Mārama”, filmada por Taratoa Stappard (Nueva Zelanda, 2025); “Meat kills”, de Martijn Smits (Países Bajos, 2025); “Rabios@”, dirigida por Luis María Fernánez (España, 2026); “Redux Redux”, filmada por Kevin y Matthew McManus (Estados Unidos, 2025); “Suffocation”, bajo la dirección de Louis Chan y Stone Chang (Taiwán, 2026); “UAP”, de Mason Howard (Estados Unidos, 2026); “Wasteman”, de Cal McMau (Reino Unido, 2025); y “Duan Quiang”, dirigida por Chuanlin Sun (China, 2026).

Estos largometrajes optarán a los premios FANT 2026 al Mejor Largometraje del Jurado y del Público y a los premios al Mejor Guion (concedido por la Asociación de Guionistas Vascos-Euskal Gidoigileak) y a la Dirección más innovadora (concedido por el Cineclub FAS).

CORTOMETRAJES DE LA SECCIÓN OFICIAL

La Sección Oficial de cortometrajes exhibirá en esta 32ª edición un total de 29 trabajosdiez en la sesión dedicada a los cortometrajes vascos y nueve cortometrajes internacionales. Otros 10 cortometrajes internacionales participarán en la Sección Panorama Fantástico en Corto.

FANT Bilbao sigue apostando por los cortometrajes, que se han convertido desde sus primeras ediciones en una de sus señas de identidad de FANT. Muestra de ello es la gran presencia que tienen en la programación del Festival y los galardones a los que optan: Premio del Público al Mejor Corto, Premios del Jurado al Mejor Corto Internacional y Mejor Corto Vasco de la Sección Oficial, y Premio Mejor Corto del Jurado de la Sección Panorama.

En esta 32 edición, el Festival sigue apoyando al talento local con FANT LABURREAN – EUSKAL FILMAK, espacio en la Sección Oficial focalizado en cortometrajes vascos. Este año, han sido seleccionados: “El agujero” (2025, Daniel Gómez Múgica); “Arditurri” (2025, Oihan Gastesi y Ander Arrieta); “Aziza y el último hombre bueno” (2025, David Ontoria); “Azpian” (2025, Danel Garay y Laura Barquin); “El cuerpo de Cristo” (2025, Bea Lema); “Erreka zoko hortan” (2025, Ekaitz Bertiz); “Glory Hole” (2025, Andoni Fernández); “Hariaren amaiera / Al final del hilo” (2025, Aitor Molina); “Última salida” (2025, Egoitz Díaz Ibargoitia); y “Zezena eta umea” (2025, Igor García Piñas). Estos 10 trabajos se podrán ver el viernes 8 de mayo en el Teatro Campos Elíseos, en la velada de inauguración del Festival a partir de las 22:30 horas.

Además de los galardones a los que optan (del jurado y del público al mejor cortometraje de Sección Oficial FANT; y del jurado al mejor cortometraje vasco de Sección Oficial FANT), la Unión de Actores Vascos-Euskal Aktoreen Batasuna otorgará el premio a la Mejor Interpretación en estos cortometrajes.

En el apartado de cortometrajes internacionales participarán en la Sección Oficial: “Bath Bomb” (2024, Canadá, Colin G Cooper); “The Call” (2025, España, Kiko Prada); “Cara de cona” (2026, España, Guillermo de Oliveira); “La dernière neige” (2025, Francia, Bouquet-populus Rodolphe); “Hyena” (2025, China-Estados Unidos, Altay Ulan Yang); “Pobre Marciano” (2025, España, Álex Rey); “Lo que te falta” (2025, España, Sara Bermejo); “Tinieblas” (2025, España, Raúl Cerezo y Carlos Moriana); y “Unclean” (2024, Canadá, Simon Chouinard). El auditorio del Azkuna- Alhóndiga acogerá su proyección el sábado 9 de mayo a las 19:20 horas.

La sección PANORAMA FANTÁSTICO EN CORTO, que tendrá lugar mismo día 9, en la Sala 2 de los cines Golem Alhóndiga, la forman 10 cortometrajes “Arca” (2025, Italia, Lorenzo Quagliozzi); “Baile con la muerte” (2024, España, Carlota Massó); “Ghosting” (2024, Yago Casariego); “Kámen osudu” (2025, República Checa, Julie Černá); “Lantern” (2026, Alemania, Leopold Schraudolph); “Open Mic” (2025, España, Jano Santos); “Ortega” (2025, España, Álvaro Pita); “The Sentry” (2025, Camboya-Noruega- Estados Unidos, Jake Wachtel); “Tenéis que verlo” (2025, España, Nacho Solana) ; y “The Veil” (2025, Brasil, Gabriel Motta).


 

FANT IMPULSA PROYECTOS PARA PRODUCIR CORTOMETRAJES EN EUSKERA Y GUIONES DE CORTOS PARA AUTORAS

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao tiene como objetivo apoyar la creación audiovisual, especialmente a aquellos trabajos realizados en euskera, en sintonía con las líneas estratégicas del Plan Estratégico de Cultura de Bilbao 2023 – 2033. Por eso, FANT impulsa una edición más la convocatoria para promover proyectos para la producción de un cortometraje de género fantástico en euskera.

Los trabajos elegidos optan al Premio FANT-EITB Saria dotado con 5.000 euros, para facilitar la realización de un cortometraje. En el marco del Festival, los y las participantes presentarán y defenderán sus proyectos en una sesión abierta al público ante un jurado especializado nombrado al efecto.

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao también muestra su apoyo a los trabajos cinematográficos realizados por creadoras. Muestra de ello es la colaboración con GIDOI- la Asociación de guionistas de Euskadi, que ha presentado la III edición del Concurso de Guion de Cortometrajes para Autoras, centrado exclusivamente en guiones de género fantástico y de terror, en consonancia con FANT.

La colaboración del Festival municipal con esta iniciativa anual que busca dar voz al talento femenino en el audiovisual, y que también cuenta con el apoyo de (H)emen, se materializa con la incorporación de una Jornada Industry, bajo el título “Mujeres guionistas, cine que avanza”, una sesión que contará con la participación de la cineasta Tamara García Iglesias, la artista musical Amancay Gaztañaga y Aránzazu Calleja (FANT de Honor 2026) y que pondrá el foco en la creación y el papel de las mujeres en la evolución del sector.

A continuación, se celebrará una sesión pitch, en la que las seis finalistas del III Concurso de Guion de Cortometraje para Autoras mostrarán sus proyectos ante profesionales del sector. Esta jornada, que se enmarca en la nueva sección FUERA DE PLANO, tendrá lugar el día 6 de mayo en la Sala Cúpula del Teatro Campos Elíseos a partir de las 18:00 horas, con entrada libre hasta completar aforo. Asimismo, el fallo del concurso promovido por GIDOI, se dará a conocer en el marco de FANT Bilbao, en la gala de clausura que tendrá lugar el 16 de mayo a las 19:30 horas en la Sala BBK.

FEDERACIÓN MÉLIÈS



FANT afianza su proyección europea como parte de la Federación de Festivales Internacionales Méliès (MIFF), que promueve y visibiliza el cine fantástico europeo, al ser “Competitive Member” de la federación. Así, y por segundo año consecutivo, el jurado de la Sección Oficial tendrá que seleccionar el Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Fantástico Europeo. Todos los trabajos que reciban este reconocimiento en los festivales que forman parte de esta institución serán automáticamente clasificados para la competición al premio Meliés D’Argent, galardón de Oro a un cortometraje europeo de género fantástico

En la programación de esta edición se proyectará, el jueves 14 de mayo, “Don’t Be Afraid”, dirigido por Mats Udd. Un trabajo que ha conseguido el prestigioso Méliès de Oro 2025, reconocimiento otorgado por la Federación de Festivales Internacionales Méliès, organización de la que forma parte FANT Bilbao, a los mejores cortometrajes europeos de cine fantástico.
 


PANORAMA FANTÁSTICO



La Sala 2 de los Golem Alhóndiga acogerá las películas enmarcadas en la sección PANORAMA FANTÁSTICO. En esta edición son ocho las cintas propuestas: “Adorable humans”, dirigida por Anders Jon, Kasper Juhl, Michael Kunov y Michael Panduro (Dinamarca, 2026); “Coração das trevas”, de Rogério Nunes (Brasil, 2025); “Ella solo come carne”, filmada por Norberto Ramos del Val (España, 2026); “La cosa en la niebla”, de Chedey Reyes (España, 2025); “Lonig & Havendel”, dirigida por Claudia Tuyết Scheffel (Alemania, 2025); “Más caliente que el infierno”, filmada por César del Álamo (España, 2026); “Santa Zeta”, de Antonio Muñoz de Mesa (España, 2026); y “SASYQ”, filmada por Yerden Telemissov (Kazajistán, 2026).

FANT IZARRAK El Festival vuelve su mirada atrás para proyectar películas que, por distintas razones, se ha mantenido como destacadas en el universo del fantástico, filmadas por grandes del cine y que se muestran en la sección FANT IZARRAK. El Auditorio de Azkuna Zentroa y los Gólem-Alhóndiga acogen “Tesis”, de Alejandro Amenábar (España, 1996); “Carrie”, de Brian de Palma (EE.UU., 1976); “El accidente de piano”, de Quentin Dupieu (Francia, 2025); “Tiburón 3”, de Enzo G. Castellari (Italia, 1981); “1990: los guerreros del Bronx”, de Enzo G. Castellari (Italia, 1982); “2000: fuga del Bronx”, de Enzo G. Castellari (Italia, 1983); “Misery”, de Rob Reiner (EE.UU., 190); “Simpathy for Mr. Vengeance”, de Park Chan-wook (Corea del Sur, 2005); “Picnic at Hanging rock”, de Peter Weir (Australia, 1975); y “The birthday”, del galardonado este año con el ESTRELLA DEL FANTÁSTICO Eugenio Mira (España, 2004).
 


ÓRBITA FANT



Dos películas forman parte de la sección ÓRBITA FANT en esta 32ª edición: “Influencers”, de Kurtis David Harder (EE.UU., 2025) y “El hombre menguante”, de Jan Kounen (Francia-Bélgica, 2025), que se podrán ver en la Sala 2 de los Golem-Alhóndiga.
 


DOKUFANT



Este ciclo DOKUFANT muestra el género fantástico desde una perspectiva documental. También se podrá disfrutar en la Sala 2 de los Golem-Alhóndiga y en él se encuentran los trabajos “Aquel último tiburón”, de Víctor Matellano García, Ángel Sala (España, 2025) y “El asombro”, de Laura Guerricaechevarría (España, 2025).
 


GALARDONES


En esta edición de 2026, el director, músico y escritor Eugenio Mira; la compositora audiovisual bilbaina Aránzazu Calleja y el director, guionista y actor Bruno Martín son los grandes protagonistas de los galardones del Festival de cine Fantástico.

El galardón FANT de Honor lo recibirá, en la gala inaugural el 8 de mayo en el Teatro Campos Elíseos, la compositora audiovisual bilbaina Aránzau Calleja. Cuenta con una amplia trayectoria en el cine. Entre sus trabajos destacan “El Hoyo”, “Cinco Lobitos”, “Marco”, “Irati” o “Akelarre”. Por esta última recibió los premios Goya y Platino a la mejor música original junto a Maite Arroitajauregi. Sus proyectos más recientes son la música de “Los aitas”; “Maspalomas”, nominada a los Premios Goya y Feroz a la mejor música original, y “Gaua”, película que se proyectó dentro del ciclo PreFANT el pasado noviembre, compuesta en colaboración con Maite Arroitajauregi. Actualmente está inmersa en la banda sonora de “Salitre”, ópera prima de la directora bilbaina Norma Vila.

En la misma gala inaugural, FANT otorgará el Premio Estrella del Fantástico, principal galardón del Festival, a Eugenio Mira. Su primer cortometraje, “Fade” (2000), captó la atención de Guillermo del Toro, quien apoyó su carrera desde el principio. Su primer largometraje, “The Birthday” (2004) -que se proyectará el sábado 9 de mayo en el Auditorio del Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao- se ha convertido en un clásico de culto con los años. Posteriormente, dirigió “Agnosia” (2010) y “Grand Piano” (2013). En 2022, Mira dirigió la temporada completa de la serie de HBO Max, “¡GARCIA!”. El director, guionista, editor y actor madrileño Bruno Martín recibirá el Premio

FANTROBIA, que reconoce a una figura emergente dentro del cine de género. Ha participado en proyectos como “En Fin”, “Patria”, “Acacias 38”, “Riders” o “Dos” vidas, “El último tren al Rock and Roll”, “Mambo”, “Grasa”, “Entertainment” o “Fogueo”. En 2023 produce el largometraje “Os reviento”, dirigido por Kike Narcea con el que acumuló casi 20 premios. En 2024 escribe, dirige, edita, produce e interpreta un papel en la galardonada película “Luger”, que se podrá ver el jueves 14 en la Sala 1 de los Golem-Alhóndiga a las 19:30 horas. Bruno Martín recogerá el premios durante la gala de clausura, el 16 de mayo en la Sala BBK.
 


JURADO Y PALMÁRES



El Festival también ha presentado al Jurado de las películas a concurso. Ángel Agudo (guionista de televisión y cine), Alicia Albares (directora, guionista y escritora) y Álex Mendíbil (profesor, comisario, programador, investigador, escritor y guionista) se encargarán de escoger las ganadoras de la Sección Oficial, mientras que Iván Barredo (de gran experiencia en distintos ámbitos del mundo del cine, codirigió FANT Bilbao), María Larrea (guionista, directora y escritora) y Miriam P. Álvarez (ejerce la subdirección del Galician Freaky Film Festival y directora) estarán a cargo de los filmes de Panorama Fantástico.
De sus deliberaciones y votaciones resultará el palmarés de la actual 32ª edición que se dará a conocer el viernes 15 de mayo en rueda de prensa. 

Como novedad, FANTha dado a conocer al jurado que seleccionará la cinta ganadora del Premio Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Fantástico Europeo, que está compuesto por Bego del Teso, critica de cine, Benja de la Rosa, director de cine y Andrea G.Bermejo, redactora jefe de la revista especializa Cinemanía. La Sala BBK acogerá la proyección de los principales títulos premiados en dos sesiones especiales el domingo 17, a las 17:00 horas el Palmarés de la sección Panorama

FANTÁSTICO, y a las19:30 horas el Palmarés de la Sección Oficial.


 SECCIÓN FUERA DE PLANO

Una de las novedades de este año es la sección FUERA DE PLANO, que incluye eventos relacionados con la industria del cine y que tienen lugar en los días previos al comienzo del Festival. Entre ellos, dos exposiciones: “Zinemako jantziak/Vistiendo películas” de la galardonada diseñadora de vestuario bilbaina Nerea Torrijos que se podrá ver en el

Centro Municipal de Abando del 4 al 29 de mayo; y “Batman, gaueko zaindaria”, en el Centro Municipal de Begoña del 8 al 30 de mayo. Además, se preestrena la película “Bajo tus pies”, del director argentino Cristian Bernard. Protagonizada, entre otras, por Maribel Verdú y Sofía Otero, se proyectará en los Cines Golem Alhóndiga el 4 de mayo a las 20:15 horas.

El Centro Municipal de Abando acoge la presentación del libro “Rowan March: El Consenso” del periodista especializado en movilidad Jaime Novo. Será el 7 de mayo, a las 19:00 horas. Dos días después, la Sala Bastida de Azkuna Zentroa alberga la presentación del libro “Mis 100 años de cine. Memorias”, del actor Jack Taylor. La cita, que comienza a las 12:30 horas, contará con la presencia de Bego del Teso y Victor Matellano. El 10 de mayo, a las 12:30 horas en el mismo espacio de Azkuna Zentroa, tendrá lugar la presentación del libro “Revelaciones” de las autoras Edith del Campo, Kate Lynnon y Madame Eloise. 

Durante la celebración del Festival, el ciclo FANTESKOLA acogerá la proyección las películas “Maya, emaidazu titulu bat”, “Oink Oink” y “Kaixo Frida”. Dirigidas a niñas y niños de 5 a 12 años, se exhibirán en la Sala BBK del 11 al 14 de mayo, a las 11:00 horas.

«No Other Choice» review

La historia sigue a un hombre de mediana edad llamado Man-su que se embarca decidido en una búsqueda de trabajo tras ser despedido inesperadamente de la compañía de papel en la que trabajó durante 25 años. ‘Si no hay una vacante para mí, tendré que crear una para que me contraten. No hay otra opción’.

Con un estatus autoral más asentado, Park Chan-wook regresaba al pasado festival de Sitges con No Other Choice, nueva adaptación de la novela The Ax de Donald E. Westlake, llevada con más acierto al cine por Costa-Gavras en 2005 con Le couperet, donde se muestra a un acomodado padre de familia que tendrá que lidiar con un despido y su posterior reinserción laboral que pasa por ir asesinando, uno por uno, a los aspirantes al puesto de trabajo al que opta.

No Other Choice denota cierto oportunismo al aproximarse al éxito de Parásitos de Bong Joon-ho, por aquello de indagar en males sociales a través del drama y del humor negro surcoreano que abordan una serie de problemáticas como las disfunciones familiares, la fragilidad masculina o la crisis de un país donde lo tecnificado sustituye a lo analógico, expuestas desde la vileza de un sistema laboral que funciona por eliminación, mostradas en la película mediante discutibles coordenadas genéricas. A Park Chan-wook siempre le funcionaron bien los toques de humor negro adheridos al noir de estética virtuosa, como lo demostró en los que fueron posiblemente sus mejores trabajos: Sympathy for Mr. Vengeance (2002), Old Boy (2003), Sympathy for Lady Vengeance (2005) o la reciente Decision to Leave (2022). El problema de No Other Choice radica en su tono de sátira mediante un humor ácido, aquí convertido en comedia burda. Siendo un trabajo disfrutable en su faceta lúdica, aunque menos elaborado a un nivel formal de lo que suele ser habitual en su autor. Para exposiciones más realistas y ceñidas a la desesperación causada por el mundo corporativo, siempre nos quedará el cine de Laurent Cantet.  

Valoración 0/5: 2

«Nouvelle Vague», el homenaje de Richard Linklater al nacimiento del movimiento francés se estrena en Filmin el 1 de mayo

Gran triunfadora en los premios César con cinco galardones –incluyendo mejor dirección– y 10 nominaciones, la película se adentra en el rodaje de “Al final de la escapada” para capturar el espíritu de una generación que cambió la historia del cine.

El 1 de mayo llega a Filmin “Nouvelle Vague”, lo último de Richard Linklater («Antes del amanecer»). Tras su paso por la sección oficial del Festival de Cannes, el cineasta firma una de sus obras más singulares. Ganadora de cinco premios César –entre ellos al mejor director– y nominada al Globo de Oro a la mejor película de comedia o musical, reconstruye el contexto creativo que dio lugar a uno de los movimientos cinematográficos más influyentes del siglo XX.

Más que un biopic convencional, “Nouvelle Vague” se centra en el proceso creativo y sigue de cerca el rodaje de “Al final de la escapada”, ópera prima de Jean-Luc Godard, observando a sus protagonistas en pleno trabajo. A través de ese seguimiento, la película captura las dinámicas, decisiones y circunstancias que acompañaron el nacimiento de una nueva forma de entender el cine.

Además, para celebrar el estreno de “Nouvelle Vague”, Filmin lanza una nueva colección dedicada al movimiento, en la que podrán recuperarse muchas de sus obras más importantes, así como documentales sobre sus protagonistas y películas posteriores influidas por su legado.

Sinopsis
La historia detrás de la creación del movimiento cinematográfico francés conocido como Nouvelle Vague, centrada en el rodaje de la innovadora «Al final de la escapada» de Jean-Luc Godard en 1959. En torno a esa filmación clave se cruzan algunos de los nombres fundamentales de la nueva ola francesa –como Claude Chabrol, Agnès Varda, François Truffaut o Éric Rohmer–, en un momento de efervescencia creativa que transformaría para siempre la historia del cine.

Con espíritu de nueva ola

Con “Nouvelle Vague”, Linklater no solo retrata un momento clave de la historia del cine, sino que adopta sus propias formas. La película se construye a partir de los principios estéticos del movimiento que retrata, replicando su espontaneidad, su ligereza formal y su espíritu libre. El resultado no es solo una evocación, sino una reinterpretación desde dentro que recupera su frescura y su carácter experimental.

Para ello, el director recurrió a lentes de época, cámaras y técnicas de rodaje similares a las utilizadas por Godard, con el objetivo de reproducir no solo la imagen, sino también la sensación de filmar en aquel momento. “No tendría sentido rodarla en inglés, en color o en formato panorámico; resultaría extraño”, explica Linklater. “La clave está en las lentes antiguas… fue un ejercicio fascinante, como meterse dentro de otra película y tratar de replicar el aspecto de otra época”.

Dando vida a grandes iconos

Otro de los elementos clave es su reparto, formado en gran medida por actores poco conocidos –con la excepción de Zoey Deutch en el papel de Jean Seberg– que dan vida a iconos de la historia del cine como François Truffaut, Claude Chabrol, Agnès Varda, Jacques Rivette o Suzanne Schiffman. Esta elección permite al espectador sumergirse plenamente en el relato, sin la distracción de rostros familiares, y aceptar a los intérpretes como las figuras históricas que representan. “Esa es la magia: no conoces a los actores, sientes que son ellos”, señala Linklater, que buscaba borrar la distancia entre representación y realidad.

Durante el proceso de audición, el director priorizó la capacidad de capturar la esencia de los personajes por encima de cualquier parecido superficial. Entre las anécdotas destaca la elección del actor que da vida a Jean-Paul Belmondo: aunque llegó a considerar al nieto del icono francés, finalmente optó por Aubry Dullin, al encontrar en él una cualidad difícil de definir que remitía directamente al icono original. El resultado es un reparto que no imita, sino que encarna, reforzando la sensación de estar asistiendo, en presente, al nacimiento de una revolución cinematográfica.

Nueva colección dedicada a la Nouvelle Vague

Para celebrar el estreno de la película, Filmin lanza una nueva colección dedicada a la nouvelle vague, donde podrán verse algunos de los títulos más importantes del movimiento, incluyendo “Al final de la escapada”. La selección reúne una amplia representación de la filmografía de sus principales figuras, con obras de Jean-Luc Godard, François Truffaut, Agnès Varda, Éric Rohmer o Jean Eustache.

Además, la colección incorpora cortometrajes que marcaron el origen del movimiento, y también documentales como “François Truffaut: mi vida en un guion”, “Las playas de Agnès” o “Godard Cinema”. Por último, incluye también un apartado dedicado a películas influidas por la nouvelle vague que, de algún modo, recuperan ese espíritu libre y salvaje que retrata Linklater. Entre ella destacan “El cielo rojo”, “Lazzaro feliz” o “Chungking Express”, junto a muchos otros títulos.

El Festival de San Sebastián dedicará la retrospectiva de la 74ª edición al cineasta y novelista José Giovanni

Giovanni dirigió una quincena de películas y trabajó como guionista o adaptador con Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico

El director, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés, protagonizará la retrospectiva de la 74ª edición del Festival de San Sebastián. Organizada por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación de un libro sobre la obra completa de Giovanni escrito por Felipe Cabrerizo.

José Giovanni (1923-2004), nacido Joseph Antoine Roger Damiani en París, en el seno de una familia acomodada de origen corso, escribió algunas de las páginas más brillantes tanto de la novela policíaca como del polar, el cine policíaco francés, tan influyente como el film noir estadounidense. Fue antes novelista, adaptador y guionista, pero cuando tomó las riendas de sus propios proyectos como director, estableció una mirada y una estética en el policial francés pareja a la de sus autores más reputados, Jean-Pierre Melville o Jacques Deray. Con ambos colaboró estrechamente en un momento, la primera mitad de los años 60, en el que tener a Giovanni en los créditos suponía una garantía de interés y de éxito cuando el policíaco era uno de los géneros más sólidos del cine francés.

Tuvo una vida ajetreada y compleja, repleta de zonas oscuras. De ella extrajo no pocos elementos argumentales para sus novelas. Su irrupción en el cine fue por la puerta grande: Jacques Becker se fijó en su novela La evasión, en la que Giovanni relataba su estancia en la cárcel –acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena capital le fue conmutada por trabajos forzados–, y decidió llevarla a la pantalla. La conexión con el escritor fue inmediata y Giovanni, que había sido contratado como consejero técnico, terminó ejerciendo de coguionista de Le Trou / The Hole (La evasión, 1960). Fue la obra póstuma de Becker y pudo verse en la retrospectiva que el Festival de San Sebastián dedico al director en 2016.

Giovanni publicó La evasión en 1958, año y medio después de salir de prisión. Poco después ya era uno de los escritores incluidos en la prestigiosa Série Noire, la colección de libros policíacos que había ideado Marcel Duhamel en la editorial Gallimard y que marcó una nueva y moderna apreciación de la literatura criminal, incluyendo las traducciones al francés de los clásicos norteamericanos. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), dio pie a Classe tous risques / The Big Risk (A todo riesgo, 1960), de Claude Sautet, en la que Giovanni ejerció también de guionista. Y la segunda, Le Deuxième souffle (1958), fue adaptada años más tarde por Jean-Pierre Melville en uno de los títulos clave del polar, Le Deuxième souffle / Second Wind (Hasta el último aliento, 1966). Tanto este filme como el de Sautet, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2022, contaron con Lino Ventura, uno de los intérpretes clave del género junto a Jean Gabin y Alain Delon.

Otra de sus novelas del productivo año 1958, L’Excommunié, sirvió de base para Un nommé La Rocca / A Man Named Rocca (Un tal La Rocca, 1961), película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y en la que se prolongaba la buena relación con los Becker: fue dirigida por Jean Becker, hijo de Jacques. En 1963 inició como guionista su fructífera colaboración con el director Jacques Deray –(Symphonie pour un massacre / Symphony for a Massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo / Rififi in Tokyo (Rififí en Tokio, 1963), L’homme de Marrakech / The Man from Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966) y Avec la peau des autres / To Skin a Spy (Red siniestra, 1966)–, y tres años después lo hizo con Robert Enrico –Les Grandes gueules / The Wise Guys (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers / The Last Adventure (Tres aventureros, 1967) y Ho! / Ho! Criminal Face (¡Ho!, 1968)–. Pero para entonces Giovanni ya barruntaba su paso a la dirección. Debutó tras la cámara con La Loi du survivant / Law of Survival. (La ley del superviviente, 1967), un polar en tiempos bélicos en el que aparecen tres de sus motivos temáticos principales: la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial, los ambientes de Córcega y la traición.

A partir de este momento, y con la sola excepción de Le Clan des Siciliens / The Sicilian Clan (El clan de los sicilianos, 1969) de Henri Verneuil –obra clave del polar, guion modélico de Giovanni a partir de la novela de Auguste Le Breton y reunión de alto voltaje entre Ventura, Delon y Gabin–, nuestro protagonista se dedicó principalmente a la dirección. Y si bien en sus películas hay rasgos de todos los cineastas con los que trabajó, no tardó en imponer un estilo propio, crudo y directo, adaptándose a sí mismo o a otros escritores, en filmes en los que mostró a asesinos a sueldo, policías de barrio, jóvenes rebeldes enfrentados al sistema, el hampa marsellesa, delincuentes que no pueden reinsertarse en la sociedad, ladrones marginales que viven según sus códigos, robos a gran escala, presidiarios que intentan demostrar su inocencia o buscadores de oro. Un estilo tan agitado como lo fue su propia existencia, muy física y aventurera: por ejemplo, practicó la escalada tanto alpina como urbana, y en una ocasión escaló hasta lo alto de la Torre Eiffel.

De entre los quince largometrajes que dirigió, además de dos filmes para televisión y tres episodios de un par de series, destacan Le Rapace / Birds of Prey (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu / Last Known Address (Último domicilio conocido, 1970) –ambas con Ventura–, Un aller simple / One Way Ticket (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune / Hit Man (El clan de los marselleses, 1972) –con Belmondo, Claudia Cardinale y el actor fetiche de Giovanni, Michel Constantin–, Deux hommes dans la ville / Two Men in Town (Dos hombres en la ciudad, 1973) –con Delon y Gabin compartiendo protagonismo–, Le Gitan / The Gypsy (Alias el gitano, 1975) –producida e interpretada por Delon– y Une robe noire pour un tueur (1981), con Annie Girardot. En sus dos últimas películas, Mon ami le traître / My Friend the Traitor (1988) y Mon père, il m’a sauvé la vie / My Father Saved My Life (Mi padre, 2001) –coescrita con Bertrand Tavernier– reflexionó desde la ficción sobre aspectos determinantes de su propia vida.

La plaga zombie, primer tráiler para «Colony» de Yeon Sang-ho

Tras Seoul Station (2026), Train to Busan (2026) y Península (2020), el surcoreano Yeon Sang-ho reincide en la temática zombie con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Colony, cinta cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, que tendrá su premiere mundial en la inminente edición del Festival de Cannes dentro de la sección Midnight Screening, llegará a las salas comerciales de Corea del Sur el próximo 28 de agosto.

Colony nos sitúa en una conferencia de biotecnología se convierte en un caos cuando un virus que muta rápidamente transforma a los infectados, obligando a las autoridades a sellar las instalaciones con los supervivientes atrapados en su interior.

La película está protagonizada por Jun Ji-hyun, Koo Kyo-hwan, Ji Chang-wook, Shin Hyun-bin, Shin Hyun-bin y Go Soo.  

Nace Filmoteca Seminci: viajes y descubrimientos de la historia del cine durante todo el año

·  Seminci lanza una nueva iniciativa de ciclos y proyecciones del patrimonio cinematográfico mundial en Valladolid con la colaboración de la Filmoteca de Castilla y León

·  El ciclo ‘¿Qué fue del futuro?’; los clásicos del cine español ‘Los santos inocentes’ y ‘Furtivos’; un homenaje a Pere Portabella en su centenario; la recuperación de un clásico de cine africano, e Ingmar Bergman visto por Jaume Claret Muxart, primeras actividades previstas

La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) pone en marcha Filmoteca Seminci, una iniciativa de ciclos y proyecciones en diferentes salas de la ciudad para acercar el patrimonio cinematográfico mundial al público de Valladolid durante todo el año, en colaboración con la Filmoteca de Castilla y León.

Esta propuesta responde también al propósito de José Luis Cienfuegos, director de Seminci hasta 2025, de dar continuidad a las actividades iniciadas con motivo de la 70ª edición del festival y de reforzar el papel de Seminci como dinamizador cultural de la ciudad durante todo el año y no solo en las fechas de celebración del certamen.

Según los directores del festival, Mariona Viader y Javier H. Estrada, «Filmoteca Seminci surge como la colaboración natural con la Filmoteca de Castilla y León, aliado clave con el que construimos este proyecto que reúne y aporta coherencia a las proyecciones que se realizan durante todo el año, apostando siempre por la reflexión a partir de una programación heterodoxa en épocas y territorios. Un lugar para seguir aprendiendo y redescubriendo la historia del cine, demostrando que la comunidad de Seminci permanece unida y despierta más allá de las fechas del festival».

Con esta iniciativa se cumplen las aspiraciones de la Filmoteca de Castilla y León de mantener una programación cinematográfica estable en Valladolid, fruto de la colaboración institucional, como parte del ámbito de la difusión de la cultura audiovisual que tiene a su cargo la Dirección General de Políticas Culturales.

‘Metropolis’, de Fritz Lang

Once proyecciones programadas durante 2026

La programación de Filmoteca Seminci incluye, hasta el momento, once proyecciones que comenzarán en abril y se extenderán hasta diciembre: el ciclo de largometrajes ‘¿Qué fue del futuro?’ en los Cines Broadway; el ciclo ‘Restauraciones cinematográficas’, con dos obras maestras del cine español en el Auditorio FUNDOS Fórum; y un clásico del cine africano, un homenaje al cineasta Pere Portabella por su centenario y una nueva sesión del programa Inside Cinema, protagonizada por Jaume Claret Muxart, en los Cines Casablanca.

Las sesiones contarán con una presentación o coloquio posterior que enriquecerá la experiencia de visionado y el diálogo en torno a las películas, reforzando así el compromiso de Seminci con la divulgación de la historia del cine desde la cercanía y la participación del público.

En el marco de estas proyecciones, Espacio Seminci acogerá vitrinas temáticas dedicadas a los actores o directores vinculados a los títulos programados. La primera de ellas reúne objetos y recuerdos relacionados con Francisco Rabal, intérprete de Los santos inocentes, recuperando así la iniciativa ‘Vitrina del mes’, puesta en marcha en 2025 con el objetivo de poner en valor y difundir el archivo histórico del festival.

‘Los santos inocentes’, de Mario Camus. ‘Furtivos’, de José Luis Borau.

Dos obras maestras del cine español

Las actividades comenzarán el 28 de abril con la proyección de Los santos inocentes, de Mario Camus (1984), en el Auditorio FUNDOS Fórum, con motivo del centenario del actor Paco Rabal. La película, basada en el libro homónimo de Miguel Delibes, ganó el premio de interpretación masculina ex aequo para Alfredo Landa y Paco Rabal, que logró convertir a Azarías y su «milana bonita» en uno de los personajes más recordados del cine español. El acto se completará con el cortometraje Paco, mi padre, dirigido por Benito Rabal, hijo del recordado intérprete, quien lo presentará en Valladolid.

La versión remasterizada en 4K de Furtivos, película de 1975 dirigida por José Luis Borau, continuará el 29 de abril en FUNDOS Fórum la recuperación de títulos imprescindibles de la historia del cine español. Ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, Furtivos teje bajo la forma de un drama rural una alegoría sobre la opresión, el miedo y la necesidad de ruptura con un pasado autoritario. Su valor reside en la valentía con que, incluso antes del final del franquismo, logró formular una crítica simbólica al sistema. Lo hace a través de la relación de un joven reprimido emocional y sexualmente por una madre autoritaria, interpretados por Ovidi Montllor y Lola Gaos, respectivamente.

Con esta colaboración y el ciclo de películas restauradas, FUNDOS reactiva la histórica relación de la sala de Fuente Dorada con la programación cinematográfica impulsada junto a Seminci y la Filmoteca en la década de los noventa.

‘Apocalypse Now Redux’, de Francis Ford Coppola

Predicciones cinematográficas que cumplen 25 años en 2026

El ciclo ‘¿Qué fue del futuro?’ en los Cines Broadway pretende mostrar cómo el cine anticipó en torno al año 2001 debates y conflictos humanos de vigente actualidad. La selección de seis películas realizada por el equipo de programación de Seminci reúne títulos de variada procedencia geográfica firmadas todas ellas por cineastas consagrados.

El 7 de mayo Apocalypse Now Redux inaugurará el ciclo.La versiónampliada del clásico antibelicista de Francis Ford Coppola tuvo su estreno en el Festival de Cannes de 2001, desvelando una de las visiones más impactantes y complejas de la guerra en el cine. La película, inspirada en la novela El corazón de las tinieblas, de Joseph Conrad, no es una historia bélica más; explora la oscuridad humana, presentando la guerra como una experiencia caótica y profundamente deshumanizante.

El 11 de junio se proyectará Intervención divina, dirigida y protagonizada por Elia Suleiman. La película retrata de forma singular, irónica y simbólica cómo el conflicto palestino-israelí se filtra en la vida cotidiana, bosquejando un panorama absurdo, opresivo y crítico de los controles militares, las restricciones de movimiento y las rutinas de un territorio ocupado que invita al espectador a reflexionar sobre la búsqueda de libertad del pueblo palestino. Rodada en 2001 y estrenada en Cannes al año siguiente (donde obtuvo el Premio del Jurado), la vigencia de su temática se alinea plenamente con el eje central de este ciclo.

Trouble Every Day, de Claire Denis, plantea un futuro en el que la ciencia no hace progresar a la humanidad, sino que desata lo más oscuro de la naturaleza humana: el deseo convertido en violencia. A través de la manipulación genética y de las actuaciones extremas de Vincent Gallo y Béatrice Dalle, Denis anticipó en 2001 una pregunta que sigue sin respuesta: ¿qué ocurre cuando el progreso científico elimina los últimos límites morales? Su proyección está prevista el 23 de julio.

‘Intervención divina’, de Elia Suleiman.

El día 17 de septiembre el ciclo de proyecciones se retomará con Waking Life, de Richard Linklater. El director de Nouvelle Vague, Boyhood o Antes del amanecer profundizó en la faceta más filosófica de su filmografía con esta propuesta de animación que ofrece una reflexión existencial sobre el destino de la humanidad a través de los sueños lúcidos de su protagonista, que conversa sobre el libre albedrío, la identidad o el sentido de la vida con los personajes con los que se va encontrando en el camino.

Una vez terminada la 71ª edición de Seminci, el 12 de noviembre los Cines Broadway proyectarán la japonesa Pulse (Kairo). El realizadorKiyoshi Kurosawa recurre al género de terror para plantear una inquietante reflexión sobre la soledad con la historia de un fantasma que se comunica a través de internet. Hace ya 25 años, este título predijo que el mayor peligro del futuro no es la tecnología en sí, sino cómo puede amplificar la soledad humana, cómo la hiperconectividad lleva a la desconexión emocional y al fin de la humanidad.

El ciclo se cerrará el 10 de diciembre con un título mítico de la ciencia ficción distópica, Metrópolis (1927), de Fritz Lang. Una película que advirtió hace casi 100 años que el progreso tecnológico sin ética podría generar en 2026 una sociedad desigual, deshumanizada y en conflicto en el futuro. La sesión se enmarca en el acuerdo de colaboración que Seminci mantiene desde hace años con el Goethe-Institut para la difusión y promoción del cine alemán, y que se ha renovado de cara a ampliar su presencia en la 71ª edición.

‘Vampir-Cuadecuc’, de Pere Portabella.

Recuerdo a Pere Portabella y dos clásicos en Cines Casablanca

El 18 de junio, los Cines Casablanca se convertirán en anfitriones de la proyección de la película Vampir-Cuadecuc (1970), de Pere Portabella (Figueres, 1927). Productor de obras maestras del cine español como Viridiana, Los golfos o El cochecito, como director es un referente de la cultura de vanguardia que ha influenciado a muchos cineastas contemporáneos. Vampir-Cuadecuc, una de sus películas más conocidas,deconstruye los mecanismos narrativos del rodaje dela película El conde Drácula, de Jesús Franco, protagonizada por Christopher Lee, para dibujar su propia versión del mito vampírico y romper con el cine dominante permitido por el franquismo.

Tras la proyección, el cineasta, teórico y divulgador Luis E. Parés, especialista en la filmografía de Portabella y actual director artístico de Cineteca Madrid, conversará en Espacio Seminci con el codirector del festival Javier H. Estrada, con el objetivo de establecer un diálogo transgeneracional sobre la relevancia y permanencia del cine de Portabella, tanto en su dimensión estética como política.

Seminci se une así al programa internacional ‘Acción Portabella’, impulsado por el Ministerio de Cultura y la Generalitat de Catalunya para conmemorar durante 2026 y 2027 el centenario del cineasta y activista. Un homenaje que el propio Pere Portabella ha aceptado como reconocimiento a su actualidad permanente como motor de activismo artístico y político: «Tenemos que hacer cosas que tengan actualidad, vitalidad, que nos permitan avanzar. Aquí es donde me siento cómodo», ha señalado.

‘Sambizanga’, de Sarah Maldoror. ‘Un verano con Mónica’, de Ingmar Bergman.

Bajo el título ‘Ingmar Bergman visto por Jaume Claret Muxart’, Filmoteca Seminci acogerá el jueves 30 de abril una nueva sesión del ciclo Inside Cinema, iniciativa impulsada en el marco de la red europea Young4Film, de la que el festival forma parte desde 2025. En esta ocasión, el invitado será el cineasta Jaume Claret Muxart, nominado al Premio Goya a mejor dirección novel por Extraño río y presente en la 68ª edición de Seminci con su cortometraje Die Donau. Tras la proyección de la película Un verano con Mónica, de Ingmar Bergman, en Cines Casablanca, Claret analizará las conexiones entre este título y su propia obra en Espacio Seminci.

Considerada una pieza clave en la historia del cine moderno, Un verano con Mónica narra la intensa historia de amor y huida de dos jóvenes que buscan escapar de la rutina urbana durante un verano de libertad en un archipiélago sueco. La película destaca por su naturalismo, su innovador tratamiento de la intimidad y, especialmente, por la célebre mirada a cámara de su protagonista, interpretada por Harriet Andersson, un gesto que marcó a generaciones de cineastas, como al propio Jaume Claret Muxart.

El 28 de mayo se proyectará en los Cines Casablanca, un clásico de la cinematografía africana, Sambizanga, (1972),de Sarah Maldoror. Esta propuesta, organizadaen colaboración con el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid con motivo de la celebración esa semana del Día de África, se completará con una charla posterior.

Con este trabajo, Maldoror se convirtió en una de las primeras mujeres en dirigir un largometraje en África. La directora retrató en este título, obra clave del cine anticolonial y feminista africano, la lucha por la independencia de Angola a través de la historia de María, una mujer que busca a su marido detenido por la policía colonial portuguesa.

Ingmar Bergman. El cine de las cicatrices

Ingmar Bergman es un autor cuya filmografía ha sido analizada y diseccionada hasta el hartazgo. No obstante, la prevalencia de aspectos visuales, estructurales o estilísticos en los trabajos realizados ha copado el mundo editorial, sin que la verdadera esencia de Bergman haya sido desvelada. Porque, aunque era director, también fue guionista y, pese a que él mismo renegase de su talento como escritor, su mayor afán era el de ser considerado un intelectual de primer orden como August Strindberg. Ingmar Bergman. El cine de las cicatrices opera a la inversa que la totalidad de la bibliografía que gira en torno al director sueco, analizando los diálogos de sus películas respecto a las temáticas que le obsesionaban como persona: la religión, los actores, la violencia, la sexualidad, la trascendencia, la muerte, la enfermedad mental y la familia. Cada una de sus cicatrices fue trasladada a su filmografía de manera ineluctable, lo que resultó en un corpus cinematográfico extraordinariamente rico y susceptible de ser analizado desde la propia biografía y devenir del director. Tras la lectura de este volumen, se entenderá que las filias y fobias de Bergman marcaron su carrera como autor cinematográfico, siendo fácil rastrear su personalidad en cada título, lo que revela una obra completamente íntima y fascinante.

Autor: Lucía Tello Díaz, Editorial: Sílex Ediciones, Páginas: 432

Tráiler y póster para «Ice Cream Man» de Eli Roth

Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Eli Roth titulado Ice Cream Man. Cinta de terror que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 7 de agosto.  

En Ice Cream Man vemos como un idílico pueblo de verano se convierte en lugar de locura cuando un heladero sirve a los niños delicias dulces con resultados espeluznantes.

La película, con guion a cargo del propio Eli Roth junto a Noah Nelson, está protagonizada por Ari Millen, Benjamin Byron Davis, Eli Roth, Karen Cliche, Dylan Hawco, Sarah Abbott, Shiloh O’Reilly, Kiori Mirza Waldman, Charlie Zeltzer y Charlie Storey.

Teaser tráiler para «All of a Sudden» de Ryūsuke Hamaguchi

Empiezan a ver la luz los primeros adelantos de algunas de las películas que competirán por la Palma de Oro en la próxima edición del Festival de Cannes. All of a Sudden, cuyo primer teaser tráiler podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, supone el regreso a la dirección del japones Ryūsuke Hamaguchi, que aquí adapta libremente una colección de cartas escritas entre la filósofa Makiko Miyano y la antropóloga médica Maho Isono, publicadas en el libro «You and I – The Illness Suddenly Get Worse«.

All of a Sudden nos sitúa en París, Marie-Louise Fontaine, directora de la residencia de ancianos suburbana «Jardín de la Libertad«, se esfuerza por proporcionar una atención humana a sus numerosos residentes, pero se ve acosada por la escasez de personal y la falta de comprensión entre sus colegas. En medio de estos problemas, Marie-Lou conoce al azar a Mari Morisaki, una directora de teatro japonesa. Marie-Lou encuentra valor en las obras escritas por Mari, que lucha contra el cáncer. Guiadas por la coincidencia de sus nombres, que suenan parecidos, empieza a formarse un vínculo entre ellas. Sin embargo, un día, Mari empeora repentinamente. A medida que la enfermedad de Mari avanza, su nueva relación se profundiza dramáticamente, y empiezan a conectar a un nivel conmovedor…

La película, con guion adaptado a cargo de Ryûsuke Hamaguchi junto a Léa Le Dimna, está protagonizada por Virginie Efira, Tao Okamoto, Kyôzô Nagatsuka, Teruyo Kurosaki, Marie Bunel, Jean-Charles Clichet, Jean-Louis Garçon, Lazare Gousseau, Margot Maricot, Prescilia Follin, Evelyne Istria, Jérôme Chappatte, Elizabeth Tamaris y Gabriel Dahmani.  

     

Proyecciones Xcèntric: Figuraciones desvergonzadas. Tres obras en vídeo de Vanalyne Green

Narrada en primera persona, la obra de Vanalyne Green combina perspicazmente la autobiografía y el tono confesional con elementos de la cultura popular para abordar temas como el trauma, los desórdenes alimenticios, la violencia doméstica, el amor y el deseo sexual. Este programa reúne sus obras más conocidas, realizadas entre 1984 y 1999

Trick or Drink (1984) es un diario que abarca de 1962 a 1982, en el que Green explora las consecuencias de crecer en un entorno familiar marcado por el alcoholismo. La película combina fotografías de su adolescencia, fragmentos de revistas y periódicos de la época, imágenes publicitarias, textos en pantalla, dibujos y la presencia misma de la artista frente a la cámara. Por su parte, A Spy in the House that Ruth Built (1990) supone una lectura divertida y aguda de los simbolismos en el imaginario del béisbol. Green identifica diferentes dinámicas de género y las subvierte a través de su forma de involucrarse, con distancia y pasión a la vez, en este deporte. Finalmente, en Saddle Sores (1999) Green cuenta que contrajo herpes tras acostarse con un cowboy. El corto mezcla secuencias de anuncios y películas del Oeste con conversaciones con sus amigas y reflexiones sobre la enfermedad venérea y sus implicaciones.

En sus vídeos, Vanalyne Green demuestra una voluntad por saber y comprender las normas morales, muchas veces hipócritas, que aquejan a las personas. El humor ácido con el que aborda estas cuestiones desarticula la vergüenza y reivindica la libertad de vivir más allá de la estigmatización. Parte del ingenio de Green radica en su capacidad de asociar imágenes aparentemente inconexas. Por ejemplo, la artista compara la forma del béisbol con la del sistema reproductor femenino o el relieve de los desiertos de las películas del Oeste con la piel de un cuerpo infectado con herpes. En conjunto, las tres obras nos muestran unos quince años en la vida Green: su evolución, sus equivocaciones, sus miedos y sus alegrías.

Vanalyne Green: Trick or Drink, 1984, video, 20 min; A Spy in the House That Ruth Built, 1989, video, 30 min; Saddle Sores, 1999, video, 19 min.

Proyección en digital, VOSC. Copias procedentes de LUX.

Directores/as

Fecha y horario

19 abril 2026 18:30 h

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Precios

4 € / 3 € Reducida Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido Amigos CCCB: gratuito Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online. Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

«Die My Love» review

Una pareja joven y enamorada, Grace y Jackson, se muda desde Nueva York a una casa heredada en el campo. Al poco tiempo, Grace intenta encontrar su identidad en ese entorno aislado, acompañada de su bebé recién nacido. Pero al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la fortaleza y la imaginación.

A través de una oscura introspección, más orientada en la fisicidad que en la dialéctica, es de la que parte Lynne Ramsay en Die My Love, drama desaforado que se desarrolla en ese concepto de la psicosis posparto que deviene en campo de batalla, temática manida que empieza a mostrar numerosos signos de agotamiento, especialmente en digresiones tan cuestionables como, por ejemplo, las recientes Nightbitch (Marielle Heller, 2024) o Salve María (Mar Coll, 2024) entre otras. Una premisa argumental que, sin embargo, Die My Love desarrolla de forma más convincente con respecto a las películas antes citadas, en esta ocasión, por la transversal radiografía que hace del American way of life, mediante el periplo de un joven matrimonio que se muda de la gran ciudad a una zona rural tras tener un hijo.

Un concepto supuestamente idílico, aquí llevado a una situación límite, donde la inseguridad del personaje interpretado por Jennifer Lawrence, que toma como principal referencia al de Gena Rowlands en A Woman Under the Influence, se transforma en una suerte de comportamiento psicopático. Al igual que en anteriores trabajos de Lynne Ramsay como We Need to Talk About Kevin (2011) o You Were Never Really Here (2017), el argumento de Die My Love versa principalmente sobre heridas ocultas, y cómo estas terminan propiciando irracionales comportamientos y simbologías en el tramo final del relato, como por ejemplo el anhelo por querer sentirse vivo dentro de un escenario que ejerce una función de cárcel mental.

Valoración 0/5:3

Llegan a FlixOlé la oscarizada «Belle Époque» y la exitosa carta de amor al cine español, «La niña de tus ojos»

El director Fernando Trueba, figura indispensable del cine español contemporáneo, protagoniza la programación de FlixOlé con el estreno, el próximo viernes 10 de abril, de dos de sus películas más emblemáticas: Belle Époque (1992) y La niña de tus ojos (1998). Junto a estos títulos, la plataforma lanza una colección que reúne una decena de obras rodadas o escritas por el cineasta, ofreciendo un recorrido por su universo creativo y su aportación al audiovisual español.

Heredero en espíritu de Billy Wilder y del mejor clásico americano, Trueba ha sentido el cine como una comedia romántica capaz de mostrar lo maravillosa que puede ser la vida, incluso con sus sinsabores. Con profundidad y naturalidad, contribuyó a principios de los años 80 a poner patas arriba el panorama cinematográfico español con propuestas desenfadadas que darían lugar a la llamada comedia madrileña. Durante la década siguiente, la más prolífica de su carrera, afianzó su estilo con películas que capturan con sensibilidad la memoria del país. Reconocido con numerosos premios Goya y artífice de la segunda producción española en conquistar el Oscar, su trayectoria abarca géneros tan diversos como el melodrama de época, el noir, la animación o el musical, además de consolidar un notable prestigio en el ámbito del documental.

Con ‘Fernando Trueba: Sueños de celuloide’, FlixOlé propone ahora un recorrido integral por la obra de uno de los grandes nombres del cine español. El especial reúne tres estrenos destacados, Belle ÉpoqueLa niña de tus ojos y El baile de la victoria (2009), que se suman a un catálogo de títulos imprescindibles para comprender la riqueza y vigencia de su filmografía.

Culminación del cine histórico: Belle Époque

Tras sentar cátedra con la ‘Escuela de Yucatán’, nacida entre el tintinear del hielo en los vasos y el humo de los garitos de Malasaña, Fernando Trueba se coló sin carné de director en la industria. Junto a compañeros de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense —como Carlos Boyero, Antonio Resines u Óscar Ladoire— convirtió en realidad su sueño de hacer cine con películas que funcionaban como retratos generacionales. En ellas, la influencia de la nouvelle vague y el póster de Annie Hall de Woody Allen se mezclaban con una mirada propia que, casi sin proponérselo, terminó por renovar los códigos de la comedia española.

Aquella celebración vitalista hecha a base de líos amorosos, cigarritos de la risa y ansias de libertad una vez enterrado el franquismo fue evolucionando hacia territorios más complejos. Con El año de las luces (1986), Trueba desplazó el foco desde la efervescencia de los años 80 hacia los años grises de la posguerra, abriendo una nueva etapa en su cine. Ese tránsito, de lo inmediato a lo evocador, de lo generacional a lo histórico, encuentra su culminación en Belle Époque.

Situada en los días previos a la Segunda República, la película sigue a un joven (Jorge Sanz) que, tras desertar del ejército, encuentra refugio en una familia tan libre como fascinante, iniciando una aventura sentimental con cada una de las hijas (interpretadas por Ariadna Gil, Maribel Verdú, Miriam Díaz Aroca y Penélope Cruz) de su anfitrión (Fernando Fernán Gómez). Definida por el propio Trueba como una “película contra el muermo”, la cinta se aleja de etiquetas para moverse con libertad entre personajes, emociones y tonos, construyendo un relato de lo que España podría haber sido.

Nacida del placer de contar historias —tras una comida entre Fernando Trueba, José Luis García Sánchez y Rafael Azcona— la cinta acaparó la atención del público y la crítica, y se convirtió en uno de los mayores hitos del cine del país cuando su director recogió el Oscar a Mejor película de habla no inglesa; el segundo para una producción española. 

Humor y tragedia en el periplo de La niña de tus ojos

La cinta llega al catálogo de FlixOlé en una restaurada versión, realizada en los laboratorios de la plataforma, que acompaña a otro de los títulos más celebrados de Trueba: La niña de tus ojos. Esta apasionada declaración de amor al séptimo arte patrio sitúa al público en plena Guerra Civil: el director Blas Fontiveros (Antonio Resines) y su equipo viajan a la Alemania nazi para rodar en los estudios de la UFA una película folclórica con la estrella Macarena García (Penélope Cruz). La dificultad de ambientar la alegría y pasión andaluza en tierras teutonas será el menor de los problemas de la troupe española, que descubrirá las lascivas intenciones del ministro alemán de propaganda, Joseph Goebbels, con la protagonista y que los extras del filme son gitanos y judíos procedentes de campos de concentración.

Inspirada libremente en el periplo de Imperio Argentina y Florián Rey en la Alemania del Tercer Reich, la película combina humor y tragedia para retratar a un grupo de cineastas enfrentados a una realidad tan compleja como desconocida. Con un gran despliegue de producción y un reparto coral de nivel —que consolidó la fama internacional de Penélope Cruz—, el largometraje llevó a cerca de 2,5 millones de espectadores a las salas de cine y eclipsó la decimotercera edición de los Goya, donde obtuvo siete galardones.  

El baile de la victoria y otros ‘sueños de celuloide’

El especial ‘Fernando Trueba: Sueños de celuloide’ se completa con el estreno de El baile de la victoria, una historia de segundas oportunidades ambientada en Chile tras la dictadura. Basada en la novela de Antonio Skármeta, la película confirma la versatilidad de Trueba y su capacidad para abordar relatos de gran carga emocional, explorando temas como la redención, la justicia y la esperanza.

La colección se enriquece además con otros títulos fundamentales en la filmografía del director: El artista y la modelo (2012) con la que ganó la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, delicada reflexión sobre la creación y el paso del tiempo; Sé infiel y no mires con quién (1985), icono de la comedia madrileña; Two Much (1995), su salto a la comedia romántica internacional; El año de las luces (1986), retrato iniciático de la posguerra; El embrujo de Shanghai (2002), evocación de la memoria y la imaginación; así como los proyectos que coescribió: Esta noche es la noche (Julio Sánchez Valdés, 1980), Miss Caribe (Fernando Colomo, 1988), Suspiros de España (y Portugal) (José Luis Gª Sánchez, 1994) y A contratiempo (Óscar Ladoire, 1982), que completan un mosaico imprescindible para comprender la riqueza y diversidad de una de las carreras más influyentes del cine español.

Primer tráiler para «El ser querido», lo nuevo de Rodrigo Sorogoyen

Con motivo del anuncio de su presencia en la Sección Oficial a concurso del próximo Festival de Cannes, acaba de ser presentado en sociedad un primer teaser tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Rodrigo Sorogoyen titulado El ser querido, película que de la mano de A contracorriente tiene previsto su estreno comercial en nuestro país para el próximo 28 de agosto.  

El ser querido nos cuenta como un aclamado director de cine y su hija, una actriz sin éxito, vuelven a rodar juntos una película tras varios años de distanciamiento y un pasado difícil del que ninguno de los dos quiere hablar.

La película, con guion a cargo del propio Rodrigo Sorogoyen junto a Isabel Peña, esta protagonizada por Javier Bardem, Vicky Luengo, Raúl Arévalo, Raúl Prieto, Marina Foïs, Mourad Ouani, Melina Matthews, Laura Birn, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando y Malena Villa.

El ser querido es una película original de Movistar Plus+ producida en colaboración con Caballo Films, El Ser Querido AIE y la francesa Le Pacte que cuenta con la participación de Canal+, la financiación del ICAA y Creative Europe Media y el apoyo del ICEC y la Comunidad de Madrid.

Escritos sobre cine por Miguel Marías. Alfred Hitchcock

Celebrado como «mago del suspense», maestro del entretenimiento y brillante narrador, Alfred Hitchcock es eso… y mucho más. A lo largo de varias décadas Miguel Marías reflexiona (ya en 1964, el primer texto crítico que escribió lo dedicó a ordenar lo que pensaba acerca de Hitchcock y Marnie) sobre aspectos soslayados con frecuencia, como su faceta romántica, su modo de dirigirse al espectador, su humorismo o, completándolo, su mirada grave y profunda.

Autor: Miguel Marías, Editorial: Confluencias, Páginas: 256

Trailer final para «Mother Mary» de David Lowery

Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de A24 el tráiler final, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del esperado regreso a la dirección de David Lowery titulado Mother Mary. Descrita como un “thriller psicosexual pop”, la película, aún sin fecha de estreno en nuestro país, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 17 de abril.    

Mother Mary gira en torno a como las heridas ocultas durante mucho tiempo salen a la superficie cuando una popular estrella del pop se reúna con su antigua mejor amiga, y ex diseñadora de vestuario, en vísperas de su regreso a los escenarios.

La película, con guion a cargo del propio David Lowery, está protagonizada por Anne Hathaway, Michaela Coel, Hunter Schafer, Atheena Frizzell, Kaia Gerber, Jessica Brown Findlay, Isaura Barbé-Brown, Alba Baptista, Sian Clifford y FKA Twigs.

“April”, la película de Dea Kulumbegashvili premiada en Venecia y San Sebastián, se estrena en Filmin

El 10 de abril Dea Kulumbegashvili regresa con este retrato brutal y realista sobre el aborto en las zonas más desfavorecidas de Georgia. 

El 10 de abril se estrena en Filmin “April”, el segundo largometraje de la directora georgiana Dea Kulumbegashvili, autora de «Beginning”, película con la que se llevó la Concha de Oro. Con este nuevo trabajo, la cineasta ha consolidado su prestigio internacional al alzarse con el Gran Premio del Jurado en Venecia y coronar la Sección Zabaltegi en el Festival de San Sebastián.

Sinopsis
Nina (Ia Sukhitashvili) es una obstetra experta en un hospital materno del este de Georgia. Tras un parto difícil, el bebé muere y el padre, destrozado por el dolor, exige que se investiguen los métodos de Nina. El escrutinio resultante amenaza con sacar a la luz la actividad paralela de Nina, que consiste en conducir por la impresionante belleza del campo hasta las casas de las aldeas donde viven las mujeres y las niñas embarazadas para practicarles abortos ilegales, y con destruir la profesión que es la única fuente de sentido en su vida.

El ciclo continúa

La idea de la película surge durante el rodaje del anterior largometraje de la directora, cuando empezó a entrar en contacto con mujeres que vivían en condiciones de gran precariedad. Muchas de ellas, con seis o siete hijos, apenas habían tenido acceso a la educación –no sabían leer ni escribir– y se habían casado siendo adolescentes. A partir de estas experiencias, Kulumbegashvili identificó un patrón: «Comprendí que se trata de un círculo vicioso: las madres no recibieron ninguna educación, se casaron a los quince años y nadie les preguntó nunca qué querían en la vida, y luego tuvieron hijos. Y, a pesar del amor y los cuidados que les dan, son incapaces de proporcionarles una educación básica. Y el ciclo continúa”. 

Kulumbegashvili quiso poner el foco en estas mujeres y en la importancia de mantener en el centro de la conversación el tema del aborto: “En Georgia es legal hasta las doce semanas, pero cada clínica tiene derecho a decidir si quiere hacerlo, y es imposible encontrar una clínica que lo haga. Pregunté a los médicos: ‘¿Y si se trata de una víctima de violación?’. Y me respondieron: ‘Debería ir a la ciudad y resolverlo con la policía’. Uno de los médicos dijo: ‘¿Por qué tengo que ser yo responsable de sus pecados?’ ”. 

Las personas de las alturas

Dea Kulumbegashvili quiso hacer a las personas locales partícipes de su proyecto. Dispusieron una zona de manualidades para que los niños pudieran acercarse, participar y preguntar. La directora quería despertar en ellos la curiosidad y permitirles vislumbrar otro futuro. También invitó a las mujeres del pueblo: “Tenían muchas ganas de maquillarse. Aunque en mi película no usamos mucho maquillaje, les dije que sí. Para ellas era una celebración, un día libre de su rutina. Pero antes de volver a casa, se lavaban la cara: no podían dejar que nadie supiera que llevaban maquillaje. Como si no se les permitiera disfrutar de un día feliz. A sus maridos no les importaba que salieran en la película, porque les pagaban. Pero, de alguna manera, no debía ser algo con lo que ellas también disfrutaran”.

Hasta los partos que aparecen son reales. Kulumbegashvili pasó un año observando el trabajo de los médicos en una clínica de maternidad: “Y en algún momento me permitieron hablar con las mujeres embarazadas para preguntarles si me dejarían ver y filmar sus partos. Estuve en contacto con ellas durante casi todo el embarazo, por lo que se sentían muy cómodas conmigo. Se necesitó mucha paciencia por parte de todos y comprender que no éramos los protagonistas y que, en cuanto alguien nos dijera que teníamos que irnos, lo haríamos. Aunque teníamos muy poco control, también estábamos muy preparados”.

«Reflection in a Dead Diamond» review

John tiene 70 años y vive en un lujoso y solitario hotel de la Costa Azul. Se siente intrigado por la mujer de la habitación de al lado, que le recuerda sus años salvajes en la Riviera en la década de 1960, cuando era un elegante espía internacional en un mundo lleno de peligros y promesas. Pero cuando la mujer desaparece misteriosamente, John se ve acosado por recuerdos -o tal vez fantasías- de su glamuroso y grotesco pasado, y de las seductoras mujeres y ruines villanos que vivieron y murieron allí.

En la pasada edición del festival de Sitges se pudieron ver varias propuestas que, para bien o para mal, mostraron un inalterable sello autoral por parte de sus responsables. A tal respecto, una de las labores más satisfactorias del festival es el haber apostado desde un principio por filmografías que empiezan a ser reconocidas, como la de Bruno Forzani y Hélène Cattet. Tras estar presentes en anteriores ediciones con Amer (2009), L’étrange couleur des larmes de ton corps (2013) y Laissez bronzer les cadavres! (2017), su nuevo trabajo tras las cámaras, la sobresaliente Reflection in a Dead Diamond, fue una de las indiscutibles cimas vistas este año en el festival. Un film que reverencia y deconstruye un subgénero, en esta ocasión, el EuroSpy de los años 60, utilizando universos pop y psicodélicos, la corporeidad y los materiales y la duplicidad de conceptos como la ilusión óptica.

Relato que huye de cualquier tipo de dialéctica y que empieza con un guiño a Morte a Venezia, de Luchino Visconti, por su evidente iconografía y por retratar una memoria fragmentada, para más tarde bifurcarse en mil detalles y estructuras, muy apropiada para una historia sobre espionaje, la concerniente a una reflexión ilusoria sobre la identidad y cómo esta puede errar, transformarse o disolverse. Difícil encontrar en la actualidad una declaración de amor al séptimo arte como la de Bruno Forzani y Hélène Cattet, autoría tan arriesgada como la orquestada por Lucile Hadžihalilović, ya que estamos ante un tipo de creadores que se manifiestan a través de la imagen, y cómo esta se correlaciona con estéticas y referencias artísticas, cada cuál más distinta.

Valoración 0/5:4

Tabakalera: Retrospectiva dedicada a la cineasta francesa Lucile Hadzihalilovic

 ALGO DE LUZ EN LA OSCURIDAD

El vínculo entre la directora Lucile Hadzihalilovic y San Sebastián es evidente. Ha sido premiada en el Festival de San Sebastián cuatro veces. En el año 2004 ganó el premio New Directors con Innocence . Ha recibido el Premio Especial del Jurado tanto por Évolution (2015) como por Earwig (2021) y, por último, en el año 2025 el Premio Zabaltegi-Tabakalera por La Tour de Glace.

Para presentar el cine de Hadzihalilovic podríamos utilizar conceptos como infancia y adolescencia, mundos inquietantes y sensoriales, ritmo hipnotizante y carácter onírico, la importancia del sonido y de los planos fijos.

Parece claro que el cine que hace está influido por sus primeras experiencias en las salas de cine de Casablanca donde descubrió este arte como experiencia emocional. También por haber cursado la carrera de Historia del Arte antes de entrar en el IDHEC (La Fémis actual). Y seguro que por ciertas referencias que menciona como Eraserhead de David Lynch o ¿Quién puede matar a un niño? de Chicho Ibáñez Serrador.

En los años 90 fundó junto a su compañero Gaspar Noé Les Cinémas de la Zone, Zone tanto por la zona más pobre de París como por Andréi Tarkovski. Deseaban rodar las películas que quisieran como quisieran y abrir una productora parecía la única manera de poder hacerlo.

En 1996 Hadzihalilovic dirigió su primera película, La bouche de Jean-Pierre donde encontramos características que seguiremos viendo en toda su filmografía. Podríamos decir que este primer mediometraje suyo es una película sobre violación y venganza, sin violación y sin venganza. El efecto de las artes plásticas es evidente: es una película amarilla y verde donde la niña es amarilla y el hombre es verde, y chocan. Respecto al formato, su decisión de rodar en cinemascope y en 16mm estuvo claramente marcada por Star Suburb de Stéphane Drouot (1983). Es un formato que la directora siente muy propio ya que sus películas reflejan encierro, y este es un formato que encierra y al mismo tiempo, abre.

Por último, es importante mencionar la relación de la cineasta con la literatura. La tour de glace se basa en el cuento de Hans Christian Andersen La Reina de la Nieve, Earwig en la novela homónima de Brian Catling e Innocence en el libro Mine-Haha. O de la educación física de las niñas de Frank Wedekind.

Cine y audiovisual 02 abr 2026 | 19:00

De Natura, Nectar y La bouche de Jean-Pierre de Lucile Hadzihalilovic

Cine y audiovisual 04 abr 2026 | 19:00

Innocence, Lucile Hadzihalilovic

Cine y audiovisual 09 abr 2026 | 19:00

Evolution, Lucile Hadzihalilovic

Cine y audiovisual 11 abr 2026 | 19:00

Earwig, Lucile Hadzihalilovic

Cine y audiovisual 16 abr 2026 | 19:00

La tour de glace, Lucile Hadzihalilovic

Lo que las paredes esconden, primer tráiler para «Backrooms» de Kane Parsons

Después de un breve teaser presentado hace unas semanas acaba de ver la luz de la mano de A24 y Elástica Films un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto a dos carteles promocionales, del film de terror Backrooms, debut en la dirección del joven Kane Parsons que fija la mirada en los espacios liminales y cotidianos. La película está inspirada en una serie de cortos del mismo autor rodados en formato found footage sobre leyendas urbanas y espacios laberíntico que existen más allá de la realidad disponibles a través de YouTube desde 2022.

En Backrooms, que se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 5 de junio, vemos como una extraña puerta aparece en el sótano de una exposición de muebles. Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para poder salvarlo.

La película, con guion a cargo de Roberto Patino y William Bromell, está protagonizada por Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell, Avan Jogia, Chelah Horsdal, Milania Kerr, Toby Hargrave, Philip Granger y Patrick Baynham.