Fantasia, web dedicada al cine, críticas y análisis de películas, series de televisión, festivales, noticias, libros, Dvd & Bluray, merchandising y todo lo que rodea al séptimo arte
El director de “Bait”, ganador del BAFTA al mejor debut, firma un inquietante relato de realismo mágico y viajes temporales que formará parte de la sección Rebels del Atlàntida Mallorca Film Fest.
El próximo 31 de julio, Filmin estrena “Rose of Nevada”, la nueva película de Mark Jenkin, uno de los cineastas más singulares y estimulantes del panorama británico actual. La película se presentó en la sección Orizzonti del Festival de Venecia y ha sido seleccionada en Rebels, la sección más arriesgada del Atlàntida Mallorca Film Fest 2026.
Protagonizada por George MacKay (“1917”) y Callum Turner (“Animales fantásticos”), “Rose of Nevada” combina misterio, ciencia ficción y folclore costero en una historia sobre el tiempo, la memoria y las segundas oportunidades. Rodada en 16 mm con el inconfundible estilo artesanal de Jenkin, la película vuelve a demostrar el talento visual del cineasta británico, reconocido internacionalmente tras ganar el BAFTA al mejor debut con “Bait”.
Sinopsis En un olvidado pueblo pesquero, un barco aparece misteriosamente en el puerto. El Rose of Nevada, perdido en el mar con todos sus tripulantes hace 30 años, ha regresado. Para los pocos que lo recuerdan, es una señal: la embarcación debe volver a hacerse a la mar, quizá entonces cambie la suerte de la devastada aldea. Nick acepta un trabajo a bordo del barco en un intento de mantener a su familia. Junto a él, el recién llegado Liam se une a la tripulación, desesperado por escapar de su pasado. Se hacen a la mar y, tras un exitoso viaje, regresan a puerto. Pero algo va mal. Han retrocedido en el tiempo y los aldeanos les reciben como si fueran la tripulación original.
Un cineasta que filma contra las reglas
Desde “Bait”, Mark Jenkin se ha consolidado como una de las voces más personales del cine británico. Fiel al rodaje en celuloide de 16 mm y a un proceso de trabajo completamente artesanal, sus películas convierten las limitaciones técnicas en parte esencial de su lenguaje. «Ruedo en película, pero monto en digital. Vivo en el mundo digital como todos, pero filmo en celuloide porque es la cámara que entiendo. Me encanta su estética y también las limitaciones que impone», explica el director.
Ese método también condiciona la construcción de sus películas. Jenkin rueda con muy poca cobertura y utiliza el montaje para reinventar las escenas: «Muchas veces, cuando llego a la sala de montaje, descubro que no tengo todos los planos que necesito. Me pongo trampas deliberadamente para tener que reconstruir las escenas durante la edición». El resultado es un cine de imágenes rugosas y texturas físicas que convierte cada plano en una experiencia sensorial, donde lo cotidiano adquiere una dimensión casi sobrenatural.
George MacKay y Callum Turner a las órdenes de Jenkin
Al frente del reparto se encuentran dos de los actores británicos más destacados de su generación. George MacKay, protagonista de “1917”, y Callum Turner, conocido por la saga “Animales fantásticos”, coincidieron en señalar el carácter único del proceso creativo de Jenkin.
«Esta película es como un cuadro mezclado con un poema. Al leer el guion podía sentir cada ola, cada golpe y cada sonido. Supe inmediatamente que quería hacerla», afirma Turner. MacKay recuerda, por su parte, que en su primera reunión apenas hablaron de la historia: «Nos pasamos todo el encuentro hablando de otras películas y de su forma de trabajar. Ahí entendí que todo el proceso iba a ser diferente». Jenkin rueda con muy pocas tomas, sin apenas margen para la repetición, obligando a los actores a confiar en el instante y en la precisión de cada interpretación. Un método tan singular como el universo cinematográfico que construye.
Acaba de ser presentada en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Marie Kreutzer titulado Gentle Monster. La película, un duro drama familiar, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Cannes, llegará de la mano de Elástica Films a las salas comerciales de España el próximo mes de marzo de 2027.
En Gentle Monster vemos como Lucy y Philip son felices: acaban de mudarse con su hijo a una casa de campo cerca de Múnich. Una mañana, su vida da un vuelco cuando la policía se presenta en su domicilio para detener a Philip y confiscar sus ordenadores. Conmocionada, Lucy busca la verdad sobre su marido. ¿Quién es realmente? ¿Debe alejarlo de su hijo?
La película, con guion a cargo de la propia Marie Kreutzer, está protagonizada por Léa Seydoux, Jella Haase, Laurence Rupp, Catherine Deneuve, Sylvester Groth, Anton Rubtsov, Katharina Lorenz, Regina Fristch, Raphael Nicholas, Nils Strunk y Jeanne Werner.
· El festival y el director tailandés colaboran en la creación de la imagen de la próxima edición, estableciendo el vínculo entre la identidad del certamen y el universo artístico de uno de los autores esenciales del cine contemporáneo.
· Ganador de la Palma de Oro de Cannes, Weerasethakul se convierte en el primer cineasta internacional en firmar el cartel de la Semana en sus 71 años de historia.
Una obra fotográfica del cineasta y artista visual Apichatpong Weerasethakul protagoniza el cartel de la 71.ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). Por primera vez en su historia, la imagen del festival estará firmada por un cineasta internacional, una decisión que refuerza su visión global e inaugura el vínculo con el director tailandés.
La elección fue tomada tras un extenso y enriquecedor diálogo con Weerasethakul, incorporando al imaginario del festival la mirada artística de una de las voces esenciales del panorama contemporáneo, donde cine, fotografía e instalación forman parte de un mismo proceso creativo.
La fotografía elegida, Power Boy (Mekong) (2011), integra la figura humana en el imponente paisaje del río Mekong, que en tailandés significa «madre del agua». A lo largo de su trayectoria, Weerasethakul ha representado en numerosas ocasiones este río que recorre gran parte del sudeste asiático, estableciéndolo como símbolo de la memoria personal, y de la relación entre vida, muerte e historia. La imagen comparte con sus películas una cuidada construcción visual y una especial atención a la relación entre la presencia humana, el paisaje y la luz.
PobrelaVaca Studio, la agencia de diseño vallisoletana responsable de la identidad de Seminci desde 2024, será la encargada de desarrollar todas las aplicaciones gráficas del cartel de la 71 edición.
Para los directores de Seminci, Javier H. Estrada y Mariona Viader, la imagen escogida sintetiza muchas de las constantes presentes en la obra del cineasta. «Como su cine, la imagen del cartel es profundamente inspiradora: nace de lo cotidiano y, sin dejarlo nunca de lado, se expande con sencillez y naturalidad hacia lo eterno. De la ligereza se pasa a la trascendencia, lo urbano dialoga con la naturaleza y de una oscuridad reveladora emerge la luz de lo humano», señalan.
Considerado una de las figuras imprescindibles del cine de autor de las últimas décadas, Apichatpong Weerasethakul (Bangkok, 1970) ha construido una filmografía reconocida internacionalmente por la libertad de sus formas narrativas y por una exploración constante de la memoria, el tiempo, la naturaleza y la percepción. Entre los principales reconocimientos de su trayectoria figuran la Palma de Oro del Festival de Cannes por Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas, 2010), el Premio del Jurado por Tropical Malady (2004) y el Premio Un Certain Regard por Blissfully Yours (2002).
Su obra más reciente, Memoria (2021), protagonizada por Tilda Swinton, prolonga esa investigación sobre la escucha y la experiencia sensorial que atraviesa buena parte de su trabajo. La película formará parte del ciclo Una historia del sonido (en el cine), uno de los ejes temáticos del festival.
Esa misma mirada se desarrolla también en su faceta como artista visual. Desde hace más de dos décadas, Weerasethakul presenta instalaciones, videocreaciones y series fotográficas en museos, bienales y centros de arte de todo el mundo, donde amplía, desde otros lenguajes, las mismas cuestiones que atraviesan su cine: la relación entre imagen, sonido, espacio y memoria.
Su obra ha formado parte de algunos de los principales circuitos internacionales de arte contemporáneo, como DOCUMENTA 13 (Kassel, 2012) y la Bienal de Venecia (2019), además de exposiciones individuales y colectivas en instituciones como Haus der Kunst (Múnich), Walker Art Center (Minneapolis), New Museum (Nueva York), Irish Museum of Modern Art (Dublín) y Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.
La elección del cartel da continuidad a una idea que comenzó a desarrollarse durante la preparación de esta edición con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del festival, quien propuso que la imagen de Seminci pudiera surgir de una obra fotográfica. Ese planteamiento encuentra ahora su materialización en una creación de Apichatpong Weerasethakul.
Los directores de Seminci destacan que «es un verdadero honor que Apichatpong Weerasethakul se incorpore a la historia del festival de una manera tan significativa, aportando un elemento fundamental de la identidad de nuestra 71 edición». Ambos destacan también el proceso de trabajo desarrollado junto al cineasta: «Hemos colaborado con él durante meses; nos abrió la puerta de sus creaciones con una gran generosidad y valoramos juntos multitud de opciones hasta llegar a la que consideramos la ideal».
La imagen de la 71 edición, que tendrá lugar del 23 al 31 de octubre de 2026, se ha presentado este martes en un acto celebrado en Espacio Seminci, al que han asistido el alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, y la concejala de Turismo, Eventos y Marca Ciudad, Blanca Jiménez, además de Mariona Viader y Javier H. Estrada, codirectores del festival.
Francis Ford Coppola (n. 1939) es una figura ineludible y paradigmática de la generación que vino en llamarse el Nuevo Hollywood, de la que también son insignes miembros Martin Scorsese, Brian De Palma, Steven Spielberg, John Milius o George Lucas. Su carácter indómito y su búsqueda de una libertad creativa absoluta le han llevado a una odisea personal que abarca siete décadas de esfuerzo denodado, en las que ha conocido el éxito más arrollador y el fracaso económico más absoluto. Nieto de inmigrantes italianos llegados a los Estados Unidos de América a principios del siglo XX, Francis Coppola destacó ya en la universidad como uno de los directores más prominentes y audaces de su generación antes de convertirse en guionista asalariado y ganar su primer Oscar por el guion de Patton (1970). Su sueño fue siempre poseer su propio estudio y el inconmensurable éxito de El padrino (1972) facilitó poder cumplirlo, así como el gran triunfo de Apocalypse Now (1979). No obstante, el desastre financiero de Corazonada (1981) le obligó a convertirse en un director de encargo durante diez años. El éxito de su Drácula de Bram Stoker (1992) le ayudó a salir de ese abismo y a recuperar su libertad, fuera ya del ámbito de los estudios y consciente de que su legendario legado es el propio de alguien que nunca se dejó doblegar. Francis Ford Coppola: un soñador rebelde representa el primer título de la colección de Kane Ediciones consagrada a dar cuenta de las obras de los directores del Nuevo Hollywood. Se trata de un ensayo que abarca el análisis de cada una de las películas bajo la dirección de Francis Coppola, desde la experimental Tonight for Sure (1962) hasta Megalópolis (2024), el que se revela su canto de cisne.
El autor
ADRIÁN MASSANET nació el 13 de mayo de 1979 en Madrid. Es autor de los libros de cine La genialidad de las series: El canon de las ficciones televisivas, Mad Max: Páramos de fuego y sangre, The Walking Dead: Una epopeya del siglo XXI (2025). Asimismo ha colaborado en numerosos sitios, en los que ha llevado a cabo tareas de crítica cinematográfica, ensayos relacionados con el cine y seguimiento de festivales internacionales, tales como Blogdecine, Hipertextual, La columnata, Making Of. Actualmente colabora en la Revista Contexto CTXT, en la que ofrece ensayos extensos sobre el cine en todas sus formas.
Autor: Adrián Massanet, Editorial: KANE EDICIONES; Páginas: 374
Ali, un profesor universitario en crisis, se enfrenta a la sospechosa muerte de su madre en Turquía. Obsesionado con la venganza, contrata a un enigmático jardinero, Reza, para ejecutar su diabólico plan. Durante la investigación policial, emergerán sombríos secretos familiares que lo llevarán a confrontar la oscuridad de su propia naturaleza.
La sección Noves Visions volvió a erigirse en uno de los apartados más sugerentes del pasado Festival de Sitges, un espacio con vocación por ofrecer contenidos de un marcado tono autoral, poco dado a limitaciones genéricas. A tal respecto, varias fueron las películas que indagaron en el psicodrama como concepto, en mayor o menor medida, cercano al fantástico: The Things You Kill, del cineasta iraní Alireza Khatami, oscuro thriller psicológico que transita por la frustración mental de un individuo y cómo tal malestar nace a consecuencia de un violento legado generacional.
Película sobre masculinidades erráticas y amenazadas socialmente que funciona como una suerte de versión primigenia del Lost Highway de David Lynch, tanto por las disociaciones mentales (y físicas), que vemos en un relato expuesto a medio camino entre la dicotomía y el realismo, como por la imposibilidad de reconocerse a uno mismo.
Sus películas se suman a las tres producciones españolas que también optarán a la Concha de Oro, dirigidas por Roberto Bueso, Mikel Gurrea y Javier Ruiz Caldera
Los nuevos largometrajes de Nicole Garcia, Pablo Larraín, Mike Leigh, Hans Petter Moland, Benjamín Naishtat y Yeşim Ustaoğlu, además de la ópera prima de Maha Harada, competirán en la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 18 al 26 de septiembre.
La ganadora de un Oscar y Premio Donostia Marion Cotillard y Théodore Pellerin protagonizan 7:40 ce matin-là /Milo, el nuevo largometraje de Nicole Garcia (Orán, 1946), con quien la actriz vuelve a trabajar después Mal de pierres / From the Land of the Moon (El sueño de Gabrielle, 2016). La cineasta, guionista e intérprete francesa estrenará en San Sebastián una historia en la que una mujer sale de prisión y empieza a trabajar de camarera en una cafetería para acercarse a un joven que trabaja en la zona. Garcia participó en el Festival con Un week-end sur deux / Every Other Weekend (Cada dos fines de semana, New Directors, 1990) y algunas de sus películas, como Place Vendôme (1998), L’adversaire / The Adversary (El adversario, 2002) o Amants (Los amantes, 2020), han participado en Venecia y Cannes, entre otros festivales.
Con varios best sellers inspirados en el mundo del arte, como Canvas of Paradise and Guernica Cover up, la escritora y guionista Maha Harada (Tokyo, 1962) debuta como cineasta y optará a la Concha de Oro con Muyou no Hito / In My Father’s Room. Con un guion propio basado en su novela AnUnnecessary Man, la directora japonesa cuenta la historia de la trabajadora de un museo que recibe una misteriosa llave que abre la habitación que en otro tiempo utilizó su fallecido padre.
Pablo Larraín (Santiago de Chile, 1976) regresa con Mis muertos tristes / My Sad Dead, serie que en el Festival será presentada en su formato de largometraje y en cuyo reparto figuran Mercedes Morán, Dolores Fonzi y Carolina Álvarez. La historia, basada en cuatro relatos de Mariana Enriquez, cuenta el caso de Ema, una mujer que puede ver y escuchar a los muertos. Habitual de citas como Venecia, Cannes o Berlín, el director, guionista y productor chileno presentó Spencer, que fue la película sorpresa de 2021, y anteriormente, mostró en Horizontes Latinos obras como Tony Manero (2008), Post mortem (2010) y El club (2015). En Perlak, proyectó No (2012), nominada al Oscar a la mejor película en lengua extranjera, además de Neruda (2016) y Ema (2019).
Tras estrenarse en la Sección Oficial con Hard Truths (Mi única familia, 2024), Mike Leigh (Brocket Hall, 1943)regresa a la competición con Tender Loving Care, un largometraje protagonizado por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson en el que el cineasta británico continúa su lúcida exploración del mundo contemporáneo. Leigh, nominado al Oscar en varias ocasiones, presentó en Perlak la película con la que logró la Palma de Oro en Cannes, Secrets and Lies (Secretos y mentiras, 1996), además de títulos como Naked (Indefenso,1993), con el que obtuvo el Premio al mejor director en el festival francés; All or Nothing (Todo o nada, 2002); Vera Drake (El secreto de Vera Drake, 2004), ganadora del León de Oro de Venecia, o Happy-Go-Lucky (Happy, un cuento sobre la felicidad, 2008).
El cineasta noruego Hans Petter Moland (Oslo, 1955) volverá a la Sección Oficial con Markens Grode / Growth of the Soil, una historia ambientada en algún lugar del norte de Noruega donde una pareja pone a prueba su amor ante los desafíos que se ciernen sobre ellos. Moland, que ha partido de la novela que el Premio Nobel de Literatura Knut Hamsun escribió en 1917, compitió en la Sección Oficial con su segundo largometraje, Kjærlighetens kjøtere / Zero Kelvin en 1995, con el que logró el Premio Especial del Jurado, y que en 2007 el Festival repuso en la retrospectiva Fiebre helada. El director ha participado en varias ocasiones en la Berlinale, donde presentó Beautiful Country (Un lugar maravilloso, 2004), A Somewhat Gentle man (2010), In Order of Disappearance (Uno tras otro, 2014) y Out Stealing Horses (2019).
Benjamín Naishtat (Buenos Aires, 1986) ganó en 2018 con Rojo la Concha de Plata a la mejor dirección y al mejor actor para Darío Grandinetti, además del Premio a la mejor fotografía. Puan (2023) le valió el Premio a mejor guion escrito junto a María Alché, y la Concha de Plata ex aequo a la mejor interpretación protagonista para Marcelo Subiotto. En esta ocasión, el cineasta opta a la Concha de Oro con la película Glaxo, escrita por el director a partir de la novela homónima de Hernán Ronsino y protagonizada, entre otros, por Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Bigliardi. Transcurre en 1957 en un tranquilo pueblo argentino, donde la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes inseparables. Naishtat compitió en Berlín con su debut Historia del miedo / History of Fear (2014), que posteriormente fue programada en Horizontes Latinos. Su segundo largometraje, El movimiento (2015), se presentó en la sección Cineasti del Presente de Locarno. Además, en 2020 ganó el Premio al mejor proyecto del IX Foro de Coproducción Europa- América Latina con su proyecto Pobres Pibes.
Artakalan / What Remains es el título del último largometraje de Yeşim Ustaoğlu (Caykara, 1960), que ganó la Concha de Oro a la mejor película con Pandora’nin Kutusu / Pandora’s Box (La caja de Pandora, 2008), cuya protagonista, Tsilla Chelton, fue reconocida ex aequo con la Concha de Plata a la mejor actriz. En esta ocasión, la cineasta turca cuenta el viaje interior de una poetisa que rompe con el orden asfixiante de su vida para reconectar consigo misma y cuestionarse todo lo que le rodea. Con casi una decena de largometrajes a sus espaldas, Ustaoğlu ha presentado películas como Günese yolculuk / Journey to the Sun (1999) y Araf / Somewhere in Between (2012) en citas como la Berlinale y la Mostra de Venecia, respectivamente.
Estas siete películas se suman a los nueve títulos de Sección Oficial ya anunciados. Entre los largometrajes a concurso figuran El mal padre, de Roberto Bueso; Sants / Saints, de Mikel Gurrea, y 5 minutos más / 5 more minutes, de Javier Ruiz Caldera. La serie El castillo, creada y escrita por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, y codirigida por Elena Martín Gimeno y Sandra Romero, se proyectará fuera de concurso. Y, por ahora, la sección completa su programación con las siguientes proyecciones especiales fuera de concurso: Azken Agurra / The Last Goodbye (Último Adiós), de Koldo Almandoz; Ruega por nosotras / Pray for Us, de Daniel Monzón, Sacamantecas / The Harvester, de David Pérez Sañudo y Bajañí, de Fernando Trueba, además de la serie Más allá de la sociedad / Beyond Society, de Carlos Torres.
Intérpretes: Marion Cotillard, Théodore Pellerin, Artus , Laure Calamy, Alexis Manenti, Anne Brochet, Eric Elmosnino, Charles Berling
Alice llega a una tranquila ciudad de provincias y empieza a trabajar en una cafetería, integrándose sin problemas en una vida que no es la suya. Pero no está allí por casualidad, sino por Milo, un joven mecánico de un garaje cercano. Para él, Alice es una forastera. Para ella, él es alguien ligado a un pasado que nunca ha dejado atrás. Cuando empiezan a emerger tensiones ocultas y Milo se adentra en terrenos inciertos, ambos se ven arrastrados a una disyuntiva: ¿se puede reconstruir un vínculo que se rompió hace décadas?
País(es) de producción: Turquía – Francia – Luxemburgo – Bulgaria
Intérpretes: Öykü Karayel, Metin Akdülger, Ali Kayra Kul, İlyas Salman
Una poetisa rompe con una vida asfixiante para volver a entrar en contacto con su consciencia y su voz interior, cuestionando los conceptos tradicionales de familia y sentido de la vida y abriendo así un nuevo camino para ella y su familia.
Intérpretes: Lali Espósito, Marcelo Subiotto, Esteban Bigliardi, Esteban Lamothe, Manu Fanego, Alan Sabbagh
Chivilcoy, 1957. En una tranquila ciudad argentina, la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes que son inseparables. Décadas más tarde, el pasado resurge y los obliga a enfrentarse a viejas heridas, la culpa y a la posibilidad de vengarse, en un país que ha perdido su inocencia.
País(es) de producción: Noruega – Dinamarca – Alemania
Intérpretes: Herbert Nordrum, Asta Kamma August, Gard B. Eidsvold
Un desconocido aparece tras las montañas, cargando con poco más que su propia determinación. Isak, un hombre sin pasado, busca un lugar donde asentarse y labrarse una vida trabajando la tierra. Más allá del límite del bosque, encuentra una extensión de terreno baldío, tan hostil como prometedora. La tierra lo lleva al límite, hasta que conoce a Inger, una mujer solitaria forjada por la resiliencia, discreta y silenciosa. Juntos desafían a los elementos y construyen una vida, cultivando la tierra y criando a su familia, que crece al compás de las estaciones. Sin embargo, a medida que pasan los años y el mundo los asfixia, el tiempo, las adversidades y el deseo los transforman
Basada en la obra de Mariana Enriquez y dirigida por Pablo Larraín, Mis muertos tristes sigue a Ema, quien puede ver y escuchar a los muertos. Tras la muerte de su madre, Ema recibe la inesperada visita de su sobrina Julie, con quien comparte el mismo inquietante don. Con el regreso de Julie emergerán secretos familiares y heridas que nunca terminaron de sanar; pero también un extraño fenómeno del que nadie saldrá ileso. Todo el barrio sentirá presencias y el particular sonido de sus propios muertos.
Intérpretes: Yu Aoi, Issey Ogata, Eita Nagayama, Eri Watanabe
Satomi trabaja en un museo de arte cuando recibe un sobre que contiene una misteriosa llave. Abre una habitación cuya existencia desconocía que perteneció a su padre, fallecido en soledad un mes antes. Bajo la influencia de ese pequeño objeto, rememora sus últimos días: un hombre que aparentemente había sido marginado por la sociedad pero que se refugiaba en su devoción silenciosa por la palabra, el arte del té y la belleza sutil. Siguiendo el rastro de su soledad, Satomi descubre lentamente el apacible encanto del mundo de su padre.
País(es) de producción: Reino Unido – EEUU – Singapur
Intérpretes: Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn, Alice Bailey Johnson
Mike Leigh, ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes y nominado al Óscar, regresa con un nuevo largometraje que continúa su lúcida exploración del mundo contemporáneo.
«Cinema 3/99», la propuesta de cine familiar del CCCB, presenta una selección de nueve cortometrajes para todos los públicos con la danza (sui generis) como protagonista. El programa ha sido concebido en esta ocasión en colaboración con el centro de creación de danza La Caldera.
Si nos fijamos bien, todo baila, todo, incluso aquello que pensamos que no: plantas, tijeras, piedras, avestruces, filetes, edificios… A veces solo es cuestión de mirarlos más de cerca, o más despacio o más deprisa, o con otros ojos.
A Chairy Tale (Norman McLaren & Claude Jutra, Canadá, 1957, 10’) Los objetos empiezan a rebelarse: esta silla no es para sentarse.
Dancing Birds (Smac McCreanor, Estados Unidos, 2020-2026, 4’36’’) Cuando no están volando, los pájaros nos enseñan a bailan mejor que nadie.
Dialogues (Lisa Jahovic, Reino Unido, 2024, 3’40’) ¿Sabes bailar ballet? Hay camisas que sí.
Meat Love (Jan Švankmajer, Checoslovaquia, 1’) Un amor muy carnal…
Matrioska (Co Hoedman, Canadá, 4’) Puedes bailar pequeño, puedes bailar grande, todo encaja al final.
Spring City (Jeff Scher, Estados Unidos, 2011, 2’) ¿Quién dijo que una ciudad no puede bailar?
Peas and Cues (Percy Smith, Reino Unido, 1930, 1’) Las plantas bailan tango cuando no las miras.
Ballet Burlón (Fermí Marimón, España, 6’15’’) Imposible aburrirse en esta oficina al compás de un compás.
LITTERED MVMNTS (Shoji Yamasaki, Estados Unidos, 2026, 2’) Vamos a bailar con la basura (pero hay que recogerla después).
Game With Stones (Jan Švankmajer, Checoslovaquia, 1965, 8’30’’, fragmento 1’) Te quedarás de piedra viendo cómo se mueven estas piedras.
Hidrogenesse: se malogró (Darío Peña, España, 2019, 4’) Cuando todo se estropea, mejor seguir bailando.
A Chairy Tale y Matrioska, procedentes del National Film Board of Canada. Dancing Birds, cortesía de Smac McCreanor. Dialogues, cortesía de Lisa Jahovic. Meat Love yA Game with Stones, procedentes de Athanor. Spring City procedente de Lightcone. Ballet burlón, procedente de la Filmoteca de Catalunya. LIITTERED MVMNTS cortesía de Shoji Yamasaki. Videoclip Se malogró de Hidrogenesse, cortesía de Darío Peña.
Cinco años después de Las leyes de la frontera Daniel Monzón vuelve a indagar en la reciente historia de España con Ruega por nosotras, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que toma su título de uno de los ensayos escritos por Consuelo García del Cid, tras su paso por el Festival de San Sebastián, llegará a los cines de nuestro país de la mano de Elastica Films el próximo 6 de noviembre de 2026.
Ruega por nosotras nos sitúa en el año 1974. Ana tiene 19 años, vive en Barcelona y es -a ojos de su acomodada familia- una chica rebelde. Tras una fuga nocturna, su padre decide ponerla en manos del Patronato de protección a la Mujer, institución especializada en “mujeres caídas o en riesgo de caer”. Ana es trasladada a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas y sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando consuelo y apoyo en la amistad de otras chicas en su misma situación, especialmente la de Sole, una chica de pueblo con una vitalidad contagiosa que conecta al instante con ella. Esa luminosa amistad será lo que mantendrá a Ana a flote.
La película, con guion a cargo del propio Daniel Monzón junto a Jorge Guerricaechevarría, está protagonizada por Zoe Bonafonte, Manuela Calle, Carla Domínguez, María Gandiaga, Shiara Fernández, Adelfa Calvo, Malena Gutiérrez, María Cerezuela, Belén Cruz, Xavi Sáez, Bea Segura, Lara Boedo, Natalia Braceli, Laura Iturregi, David Pugès, Berta Rabascall, Nathan Radley Ramos y Adrián de Núñez.
Ganador de la Palma de Oro de Cannes y referente para generaciones de cineastas, su cine retrató los conflictos, las fronteras y las transformaciones de la Europa del siglo XX.
El 31 de julio, Filmin incorpora por primera vez la filmografía completa de Theo Angelopoulos, una de las voces más personales y decisivas del cine europeo de las últimas décadas, en nuevas restauraciones en 4K y 2K que permiten redescubrir la obra del director griego. Este ciclo se enmarca dentro de la programación de la 16ª edición del Atlàntida Mallorca Film Fest, en cuya edición presencial, además, se proyectarán cinco títulos de la filmografía de Angelopoulos.
Desde los paisajes brumosos de “Paisaje en la niebla” (1988) hasta el viaje de “La mirada de Ulises” (1995) o la despedida de “La eternidad y un día” (1998), el cine de Angelopoulos exploró algunos de los grandes temas de la Europa contemporánea: las fronteras, los desplazamientos, la memoria histórica y las consecuencias de los conflictos políticos sobre la vida cotidiana.
El gran poeta del cine europeo
Pocos cineastas han filmado Europa con la lucidez, la melancolía y la ambición de Theo Angelopoulos. Sus películas recorren las fronteras físicas y emocionales del continente: el exilio, la inmigración, la memoria histórica, las guerras de los Balcanes o la búsqueda de un hogar. A través de largos planos secuencia y una puesta en escena de precisión casi coreográfica, el director griego construyó un lenguaje cinematográfico inconfundible que convirtió el tiempo y el paisaje en protagonistas de sus historias.
Heredero de la tragedia griega y profundamente marcado por la historia convulsa de su país, Angelopoulos entendía el cine como una forma de resistencia y de reflexión colectiva. Sus películas, atravesadas por la poesía, la política y la memoria, dialogan constantemente con el pasado para interrogar el presente.
Angelopoulos fue una figura decisiva para varias generaciones de cineastas; de hecho, su influencia puede rastrearse en buena parte del cine contemplativo contemporáneo. Sus imágenes –envueltas en niebla y acompañadas por la música de Eleni Karaindrou– siguen siendo algunas de las más reconocibles y evocadoras del cine europeo de los últimos cincuenta años.
El cineasta griego más influyente
Asimismo, Theo Angelopoulos ocupa un lugar central en la historia del cine europeo. Considerado el cineasta griego más influyente y reconocido internacionalmente, desde “Reconstrucción” (1970) hasta “La eternidad y un día” (1998), su cine fue construyendo una de las obras más coherentes y reconocibles de la cinematografía contemporánea. Colaboró con figuras como el novelista Petros Markaris y el legendario guionista italiano Tonino Guerra, dirigió a actores como Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau, Harvey Keitel, Willem Dafoe o Bruno Ganz, y encontró en la música de Eleni Karaindrou una compañera indispensable para dar forma a ese universo suspendido entre la historia y lo onírico.
Su prestigio internacional alcanzó una nueva dimensión con “La mirada de Ulises” (1995), una extraordinaria travesía por los Balcanes en guerra que obtuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes y confirmó a Angelopoulos como una de las voces imprescindibles del panorama. Tres años después, tras cuatro intentos fallidos, recibiría finalmente la Palma de Oro por “La eternidad y un día”, culminando una trayectoria reconocida también con el León de Oro de Venecia y numerosos galardones en los principales festivales internacionales.
Más allá de los premios, su legado permanece en un cine paciente y profundamente humanista que continúa dialogando con el presente.
Tras su aclamada El hijo de Saúl (2015), el realizado húngaro László Nemes vuelve a fijar su mirada en la Segunda Guerra Mundial con Moulin, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis visionar a final de página junto a su póster oficial. Tras su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes, Moulin llegará de la mano de BTeam a las salas comerciales de nuestro país el próximo 20 de noviembre.
La película nos muestra como Jean Moulin se lanzó en paracaídas sobre la Francia ocupada para unificar a los combatientes de la Resistencia francesa bajo el mando del general De Gaulle. A pesar de sus esfuerzos por mantenerse en la clandestinidad, Moulin fue traicionado y entregado a la Gestapo en Lyon, dirigida por el despiadado Klaus Barbie. Torturado sin piedad, jamás se doblegó. Su firme silencio contribuyó a fortalecer a las fuerzas de la Resistencia e infundió un nuevo espíritu de lucha y libertad en Francia.
Moulin, con guion a cargo de Olivier Demangel, está protagonizada por Gilles Lellouche, Lars Eidinger, Louise Bourgoin, Marcin Czarnik, Félix Lefebvre, Hortense Quentin de Gromard, Théo Costa Marini, Pierre Nisse, Christian Harting, Cser Kinga, Hans Peterson y Uwe Lauer.
Los Monty Python no han pasado a la historia solo por haber hecho reír a varias generaciones, sino por haber cambiado desde dentro la manera misma de entender la comedia. Bajo la apariencia de sketches inconexos, humor absurdo y provocación constante, lo que estaba en juego era una inteligencia incómoda, capaz de tensar el lenguaje, ridiculizar la autoridad y poner en evidencia las contradicciones de toda una época. Lo que parecía una sucesión de bromas imposibles terminaba revelándose como una forma nueva de mirar el mundo. Este ensayo se adentra en ese territorio para ir más allá del recuerdo y la admiración. A través de sus orígenes, sus influencias y el contexto cultural que los hizo posibles, Ross Goose reconstruye las claves de un fenómeno que no puede entenderse solo desde el entretenimiento. Desde sus raíces académicas hasta la influencia que ejercieron en la comedia posterior, traza un recorrido entre tradición y ruptura, y muestra cómo el disparate puede convertirse en una herramienta crítica. Lejos de la nostalgia, estas páginas invitan a mirar de nuevo aquello que creíamos conocer y recuerdan que, a veces, la única manera de decir algo serio es no tomarse nada demasiado en serio.
Autor: Ross Goose, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 540
En 2009, un hombre y dos cómplices intentan desalojar a los miembros de la comunidad indígena de Chuschagasta, en el norte de Argentina. Reclamando la propiedad de la tierra y armados con pistolas, matan al líder de la comunidad, Javier Chocobar. El asesinato queda grabado en vídeo. Tras nueve años de protestas, en 2018 se abre finalmente un proceso judicial. Durante todo este tiempo, los asesinos siguen libres. La película combina las voces y fotografías de la comunidad con imágenes de los tribunales para explorar la larga historia de colonialismo y despojo de tierras que condujo a este crimen.
Uno de los puntos álgidos de la sección Horizontes Latinos del pasado Festival de San Sebastián vino de la mano de Nuestra tierra de Lucrecia Martel, primer trabajo de no ficción de la responsable de Zama, que recrea el crimen, y posterior juicio, de un líder indígena de Chuschagasta a manos de un terrateniente y dos expolicías. A través de una premisa basada en nociones cercanas al true crime, el asesinato queda registrado en dispositivos móviles.
Gracias a curiosos apuntes técnicos como el manejo de los drones para intentar contextualizar el espacio en disputa, Lucrecia Martel orquesta un estimulante discurso sobre las grietas sociales de la actual Argentina con relación al patrimonio territorial, y cómo este es puesto en tela de juicio mediante dudosos sistemas legales. Lúcida reflexión sobre una lógica histórica, expandida a una investigación de carácter etnológico que indaga en una memoria colectiva marcada por el expolio a través de una mirada a los orígenes, al recuerdo comunitario y al concepto de una pertenencia moral. Un espléndido ejercicio de cine político entendido en el mejor sentido del término.
Acaba de ser presentada en sociedad de la mano de Universal Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Rob Savage, Host (2020), Dashcam (2021), The Boogeyman (2023), titulado Other Mommy. La película, que adapta la novela Incidents Around the House de Josh Malerman, se estrenará comercialmente en España el próximo 9 de octubre de 2026.
En Other Mommy vemos como Bela, una niña de 8 años que vive en un hogar tenso por el matrimonio problemático de sus padres ve cómo su vida se ve trastornada por una entidad siniestra a la que llama Otra Mamá. Cuando esta presencia malévola emerge de su armario preguntando: «¿Puedo entrar en tu corazón?», Bela se niega. Pero pronto las manifestaciones de la Otra Mamá se vuelven cada vez más agresivas, amenazando la seguridad de la familia de Bela.
La película, con producción de James Wan y guion adaptado a cargo de Nathan Elston, está protagonizada por Jessica Chastain, Jay Duplass, Arabella Olivia Clark, Dichen Lachman, Arian Moayed, Karen Allen, Sean Kaufman, Adam Silver, Carrie Dimaculangan y Alejandro Nieves.
La 59.ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se celebrará del 8 al 18 de octubre y reunirá una amplia selección de títulos que reflejarán el excelente momento que vive el género, con propuestas de la escena nacional e internacional. La programación se completará con la recuperación de grandes clásicos del fantástico, una incursión en el fantástico asiático y un homenaje al cine español, poniendo en valor su contribución al género.
Este año, el Festival rinde homenaje a Carrie, la película dirigida por Brian De Palma y basada en la exitosa primera novela de Stephen King, que celebra su 50.º aniversario. Una obra maestra del cine de terror que continúa resonando en el imaginario colectivo y a la que este año se homenajea también en el cartel de Sitges, inspirado en el icónico baño de sangre que marca el clímax de la película.
Carrie, la eterna heroína maldita, monstruosa si es necesario, pero profundamente humana, transformó para siempre la manera de entender el cine de terror. A través del aislamiento y la humillación sufridos por una adolescente de dieciséis años con poderes telequinéticos, la película muestra las grietas de una moral opresiva que acaba convirtiendo a la víctima en monstruo. Bailes de graduación, poderes psíquicos y violencia fueron la antesala del cine de terror de los años ochenta.
Cincuenta años después, Carrie regresa más vigente que nunca en una edición que sitúa en el centro la mirada sobre la infancia y la adolescencia malditas. Coincidiendo con este aniversario, el Festival presentará una espectacular restauración en 4K de la obra maestra de Brian De Palma.
Siguiendo el hilo de la venganza llegamos a ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador, uno de los clásicos indiscutibles del cine español y un canto al terror a plena luz del día. La película explora la pérdida de la inocencia a través de la venganza colectiva de los niños frente a los abusos y las guerras del mundo adulto. Una inquietante pesadilla mediterránea, con escenas rodadas en Sitges, que, lejos de representar una forma de justicia, acaba revelando el fracaso de una sociedad incapaz de proteger a sus miembros más vulnerables.
Coincidiendo con su 50.º aniversario, redescubrimos la película restaurada en 4K, demostrando la capacidad del cine de terror español para renovar el género. Un cine que nos ayuda a comprender los traumas del inconsciente para sublimarlos en forma de imágenes de terror, de la manera que tanto nos apasiona en el Festival de Sitges. Un recordatorio de que mirar hacia la infancia y la adolescencia es también abrir la puerta a repensar el mundo del futuro.
En Sitges, Carrie regresa por partida doble. Basada en la icónica novela debut de Stephen King, Carrie es una reinvención audaz, oportuna y sorprendente del clásico relato de iniciación, adaptada por primera vez como serie de televisión por el visionario Mike Flanagan. Flanagan ejerce como showrunner, guionista, productor ejecutivo y director de cuatro episodios, mientras que Stephen King también participa como productor ejecutivo de la serie. El público de Sitges tendrá la oportunidad de disfrutar del primer episodio, antes del 50.º aniversario de la mítica adaptación cinematográfica dirigida por Brian De Palma en 1976.
En torno a estos dos ejes temáticos, SITGES 2026 presentará una programación que recuperará títulos míticos como Scanners (1981), del maestro del body horror David Cronenberg.
La nueva versión remasterizada nos permitirá disfrutar en 4K de una de las escenas más memorables de la historia del cine de terror, aquella que hizo estallar la cabeza de los espectadores de la era analógica. Sangre falsa, comida para perros enlatada e ingeniosos efectos especiales dan vida al universo de los scanners, individuos que, como consecuencia de los efectos de un fármaco, son capaces de leer, manipular y destruir la mente de los demás, y a quienes el gobierno intentará controlar.
KEN RUSSELL’S THE DEVILS: celebrando un mito en Sitges Classics
Regresa la fascinante historia de obsesión, corrupción, poder político y brujería en la Francia del siglo XVII dirigida por Ken Russell y protagonizada por Oliver Reed y Vanessa Redgrave está considerada una de las obras cumbre del cineasta británico. Producida por Warner Bros. en 1971, la película le valió a Russell el premio a la Mejor Dirección en el Festival de Venecia y el galardón de la National Board of Review.
La versión restaurada que podrá verse en SITGES se basa en el montaje del director, reconstruido por primera vez en 2004 bajo la supervisión del propio Russell y del montador Michael Bradsell, con la colaboración del crítico y divulgador cinematográfico Mark Kermode y del productor Paul Joyce.
El estreno por parte de Warner Bros. Clockwork ofrece, por primera vez, la experiencia cinematográfica íntegra y sin censura que el cineasta siempre imaginó. Además, será la primera ocasión en que la película podrá verse restaurada y en resolución 4K.
Tesis: 30 años de una revolución en el cine de género español
¿Qué hay detrás de la fascinación y el morbo que ejercen las imágenes violentas? Llegamos a la génesis de esta atracción por el horror con una magnífica Ana Torrent que investiga los efectos de la violencia en el audiovisual. Convertida ya en una obra de culto del cine de terror contemporáneo, Tesis cumple 30 años y es uno de los grandes homenajes de esta edición. Su esperada restauración reivindica, una vez más, el excepcional legado del cine español.
Se trata de una edición remasterizada de la película supervisada por el propio director, Alejandro Amenábar, que estará presente durante el estreno de la película en el Festival. El filme podrá verse en 2K y se proyectará a 25 fotogramas por segundo, la velocidad original a la que fue rodado, recuperando así el ritmo real de los diálogos y las interpretaciones. Asimismo, se restaurarán las dinámicas de audio de la mezcla original y se ampliarán a nuevos formatos, como Dolby Atmos, que añade una dimensión vertical al sonido.
Junto a esta celebración de Tesis, SITGES 2026 ofrecerá la oportunidad de recuperar otro gran clásico del cine de terror: Holocausto Caníbal (1980), que regresa restaurada en 4K. El italiano Ruggero Deodato dirigió un falso documental en forma de fábula ecosocial sobre los límites de la ambición del mundo occidental y la violencia colonial convertida en espectáculo, que no dejará indiferente a nadie. En el momento de su estreno fue prohibida en más de cincuenta países, convirtiéndose en una de las películas más controvertidas de la historia del cine.
Nos hace especial ilusión presentar el estreno de la versión restaurada en 4K de King Kong (1976). Divertida, irreverente y plenamente vigente, esta auténtica joya analógica del director John Guillermin y del productor Dino De Laurentiis recupera al simio más emblemático —también protagonista de nuestro logotipo— para construir una metáfora sobre la colonización, la explotación de los recursos naturales y la ambición desmedida.
El género fantástico al frente de una selección diversa y heterodoxa
Recién llegada de Cannes tras su paso por Sundance, Leviticus, del cineasta australiano Adrian Chiarella, propone una historia de terror sobrenatural que recurre al imaginario bíblico para explorar la culpa, el fanatismo religioso y la represión del deseo homosexual. Por su parte, Her Private Hell, del reconocido director danés Nicolas Winding Refn, vuelve a demostrar su hipnótico universo visual con un thriller que se adentra en la intimidad y la psique de sus personajes para retratar una deriva marcada por la obsesión, el deseo y la violencia.
Con Kill Me, Peter Warren debuta en el largometraje con una comedia negra que convierte la muerte en un perverso juego de seducción, misterio y supervivencia. Protagonizada por Charlie Day y Allison Williams, la película combina humor negro, suspense y una reflexión sobre la identidad y la autodestrucción. También se suma Sanguine, ópera prima de la cineasta francesa Marion Le Coroller, que explora los vínculos de sangre, el cuerpo y la supervivencia desde una mirada física y sensorial.
Entre las nuevas incorporaciones se encuentra Hungry, de James Nunn, un thriller de supervivencia que recupera el espíritu de las grandes creature features con la historia de un grupo de turistas perseguidos por un hipopótamo asesino en los pantanos de Luisiana.
La directora finlandesa Hanna Bergholm (Hatching) presentará Nightborn, un inquietante folk horror ambientado en los bosques de Finlandia que convierte la maternidad en una pesadilla y explora los límites entre el instinto, el cuerpo y el terror psicológico. Drag, debut de Raviv (Ricky) Ullman y Greg Yagolnitzer, combina thriller y comedia negra en torno a un robo fallido que desemboca en una situación tan absurda como angustiosa.
También podrá verse The Birthday Party (Histoires de la nuit), el nuevo trabajo de Léa Mysius, presentado en competición en el Festival de Cannes. La directora francesa adapta la novela de Laurent Mauvignier en un thriller que transforma una celebración familiar en una pesadilla donde las tensiones acumuladas terminan aflorando.
Lotfy Nathan ofrecerá con The Carpenter’s Son una inquietante reinterpretación de los relatos bíblicos inspirada en el evangelio apócrifo de la infancia de Jesús. Protagonizada por Nicolas Cage, FKA Twigs y Noah Jupe, la película combina thriller psicológico y horror sobrenatural. También podrá verse The End of It, la ópera prima de Maria Martínez Bayona, que imagina un futuro en el que la muerte es opcional para reflexionar, con humor y sensibilidad, sobre la inmortalidad, la inteligencia artificial y el significado de seguir siendo humanos.
El director francés Guillaume Canet presentará Karma, un intenso thriller psicológico sobre la culpa, los secretos del pasado y la fragilidad de los vínculos personales. Victorian Psycho, de Zachary Wigon (Sanctuary), adapta la novela de Virginia Feito en una elegante combinación de terror gótico y humor negro protagonizada por Maika Monroe.
Por su parte, la directora Meredith Alloway presentará Forbidden Fruits, una singular propuesta de folk horror y terror corporal que, a partir de un aquelarre de jóvenes mujeres, explora la identidad, la amistad y el deseo a través de una fábula tan provocadora como inquietante.
El director estadounidense Dave Boyle presentará Never After Dark, un inquietante thriller sobrenatural que sigue a una médium itinerante por el Japón rural dedicada a ayudar a las almas perdidas a cruzar al otro lado.
Tras el éxito mundial de la primera entrega, Apocalipsis Z: El principio del fin, en Prime Video, Carles Torrens regresa con la trepidante Apocalipsis Z: Nuevo Mundo. Basada en la saga literaria de Manel Loureiro, esta secuela amplía su universo postapocalíptico con más acción y una historia coral que retoma la lucha por la supervivencia en un mundo devastado por un virus letal. En esta nueva entrega, las Islas Canarias se convierten en el último refugio de Europa, el único territorio que parece haber escapado de la pandemia. La película llegará a Prime Video este Halloween en más de 240 países y territorios.
El fantástico asiático, más vivo que nunca
Damos la bienvenida un año más al continente asiático. El Festival estrenará Colony, la esperada nueva película del surcoreano Yeon Sang-ho (Train to Busan, Hellbound), un intenso thriller de ciencia ficción que arranca cuando un virus se propaga durante una conferencia de biotecnología, provocando mutaciones entre los asistentes y obligando a las autoridades a sellar las instalaciones.
Por su parte, Joko Anwar (Impetigore, Satan’s Slaves) firma Ghost in the Cell, una explosiva mezcla de terror, acción y humor negro ambientada en una prisión donde una fuerza sobrenatural obliga a reclusos y funcionarios enfrentados a unir fuerzas para sobrevivir
También descubriremos Salmokji: Whispering Water, del debutante Lee Sang-min, que traslada a un equipo de rodaje hasta un embalse maldito donde unas imágenes imposibles despiertan un horror oculto bajo las aguas; The Eyes, del surcoreano Yeom Ji-ho, remake de la española Los ojos de Julia, un thriller psicológico que difumina la frontera entre la realidad y lo invisible; y The Mouths, del director japonés y referente del J-horror Takashi Shimizu (Ju-on), una propuesta de terror sobrenatural que convierte el cuerpo y la palabra en un espacio de tensión entre el deseo, la violencia y la identidad.
El maestro japonés Kiyoshi Kurosawa sorprenderá con Kokurojo: The Samurai and the Prisoner, su primera incursión en el cine de samuráis, un misterio feudal en el que el asedio de un castillo se convierte en un juego de sospechas, conspiraciones y presencias inquietantes.
Por último, el documental The Origin of Ultraman, dirigido por Yutaka Nakamura y Kazuki Yoshida, recorrerá la historia y el legado de uno de los grandes mitos de la cultura popular japonesa, coincidiendo con el 60.º aniversario del legendario superhéroe.
WomanInFan: Horror Girls América Latina
Se presentará la publicación Horror Girls América Latina, una nueva entrega de la colección de investigación impulsada por el programa WomanInFan del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. El volumen recupera y reivindica la contribución de las cineastas al desarrollo del cine fantástico latinoamericano a través de una panorámica histórica elaborada por especialistas de todo el continente, que analiza los vínculos del género con la memoria, el colonialismo, la identidad, el folclore y otras realidades culturales.
Tras los volúmenes dedicados a Europa y a Estados Unidos y Canadá, esta nueva entrega amplía el mapa hacia un territorio donde monstruos, brujas, fantasmas, folk horror, ciencia ficción y realismo mágico dialogan con algunas de las realidades sociales, políticas y culturales más complejas del mundo, demostrando que el fantástico latinoamericano constituye uno de los espacios de mayor riqueza, diversidad y capacidad de renovación del cine contemporáneo.
La mente indómita. Poderes psíquicos, paranoia y cine fantástico
Asimismo, se publicará La mente indómita. Poderes psíquicos, paranoia y cine fantástico, un volumen coordinado por Àngel Sala y Jordi Sánchez-Navarro que, coincidiendo con el 50.º aniversario de Carrie (Brian De Palma, 1976), reflexiona sobre la representación de los poderes mentales en el cine fantástico.
Con textos de Gerard Casau, Mònica Garcia i Massagué, Carles Martínez Agenjo, Àngel Sala, Jordi Sánchez-Navarro y Xavi Sánchez Pons, el libro explora la fascinación y el temor que despiertan las capacidades psíquicas, convertidas a menudo en metáfora del poder, el trauma y la diferencia.
Concebido como un antes, un durante y un después de aquel estallido de 1976, el libro recorre la arqueología del cine de poderes mentales anterior a Carrie, el trauma como superpoder en la obra de Stephen King, la extensa descendencia de las «hijas de Carrie» y el psicopoder como subgénero, la cultura pop parapsicológica de la Transición española y su huella en el cine nacional, así como la deriva contemporánea que va de X-Men a Stranger Things, cuando el don empieza a dejar de ser una maldición para convertirse en una reafirmación.
Tras sus anteriores Coming Home in the Dark (2021) y The Rule of Jenny Pen (2024), el realizador neozelandés James Ashcroft vuelve a adentrarse en el thriller psicológico con The Whisper Man, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que adapta la novela homónima de Alex North, estará disponible en Netflix a partir del próximo 28 de agosto de 2026.
The Whisper Man nos cuenta como tras el repentino secuestro de su hijo de ocho años, un escritor viudo de novela negra se ve obligado a pedir ayuda a su padre, un inspector de policía jubilado del que lleva distanciados años. Pronto descubrirá que la desaparición del niño guarda una inquietante conexión con un asesino en serie condenado décadas atrás, conocido como el Hombre de los Susurros.
La película, con guion adaptado a cargo de Ben Jakoby y Chase Palmer, está protagonizada por Robert De Niro, Michelle Monaghan, Adam Scott, Hamish Linklater, Michael Keaton, Owen Teague, John Carroll Lynch, Acston Luca Porto, Will Brill, Jacob Berger, Jeffrey Mowery, Alyse Alan Louis y Josh Bonzie.
La serie ‘El castillo’ participará fuera de concurso en la Sección Oficial Los largometrajes ‘Azken Agurra’, ‘Ruega por nosotras’, ‘Sacamantecas’ y ‘Bajañí’ formarán parte de Proyecciones Especiales junto a la serie ‘Más allá de la Sociedad’ Javier Giner, Jaime Lorente y Tatjana Moutchnik concursarán en New Directors con sus primeras películas
Sección oficial a concurso
Tras pasar por Made in Spain con sus largometrajes La banda (2019) y Llenos de gracia (2022), Roberto Bueso (Valencia, 1986) concursa por primera vez por la Concha de Oro con El mal padre,su tercera película, protagonizada por Eduard Fernández. Después de años distanciados, el célebre escritor y académico Santiago Balmes reúne a sus tres hijos para pedirles un último deseo: pasar las Navidades en la casa donde veraneaban de niños.
Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) regresa a la competición con Sants / Saints, en la que una mujer, interpretada por Victoria Luengo, entra a formar parte de un grupo de ladrones de figuras religiosas, mientras lidia con la inminente muerte de su madre (Ariadna Gil). Suro (Sección Oficial, 2022), debut en el largometraje del cineasta donostiarra desarrollado en Ikusmira Berriak, logró el Premio Irizar al Cine Vasco, el Premio FIPRESCI de la crítica internacional y el Premio Euskal Gidoigileen Elkartea al mejor guion.
5 minutos más / 5 more minutes es la película con la que se estrena en la competición oficial Javier Ruiz Caldera (Viladecans, 1976). El filme está protagonizado por Javier Cámara, Berto Romero, que también firma el guion, y Belén Cuesta. La historia se centra en un matrimonio en crisis, atrapado en un bucle temporal. El director catalán participó en el I Encuentro de Escuelas de Cine (hoy Nest) con el cortometraje Treitum (2002), para después volver a San Sebastián con trabajos como Superlópez (Made in Spain, 2019) o El otro lado (Velódromo, 2023), serie codirigida junto a Alberto de Toro.
Una serie fuera de concurso en la Sección Oficial
El castillo, un policiaco de seis capítulos que cuenta la historia real del auge de la mafia proxeneta española, se proyectará fuera de concurso. La serie, basada en el libro de no ficción El proxeneta, de Mabel Lozano, está creada y escrita por Isabel Peña (Zaragoza, 1983), coguionista de Que Dios nos perdone (Sección Oficial, 2016), As Bestas (Perlak, 2022) o El ser querido, y Eduardo Villanueva (Madrid, 1981), productor y coguionista de Antidisturbios (Sección Oficial fuera de concurso, 2020). La dirección principal corre a cargo de Elena Martín Gimeno (Barcelona, 1992), autora de largometrajes como Júlia ist (Made in Spain, 2017) y Creatura, desarrollado en Ikusmira Berriak (2020), que se proyectó en Made in Spain (2023) y recibió el Premio Dunia Ayaso. También participa como directora Sandra Romero (Écija, 1993), que presentó en el Festival su ópera prima, Por donde pasa el silencio (New Directors, 2024).
Cuatro largometrajes y una serie en Proyecciones Especiales
La Sección Oficial incluirá en su apartado Proyecciones Especiales cinco títulos fuera de concurso.
Tras Sipo Phantasma (Zabaltegi-Tabakalera, 2016) y Oreina (New Directors, 2018), Koldo Almandoz (San Sebastián, 1973) estrenará su tercer largometraje Azken Agurra / The Last Goodbye (Último Adiós). En esta dramedia existencialista, Iñigo Azpitarte e Izaro Nieto interpretan al dueño de una empresa de funerales laicos personalizados y a una joven que hace prácticas en su oficina. El cineasta donostiarra es un veterano del Festival en el que ha participado desde 1997 con una docena de producciones, entre las que destacan cortometrajes incluidos en su día en el programa Kimuak o la serie Zeru ahoak / Mouths of Sky (Bocas de cielo) (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2025).
Daniel Monzón (Palma de Mallorca, 1968) presentará Ruega por nosotras / Pray for Us, un largometraje ambientado en 1974 que sigue el internamiento de Ana (Zoe Bonafonte), una joven rebelde de 19 años, en el denominado Patronato de Protección de la Mujer de Madrid. Monzón, que en 2015 fue parte del jurado oficial y clausuró fuera de concurso la Sección Oficial con Las leyes de la frontera (2021), suma en su filmografía títulos de éxito como El corazón del guerrero (Made in Spain, 2000) o La caja Kovak (2006), así como Celda 211 (Made in Spain, 2010) y El niño (2014), ganadoras de ocho y cuatro premios Goya, respectivamente.
Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz protagonizan el tercer largometraje de David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987), que será una Proyección Especial en la gala conjunta de RTVE-EITB. Sacamantecas / The Harvester es un thriller inspirado en hechos reales ambientado al final de la III Guerra Carlista, cuando varias mujeres son estranguladas en Vitoria y la hermana de una de una de las víctimas busca justicia. Pérez Sañudo consiguió con su debut, Ane (New Directors, 2020), el Premio Irizar al Cine Vasco y el Premio Euskal Gidoigileen Elkartea al mejor guion además de tres premios Goya. Después de presentar la miniserie Alardea (Gala EITB, 2020) y ser seleccionado en 2023 en Ikusmira Berriak con La última noche de un Erasmus en Roma, Pérez Sañudo regresó a New Directors en 2024 con Azken erromantikoak (Los últimos románticos).
Con Más allá de la sociedad / Beyond Society, el director Carlos Torres (Alicante, 1985) lleva a la pantalla la historia de cómo una comunidad aprendió a convivir con la tragedia tras el accidente de los Andes en 1972. Esta serie de no ficción creada por J. A. Bayona y Carlos Torres retoma el relato allí donde terminaba la película La sociedad de la nieve (Perlak, 2023): después del rescate, cuando los supervivientes regresaron a sus hogares y se reencontraron con las familias de quienes no volvieron. La serie de tres capítulos continúa ahora el filme que se estrenó en Venecia, obtuvo doce premios Goya, dos nominaciones al Oscar —entre ellas a mejor película internacional— y el Premio del Público en San Sebastián.
Fernando Trueba (Madrid, 1955) presentará Bajañí, un recorrido sonoro por tres países y universos musicales a través de la guitarra de Niño Josele. El cineasta madrileño, ganador del Oscar a la mejor película en lengua extranjera por Belle époque (1993), ha presentado en San Sebastián su primer cortometraje En legítima defensa (Sección Oficial, 1978); Mientras el cuerpo aguante (Sección Oficial, 1982); El milagro de Candeal (Velódromo, 2004); El baile de la victoria (Sección Oficial fuera de concurso, 2009); El artista y la modelo (Sección Oficial, 2012), ganadora de la Concha de Plata al mejor director; El olvido que seremos, con la que clausuró la Sección Oficial fuera de concurso en 2020, y Dispararon al pianista (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2023).
Tres títulos en New Directors
Javier Giner (Barakaldo) se estrena en el largometraje con Esta soledad / This Solitude, tras codirigir la serie Yo, adicto (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2024). Su primera película aborda el vacío existencial y los vínculos frágiles en un Bilbao donde Oriol Pla y Marina Salas interpretan a dos jóvenes que sobreviven en un estado de confusión y soledad.
También debutará en el largometraje Jaime Lorente (Murcia, 1991), cuya ópera prima, El mal hijo / The Bad Son, está basada en la novela homónima de Salvador S. Molina. Susi Sánchez, Miguel Ángel Puro y Hugo Arbués encabezan el reparto de este drama familiar sobre un niño abandonado por su padre que se ve obligado a vivir con su abuela.
Sieben Tage Februar / February, Seven Days, que el año pasado fue el proyecto ganador del Premio de la Industria WIP Europa y el Premio WIP Europa 2025 en San Sebastián, es el debut en el largometraje de Tatjana Moutchnik (Kiev, 1988). La directora germano-ucraniana utiliza la invasión rusa de su país como telón de fondo del reencuentro entre dos hermanos ucranianos en Stuttgart para el entierro de su madre. En 2014, Moutchnik participó en Nest con el cortometraje Der letzte Kuss / The Last Kiss.
Dos largometrajes de Cannes y tres de la Berlinale, en Horizontes Latinos
Fernando Eimbcke (Ciudad de México, 1970), que participó en 2025 en Horizontes Latinos con Olmo, regresa a la sección con Moscas / Flies, galardonada con el Premio de la Industria WIP Latam en 2025. En la película, presentada este año a concurso en la Berlinale, una mujer de 55 años debe lidiar con la soledad, la precariedad y una intervención quirúrgica que no se puede costear. En 2008, el cineasta proyectó en San Sebastián el corto No todo es permanente (Nest) y el largometraje Lake Tahoe (Perlak), que en 2011 fue programado nuevamente en 4+1 Cine mexicano contemporáneo. La retrospectiva exhibió además el filme colectivo Revolución, que contaba con un segmento dirigido por Eimbcke. Con Club Sándwich (Sección Oficial, 2013) obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección.
Ceniza en la boca / Ashes, estrenada en las Proyecciones Especiales del pasado Festival de Cannes, es el sexto largometraje del mexicano Diego Luna (Ciudad de México, 1979). El director, actor y productor regresa al Festival para mostrar la cruda realidad que dos hermanos se encuentran al emigrar de México a Madrid. Luna debutó tras la cámara con Abel (2010), que después de su estreno en Sundance, pasó por Cannes Séances Spéciales, y ganó el Premio Horizontes y el Premio de la Juventud en San Sebastián. En 2011, volvió a proyectarse en la retrospectiva 4+1: Cine mexicano contemporáneo junto al filme colectivo Revolución, que incluía a Luna como codirector. Además, Perlak acogió la proyección de César Chávez (2014) después de su presentación en Berlinale Special.
Manuela Martelli (Santiago de Chile, 1983) fue jurado de Horizontes Latinos en 2022, una sección en la que un año antes proyectó su ópera prima 1976. La cineasta regresa ahora al Festival para presentar El deshielo / The Meltdown (Proyecta, 2022), estrenada en Un Certain Regard de Cannes. Se trata de un thriller protagonizado por dos niñas que se conocen en un hotel de montaña en Chile, y cuando una de ellas desaparece, la investigación revela secretos ocultos.
Marcelo Martinessi (Asunción, 1973) presenta Narciso, ganadora del Premio FIPRESCI en la Berlinale 2026, donde tuvo su estreno mundial en la sección Panorama. En 2020, el proyecto —entonces titulado ¿Quién mató a Narciso? — obtuvo el Premio DALE! (Desarrollo América Latina-Europa) en el Foro de Coproducción del Festival de San Sebastián. Con su ópera prima, Las herederas (2018), el cineasta paraguayo ganó el VI Premio Sebastiane Latino y participó posteriormente en Horizontes Latinos, tras obtener en la Berlinale el Premio Alfred Bauer, el Oso de Plata a la Mejor Actriz, el Premio FIPRESCI y el Premio Teddy.
Chicas tristes / Sad Girlz (Proyecta, 2022 y WIP Latam, 2025) es la ópera prima de la cineasta mexico-española Fernanda Tovar (Ciudad de México, 1991), quien se alzó con el Gran Premio del Jurado y el Oso de Cristal a la mejor película en la sección Generation 14plus de la Berlinale. El filme sigue a un grupo de amigas, cuya amistad se pone a prueba después de que un suceso las obligue a tomar la decisión de guardar silencio o hacer justicia. Previamente dirigió los cortometrajes Mi edad, la tuya y la edad del mundo (2022), proyectado en la Semana de la Crítica de Cannes, y Quiero estrellarme en seco contra el parabrisas del amor (2024), estrenado en Tribeca.
Cinco títulos en Zabaltegi-Tabakalera
Catorce noches se suceden y conforman entre ellas un friso enHAMALAU gau (CATORCE noches). La última película del director navarro Oskar Alegria Suescun (Pamplona, 1973) cuenta con las voces de Ramón Andrés, Julia Otxoa, Josebe Blanco, Josu Venero, Iban Urizar (Amorante), Bertha Bermúdez, Mixel Etxekopar y Jean-Christophe Galtxetaburu, entre otros, para recrear el universo de Oteiza. Alegria proyectó en el Festival su ópera prima, Emak Bakia baita / The Search for Emak Bakia (La casa Emak Bakia) (Zabaltegi-Especiales, 2012).
Meritxell Colell Aparicio (Barcelona, 1983) llega a Zabaltegi-Tabakalera con su nuevo largometraje, Lejos de los árboles / Far From the Trees (Ikusmira Berriak 2022 y Proyecta, 2021), que competirá en la sección oficial en el Festival de Locarno. El filme narra el viaje a Perú de Adela, una artista mexicana, nieta de exiliados republicanos, que sigue el legado de su abuelo: crear un mapa sonoro de lenguas en peligro de desaparición. Colell estrenó en Forum de la Berlinale su debut Con el viento (Made in Spain, 2018), que después obtuvo la Biznaga de Plata a la mejor película en Zonazine del Festival de Málaga. Además, Dúo fue seleccionada en 2018 en el Foro de Coproducción Europa-América Latina. Ha formado parte de programas y residencias artísticas como l’Atelier de la Cinéfondation de Cannes y Berlinale Talents.
Estrenada en la Quincena de Cineastas de Cannes, Les Roches rouges / Red Rocks (Rocas rojas) del cineasta galo Bruno Dumont (Bailleul, 1958), traslada al espectador la rivalidad entre dos bandas de niños pequeños, que se enfrentan al amor, la vida y la muerte. Dumont concursó en la Sección Oficial con Hadewijch (2009). Ese mismo año, su película L’humanité (1999) fue programada en la retrospectiva La contraola: novísimo cine francés. Posteriormente, participó en Zabaltegi-Tabakalera con la serie P’tit Quinquin / Li’l Quinquin (2014), y su continuación Coincoin et les Z’inhumains / Coincoin and the Extra-Humans (2018).
Isaki Lacuesta (Girona, 1975) presentará la no ficción Jaleos / Flamenco Sketches, un recorrido por la historia del flamenco narrado por C. Tangana y que conecta arte, política y cultura popular. El director, guionista y productor catalán ha ganado la Concha de Oro en dos ocasiones con Los pasos dobles (2011) y Entre dos aguas (2018), y ha participado en la Sección Oficial con Los condenados (Premio FIPRESCI, 2009), Murieron por encima de sus posibilidades (Sección Oficial fuera de concurso, 2014) y la serie Apagón (Sección Oficial fuera de concurso, 2022). Otras incursiones de Lacuesta en San Sebastián son La noche que no acaba (2010) y El cuaderno de barro (2011), ambas en Zabaltegi-Tabakalera; Un año, una noche (Perlak, 2022); Segundo Premio (Made in Spain, 2024) y Flores para Antonio (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2025), codirigida con Elena Molina.
La sección también acogerá el estreno de Dust (La deriva), dirigida por el cineasta malayo Tsai Ming-Liang (Kuching, 1957). Se trata de una nueva entrega de su serie El caminante, que sigue por el mundo al monje budista que esta vez ha escogido San Sebastián y Gipuzkoa como telón de fondo de su paseo meditativo. Tsai Ming-Liang, que participó con Rebels of the NeonGod (1993) en Zabaltegi – New Directors, y con Rizi / Days (2020) en Zabaltegi-Tabakalera, ha obtenido premios como el León de Oro de Venecia o el Premio Especial del Jurado de la Berlinale.
‘La bola negra’, en Perlak
Javier Ambrossi (Madrid, 1984) y Javier Calvo (Madrid, 1991) regresan a San Sebastián con La bola negra, que en la 79ª edición del Festival de Cannes se alzó con el premio a la mejor dirección ex aequo junto al director polaco Pawel Pawlikowski por su filme Vaterland / Fatherland. Inspirada en una obra inacabada de Federico García Lorca, la película plasma las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas (1932, 1937 y 2017), tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia. El dúo presentó en la Gala RTVE su debut en la dirección, La llamada (2017), y estrenó en la Sección Oficial fuera de concurso la serie La Mesías (2023). Los directores, guionistas y productores son también los creadores de las series Paquita Salas (2016) y Veneno (2020).
Música y karate en el Velódromo
La programación del Velódromo incluirá la proyección de Muguruza FM 40 Tour, codirigido por Ander Merino Etxebeste (San Sebastián, 1995) y Fermin Muguruza (Irun, 1963). El documental, realizado en el contexto de la última gira musical de Muguruza, retrata sus 40 años de compromiso, resistencia cultural y canciones convertidas en identidad colectiva. El músico guipuzcoano ha mostrado sus trabajos previos como director en secciones como Zinemira, donde presentó Checkpoint Rock. Canciones desde Palestina (2009), Next Music Station: Lebanon (2011), NOLA? (2016), Black is Beltza (2018) o Bidasoa 2018-2023 (2023); Zuloak (Zabaltegi Especiales, 2012) y Black is Beltza II: Ainhoa (Velódromo, 2022).
Tras Ventajas de viajar en tren (2019) y Moscas (2023), Karateka es el tercer largometraje de Aritz Moreno (San Sebastián,1980), en cuyo reparto figuran nombres como Andrea Ros, Patrick Criado o Ernesto Alterio. El director donostiarra cuenta la historia de Sandra Sánchez, una mujer que desafió todas las convenciones hasta conquistar el oro olímpico de karate, en la modalidad de kata, a los 39 años. Moreno participó en Zinemira-Kimuak con Bucle (2011) y Cólera (2013).
A todos estos títulos se sumarán otros nuevos con producción española a medida que vaya anunciándose la programación de las distintas secciones del Festival de San Sebastián.
Intérpretes: Javier Cámara, Berto Romero, Belén Cuesta, Carlos Bernardino, Marc Soler, Clàudia Melo
5 minutos más narra la historia de un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el tiempo retrocede 5 minutos.
Intérpretes: Eduard Fernández, Adam Jezierski, Francesco Carril, Meritxell Calvo, Cristina Plazas
Después de años distanciados, el célebre escritor y académico Santiago Balmes reúne a sus tres hijos para pedirles un último deseo: pasar las Navidades en la casa donde veraneaban de niños.
Elena Martín Gimeno (España), Sandra Romero (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Raúl Arévalo, Valentina Vidal, Omar Ayuso, Laia Marull
Fuera de concurso
Gerardo Liesa, un joven inspector de policía recién incorporado a la UCRIF (Unidad Central de Redes de Inmigración Ilegal y Falsedades Documentales), y su compañera Carmen Osés intuyen que algo está cambiando en los burdeles de toda España. Suizo y sus socios dirigen varios clubs de carretera donde explotan sexualmente a prostitutas llegadas de todo el mundo. Una de esas mujeres es Claudia, que con 18 años y un hijo pequeño en Colombia, acaba de llegar a España buscando un futuro mejor
Cuando eres el dueño de una empresa de funerales laicos. Cuando te han retirado el carnet por conducir borracho. Cuando te enamoras de una estudiante de prácticas 25 años más joven. Cuando tu hija comienza a darse cuenta de que no eres el padre que ella creía que eras. Cuando el boxeador retirado al que pediste dinero anda detrás de ti. Cuando la muerte te interesa más que la vida… ¿Qué puede salir mal?
Bajañí es el nombre que recibe la guitarra española en caló. Partiendo de este instrumento, y en concreto, de la guitarra y el arte de Niño Josele, Fernando Trueba invita a los espectadores a escuchar la música como nunca lo habían hecho. Se trata de un nuevo viaje musical en su cinematografía a través de tres planetas musicales: flamenco, jazz y música brasileña, donde Niño Josele y su guitarra dialogan musicalmente con Caetano Veloso, Ron Carter, Rubén Blades, Kenny Barron y Marisa Monte.
El accidente de los Andes no terminó con el rescate. Otra historia empezó cuando los supervivientes regresaron al barrio donde les esperaban las familias de quienes no volvieron. Mientras el mundo convertía su tragedia en un relato universal, ellos tuvieron que aprender a convivir con el peso de lo que habían hecho. Esta serie recorre medio siglo de una comunidad marcada por la grieta entre vivos y muertos y descubre cómo volver a contar una historia puede cambiar la manera de afrontarla
Año 1974. Ana es una chica rebelde de 19 años. Tras una fuga nocturna, su padre decide ponerla en manos del Patronato de protección a la Mujer. Es trasladada de Barcelona a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas y sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando consuelo y apoyo en la amistad con Sole, una chica de pueblo con una vitalidad contagiosa, y otras chicas que están en su misma situación.
Intérpretes: Antonio de la Torre, Patricia López Arnaiz, Josean Bengoetxea, Eneko Sagardoy, Haizea Carneros
Proyecciones especiales – Fuera de concurso
Álava, siglo XIX. Mientras la III Guerra Carlista agoniza, varias mujeres aparecen estranguladas en las afueras de Vitoria. Ángela Berrosteguieta, hermana de una de las víctimas, llega en busca de justicia, decidida a demostrar que Juan Díaz de Garayo, un campesino analfabeto, es el responsable de los crímenes. Sin embargo, Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, se enfrenta a la falta de recursos en tiempos de guerra y a la presión de las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos.
Intérpretes: Miguel Ángel Puro, Susi Sanchéz, Hugo Arbués, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente
Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación, y luchará a medida que crece por intentar sanarlas
Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez, Kai Etxaniz, Itziar Lazkano
Leo y Lorea se han querido. Quizá se siguen queriendo. Pero algo en ellos se ha roto. Su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.
Dos concepciones diferentes de la identidad familiar entran en conflicto cuando un hombre de Odesa y su hijo visitan a su hermano en Alemania para asistir el funeral de su madre en la víspera del estallido de la guerra de Ucrania.
En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban.
La Maestra y Paula son las mejores nadadoras de su equipo y mejores amigas hasta que un incidente en una fiesta lo trastoca todo. La Maestra, intensa e imparable, nota que algo en su mejor amiga ha cambiado: ahora está triste. Cuando la verdad sale a la luz, ambas se enfrentan a una decisión imposible: Paula quiere guardar silencio, y la Maestra quiere justicia. Su amistad, antes invencible, se pone a prueba como nunca.
País(es) de producción: Chile – EEUU – España – México
Intérpretes: Maya O’Rourke, Saskia Rosendahl, Maia Rae Domagala, Jakub Gierszal, Paulina Urrutia
Proyecta 2022
Chile, 1992. Durante su estancia en el hotel de sus abuelos en las montañas, Inés se hace amiga de Hanna, una esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece sin dejar rastro, su búsqueda revela verdades que se mantenían ocultas.
Desde que Olga sufrió una gran pérdida, se ha aferrado a la soledad, pero la falta de dinero para llevar a cabo una intervención quirúrgica en el dedo gordo de su pie la orilla a rentar un cuarto de su departamento a Tulio, el marido de una paciente hospitalizada en el centro médico que se encuentra frente al enorme multifamiliar en el que vive Olga. Cuando el hombre debe irse por unos días y deja a su hijo Cristian en su lugar.
Paraguay, 1959. Bajo un régimen militar sofocante, Narciso regresa de Buenos Aires fascinado por el rock and roll. Carismático, enigmático y deseado por hombres y mujeres, pronto se convierte en una estrella de la radio y en un símbolo de libertad. Pero tras su último show aparece sin vida. En un país donde el silencio domina y el miedo asfixia la verdad… ¿quién mató a Narciso?
El Caminante llega a San Sebastián, un paisaje de luminosa belleza. Una franja de color rojo ocre se mueve lentamente a través de los bosques y a lo largo del borde del viento y el mar, entre el ruido de la noche y la quietud del día. Con pasos pausados, circula ante los ojos de muchos: una figura tranquila en la inmensidad del mundo, dejando una huella fugaz en la memoria de los desconocidos. El pasado y el presente se funden entre sí. Tanto la creación como la naturaleza se disuelven en polvo.
«En esta película se hará de noche 14 veces. Las iremos contando”. Así comienza este viaje noctámbulo y musical, una deriva por el ideario del artista vasco Jorge Oteiza, en la que domina una noche: la que transcurre en la basílica de Arantzazu. Allí se vive la noche más larga, junto al órgano del santuario, donde el cineasta Oskar Alegria se encierra para contar las 14 noches al pianista Iñar Sastre, a quien convoca para que imagine a través de las teclas unas imágenes que el músico no verá. De este desafío surge una colección de 14 lunas, 14 oscuridades, 14 misterios que conforman un mismo friso. 14, como el número de apóstoles que Oteiza logró colocar en la fachada de ese mismo lugar, y 14 porque, como él mismo decía, “no cabían más”.
A partir de materiales de archivo y una estructura fragmentada y polifónica, la película propone una historia del flamenco que lo vincula con la modernidad, lo popular y lo político. A través de relatos, asociaciones inesperadas y figuras de distintos tiempos y contextos, el filme explora un flamenco impuro, en constante diálogo con el mundo, donde conviven tradición, cultura de masas e imaginario contemporáneo.
Intérpretes: Angélica Castelló, Jose Luis López Cama, Teresita Sánchez, Caterina Ramirez Guallar, Ángel Santos, Anna Muxart, Walter Yuri
Ikusmira Berriak 2022
Proyecta 2021
Adela, una artista sonora mexicana, viaja desde la selva hasta los Andes peruanos junto a Lucho, guía y traductor. Siguiendo el legado de su abuelo, republicano catalán exiliado en México, teje un mapa sonoro de lenguas en peligro de desaparición. Cuando irrumpe el miedo a la muerte, la realidad se fractura. La travesía de Adela se transforma en un viaje íntimo hacia la casa de su infancia. Lejos de los árboles está llena de historias sobre la fragilidad de la existencia y la necesidad de recordar, escuchar y amar.
En la Costa Azul, dos bandas de niños se enfrentan en su juego favorito: saltar desde los acantilados rojos del Mediterráneo. Géo, de apenas cinco años, descubre a lo largo de un verano un mundo donde la amistad se mezcla con la rivalidad y donde los primeros impulsos del corazón se convierten en fuente de tensiones.
Intérpretes: Guitarricadelafuente , Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas, Penélope Cruz, Glenn Close
Narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia. Es una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca.
Intérpretes: Andrea Ros, Patrick Criado, Ernesto Alterio, Pilar Castro, Mizuki Yoshida, Denden
Esta es la historia de Sandra Sánchez, una mujer que desafió todas las convenciones hasta convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos. Con la guía de Jesús del Moral, su entrenador y compañero de vida, Sandra emprendió un viaje imposible: conquistar el oro olímpico a los 39 años en un deporte dominado por los japoneses y donde los más veteranos se retiran a los 30 años. Un relato de amor, grandeza y lucha que trasciende el karate y se convierte en leyenda.
Ander Merino Etxebeste (España), Fermin Muguruza (España)
País(es) de producción: España
Cuatro décadas después de subir por primera vez a un escenario, Fermin Muguruza se embarca en su última gira a gran escala: un viaje colectivo para celebrar 40 años de música, compromiso y resistencia cultural. Este documental musical capta el pulso de ese viaje: conciertos con el aforo completo, muchos kilómetros en la carretera, distintos encuentros a lo largo del camino y una energía compartida que ha trascendido generaciones, desde las bandas Kortatu y Negu Gorriak hasta su actual carrera en solitario
Acaba de ser presentada en sociedad un primer avance, en forma de un teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial de la tragicomedia de ciencia ficción 5 minutos más. Film, que se estrenará en nuestro país de la mano de Filmax el próximo 22 de enero de 2027, que supone una nueva colaboración entre Berto Romero y el realizador Javier Ruiz Caldera, quien previamente ya había dirigido al humorista en Mira lo que has hecho y El otro lado, así como también en películas como Tres bodas de más, Anacleto: Agente secreto o Superlópez.
5 minutos más nos muestra como un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el mundo entero entra en un bucle temporal. Los últimos cinco minutos se repiten una y otra vez como si saltara la aguja de un tocadiscos.
La película, que estará presente en la Sección Oficial a concurso en la próxima edición del Festival de San Sebastián, cuenta con un guion a cargo de Berto Romero, estando protagonizada por Javier Cámara, Belén Cuesta, Carlos Bernardino, Marc Soler, Clàudia Melo, Puchi Lagarde, Tian Tosas, Nia Tosas y el propio Berto Romero.
En un periodo que comprende una docena de años, Franklin J. Schaffner (1920-1989) forjó un sólido prestigio profesional en el campo del audiovisual con su participación en la elaboración de más de un centenar y medio de Dramáticos para la denominada Golden Age of Television. Superado con creces los cuarenta años, Schaffner iniciaba una nueva etapa en el medio cinematográfico, llegando a conformar una filmografía en que trató de buscar un equilibrio entre lo comercial y lo artístico. FRANKLIN J. SCHAFFNER: Una leyenda sin nombre representa el primer ensayo publicado en lengua castellana sobre la globalidad de la obra de un realizador que estuvo tras las cámaras de algunos de los films más populares del cine estadounidense pertenecientes al último tercio del siglo XX, como El planeta de los simios (1968), Patton (1970), Papillón (1973) o Los niños del Brasil (1978). Asimismo, el presente volumen contiene, a modo de cierre de la antología dedicada a «La generación de la televisión» en nuestra editorial, un extenso apartado dedicado a cineastas que operaron en una «segunda línea», cuyos nombres —George Roy Hill, Delbert Mann, Ralph Nelson y Stuart Rosenberg— han caído un tanto en el olvido, no así muchas de las películas que rodaron sobre todo desde mediados los años cincuenta hasta finales de los años setenta.
El autor
CHRISTIAN AGUILERA. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.
Autor: Christian Aguilera, Editorial: KANE EDICIONES; Páginas: 376
· La programación arranca el 16 de julio en Platfo.es con el ciclo ‘Guerra Civil y memoria fílmica: 90 años después’ y el estreno en abierto de Las dos memorias, el único largometraje dirigido por Jorge Semprún
· La plataforma publicará además una entrevista inédita a Alfonso del Amo, autor del Catálogo General de la Guerra Civil, obra de referencia para la investigación, identificación y preservación del patrimonio audiovisual vinculado a la contienda
· El programa culminará con la exposición y con el ciclo Escenas de fuego y llanto. El cine y la Guerra Civil española, que se celebrarán entre noviembre de 2026 y junio de 2027
Con motivo del 90 aniversario del inicio de la Guerra Civil española, Filmoteca Española pone en marcha una programación especial destinada a reivindicar el valor del patrimonio audiovisual como herramienta fundamental para comprender uno de los episodios mástrascendentales de la historia contemporánea. El programa, que se desarrollará entre julio de 2026 y junio de 2027, reúne iniciativas de difusión, preservación, investigación y exhibición que invitan a reflexionar sobre la memoria fílmica del conflicto y su vigencia en el presente.
Platfo impulsa el acceso público al patrimonio audiovisual de la Guerra Civil
La programación arranca el 16 de julio con la publicación en Platfo, plataforma pública y gratuita, del ciclo Guerra Civil y memoria fílmica: 90 años después. La incorporación de este conjunto de materiales facilita el acceso público a imágenes esenciales para comprender nuestra memoria audiovisual, favoreciendo su estudio, reflexión y transmisión a las generaciones presentes y futuras.
Dentro de este programa se publicará una entrevista a Alfonso del Amo, autor, con la colaboración de María Luisa Ibáñez Ferradas, del Catálogo General de la Guerra Civil (1996), obra de referencia imprescindible para la investigación, identificación y preservación del patrimonio audiovisual vinculado a la contienda. Fruto de más de una década de investigación desarrollada por Filmoteca Española, el catálogo reúne más de un millar de fichas de películas documentales y de ficción —españolas y extranjeras— producidas entre 1936 y 1995, además de completos estudios e índices sobre la producción cinematográfica relacionada con la guerra.
Por último, la plataforma publicará en julio Las dos memorias (1974), único largometraje dirigido por Jorge Semprún. Rodada en el verano de 1972, la película ofrece una reflexión histórica sobre la Guerra Civil y el exilio español a través de testimonios de algunas de las principales figuras políticas,intelectuales y culturales del siglo XX, entre ellas Santiago Carrillo, Federica Montseny, María Casares, Ian Gibson, Núria Espert, Yves Montand, Constantin Costa-Gavras, Gabriel Jackson, Juan Goytisolo, José Peirats, José María Gil-Robles y Dionisio Ridruejo. Estrenada en Francia y censurada en España durante el franquismo, la obra constituye un documento fundamental para el estudio de la memoria democrática
Una exposición para comprender el papel del cine durante la Guerra Civil
Sierra de Teruel (A. Malraux, 1939)
El programa culminará a finales de año con la celebración, a partir del 26 de noviembre, de la exposición Escenas de fuego y llanto. El cine y la Guerra Civil española, comisariada por Rafael R. Tranche. La muestra estará abierta al público hasta el 27 de junio de 2027 en la sede de Filmoteca Española (calle Magdalena, 10, Madrid), con entrada gratuita, y en el Doré, con una pequeña extensión en las vitrinas del cine.
La exposición, que contará con una publicación que la institución editará en 2027, propondrá un recorrido por el lugar central que ocupó el cine durante la Guerra Civil como espacio de información, propaganda y activismo cultural, al tiempo que pondrá de relieve el extraordinario valor documental de unas imágenes que han marcado la representación del conflicto en el cine posterior.
La Guerra Civil española fue el primer gran conflicto con una amplia cobertura mediática internacional. Reporteros, corresponsales y escritores contribuyeron a construir un nuevo imaginario bélico en el que la población civil adquirió un protagonismo inédito. En ese contexto, el cine se convirtió en una herramienta privilegiada tanto para documentar los acontecimientos mediante noticiarios y documentales como para difundir los discursos de partidos, sindicatos y gobiernos en la batalla de las imágenes. La exposición aborda también la influencia de este conflicto en el desarrollo de los totalitarismos europeos y en el imaginario visual que precedió a la Segunda Guerra Mundial.
Actividades paralelas en el Cine Doré
La muestra contará, a partir del 26 de noviembre, con un ciclo de proyecciones en el Cine Doré. El programa ofrecerá un recorrido por las diversas formas en que el cine ha representado la Guerra Civil española y sus consecuencias, entendidas no solo como un episodio histórico, sino también como una herida cuya huella perdura en el tiempo. En conjunto, las películas seleccionadas no reconstruyen únicamente el conflicto, sino también sus múltiples resonancias en la política, la infancia, la memoria y la sociedad española. Noventa años después de su estallido, el cine se revela así como un espacio donde la historia continúa desplegándose en nuevas capas de significado, entre la ficción y el documento.
Como avance de esta programación, el 10 de septiembre, dentro del programa Archivo inquieto. Memoria en movimiento -que muestra la riqueza del archivo reivindicando una concepción de la memoria como un proceso vivo, abierto a nuevas interpretaciones y lecturas- se proyectará en la pantalla de la histórica sala 1 del Cine Doré, Las dos memorias (Jorge Semprún, 1974), con una presentación a cargo del historiador Felipe Nieto, profesor de Historia del Mundo Actual de la UNED.
Pedro recibe un mensaje desesperado de una exnovia pidiéndole que cuide de Alicia, su madre senil. Lo que parece una misión sencilla pronto se convierte en su peor pesadilla. Pedro necesita escapar, pero Alicia no le deja…
En una película de las características de Vieja loca existe una intención de articular conceptos cinematográficos del pasado; por un lado, sus referencias al terror clásico: caserón siniestro, tormenta nocturna y entornos claustrofóbicos y, por otro, su afiliación al hagsploitation, subgénero consistente en reciclar a veteranas actrices hollywoodienses en el ámbito del cine de terror, práctica habitual en el medio catódico norteamericano de los años 70 y 80, cuyo mejor ejemplo llevado al cine posiblemente sea What Ever Happened to Baby Jane? (1962).
Con Carmen Maura como homicida anciana con demencia senil, la película del argentino Martín Mauregui, que también evoca desde la distancia a Misery (1990) transita por un disfrutable terror geriátrico con inclinación al grand guignol, premisa que, alejada de dichas tonalidades grotescas, parece quedarse sin espacio a la hora de intentar expandir narrativas soterradas, como las referentes a oscuros abismos generacionales, la difusa percepción de la realidad o el acto de exorcizar un pasado violento.
Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Warner Bros. un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del esperado nuevo trabajo tras las cámaras de Alejandro G. Iñárritu titulado Digger. La película, una comedia excéntrica con Tom Cruise como protagonista absoluto, se estrenará comercialmente en Estados Unidos y España el próximo 2 de octubre.
Digger nos muestra como el hombre más poderoso del mundo se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que ha desatado acabe por destruir todo.
La película, con guion a cargo del propio Alejandro González Iñárritu junto a Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone y Sabina Berman, está protagonizada por Tom Cruise, Sandra Hüller, John Goodman, Riz Ahmed, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons, Sophie Wilde, Emma D’Arcy, Robert John Burke, Andreea Paduraru y Pip Torrens.
Aprovechando su estreno en Reino Unido el próximo18 de septiembre, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del film Bad Apples. Segundo largometraje de Jonatan Etzler que cuestiona el sistema educativo mediante la sátira, fijando su mirada en las limitaciones y la ética existentes en dicho ecosistema.
Bad Apples, que estuvo presente el pasado año en el Festival de San Sebastián dentro de la sección New Directors, nos muestra como Maria es una maestra de escuela primaria que hace todo lo posible para motivar a una clase de niños de 11 años, pero un estudiante particularmente rebelde y caótico obstaculiza sus objetivos. Con su carrera cuestionada, el comportamiento del niño va de mal en peor y su clase está fuera de control, Maria toma una serie de malas decisiones que la llevan a encerrar accidentalmente a esa manzana podrida en su casa.
La película, con guion a cargo Jess O’Kane, está protagonizada por Saoirse Ronan, Jacob Anderson, Eddie Waller, Nia Brown, Rakie Ayola, Robert Emms, Sean Gilder, Jack Ashton, Kerry Howard, Jaye Jacobs, Kirris Riviere, Reena Dusila y Joanna van Kampen.
El director y guionista Pascal Bonitzer recupera al mítico comisario en un elegante thriller de investigación protagonizado por Denis Podalydès.
El próximo 17 de julio llega en exclusiva a Filmin “Maigret y la muerte del embajador”, dirigida por Pascal Bonitzer, guionista habitual de cineastas como Raoul Peck y Jacques Rivette. Basada en la novela “Maigret y los ancianos”, editada en España por Ediciones B, la película adapta uno de los casos del célebre comisario creado por Georges Simenon y sitúa la acción en el siglo XXI.
Protagonizada por Denis Podalydès y Anne Alvaro, la investigación avanza a través de interrogatorios, testimonios y la paciente reconstrucción de los hechos, recuperando el espíritu del gran relato detectivesco clásico mientras entrelaza intereses políticos, secretos familiares y viejas historias de amor.
Sinopsis
Cuando un prestigioso embajador aparece brutalmente asesinado, el comisario Maigret es llamado de urgencia para desentrañar el misterio. Entre miles de cartas secretas y una apasionada correspondencia con una princesa cuyo marido acaba de morir, Maigret descubre un entramado de pasiones ocultas, silencios sospechosos y viejas rivalidades familiares. Cada pista abre una puerta a nuevas revelaciones… y nada es lo que parece.
Un nuevo Maigret para el siglo XXI
Creado por Georges Simenon, Jules Maigret es uno de los detectives más célebres de la literatura del siglo XX. Entre 1930 y 1972 protagonizó 75 novelas y 28 relatos, además de inspirar numerosas adaptaciones para cine y televisión con intérpretes como Pierre Renoir, Jean Gabin o Rowan Atkinson.
Para esta nueva versión, Pascal Bonitzer se enfrentó a un reto muy concreto: trasladar al siglo XXI un personaje profundamente ligado al siglo XX. “No me imagina a un Maigret con un teléfono móvil, trabajando en un ordenador y respondiendo a las redes sociales. Es absolutamente incompatible con el personaje”, explicaba el director en mundoplus.tv. Junto a Denis Podalydès buscó “darle una nueva vida, incluso una nueva apariencia” (mundoplus.tv), manteniendo intactas las cualidades que han convertido al comisario en un clásico: su paciencia, su capacidad de observación y su forma de comprender a quienes rodean el crimen.
Un detective de los de antes
Lejos de los thrillers dominados por la acción, “Maigret y la muerte del embajador” construye su investigación a través de interrogatorios, conversaciones y pequeños detalles. El comisario recompone pacientemente las relaciones entre víctimas, sospechosos y testigos, avanzando caso a caso mediante la observación y la intuición.
Bonitzer sitúa el retrato de los personajes en el centro de la investigación, dedicando especial atención a sus relaciones, motivaciones y contradicciones. Una aproximación sobria y contenida que conecta con la forma en que Georges Simenon concebía las historias de Maigret.
La visión del mundo de Carroll está dominada por el declive de la moralidad humana. Tras pisar un clavo oxidado, inicia un descenso a los infiernos donde luchará por la verdad, mientras intenta mantener su salud y cordura, cada vez más deterioradas. A medida que su cruzada moral se acerca a la autodestrucción, Carroll se hace la pregunta definitiva: ¿Estamos condenados o simplemente se está muriendo de tétanos?
Sobre trastornos y malestares de naturaleza bizarra trata la interesante Bagworm del debutante Oliver Bernsen, película que puede ser entendida como arriesgada a un nivel conceptual en lo concerniente a mostrarnos la oscura travesía de un personaje misántropo que, conforme avanza la trama, va cayendo en una espiral de decadencia moral y física.
La excusa alegórica, derivativa de lo weird con relación al doble significado del concepto parasitario, surge a causa del avance de una infección ocasionada al pisar accidentalmente un clavo oxidado. Se agradece que, en esta ocasión, el relato sobre la figura del perdedor se aleje de preceptos redentores y vaya más encaminado hacia una serie de coordenadas de humor cínico próximas a lo underground y que afronte con osadía una desquiciada parte final que nos remite de forma perversa a Fear and Loathing in Las Vegas (1998).
En el cine, las formas no son un simple envoltorio para el contenido, sino la materia donde verdaderamente laten su sentido y su ética. Este deslumbrante ensayo dialoga con las intuiciones de Jean-Luc Godard, André Bazin, Susan Sontag y Umberto Eco para adentrarse en los misterios de la creación fílmica a partir de estas premisas. Carlos F. Heredero, uno de los pensadores cinematográficos más lúcidos de nuestro país, nos regala el conocimiento destilado tras miles de horas frente a la pantalla y hace tangible aquella intuición gozosa al desentrañar los engranajes más sutiles de algunas películas memorables de la historia del cine y del cine contemporáneo.
A través del análisis de destellos y detalles reveladores en obras de Orson Welles y Martin Scorsese, pero también de Aki Kaurismäki, Víctor Erice, Sofia Coppola, Joanna Hogg, Céline Sciamma, Paul Thomas Anderson o Kelly Reichardt, el texto desgrana cómo la puesta en escena tiene siempre una dimensión ética y moral. Estas páginas configuran un manifiesto vivo, libre de pedantería y profundamente accesible para creadores, estudiantes y espectadores. Un libro que nos devuelve la capacidad de sentir a través del análisis formal, invitándonos a recuperar el hermoso arte de pensar con los ojos.
El autor
Carlos F. Heredero (Madrid, 1953). Historiador y crítico de cine. Es director editorial de la revista Caimán Cuadernos de Cine (antes Cahiers du cinéma. España). Profesor de Historia del Cine en la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y programador de los ciclos de cine de la Fundación Juan March, ha ejercido como crítico en Diario 16, Dirigido por, Cinemanía, Archivos de la Filmoteca y Nosferatu, entre otros medios, y es autor de numerosos ensayos, estudios historiográficos y monografías sobre diversos cineastas.
Autor: Carlos F. Heredero, Editorial: CATEDRA, Colección Signo e imagen; Páginas: 416
Tras Diamant noir (2016) y Onoda, 10.000 nuits dans la jungle (2021), el realizador francés Arthur Harari se adentra en el thriller psicológico con L’inconnue, adaptación de su propia novela gráfica cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, tras estar presente en el pasado Festival de Cannes, llegará a nuestro país de la mano de Filmin.
En L’inconnue, David Zimmerman, que se acerca a los 40, es fotógrafo, pero nadie lo sabe. Aunque casi nunca sale de casa, unos amigos lo arrastran a una fiesta desenfrenada. Allí, ve a una mujer entre la multitud, no puede apartar la vista de ella y la sigue… En la oscuridad de la noche, su vida da un giro dramático. David despierta… en el cuerpo de la mujer desconocida.
La película, con guion a cargo del propio Arthur Harari junto a Lucas Harari, está protagonizada por Léa Seydoux, Niels Schneider, Valérie Dréville, Lilith Grasmug, Radu Jude, Shanti Masud, Victoire Du Bois, Jonathan Turnbull, Alexandre Pallu y Victor Chakravarty.
-El autor de algunas de las bandas sonoras más emblemáticas del cine épico y fantástico participará en “La era de los imperios”, concierto de clausura del festival, el 22 de agosto en la Plaça de Bous d’Ondara.
-La octava edición del Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto y estará dedicada al cine épico e histórico. Tendrá lugar en las localidades de Ondara, Dénia, Calp/Calpe, Beniarbeig, Xàbia/Jávea y Pego, todas ellas situadas en la comarca alicantina de la Marina Alta, en la Comunidad Valenciana.
-Las entradas para los distintos conciertos de SONAFILM 8 están a la venta en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.sonafilm.es.
El compositor sudafricano Trevor Jones, nominado en varias ocasiones a los premios BAFTA y autor de algunas de las partituras más recordadas del cine épico, fantástico y de aventuras, como las de “El último mohicano” (1992), “Excalibur” (1981) o “Dentro del laberinto” (1986), asistirá a la octava edición de SONAFILM, Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta, que se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto en las localidades alicantinas de Ondara, Dénia, Calp/Calpe, Teulada Moraira, Beniarbeig, Xàbia/Jávea y Pego, todas ellas situadas en la comarca de la Marina Alta (Comunidad Valenciana). Jones participará como invitado especial en “La era de los imperios”, el concierto de clausura del certamen, que tendrá lugar el sábado 22 de agosto a las 23:00 horas en la Plaça de Bous d’Ondara, con la Universal Symphony Orchestra bajo la dirección de José Martínez Colomina.
“La era de los imperios” se articulará como un recorrido por distintas formas de épica cinematográfica, desde la antigüedad clásica y el mundo grecorromano hasta el Japón feudal, los viajes oceánicos del siglo XV, la leyenda artúrica y los territorios de frontera de Norteamérica. La primera parte del concierto reunirá músicas de “Ben-Hur”, “Troya”, “El último samurái” y “Gladiator”, con partituras de Miklós Rózsa, James Horner y Hans Zimmer.
La segunda parte ampliará ese viaje con “1492: la conquista del paraíso”, de Vangelis, antes de desembocar en dos obras fundamentales de Trevor Jones: “Excalibur” y “El último mohicano”. De este modo, la presencia del compositor sudafricano adquirirá un valor especialmente relevante dentro del concierto, al conectar directamente el repertorio de la clausura con dos de las bandas sonoras que mejor representan su capacidad para combinar emoción, aventura y espectacularidad sinfónica.
Trevor Jones, una carrera entre la épica, la fantasía y el cine popular
Nacido en Ciudad del Cabo en 1949, Trevor Jones desarrolló muy pronto una vocación ligada a la música para el cine. Tras formarse en Sudáfrica, se trasladó al Reino Unido, donde estudió en instituciones como la Royal Academy of Music, la Universidad de York y la National Film and Television School. Desde esa base académica y técnica fue construyendo una carrera marcada por la versatilidad, la ambición narrativa y una especial atención a la relación entre música e imagen.
Su gran irrupción internacional llegó a comienzos de los años 80 con “Excalibur” (1981), de John Boorman, una obra que ya anticipaba muchos de los rasgos que acabarían definiendo su personalidad como compositor, desde el sentido de la grandeza y la intensidad dramática hasta una poderosa capacidad para dotar de dimensión mítica a las imágenes. Poco después, su trabajo en “Cristal oscuro” (1982) confirmó su afinidad con los universos fantásticos y con una escritura musical capaz de combinar orquesta, texturas singulares y una fuerte carga evocadora.
Esa conexión con la fantasía continuó en “Dentro del laberinto” (1986), dirigida por Jim Henson y protagonizada por David Bowie, donde Jones firmó la partitura instrumental de una de las películas de culto más recordadas de los años 80. A lo largo de esa década, su filmografía se amplió también hacia registros más oscuros y adultos, con títulos como “El corazón del ángel” (1987) o “Arde Mississippi” (1988), que mostraron su habilidad para trabajar la tensión, el misterio y el drama desde enfoques muy distintos.
En 1992 llegó uno de los grandes hitos de su carrera con “El último mohicano”, de Michael Mann, cuya banda sonora, compuesta junto a Randy Edelman, se convirtió en una de las más populares e identificables del cine de aventuras contemporáneo. Su fuerza melódica, su impulso emocional y su capacidad para expresar paisaje, peligro y romanticismo la han convertido en una referencia para varias generaciones de espectadores y aficionados a la música de cine.
A lo largo de más de cinco décadas de trayectoria, Jones ha firmado música para más de 100 producciones de cine y televisión, con títulos como “En el nombre del padre” (1993), “Tocando El Viento” (1996), “Dark City” (1998), “Notting Hill” (1999), o “Desde el infierno” (2001). Su trabajo le ha valido varias nominaciones a los BAFTA y a los Globos de Oro, además del reconocimiento de instituciones internacionales dedicadas a la música cinematográfica, que lo sitúan como una de las figuras esenciales de la composición audiovisual contemporánea.
SONAFILM 8: la música de las grandes epopeyas cinematográficas
La octava edición de SONAFILM estará dedicada al cine épico e histórico, un género en el que la música ha desempeñado un papel esencial a la hora de construir grandeza, emoción y sentido de aventura. Según Javier Gil, director de SONAFILM, “esta edición nos permite celebrar una de las grandes virtudes de la música de cine, que es su capacidad para transformar una imagen en leyenda. En el cine épico e histórico, la partitura construye grandeza, emoción y memoria, y Trevor Jones es uno de los compositores que mejor ha sabido trabajar ese territorio”.
El festival ofrecerá hasta ocho conciertos de distintos estilos relacionados con el audiovisual, además de actividades paralelas de carácter didáctico.
La organización agradece la colaboración de todas las empresas, entidades y municipios participantes que hacen posible la celebración de SONAFILM, consolidado como uno de los grandes festivales de música de cine del país.
Aprovechando su estreno en Francia el próximo mes de octubre, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Andrey Zvyagintsev titulado Minotaur. Tras ganar el Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes, la película, una libre adaptación de La Femme infidèle (Claude Chabrol, 1969), llegará a los cines de nuestro país de la mano de Elástica Films el próximo 22 de enero de 2027.
Minotaur nos sitúa en la Rusia de 2022. Gleb, un exitoso hombre de negocios, se ve acosado por las crecientes presiones empresariales y por un mundo cada vez más inestable. Su vida, tan cuidadosamente ordenada, amenaza con desmoronarse y arrastrarle al colapso emocional y moral.
La película, con guion a cargo del propio Andrey Zvyagintsev junto a Simon Lyashenko, está protagonizada por Dmitriy Mazurov, Iris Lebedeva, Varvara Shmykova, Juris Zagars, Anton Lytvynov, Vladimir Friedman, Yuriy Zavalnyouk, Rudgy Pajany y Alex Sinos.
· El Mercado de Cine Independiente se celebrará en el marco de Seminci del 28 al 30 de octubre de 2026.
· Organizado por Seminci y ADICINE, MERCI ha incrementado un 58% su participación profesional desde sus inicios, alcanzado en 2025 su edición de mayor dimensión hasta la fecha.
El Mercado de Cine Independiente MERCI, organizado por Seminci y la Asociación de Distribuidores Independientes Cinematográficos (ADICINE), celebrará su sexta edición entre los días 28 y 30 de octubre de 2026 en Valladolid. La iniciativa cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura y la colaboración de Comscore, ECAM Industria y Sociograph.
Consolidado como uno de los espacios de referencia en España para el cine independiente, MERCI impulsa la circulación y visibilidad de las películas, favoreciendo el encuentro entre distribuidores, exhibidores, programadores, televisiones y plataformas. Desde su creación, se ha convertido en un espacio estratégico para fortalecer la presencia del cine independiente en las salas y ampliar sus oportunidades de difusión y acceso al público.
En las últimas ediciones, MERCI ha incrementado un 58 % su participación profesional y en 2025 alcanzó su edición de mayor dimensión hasta la fecha, con 190 profesionales acreditados, la participación de las 20 distribuidoras integradas en ADICINE y una programación de 27 películas en 54 pases. Este crecimiento le ha valido también el reconocimiento del sector, como demuestra la Mención Especial FECE recibida en 2024 por su contribución al fortalecimiento de la exhibición cinematográfica.
El mercado rendirá homenaje a José Luis Cienfuegos, quien dirigió Seminci entre 2023 y 2025 y desempeñó un papel decisivo en el impulso y consolidación de MERCI desde sus inicios. Su compromiso con el cine independiente, su apoyo a la diversidad cinematográfica y su manera única de facilitar espacios de encuentro para los profesionales del sector fueron fundamentales para el crecimiento de una iniciativa que hoy ocupa un lugar destacado dentro de la industria cinematográfica española.
En su recuerdo y para dar continuidad al legado que dejó, el hasta ahora Premio MERCI a la trayectoria profesional que distingue la aportación de figuras clave al desarrollo y fortalecimiento del cine independiente, pasará a llamarse Premio José Luis Cienfuegos.
Tras aquel cuento de sirenas perverso titulado The Lure (2015), la realizadora de origen polaco Agnieszka Smoczyńska reincide en el género fantástico con la cinta futurista Hot Spot, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, aún sin fecha de estreno en nuestro país, llegará de la mano de Focus Features a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 21 de agosto de 2026.
Hot Spot nos sitúa en una sociedad de un futuro próximo gobernada por una inteligencia artificial consciente, un detective privado investiga un caso de asesinato y descubre un grupo rebelde capaz de socavar el dominio digital. A medida que la identidad del detective se va desvelando poco a poco, su mundo entra en un estado de colapso hipnótico.
La película, con guion a cargo de Robert Bolesto, está protagonizada por Noomi Rapace, Andrzej Konopka, Reika Kirishima, Filippa Kaye, Ektor Liatsos, Rasmi Tsopela, George Aurimas Cris, Niki Sereti, Eleni Tzangka, Katerina Rousiaki, Chatzipavlidou Despoina, Eleni Likoudi y Thanasis Barkas.
El próximo 24 de julio arranca en Filmin la 16ª edición de Atlàntida Mallorca Film Fest, el mayor festival de cine online de Europa, que se celebra en paralelo a su edición presencial en Palma. Hasta el 24 de agosto, los suscriptores de Filmin podrán descubrir 91 títulos, 65 de ellos inéditos en España, repartidos entre siete nuevas secciones temáticas, una Sección Oficial, dos grandes retrospectivas y una programación que reúne algunas de las voces más relevantes del cine contemporáneo.
Cineastas como Radu Jude, Abdellatif Kechiche, Nadav Lapid, Valérie Donzelli, Joachim Lafosse, Claire Simon o Theo Angelopoulos conviven con algunas de las películas más celebradas del último año en festivales como Cannes, Berlín, Venecia, Sundance o San Sebastián, consolidando una edición especialmente diversa, con propuestas que van del cine político al documental, de la animación al thriller, del cine de autor a historias pensadas para un público más amplio.
“Hemos buscado películas que interpelen a varias generaciones”, explica Joan Sala, responsable editorial de Atlàntida Mallorca Film Fest. “Con esta nueva Sección Oficial queremos ampliar el público del festival de una forma transversal, apostando por un cine contemporáneo que combine riesgo artístico con capacidad para conectar con espectadores muy distintos”.
RAW, la nueva Sección Oficial
La nueva Sección Oficial de Atlàntida Mallorca Film Fest reúne catorce películas (entre las cuales se incluyen cuatro estrenos nacionales) que han marcado el último curso festivalero y que representan algunas de las voces más estimulantes del cine contemporáneo.
Entre ellas destaca “Yes!”, el nuevo trabajo del cineasta israelí Nadav Lapid, una de las propuestas más radicales y provocadoras del año. El director se situó recientemente en el centro del debate internacional tras renunciar a formar parte del jurado del FIDMarseille después de recibir un boicot por su nacionalidad israelí, pese a su conocida posición disidente con el Gobierno de Israel. La decisión motivó una carta de apoyo firmada por más de 350 personalidades del cine, entre ellas Natalie Portman, Justine Triet y Jacques Audiard, que defendieron su trayectoria y definieron el boicot como un “fracaso intelectual”.
También formará parte de RAW “Seis días de primavera” (“Six Days in Spring”), de Joachim Lafosse, ganadora de tres premios en el Festival de San Sebastián; “Si me voy, ¿me echarán de menos?” (“If I Go Will They Miss Me”), una de las grandes revelaciones de Sundance; “Kingdom”, triunfadora del Festival D’A, que retrata el auge de la extrema derecha a través de un grupo de jóvenes radicalizados; y “Un secuestro familiar” (“Feels Like Home”), galardonada en Sitges con el Méliès de Plata a la mejor película fantástica europea por su inquietante propuesta, que ha sido comparada con el cine primigenio de Yorgos Lanthimos y Michael Haneke.
La sección incluirá además “Julian”, producida por Lukas Dhont; “Tell Everyone”, la nueva película de la directora de “Girl Picture”, que regresa al festival tras su anterior paso por Atlàntida; “H de Halcón” (“H Is for Hawk”), adaptación del celebrado libro de memorias homónimo protagonizada por Claire Foy y Brendan Gleeson; “Destiny, dile que no soy malo” (“Mad Bills to Pay”), un luminoso retrato sobre un embarazo adolescente premiado en el Festival de Sundance; “Wild Foxes”, aclamado drama francés ambientado en los exigentes internados deportivos de élite; “Nomad Shadow”, ópera prima con coproducción catalana que aborda la realidad de una joven marroquí sin papeles tras ser deportada; “Idiotka”, fenómeno presentado en South by Southwest y protagonizado por Anna Baryshnikov (“Sangre en los labios”), con cameos de Julia Fox y Camila Mendes; “Egghead Republic”, un thriller distópico protagonizado por un ‘pelotón’ de la revista Vice que imagina un mundo alucinado donde la Guerra Fría nunca terminó; y «Una segunda vida» (“A Second Life”), protagonizada por Agathe Rousselle (“Titane”), ambientada durante los Juegos Olímpicos de París.
Las películas de la Sección Oficial RAW competirán por un premio de 10.000 euros concedido por un jurado de la Associació Catalana de l’Escriptura i la Crítica Cinematogràfica (ACCEC). La película vencedora se incorporará posteriormente al catálogo de Filmin.
Fuera de competición podrá verse también “Mektoub, My Love: Canto Uno”, el esperado regreso de Abdellatif Kechiche. Presentada en el Festival de Cannes, la película permanecía inédita en España desde su estreno en 2017. Además, la edición presencial de Atlàntida Mallorca Film Fest acogerá el estreno de “Mektoub, My Love: Canto Dos”, ofreciendo al público la oportunidad de descubrir las dos primeras entregas de la trilogía.
Títulos de la Sección Oficial RAW:
“Tell Everyone”, de Alli Haapasalo (Estreno en España). – 24 de julio “Julian”, de Cato Kusters. – 24 de julio “Yes!”, de Nadav Lapid. – 24 de julio “Idiotka”, de Nastasya Popov (Estreno en España). – 24 de julio “H de Halcón” (“H Is for Hawk”), de Philippa Lowthorpe (Estreno en España). – 24 de julio “Si me voy, ¿me echarán de menos?” (“If I Go Will They Miss Me”), de Walter Thompson-Hernández. – 24 de julio “Egghead Republic”, de Pella Kågerman y Hugo Lilja (Estreno en España). – 24 de julio “Kingdom”, de Michał Ciechomski. – 24 de julio “Seis días de primavera” (“Six Days in Spring”), de Joachim Lafosse. – 24 de julio «Una segunda vida» (“A Second Life”), de Laurent Slama. – 24 de julio “Wild Foxes”, de Valéry Carnoy. – 24 de julio “Destiny, dile que no soy malo” (“Mad Bills to Pay”), de Joel Alfonso Vargas. – 24 de julio “Un secuestro familiar” (“Feels Like Home”), de Gábor Holtai. – 24 de julio “Nomad Shadow”, de Mehdi Hmili. – 24 de julio “Mektoub, My Love: Canto Uno”, de Abdellatif Kechiche. – 31 de julio
Trends, las nuevas identidades
La sección Trends reunirá algunas de las propuestas más arriesgadas y estimulantes del panorama contemporáneo, con películas y series que exploran las nuevas formas de entender la identidad, el deseo o las relaciones en la era digital. Entre ellas destaca el estreno en España de “Truly Naked”, presentada en el Festival de Berlín, un coming of age que reflexiona sobre la masculinidad contemporánea y la influencia de la pornografía en la educación sentimental de los hombres. También podrá verse “Lady”, un irreverente falso documental protagonizado por Sian Clifford (“Fleabag”), que da vida a una excéntrica aristócrata británica; “Blue Film”, una de las películas más controvertidas del año por su aproximación al consentimiento y las dinámicas de poder, comparada con una versión contemporánea de “Hard Candy”; y la serie documental “La vida real” (“La vraie vie”), que se adentra en el universo de los servidores de videojuegos para retratar cómo las comunidades virtuales se han convertido en espacios donde miles de jóvenes construyen amistades, identidades y nuevas formas de relacionarse.
También podrá verse “Castration Movie”, un auténtico fenómeno de internet convertido en una de las joyas ocultas de 2025 para la comunidad de Letterboxd. Filmada en MiniDV y estructurada como una antología, la película retrata la experiencia trans y la vida de una generación nacida en los foros de internet con una libertad formal pocas veces vista.
La selección se completa con “Departures”, una luminosa historia de amor queer que combina descaro, humor y emoción; “Fwends”, un retrato generacional sobre la amistad femenina y las incertidumbres de la vida adulta ambientado durante un fin de semana en Melbourne; “Sexo en la ciudad” (“Baise en ville”), una comedia romántica francesa tan caótica como tierna sobre un joven que intenta rehacer su vida mientras busca trabajo; y “Una infancia en Lesotho” (“Ancestral Visions of the Future”), la nueva obra del cineasta Lemohang Jeremiah Mosese, un inclasificable híbrido entre documental, ficción y ensayo autobiográfico que reflexiona sobre el exilio, la memoria y la identidad a través de imágenes de gran fuerza poética.
Títulos de la sección Trends:
“Truly Naked”, de Muriel D’Ansembourg (Estreno en España). – 14 de agosto “Lady”, de Samuel Abrahams. – 7 de agosto “Blue Film”, de Elliot Tuttle (Estreno en España). – 21 de agosto “La vida real” (“La vraie vie”), serie documental de Ekiem Barbier y Guilhem Causse (Estreno en España). – 24 de julio “Castration Movie”, de Louise Weard. – 24 de julio “Departures”, de Lloyd Eyre-Morgan y Neil Ely (Estreno en España). – 24 de julio “Fwends”, de Sophie Somerville. – 24 de julio “Sexo en la ciudad” (“Baise en ville”), de Martin Jauvat (Estreno en España). – 24 de julio “Una infancia en Lesotho” (“Ancestral Visions of the Future”), de Lemohang Jeremiah Mosese. – 31 de julio
Rebels, los inclasificables
La sección Rebels será el refugio del cine más libre, radical e inclasificable del festival. Entre sus títulos destaca “I Love Peru”, un delirante falso documental presentado en Cannes y protagonizado por el explosivo Raphaël Quenard; “Rose of Nevada”, la nueva película de Mark Jenkin, protagonizada por George MacKay y Callum Turner, un misterioso relato de ciencia ficción ambientado en un pueblo pesquero de Cornualles; “Eephus”, una entrañable comedia sobre un interminable partido de béisbol convertida en una reflexión sobre el paso del tiempo; “La apuesta de Buffalo Bill” (“Head or Tails?”), un western protagonizado por John C. Reilly que revisita el mito de Buffalo Bill desde una mirada contemporánea; y “Memory of Princess Mumbi”, película de clausura de Atlàntida online, una historia de amor entre dos jóvenes cinéfilos africanos que recurren a la inteligencia artificial para hacer posible el cine que sueñan.
La sección se completa con tres de las propuestas más extremas de la programación. “Drácula”, del rumano Radu Jude, reinventa el mito del vampiro desde una perspectiva radicalmente humana y política; «Hoja seca» (“Dry Leaf”), la nueva película de Alexandre Koberidze, director de “¿Qué vemos cuando miramos al cielo?”, rodada deliberadamente con estética de cámara doméstica para explorar nuevas formas de representación; y “La risa y la navaja”, del portugués Pedro Pinho, una fábula tan mordaz como divertida sobre el legado del colonialismo europeo en África a través de la historia de un ingeniero de carreteras.
Títulos de la sección Rebels:
“I Love Peru”, de Raphaël Quenard y Hugo David (Estreno en España). – 24 de julio “Rose of Nevada”, de Mark Jenkin. – 7 de agosto “Eephus”, de Carson Lund. – 24 de julio “La apuesta de Buffalo Bill” (“Head or Tails?”), de Alessio Rigo de Righi y Matteo Zoppis. – 24 de julio “Memory of Princess Mumbi”, de Damien Hauser. – 21 de agosto “Drácula”, de Radu Jude. – 24 de julio «Hoja seca» (“Dry Leaf”), de Alexandre Koberidze. – 24 de julio “La risa y la navaja”, de Pedro Pinho. – 24 de julio
Echoes, la memoria como espejo
Pensada para un público amplio, Echoes reúne algunas de las películas, documentales y series más accesibles y emocionantes de la programación, todas ellas con una misma voluntad: mirar al pasado para comprender el presente. Entre los títulos de ficción destacan los estrenos en España de “La ilusión de Garibaldi” (“The Illusion”), protagonizada por Toni Servillo; “El secuestro de un presidente” (“The Kidnapping of a President”), una comedia absurda inspirada en un insólito episodio real de la historia política europea; “La desaparición de Mengele”, una ficción que arroja nueva luz sobre la huida y los años de clandestinidad del médico nazi Josef Mengele; y “Straight Circle”, ganadora de dos premios en la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, una fábula sobre dos soldados de ejércitos enfrentados cuya carga humanista dialoga con la actualidad geopolítica.
La memoria histórica ocupa también un lugar central en la sección con “Atlas de la desaparición”, un impactante trabajo de investigación que indaga en las huellas del franquismo a través del Valle de los Caídos, y “Los cangrejos”, un íntimo ejercicio autobiográfico en el que su director reconstruye la memoria de su abuelo y de toda una generación.
El recorrido por Echoes culmina con dos grandes series documentales de producción europea: “Los juicios de Yugoslavia” (“A War on Trial”), que reconstruye el histórico proceso judicial contra los responsables de las guerras de los Balcanes cuando se cumplen veinticinco años del inicio del conflicto; y “Terror en la embajada” (“Terror på Ambassaden”), centrada en el atentado contra la delegación israelí durante los Juegos Olímpicos de Múnich y sus consecuencias diplomáticas.
Títulos de la sección Echoes:
“La ilusión de Garibaldi” (“The Illusion”), de Susanna Nicchiarelli (Estreno en España). – 24 de julio “El secuestro de un presidente” (“The Kidnapping of a President”), de Samuli Valkama (Estreno en España). – 24 de julio “La desaparición de Mengele”, de Kirill Serebrennikov. – 28 de agosto “Straight Circle”, de Oscar Hudson. – 21 de agosto “Atlas de la desaparición”, de Manuel Correa. – 24 de julio “Los cangrejos”, de Rubén Seca. – 24 de julio “Los juicios de Yugoslavia” (“A War on Trial”), serie documental de Lucio Mollica. – 24 de julio “Terror en la embajada” (“Terror på Ambassaden”), serie documental de Johanna Becker, Johannes Preuss y Judith Taureck. – 24 de julio
Domestic, historias íntimas
Las historias más íntimas y cotidianas encuentran su espacio en Domestic, una sección dedicada a los dramas familiares, los retratos de personajes y los thrillers de proximidad. Entre sus títulos destacan “Por la mañana escribo” (“At Work”), la nueva película de Valérie Donzelli, ganadora de la Osella de Oro al mejor guión en el Festival de Venecia; “Islands”, un thriller estival protagonizado por Sam Riley en el que la misteriosa desaparición de un padre de familia altera unas vacaciones aparentemente idílicas; “La mujer de” (“La Femme de”), un elegante thriller burgués heredero del cine de Claude Chabrol; y “Made in EU”, del cineasta búlgaro Stephan Komandarev, un thriller social que aborda las contradicciones de la Europa contemporánea.
La representación española llegará de la mano de “Así llegó la noche”, una de las películas nacionales mejor recibidas del año, que sigue el regreso de un escultor a su pueblo natal en busca de un reencuentro consigo mismo. La sección incorpora también el documental “Memory”, considerado uno de los documentales europeos más celebrados del último año, en el que su directora reconstruye su infancia en una casa situada en la frontera entre Ucrania y Rusia, convirtiendo la memoria familiar en un reflejo de las fracturas de Europa.
Títulos de la sección Domestic:
“Por la mañana escribo” (“At Work”), de Valérie Donzelli. – 2 de agosto “Islands”, de Jan-Ole Gerster. – 24 de julio “La mujer de” (“La Femme de”), de David Roux. – 24 de julio “Made in EU”, de Stephan Komandarev. – 24 de julio “Así llegó la noche”, de Ángel Santos. – 24 de julio “Memory”, de Vladlena Sandu. – 24 de julio
Earth, cine que abraza la Tierra
La relación entre el ser humano y la naturaleza vertebra la sección Earth, un recorrido por historias que encuentran en el paisaje, los animales y el mundo rural una forma de reflexionar sobre nuestra manera de habitar el planeta. Entre sus títulos destaca “La gallina” (“Hen”), una singular fábula protagonizada por una gallina que se pierde y emprende un inesperado viaje; “La Odisea de Dandellion” (“Dandelion’s Odyssey”), una deslumbrante película de animación sin diálogos presentada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes que llegará al festival como estreno en España; y “Juana de Arco”, el nuevo trabajo de Hlynur Pálmason, presentado en Zabaltegi y complemento perfecto de “El amor que permanece”, que llegará a los cines españoles el próximo 7 de agosto de la mano de Elastica.
La sección reúne también algunas de las miradas más sensibles del cine reciente hacia el entorno natural. Es el caso de “Loco por la naturaleza” (“Better Go Mad in the Wild”), ganadora del Globo de Cristal en el Festival de Karlovy Vary; “Folktales”, un emotivo documental sobre una escuela de formación en plena naturaleza que reivindica el aprendizaje a través de la experiencia; y “El huerto de Agatha” (“Agatha’s Almanac”), delicado retrato en 16 mm de una anciana que dedica sus días al cuidado de su huerto y a preservar un modo de vida cada vez más excepcional.
Títulos de la sección Earth:
“La gallina” (“Hen”), de György Pálfi. – 24 de julio “La Odisea de Dandellion” (“Dandelion’s Odyssey”), de Momoko Seto (Estreno en España). – 24 de julio “Juana de Arco”, de Hlynur Pálmason. – 24 de julio “Loco por la naturaleza” (“Better Go Mad in the Wild”), de Miro Remo. – 24 de julio “Folktales”, de Rachel Grady y Heidi Ewing. – 24 de julio “El huerto de Agatha” (“Agatha’s Almanac”), de Amalie Atkins (Estreno en España). – 24 de julio
Arts, el impulso creador
La sección Arts, ya mítica en el certamen, reúne películas que exploran la creación artística, el patrimonio cultural y las vidas de quienes han dedicado su existencia al arte. La programación incluye “Annie Ernaux en la escuela”, el nuevo documental de la prestigiosa cineasta Claire Simon, que explora cómo la obra de la celebrada escritora francesa es leída, entendida y analizada en las escuelas secundarias francesas; “Siri Hustvedt (Dance Around the Self)”, un íntimo retrato de una de las grandes voces de la literatura contemporánea dirigido por Sabine Lidl, que recorre su trayectoria creativa y su relación personal y artística con Paul Auster; “Ruffini, el falsificador” (“An Artful Imbroglio”), una apasionante serie documental sobre uno de los mayores escándalos del mercado internacional del arte; y “Kokuho: El maestro del Kabuki”, una ambiciosa producción de época ambientada en el universo del teatro kabuki que se ha convertido en uno de los grandes fenómenos del cine japonés reciente y que fue nominada al Óscar al mejor maquillaje y peluquería.
Títulos de la sección Arts:
“Annie Ernaux en la escuela”, de Claire Simon.- 14 de agosto “Siri Hustvedt (Dance Around the Self)”, de Sabine Lidl. – 24 de julio “Ruffini, el falsificador” (“An Artful Imbroglio”), serie documental de Giacomo Minoia. – 7 de agosto “Kokuho: El maestro del Kabuki”, de Lee Sang-il. – 7 de agosto
Retrospectivas: Bertrand Mandico y Theo Angelopoulos
La programación online de Atlàntida Mallorca Film Fest se completa este año con dos grandes retrospectivas: una consagrada al imaginario del francés Bertrand Mandico y otra a la obra completa de Theo Angelopoulos, figura capital del cine europeo del siglo XX.
La primera estará dedicada a Bertrand Mandico (1971), uno de los cineastas más singulares e inclasificables de su generación. Antes de deslumbrar con largometrajes como “Los chicos salvajes”, “After Blue” o “Conann”, Mandico se dio a conocer gracias a una extensa obra de cortometrajes que lo convirtió en una figura de culto del cine fantástico y experimental. Su universo, de una potencia visual arrolladora, mezcla surrealismo, erotismo, ciencia ficción y fantasía, desdibujando constantemente las fronteras entre los géneros, los cuerpos y las identidades. La retrospectiva permitirá descubrir tanto sus primeros trabajos como algunas de las piezas que han convertido su imaginario en uno de los más reconocibles del cine europeo reciente.
La segunda recuperará la obra completa de Theo Angelopoulos (1935-2012) en nuevas restauraciones en 4K y 2K. Ganador de la Palma de Oro de Cannes por “La eternidad y un día”, el director griego convirtió el exilio, la memoria, las fronteras y la historia reciente de Europa en el corazón de una filmografía tan política como profundamente poética. A través de sus célebres planos secuencia y puestas en escena, Angelopoulos construyó un lenguaje cinematográfico inconfundible cuya influencia sigue siendo palpable en buena parte del cine de autor contemporáneo. Desde “Paisaje en la niebla” hasta “La mirada de Ulises”, su obra permanece como uno de los grandes legados del cine europeo.
Desde Portugal: Las revoluciones cortas
Después del éxito de la tercera edición de Revoluções Curtas en Filmin Portugal, el certamen que celebra el mundo del cortometraje portugués, llegan a Atlàntida Mallorca Film Fest online sus cuatro ganadores, «Quando M’Eu For Desta Terra», «Francisco Perdido», «Nuno» y «Não São Águas Passadas». Revoluções Curtas cree en un cine libre, alejado del ruido en el que vivimos, como bien demuestran estos cuatro cortometrajes que nos hablan de amores de juventud, lo extraordinario de lo cotidiano, pero también del peso de la memoria histórica y el pasado colonial de Portugal.
Coincidiendo con el estreno del documental Landa (Gracia Querejeta y Miguel Olid, 2026) se recuperan las memorias de Alfredo Landa, brillantemente escritas por Marcos Ordóñez, que desgraciadamente estaban descatalogadas desde hacía mucho tiempo La reedición de Alfredo el Grande y el documental llegan justamente 50 años después del rodaje de El puente, la película de Juan Antonio Bardem, que cambió por completo su trayectoria y dos décadas desde su última actuación, en Luz de domingo, de José Luis Garci.
