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En un periodo que comprende una docena de años, Franklin J. Schaffner (1920-1989) forjó un sólido prestigio profesional en el campo del audiovisual con su participación en la elaboración de más de un centenar y medio de Dramáticos para la denominada Golden Age of Television. Superado con creces los cuarenta años, Schaffner iniciaba una nueva etapa en el medio cinematográfico, llegando a conformar una filmografía en que trató de buscar un equilibrio entre lo comercial y lo artístico. FRANKLIN J. SCHAFFNER: Una leyenda sin nombre representa el primer ensayo publicado en lengua castellana sobre la globalidad de la obra de un realizador que estuvo tras las cámaras de algunos de los films más populares del cine estadounidense pertenecientes al último tercio del siglo XX, como El planeta de los simios (1968), Patton (1970), Papillón (1973) o Los niños del Brasil (1978). Asimismo, el presente volumen contiene, a modo de cierre de la antología dedicada a «La generación de la televisión» en nuestra editorial, un extenso apartado dedicado a cineastas que operaron en una «segunda línea», cuyos nombres —George Roy Hill, Delbert Mann, Ralph Nelson y Stuart Rosenberg— han caído un tanto en el olvido, no así muchas de las películas que rodaron sobre todo desde mediados los años cincuenta hasta finales de los años setenta.
El autor
CHRISTIAN AGUILERA. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.
Autor: Christian Aguilera, Editorial: KANE EDICIONES; Páginas: 376
· La programación arranca el 16 de julio en Platfo.es con el ciclo ‘Guerra Civil y memoria fílmica: 90 años después’ y el estreno en abierto de Las dos memorias, el único largometraje dirigido por Jorge Semprún
· La plataforma publicará además una entrevista inédita a Alfonso del Amo, autor del Catálogo General de la Guerra Civil, obra de referencia para la investigación, identificación y preservación del patrimonio audiovisual vinculado a la contienda
· El programa culminará con la exposición y con el ciclo Escenas de fuego y llanto. El cine y la Guerra Civil española, que se celebrarán entre noviembre de 2026 y junio de 2027
Con motivo del 90 aniversario del inicio de la Guerra Civil española, Filmoteca Española pone en marcha una programación especial destinada a reivindicar el valor del patrimonio audiovisual como herramienta fundamental para comprender uno de los episodios mástrascendentales de la historia contemporánea. El programa, que se desarrollará entre julio de 2026 y junio de 2027, reúne iniciativas de difusión, preservación, investigación y exhibición que invitan a reflexionar sobre la memoria fílmica del conflicto y su vigencia en el presente.
Platfo impulsa el acceso público al patrimonio audiovisual de la Guerra Civil
La programación arranca el 16 de julio con la publicación en Platfo, plataforma pública y gratuita, del ciclo Guerra Civil y memoria fílmica: 90 años después. La incorporación de este conjunto de materiales facilita el acceso público a imágenes esenciales para comprender nuestra memoria audiovisual, favoreciendo su estudio, reflexión y transmisión a las generaciones presentes y futuras.
Dentro de este programa se publicará una entrevista a Alfonso del Amo, autor, con la colaboración de María Luisa Ibáñez Ferradas, del Catálogo General de la Guerra Civil (1996), obra de referencia imprescindible para la investigación, identificación y preservación del patrimonio audiovisual vinculado a la contienda. Fruto de más de una década de investigación desarrollada por Filmoteca Española, el catálogo reúne más de un millar de fichas de películas documentales y de ficción —españolas y extranjeras— producidas entre 1936 y 1995, además de completos estudios e índices sobre la producción cinematográfica relacionada con la guerra.
Por último, la plataforma publicará en julio Las dos memorias (1974), único largometraje dirigido por Jorge Semprún. Rodada en el verano de 1972, la película ofrece una reflexión histórica sobre la Guerra Civil y el exilio español a través de testimonios de algunas de las principales figuras políticas,intelectuales y culturales del siglo XX, entre ellas Santiago Carrillo, Federica Montseny, María Casares, Ian Gibson, Núria Espert, Yves Montand, Constantin Costa-Gavras, Gabriel Jackson, Juan Goytisolo, José Peirats, José María Gil-Robles y Dionisio Ridruejo. Estrenada en Francia y censurada en España durante el franquismo, la obra constituye un documento fundamental para el estudio de la memoria democrática
Una exposición para comprender el papel del cine durante la Guerra Civil
Sierra de Teruel (A. Malraux, 1939)
El programa culminará a finales de año con la celebración, a partir del 26 de noviembre, de la exposición Escenas de fuego y llanto. El cine y la Guerra Civil española, comisariada por Rafael R. Tranche. La muestra estará abierta al público hasta el 27 de junio de 2027 en la sede de Filmoteca Española (calle Magdalena, 10, Madrid), con entrada gratuita, y en el Doré, con una pequeña extensión en las vitrinas del cine.
La exposición, que contará con una publicación que la institución editará en 2027, propondrá un recorrido por el lugar central que ocupó el cine durante la Guerra Civil como espacio de información, propaganda y activismo cultural, al tiempo que pondrá de relieve el extraordinario valor documental de unas imágenes que han marcado la representación del conflicto en el cine posterior.
La Guerra Civil española fue el primer gran conflicto con una amplia cobertura mediática internacional. Reporteros, corresponsales y escritores contribuyeron a construir un nuevo imaginario bélico en el que la población civil adquirió un protagonismo inédito. En ese contexto, el cine se convirtió en una herramienta privilegiada tanto para documentar los acontecimientos mediante noticiarios y documentales como para difundir los discursos de partidos, sindicatos y gobiernos en la batalla de las imágenes. La exposición aborda también la influencia de este conflicto en el desarrollo de los totalitarismos europeos y en el imaginario visual que precedió a la Segunda Guerra Mundial.
Actividades paralelas en el Cine Doré
La muestra contará, a partir del 26 de noviembre, con un ciclo de proyecciones en el Cine Doré. El programa ofrecerá un recorrido por las diversas formas en que el cine ha representado la Guerra Civil española y sus consecuencias, entendidas no solo como un episodio histórico, sino también como una herida cuya huella perdura en el tiempo. En conjunto, las películas seleccionadas no reconstruyen únicamente el conflicto, sino también sus múltiples resonancias en la política, la infancia, la memoria y la sociedad española. Noventa años después de su estallido, el cine se revela así como un espacio donde la historia continúa desplegándose en nuevas capas de significado, entre la ficción y el documento.
Como avance de esta programación, el 10 de septiembre, dentro del programa Archivo inquieto. Memoria en movimiento -que muestra la riqueza del archivo reivindicando una concepción de la memoria como un proceso vivo, abierto a nuevas interpretaciones y lecturas- se proyectará en la pantalla de la histórica sala 1 del Cine Doré, Las dos memorias (Jorge Semprún, 1974), con una presentación a cargo del historiador Felipe Nieto, profesor de Historia del Mundo Actual de la UNED.
Pedro recibe un mensaje desesperado de una exnovia pidiéndole que cuide de Alicia, su madre senil. Lo que parece una misión sencilla pronto se convierte en su peor pesadilla. Pedro necesita escapar, pero Alicia no le deja…
En una película de las características de Vieja loca existe una intención de articular conceptos cinematográficos del pasado; por un lado, sus referencias al terror clásico: caserón siniestro, tormenta nocturna y entornos claustrofóbicos y, por otro, su afiliación al hagsploitation, subgénero consistente en reciclar a veteranas actrices hollywoodienses en el ámbito del cine de terror, práctica habitual en el medio catódico norteamericano de los años 70 y 80, cuyo mejor ejemplo llevado al cine posiblemente sea What Ever Happened to Baby Jane? (1962).
Con Carmen Maura como homicida anciana con demencia senil, la película del argentino Martín Mauregui, que también evoca desde la distancia a Misery (1990) transita por un disfrutable terror geriátrico con inclinación al grand guignol, premisa que, alejada de dichas tonalidades grotescas, parece quedarse sin espacio a la hora de intentar expandir narrativas soterradas, como las referentes a oscuros abismos generacionales, la difusa percepción de la realidad o el acto de exorcizar un pasado violento.
Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Warner Bros. un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del esperado nuevo trabajo tras las cámaras de Alejandro G. Iñárritu titulado Digger. La película, una comedia excéntrica con Tom Cruise como protagonista absoluto, se estrenará comercialmente en Estados Unidos y España el próximo 2 de octubre.
Digger nos muestra como el hombre más poderoso del mundo se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que ha desatado acabe por destruir todo.
La película, con guion a cargo del propio Alejandro González Iñárritu junto a Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone y Sabina Berman, está protagonizada por Tom Cruise, Sandra Hüller, John Goodman, Riz Ahmed, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons, Sophie Wilde, Emma D’Arcy, Robert John Burke, Andreea Paduraru y Pip Torrens.
Aprovechando su estreno en Reino Unido el próximo18 de septiembre, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del film Bad Apples. Segundo largometraje de Jonatan Etzler que cuestiona el sistema educativo mediante la sátira, fijando su mirada en las limitaciones y la ética existentes en dicho ecosistema.
Bad Apples, que estuvo presente el pasado año en el Festival de San Sebastián dentro de la sección New Directors, nos muestra como Maria es una maestra de escuela primaria que hace todo lo posible para motivar a una clase de niños de 11 años, pero un estudiante particularmente rebelde y caótico obstaculiza sus objetivos. Con su carrera cuestionada, el comportamiento del niño va de mal en peor y su clase está fuera de control, Maria toma una serie de malas decisiones que la llevan a encerrar accidentalmente a esa manzana podrida en su casa.
La película, con guion a cargo Jess O’Kane, está protagonizada por Saoirse Ronan, Jacob Anderson, Eddie Waller, Nia Brown, Rakie Ayola, Robert Emms, Sean Gilder, Jack Ashton, Kerry Howard, Jaye Jacobs, Kirris Riviere, Reena Dusila y Joanna van Kampen.
El director y guionista Pascal Bonitzer recupera al mítico comisario en un elegante thriller de investigación protagonizado por Denis Podalydès.
El próximo 17 de julio llega en exclusiva a Filmin “Maigret y la muerte del embajador”, dirigida por Pascal Bonitzer, guionista habitual de cineastas como Raoul Peck y Jacques Rivette. Basada en la novela “Maigret y los ancianos”, editada en España por Ediciones B, la película adapta uno de los casos del célebre comisario creado por Georges Simenon y sitúa la acción en el siglo XXI.
Protagonizada por Denis Podalydès y Anne Alvaro, la investigación avanza a través de interrogatorios, testimonios y la paciente reconstrucción de los hechos, recuperando el espíritu del gran relato detectivesco clásico mientras entrelaza intereses políticos, secretos familiares y viejas historias de amor.
Sinopsis
Cuando un prestigioso embajador aparece brutalmente asesinado, el comisario Maigret es llamado de urgencia para desentrañar el misterio. Entre miles de cartas secretas y una apasionada correspondencia con una princesa cuyo marido acaba de morir, Maigret descubre un entramado de pasiones ocultas, silencios sospechosos y viejas rivalidades familiares. Cada pista abre una puerta a nuevas revelaciones… y nada es lo que parece.
Un nuevo Maigret para el siglo XXI
Creado por Georges Simenon, Jules Maigret es uno de los detectives más célebres de la literatura del siglo XX. Entre 1930 y 1972 protagonizó 75 novelas y 28 relatos, además de inspirar numerosas adaptaciones para cine y televisión con intérpretes como Pierre Renoir, Jean Gabin o Rowan Atkinson.
Para esta nueva versión, Pascal Bonitzer se enfrentó a un reto muy concreto: trasladar al siglo XXI un personaje profundamente ligado al siglo XX. “No me imagina a un Maigret con un teléfono móvil, trabajando en un ordenador y respondiendo a las redes sociales. Es absolutamente incompatible con el personaje”, explicaba el director en mundoplus.tv. Junto a Denis Podalydès buscó “darle una nueva vida, incluso una nueva apariencia” (mundoplus.tv), manteniendo intactas las cualidades que han convertido al comisario en un clásico: su paciencia, su capacidad de observación y su forma de comprender a quienes rodean el crimen.
Un detective de los de antes
Lejos de los thrillers dominados por la acción, “Maigret y la muerte del embajador” construye su investigación a través de interrogatorios, conversaciones y pequeños detalles. El comisario recompone pacientemente las relaciones entre víctimas, sospechosos y testigos, avanzando caso a caso mediante la observación y la intuición.
Bonitzer sitúa el retrato de los personajes en el centro de la investigación, dedicando especial atención a sus relaciones, motivaciones y contradicciones. Una aproximación sobria y contenida que conecta con la forma en que Georges Simenon concebía las historias de Maigret.
La visión del mundo de Carroll está dominada por el declive de la moralidad humana. Tras pisar un clavo oxidado, inicia un descenso a los infiernos donde luchará por la verdad, mientras intenta mantener su salud y cordura, cada vez más deterioradas. A medida que su cruzada moral se acerca a la autodestrucción, Carroll se hace la pregunta definitiva: ¿Estamos condenados o simplemente se está muriendo de tétanos?
Sobre trastornos y malestares de naturaleza bizarra trata la interesante Bagworm del debutante Oliver Bernsen, película que puede ser entendida como arriesgada a un nivel conceptual en lo concerniente a mostrarnos la oscura travesía de un personaje misántropo que, conforme avanza la trama, va cayendo en una espiral de decadencia moral y física.
La excusa alegórica, derivativa de lo weird con relación al doble significado del concepto parasitario, surge a causa del avance de una infección ocasionada al pisar accidentalmente un clavo oxidado. Se agradece que, en esta ocasión, el relato sobre la figura del perdedor se aleje de preceptos redentores y vaya más encaminado hacia una serie de coordenadas de humor cínico próximas a lo underground y que afronte con osadía una desquiciada parte final que nos remite de forma perversa a Fear and Loathing in Las Vegas (1998).
En el cine, las formas no son un simple envoltorio para el contenido, sino la materia donde verdaderamente laten su sentido y su ética. Este deslumbrante ensayo dialoga con las intuiciones de Jean-Luc Godard, André Bazin, Susan Sontag y Umberto Eco para adentrarse en los misterios de la creación fílmica a partir de estas premisas. Carlos F. Heredero, uno de los pensadores cinematográficos más lúcidos de nuestro país, nos regala el conocimiento destilado tras miles de horas frente a la pantalla y hace tangible aquella intuición gozosa al desentrañar los engranajes más sutiles de algunas películas memorables de la historia del cine y del cine contemporáneo.
A través del análisis de destellos y detalles reveladores en obras de Orson Welles y Martin Scorsese, pero también de Aki Kaurismäki, Víctor Erice, Sofia Coppola, Joanna Hogg, Céline Sciamma, Paul Thomas Anderson o Kelly Reichardt, el texto desgrana cómo la puesta en escena tiene siempre una dimensión ética y moral. Estas páginas configuran un manifiesto vivo, libre de pedantería y profundamente accesible para creadores, estudiantes y espectadores. Un libro que nos devuelve la capacidad de sentir a través del análisis formal, invitándonos a recuperar el hermoso arte de pensar con los ojos.
El autor
Carlos F. Heredero (Madrid, 1953). Historiador y crítico de cine. Es director editorial de la revista Caimán Cuadernos de Cine (antes Cahiers du cinéma. España). Profesor de Historia del Cine en la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y programador de los ciclos de cine de la Fundación Juan March, ha ejercido como crítico en Diario 16, Dirigido por, Cinemanía, Archivos de la Filmoteca y Nosferatu, entre otros medios, y es autor de numerosos ensayos, estudios historiográficos y monografías sobre diversos cineastas.
Autor: Carlos F. Heredero, Editorial: CATEDRA, Colección Signo e imagen; Páginas: 416
Tras Diamant noir (2016) y Onoda, 10.000 nuits dans la jungle (2021), el realizador francés Arthur Harari se adentra en el thriller psicológico con L’inconnue, adaptación de su propia novela gráfica cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, tras estar presente en el pasado Festival de Cannes, llegará a nuestro país de la mano de Filmin.
En L’inconnue, David Zimmerman, que se acerca a los 40, es fotógrafo, pero nadie lo sabe. Aunque casi nunca sale de casa, unos amigos lo arrastran a una fiesta desenfrenada. Allí, ve a una mujer entre la multitud, no puede apartar la vista de ella y la sigue… En la oscuridad de la noche, su vida da un giro dramático. David despierta… en el cuerpo de la mujer desconocida.
La película, con guion a cargo del propio Arthur Harari junto a Lucas Harari, está protagonizada por Léa Seydoux, Niels Schneider, Valérie Dréville, Lilith Grasmug, Radu Jude, Shanti Masud, Victoire Du Bois, Jonathan Turnbull, Alexandre Pallu y Victor Chakravarty.
-El autor de algunas de las bandas sonoras más emblemáticas del cine épico y fantástico participará en “La era de los imperios”, concierto de clausura del festival, el 22 de agosto en la Plaça de Bous d’Ondara.
-La octava edición del Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto y estará dedicada al cine épico e histórico. Tendrá lugar en las localidades de Ondara, Dénia, Calp/Calpe, Beniarbeig, Xàbia/Jávea y Pego, todas ellas situadas en la comarca alicantina de la Marina Alta, en la Comunidad Valenciana.
-Las entradas para los distintos conciertos de SONAFILM 8 están a la venta en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.sonafilm.es.
El compositor sudafricano Trevor Jones, nominado en varias ocasiones a los premios BAFTA y autor de algunas de las partituras más recordadas del cine épico, fantástico y de aventuras, como las de “El último mohicano” (1992), “Excalibur” (1981) o “Dentro del laberinto” (1986), asistirá a la octava edición de SONAFILM, Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta, que se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto en las localidades alicantinas de Ondara, Dénia, Calp/Calpe, Teulada Moraira, Beniarbeig, Xàbia/Jávea y Pego, todas ellas situadas en la comarca de la Marina Alta (Comunidad Valenciana). Jones participará como invitado especial en “La era de los imperios”, el concierto de clausura del certamen, que tendrá lugar el sábado 22 de agosto a las 23:00 horas en la Plaça de Bous d’Ondara, con la Universal Symphony Orchestra bajo la dirección de José Martínez Colomina.
“La era de los imperios” se articulará como un recorrido por distintas formas de épica cinematográfica, desde la antigüedad clásica y el mundo grecorromano hasta el Japón feudal, los viajes oceánicos del siglo XV, la leyenda artúrica y los territorios de frontera de Norteamérica. La primera parte del concierto reunirá músicas de “Ben-Hur”, “Troya”, “El último samurái” y “Gladiator”, con partituras de Miklós Rózsa, James Horner y Hans Zimmer.
La segunda parte ampliará ese viaje con “1492: la conquista del paraíso”, de Vangelis, antes de desembocar en dos obras fundamentales de Trevor Jones: “Excalibur” y “El último mohicano”. De este modo, la presencia del compositor sudafricano adquirirá un valor especialmente relevante dentro del concierto, al conectar directamente el repertorio de la clausura con dos de las bandas sonoras que mejor representan su capacidad para combinar emoción, aventura y espectacularidad sinfónica.
Trevor Jones, una carrera entre la épica, la fantasía y el cine popular
Nacido en Ciudad del Cabo en 1949, Trevor Jones desarrolló muy pronto una vocación ligada a la música para el cine. Tras formarse en Sudáfrica, se trasladó al Reino Unido, donde estudió en instituciones como la Royal Academy of Music, la Universidad de York y la National Film and Television School. Desde esa base académica y técnica fue construyendo una carrera marcada por la versatilidad, la ambición narrativa y una especial atención a la relación entre música e imagen.
Su gran irrupción internacional llegó a comienzos de los años 80 con “Excalibur” (1981), de John Boorman, una obra que ya anticipaba muchos de los rasgos que acabarían definiendo su personalidad como compositor, desde el sentido de la grandeza y la intensidad dramática hasta una poderosa capacidad para dotar de dimensión mítica a las imágenes. Poco después, su trabajo en “Cristal oscuro” (1982) confirmó su afinidad con los universos fantásticos y con una escritura musical capaz de combinar orquesta, texturas singulares y una fuerte carga evocadora.
Esa conexión con la fantasía continuó en “Dentro del laberinto” (1986), dirigida por Jim Henson y protagonizada por David Bowie, donde Jones firmó la partitura instrumental de una de las películas de culto más recordadas de los años 80. A lo largo de esa década, su filmografía se amplió también hacia registros más oscuros y adultos, con títulos como “El corazón del ángel” (1987) o “Arde Mississippi” (1988), que mostraron su habilidad para trabajar la tensión, el misterio y el drama desde enfoques muy distintos.
En 1992 llegó uno de los grandes hitos de su carrera con “El último mohicano”, de Michael Mann, cuya banda sonora, compuesta junto a Randy Edelman, se convirtió en una de las más populares e identificables del cine de aventuras contemporáneo. Su fuerza melódica, su impulso emocional y su capacidad para expresar paisaje, peligro y romanticismo la han convertido en una referencia para varias generaciones de espectadores y aficionados a la música de cine.
A lo largo de más de cinco décadas de trayectoria, Jones ha firmado música para más de 100 producciones de cine y televisión, con títulos como “En el nombre del padre” (1993), “Tocando El Viento” (1996), “Dark City” (1998), “Notting Hill” (1999), o “Desde el infierno” (2001). Su trabajo le ha valido varias nominaciones a los BAFTA y a los Globos de Oro, además del reconocimiento de instituciones internacionales dedicadas a la música cinematográfica, que lo sitúan como una de las figuras esenciales de la composición audiovisual contemporánea.
SONAFILM 8: la música de las grandes epopeyas cinematográficas
La octava edición de SONAFILM estará dedicada al cine épico e histórico, un género en el que la música ha desempeñado un papel esencial a la hora de construir grandeza, emoción y sentido de aventura. Según Javier Gil, director de SONAFILM, “esta edición nos permite celebrar una de las grandes virtudes de la música de cine, que es su capacidad para transformar una imagen en leyenda. En el cine épico e histórico, la partitura construye grandeza, emoción y memoria, y Trevor Jones es uno de los compositores que mejor ha sabido trabajar ese territorio”.
El festival ofrecerá hasta ocho conciertos de distintos estilos relacionados con el audiovisual, además de actividades paralelas de carácter didáctico.
La organización agradece la colaboración de todas las empresas, entidades y municipios participantes que hacen posible la celebración de SONAFILM, consolidado como uno de los grandes festivales de música de cine del país.
Aprovechando su estreno en Francia el próximo mes de octubre, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Andrey Zvyagintsev titulado Minotaur. Tras ganar el Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes, la película, una libre adaptación de La Femme infidèle (Claude Chabrol, 1969), llegará a los cines de nuestro país de la mano de Elástica Films el próximo 22 de enero de 2027.
Minotaur nos sitúa en la Rusia de 2022. Gleb, un exitoso hombre de negocios, se ve acosado por las crecientes presiones empresariales y por un mundo cada vez más inestable. Su vida, tan cuidadosamente ordenada, amenaza con desmoronarse y arrastrarle al colapso emocional y moral.
La película, con guion a cargo del propio Andrey Zvyagintsev junto a Simon Lyashenko, está protagonizada por Dmitriy Mazurov, Iris Lebedeva, Varvara Shmykova, Juris Zagars, Anton Lytvynov, Vladimir Friedman, Yuriy Zavalnyouk, Rudgy Pajany y Alex Sinos.
· El Mercado de Cine Independiente se celebrará en el marco de Seminci del 28 al 30 de octubre de 2026.
· Organizado por Seminci y ADICINE, MERCI ha incrementado un 58% su participación profesional desde sus inicios, alcanzado en 2025 su edición de mayor dimensión hasta la fecha.
El Mercado de Cine Independiente MERCI, organizado por Seminci y la Asociación de Distribuidores Independientes Cinematográficos (ADICINE), celebrará su sexta edición entre los días 28 y 30 de octubre de 2026 en Valladolid. La iniciativa cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura y la colaboración de Comscore, ECAM Industria y Sociograph.
Consolidado como uno de los espacios de referencia en España para el cine independiente, MERCI impulsa la circulación y visibilidad de las películas, favoreciendo el encuentro entre distribuidores, exhibidores, programadores, televisiones y plataformas. Desde su creación, se ha convertido en un espacio estratégico para fortalecer la presencia del cine independiente en las salas y ampliar sus oportunidades de difusión y acceso al público.
En las últimas ediciones, MERCI ha incrementado un 58 % su participación profesional y en 2025 alcanzó su edición de mayor dimensión hasta la fecha, con 190 profesionales acreditados, la participación de las 20 distribuidoras integradas en ADICINE y una programación de 27 películas en 54 pases. Este crecimiento le ha valido también el reconocimiento del sector, como demuestra la Mención Especial FECE recibida en 2024 por su contribución al fortalecimiento de la exhibición cinematográfica.
El mercado rendirá homenaje a José Luis Cienfuegos, quien dirigió Seminci entre 2023 y 2025 y desempeñó un papel decisivo en el impulso y consolidación de MERCI desde sus inicios. Su compromiso con el cine independiente, su apoyo a la diversidad cinematográfica y su manera única de facilitar espacios de encuentro para los profesionales del sector fueron fundamentales para el crecimiento de una iniciativa que hoy ocupa un lugar destacado dentro de la industria cinematográfica española.
En su recuerdo y para dar continuidad al legado que dejó, el hasta ahora Premio MERCI a la trayectoria profesional que distingue la aportación de figuras clave al desarrollo y fortalecimiento del cine independiente, pasará a llamarse Premio José Luis Cienfuegos.
Tras aquel cuento de sirenas perverso titulado The Lure (2015), la realizadora de origen polaco Agnieszka Smoczyńska reincide en el género fantástico con la cinta futurista Hot Spot, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, aún sin fecha de estreno en nuestro país, llegará de la mano de Focus Features a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 21 de agosto de 2026.
Hot Spot nos sitúa en una sociedad de un futuro próximo gobernada por una inteligencia artificial consciente, un detective privado investiga un caso de asesinato y descubre un grupo rebelde capaz de socavar el dominio digital. A medida que la identidad del detective se va desvelando poco a poco, su mundo entra en un estado de colapso hipnótico.
La película, con guion a cargo de Robert Bolesto, está protagonizada por Noomi Rapace, Andrzej Konopka, Reika Kirishima, Filippa Kaye, Ektor Liatsos, Rasmi Tsopela, George Aurimas Cris, Niki Sereti, Eleni Tzangka, Katerina Rousiaki, Chatzipavlidou Despoina, Eleni Likoudi y Thanasis Barkas.
El próximo 24 de julio arranca en Filmin la 16ª edición de Atlàntida Mallorca Film Fest, el mayor festival de cine online de Europa, que se celebra en paralelo a su edición presencial en Palma. Hasta el 24 de agosto, los suscriptores de Filmin podrán descubrir 91 títulos, 65 de ellos inéditos en España, repartidos entre siete nuevas secciones temáticas, una Sección Oficial, dos grandes retrospectivas y una programación que reúne algunas de las voces más relevantes del cine contemporáneo.
Cineastas como Radu Jude, Abdellatif Kechiche, Nadav Lapid, Valérie Donzelli, Joachim Lafosse, Claire Simon o Theo Angelopoulos conviven con algunas de las películas más celebradas del último año en festivales como Cannes, Berlín, Venecia, Sundance o San Sebastián, consolidando una edición especialmente diversa, con propuestas que van del cine político al documental, de la animación al thriller, del cine de autor a historias pensadas para un público más amplio.
“Hemos buscado películas que interpelen a varias generaciones”, explica Joan Sala, responsable editorial de Atlàntida Mallorca Film Fest. “Con esta nueva Sección Oficial queremos ampliar el público del festival de una forma transversal, apostando por un cine contemporáneo que combine riesgo artístico con capacidad para conectar con espectadores muy distintos”.
RAW, la nueva Sección Oficial
La nueva Sección Oficial de Atlàntida Mallorca Film Fest reúne catorce películas (entre las cuales se incluyen cuatro estrenos nacionales) que han marcado el último curso festivalero y que representan algunas de las voces más estimulantes del cine contemporáneo.
Entre ellas destaca “Yes!”, el nuevo trabajo del cineasta israelí Nadav Lapid, una de las propuestas más radicales y provocadoras del año. El director se situó recientemente en el centro del debate internacional tras renunciar a formar parte del jurado del FIDMarseille después de recibir un boicot por su nacionalidad israelí, pese a su conocida posición disidente con el Gobierno de Israel. La decisión motivó una carta de apoyo firmada por más de 350 personalidades del cine, entre ellas Natalie Portman, Justine Triet y Jacques Audiard, que defendieron su trayectoria y definieron el boicot como un “fracaso intelectual”.
También formará parte de RAW “Seis días de primavera” (“Six Days in Spring”), de Joachim Lafosse, ganadora de tres premios en el Festival de San Sebastián; “Si me voy, ¿me echarán de menos?” (“If I Go Will They Miss Me”), una de las grandes revelaciones de Sundance; “Kingdom”, triunfadora del Festival D’A, que retrata el auge de la extrema derecha a través de un grupo de jóvenes radicalizados; y “Un secuestro familiar” (“Feels Like Home”), galardonada en Sitges con el Méliès de Plata a la mejor película fantástica europea por su inquietante propuesta, que ha sido comparada con el cine primigenio de Yorgos Lanthimos y Michael Haneke.
La sección incluirá además “Julian”, producida por Lukas Dhont; “Tell Everyone”, la nueva película de la directora de “Girl Picture”, que regresa al festival tras su anterior paso por Atlàntida; “H de Halcón” (“H Is for Hawk”), adaptación del celebrado libro de memorias homónimo protagonizada por Claire Foy y Brendan Gleeson; “Destiny, dile que no soy malo” (“Mad Bills to Pay”), un luminoso retrato sobre un embarazo adolescente premiado en el Festival de Sundance; “Wild Foxes”, aclamado drama francés ambientado en los exigentes internados deportivos de élite; “Nomad Shadow”, ópera prima con coproducción catalana que aborda la realidad de una joven marroquí sin papeles tras ser deportada; “Idiotka”, fenómeno presentado en South by Southwest y protagonizado por Anna Baryshnikov (“Sangre en los labios”), con cameos de Julia Fox y Camila Mendes; “Egghead Republic”, un thriller distópico protagonizado por un ‘pelotón’ de la revista Vice que imagina un mundo alucinado donde la Guerra Fría nunca terminó; y «Una segunda vida» (“A Second Life”), protagonizada por Agathe Rousselle (“Titane”), ambientada durante los Juegos Olímpicos de París.
Las películas de la Sección Oficial RAW competirán por un premio de 10.000 euros concedido por un jurado de la Associació Catalana de l’Escriptura i la Crítica Cinematogràfica (ACCEC). La película vencedora se incorporará posteriormente al catálogo de Filmin.
Fuera de competición podrá verse también “Mektoub, My Love: Canto Uno”, el esperado regreso de Abdellatif Kechiche. Presentada en el Festival de Cannes, la película permanecía inédita en España desde su estreno en 2017. Además, la edición presencial de Atlàntida Mallorca Film Fest acogerá el estreno de “Mektoub, My Love: Canto Dos”, ofreciendo al público la oportunidad de descubrir las dos primeras entregas de la trilogía.
Títulos de la Sección Oficial RAW:
“Tell Everyone”, de Alli Haapasalo (Estreno en España). – 24 de julio “Julian”, de Cato Kusters. – 24 de julio “Yes!”, de Nadav Lapid. – 24 de julio “Idiotka”, de Nastasya Popov (Estreno en España). – 24 de julio “H de Halcón” (“H Is for Hawk”), de Philippa Lowthorpe (Estreno en España). – 24 de julio “Si me voy, ¿me echarán de menos?” (“If I Go Will They Miss Me”), de Walter Thompson-Hernández. – 24 de julio “Egghead Republic”, de Pella Kågerman y Hugo Lilja (Estreno en España). – 24 de julio “Kingdom”, de Michał Ciechomski. – 24 de julio “Seis días de primavera” (“Six Days in Spring”), de Joachim Lafosse. – 24 de julio «Una segunda vida» (“A Second Life”), de Laurent Slama. – 24 de julio “Wild Foxes”, de Valéry Carnoy. – 24 de julio “Destiny, dile que no soy malo” (“Mad Bills to Pay”), de Joel Alfonso Vargas. – 24 de julio “Un secuestro familiar” (“Feels Like Home”), de Gábor Holtai. – 24 de julio “Nomad Shadow”, de Mehdi Hmili. – 24 de julio “Mektoub, My Love: Canto Uno”, de Abdellatif Kechiche. – 31 de julio
Trends, las nuevas identidades
La sección Trends reunirá algunas de las propuestas más arriesgadas y estimulantes del panorama contemporáneo, con películas y series que exploran las nuevas formas de entender la identidad, el deseo o las relaciones en la era digital. Entre ellas destaca el estreno en España de “Truly Naked”, presentada en el Festival de Berlín, un coming of age que reflexiona sobre la masculinidad contemporánea y la influencia de la pornografía en la educación sentimental de los hombres. También podrá verse “Lady”, un irreverente falso documental protagonizado por Sian Clifford (“Fleabag”), que da vida a una excéntrica aristócrata británica; “Blue Film”, una de las películas más controvertidas del año por su aproximación al consentimiento y las dinámicas de poder, comparada con una versión contemporánea de “Hard Candy”; y la serie documental “La vida real” (“La vraie vie”), que se adentra en el universo de los servidores de videojuegos para retratar cómo las comunidades virtuales se han convertido en espacios donde miles de jóvenes construyen amistades, identidades y nuevas formas de relacionarse.
También podrá verse “Castration Movie”, un auténtico fenómeno de internet convertido en una de las joyas ocultas de 2025 para la comunidad de Letterboxd. Filmada en MiniDV y estructurada como una antología, la película retrata la experiencia trans y la vida de una generación nacida en los foros de internet con una libertad formal pocas veces vista.
La selección se completa con “Departures”, una luminosa historia de amor queer que combina descaro, humor y emoción; “Fwends”, un retrato generacional sobre la amistad femenina y las incertidumbres de la vida adulta ambientado durante un fin de semana en Melbourne; “Sexo en la ciudad” (“Baise en ville”), una comedia romántica francesa tan caótica como tierna sobre un joven que intenta rehacer su vida mientras busca trabajo; y “Una infancia en Lesotho” (“Ancestral Visions of the Future”), la nueva obra del cineasta Lemohang Jeremiah Mosese, un inclasificable híbrido entre documental, ficción y ensayo autobiográfico que reflexiona sobre el exilio, la memoria y la identidad a través de imágenes de gran fuerza poética.
Títulos de la sección Trends:
“Truly Naked”, de Muriel D’Ansembourg (Estreno en España). – 14 de agosto “Lady”, de Samuel Abrahams. – 7 de agosto “Blue Film”, de Elliot Tuttle (Estreno en España). – 21 de agosto “La vida real” (“La vraie vie”), serie documental de Ekiem Barbier y Guilhem Causse (Estreno en España). – 24 de julio “Castration Movie”, de Louise Weard. – 24 de julio “Departures”, de Lloyd Eyre-Morgan y Neil Ely (Estreno en España). – 24 de julio “Fwends”, de Sophie Somerville. – 24 de julio “Sexo en la ciudad” (“Baise en ville”), de Martin Jauvat (Estreno en España). – 24 de julio “Una infancia en Lesotho” (“Ancestral Visions of the Future”), de Lemohang Jeremiah Mosese. – 31 de julio
Rebels, los inclasificables
La sección Rebels será el refugio del cine más libre, radical e inclasificable del festival. Entre sus títulos destaca “I Love Peru”, un delirante falso documental presentado en Cannes y protagonizado por el explosivo Raphaël Quenard; “Rose of Nevada”, la nueva película de Mark Jenkin, protagonizada por George MacKay y Callum Turner, un misterioso relato de ciencia ficción ambientado en un pueblo pesquero de Cornualles; “Eephus”, una entrañable comedia sobre un interminable partido de béisbol convertida en una reflexión sobre el paso del tiempo; “La apuesta de Buffalo Bill” (“Head or Tails?”), un western protagonizado por John C. Reilly que revisita el mito de Buffalo Bill desde una mirada contemporánea; y “Memory of Princess Mumbi”, película de clausura de Atlàntida online, una historia de amor entre dos jóvenes cinéfilos africanos que recurren a la inteligencia artificial para hacer posible el cine que sueñan.
La sección se completa con tres de las propuestas más extremas de la programación. “Drácula”, del rumano Radu Jude, reinventa el mito del vampiro desde una perspectiva radicalmente humana y política; «Hoja seca» (“Dry Leaf”), la nueva película de Alexandre Koberidze, director de “¿Qué vemos cuando miramos al cielo?”, rodada deliberadamente con estética de cámara doméstica para explorar nuevas formas de representación; y “La risa y la navaja”, del portugués Pedro Pinho, una fábula tan mordaz como divertida sobre el legado del colonialismo europeo en África a través de la historia de un ingeniero de carreteras.
Títulos de la sección Rebels:
“I Love Peru”, de Raphaël Quenard y Hugo David (Estreno en España). – 24 de julio “Rose of Nevada”, de Mark Jenkin. – 7 de agosto “Eephus”, de Carson Lund. – 24 de julio “La apuesta de Buffalo Bill” (“Head or Tails?”), de Alessio Rigo de Righi y Matteo Zoppis. – 24 de julio “Memory of Princess Mumbi”, de Damien Hauser. – 21 de agosto “Drácula”, de Radu Jude. – 24 de julio «Hoja seca» (“Dry Leaf”), de Alexandre Koberidze. – 24 de julio “La risa y la navaja”, de Pedro Pinho. – 24 de julio
Echoes, la memoria como espejo
Pensada para un público amplio, Echoes reúne algunas de las películas, documentales y series más accesibles y emocionantes de la programación, todas ellas con una misma voluntad: mirar al pasado para comprender el presente. Entre los títulos de ficción destacan los estrenos en España de “La ilusión de Garibaldi” (“The Illusion”), protagonizada por Toni Servillo; “El secuestro de un presidente” (“The Kidnapping of a President”), una comedia absurda inspirada en un insólito episodio real de la historia política europea; “La desaparición de Mengele”, una ficción que arroja nueva luz sobre la huida y los años de clandestinidad del médico nazi Josef Mengele; y “Straight Circle”, ganadora de dos premios en la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, una fábula sobre dos soldados de ejércitos enfrentados cuya carga humanista dialoga con la actualidad geopolítica.
La memoria histórica ocupa también un lugar central en la sección con “Atlas de la desaparición”, un impactante trabajo de investigación que indaga en las huellas del franquismo a través del Valle de los Caídos, y “Los cangrejos”, un íntimo ejercicio autobiográfico en el que su director reconstruye la memoria de su abuelo y de toda una generación.
El recorrido por Echoes culmina con dos grandes series documentales de producción europea: “Los juicios de Yugoslavia” (“A War on Trial”), que reconstruye el histórico proceso judicial contra los responsables de las guerras de los Balcanes cuando se cumplen veinticinco años del inicio del conflicto; y “Terror en la embajada” (“Terror på Ambassaden”), centrada en el atentado contra la delegación israelí durante los Juegos Olímpicos de Múnich y sus consecuencias diplomáticas.
Títulos de la sección Echoes:
“La ilusión de Garibaldi” (“The Illusion”), de Susanna Nicchiarelli (Estreno en España). – 24 de julio “El secuestro de un presidente” (“The Kidnapping of a President”), de Samuli Valkama (Estreno en España). – 24 de julio “La desaparición de Mengele”, de Kirill Serebrennikov. – 28 de agosto “Straight Circle”, de Oscar Hudson. – 21 de agosto “Atlas de la desaparición”, de Manuel Correa. – 24 de julio “Los cangrejos”, de Rubén Seca. – 24 de julio “Los juicios de Yugoslavia” (“A War on Trial”), serie documental de Lucio Mollica. – 24 de julio “Terror en la embajada” (“Terror på Ambassaden”), serie documental de Johanna Becker, Johannes Preuss y Judith Taureck. – 24 de julio
Domestic, historias íntimas
Las historias más íntimas y cotidianas encuentran su espacio en Domestic, una sección dedicada a los dramas familiares, los retratos de personajes y los thrillers de proximidad. Entre sus títulos destacan “Por la mañana escribo” (“At Work”), la nueva película de Valérie Donzelli, ganadora de la Osella de Oro al mejor guión en el Festival de Venecia; “Islands”, un thriller estival protagonizado por Sam Riley en el que la misteriosa desaparición de un padre de familia altera unas vacaciones aparentemente idílicas; “La mujer de” (“La Femme de”), un elegante thriller burgués heredero del cine de Claude Chabrol; y “Made in EU”, del cineasta búlgaro Stephan Komandarev, un thriller social que aborda las contradicciones de la Europa contemporánea.
La representación española llegará de la mano de “Así llegó la noche”, una de las películas nacionales mejor recibidas del año, que sigue el regreso de un escultor a su pueblo natal en busca de un reencuentro consigo mismo. La sección incorpora también el documental “Memory”, considerado uno de los documentales europeos más celebrados del último año, en el que su directora reconstruye su infancia en una casa situada en la frontera entre Ucrania y Rusia, convirtiendo la memoria familiar en un reflejo de las fracturas de Europa.
Títulos de la sección Domestic:
“Por la mañana escribo” (“At Work”), de Valérie Donzelli. – 2 de agosto “Islands”, de Jan-Ole Gerster. – 24 de julio “La mujer de” (“La Femme de”), de David Roux. – 24 de julio “Made in EU”, de Stephan Komandarev. – 24 de julio “Así llegó la noche”, de Ángel Santos. – 24 de julio “Memory”, de Vladlena Sandu. – 24 de julio
Earth, cine que abraza la Tierra
La relación entre el ser humano y la naturaleza vertebra la sección Earth, un recorrido por historias que encuentran en el paisaje, los animales y el mundo rural una forma de reflexionar sobre nuestra manera de habitar el planeta. Entre sus títulos destaca “La gallina” (“Hen”), una singular fábula protagonizada por una gallina que se pierde y emprende un inesperado viaje; “La Odisea de Dandellion” (“Dandelion’s Odyssey”), una deslumbrante película de animación sin diálogos presentada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes que llegará al festival como estreno en España; y “Juana de Arco”, el nuevo trabajo de Hlynur Pálmason, presentado en Zabaltegi y complemento perfecto de “El amor que permanece”, que llegará a los cines españoles el próximo 7 de agosto de la mano de Elastica.
La sección reúne también algunas de las miradas más sensibles del cine reciente hacia el entorno natural. Es el caso de “Loco por la naturaleza” (“Better Go Mad in the Wild”), ganadora del Globo de Cristal en el Festival de Karlovy Vary; “Folktales”, un emotivo documental sobre una escuela de formación en plena naturaleza que reivindica el aprendizaje a través de la experiencia; y “El huerto de Agatha” (“Agatha’s Almanac”), delicado retrato en 16 mm de una anciana que dedica sus días al cuidado de su huerto y a preservar un modo de vida cada vez más excepcional.
Títulos de la sección Earth:
“La gallina” (“Hen”), de György Pálfi. – 24 de julio “La Odisea de Dandellion” (“Dandelion’s Odyssey”), de Momoko Seto (Estreno en España). – 24 de julio “Juana de Arco”, de Hlynur Pálmason. – 24 de julio “Loco por la naturaleza” (“Better Go Mad in the Wild”), de Miro Remo. – 24 de julio “Folktales”, de Rachel Grady y Heidi Ewing. – 24 de julio “El huerto de Agatha” (“Agatha’s Almanac”), de Amalie Atkins (Estreno en España). – 24 de julio
Arts, el impulso creador
La sección Arts, ya mítica en el certamen, reúne películas que exploran la creación artística, el patrimonio cultural y las vidas de quienes han dedicado su existencia al arte. La programación incluye “Annie Ernaux en la escuela”, el nuevo documental de la prestigiosa cineasta Claire Simon, que explora cómo la obra de la celebrada escritora francesa es leída, entendida y analizada en las escuelas secundarias francesas; “Siri Hustvedt (Dance Around the Self)”, un íntimo retrato de una de las grandes voces de la literatura contemporánea dirigido por Sabine Lidl, que recorre su trayectoria creativa y su relación personal y artística con Paul Auster; “Ruffini, el falsificador” (“An Artful Imbroglio”), una apasionante serie documental sobre uno de los mayores escándalos del mercado internacional del arte; y “Kokuho: El maestro del Kabuki”, una ambiciosa producción de época ambientada en el universo del teatro kabuki que se ha convertido en uno de los grandes fenómenos del cine japonés reciente y que fue nominada al Óscar al mejor maquillaje y peluquería.
Títulos de la sección Arts:
“Annie Ernaux en la escuela”, de Claire Simon.- 14 de agosto “Siri Hustvedt (Dance Around the Self)”, de Sabine Lidl. – 24 de julio “Ruffini, el falsificador” (“An Artful Imbroglio”), serie documental de Giacomo Minoia. – 7 de agosto “Kokuho: El maestro del Kabuki”, de Lee Sang-il. – 7 de agosto
Retrospectivas: Bertrand Mandico y Theo Angelopoulos
La programación online de Atlàntida Mallorca Film Fest se completa este año con dos grandes retrospectivas: una consagrada al imaginario del francés Bertrand Mandico y otra a la obra completa de Theo Angelopoulos, figura capital del cine europeo del siglo XX.
La primera estará dedicada a Bertrand Mandico (1971), uno de los cineastas más singulares e inclasificables de su generación. Antes de deslumbrar con largometrajes como “Los chicos salvajes”, “After Blue” o “Conann”, Mandico se dio a conocer gracias a una extensa obra de cortometrajes que lo convirtió en una figura de culto del cine fantástico y experimental. Su universo, de una potencia visual arrolladora, mezcla surrealismo, erotismo, ciencia ficción y fantasía, desdibujando constantemente las fronteras entre los géneros, los cuerpos y las identidades. La retrospectiva permitirá descubrir tanto sus primeros trabajos como algunas de las piezas que han convertido su imaginario en uno de los más reconocibles del cine europeo reciente.
La segunda recuperará la obra completa de Theo Angelopoulos (1935-2012) en nuevas restauraciones en 4K y 2K. Ganador de la Palma de Oro de Cannes por “La eternidad y un día”, el director griego convirtió el exilio, la memoria, las fronteras y la historia reciente de Europa en el corazón de una filmografía tan política como profundamente poética. A través de sus célebres planos secuencia y puestas en escena, Angelopoulos construyó un lenguaje cinematográfico inconfundible cuya influencia sigue siendo palpable en buena parte del cine de autor contemporáneo. Desde “Paisaje en la niebla” hasta “La mirada de Ulises”, su obra permanece como uno de los grandes legados del cine europeo.
Desde Portugal: Las revoluciones cortas
Después del éxito de la tercera edición de Revoluções Curtas en Filmin Portugal, el certamen que celebra el mundo del cortometraje portugués, llegan a Atlàntida Mallorca Film Fest online sus cuatro ganadores, «Quando M’Eu For Desta Terra», «Francisco Perdido», «Nuno» y «Não São Águas Passadas». Revoluções Curtas cree en un cine libre, alejado del ruido en el que vivimos, como bien demuestran estos cuatro cortometrajes que nos hablan de amores de juventud, lo extraordinario de lo cotidiano, pero también del peso de la memoria histórica y el pasado colonial de Portugal.
Coincidiendo con el estreno del documental Landa (Gracia Querejeta y Miguel Olid, 2026) se recuperan las memorias de Alfredo Landa, brillantemente escritas por Marcos Ordóñez, que desgraciadamente estaban descatalogadas desde hacía mucho tiempo La reedición de Alfredo el Grande y el documental llegan justamente 50 años después del rodaje de El puente, la película de Juan Antonio Bardem, que cambió por completo su trayectoria y dos décadas desde su última actuación, en Luz de domingo, de José Luis Garci.
Tras las miniseries Too Old to Die Young (20199 y Copenhagen Cowboy (2023), y diez años después de su última incursión en ámbito cinematográfico con The Neon Demon (2026), Nicolas Winding Refn tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Her Private Hell, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Tras su estreno mundial en el pasado Festival de Cannes, la película se estrenará comercialmente en los Estados Unidos el próximo 24 de julio, en España de la mano de Mubi llegará a los cines el 23 de octubre con el título Su Propio Infierno.
En Her Private Hell vemos como a través de una misteriosa niebla que envuelve una metrópolis futurista, una atormentada joven se lanza a la búsqueda de su padre. Su búsqueda se cruza con la de un soldado estadounidense inmerso en una angustiosa odisea para rescatar a su hija del infierno.
La película, con guion a cargo del propio Nicolas Winding Refn junto a Esti Giordani, está protagonizada por Sophie Thatcher, Charles Melton, Havana Rose Liu, Kristine Froseth, Diego Calva, Shioli Kutsuna, Aoi Yamada, Hidetoshi Nishijima, Parker Sawyers, Lola Winding Refn, Boy Ewald y Jason Hendil-Forssell.
«Un gran poder conlleva una gran responsabilidad», pero ¿y si la heroína es solo una gallina? Escapando de una granja de pollos, la gallina encuentra refugio en el patio de un restaurante que se cae a pedazos. Allí descubre el amor, se enfrenta al orden jerárquico y lucha para proteger sus huevos de un dueño codicioso. Su divertida pero conmovedora búsqueda de la maternidad refleja las complejas concesiones y las luchas silenciosas de las vidas humanas.
La mirada animal al mundo humano y la colisión que se produce entre ambos imaginarios esta muy presente en Kota de György Pálfi, autor que hace unos años se dio a conocer con trabajos de una clara vocación transgresora con tendencia a lo grotesco: Taxidermia (2006) o Final Cut: Ladies and Gentlemen (2012). Curiosamente, en Kota, el realizador húngaro ofrece su película más lineal a nivel narrativo, relatando las peripecias de una gallina que, al igual que hizo Jerzy Skolimowski en EO, equipara su mirada subjetiva con la del espectador.
A partir de dicha premisa, situada a medio camino entre la comedia y el drama, las metáforas sobre la gran tragedia humana son tan variadas como en ocasiones previsibles, por ejemplo, equiparar el tráfico de inmigrantes con el encarcelamiento animal o el instinto maternal de la gallina en contraposición con las relaciones decadentes entre los seres humanos. Posiblemente, la gran valía de la película de György Pálfi resida en poder comprobar cómo el cine sigue siendo un medio eficaz a la hora de contemplar el mundo a través de un prisma distinto.
La editorial Hermenaute, dentro de su colección Mikro, y la Semana de Terror repiten colaboración con la publicación este año del libro El cuerpo como abismo. Exploración sobre el body horror cinematográfico, dedicado a este subgénero tan de actualidad y escrito por el periodista e historiador cinematográfico Antonio José Navarro.
“Somos un cuerpo. No tenemos un cuerpo, esa reconfortante ficción cartesiana que dos milenios de metafísica occidental han intentado sostener con escasa fortuna. Somos ese organismo que suda, sangra, enferma, envejece y que, en algún momento terrible, puede mutar, rebelarse contra nosotros. La frontera entre el yo y la carne es una ilusión, una fantasía, y cuando la carne falla, el yo se va con ella sin apenas dejar rastro. El cine de terror de body horror, desde Vinieron de dentro de… (1975) hastaLa sustancia (2024), ha comprendido esta verdad con una lucidez que ningún otro arte ha alcanzado: sin anestesias, sin moralismos.
Una forma de cine físico y perturbador que arrancó con David Cronenberg y John Carpenter, y que ha sido prolongada con furia visceral por Brian Yuzna, Frank Henenlotter y Clive Barker, y llevada a sus consecuencias más radicales por Julia Ducournau, Tom Six o Coralie Fargeat. A través de su obra y la de otros realizadores no menos inquietantes, este ensayo examina ese vasto corpus fílmico como síntoma: la abyección y la metamorfosis monstruosa, la fabricación científica y biopolítica del cuerpo, su invasión parasitaria, la disolución del yo”.
Antonio José Navarro
Samantha Hudson protagoniza el cartel de la Semana de Terror 2026
La cantante Samantha Hudson convertida en una criatura marina mutante es la protagonista del cartel oficial de la Semana de Terror de 2026 (30 octubre – 6 noviembre), una edición que estará atravesada desde su propia imagen por el leitmotiv del subgénero del body horror.
El póster oficial de la Semana quiere hacer un guiño al festival donostiarra Cimasub (Ciclo Internacional de Cine Submarino), que celebrará su 50º aniversario entre el 12 y el 14 de noviembre en el Teatro Principal, siete días después de acabar la Semana de Terror. La programación de esta tendrá alguna referencia más al Cimasub.
Cantante, compositora, productora, guionista y actriz, Samantha Hudson es una de las figuras más emblemáticas de la contracultura contemporánea, categoría que ha alcanzado gracias a un discurso crítico y vanguardista y a una trayectoria musical que juega con los paradigmas del género y la libertad de expresión que tiene su fuerte en sus impactantes espectáculos en vivo. Hudson es uno de los grandes fenómenos pop de la actualidad y un referente para la Generación Z, ha emergido del panorama queer más underground y ha conquistado los circuitos más estandarizados a golpe de melodías pegadizas, letras descaradas y una visión crítica que desafía y transgrede el orden establecido.
Ha publicado discos como Liquidación total (2021), AOVE Black Label (2023) o Música para muñecas (2025), protagoniza giras de gran éxito y suma multitud de premios, como el MTV EMA 2023 a Mejor Artista Española o el Reconocimiento Arcoíris 2022 del Ministerio de Igualdad por su labor en favor del colectivo LGTBIQ+.
La coordinación de la fotografía ha sido de Pedro Mambrú. La foto ha sido realizada por Javier Bermejo y Chus Feijóo. El maquillaje ha sido creado por ND Studio FX y los efectos especiales son obra de Alive VFX & Design. El diseño del cartel lo ha realizado Ytantos.
La Semana de Terror organizará la exposición “Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios”
La exposición Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios, perteneciente a la programación de la 37ª Semana de Cine Fantástico y de Terror, estará abierta entre el 30 de octubre y el 15 de noviembre en la Sala de Actividades de la Biblioteca Central (c/San Jerónimo).
Adéntrate en el mundo sobrenatural japonés a través del trabajo de Fuego Fatuo Art. En la exposición Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios realizaremos un viaje por el folclore japonés a través de más de 20 esculturas y fotografías de yōkai, monstruos y seres sobrenaturales que pueblan el arte, la literatura y la tradición oral de Japón, de la mano del artista Álvaro Herranz, creador de Fuego Fatuo Art. Con la colaboración de la Fundación Japón, Madrid.
Nueve años después de Tombstone-Rashomon (2017), el veterano Alex Cox regresa a la dirección y al western con Dead Souls, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, una fábula fronteriza sobre la codicia estadounidense, es una adaptación libre de la novela homónima de 1842 a cargo de Nikolai Gogol.
En 1890, el año del censo estadounidense, estalla el caos cuando un hombre llamado Strindler llega a un pueblo de Arizona y pide dinero por proporcionar los nombres de los jornaleros mexicanos muertos.
La película, con guion adaptado a cargo de Alex Cox junto a Gianni Garko, está protagonizada por Zander Schloss, Merritt Crocker, Maria Robles, Eric Schumacher, Brendan Guy Murphy, Ted Falagan, Ed Pansullo, Dick Rude, Karen E. Wright, Felix Cetera, Gus Cetera, Sarah Vista y el propio Alex Cox.
Sala 1 y Sala de verano, julio-agosto | Filmoteca Española
A mediados del siglo pasado, las fuerzas del mal abandonaron las sombras y la humedad de los castillos centroeuropeos para extenderse bajo una luz que les permitía ampliar y actualizar su campo de batalla. En este nuevo contexto estival y chic, las mansiones polvorientas y las telarañas fueron sustituidas por villas de lujo, piscinas celestes, yates y horizontes deslumbrantes que, tras una imagen de postal, escondían jaulas de cristal donde la perversión, el deseo y la angustia existencial se fundían.
Los viejos tropos del cine gótico se iban de turismo, pero no se tratabasolo de una mudanza geográfica o de un cambio de vestuario. Tomaba forma un subgénero con su propia metafísica meridional, apoyada en códigos renovados tan afines a las plazas vacías de Giorgio de Chirico como a las fotografías de Bernard Plossu o a las siestas de la cuchara de Dalí. La inquietud ya no partía de la oscuridad sino exactamente de lo contrario: una claridad excesiva que, en lugar de esclarecer, enturbia y provoca una especie de amnesia. Es este desvío —el sol como agente de extrañamiento y no de revelación— el que opera en todas las películas de este ciclo.
La etiqueta no es caprichosa: llega inspirada por el concepto de Gótico Tropical que Carlos Mayolo y Luis Ospina formularon en los setenta para catalogar un cine colombiano que hacía suyas las obsesiones del gótico clásico —el horror, la podredumbre, el deseo y la muerte— situándolas en el trópico húmedo en lugar de los parajes brumosos. En el Mediterráneo, el mecanismo es análogo pero el clima contiene otras peculiares características. El tiempo se estira y se vuelve lánguido, como el sol del verano que nunca termina y se torna amenaza. Las motivaciones de los personajes se enrarecen, perdiendo la claridad moral del gótico victoriano. Los roles de género se desestabilizan y abrazan una ambigüedad que se ya presume queer. La herencia y la memoria pierden su certeza: el pasado mediterráneo es tan antiguo, tan mitológico, que ya no aplasta sino que hipnotiza como un sueño que no se sabe del todo si es propio o compartido.
La piedra angular de todo esto es Méditerranée(Jean-Daniel Pollet, 1963), que funciona como un códice secreto para desentrañar el significado del sueño. Pollet nos invita a un viaje entre ruinas desérticas, banquetes de bodas griegas, corridas de toros, mareas que van y vienen. Una corriente subterránea que recorre toda la cuenca del Mare Nostrum con la belleza de una máscara mortuoria egipcia. Las costas mediterráneas, mitad sólidas mitad líquidas, invitan a partir de aquí a la mezcla de subgéneros: el thriller, el terror, la ciencia ficción, el polar francés, el giallo italiano, la serie B con el arte y ensayo, cruces imposibles con la bravura natural de un ser mitológico.
Arrancamos por donde arranca toda genealogía: con el vampiro, quizá la figura más emblemática del cine gótico tradicional. Drácula en Estambul (Mehmet Muhtar, 1953) es la más clásica en su forma, pero la más radical en su operación: traslada el mito de Transilvania a las calles y cementerios de Estambul, sustituyendo los elementos cristianos por el Corán. De ahí la figura vampírica muta en este ciclo hacia formas menos reconocibles pero igualmente letales. En La isla de la muerte (Mel Welles, 1967), rodada en la Costa Brava, el monstruo aristocrático es un botánico que cultiva plantas chupasangre. En Traitement de choc (1973), Alain Jessua lleva la lógica vampírica más allá: un balneario aséptico en la costa, con pacientes ricos y trabajadores inmigrantes que desaparecen uno a uno.
Del horror con filiación reconocible nos desplazaremos hacia intrigas sensuales inexplicables y misteriosas. La route de Salina (Georges Lautner, 1970) adquiere hechuras casi fantásticas: en un desierto rocoso y soleado, la llegada de un joven desencadena una turbadora tensión erótica con Mimsy Farmer y Rita Hayworth como protagonistas. El ojo del huracán (José María Forqué, 1971) opera en similares frecuencias pero con acento español: un giallo de alta costura que baña cada superficie en un resplandor que nos sugiere unas vacaciones eternas junto a Jean Sorel y Analía Gadé.
Con Jess Franco, este programa se vuelve más salvaje y primitivo. Su Eugéniede 1980, rodada en la Muralla Roja de Calpe, cita El sueño de Dalí y convierte la arquitectura en personaje: el laberinto rosa de Bofill, que promete el paraíso y encierra, planteando la metáfora más delirante del Gótico Mediterráneo. Franco es el auténtico maestro del subgénero, el que más consciente y sistemáticamente ha explorado esta metafísica playera y plagada de femmes fatales. En este lado salvaje juega también otro Frank (Hubert), el director austríaco de Desnuda ante el espejo (1978), que apoyándose en los cuerpos de Patricia Adriani y Bárbara Rey, no vacila al saltar del melodrama sexploit al cine de acción más macarra, casi quinqui.
La autodestrucción en el paraíso es el tema central de More(Barbet Schroeder, 1969). Al igual que Ícaro, el protagonista vuela demasiado cerca del sol de Ibiza, para encontrar su ruina a través de la heroína. Viajamos a otras islas, con su lógica de encierro sin muros visibles, con Iguana(1988) de Monte Hellman, que ofrece una variante exótica del subgénero. La desolación volcánica de Lanzarote sirve de escenario a una revisión del monstruo romántico, entre un fantasma de la ópera y una bestia enamorada de la belleza. Las localizaciones de Iguananos sirven para confirmar que el Gótico Mediterráneo es en realidad un estado de ánimo, más que una estricta orientación geográfica.
Kinetta(Yorgos Lanthimos, 2005) cierra y a la vez abre este ciclo hacia otros tiempos. En un hotel turístico desolado fuera de temporada, tres personajes recrean escenas de crímenes sin motivaciones claras, obsesionados con la repetición y con la mentira de la representación. El Lanthimos anterior a su consagración internacional construye ya ese mundo de rituales incomprensibles donde el hombre contemporáneo ha perdido su identidad en medio de una realidad vacía de sentido. Es la demostración de que el Gótico Mediterráneo no fue un fenómeno circunscrito a los sesenta y setenta: es una sensibilidad que el cine sigue destilando cada vez que alguien sitúa el horror donde el horror no debería poder ocurrir, bajo un cielo despejado, a la vista de todos.
