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Sus trabajos se suman a los diez títulos ya anunciados a competición, dirigidos por Roberto Bueso, Nicole Garcia, Mikel Gurrea, Maha Harada, Pablo Larraín, Mike Leigh, Hans Petter Moland, Benjamín Naishtat, Javier Ruiz Caldera y Yeşim Ustaoğlu
Las nuevas películas de Fred Cavayé, Jesse Eisenberg, Amanda Kernell y Gabriel Martins, junto a los debuts en el largometraje de Ah Biao y Tony Vahl, competirán en la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián. Sus respectivos filmes Les Misérables (Los Miserables), The Debut (El debut), Garrat du váimmu / Brace Your Heart, Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son, Bian jing / Border y Krux se suman a los diez títulos ya anunciados y que también se disputarán la Concha de Oro y el resto de premios del palmarés oficial.
El realizador, guionista y director de fotografía afincado en Bangkok Ah Biao (Shanxi, 1990) competirá con Bian Jing / Border. Su ópera prima está ambientada en un pueblo fronterizo, donde un minero marcado por una vida de abusos es arrastrado a cometer un crimen.
Fred Cavayé (Rennes, 1967) concursará con una nueva adaptación de Les Misérables (Los Miserables) de Víctor Hugo, protagonizada, entre otros, por Vincent Lindon, Tahar Rahim y Noémie Merlant. El guionista y director francés ha demostrado una gran versatilidad a lo largo de su carrera. Tras firmar Pour elle / Anything for Her (Cruzando el límite, 2008), adaptada posteriormente en Hollywood por Paul Haggis, se consolidó en el thriller con À bout portant / Point Blank (Cuenta atrás, 2010) y Mea culpa (2014), para después adentrarse con éxito en la comedia con Radin! / Penny Pincher! (Manual de un tacaño, 2016) y Le Jeu / Nothing to Hide (El juego, 2018), abordar el drama histórico con AdieuMonsieur Haffmann / Farewell, Mr. Haffmann (Adiós, señor Haffmann, 2021) y regresar a la comedia con Les Chèvres! / This Is the Goat! (2024).
Jesse Eisenberg (Nueva York, 1983) dirige a Julianne Moore y a Paul Giamatti en su tercer largometraje tras la cámara. The Debut (El debut), que sigue a una tímida ama de casa convertida inesperadamente en estrella de la música, está escrita, dirigida y producida por Eisenberg, que también actúa en la película y es el compositor de su música y sus letras originales. Su debut como director, When You Finish Saving the World (Cuando termines de salvar el mundo, 2022), inauguró la Semana de la Crítica de Cannes tras su estreno en Sundance, mientras que A Real Pain (2024) ganó el Premio Waldo Salt al mejor guion en Sundance y le valió, entre otros galardones, una nominación al Óscar y un BAFTA al mejor guion original. En su faceta de actor, Eisenberg ha trabajado con cineastas como Noah Baumbach, Kelly Reichardt, Woody Allen, Zack Snyder y David Fincher. Su interpretación en The Social Network (La red social, 2011) a las órdenes de Fincher le valió una nominación al Óscar al mejor actor.
La directora sueca AmandaKernell (Umeå, 1986) presentará Garrat du váimmu / Brace Your Heart, en la que una joven hace todo lo posible para mantener con vida el rebaño de renos de su familia, traspasando sus propios límites y renunciando a su verdadero amor. Kernell obtuvo con su primer largometraje, Sami Blood (2016), el Europa Cinemas Label Award y el Premio Fedeora a la mejor dirección novel en la sección Giornate degli Autori del Festival de Venecia, entre otros galardones. Su segunda película, Charter (2020), compitió en Sundance y fue elegida para representar a Suecia en los Óscar.
Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son es el tercer largometraje del brasileño Gabriel Martins (Belo Horizonte, 1987), en el que una mujer busca el perdón de las familias de un accidente provocado por su hijo. El primer filme de Martins, codirigido por Maurilio Martins, se estrenó en el Festival de Rotterdam bajo el título de No coração do mundo / In the Heart of the World (2019), mientras que su segundo largometraje, Marte um / Mars One (2022), fue presentado en Sundance. Asimismo, sus cortos han sido proyectados en festivales de todo el mundo, como por ejemplo la Quincena de Cineastas de Cannes, que acogió la proyección de Nada / Nothing (2017).
Tony Vahl competirá en la Sección Oficial con Krux. Inspirado en hechos reales, su debut en el largometraje narra la oscura historia de un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial, cuando el régimen nazi ordenó a sus ciudadanos no dejar con vida nada que el enemigo pudiera encontrar. La cineasta alemana ha dirigido cortometrajes como Pein (2014), nominado al Premio Alemán de Cortometrajes y premiado en el Festival de Dresde, y Gömböc (2010), estrenado en Locarno y ganador del Gran Premio del Festival de Bristol.
Estos seis largometrajes se suman a los diez títulos ya anunciados, que también competirán por la Concha de Oro: El mal padre, de Roberto Bueso;7:40 ce matin-là/ Milo, de Nicole Garcia;Sants / Saints, de Mikel Gurrea; Muyou no hito/In My Father’s Room, de Maha Harada;Mis muertos tristes/My Sad Dead, de Pablo Larraín;Tender Loving Care, de Mike Leigh;Markens Grode /Growth of the Soil, de Hans Petter Moland;Glaxo, de Benjamín Naishtat; 5 minutos más / 5 more minutes, de Javier Ruiz Caldera; yArtakalan/ What Remains, de Yeşim Ustaoğlu.
País(es) de producción: Hong Kong – EEUU – Corea del Sur
Intérpretes: Zheyan Li, Feng Qi , Sanming Han, Gang Zheng, Tao Guo
En un pueblo olvidado donde los hombres han aprendido a sobrevivir ocultando sus sentimientos y utilizando pocas palabras, un joven minero sin dinero pasa silenciosamente y a la deriva por una vida que apenas siente. Su entumecida rutina se ve rota por la llegada de una joven enigmática que atiza una curiosidad dormida y la promesa de algo nuevo. Él la sigue por un camino oscuro, dejando atrás la tranquila seguridad del único mundo que conoce, sin saber que esta desconocida no es lo que parece.
Intérpretes: Elli Sara Valkeapää, Andte Gaup-Juuso, Vincent Niia
Ejva hereda el rebaño de renos de su difunto padre. Mientras lucha por sacarlo adelante, Heaika, el jefe local, se enamora de ella y, aunque duda, Ejva se siente obligada a aceptarlo. Pero todo cambia cuando llega Nejla, primo de Heaika, y Ejva descubre el amor verdadero por primera vez. Sintiéndose traicionado y celoso, Heaika reacciona con dureza, dejando a Ejva con un trastorno que provoca que le tiemblen las manos de forma incontrolable, poniendo en peligro su capacidad para cuidar del rebaño.
Inspirada en hechos reales, Krux narra la oscura historia de un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial, cuando el régimen nazi ordenó a sus habitantes no dejar nada vivo que el enemigo pudiera encontrar. La mayoría de los hombres están en el frente. Lo que queda es un puñado de mujeres, niños y los pocos hombres a quienes se les permitió quedarse. La vida aún se sostiene en sus viejos rituales: escuela, iglesia, bodas, trabajo. Los vecinos todavía creen que todo terminará bien. Entonces el río devuelve cuerpos que nadie puede nombrar. Nadie sabe cuándo llegará el enemigo ni qué ocurrirá cuando lo haga. Los rumores llenan el silencio donde deberían estar los hechos. De ese silencio crece un miedo más grande que el propio enemigo
Intérpretes: Vincent Lindon, Tahar Rahim, Camille Cottin, Benjamin Lavernhe, Noémie Merlant, Vassili Schneider, Megan Northam, Marie Colomb
Tras 19 años en prisión por robar una hogaza de pan, Jean Valjean busca redención reinventándose como un respetado dignatario bajo una nueva identidad. Promete a Fantine, una trabajadora de fábrica moribunda, rescatar y proteger a su hija, Cosette, quien está siendo explotada y maltratada por la engañosa familia Thénardier. Mientras Valjean cría a Cosette como si fuera su propia hija, es perseguido sin descanso por el inspector Javert. En medio de la agitación social que sacude Francia, los destinos de Valjean, Cosette, su enamorado Marius y Javert se entrelazan en un París turbulento y revolucionario. A través de luchas, sacrificios y un profundo anhelo de justicia, Valjean se esfuerza por culminar su camino de redención y darle a Cosette un futuro de amor y libertad.
Intérpretes: Julianne Moore, Paul Giamatti, Halle Bailey, Jesse Eisenberg, Cara Buono, Craig Bierko, Eldar Isgandarov, Bernadette Peters
Cuando Mona Friedman consigue un pequeño papel en un teatro comunitario, pasa de ser una ama de casa tímida y discreta a convertirse en una apasionada actriz, dispuesta a hacer cualquier cosa para proteger la integridad artística de su papel, aunque eso signifique entrar en guerra con el autoritario director de la obra.
Cuando el autobús conducido por su hijo se precipita desde un paso elevado y causa la muerte de decenas de personas, Vicentina busca a las familias de las víctimas para pedirles disculpas y termina descubriendo los límites del perdón.
‘Siempre soy tu animal materno’ de Valentina Maurel inaugurará Horizontes Latinos, que mostrará los trabajos de Ricardo Alves Jr., Juan Miguel Gelacio y Esteban Hoyos García, Lorenzo Ferro y Lucas A. Vignale, Alessandra Sanguinetti, Dominga Sotomayor y Bruno Santamaría Razo
Horizontes Latinos contará con una docena de títulos en la 74º edición del Festival de San Sebastián, que incluirá el estreno mundial de A Professora de Francês / The French Teacher, de Ricardo Alves Jr. Siempre soy tu animal materno / Forever Your Maternal Animal, de Valentina Maurel, inaugurará la sección, y la clausura correrá a cargo de Marcelo Martinessi con Narciso. La programación la completan largometrajes nominados y premiados en festivales como Cannes, Berlín o Locarno. Las películas seleccionadas, que están producidas total o parcialmente en América Latina, dirigidas por cineastas de origen latino o se enmarcan en comunidades latinas, optarán al Premio Horizontes Make & Mark.
Marina De Tavira, Daniela Marín Navarro y Mariangel Villegas se alzaron con el premio a mejor interpretación femenina en la sección Un Certain Regard de Cannes por Siempre soy tu animal materno / Forever Your Maternal Animal. La segunda película de Valentina Maurel (San José, 1988) que inaugurará la sección, cuenta el regreso de Europa a Costa Rica de una joven que, al llegar a casa, se encuentra a su familia totalmente dividida. La cineasta costarricense obtuvo con su primer largometraje, Tengo sueños eléctricos (2022), más de treinta galardones internacionales, entre los que destacan los premios a la mejor dirección, actriz y actor en el Festival de Locarno, y el Premio Horizontes en el Festival.
El estreno mundial de A Professora de Francês / The French Teacher es el cuarto largometraje de ficción de Ricardo Alves Jr. (Belo Horizonte, 1982). El director, guionista, productor y director de teatro brasileño, que ha desarrollado su carrera entre el cine experimental, la no ficción y la ficción, presenta este thriller psicológico en el que una mujer regresa a casa tras enfermar su padre y es acogida por vecinos de una congregación religiosa que amenazan su identidad y su cordura.
Tras presentar en WIP Latam 2023 su primer largometraje Selva / Jungle, el dúo, formado por los colombianos Juan Miguel Gelacio (Bogotá, 1995) y Esteban Hoyos García (Bogotá, 1995) regresa a San Sebastián para presentar su última película Cinco años, cuatro meses / Five Years, Four Months, estrenada en Karlovy Vary. El filme, que en su fase de postproducción obtuvo el Premio EGEDA Platino Industria al Mejor WIP Latam 2025 con el título A la hora de poner la mesa ya no éramos cinco, cuenta la historia de una mujer que sigue el rastro de un oscuro rumor para encontrar a su hijo desaparecido en el conflicto armado de Colombia.
El tren fluvial / The River Train narra el sueño de un bailarín de malambo de nueve años que anhela viajar en tren y conocer Buenos Aires. El filme, dirigido por Lorenzo Ferro (Buenos Aires, 1998) y el recientemente fallecido Lucas A. Vignale (Buenos Aires, 1997-2026), llegará al Festival tras su paso por la sección Perspectives de la Berlinale. Ferro, debuta como cineasta en San Sebastián, un certamen que conoce bien como actor gracias a El Ángel / The Angel (Perlak, 2018), Simón de la montaña / Simon of the Mountain (Horizontes Latinos, 2024) o Cómo ser Pehuén Pedre / How to Be Pehuén Pedre (Zabaltegi-Tabakalera, 2024), interpretaciones por las que recibió diversos reconocimientos en Latinoamérica. Su primer trabajo detrás de las cámaras fue el cortometraje La Pasión (2025), codirigido junto a Vignale. Este último desarrolló buena parte de su trayectoria como realizador especializado en la industria musical, colaborando con artistas como Bizarrap, Nicki Nicole o Nathy Peluso, entre otros. Además, es autor del documental Tripolar 360 (2024), y de varios trabajos de ficción en formato corto y mediometraje.
La reputada fotógrafa Alessandra Sanguinetti (Nueva York, 1968) hace su primera incursión en el cine con La ilusión de un verano sin fin / The Illusion of an Everlasting Summer, una no ficción presentada en la sección Cineasti del Presente del Festival de Locarno. El filme, rodado a lo largo de 25 años, acompaña a Guille y Belinda, dos primas que viven en la pampa argentina y que pasan de la fantasía de la infancia y los deseos de la adolescencia, a los desafíos de la maternidad. Las obras de Sanguinetti, que es miembro de Magnum Photos desde 2007, forman parte de las colecciones del MoMA de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art, el Museum of Fine Arts de Houston y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.
Después de inaugurar Horizontes Latinos en 2025 con el estreno mundial de Limpia, Dominga Sotomayor (Santiago de Chile, 1985) regresa al Festival para mostrar La Perra. El filme, que ha recibido un Palm Dog en la Quincena de Cineastas de Cannes, es una adaptación libre de la novela homónima de Pilar Quintana en la que aborda el duelo íntimo por una maternidad que no fue y cuyas heridas se reabren al aparecer una cachorra abandonada. La cineasta chilena ha dirigido además otros títulos como De jueves a domingo (2012), Tarde para morir joven (2018) y el cortometraje Correspondencia, codirigido con Carla Simón (Zabaltegi-Tabakalera 2020).
El director de fotografía y realizador de largometrajes de no ficción Bruno Santamaria Razo (Ciudad de México, 1986) se lanza a la ficción con Seis meses en el edificio rosa con azul / Six Months In a Pink & Blue Building, estrenado en la Semana de la Crítica de Cannes y que en 2022 recibió el Premio al Mejor Proyecto del Foro de Coproducción y el Premio Dale! (Desarrollo América Latina-Europa). El filme, ambientando en los años 90 en México, se centra en un niño de 11 años que descubre su deseo por su mejor amigo, mientras lidia con la enfermedad de su padre, diagnosticado de VIH.
Todos estos títulos se suman a las películas con coproducción española ya anunciadas, como Ceniza en la boca / Ashes,de Diego Luna; Chicas tristes / Sad Girlz, de Fernanda Tovar; El deshielo / The Meltdown, de Manuela Martelli; Moscas / Flies, de Fernando Eimbcke, y Narciso, de Marcelo Martinessi, que será la encargada de clausurar la sección.
Estos doce títulos que componen la sección Horizontes Latinos optan al Premio Horizontes Make & Mark, dotado con 35.000 euros destinados al productor mayoritario y al distribuidor español de la película. Además, Narciso; Chicas tristes; El Deshielo; Cinco años, cuatro meses; El tren fluvial; Soy tu animal materno, y La ilusión de un verano sin fin, al tratarse de las primeras o segundas películas de su directora o director optan también al Premio DAMA de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
País(es) de producción: Bélgica – Francia – México
Intérpretes: Daniela Marín
Inauguración
Tras años estudiando en Europa, Elsa regresa a Costa Rica para reunirse con su familia. Allí, encuentra a su hermana menor viviendo sola en la casa familiar, cada vez más distante y solitaria, como si se hubiera sumergido en su propio mundo. Mientras tanto, sus padres están absortos en sus propias vidas. Su padre va de un lado a otro con una serie de aventuras amorosas, mientras que su madre está inmersa en la reedición de los poemas eróticos de su juventud, sin que ninguno de los dos comprenda del todo la urgencia de la situación.
Paraguay, 1959. Bajo un régimen militar sofocante, Narciso regresa de Buenos Aires fascinado por el rock and roll. Carismático, enigmático y deseado por hombres y mujeres, pronto se convierte en una estrella de la radio y en un símbolo de libertad. Pero tras su último show aparece sin vida. En un país donde el silencio domina y el miedo asfixia la verdad… ¿quién mató a Narciso?
País(es) de producción: Brasil – Francia – Portugal
Intérpretes: Grace Passô, Jehnny Beth, Pedro Goifman
Proyecta 2018
Graça vive en Belo Horizonte, donde imparte clases particulares de francés y convive con su novia francesa. Tras una emergencia de salud de su padre, regresa a la casa de su infancia en las afueras. Allí, una familia vecina que lidera una congregación religiosa local le ofrece apoyo. Mientras intentan devolverla a «su lugar», Graça queda atrapada en un mundo de intolerancia y fanatismo, lo que la conduce por un inquietante camino hacia la pérdida de la cordura.
En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban.
La Maestra y Paula son las mejores nadadoras de su equipo y mejores amigas hasta que un incidente en una fiesta lo trastoca todo. La Maestra, intensa e imparable, nota que algo en su mejor amiga ha cambiado: ahora está triste. Cuando la verdad sale a la luz, ambas se enfrentan a una decisión imposible: Paula quiere guardar silencio, y la Maestra quiere justicia. Su amistad, antes invencible, se pone a prueba como nunca.
Juan Miguel Gelacio (Colombia), Esteban Hoyos García (Colombia)
País(es) de producción: Colombia – EEUU
Intérpretes: Jenny Nava, Carmiña Martínez
WIP Latam 2025
Martha, una madre que perdió el rastro de su hijo durante el conflicto armado colombiano, recibe la noticia de que no se encontró ninguna coincidencia ósea en la última exhumación en la que había participado. Tras agotar todas las vías institucionales, acude a un grupo de mujeres en el que conoce a Sandra, quien le habla de un rumor: “En un pueblo remoto de las llanuras, puedes pedirle un favor a un muerto”. Juntas emprenden un viaje en busca de respuestas.
País(es) de producción: Chile – EEUU – España – México
Intérpretes: Maya O’Rourke, Saskia Rosendahl, Maia Rae Domagala, Jakub Gierszal, Paulina Urrutia
Proyecta 2022
Chile, 1992. Durante su estancia en el hotel de sus abuelos en las montañas, Inés se hace amiga de Hanna, una esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece sin dejar rastro, su búsqueda revela verdades que se mantenían ocultas.
Milo, de 9 años, vive en un remoto pueblo de Argentina, donde se forma como bailarín de malambo. Sin embargo, sus verdaderos sueños apuntan a otra parte: anhela viajar en tren y explorar Buenos Aires, la ciudad que solo ha visto en películas. Para liberarse de su pequeño mundo, deberá atreverse a emprender un nuevo viaje.
El documental arranca en 1999, cuando Sanguinetti invita a sus vecinas de nueve años a compartir sus fantasías, iniciando una colaboración de décadas. Mientras Guillermina y Belinda dejan la infancia, sus juegos adquieren el peso de la realidad. Con el paso del tiempo como eje, la película registra su amistad frente al trabajo, la maternidad y futuros distintos. En la pampa argentina, el film ofrece una mirada femenina sobre una región mitologizada por hombres.
Intérpretes: Manuela Oyarzún, David Gaete, Selton Mello, Paula Luchsinger, Paula Dinamarca, Rafaella Grimberg
En una remota y ventosa isla chilena, Silvia se gana la vida recolectando algas marinas y lleva una vida tranquila junto a su pareja. Cuando adopta a Yuri, una cachorra abandonada, sus días se llenan de tanta alegría, amor y ternura que se vuelve a despertar su deseo de ser madre, que había reprimido durante un largo tiempo. Pero la desaparación repentina de Yuri reaviva un trauma infantil que no había dejado de atormentar a Silvia y le fuerza a enfrentarse a un pasado que nunca había superado.
Desde que Olga sufrió una gran pérdida, se ha aferrado a la soledad, pero la falta de dinero para llevar a cabo una intervención quirúrgica en el dedo gordo de su pie la orilla a rentar un cuarto de su departamento a Tulio, el marido de una paciente hospitalizada en el centro médico que se encuentra frente al enorme multifamiliar en el que vive Olga. Cuando el hombre debe irse por unos días y deja a su hijo Cristian en su lugar.
Ciudad de México, principio de los años 90. El día que Bruno cumple 11 años se enamora de su mejor amigo Vladimir. Esa noche su padre recibe un diagnóstico de VIH positivo que transforma la vida familiar. Como en las canciones de salsa, su familia intenta cantar y bailar para espantar el dolor. Treinta años después, Bruno filma y reimagina la memoria de aquello que de niño no logró comprender del todo.
El cineasta alemán será homenajeado en la gala de apertura y presentará su película ‘Bucking Fastard’ tras su estreno en Venecia
El director, guionista, productor y actor Werner Herzog recibirá un Premio Donostia en reconocimiento a su carrera durante la gala de apertura del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre en su 74ª edición. La máxima distinción honorífica del Festival para el cineasta alemán irá acompañada de la proyección de su nuevo largometraje, Bucking Fastard, que competirá en el próximo Festival de Venecia.
A lo largo de una carrera que abarca seis décadas, Werner Herzog se ha convertido en una de las figuras más influyentes del cine contemporáneo, construyendo una obra extraordinaria ―alrededor de 80 filmes― y moldeada por la obsesión, las situaciones extremas y las contradicciones de la naturaleza humana. Sus películas, tanto de ficción como de no ficción, están pobladas por soñadores y conquistadores que se enfrentan a paisajes extremos y fuerzas que escapan a su control. Guiado por su concepto de «verdad extática», Herzog defiende un cine que trasciende la mera observación de los hechos para revelar una dimensión más profunda y poética de la realidad.
La proyección del Premio Donostia, que tendrá lugar en el Teatro Victoria Eugenia antes de la ceremonia de entrega en el Kursaal, contará con la última película de Werner Herzog. Protagonizada por Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom y Domhnall Gleeson, Bucking Fastard cuenta la inusual historia de dos hermanas gemelas cuyo vínculo extraordinario las lleva a hablar al unísono, amar al mismo hombre y compartir los mismos sueños.
Biografía
Nacido en Múnich en 1942, Werner Herzog creció en un valle remoto de las montañas bávaras. Hasta los 11 años ni siquiera conocía la existencia del cine. Comenzó a desarrollar proyectos cinematográficos a los 15 años y, dado que nadie parecía dispuesto a financiarlos, durante sus últimos años de instituto trabajó en el turno de noche de una fábrica de acero como soldador. También empezó a viajar a pie.
Hizo su primera llamada telefónica a los 17 años y su primera película a los 19. Abandonó la universidad, donde estudió historia y literatura.
Desde entonces ha escrito, producido y dirigido unas 80 películas, entre las que figuran Aguirre, der Zorn Gottes / Aguirre, the Wrath of God (Aguirre, la cólera de Dios, 1972); Fitzcarraldo (1982), para la cual trasladó un barco de vapor sobre una montaña en plena selva; Grizzly Man (2005) y Cave of Forgotten Dreams (La cueva de los sueños olvidados, 2010).
Ha publicado libros de poesía y prosa como Of Walking In Ice (Del caminar sobre hielo), Conquest of the Helpless (Conquista de lo inútil) y, recientemente, la novela The Twilight World (El crepúsculo del mundo).
Ha sido director de escena de una docena de óperas en Bayreuth y en La Scala de Milán, así como en otros teatros de ópera alrededor del mundo.
También ha actuado en películas como Jack Reacher, The Mandalorian y en papeles como invitado en Los Simpson. Creó una instalación artística, Hearsay of the Soul, para la Bienal del Whitney Museum de Nueva York y el Getty Museum de Los Ángeles. Fundó Rogue Film School como contrapunto a lo que se enseña en la mayoría de las escuelas de cine del mundo.
Intérpretes: Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom, Domhnall Gleeson
Bucking Fastard trata sobre dos hermanas, Jean y Joan Holbrooke, que están tan unidas que hablan al unísono, aman al mismo hombre y comparten los mismos sueños. Incluso cometen el mismo desliz al mismo tiempo. No podemos ver el mundo tal y como ellas lo ven, pero sí vemos cómo el mundo reacciona ante ellas: a través de los tribunales y la prensa, de quienes quieren ayudarlas y de quienes pretenden aprovecharse de ellas.
El ciclo se completará con un libro sobre la obra completa de Giovanni escrito por Felipe Cabrerizo
Un total de 20 largometrajes estrenados entre los años 1960 y 2001 integrarán la retrospectiva dedicada al cineasta, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés. En su 74ª edición, el Festival de San Sebastián recuperará la práctica totalidad de la obra que Giovanni firmó como director, así como ocho títulos que escribió para realizadores como Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico.
Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación del libro José Giovanni. No hay vida plena sin piedad, escrito por Felipe Cabrerizo y editado por Quim Casas, crítico y miembro del comité de Selección del Festival. El estudio recorre toda la obra como novelista, guionista y director de Giovanni, así como aquellos aspectos de su vida envueltos en cierta polémica, desde su cometido durante la ocupación alemana hasta su intento de huida de la cárcel.
El libro, editado en castellano e inglés, es el quinto de la colección impulsada por el Festival y la Filmoteca Vasca tras los dedicados a Claude Sautet, Hiroshi Teshigahara, el cine policíaco italiano y la guionista Lillian Hellman.
En esta ocasión fue Claude Sautet quien llevó a la pantalla otra novela de un Giovanni que empezaba a ser muy requerido en el cine. Lino Ventura es Abel Davos, un criminal que consigue huir a Italia con su familia eludiendo el cerco policial. Pero tras una escaramuza en la frontera, el protagonista se queda solo con sus hijos. Se basa, con el nombre ligeramente cambiado, en un gánster que durante la ocupación colaboró con la Gestapo francesa.
Intérpretes: Michel Constantin, Jean Keraudy, Philippe Leroy, Marc Michel, Raymond Meunier
En su película póstuma, Jacques Becker adaptó la novela de Giovanni en la que relata su intento de fuga de la cárcel de La Santé. El escritor acabó participando activamente en el guion y suministrando todos aquellos elementos que confieren un extremo realismo al filme. Los cuatro protagonistas comparten celda. Cuando están a punto de acometer la huida, les asignan un quinto y desestabilizador recluso en el mismo y reducido espacio.
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Mario David, Béatrice Altariba, Christine Kaufmann, Henri Virlogeux
Robert La Rocca deja la vida criminal y se retira al campo, pero su meta es lograr la libertad de su mejor amigo, Xavier, condenado a varios años de cárcel. Una serie de acontecimientos le llevan a entrar en el mismo presidio. Tiempo después se les ofrece la posibilidad de aligerar su condena si ayudan a deactivar las minas que han quedado en las playas después de la guerra. Primera adaptación de su novela L’Excommunié.
Intérpretes: Michel Auclair, Charles Vanel, José Giovanni, Claude Dauphin, Michèle Mercier
Cuatro hombres bien posicionados económicamente quieren aumentar sus ingresos participando en el negocio de la droga. Un quinto individuo (interpretado por el propio Giovanni) debe traer el alijo desde Marsella, pero los planes se tuercen y los protagonistas acaban enfrentados entre ellos. Primera de las fructíferas colaboraciones entre Giovanni y Jacques Deray, con participación de Claude Sautet en el guion.
País(es) de producción: Francia – Italia – Alemania – 1966
Intérpretes: Lino Ventura, Marilù Tolo, Jean Bouise, Jean Servais, Wolfgang Preiss
Inmersión de Giovanni y Deray en el relato de espionaje. Lino Ventura es Paul Fabre, un oficial de los servicios secretos franceses enviado a Viena para esclarecer si el responsable de la inteligencia francesa en Austria es en realidad un doble agente. Fabre es requerido para la misión confiando en su experiencia e instinto, y porque es uno de los mejores amigos del sospechoso.
Intérpretes: Lino Ventura, Paul Meurisse, Raymond Pellegrin, Marcel Bozzuffi, Christine Fabrega
Tras evadirse de la cárcel, el peligroso criminal llamado Gustave Minda (Lino Ventura) quiere reactivar a sus hombres pero se ve involucrado en una masacre entre bandas rivales. Un inspector de policía intenta atraparlo mientras él busca dar un último golpe y huir del país. Primera y última colaboración entre dos de los grandes arquitectos del policíaco francés, Giovanni –autor de la novela y coguionista– y Jean-Pierre Melville.
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Joanna Shimkus, Raymond Bussières, Paul Crauchet, Stéphane Fey
Uno de los pocos casos en los que Giovanni no participaría como guionista en la adaptación de una de sus novelas. Jean-Paul Belmondo interpreta a un excorredor automovilístico. Ha dejado las carreras después de la muerte de un compañero en accidente y ahora trabaja como chófer para una banda criminal que realiza pequeños atracos. Poco a poco trama la realización de un golpe en solitario
País(es) de producción: Francia – Italia – México – 1968
Intérpretes: Lino Ventura, Rosa Furman, Aurora Clavel, Enrique Lucero, Xavier Marc, Farnesio De Bernal
El segundo largometraje dirigido por Giovanni, a partir de la novela The Vulture, del escritor escocés John Carrick, tiene como protagonista a un asesino a sueldo (Lino Ventura) a quien un grupo insurrecto encarga el asesinato de un presidente latinoamericano. Desprovisto de todo ideal, cínico e inflexible, el asesino, apodado Le Rapace, participa de este golpe de Estado sin conocer sus inmediatas consecuencias
Intérpretes: Jean Gabin, Alain Delon, Lino Ventura, Irina Demick, Jacques Duby
Un hombre encarcelado por asesinato es liberado por los miembros del clan de un venerable gánster siciliano. Juntos planean asaltar el avión con destino a Nueva York que transporta unas preciadas joyas, mientras un policía intenta darles caza. Adaptación de una novela de André Le Breton concebida como una gran producción internacional. Reúne a los tres grandes actores del polar: Delon, Gabin y Ventura.
Intérpretes: Lino Ventura, Marlène Jobert, Michel Constantin, Paul Crauchet, Alain Mottet
Lino Ventura interpreta a un encallecido inspector de policía que es relegado de su cargo tras haber detenido al hijo alcoholizado de un abogado influyente. Su nuevo hábitat es una comisaría de barrio en la que inicialmente le encargan detener a delincuentes sexuales. Cuando le asignan una compañera novata (Marlène Jobert, madre de Eva Green), juntos afrontan la búsqueda de un testigo protegido de quien solo conocen el último domicilio en el que habitó.
País(es) de producción: Francia – Italia – España – 1971
Intérpretes: Jean-Claude Bouillon, Nicoletta , Maurice Garrel, Paola Pitagora, Jean Gaven
Un policíaco de cámara basado en una novela estadounidense publicada en la colección Série Noire de la editorial Gallimard. Su personaje principal acaba de fracasar en el atraco a un banco y debe solucionar algunos aspectos de su pasado reciente, ya que es acusado de un crimen que no ha cometido. La historia ya había sido llevada a la pantalla por Robert Siodmak en el film noir Cry of the City (1948).
Intérpretes: Rufus , Paul Crauchet, Alexandra Stewart, Jean Gaven, Philippe March
Filme protagonizado por un actor generalmente identificado con la comedia, Rufus, que ya había participado en Un aller simple. Es una película de marcado signo político: su protagonista trabaja en una organización de carácter pacifista que lucha por liberar a presos políticos, pero poco a poco descubre que la no violencia en la que siempre ha creído ya no funciona, por lo que pasa al otro lado, a la lucha armada.
No contento del todo con la versión que de su novela L’Excommunié había realizado Jean Becker en Un nommé La Rocca, Giovanni la adaptó personalmente, ahora en color, pero con el mismo actor, Jean-Paul Belmondo. La película detalla mejor que la anterior la vida de la delincuencia organizada en la Marsella de los años 30, antes de que el personaje termine en la cárcel y vuelva a la vida civil tras una serie de peripecias
Intérpretes: Jean Gabin, Alain Delon, Mimsy Farmer, Michel Bouquet, Victor Lanoux
Planteada como un alegato contra la pena de muerte, la película narra la historia de un delincuente que logra reintegrarse en la sociedad tras salir de la cárcel. Lo consigue gracias a la ayuda de un educador, pero una serie de acontecimientos, además de la presión que recibe de un inspector de policía que conoce su historial, le devuelven a la vida criminal. Producida por Alain Delon, protagonista junto a Jean Gabin.
Intérpretes: Alain Delon, Paul Meurisse, Annie Girardot, Marcel Bozzuffi, Bernard Giraudeau
En su segunda colaboración con Giovanni como actor y productor, Alain Delon encarna a Hugo Sennart, un gitano francés al que la policía busca por diversos crímenes. Hugo prepara el que podría ser su último golpe, pero su itinerario se mezcla con el de un ladrón de joyas a quien pone cerco el mismo inspector que le busca a él. Pese a ser un relato de ficción, el filme propone una mirada documental a los campamentos de gitanos y su forma de vida.
Intérpretes: Francis Huster, Jean-François Balmer, Lila Kedrova, Bérangère Bonvoisin, Gabriel Briand
Adaptación de la novela autobiográfica de Albert Spaggiari, el cerebro de uno de los mayores atracos bancarios cometidos hasta entonces. Durante un día de julio de 1976, Spaggiari y sus compinches se desplazaron por las alcantarillas hasta la sede central de la Société Général de Niza, permanecieron dentro todo un fin de semana y robaron 60 millones de francos, además de bonos y bienes. Fue conocido como el robo del siglo.
Intérpretes: Annie Girardot, Claude Brasseur, Jacques Perrin, Renaud Verley, François-Éric Gendron
Giovanni relató en este filme la historia de un falso culpable, Simon Risler (Claude Brasseur), quien escapa de la policía después de ser juzgado y condenado a muerte por un asesinato que no ha cometido. Encuentra refugio en casa de su abogada (Annie Girardot), con quien se dispone a demostrar su inocencia y desvelar un turbio asunto en el que puede estar implicados elementos de la Brigada Financiera de la policía francesa.
Intérpretes: Claude Brasseur, Bernard-Pierre Donnadieu, Gérard Darmon, Niels Arestrup, Daniel Duval
A caballo entre la aventura y el espionaje, la pelicula comienza con el secuestro de un importante general de la OTAN por parte de un grupo terrorista. A continuación, los servicios secretos franceses reclutan a una serie de individuos y los entrenan para formar parte del comando que debe liberar al militar. El rodaje fue complicado, pero muy del gusto de Giovanni, con escenas submarinas y otras de dificilísima escalada vertical.
Intérpretes: Valérie Kaprisky, André Dussollier, Thierry Frémont, Steve Kalfa, Yves Kerboul
Otra de las películas de Giovanni con tintes autobiográficos. Se centra en un joven que durante la ocupación, para salir de la cárcel, aceptó colaborar con los nazis. Tiempo después, a las puertas del final de la guerra, intenta obtener la rehabilitación ayudando a un oficial de inteligencia francés a desenmascarar a ciudadanos y policías que participaron duramente en la represión, incluido su propio hermano
Intérpretes: Bruno Cremer, Vincent Lecoeur, Rufus , Michelle Goddet, Nicolas Abraham
Partiendo de su novela Il avait dans le coeur des jardins introuvables, Giovanni realiza un sentido homenaje a su padre, Joe Damiani, quien no ceja en el empeño de liberar a su hijo condenado a la pena capital por su complicidad en un asesinato. El padre (Bruno Cremer) intenta conseguir las pruebas que demuestren su inocencia. Giovanni se despidió del cine con este viaje en el tiempo hasta una de las épocas más dramáticas de su vida.
Biografía
José Giovanni (1923-2004), nacido Joseph Antoine Roger Damiani en París, en el seno de una familia acomodada de origen corso, escribió algunas de las páginas más brillantes tanto de la novela policíaca como del polar, el cine policíaco francés, tan influyente como el film noir estadounidense. Fue antes novelista, adaptador y guionista, pero cuando tomó las riendas de sus propios proyectos como director, estableció una mirada y una estética en el policial francés pareja a la de sus autores más reputados, Jean-Pierre Melville o Jacques Deray. Con ambos colaboró estrechamente en un momento, la primera mitad de los años 60, en el que tener a Giovanni en los créditos suponía una garantía de interés y de éxito cuando el policíaco era uno de los géneros más sólidos del cine francés.
Tuvo una vida ajetreada y compleja, repleta de zonas oscuras. De ella extrajo no pocos elementos argumentales para sus novelas. Su irrupción en el cine fue por la puerta grande: Jacques Becker se fijó en su novela La evasión, en la que Giovanni relataba su estancia en la cárcel –acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena capital le fue conmutada por trabajos forzados–, y decidió llevarla a la pantalla. La conexión con el escritor fue inmediata y Giovanni, que había sido contratado como consejero técnico, terminó ejerciendo de coguionista de Le Trou / The Hole (La evasión, 1960). Fue la obra póstuma de Becker y pudo verse en la retrospectiva que el Festival de San Sebastián dedico al director en 2016.
Giovanni publicó La evasión en 1958, año y medio después de salir de prisión. Poco después ya era uno de los escritores incluidos en la prestigiosa Série Noire, la colección de libros policíacos que había ideado Marcel Duhamel en la editorial Gallimard y que marcó una nueva y moderna apreciación de la literatura criminal, incluyendo las traducciones al francés de los clásicos norteamericanos. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), dio pie a Classe tous risques / The Big Risk (A todo riesgo, 1960), de Claude Sautet, en la que Giovanni ejerció también de guionista. Y la segunda, Le Deuxième souffle (1958), fue adaptada años más tarde por Jean-Pierre Melville en uno de los títulos clave del polar, Le Deuxième souffle / Second Wind (Hasta el último aliento, 1966). Tanto este filme como el de Sautet, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2022, contaron con Lino Ventura, uno de los intérpretes clave del género junto a Jean Gabin y Alain Delon.
Otra de sus novelas del productivo año 1958, L’Excommunié, sirvió de base para Un nommé La Rocca / A Man Named Rocca (Un tal La Rocca, 1961), película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y en la que se prolongaba la buena relación con los Becker: fue dirigida por Jean Becker, hijo de Jacques. En 1963 inició como guionista su fructífera colaboración con el director Jacques Deray –(Symphonie pour un massacre / Symphony for a Massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo / Rififi in Tokyo (Rififí en Tokio, 1963), L’homme de Marrakech / The Man from Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966) y Avec la peau des autres / To Skin a Spy (Red siniestra, 1966)–, y tres años después lo hizo con Robert Enrico –Les Grandes gueules / The Wise Guys (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers / The Last Adventure (Tres aventureros, 1967) y Ho! / Ho! Criminal Face (¡Ho!, 1968)–. Pero para entonces Giovanni ya barruntaba su paso a la dirección. Debutó tras la cámara con La Loi du survivant / Law of Survival. (La ley del superviviente, 1967), un polar en tiempos bélicos en el que aparecen tres de sus motivos temáticos principales: la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial, los ambientes de Córcega y la traición.
A partir de este momento, y con la sola excepción de Le Clan des Siciliens / The Sicilian Clan (El clan de los sicilianos, 1969) de Henri Verneuil –obra clave del polar, guion modélico de Giovanni a partir de la novela de Auguste Le Breton y reunión de alto voltaje entre Ventura, Delon y Gabin–, nuestro protagonista se dedicó principalmente a la dirección. Y si bien en sus películas hay rasgos de todos los cineastas con los que trabajó, no tardó en imponer un estilo propio, crudo y directo, adaptándose a sí mismo o a otros escritores, en filmes en los que mostró a asesinos a sueldo, policías de barrio, jóvenes rebeldes enfrentados al sistema, el hampa marsellesa, delincuentes que no pueden reinsertarse en la sociedad, ladrones marginales que viven según sus códigos, robos a gran escala, presidiarios que intentan demostrar su inocencia o buscadores de oro. Un estilo tan agitado como lo fue su propia existencia, muy física y aventurera: por ejemplo, practicó la escalada tanto alpina como urbana, y en una ocasión escaló hasta lo alto de la Torre Eiffel.
De entre los quince largometrajes que dirigió, además de dos filmes para televisión y tres episodios de un par de series, destacan Le Rapace / Birds of Prey (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu / Last Known Address (Último domicilio conocido, 1970) –ambas con Ventura–, Un aller simple / One Way Ticket (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune / Hit Man (El clan de los marselleses, 1972) –con Belmondo, Claudia Cardinale y el actor fetiche de Giovanni, Michel Constantin–, Deux hommes dans la ville / Two Men in Town (Dos hombres en la ciudad, 1973) –con Delon y Gabin compartiendo protagonismo–, Le Gitan / The Gypsy (Alias el gitano, 1975) –producida e interpretada por Delon– y Une robe noire pour un tueur (1981), con Annie Girardot. En sus dos últimas películas, Mon ami le traître / My Friend the Traitor (1988) y Mon père, il m’a sauvé la vie / My Father Saved My Life (Mi padre, 2001) –coescrita con Bertrand Tavernier– reflexionó desde la ficción sobre aspectos determinantes de su propia vida.
‘El mal hijo’, ópera prima de Jaime Lorente, inaugurará la sección, mientras que ‘Florid’, debut en el largometraje de Billy Lumby, será la encargada de clausurarla
Cineastas de Alemania, Bulgaria, Chile, Corea del Sur, España, Irán, Japón, Kazajistán, México, Noruega, Reino Unido, Ucrania y Taiwán presentarán sus primeros y segundos largometrajes en la sección New Directors. El mal hijo / The Bad Son, ópera prima de Jaime Lorente será la encargada de inaugurar la sección, mientras que Florid, el debut en el largometraje de Billy Lumby, será la encargada de clausurarla. Los catorce títulos competirán por el Premio Kutxabank-New Directors durante la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará entre el 18 y el 26 de septiembre.
Billy Lumby (Londres, 1980) presenta su primer largometraje, Florid, en el que un joven intenta equilibrar sus problemas mentales, la medicación y las drogas, con sus ambiciones musicales. El cineasta y guionista británico se lanza al formato largo tras cosechar reconocimientos por sus cortometrajes Suspended Animation (2009), Gold View (2012) o Samuel-613 (2015), con el que fue nominado a un premio BAFTA.
Naëmi Ada (Tübingen, 1994) estrena su ópera primaBody of Glass.El filme cuenta la historia de una joven bailarina que comienza a llevar una vida paralela tras un enfrentamiento con su novio, al que le une una relación tóxica. Antes de estudiar cine y dirigir cortometrajes y obras experimentales, la realizadora alemana se formó en el campo de la danza contemporánea.
Tras mostrar su ópera prima, Lluvia (2023), en varios festivales como Málaga, Miami, Morelia, La Habana o Los Ángeles, Rodrigo García Saiz (Ciudad de México) estrena en San Sebastián Morro. Su segunda película está ambientada en un pueblo mexicano, donde un veterinario, tras la muerte de su hijo, cura al perro de un capo local, de modo que entre ambos se genera un vínculo atravesado por el duelo no resuelto.
La cineasta noruega afincada en Dinamarca Marlene Emilie Lyngstad (Oslo, 1997) debuta en el largometraje con Cute, la historia de un hombre preocupado por sus sentimientos prohibidos, que se niega a vivir con su novia y su hija. Entre los cortometrajes previos dirigidos por Lyngstad destacan Norwegian Offspring (2023), ganador del primer premio de La Cinef, la sección del Festival de Cannes que acoge trabajos presentados por escuelas de cine.
The Ballet Lesson es la segunda obra del director japonés Kazuya Murayama (Ishikawa, 1982) después de Torao (2021). El filme acompaña a un exsoldado ruso en su regreso a Japón en busca de sus hijos, que tienen doble nacionalidad, para llevarlos con su madre, una bailarina de ballet japonesa.
Con experiencia previa como ayudante de dirección y directora de arte, la realizadora kazaja Ayana Nurdinova (Almatý, 1995) presenta su ópera prima. Mugalim está protagonizada por un profesor de música que sueña con abandonar la pequeña localidad de Balkhash, pero que en el camino entiende que la música es igual de importante en todas partes.
El cineasta iraní Massih Parsaei (Teherán, 1992) debuta con Lovers Sleep Alone, una película que fue seleccionada el año pasado en WIP Europa. El filme retrata la vida de un joven exiliado iraní que malvive con trabajos precarios en Berlín. Su único vínculo es con un hombre con el que mantiene sexo esporádico en un parque, hasta que un día recibe la visita de su prima de Teherán a la que apenas conoce.
Ri Guang / Will You Still Be My Friend, es la opéra prima de Lu Po-Shun (Taiwán, 1992). Ambientada en una aldea rural de Taiwán inmersa en un conflicto en plena escalada, plasma la lucha de un joven por conservar la amistad con su mejor amigo, criado en Singapur.
Hristo Simeonov (Bulgaria, 1985) debuta en el largometraje con Obuvkite na bashta mi / My Father’s Shoes. El filme acompaña a una joven y a su madre que deben enfrentarse al reconocimiento del cuerpo sin vida de su padre y marido, de quien estaban distanciadas hacía tiempo.
El director Thomas Woodroffe (Santiago de Chile, 1995), que actualmente cursa el máster de Archivo en la Elías Querejeta Zine Eskola, estrena Bloques erráticos / Erratics. Su primer largometraje narra la historia del fantasma del cineasta Lucien Castelnau que, después de ser liberado de un glaciar tras cien años de cautiverio, deambula por una Patagonia futurista, donde el progreso tecnológico colisiona con historias olvidadas. Su cortometraje Fiebre austral / Austral Fever (2019) obtuvo una mención especial del Premio Nest y se exhibió también en los festivales de Venecia y Toronto.
Después de lograr distintos premios en Busan y Rotterdam con su ópera prima Nam-mae wui Yeo-reum-bam / Moving On (Hermanos en una noche de verano, Perlak, 2020), la directora surcoreana Yoon Dan-bi (Gwangju, 1990) estrenará en San Sebastián su segundo largometraje, The World Before. La producción cuenta la historia de Jin, una joven que vive inmersa en la tranquilidad de una isla remota con su abuela. Tras la muerte de la anciana, Doojae llega a la isla y entre ambos surge una intimidad inesperada.
Todas las películas, además de las producciones españolas ya anunciadas, como Esta soledad / This Solitude, de Javier Giner; El mal hijo / The Bad Son, de Jaime Lorente, que inaugurará la sección, ySieben Tage Februar / February, Seven Days, de Tatjana Moutchnik, optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre la directora o el director y la distribuidora de la película en España. Dicho reconocimiento está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. Además, los trabajos correspondientes a la sección de New Directors optan también al Premio DAMA de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
El Festival de San Sebastián cuenta desde hace más de cinco décadas con una sección dedicada a primeras y segundas películas de sus cineastas, lo que demuestra la apuesta decidida por los nuevos talentos. El certamen donostiarra ha apoyado en sus inicios a cineastas como Olivier Assayas, Nicolas Winding Refn, Jonathan Glazer, Luicile Hadzihalilovic, Bong Joon-ho, Isabel Coixet, Walter Salles o Kevin Smith. Concretamente, las películas seleccionadas el año pasado en esta sección cosecharon cerca de medio centenar de premios y nominaciones tras su paso por San Sebastián.
Intérpretes: Miguel Ángel Puro, Susi Sanchéz, Hugo Arbués, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente
Inauguración
Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación, y luchará a medida que crece por intentar sanarlas
Intérpretes: Jonathan Jules, Saskia Chana, Unknown T
Clausura
Jamal, diagnosticado con esquizofrenia, vive en una residencia junto a otras personas con problemas de salud mental. Frustrado por los efectos secundarios de su medicación, deja de tomarla, lo que provoca que las voces que oye se vuelvan más frecuentes e intensas. Con un estado de ánimo cada vez más inestable, Jamal entabla amistad con Kyla, otra residente. Sin embargo, a medida que las voces se intensifican, Jamal debe enfrentarse a la difusa línea que separa la realidad de los sucesos que vivió su familia en el pasado para lograr reconciliarse con esas voces.
País(es) de producción: Chile – Francia – Argentina
Intérpretes: Denis Lavant, Daniel Muñoz
Liberado de un glaciar tras cien años de cautiverio, el fantasma del cineasta Lucien Castelnau deambula por una Patagonia futurista, donde el progreso tecnológico colisiona con historias olvidadas. Incapaz de encontrar descanso mientras su legado cinematográfico permanece invisible, atraviesa un mundo que lo ha borrado de la memoria, en busca de un lugar en la historia y de la audiencia, que finalmente pueda devolver la vida a su obra perdida
Intérpretes: Soma Pysall, Elise Tilloloy, Manuel Severin, Younès Boucif
Tras un violento incidente con Felix, la bailarina Tian huye de su controladora pareja y de la vida que compartían en Marsella. Aislada y desesperada por conectar con alguien, se infiltra en el grupo de duelo de un joven al que nunca conoció, haciéndose pasar por su novia secreta. Mientras se ve envuelta en el dolor y el afecto de ese círculo, oculta una peligrosa verdad: Felix permanece cautivo y atado en el apartamento. Cuando las mentiras, el duelo y la realidad chocan entre sí, Tian debe decidir si romper el ciclo.
País(es) de producción: Dinamarca – Suecia – Noruega
Intérpretes: Jan Gunnar Røise, Gina Jaqueline , Karin Bertling, Kitt Maiken Mortensen, Molly Kirk Rasmussen
Atormentado por los sentimientos prohibidos que alberga hacia su hijastra, que tiene siete años, Richard decide dejar a su novia para refugiarse en la casa donde creció y reformarla antes de venderla. Pero el retiro que se ha autoimpuesto se ve perturbado por la presencia de Stella, la aniñada cuidadora de su madre. Pronto descubre que lleva una doble vida como camgirl, haciendo de Lolita, y empiezan una relación transgresiva, como si fueran padre e hija, que se hace añicos cuando la hijastra a la que abandonó, retoma el contacto
Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez, Kai Etxaniz, Itziar Lazkano
Leo y Lorea se han querido. Quizá se siguen queriendo. Pero algo en ellos se ha roto. Su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.
Intérpretes: Pooyesh Frozandeh, Ava Darvishi, Marcel Kohler, Wolfgang Wobéto
WIP Europa 2025
Iman ha construido su vida en Berlín en torno a la ausencia: la de su familia, la de Irán y la de ser conocido por los demás. Llena el silencio con trabajo, historias inventadas y noches junto a un hombre con quien se cita en el parque para tener sexo. Cuando su prima, a quien apenas conoce, llega de Teherán para una breve visita, aquello que había dejado atrás regresa silenciosamente a su vida.
Intérpretes: Gustavo Sánchez Parra, Anna Diaz, Ernesto Meléndez
Mateo es veterinario en un pequeño pueblo. Desde la muerte de su hijo, su vida transcurre entre rutinas silenciosas y una culpa que permanece sin nombre. La violencia del lugar no irrumpe: se mantiene latente, como un eco constante. Ese equilibrio frágil se ve alterado cuando Mateo debe curar a Morro, el perro herido de un capo local. En el cuidado cotidiano del animal surge un vínculo inesperado: una relación sin juicio ni palabras, que devuelve el sentido a la vida de Mateo.
Intérpretes: Oljas Dalelkhan, Rustem Zhanyamanov, Shynar Janysbekova, Olga Landina, Gulnara Dusmatova, Akif Petrov, Madina Yesmanova, Anna Starchenko, Ruslan Duysembekov
Zhandos, un apreciado profesor de música que vive en la pequeña ciudad de Balkhash, sueña con mudarse a una gran ciudad. La escuela hace la vista gorda ante sus trabajos extra, pero cuando llega un mecenas nostálgico de su ciudad natal, a Zhandos se le presenta la oportunidad de marcharse. En ese momento, debe decidir qué es más importante: el arte que lleva dentro o su papel en el arte.
Mima ha crecido con la ausencia de su padre y una madre inflexible, Boyka. Cuando llega la noticia de la muerte de su padre y el cadáver regresa al pueblo, reconocerlo se convierte a la vez en un deber y un dilema. Mientras Boyka se niega a ver en esas condiciones al hombre que una vez amó, madre e hija se ven obligadas a encarar un pasado silenciado, y Mina debe decidir qué significa tener que llevar una vida que nunca eligió.
Intérpretes: Jaden Wang, Aloysius Looi, Lung Tien Hsiang, Lu Yi-Ching, Andie Chen, Kate Pang
En medio de un conflicto cada vez más intenso en un pueblo de Taiwán, un chico lucha por proteger la amistad secreta que mantiene con su mejor amigo, criado en Singapur, mientras los enfrentamientos entre los adultos amenazan con separarlos. Al mismo tiempo, empieza a cuestionarse en silencio la verdadera naturaleza de los sentimientos que alberga hacia su colega.
Dos concepciones diferentes de la identidad familiar entran en conflicto cuando un hombre de Odesa y su hijo visitan a su hermano en Alemania para asistir el funeral de su madre en la víspera del estallido de la guerra de Ucrania.
En una ciudad de provincias japonesa, los hermanos Nikita y Nina, de ascendencia nipona y rusa, llevan una vida aislada junto a sus abuelos rusos. Solo conocen a sus padres ausentes a través de los relatos que han oído sobre ellos. Cuando su padre, Nikolai, regresa de forma inesperada, emprende con ellos un viaje en busca de su madre, Yuki, una bailarina de ballet japonesa. En el camino, los niños descubren nuevos paisajes, encuentros fugaces y los frágiles vínculos que unen a una familia.
País(es) de producción: Corea del Sur – Japón – Francia
Intérpretes: Su-bin Sim, Eo-jin Kim
Jin tiene 17 años y nunca ha salido de la isla donde nació: un lugar remoto, sin carreteras que la conecten con tierra firme, y donde el mar marca apaciblemente el ritmo de la vida. Cuando Dujae regresa para el funeral de su abuela, se aloja a solas en la casa que dejó atrás. Jin empieza a buscar pequeñas excusas para visitarle y, poco a poco, verle se convierte en parte de su día a día. A medida que avanza el verano, la isla que siempre ha conocido empieza a resultarle ajena; los caminos, el mar y los rostros que la rodean parecen haberse transformado sutilmente. Jin se descubre observando su entorno —y a sí misma— por primera vez. Pero el verano, al igual que todo lo demás en la isla, no durará para siempre.
· El festival y el director tailandés colaboran en la creación de la imagen de la próxima edición, estableciendo el vínculo entre la identidad del certamen y el universo artístico de uno de los autores esenciales del cine contemporáneo.
· Ganador de la Palma de Oro de Cannes, Weerasethakul se convierte en el primer cineasta internacional en firmar el cartel de la Semana en sus 71 años de historia.
Una obra fotográfica del cineasta y artista visual Apichatpong Weerasethakul protagoniza el cartel de la 71.ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). Por primera vez en su historia, la imagen del festival estará firmada por un cineasta internacional, una decisión que refuerza su visión global e inaugura el vínculo con el director tailandés.
La elección fue tomada tras un extenso y enriquecedor diálogo con Weerasethakul, incorporando al imaginario del festival la mirada artística de una de las voces esenciales del panorama contemporáneo, donde cine, fotografía e instalación forman parte de un mismo proceso creativo.
La fotografía elegida, Power Boy (Mekong) (2011), integra la figura humana en el imponente paisaje del río Mekong, que en tailandés significa «madre del agua». A lo largo de su trayectoria, Weerasethakul ha representado en numerosas ocasiones este río que recorre gran parte del sudeste asiático, estableciéndolo como símbolo de la memoria personal, y de la relación entre vida, muerte e historia. La imagen comparte con sus películas una cuidada construcción visual y una especial atención a la relación entre la presencia humana, el paisaje y la luz.
PobrelaVaca Studio, la agencia de diseño vallisoletana responsable de la identidad de Seminci desde 2024, será la encargada de desarrollar todas las aplicaciones gráficas del cartel de la 71 edición.
Para los directores de Seminci, Javier H. Estrada y Mariona Viader, la imagen escogida sintetiza muchas de las constantes presentes en la obra del cineasta. «Como su cine, la imagen del cartel es profundamente inspiradora: nace de lo cotidiano y, sin dejarlo nunca de lado, se expande con sencillez y naturalidad hacia lo eterno. De la ligereza se pasa a la trascendencia, lo urbano dialoga con la naturaleza y de una oscuridad reveladora emerge la luz de lo humano», señalan.
Considerado una de las figuras imprescindibles del cine de autor de las últimas décadas, Apichatpong Weerasethakul (Bangkok, 1970) ha construido una filmografía reconocida internacionalmente por la libertad de sus formas narrativas y por una exploración constante de la memoria, el tiempo, la naturaleza y la percepción. Entre los principales reconocimientos de su trayectoria figuran la Palma de Oro del Festival de Cannes por Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas, 2010), el Premio del Jurado por Tropical Malady (2004) y el Premio Un Certain Regard por Blissfully Yours (2002).
Su obra más reciente, Memoria (2021), protagonizada por Tilda Swinton, prolonga esa investigación sobre la escucha y la experiencia sensorial que atraviesa buena parte de su trabajo. La película formará parte del ciclo Una historia del sonido (en el cine), uno de los ejes temáticos del festival.
Esa misma mirada se desarrolla también en su faceta como artista visual. Desde hace más de dos décadas, Weerasethakul presenta instalaciones, videocreaciones y series fotográficas en museos, bienales y centros de arte de todo el mundo, donde amplía, desde otros lenguajes, las mismas cuestiones que atraviesan su cine: la relación entre imagen, sonido, espacio y memoria.
Su obra ha formado parte de algunos de los principales circuitos internacionales de arte contemporáneo, como DOCUMENTA 13 (Kassel, 2012) y la Bienal de Venecia (2019), además de exposiciones individuales y colectivas en instituciones como Haus der Kunst (Múnich), Walker Art Center (Minneapolis), New Museum (Nueva York), Irish Museum of Modern Art (Dublín) y Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.
La elección del cartel da continuidad a una idea que comenzó a desarrollarse durante la preparación de esta edición con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del festival, quien propuso que la imagen de Seminci pudiera surgir de una obra fotográfica. Ese planteamiento encuentra ahora su materialización en una creación de Apichatpong Weerasethakul.
Los directores de Seminci destacan que «es un verdadero honor que Apichatpong Weerasethakul se incorpore a la historia del festival de una manera tan significativa, aportando un elemento fundamental de la identidad de nuestra 71 edición». Ambos destacan también el proceso de trabajo desarrollado junto al cineasta: «Hemos colaborado con él durante meses; nos abrió la puerta de sus creaciones con una gran generosidad y valoramos juntos multitud de opciones hasta llegar a la que consideramos la ideal».
La imagen de la 71 edición, que tendrá lugar del 23 al 31 de octubre de 2026, se ha presentado este martes en un acto celebrado en Espacio Seminci, al que han asistido el alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, y la concejala de Turismo, Eventos y Marca Ciudad, Blanca Jiménez, además de Mariona Viader y Javier H. Estrada, codirectores del festival.
Sus películas se suman a las tres producciones españolas que también optarán a la Concha de Oro, dirigidas por Roberto Bueso, Mikel Gurrea y Javier Ruiz Caldera
Los nuevos largometrajes de Nicole Garcia, Pablo Larraín, Mike Leigh, Hans Petter Moland, Benjamín Naishtat y Yeşim Ustaoğlu, además de la ópera prima de Maha Harada, competirán en la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 18 al 26 de septiembre.
La ganadora de un Oscar y Premio Donostia Marion Cotillard y Théodore Pellerin protagonizan 7:40 ce matin-là /Milo, el nuevo largometraje de Nicole Garcia (Orán, 1946), con quien la actriz vuelve a trabajar después Mal de pierres / From the Land of the Moon (El sueño de Gabrielle, 2016). La cineasta, guionista e intérprete francesa estrenará en San Sebastián una historia en la que una mujer sale de prisión y empieza a trabajar de camarera en una cafetería para acercarse a un joven que trabaja en la zona. Garcia participó en el Festival con Un week-end sur deux / Every Other Weekend (Cada dos fines de semana, New Directors, 1990) y algunas de sus películas, como Place Vendôme (1998), L’adversaire / The Adversary (El adversario, 2002) o Amants (Los amantes, 2020), han participado en Venecia y Cannes, entre otros festivales.
Con varios best sellers inspirados en el mundo del arte, como Canvas of Paradise and Guernica Cover up, la escritora y guionista Maha Harada (Tokyo, 1962) debuta como cineasta y optará a la Concha de Oro con Muyou no Hito / In My Father’s Room. Con un guion propio basado en su novela AnUnnecessary Man, la directora japonesa cuenta la historia de la trabajadora de un museo que recibe una misteriosa llave que abre la habitación que en otro tiempo utilizó su fallecido padre.
Pablo Larraín (Santiago de Chile, 1976) regresa con Mis muertos tristes / My Sad Dead, serie que en el Festival será presentada en su formato de largometraje y en cuyo reparto figuran Mercedes Morán, Dolores Fonzi y Carolina Álvarez. La historia, basada en cuatro relatos de Mariana Enriquez, cuenta el caso de Ema, una mujer que puede ver y escuchar a los muertos. Habitual de citas como Venecia, Cannes o Berlín, el director, guionista y productor chileno presentó Spencer, que fue la película sorpresa de 2021, y anteriormente, mostró en Horizontes Latinos obras como Tony Manero (2008), Post mortem (2010) y El club (2015). En Perlak, proyectó No (2012), nominada al Oscar a la mejor película en lengua extranjera, además de Neruda (2016) y Ema (2019).
Tras estrenarse en la Sección Oficial con Hard Truths (Mi única familia, 2024), Mike Leigh (Brocket Hall, 1943)regresa a la competición con Tender Loving Care, un largometraje protagonizado por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson en el que el cineasta británico continúa su lúcida exploración del mundo contemporáneo. Leigh, nominado al Oscar en varias ocasiones, presentó en Perlak la película con la que logró la Palma de Oro en Cannes, Secrets and Lies (Secretos y mentiras, 1996), además de títulos como Naked (Indefenso,1993), con el que obtuvo el Premio al mejor director en el festival francés; All or Nothing (Todo o nada, 2002); Vera Drake (El secreto de Vera Drake, 2004), ganadora del León de Oro de Venecia, o Happy-Go-Lucky (Happy, un cuento sobre la felicidad, 2008).
El cineasta noruego Hans Petter Moland (Oslo, 1955) volverá a la Sección Oficial con Markens Grode / Growth of the Soil, una historia ambientada en algún lugar del norte de Noruega donde una pareja pone a prueba su amor ante los desafíos que se ciernen sobre ellos. Moland, que ha partido de la novela que el Premio Nobel de Literatura Knut Hamsun escribió en 1917, compitió en la Sección Oficial con su segundo largometraje, Kjærlighetens kjøtere / Zero Kelvin en 1995, con el que logró el Premio Especial del Jurado, y que en 2007 el Festival repuso en la retrospectiva Fiebre helada. El director ha participado en varias ocasiones en la Berlinale, donde presentó Beautiful Country (Un lugar maravilloso, 2004), A Somewhat Gentle man (2010), In Order of Disappearance (Uno tras otro, 2014) y Out Stealing Horses (2019).
Benjamín Naishtat (Buenos Aires, 1986) ganó en 2018 con Rojo la Concha de Plata a la mejor dirección y al mejor actor para Darío Grandinetti, además del Premio a la mejor fotografía. Puan (2023) le valió el Premio a mejor guion escrito junto a María Alché, y la Concha de Plata ex aequo a la mejor interpretación protagonista para Marcelo Subiotto. En esta ocasión, el cineasta opta a la Concha de Oro con la película Glaxo, escrita por el director a partir de la novela homónima de Hernán Ronsino y protagonizada, entre otros, por Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Bigliardi. Transcurre en 1957 en un tranquilo pueblo argentino, donde la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes inseparables. Naishtat compitió en Berlín con su debut Historia del miedo / History of Fear (2014), que posteriormente fue programada en Horizontes Latinos. Su segundo largometraje, El movimiento (2015), se presentó en la sección Cineasti del Presente de Locarno. Además, en 2020 ganó el Premio al mejor proyecto del IX Foro de Coproducción Europa- América Latina con su proyecto Pobres Pibes.
Artakalan / What Remains es el título del último largometraje de Yeşim Ustaoğlu (Caykara, 1960), que ganó la Concha de Oro a la mejor película con Pandora’nin Kutusu / Pandora’s Box (La caja de Pandora, 2008), cuya protagonista, Tsilla Chelton, fue reconocida ex aequo con la Concha de Plata a la mejor actriz. En esta ocasión, la cineasta turca cuenta el viaje interior de una poetisa que rompe con el orden asfixiante de su vida para reconectar consigo misma y cuestionarse todo lo que le rodea. Con casi una decena de largometrajes a sus espaldas, Ustaoğlu ha presentado películas como Günese yolculuk / Journey to the Sun (1999) y Araf / Somewhere in Between (2012) en citas como la Berlinale y la Mostra de Venecia, respectivamente.
Estas siete películas se suman a los nueve títulos de Sección Oficial ya anunciados. Entre los largometrajes a concurso figuran El mal padre, de Roberto Bueso; Sants / Saints, de Mikel Gurrea, y 5 minutos más / 5 more minutes, de Javier Ruiz Caldera. La serie El castillo, creada y escrita por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, y codirigida por Elena Martín Gimeno y Sandra Romero, se proyectará fuera de concurso. Y, por ahora, la sección completa su programación con las siguientes proyecciones especiales fuera de concurso: Azken Agurra / The Last Goodbye (Último Adiós), de Koldo Almandoz; Ruega por nosotras / Pray for Us, de Daniel Monzón, Sacamantecas / The Harvester, de David Pérez Sañudo y Bajañí, de Fernando Trueba, además de la serie Más allá de la sociedad / Beyond Society, de Carlos Torres.
Intérpretes: Marion Cotillard, Théodore Pellerin, Artus , Laure Calamy, Alexis Manenti, Anne Brochet, Eric Elmosnino, Charles Berling
Alice llega a una tranquila ciudad de provincias y empieza a trabajar en una cafetería, integrándose sin problemas en una vida que no es la suya. Pero no está allí por casualidad, sino por Milo, un joven mecánico de un garaje cercano. Para él, Alice es una forastera. Para ella, él es alguien ligado a un pasado que nunca ha dejado atrás. Cuando empiezan a emerger tensiones ocultas y Milo se adentra en terrenos inciertos, ambos se ven arrastrados a una disyuntiva: ¿se puede reconstruir un vínculo que se rompió hace décadas?
País(es) de producción: Turquía – Francia – Luxemburgo – Bulgaria
Intérpretes: Öykü Karayel, Metin Akdülger, Ali Kayra Kul, İlyas Salman
Una poetisa rompe con una vida asfixiante para volver a entrar en contacto con su consciencia y su voz interior, cuestionando los conceptos tradicionales de familia y sentido de la vida y abriendo así un nuevo camino para ella y su familia.
Intérpretes: Lali Espósito, Marcelo Subiotto, Esteban Bigliardi, Esteban Lamothe, Manu Fanego, Alan Sabbagh
Chivilcoy, 1957. En una tranquila ciudad argentina, la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes que son inseparables. Décadas más tarde, el pasado resurge y los obliga a enfrentarse a viejas heridas, la culpa y a la posibilidad de vengarse, en un país que ha perdido su inocencia.
País(es) de producción: Noruega – Dinamarca – Alemania
Intérpretes: Herbert Nordrum, Asta Kamma August, Gard B. Eidsvold
Un desconocido aparece tras las montañas, cargando con poco más que su propia determinación. Isak, un hombre sin pasado, busca un lugar donde asentarse y labrarse una vida trabajando la tierra. Más allá del límite del bosque, encuentra una extensión de terreno baldío, tan hostil como prometedora. La tierra lo lleva al límite, hasta que conoce a Inger, una mujer solitaria forjada por la resiliencia, discreta y silenciosa. Juntos desafían a los elementos y construyen una vida, cultivando la tierra y criando a su familia, que crece al compás de las estaciones. Sin embargo, a medida que pasan los años y el mundo los asfixia, el tiempo, las adversidades y el deseo los transforman
Basada en la obra de Mariana Enriquez y dirigida por Pablo Larraín, Mis muertos tristes sigue a Ema, quien puede ver y escuchar a los muertos. Tras la muerte de su madre, Ema recibe la inesperada visita de su sobrina Julie, con quien comparte el mismo inquietante don. Con el regreso de Julie emergerán secretos familiares y heridas que nunca terminaron de sanar; pero también un extraño fenómeno del que nadie saldrá ileso. Todo el barrio sentirá presencias y el particular sonido de sus propios muertos.
Intérpretes: Yu Aoi, Issey Ogata, Eita Nagayama, Eri Watanabe
Satomi trabaja en un museo de arte cuando recibe un sobre que contiene una misteriosa llave. Abre una habitación cuya existencia desconocía que perteneció a su padre, fallecido en soledad un mes antes. Bajo la influencia de ese pequeño objeto, rememora sus últimos días: un hombre que aparentemente había sido marginado por la sociedad pero que se refugiaba en su devoción silenciosa por la palabra, el arte del té y la belleza sutil. Siguiendo el rastro de su soledad, Satomi descubre lentamente el apacible encanto del mundo de su padre.
País(es) de producción: Reino Unido – EEUU – Singapur
Intérpretes: Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn, Alice Bailey Johnson
Mike Leigh, ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes y nominado al Óscar, regresa con un nuevo largometraje que continúa su lúcida exploración del mundo contemporáneo.
La 59.ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se celebrará del 8 al 18 de octubre y reunirá una amplia selección de títulos que reflejarán el excelente momento que vive el género, con propuestas de la escena nacional e internacional. La programación se completará con la recuperación de grandes clásicos del fantástico, una incursión en el fantástico asiático y un homenaje al cine español, poniendo en valor su contribución al género.
Este año, el Festival rinde homenaje a Carrie, la película dirigida por Brian De Palma y basada en la exitosa primera novela de Stephen King, que celebra su 50.º aniversario. Una obra maestra del cine de terror que continúa resonando en el imaginario colectivo y a la que este año se homenajea también en el cartel de Sitges, inspirado en el icónico baño de sangre que marca el clímax de la película.
Carrie, la eterna heroína maldita, monstruosa si es necesario, pero profundamente humana, transformó para siempre la manera de entender el cine de terror. A través del aislamiento y la humillación sufridos por una adolescente de dieciséis años con poderes telequinéticos, la película muestra las grietas de una moral opresiva que acaba convirtiendo a la víctima en monstruo. Bailes de graduación, poderes psíquicos y violencia fueron la antesala del cine de terror de los años ochenta.
Cincuenta años después, Carrie regresa más vigente que nunca en una edición que sitúa en el centro la mirada sobre la infancia y la adolescencia malditas. Coincidiendo con este aniversario, el Festival presentará una espectacular restauración en 4K de la obra maestra de Brian De Palma.
Siguiendo el hilo de la venganza llegamos a ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador, uno de los clásicos indiscutibles del cine español y un canto al terror a plena luz del día. La película explora la pérdida de la inocencia a través de la venganza colectiva de los niños frente a los abusos y las guerras del mundo adulto. Una inquietante pesadilla mediterránea, con escenas rodadas en Sitges, que, lejos de representar una forma de justicia, acaba revelando el fracaso de una sociedad incapaz de proteger a sus miembros más vulnerables.
Coincidiendo con su 50.º aniversario, redescubrimos la película restaurada en 4K, demostrando la capacidad del cine de terror español para renovar el género. Un cine que nos ayuda a comprender los traumas del inconsciente para sublimarlos en forma de imágenes de terror, de la manera que tanto nos apasiona en el Festival de Sitges. Un recordatorio de que mirar hacia la infancia y la adolescencia es también abrir la puerta a repensar el mundo del futuro.
En Sitges, Carrie regresa por partida doble. Basada en la icónica novela debut de Stephen King, Carrie es una reinvención audaz, oportuna y sorprendente del clásico relato de iniciación, adaptada por primera vez como serie de televisión por el visionario Mike Flanagan. Flanagan ejerce como showrunner, guionista, productor ejecutivo y director de cuatro episodios, mientras que Stephen King también participa como productor ejecutivo de la serie. El público de Sitges tendrá la oportunidad de disfrutar del primer episodio, antes del 50.º aniversario de la mítica adaptación cinematográfica dirigida por Brian De Palma en 1976.
En torno a estos dos ejes temáticos, SITGES 2026 presentará una programación que recuperará títulos míticos como Scanners (1981), del maestro del body horror David Cronenberg.
La nueva versión remasterizada nos permitirá disfrutar en 4K de una de las escenas más memorables de la historia del cine de terror, aquella que hizo estallar la cabeza de los espectadores de la era analógica. Sangre falsa, comida para perros enlatada e ingeniosos efectos especiales dan vida al universo de los scanners, individuos que, como consecuencia de los efectos de un fármaco, son capaces de leer, manipular y destruir la mente de los demás, y a quienes el gobierno intentará controlar.
KEN RUSSELL’S THE DEVILS: celebrando un mito en Sitges Classics
Regresa la fascinante historia de obsesión, corrupción, poder político y brujería en la Francia del siglo XVII dirigida por Ken Russell y protagonizada por Oliver Reed y Vanessa Redgrave está considerada una de las obras cumbre del cineasta británico. Producida por Warner Bros. en 1971, la película le valió a Russell el premio a la Mejor Dirección en el Festival de Venecia y el galardón de la National Board of Review.
La versión restaurada que podrá verse en SITGES se basa en el montaje del director, reconstruido por primera vez en 2004 bajo la supervisión del propio Russell y del montador Michael Bradsell, con la colaboración del crítico y divulgador cinematográfico Mark Kermode y del productor Paul Joyce.
El estreno por parte de Warner Bros. Clockwork ofrece, por primera vez, la experiencia cinematográfica íntegra y sin censura que el cineasta siempre imaginó. Además, será la primera ocasión en que la película podrá verse restaurada y en resolución 4K.
Tesis: 30 años de una revolución en el cine de género español
¿Qué hay detrás de la fascinación y el morbo que ejercen las imágenes violentas? Llegamos a la génesis de esta atracción por el horror con una magnífica Ana Torrent que investiga los efectos de la violencia en el audiovisual. Convertida ya en una obra de culto del cine de terror contemporáneo, Tesis cumple 30 años y es uno de los grandes homenajes de esta edición. Su esperada restauración reivindica, una vez más, el excepcional legado del cine español.
Se trata de una edición remasterizada de la película supervisada por el propio director, Alejandro Amenábar, que estará presente durante el estreno de la película en el Festival. El filme podrá verse en 2K y se proyectará a 25 fotogramas por segundo, la velocidad original a la que fue rodado, recuperando así el ritmo real de los diálogos y las interpretaciones. Asimismo, se restaurarán las dinámicas de audio de la mezcla original y se ampliarán a nuevos formatos, como Dolby Atmos, que añade una dimensión vertical al sonido.
Junto a esta celebración de Tesis, SITGES 2026 ofrecerá la oportunidad de recuperar otro gran clásico del cine de terror: Holocausto Caníbal (1980), que regresa restaurada en 4K. El italiano Ruggero Deodato dirigió un falso documental en forma de fábula ecosocial sobre los límites de la ambición del mundo occidental y la violencia colonial convertida en espectáculo, que no dejará indiferente a nadie. En el momento de su estreno fue prohibida en más de cincuenta países, convirtiéndose en una de las películas más controvertidas de la historia del cine.
Nos hace especial ilusión presentar el estreno de la versión restaurada en 4K de King Kong (1976). Divertida, irreverente y plenamente vigente, esta auténtica joya analógica del director John Guillermin y del productor Dino De Laurentiis recupera al simio más emblemático —también protagonista de nuestro logotipo— para construir una metáfora sobre la colonización, la explotación de los recursos naturales y la ambición desmedida.
El género fantástico al frente de una selección diversa y heterodoxa
Recién llegada de Cannes tras su paso por Sundance, Leviticus, del cineasta australiano Adrian Chiarella, propone una historia de terror sobrenatural que recurre al imaginario bíblico para explorar la culpa, el fanatismo religioso y la represión del deseo homosexual. Por su parte, Her Private Hell, del reconocido director danés Nicolas Winding Refn, vuelve a demostrar su hipnótico universo visual con un thriller que se adentra en la intimidad y la psique de sus personajes para retratar una deriva marcada por la obsesión, el deseo y la violencia.
Con Kill Me, Peter Warren debuta en el largometraje con una comedia negra que convierte la muerte en un perverso juego de seducción, misterio y supervivencia. Protagonizada por Charlie Day y Allison Williams, la película combina humor negro, suspense y una reflexión sobre la identidad y la autodestrucción. También se suma Sanguine, ópera prima de la cineasta francesa Marion Le Coroller, que explora los vínculos de sangre, el cuerpo y la supervivencia desde una mirada física y sensorial.
Entre las nuevas incorporaciones se encuentra Hungry, de James Nunn, un thriller de supervivencia que recupera el espíritu de las grandes creature features con la historia de un grupo de turistas perseguidos por un hipopótamo asesino en los pantanos de Luisiana.
La directora finlandesa Hanna Bergholm (Hatching) presentará Nightborn, un inquietante folk horror ambientado en los bosques de Finlandia que convierte la maternidad en una pesadilla y explora los límites entre el instinto, el cuerpo y el terror psicológico. Drag, debut de Raviv (Ricky) Ullman y Greg Yagolnitzer, combina thriller y comedia negra en torno a un robo fallido que desemboca en una situación tan absurda como angustiosa.
También podrá verse The Birthday Party (Histoires de la nuit), el nuevo trabajo de Léa Mysius, presentado en competición en el Festival de Cannes. La directora francesa adapta la novela de Laurent Mauvignier en un thriller que transforma una celebración familiar en una pesadilla donde las tensiones acumuladas terminan aflorando.
Lotfy Nathan ofrecerá con The Carpenter’s Son una inquietante reinterpretación de los relatos bíblicos inspirada en el evangelio apócrifo de la infancia de Jesús. Protagonizada por Nicolas Cage, FKA Twigs y Noah Jupe, la película combina thriller psicológico y horror sobrenatural. También podrá verse The End of It, la ópera prima de Maria Martínez Bayona, que imagina un futuro en el que la muerte es opcional para reflexionar, con humor y sensibilidad, sobre la inmortalidad, la inteligencia artificial y el significado de seguir siendo humanos.
El director francés Guillaume Canet presentará Karma, un intenso thriller psicológico sobre la culpa, los secretos del pasado y la fragilidad de los vínculos personales. Victorian Psycho, de Zachary Wigon (Sanctuary), adapta la novela de Virginia Feito en una elegante combinación de terror gótico y humor negro protagonizada por Maika Monroe.
Por su parte, la directora Meredith Alloway presentará Forbidden Fruits, una singular propuesta de folk horror y terror corporal que, a partir de un aquelarre de jóvenes mujeres, explora la identidad, la amistad y el deseo a través de una fábula tan provocadora como inquietante.
El director estadounidense Dave Boyle presentará Never After Dark, un inquietante thriller sobrenatural que sigue a una médium itinerante por el Japón rural dedicada a ayudar a las almas perdidas a cruzar al otro lado.
Tras el éxito mundial de la primera entrega, Apocalipsis Z: El principio del fin, en Prime Video, Carles Torrens regresa con la trepidante Apocalipsis Z: Nuevo Mundo. Basada en la saga literaria de Manel Loureiro, esta secuela amplía su universo postapocalíptico con más acción y una historia coral que retoma la lucha por la supervivencia en un mundo devastado por un virus letal. En esta nueva entrega, las Islas Canarias se convierten en el último refugio de Europa, el único territorio que parece haber escapado de la pandemia. La película llegará a Prime Video este Halloween en más de 240 países y territorios.
El fantástico asiático, más vivo que nunca
Damos la bienvenida un año más al continente asiático. El Festival estrenará Colony, la esperada nueva película del surcoreano Yeon Sang-ho (Train to Busan, Hellbound), un intenso thriller de ciencia ficción que arranca cuando un virus se propaga durante una conferencia de biotecnología, provocando mutaciones entre los asistentes y obligando a las autoridades a sellar las instalaciones.
Por su parte, Joko Anwar (Impetigore, Satan’s Slaves) firma Ghost in the Cell, una explosiva mezcla de terror, acción y humor negro ambientada en una prisión donde una fuerza sobrenatural obliga a reclusos y funcionarios enfrentados a unir fuerzas para sobrevivir
También descubriremos Salmokji: Whispering Water, del debutante Lee Sang-min, que traslada a un equipo de rodaje hasta un embalse maldito donde unas imágenes imposibles despiertan un horror oculto bajo las aguas; The Eyes, del surcoreano Yeom Ji-ho, remake de la española Los ojos de Julia, un thriller psicológico que difumina la frontera entre la realidad y lo invisible; y The Mouths, del director japonés y referente del J-horror Takashi Shimizu (Ju-on), una propuesta de terror sobrenatural que convierte el cuerpo y la palabra en un espacio de tensión entre el deseo, la violencia y la identidad.
El maestro japonés Kiyoshi Kurosawa sorprenderá con Kokurojo: The Samurai and the Prisoner, su primera incursión en el cine de samuráis, un misterio feudal en el que el asedio de un castillo se convierte en un juego de sospechas, conspiraciones y presencias inquietantes.
Por último, el documental The Origin of Ultraman, dirigido por Yutaka Nakamura y Kazuki Yoshida, recorrerá la historia y el legado de uno de los grandes mitos de la cultura popular japonesa, coincidiendo con el 60.º aniversario del legendario superhéroe.
WomanInFan: Horror Girls América Latina
Se presentará la publicación Horror Girls América Latina, una nueva entrega de la colección de investigación impulsada por el programa WomanInFan del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. El volumen recupera y reivindica la contribución de las cineastas al desarrollo del cine fantástico latinoamericano a través de una panorámica histórica elaborada por especialistas de todo el continente, que analiza los vínculos del género con la memoria, el colonialismo, la identidad, el folclore y otras realidades culturales.
Tras los volúmenes dedicados a Europa y a Estados Unidos y Canadá, esta nueva entrega amplía el mapa hacia un territorio donde monstruos, brujas, fantasmas, folk horror, ciencia ficción y realismo mágico dialogan con algunas de las realidades sociales, políticas y culturales más complejas del mundo, demostrando que el fantástico latinoamericano constituye uno de los espacios de mayor riqueza, diversidad y capacidad de renovación del cine contemporáneo.
La mente indómita. Poderes psíquicos, paranoia y cine fantástico
Asimismo, se publicará La mente indómita. Poderes psíquicos, paranoia y cine fantástico, un volumen coordinado por Àngel Sala y Jordi Sánchez-Navarro que, coincidiendo con el 50.º aniversario de Carrie (Brian De Palma, 1976), reflexiona sobre la representación de los poderes mentales en el cine fantástico.
Con textos de Gerard Casau, Mònica Garcia i Massagué, Carles Martínez Agenjo, Àngel Sala, Jordi Sánchez-Navarro y Xavi Sánchez Pons, el libro explora la fascinación y el temor que despiertan las capacidades psíquicas, convertidas a menudo en metáfora del poder, el trauma y la diferencia.
Concebido como un antes, un durante y un después de aquel estallido de 1976, el libro recorre la arqueología del cine de poderes mentales anterior a Carrie, el trauma como superpoder en la obra de Stephen King, la extensa descendencia de las «hijas de Carrie» y el psicopoder como subgénero, la cultura pop parapsicológica de la Transición española y su huella en el cine nacional, así como la deriva contemporánea que va de X-Men a Stranger Things, cuando el don empieza a dejar de ser una maldición para convertirse en una reafirmación.
La serie ‘El castillo’ participará fuera de concurso en la Sección Oficial Los largometrajes ‘Azken Agurra’, ‘Ruega por nosotras’, ‘Sacamantecas’ y ‘Bajañí’ formarán parte de Proyecciones Especiales junto a la serie ‘Más allá de la Sociedad’ Javier Giner, Jaime Lorente y Tatjana Moutchnik concursarán en New Directors con sus primeras películas
Sección oficial a concurso
Tras pasar por Made in Spain con sus largometrajes La banda (2019) y Llenos de gracia (2022), Roberto Bueso (Valencia, 1986) concursa por primera vez por la Concha de Oro con El mal padre,su tercera película, protagonizada por Eduard Fernández. Después de años distanciados, el célebre escritor y académico Santiago Balmes reúne a sus tres hijos para pedirles un último deseo: pasar las Navidades en la casa donde veraneaban de niños.
Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) regresa a la competición con Sants / Saints, en la que una mujer, interpretada por Victoria Luengo, entra a formar parte de un grupo de ladrones de figuras religiosas, mientras lidia con la inminente muerte de su madre (Ariadna Gil). Suro (Sección Oficial, 2022), debut en el largometraje del cineasta donostiarra desarrollado en Ikusmira Berriak, logró el Premio Irizar al Cine Vasco, el Premio FIPRESCI de la crítica internacional y el Premio Euskal Gidoigileen Elkartea al mejor guion.
5 minutos más / 5 more minutes es la película con la que se estrena en la competición oficial Javier Ruiz Caldera (Viladecans, 1976). El filme está protagonizado por Javier Cámara, Berto Romero, que también firma el guion, y Belén Cuesta. La historia se centra en un matrimonio en crisis, atrapado en un bucle temporal. El director catalán participó en el I Encuentro de Escuelas de Cine (hoy Nest) con el cortometraje Treitum (2002), para después volver a San Sebastián con trabajos como Superlópez (Made in Spain, 2019) o El otro lado (Velódromo, 2023), serie codirigida junto a Alberto de Toro.
Una serie fuera de concurso en la Sección Oficial
El castillo, un policiaco de seis capítulos que cuenta la historia real del auge de la mafia proxeneta española, se proyectará fuera de concurso. La serie, basada en el libro de no ficción El proxeneta, de Mabel Lozano, está creada y escrita por Isabel Peña (Zaragoza, 1983), coguionista de Que Dios nos perdone (Sección Oficial, 2016), As Bestas (Perlak, 2022) o El ser querido, y Eduardo Villanueva (Madrid, 1981), productor y coguionista de Antidisturbios (Sección Oficial fuera de concurso, 2020). La dirección principal corre a cargo de Elena Martín Gimeno (Barcelona, 1992), autora de largometrajes como Júlia ist (Made in Spain, 2017) y Creatura, desarrollado en Ikusmira Berriak (2020), que se proyectó en Made in Spain (2023) y recibió el Premio Dunia Ayaso. También participa como directora Sandra Romero (Écija, 1993), que presentó en el Festival su ópera prima, Por donde pasa el silencio (New Directors, 2024).
Cuatro largometrajes y una serie en Proyecciones Especiales
La Sección Oficial incluirá en su apartado Proyecciones Especiales cinco títulos fuera de concurso.
Tras Sipo Phantasma (Zabaltegi-Tabakalera, 2016) y Oreina (New Directors, 2018), Koldo Almandoz (San Sebastián, 1973) estrenará su tercer largometraje Azken Agurra / The Last Goodbye (Último Adiós). En esta dramedia existencialista, Iñigo Azpitarte e Izaro Nieto interpretan al dueño de una empresa de funerales laicos personalizados y a una joven que hace prácticas en su oficina. El cineasta donostiarra es un veterano del Festival en el que ha participado desde 1997 con una docena de producciones, entre las que destacan cortometrajes incluidos en su día en el programa Kimuak o la serie Zeru ahoak / Mouths of Sky (Bocas de cielo) (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2025).
Daniel Monzón (Palma de Mallorca, 1968) presentará Ruega por nosotras / Pray for Us, un largometraje ambientado en 1974 que sigue el internamiento de Ana (Zoe Bonafonte), una joven rebelde de 19 años, en el denominado Patronato de Protección de la Mujer de Madrid. Monzón, que en 2015 fue parte del jurado oficial y clausuró fuera de concurso la Sección Oficial con Las leyes de la frontera (2021), suma en su filmografía títulos de éxito como El corazón del guerrero (Made in Spain, 2000) o La caja Kovak (2006), así como Celda 211 (Made in Spain, 2010) y El niño (2014), ganadoras de ocho y cuatro premios Goya, respectivamente.
Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz protagonizan el tercer largometraje de David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987), que será una Proyección Especial en la gala conjunta de RTVE-EITB. Sacamantecas / The Harvester es un thriller inspirado en hechos reales ambientado al final de la III Guerra Carlista, cuando varias mujeres son estranguladas en Vitoria y la hermana de una de una de las víctimas busca justicia. Pérez Sañudo consiguió con su debut, Ane (New Directors, 2020), el Premio Irizar al Cine Vasco y el Premio Euskal Gidoigileen Elkartea al mejor guion además de tres premios Goya. Después de presentar la miniserie Alardea (Gala EITB, 2020) y ser seleccionado en 2023 en Ikusmira Berriak con La última noche de un Erasmus en Roma, Pérez Sañudo regresó a New Directors en 2024 con Azken erromantikoak (Los últimos románticos).
Con Más allá de la sociedad / Beyond Society, el director Carlos Torres (Alicante, 1985) lleva a la pantalla la historia de cómo una comunidad aprendió a convivir con la tragedia tras el accidente de los Andes en 1972. Esta serie de no ficción creada por J. A. Bayona y Carlos Torres retoma el relato allí donde terminaba la película La sociedad de la nieve (Perlak, 2023): después del rescate, cuando los supervivientes regresaron a sus hogares y se reencontraron con las familias de quienes no volvieron. La serie de tres capítulos continúa ahora el filme que se estrenó en Venecia, obtuvo doce premios Goya, dos nominaciones al Oscar —entre ellas a mejor película internacional— y el Premio del Público en San Sebastián.
Fernando Trueba (Madrid, 1955) presentará Bajañí, un recorrido sonoro por tres países y universos musicales a través de la guitarra de Niño Josele. El cineasta madrileño, ganador del Oscar a la mejor película en lengua extranjera por Belle époque (1993), ha presentado en San Sebastián su primer cortometraje En legítima defensa (Sección Oficial, 1978); Mientras el cuerpo aguante (Sección Oficial, 1982); El milagro de Candeal (Velódromo, 2004); El baile de la victoria (Sección Oficial fuera de concurso, 2009); El artista y la modelo (Sección Oficial, 2012), ganadora de la Concha de Plata al mejor director; El olvido que seremos, con la que clausuró la Sección Oficial fuera de concurso en 2020, y Dispararon al pianista (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2023).
Tres títulos en New Directors
Javier Giner (Barakaldo) se estrena en el largometraje con Esta soledad / This Solitude, tras codirigir la serie Yo, adicto (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2024). Su primera película aborda el vacío existencial y los vínculos frágiles en un Bilbao donde Oriol Pla y Marina Salas interpretan a dos jóvenes que sobreviven en un estado de confusión y soledad.
También debutará en el largometraje Jaime Lorente (Murcia, 1991), cuya ópera prima, El mal hijo / The Bad Son, está basada en la novela homónima de Salvador S. Molina. Susi Sánchez, Miguel Ángel Puro y Hugo Arbués encabezan el reparto de este drama familiar sobre un niño abandonado por su padre que se ve obligado a vivir con su abuela.
Sieben Tage Februar / February, Seven Days, que el año pasado fue el proyecto ganador del Premio de la Industria WIP Europa y el Premio WIP Europa 2025 en San Sebastián, es el debut en el largometraje de Tatjana Moutchnik (Kiev, 1988). La directora germano-ucraniana utiliza la invasión rusa de su país como telón de fondo del reencuentro entre dos hermanos ucranianos en Stuttgart para el entierro de su madre. En 2014, Moutchnik participó en Nest con el cortometraje Der letzte Kuss / The Last Kiss.
Dos largometrajes de Cannes y tres de la Berlinale, en Horizontes Latinos
Fernando Eimbcke (Ciudad de México, 1970), que participó en 2025 en Horizontes Latinos con Olmo, regresa a la sección con Moscas / Flies, galardonada con el Premio de la Industria WIP Latam en 2025. En la película, presentada este año a concurso en la Berlinale, una mujer de 55 años debe lidiar con la soledad, la precariedad y una intervención quirúrgica que no se puede costear. En 2008, el cineasta proyectó en San Sebastián el corto No todo es permanente (Nest) y el largometraje Lake Tahoe (Perlak), que en 2011 fue programado nuevamente en 4+1 Cine mexicano contemporáneo. La retrospectiva exhibió además el filme colectivo Revolución, que contaba con un segmento dirigido por Eimbcke. Con Club Sándwich (Sección Oficial, 2013) obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección.
Ceniza en la boca / Ashes, estrenada en las Proyecciones Especiales del pasado Festival de Cannes, es el sexto largometraje del mexicano Diego Luna (Ciudad de México, 1979). El director, actor y productor regresa al Festival para mostrar la cruda realidad que dos hermanos se encuentran al emigrar de México a Madrid. Luna debutó tras la cámara con Abel (2010), que después de su estreno en Sundance, pasó por Cannes Séances Spéciales, y ganó el Premio Horizontes y el Premio de la Juventud en San Sebastián. En 2011, volvió a proyectarse en la retrospectiva 4+1: Cine mexicano contemporáneo junto al filme colectivo Revolución, que incluía a Luna como codirector. Además, Perlak acogió la proyección de César Chávez (2014) después de su presentación en Berlinale Special.
Manuela Martelli (Santiago de Chile, 1983) fue jurado de Horizontes Latinos en 2022, una sección en la que un año antes proyectó su ópera prima 1976. La cineasta regresa ahora al Festival para presentar El deshielo / The Meltdown (Proyecta, 2022), estrenada en Un Certain Regard de Cannes. Se trata de un thriller protagonizado por dos niñas que se conocen en un hotel de montaña en Chile, y cuando una de ellas desaparece, la investigación revela secretos ocultos.
Marcelo Martinessi (Asunción, 1973) presenta Narciso, ganadora del Premio FIPRESCI en la Berlinale 2026, donde tuvo su estreno mundial en la sección Panorama. En 2020, el proyecto —entonces titulado ¿Quién mató a Narciso? — obtuvo el Premio DALE! (Desarrollo América Latina-Europa) en el Foro de Coproducción del Festival de San Sebastián. Con su ópera prima, Las herederas (2018), el cineasta paraguayo ganó el VI Premio Sebastiane Latino y participó posteriormente en Horizontes Latinos, tras obtener en la Berlinale el Premio Alfred Bauer, el Oso de Plata a la Mejor Actriz, el Premio FIPRESCI y el Premio Teddy.
Chicas tristes / Sad Girlz (Proyecta, 2022 y WIP Latam, 2025) es la ópera prima de la cineasta mexico-española Fernanda Tovar (Ciudad de México, 1991), quien se alzó con el Gran Premio del Jurado y el Oso de Cristal a la mejor película en la sección Generation 14plus de la Berlinale. El filme sigue a un grupo de amigas, cuya amistad se pone a prueba después de que un suceso las obligue a tomar la decisión de guardar silencio o hacer justicia. Previamente dirigió los cortometrajes Mi edad, la tuya y la edad del mundo (2022), proyectado en la Semana de la Crítica de Cannes, y Quiero estrellarme en seco contra el parabrisas del amor (2024), estrenado en Tribeca.
Cinco títulos en Zabaltegi-Tabakalera
Catorce noches se suceden y conforman entre ellas un friso enHAMALAU gau (CATORCE noches). La última película del director navarro Oskar Alegria Suescun (Pamplona, 1973) cuenta con las voces de Ramón Andrés, Julia Otxoa, Josebe Blanco, Josu Venero, Iban Urizar (Amorante), Bertha Bermúdez, Mixel Etxekopar y Jean-Christophe Galtxetaburu, entre otros, para recrear el universo de Oteiza. Alegria proyectó en el Festival su ópera prima, Emak Bakia baita / The Search for Emak Bakia (La casa Emak Bakia) (Zabaltegi-Especiales, 2012).
Meritxell Colell Aparicio (Barcelona, 1983) llega a Zabaltegi-Tabakalera con su nuevo largometraje, Lejos de los árboles / Far From the Trees (Ikusmira Berriak 2022 y Proyecta, 2021), que competirá en la sección oficial en el Festival de Locarno. El filme narra el viaje a Perú de Adela, una artista mexicana, nieta de exiliados republicanos, que sigue el legado de su abuelo: crear un mapa sonoro de lenguas en peligro de desaparición. Colell estrenó en Forum de la Berlinale su debut Con el viento (Made in Spain, 2018), que después obtuvo la Biznaga de Plata a la mejor película en Zonazine del Festival de Málaga. Además, Dúo fue seleccionada en 2018 en el Foro de Coproducción Europa-América Latina. Ha formado parte de programas y residencias artísticas como l’Atelier de la Cinéfondation de Cannes y Berlinale Talents.
Estrenada en la Quincena de Cineastas de Cannes, Les Roches rouges / Red Rocks (Rocas rojas) del cineasta galo Bruno Dumont (Bailleul, 1958), traslada al espectador la rivalidad entre dos bandas de niños pequeños, que se enfrentan al amor, la vida y la muerte. Dumont concursó en la Sección Oficial con Hadewijch (2009). Ese mismo año, su película L’humanité (1999) fue programada en la retrospectiva La contraola: novísimo cine francés. Posteriormente, participó en Zabaltegi-Tabakalera con la serie P’tit Quinquin / Li’l Quinquin (2014), y su continuación Coincoin et les Z’inhumains / Coincoin and the Extra-Humans (2018).
Isaki Lacuesta (Girona, 1975) presentará la no ficción Jaleos / Flamenco Sketches, un recorrido por la historia del flamenco narrado por C. Tangana y que conecta arte, política y cultura popular. El director, guionista y productor catalán ha ganado la Concha de Oro en dos ocasiones con Los pasos dobles (2011) y Entre dos aguas (2018), y ha participado en la Sección Oficial con Los condenados (Premio FIPRESCI, 2009), Murieron por encima de sus posibilidades (Sección Oficial fuera de concurso, 2014) y la serie Apagón (Sección Oficial fuera de concurso, 2022). Otras incursiones de Lacuesta en San Sebastián son La noche que no acaba (2010) y El cuaderno de barro (2011), ambas en Zabaltegi-Tabakalera; Un año, una noche (Perlak, 2022); Segundo Premio (Made in Spain, 2024) y Flores para Antonio (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2025), codirigida con Elena Molina.
La sección también acogerá el estreno de Dust (La deriva), dirigida por el cineasta malayo Tsai Ming-Liang (Kuching, 1957). Se trata de una nueva entrega de su serie El caminante, que sigue por el mundo al monje budista que esta vez ha escogido San Sebastián y Gipuzkoa como telón de fondo de su paseo meditativo. Tsai Ming-Liang, que participó con Rebels of the NeonGod (1993) en Zabaltegi – New Directors, y con Rizi / Days (2020) en Zabaltegi-Tabakalera, ha obtenido premios como el León de Oro de Venecia o el Premio Especial del Jurado de la Berlinale.
‘La bola negra’, en Perlak
Javier Ambrossi (Madrid, 1984) y Javier Calvo (Madrid, 1991) regresan a San Sebastián con La bola negra, que en la 79ª edición del Festival de Cannes se alzó con el premio a la mejor dirección ex aequo junto al director polaco Pawel Pawlikowski por su filme Vaterland / Fatherland. Inspirada en una obra inacabada de Federico García Lorca, la película plasma las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas (1932, 1937 y 2017), tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia. El dúo presentó en la Gala RTVE su debut en la dirección, La llamada (2017), y estrenó en la Sección Oficial fuera de concurso la serie La Mesías (2023). Los directores, guionistas y productores son también los creadores de las series Paquita Salas (2016) y Veneno (2020).
Música y karate en el Velódromo
La programación del Velódromo incluirá la proyección de Muguruza FM 40 Tour, codirigido por Ander Merino Etxebeste (San Sebastián, 1995) y Fermin Muguruza (Irun, 1963). El documental, realizado en el contexto de la última gira musical de Muguruza, retrata sus 40 años de compromiso, resistencia cultural y canciones convertidas en identidad colectiva. El músico guipuzcoano ha mostrado sus trabajos previos como director en secciones como Zinemira, donde presentó Checkpoint Rock. Canciones desde Palestina (2009), Next Music Station: Lebanon (2011), NOLA? (2016), Black is Beltza (2018) o Bidasoa 2018-2023 (2023); Zuloak (Zabaltegi Especiales, 2012) y Black is Beltza II: Ainhoa (Velódromo, 2022).
Tras Ventajas de viajar en tren (2019) y Moscas (2023), Karateka es el tercer largometraje de Aritz Moreno (San Sebastián,1980), en cuyo reparto figuran nombres como Andrea Ros, Patrick Criado o Ernesto Alterio. El director donostiarra cuenta la historia de Sandra Sánchez, una mujer que desafió todas las convenciones hasta conquistar el oro olímpico de karate, en la modalidad de kata, a los 39 años. Moreno participó en Zinemira-Kimuak con Bucle (2011) y Cólera (2013).
A todos estos títulos se sumarán otros nuevos con producción española a medida que vaya anunciándose la programación de las distintas secciones del Festival de San Sebastián.
Intérpretes: Javier Cámara, Berto Romero, Belén Cuesta, Carlos Bernardino, Marc Soler, Clàudia Melo
5 minutos más narra la historia de un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el tiempo retrocede 5 minutos.
Intérpretes: Eduard Fernández, Adam Jezierski, Francesco Carril, Meritxell Calvo, Cristina Plazas
Después de años distanciados, el célebre escritor y académico Santiago Balmes reúne a sus tres hijos para pedirles un último deseo: pasar las Navidades en la casa donde veraneaban de niños.
Elena Martín Gimeno (España), Sandra Romero (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Raúl Arévalo, Valentina Vidal, Omar Ayuso, Laia Marull
Fuera de concurso
Gerardo Liesa, un joven inspector de policía recién incorporado a la UCRIF (Unidad Central de Redes de Inmigración Ilegal y Falsedades Documentales), y su compañera Carmen Osés intuyen que algo está cambiando en los burdeles de toda España. Suizo y sus socios dirigen varios clubs de carretera donde explotan sexualmente a prostitutas llegadas de todo el mundo. Una de esas mujeres es Claudia, que con 18 años y un hijo pequeño en Colombia, acaba de llegar a España buscando un futuro mejor
Cuando eres el dueño de una empresa de funerales laicos. Cuando te han retirado el carnet por conducir borracho. Cuando te enamoras de una estudiante de prácticas 25 años más joven. Cuando tu hija comienza a darse cuenta de que no eres el padre que ella creía que eras. Cuando el boxeador retirado al que pediste dinero anda detrás de ti. Cuando la muerte te interesa más que la vida… ¿Qué puede salir mal?
Bajañí es el nombre que recibe la guitarra española en caló. Partiendo de este instrumento, y en concreto, de la guitarra y el arte de Niño Josele, Fernando Trueba invita a los espectadores a escuchar la música como nunca lo habían hecho. Se trata de un nuevo viaje musical en su cinematografía a través de tres planetas musicales: flamenco, jazz y música brasileña, donde Niño Josele y su guitarra dialogan musicalmente con Caetano Veloso, Ron Carter, Rubén Blades, Kenny Barron y Marisa Monte.
El accidente de los Andes no terminó con el rescate. Otra historia empezó cuando los supervivientes regresaron al barrio donde les esperaban las familias de quienes no volvieron. Mientras el mundo convertía su tragedia en un relato universal, ellos tuvieron que aprender a convivir con el peso de lo que habían hecho. Esta serie recorre medio siglo de una comunidad marcada por la grieta entre vivos y muertos y descubre cómo volver a contar una historia puede cambiar la manera de afrontarla
Año 1974. Ana es una chica rebelde de 19 años. Tras una fuga nocturna, su padre decide ponerla en manos del Patronato de protección a la Mujer. Es trasladada de Barcelona a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas y sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando consuelo y apoyo en la amistad con Sole, una chica de pueblo con una vitalidad contagiosa, y otras chicas que están en su misma situación.
Intérpretes: Antonio de la Torre, Patricia López Arnaiz, Josean Bengoetxea, Eneko Sagardoy, Haizea Carneros
Proyecciones especiales – Fuera de concurso
Álava, siglo XIX. Mientras la III Guerra Carlista agoniza, varias mujeres aparecen estranguladas en las afueras de Vitoria. Ángela Berrosteguieta, hermana de una de las víctimas, llega en busca de justicia, decidida a demostrar que Juan Díaz de Garayo, un campesino analfabeto, es el responsable de los crímenes. Sin embargo, Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, se enfrenta a la falta de recursos en tiempos de guerra y a la presión de las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos.
Intérpretes: Miguel Ángel Puro, Susi Sanchéz, Hugo Arbués, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente
Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación, y luchará a medida que crece por intentar sanarlas
Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez, Kai Etxaniz, Itziar Lazkano
Leo y Lorea se han querido. Quizá se siguen queriendo. Pero algo en ellos se ha roto. Su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.
Dos concepciones diferentes de la identidad familiar entran en conflicto cuando un hombre de Odesa y su hijo visitan a su hermano en Alemania para asistir el funeral de su madre en la víspera del estallido de la guerra de Ucrania.
En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban.
La Maestra y Paula son las mejores nadadoras de su equipo y mejores amigas hasta que un incidente en una fiesta lo trastoca todo. La Maestra, intensa e imparable, nota que algo en su mejor amiga ha cambiado: ahora está triste. Cuando la verdad sale a la luz, ambas se enfrentan a una decisión imposible: Paula quiere guardar silencio, y la Maestra quiere justicia. Su amistad, antes invencible, se pone a prueba como nunca.
País(es) de producción: Chile – EEUU – España – México
Intérpretes: Maya O’Rourke, Saskia Rosendahl, Maia Rae Domagala, Jakub Gierszal, Paulina Urrutia
Proyecta 2022
Chile, 1992. Durante su estancia en el hotel de sus abuelos en las montañas, Inés se hace amiga de Hanna, una esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece sin dejar rastro, su búsqueda revela verdades que se mantenían ocultas.
Desde que Olga sufrió una gran pérdida, se ha aferrado a la soledad, pero la falta de dinero para llevar a cabo una intervención quirúrgica en el dedo gordo de su pie la orilla a rentar un cuarto de su departamento a Tulio, el marido de una paciente hospitalizada en el centro médico que se encuentra frente al enorme multifamiliar en el que vive Olga. Cuando el hombre debe irse por unos días y deja a su hijo Cristian en su lugar.
Paraguay, 1959. Bajo un régimen militar sofocante, Narciso regresa de Buenos Aires fascinado por el rock and roll. Carismático, enigmático y deseado por hombres y mujeres, pronto se convierte en una estrella de la radio y en un símbolo de libertad. Pero tras su último show aparece sin vida. En un país donde el silencio domina y el miedo asfixia la verdad… ¿quién mató a Narciso?
El Caminante llega a San Sebastián, un paisaje de luminosa belleza. Una franja de color rojo ocre se mueve lentamente a través de los bosques y a lo largo del borde del viento y el mar, entre el ruido de la noche y la quietud del día. Con pasos pausados, circula ante los ojos de muchos: una figura tranquila en la inmensidad del mundo, dejando una huella fugaz en la memoria de los desconocidos. El pasado y el presente se funden entre sí. Tanto la creación como la naturaleza se disuelven en polvo.
«En esta película se hará de noche 14 veces. Las iremos contando”. Así comienza este viaje noctámbulo y musical, una deriva por el ideario del artista vasco Jorge Oteiza, en la que domina una noche: la que transcurre en la basílica de Arantzazu. Allí se vive la noche más larga, junto al órgano del santuario, donde el cineasta Oskar Alegria se encierra para contar las 14 noches al pianista Iñar Sastre, a quien convoca para que imagine a través de las teclas unas imágenes que el músico no verá. De este desafío surge una colección de 14 lunas, 14 oscuridades, 14 misterios que conforman un mismo friso. 14, como el número de apóstoles que Oteiza logró colocar en la fachada de ese mismo lugar, y 14 porque, como él mismo decía, “no cabían más”.
A partir de materiales de archivo y una estructura fragmentada y polifónica, la película propone una historia del flamenco que lo vincula con la modernidad, lo popular y lo político. A través de relatos, asociaciones inesperadas y figuras de distintos tiempos y contextos, el filme explora un flamenco impuro, en constante diálogo con el mundo, donde conviven tradición, cultura de masas e imaginario contemporáneo.
Intérpretes: Angélica Castelló, Jose Luis López Cama, Teresita Sánchez, Caterina Ramirez Guallar, Ángel Santos, Anna Muxart, Walter Yuri
Ikusmira Berriak 2022
Proyecta 2021
Adela, una artista sonora mexicana, viaja desde la selva hasta los Andes peruanos junto a Lucho, guía y traductor. Siguiendo el legado de su abuelo, republicano catalán exiliado en México, teje un mapa sonoro de lenguas en peligro de desaparición. Cuando irrumpe el miedo a la muerte, la realidad se fractura. La travesía de Adela se transforma en un viaje íntimo hacia la casa de su infancia. Lejos de los árboles está llena de historias sobre la fragilidad de la existencia y la necesidad de recordar, escuchar y amar.
En la Costa Azul, dos bandas de niños se enfrentan en su juego favorito: saltar desde los acantilados rojos del Mediterráneo. Géo, de apenas cinco años, descubre a lo largo de un verano un mundo donde la amistad se mezcla con la rivalidad y donde los primeros impulsos del corazón se convierten en fuente de tensiones.
Intérpretes: Guitarricadelafuente , Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas, Penélope Cruz, Glenn Close
Narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia. Es una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca.
Intérpretes: Andrea Ros, Patrick Criado, Ernesto Alterio, Pilar Castro, Mizuki Yoshida, Denden
Esta es la historia de Sandra Sánchez, una mujer que desafió todas las convenciones hasta convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos. Con la guía de Jesús del Moral, su entrenador y compañero de vida, Sandra emprendió un viaje imposible: conquistar el oro olímpico a los 39 años en un deporte dominado por los japoneses y donde los más veteranos se retiran a los 30 años. Un relato de amor, grandeza y lucha que trasciende el karate y se convierte en leyenda.
Ander Merino Etxebeste (España), Fermin Muguruza (España)
País(es) de producción: España
Cuatro décadas después de subir por primera vez a un escenario, Fermin Muguruza se embarca en su última gira a gran escala: un viaje colectivo para celebrar 40 años de música, compromiso y resistencia cultural. Este documental musical capta el pulso de ese viaje: conciertos con el aforo completo, muchos kilómetros en la carretera, distintos encuentros a lo largo del camino y una energía compartida que ha trascendido generaciones, desde las bandas Kortatu y Negu Gorriak hasta su actual carrera en solitario
El próximo 24 de julio arranca en Filmin la 16ª edición de Atlàntida Mallorca Film Fest, el mayor festival de cine online de Europa, que se celebra en paralelo a su edición presencial en Palma. Hasta el 24 de agosto, los suscriptores de Filmin podrán descubrir 91 títulos, 65 de ellos inéditos en España, repartidos entre siete nuevas secciones temáticas, una Sección Oficial, dos grandes retrospectivas y una programación que reúne algunas de las voces más relevantes del cine contemporáneo.
Cineastas como Radu Jude, Abdellatif Kechiche, Nadav Lapid, Valérie Donzelli, Joachim Lafosse, Claire Simon o Theo Angelopoulos conviven con algunas de las películas más celebradas del último año en festivales como Cannes, Berlín, Venecia, Sundance o San Sebastián, consolidando una edición especialmente diversa, con propuestas que van del cine político al documental, de la animación al thriller, del cine de autor a historias pensadas para un público más amplio.
“Hemos buscado películas que interpelen a varias generaciones”, explica Joan Sala, responsable editorial de Atlàntida Mallorca Film Fest. “Con esta nueva Sección Oficial queremos ampliar el público del festival de una forma transversal, apostando por un cine contemporáneo que combine riesgo artístico con capacidad para conectar con espectadores muy distintos”.
RAW, la nueva Sección Oficial
La nueva Sección Oficial de Atlàntida Mallorca Film Fest reúne catorce películas (entre las cuales se incluyen cuatro estrenos nacionales) que han marcado el último curso festivalero y que representan algunas de las voces más estimulantes del cine contemporáneo.
Entre ellas destaca “Yes!”, el nuevo trabajo del cineasta israelí Nadav Lapid, una de las propuestas más radicales y provocadoras del año. El director se situó recientemente en el centro del debate internacional tras renunciar a formar parte del jurado del FIDMarseille después de recibir un boicot por su nacionalidad israelí, pese a su conocida posición disidente con el Gobierno de Israel. La decisión motivó una carta de apoyo firmada por más de 350 personalidades del cine, entre ellas Natalie Portman, Justine Triet y Jacques Audiard, que defendieron su trayectoria y definieron el boicot como un “fracaso intelectual”.
También formará parte de RAW “Seis días de primavera” (“Six Days in Spring”), de Joachim Lafosse, ganadora de tres premios en el Festival de San Sebastián; “Si me voy, ¿me echarán de menos?” (“If I Go Will They Miss Me”), una de las grandes revelaciones de Sundance; “Kingdom”, triunfadora del Festival D’A, que retrata el auge de la extrema derecha a través de un grupo de jóvenes radicalizados; y “Un secuestro familiar” (“Feels Like Home”), galardonada en Sitges con el Méliès de Plata a la mejor película fantástica europea por su inquietante propuesta, que ha sido comparada con el cine primigenio de Yorgos Lanthimos y Michael Haneke.
La sección incluirá además “Julian”, producida por Lukas Dhont; “Tell Everyone”, la nueva película de la directora de “Girl Picture”, que regresa al festival tras su anterior paso por Atlàntida; “H de Halcón” (“H Is for Hawk”), adaptación del celebrado libro de memorias homónimo protagonizada por Claire Foy y Brendan Gleeson; “Destiny, dile que no soy malo” (“Mad Bills to Pay”), un luminoso retrato sobre un embarazo adolescente premiado en el Festival de Sundance; “Wild Foxes”, aclamado drama francés ambientado en los exigentes internados deportivos de élite; “Nomad Shadow”, ópera prima con coproducción catalana que aborda la realidad de una joven marroquí sin papeles tras ser deportada; “Idiotka”, fenómeno presentado en South by Southwest y protagonizado por Anna Baryshnikov (“Sangre en los labios”), con cameos de Julia Fox y Camila Mendes; “Egghead Republic”, un thriller distópico protagonizado por un ‘pelotón’ de la revista Vice que imagina un mundo alucinado donde la Guerra Fría nunca terminó; y «Una segunda vida» (“A Second Life”), protagonizada por Agathe Rousselle (“Titane”), ambientada durante los Juegos Olímpicos de París.
Las películas de la Sección Oficial RAW competirán por un premio de 10.000 euros concedido por un jurado de la Associació Catalana de l’Escriptura i la Crítica Cinematogràfica (ACCEC). La película vencedora se incorporará posteriormente al catálogo de Filmin.
Fuera de competición podrá verse también “Mektoub, My Love: Canto Uno”, el esperado regreso de Abdellatif Kechiche. Presentada en el Festival de Cannes, la película permanecía inédita en España desde su estreno en 2017. Además, la edición presencial de Atlàntida Mallorca Film Fest acogerá el estreno de “Mektoub, My Love: Canto Dos”, ofreciendo al público la oportunidad de descubrir las dos primeras entregas de la trilogía.
Títulos de la Sección Oficial RAW:
“Tell Everyone”, de Alli Haapasalo (Estreno en España). – 24 de julio “Julian”, de Cato Kusters. – 24 de julio “Yes!”, de Nadav Lapid. – 24 de julio “Idiotka”, de Nastasya Popov (Estreno en España). – 24 de julio “H de Halcón” (“H Is for Hawk”), de Philippa Lowthorpe (Estreno en España). – 24 de julio “Si me voy, ¿me echarán de menos?” (“If I Go Will They Miss Me”), de Walter Thompson-Hernández. – 24 de julio “Egghead Republic”, de Pella Kågerman y Hugo Lilja (Estreno en España). – 24 de julio “Kingdom”, de Michał Ciechomski. – 24 de julio “Seis días de primavera” (“Six Days in Spring”), de Joachim Lafosse. – 24 de julio «Una segunda vida» (“A Second Life”), de Laurent Slama. – 24 de julio “Wild Foxes”, de Valéry Carnoy. – 24 de julio “Destiny, dile que no soy malo” (“Mad Bills to Pay”), de Joel Alfonso Vargas. – 24 de julio “Un secuestro familiar” (“Feels Like Home”), de Gábor Holtai. – 24 de julio “Nomad Shadow”, de Mehdi Hmili. – 24 de julio “Mektoub, My Love: Canto Uno”, de Abdellatif Kechiche. – 31 de julio
Trends, las nuevas identidades
La sección Trends reunirá algunas de las propuestas más arriesgadas y estimulantes del panorama contemporáneo, con películas y series que exploran las nuevas formas de entender la identidad, el deseo o las relaciones en la era digital. Entre ellas destaca el estreno en España de “Truly Naked”, presentada en el Festival de Berlín, un coming of age que reflexiona sobre la masculinidad contemporánea y la influencia de la pornografía en la educación sentimental de los hombres. También podrá verse “Lady”, un irreverente falso documental protagonizado por Sian Clifford (“Fleabag”), que da vida a una excéntrica aristócrata británica; “Blue Film”, una de las películas más controvertidas del año por su aproximación al consentimiento y las dinámicas de poder, comparada con una versión contemporánea de “Hard Candy”; y la serie documental “La vida real” (“La vraie vie”), que se adentra en el universo de los servidores de videojuegos para retratar cómo las comunidades virtuales se han convertido en espacios donde miles de jóvenes construyen amistades, identidades y nuevas formas de relacionarse.
También podrá verse “Castration Movie”, un auténtico fenómeno de internet convertido en una de las joyas ocultas de 2025 para la comunidad de Letterboxd. Filmada en MiniDV y estructurada como una antología, la película retrata la experiencia trans y la vida de una generación nacida en los foros de internet con una libertad formal pocas veces vista.
La selección se completa con “Departures”, una luminosa historia de amor queer que combina descaro, humor y emoción; “Fwends”, un retrato generacional sobre la amistad femenina y las incertidumbres de la vida adulta ambientado durante un fin de semana en Melbourne; “Sexo en la ciudad” (“Baise en ville”), una comedia romántica francesa tan caótica como tierna sobre un joven que intenta rehacer su vida mientras busca trabajo; y “Una infancia en Lesotho” (“Ancestral Visions of the Future”), la nueva obra del cineasta Lemohang Jeremiah Mosese, un inclasificable híbrido entre documental, ficción y ensayo autobiográfico que reflexiona sobre el exilio, la memoria y la identidad a través de imágenes de gran fuerza poética.
Títulos de la sección Trends:
“Truly Naked”, de Muriel D’Ansembourg (Estreno en España). – 14 de agosto “Lady”, de Samuel Abrahams. – 7 de agosto “Blue Film”, de Elliot Tuttle (Estreno en España). – 21 de agosto “La vida real” (“La vraie vie”), serie documental de Ekiem Barbier y Guilhem Causse (Estreno en España). – 24 de julio “Castration Movie”, de Louise Weard. – 24 de julio “Departures”, de Lloyd Eyre-Morgan y Neil Ely (Estreno en España). – 24 de julio “Fwends”, de Sophie Somerville. – 24 de julio “Sexo en la ciudad” (“Baise en ville”), de Martin Jauvat (Estreno en España). – 24 de julio “Una infancia en Lesotho” (“Ancestral Visions of the Future”), de Lemohang Jeremiah Mosese. – 31 de julio
Rebels, los inclasificables
La sección Rebels será el refugio del cine más libre, radical e inclasificable del festival. Entre sus títulos destaca “I Love Peru”, un delirante falso documental presentado en Cannes y protagonizado por el explosivo Raphaël Quenard; “Rose of Nevada”, la nueva película de Mark Jenkin, protagonizada por George MacKay y Callum Turner, un misterioso relato de ciencia ficción ambientado en un pueblo pesquero de Cornualles; “Eephus”, una entrañable comedia sobre un interminable partido de béisbol convertida en una reflexión sobre el paso del tiempo; “La apuesta de Buffalo Bill” (“Head or Tails?”), un western protagonizado por John C. Reilly que revisita el mito de Buffalo Bill desde una mirada contemporánea; y “Memory of Princess Mumbi”, película de clausura de Atlàntida online, una historia de amor entre dos jóvenes cinéfilos africanos que recurren a la inteligencia artificial para hacer posible el cine que sueñan.
La sección se completa con tres de las propuestas más extremas de la programación. “Drácula”, del rumano Radu Jude, reinventa el mito del vampiro desde una perspectiva radicalmente humana y política; «Hoja seca» (“Dry Leaf”), la nueva película de Alexandre Koberidze, director de “¿Qué vemos cuando miramos al cielo?”, rodada deliberadamente con estética de cámara doméstica para explorar nuevas formas de representación; y “La risa y la navaja”, del portugués Pedro Pinho, una fábula tan mordaz como divertida sobre el legado del colonialismo europeo en África a través de la historia de un ingeniero de carreteras.
Títulos de la sección Rebels:
“I Love Peru”, de Raphaël Quenard y Hugo David (Estreno en España). – 24 de julio “Rose of Nevada”, de Mark Jenkin. – 7 de agosto “Eephus”, de Carson Lund. – 24 de julio “La apuesta de Buffalo Bill” (“Head or Tails?”), de Alessio Rigo de Righi y Matteo Zoppis. – 24 de julio “Memory of Princess Mumbi”, de Damien Hauser. – 21 de agosto “Drácula”, de Radu Jude. – 24 de julio «Hoja seca» (“Dry Leaf”), de Alexandre Koberidze. – 24 de julio “La risa y la navaja”, de Pedro Pinho. – 24 de julio
Echoes, la memoria como espejo
Pensada para un público amplio, Echoes reúne algunas de las películas, documentales y series más accesibles y emocionantes de la programación, todas ellas con una misma voluntad: mirar al pasado para comprender el presente. Entre los títulos de ficción destacan los estrenos en España de “La ilusión de Garibaldi” (“The Illusion”), protagonizada por Toni Servillo; “El secuestro de un presidente” (“The Kidnapping of a President”), una comedia absurda inspirada en un insólito episodio real de la historia política europea; “La desaparición de Mengele”, una ficción que arroja nueva luz sobre la huida y los años de clandestinidad del médico nazi Josef Mengele; y “Straight Circle”, ganadora de dos premios en la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, una fábula sobre dos soldados de ejércitos enfrentados cuya carga humanista dialoga con la actualidad geopolítica.
La memoria histórica ocupa también un lugar central en la sección con “Atlas de la desaparición”, un impactante trabajo de investigación que indaga en las huellas del franquismo a través del Valle de los Caídos, y “Los cangrejos”, un íntimo ejercicio autobiográfico en el que su director reconstruye la memoria de su abuelo y de toda una generación.
El recorrido por Echoes culmina con dos grandes series documentales de producción europea: “Los juicios de Yugoslavia” (“A War on Trial”), que reconstruye el histórico proceso judicial contra los responsables de las guerras de los Balcanes cuando se cumplen veinticinco años del inicio del conflicto; y “Terror en la embajada” (“Terror på Ambassaden”), centrada en el atentado contra la delegación israelí durante los Juegos Olímpicos de Múnich y sus consecuencias diplomáticas.
Títulos de la sección Echoes:
“La ilusión de Garibaldi” (“The Illusion”), de Susanna Nicchiarelli (Estreno en España). – 24 de julio “El secuestro de un presidente” (“The Kidnapping of a President”), de Samuli Valkama (Estreno en España). – 24 de julio “La desaparición de Mengele”, de Kirill Serebrennikov. – 28 de agosto “Straight Circle”, de Oscar Hudson. – 21 de agosto “Atlas de la desaparición”, de Manuel Correa. – 24 de julio “Los cangrejos”, de Rubén Seca. – 24 de julio “Los juicios de Yugoslavia” (“A War on Trial”), serie documental de Lucio Mollica. – 24 de julio “Terror en la embajada” (“Terror på Ambassaden”), serie documental de Johanna Becker, Johannes Preuss y Judith Taureck. – 24 de julio
Domestic, historias íntimas
Las historias más íntimas y cotidianas encuentran su espacio en Domestic, una sección dedicada a los dramas familiares, los retratos de personajes y los thrillers de proximidad. Entre sus títulos destacan “Por la mañana escribo” (“At Work”), la nueva película de Valérie Donzelli, ganadora de la Osella de Oro al mejor guión en el Festival de Venecia; “Islands”, un thriller estival protagonizado por Sam Riley en el que la misteriosa desaparición de un padre de familia altera unas vacaciones aparentemente idílicas; “La mujer de” (“La Femme de”), un elegante thriller burgués heredero del cine de Claude Chabrol; y “Made in EU”, del cineasta búlgaro Stephan Komandarev, un thriller social que aborda las contradicciones de la Europa contemporánea.
La representación española llegará de la mano de “Así llegó la noche”, una de las películas nacionales mejor recibidas del año, que sigue el regreso de un escultor a su pueblo natal en busca de un reencuentro consigo mismo. La sección incorpora también el documental “Memory”, considerado uno de los documentales europeos más celebrados del último año, en el que su directora reconstruye su infancia en una casa situada en la frontera entre Ucrania y Rusia, convirtiendo la memoria familiar en un reflejo de las fracturas de Europa.
Títulos de la sección Domestic:
“Por la mañana escribo” (“At Work”), de Valérie Donzelli. – 2 de agosto “Islands”, de Jan-Ole Gerster. – 24 de julio “La mujer de” (“La Femme de”), de David Roux. – 24 de julio “Made in EU”, de Stephan Komandarev. – 24 de julio “Así llegó la noche”, de Ángel Santos. – 24 de julio “Memory”, de Vladlena Sandu. – 24 de julio
Earth, cine que abraza la Tierra
La relación entre el ser humano y la naturaleza vertebra la sección Earth, un recorrido por historias que encuentran en el paisaje, los animales y el mundo rural una forma de reflexionar sobre nuestra manera de habitar el planeta. Entre sus títulos destaca “La gallina” (“Hen”), una singular fábula protagonizada por una gallina que se pierde y emprende un inesperado viaje; “La Odisea de Dandellion” (“Dandelion’s Odyssey”), una deslumbrante película de animación sin diálogos presentada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes que llegará al festival como estreno en España; y “Juana de Arco”, el nuevo trabajo de Hlynur Pálmason, presentado en Zabaltegi y complemento perfecto de “El amor que permanece”, que llegará a los cines españoles el próximo 7 de agosto de la mano de Elastica.
La sección reúne también algunas de las miradas más sensibles del cine reciente hacia el entorno natural. Es el caso de “Loco por la naturaleza” (“Better Go Mad in the Wild”), ganadora del Globo de Cristal en el Festival de Karlovy Vary; “Folktales”, un emotivo documental sobre una escuela de formación en plena naturaleza que reivindica el aprendizaje a través de la experiencia; y “El huerto de Agatha” (“Agatha’s Almanac”), delicado retrato en 16 mm de una anciana que dedica sus días al cuidado de su huerto y a preservar un modo de vida cada vez más excepcional.
Títulos de la sección Earth:
“La gallina” (“Hen”), de György Pálfi. – 24 de julio “La Odisea de Dandellion” (“Dandelion’s Odyssey”), de Momoko Seto (Estreno en España). – 24 de julio “Juana de Arco”, de Hlynur Pálmason. – 24 de julio “Loco por la naturaleza” (“Better Go Mad in the Wild”), de Miro Remo. – 24 de julio “Folktales”, de Rachel Grady y Heidi Ewing. – 24 de julio “El huerto de Agatha” (“Agatha’s Almanac”), de Amalie Atkins (Estreno en España). – 24 de julio
Arts, el impulso creador
La sección Arts, ya mítica en el certamen, reúne películas que exploran la creación artística, el patrimonio cultural y las vidas de quienes han dedicado su existencia al arte. La programación incluye “Annie Ernaux en la escuela”, el nuevo documental de la prestigiosa cineasta Claire Simon, que explora cómo la obra de la celebrada escritora francesa es leída, entendida y analizada en las escuelas secundarias francesas; “Siri Hustvedt (Dance Around the Self)”, un íntimo retrato de una de las grandes voces de la literatura contemporánea dirigido por Sabine Lidl, que recorre su trayectoria creativa y su relación personal y artística con Paul Auster; “Ruffini, el falsificador” (“An Artful Imbroglio”), una apasionante serie documental sobre uno de los mayores escándalos del mercado internacional del arte; y “Kokuho: El maestro del Kabuki”, una ambiciosa producción de época ambientada en el universo del teatro kabuki que se ha convertido en uno de los grandes fenómenos del cine japonés reciente y que fue nominada al Óscar al mejor maquillaje y peluquería.
Títulos de la sección Arts:
“Annie Ernaux en la escuela”, de Claire Simon.- 14 de agosto “Siri Hustvedt (Dance Around the Self)”, de Sabine Lidl. – 24 de julio “Ruffini, el falsificador” (“An Artful Imbroglio”), serie documental de Giacomo Minoia. – 7 de agosto “Kokuho: El maestro del Kabuki”, de Lee Sang-il. – 7 de agosto
Retrospectivas: Bertrand Mandico y Theo Angelopoulos
La programación online de Atlàntida Mallorca Film Fest se completa este año con dos grandes retrospectivas: una consagrada al imaginario del francés Bertrand Mandico y otra a la obra completa de Theo Angelopoulos, figura capital del cine europeo del siglo XX.
La primera estará dedicada a Bertrand Mandico (1971), uno de los cineastas más singulares e inclasificables de su generación. Antes de deslumbrar con largometrajes como “Los chicos salvajes”, “After Blue” o “Conann”, Mandico se dio a conocer gracias a una extensa obra de cortometrajes que lo convirtió en una figura de culto del cine fantástico y experimental. Su universo, de una potencia visual arrolladora, mezcla surrealismo, erotismo, ciencia ficción y fantasía, desdibujando constantemente las fronteras entre los géneros, los cuerpos y las identidades. La retrospectiva permitirá descubrir tanto sus primeros trabajos como algunas de las piezas que han convertido su imaginario en uno de los más reconocibles del cine europeo reciente.
La segunda recuperará la obra completa de Theo Angelopoulos (1935-2012) en nuevas restauraciones en 4K y 2K. Ganador de la Palma de Oro de Cannes por “La eternidad y un día”, el director griego convirtió el exilio, la memoria, las fronteras y la historia reciente de Europa en el corazón de una filmografía tan política como profundamente poética. A través de sus célebres planos secuencia y puestas en escena, Angelopoulos construyó un lenguaje cinematográfico inconfundible cuya influencia sigue siendo palpable en buena parte del cine de autor contemporáneo. Desde “Paisaje en la niebla” hasta “La mirada de Ulises”, su obra permanece como uno de los grandes legados del cine europeo.
Desde Portugal: Las revoluciones cortas
Después del éxito de la tercera edición de Revoluções Curtas en Filmin Portugal, el certamen que celebra el mundo del cortometraje portugués, llegan a Atlàntida Mallorca Film Fest online sus cuatro ganadores, «Quando M’Eu For Desta Terra», «Francisco Perdido», «Nuno» y «Não São Águas Passadas». Revoluções Curtas cree en un cine libre, alejado del ruido en el que vivimos, como bien demuestran estos cuatro cortometrajes que nos hablan de amores de juventud, lo extraordinario de lo cotidiano, pero también del peso de la memoria histórica y el pasado colonial de Portugal.
La editorial Hermenaute, dentro de su colección Mikro, y la Semana de Terror repiten colaboración con la publicación este año del libro El cuerpo como abismo. Exploración sobre el body horror cinematográfico, dedicado a este subgénero tan de actualidad y escrito por el periodista e historiador cinematográfico Antonio José Navarro.
“Somos un cuerpo. No tenemos un cuerpo, esa reconfortante ficción cartesiana que dos milenios de metafísica occidental han intentado sostener con escasa fortuna. Somos ese organismo que suda, sangra, enferma, envejece y que, en algún momento terrible, puede mutar, rebelarse contra nosotros. La frontera entre el yo y la carne es una ilusión, una fantasía, y cuando la carne falla, el yo se va con ella sin apenas dejar rastro. El cine de terror de body horror, desde Vinieron de dentro de… (1975) hastaLa sustancia (2024), ha comprendido esta verdad con una lucidez que ningún otro arte ha alcanzado: sin anestesias, sin moralismos.
Una forma de cine físico y perturbador que arrancó con David Cronenberg y John Carpenter, y que ha sido prolongada con furia visceral por Brian Yuzna, Frank Henenlotter y Clive Barker, y llevada a sus consecuencias más radicales por Julia Ducournau, Tom Six o Coralie Fargeat. A través de su obra y la de otros realizadores no menos inquietantes, este ensayo examina ese vasto corpus fílmico como síntoma: la abyección y la metamorfosis monstruosa, la fabricación científica y biopolítica del cuerpo, su invasión parasitaria, la disolución del yo”.
Antonio José Navarro
Samantha Hudson protagoniza el cartel de la Semana de Terror 2026
La cantante Samantha Hudson convertida en una criatura marina mutante es la protagonista del cartel oficial de la Semana de Terror de 2026 (30 octubre – 6 noviembre), una edición que estará atravesada desde su propia imagen por el leitmotiv del subgénero del body horror.
El póster oficial de la Semana quiere hacer un guiño al festival donostiarra Cimasub (Ciclo Internacional de Cine Submarino), que celebrará su 50º aniversario entre el 12 y el 14 de noviembre en el Teatro Principal, siete días después de acabar la Semana de Terror. La programación de esta tendrá alguna referencia más al Cimasub.
Cantante, compositora, productora, guionista y actriz, Samantha Hudson es una de las figuras más emblemáticas de la contracultura contemporánea, categoría que ha alcanzado gracias a un discurso crítico y vanguardista y a una trayectoria musical que juega con los paradigmas del género y la libertad de expresión que tiene su fuerte en sus impactantes espectáculos en vivo. Hudson es uno de los grandes fenómenos pop de la actualidad y un referente para la Generación Z, ha emergido del panorama queer más underground y ha conquistado los circuitos más estandarizados a golpe de melodías pegadizas, letras descaradas y una visión crítica que desafía y transgrede el orden establecido.
Ha publicado discos como Liquidación total (2021), AOVE Black Label (2023) o Música para muñecas (2025), protagoniza giras de gran éxito y suma multitud de premios, como el MTV EMA 2023 a Mejor Artista Española o el Reconocimiento Arcoíris 2022 del Ministerio de Igualdad por su labor en favor del colectivo LGTBIQ+.
La coordinación de la fotografía ha sido de Pedro Mambrú. La foto ha sido realizada por Javier Bermejo y Chus Feijóo. El maquillaje ha sido creado por ND Studio FX y los efectos especiales son obra de Alive VFX & Design. El diseño del cartel lo ha realizado Ytantos.
La Semana de Terror organizará la exposición “Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios”
La exposición Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios, perteneciente a la programación de la 37ª Semana de Cine Fantástico y de Terror, estará abierta entre el 30 de octubre y el 15 de noviembre en la Sala de Actividades de la Biblioteca Central (c/San Jerónimo).
Adéntrate en el mundo sobrenatural japonés a través del trabajo de Fuego Fatuo Art. En la exposición Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios realizaremos un viaje por el folclore japonés a través de más de 20 esculturas y fotografías de yōkai, monstruos y seres sobrenaturales que pueblan el arte, la literatura y la tradición oral de Japón, de la mano del artista Álvaro Herranz, creador de Fuego Fatuo Art. Con la colaboración de la Fundación Japón, Madrid.
El autor de El día de la bestia, La comunidad, Celda 211 o Las leyes de la frontera recibirá el Premio PUFA de Honor, otorgado con la colaboración de Fundación SGAE, durante la gala de clausura del festival
El guionista, ganador de dos premios Goya, mantendrá además un encuentro con el público el 11 de julio a las 16:30 horas en el Auditorio FUNDOS Fórum Valladolid
El cineasta sueco Carl Sundström, la francesa Caroline Favé y los españoles Manu Herrera, Víctor Matellano, Paco Campano, Rubén Guindo y Marino Darés, entre los invitados confirmados de PUFA 2026
El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica) reconocerá la trayectoria de Jorge Guerricaechevarría, uno de los nombres más influyentes del guion cinematográfico español de las últimas décadas, con la concesión del Premio PUFA de Honor, reconocimiento otorgado con la colaboración de Fundación SGAE. El autor asturiano recogerá el galardón durante la gala de clausura del certamen, que se celebrará el próximo 11 de julio, y participará previamente en un encuentro abierto al público programado para las 16:30 horas en el Auditorio FUNDOS Fórum Valladolid.
Guionista imprescindible para entender la evolución del cine español desde los años noventa, Guerricaechevarría (Avilés, 1965) ha desarrollado una carrera ligada a algunos de los títulos más relevantes del fantástico, el thriller y la comedia negra producidos en nuestro país. Jorge Guerricaechevarría debutó en el cine con el guion del cortometraje Mirindas asesinas, dirigido por Álex de la Iglesia, cineasta con el que ha desarrollado una de las colaboraciones más fructíferas del cine español contemporáneo. Juntos han firmado títulos como Acción mutante, El día de la bestia, Perdita Durango, Muertos de risa, La comunidad, 800 balas, Las brujas de Zugarramurdi, Mi gran noche, Veneciafrenia o El bar, además de proyectos televisivos como La habitación del niño, Plutón BRB Nero y la serie 30 monedas.
A lo largo de su trayectoria también ha trabajado junto a otros nombres fundamentales del cine español. Participó con Pedro Almodóvar en el guion de Carne trémula y ha sido colaborador habitual de Daniel Monzón en películas como El robo más grande jamás contado, La caja Kovak, Celda 211 o El Niño. Su firma aparece igualmente en títulos como Platillos volantes, de Óscar Aibar; Fin, de Jorge Torregrossa; Cien años de perdón, de Daniel Calparsoro; Quién a hierro mata y Hermana muerte, de Paco Plaza; o la reciente serie 1992, nuevamente junto a Álex de la Iglesia.
Sus guiones han obtenido seis nominaciones a los Premios Goya, una nominación a los European Film Awards, otra a los Premios Gaudí y cuatro nominaciones del Círculo de Escritores Cinematográficos. En 2010 obtuvo el Goya al Mejor Guion Adaptado junto a Daniel Monzón por Celda 211 y volvió a recibir este galardón por Las leyes de la frontera, trabajo por el que también obtuvo la Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos al Mejor Guion Adaptado.
El homenaje a Guerricaechevarría cuenta con la colaboración de Fundación SGAE y completa la nómina de Premios de Honor de la tercera edición de PUFA, integrada también por Narciso Ibáñez Serrador, que recibirá un reconocimiento a título póstumo coincidiendo con el cincuenta aniversario de ¿Quién puede matar a un niño?, y por el cineasta Paco Plaza, director de títulos como [REC], Verónica o La abuela y una de las figuras esenciales del fantástico español de las últimas décadas.
Invitados confirmados
La tercera edición de PUFA contará con la presencia de numerosos invitados vinculados a las películas y actividades programadas durante el festival. Han confirmado ya su asistencia los equipos de dos de los largometrajes que podrán verse en el festival. Por parte de The Waiting Man asistirán su director, el cineasta sueco Carl Sundström; el coguionista y productor Nathaniel P. Erlandsson, y la actriz Mayuko Lindström. En representación de El ritual de Lily estarán presentes su director, Manu Herrera; el responsable de efectos de maquillaje Pedro de Diego; la productora Daiana Alina Miscu, y las actrices Maggie García, Elena Gallardo y Patricia Peñalver. También acudirán al festival Paco Campano, responsable de Cuántica Rave; la francesa Caroline Favé, directora de Toxic Underground, y Víctor Matellano, codirector junto a Ángel Sala del documental Aquel último tiburón.
Además de los homenajeados Paco Plaza, Jorge Guerricaechevarría y el productor y realizador Alejandro Ibáñez Nauta, hijo de Chicho Ibáñez Serrador, también visitarán Valladolid los equipos de numerosos cortometrajes programados en PUFA 2026: Nick Delgado, director de The One Minute Problem; Jandro, director de El revisor; Marino Darés, director de Rebel Storm: A Star Wars Collateral Story; Raquel Barrachina, directora de Ecos del silencio; Margo García y Pedro Tamames, directores del cortometraje vallisoletano Cenizas, mi amor; y Rubén Guindo, director de Montecarlo 67, gran triunfador en los recién celebrados Premios Fugaz con ocho galardones y que se proyectará fuera de concurso como parte del homenaje a la figura de ‘Chicho’ Ibáñez Serrador.
El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid celebrará del 4 al 11 de julio una edición marcada por los estrenos, los homenajes, los invitados y las actividades paralelas
Insaciable, de Natalie Erika James, inaugurará PUFA tras su paso por Sundance y Berlín y llegará a los cines españoles de la mano de Diamond Films
La programación reunirá 26 largometrajes, 27 cortometrajes y 19 estrenos internacionales, entre ellos dos premieres mundiales, seis europeas y once españolas
El certamen rendirá homenaje a Narciso Ibáñez Serrador y concederá uno de sus Premios de Honor al cineasta Paco Plaza
Valladolid volverá a convertirse este verano en punto de encuentro para los aficionados al cine fantástico y de terror con la celebración de la tercera edición del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica), que tendrá lugar del 4 al 11 de julio.
Durante ocho días, el festival reunirá una programación integrada por 26 largometrajes -20 de ellos en competición-, 27 cortometrajes, encuentros con invitados nacionales e internacionales, proyecciones especiales, exposiciones y actividades paralelas que consolidan al certamen como una de las citas emergentes más destacadas del género en España.
La programación de largometrajes contará con 19 estrenos internacionales, entre ellos dos premieres mundiales, seis europeas y once españolas. El dato refuerza la apuesta de PUFA por acercar a Valladolid algunas de las producciones más relevantes del fantástico contemporáneo antes de su llegada a salas comerciales o plataformas, con películas procedentes de Europa, Asia, América y Oceanía que han pasado por festivales de referencia como Sundance, Berlinale, Toronto, Venecia, Rotterdam, Fantastic Fest, FrightFest, Fantaspoa, Panic Fest o BIFFF.
Insaciable (Saccharine) abrirá la tercera edición de PUFA
La encargada de inaugurar la tercera edición de PUFA será Insaciable, el nuevo largometraje de Natalie Erika James, una de las cineastas más destacadas de la nueva generación del terror australiano. Tras llamar la atención de la crítica internacional con Relic y consolidar su trayectoria con Apartment 7A, la directora regresa al body horror con una inquietante historia –Saccharine en su título original- sobre la obsesión por la imagen corporal y los límites de la transformación física.
La película, presentada en los festivales de Sundance y Berlín, celebrará en Valladolid su premier española y se convertirá además en la primera obra dirigida por una mujer que inaugura PUFA desde la creación del certamen. Tras su presentación en el festival, Insaciable llegará a los cines españoles el próximo 24 de julio, distribuida por Diamond Films.
‘Insaciable’ (Saccharine), de Natalie Erika James
Un homenaje al legado de Chicho Ibáñez Serrador
La tercera edición de PUFA estará dedicada a la figura de Narciso “Chicho” Ibáñez Serrador, creador fundamental en la historia del fantástico español y referente para varias generaciones de cineastas. El festival le concederá un Premio de Honor a título póstumo que será recogido por su hijo, Alejandro Ibáñez Nauta.
Coincidiendo con el 50 aniversario de ¿Quién puede matar a un niño?, el certamen proyectará una de las obras fundamentales del cine fantástico español y desarrollará diversas actividades vinculadas al legado del creador de Historias para no dormir.
En este contexto, PUFA reconocerá también la trayectoria de Paco Plaza, uno de los grandes nombres del fantástico español contemporáneo y heredero confeso de la influencia creativa de Ibáñez Serrador. El director valenciano recibirá el Premio de Honor PUFA 2026 y participará en un encuentro con el público en torno a La abuela.
Veinte largometrajes de cuatro continentes
La Sección Oficial volverá a reunir algunas de las producciones más destacadas del panorama internacional reciente. Junto a la película inaugural, competirán Appofeniacs, del neoyorquino Chris Marrs Piliero, una provocadora incursión en el tecno-terror contemporáneo que utiliza las deepfakes y la cultura cosplay para construir un relato coral de violencia extrema que ha pasado por festivales como FrightFest, Fantastic Fest y Screamfest; y Bad Haircut, de Kyle Misak, una sorprendente combinación de comedia negra, thriller psicológico y terror adolescente que ha destacado por su recorrido por certámenes como Fantastic Fest, Grimmfest y FilmQuest.
La competición oficial incluirá también IAI, del japonés Zenzo Sakai, una inquietante historia de horror psicológico y conflictos familiares presentada en festivales como Rotterdam y Fantaspoa; Went Up the Hill, de Samuel Van Grinsven, un elegante drama sobrenatural protagonizado por Vicky Krieps y Dacre Montgomery que ha podido verse en Toronto y Thessaloniki; Samakdo, de Ki-Jun Chae, una propuesta de terror folk ambientada en una remota isla surcoreana marcada por el legado de una antigua secta; Buffet Libre, de Zoe Berriatúa, una singular combinación de humor negro, violencia y elementos fantásticos protagonizada por una pareja de restauradores al borde de la ruina; Janur Ireng, del indonesio Kimo Stamboel, uno de los grandes referentes actuales del terror asiático; Capture, de Bruce Wemple, una historia de terror analógico y secretos familiares que remite a clásicos contemporáneos como Ringu o Sinister; y Cruel Hands, de Al Kalyk, un intenso thriller psicológico australiano construido sobre los códigos del survival y el terror doméstico.
‘Appofeniacs’, de Chris Marrs Piliero
Aquelarres reunirá las propuestas más arriesgadas
Por su parte, Aquelarres volverá a reunir algunas de las propuestas más libres, arriesgadas y difíciles de clasificar del fantástico contemporáneo. Entre ellas figuran Grand Ciel (The Site), de Akihiro Hata, estrenada en la sección Orizzonti del Festival de Venecia y concebida como una poderosa reflexión sobre la inmigración ilegal y la explotación laboral a través del terror atmosférico; The Red Mask, de Ritesh Gupta, una divertida y autorreferencial combinación de slasher y home invasion que actualiza los códigos de películas como Scream y que ya ha pasado por FrightFest, Screamfest, Fantaspoa o BIFFF; y Babybacks, de Geno Marx, una combinación de terror, humor negro y violencia extrema ambientada en la América profunda que llegará a PUFA tras su paso por Panic Fest y el International Horror & Sci-Fi Film Festival de Phoenix y celebrará en Valladolid su premier europea.
La sección incluirá además Lenore, de David Ward, thriller psicológico con componentes de horror tecnológico galardonado con el Premio del Público en Fantaspoa; Yesterday Island, de Sam Voutas, una ingeniosa comedia de ciencia ficción ambientada en un bucle temporal que obtuvo el Premio de la Crítica en el BIFFF de Bruselas; El ritual de Lily, de Manu Herrera, una producción española de horror sobrenatural que ha recorrido festivales como Grimmfest, Panic Fest, Feratum y Mórbido; Cuántica Rave, de Paco Campano, una inclasificable comedia musical de ciencia ficción premiada en el Miami International Science Fiction Film Festival; The Waiting Man, de Carl Sundström, una perturbadora incursión en el universo de los creepypastas que celebrará en Valladolid su premiere mundial; El llanto del perro, de Jano Piccardo y Federico Venzi, una inquietante propuesta argentina situada entre el drama, la fantasía y el terror que llegará a PUFA tras su paso por Buenos Aires Rojo Sangre; y Killing Time, de Jang Jun-yeop, una frenética producción surcoreana que mezcla humor negro, suspense y cultura digital y que tendrá en Valladolid su estreno mundial.
‘The Red Mask’, de Ritesh Gupta
El cortometraje vuelve a ser protagonista
PUFA volverá a reservar un espacio destacado para el cortometraje con una selección oficial integrada por 27 trabajos procedentes de España, Francia, Estados Unidos, Australia, Finlandia, Argentina y Ecuador. Repartidas en cuatro sesiones competitivas, las obras seleccionadas ofrecerán una amplia panorámica de las tendencias actuales del fantástico, el terror, la ciencia ficción, la animación y la fantasía contemporánea.
Maratón de terror y proyección especial
La tradicional maratón nocturna del festival volverá a celebrarse el viernes 10 de julio con dos propuestas especialmente dirigidas a los aficionados al terror más extremo. Frankie, Maniac Woman, de Pierre Tsigaridis, combina gore, sátira social y estética grindhouse para narrar la deriva psicótica de una mujer marcada por los traumas y la obsesión por la imagen; y Pinocchio Unstrung, dirigida por Rhys Frake-Waterfield, ofrece una relectura macabra del clásico personaje dentro del universo cinematográfico iniciado por Winnie the Pooh: Miel y sangre, con abundantes efectos prácticos y una marcada vocación gamberra y que celebrará en PUFA su premier española. La sesión contará además con promociones especiales para los asistentes y diversas acciones de animación en sala que convertirán la noche del viernes en una de las citas más festivas y participativas de la programación.
PUFA incluirá además en esta edición dos proyecciones especiales fuera de concurso con Aquel último tiburón, documental dirigido por Víctor Matellano y Ángel Sala que recupera una de las historias más insólitas de la distribución cinematográfica en España a través del caso de la película italiana L’ultimo squalo y su estreno en nuestro país como una falsa continuación de la saga Tiburón. También se proyectará Horror and Love, documental dirigido por Joaquín Oristrell que narra la singular historia de amor de Cristina y David, dos intérpretes de pasajes del terror que acabaron convirtiendo su pasión por el género en Horrorland, uno de los parques temáticos de terror más reconocidos de Europa.
‘Pinocchio Unstrung’, de Rhys Frake-Waterfield
Exposición de Tesoros de Hollywood
Como complemento a la programación cinematográfica, PUFA organizará durante el mes de julio la exposición Tesoros de Hollywood en la Sala de Exposiciones de San Benito. La muestra reunirá cerca de cincuenta piezas vinculadas a algunas de las franquicias y títulos más populares de la historia del cine fantástico, de aventuras y de terror.
Estrenado en el Festival de San Sebastián en 1988, el largometraje de la directora navarra Ana Díez ha sido restaurado en los laboratorios L’immagine Ritrovata de Bolonia
La película Ander eta Yul (Ander y Yul, 1988) de Ana Díez ha sido restaurada por la Filmoteca Vasca y EITB en los laboratorios L’immagine Ritrovata, dependientes de la Cinemateca de Bolonia (Italia). Esta obra destacada de la cinematografía vasca se proyectará en 4K en septiembre en la sección Klasikoak del Festival de San Sebastián, certamen donde se estrenó hace 38 años, concretamente, en Zabaltegi-New Directors.
La restauración ha sido presentada hoy en Tabakalera, en un acto al que han asistido la directora Ana Díez; el viceconsejero de Cultura del Gobierno Vasco, Andoni Iturbe; la directora de Cultura y Euskera de EITB, Vanesa Fernández; el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y el director de la Filmoteca Vasca, Joxean Fernández.
El negativo original, conservado en la Filmoteca Española, fue trasladado a Bolonia a finales de septiembre de 2025. En los laboratorios fue revisado y reparado manualmente y se limpió con ultrasonidos. Una vez escaneado fue restaurado digitalmente, se estabilizó la imagen, se eliminaron las rayas y la suciedad. Finalmente, se acometió la fase de corrección de color y restauración de sonido, trabajos que a principios de año supervisaron en la ciudad italiana Ana Díez y el director de fotografía de la película, Gonzalo Fernández Berridi. Además de estos trabajos, el conjunto del proceso ha sido controlado por la directora navarra y por el personal técnico de la Filmoteca Vasca.
Esta misma copia restaurada participará en el Budapest Classics Film Marathon, que tendrá lugar en la capital húngara entre el 15 y el 20 de septiembre y que organiza el National Film Institute Hungary, y en el Film Restored – The Film Heritage Festival de Berlín (octubre), que impulsa la Cinemateca de Alemania. Ana Díez presentará la película en ambos festivales. La Filmoteca Vasca tratará de que Ander eta Yul se proyecte también en otras citas de referencia en el campo del cine clásico.
El proyecto ha sido financiado por EITB y la Filmoteca Vasca y ha contado con el auspicio del Gobierno Vasco.
Premio de la Filmoteca Vasca
Asimismo, en el marco del Festival de San Sebastián, la Filmoteca Vasca entregará su premio a Ana Díez, en reconocimiento a su trayectoria. Este galardón, que distingue a figuras clave de la cinematografía vasca, ha recaído anteriormente en directores como Pedro Olea, Montxo Armendáriz, Anjel Lertxundi, Xabier Elorriaga, Alfonso Ungría y José Julián Bakedano.
Intérpretes: Miguel Munárriz, Isidoro Fernández, Carmen Pardo, Joseba Apaolaza, Ramón Barea, Ramón Agirre, Aizpea Goenaga, Eneko Olasagasti, Mikel Garmendia
Ander vuelve a casa después de haber pasado unos años en la cárcel por tráfico de drogas. Se encuentra con una familia que ya no existe, todo ha cambiado. Volverá a toparse con Yul, un antiguo compañero de seminario.
El actor, productor y director argentino es la imagen del póster principal, diseñado de nuevo por el estudio Wallijai
El actor, productor y director Ricardo Darín, una de las figuras más prestigiosas del cine latinoamericano y mundial de las últimas décadas, protagoniza el cartel de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre de 2026. Desde hace 20 años, el intérprete argentino es un rostro habitual del Festival, que en 2017 le entregó su máxima distinción honorífica: el Premio Donostia.
El Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera ha albergado este mediodía el acto de presentación de carteles, oficiado por el director del Festival, José Luis Rebordinos, y por su sucesora Maialen Beloki, que actualmente es una de las dos subdirectoras y en enero pasará a ocupar el puesto de directora del certamen.
Tras los carteles oficiales protagonizados por Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem, Cate Blanchett y Marisa Paredes, el argentino Ricardo Darín es la novena figura de la cinematografía contemporánea que presta su imagen al Festival. Como el año pasado, el póster ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que ha creado un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.
Wallijai ha elaborado también los carteles del resto de secciones. Si en la pasada edición el tema giraba en torno a los géneros cinematográficos, esta vez el leitmotiv son los oficios del cine. Así, el póster con la imagen de Darín remite a la interpretación, mientras que el resto guarda relación con el guion (New Directors), el sonido (Horizontes Latinos), la dirección (Zabaltegi-Tabakalera), el montaje (Perlak), la dirección de arte (Nest), el maquillaje (Culinary Zinema), los efectos especiales (Zinemira) y la producción (Made in Spain).
A estos carteles se sumarán próximamente los tres de la iniciativa Klasikoak, que desde 2024 agrupa bajo la misma marca tres propuestas: la retrospectiva clásica, que este año estará dedicada al cineasta, novelista y guionista francés José Giovanni; la sección Klasikoak del Festival, y el ciclo del mismo nombre que la Filmoteca Vasca programa entre octubre y diciembre en Bilbao, Donostia, Pamplona, San Juan de Luz y Vitoria.
Darín, medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones
Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957), imagen del cartel oficial de la 74ª edición del Festival, es una de las figuras más prestigiosas y populares de la cinematografía latinoamericana y mundial. A lo largo de medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones que le han granjeado más de 40 premios, ha alternado trabajos enmarcados tanto en el cine de autor como en el dirigido al gran público. Entre otros, ha rodado a las órdenes de Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Pablo Trapero, Cesc Gay y Santiago Mitre.
‘El aura / The Aura’, de Fabián Bielinsky (2005). ‘El baile de la victoria / The Dance and the Thief’, de Fernando Trueba (2009).
‘El secreto de sus ojos / The Secret in Their Eyes’, de Juan José Campanella, (2009). Jurado Oficial (2012).
Darín, que debutó con cinco años en series televisivas, se forjó en el teatro e inició su carrera en el cine con La carpa del amor (Julio Porter, 1979). Ha visitado San Sebastián en nueve ediciones del Festival. En 2005 presentó El aura / The Aura, de Fabián Bielinsky, en la Sección Oficial, a donde regresó cuatro años después con dos títulos, El secreto de sus ojos / The Secret in Their Eyes Juan José Campanella, 2009) y El baile de la victoria / The Dance and the Thief (Fernando Trueba, 2009), proyectada fuera de concurso. En 2012 fue integrante del Jurado Oficial y en Made in Spain se proyectó Elefante blanco / White Elephant (Pablo Trapero), mientras que en 2014 participó en Perlak con Relatos salvajes / Wild Tales (Damián Szifron), que consiguió el Premio del Público a la mejor película europea. Al año siguiente consiguió la Concha de Plata ex aequo junto a su compañero de reparto Javier Cámara por su trabajo en Truman (Cesc Gay, 2015).
‘Elefante blanco / White Elephant’, de Pablo Trapero (2012). ‘Relatos salvajes / Wild Tales’, de Damián Szifron (2014).
‘Truman’, de Cesc Gay (2015). Premio Donostia (2017).
En 2017 recogió el Premio Donostia en reconocimiento a toda su trayectoria y presentó la proyección especial de La cordillera / The Summit (Santiago Mitre). Regresó a la Sección Oficial para inaugurarla con El amor menos pensado / An Unexpected Love (Juan Vera, 2018) y La odisea de los giles / Heroic Losers (Proyecciones Especiales, Sebastián Borensztein, 2019), en las que se estrenó como productor. También desempeñó ese papel en la película programada en Perlak Argentina, 1985 (Santiago Mitre, 2022), que le trajo a la capital guipuzcoana por última vez y le granjeó el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. Aunque Darín no visitó presencialmente San Sebastían, sí figuró en el reparto de La fuga / The Scape (Eduardo Mignogna, 2001), que concursó en la Sección Oficial, o en filmes de New Directors como Perdido por perdido (Alberto Lecchi, 1993) o Amorosa soledad / Lovely Loneliness (Martín Carranza y Victoria Galardi, 2008), que cosechó el Premio de la Juventud, y en Carancho (Pablo Trapero, 2010), programado en Perlak.
‘La cordillera / The Summit’, de Santiago Mitre (2017). ‘El amor menos pensado / An Unexpected Love’, de Juan Vera (2018).
‘La odisea de los giles / Heroic Losers’, de Sebastián Borensztein (2019). ‘Argentina, 1985’, de Santiago Mitre (2022).
Otras obras esenciales de su extensa filmografía son Nueve reinas / Nine Queens (Fabián Bielinsky, 2000), que propulsó su reconocimiento internacional y en 2023 fue programada en Klasikoak, o títulos fundamentales de Juan José Campanella como El mismo amor, la misma lluvia / Same Love, Same Rain (1999); El hijo de la novia / Son of the Bride (2001) y Luna de Avellaneda / Moon of Avellaneda (2004). También ha actuado en Capitán Kóblic / Kóblic (Sebastián Borenzstein, 2016), Tesis sobre un homicidio / Thesis on a Homicide (Hernán Goldfrid, 2012), Séptimo (Patxi Amezcua, 2013), Everybody Knows (Todos lo saben, Asghar Farhadi, 2018) y, más recientemente, en la serie El eternauta / The Eternaut (Bruno Stagnaro, 2025).
Darín debutó tras la cámara con La señal / The Signal (2007), película codirigida junto a Martín Hodara.
En un acto en el Festival de Cannes, el certamen da el pistoletazo de salida de su 59ª edición, que pone en el centro el 50 aniversario de Carrie, de Brian De Palma, y ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador.
El Fantastic Pavilion del Marché du Film del Festival de Cannes ha acogido el pistoletazo de salida oficial de la 59ª edición de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Ángel Sala, director artístico del Festival, y Mònica García i Massagué, directora de la Fundación Sitges, han presentado, ante medios de comunicación, profesionales del sector audiovisual y representantes institucionales, el cartel oficial de esta edición —uno de los momentos más esperados por los seguidores del Festival—, así como un adelanto del documental WomanInFan, dirigido por Mònica García i Massagué.
Carrie, la gran protagonista del cartel de la 59ª edición
El cartel nos presenta una figura femenina adolescente cubierta de tiras rojas con purpurina, que remite al baño de sangre que sufre la protagonista en el clímax de la película.
De esta manera, el Festival pone en el centro de la edición el 50 aniversario de la cinta paradigmática del terror adolescente, que durante la década de los años ochenta giró en torno a las prom nights, el bullying y los poderes psíquicos.
Películas como El tren del terror, de Roger Spottiswoode, o la saga Prom Night son ejemplos de cómo la película de Brian De Palma influyó en la representación de los rituales estudiantiles como espacios de tránsito hacia la edad adulta, donde el Mal y los elementos sobrenaturales se infiltran y alteran la apariencia de normalidad.
Las infancias malditas: la otra gran efeméride de la edición
Por otro lado, la edición contará también con un segundo leitmotiv, con una gran confluencia temática con el primero: el Mal vinculado a la infancia, esencial en la película de Narciso Ibáñez Serrador¿Quién puede matar a un niño?
Del mismo modo que con Carrie, se pretende analizar y realizar un recorrido retrospectivo por las películas que, antes y después de la cinta de Serrador —hito del género en España y en el mundo—, representaron la infancia bajo la influencia del Mal.
El Exorcista, de William Friedkin; La semilla del diablo, de Roman Polanski; El resplandor, de Stanley Kubrick; y La mala semilla, de Mervyn LeRoy, son algunos de los ejemplos más representativos de este leitmotiv en la historia del cine de género.
Un año más de colaboración con CHINA parte de LLYC
Como no podía ser de otra manera, la creatividad surge de la colaboración con la agencia CHINA, que a principios de año se integró dentro de la marca LLYC.
Desde la agencia explican: “El terror es más terror cuando se opone a lo inocente, a lo puro, a lo frágil. Esta edición, todos los que amamos el cine volvemos al instituto Bates, al mismo lugar en el que hace 50 años nuestras pupilas se quedaron pegadas para siempre a una de las imágenes más terroríficas e icónicas de la historia del género. Imágenes que inspiran otras imágenes, miradas que desafían a otras miradas, sangre que se transforma en otro tipo de sangre, una con el brillo de la celebración y el glamour ingenuo de aquellas prom nights que llenaron nuestra adolescencia de una ilusión que se convierte en miedo, que se convierte en rabia, que se convierte en muerte y que, cinco décadas después, está más viva que nunca en Sitges gracias a la cámara delicada de Anne Roig, quien se ha atrevido a bucear en la mente infinita de Stephen King buscando su lado más bello y delicado. Felicidades, Carrie.”
Las mujeres en el cine de género: primer vistazo al documental WomanInFan
Tras la presentación del cartel, se mostró un avance del documental WomanInFan, dirigido por Mònica Garcia i Massagué y producido por el Festival de Sitges junto con la productora catalana Visual Suspects.
El proyecto reúne las experiencias de una veintena de directoras, actrices, investigadoras y programadoras de festivales, que retratan las dificultades que tradicionalmente han afrontado las mujeres dentro de la industria del cine fantástico de género. La producción realiza un recorrido generacional gracias a las intervenciones de cineastas consagradas como Mary Lambert, directora de Pet Sematary; la actriz Heather Langenkamp, protagonista de A Nightmare on Elm Street; o la mítica Helga Liné, una de las musas del Fantaterror, entre otras.
La película se estrenará fuera de competición en el marco de la 59ª edición del Festival.
Un año más, Filmin celebra su particular cita con la música y el cine: el martes 19 de mayo llega una nueva edición de Filmin Music Fest, el evento online de la plataforma (nacido en 2012) en el que los suscriptores podrán disfrutar de los mejores conciertos, documentales y películas atravesadas por la música en todas sus formas. Una programación ecléctica que mezcla grandes nombres, escenas underground, películas de culto y nuevas voces llegadas de todo el mundo.
Entre los títulos destacados de esta edición encontramos “Stop Making Sense”, la mítica película concierto de Jonathan Demme (“El silencio de los corderos”) sobre Talking Heads, restaurada en 4K y considerada una de las mejores películas concierto de todos los tiempos; “La extraordinaria Miss Flower”, un inclasificable viaje entre cartas de amor, música y memoria protagonizado por Emilíana Torrini junto a nombres como Nick Cave o Richard Ayoade; o “La esencia de Eva Cassidy”, retrato íntimo de una de las voces más conmovedoras y singulares del soul contemporáneo.
El festival también mira hacia escenas y sonidos alejados de los focos más habituales. “EA! Un mantra andaluz” se adentra en el universo libre y fronterizo del dúo gaditano EA!, mientras que “Generación Lagartija” nos transporta a un lugar surrealista e innovador a través de la banda granadina Lagartija Nick. Por su parte, “Una mano sola no aplaude” recupera la historia y la tradición del calypso en Trinidad y Tobago a través de figuras legendarias como Lord Kitchener o Calypso Rose. En una línea completamente distinta, “Omega Wants to Dance” propone una experiencia audiovisual sobre el baile como ritual colectivo, espacio político y forma de trascendencia. También habrá espacio para propuestas como “El sueño de las manzanas”, reconstrucción de una memoria musical truncada por la Guerra Civil y el exilio, o “Mallorca 83. Signos en la arena”, un acercamiento a la revolución artística balear que gestó artistas y músicos de la talla de Furnish Time, Zincpiritone o La Granja… También tendremos propuestas que nos sumergen en la escena musical catalana como “Admire: Road to Apolo”, retrato del proceso creativo de la artista catalanaADMIRE mientras prepara su primer gran concierto o “Garatge Club”, inmersión en la escena musical alternativa catalana a través de la historia de la mítica sala de conciertos de Poblenou.
Además, como cada año, el Filmin Music Fest combina títulos recientes con recuperaciones de culto. Ahí encaja perfectamente “Autos, porros y rocanrol”, heredera del espíritu de “This is Spinal Tap” que revive el caos del mítico festival mexicano de Avándaro de 1971; o “Sound of Noise”, delirante mezcla de thriller, comedia y experimentación sonora convertida ya en película de referencia para los amantes de la música electrónica. A su lado también podrá verse “Música para un apartamento y seis percusionistas”, el célebre cortometraje inspirado en John Cage que transformó utensilios domésticos en instrumentos musicales. Una nueva edición de Filmin Music Fest pensada para descubrir, redescubrir y dejarse llevar por el ritmo del cine.
· La retrospectiva de la 71 edición de Seminci propone un recorrido histórico por películas en las que el sonido se convierte en un elemento decisivo del relato, desde M (M, Fritz Lang, 1931) hasta La zona de interés (Jonathan Glazer, 2023).
· El ciclo se completa con el programa de diálogos Pensar (y escuchar) el cine, dedicado este año al sonido, y una publicación monográfica en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid – Seminci sitúa el sonido en el centro de su 71ª edición con Una historia del sonido (en el cine), que propone una reflexión amplia sobre el cine desde aquello que durante décadas quedó en segundo plano: lo que se escucha.
Lejos de plantearse como un complemento técnico, la retrospectiva aborda el cine desde el papel decisivo del sonido en el relato, situando el foco en películas en las que lo que escuchamos construye sentido, guía la percepción y redefine la relación del espectador con la imagen.
La retrospectiva se articula en torno a varios ejes: el ciclo de películas, el programa de charlas Pensar (y escuchar) el cine, y una publicación monográfica en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine.
Aunque el cine nació mudo, la llegada del sonido supuso una transformación decisiva, mientras su potencial como herramienta clave del lenguaje fílmico se desarrollaba de forma progresiva. Durante mucho tiempo, su función fue subordinada a la imagen. Sin embargo, a lo largo de las décadas, el sonido ha ido ganando autonomía hasta convertirse, en numerosas propuestas contemporáneas, en el verdadero motor de la experiencia cinematográfica.
En los últimos años, cineastas como Apichatpong Weerasethakul, Lucrecia Martel, Jonathan Glazer u Oliver Laxe han radicalizado esta tendencia, concibiendo el sonido como materia prima de la creación fílmica y generando experiencias inmersivas de gran intensidad sensorial y emocional. En este contexto, Una historia del sonido (en el cine) se plantea como un espacio de reflexión sobre cómo las ondas, frecuencias y silencios han permitido no solo expandir las posibilidades estéticas del cine, sino también abordar cuestiones políticas, históricas e íntimas.
‘Enthusiasm: Symphony of the Donbas’, de Dziga Vertov
Un recorrido histórico: del descubrimiento del sonido a su centralidad contemporánea
El ciclo se empezó a perfilar el pasado noviembre con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del certamen y ha seguido su desarrollo como parte de la programación de la 71ª edición. La retrospectiva traza ese recorrido a través de una selección de títulos organizada en dos grandes bloques: un primer tramo que recorre el siglo XX, desde los inicios del cine sonoro hasta finales de los años noventa, y un segundo que se adentra en el siglo XXI, donde el sonido ha adquirido una presencia decisiva en las formas de creación actuales.
El itinerario arranca con M (Fritz Lang, 1931), una de las primeras películas en explorar el potencial expresivo del sonido como elemento narrativo, con el célebre silbido del asesino como marca sonora y dispositivo de tensión. A partir de ahí, el ciclo recorre cómo lo auditivo adquiere una dimensión política en obras como Enthusiasm: Symphony of the Donbas (Dziga Vertov, 1931) o Listen to Britain (Humphrey Jennings y Stewart McAllister, 1942), donde el montaje de sonidos se pone al servicio de una construcción ideológica.
El recorrido del siglo XX atraviesa distintas formas de experimentación sonora: desde la precisión casi coreográfica de los paisajes acústicos urbanos en Playtime (Jacques Tati, 1967), donde los sonidos cotidianos construyen una sátira de la modernidad, hasta la depuración extrema de Lancelot du Lac (Robert Bresson, 1974), donde la repetición de sonidos —armaduras, pasos, choques— construye una cadencia austera que sustituye al énfasis dramático.
La escucha se convierte en eje del relato de La conversación (Francis Ford Coppola, 1974), mientras que en El grito (Jerzy Skolimowski, 1978) el sonido adquiere una dimensión física e inquietante, y en Blow Out (Brian De Palma, 1981) la manipulación del audio pasa a ser directamente materia narrativa.
‘La conversación’, de Francis Ford Coppola
La evolución de lo sonoro del siglo XX al XXI
El segundo bloque, centrado en el siglo XXI, reúne obras en las que el sonido no solo acompaña, sino que estructura la experiencia. En The Tribe (Myroslav Slaboshpytskiy, 2014), protagonizada por personajes sordos, la ausencia de lenguaje verbal convencional convierte lo sonoro —junto a su ausencia— en un elemento clave de expresión y percepción.
Las obras de Lawrence Abu Hamdan, como The Diary of a Sky (2024), sitúan el sonido como herramienta de investigación política y jurídica, capaz de operar como prueba, testimonio y construcción de memoria en contextos de conflicto. En Atlantics (Mati Diop, 2019), el paisaje sonoro del mar articula una dimensión emocional y existencial, abriendo un tránsito entre lo visible y lo invisible.
En Memoria (Apichatpong Weerasethakul, 2021), el sonido aparece como una huella persistente, cercana al recuerdo o a una presencia que la protagonista intenta descifrar, activando una experiencia íntima y sensorial. En La zona de interés (Jonathan Glazer, 2023), el fuera de campo sonoro desplaza el horror hacia lo que no se muestra y convierte la escucha en el principal espacio de representación. En Preemptive Listening (Aura Satz, 2024), las sirenas se reformulan como un dispositivo sonoro y político que revela su capacidad para moldear la percepción colectiva y operar como herramienta de alerta y control.
La lista completa de los títulos que componen la retrospectiva se anunciará en los próximos meses.
El Consejo de Administración del Festival ha elegido por unanimidad a Beloki como sucesora de José Luis Rebordinos mediante concurso público
Maialen Beloki (San Sebastián, 1983) dirigirá desde enero de 2027 el Festival de San Sebastián tras haber sido designada para el cargo por el Consejo de Administración de la entidad, compuesto por el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación Foral de Gipuzkoa, el Gobierno Vasco y el Ministerio de Cultura del Gobierno de España.
La decisión ha sido adoptada esta tarde por unanimidad en una reunión extraordinaria del Consejo celebrada en San Sebastián y es el resultado del concurso público convocado el 4 de marzo para nombrar a la persona que sucederá a José Luis Rebordinos, que ostenta el puesto de director del Festival desde 2011 y abandonará esa responsabilidad el 31 de diciembre de 2026. Beloki es una de las dos subdirectoras del Festival desde el año 2016.
Batea, empresa de consultoría de recursos humanos especializada en selección y headhunting, ha gestionado el proceso.
Biografía
Subdirectora del Festival Internacional de Cine de San Sebastián desde 2016, ha sido una de las figuras clave en la evolución reciente del certamen, contribuyendo tanto a su posicionamiento internacional como a la ampliación de su actividad a lo largo de todo el año.
En este contexto, ha impulsado el modelo Z365/Festival de todo el año, una iniciativa estratégica centrada en el desarrollo de nuevos talentos, la formación cinematográfica y la generación de pensamiento en torno al cine.
Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra y Doctora Cum Laude en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), cuenta con una trayectoria que combina gestión cultural, docencia e investigación.
Forma parte de la Dirección Académica de Elías Querejeta Zine Eskola, donde también es docente, y ha colaborado como profesora en Mondragon Unibertsitatea.
A lo largo de su carrera ha participado en proyectos estratégicos como Donostia/San Sebastián Capital Europea de la Cultura 2016 y ha desarrollado una destacada actividad como conferenciante y autora en el ámbito cinematográfico.
Asimismo, ha formado parte de distintos programas e iniciativas de apoyo al sector audiovisual, colaborando con instituciones como el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA).
Su incorporación refuerza la apuesta por un perfil que combina visión estratégica, conocimiento del sector y compromiso con el desarrollo cultural.
El Festival de Cine Fantástico – FANT, organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, arranca oficialmente su 32ª edición el 8 de mayo. A partir de esa fecha y hasta el día 16, el público podrá disfrutar de una programación variada de cine vasco, estatal y del ámbito internacional.
FANT Bilbao inaugurará el viernes 8 de mayo en el Teatro Campos Eliseos su actual edición con la proyección de “La Casa en el Árbol”, película dirigida por Luis Calderón. Rodada en diversas localizaciones de Bizkaia y realizada con el apoyo de la Bilbao Bizkaia Film Commissión, la película se estrena en salas de cines este mismo día. El filme propone un slasher de autor con una marcada identidad visual y emocional, y está protagonizado por Sandra Escacena, Claudio Portalo, Kandido Uranga, Mala Rodríguez, Apolonia Lapiedra, Ai-xing Cobos, Asier Hernández e Inge Ugarte.
Posteriormente, a las 22:30 horas, se proyectarán los 10 cortos de FANT LABURREAN-EUSKAL FILMAK, de la Sección Oficial. La película que pondrá el punto y final a la edición 2026 será “Reflection in a dead diamond”, una coproducción de Bélgica, Luxemburgo, Francia e Italia dirigida por Hélène Cattet y Bruno Forzani. Se podrá ver el sábado 16 de mayo en la Sala BBK, durante la ceremonia de clausura.
SECCIÓN OFICIAL 2026
La Sección Oficial a concurso de Festival exhibe una programación diversa y variada en cuanto a subgéneros del fantástico y países de origen de los trabajos se refiere. Las 19 películas seleccionadas se proyectarán en el auditorio del Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao y la sala 1 de los cines Golem Alhóndiga.
Este año participan en esta sección: “All you need is kill”, de Kenichiro Akimoto (Japón, 2025); “Buffet libre”, dirigida por Zoe Berriatúa (España, 2026); “Buzzheart”, filmada por Dennis Iliadis (Grecia-Estados Unidos, 2024); “Camp”, de Avalon Fast (Canadá, 2025); “Cielo”, de Alberto Sciamma (Reino Unido-Bolivia, 2025); “Cuántica rave”, dirigida por Paco L. Campano (España, 2025); “Hokum”, filmada por Damian Mc Carthy (Irlanda- Estados Unidos, 2026); “Juego maldito”, de Carlos Marín (México, 2025); “La torre de hielo”, con dirección de Lucile Hadzihalilovic (Francia-Alemania, 2025); “La ventana abierta”, de Ana Graciani (España, 2026); “Los bobos”, dirigida por Basovih Marinaro y Sofía Jallinsky (Argentina, 2026); “Mārama”, filmada por Taratoa Stappard (Nueva Zelanda, 2025); “Meat kills”, de Martijn Smits (Países Bajos, 2025); “Rabios@”, dirigida por Luis María Fernánez (España, 2026); “Redux Redux”, filmada por Kevin y Matthew McManus (Estados Unidos, 2025); “Suffocation”, bajo la dirección de Louis Chan y Stone Chang (Taiwán, 2026); “UAP”, de Mason Howard (Estados Unidos, 2026); “Wasteman”, de Cal McMau (Reino Unido, 2025); y “Duan Quiang”, dirigida por Chuanlin Sun (China, 2026).
Estos largometrajes optarán a los premiosFANT 2026 al Mejor Largometraje del Jurado y del Público y a los premios al Mejor Guion (concedido por la Asociación de Guionistas Vascos-Euskal Gidoigileak) y a la Dirección más innovadora (concedido por el Cineclub FAS).
CORTOMETRAJES DE LA SECCIÓN OFICIAL
La Sección Oficial de cortometrajes exhibirá en esta 32ª edición un total de 29 trabajos, diez en la sesión dedicada a los cortometrajes vascos y nueve cortometrajes internacionales. Otros 10 cortometrajes internacionales participarán en la Sección Panorama Fantástico en Corto.
FANT Bilbao sigue apostando por los cortometrajes, que se han convertido desde sus primeras ediciones en una de sus señas de identidad de FANT. Muestra de ello es la gran presencia que tienen en la programación del Festival y los galardones a los que optan: Premio del Público al Mejor Corto, Premios del Jurado al Mejor Corto Internacional y Mejor Corto Vasco de la Sección Oficial, y Premio Mejor Corto del Jurado de la Sección Panorama.
En esta 32 edición, el Festival sigue apoyando al talento local con FANT LABURREAN – EUSKAL FILMAK, espacio en la Sección Oficial focalizado en cortometrajes vascos. Este año, han sido seleccionados: “El agujero” (2025, Daniel Gómez Múgica); “Arditurri” (2025, Oihan Gastesi y Ander Arrieta); “Aziza y el último hombre bueno” (2025, David Ontoria); “Azpian” (2025, Danel Garay y Laura Barquin); “El cuerpo de Cristo” (2025, Bea Lema); “Erreka zoko hortan” (2025, Ekaitz Bertiz); “Glory Hole” (2025, Andoni Fernández); “Hariaren amaiera / Al final del hilo” (2025, Aitor Molina); “Última salida” (2025, Egoitz Díaz Ibargoitia); y “Zezena eta umea” (2025, Igor García Piñas). Estos 10 trabajos se podrán ver el viernes 8 de mayo en el Teatro Campos Elíseos, en la velada de inauguración del Festival a partir de las 22:30 horas.
Además de los galardones a los que optan (del jurado y del público al mejor cortometraje de Sección Oficial FANT; y del jurado al mejor cortometraje vasco de Sección Oficial FANT), la Unión de Actores Vascos-Euskal Aktoreen Batasuna otorgará el premio a la Mejor Interpretación en estos cortometrajes.
En el apartadode cortometrajes internacionales participarán en la Sección Oficial: “Bath Bomb” (2024, Canadá, Colin G Cooper); “The Call” (2025, España, Kiko Prada); “Cara de cona” (2026, España, Guillermo de Oliveira); “La dernière neige” (2025, Francia, Bouquet-populus Rodolphe); “Hyena” (2025, China-Estados Unidos, Altay Ulan Yang); “Pobre Marciano” (2025, España, Álex Rey); “Lo que te falta” (2025, España, Sara Bermejo); “Tinieblas” (2025, España, Raúl Cerezo y Carlos Moriana); y “Unclean” (2024, Canadá, Simon Chouinard). El auditorio del Azkuna- Alhóndiga acogerá su proyección el sábado 9 de mayo a las 19:20 horas.
La sección PANORAMA FANTÁSTICO EN CORTO, que tendrá lugar mismo día9, en la Sala 2 de los cines Golem Alhóndiga, la forman 10 cortometrajes “Arca” (2025, Italia, Lorenzo Quagliozzi); “Baile con la muerte” (2024, España, Carlota Massó); “Ghosting” (2024, Yago Casariego); “Kámen osudu” (2025, República Checa, Julie Černá); “Lantern” (2026, Alemania, Leopold Schraudolph); “Open Mic” (2025, España, Jano Santos); “Ortega” (2025, España, Álvaro Pita); “The Sentry” (2025, Camboya-Noruega- Estados Unidos, Jake Wachtel); “Tenéis que verlo” (2025, España, Nacho Solana) ; y “The Veil” (2025, Brasil, Gabriel Motta).
FANT IMPULSA PROYECTOS PARA PRODUCIR CORTOMETRAJES EN EUSKERA Y GUIONES DE CORTOS PARA AUTORAS
El Festival de Cine Fantástico de Bilbao tiene como objetivo apoyar la creación audiovisual, especialmente a aquellos trabajos realizados en euskera, en sintonía con las líneas estratégicas del Plan Estratégico de Cultura de Bilbao 2023 – 2033. Por eso, FANT impulsa una edición más la convocatoria para promover proyectos para la producción de un cortometraje de género fantástico en euskera.
Los trabajos elegidos optan al Premio FANT-EITB Saria dotado con 5.000 euros, para facilitar la realización de un cortometraje. En el marco del Festival, los y las participantes presentarán y defenderán sus proyectos en una sesión abierta al público ante un jurado especializado nombrado al efecto.
El Festival de Cine Fantástico de Bilbao también muestra su apoyo a los trabajos cinematográficos realizados por creadoras. Muestra de ello es la colaboración con GIDOI- la Asociación de guionistas de Euskadi, que ha presentado la III edición del Concurso de Guion de Cortometrajes para Autoras, centrado exclusivamente en guiones de género fantástico y de terror, en consonancia con FANT.
La colaboración del Festival municipal con esta iniciativa anual que busca dar voz al talento femenino en el audiovisual, y que también cuenta con el apoyo de (H)emen, se materializa con la incorporación de una Jornada Industry, bajo el título “Mujeres guionistas, cine que avanza”, una sesión que contará con la participación de la cineasta Tamara García Iglesias, la artista musical Amancay Gaztañaga y Aránzazu Calleja (FANT de Honor 2026) y que pondrá el foco en la creación y el papel de las mujeres en la evolución del sector.
A continuación, se celebrará una sesión pitch, en la que las seis finalistas del III Concurso de Guion de Cortometraje para Autoras mostrarán sus proyectos ante profesionales del sector. Esta jornada, que se enmarca en la nueva sección FUERA DE PLANO, tendrá lugar el día 6 de mayo en la Sala Cúpula del Teatro Campos Elíseos a partir de las 18:00 horas, con entrada libre hasta completar aforo. Asimismo, el fallo del concurso promovido por GIDOI, se dará a conocer en el marco de FANT Bilbao, en la gala de clausura que tendrá lugar el 16 de mayo a las 19:30 horas en la Sala BBK.
FEDERACIÓN MÉLIÈS
FANT afianza su proyección europea como parte de la Federación de Festivales Internacionales Méliès (MIFF), que promueve y visibiliza el cine fantástico europeo, al ser “Competitive Member” de la federación. Así, y por segundo año consecutivo, el jurado de la Sección Oficial tendrá que seleccionar el Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Fantástico Europeo. Todos los trabajos que reciban este reconocimiento en los festivales que forman parte de esta institución serán automáticamente clasificados para la competición al premio Meliés D’Argent, galardón de Oro a un cortometraje europeo de género fantástico
En la programación de esta edición se proyectará, el jueves 14 de mayo, “Don’t Be Afraid”, dirigido por Mats Udd. Un trabajo que ha conseguido el prestigioso Méliès de Oro 2025, reconocimiento otorgado por la Federación de Festivales Internacionales Méliès, organización de la que forma parte FANT Bilbao, a los mejores cortometrajes europeos de cine fantástico.
PANORAMA FANTÁSTICO
La Sala 2 de los Golem Alhóndiga acogerá las películas enmarcadas en la sección PANORAMA FANTÁSTICO. En esta edición son ocho las cintas propuestas: “Adorable humans”, dirigida por Anders Jon, Kasper Juhl, Michael Kunov y Michael Panduro (Dinamarca, 2026); “Coração das trevas”, de Rogério Nunes (Brasil, 2025); “Ella solo come carne”, filmada por Norberto Ramos del Val (España, 2026); “La cosa en la niebla”, de Chedey Reyes (España, 2025); “Lonig & Havendel”, dirigida por Claudia Tuyết Scheffel (Alemania, 2025); “Más caliente que el infierno”, filmada por César del Álamo (España, 2026); “Santa Zeta”, de Antonio Muñoz de Mesa (España, 2026); y “SASYQ”, filmada por Yerden Telemissov (Kazajistán, 2026).
FANT IZARRAK El Festival vuelve su mirada atrás para proyectar películas que, por distintas razones, se ha mantenido como destacadas en el universo del fantástico, filmadas por grandes del cine y que se muestran en la sección FANT IZARRAK. El Auditorio de Azkuna Zentroa y los Gólem-Alhóndiga acogen “Tesis”, de Alejandro Amenábar (España, 1996); “Carrie”, de Brian de Palma (EE.UU., 1976); “El accidente de piano”, de Quentin Dupieu (Francia, 2025); “Tiburón 3”, de Enzo G. Castellari (Italia, 1981); “1990: los guerreros del Bronx”, de Enzo G. Castellari (Italia, 1982); “2000: fuga del Bronx”, de Enzo G. Castellari (Italia, 1983); “Misery”, de Rob Reiner (EE.UU., 190); “Simpathy for Mr. Vengeance”, de Park Chan-wook (Corea del Sur, 2005); “Picnic at Hanging rock”, de Peter Weir (Australia, 1975); y “The birthday”, del galardonado este año con el ESTRELLA DEL FANTÁSTICO Eugenio Mira (España, 2004).
ÓRBITA FANT
Dos películas forman parte de la sección ÓRBITA FANT en esta 32ª edición: “Influencers”, de Kurtis David Harder (EE.UU., 2025) y “El hombre menguante”, de Jan Kounen (Francia-Bélgica, 2025), que se podrán ver en la Sala 2 de los Golem-Alhóndiga.
DOKUFANT
Este ciclo DOKUFANT muestra el género fantástico desde una perspectiva documental. También se podrá disfrutar en la Sala 2 de los Golem-Alhóndiga y en él se encuentran los trabajos “Aquel último tiburón”, de Víctor Matellano García, Ángel Sala (España, 2025) y “El asombro”, de Laura Guerricaechevarría (España, 2025).
GALARDONES
En esta edición de 2026, el director, músico y escritor Eugenio Mira; la compositora audiovisual bilbaina Aránzazu Calleja y el director, guionista y actor Bruno Martín son los grandes protagonistas de los galardones del Festival de cine Fantástico.
El galardón FANT de Honor lo recibirá, en la gala inaugural el 8 de mayo en el Teatro Campos Elíseos, la compositora audiovisual bilbaina Aránzau Calleja. Cuenta con una amplia trayectoria en el cine. Entre sus trabajos destacan “El Hoyo”, “Cinco Lobitos”, “Marco”, “Irati” o “Akelarre”. Por esta última recibió los premios Goya y Platino a la mejor música original junto a Maite Arroitajauregi. Sus proyectos más recientes son la música de “Los aitas”; “Maspalomas”, nominada a los Premios Goya y Feroz a la mejor música original, y “Gaua”, película que se proyectó dentro del ciclo PreFANT el pasado noviembre, compuesta en colaboración con Maite Arroitajauregi. Actualmente está inmersa en la banda sonora de “Salitre”, ópera prima de la directora bilbaina Norma Vila.
En la misma gala inaugural, FANT otorgará el Premio Estrella del Fantástico, principal galardón del Festival, a Eugenio Mira. Su primer cortometraje, “Fade” (2000), captó la atención de Guillermo del Toro, quien apoyó su carrera desde el principio. Su primer largometraje, “The Birthday” (2004) -que se proyectará el sábado 9 de mayo en el Auditorio del Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao- se ha convertido en un clásico de culto con los años. Posteriormente, dirigió “Agnosia” (2010) y “Grand Piano” (2013). En 2022, Mira dirigió la temporada completa de la serie de HBO Max, “¡GARCIA!”. El director, guionista, editor y actor madrileño Bruno Martín recibirá el Premio
FANTROBIA, que reconoce a una figura emergente dentro del cine de género. Ha participado en proyectos como “En Fin”, “Patria”, “Acacias 38”, “Riders” o “Dos” vidas, “El último tren al Rock and Roll”, “Mambo”, “Grasa”, “Entertainment” o “Fogueo”. En 2023 produce el largometraje “Os reviento”, dirigido por Kike Narcea con el que acumuló casi 20 premios. En 2024 escribe, dirige, edita, produce e interpreta un papel en la galardonada película “Luger”, que se podrá ver el jueves 14 en la Sala 1 de los Golem-Alhóndiga a las 19:30 horas. Bruno Martín recogerá el premios durante la gala de clausura, el 16 de mayo en la Sala BBK.
JURADO Y PALMÁRES
El Festival también ha presentado al Jurado de las películas a concurso. Ángel Agudo (guionista de televisión y cine), Alicia Albares (directora, guionista y escritora) y Álex Mendíbil (profesor, comisario, programador, investigador, escritor y guionista) se encargarán de escoger las ganadoras de la Sección Oficial, mientras que Iván Barredo (de gran experiencia en distintos ámbitos del mundo del cine, codirigió FANT Bilbao), María Larrea (guionista, directora y escritora) y Miriam P. Álvarez (ejerce la subdirección del Galician Freaky Film Festival y directora) estarán a cargo de los filmes de Panorama Fantástico. De sus deliberaciones y votaciones resultará el palmarés de la actual 32ª edición que se dará a conocer el viernes 15 de mayo en rueda de prensa.
Como novedad, FANTha dado a conocer al jurado que seleccionará la cinta ganadora del Premio Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Fantástico Europeo, que está compuesto por Bego del Teso, critica de cine, Benja de la Rosa, director de cine y Andrea G.Bermejo, redactora jefe de la revista especializa Cinemanía. La Sala BBK acogerá la proyección de los principales títulos premiados en dos sesiones especiales el domingo 17, a las 17:00 horas el Palmarés de la sección Panorama
FANTÁSTICO, y a las19:30 horas el Palmarés de la Sección Oficial.
SECCIÓN FUERA DE PLANO
Una de las novedades de este año es la sección FUERA DE PLANO, que incluye eventos relacionados con la industria del cine y que tienen lugar en los días previos al comienzo del Festival. Entre ellos, dos exposiciones:“Zinemako jantziak/Vistiendo películas” de la galardonada diseñadora de vestuario bilbaina Nerea Torrijos que se podrá ver en el
Centro Municipal de Abando del 4 al 29 de mayo; y “Batman, gaueko zaindaria”, en el Centro Municipal de Begoña del 8 al 30 de mayo. Además, se preestrena la película “Bajo tus pies”, del director argentino Cristian Bernard. Protagonizada, entre otras, por Maribel Verdú y Sofía Otero, se proyectará en los Cines Golem Alhóndiga el 4 de mayo a las 20:15 horas.
El Centro Municipal de Abando acoge la presentación del libro “Rowan March: El Consenso” del periodista especializado en movilidad Jaime Novo. Será el 7 de mayo, a las 19:00 horas. Dos días después, la Sala Bastida de Azkuna Zentroa alberga la presentación del libro “Mis 100 años de cine. Memorias”, del actor Jack Taylor. La cita, que comienza a las 12:30 horas, contará con la presencia de Bego del Teso y Victor Matellano. El 10 de mayo, a las 12:30 horas en el mismo espacio de Azkuna Zentroa, tendrá lugar la presentación del libro “Revelaciones” de las autoras Edith del Campo, Kate Lynnon y Madame Eloise.
Durante la celebración del Festival, el ciclo FANTESKOLA acogerá la proyección las películas “Maya, emaidazu titulu bat”, “Oink Oink” y “Kaixo Frida”. Dirigidas a niñas y niños de 5 a 12 años, se exhibirán en la Sala BBK del 11 al 14 de mayo, a las 11:00 horas.
Giovanni dirigió una quincena de películas y trabajó como guionista o adaptador con Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico
El director, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés, protagonizará la retrospectiva de la 74ª edición del Festival de San Sebastián. Organizada por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación de un libro sobre la obra completa de Giovanni escrito por Felipe Cabrerizo.
José Giovanni (1923-2004), nacido Joseph Antoine Roger Damiani en París, en el seno de una familia acomodada de origen corso, escribió algunas de las páginas más brillantes tanto de la novela policíaca como del polar, el cine policíaco francés, tan influyente como el film noir estadounidense. Fue antes novelista, adaptador y guionista, pero cuando tomó las riendas de sus propios proyectos como director, estableció una mirada y una estética en el policial francés pareja a la de sus autores más reputados, Jean-Pierre Melville o Jacques Deray. Con ambos colaboró estrechamente en un momento, la primera mitad de los años 60, en el que tener a Giovanni en los créditos suponía una garantía de interés y de éxito cuando el policíaco era uno de los géneros más sólidos del cine francés.
Tuvo una vida ajetreada y compleja, repleta de zonas oscuras. De ella extrajo no pocos elementos argumentales para sus novelas. Su irrupción en el cine fue por la puerta grande: Jacques Becker se fijó en su novela La evasión, en la que Giovanni relataba su estancia en la cárcel –acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena capital le fue conmutada por trabajos forzados–, y decidió llevarla a la pantalla. La conexión con el escritor fue inmediata y Giovanni, que había sido contratado como consejero técnico, terminó ejerciendo de coguionista de Le Trou / The Hole (La evasión, 1960). Fue la obra póstuma de Becker y pudo verse en la retrospectiva que el Festival de San Sebastián dedico al director en 2016.
Giovanni publicó La evasión en 1958, año y medio después de salir de prisión. Poco después ya era uno de los escritores incluidos en la prestigiosa Série Noire, la colección de libros policíacos que había ideado Marcel Duhamel en la editorial Gallimard y que marcó una nueva y moderna apreciación de la literatura criminal, incluyendo las traducciones al francés de los clásicos norteamericanos. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), dio pie a Classe tous risques / The Big Risk (A todo riesgo, 1960), de Claude Sautet, en la que Giovanni ejerció también de guionista. Y la segunda, Le Deuxième souffle (1958), fue adaptada años más tarde por Jean-Pierre Melville en uno de los títulos clave del polar, Le Deuxième souffle / Second Wind (Hasta el último aliento, 1966). Tanto este filme como el de Sautet, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2022, contaron con Lino Ventura, uno de los intérpretes clave del género junto a Jean Gabin y Alain Delon.
Otra de sus novelas del productivo año 1958, L’Excommunié, sirvió de base para Un nommé La Rocca / A Man Named Rocca (Un tal La Rocca, 1961), película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y en la que se prolongaba la buena relación con los Becker: fue dirigida por Jean Becker, hijo de Jacques. En 1963 inició como guionista su fructífera colaboración con el director Jacques Deray –(Symphonie pour un massacre / Symphony for a Massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo / Rififi in Tokyo (Rififí en Tokio, 1963), L’homme de Marrakech / The Man from Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966) y Avec la peau des autres / To Skin a Spy (Red siniestra, 1966)–, y tres años después lo hizo con Robert Enrico –Les Grandes gueules / The Wise Guys (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers / The Last Adventure (Tres aventureros, 1967) y Ho! / Ho! Criminal Face (¡Ho!, 1968)–. Pero para entonces Giovanni ya barruntaba su paso a la dirección. Debutó tras la cámara con La Loi du survivant / Law of Survival. (La ley del superviviente, 1967), un polar en tiempos bélicos en el que aparecen tres de sus motivos temáticos principales: la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial, los ambientes de Córcega y la traición.
A partir de este momento, y con la sola excepción de Le Clan des Siciliens / The Sicilian Clan (El clan de los sicilianos, 1969) de Henri Verneuil –obra clave del polar, guion modélico de Giovanni a partir de la novela de Auguste Le Breton y reunión de alto voltaje entre Ventura, Delon y Gabin–, nuestro protagonista se dedicó principalmente a la dirección. Y si bien en sus películas hay rasgos de todos los cineastas con los que trabajó, no tardó en imponer un estilo propio, crudo y directo, adaptándose a sí mismo o a otros escritores, en filmes en los que mostró a asesinos a sueldo, policías de barrio, jóvenes rebeldes enfrentados al sistema, el hampa marsellesa, delincuentes que no pueden reinsertarse en la sociedad, ladrones marginales que viven según sus códigos, robos a gran escala, presidiarios que intentan demostrar su inocencia o buscadores de oro. Un estilo tan agitado como lo fue su propia existencia, muy física y aventurera: por ejemplo, practicó la escalada tanto alpina como urbana, y en una ocasión escaló hasta lo alto de la Torre Eiffel.
De entre los quince largometrajes que dirigió, además de dos filmes para televisión y tres episodios de un par de series, destacan Le Rapace / Birds of Prey (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu / Last Known Address (Último domicilio conocido, 1970) –ambas con Ventura–, Un aller simple / One Way Ticket (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune / Hit Man (El clan de los marselleses, 1972) –con Belmondo, Claudia Cardinale y el actor fetiche de Giovanni, Michel Constantin–, Deux hommes dans la ville / Two Men in Town (Dos hombres en la ciudad, 1973) –con Delon y Gabin compartiendo protagonismo–, Le Gitan / The Gypsy (Alias el gitano, 1975) –producida e interpretada por Delon– y Une robe noire pour un tueur (1981), con Annie Girardot. En sus dos últimas películas, Mon ami le traître / My Friend the Traitor (1988) y Mon père, il m’a sauvé la vie / My Father Saved My Life (Mi padre, 2001) –coescrita con Bertrand Tavernier– reflexionó desde la ficción sobre aspectos determinantes de su propia vida.
Entre los primeros títulos de la programación, algunas de las películas más destacadas del año, obras de directores imprescindibles, pero también de nuevos cineastas emergentes que han destacado en el panorama internacional con nombres esenciales como los de Werner Herzog, Claire Denis, Alexandre Koberidze, Hlynur Pálmason o Milagros Mumenthaler. Doce films de estreno catalán que presentan un panorama del cine más innovador, arriesgado y puntero del momento, ofreciendo una pluralidad de temáticas y miradas, que dan cuenta del estado del cine de autor de ahora mismo y del que mira hacia el futuro. Este es un pequeño avance de lo que está por venir en la 16.ª edición del D’A – Festival de Cinema de Barcelona.
Barrio triste es el impactante debut del colombiano Stillz, el jovencísimo director de videoclips de Rosalía o Bad Bunny, en uno de los films más libres y extremos del año, producido por Harmony Korine y con banda sonora de Arca.
El veterano director Werner Herzog se embarca en Ghost Elephants en otra de sus aventuras, que esta vez le lleva al encuentro de los misteriosos elefantes fantasmas de Angola. Sueños imposibles, reflexiones vitales e imágenes extraordinarias en un documental estrenado en la Biennale de Venecia 2025.
Hlynur Pálmason estará presente por partida doble en el D’A – Festival de Cinema de Barcelona, donde ganó el premio Talents en el año 2020 con Un blanco, blanco día. En Juana de Arco (Joan of Arc) el director filma a sus propios hijos en un film lúdico sobre el paso del tiempo, mientras que en El amor que permanece (The Love That Remains) sigue a una pareja con tres hijos a lo largo de todo un año en el que el matrimonio se deshace.
El director georgiano Alexandre Koberidze, uno de los jóvenes directores más destacados del cine europeo, regresa después de su sobresaliente ¿Qué vemos cuando miramos al cielo?. Presentará en el festival Dry Leaf, un film magistral sobre el tiempo, la memoria y los vínculos humanos. Mención especial del Jurado del Festival de Locarno.
El sonido de la caída (The Sound of Falling) de Mascha Schilinski es una de las películas más esperadas del año, después de ganar el Premio del Jurado en Cannes 2025 (ex aequo con Sirât). Un calidoscopio fascinante y fantasmagórico sobre la memoria y sus mecanismos.
También muy esperado es el film Las corrientes, el retorno de la directora argentina Milagros Mumenthaler (La idea de un lago), con un contundente retrato de una mujer a la deriva, que causó sensación en el Festival de San Sebastián 2025, donde ganó el Premio RTVE Otra Mirada.
La gran Claire Denis, una de las referentes del D’A, que le dedicó una retrospectiva en la primera edición, se adentra en Le Cri des gardes (The Fence) en los rincones más oscuros del neocolonialismo con un thriller gélido, protagonizado por Matt Dillon y Tom Blyth (Benediction). Con la banda sonora de Tindersticks.
Mark Jenkin es uno de los directores más originales del cine inglés, convertido en autor de culto después de Enys Men, un film de terror psicológico que pasó por Sitges. En Rose of Nevada sigue cautivando con una combinación imposible entre ciencia ficción existencial y etnografía marina. Protagonizan George MacKay (Capitán Fantástico) y Callum Turner (Emma).
Por último, dos films que han triunfado en los festivales internacionales. Two Seasons, Two Strangers de Shô Miyake, ganadora del Leopardo de Oro en Locarno 2025. Un díptico poético y melancólico que sitúa a su autor en la senda de Ryûsuke Hamaguchi o del metacine de Hong Sangsoo.
Y finalmente, Un mundo frágil y maravilloso (A Sad and Beautiful World) del director libanés Cyril Aris, una obra mayor que ha ganado más de una quincena de galardones incluyendo el premio del público en Venecia y Valladolid. Una película atravesada por la guerra, en la que una pareja se ve obligada a decidir si quedarse en el país y formar una familia en ese contexto u optar por el exilio.
La tercera y última crónica se centra en las secciones paralelas del festival, comenzando por Panorama, una muestra alternativa que reúne una ingente cantidad de títulos cuya problemática radica en intentar clasificarlos de manera coherente, debido a su carácter ecléctico y a la imposibilidad de encuadrar todos esos títulos en la misma categoría, pero, al mismo tiempo, posiblemente sea la sección que mejor refleje la naturaleza poliédrica del certamen.
Shelby Oaks
La sección Panorama fue concebida con la intención de reunir una serie de títulos que, por logística, no tenían espacio en la Sección Oficial. Con el propósito de ofrecer un tipo de cine independiente más orientado al fantástico, la sección cumple con relativa solvencia el cometido de detectar virtudes y deficiencias en las propuestas, carencias detectadas en Shelby Oaks, debut en el largometraje del youtuber Chris Stuckmann que pone de manifiesto la supuesta validez de fórmulas y determinadas campañas mediáticas destinadas a embaucar al fandom. A tal respecto, ni la producción ejecutiva de Mike Flanagan ni la distribución de la cada vez más poderosa NEON legitiman como sello de garantía la indigesta mezcla de formatos, mockumentary, found footage y ficción de una película de nulo pulso visual y atropellada narrativa. En tal sentido, no deja de ser sintomático que su estreno mundial ocurriera hace más de un año en el Fantasia-fest, sufriendo posteriores remontajes y añadidos. La sensación final es la de estar ante una autoría perteneciente a ese grupo de noveles realizadores cuyos conocimientos del cine de terror contemporáneo (las referencias a films como The Blair Witch Project (1999), Session 9 (2001) o Lake Mungo (2008) son evidentes) se limitan a la parte teórica, muy distanciados de una parte práctica consistente.
Bagworm
Más comprensible es el apadrinamiento del debutante Peter Cilella por parte de Aaron Moorhead y Justin Benson. Descendent muestra la deriva mental de un personaje cuyo mundo se desmorona tras sufrir una aparente abducción extraterrestre. Aplicado ejercicio de tensión psicológica cuyas visiones e hipnosis regresivas quedan, sin embargo, suspendidas en una irresolución genérica donde la noción de ambigüedad se enfoca principalmente en la ciencia ficción costumbrista, adoptando un tono terapéutico sobre la exploración de traumas e inseguridades, intensificadas gradualmente mediante elementos alucinatorios, así como una curiosa reflexión sobre qué significa ser hombre en la América contemporánea, idea muy presente en Take Shelter (2011), Esto difiere de la indagación del fenómeno paranoico provocado por un elemento fantástico donde las referencias más evidentes serían Communion (1989) o Fire in the Sky (1993). Más arriesgada a nivel conceptual resulta la interesante Bagworm del también debutante Oliver Bernsen, que versa sobre un trastorno y un malestar de naturaleza bien distinta. Se trata de una historia sobre un misántropo que, conforme avanza la trama, va cayendo en una espiral de decadencia moral y física. La excusa alegórica, derivativa de lo weird con relación al doble significado del concepto parasitario, surge a causa del avance de una infección ocasionada al pisar accidentalmente un clavo oxidado. Se agradece que, en esta ocasión, el relato sobre la figura del perdedor se aleje de preceptos redentores y vaya más encaminado hacia una serie de coordenadas de humor cínico próximas a lo underground y que afronte con osadía una desquiciada parte final que nos remite de forma perversa a Fear and Loathing in Las Vegas (1998).
Rabbit Trap
Desde una vertiente más autoral, Rabbit Trap recurre a la fábula fantástica para reflexionar sobre un trauma soterrado. El film relata la historia de un matrimonio que se instala en una casa de campo para encontrar la inspiración en sus proyectos creativos; la aparición de un misterioso niño, sutil alegoría del deseo de la pareja por tener un hijo, servirá como punto de inflexión para que la historia transite a través de un horror acústico y por simbologías adyacentes al folk horror. La ópera prima de Bryn Chainey vendría a ser ese tipo de aplicado ejercicio de estilo instalado en la abstracción de un subtexto provisto de conexiones simbólicas entre el sonido y la tierra, demonios, hadas o conejos, artilugios genéricos solo comprensibles desde la lógica de una fábula que intenta explorar la podredumbre interna de sus personajes.
Dollhouse
Después de un tiempo sin apenas aportaciones, dos películas marcaron un divertido regreso a coordenadas del terror nipón contemporáneo: por una parte, Dollhouse de Shinobu Yaguchi recurre a la mitología de la muñeca maldita para jugar, desde un posicionamiento autoparódico, con una serie de convenciones y expectativas ya conocidas por el fan. Una película afiliada en espíritu a ese gran contenedor perteneciente a los estertores del J-Horror que, tras años de sequía, convierte su visionado en una experiencia relativamente disfrutable. Más austera en recursos, The Curse de Kenichi Ugana también fija su mirada en conceptos pretéritos mediante numerosos clichés asociados a las redes sociales; en este caso, Instagram como escenario donde las mentiras alimentan la inseguridad y la baja autoestima, sustituyendo las cintas de video de Ringu (1998) o la telefonía móvil de One Missed Call (2003), como nueva vía de canalización de una maldición. Aderezada con curiosos apuntes sobre el folklore taiwanés, la película termina siendo deudora de un autoconsciente tono caricaturesco demasiado cercano a andamiajes propios de un producto de índole amateur. Una revisión más amable fue la coproducción entre Indonesia y Singapur Monster Island, film que nos sitúa en el Pacífico en 1942, donde un soldado japonés y un prisionero de guerra británico, náufragos en una isla desierta, serán perseguidos por una criatura. Película con texturas de relato Pulp de aventuras con monstruo, temática trasladada a la gran pantalla de forma prolífica en la serie B norteamericana de los años 40 y 50 que fue evolucionando hacia propuestas tan diversas como L’isola degli uomini pesce (1979), Enemy Mine (1985) o Predator (1987). El posicionamiento de Mike Wiluan resulta evidente en este sentido: ofrecer una película que parte de la premisa de aceptar todo lo bueno y malo que hay en ella, intención legitimada por una marcada ausencia de trascendencia en la historia y también por negarse a recurrir a usar efectos digitales en el diseño de la criatura.
Marama
Algo más difusa a la hora de desarrollar determinadas coordenadas genéricas, la cinta neozelandesa Marama se atisba como una incursión en el gótico muy poco afortunada, concepto ligado a espacios recónditos, opulentos y decadentes donde los oscuros secretos familiares generan la presencia de elementos sobrenaturales; trasladados a la cultura maorí y los horrores que sufrió dicho pueblo a manos de sus colonizadores. En tal sentido, en la película de Toa Stappard se observa una afiliación más próxima al discurso político que al género fantástico, donde simbolismos góticos utilizados de manera reiterativa se transforman en el acto final en la antítesis de lo sugerido previamente: el subgénero del rape & revenge. De carácter más anecdótico, Delivery Run del finlandés Joey Palmroos forma parte de ese inmenso grupo de películas cuyo principal referente es Duel (1971) y la temática del serial killer al volante. En esta ocasión, la acción se ubica en la gélida y deshabitada Minnesota, donde surgirá el enfrentamiento entre un joven repartidor de comida rápida y un conductor homicida de una máquina quitanieves. Película irrelevante de escasa inventiva, resulta fallida por más que el autor recurra, ante la falta de rigor y lógica en la historia, a estereotipos humorísticos de naturaleza chabacana.
Sitges Collection, el género como cajón de sastre
Primate
Casi a modo de una liberación catártica, uno de los divertimentos más estimulantes vistos en Sitges vino de la mano de Primate, film que pone de manifiesto la necesidad de volver a articular planteamientos que incidan en un terror simplificado, centrado en la esencia del fantástico como concepto equidistante de agendas y discursivas de diversa índole. Partiendo de la premisa del simio homicida, la cinta de Johannes Roberts apuesta por un componente más lúdico (amparado en el terror visceral y el humor negro) que el de sus referentes, Link (1986), Monkey Shines (1988) y, en especial, Cujo (1983), para situarse en un espacio y narrativa minimalistas donde los protagonistas sufren el acoso de su mascota. El terror prevalece sobre una trama que se desmorona cuanto más se piensa en ella; como virtud añadida e inusual hoy en día, cabe mencionar su querencia a la serie B gracias a una deliberada exageración de clichés a través de estándares alejados de la precariedad, dirección artística impecable y producción a cargo de Paramount Pictures. En Vieja loca también existe la intención de articular conceptos cinematográficos del pasado; por un lado, sus referencias al terror clásico: caserón siniestro, tormenta nocturna y entornos claustrofóbicos y, por otro, su afiliación al hagsploitation, subgénero consistente en reciclar a veteranas actrices hollywoodienses en el ámbito del cine de terror, práctica habitual en el medio catódico norteamericano de los 70 y 80, cuyo mejor ejemplo llevado al cine posiblemente sea What Ever Happened to Baby Jane? (1962). Con Carmen Maura como homicida anciana con demencia senil, la película de Martín Mauregui, que también evoca desde la distancia a Misery (1990) transita por un disfrutable terror geriátrico con inclinación al grand guignol, premisa que, alejada de dichas tonalidades grotescas, parece quedarse sin espacio al intentar expandir narrativas soterradas, como las referentes a oscuros abismos generacionales, la difusa percepción de la realidad o el acto de exorcizar un pasado violento.
L’homme qui rétrécit
La francesa L’homme qui rétrécit tampoco parece complicarse en exceso en el cometido de adaptar a la actualidad tanto la novela de Richard Matheson como la magnífica adaptación al cine rodada por Jack Arnold, The Incredible Shrinking Man (1957). En ese sentido, y dentro de ese pantanoso terreno de la comparativa, la película de Jan Kounen sale airosa de su tentativa de tener una voz propia sin apenas alterar el material original, reverenciando la mitología cinematográfica de su predecesora y conservando conceptos primigenios del texto de Richard Matheson, destacando la reflexión y periplo del hombre corriente abocado a replantearse su relación con un nuevo espacio en el que tendrá que subsistir. El subgénero de vampiros enmarcado en un contexto contemporáneo ha sido durante mucho tiempo un marco recurrente a la hora de exponer dialécticas alegóricas. De una lista interminable sobresalen fascinantes acercamientos de índole filosófica como The Addiction (1995) u Only Lovers Left Alive (2013), o propuestas en cuyo andamiaje lúdico subyace un trasfondo de crítica social, por ejemplo, Vampire’s Kiss (1989). A tal respecto, Night Patrol de Ryan Prows rehúsa examinar problemáticas del presente, y no porque el escenario político no se preste a ello. Película que toma como principales referentes a From Dusk Till Dawn (1996) y Sinners (2025), por aquello de intentar sorprender al espectador con una hibridación genérica: un relato policial, seco e hiperrealista que en su segundo acto deviene una historia de vampiros plagado de sangre falsa. El film adolece de una caótica narrativa incapaz de desarrollar cualquier tipo de paradoja vinculada a su naturaleza Pulp, una propuesta que, por muy distendida que sea, requiere de un ejercicio mínimo de sentido y coherencia. Por otra parte, The Long Walk, película encargada de clausurar Sitges 2025, se sitúa en ese subgénero propio de adaptaciones de la obra de Stephen King llevadas al cine. Relato distópico sobre sociedades y regímenes totalitarios donde prevalecen las purgas a modo de recordatorio de su sometimiento. Partiendo de una inusual austeridad visual, el film de Francis Lawrence tiene la virtud de reinterpretar el explícito y contestatario material original evitando los estereotipos y remitiendo la representación física de la prueba, el juego de supervivencia, a un segundo plano, con respecto a una exploración de la palabra, más sutil e interesante, sobre la derrota moral y el miedo desde un prisma humanista. Posicionamiento que, pese a la reiteración de ciertos mecanismos narrativos, sitúa a The Long Walk como una atípica propuesta dentro del actual mainstream estadounidense.
Seven Chances/Clásicos, la mirada pretérita
Lo spettro
Fiel a la naturaleza actual del certamen, eludiendo el concepto de retrospectiva entendida como tal, los clásicos en Sitges tuvieron una presencia tan cuantiosa como dispersa, incluso a propósito de títulos proyectados con motivo del leitmotiv de esta edición. Así, una sección como Seven Chances, obligada a evolucionar con el paso de los años a un espacio destinado a la recuperación de películas restauradas, presentó de la mano de Severin Films Lo spettro de Riccardo Freda, joya del gótico italiano y secuela conceptual de la anterior L’orribile segreto del Dr. Hichcock (1962). Un relato de naturaleza misántropa, más cercano al misterio y a tramas de terror cruel propias de las ficciones de los EC Comics que a una historia de componente fantasmagórico que pone de manifiesto la virtud estilista de Riccardo Freda como autor esencial dentro del fantástico italiano. Por otro lado, The Outcasts, presente en el festival en la edición de 1984, supone una espléndida ocasión para recuperar un folk horror de tono inmersivo que evoca desde la distancia los primeros trabajos de Peter Weir a través de una historia que se desarrolla en la Irlanda del siglo XIX anterior a la hambruna a modo de inhóspito escenario de confrontación entre el realismo rural de extremada dureza y la fábula sobrenatural. Elemento este último que en la película de Robert Wynne-Simmons presenta curiosas concomitancias con la idea del paganismo y su arquetípica representación dentro del subgénero.
Angel’s Egg
La copia restaurada en 4K de Jigoku del maestro Nobuo Nakagawa supuso una nueva oportunidad para poder disfrutar en pantalla grande de una obra que nos muestra cómo el terror clásico en Japón también fue creado gracias a la experimentación. Su descripción del infierno budista muestra el tormento en el averno a modo de reflexión sobre el pecado, al inicio, remitiéndonos a un melodrama onírico con reminiscencias al noir para finalizar como espectáculo visceral y grotesco inédito en aquella época. Como colofón a esta crónica, otra lujosa restauración correspondió a la obra resultante de la unión creativa de Mamoru Oshii y Yoshitaka Amano: Angel’s Egg, una indiscutible película de culto, estatus en gran parte mitificado por la inaccesibilidad de una historia que funciona mejor como una ensoñación que como narrativa realista convencional. Obra maldita, devenida en referente de la animación con el paso del tiempo, que extrapola su fascinación por los temas e imágenes bíblicas, en especial, el Génesis y el Apocalipsis, al mismo tiempo, supone una lúcida reflexión mediante imágenes de una inconfundible belleza etérea sobre la realidad y los peligros de la fe ciega en un mundo moribundo, también sobre ciertas dinámicas que son el origen de gran parte de la existencia, aunque posiblemente la verdadera mística de la película resida en comprobar que cualquier otra interpretación la película seguiría conservando su potencia e impacto. Cuatro décadas después de su gestación, su proyección el último día del certamen en la gran pantalla del Auditori fue algo parecido a volver a rescatar en óptimas condiciones una pieza perdida de la historia del cine. Es inconcebible imaginar un final mejor para esta edición del festival.
Palmarés
Sección oficial fantàstic a competición
Mejor Película de la SOFC ‘La hermanastra fea’ de Emilie Blichfeldt
Premio Especial del Jurado de la Sección Oficial Fantàstic (ex aequo) ‘The Furious’ de Kenji Tanigaki ‘Obsession’ de Curry Barker
Mejor Dirección de la SOFC Park Chan-wook por ‘No Other Choice’
Mejor Interpretación Femenina de la SOFC Rose Byrne por ‘Si pudiera, te daría una patada’
Mejor Interpretación Masculina de la SOFC El reparto masculino de ‘The Plague’
Mejor Guion de la SOFC ‘Un fantasma útil’ de Ratchapoom Boonbunchachoke
Mejor Fotografía de la SOFC Diego Tenorio por ‘La virgen de la tosquera’
Mejor Música de la SOFC Yasutaka Nakata & Shouhei Amimori por ‘Exit 8’
Mejores Efectos Especiales, Visuales o de Maquillaje de la SOFC Tenille Shockey & François Dagenais por ‘Honey Bunch’
Noves Visions
Mejor Película de la sección Noves Visions (ex aequo) ‘Lesbian Space Princess’ de Emma Hough Hobbs & Leela Varghese ‘The True Beauty of Being Bitten by a Tick’ de Pete Ohs
Mejor Dirección de la sección Noves Visions (ex aequo) Adam C. Briggs & Sam Dixon por ‘A Grand Mockery’ Toshiaki Toyoda por ‘Transcending Dimensions’
Mejor Corto Noves Visions Petit Format ‘Monstruo Obscura’ de Hong Seung-gi
Blood Window
Premio Blood Window a la Mejor Película ‘No dejes a los niños solos’ de Emilio Portes
Òrbita
Mejor Película de la Sección Òrbita ‘The Forbidden City’ de Gabriele Mainetti
Méliès de Oro
Mejor Película de Género Fantástico ‘Mr. K’ de Tallulah Hazekamp Schwab
Mejor Cortometraje de Género Fantástico ‘Don’t Be Afraid’ de Mats Udd
Méliès de Plata
Mejor Película de Género Fantástico ‘Feels Like Home’ de Gábor Holtai
Mejor Corto Europeo de Género Fantástico ‘El fantasma de la Quinta’ de James A. Castillo
Anima’t
Mejor Largometraje de Animación ‘Lesbian Space Princess’ de Emma Hough Hobbs & Leela Varghese
Mejor Cortometraje de Animación ‘Luz diabla’ de Gerva Canda, Paula Boffo & Patricio Plaza
Premios Brigadoon
Mejor Corto Brigadoon Paul Naschy ‘Floor’ de Jo Bareun
Jurado de la crítica
Premio de la Crítica José Luis Guarner a la Mejor Película SOFC (ex aequo) ‘La vida de Chuck’ de Mike Flanagan ‘Reflection in a Dead Diamond’ de Hélène Cattet & Bruno Forzani
Premio Citizen Kane para el Mejor Director Revelación Ratchapoom Boonbunchachoke por ‘Un fantasma útil’
Mejor Cortometraje de la SOFC ‘The Man That I Wave At’ de Ben S. Hyland
Zabaltegi-Tabakalera. Experimentación y derivas autorales
La tour de glace
Dentro del apartado más orientado al riesgo conceptual, varias propuestas de un marcado tono ecléctico transitaron por el trauma y el autodescubrimiento; a tal respecto, Blue Heron, debut en el largometraje de la canadiense Sophy Romvari, centra su mirada en un retrato de corte autobiográfico. Película que, buscando paralelismos recientes, expande de alguna manera la última escena de Aftersun (Charlotte Wells, 2022), con relación a la concepción de la memoria, y cómo esta es expuesta mediante una narrativa ficticia y una documental: la enfermedad mental de un familiar cercano que nunca fue identificada ni tratada de forma satisfactoria. Resulta más interesante la indagación sobre el origen y el ocaso de los recuerdos (equiparando en ocasiones los detalles accidentales e incluso ambientales a los eventos más significativos) que la presumible función terapéutica para su autora en referencia al apartado de no ficción. Uno de los puntos álgidos de la sección y del festival fue La tour de glace, el nuevo trabajo tras las cámaras de Lucile Hadžihalilović, posiblemente su obra más inteligible, en ningún caso menor, donde la responsable de Evolution reincide en opacos imaginarios situados entre la infancia y la adolescencia y su abrupta irrupción en el mundo adulto y cómo, a través de dicha premisa, se exploran conceptos como la dependencia o la sumisión, una constante casi obsesiva en la obra de la cineasta. Se trata de un film narrado como un cuento de hadas gótico de tono onírico, un sobresaliente ejercicio de estilo visual que invita al espectador a sumergirse en un hipnótico escenario metacinematográfico de infinitas capas y múltiples lecturas.
Kota
La mirada animal al mundo humano y la colisión que se produce entre ambos imaginarios vino de la mano de Kota de György Pálfi, autor que hace unos años se dio a conocer con trabajos de una clara vocación transgresora con tendencia a lo grotesco: Taxidermia (2006) o Final Cut: Ladies and Gentlemen (2012). Curiosamente, en Kota, el realizador húngaro ofrece su película más lineal a nivel narrativo, relatando las peripecias de una gallina que, al igual que hizo Jerzy Skolimowski en EO, equipara su mirada subjetiva con la del espectador. A partir de dicha premisa, situada a medio camino entre la comedia y el drama, las metáforas sobre la gran tragedia humana son tan variadas como en ocasiones previsibles, por ejemplo, equiparar el tráfico de inmigrantes con el encarcelamiento animal o el instinto maternal de la gallina en contraposición con las relaciones decadentes entre los seres humanos. Posiblemente, la gran valía de la película resida en comprobar cómo el cine sigue siendo un medio eficaz a la hora de contemplar el mundo a través de un prisma distinto. Más encaminada a la experimentación, Una película de miedo, al igual que el anterior trabajo de su autor, O futebol (2015), recurre a la diversidad de formatos, el documental, la ficción o el material de archivo, a modo de dispositivos cinéfilos que sirven de herramienta para una suerte de terapia de autoayuda. Con la excusa argumental de seguir sus propios pasos junto a los de su hijo de doce años durante su estancia en un hotel abandonado en Lisboa, Sergio Oksman orquesta una reflexión de carácter contemplativo sobre la identidad y el pasado familiar a través de un espacio de claras resonancias fantasmagóricas, dando como resultado un trabajo algo difuso con relación a unos propósitos autorales, a priori, tan sugerentes como inabarcables.
Fiume o morte!
Otros dos documentales indagaron desde coordenadas más convencionales sobre problemáticas geopolíticas del pasado que, irremediablemente, remiten al presente: por un lado, Fiume o morte! de Igor Bezinovic, supone una distendida recreación de la surrealista invasión tras la Primera Guerra Mundial de la ciudad croata de Rijeka por parte de Gabriele D’Annunzio. A través de un abundante material de archivo, la película reflexiona irónicamente sobre incipientes y absurdos modelos fascistas de antaño por medio de la recreación de sucesos y detalles históricos que pone de relieve cómo la identidad actual de muchos territorios se basa en el legado y reproche a los antiguos intrusos. Por otra parte, Bajo las banderas, el sol del debutante Juanjo Pereira,nos muestra el régimen de Alfredo Stroessner en Paraguay entre 1954 y 1989, a través de una vasta recuperación de material propagandístico. Negando el testimonio o la crónica personal, el documental recurre a conceptos cercanos al found-footage a la hora de reconstruir el ascenso, la toma de poder y caída de la dictadura más longeva de Latinoamérica, mediante la maquinaria visual que lo legitimó. Un detallado ejercicio de arqueología de la imagen política que tiene la virtud de saber utilizar la no ficción como formato inmejorable para la manipulación de material, en ocasiones, focalizado de forma algo obvia como, por ejemplo, cuando paralelamente superpone las palabras de Stroessner loando «las virtudes democráticas» de su mandato con imágenes de la represión que ocurría al mismo tiempo en las calles.
New Directors. Nuevas autorías bajo la contemporaneidad
Bad Apples
Dentro de la sección destinada a óperas primas y segundos trabajos, Bad Apples de Jonatan Etzler cuestiona el sistema educativo mediante la sátira, fijando su mirada en las limitaciones y la ética existentes en dicho ecosistema. Una película que narra la lucha de una joven maestra frustrada con un estudiante decidido a causar el caos. Concepto argumental que puede remitirnos a la estupenda Election de Alexander Payne, por aquello de retratar desde un posicionamiento lúdico enfrentamientos y dinámicas de poder dentro del deteriorado ámbito escolar. Pese a que el retrato social termina siendo bastante turbio, se agradece que su decidida afiliación a la comedia negra se distancie de manidos realismos de naturaleza pedagógica. También de adolescentes y sus problemáticas versa Weightless (Premio a la Mejor Película de esta sección), cinta danesa que se sitúa bajo unas reconocibles coordenadas del coming of age en una historia donde una joven con sobrepeso ingresa en un campamento de verano en el que se dará cuenta de la futilidad de comer de forma equilibrada y hacer ejercicio, ya que son meros componentes secundarios en el aprendizaje vital de la vida.Por fortuna, y pese a lo manido de la temática, la película de la realizadora Emile Thalund no se queda en nociones simples o políticamente correctas, sino que se centra en el ambiguo retrato de alguien que debe afrontar el juicio de su entorno sobre su aspecto y su forma de actuar, saliendo de manera relativamente airosa del reto de retratar el despertar sexual y cómo este termina chocando con determinados comportamientos adultos.
Aro berria
Otras propuestas que orbitaron a través de estructuras narrativas dramáticas, pero desde un prisma más meditativo, en ocasiones, cercano a onirismos lindantes al fantástico fueron, por un lado, la cinta turca As We Breathe de Seyhmus Altun, aproximación a un fracturado núcleo familiar en una situación límite: el devastador incendio en la región de Anatolia acontecido a principios del año 2000. El escenario de tono apocalíptico servirá como perfecta alegoría para una serie de dialécticas, la principal sería el complicado paso a la edad adulta descrita en la historia a modo de migración forzada y su impacto en la infancia que, de forma sugerente, se centran más en la agitación interna de los personajes que en los abruptos acontecimientos del exterior. Por otra parte, Nighttime Sounds pone el foco en marginalidades en la China rural. Como viene siendo habitual en gran parte del cine social contemporáneo de dicho país, el segundo largometraje del realizador Zhongchen Zhang explora un trauma del pasado aplicado al presente representado en una figura femenina que se enfrenta al legado emocional de una explotación de carácter estructural centrada en la historia de la recientemente abolida política del hijo único. Se agradece que la película apueste por una narrativa de contornos poéticos, por momentos, próxima a la fantasmagoría a la hora de recurrir a una evocación que, sin embargo, queda algo lastrada por trillados recursos inherentes a la actual agenda cinematográfica como, por ejemplo, enfocar la mirada femenina en dialécticas próximas al realismo mágico. Una estimulante anomalía fue el debut en el largometraje de Irati Gorostidi con Aro berria, recreación de una aventura utópica de tono disidente, performativo y etnográfico que tuvo lugar durante la Transición en nuestro país. Ambientada en 1978, el relato sigue a un grupo de jóvenes que deciden abandonar su vida laboral en la industria metalúrgica para integrarse en una comunidad aislada en las montañas, lugar donde emprenderán una búsqueda poco ortodoxa de experiencias catárticas compartidas. El paso del oscuro mundo obrero a un contexto libertario es mostrado a modo de ejercicio de cine radical, provisto de una visión tan exigente como inédita, posicionamiento autoral que ejemplifica a la perfección lo que tendría que ser el espíritu de una sección de las características de New Directors.
Horizontes Latinos. El cine identitario
Cobre
El espacio territorial como concepto para gramáticas cinematográficas fue el denominador común dentro del apartado destinado a una parte de la cosecha del cine latinoamericano de 2025: Cobre de Nicolás Pereda entreteje una trama de equívocos, en apariencia banales, en las afueras de un pueblo minero, males endémicos sociales que pasan de ordinarios a extraños, ocasionando un trasfondo ciertamente inquietante. Se trata de una película que, desmarcándose de las tendencias actuales del cine mexicano que denuncian la violencia exponencial del país, utiliza de forma inteligente el recurso del minimalismo para destacar la incomodidad, dibujada a través de un trazo autoral donde lo sugerido y la reiteración de acciones y gestos nos derivan a lo intangible, algo que termina resonando de forma patente en la historia. También existe en Hiedra una visión social poco placentera, en esta ocasión, recurriendo a lo sensorial y corporal (ese concepto cinematográfico que tan bien sabe aplicar Claire Denis a su cine) como principal eje narrativo, aunque, en esta ocasión, dichas coordenadas, demasiado deudoras del hiperrealismo contemplativo, no resultan tan novedosas. A través de una historia de marginalidad y trauma adolescente que gira en torno al difuso vínculo afectivo establecido entre una mujer de 30 años y un adolescente de 17, la realizadora ecuatoriana Ana Cristina Barragánrecurre a la ambigüedad y a una utilización del espacio liminal como punto limítrofe entre lo real y lo imaginario, cuyo resultado final es percibido tan esquivo como lo son sus personajes.
Nuestra tierra
Uno de los puntos álgidos de Horizontes Latinos vino de la mano de Nuestra tierra de Lucrecia Martel, primer trabajo de no ficción de la responsable de Zama, que recrea el crimen, y posterior juicio, de un líder indígena de Chuschagasta a manos de un terrateniente y dos expolicías. A través de una premisa basada en nociones cercanas al true crime, el asesinato queda registrado en dispositivos móviles. Gracias a curiosos apuntes técnicos como el manejo de los drones para intentar contextualizar el espacio en disputa, Lucrecia Martel orquesta un estimulante discurso sobre las grietas sociales de la actual Argentina con relación al patrimonio territorial, y cómo este es puesto en tela de juicio mediante dudosos sistemas legales. Lúcida reflexión sobre una lógica histórica, expandida a una investigación de carácter etnológico que indaga en una memoria colectiva marcada por el expolio a través de una mirada a los orígenes, al recuerdo comunitario y al concepto de una pertenencia moral. Un espléndido ejercicio de cine político entendido en el mejor sentido del término.
Retrospectiva – Lillian Hellman
Julia
Como colofón a las crónicas del Zinemaldia 2025, me gustaría destacar dos películas, entre las dieciséis proyectadas, pertenecientes a la magnífica retrospectiva dedicada a la dramaturga y guionista estadounidense Lillian Hellman. Toys in the Attic de George Roy Hill, adaptación de su pieza teatral estrenada en Broadway en 1960, nos remite a constantes del gótico sureño, una película donde, al igual que la precedente, All Fall Down (John Frankenheimer, 1962), se atisba la sombra de Tennessee Williams. Ambientado en un hogar de Nueva Orleans, el relato muestra el corrosivo comportamiento de dos hermanas solteras y la extraña devoción que sienten por su hermano menor. Drama que pone el foco en el tormento y los sueños incumplidos a través de un estudio sobre la frustración que ejemplifica los melodramas de sociedades ancladas en el pasado tan característicos en el cine de los 60. Por otra parte, la espléndida Julia de Fred Zinnemann se basa en las memorias de Lillian Hellman, en concreto, en el segundo de sus tres libros autobiográficos, “Pentimento”, publicado en 1973, donde se narra la cálida e inocente relación entre dos niñas como contrapunto a la posterior tragedia, cuando años después, sus vidas se separarán a causa de la guerra. Historia al servicio de sus personajes que explora el sentimiento y despertar antinazi de la autora, mediante un tratado cercano al concepto de viaje en el recuerdo, articulado mediante flashbacks y una voz en off que indaga desde distintos posicionamientos en la noción del compromiso moral. Un perfecto cierre de festival ubicado, como suele ser habitual en las retrospectivas, en la sala más pequeña de los multicines Príncipe. Un pequeño reducto destinado a esa cinefilia minoritaria pero fiel que sigue apoyando con su presencia las proyecciones de clásicos como parte esencial de lo que tendría que ser un certamen cinematográfico.
Palmarés
Concha de Oro: Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa.
Premio Especial de jurado: Historias del buen valle, de José Luis Guerín
Concha de Plata a la mejor dirección: Joachim Lafosse, por Six jours ce Printemps-Là
Concha de Plata a la mejor interpretación: exaequo para José Ramón Soroiz (Maspalomas) y Zhao Xiaohonh (Her heart beats in its cage)
Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto: Camila Plaate (Belén)
Guion: Jochim Lafosse, Chloé Duponchelle y Paul Ismaël (Six jours ce Printemps-Là)
Fotografía: Pau Esteve (Los tigres)
Premios fuera de la sección oficial
Premio RTVE Otra mirada: Las corrientes, de Milagros Mumenthaler
Premio Horizontes Latinos: Un poeta, de Simón Mesa Soto (Colombia)
Premio Zabaltegi-Tabakalera: La torre de hielo (Lucile Hadzihalilovic)
Premios Nuevos directores: Weighless, de Emilie Thalund (Dinamarca)
Premio del público a la mejor película: La voz de Hind, de J.A. Bayona
Premio Feroz: Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa
Premio Cine Vasco: Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa
Varias películas de índole revisionista estuvieron presentes en ese gran cajón de sastre temático y autoral que viene siendo la sección Perlas en los últimos años. Nouvelle Vague rememora la gestación de À bout de soufflé de Jean-Luc Godard, film clave que significó el inicio del movimiento cinematográfico francés al que hace referencia el título de Richard Linklater. Ejercicio que puede ser entendido como un cuidado homenaje que refleja el zeitgeist de aquella época, por momentos, demasiado cercano al concepto de mostrar el making-of de una película, sin apenas detenerse en la indagación de significados ocultos de dicha elaboración creativa. Intención loable cuyo equilibrio oscila entre la admiración y el fetichismo cinéfilo y que se solventa con cierto aplomo por el responsable de Before Sunset, pero que, al mismo tiempo, establece curiosas contradicciones percibidas a modo de una suerte de simulacro esteticista con tendencia a la sobreexposición, antagónico en intenciones respecto a la subversión cinematográfica que pretende ensalzar.
L’étranger
Por su parte, Bugonia vendría a ser la constatación del saco de ideas rotas en el que parece haberse convertido Yorgos Lanthimos en los últimos años. Remake de Save the Green Planet! (Jang Jun-hwan, 2003), película esencial para entender las características y la idiosincrasia del boom del cine coreano de hace dos décadas, el film de Lanthimos resulta algo tedioso, por mucho que recurra al componente lúdico a la hora de desarrollar conceptos ya transitados con anterioridad como, por ejemplo, la radiografía de clases sociales dispares, o mostrar una época de extremismos y fanatismos propicia para la gestación de comportamientos paranoicos ubicados en oscuros universos marginales. Un mal menor, si nos centramos en la naturaleza distendida de la propuesta, algo alejada de la impostura de sus últimos trabajos, Poor Things (2023) y Kinds of Kindness (2024). Bastante más satisfactoria resulta la reinterpretación que hace François Ozon en L’étranger, tanto de la novela homónima de Albert Camus como de su anterior adaptación al cine dirigida por Luchino Visconti en 1967. Película que lleva casi al extremo un aplicado esteticismo; a tal respecto, el trabajo como director de fotografía de Manuel Dacosse, habitual de directores como Fabrice Du Welz, Lucile Hadzihalilovic, Hélène Cattet y Bruno Forzani, resulta abrumador, que establece sorprendentes conexiones con una vertiente conceptual del relato, posiblemente la única vía narrativa válida a la hora de mostrar el nihilista viaje de un personaje en cuyo imaginario anida el vacío emocional. Adaptación distante y oníricamente disociada que tiene la virtud añadida de no intentar ir más allá del texto original.
O agente secreto
Cambiando de tercio y tono, otra serie de trabajos indagaron en problemáticas sociopolíticas del pasado y presente, por ejemplo, la estimulante O agente secreto de Mendonça Filho; ambientada en 1977, año clave de la dictadura brasileña, se sitúa bajo coordenadas cercanas al thriller político, y cómo a través de dichos patrones cinematográficos, se aborda la memoria histórica de un país. Su característico tono caleidoscópico ocasiona curiosas rupturas estilísticas y genéricas, en especial las referidas al thriller, espléndidamente ejecutado al inicio y al final del relato, y se sitúa muy por encima de un ligero tono de comedia y una más que discutible incursión dentro del realismo mágico. Las secuelas de una dictadura también forman parte esencial de Un simple accident de Jafar Panahi, película que parte de una anecdótica premisa: el atropello accidental de un perro por parte de un supuesto antiguo torturador del régimen iraní, acontecimiento que reunirá de forma casual a unos antiguos compañeros de prisión que intentarán verificar la identidad del sospechoso. Siguiendo unos códigos cercanos a la comedia absurda que, conforme avanza, adquiere una tonalidad cada vez más oscura que podría emparentarla con Death and the Maiden de Roman Polanski, Un simple accident supone el particular ajuste de cuentas moral de Jafar Panahi con el régimen dictatorial iraní. Panahi lo hace mediante un lúcido relato simbólico que expone dilemas de tono casi metafísico sobre la venganza y el perdón, mostrados como un tratado sobre la pesadilla moral de un país que se plantea el poder recuperar la dignidad después de haber sido obligado a abandonarla.
The Voice of Hind Rajab
La denuncia también está muy presente en The Voice of Hind Rajab de Kaouther Ben Hania, aunque, en esta ocasión, las formas difieren de forma drástica. Película cuya supuesta validez parece estar fundada en la inmediatez de un actual conflicto bélico con un andamiaje narrativo que resulta parcialmente interesante, con relación a cómo diversos dispositivos tecnológicos reflejan dicho imaginario, pero que, sin embargo, adolece de un discutible enfoque en referencia a una puesta en escena que dramatiza y manipula el trágico destino de una niña palestina asesinada en la Franja de Gaza. Creando un debate, tanto en lo concerniente a su valía como testimonio fílmico, como en lo referido a un posicionamiento que plantea serios problemas éticos visibles en el acto final de la película, que podría equipararse perfectamente con los documentales Mondo y sus secuelas, realizados en su día por Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi. Otra interesante reflexión sería hasta qué punto el cine y la política pueden ir de la mano en determinadas situaciones, aquí en relación con gran parte de la crítica e informadores de cine desplazados en la pasada edición del festival de Venecia que exigieron premiarla como un acto reivindicativo, posicionamiento cercano a lo banal y, lo que es peor, muy poco respetuoso con el resto de las películas presentes en el certamen.
Uno de los puntos álgidos de la sección vino de la mano de Joachim Trier con Sentimental Value, relato donde el realizador noruego vuelve a transitar por temas esenciales de su filmografía; el más evidente sería el relacionado con los conflictos inherentes a las relaciones familiares, aquí sumado a la indagación que se hace del concepto del cine dentro del cine, un reflejo del arte como forma de comunicación de los personajes en el relato. El responsable de Thelma (2017) recurre a estilemas narrativos propios del drama nórdico, deudor tanto del cine de Ingmar Bergman como de las introspecciones dramáticas que Woody Allen planteó en films como Interiors (1978) o Another Woman (1988). Poniendo de manifiesto la vigencia de un tipo de cine que hoy sería percibido como anómalo, un drama adulto dialogado de forma austera que gira alrededor de una historia de padres e hijas incomunicados a nivel emocional. Joachim Trier presenta su trabajo más maduro hasta la fecha que, para bien, se ubica en las antípodas de la mayoría de actuales propuestas donde la intensidad dramática se cimenta en toscos subrayados y estridencias.
Die My Love
Otra introspección, aunque de diversa naturaleza, es la que ofrece Lynne Ramsay en Die My Love, película que parte del concepto de la psicosis posparto que deviene en campo de batalla, temática manida que empieza a mostrar numerosos signos de agotamiento, especialmente en digresiones tan cuestionables como, por ejemplo, las recientes Nightbitch (Marielle Heller, 2024) o Salve María (Mar Coll, 2024). Una premisa argumental que, sin embargo, Die My Love desarrolla de forma más convincente con respecto a las películas antes citadas, en esta ocasión, por la transversal radiografía que hace del American way of life, mediante el periplo de un joven matrimonio que se muda de la gran ciudad a una zona rural tras tener un hijo. Concepto supuestamente idílico, aquí llevado a una situación límite, donde la inseguridad del personaje de Jennifer Lawrence, que toma como principal referencia a Gena Rowlands en A Woman Under the Influence, se transforma en una suerte de comportamiento psicopático. Al igual que en anteriores trabajos de Lynne Ramsay como We Need to Talk About Kevin (2011) o You Were Never Really Here (2017), el argumento de Die My Love versa sobre heridas ocultas, y cómo estas terminan propiciando irracionales comportamientos y simbologías en el tramo final del relato, como el anhelo por querer sentirse vivo. Bastante más distendida en forma y fondo resulta Vie privée de Rebecca Zlotowski, que retrata a una reputada psiquiatra (una esforzada Jodie Foster) que investiga la muerte de uno de sus pacientes convencida de que se trata de un asesinato. Thriller de un evidente espíritu hitchockiano llevado a coordenadas cercanas a la comedia, que se convierte en una discordante amalgama de géneros; la lúdica antes citada, posiblemente, sea la que mejor funcione; la historia recurre a la trama detectivesca y al drama familiar. Una fusión que termina provocando arritmias y cambios de registro poco convincentes, en especial, cuando estos intentan orbitar alrededor de temas más serios como, por ejemplo, la reflexión sobre alguien que se gana la vida escuchando las confesiones más íntimas de sus pacientes, pero no logra averiguar cómo funciona la mente del ser humano en determinadas circunstancias fuera de su alcance.
Frankenstein
Las dos propuestas de Netflix en el Zinemaldia fueron, por un lado, Jay Kelly, comedia dramática que indaga sobre los recovecos de la fama y la identidad de un famoso actor de Hollywood interpretado por George Clooney que, más que nunca, da la impresión de interpretarse a sí mismo, y que serviría como un perfecto y antagónico programa doble junto con Sentimental Value, por aquello de retratar a un célebre veterano de la industria cinematográfica y sus fracasos como padre. Relato que plantea cuestiones a priori interesantes, tales como la crisis de la madurez que deriva en el miedo a la soledad de alguien que ha vivido alejado de la sociedad, o la dicotomía que se establece entre la identidad y la interpretación, reflexiones que Noah Baumbach lleva a un terreno de cierta indulgencia, donde la crónica de tono transcendente es trasladada a una narrativa harto deudora de la comedia clásica de Hollywood, ocasionando un abrupto desequilibrio entre el humor ligero y el drama crepuscular. Por otra parte, Frankenstein de Guillermo del Toro vendría a ser un nuevo ejemplo de cómo el responsable de Cronos lleva tiempo instalado en una desmesura mainstream donde el recurso ilimitado es percibido como poco favorecedor, algo ya visible en sus anteriores largometrajes como Crimson Peak (2025) o Nightmare Alley (2021). Un material propicio para el director de origen mexicano, en especial por su indagación sobre la relación que se establece entre humanidad y monstruosidad, pero que termina jugando en contra de unos postulados que, curiosamente, ya había elaborado previamente, y con bastante mayor acierto. Poniendo de manifiesto la poco favorecedora confrontación que se origina entre una loable dirección artística que intenta ensalzar el gótico y un sentido narrativo algo obcecado en la literalidad. El acabado visual, como seña de identidad del actual streaming, tampoco termina de favorecer al conjunto.
El último arrebato
Dentro de la sección Zinemira cabría destacar Eloy de la Iglesia, adicto al cine de Gaizka Urresti, film que deviene unamodélica revisión de la vida y obra del realizador posiblemente más transgresor de la Transición española. Eloy de la Iglesia, adicto al cine, sirve, al mismo tiempo, de guía didáctica para nuevas generaciones cinéfilas, también de revisión para espectadores expertos. Eloy de la Iglesia fue una de las voces más relevantes de la historia del cine español que, al igual que directores como Pier Paolo Passolini o Reiner Werner Fassbinder, salvando las distancias, desnudó la época que le tocó vivir a través de historias asociadas a lo combativo y la marginalidad. De autorías autodestructivas también versa El último arrebato, documental que gira en torno a la mitología existente alrededor de una película, Arrebato (1980), y su autor, Iván Zulueta. Sus responsables, Marta Medina y Enrique López Lavigne, en algunos momentos, se dejan llevar por un entusiasta, y algo naif, juego de metaficción donde ellos mismos parecen situarse como protagonistas. El resultado es un documental que indaga en incógnitas, evidentemente, sin resolver, provisto de narrativas desiguales, las más acertadas terminan siendo las correspondientes a unas determinadas coordenadas habituales dentro del formato de la no ficción, aquí serían los testimonios de los supervivientes de la película, o escuetos análisis de tono ensayístico, como el realizado por Carlos F. Heredero.
Christian Petzold será el protagonista del Focus y Mia Hansen-Løve recibirá el Premio D’A 2026
El D’A – Festival de Cinema de Barcelona, que se celebrará del 19 al 29 de marzo de 2026, anucia el nombre de los primeros protagonistas de la 16.º edición del festival: Christian Petzold y Mia Hansen-Løve.
Focus D’A 2026: Christian Petzold
El Focus D’A 2026 estará dedicado al cineasta alemán Christian Petzold, que asistirá al festival para presentar una amplia retrospectiva de su obra – con numerosos títulos inéditos o inaccesibles actualmente y que podremos disfrutar en la gran pantalla de la Filmoteca de Catalunya -, así como el estreno en Cataluña de su último film, Miroirs No. 3. La película, presentada en el Festival de Cannes, está protagonizada por una magnífica b, colaboradora habitual del director en sus producciones más recientes.
La mirada sobre la Europa contemporánea de Christian Petzold, entre esperanzada y siempre a punto de derrumbarse, entre la promesa de futuro y la mirada a las catástrofes pasadas, ha adoptado formas de melodrama, fábula fantástica o relatos sociopolíticos fuera de toda norma. Su cine, heredero directo de la Escuela de Berlín, se caracteriza por una puesta en escena precisa y austera, y con personajes atrapados a menudo en espacios de tránsito. Un cineasta prolífico, seleccionado y premiado en festivales como Berlín (El cielo rojo, Ondina, En tránsito, Barbara, Yella), Venecia (Jerichow, The State I Am In) o San Sebastián (Phoenix), que se ha consolidado como una de las voces imprescindibles del cine europeo contemporáneo.
El Focus D’A 2026 se realiza con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya y el Goethe-Institut Barcelona
Premio D’A 2026: Mia Hansen-Løve
La directora francesa Mia Hansen-Løve, una de las más queridas del festival y que visitó en su primera edición para presentar Le père de mes enfants, será galardonada con el Premio D’A 2026. El premio reconoce la trayectoria de una cineasta independiente y personal, que recoge la tradición del cine francés de autor con su mirada siempre renovada y luminosa e historias arraigadas en sus vivencias o su entorno: su hermano en Edén, su primer productor en Le père de más enfants, ella misma en Un amour de jeunesse, el declive de su padre en Una bonita mañana.
Ganadora del Oso de Plata a la mejor dirección en la Berlinale 2016 por El porvenir y del premio especial del jurado de la sección Un Certain Regard de Cannes 2009 por su segundo filme, Le père de mes enfants, Mia Hansen-Løve visitará el D’A 2026 y en el marco del festival mantendrá un diálogo sobre su obra. Su visita a Barcelona será posible gracias a la colaboración entre el D’A – Festival de Cine de Barcelona, la Residència de Guions de la Acadèmia del Cinema Català (dirigida por Carla Simón), ECIB (Escuela de Cine de Barcelona), A Bao A Qu – Cinema en curs. Ciclo Compartir el cinema y la Filmoteca de Catalunya.
Noves Visions volvió a erigirse en uno de los apartados más sugerentes de Sitges 2025, un espacio con vocación por ofrecer contenidos de un marcado tono autoral, poco dado a limitaciones genéricas. A tal respecto, varias fueron las películas que indagaron en el psicodrama como concepto cercano al fantástico: The Things You Kill, del cineasta iraní Alireza Khatami,oscuro thriller psicológico que transita por la frustración mental de un individuo y cómo tal malestar nace a consecuencia de un violento legado generacional. Película sobre masculinidades erráticas y amenazadas que funciona como una suerte de versión primigenia del Lost Highway de David Lynch, tanto por las disociaciones mentales (y físicas) como por la imposibilidad de reconocerse a uno mismo. Otra interesante y sombría propuesta fue la cinta húngara Feels Like Home, estimulante reflexión sobre la impostura familiar que pervierte el concepto visto en Familia (Fernando León de Aranoa, 1996), donde una solitaria mujer es secuestrada por una familia que jura que es su hija desaparecida. Para sobrevivir deberá aceptar forzosamente ese nuevo rol. Pese a una fuerte carga alegórica que indaga en dinámicas de poder y sumisión, con el trasfondo de la defensa de valores nacionalistas, el cineasta Gábor Holtai gestiona con aplomo coordenadas genéricas aplicadas a un claustrofóbico espacio escénico, evocando desde la distancia narrativas próximas al enclaustramiento como lugar propicio para la pesadilla, visto, por ejemplo, en películas como The Collector (William Wyler, 1965) o Misery (Rob Reiner, 1990).
The Things You Kill
También asistimos a una representación sobre las tensiones generadas en un espacio cerrado en The True Beauty of Being Bitten by a Tick, en esta ocasión, el conflicto se origina entre una invitada y sus huéspedes en una casa de campo. Partiendo de una premisa parecida a la de Safe (Todd Haynes, 1995), por aquello de mostrar la angustia milenarista de un personaje, la película de Pete Ohs cuestiona mediante el sarcasmo la cultura del bienestar aplicada aciertos estilos de vida. Expuesta de forma inteligente en una primera parte mediante un inquietante tono atmosférico y sonoro donde observamos la paranoia de alguien que intuye que algo malo está sucediendo, pero no puede identificarlo. No resulta tan satisfactoria en su resolución a causa de una tosca metáfora, por más que el director la adorne con conceptos weird.
Así mismo, resulta admirable que treinta y dos años después de la referencial Dark Waters, 1993, una de las adaptaciones libres más acertadas del imaginario Lovecraft, Mariano Baino lleve la pesadilla religiosa a la hipérbole en Astrid’s Saints, incursión en el abismo del duelo de una madre, un personaje en un único escenario donde solo queda espacio para el castigo y la penitencia. Un film con evidente vocación de culto expuesto a modo de sinfonía barroca. Posiblemente sea la película más radical de este Sitges 2025 a nivel conceptual, cuya naturaleza inmersiva dota de sentido la existencia de una sección como Noves Visions. Provista también de un innegable carácter experimental, la extravagante fantasía cósmica Transcending Dimensions (Mejor dirección) deviene en un compendio de la obra del japonés Toshiaki Toyoda, autor cuyo sello distintivo de su cine es la fusión de géneros, a cuál más diverso, en esta ocasión, su película es un híbrido de ciencia ficción, sátira, suspense y folclore autóctono. Su excentricidad podría remitirnos de forma puntual a The Holy Mountain (Alejandro Jodorowsky, 1973), ya que recurre a un arsenal de influencias visuales y sonoras y a nociones tan equidistantes como la búsqueda espiritual aplicada a la comedia bizarra.
Astrid’s Saints
Más modesta en intenciones, la interesante OBEX retrata a un solitario hombre que, con el propósito de recuperar a su perro, se introduce en un juego de ordenador de última generación.Al igual que en su anterior película (Strawberry Mansion, 2021), Albert Birney nos guía a través de un surrealista viaje por los sueños. Pese a ser presentada como una fábula amable, en OBEX, al igual que ocurría enI Saw the TV Glow (Jane Schoenbrun, 2024), existe la voluntad de ir un paso más allá a la hora de evocar una determinada nostalgia, planteando un soterrado subtexto sobre los miedos y emociones para establecer vínculos con los medios tecnológicos que surgieron en la década de los 80. Una interacción que moldeó identidades y estilos de vida herméticos, que agudizó psiques incapacitadas para conectar con otras personas, un mal social que cuarenta años después se intuye como endémico. Por su parte, Dead Lover de la canadiense Grace Glowicki basa su experimentación en mostrar una suerte de subversiva representación teatral rodada en 16 mm. que toma referencias del Grand Guignol y conceptos del cine mudo para plasmar las desventuras de una sepulturera que intenta resucitar a su amante. Película donde romanticismo y humor escabroso se amalgaman con tonalidades camp, discursivas queer o reminiscencias prometeicas, obcecada en convertirse en una obra transgresora cuyo repertorio genérico es percibido como demasiado anárquico, condición inherente al cine underground al que intenta rendir tributo recreando la icónica escena escatológica del Pink Flamingos de John Waters.
OBEX
De naturaleza más convencional, la sueca The Home insiste en una temática transitada últimamente con bastante frecuencia: el terror geriátrico, presente en películas como por ejemplo Relic (Natalie Erika James, 2020), La abuela (Paco Plaza, 2021), Night Silence (Bartosz M. Kowalski, 2024) o The Rule of Jenny Pen (James Ashcroft, 2024), a través de una rudimentaria mezcla de conceptos. Por un lado, recurre al naturalismo para describir el deterioro mental de una madre y el sentimiento de culpa de su propio hijo, y por otro, al fantástico, centrado en una historia de posesiones. Curiosamente, funciona mejor en el último apartado con relación al manejo de tangibles coordenadas genéricas, como su diseño de sonido, en contraposición a manidas discursivas sociales sobre traumas ocasionados por el pasado. Otro film con serias dificultades para encauzar el drama al relato fantástico es The Holy Boy, nuevo ejemplo de cómo el actual cine de género italiano sigue sin encontrar unas pautas genéricas que en el pasado fueron sus sólidas señas de identidad. Una comunidad rural, pese a haber sufrido una catástrofe en el pasado, es extrañamente feliz gracias a un joven con poderes, cuyo abrazo absorbe tristezas y malos pensamientos. Premisa sugerente, de un marcado tono de fábula, provista de un collage de referencias que van desde la literatura de Stephen King a películas de cine nórdico recientes como Let the Right One In (Tomas Alfredson, 2009) o The Innocents (Eskil Vogt, 2021), que, sin embargo, adolece de un desequilibrio narrativo, visible de forma alarmante en los giros argumentales de su tramo final que juega en detrimento de la supuesta ambivalencia que requería el tratado sobre el sufrimiento personal que intenta exponer la película de Paolo Strippoli.
The Holy Boy
Finalizo esta sección reseñando dos anomalías: por un lado, Every Heavy Thing, película que deviene en fiel exponente de la autoría de su realizador, Mickey Reece, consistente básicamente en dinamitar todos los subgéneros por los que transita. Si en Agnes (2021) reconfiguraba el terror religioso mediante una narrativa rupturista, en su nuevo trabajo tras las cámaras vuelve a regirse por unas reglas que se resisten a clasificaciones convencionales, en esta ocasión, las vinculadas al relato criminal, el falso culpable y el thriller conspirativo, funcionando relativamente bien como una versión desinhibida y alternativa del cine revisionista, aquí la influencia más clara sería el cine negro de Brian De Palma, que se deleita con su agradecida condición de cine artesanal y espíritu outsider. Por su parte, The Restoration at Grayson Manor de Glenn McQuaid, presente en el festival dentro del pase de la sesión sorpresa, indaga con poco acierto sobre la perversión de coordenadas genéricas próximas a Orlacs Hände (Robert Wiene, 1924) o The Beast with Five Fingers (Robert Florey, 1946). En esta ocasión, el vínculo entre terror y comedia aplicado al imaginario queer no logra ocultar una naturaleza, por momentos ridícula, que intenta recurrir al humor negro y al sarcasmo a la hora de relatar, con el fantástico como habitual pretexto, problemáticas derivadas de orientaciones sexuales en un entorno conservador.
Documenta, la no ficción como pleitesía al fantástico
Un apartado prolífico en Sitges fue el documental, ya que varias fueron las aproximaciones que indagaron con mayor o menor acierto en autorías y obras a reivindicar, una de las más acertadas fue Eloy de la Iglesia, adicto al cine de Gaizka Urresti, modélica revisión de la vida y obra del realizador posiblemente más transgresor de la Transición española. Eloy de la Iglesia, adicto al cine, sirve, al mismo tiempo, de guía didáctica para nuevas generaciones cinéfilas, también de revisión para espectadores expertos. Eloy de la Iglesia fue una de las voces más relevantes de la historia del cine español que, al igual que directores como Pier Paolo Passolini o Reiner Werner Fassbinder, salvando las distancias, desnudó la época que le tocó vivir a través de historias asociadas a lo combativo y la marginalidad.
Eloy de la Iglesia, adicto al cine
De autorías autodestructivas también versa El último arrebato, documental que gira en torno a la mitología existente alrededor de una película, Arrebato (1980), y su autor, Iván Zulueta. Sus responsables, Marta Medina y Enrique López Lavigne, en algunos momentos, se dejan llevar por un entusiasta, y algo naif, juego de metaficción donde ellos mismos parecen situarse como protagonistas. El resultado es un documental que indaga en incógnitas, evidentemente, sin resolver, provisto de narrativas desiguales, las más acertadas terminan siendo las correspondientes a unas determinadas coordenadas habituales dentro del formato de la no ficción, aquí serían los testimonios de los supervivientes de la película, o escuetos análisis de tono ensayístico, como el realizado por Carlos F. Heredero. Aún más residual se percibe Aquel último tiburón, ejercicio revisionista de otra película de culto, cuya concepción se sitúa en las antípodas del film de Iván Zulueta, L’ultimo squalo (Enzo G. Castellari, 1981), cuyo éxito comercial como falsa secuela del Jaws de Steven Spielberg constituyó todo un paradigma del exploitation. Como suele ser habitual en los trabajos de Víctor Matellano, que aquí codirige junto a Ángel Sala, el acercamiento termina siendo deudor de una visión demasiado emparentada con el concepto fan, funcionando mejor como modesto homenaje a Enzo G. Castellari que como objeto de reflexión sobre los límites existentes entre la obra original, la copia y su correspondiente vínculo.
Theatre of Horrors: The Sordid Story of Paris’ Grand Guignol
Kim Novak’s Vertigo nuevo trabajo de Alexandre O. Philippe, un realizador habitual en Sitges, nos muestra una aproximación, a modo de reciclaje testimonial de poco más de una hora, a la trayectoria de la actriz Kim Novak. Más propio de una entrevista de ‘GQ’ que de un documental al uso, la presencia de Vértigo en el título no deja de ser un gimmick publicitario, ya que más que analizar la obra maestra de Alfred Hitchcock, Kim Novak’s Vertigo se centra en una mirada en primera persona que reflexiona sobre su propio recorrido, el ejemplo más paradigmático de ello sería el momento en que la protagonista desempaqueta, después de mucho tiempo, su traje gris de Vértigo, obra de la genial diseñadora de vestuario Edith Head, obviando casi por completo un debate sobre la importancia del atuendo en la película, en detrimento de su función fetiche respecto a la actriz. Por su parte,Theatre of Horrors: The Sordid Story of Paris’ Grand Guignol de David Gregory, director que ya había indagado en la temática en la colectiva The Theatre Bizarre (2011), deviene un admirable trabajo de clara vocación pedagógica, puesto que narra el impacto sociocultural de un teatro de naturaleza transgresora y naturalista, desde sus orígenes en el siglo XIX hasta su cierre definitivo en 1962, y su influencia dentro del género de terror como concepto global. Es un acierto la colaboración del festival con Severin Films y su catálogo de no ficción y clásicos restaurados, que tuvo como punto álgido la proyección de The Degenerate: The Life and Films of Andy Milligan, documental que aborda obra y vivencias de una de las figuras más fascinantes y marginales de una explotation que abarca tres décadas. El documental, pese a un tono algo funcional, sirve como perfecta guía a la hora de contextualizar trayectoria y legado, y cómo este se basa en los mecanismos que impulsaron a Andy Milligan a concebir una serie de películas de bajo presupuesto, hoy en día, aún incomprendidas. La sesión se complementó con la recuperación de una de las obras más representativas de su autor, The Degenerates (1967), película que nos sitúa en un mundo post-apocalíptico donde tres soldados desertores son abordados por un grupo de cinco mujeres traumatizadas que habitan en una granja aislada. Un programa doble que, pese al poco interés mostrado por el habitual fandom de Sitges, justifica la labor de los festivales de cine en su loable intento por difundir autorías situadas al margen del sistema.
Del 8 al 18 de octubre se celebró la 58.ª edición del Festival de Sitges que, al igual que en años anteriores, estuvo marcada por una notable afluencia de público que recibió la aclamación de sus responsables; un éxito irrefutable a nivel popular: según cifras oficiales, con una asistencia total de 130.322 espectadores, superando los 900.000 euros de recaudación, datos que se prevén superar el próximo año con la posible recuperación como sede del cine Retiro y el puente del Pilar, ya que en 2026 la festividad caerá en lunes.
Como balance general de Sitges 2025, cabría destacar la complicada labor de seguir unas determinadas pautas como hoja de ruta de lo visto en esta edición a modo de análisis sobre el estado actual del fantástico. En este sentido, durante mucho tiempo, los certámenes de estas características han servido como termómetro a la hora de evaluar la salud del género, detectar carencias, nuevas autorías o corrientes que, lejos de poder encontrarlas hoy en día en películas próximas al certamen como las últimas obras de autores como Park Chan-wook, Yorgos Lanthimos o Guillermo del Toro, suele ser más fiable hallarlas en apartados alternativos como Noves Visions, Panorama o Midnight X-Treme. El problema radica en la naturaleza de un festival que no suele delimitar sus secciones como guía indicativa de contenidos o tendencias, un concepto llevado al paroxismo, ya que, en cierta manera, Sitges, desde hace muchos años, no deja de ser, para bien o para mal, un gran e inabarcable escaparate temático provisto de una complicada logística.
En un año cuyo leitmotiv estuvo dedicado a la comedia de terror y obviando lo estrictamente cinematográfico, sería pertinente resaltar la decidida apuesta del festival por seguir ofreciendo publicaciones en papel: el correspondiente catálogo, los diarios del festival y los ensayos colectivos Risas y escalofríos y Horror Girls. WomanInFan Estados Unidos & Canadá.
A continuación, el análisis sobre todo lo visto en Sitges 2025 en tres crónicas: la primera, centrada en la Sección Oficial, la segunda, enfocada en el examen pormenorizado de todo lo que dieron de sí las secciones Noves Visions y Documenta, y la tercera y última, de índole más ecléctica, navegando por diferentes apartados como Panorama, Sitges Collection, Seven Chances y Clásicos.
Sección Oficial: el fantástico como contenedor
El estigma desde la mirada consagrada
Alpha(Julia Ducournau)
Diversos autores consagrados, en mayor o menor medida, estuvieron presentes en Sitges con propuestas que indagaron en temáticas humanistas y sociales desde una supuesta perspectiva fantastique con resultados cuando menos cuestionables. La encargada de inaugurar el certamen fue Alpha, un intento por parte de Julia Ducournau de mostrar una narrativa más adulta que en anteriores trabajos suyos, reincidiendo en el shock estético y en una loable pertenencia al concepto del body horror para incomodar al espectador a través de una historia que fija su mirada en el dolor y la estigmatización de la enfermedad. El resultado, sin embargo, adolece de una alarmante incapacidad por parte de la responsable de Titane de articular una alegoría; en este caso, se trataría de una reflexión ubicada en los inicios de la epidemia del SIDA, referida a un supuesto canto a la aceptación, que no escatimaría recursos abusando del manido concepto de realismo mágico, por ejemplo, al retratar el avance de la enfermedad mediante un proceso supuestamente alegórico al convertir en mármol la piel del contagiado. La sensación final es la de estar ante una autora que no termina de medir bien su ambición, especialmente en el intento de exponer una evocación que, al estar desprovista de excéntricos artificios, pone en duda el prestigio dispensado de forma exacerbada por la crítica en sus films anteriores.
No Other Choice(Park Chan-wook)
Con un estatus autoral más asentado, Park Chan-wook regresaba a Sitges con No Other Choice, nueva adaptación de la novela The Ax de Donald E. Westlake, llevada con más acierto al cine por Costa-Gavras en 2005 con Le couperet, donde se muestra a un acomodado padre de familia que tendrá que lidiar con un despido y su posterior reinserción laboral que pasa por ir asesinando, uno por uno, a los aspirantes al puesto de trabajo al que opta. No Other Choice denota cierto oportunismo al aproximarse al éxito de Parásitos de Bong Joon-ho, por aquello de indagar en males sociales a través del drama y del humor negro surcoreano que abordan una serie de problemáticas como las disfunciones familiares, la fragilidad masculina o la crisis de un país donde lo tecnificado sustituye a lo analógico, expuestas desde la vileza de un sistema laboral que funciona por eliminación, mostradas en la película mediante discutibles coordenadas genéricas. A Park Chan-wook siempre le funcionaron bien los toques de humor negro adheridos al noir de estética virtuosa, como lo demostró en los que fueron posiblemente sus mejores trabajos: Sympathy for Mr. Vengeance (2002), Old Boy (2003), Sympathy for Lady Vengeance (2005) o la reciente Decision to Leave (2022). El problema de No Other Choice radica en su tono de sátira mediante un humor ácido, aquí convertido en comedia burda. Siendo un trabajo disfrutable en su faceta lúdica, aunque menos elaborado a un nivel formal de lo que suele ser habitual en su autor. Para exposiciones más realistas y ceñidas a la desesperación causada por el mundo corporativo, siempre nos quedará el cine de Laurent Cantet.
Más objetable, si cabe, resulta The Life of Chuck, aunque en este caso, los antecedentes de su director Mike Flanagan tendrían que actuar como una señal de alarma. Realizador encumbrado por el fandom, gracias a discutibles series televisivas que contradicen unos inicios más honestos encauzados en la serie B con películas como Absentia (2011), Oculus (2013) o Hush (2016) y que, al igual que Mick Garris en los años 90, parece haberse convertido en el adaptador oficial de las obras de Stephen King. The Life of Chuck, dividida en tres actos narrados en orden inverso,entendidos a modo de drama de estructura esotérica,parte de un concepto complejo, reflexionando sobre cuestiones tales como el sentido de la vida y la muerte, y los misterios cósmicos que lo rodean. A tal respecto, Mike Flanagan en el primer episodio, próximo al concepto de la melancolía apocalíptica y el mejor del conjunto, delibera no solo sobre el estado de un mundo que se desmorona, sino también sobre la existencia misma de la humanidad. Los dos siguientes son más deficitarios, especialmente sobrepasados por los bruscos cambios tonales de terror y sentimentalismo, una combinación que encaja a la perfección en el imaginario literario de Stephen King, pero que en la película deviene un inconexo drama lacrimógeno, adornado con una narrativa optimista y vitalista que termina siendo tan efímera como su viralizada secuencia del baile.
Marco de referencia y nuevas vías
Good Boy(Ben Leonberg)
Suele ser habitual en Sitges, un certamen proclive al hype, presentar propuestas precedidas de una inusitada expectación; en esta ocasión, uno de los supuestos platos fuertes de esta edición, Good Boy, parte, en principio, de un concepto original, la mirada subjetiva de un perro encerrado en un espacio espectral. Su director, Ben Leonberg, pese a reformular con cierta solvencia conceptos clásicos de la casa encantada y poner de manifiesto su afiliación al género a través de recursos tan trillados como proyectar imágenes televisivas de films: Carnival of Souls (Herk Harvey, 1962) o Mutant (John Cardos, 1984), en busca del guiño fácil del fan, no logra dotar al relato de una narrativa que disimule sus costuras de película doméstica. Que sus 72 minutos de duración se hagan eternos, así como la dilación para desarrollar el conflicto debido a la falta de pulso narrativo, a diferencia de propuestas recientes más sólidas, como, por ejemplo, EO (Jerzy Skolimowski, 2022) o Kota (Gÿorgi Pálfi 2025), donde la mirada animal no va más allá de un caprichoso artificio. Dos películas exploraron la perversión de la relación en pareja desde perspectivas que aúnan el terror con toques humorísticos.
Por una parte, Together, de Michael Shanks, muestra la deriva y decadencia de una pareja cuyo desfase sentimental es intuido como ineludible, la irrupción del elemento fantástico transformará la inicial comedia dramática en un retorcido body horror. Película que denota un evidente desequilibrio entre lo dramático y lo lúdico, funcionando algo mejor en el segundo apartado, cuando convierte el concepto genérico en una desinhibida metáfora de la dependencia emocional. Más disfrutable en lo relativo a sus postulados, Obsession también parte de una premisa que extrapola el concepto de las relaciones románticas codependientes desde coordenadas próximas a la comedia adolescente de terror de los años ochenta. Como en gran parte de aquellas películas, el desencadenante fantástico, que toma como punto de partida el relato de W. W. Jacob, The Monkey’s Paw, es una mera excusa a la hora de exponer las trágicas consecuencias de convertir en realidad las fantasías románticas de un joven. Más allá del divertimento de la propuesta, se percibe un subtexto malsano, con relación al hecho de arrebatar el alma a una mujer y convertirla en una réplica psicótica de sí misma para poder tener sexo con ella y fingir que es su pareja, paradigma de un miedo masculino contemporáneo; ser un tipo de dudosa moral cuyo entorno social sospecha de sus intenciones en sus relaciones sentimentales. Ambas películas, cada una a su manera, no dejan de ser un curioso tratado a favor de la soltería.
Exit 8 (Genki Kawamura)
Otros dos films sondearon de forma puntual masculinidades problemáticas, Exit 8 de Genki Kawamura, cuyo título en inglés es un curioso juego de palabras (se pronuncia de forma similar a hesitate), parte de la premisa de un individuo incapaz de salir del pasillo del metro. Film que sale airoso de ese pantanoso terreno que consiste en trasladar el lenguaje del videojuego al cine, funcionando mejor como relato inquietante que utiliza un espacio liminal a modo de cuadro cinematográfico donde se desarrolla un misterioso bucle espacio/temporal que, como una historia de terror minimalista al uso, recurre a la alegoría, en este caso, la de un hombre que busca escapar del subsuelo moral, con relación tanto a la ansiedad creada por la incapacidad de asumir responsabilidades como por ciertas rutinas sociales que puedan conducir a oscuros ciclos de comportamientos. Por su parte, Honey Bunch, al igual que ocurría en A Cure for Wellness (Gore Verbinski, 2006),nos sitúa en una apartada clínica donde maridos y padres de familia acuden con la esperanza de poder curar mediante una innovadora terapia los severos daños neurológicos de sus seres queridos. Tras su intento de reinvención del rape & revenge con su anterior Violation (2020), el dúo formado por Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli vuelve a fijar su mirada sobre la incomodidad femenina. En Honey Bunch, se entrevé un ensalzable intento por recrear atmósferas propicias a la paranoia, situadas a medio camino entre una estética arty de tono retro y las historias televisivas británicas de fantasmas, aquí el referente sería el estupendo capítulo A Ghost Story for Christmas/The Ice House (Derek Lister, 1978). Sin embargo, una vez llegados a su resolución, cercano al concepto del Frankenstein de Mary Shelley, es donde el relato desvela sus carencias. Su interesante enunciado, que indaga en la difusa línea que separa los imperativos morales del compromiso de por vida con otra persona, es expuesto mediante una sobrexplicación que contradice la ambigua narrativa que la precede, agravado por digresiones postmodernas del mal querer, y por un tercer acto donde el slapstick hace acto de aparición de forma involuntaria.
La ganadora a la Mejor película, The Ugly Stepsister, también recurre, aunque de forma bastante más explícita, al concepto del body horror desde una fuerte impronta feminista que reformula y pervierte su principal referencia, el cuento de Cenicienta. Lo mejor del debut en la dirección de Emilie Blichfeldt viene dado por su coherencia a la hora de exponer una metáfora sobre los cánones de belleza y la sustitución de cualquier atisbo de sutileza por una grotesca y violenta representación sobre el acto del autodescubrimiento. El punto de partida es idéntico al de The Substance, de Coralie Fargeat, sin embargo, el delirio y la provocación están mejor plasmados. Esa idea sobre la presión estética de la belleza convertida en dolor es trasladada a una narrativa de cuento, resorte argumental más propicio para desarrollar simbolismos metafóricos, dada su condición de fábula tragicómica, que otras propuestas actuales poco perspicaces anexionadas a agendas de imperativo social.
El fantástico alegórico
La virgen de la tosquera (Laura Casabé)
El retrato alegórico femenino llevado al fantástico continuó siendo el denominador común en Sitges, siendo varias las propuestas que este año orbitaron alrededor de dicho concepto. A tal respecto, La virgen de la tosquera de Laura Casabé deviene una metódica adaptación de dos cuentos de Mariana Enríquez, El carro y La virgen de la tosquera, pertenecientes a la colección Los peligros de fumar en la cama. Película que difumina con solvencia los límites entre el terror psicológico y lo social, donde el componente fantástico, manifestado de forma abrupta en un final que posa su mirada sobre el cuento gótico y el ritual pagano, se adentra en un inquietante contexto de realidad; un caluroso verano ubicado en una apocalíptica Argentina al borde del colapso económico del 2001. Se agradece que, mediante oscuras exploraciones del deseo y el poder en el imaginario adolescente, se pervierta ese concepto tan manido del coming-of-age, aquí expuesto desde una perspectiva que sondea el horror de la adolescencia a través del retrato de una joven insatisfecha consigo misma, con el sexo y con todo lo que la rodea.
En If I Had Legs I’d Kick You también asistimos a una frustración que, a semejanza de ciertas coordenadas narrativas presentes en aquella frenética y desquiciada cinta británica titulada Surge (Aneil Karia, 2020), nos muestra el colapso interno de un personaje omnipresente en cada plano de la película; Rose Byrne, como una sufrida madre que tendrá que enfrentarse, con un marido ausente, entre otras cosas, a la enfermedad de su hija. La maternidad como campo de batalla psicológico es una temática que empieza a mostrar numerosos signos de agotamiento, especialmente en digresiones tan cuestionables como, por ejemplo, las recientes Nightbitch (Marielle Heller, 2024) o Salve María (Mar Coll, 2024). En dicho apartado, el film de Mary Bronstein sale relativamente airoso, especialmente siendo entendida, salvando las distancias, como una suerte de versión mumblecore de Eraserhead (David Lynch, 1977),con relación a mostrar una fuga disociativa sobre un estado de ansiedad maternal a medio camino entre la psicopatía y la parodia. Algo más previsible resulta la francesa Her Will Be Done, de Julia Kowalski, obra que podría formar parte de ese gran catálogo de películas recientes que parten de una premisa fantástica, la temática de la bruja y el misticismo rural, a la hora de exponer una alegoría sobre el despertar sexual y la correspondiente liberación femenina. De forma sintomática, destaca más en su faceta técnica, al recrear el director de fotografía, Simon Beaufils, la atmósfera turbia de la campiña francesa mediante texturas cromáticas, que como relato que reincide en los tropos habituales sobre mujeres transgresoras sitiadas en entornos hostiles.
New Group (Yûta Shimotsu)
Dos películas con varios puntos de interés en común utilizaron espacios de enseñanza como campo para la exploración de jerarquías que incentivan de forma abrupta la necesidad de pertenecer a un grupo. El japonés Yûta Shimotsu, al igual que en su estimulante ópera prima, Best Wishes to All, vuelve a indagar a través de la metáfora fantástica en las grietas de la sociedad japonesa en New Group. Historia donde se observa, de forma parecida al arranque de la serie televisiva Pluribus, una señal proveniente del exterior como elemento detonador que altera de forma drástica inquietantes comportamientos en masa. Película que, mediante la reconfiguración de tropos del J-Horror, tomando referencias de Suicide Club (2001) y el cine de Sion Sono, y, en especial, del imaginario de Junji Ito, versa sobre los peligros que puede acarrear un pensamiento homogéneo dentro de la sociedad. Más allá de su evidente crítica social, New Group también funciona de forma correcta como película de terror. Lo que comienza con los tópicos habituales del drama escolar —aislamiento social, presión de grupo y acoso— se transforma en un relato híbrido, situado a medio camino entre la sátira mordaz y la pesadilla surrealista. Visión aguda la de un autor, ya con tres nuevos proyectos en desarrollo, a seguir con detenimiento. El oscuro imaginario del infante/adolescente y la crueldad existente en dicho microcosmos también son los principales protagonistas de la sugerente The Plague, drama con retazos de thriller psicológico, sin atisbo de componente fantástico, más allá de utilizar de forma puntual un extraño contagio cutáneo como metáfora del acoso escolar que mira de reojo la novela de William Golding Lord of the Flies. Historia situada en un campamento de waterpolo masculino donde tendrá lugar, de forma parecida a la francesa Un monde (Laura Wandel 2021), aunque sin la agitación e hiperrealismo de esta, un laberíntico juego de dinámicas de poder entre alumnos que derivará en presiones grupales, inclusiones, exclusiones y al consabido desarrollo de la personalidad por parte del protagonista. Como punto a su favor, la ópera prima de Charlie Polinger, que, por momentos, parece deleitarse con las posibilidades estéticas que le brinda el tema, no recurre a retóricas manidas o catarsis violentas, y sí a una serie de matices expuestos a modo de una ponderable reflexión sobre las distintas maneras de afrontar el ser diferente.
Autorías irreductibles
Reflection in a Dead Diamond (Bruno Forzani, Hélène Cattet)
En Sitges 2025 se pudieron ver varias propuestas que, para bien o para mal, mostraron un inalterable sello autoral por parte de sus responsables. A tal respecto, una de las labores más satisfactorias del festival es el haber apostado desde un principio por filmografías que empiezan a ser reconocidas, como la de Bruno Forzani y Hélène Cattet. Tras estar presentes en anteriores ediciones con Amer (2009), L’étrange couleur des larmes de ton corps (2013) y Laissez bronzer les cadavres! (2017), su nuevo trabajo tras las cámaras, la sobresaliente Reflection in a Dead Diamond, fue una de las indiscutibles cimas vistas este año en el festival. Un film que reverencia y deconstruye un subgénero, en esta ocasión, el EuroSpy de los años 60, utilizando universos pop y psicodélicos, la corporeidad y los materiales y la duplicidad de conceptos como la ilusión óptica. Relato que huye de cualquier tipo de dialéctica y que empieza con un guiño a Morte a Venezia, de Luchino Visconti, por su evidente iconografía y por retratar una memoria fragmentada, para más tarde bifurcarse en mil detalles y estructuras, muy apropiada para una historia sobre espionaje, la concerniente a una reflexión ilusoria sobre la identidad y cómo esta puede errar, transformarse o disolverse. Difícil encontrar en la actualidad una declaración de amor al séptimo arte como la de Bruno Forzani y Hélène Cattet, autoría tan arriesgada como la orquestada por Lucile Hadžihalilović, ya que estamos ante un tipo de creadores que se manifiestan a través de la imagen, y cómo esta se correlaciona con estéticas y referencias artísticas, cada cuál más distinta. Otra deconstrucción, aunque de distinta forma y fondo, es la llevada a cabo por el rumano Radu Jude en Drácula. Película donde el mito local, y simbologías poliédricas relacionadas con dicha figura sirven de excusa a la hora de exponer, mediante una sátira episódica, un acercamiento paródico a la identidad nacional de un país. Próxima a un caótico formato caleidoscópico que utiliza para abordar la confrontación con todas las formas de totalitarismo posibles, ya sean políticas o tecnológicas, el film de Radu Jude deviene un experimento frustrante, especialmente debido a una extenuante indulgencia por intentar subvertir tantas tradiciones cinematográficas como le es posible. Su aparatoso acomodo en Sitges, certamen poco dado a digresiones autorales de este tipo, propició una de las paradojas más curiosas de esta edición durante su proyección debido a que parte de los espectadores intentaron, sobre la base de la risa fácil, interpretarla como una comedia al uso, cuando, en realidad, estamos ante una película que, mediante un andamiaje nihilista, es una reflexión sobre el público que disfruta más del espectáculo superficial que del arte propiamente dicho.
Gaua (Paul Urkijo)
No deja de ser una buena noticia que dentro del cine español se continúe dando voz a trayectorias autorales marcadas por un determinado estilo. A tal respecto, el particular imaginario de Alberto Vázquez sigue intacto en Decorado, fábula animal que dialoga sobre la realidad y el derribo de las certezas vitales; un ratón de mediana edad cuya vida parece desmoronarse empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa, un decorado… Propuesta oscura y poco sutil, como suele ser habitual en su autor, cuya naturaleza de relato distópico recurre a nociones narrativas orwellianas presentes en películas como Brazil (Terry Gilliam, 1985) o The Truman Show (Peter Weir, 1998), mediante la reinterpretación de su cortometraje homónimo de 2016. En su nueva película, el responsable de Unicorn Wars (2022) formula un tratado sobre la crisis existencial y la búsqueda de un sentido a todo lo que nos rodea, articulado mediante un doble salto mortal, transita por el complicado terreno del cine de animación para adultos, y lo hace a través de una osadía autoral, solo entendible desde el posicionamiento de alguien que reniega de cualquier tipo de complacencia. También meritoria resulta la filiación de Paul Urkijo a unas coordenadas genéricas concretas, autor a reivindicar como uno de los talentos patrios más consistentes que ha dado el cine de género en los últimos años. En Gaua, el realizador vasco vuelve a indagar, al igual que en las anteriores Errementari (2017) e Irati (2022), en un fantástico de connotaciones telúricas, un nuevo compendio de texturas de folk horror autóctono que nos muestra una historia de mitologías y brujas situado en el siglo XVII. A diferencia de la fallida Akelarre (Pablo Agüero 2020), sortea con inteligencia el peaje institucional que supone adherir al relato conceptos como la oscura mirada patriarcal o el empoderamiento de la mujer. Curiosamente, su narrativa episódica, cuyo mejor segmento lo encontramos en su estupendo cierre, legitima la inherente irregularidad de un autor que da la sensación de moverse mejor en el ámbito de cortometrajes como Monsters Do Not Exist (2012) o Dar-Dar (2020), trabajos que, posiblemente, sigan siendo los mejores de una filmografía que tendría que empezar a ser considerada de una coherencia inusual dentro del actual panorama fantástico español. Más debatible fue la presencia de Silencio de Eduardo Casanova, realizador que de forma enigmática parece haber encontrado acomodo en Sitges año tras año. Miniserie de tres episodios, cuya unión no sobrepasa los 60 minutos de duración, que mediante un tragicómico relato vampírico de tonalidades kitsch, expone temas supuestamente trascendentes que pretenden «romper el silencio» sobre la marginalidad y los estigmas sociales. Si ha existido un género cinematográfico propicio para la transgresión, ese ha sido, sin lugar a dudas, el fantástico; que el imaginario de Eduardo Casanova, cuyo patrón narrativo suele orbitar de forma obsesiva alrededor de la temática LGTBIQ+ y el activismo queer, sea catalogado por algunos como extremo u osado, no garantiza la pertenencia o aproximación a dicho término, en este caso, sería más bien al contrario, ya que no estaría de más contextualizar cómo en Silencio, los conceptos barrocos aplicados a una vulneración de códigos, se posicionan en las antípodas de lo entendible como transgresión, siendo más un artefacto que es percibido como un capricho fílmico, cuya condición de producto supuestamente postmoderno, militante e irreverente, aderezado de una dialéctica humorística llevada al paroxismo, adolece de una irrefutable fecha de caducidad.
El género como cajón de sastre
Redux Redux (Kevin McManus, Matthew McManus)
Como epílogo de esta primera crónica, reseñaré cinco películas que intentaron reactivar una serie de coordenadas genéricas harto transitadas. Eye for an Eye se convirtió en el enésimo intento de asociar el terror onírico adolescente a oscuras conductas sociales. El Mal, representado en la figura de un bogeyman que, a semejanza de Candyman (1992), surge tras ser invocado, pero a diferencia del film de Bernard Rose, en dicha llamada no hay un propósito de venganza por parte del ente sobrenatural, y sí de castigo a aquellos que se niegan a asumir la responsabilidad de sus malos actos. Esta propuesta se estanca a los pocos minutos de metraje, quedando como punto de interés el intento por recrear una atmósfera que nos remite al gótico sureño. Resulta curiosa la comparativa que puede hacerse sobre los actuales directores provenientes del videoclip y el ámbito publicitario, Colin Tilley en el caso que nos ocupa, con respecto a sus precedentes, Russell Mulcahy o Adrian Lyne, por poner dos ejemplos, la naturaleza de todos ellos coincide en el propósito de rellenar lagunas narrativas mediante la imagen, sin embargo, el resultado dista de ser análogo. Si antaño existía una querencia en este tipo de realizadores por aunar temáticas y estética comercial, en Eye for an Eye dichos conceptos estarían en contraposición,el toque arty de Colin Tilley queda disgregado del terror catártico y moral que pretende transmitir la película. Redux Redux, otra cinta estadounidense, pero de un talante más independiente, recurre a la paradoja temporal, elemento fantástico habitual en los últimos años por parte del imaginario popular, mediante una historia que muestra a una madre que viaja a través de distintas realidades para matar una y otra vez al asesino de su hija. El multiverso fusionado con la road movie ha evolucionado en los últimos años: de trasladar parámetros genéricos que difícilmente trascendían de su condición de serie B, Retroactive (Louis Morneau, 1997) o Triangle (Christopher Smith, 2009), a incluir en la ecuación el drama de connotaciones existenciales como recurso común, la interesante Desert Road (Shannon Triplett, 2024). Como reflejo de su época, Redux Redux pertenece al segundo apartado, aunando ideas, por ejemplo, anclando la paradoja genérica a un contexto de realidad, la futilidad de la venganza como vía de sanación, o alegorías tan obvias como esa máquina del tiempo con forma de ataúd, metáfora de la tumba que cava para sí misma la protagonista. Mimbres argumentales aplicados de forma tan correcta como previsible, un peaje intuido como ineludible por parte de un cine indie obcecado en sustituir como eje primordial en sus historias el viaje fantástico por el emocional.
We Bury The Dead (Zak Hilditch)
Por su parte, el director australiano Zak Hilditch insiste de forma recurrente en escenarios apocalípticos, si en These Final Hours (2014) observábamos la conducta de un grupo de personas en el último día antes del fin del mundo, en We Bury The Dead, somos testigos de la travesía a través de los áridos paisajes de Tasmania de una mujer que busca a su marido desaparecido tras un catastrófico experimento militar. Al igual que veíamos en Monsters (Gareth Edwards, 2010), dos personajes antagónicos entrarán en una zona de cuarentena, sustituyendo el virus alienígena de esta por otro provocado por el hombre que ha convertido a algunas víctimas en muertos vivientes. We Bury The Dead vendría a ser un nuevo ejemplo de relato que se aleja conscientemente del género que explota, donde el concepto fantástico sirve como excusa para una serie de disertaciones, algunas centradas en los supervivientes y sus dilemas, otras provistas de un carácter escénico contemporáneo para recrear escenarios que nos pueden remitir al COVID-19 o al accidente nuclear de Fukushima de 2011. En tal sentido, esa ramificación del subgénero, que podríamos denominar como «drama zombie», hace tiempo que muestra un considerable agotamiento creativo. Rememorando dicho concepto, uno de sus últimos exponentes podríamos encontrarlo en el plano final de Arnold Schwarzenegger llorando la muerte de su hija en Maggie (Henry Hobson, 2015), cinta cuya retórica introspectiva pasaba de forma bastante más inadvertida que en We Bury The Dead.
The Furious (Kenji Tanigaki)
Siguiendo en el terreno de las digresiones, en Opus contemplamos, de forma parecida a The Menu (Mark Mylod, 2022), a un grupo de personajes pertenecientes al mundo de la comunicación que es convocado en un apartado lugar por un artista mediático; en la película de Mark Anthony Green, un veterano estrella del pop rodeado de una comunidad sectaria de aduladores. La película deviene un fallido híbrido de géneros que, en cierta manera, podría considerarse como una versión A24 de la simpática Theatre of Blood (Douglas Hickox, 1973), por aquello de mostrar desde postulados modernos una satírica confrontación entre la indulgencia artística y la naturaleza parasitaria de los críticos de entretenimiento. Al igual que muchas de las películas y series que imita descaradamente, el problema de Opus tiene su origen en otro director novel que se excede en sus proyectos, lanzando temas de debate, a priori interesantes, sin ofrecer una perspectiva propia sobre ninguno de ellos. Como lastre añadido, tampoco ayuda a mejorar el conjunto la interpretación de John Malkovich, haciendo de sí mismo una vez más, ni la de Ayo Edebiri, una de las peores actrices de su generación. Por último, el broche de oro llegó con The Furious, erigida como la película de acción más importante del año. Siguiendo la estela de The Raid (Gareth Evans, 2011) o The Night Comes for Us (Timo Tjahjanto, 2018), el film dirigido por el aclamado coreógrafo de acción Kenji Tanigaki parte del propósito de ofrecer más y mejor con relación a mostrar en cada pelea un nuevo giro que intenta superar el anterior, aumentando violencia, magnitud y originalidad, a través de un conjunto de set pieces que parecen estar concebidas cada una a modo de clímax final. Poco importa que la trama del film sea poco más que un esbozo, The Furious está concebida para ser experimentada en una pantalla lo más grande posible, con un público cuanto más bullicioso, mejor, como ocurrió en Sitges. Un artefacto lúdico que crea sinergias con el espectador, posiblemente, sea el tipo de película más agradable de ver en los festivales de cine, ideal si el visionado se produce al final de éste, puesto que un servidor no concibe un mejor antídoto tras tanta sobreexposición temática.
Del 19 al 27 de septiembre de 2025 se celebró la 73.ª edición del Festival de San Sebastián, un certamen supeditado a su condición de festival de clase A por la dificultad que implica mantener el nivel exigido en dicha categoría. A tal respecto, el Zinemaldia, con un presupuesto significativamente menor que otros de primera clase como Berlín, Cannes o Venecia, alcanzó un estimable equilibrio en todas las secciones como New Directors, Perlas o Zabaltegi-Tabakalera, y, sobre todo, en una Sección Oficial que cumplió las expectativas con creces, gracias al nivel de las películas a competición.
La presencia en la Sección Oficial de figuras relevantes como Claire Denis, Agnieszka Holland, Joachim Lafosse o Edward Berger, la inclusión de títulos adyacentes al cine de género como Las corrientes, SAI: Disaster o Ballad of a Small Player, y otro tipo de cine más académico como Nuremberg, fueron esenciales en la edición del 2025, por su variedad temática, autoral y artística.
Como en ediciones anteriores, posiblemente, el gran mérito de la 73.ª edición del Zinemaldia resida en la exhibición de las retrospectivas cinematográficas, sección primordial para descubrir obras de difícil acceso para el espectador y, sobre todo, para la formación de nuevas generaciones de cinéfilos. La retrospectiva de este año estuvo dedicada a Lillian Hellman, a través de un cuidado ciclo compuesto por dieciséis títulos, acompañado de una interesante publicación y didácticas presentaciones previas a las proyecciones a cargo del historiador Felipe Cabrerizo.
A continuación, y al igual que en pasadas ediciones, una primera crónica con los films a concurso en la Sección Oficial, una segunda crítica con el análisis pormenorizado de las secciones Perlas y Horizontes Latinos, y una tercera y última entrega de índole algo más ecléctica, transitando por diferentes apartados como New Directors, Zabaltegi-Tabakalera, Clásicos y Retrospectiva.
Sección Oficial a concurso
El cine español, de igual manera que en anteriores ediciones, tuvo una destacada presencia en el palmarés; dejando de lado su mérito, plantea el interrogante de un festival convertido en un reducto de cine patrio, ya que nueve producciones formaron parte de la Sección Oficial, creando cierta incertidumbre sobre su capacidad de efecto llamada de importantes películas internacionales. Dos películas españolas sobresalieron del resto de la representación nacional, por un lado, la ganadora de la Concha de Oro a la Mejor Película, Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa propone una serie de interrogantes cuya mejor virtud es, probablemente, la de evitar respuestas simples. Una joven de 17 años medita la decisión de ingresar en un convento de clausura, ante la estupefacción de su entorno familiar, cuyo status social y cultural dista mucho de dichos postulados religiosos. Alauda Ruiz de Azúa, que ya había indagado en derivas familiares en Cinco lobitos y la serie Querer, sostiene una lúcida mirada equidistante en la que cada uno pueda encontrar un lugar o una justificación ante el conflicto creado. Otro punto álgido del festival fue el esperado regreso a la dirección de José Luis Guerín con Historias del buen valle, secuela espiritual de su documental En construcción, donde el realizador catalán vuelve a adentrarse mediante la no ficción en un relato coral sobre los espacios y la gente que habita en ellos. El escenario, Vallbona, es un barrio degradado del extrarradio de Barcelona que sirve para desarrollar un relato posicionado en las antípodas de la denuncia social, a través de una serie de historias que fijan su mirada en la nostalgia y los lugares identitarios, y la manera de conectarse a una realidad que reivindica ese concepto de comunidad que, al igual que los protagonistas de la película, pareciera estar destinado al olvido.
Historias del buen valle
Por otra parte, Maspalomas, premio a la mejor interpretación protagonista para José Ramón Soroiz, supuso la vuelta al festival del dúo formado por José Mari Goenaga y Aitor Arregi, Loreak (2014), La trinchera infinita (2019), realizadores que ofrecen un sólido relato que orbita alrededor de la ocultación de la condición sexual, aquí expuesto mediante una narrativa inversa a la que suele ser habitual en este tipo de historias; de un entorno hedonista en Maspalomas al inicio de la película, pasamos a las estancias de una gris residencia donde el protagonista tendrá que esconder su homosexualidad. Más decepcionante resultó Los Tigres de Alberto Rodríguez, film que sigue unas coordenadas transitadas con regularidad por el responsable de La isla mínima, como es la difícil existencia social del antihéroe, en esta ocasión, la trama se centra en dos hermanos que trabajan en el sector petrolífero como buzos industriales que se verán abocados a delinquir a causa de su precario estatus económico. Sin embargo, pese a una sólida construcción de personajes, la amalgama del thriller con otros elementos dentro de un contexto de hiperrealidad y exento de un trasfondo político que sí veremos en la más acertada Anatomía de un instante, no termina de ser fluida, con tendencia a dar prioridad a la faceta dramática sobre la genérica, cuyo supuesto sentido de la espectacularidad termina siendo excesivamente contemplativo.
El inalterable compromiso que ha tenido en los últimos años el festival con la cinematografía argentina (mermada por culpa de los recortes llevados a cabo por políticas arbitrarias ajenas a la cultura) dio lugar a la presencia de dos películas a competición de equidistantes autorías. La mirada argentina que nos muestra la realizadora Dolores Fonzi en Belén nos sitúa en un tiempo pretérito: en 2014, una joven ingresa en un hospital sin saber que está embarazada; horas después, despierta esposada a la camilla y rodeada de policías, siendo acusada de haberse provocado un aborto y sentenciada a ocho años de prisión por homicidio. Una abogada luchará por su libertad. Belén pertenece a ese tipo de relatos que podrían circunscribirse a un subgénero en sí mismo, aquellos que indagan en la injusticia social, cuya reivindicación es tardíamente reconocida a través de un proceso judicial. Su nada disimulada condición de alegato político se contrarresta con una función didáctica que no abusa de recursos cercanos a la reiteración de discursos aleccionadores tan habituales y poco sutiles en este tipo de películas. Infinitamente más interesante que Belén, en las antípodas a nivel conceptual, Las corrientes de Milagros Mumenthaler es un film que, al igual que el Safe de Todd Haynes, relata el vacío existencial utilizando el psicodrama como herramienta narrativa. La responsable de La idea de un lago presenta a una exitosa diseñadora de moda que sufre de forma repentina una intensa disociación, expuesta a modo de retrato femenino y el desajuste al que se tiene que enfrentar la protagonista que sufre súbitamente un miedo extremo al agua, anomalía alegórica sobre alguien incapaz de asumir la cotidianeidad, agudizada por múltiples inseguridades y una percepción sensorial acrecentada tanto en cada espacio habitado, como en otros deshabitados. Poco importa que su tramo final abrace, en detrimento de la deconstrucción, un tono algo más explicativo, Las corrientes transita por un trazo autoral inusual, resultando una de las propuestas más estimulantes y arriesgadas vistas este año en San Sebastián.
Un motivo de orgullo para cualquier festival que se precie es la presencia de una autora como Claire Denis a competición. Incluso a estas alturas, resulta paradigmático comprobar cómo el cine de la realizadora francesa se distancia de cualquier tendencia cinematográfica. Le Cri des Gardes, que no disimula en absoluto las costuras teatrales del original de Koltès, únicamente muestra cuatro personajes y un espacio cercado que en todo momento antepone la dialéctica sobre la puesta en escena; coexisten todas las constantes de su autora: derivas causadas por el colonialismo, abismos mentales o personajes varados en terrenos hostiles. Vista su recepción, y sin ser ni mucho menos su mejor película, no estaría de más contextualizar su trayectoria, ya que no deja de ser un hecho sintomático la animadversión generalizada aplicable a otros autores de su generación respecto a los últimos trabajos de una cineasta enorme e irreductible. Otra de las películas más interesantes vistas en la Sección Oficial vino firmada por Joachim Lafosse con Six jours ce printemps-là, nueva demostración del talento del cineasta belga para manejar a la perfección el drama intimista que explora el concepto de la erosión familiar, expuesto aquí desde un argumento minimalista, en apariencia liviano, donde una madre divorciada luchará para que sus hijos puedan disfrutar de unas vacaciones en primavera. Pese al fracaso de todos los planes iniciales, decide (sin contárselo a nadie) quedarse en una villa de lujo en la Riviera propiedad de sus exsuegros. Six jours ce printemps-là aborda esa obsesión de Joachim Lafosse con el hogar representado como un territorio en constante agitación y disputa, aquí, no obstante, apela a cierto lirismo, más cercano al tono evocador del cine de los hermanos Dardenne que a su habitual crispación narrativa.
Six jours ce printemps-là
Seguramente, la elección de Nuremberg en la Sección Oficial fue debida a una decisión del comité de selección del festival para equilibrar contenidos y nacionalidades, cubriendo esa cuota de supuesto cine academicista presente de una manera u otra en las últimas ediciones del Zinemaldia. Adaptación de la novela de Jack El-Hai “El nazi y el psiquiatra”, el film de James Vanderbilt deviene una revisión bastante liviana; para un mayor rigor cinematográfico habría que remitirse a Judgment at Nuremberg (Stanley Kramer 1961), film sobre los juicios de Nuremberg por parte de los Aliados contra el derrotado régimen nazi. La sensación final es la de estar ante una película que se enfoca más en los personajes que en los hechos, principalmente en las figuras de Douglas Kelley (Rami Malek parece obsesionado con ser el rey de la función) y Hermann Göring (Russell Crowe más ajustado en su rol). En definitiva, una película tan colmada de tropos del cine judicial, como carente de la trascendencia que requiere la historia, todo supuestamente en aras de un entretenimiento condescendiente de cara al gran público. El biopic estuvo presente con Franz, recorrido por la vida del ilustre escritor checo Franz Kafka, concebido a modo de un mosaico caleidoscópico cuyo resultado es harto cuestionable. Evitar transitar por lugares comunes o tradicionales, o eludir convenciones, no garantiza que la propuesta sea original o acertada. En tal sentido, la directora Agnieszka Holland apuesta por una obra disruptiva y grandilocuente, donde la escenografía evita establecer cualquier tipo de patrón narrativo al uso mediante caprichosos saltos temporales, representaciones de las actuales visitas guiadas al Museo Kafka de Praga, continuas rupturas de la cuarta pared o guiños autoconscientes sobre vivencias y legado que da la sensación de estar ante un fallido intento por disipar la mitología del protagonista, resultando ser un puzle cuya naturaleza es percibida de manera caprichosa, especialmente al abusar de un concepto referencial que, en este caso, se convierte en excesivamente efectista.
Franz
Arnaud Desplechin, un habitual del festival, presentó Deux pianos, melancólico drama sobre un pianista de concierto francés que se reencuentra con su primer amor, acontecimiento que le sumirá en un conflicto interno relacionado con el presente y pasado de dicha relación sentimental. El responsable de Fantasías de un escritor vuelve a transitar por esos registros emocionales tan habituales en su cine, aquí enfatizados por el manejo musical como primer, y posiblemente único concepto expresivo de una historia que expone una reflexión sobre la posibilidad de moldear nuestras vidas en torno a nuestros mayores arrepentimientos. Loable intención la de un cineasta que parece no perder nunca de vista un centro de gravedad que requiere de una predisposición por parte del espectador, ya que, sin éste, el material pudiera parecer a primera vista algo superficial. Algo más enérgica que la cinta de Desplechin, tanto en forma como en contenido, resultó ser Ballad of a Small Player de Edward Berger, realizador que volvía al festival después de presentar el pasado año Cónclave.Su último trabajo tras las cámaras vendría a ser una reinterpretación del arquetipo del ludópata, en el más amplio concepto del término, a través de un personaje llevado al límite que malgasta sus días y noches en Macao entre juegos y alcohol. A medio camino entre la estética del cine de Guy Ritchie y la propia visión desquiciada de Fear and Loathing in Las Vegas de Terry Gilliam, Edward Berger orquesta una historia que abraza el exceso con todos los riesgos que conlleva tal posicionamiento. Entramado fílmico que establece un curioso paralelismo con el protagonista del relato, personaje que se presenta ante los demás con una actitud de superioridad, fingiendo ser un hombre importante, cuando, en realidad, es solo un farol. En parte, dicho planteamiento es un reflejo de la propia película: Ballad of a Small Player no deja de ser un artificio ostentoso en un envoltorio fascinante que se derrumba como un castillo de naipes.
SAI: Disaster
El oscuro thriller liminal SAI: Disaster vino a cubrir una agradecida cuota de cine de género presente en la Sección Oficial en las últimas ediciones. Al igual que la excelente Shokuzai de Kiyoshi Kurosawa, el segundo trabajo del dueto formado por Yutaro Seki e Hirase Kentaro, es el remontaje de una miniserie televisiva donde asistimos a una narración elíptica y fragmentada en varios personajes que, en lugares y tiempos diferentes, se cruzan con un misterioso hombre que adopta distintos roles y personalidades. El inquietante personaje del actor Teruyuki Kagawa, también protagonista de la ópera prima de sus realizadores, la igualmente perturbadora Roleless, es llevado a la hipérbole como asesino metafórico de una sociedad proclive al concepto de la catástrofe y del mal agüero. Se agradece bastante la notoria pleitesía al cine de Kiyoshi Kurosawa, especialmente visible en su tono alienante y en su intención de no ceder a resoluciones gratificantes destinadas al gran público por parte de unos cineastas a seguir con detenimiento desde este momento. La más convencional Couture de Alice Winocour, nos sitúa en el mundo de la moda, evitando sacar los trapos sucios de dicha industria, y bastante menos amena que Prêt-à-Porter de Robert Altman, Couture se sumerge en plena vorágine de la Semana de la Moda de París, donde el espectador será testigo de las historias cruzadas de tres mujeres pertenecientes a dicho entorno, una directora de cine estadounidense, una joven modelo de Sudán del Sur y una maquilladora francesa. A lo largo de su día a día, Alice Winocour crea un arco argumental que indaga en el temor y la vulnerabilidad que hay detrás del glamour, concepto lastrado por una suerte de exploración de los personajes y sus problemáticas en las que el escenario es percibido como una simple excusa. Para más inri, Couture, en su acto final,se decanta de forma arbitraria por la historia menos interesante, la del personaje interpretado por Angelina Jolie, aderezada con un tono condescendiente sobre cómo hacer frente al cáncer, bordeando peligrosamente el panfleto.
Her Heart Beats in Its Cage
Otra apuesta que indaga en la cotidianeidad de la mujer fue la cinta china Her Heart Beats in Its Cage de Xiaoyu Qin, relato sobre la maternidad frustrada, donde una mujer, tras pasar diez años en prisión por matar a su esposo, intenta rehacer su vida. Obra que transita por los estigmas y la supervivencia de quienes lo padecen en la China actual, su mayor virtud reside en una contención que, afortunadamente, se aparta del subrayado y de discursos sociales de tono redentor, tendencia bastante habitual en gran parte del cine social proveniente del país asiático. Obra en apariencia modesta en lo relativo a sus postulados, pero provista de resonancias inequívocamente universales. De imaginarios femeninos también trata, en cierta medida, Winter of the Crowde Kasia Adamik, thriller político que nos traslada a la Polonia de 1981, un escenario caótico donde una profesora británica de psiquiatría invitada por la universidad de Varsovia tendrá que afrontar las consecuencias de la ley marcial y de una revuelta estudiantil. Película que puede ser entendida como un tratado sobre la obligación moral que tienen los foráneos a la hora de usar su relativa seguridad como escudo para los oprimidos, Winter of the Crow, alejada de su faceta más puramente genérica, versa sobre alguien que intenta escapar de un mundo donde le cuesta comunicarse, mostrando el retrato de alguien atrapado en una pesadilla, enfatizado por una fotografía turbia que retrata Varsovia como una ciudad gris, donde los exteriores gélidos y los interiores húmedos otorgan un inusual tono de desasosiego, que extrapola narrativas adyacentes al consabido relato de intriga internacional.
Alexander Skarsgård, Mia Hansen-Løve, Bi Gan, Pietro Marcello, los hermanos Dardenne, Ildikó Enyedi, Romane Bohringer, Javier Cámara, Luis Tosar, David Trueba, Carolina Yuste e Isabel Coixet, entre los nombres destacados de una 70ª Seminci que congregará en Valladolid a más de 120 cineastas e intérpretes
La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) celebra su 70ª edición con un programa repleto de encuentros con algunos de los nombres más destacados del panorama cinematográfico actual. Durante ocho días, la ciudad se convertirá en punto de encuentro para directores, actores y productores que presentarán sus últimas obras y compartirán sus últimos trabajos con el público y la prensa especializada.
Cineastas internacionales
La programación internacional destaca por la presencia de maestros consagrados. Entre los nombres más esperados figuran Sergei Loznitsa (Dos fiscales), Pietro Marcello (Duse), los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne (Recién nacidas), la directora húngara Ildikó Enyedi (Silent Friend) y la francesa Mia Hansen-Løve, que recibirá una de las Espiga de Honor.
Desde Asia llegarán propuestas de gran interés con la presencia de Bi Gan (Resurrection), Abbas Fahdel (Tales of the Wounded Land), el dúo formado por Nicolas Graux y Truong Ming Quy(Hair, Paper, Water…), y la debutante Shih-Ching Tsou (La chica zurda).
El cine latinoamericano estará representado por Gabriel Mascaro (El sendero azul), Federico Veiroj (Cara a cara), Gastón Solnicki (The Souffleur), Ezequiel Salinas y Ramiro Sonzini (La noche está marchándose ya), Joel Alfonso Vargas (Mad Bills to Pay), David Pablos (En el camino) y Carlos Federico Atehortua(Forenses).
La representación europea se completa con nombres como la también actriz Romane Bohringer (Tell her I love her),Maureen Fazendeiro (Las estaciones), Pedro Pinho (La risa y la navaja), Alexe Poukine (Kika), Kaspar Astrup Schröder (Dear Tomorrow),Vladlena Sandu(Memory),Damien Hauser (Memory of Princess Mumbi), Dane Komljen(Desire Lines), Pauline Loquès (Nino), Valery Carnoy (Wild Foxes), Alexander Rodnyansky y Andriy Alferov (Notes of a True Criminal), João Rosas (The Luminous Life), Julian Radlmaier (Phantoms of July), Urška Djukić (Little Trouble Girls), Harry Lighton (Pillion), Leonor Noivo(Bulakna) y Cyril Aris (A Sad and Beautiful World).
Completan el elenco internacional el estadounidense Max Walker-Silverman (Rebuilding) y la iraní Farnoosh Samadi (Between Dreams and Hope). También acudirán los cinco cortometrajistas nominados a los premios EFA.
Asimismo, ejercerán como miembros de jurado la productora Laurentina Guidotti, el director portugués João Pedro Rodrigues, la productora colombiana Ivette Liang, el argentino Federico Luis, el austriaco Alexander Horwath y la libanesa Feyrouz Serhal.
Cineastas nacionales
El cine español estará representado por una amplia y diversa selección de realizadores con una amplia trayectoria. Desde los que inauguran y cierran el festival, Isabel Coixet (Tres adioses) y David Trueba (Siempre es invierno), hasta otros directores presentes en las diferentes secciones, como Fernando Franco (Subsuelo) o Judith Colell (Frontera).
La nueva generación del cine español contará con la presencia de Rafael Cobos (Golpes), Carlos Solano (Leo & Lou), Carlos Saiz (Lionel), Ana Serret (Apuntes para una ficción consentida), Irene Iborra (Olivia y el terremoto invisible), Gabriel Azorín (Anoche conquisté Tebas), Pere Vilà Barceló (Cuando un río se convierte en mar), Guillermo Galoe (Ciudad sin sueño), Candela Sotos (Yrupê), Lucía Aleñar (Forastera), Alfonso Sánchez (Pendaripen. La historia silenciada del pueblo gitano), Carolina Yuste y Afioco Gnecco (Este cuerpo mío), María Ruido (La fábrica y el sexo), Manuel H. Martín y Amparo Martínez Barco (Bella),Rubén Seca (Los Cangrejos) y Christian Dehugo (Mi sueño cubano), junto a profesionales del ámbito televisivo como Diego San José (Yakarta), Elena Trapé (Yakarta) y Santiago Tabernero (Las gafas de Isabel Coixet), César Vallejo, Ángela Gallardo y Rafael Muñoz(David Delfín. Muestra tu herida), y los productores Albert Serra (Magallanes), Guadalupe Balaguer(Subsuelo),Marisa Fernández Armenteros y Sandra Hermida (Tres adioses), entre otros.
Fuera de la programación, participarán en diversas actividades o como parte del jurado cineastas como Isaki Lacuesta, Adrián Orr, Benito Zambrano, Elena López-Riera y Paco Roca. El Encuentro de Mujeres Cineastas reunirá, asimismo, a las directoras Paula Ortiz, Mar Coll, Inés G. Aparicio y Amparo Climent, así como la productora María Zamora y la guionista Valentina Viso.
Intérpretes
La representación internacional de intérpretes incluye al actor sueco Alexander Skarsgård(Pillion), la actriz iraní Fereshteh Hosseini(Between Dreams and Hope) y la coreógrafa cubana Lizt Alfonso (Mi sueño cubano).
La presencia de intérpretes españoles será notable durante toda la edición. Además de la Espiga de Honor Luis Callejo, acudirán junto al equipo de sus películas, entre otros, Luis Tosar (Golpes),Laia Marull (Cuando un río se convierte en mar), Álex Brendemühl (Cuando un río se convierte en mar), Lluís Homar(Forastera), Francesco Carril (Tres adioses), Miki Esparbé (Frontera), Asier Etxeandia (Frontera),David Verdaguer (Siempre es invierno), Amaia Salamanca (Siempre es invierno), Isabelle Renault (Siempre es invierno), María Rodríguez Soto (Frontera), Sonia Almarcha (Subsuelo), Itzan Escamilla (Subsuelo), Diego Garisa (Subsuelo), Julia Martínez (Subsuelo), Íñigo de la Iglesia (Subsuelo), Jesús Carroza(Golpes), Teresa Garzón (Golpes), Claud Hernández y Zoe Stein (Forastera).
Entre los más jóvenes estarán Ona Bagué y Biel Pato, protagonistas infantiles del film de Irene Iborra, así como Lionel Corral Bernal, Lionel Corral y Alicia Corral, de Lionel. Completan el elenco nacional Maggie Civantos (Leo & Lou), Isak Férriz (Leo & Lou), Julia Sulleiro (Leo & Lou), Manuel Manquiña (Leo & Lou), Ingrid Rubio (Las colillas de mi casa), Oriol Cervera (Las colillas de mi casa) y Carla Nieto (Siempre es invierno); los artistas Lolita Flores (Pendaripen), Alaska y Mario Vaquerizo (David Delfín. Muestra tu herida), junto a los protagonistas de la serie YakartaJavier Cámara y Carla Quílez.
Además, participarán en diferentes galas y presentaciones la actriz Blanca Portillo, la cantora Esperanza Fernández y los músicos Niño de Elche yAlondra Bentley.
David Trueba clausurará la 70ª edición de Seminci con ‘Siempre es invierno’, adaptación de su novela ‘Blitz
David Verdaguer, que vuelve a trabajar con el director tras ‘Saben aquell’, protagoniza esta tragicomedia romántica ambientada en Bélgica, junto a Isabelle Renauld y Amaia Salamanca
El director David Trueba clausurará el 1 de noviembre la 70ª edición del Festival Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) con el estreno mundial de su nueva película, Siempre es invierno, una tragicomedia romántica protagonizada por David Verdaguer, Isabelle Renauld y Amaia Salamanca. La coproducción hispano-belga adapta la novela Blitz (Anagrama, 2015), escrita por el propio realizador, que explora la pérdida y el vacío tras una ruptura sentimental y la posibilidad de reinicio, captando una instantánea del amor perdido bajo el filtro del sentido del humor.
La historia sigue a un arquitecto paisajista que viaja a Lieja para un congreso donde su relación sentimental llega a su fin. Desorientado, decide quedarse solo en la ciudad belga para reconstruir su futuro, hasta que conoce a una mujer mayor que él que trabaja como voluntaria en el congreso de arquitectura al que asiste.
Con este proyecto, Trueba ha roto su regla de no adaptar al cine sus propias obras literarias. «Nunca he querido llevar mis novelas al cine», reconoce el cineasta, quien hasta ahora había rechazado tanto sus propias adaptaciones como las propuestas de otros directores. Sin embargo, Blitz le planteó un desafío diferente: «Trata de algo enormemente gráfico y visual, que es el perceptible paso del tiempo sobre las personas. Un elemento que en el cine puede enriquecerse y eso convierte el reto de la adaptación en más estimulante».
La filmografía de Trueba abarca desde comedias hasta dramas intimistas, que se distinguen por su mirada humanista y su capacidad para retratar con sensibilidad las relaciones personales y los pequeños momentos de la vida. Entre sus películas más destacadas se encuentran La buena vida (1996), Soldados de Salamina (2003), adaptación de la novela de Javier Cercas, y Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013), uno de sus mayores éxitos, que reunió seis premios Goya, incluyendo mejor película, mejor director y mejor guion original.
David Trueba dirige de nuevo a David Verdaguer, tras su primera colaboración en Saben Aquell, el acercamiento al humorista Eugenio por el que ganó el Goya al mejor actor protagonista. «Trabajar con él es como trabajar con zapatillas de estar por casa, porque te hace sentir muy a gusto. Es divertido y aprendes muchísimo estando con él», afirma el intérprete sobre el director. Acompañan a Verdaguer la actriz francesa Isabelle Renauld (La eternidad y un día) y Amaia Salamanca (Muertos S.L.). Completan el reparto Jon Arias, Vito Sanz y Carla Nieto.
La película está producida por Ikiru Films, Atresmedia Cine, Blitz la Película AIE, La Terraza Films y la belga Wrong Men, con la participación de Atresmedia, la colaboración de Netflix, financiación del ICAA y apoyo del ICEC. Según Edmon Roch, productor de Ikiru Films, se trata de «una irresistible tragicomedia romántica con el efecto de un abrazo reparador».
Blitz es «una de las novelas más íntimas y personales de David Trueba; una historia muy original llena de matices que habla de las relaciones humanas y de cómo el amor puede resurgir de forma imprevisible», concluye Jaime Ortiz de Artiñano, director general de Atresmedia Cine. Distribuida en España por Bteam Pictures, Siempre es invierno llegará a los cines el 7 de noviembre.
La divertida provocación de Harry Lighton (‘Pillion’), la beligerancia de Nadav Lapid, el mejor director de la última Berlinale Huo Meng y la cinefilia de Ramiro Sonzini y Ezequiel Salinas se se suman a la competición internacional
‘I’m Glad You’re Dead Now’, de Tawfeek Barhom, y ‘Without Kelly’, de Lovisa Sirén, ganadores del premio a mejor cortometraje en Cannes y Venecia 2025, participarán en la Sección Oficial Internacional de Cortometrajes
La 70ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) presentará en su Sección Oficial, junto a los títulos ya anunciados de figuras destacadas como Sergei Loznitsa, los hermanos Dardenne, Lav Diaz o Bi Gan, una programación que abraza retratos de mujeres que desafían los códigos establecidos, una mirada a la transformación del mundo desde la inocencia, y radiografías provocadoras del presente.
Insumisas y rebeldes
Buena parte de los títulos de la Sección Oficial de esta edición se adentran en potentes retratos femeninos de carismáticas mujeres unidas por su carácter contradictorio, aunque alejadas en sus circunstancias vitales.
Para su debut en la dirección,Kristen Stewart adapta La cronología del agua,las memorias de la novelista Lidia Yuknavitch, quien, tras una infancia lastrada por la violencia y los abusos, se sumerge en una espiral de sexo, adicciones y relaciones destructivas hasta hallar en la escritura una forma de redención
Desde la mirada de una mujer en la cima del éxito, Pietro Marcello, maestro en el uso del material de archivo para entrelazar historia real y ficción, centra la trama de Duse, biografía de Eleonora Duse, la Divina, en los últimos años de la legendaria actriz teatral, en el marco del auge del fascismo en Italia. Valeria Bruni Tedeschi encarna a la protagonista de esta película, en cuyo reparto destaca también Noémie Merlant(Retrato de una mujer en llamas).
Aunque Silent Friend, de la cineasta húngara Ildikó Enyedi (Oso de Oro por En cuerpo y alma), entrelaza tres historias a lo largo de más de cien años (1908, 1972 y la actualidad) para mostrar el efecto liberador que las plantas ejercen sobre las personas, incluye también un contundente mensaje feminista a través del episodio protagonizado por Luna Wedler, premio al mejor intérprete emergente en Venecia. El séptimo largo de Ildikó Enyedi, en el que también participan Tony Leung(Deseando amar) y Léa Seydoux(La vida de Adèle), asombró y conquistó la Biennale di Venezia al presentar un hipnótico punto de vista centrado en un árbol, testigo silencioso de las vicisitudes de tres generaciones.
El cine como refugio e inspiración
Coinciden este año varios títulos que dialogan con el propio cine, bien a través de la reinterpretación de sus géneros, bien convirtiendo la sala cinematográfica en un espacio de refugio y evocación.
Kelly Reichardt(First Cow, Meek’s Cutoff), una de las grandes autoras del cine independiente americano, juega en The Mastermind con el género del cine de robos (de arte, en este caso) para ofrecer una mirada conmovedora y sutil sobre la precariedad y la diferencia de clases en Estados Unidos. Josh O’Connor(Rivales, La quimera) se embarca en una temeraria aventura criminal con el telón de fondo de la guerra de Vietnam y el floreciente movimiento de liberación femenina.
El reputado Christian Petzold (El cielo rojo, Bárbara, Ondina) opta en Mirrors Nº3por revisitar el psicodrama con sobriedad y elegancia a partir de una trama recurrente a lo largo de la historia del cine: tras una trágico accidente, una mujer pierde la memoria y lucha por lucha por reconstruir su vida y su propia identidad en el seno de una familia que, a su vez, guarda un misterio. La película está interpretada por la gran Paula Beer, reconocida con el premio a la mejor actriz tanto en Berlinale como por la Academia del Cine Europeo.
La sala cinematográfica es protagonista en La noche está marchándose ya, obra de los argentinos Ramiro Sonzini y Ezequiel Salinas, ganadores de la Espiga de Oro al mejor cortometraje en 2021 con Mi última aventura. Un extravagante grupo de personas que vive en una situación económica precaria se enfrenta al posible desahucio del viejo palacio del cine en el que viven. En este lugar, entre viejas butacas y latas de celuloide, han fundado casi un hogar, algo parecido a una familia.
Los ojos del mundo
Hasta tres títulos ofrecen una lectura de un mundo en transformación desde una mirada inocente. Orphan, del ganador del Óscar por El hijo de SaúlLászló Nemes, es un estremecedor relato de supervivencia en las turbulencias del siglo XX en el corazón de Europa. Entre los estragos que ha dejado el Holocausto y la tiranía del régimen comunista que aplastó el levantamiento de 1956, un joven aún mantiene la esperanza de recuperar a su padre desaparecido años atrás.
Muy diferente es Vivir la tierra,de Huo Meng, premio a la mejor dirección en Berlín, que establece conexiones sutiles entre la China de los años 80 con el presente en un tierno y sutil coming-of-age, protagonizado por un niño de diez años al que obligan a quedarse en su pueblo cuando su familia emigra a la ciudad. Allí asiste a cómo la llegada de la tecnología transforma el modo de vida tradicional.
Fuera de concurso, Girlexplora la relación de una madre y una hija en el Taiwán de los años 90. El debut en la dirección de la estrella Shu Qi (The Assassin, Millennium Mambo, The Transporter) dibuja un relato de sororidad y complicidad femenina entre dos niñas, una callada y retraída, que crece envuelta en un ambiente opresivo y triste, y otra vibrante y despreocupada.
El cine como agente provocador
Entre los largometrajes de la Sección Oficial con un punto de partida más heterodoxo, pero que se ganó el cariño del público en el pasado festival de Cannes, está Pillion,ópera prima de Harry Lighton, en la que Alexander Skarsgård(El hombre del norte) y Harry Melling(Gambito de dama, Harry Potter) viven un romance inesperado.Adaptación de la novela Box Hill, de Adam Mars, el director británico retrata con sorprendente ternura una relación de sumisión gay que se convierte en un conmovedor viaje de maduración y autoconocimiento.
Por último, Yes, la propuesta de la voz rabiosa y disidente de Nadav Lapid (Oso de Oro por Sinónimos en 2019 y Premio del Jurado en Cannes por Ahed’s Knee en 2021), que lleva más de una década denunciando la decadencia y la crueldad del Estado israelí . Una pareja de artistas sin éxito (él músico, ella bailarina) se somete a los dictados del orden político, aceptando un encargo para mejorar su estatus, poniendo, en suma, su talento, su alma y sus cuerpos al servicio de un régimen donde gobierna el odio y la manipulación.
Un maestro de lo real a competición
Con Below the Clouds,flamante ganadora del Premio Especial del Jurado de Venecia, Gianfranco Rosi (Oso de Oro por Fuocoamare y León de Oro por Sacro GRA) se adentra en el pasado y presente de Nápoles para reflejar problemáticas eternas, universales y urgentes. Desde arqueólogos que todavía descubren tesoros de Pompeya hasta migrantes que viven en el abismo, la cámara de Rosi refleja los ecos de la Historia que aún permanecen, filmados en un blanco y negro expresivo y elegante. Una imprescindible y esclarecedora radiografía de las inquietudes y contradicciones de la condición humana.
Estos títulos se unen a la competición por la Espiga de Oro, en la que ya participan las anunciados anteriormente Recién nacidas, de Luc y Jean-Pierre Dardenne;Dos fiscales, de Sergei Loznitsa;Magallanes, de Lav Diaz;Resurrection, de Bi Gan; The Blue Trail, de Gabriel Mascaro;La chica zurda, de Shih-Ching Tsou;Sorry, Baby, de Eva Victor; Sound of Falling, de Mascha Schilinski, además de las producciones españolas que se darán a conocer en los próximos días.
Sección Oficial Internacional de Cortometrajes
La Sección Oficial Internacional de Cortometrajes de la 70ª edición de Seminci reunirá 14 obras de once países, además de los títulos españoles que se anunciarán próximamente. Entre ellos, los trabajos que se alzaron con el primer premio en sucategoría en las últimas ediciones de los festivales de Cannes y Venecia y que se estrenarán en España en Seminci.
La Palma de Oro en 2025, I’m Glad You’re Dead Now, dirigido e interpretado por Tawfeek Barhom, representa un ejemplo notable del cine palestino contemporáneo. El cortometraje, debut en la dirección del protagonista de Conspiración en El Cairo (presentada en la 67ª Seminci) aborda temas universales como los vínculos familiares y el peso del pasado a través de una narrativa intimista.
El cortometraje sueco ganador en la sección Orizzonti del Festival de Venecia 2025, Without Kelly, traslada las vivencias personales de la directora Lovisa Sirén como madre joven (tuvo su primer hijo a los 20 años) a una historia de ficción sobre relaciones familiares y separación. La realizadora sueca ya compitió en Seminci en 2016 con Baby.
La 70ª edición contará asimismo con el estreno nacional del trabajo de animación de espíritu punk Klonter, de Levi Stoops (premio al mejor cortometraje en Annecy por Drijf). Seminci estrenará en España otros dos títulos de animación en esta sección: la conmovedora propuesta portuguesa Dog Alone, de Marta Reis Andrade, y la historia de amor fraternal de estética zombi Bread Will Walk, dirigida por Alex Boya.
El Festival ofrecerá también el estreno internacional de Mercy,de Hedda Mjøen, premiado en Grimstad y elegido el mejor cortometraje por la Academia Noruega de Cine. Completan una programación que confirma la vitalidad del formato breve internacional los destacados últimos trabajos de otras tres directoras: Dog and Wolf,de Terézia Halamová, el retrato de un estríper veinteañero estrenado en Karlovy Vary; el documental sobre un conflicto racial en una ciudad dormitorio Les Habitants, de Maureen Fazendeiro, y la gran esperanza del cine francés, Tohé Commaret, que en Because of (U) describe una relación tóxica en los suburbios.
El ganador del premio al mejor cortometraje en el festival de Vila do Conde 2021, el documentalista Nicolas Gourault vuelve a Seminci, donde presentó VO en 2021, con Their Eyes,un trabajo sobre los peligros de las nuevas tecnologías que destacó en su paso por Berlín. Al igual que lo hizo el cortometraje húngaroLiving Stones, dirigido por Jakob Ladányi Jancsó, que relata la relación entre una joven paciente psiquiátrica y su terapeuta.
Además del ganador de la Palma de Oro, también brillaron especialmente este año en Cannes otras tres seleccionadas por Seminci: el drama rural Ali, del bangladesí Adnan Al Rajeev; la nueva comedia de Guil Sela,No Skate!, y la hilarante y personal Nervous Energy, de la estadounidense Eve Liu, avalada por la producción ejecutiva de Spike Lee.
