José Luis Cienfuegos, nuevo director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid

Tras la deliberación del Consejo Rector de la Fundación Municipal de Cultura, la concejala de Cultura, Ana Redondo, ha firmado el decreto de nombramiento del hasta ahora director del Festival de Sevilla
Tras la deliberación del Consejo Rector de la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid (FMC) se ha resuelto nombramiento de José Luis Cienfuegos como nuevo director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, a propuesta de la comisión técnica de valoración de las candidaturas presentadas al proceso selectivo convocado para cubrir la plaza que deja vacante el hasta ahora director del festival, Javier Angulo.
El decreto de nombramiento ha sido firmado por la Presidenta de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid, Ana Redondo.
José Luis Cienfuegos asume la dirección de Seminci tras haber permanecido al frente del Festival de Sevilla desde 2012. Como director del certamen de cine europeo, Cienfuegos ha congregado a las grandes figuras del cine europeo, desde leyendas como Agnès Varda o Paolo Taviani, hasta ganadores de la Palma de Oro del Festival de Cannes, como Jacques Audiard, Abdellatif Kechiche o Ruben Östlund, pasando por creadores que han marcado el paso del cine de autor en tiempos recientes, como Joanna Hogg, Alice Rohrwacher, Elia Suleiman, Abel Ferrara, Pietro Marcello, Christian Petzold, Sergei Loznitsa, Jessica Hausner, Mark Cousins, Andrea Arnold, Ulrich Seidl, Pedro Costa, Miguel Gomes, Aleksandr Sokúrov, Roy Andersson o João Pedro Rodrigues.
Como director del Festival de Sevilla, Cienfuegos formó parte del Comité Organizador de la gala de entrega de los 31 European Film Awards, celebrados en la ciudad hispalense en diciembre de 2018. Miembro de la European Film Academy, también forma parte de su comité de expertos, ha sido miembro del comité de selección de los premios LUX Film Awards hasta 2019 y ha sido asesor de programación en Laboral Cinemateca y de German Films para el Festival de Cine Alemán de Madrid, además de jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes de la Fundación Príncipe de Asturias de 2013 a 2017.
Entre 2000 y 2012, organizó el festival multicultural “Intersecciones”, dedicado a músicos de gran prestigio y noveles de la escena independiente nacional e internacional, tarea que compatibilizaba con la dirección del Festival Internacional de Cine de Gijón, que dirigió entre 1995 y 2011, y al que otorgó un sello de calidad e independencia.
En Sevilla y Gijón ha organizado homenajes a cineastas como Olivier Assayas, Tsai Ming-liang, Aki Kaurismäki, Abbas Kiarostami, Paul Schrader, Víctor Erice, Todd Haynes, Hal Hartley, Todd Solondz, Larry Clark, Harmony Korine, João César Monteiro, Claude Lanzmann, Ulrich Seidl, Lukas Moodysson, Leos Carax, Bruno Dumont, Lisandro Alonso, Claire Denis, Carlos Reygadas o Bertrand Bonello.
Miembro habitual de jurados de festivales internacionales de cine, como San Sebastián, BAFICI, Karlovy Vary y el IFF Rotterdam Tigers, José Luis Cienfuegos asume ahora la dirección de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, donde liderará todas las actividades desarrolladas a lo largo del año en torno a la marca del certamen y del nuevo Espacio Seminci.
Asimismo, asumirá la representación ordinaria del festival, dirigirá a los equipos de trabajo que prestan sus servicios al certamen y propondrá al Consejo Rector de la FMC los planes de actuación de la cita, tanto para los días del festival como, si así lo considera, para actividades de extensión en el tiempo.
José Luis Cienfuegos sucede en el cargo a Javier Angulo, quien comunicó el pasado diciembre su decisión de dejar la dirección de Seminci después de 15 ediciones. Cienfuegos se convierte en el octavo director de la historia del festival, tras Antolín de Santiago y Juárez (1956-1973), Carmelo Romero (1974-1975), Rafael González Yáñez (1976-1977), Fernando Herrero (1978-1983), Fernando Lara (1984-2004), Juan Carlos Frugone (2005-2007) y Javier Angulo (2008-2023).

Un desconocido al anochecer, tráiler de la coreana «Sleep»

Cerca de que dé comienzo una nueva edición del Festival de Cannes empiezan a aparecer algunos adelantos de las películas que estarán presentes en las distintas secciones del certamen francés. Sleep (Jam), cuyo primer teaser tráiler subtitulado al inglés acaba deber la luz y podéis ver vía Cine Maldito a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en el largometraje del joven realizador coreano Yoo Jae-sun. Un drama familiar, con ciertas texturas al género de terror y al thriller que explora las trágicas consecuencias del sonambulismo en la vida familiar y relación de pareja, que formará parte de la Semana de la Crítica.
Sleep sigue a una joven pareja cuyas vidas dan un vuelco inesperado cuando el marido de forma repentina se vuelve sonámbulo transformándose en otra persona al anochecer. La esposa de la pareja, abrumada por el miedo a que su marido durante la vigilia haga daño a su hijo recién nacido, ya no puede dormir. Será entonces cuando acudirán a una clínica del sueño sin éxito, algo que le hará buscar desesperadamente la ayuda de un chamán.
La película está protagonizada por Lee Sun-Kyun y Jung Yu-mi.

Los orígenes de la animación japonesa: El estudio Tōei Dōga (1956-1972)

La productora Tōei Dōga, fundada en 1956 y actualmente conocida como Tōei Animation, es uno de los más importantes estudios de animación japoneses, lugar de formación privilegiado de los profesionales del dibujo animado y del surgimiento del anime. Su director, Hiroshi Ōkawa, que deseaba convertirla en el “Disney de Oriente”, enfocó su producción hacia los largometrajes para el cine, todo un desafío para una industria de la animación incipiente. Panda y la serpiente mágica (1958), primera película animada en color realizada en Japón, se convirtió en el portaestandarte de este proyecto. El modelo estadounidense se dejó muy pronto de lado, lo que permitió que emergiesen numerosas reapropiaciones e innovaciones técnicas, como El pequeño príncipe y el dragón de ocho cabezas (1963), Las aventuras de Hols, príncipe del sol (1968) y La isla del tesoro (1971). La presente obra explora la historia de esta empresa desde los meses que precedieron a su creación hasta la desaparición de su director histórico, situándola en el contexto de la producción cinematográfica nacional, pero también en el de las evoluciones sociales del Japón de entonces. Muestra cómo Tōei Dōga, a través de los altibajos sucesivos de su sistema de producción y su empleo de las técnicas de animación, puede ser vista como un laboratorio donde se elaboraron prácticas de animación conflictivas, pero aún hoy influyentes.
Autor
Marie Pruvost-Delaspre es profesora adjunta en el Departamento de Cine de la Universidad París 8 Vincennes-Saint Denis. Sus investigaciones abarcan la historia de las técnicas y oficios del cine de animación en Japón y Francia. Ha coordinado varias obras colectivas, entre otras Archives et acteurs des cinémas d’animation en France (2014), L’Animation japonaise en France: réception, diffusion, réappropiations (2016) y Goldorak, l’aventure continue (2018).
Autor: Marie Pruvost-Delaspre. Editorial: ‎ DOLMEN EDICIONES. Páginas: 352

 

El peor equipo del mundo, primer tráiler para «Next Goal Wins» de Taika Waititi

Un año después  de su Thor: Love and Thunder Taika Waititi ya tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Next Goal Wins, comedia deportiva cuyo prime tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, basada en la historia real del entrenador holandés Thomas Rongen y su experiencia como seleccionador de American Samoa, cuyas vivencias fueron retratadas en un magnífico documental con el mismo título dirigido por Mike Brett y Steve Jamison en 2014, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 17 de noviembre, un mes después, el  27 de diciembre, lo hará en España.
Next Goal Wins nos cuenta la historia del entrenador holandés Thomas Rongen, artífice de realizar una tarea prácticamente imposible en el deporte: tomó las riendas del equipo de fútbol de la Samoa Americana y trató de hacer de un grupo de perdedores unos ganadores natos.
La película, con guion del propio Taika Waititi junto a Iain Morris, está protagonizada por Michael Fassbender, Elisabeth Moss, Rhys Darby, Rachel House, Will Arnett, Angus Sampson, Beulah Koale, Uli Latukefu, Oscar Kightley, Lehi Makisi Falepapalangi, Sisa Grey, David Fane, Don Nahaku, Chris Alosio, Kaimana, Semu Filipo, Frankie Adams, Andrea Elizabeth Sikkink, Hio Pelesasa y Ativalu Scanlan.

«SALA:B»: Y Nadiuska

  • Perversión(Francisco Lara Polop, 1974). Int.: Nadiuska,
    Carlos Estrada, Teresa Gimpera, Ricardo Tundidor.
    España. BDG. Color. 90’
    La muerte ronda a Mónica (Ramón Fernández, 1977). Int.:
    Nadiuska, Arturo Fernández, Jean Sorel, Karin Schubert.
    España. 35 mm. Color. 81
Nadiuska. Ahora como gusta a todos. Turbadora… Pro-vocativa… Insinuante… Explosiva… ¡Está como nunca!” Así se anunciaba en prensa Perversión, la película que convertía en protagonista a esta actriz alemana de sangre polaco-rusa que pronto ascendería a estrella del destape español. Había llegado a nuestro país hacía pocos años y enseguida conquistó a la prensa y al cine con su figura y su felina mirada. Como señala la escritora y guionista Valeria Vegas: “en aquella época de actrices emergentes todas eran guapas, pero Nadiuska era exótica. Fue algo más que una actriz, fue un fenómeno social. La gente acudía al cine sin importar la película, simplemente porque salía Nadiuska”. Paco Lara Polop dirige este melodrama con elementos de thriller y con un erotismo sofisticado y aún tímido, que saca todo el partido a la misteriosa presencia de la actriz, en el papel de secretaria de un importante editor especializado en novelas policíacas. Un reparto con nombres como Carlos Estrada o Teresa Gimpera suponían una garantía de calidad que se quería diferenciar del destape más populachero que ya empezaba a asomar en las comedias del landismo. También el guion del prolífico Juan José Alonso Millán se alineaba con ese erotismo qualité que se practicaba allende los Pirineos, llenando la trama de Perversión de referencias literarias morbosas y eruditas; además de una curiosa y poco habitual reflexión sobre la literatura pulp (y por extensión sobre el propio cine) que hoy llamaríamos metaficción.
Una de crímenes e intrigas empresariales es nuestra segunda propuesta con Nadiuska, a la que según Vegas no se le resistió nada: “Comedia, erotismo, suspense… Y con La muerte ronda a Mónica se lanzó al giallo versión española, provocando incluso infartos, según la prensa de la época”. A estas alturas, dos años después de la anterior película, Nadiuska ya compartía a la par crédito con Arturo Fernández, el alivio cómico del film, y su nombre iba por delante de artistas europeos como Jean Sorel. También el destape cogía carrerilla, por lo que los desnudos femeninos se prodigan cuando lo exige el guion y también cuando no. Sea como fuere, las secuencias donde coinciden musas como Nadiuska, Bárbara Rey o Karin Schubert son de las más memorables. Alonso Millán repite en el guion y dirige Ramón Fernández, que también trabajaría en múltiples ocasiones con esta actriz de tormentosa biografía, como recoge la serie El enigma de Nadiuska (ATRESplayer) dirigida por Valeria Vegas y de próximo estreno». (Álex Mendíbil)
Presentan la sesión Valeria Vegas, directora de El enigma de Nadiuska y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).

 

El fin del colonialismo, tráiler para «L’île rouge» de Robin Campillo

Seis años después de su laureada 120 battements par minute el realizador francés Robin Campillo vuelve a ponerse tras las cámaras con el drama de época L’île rouge, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, que sorprendentemente no estará presente en la inminente edición del festival de Cannes, se estrenará comercialmente en Francia el próximo el 31 de mayo.
En L’île rouge vemos como el joven Thomas vive bajo el colonialismo francés en Madagascar durante los últimos años 60 y los primeros 70.
La película, con guion a cargo del propio Robin Campillo junto a Gilles Marchand, Jean-Luc Raharimanana, está protagonizada por Nadia Tereszkiewicz, Quim Gutiérrez, Sophie Guillemin, François-Dominique Blin, Luna Carpiaux, David Serero, Hugues Delamarliere, Pham Cathy, Piberne Mathis, Rakotoarimalala Amely, Vauselle Charlie, Cosar-Accaoui Sacha y Ralaivita Mitia.

CineAsia y Filmin se unen para presentar el curso online Filmoteca CineAsia

¿Por qué Burning de Lee Chang-dong es una película repleta de detalles en la que el thriller es su eje principal? ¿Por qué la Nikkatsu, uno de los grandes estudios de cine de Japón despidió al director Seijun Suzuki tras producirle Branded to Kill, una de las películas que se convertirá en un film de culto? Hay películas que tienen el curioso poder de atraparte desde la primera escena. ¿Es una de ellas Un toque de violencia del realizador chino Jia Zhangke? ¿Cuál es el motivo por el que The Lunchbox es una película que conquistará el corazón de aquel que la vea? ¿Sabéis que el director iraní Jafar Panahi tiene un hijo que también es director de cine…? Analizaremos su primera película Hit the Road.

Estas y muchas otras preguntas forman parte del nuevo curso online que os propone CineAsia. Hablar de cine asiático es apasionante. Y de eso va este curso. La fórmula es muy sencilla. Hemos seleccionado 5 películas para poder reflexionar en profundidad sobre su fondo y su forma a lo largo de cinco sesiones. Es un formato participativo, en el que el alumno podrá compartir opiniones, realizar preguntas, ver junto al grupo alguna escena en concreto de la película y analizarla.

Ficha técnica:

Duración: del miércoles 17 de mayo al 14 de junio

Horas: 10 horas

Sesiones: (1 sesión a la semana) 2 horas de duración los martes de las 19h a las 21h

Modalidad: online (a través de la plataforma Zoom)

Precio: Todas las sesiones 60 € / Una sola sesión: 18 €

Sorteo entre los inscritos: Entre todas las alumnas/os inscritas/os se sortearán 5 códigos para disfrutar de la plataforma Filmin.

Entradas gratuitas para la Filmoteca: Los alumnos/as inscritos/as dispondrán de entradas gratuitas para el ciclo de cuatro películas del realizador iraní Jafar Panahi que tendrán lugar durante el mes de mayo de 2023, entre las que se encuentra su último film, No Bears.

Certificado del curso: Todos los alumnos que superen el 60% de las clases y que lo soliciten recibirán un certificado final del curso expedido por CineAsia.

Inscripción al curso

Presentación de las diferentes sesiones:

  1. Miércoles 17 de mayo 2023 de 19.00 h a 21.00

Presentación del curso. Corea del sur. Burning (Lee Chang-dong, 2018). En Corea, los jóvenes están teniendo dificultades. Incapaces de identificar un objeto al que dirigir su ira, se sienten impotentes. Estas son las motivaciones que llevaron a Lee Chang-dong a dirigir Burning. A contarnos la historia de Jongsu, uno de los protagonistas de la película -su padre está siendo juzgado, su madre le ha abandonado, no tiene ningún trabajo a la vista- vive esta situación de impotencia en un mundo que se está volviendo cada vez más sofisticado, un lugar perfectamente funcional en la superficie, pero que no tiene cabida para un joven como él.

  • Miércoles 24 de mayo de 2023 de 19.00 h a 21.00  

Japón. Branded to Kill (Seijun Suzuki, 1994). La película de yakuzas que llevó a uno de los grandes estudios a despedir a su director al decir que ‘no entendían nada de lo que sucedía en el film. Un asesino del crimen organizado es contratado para llevar a cabo una misión. Es conocido como el Número 3, y pronto se verá envuelto en una especie de conspiración en la que están metidos una extraña y fascinante mujer, y más asesinos. La caza comienza, y enseguida sabremos quién es el Número 1 de la Organización, todo un ejemplo a seguir, y sobre el que algunos incluso aseguran que no existe, que es un invento para meter miedo.

  • Miércoles 31 de mayo de 2023 de 19.00 h a 21.00

China. Un toque de violencia (Jia Zhangke, 2013). El director chino de la Sexta Generación se sirvió de casos reales de violencia aparecidos en la red social Weibo para denunciar la que considera que es la auténtica causa de estos estallidos de violencia que están aconteciendo en su país: la relación esquizofrénica entre un gobierno comunista autoritario y una economía capitalista neoliberal. Esta relación hace que la sociedad cambie a una mayor velocidad que sus individuos, que se ven arrojados a situaciones en las que la violencia aparece como su única solución.

  • Miércoles 7 de junio de 2023 de 19.00 h a 21.00

India. The Lunchbox (Ritesh Batra, 2013). Ila, una ama de casa de clase media absorta en un matrimonio aburrido intenta recuperar el interés de su marido con una receta especial cuando su fiambrera acaba entregada por error al pobre oficinista Sajan, un hombre solitario al borde de la jubilación. Intrigada por la falta de reacción de su marido, Ila pone una pequeña nota en el envío del día siguiente… y de nuevo es Sajan quien lo recibe y, a su vez, contesta a esa nota. Una delicada película opera prima del realizador indio Ritesh Batra que se proyectó en la Semana Internacional de la Crítica de Cannes.

  • Martes 14 de junio de 19.00 h a 21.00

Irán. Hit the Road (Panah Panahi, 2021). La asombrosa ópera prima Panah Panahi, hijo de la leyenda del cine iraní Jafar Panahi. Siguiendo los pasos de su padre, Panahi firma una road movie que bien podría ser una «Pequeña Miss Sunshine» por las carreteras de Irán. Un viaje mágico que nos sorprenderá a nosotros tanto como a sus protagonistas. En definitiva, toda una joya que ya ha sido premiada en festivales como Cineuropa, Seminci o Mar de Plata.

 

 

El western según Pedro Almodóvar, tráiler de «Extraña forma de vida»

Primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del esperado nuevo trabajo tras las cámaras de Pedro Almodóvar titulado Extraña forma de vida, cortometraje de treinta minutos de duración que se estrenará comercialmente en nuestra país de la manos de BTEAM Pictures el próximo 26 de mayo previo paso por el Festival de Cannes en donde tendrá lugar su premier mundial.
En Extraña forma de vida vemos como un hombre cruza a caballo el desierto que le separa de Bitter Creek. Viene a visitar al Sheriff Jake. Veinticinco años antes, ambos -el sheriff y Silva, el ranchero que cabalga a su encuentro- trabajaron juntos como pistoleros a sueldo. Silva viene con el pretexto de reencontrarse con su amigo de juventud, y en efecto celebran su encuentro, pero a la mañana siguiente el sheriff Jake le dice que la razón de su viaje no es el recuerdo de su vieja amistad.
El cortometraje rodado en el desierto de Tabernas, en Almería, con guion a cargo del propio Pedro Almodóvar y música a compuesta por Alberto Iglesias, está protagonizada por Ethan Hawke, Pedro Pascal, Jason Fernández, José Condessa, George Steane, Manu Ríos, Pedro Casablanc, Sara Sálamo y Erenice Lohan.

Basado en hechos reales, tráiler de «Reality»

Acaba de ver la luz un primer teaser tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de Reality, película, que supone el debut tras las cámaras de la realizadora Tina Satter, basada en una historia real y que a su vez  es una adaptación de la obra de teatro de la propia Satter titulada Is This A Room, pieza que se centra en la acusación e interrogatorio a que fue sometida Reality Winner por filtrar información clasificada. La película, tras su premier mundial en la pasada edición de la Berlinale, llegará a las pantallas de HBO Max el próximo 29 de mayo.
En Reality vemos como una antigua especialista de inteligencia estadounidense recibe la sentencia más larga por la divulgación no autorizada de información del gobierno a los medios sobre la interferencia rusa en las elecciones estadounidenses de 2016 a través de una operación de correo electrónico.
La película, con guion a cargo de la propia Tina Satter junto a James Paul Dallas, está protagonizada por Sydney Sweeney, Josh Hamilton, Marchánt Davis, Benny Elledge y John Way.

Grábalo todo. Historia del found footage

En 1998 se estrenó El proyecto de la Bruja de Blair y el cine de terror ya no volvió a ser lo mismo. A partir de entonces, toda una serie de nuevos talentos utilizaron el found footage para abrirse camino en la industria: Matt Reeves a través de Monstruoso u Oren Peli con la saga Paranormal Activity dieron sus primeros pasos en el género para convertirse en directores de éxito.
Grábalo todo: Historia del found footage , de Andrés R. Paredes, repasa cuáles fueron los orígenes de este estilo (el mondo, el cine de caníbales, las falsas snuff movies) y analiza tanto películas y franquicias que ya han pasado a la historia como otras más desconocidas por el gran público, además de identificar los nuevos talentos que han surgido en los últimos años y que mantienen vivo el subgénero.
Incluye entrevistas a Nacho Vigalondo, Sarah Appleton, Rodrigo Cortés y Koldo Serra.
Autor: Andrés R. Paredes. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 280

Tráiler para lo nuevo de André Téchiné «Les âmes soeurs»

Aprovechando su reciente estreno comercial en Francia nos detenemos brevemente en el último trabajo tras las cámaras del veterano André Téchiné Les âmes soeurs, película cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El responsable de Les roseaux sauvages, que este mismo año también presentará Dans le viseur interpretada por Isabelle Huppert, explora en Les âmes soeurs una relación bastante especial entre dos hermanos afectados por una amnesia emocional.
Les âmes soeurs nos cuenta como David, teniente de las fuerzas francesas en Malí, resulta gravemente herido en una explosión. Repatriado, sufre amnesia y comienza una larga convalecencia bajo el atento cuidado de su hermana Jeanne. En la casa familiar de los Pirineos, entre montañas y lagos, Jeanne intenta rememorar el pasado, pero David no parece estar por la labor de reconciliarse con quien una vez fue.
La película, con guion a cargo del propio André Téchiné junto a Cedric Anger, está protagonizada por Noémie Merlant, Benjamin Voisin, Audrey Dana, André Marcon, Sya Rachedi, Alexis Loret, Mama Prassinos, Jean Fornerod, Mirindra Ramaroson y Stéphane Bak.

Filmoteca Española celebra el Día del Libro con presentaciones, coloquios y una programación especial de películas

Los encuentros con autores y presentaciones de libros tendrán lugar los días 21 y 23 de abril por la tarde en el Palacio de Perales, sede central de Filmoteca Española, y en el cine Doré.
Filmoteca Española se suma a las celebraciones del Día Internacional del Libro durante los días 21 y 23 de abril, y propone la presentación de diferentes libros sobre cine publicados recientemente, algunas proyecciones asociadas a dichas publicaciones, encuentros con autores y conferencias.
21 de abril. Palacio de Perales. Sala de proyecciones del Palacio de Perales en la calle Magdalena, 10.
El día 21 de abril a las 18:00 h. en la sala de proyecciones del Palacio de Perales, en la sede central de Filmoteca Española, en la calle Magdalena, 10 (Palacio de Perales) tendrá lugar la conferencia “Doble traición. Las adaptaciones cinematográficas de Macbeth” por Asier Aranzubia, Profesor titular en el Departamento de Comunicación de la Universidad Carlos III de Madrid. En esta charla se analizan tres adaptaciones de Macbeth que llevan la firma de Orson Welles, Akira Kurosawa y Roman Polansky. El encuentro, cuya entrada es libre hasta completar aforo, forma parte del evento “La noche de los libros”Enlace externo, se abre en ventana nueva de la Comunidad de Madrid.
23 de abril. Presentaciones de libros en el vestíbulo del cine Doré. Entrada libre.
El domingo 23 de abril, con motivo de la celebración del Día del Libro, el Doré acogerá una serie de presentaciones y proyecciones especiales que sirven para destacar el importante y continuo flujo de ideas entre el cine y la literatura, ya sea en forma de adaptaciones o en el terreno del ensayo.
17:00 H – VESTÍBULO DEL DORÉ
Presentación de la nueva edición del libro Directores españoles malditos (Huerga y Fierro, 2022) a cargo del autor, Augusto M. Torres.
18:15 H – VESTÍBULO DEL DORÉ
Presentación del libro Basilio Martín Patino (Cátedra, 2023) a cargo del autor, Javier Tolentino.
19:30 H – VESTÍBULO DEL DORÉ
Presentación del libro Muy de la casa. Los actores de mi vida (João Bénard da Costa, Athenaica, 2023) a cargo de la autora del prólogo, Rita Azevedo Gomes y el editor, Alfonso Crespo.
23 de abril. Proyecciones en el cine Doré
Para acompañar las presentaciones de libros, Filmoteca Española ha diseñado un programa con las siguientes proyecciones:
18:00 H – SALA 1
Amor de Dios (Augusto M. Torres, 2023) + El gato montés (Rosario Pi, 1936) – Presentación a cargo de Augusto M. Torres.
19:30 H – SALA 2
El grito del sur. Casas Viejas (Basilio Martín Patino, 1997) – Presentación a cargo de Javier Tolentino.
21:00 H – SALA 1
Adaptation (El ladrón de orquídeas) (Spike Jonze, 2002).

Tráiler oficial para «La desconocida» de Pablo Maqueda

Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del segundo largometraje de Pablo Maqueda (Dear Werner. Walking on cinema, 2020) titulado La desconocida. La película estrenada en la Sección Oficial del Festival de Málaga se podrá ver próximamente en el BCN Film Fest. Basada en la exitosa obra de teatro Grooming, del Premio Nacional Paco Bezerra, la película cuenta con guion del propio Maqueda, Haizea G. Viana y Paco Bezerra y llegará a los cines de nuestro país el próximo 9 de junio de la mano de Filmax.
En La desconocida vemos como Carolina es una joven ingenua que conoce a Leo en un chat. Él es un hombre adulto que haciéndose pasar por un chico de 16 años ha quedado con ella en un apartado parque de la ciudad. Pero a medida que Leo conoce a Carolina, empieza a sospechar que quizá ella no es tan inocente como aparenta.
Protagonizada por Laia Manzanares (El reino), Manolo Solo (ganador del Goya al mejor actor de reparto por Tarde para la ira) y Eva Llorach (ganadora del Goya a la mejor actriz revelación por Quién te cantará), y cuenta con la colaboración especial de Blanca Parés (Julieta). Rodada entre Madrid y Albacete, el proyecto fue premiado en el Mercado Audiovisual de Cine Independiente Abycine Lanza del festival de cine Abycine 2019.
La desconocida es una producción de Fórmula Cine A.I.E. y Sideral en coproducción con La fragua audiovisual con la participación de Ministerio de Cultura/ICAA, Comunidad de Madrid,  Ayuntamiento de Madrid, Junta de Castilla la Mancha, con la financiación de Telemadrid, Castilla la Mancha Media y con el patrocinio de Castilla la mancha impulsa, ganadora de Abycine Lanza. Filmax se encarga de la distribución nacional y las ventas internacionales.

Tráiler y póster para «Insidious: The Red Door»

Acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Insidious: The Red Door, quinta entrega de la exitosa franquicia de terror creada por James Wan en 2010. La película, que se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 21 de julio, supone el debut como realizador de Patrick Wilson.
En Insidious: The Red Door vemos como para enterrar sus demonios de una vez por todas, Josh y un ya universitario Dalton, deberán profundizar en El Mas Allá más que nunca, enfrentándose al oscuro pasado familiar y a un huésped de nuevos horrores terroríficos que acechan tras la puerta roja.
La película, con guion a cargo de Scott Teems, está protagonizada por Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Lin Shaye, Sinclair Daniel, Peter Dager, Hiam Abbass, AJ Dyer, Victorya Danylko-Petrovskaya y Andrew Astor.

Proyecciones Xcèntric: Inteligencia sensorial. Cuando las cineastas tomaron la optical printer

Place Mattes (Barbara Hammer, 1987)

La optical printer (impresora o copiadora óptica), un dispositivo consistente en uno o varios proyectores mecánicamente enlazados a una cámara para copiar película o crear efectos especiales, estuvo históricamente vinculada con el cine industrial. En el cine experimental, una serie de mujeres cineastas se apropiaron de esta herramienta tradicionalmente masculina para explorar su relación con el cuerpo, la imaginación y la memoria. Esta sesión incluye una charla introductoria sobre el uso y la historia de la optical printer en el cine experimental a cargo de la investigadora Julia Cortegana.
Inventada en Hollywood en los años 20 y desarrollada en los 30, la optical printer fue utilizada por las unidades fotográficas estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, así como en proyectos educativos o en la restauración fotoquímica. La película a copiar se controlaba con el proyector y la película copiada con la cámara. Mientras que en la industria quedarían sustituidas más adelante por las herramientas de composición digital, el cine experimental exploró distintas posibilidades creativas manipulándolas y reflexionando sobre la materialidad fílmica. En las películas de esta sesión la optical printer se emplea para realizar fundidos, encadenados, superposiciones, repeticiones, aceleraciones, ralentíes, detenciones, reencuadres, recortes o reescalados. Por su parte, algunas cineastas de diferentes generaciones orientaron estos recursos hacia las relaciones personales y políticas, pictóricas y táctiles, sensuales y oníricas con el dispositivo, como se aprecia claramente en el programa que presentamos.
En Loose Corner, Anita Thacher trabaja con las proporciones irreales de personas y objetos mediante encajonamientos y trampantojos. La percepción temporal se asocia con el juego y la infancia, cuestión también presente en Sea Travels, una meditación sobre la visión, los sueños y la memoria deformada. En Wind/Water/Wings, Barbara Klutinis establece una analogía entre la fragilidad del entorno interior y exterior: su incerteza frente a la menopausia y su inquietud ante la naturaleza amenazada. Si la sensibilidad táctil conduce al éxtasis en el trabajo de Barbara Hammer, en Place Mattes, fabricada con máscaras itinerantes del torso, las piernas o las manos de la cineasta, la naturaleza se ha vuelto intocable debido al aplanamiento de la figura y el fondo. Sharon Couzin dedicó Roseblood a la bailarina Carolyn Chave Kaplan. Realizada en un principio en 8 mm, aísla elementos y aplica una infinidad de técnicas propias del collage y la animación. También plantea una equivalencia entre una serie de motivos disonantes (flores, sangre, conchas, el sol, cristales, árboles) y la mitología cultural sobre la sexualidad femenina, así como las formas y los movimientos circulares, evocando todo ello los ciclos vitales y las estaciones. En Introspection, la primera película de danza abstracta de la historia, Sara Kathryn Arledge también utiliza el baile como expresión de un mundo interior tridimensional, etéreo y onírico. Empleando geles de colores o realizando exposiciones múltiples, es la cineasta –y no la bailarina– la que crea los ritmos musicales al unir los gestos y las formas con ayuda de la optical printer. Finalmente, en Grain Graphics las ondas visuales replican el sonido de un gamelán. Dana Plays usa las ampliaciones y las multiplicaciones de la imagen para magnificar los gestos. Al mismo tiempo, decenas de pequeños fotogramas refilmados se agolpan en la pantalla, como en un figurado zoom out.
Loose Corner, Anita Thacher, 1986, 16 mm, 12’; Sea Travels, Anita Thacher, 1978, 16 mm, 11’; Wind/Water/Wings, Barbara Klutinis, 1995, 16 mm, 22’; Place Mattes, Barbara Hammer, 1987, 16 mm, 9’; Roseblood, Sharon Couzin, 1974, 16 mm, 8’; Introspection, Sara Kathryn Arledge, 1941, 16 mm, 7’; Grain Graphics, Dana Plays, 1978, 16 mm, 6’
Proyección en 16 mm. Copias de Loose Corner, Sea Travels, Wind/Water/Wings y Place Mattes procedentes de Light Cone. Copias de Roseblood, Introspection y Grain Graphics procedentes de Canyon Cinema.
Fecha: 27 abril 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

«Megalomaniac» review

Martha y Félix son hijos del Carnicero de Mons, un famoso asesino en serie belga de los años 90. Mientras Martha vive una vida complicada, su hermano, influenciado por el legado familiar, sigue con los asesinatos de su padre. Acosada y agredida en el trabajo, Martha cae en la locura y se adentra en el aterrador mundo de Félix.
Curiosa cuanto menos la mirada hacia conceptos pretéritos del fantástico contemporáneo del que hace acopio la cinta belga Megalomaniac de Karim Ouelhaj, relato malsano que parte de la premisa argumental de fantasear con la identidad de un asesino en serie real de los años 90, el conocido como descuartizador de Mons, criminal que nunca pudo llegar a ser localizado. Film de escenografía barroca que tiene la virtud de alejarse de nuevas vías líquidas del fantástico actual al intentar recuperar una serie de nociones hoy algo lejanas, una de ellas podría ser perfectamente esa estética oscura de tono sádico que vio la luz a inicios del 2000, que hoy puede ser considerada como retro, derivativas de aquella corriente proveniente del extremismo francés, el torture porn y películas europeas como, por ejemplo, Angst (Gerald Kargl 1983) o Antikörper (Christian Alvart 2005).
A través de una narrativa percibida como elíptica, Megalomaniac, situada a medio camino entre el realismo y la más pura fantasmagoría, puede ser interpretada a modo de relato visceral, en donde se puede llegar a intuir como el cuerpo de la mujer es el objetivo final de un depredador percibido en el relato de forma dual, mostrado tanto a nivel social, en su vertiente misógina, como sociópata. Sin embargo, a diferencia de gran parte de sus predecesoras, el film del belga Karim Ouelhaj, cuya filmografía parece dar la impresión de oscilar en lo concerniente a la violencia contra las mujeres, como se puede comprobar en sus anteriores Parábola (2005), Le repas du singe (2013) o Une Réalité Par Seconde (2015), no logra llegar a ser transgresora, tampoco logra ser provocativa, pues parece estar más preocupada en mostrar e indagar a través de una determinada estética que en intentar articular algún tipo de narrativa que al menos sea percibida como sólida. Sin embargo y como mal menor con relación a sus propósitos y posicionamiento respecto a las carencias del fantástico de hoy, a Megalomaniac le viene como anillo al dedo aquel dicho que dice que más vale malo conocido que bueno por conocer.

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Visiones del abismo. Pensar el cine desde Eugenio Trías

El libro Visiones del abismo. Pensar el cine desde Eugenio Trías nos propone el ejercicio audiovisual e intelectual de reflejar, advertir, ensayar y recorrer las ideas más cruciales de la filosofía de Eugenio Trías en las imágenes de cineastas como Ingmar Bergman, Andrei Tarkovski, Ridley Scott, David Lynch, Federico Fellini, Chris Marker, Wong Kar-Wai, Fritz Lang, Pawel Pawlikowski o, por supuesto, en films tan queridos por el propio Eugenio Trías, como Vértigo o Psicosis.
El filósofo Eugenio Trías nunca ocultó su pasión por el cine, que se tradujo en varios libros, bien con reflexiones generales sobre el cine de todos los tiempos, o bien con análisis monográficos de películas por las que sentía pasión, como Vértigo, de uno de sus cineastas favoritos, Alfred Hitchcock. Sea por esta o por otra razón, lo cierto es que hay en sus ideas y en su filosofía una tendencia natural a conectar con las imágenes del cine, con las mil y una formas del abismo, en los que acertaba a encontrar «los límites del mundo».
Armados con los pertrechos filosóficos del universo de Eugenio Trías, tales como la dialéctica de Lo bello y lo siniestro, los tres cercos del mundo, la condición fronteriza del ser, la música y la arquitectura como las artes fronterizas, la fenomenología del límite, el misterio del símbolo y su sentido en fuga hacia el cerco hermético, su concepción sobre la música, ¡y mucho más!, un elenco de autores, pensadores y analistas recorren imágenes de cine con las que pensar y ensanchar el pensamiento de Trías, y ponerlo en funcionamiento en uno de sus artes favoritos: el cine.
Contenidos
David Trías
El vértigo del cine
Vanessa Brasil
El Abismo en el corazón de la pesadilla. Encuentros entre Trías y Vértigo, de Hitchcock
Alberto Ruiz de Samaniego
Alien. La ordalía y su sombra
Aarón Rodríguez Serrano
En presencia del límite: música y muerte en Ingmar Bergman
Zacarías Marco
Lo inaccesible acontece… en tres fotogramas
Luis Martín Arias
Lo bello y lo sagrado en Psycho
Lorenzo J. Torres Hortelano
Elogio de la máscara en el cine. Un acercamiento desde la filosofía de Eugenio Trías
Alberto Sucasas
Trías y Tarkovski: afinidades entre un filósofo y un cineasta
Basilio Casanova Varela
El canto del cisne. Sacrificio de Andrei Tarkovsky
Félix Recio
El límite y la sombra
Eugenio Trías
Cerrar los ojos
Autor: Vanessa Brasil Campos RodríguezBasilio Casanova VarelaZacarías MarcoLuis Martín AriasFélix RecioAarón Rodríguez SerranoAlberto Ruiz de SamaniegoAlberto SucasasLorenzo J. Torres HortelanoDavid TríasEugenio Trías, Editorial: SOLARIS, Textos de cine, Colección ESPEJOS. Páginas: 220

Un juego siniestro, tráiler para «Sanctuary» de Zachary Wigon

Nueve años después de su debut en el largometraje con la notable The Heart Machine (2014) el norteamericano Zachary Wigon tiene listo su segundo trabajo tras las cámaras titulado Sanctuary, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Thriller con pinceladas de humor negro protagonizado por solo dos personajes en un solo escenario que puede recordar en algo el Piercing de Nicolas Pesce, ambas protagonizadas por Christopher Abbott. La película, aún sin fecha de estreno en España, verá la luz comercialmente en Estados Unidos próximo el 19 de mayo.
En Sanctuary vemos como una mujer llamada Rebecca y su cliente Hal, se enzarzan en un peligroso juego de rol por el poder y el control. Tras heredar la cadena hotelera de su padre, Hal intenta poner fin a su larga y secreta relación con Rebecca, una especie de dominatrix que lo ha preparado para el éxito. Pero en el transcurso de una intensa noche, se produce una batalla de voluntades en la que ambos lucharán por mantener su ventaja mientras la dinámica de poder oscila salvajemente por ambos lados.
La película, con guion a cargo de Micah Bloomberg, está protagonizada por Margaret Qualley y Christopher Abbott.

El origen vampírico, tráiler para «The Last Voyage of the Demeter de André Øvredal»

Uno de los mejores artesanos que ha dado el fantástico en estos últimos años es sin duda el noruego André Øvredal, tras trabajos tan competentes como Troll Hunter (2010), The Autopsy of Jane Doe (2016) o Scary Stories to Tell in the Dark (2019), nos llega la ambiciosa The Last Voyage of the Demeter, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
The Last Voyage of the Demeter, que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 11 de agosto, está basado en un solo capítulo, el Captain’s Log, de la clásica novela Drácula de 1897 de Bram Stoker, la historia se desarrolla a bordo de la goleta rusa Demeter, que fue fletada para transportar carga privada (veinticuatro cajas de madera sin marcar) desde Carpatia a Londres. La historia detallará los extraños eventos que acontecieron a la tripulación condenada mientras intentan sobrevivir al viaje por el océano, acechados cada noche por una aterradora presencia a bordo del barco. Cuando finalmente llegó cerca del puerto de Whitby, estaba totalmente en ruinas. No había rastro de la tripulación.
La película, con guion adaptado a cargo de Bragi F. Schut y Zak Olkewicz, está protagonizada por Corey Hawkins, David Dastmalchian, Liam Cunningham, Aisling Franciosi, Jon Jon Briones, Javier Botet, Stefan Kapicic, Woody Norman, Nikolai Nikolaeff, Chris Walley, Nicolo Pasetti, Martin Furulund, Sally Reeve, Christopher York, Adam Shaw y Graham Turner.

Alberto Rodríguez y el modelo de trabajo cooperativo de Moriarti cierran ‘Diálogos de Cineastas’

El autor de ‘La isla mínima’ conversará este jueves con el guionista Rafael Cobos, mientras que la cita con Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga será el 26 de mayo.

La sesión de Belén Funes y Marçal Cebrián se aplaza al próximo año.

La segunda temporada de Diálogos de cineastas, organizada por Koldo Mitxelena Kulturunea, Z365, el festival de todo el año del Festival de San Sebastián, y Elías Querejeta Zine Eskola, se cerrará en abril y mayo con las sesiones protagonizadas por Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, y los tres cineastas de Moriarti Produkzioak: Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga.
Una de las alianzas más largas y fructíferas del cine español reciente protagonizará la jornada del jueves, día 13: la del director Alberto Rodríguez y el guionista Rafael Cobos, que han colaborado en películas como 7 vírgenes / 7 Virgins (2005), Grupo 7 / Unit 7 (2012), La isla mínima / Marshland (2014), El hombre de las mil caras / Smoke and Mirrors (2016) o Modelo 77 / Prison 77 (2022), que inauguró el pasado Festival de San Sebastián.

Para cerrar la segunda edición, los cineastas vascos Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, explicarán el 26 de mayo su modelo de trabajo cooperativo en Balenciaga, su primera serie para una plataforma, tras su experiencia en títulos como Loreak / Flowers (2014), Handia (2017) y La trinchera infinita / The Endless Trench (2019), todos estrenados en la Sección Oficial del Festival.

La conversación prevista para el 4 de mayo con la directora Belén Funes, que estrenó su ópera prima La hija de un ladrón / A Thief’s Daughter (Goya a la mejor dirección novel) en la Sección Oficial de San Sebastián, y el guionista Marçal Cebrián, ha quedado aplazada a la próxima temporada porque se encuentran inmersos en la preparación de su segundo largometraje.
Las dos sesiones se desarrollarán en Areto Nagusia de Koldo Mitxelena Kulturunea (19:00 horas, entrada libre hasta completar aforo) y se emitirán en abierto por la página web kmk.gipuzkoakultura.eus.
El curso, además de descentralizar la mirada única de una o un cineasta, tiene como objetivo dar a conocer los oficios más tradicionales que conforman el desarrollo de un proyecto y, en consecuencia, aprender a ver y leer cine de forma crítica, en un contexto cuyas circunstancias lo están haciendo mutar en todas las direcciones posibles. En esta segunda temporada, han participado cineastas como Estibaliz Urresola, Irati Gorostidi, Maider Fernández Iriarte, Albert Serra, Mikel Gurrea, Fernando Franco, Pilar Palomero, Alauda Ruiz de Azua y Carlota Pereda.

Una puerta al más allá, primer tráiler para «Talk to Me»

Después de las buenas críticas recibidas tras su paso por Sundance y SXSW acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut en el largometraje de los australianos Danny Philippou y Michael Philippou, conocidos en su faceta de YouTube con el sobrenombre de RackaRacka, de la cinta de terror sobrenatural Talk to Me. La película, que vendrá a nuestro país de la mano de Diamond Films, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 28 de julio.
En Talk to Me vemos como una solitaria adolescente llamada Mia se engancha a la emoción de conjurar espíritus a través de una mano de cerámica, pero cuando se enfrenta a un alma que dice ser su madre muerta, desata una plaga de fuerzas sobrenaturales teniendo que decidir en quién puede confiar, en los vivos o en los muertos.
La película, con guion a cuatro manos entre Michael H. Beck, Danny Philippou, Bill Hinzman y Daley Pearson, está protagonizada por Sophie Wilde, Alexandra Jensen, Joe Bird, Otis Dhanji, Miranda Otto, Zoe Terakes, Chris Alosio, Marcus Johnson, Alexandria Steffensen, Ari McCarthy, Cass Cumerford, Jett Gazley, Hamish Phillips, Sarah Brokensha, Jodie Dry, Robin Northover y Kit Erhart-Bruce.

El Ministerio de Cultura y Deporte recibe la donación del archivo de José Luis Cuerda

Comprende 31 cajas, tres bultos y una carpeta que contienen documentación personal y familiar, obra de creación, documentación laboral, correspondencia, objetos personales, documentación gráfica, libros, revistas y materiales especiales, recortes de prensa, obra de creación ajena y colecciones
Entre las piezas más destacadas se encuentran su Premio Goya por ‘Los Girasoles ciegos’, guiones de películas en las que participó como productor como ‘Los otros’ de Amenábar o un proyecto de colaboración con Miguel Delibes para adaptar ‘El hereje’
Filmoteca Española se encargará de la conservación, catalogación y digitalización de los fondos
El Ministerio de Cultura y Deporte ha recibido la donación del archivo de José Luis Cuerda por parte de las herederas del cineasta, sus hijas Elena e Irene Cuerda Barcáiztegui. La donación comprende 31 cajas, tres bultos y una carpeta que contienen documentación personal y familiar, obra de creación, documentación laboral, correspondencia, objetos personales, documentación gráfica, libros, revistas y materiales especiales, recortes de prensa, obra de creación ajena y colecciones. Filmoteca Española se encargará de la conservación, catalogación y digitalización de los fondos.
El archivo incluye, entre otros, los guiones de sus películas como ‘La lengua de las mariposas’, ‘La educación de las hadas’, ‘Los girasoles ciegos’ o ‘Tiempo después’. También cuenta con gran número de guiones y tratamientos inéditos de proyectos que nunca llegaron a realizarse, como por ejemplo, una colaboración con el escritor Miguel Delibes para llevar a la gran pantalla su novela ‘El hereje’; o el proyecto manuscrito de adaptación de la obra ‘Cinco horas con Mario’ de Miguel Delibes para una serie de cinco episodios para TVE, con dibujos realizados por el propio director.
Entre los objetos personales, destacan los 68 premios, entre los que se encuentra el Premio Goya a Mejor Guion Adaptado por la película ‘Los girasoles ciegos’ en el año 2009, único Premio Goya que se custodia en la Filmoteca Española.
El archivo también recoge algunos guiones de otros directores y creadores cinematográficos que colaboraron con José Luis Cuerda, relacionados con su faceta como productor, como son, entre otros, los guiones de ‘Abre los ojos’, ‘Ágora’ y ‘Los otros’ de Alejandro Amenábar; o el guion de ‘Mar Adentro’ de Amenábar y Mateo Gil.
Además de la documentación producida durante el ejercicio de su actividad profesional como director, guionista y productor de cine, conserva documentación privada y relativa a su faceta como bodeguero, lo que aumenta su valor al aportar una información más contextualizada.
El conjunto de la obra cinematográfica de José Luis Cuerda le ha otorgado un puesto relevante en la historia del cine español y ofrece un panorama extraordinariamente rico en argumentos y géneros que evocan su particular visión del mundo, con una mirada crítica a las desigualdades sociales. Su cine se caracteriza por un estilo naturalista, en donde la cámara retrata los hechos sin formar parte, sin iluminaciones artificiosas ni elementos distorsionantes. Esta forma de trabajar se refleja en sus notas y borradores.
Incremento de colecciones
El Archivo de José Luis Cuerda pasará a enriquecer los fondos de Filmoteca Española que, desde 2018, han incrementado sus colecciones con incorporaciones, tanto por adquisición como por donación, de especial relevancia, como los de Luis García Berlanga, Basilio Martín Patino, Félix Murcia, Cruz Delgado o Iván Zulueta.

 

Un vínculo entre la vida y la muerte, tráiler para «Nos Cérémonies» de Simon Rieth

Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut tras las cámaras del realizador francés Simon Rieth Nos Cérémonies. Tras su premier mundial en el pasado festival de Cannes dentro de la Semana de la crítica y pasar por Sitges la película, que se vale de una metáfora fantástica a la hora de mostrar un doloroso vínculo familiar sanguíneo situado en la adolescencia, se estrenará comercialmente en Francia el próximo 3 de mayo.
En Nos Cérémonies vemos como los hermanos Tony y Noé pasan los largos y sofocantes días de verano jugando al azar y a la muerte… hasta el accidente que cambiará sus vidas para el resto de sus vidas. Diez años después, ahora adultos y de regreso en Royan, se cruzan con Cassandra, su amor de la infancia. Pero incluso después de todo este tiempo, los hermanos siguen ocultando un terrible secreto…
La película, con guion a cargo del propio Simon Rieth junto a Léa Riche, está protagonizada por Raymond Baur, Simon Baur, Maïra Villena, Jade Freschard, Ymane Désert y Lilas Martin.

Zoom a Lazaga

La primera monografía sobre Pedro Lazaga, uno de los más prolíficos cineastas españoles, cuya obra ha quedado paradójicamente opacada por el éxito popular de sus comedias de los sesenta
Zoom a Lazaga de Santiago Aguilar, es un volumen monográfico editado de forma conjunta por La biblioteca de La Abadía & Vial of Delicatessens. Se trata del primer estudio biográfico y filmográfico sobre Pedro Lazaga (1918-1979), cuyo centenario en 2018 pasó completamente desapercibido pese a tratarse de uno de los cineastas más prolíficos y exitosos del cine español durante la segunda mitad del pasado siglo. Nos hicimos entonces el firme propósito de analizar su obra de un modo desprejuiciado, detallando las causas que le llevaron a pasar de la militancia vanguardista y cinéfila de sus primeros acercamientos al cine al estajanovismo en connivencia con dos de los productores-guionistas con más olfato para la taquilla: José Luis Dibildos y Pedro Masó. Aunque éramos conscientes de que había tocado todos los palos genéricos —del thriller al musical, de la parodia al drama de tesis—, salvo un puñado de títulos recuperados a caballo de la nostalgia y la sociología —La ciudad no es para mí, Los tramposos, El turismo es un gran invento o Sor Citroen—, su obra carecía hasta hoy de un estudio pormenorizado. Las películas de Lazaga constituyen una obra de urgencia, apegada a la realidad más inmediata y los anhelos de evasión del espectador de su tiempo. Ningún otro director español ha tratado con tanta tenacidad y consistencia los afanes cotidianos del ciudadano medio que constituye la base sociológica de su público. También la frustración inherente a los obstáculos que impiden alcanzar lo deseado.
Gracias al archivo familiar y a la consulta en archivos militares, este volumen ofrece además un relato completo de las vicisitudes bélicas por las que pasó antes de poder dedicarse sin reservas a su gran pasión: el cine. La investigación ha estado en manos de Santiago Aguilar, con el rigor y la amenidad que le caracterizan, y cuenta con un prólogo del también cineasta Pedro Lazaga Busto, hijo de nuestro protagonista.
La gran mayoría del casi centenar de películas que dirigió fueron sonados éxitos comerciales y algunas, además, obtuvieron recompensas oficiales.
Autor: Santiago Aguilar. Editorial: VIAL BOOKS. Páginas: 318

Misticismo y liberación, tráiler para «Foudre» de Carmen Jaquier

Fue una de las películas más destacadas de la sección New Directors del pasado festival de San Sebastián, tras su colaboración en la colectiva Heimatland (2015), Foudre, cuyo primer tráiler acaba ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en solitario de la realizadora suiza Carmen Jaquier, cinta que nos plantea cómo algunos tabúes del pasado siguen estando de alguna manera vigentes hoy en día con respecto a pasiones emocionales y sexuales que no pueden expresarse de forma libre, pues en un principio van contra la norma dictada.
Foudre nos sitúa en el verano de 1900 en Suiza. La repentina muerte de su hermana mayor obliga a Elisabeth a regresar a casa. Asfixiada por las estrictas normas del pueblo, Elisabeth, cuando se reencuentre con sus tres amigos de la infancia, ahora hombres adultos, se verá poco a poco forzada a rebelarse por su derecho a vivir su vida.
La película, con guion a cargo de la propia Carmen Jaquier, está protagonizada por Sabine Timoteo, Lilith Grasmug, Mermoz Melchior, Barbara Tobola, Marco Calamandrei, Noah Watzlawick, Lou Iff, Diana Gervalla, François Revaclier y Benjamin Python.

El antes y después del ‘Fumando espero’, ciclo en FlixOlé a Sara Montiel

La plataforma estrenará el próximo miércoles, 5 de abril, una colección sobre Sara Montiel que recorre su carrera cinematográfica. 
a vida de Sara Montiel bien daría para película. La natural de Campo de Criptana fue la primera estrella española en Hollywood; tumbada en un ‘chaise long’ protagonizó el gran éxito de taquilla, El último cuplé; se adelantó al movimiento feminista en la década de los 60 y su popularidad superó cualquier barrera generacional. El próximo 8 de abril se cumple una década del fallecimiento de esta diva a la que FlixOlé dedica un homenaje que permite acercar al espectador las emblemáticas escenas que legó.
A través de una colección compuesta por más de una decena de películas, disponible a partir del miércoles 5 de abril, la plataforma recorre las distintas etapas cinematográficas de ‘Saritísima’. El especial incluye sus primeras apariciones como secundaria, los personajes que contribuyeron a engrandecer su fama y los últimos trabajos en los que intervino en la gran pantalla.
Ya desde su infancia quiso ser artista. Un sueño que se convirtió en realidad al participar en el rodaje de títulos presentes en la colección de FlixOlé como Don quijote de la Mancha (Rafael Gil, 1947), Locura de amor (Juan de Orduña, 1948) y El capitán veneno (Luis Marquina, 1950). Sin embargo, los papeles en estos filmes se le hicieron pequeños. Sintiendo que su talento se estaba desaprovechando, decidió cruzar el Atlántico para darse a conocer. Los numerosos largometrajes que encabezó como actriz en el cine mexicano le abrieron las puertas en Hollywood y, compartiendo escena con Gary Cooper y Burt Lancaster, la manchega conquistó al público internacional.

Sara Montiel, en uno de sus primeros papeles: ‘Locura de amor’

El último cuplé, y los éxitos que siguieron
Su periplo por la meca del cine hizo que el nombre de Sara Montiel se escuchase por todo el mundo. Pero aún le quedaba triunfar en su país natal. Dicho reconocimiento llegó con El último cuplé (Juan de Orduña, 1957), un melodrama donde la artista representó el ascenso y caída de una cupletista mediante un repertorio musical con temas tan sonados como ‘Fumando espero’ y ‘El Relicario’. La película rompió todos los récords de taquilla y permaneció en cartelera durante casi un año. Asimismo, significó la consagración de la actriz en la industria española y descubrió al gran público su faceta como cantante.
A El último cuplé le siguieron numerosos proyectos durante las décadas de los 50 y 60. Las dotes interpretativas de Montiel, su carismática personalidad y sex appeal la llevaron a protagonizar otras populares producciones españolas. Entre éstas se encuentran películas realizadas a mayor gloria de la voz y presencia de la manchega como La violetera (Luis César Amadori, 1958),  La reina del Chantecler (Rafael Gil, 1962), La dama de Beirut (Ladislao Vadja, 1965) y La mujer perdida (Tulio Demicheli, 1966).

La actriz Sara Montiel en otro de sus grandes éxitos: ‘La violetera’

El último cuplé, y los éxitos que siguieron
Directores como Mario Camus y Juan A. Bardem también decidieron introducir el registro de Montiel en sus musicales: Esa mujer (1969) y Varietés (1971). Y así hasta llegar a la última cinta que rodó la artista, esta vez bajo las órdenes de Pedro Lazaga: Cinco almohadas para una noche (1974).

 

Tráiler para lo nuevo de Nanni Moretti «Il sol dell’avvenire»

Dos años después de Tre Piani acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras cámaras del realizador italiano Nanni Moretti titulado Il sol dell’avvenire. Película que tiene previsto su estreno comercial en Italia para el próximo 20 de abril y que muy probablemente esté presente semanas después en el festival de Cannes.
Rodada en Cinecittà, Il sol dell’avvenire nos sitúa en la Roma de los años 50 en el mundo del circo y la industria del cine.
La película, con guion a cargo del propio Nanni Moretti junto a Francesca Marciano, Federica Pontremoli y Valia Santella, está protagonizada por Mathieu Amalric, Margherita Buy, Nanni Moretti, Silvio Orlando, Barbora Bobulova, Jerzy Stuhr, Benjamin Stender, Elena Lietti, Blu Yoshimi, Francesco Rossini, Flavio Furno, Beniamino Marcone, Rosario Lisma, Francesco Brandi, Laura Nardi y Enrico Cerretti.

https://youtu.be/sjneg5vIroY