Top Ten 2020, lista de la diez mejores películas del año

A pocos días de terminar este 2020 es hora de hacer un breve balance de lo más destacado visto en este curso cinematográfico por parte de un servidor, por encima de todo y de una forma evidente el ámbito relacionado con el cine no ha sido ajeno a las consecuencias derivadas por el Covid-19, producción, distribución o la cancelación de certámenes cinematográficos, solo unos pocos pudieron ofrecer una edición presencial, junto a otros estamentos del sector se vieron drásticamente alterados a consecuencia de la pandemia, incidencia especialmente hiriente con respecto a las salas de cine, posiblemente en lo relacionado a la exhibición era algo que se venía gestando ya desde lejos pero lo cierto es que el impacto de esta excepcionalidad en donde muchas salas han tenido que bajar las persianas ha obligado de alguna manera a lo que podríamos denominar como el comienzo de la extinción de las salas de cine entendidas como tal en lo concerniente a una reconfiguración a nivel de industria y unos hábitos por parte del espectador claramente encaminado al consumo doméstico. Estas circunstancias hacen que la vida de los cines a partir de ahora sea ciertamente difusa en relación a percibir como en un futuro que parece más próximo que lejano todo este concepto estará más direccionado a excepcionalidades tales como las Filmotecas, salas tipo Phenomena o festivales de cine.

Predicciones poco halagüeñas aparte y ya en el apartado estrictamente cinematográfico señalar como curiosidad que en los dos primeros puestos encontramos a dos realizadoras estadounidenses como Kelly Reichardt y Chloé Zhao que con First Cow y Nomadland respectivamente han conseguido para bien un consenso bastante amplio y generalizado en referencia a reconocer y valorar en su justa medida unas trayectorias sustentadas hasta este momento a través de un valioso cine de claro índole independiente. Los autores plenamente consagrados han ocupado un lugar privilegiado con respecto a lo mejor de este atípico año como no podía ser de otra manera, a tal respecto el veterano Clint Eastwood con la estupenda Richard Jewell nos ofreció una apasionante reflexión acerca de ese concepto tan difuso de lo que parece y de lo que en realidad es, también autores irrenunciables a su estilo como Terrence Malick con su indagación sobre la figura de Franz Jägerstätter en A Hidden Life, Frederick Wiseman en base a su consabida mirada contemplativa, en esta ocasión en referencia a los engranajes del gobierno local de Boston expuestos en City Hall, o el portugués Pedro Costa con esa esplendido relato acerca de la misma realidad como experiencia que rompe con cualquier tipo de patrón adyacente al cine contemporáneo que es Vitalina Varela siguieron una estimulante hoja de ruta autoral ya percibida felizmente como inamovible.

El mejor cine Europeo, junto al agraciado regreso del mejor Thomas Vinterberg con Druk, vino curiosamente de la mano de dos brillantes reinterpretaciones de mitos y adaptaciones de novelas autobiográficas como fueron la fábula romántica de índole fantástico Undine del alemán Christian Petzold y el Martin Eden de Pietro Marcello. Mientras que Abel Ferrara volvía a forzar los límites de la autoexpiación con la enigmática y metafísica Siberia el autor asiático más interesante con diferencia del momento como es el japonés  Kiyoshi Kurosawa demostraba nuevamente su buena mano a la hora de traspasar cualquier tipo de barreras genéricas de una forma admirable con las notables To The Ends of the Earth y Wife of a Spy, por su parte Marielle Heller con A Beautiful Day in the Neighborhood nos ofreció el mejor y más matizado biopic de la temporada. Para finalizar dos joyas a resaltar en la época del streaming como es esa magnificencia del relato adrenalítico sobre la adicción que es el Uncut Gems de los hermanos Safdie y el nuevo y magnético cuestionamiento existencialista de Charlie Kaufman expuesto en I’m Thinking of Ending Things.

Para finalizar este esquemático repaso y como viene siendo habitual en estos últimos años a continuación y como mero valor indicativo a través de visionados no regidos únicamente a partir de estrenos comerciales en nuestro país, de ahí la ausencia de algunos films ya reseñados en la lista de 2019, unas preferencias que no dejan de ser personales y lógicamente subjetivas a través de una lista de las diez + cinco mejores películas vistas por un servidor durante este atípico en todos los sentidos año 2020, ya sea a través de estrenos en salas comerciales, visionados en festivales de cine o en plataformas de streaming.

 

1 First Cow

First Cow nos narra la historia de un cocinero contratado por un grupo de hombres que participan en una expedición de cazadores de pieles en el territorio de Oregón en la década de 1820.También la de un misterioso inmigrante de origen chino que huye, y de la creciente amistad existente entre ambos en un territorio hostil.

 

2 Nomadland

En Nomadland vemos como una mujer, después de perderlo todo durante la recesión, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano viviendo como una nómada en una caravana. Tras el colapso económico que afectó también a su ciudad en la zona rural de Nevada, Fern empaca su camioneta y se pone en camino para explorar una vida fuera de la sociedad convencional como nómada moderna.

 

3 A Hidden Life

Franz y Fani Jägerstätter son un feliz matrimonio que vive con sus tres hijas en su granja alpina en Sankt Radegund, Austria. Son campesinos, viven y trabajan rodeados de un impresionante paisaje montañés. Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial, los hombres comienzan a respaldar el nazismo, pero Franz no se deja arrastrar por la corriente mayoritaria. Se resiste a prestar juramento a Hitler y se convierte en el primer objetor de un mundo de ferviente nacionalismo y creciente ideología de odio. El amor incondicional de su esposa y su fe inquebrantable, se convertirán en sus principales aliados para afrontar las graves repercusiones que su decisión provocará.

 

4 Richard Jewell

Richard Jewell era un guardia de seguridad en los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996, el cual descubrió una mochila con explosivos en su interior y evitó un número mayor de víctimas al ayudar a evacuar el área poco antes de que se produjera el estallido. En un principio se le presentó como un héroe cuya intervención salvó vidas, pero posteriormente Jewell pasó a ser considerado el sospechoso número uno y fue investigado como presunto culpable.

 

5 Uncut Gems

Con las deudas amontonándose y los matones pisándole los talones, un deslenguado joyero de Nueva York lo arriesga todo con la esperanza de mantenerse a flote. Y vivo.

 

6 To the ends of the Earth

To the ends of the Earth nos cuenta como una joven reportera televisiva llamada Yoko experimentara la cultura de un país cuando viaja a Uzbekistán para filmar el último episodio de un programa de entretenimiento acerca de viajes.

 

7 City Hall

El Ayuntamiento de la ciudad de Boston toca todos los aspectos de nuestra vida. A veces no somos conscientes de lo importante que son la policía, los bomberos, la sanidad, las reuniones de veteranos, la ayuda a los mayores, los parques, las licencias para actividades profesionales, la información sobre natalidad y mortalidad, así como cientos de actividades en las que participan los habitantes de Boston. «City Hall» muestra cómo el Ayuntamiento de Boston ofrece esos servicios.

8 Siberia

En Siberia vemos como Clint es un hombre destrozado que quiere estar solo y que se ha retirado a vivir a una remota cabaña de montaña situada en una zona invernal donde espera encontrar serenidad. Pero incluso en su relativo aislamiento no parece encontrar la paz ni escapar de sus propios demonios. En una noche fatídica, para poder enfrentarse a sí mismo, se verá obligado a comenzar un viaje en un trineo de perros al mundo que una vez conoció. Será un viaje a través de los sueños, la memoria y la imaginación en un intento de encontrar su verdadera naturaleza.

 

9 A Beautiful Day in the Neighborhood

El periodista Lloyd Vogel recibe el encargo de la revista para la que escribe de indagar en la figura de Fred Rogers. La empatía, amabilidad y decencia de Fred desarman a Vogel y le obligan a examinar su propia vida.

 

10 Undine

Ondina es historiadora y da conferencias sobre el desarrollo urbano de Berlín. Pero cuando su amante la abandona, el antiguo mito se apodera de ella. Solo le queda matar al hombre que la ha traicionado y regresar a las aguas.

 

Bonus track

11 I’m Thinking of Ending Things

Un atajo imprevisto provoca que una mujer, en plena búsqueda de un modo de romper con su novio, tenga que reconsiderar toda su vida.

12 Wife of a Spy

Japón, 1940. La noche anterior al estallido de la Segunda Guerra Mundial, el comerciante local Yusaku Fukuhara siente que las cosas van en una dirección inquietante. Deja a su esposa Satoko en casa y viaja a Manchuria con su sobrino. Allí, Yusaku es testigo casual de un acto bárbaro y decide tomar medidas para revelarlo al mundo. Tras un malentendido inicial, su esposa, cuando descubre las verdaderas intenciones de su marido, hará lo impensable para garantizar su seguridad y su felicidad.

13 Vitalina Varela

Vitalina Varela es una mujer de 55 años procedente de Cabo Verde que llega a Lisboa tres días después de celebrar el funeral de su marido, que tiempo atrás emigró. Ha estado esperando este momento durante más de 25 años.

14 Dwelling in the Fuchun Mountains

Dwelling in the Fuchun Mountains narra la vida de una familia durante un año en la ciudad de Fuyang, al sudeste del país (lugar de nacimiento del cineasta), y se centra en los problemas de cuatro hermanos para hacerse cargo de su madre, que sufre demencia.

 

15 Martin Eden

La historia nos cuenta como Martin Eden es un chico de pueblo que se gana la vida trabajando como marinero. Un día, Martin consigue salvar la vida de Arthur Morse, un joven de clase alta que vive en San Francisco. Como agradecimiento, Arthur invita a Martin a su hogar y, poco a poco, le va introduciendo en su propio estilo de vida. El joven ve esto como una oportunidad para convertirse, finalmente, en escritor y trata de aprovechar al máximo el tiempo entre lujos. Martin recibirá un impulso inesperado cuando conozca a Ruth, una joven de la que se enamora al instante.

La Filmoteca de Catalunya ofrece en línea una retrospectiva del cineasta Pere Portabella

Tras el estreno del ciclo «Días Cortos«, dedicado al mundo del cortometraje y a cineastas que apenas empiezan en la dirección, la Filmoteca de Cataluña continúa ofreciendo en línea una programación de calidad y coherente con sus propósitos. En este caso una retrospectiva de uno de los cineastas más universales de nuestro país, Pere Portabella con más de 13 títulos repartidos en varias sesiones.

La trayectoria cinematográfica de Pere Portabella se ha desarrollado entre el arte y la política, siempre a contracorriente de las tendencias dominantes y de la ortodoxia narrativa. Sus filmes, a menudo realizados con la complicidad de otros artistas, incorporan la música, la pintura o la poesía como referentes de un universo personal que exige de la complicidad del espectador.

A menudo presente en la programación de la Filmoteca de Cataluña y activo preservador de su legado con la colaboración del Centro de Conservación y Restauración, el cineasta ahora es objeto de esta retrospectiva online provocada por el coronavirus. Mientras las salas permanezcan cerradas, su complicidad y de su productora (Films 59) permitirán visualizar su obra con una periodicidad de una sesión semanal, de lunes a domingo.

Cada lunes a las 20h, al nostre canal de Youtube, estará disponible una nueva sesión formada por uno o varios filmes de Pere Portabella.

https://youtu.be/ao8xGxdjTPs

Top Ten 2019, lista de la diez mejores películas del año

A pocos días de terminar este año 2019 es hora de hacer un breve balance de lo más destacado visto en este curso cinematográfico por parte de un servidor, a un nivel meramente global y como primer y muy destacado apunte a señalar poner un especial énfasis en el pleno asentamiento de Netflix como gigante del audiovisual ya asentada en el mercado casi a modo de una major cinematográfica, si a finales del pasado curso destacábamos productos de una  alta calidad lanzadas por la plataforma de streaming como por ejemplo Roma o The Ballad of Buster Scruggs este año las propuestas de este índole se han multiplicado siendo un bastión ineludible el The Irishman de Mastin Scorsese, trabajos que poniendo solo dos ejemplos más como pueden ser el Marriage Story de Noah Baumbach o la extraordinaria Uncut Gems de los hermanos Safdie ponen de manifiesto que en los próximos años la producción Netflix devendrá como capital a la hora de señalar lo que ha sido lo mejor del curso cinematográfico.

Un 2019 que ha tenido un inequívoco sabor a testamento por parte de grandes directores en donde se puede percibir el final de unas carreras expuestas a modo de obras compendios, The Irishman de Mastin Scorsese, Dolor y gloria de Pedro Almodóvar, El crack Cero de José Luis Garci, Il traditore de Marco Bellocchio, Once Upon a Time in… Hollywood de Quentin Tarantino o incluso el Tommaso del siempre inquieto Abel Ferrara han significado a la postre el mejor y más asentado cine visto este año al menos por parte de un servidor. En contrapartida jóvenes talentos que ya devienen como consagrados como Kantemir Balagov con su modélica Beanpole o  Diao Yinan con The Wild Goose Lake no hacen más que confirmar que estamos ante unas trayectorias autorales que nos pueden ofrecer bastante en un futuro no muy lejano al igual que autores de un claro índole independiente norteamericano como Rick Alverson o Robert Eggers responsables de las muy estimulantes The Mountain y The Lighthouse.

En el apartado de cine patrio y dejando de lado los trabajos arriba citados de Pedro Almodóvar y José Luis Garci destacar nuevamente como lo más interesante un tipo de cine autoral tan personal como arriesgado validado con propuestas como Lo que arde de Óliver Laxe o Liberté de Albert Serra, un cine situado bastante por encima de otro entendido como comercial pero del todo intrascendente y demasiado conformista que ha predominado en gran parte en el cine español de este año. También destacar del mismo modo la cada vez más normalizada presencia de directoras a la hora de señalar lo mejor del curso cinematográfico, las estilizadas en el buen sentido de la palabra A Portuguesa de Rita Azevedo Gomes y Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma dieron buena muestra de ello. Nombres consagrados como James Gray con su magnífica Ad Astra o la cinta que posiblemente haya tenido un mayor consenso critico este año como es el Parasite del coreano Bong Joon-ho demostraron el buen hacer de dos autores provistos de un imaginario fílmico que deviene como inabarcable, una síntesis autoral también valida para el incalificable Bruno Dumont con nuevamente un sorprendente trabajo tras las cámaras como es Jeanne. Dentro del fantástico destacar propuestas no comerciales que amplifican en sugerencias temáticas las miras del género con peliculas tan interesantes como Adoration de Fabrice Du Welz, Ghost Town Anthology del canadiense Denis Côté o la hipnótica Zombi Child de Bertrand Bonello. Para finalizar y al igual que paso hace un par de años con el Twin Peaks: The Return de David Lynch incluir en la lista la extraordinaria e híper-estilizada Too Old to Die Young de Nicolas Winding Refn que pese a ser una serie televisiva sus coordenadas autorales expuestas a modo casi de obra unitaria la acerca bastante más al concepto cinematográfico que al catódico.

Para finalizar y como viene siendo habitual en estos últimos años a continuación y como mero indicativo a través de visionados no regidos únicamente a partir de estrenos comerciales en nuestro país, de ahí la ausencia de films como High Life o Long Day’s Journey Into Night ya reseñados en la lista de 2018, unas preferencias que no dejan de ser personales y plenamente subjetivas a través de una lista de las diez + cinco mejores películas vistas por un servidor durante este 2019 ya sea a través de estrenos en salas comerciales, visionados en festivales de cine o streaming.

 

1. The Irishman

Frank Sheeran fue un veterano de la Segunda Guerra Mundial, estafador y sicario que trabajó con algunas de las figuras más destacadas del siglo XX. ‘El irlandés’ es la crónica de uno de los grandes misterios sin resolver del país: la desaparición del legendario sindicalista Jimmy Hoffa. Un gran viaje por los turbios entresijos del crimen organizado; sus mecanismos internos, sus rivalidades y su conexión con la política. Adaptación del libro «I Heard You Paint Houses», de Charles Brandt, a cargo del guionista Steven Zaillian (La lista de Schindler, American Gangster).

 

2. Dolor y gloria

Narra una serie de reencuentros en la vida de Salvador Mallo, un director de cine en su ocaso. Algunos de ellos físicos, y otros recordados, como su infancia en los años 60, cuando emigró con sus padres a Paterna, un pueblo de Valencia, en busca de prosperidad, así como el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine, y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando. «Dolor y Gloria» habla de la creación, de la dificultad de separarla de la propia vida y de las pasiones que le dan sentido y esperanza. En la recuperación de su pasado, Salvador encuentra la necesidad urgente de volver a escribir.

 

3. Beanpole

Leningrado, 1945. La Segunda Guerra Mundial ha devastado la ciudad y derruido sus edificios, dejando a sus ciudadanos en la miseria tanto a nivel físico como psíquico. El asedio (uno de los peores de la Historia) ha terminado, la vida y la muerte continúan combatiendo en el desastre que la guerra deja tras de sí. Dos mujeres jóvenes, Iya y Masha, tratan de encontrar un sentido a sus vidas para reunir fuerzas de cara a reconstruir la ciudad.

 

4. Ad Astra

El astronauta Roy McBride (Brad Pitt) viaja a los límites exteriores del sistema solar para encontrar a su padre perdido y desentrañar un misterio que amenaza la supervivencia de nuestro planeta. Su viaje desvelará secretos que desafían la naturaleza de la existencia humana y nuestro lugar en el cosmos.

 

5. Adoration

Adoration nos presenta a Paul, un joven solitario que casualmente conoce a Gloria, una nueva paciente en la clínica psiquiátrica donde trabaja su madre. Enamorándose locamente de esta adolescente problemática y sola, Paul después de cometer un crimen huirá con ella, intentando escapar lejos del mundo adulto.

 

6. A Portuguesa

Al norte de Italia, los von Ketten disputan las fuerzas del Episcopado de Trento. Herr Ketten busca matrimonio en un país lejano, Portugal. Tras regresar a casa de su viaje de luna de miel, Ketten se va nuevamente a la guerra. Transcurren once años. Corren rumores sobre la presencia de esa “extranjera” en el castillo. Algunos dicen que es una hereje. Hasta que un día, el obispo de Trento termina muriendo y, con la firma de la paz, cae en el trasfondo de la vida de von Ketten. ¿Ganarán los portugueses, donde la muerte parece estar avanzando?

 

7. Too Old to Die Young

Una trágica noche, la vida de Martin Jones, un ayudante de sheriff del condado de Los Ángeles, salta por los aires y se ve obligado a entrar en un mundo clandestino y letal de soldados del cártel, asesinos yakuza y justicieros misteriosos. No tardará en verse inmerso en una odisea surrealista de asesinato, misticismo y venganza mientras le acechan sus antiguos pecados.

 

8. El crack Cero

Seis meses después del suicidio del afamado sastre Narciso Benavides, una misteriosa y atractiva mujer casada visita a Germán Areta, prestigioso ex policía de la Brigada Criminal y ahora detective privado, para que inicie una investigación exhaustiva sobre el “Caso Benavides”. La mujer está convencida de que el sastre, que era su amante, fue asesinado. Aunque su instinto le dice a Areta que la gente sólo mata por amor o por dinero, irá descubriendo que hay más motivos, y más de un sospechoso, para quitar de en medio al sastre… Precuela de «El crack» (1981), que narra de nuevo las investigaciones del detective Areta en los convulsos años de la Transición Española.

 

9. Tommaso

Tomasso nos narra las vivencias de un artista estadounidense (Willem Dafoe) que vive en la ciudad de Roma con su mujer Nikki (Cristina Chiriac) y con su hija de 3 años. La historia viene a ser una especie de confesión cinematográfica del propio Abel Ferrara en donde se plasman sus propias experiencias en referencia a su vida personal en un argumento que se centra en el proceso de ruptura sentimental con su esposa Christina.

https://youtu.be/7ShjwOCyqR4

 

10. The Mountain

En la América de 1950, un joven introvertido, tras perder a su madre, decide trabajar con un doctor especializado en terapias y lobotomías. Mientras avanza por el asilo, el joven empieza a sentirse identificado con los pacientes.

 

Bonus track

11. Portrait de la jeune fille en feu

Francia, 1770. Marianne, una pintora, recibe un encargo que consiste en realizar el retrato de bodas de Héloïse, una joven que acaba de dejar el convento y que tiene serias dudas respecto a su próximo matrimonio. Marianne tiene que retratarla sin su conocimiento, por lo que se dedica a investigarla a diario.

 

12. Parásitos

Tanto Gi Taek (Song Kang-ho) como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo (Choi Woo-sik), empieza a dar clases particulares en casa de Park (Lee Seon-gyun), las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles.

 

13. The Lighthouse

En una remota isla de la costa de Nueva Inglaterra, dos fareros atrapados y aislados debido a una tormenta aparentemente sin fin se enzarzan en una creciente escalada de enfrentamientos a medida que se fraguan tensiones entre ambos y unas misteriosas fuerzas, reales o imaginarias, parecen apoderarse de ellos.

 

14. Once Upon a Time in… Hollywood

Hollywood, años 60. La estrella de un western televisivo, Rick Dalton (DiCaprio), intenta amoldarse a los cambios del medio al mismo tiempo que su doble (Pitt). La vida de Dalton está ligada completamente a Hollywood, y es vecino de la joven y prometedora actriz y modelo Sharon Tate (Robbie) que acaba de casarse con el prestigioso director Roman Polanski.

 

15. The Wild Goose Lake

Zhou Zenong (Hu Ge) es un gángster que, recién salido de la cárcel, se convierte en fugitivo tras una reunión de bandas que acaba con la muerte de un policía. Tratando de esconderse mientras se recupera de sus heridas, Zhou se encuentra con Liu Aiai (Gwei Lun Mei), una prostituta que puede haber sido enviada para ayudarle, o bien para entregarlo al capitán de la policía (Liao Fan) a cambio de una cuantiosa suma. Perseguido por las bandas y por un dispositivo policial que parece abarcar toda la ciudad, Zhou deberá enfrentarse a los límites de lo que está dispuesto a sacrificar tanto por esta extraña como para la familia que dejó atrás.

Nicholas Ray y la política de la vida emocional

El director americano Nicholas Ray tuvo una vida muy poco convencional.” Así empieza Nicholas Ray y la política de la vida emocional de Robert B. Pippin. El hegelianismo de Pippin resulta, sin duda, tan controvertido en sus estudios estrictamente filosóficos como lo es en su aplicación a lo que podríamos llamar su filosofía cinemática. El autor distingue dos vertientes en la reflexión estética contemporánea. Según la primera, que habría tenido su origen en Hegel, el arte sería su propio tiempo comprendido en la experiencia estética. De acuerdo con la segunda, en la que se incluye el mismo Pippin, las películas, como obras de arte, serían dimensiones ontológicamente reveladoras de la presencia del ser o del mundo, de su ocultación o de su vínculo con el espectador. ¿Qué explicaría, entonces, lo que Pippin llama la “absorción cinemática”, la reacción o la experiencia inmediatas a un acontecimiento que ha sido fotografiado? Esa absorción tiene que ver con la imposibilidad de disociar en una obra de arte la atención a la forma de la atención al contenido. La imposibilidad de disociar la atención no afecta solo a la estética de la recepción; exige, sobre todo, la suposición de lo que Pippin ha llamado, para el mundo del cine, “la inteligencia detrás de la cámara”. Esa exigencia, y esa inteligencia, serían responsables de la altura a la que el cine puede llegar en el campo de lo mejor que el ser humano haya pensado. La inteligencia de Nicholas Ray lo llevó a poner en duda no solo las convenciones sociales, que dotarían de contenido a sus películas, sino también las propias convenciones cinematográficas —del western al melodrama— que debían representarlas. Ese cuestionamiento es afín a la intuición de Pippin de que el principio ilustrado de autonomía y la práctica de la libertad constituyen un ideal de civilización que apenas ha empezado a desarrollarse en la historia y que merece la pena defender. Las películas de Nicholas Ray caracterizan, como la propia filosofía cinemática de Pippin, un proyecto de modernidad inacabada.
Había teatro (Griffith), poesía (Murnau), pintura (Rossellini), baile (Eisenstein), música (Renoir). De ahora en adelante hay cine y el cine es Nicholas Ray” (Jean-Luc Godard).
El autor
Robert B. Pippin, titular de la cátedra Evelyn Stefansson Nef Distinguished Service de Pensamiento Social y Filosofía en la Universidad de Chicago. Ha ganado el Mellon Distinguished Achievement Award en el campo de las Humanidades y es miembro de la American Academy of Arts and Sciences, de la American Philosophy Society y de la German National Academy of Sciences Leopoldina. Sus trabajos versan principalmente sobre la tradición del Idealismo alemán, especialmente Kant y Hegel, la teoría de la modernidad y la filosofía política, además de ensayos sobre la pintura o la literatura. Su acercamiento al cine, que se basa en las reflexiones filosóficas de Hegel sobre el significado de las artes y se apoya en la obra pionera de Stanley Cavell, ha dado lugar a tres libros: Hollywood Westerns and American Myth. The Importance of John Ford and Howard Hawks for Political Philosophy (2010), Fatalism in American Film Noir. Some Cinematic Philosophy (2012) y The Philosophical Hitchcock: Vertigo and the Anxieties of Unknowledge (Hitchcock filósofo. Vértigo y las ansiedades del desconocimiento, 2018). Nicholas Ray y la política de la vida emocional se publica antes en español que en inglés y señala una evolución en su filosofía cinemática.
Autor; Robert B. Pippin, Editorial: Shangrila Colección Trayectos libros, Páginas: 96

Robert Rodriguez vs George Miller

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No cabe ninguna duda que el pasado año fue en cierta manera la reivindicación del veterano director australiano George Miller, un tardío reconocimiento que vino dado gracias a su excelente «Mad Max: Fury Road«, indagando un poco más en la figura del genial realizador convendría rescatar una entrevista realizada en pasado año dentro del programa televisivo El Rey’s «The Director’s Chair» a cargo de Robert Rodriguez (mucho mejor entrevistador que director dicho sea de paso), en ella George Miller nos habla largo y tendido de su carrera como director, escritor y productor repasando todos sus films, desde la saga Mad Max hasta películas como «The Witches of Eastwick«, «Lorenzo’s Oil«, «Babe: Pig in the City» o «Happy Feet«. Una charla de cerca una hora de duración que podéis ver dividida en cinco videos subtitulados al castellano gracias a Miravos blog.

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Tráiler de la esperada nueva película de Miguel Ángel Vivas «Extinction»

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Posiblemente junto a «Regression» de Alejandro Amenábar sea la película española más ambiciosa de este 2015, «Extinction» el film post-apocalíptico dirigido por Miguel Ángel Vivas que tan buenas sensaciones nos dejó con su opera prima «Secuestrados» estrena un primer y prometedor tráiler que podéis ver a final de página. La película conocida al principio con el título de «Welcome to Harmony» y con un generoso presupuesto de 4,5 millones de euros tendrá su estreno en España para el próximo 14 de agosto. El film es la adaptación al cine de la novela “Y pese a todo” de Juan De Dios Garduño, en la producción encontramos a otro nombre destacado en estos últimos años dentro del panorama de género español como es Jaume Collet-Serra.

«Extinction» nos cuenta como nueve años después de que una infección convirtiese a gran parte de la humanidad en criaturas salvajes y sin intelecto, Patrick, Jack y Lu, una niña de nueve años, sobreviven en aparente tranquilidad en Harmony, un rincón olvidado, cubierto por nieves perennes. Sin embargo, algo terrible ocurrió entre Patrick y Jack y un odio profundo pervive entre ellos. Cuando las criaturas vuelven a aparecer, Patrick y Jack deberán dejar atrás el rencor para proteger lo que más quieren.

La película está interpretada por Matthew Fox,  Jeffrey Donovan,  Ahna O’Reilly,  Quinn McColgan y Clara Lago.

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Nuevo tráiler de la esperada «Tomorrowland»

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Se ha dado a conocer por parte de Walt Disney Pictures un segundo tráiler y un nuevo poster, que podéis ver a final de página, de la esperadísima
 cinta futurista «Tomorrowland«film dirigido por el eficiente Brad Bird que también se ocupa de su guion junto al siempre polémico Damon Lindelof, después de «Piratas del Caribe» esta es la segunda película de Disney basado en uno de sus parques temáticos. La película llegará a los cines españoles el próximo 29 de mayo, una semana después de su estreno en Estados Unidos.

«Tomorrowland»  cuenta cómo unidos por el mismo destino, un adolescente inteligente y optimista lleno de curiosidad científica y un antiguo niño prodigio inventor hastiado por las desilusiones se embarcan en una peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio conocido en la memoria colectiva como «Tomorrowland«

La película está interpretada por George Clooney,  Hugh Laurie,  Britt Robertson,  Raffey Cassidy,  Judy Greer,  Kathryn Hahn,  Lochlyn Munro,  Chris Bauer,  Tim McGraw,  Paul McGillion y Raiden Integra.

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George.A.Romero: Sextologia zombie

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En los últimos años el fenómeno zombie desde cualquier tipo de vertiente cultural o social ha pasado a posicionarse en una primera fila mediática que nadie en su sano juicio años atrás hubiera previsto, pocas personas habrían imaginado que una serie de televisión de clara temática zombie arrasase en audiencias en horario prime time o que un  blockbusters veraniego con una gran estrella hollywodiense fuera un éxito en taquilla, comics..  novelas.. documentales..  manifestaciones sociales de carácter lúdico-festivo (las populares zombies Walk) y cómo no..   una multitud de películas que abordan el tema desde todos los ángulos posibles y que describen de manera clara tal boom. Por eso no está de más volver la vista atrás y repasar la trayectoria del hombre que dio inicio al mito del zombie moderno, George A Romero y analizar de forma escueta y a modo informativa su saga de films dedicada a los muertos vivientes, seis películas que a lo largo de cuarenta y cinco años que han sabido crear un discurso hábil e inusual mezclando la crítica social y el exploitation más desaforado y que le han llevado a una coherencia fílmica a prueba de toda duda.

 

Night of the Living Dead

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Las radiaciones procedentes de un satélite provocan un fenómeno terrorífico: los muertos salen de sus tumbas y atacan a los hombres para alimentarse. La acción comienza en un cementerio de Pennsylvania, donde Barbara, después de ser atacada por un muerto viviente, huye hacia una granja. Allí también se ha refugiado Ben. Ambos construirán barricadas para defenderse de una multitud de despiadados zombies que sólo pueden ser vencidos con un golpe en la cabeza.

La irrupción en las salas de cine de «Night of the Living Dead» supuso en cierta manera el pistoletazo de salida al denominado cine de terror moderno, por estilo, rodaje y modo de producción, lejos de entrar en las valía de las virtudes de la opera prima de Romero podríamos considerarla más una obra clave que una obra maestra en el desarrollo de dicho género  y que serviría en cierta manera como faro para futuros cineastas que veían en ella una forma de darse a conocer haciendo cine, Romero coge la figura del zombie que hasta aquel momento solo había aparecido en la gran pantalla como cuerpos alienados carentes de cualquier tipo de voluntad y normalmente utilizados como esclavos y le da la vuelta de manera trasgresora convirtiéndolos en seres cuyo único propósito es la necesidad primaria de alimentarse de la carne humana haciendo que el film se convierta en fundacional dentro del denominado horror visceral y que venía en cierta manera a sustituir a un tipo de cine más académico o gótico que por aquel entonces dominaba con relativa facilidad el panorama del cine de terror.

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Película simple en medios y en el plano conceptual con prácticamente un solo escenario en donde vemos a un grupo de personas atrapadas dentro de una casa con el único propósito de no ser devorados por los muertos vivientes, a partir de aquí vemos una serie de conflictos entre ellos que van desde la cobardía, liderazgo o simple dependencia, la crítica o metáfora social que en las posteriores películas de Romero se convertirían en una marca de la casa aquí prácticamente quedan en un segundo plano, muchos quisieron ver en la figura del protagonista de raza negra una parábola social de las tensiones raciales del momento, el propio Romero se ha encargado de desmentir en multitud de ocasiones esas supuestas referencias, alegando de manera simple que dicho actor fue escogido simplemente por ser el más adecuado para dicho papel, aunque sí que convendría subrayar a la destrucción del colectivo familiar como uno de los temas principales del film, la pareja de hermanos que vemos al principio llevar flores al cementerio a su madre y como más tarde uno de ellos ya convertido en zombie es el encargado de acabar con su propia hermana o el concepto de la familia que se devora desde dentro representado en la escena de la hija ya zombificada del matrimonio conservador y como esta acaba con su propia madre no siendo comida curiosamente sino asesinada con una herramienta de jardinería.

Uno de las bazas del film es el de la imagen en dieciséis milímetros ampliada al treinta y cinco estándar, adquiriendo así una tonalidad sucia y granulosa que contribuye notablemente a crear una atmósfera triste y mortuoria, adecuada para la película potenciando su tosco amateurismo formal.

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A la hora de buscar referencias que influenciaran al nacimiento de «Night of the Living Dead» el propio Romero indicaba a «Carnival of souls» de Herk Harvey como principal percutor, film este con el que guarda claras semejanzas ya no solo en lo conceptuales sino también formales, aunque un servidor se atrevería a señalar a la adaptación de I am Legend «The Last Man on Earth» de 1964 ( la mejor versión cinematográfica realizada de la novela en mi modesta opinión) dirigida por Ubaldo B. Ragona y con el gran Vincent Price a la cabeza como principal fuente inspiradora de este film que marcó un antes y un después en el devenir del género de terror.

 

Valoración 0/5:5

 

Dawn of the Dead

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La epidemia que hace resucitar a los muertos convertidos en seres ávidos de carne humana se ha extendido, llegando al punto en el que varias ciudades han quedado prácticamente desiertas. Los supervivientes deben refugiarse en zonas militares ya que los zombies no dudan en acabar con sus propios familiares…

Segunda entrega de la saga zombie al que se ve en cierta manera obligado a recurrir Romero después de la fría recepción de sus últimos films «Hungry Wives«, «The Crazies» y «Martin» esta última de manera algo injusta. Con Dario Argento financiando el proyecto George A Romero se enfrenta con «Dawn of the Dead» al trabajo más ambicioso hasta la fecha en su carrera como director, Argento se reservaría el montaje y la distribución en los países de habla no inglesa y cambiando la banda sonora original por la del grupo de rock «Goblin» dando lugar a dos versiones del film, la americana ( también estrenada en Inglaterra y Canadá) de 126 minutos de duración y la europea de 115 minutos, la diferencia entre ambas películas se nota básicamente en que la estrenada en Europa contiene más dosis de violencia y acción así como la supresión de varios toques humorísticos (algo absurdos dicho de paso) que si se podían ver en la versión estrenadas en los países de habla inglesa. La película fue un éxito absoluto en taquilla, costó en su día poco más de medio millón de dólares… y recaudó 55 millones de la época, ahí es nada.

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Si «Night of the Living Dead» creo escuela «Dawn of the Dead» también lo hizo aunque desde una perspectiva algo diferente, bastante menos claustrofóbica y aterradora que su predecesora, aquí se cargan las tintas dirigidas a la metáfora del consumismo más atroz, en el fondo «Dawn of the Dead» es una fantasía consumista con toques de comentario social y mezclada de manera sorprendente y en muy pocas ocasiones visto en el cine, con una trepidante película de acción dotada de una generosa dosis de gore cortesía del gran Tom Savini.

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El verdadero mensaje subliminal que podemos hallar en esta magnífica película sea posiblemente que el estilo de vida americano te convierte en un zombie, crítica mordaz e hilarante en donde los centros comerciales están habitados por legiones de zombies  ya desde antes del  supuesto apocalipsis, el miedo y la metáfora social viene de saber que esas criaturas que suben y bajan las escaleras eléctricas (sin necesidad alguna de cualquier tipo de movimiento) que se pasean en frente de las tiendas y que hasta pegan sus manos en los vidrios de los aparadores están más cerca de nuestros hogares de lo que podemos pensar, si a esto le sumamos un ritmo narrativo impecable de principio a fin, sabiendo alternar de manera inteligente y hábil la tensión, el suspense y el humor tenemos como resultado una pieza capital en el género.

El final de «Dawn of the Dead» no puede ser más premonitorio y pesimista, posiblemente el más gris de toda la saga, con esa huida de los dos protagonistas supervivientes hacia ninguna parte, despojados de ese paraíso ficticio que ellos mismos habían creado en base a ese consumismo que hace que perdamos y separemos o escondamos la realidad de vista, llegando a la conclusión de que ese consumismo puede aplacar el sufrimiento hasta un cierto punto, un retrato extraordinario de lo que es hoy en día uno de los grandes males de la sociedad moderna.

Valoración0/5:4’5

 

Day of the Dead

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Los zombies se han apoderado del planeta, y el número de humanos se reduce a uno por cada 400.000 muertos vivientes. Un pequeño grupo de personas, formado por científicos y militares, se refugian en una antigua instalación subterránea del gobierno. Allí intentan contactar sin éxito con otros grupos supervivientes. Mientras, los doctores investigan el origen del fenómeno, y de su posible cura; a la vez que intentan «domesticar» a un muerto viviente al que mantienen encadenado. A medida que pasa el tiempo, las tensiones entre los científicos y los soldados irán creciendo dentro del grupo.

«Day of the Dead» tercer film de la saga, fue posiblemente el que dejó un regusto más amargo a su director debido a los problemas que tuvo que afrontar a la hora de dirigirla y el pobre rendimiento económico que cosechó en las taquillas, aunque esto no quiera decir que estemos ante la película más floja de la saga.. todo lo contrario.. «Day of the Dead» ha sido una película que se ha visto merecidamente valorada con el paso del tiempo a través de crítica y fans de la serie.

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Al parecer el primer guión presentado por Romero al productor Salah M.Hassanein era tan brillante como ambicioso, éste trabajo a partir de una imagen que en teoría venía a ser la parte final del film, la de un último ser humano asediado por una horda gigantesca de muertos vivientes en la cima de una montaña, el problema vino cuando los productores vieron un guión demasiado explícito en lo referente al gore temiendo que no conseguirían la calificación R de la MPPA, ofreciéndole a Romero la posibilidad de rodar dicho guión por unos seis millones de dólares aproximadamente pero reduciendo las escenas gore para asegurarse dicha calificación o reducir el presupuesto a la mitad y estrenarla sin calificar, Romero optó por lo segundo, eliminando y simplificando elementos del original, el problema le vino al no poder adecuar el borrador inicial a dicho presupuesto por lo que tuvo que reescribir completamente el guión prácticamente sin tiempo material para hacerlo pues las fechas de rodajes ya estaban planificadas con antelación y el tiempo jugó en su contra.

La película se estrenó en el verano de 1985 obteniendo unos discretos resultados en taquilla viéndose curiosamente desbancada por otro film de temática zombie la simpática «The Return of the Living Dead» del gran Dan O’Bannon, por lo que respecta a la crítica esta le dio la espalda de manera considerable cargando las tintas sobre Romero al que se le acusa de crear un producto sin alma e incluso calificándola de repulsiva por la abundancia de gore que contiene el film.

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«Day of the Dead» se aleja de manera considerable de su predecesora «Dawn of the dead» en forma y contenido, hoy en día es considerada como el film más pesimista, oscuro y claustrofóbico de la saga incrementando los elementos de ciencia ficción en su estructura a través de los diálogos de sus protagonistas y donde Romero remarca de manera evidente la pérdida de fe en los valores norteamericanos (gobierno, ejército, religión etc) resaltando los peligros que conlleva el deja que el autoritarismo se afiance en el poder y  llevándonos  a la materialización del nihilismo en su concepto más amplio.

Pero si hay algo que pasado el tiempo sigue asombrando en «Day of the Dead» es el trabajo realizado por Tom Savini, Greg Nicotero y David Smith en lo referente a los efectos especiales gore y de maquillaje, tocando techo y nunca superado a día de hoy y auténtico paradigma en esencia del denominado Splatterpunk.

Valoración 0/5:4

 

Land of the Dead

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En el mundo actual, los muertos vivientes ocupan una tierra desértica mientras intentan llevar una vida «normal» a las afueras de una ciudad fortificada. En el interior, un puñado de oportunistas sin escrúpulos ha construido una nueva sociedad a la que contemplan desde la altura de un rascacielos. Abajo, en las calles, la gente intenta sobrevivir. Fuera, el ejército de los muertos se acerca. Dentro, reina la anarquía. La supervivencia de la ciudad depende de un grupo de mercenarios contratados para defender a los vivos.

Tendría que pasar cerca de veinte años para que Romero retomará la serie y en cierta manera darle un final a tal pues con «Land of the Dead» se cierra la tetralogía en base a una coherencia argumental, temporal y formal, tanto «Diary of the Dead» como «Survival of the Dead» se podrían catalogar como un reinicio de la saga bajo una textura y contexto bastante diferenciado con respecto a los cuatro film anteriores.

Unos tiempos en los que a Romero le cuesta sacar proyectos adelante (solo consigue filmar la curiosa «Bruiser» durante los últimos diez años) , curiosamente el éxito de films de temática zombie como «Resident Evil«,»28 days later» y en especial los buenos resultados en taquilla que obtiene la Universal con el remake de «Dawn of the Dead» hacen que Romero tenga la oportunidad de reiniciar la saga de la mano de una major por primera vez en su carrera.

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Aunque tuvo un buen funcionamiento en taquilla recuperando una cantidad estimable de lo invertido la Universal no dio una continuidad a una posible secuela del film como era la idea inicial de Romero, este tendría que volver al círculo de producciones independientes para poder continuar con sus películas de muertos vivientes, en lo referente a la crítica se produce un hecho curioso, en cierta manera es bien recibida por una crítica que tiempo atrás le dio la espalda, elogiando sus cualidades y tiene una acogida más bien fría por parte de sus seguidores e incondicional público algo que si miramos con algo de perspectiva es proporcionalmente inverso a sus tres primeras películas donde la crítica empezó a reconocer sus méritos mucho más tarde de lo que lo habían hecho los consabidos fans, por lo que a mí respecta no tengo ninguna duda en reconocer que «Land of the Dead» está a la altura de los tres films anteriores e incluso me atrevería a decir que es la película donde Romero hace más hincapié en su ácido discurso social.

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Al principio del film vemos como una clara declaración de intereses por parte de Romero el rótulo «Today», en ella vemos posiblemente y de forma más clara a lo largo de la serie como los muertos vivientes se erigen como esa segunda sociedad que reclama su espacio, en una escena de notorios tonos azules oscuros vemos como estos intentan aferrarse a lo que habían sido en vida, una orquesta  intenta tocar música.. una pareja de novios van cogidos de la mano o un empleado de una gasolinera intenta verter gasolina sobre la nada.. Romero individualiza a los zombies de modo metafórico respecto a las estructuras de clases en la América de hoy en día, el carnicero, el payaso, el músico, la cheerleader o el empleado de la gasolinera..  incluso se permite el lujo de poner a un líder al mando de este ejército de parias en esta revolución de clases «Big Daddy» . Este grupo expulsado de esa sociedad representado en la película por la clase alta que viven con todos los lujos a su disposición en los rascacielos y que ven con temor el miedo al otro y que pone en riesgo su estado de bienestar.

Una metáfora sobre la diferencia de clases que hoy en día está lamentablemente de rabiosa actualidad y donde la consabida frase que recorre la saga a lo largo de todas las películas que la componen adquiere una significancia vital «ellos somos nosotros».

Valoración 0/5:4

 

Diary of the Dead

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Un grupo de jóvenes estudiantes de cine ruedan una película en un bosque, donde descubren que la muerte ha cobrado vida. Montados en una camioneta, y sin dejar de filmar ni un minuto de lo que les ocurre, recorren las carreteras de Pensilvania con el objetivo de llegar a sus hogares, pero después de algunos intentos se dan cuenta de que para ellos ya no queda ningún hogar real.

Romero algo desilusionado con que la Universal no le diera una continuidad en forma de secuela a «Land of the Dead» y consciente de la pujanza  que se producía en ese preciso instante de la temática zombie en el cine no se lo piensa dos veces y se embarca en un nuevo proyecto aunque de un cariz bastante diferente al de su anterior film.

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«Diary of the dead» es en parte un nuevo comienzo a la saga y una vuelta al cine de bajo presupuesto a ese cine de guerrilla bastante cercano a «Night of the Living Dead» aunque carece de la sutileza del film citado pues el soporte discursivo que recorre toda la película está bastante acentuado..  quizás demasiado. Romero se muestra más sardónico y corrosivo que de costumbre, contada a modo de estética documental y utilizando el Found Footage como medio narrativo para contar de nuevo el despertar de la epidemia, esta vez en la época actual y desde la perspectiva de un grupo de jóvenes que preparan un improvisado documental acerca del fin del mundo, aprovechando estos la tesitura para filmar todo lo que puedan y poder subirlo a la red. ¿Los medios de comunicación nos llevan al desastre?.. ese podría ser el mensaje que utiliza Romero, la frialdad de la gente ante los desastres y la muerte, el voyeurismo del morbo y la muerte por Internet, la manipulación por parte de los medios, ¿qué debe considerarse como la verdad? aquí Romero sabe que la verdad ha pasado a ser el dictamen por parte de esos medios de comunicación masivos, que han encontrado en su supuesto rol de información el medio perfecto para controlar la sociedad al criterio de sus propios intereses, una de tantas maneras de explotación del sistema capitalista asfixiante en la actualidad.

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Una crítica al dialogo un tanto evidente, el de la cultura YouTube, que todo lo filma y lo documenta como si la vida no fuera real si no se registra todo con una cámara, móvil, etc, un mensaje que nos ofrece el bueno de Romero que ya no solo por su cercanía sino por lo manido de la propuesta resulta algo evidente en su formulario, pero que no empañan del todo el resultado final de esta «Diary of the dead» que se desvela como un pequeño homenaje a su propio cine que se esconde en el humor sarcástico de su propio filme autoparódico cargado de todo el nihilismo posible habido y por haber.

 

Valoración 0/5:3

 

Survival of the Dead

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Un grupo de habitantes de una remota isla situada en la costa de Norte América descubrirán cómo los muertos se levantarán de sus tumbas en busca de carne humana. La gente de la isla deberá tomar una decisión: acabar con ellos o mantenerlos «con vida» hasta que encuentren una cura.

El último episodio de la saga de los muertos vivientes es posiblemente el más fallido de la serie por varios motivos, «Survival of the Dead» da la impresión de ser un producto hecho a toda prisa algo que queda reflejado de manera evidente en su arritmia narrativa y una hibridación de géneros que no termina de funcionar del todo, aun así el film tiene elementos de sobras interesantes como para salvarlo de la quema, unos elementos que en cada visionado que se le presta a la película van aflorando poco a poco, una cualidad está presente en prácticamente toda la obra de George A Romero.

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El bajo coste que supuso “Diary of the Dead” hizo que el film ganara dinero de forma inmediata por lo cual los productores instaron a Romero a realizar otra película de zombies, este decidió seguir con la idea de realizar otra entrega basada en personajes secundarios de “Diary of the Dead” como si de un spin-off se tratara. La película no tuvo buenas críticas en su estreno, aun así no deja de ser curioso que la crítica digamos «seria»  empezó a tomar en serio el film prácticamente al momento de su estreno destacando sus escasas virtudes, una crítica que sistemáticamente le ha dado la espalda a Romero y que al final de la carrera de este parece haberse dado cuenta de su valía como autor, el ejemplo más claro de este tardío reconocimiento tiene como un claro botón de muestra la inclusión de «Survival of the Dead» en la sección oficial del festival de Venecia, algo que nunca había ocurrido de la trayectoria del director neoyorquino.

En esta ocasión, Romero transita las carreteras de western para relatarnos el enfrentamiento de dos clanes familiares que tienen el control de una isla, posiblemente estemos ante el film de toda la saga en que la habitual crítica y mensaje social quede más diluido no hay una referencia clara a ningún conflicto bélico o situación social, en algunas declaraciones  vertidas por Romero este explica que su intención era mostrar de alguna manera el odio ancestral que deriva de manera inevitable hacia el conflicto y que nubla desde sus orígenes a  los Estados Unidos, en este apartado es significativo la ubicación escogida por Romero a la hora de ambientar la película, situándonos el origen de este violencia en las raíces del cine del oeste.

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Uno de los principales defectos de «Survival of the Dead» es el lastre que supone el moverse en una falta de medios presupuestarios bastantes evidentes, si en “Diary of the Dead” estas carencias se disimulaban por el formato en que estaba rodado aquí queda reflejados claramente en su contra, también juega en contra del film la mezcla de géneros con que nos obsequia Romero y muy especialmente ese humor que no beneficia en nada al film, aquí Romero se permite el lujo de caricaturizar a sus muertos vivientes acercándolos al cartoon o el slapstick, un estilo paródico que le hace acercarse de manera involuntaria hacia un tono pulp que hace que esta última entrega pierda bastante con respecto a sus predecesoras.

De todas maneras sería injusto a acabar este pequeño repaso a la saga of the dead resaltando los puntos negativos de este último film, sería más apropiado fijándonos en esos pequeños detalles marca de la casa que hacen esta serie algo especial, en la película vemos como unos de los patriarcas (el más conservador, el empeñado en salvaguardar a los muertos) se obceca en mantener una sociedad de muertos vivientes donde estos fingen seguir haciendo lo que hacían en vida, en definitiva el mensaje aunque algo diluido está claro, al final vemos el reflejo de las raíces de esa América en donde valores como la patria, la familia o la religión se sustentan en una sociedad regida por cadáveres andantes.

 

Valoración 0/5:3

David Cronenberg vuelve a las historias turbadoras con su corto «The Nest»

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A la espera de poder ver su último film «Maps to the Stars» podemos deleitarnos para hacer la espera más llevadera con este corto filmado por David Cronenberg con motivo de la exposición sobre su obra que organiza el EYE Film Institute de Amsterdam. «The Nest» es un cortometraje de un solo plano secuencia de nueve minutos de duración que podéis ver a final de página. Interpretado por Evelyne Brochu asistimos a la angustiosa entrevista de una mujer que decide comparecer ante un doctor (el propio Cronenberg) para extirparse un pecho por motivos más bien inusuales dentro de un escenario (una especie de garaje clandestino) bastante perturbador.»The Nest» huye en apariencia de los últimos trabajos del director canadiense algo más convencionales y menos ambiguos que sus primeros trabajos.

El cortometraje estará disponible en YouTube hasta el 14 de septiembre.