Mes: abril 2015

Cynthia es una coleccionista de mariposas que mantiene una relación sadomasoquista con su criada, Evelyn. Una pasión sujeta a toda clase de particularidades, en la que los roles de ama y esclava no están tan claros como parece.

El británico Peter Strickland  ya dio buenas muestras  con sus  anteriores «Katalin Varga» y «Berberian Sound Studio» que su cine se apoya de una manera clara y rotunda respecto a múltiples referencias cinéfilas que asimila y diversifica para ofrecernos un universo tan arriesgado como inusual en el actual panorama cinematográfico de hoy en día, poblado de múltiples capas, matices y lecturas, ahora con «The Duke of Burgundy» no solo supera las expectativas creadas en sus anteriores trabajos sino que consigue acrecentar ese discurso como un mero ejercicio de estilo ejecutado de manera brillante, logrando afianzarse  como uno de los más interesantes y sofisticados autores del cine europeo contemporáneo.

En «The Duke of Burgundy» Peter Strickland  nos introduce en un universo completamente femenino ( sin ninguna aparición masculina en la película) para contarnos un exquisito melodrama en forma de un cuento de hadas, de estructura circular en su narración y compuesto en base a una hermosa puesta en escena de delicioso toque vintage que la emparentan por momentos en estética y contenido a films como «Belle de Jour«de Luis Buñuel o «The Servant» de Joseph Losey, y de igual manera a cierto cine realizado por Jess Franco, y en donde se nos explica una historia de amor erótico- lésbico mostrado como suntuoso cuento sexual que llega a bordear de una manera tímida el tono soft porn europeo tan habitual en los años setenta, una relación entre dos mujeres adineradas (soberbias actuaciones de Sidse Babett Knudsen y Chiara D’Anna, con un notable lenguaje gestual, especialmente la primera) amparándose parcialmente en la metáfora (larva y las mariposa) para contarnos un sugerente devenir acerca de dominios y sumisiones o inversión de roles y poderes, una relación de dominación/sumisión, no sadomasoquista como muchos señalan de manera errónea, que lejos de parecer clara como podemos creer en un principio sirve de entramado narrativo a la hora de contarnos el desarrollo de las relaciones de una pareja, utilizado como herramienta en una historia de amor entre dos mujeres que han llegado a un momento dentro de su relación en donde la cotidianeidad amenaza con aparecer, en el que las cosas ya no pueden sostenerse con la misma pasión o frescura que al principio y que recurren a esa fantasía sexual de raíz prohibida y oculta como sustento emocional de este complejo romance.

Peter Strickland  deja claramente definido ese sutil universo mostrado de una manera básicamente sensorial, todo ello contado de forma simbólica acerca la psicología y voluntad de sus dos protagonistas, transportándonos a un tiempo y espacio casi indefinidos,  en una puesta en escena en donde lo onírico y lo cotidiano se entrelazan (este es uno de los grandes méritos de director británico, una habilidad innata que ya se apreciaba de forma clara en su anteriores películas) todo esto acompañado de manera armoniosa con la extraordinaria banda sonora compuesta por Cat’s Eyes.

«The Duke of Burgundy» termina siendo una obra de un poderío hipnótico y visual apabullante en donde las texturas se mezclan de manera brillante dando lugar a una experiencia sensorial que logra traspasar la gran pantalla, consiguiendo que este melodrama tan amoroso y pasional como perturbador y por momentos algo surreal logre llevarnos al igual que las dos protagonistas del film a una especie de limbo emocional, en definitiva una autentica gozada fílmica para aquellos que sepan apreciar ese otro tipo de cine que comparte por ejemplo autores como Hélène Cattet, Bruno Forzani, un tipo de cine que choca violentamente con el espectador y en donde la sutileza no suele estar reñida con la estética.

Valoración 0/5:4

Es pleno verano, y dos hermanos gemelos esperan pacientemente a que su madre regrese a casa tras una operación de cirugía plástica. Esta llega con la cara completamente vendada y mostrándose fría, distante y obsesiva. El cambio en su personalidad hará que los niños se pregunten si la mujer es realmente su madre o se trata de una impostora.

Se podría hablar de una escuela de cine tan perturbador como enfermizo intrínsicamente austríaco, posiblemente no dada la corta lista de autores que llegarían a etiquetarse dentro de esta tendencia, irremediablemente el nombre de Michael Haneke sale de inmediato a la palestra, Ulrich Seidl (productor del film que nos ocupa y marido de una de sus directoras) es otro poco amante del mundo Disney, claramente pocos mimbres numéricos como para catalogarlo como una tendencia o corriente de cine, poca pero contundente y brillante pues hablamos de un estilo que nos remite hacia la expresión máxima del horror cotidiano partiendo desde la normalidad más absoluta, un tipo de cine desprovisto por completo empatía o misericordia hacia sus personajes o incluso hacia los propios espectadores, un cine de autor tan contundente como inteligente, «Goodnight Mommy» entra por méritos propios y de una manera clara en esta etiquetación.   

«Goodnight Mommy» como mencionábamos más arriba está producido por el cada vez más referencial Ulrich Seidl y dirigido por su mujer Veronika Franz junto a Severin Fiala, estamos ante un film de horror disfrazado de thriller psicológico de claro empaque minimalista (en la puesta en escena y sus personajes, la acción entera descansa en los hombros de solo tres actores) donde se nos cuenta la historia de un drama familiar desde la perspectiva de la violencia emocional de múltiples lecturas, mostrado de una forma sutil en su parte inicial, partiendo el relato desde una turbia sugerencia a través de un hecho anecdótico, pero de devenir completamente demoledor como resulta ser su aterrador tramo final, llegando a rozar incluso el torture-porn aunque sin llegar nunca a lo gratuito.

Múltiples lecturas de las que está plagado este notable film como indicaba más arriba, que van desde esos lazos de dependencia familiar ejecutados de forma errónea, lo que nos conduce de manera ineludible a una pérdida de control materno que nos remite a cuestionar dicha figura que aquí resulta clave en la destructuración familiar a la que asistimos, una figura materna (unas vendas que cubren su rostros y que homenajean de forma explícita  a «Los ojos sin rostro» de Georges Franju) como detonante hacia el trauma en la familia, en una historia la de «Goodnight Mommy» en la que la pérdida y su aceptación derivan en una desconfianza de consecuencias funestas, aquí es donde entra ese juego de espejos claramente contrapuestas de sus protagonistas desde dos ópticas completamente diferentes, llegando a estar expuestos de una manera brillante, aunque desde un principio nos decantemos hacia la racionalidad (la madre intentando demostrar su cuestionada identidad) esa ambivalencia planteada en la película hace que se nos llegue a confundir y nos introduzcamos en el traumático imaginario de los niños, todo ello mostrado en base a una factura técnica tan admirable como elegante, consiguiendo una puesta en escena seca y austera (extraordinaria fotografía a cargo de Martin Gschlacht compuesta de tonos oscuros y pálidos que saben dotar al film de una frialdad opresiva acorde con su ambientación asfixiante) y que da paso a una violencia en donde los impulsos más primarios del ser humanos salen a la luz independientemente de la edad del que las lleva a cabo.

«Goodnight Mommy» deviene como un notable ejercicio en forma de cuento de terror doméstico que se aleja de forma consiente de un tipo de terror al uso al que solemos estar acostumbrados, para adentrarnos en la parcela de un terror psicológico que se nutre de lo metafórico y lo explícito a partes iguales y que bien podría ser una perfecta versión malsana y angustiosa del «The Other» de Robert Mulligan, «Goodnight Mommy» se convierte por méritos propios en una joya del cine de género europeo muy a tener en cuenta
Valoración 0/5:4

En los decadentes suburbios de Detroit, Billy lucha por sacar adelante a sus dos hijos y no perder su casa. Cuando su tiempo se agota, Billy, acompañada de Cat, decide aceptar un nuevo trabajo que le ofrece Dave en un misterioso y extraño lugar en el que nada es lo que parece. Al mismo tiempo, su hijo Bones intenta sobrevivir, con la ayuda de Rat, al acoso del violento y peligroso Bully. En sus intentos de huir de los “monstruos” que les acechan, Billy y Bones se adentran en un mundo mágico e irreal que les llevará a lugares que nunca hubiesen imaginado.

Recuerdo hace un par de años una tensa rueda de prensa en el festival de Sitges a propósito del debut en la dirección de Brandon Cronenberg con su estimulante primer trabajo «Antiviral«, en dicho acto se le cuestionaba y en parte se le achacaba al director (al igual que unos meses antes ya ocurrió en el festival de Cannes) que su opera prima bebía en demasía de las influencias del cine y estética de su padre David, algo claramente evidente viendo la película, la anécdota en si viene dada hacia la cuanto menos curiosa legitimidad y aceptación que pueda tener con respecto a cierto sector de prensa el que un director novel pueda mostrar sin ningún tipo de tapujos de una manera acertada o no sus influencias o referentes a la hora de plasmar en imágenes su obra, independientemente de su verdadera valía, «Lost River«, debut en la dirección y el guión del actor Ryan Gosling tuvo una tesitura parecida a la que comento en el festival de Cannes durante su premier el pasado año, un certamen que en cierta manera marco al film en negativo, quizás de manera algo injusta.

«Lost River» está lejos de ser una obra sobresaliente, el desequilibrio narrativo del que hace gala es meridiano, pero tampoco es tan pésima como se ha ido comentando, Ryan Gosling nos obsequia con un simple cuento de hadas, una fábula de príncipes y princesas de un claro tono surrealista teñido sobre una continua ensoñación, con la metáfora de la caída del sueño americano como eje argumental, un producto que como muchas operas primas peca de primar más el envoltorio que el contenido, una brillantez visual donde sobresale el trabajo de Benoît Debie en base a una fotografía tan hipnótica como sugerente que sabe resaltar de manera adecuada el ambiente lúgubre y fantasmagórico de esa ciudad perdida en la que intentan sobrevivir nuestros protagonistas, una subsistencia en continua lucha dentro un entorno hostil, también destacar su omnipresente y ochentera banda sonora.

El film es un claro ejercicio de estilo que bebe de fuentes bastantes reconocibles, desde el universo cinematográfico de David Lynch, con multitud de referencias especialmente de «Blue Velvet«( el personaje de Dennis Hooper) y «Mulholland Drive» (Club Silencio), hasta el cine de Nicolas Winding Refn en donde Ryan Gosling da buena cuenta en la dirección, referentes estos que lejos de entorpecer o diluir el producto como muchos se empeñan en subrayar consigue resaltarlo y en parte salvarlo, otra cuestión es su endeble guion, que aunque se agradece que no recurra a lo críptico su narrativa claramente alegórica no consigue adecuarse a sus imágenes de una manera satisfactoria.

Una narrativa que hace que el debut de Ryan Gosling  pueda llegar a ser tan presuntuoso en algunos tramos como fascinante en diversas ocasiones de su metraje, plagado de imperfecciones en su discurso pero de sugerentes aciertos en lo visual, un autor con muchas ganas de contar algo, aunque esta claro que todavía necesita perfeccionar y desarrollar de manera adecuada su lenguaje, habrá que ver lo que el futuro depara a Ryan Gosling en su faceta de director.

Valoración 0/5:3

«En la ciudad iraní de Bad City puede pasar cualquier cosa. En medio de un abanico de personajes marginales, un vampiro vaga en busca de sangre. Al western vampírico se le suma un romance teñido de sangre. A Girl Walks Home Alone at Night combina géneros y estilos: invoca el western, la fascinación propia de Lynch, el terror y las novelas gráficas.

La visión del vampirismo desde una perspectiva no tradicional e incluso impregnada de cierto tono vanguardista es una tendencia algo recurrente y vista en estos últimos años, muy especialmente dentro del cine independiente norteamericano, a bote pronto me viene a la mente trabajos como «Nadja» de Michael Almereyda, «The Addiction» de Abel Ferrara o la extraordinaria «Only Lovers Left Alive» de Jim Jarmusch vista el pasado año, ahora nos llega «A Girl Walks Home Alone at Night» que tiene la peculiaridad aparte de estar rodada en blanco y negro de ser la opera prima de la joven directora y guionista estadounidense de origen iraní Ana Lily Amirpour, que aquí también se reserva el papel principal, un film hablado en persa pero de capital y rodaje norteamericano.

«A Girl Walks Home Alone at Night» viene a ser un exótico western vampírico de ligero tono postmoderno con claras referencias al cine de David Lynch (muy especialmente «Wild at Heart«) y que reparte por igual aciertos notorios provenientes de una libertad creativa incuestionable con déficits propios de una debutante, unos déficits que se manifiestan especialmente en las supuesta metáforas expuestas por Lily Amirpour (esa lectura soterrada sobre la libertad de la mujer en la sociedad árabe, o el amor que logra vencer finalmente a la oscura necesidad) está algo cogido con pinzas, bordeando en algunos momentos lo pretencioso, llegando a crear una cierta superficialidad en su discurso, unas metáforas mal desarrolladas que dificultan sobremanera su narración, aparte los largos silencios que pueblan la cinta y su carácter de tono onírico en muchas de sus secuencias pueden llegar a hacerla poco accesible para el espectador.

Todo esto no quiere decir que «A Girl Walks Home Alone at Night» sea una mala película, estamos ante un producto nada sencillo, no destinado a todo el público, algo irregular en su formulario y que rehúsa voluntariamente el encasillarse en los rígidos formatos del cine comercial y que posee al mismo tiempo una coherencia estética digna de resaltar, un diseño de producción notable donde destaca especialmente la excepcional fotografía obra de Lyle Vincent, una visualización esta que la emparenta de forma acertada a cierta estética de novela gráfica vanguardista, destacar a sí mismo una banda sonora impecable en gusto, totalmente acorde con sus imágenes y que logran definir a los personajes de una manera acertada.

«A Girl Walks Home Alone at Night» termina siendo tan atractiva como inusual, como he resaltado anteriormente de resultado irregular a causa de la falta de algunos de sus principales flecos como por ejemplo la lentitud en su ritmo, algo que hace que por momentos se quede a medio gas, pero que gracias a un excelente trabajo visual e intensidad en su fotografía además de una banda sonora portentosa consigue que el cóctel de géneros propuesto por  Lily Amirpour sea por momentos interesante y hacen que el seguimiento de la futura carrera cinematográfica de esta joven directora sea un ejercicio del todo obligado.

Valoración 0/5:3

Gira en torno a un matrimonio con un hijo enfermo. Todo cambia cuando una joven se muda al apartamento de al lado y ofrece al muchacho la oportunidad de una vida mejor; desde ese momento, el mundo de fantasía que la madre del chico había elaborado para aliviar a su hijo comienza a descontrolarse…

Pocos directores tienen el privilegio de estar considerados de culto en referencia a una sola película, John McNaughton es uno de ellos y la película en cuestión es la imprescindible y fundamental «Henry: Portrait of a Serial Killer«, a partir de aquí la carrera del director nacido en Chicago ha sido bastante irregular, mezclando divertimentos genéricos de lo más disfrutable como «The Borrower» con productos de tono más amplio y comercial, «Mad Dog and Glory» o «Wild Things«, todo ello junto a un variado trabajo hecho en televisión, lo dicho una trayectoria del todo irregular en su contenido pero en cierta manera coherente en resultados pues ha sabido mantener unas cuotas de calidad propias de un buen artesano. Después de trece años desde su último trabajo para la gran pantalla John McNaughton vuelve y lo hace dentro del género en donde tuvo un mayor reconocimiento.

Con «The Harvest» John McNaughton reafirma su condición de artesano, alejándose del tono grotesco de «Henry: Portrait of a Serial Killer» para adentrarse en el thriller psicológico de claros matices dramáticos, en una película independiente que tuvo problemas en su producción, de echo el film esta rodado en el 2013, y que explora el lado oscuro y algo enfermizo de la paternidad logrando unos resultados algo irregulares, es evidente que estamos ante un trabajo meramente alimenticio y que McNaughton no posee la fuerza y determinación de sus primeros trabajos, la película da la impresión de discurrir a trompicones, con una primera parte bastante plana, de claro tono televisivo dada su languidez argumental, llegados a la mitad del film el golpe de efecto que nos proporciona su guion cortesía del novel Stephen Lancellotti (algo inverosímil y tramposo por cierto) hace que la función se anime algo, aunque siempre con la sensación de que el elemento terrorífico del relato no queda suficientemente desarrollado de una manera acertada quedando ese tono enfermizo al que hacíamos referencia como entre bastidores, como mero un esbozo sin llegar a aparecer del todo.

Posiblemente el punto más a destacar de «The Harvest» sean las interpretaciones a cargo de Samantha Morton y Michael Shannon, que aquí curiosamente intercambian sus habituales roles, unos roles inversos a los que solemos estar acostumbrados a verlos en cine, la primera con una actuación claramente deudora de la Kathy Bates de «Misery«, voluntariamente histriónica, exagerada e incluso paródica y un Michael Shannon bastante sostenido, algo sumiso pero igualmente inquietante, porque Michael Shannon siempre nos parecerá como alguien que no suele  transmitir precisamente buenas sensaciones.

«The Harvest» viene a ser un perfecto ejemplo de lo que ha sido la trayectoria de John McNaughton en estos últimos años, un film competente en su conjunto, de factura pulcra pero de resultado inocuo, una tendencia hacia una falta de riesgo en su propuesta que hace que nos olvidemos de su visionado de manera algo acelerada.

Valoración 0/5:2’5

En un pequeño pueblo de la región de Calabria, los hermanos Carbone llevan años viviendo del lucrativo negocio familiar: el tráfico de drogas. Eran hijos de pastores, pero ahora forman parte de la familia criminal calabresa del entorno de la ‘Ndrangheta. Luciano, el mayor, alejado voluntariamente del resto de la familia, intenta mantenerse al margen hasta que su conflictivo hijo Leo empieza a acercarse a su carismático tío Luigi y sus turbios negocios. Cuando Leo pierde el control una noche, los tres hermanos se ven forzados a unirse de nuevo para defender el honor y las vidas de la familia.

En «Calabria«, adaptación libre de la novela homónima Anime nere de Gioacchino Criaco y primera película estrenada en nuestro país del director y guionista Francesco Munzi , «Saimir» (2004) y «Il resto de la notte» (2008) son sus anteriores trabajos, se nos sitúa en pleno epicentro de la ‘Ndrangheta’, la más hermética y brutal de las organizaciones criminales existente hoy en día en Italia, muy por encima en cuanto actividad en lo que refiere a la densidad criminal por habitante que la propia Sicilia.

Una visión intimista de la mafia la que nos ofrece Francesco Munzi que se aparta de una manera voluntaria del simple muestrario estereotipado del género al que se inscribe este tipo de films, de esa grandilocuencia y pomposidad mostradas en muchas películas norteamericanas, «Calabria» nos ofrece un retrato tan intimista como contundente en su resolución, una radiografía a una familia completamente desestructurada en lo emocional, la película comienza en la ciudad, vemos tratos y posteriores acuerdos con narcotraficantes internacionales, parece que vamos a presenciar otro film al uso dela mafia, pero nada de lo que vamos a ver más adelante transitará sobre situaciones ya vistas posiblemente con demasiada asiduidad en muchos de los films que versan sobre la mafia, poco a poco la trama se va cerrando sobre sí misma, viajando cada vez más al origen de todo, una especie de genealogía del mal, vista desde una hiperrealidad y ubicada en la auténtica raíz del entorno rural de Calabria y la familia en sí mismo, una herencia del pasado de la que es muy difícil escapar, todo ello se nos muestra en base a un excelente uso de la luz que vemos en un pueblo que parece estar constantemente sumergido sobre sí mismo, camuflado sobre una falsa naturalidad, dentro de una penumbra que refleja la tensión subyacente entre sus propios habitantes, a partir de aquí presenciamos un film de claro tono fatalista, con retazos a tragedia griega, en donde el drama ya predestinado se desata a partir de un conflicto totalmente nimio, en este aspecto es fundamental la acertada y notable ambientación que se nos muestra, totalmente clave a la hora para que funcione el tipo de historia que estamos viendo, y resaltar de la misma manera la notable utilización en la mezcla de actores profesionales con lugareños, en este aspecto especialmente es fundamental recurrir a la versión original para apreciarlo en su justa medida, y que el visionado de «Calabria« se convierta así en un ejercicio de reminiscencias de tono verite.

«Calabria« como hemos dicho con anterioridad no es una historia más de mafiosos, al igual que «The Funeral» de Abel Ferrara es una historia claramente íntima sobre un asunto de familia dentro de un contexto rural, una familia que no se puede escoger, está ahí y hay que aceptarla con todo lo que conlleva, y ahí justamente es donde reside la grandeza del film de  Francesco Munzi, la película se aproxima de esta manera a los personajes desde un hiperrealismo tan angustioso como ennegrecido, unas almas oscuras en definitiva (título original bastante más acorde que el utilizado en España) sin visos de salvación.

«Calabria« termina siendo una película de tono muy clásico y ritmo algo pausado pero para nada lento, se nos mantiene pendientes en todo momento de lo que va a suceder a continuación, sin prisas se nos va dirigiendo a contemplar una desdicha con rasgos de tragedia, un fatalismo víctima de su propia estirpe.

Valoración 0/5:4