Mes: junio 2026

Filmin estrena “El agente secreto”, la película brasileña nominada a 4 premios Óscar, el 12 de junio

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Wagner Moura y Kleber Mendonça Filho triunfaron en Cannes con este thriller político ambientado en 1977 durante la dictadura militar brasileña, convertido en uno de los títulos más aclamados del año por público y crítica.

El próximo 12 de junio llega a Filmin “El agente secreto”, la nueva película de Kleber Mendonça Filho (“Bacurau”, “Retratos fantasma”), ganadora de los premios al mejor director y al mejor actor para Wagner Moura en el Festival de Cannes, a mejor actor principal y mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro y nominada a 4 premios Óscar, incluyendo a la mejor película. Convertida en una de las grandes sensaciones del cine internacional reciente, la obra ha cosechado el reconocimiento unánime de la crítica y una extraordinaria acogida en festivales de todo el mundo.

Ambientada en Brasil en 1977, combina el thriller político, el cine de espionaje y el retrato histórico para construir una historia de persecución marcada por la tensión constante. Con una puesta en escena que juega con distintas texturas visuales y recursos formales, Mendonça Filho nos lleva de nuevo a Recife, la ciudad que ha inspirado buena parte de su universo cinematográfico.

Sinopsis

Brasil, 1977. Marcelo, un profesor universitario que huye de un pasado turbulento, regresa a Recife con la esperanza de empezar de nuevo y reencontrarse con su hijo. Pero la ciudad está lejos de ser el refugio que imaginaba. Mientras las fuerzas de la dictadura militar estrechan el cerco a su alrededor, Marcelo se verá obligado a ocultarse bajo una nueva identidad en una lucha desesperada por sobrevivir.

Recife, memoria personal y territorio cinematográfico

Pocas ciudades han marcado tanto la obra de un cineasta como Recife la de Kleber Mendonça Filho. Lejos de funcionar únicamente como escenario, la ciudad se convierte aquí en una presencia viva que atraviesa cada rincón del relato. “El agente secreto” está además impregnada de recuerdos de infancia del propio realizador. No es casualidad que Fernando, el hijo del protagonista, tenga aproximadamente la misma edad que tenía Mendonça Filho cuando “Tiburón” llegó a Brasil (un acontecimiento muy relevante en la película) y despertó en él una obsesión cinéfila que aún recuerda con nitidez. “Sí, yo soy Fernando en la película, y mi obsesión con ‘Tiburón’ no tenía límites”, ha explicado.

Como ocurre en buena parte de su filmografía, la memoria individual y la colectiva terminan entrelazándose en una mirada que explora al mismo tiempo la historia política de Brasil y las transformaciones de un lugar inseparable de la trayectoria del cineasta.

Wagner Moura al frente de un reparto excepcional

Kleber Mendonça Filho escribió el personaje de Armando pensando específicamente en Wagner Moura, uno de los intérpretes más importantes del cine brasileño contemporáneo. Conocido internacionalmente por su papel de Pablo Escobar en “Narcos”, Moura sostiene buena parte del peso emocional del relato con una interpretación que le valió el premio al mejor actor en el Festival de Cannes y el Globo de Oro al mejor actor protagonista en una película dramática.

A su alrededor se despliega un reparto coral que da forma a un universo poblado por personajes que oscilan entre la amenaza, la complicidad y la resistencia. No es casualidad: Mendonça Filho considera el casting una de las partes fundamentales de su trabajo. “Creo que la parte más importante de hacer una película es el casting”, explicaba recientemente. Para el director, los personajes nacen tanto de largas conversaciones con los intérpretes como de la búsqueda de rostros capaces de reflejar la diversidad y complejidad de la sociedad brasileña.

En ese proceso, Wagner Moura desempeñó un papel clave. “Podría haber sido la estrella que no presta atención a los demás, pero hizo que todo el mundo brillara”, recordaba Mendonça Filho sobre un rodaje marcado por el espíritu colectivo. El resultado es una película que encuentra buena parte de su fuerza en la autenticidad y la riqueza de sus interpretaciones.

Escritos sobre cine, III. Nicholas Ray por Miguel Marías

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Aclamado en Cahiers du Cinéma como «El cineasta bienamado» por los jóvenes Godard, Truffaut, Rivette y Rohmer, venerado por los cinéfilos, Nicholas Ray supuso por su sinceridad y sensibilidad un guía para quienes iban a hacer un cine personal y nuevo. Sus películas han acompañado a Miguel Marías toda su vida. Y Marías, desde artículos tempranos hasta unas últimas notas redactadas en el presente, con textos antológicos como El ruido y la furia o Nicholas Ray, la antorcha, ha reivindicado su ejemplo y su legado, un cine vivo, arriesgado y palpitante.

Autor: Miguel Marías, Editorial: Confluencias. Colección: Escritos sobre cine por Miguel Marías, Páginas: 154

«Couture» review

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En el transcurso de la Semana de la Moda de París, se entrecruzan los caminos de tres mujeres, que lidian con las tragedias del mundo y los interrogantes de sus vidas: a Maxime, una directora de cine estadounidense en la cuarentena, le diagnostican cáncer; Ada, una joven modelo de Sudán del Sur, escapa de un futuro marcado para terminar en un entorno frívolo, y Angèle, maquilladora francesa que trabaja entre bambalinas en los desfiles, sueña con cambiar de vida.

Presentada en la Sección Oficial del pasado Festival de San Sebastián,Couture de Alice Winocour, nos sitúa en el mundo de la moda, evitando sacar los trapos sucios de dicha industria, y siendo bastante menos amena que Prêt-à-Porter de Robert Altman, mediante un relato que se sumerge en plena vorágine de la Semana de la Moda de París, donde el espectador será testigo de las historias cruzadas de tres mujeres pertenecientes a dicho entorno.

A lo largo de su día a día, Alice Winocour crea un arco argumental que indaga en el temor y la vulnerabilidad que hay detrás del glamour, concepto lastrado por una suerte de exploración de los personajes y sus problemáticas en las que el escenario es percibido como una simple excusa. Para más inri, Couture, en su acto final, se decanta de forma arbitraria por la historia menos interesante, la del personaje interpretado por Angelina Jolie, trama aderezada con un tono condescendiente sobre cómo hacer frente al cáncer, bordeando peligrosamente el panfleto.

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Ricardo Darín protagoniza el cartel oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián

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El actor, productor y director argentino es la imagen del póster principal, diseñado de nuevo por el estudio Wallijai

El actor, productor y director Ricardo Darín, una de las figuras más prestigiosas del cine latinoamericano y mundial de las últimas décadas, protagoniza el cartel de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre de 2026. Desde hace 20 años, el intérprete argentino es un rostro habitual del Festival, que en 2017 le entregó su máxima distinción honorífica: el Premio Donostia.

El Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera ha albergado este mediodía el acto de presentación de carteles, oficiado por el director del Festival, José Luis Rebordinos, y por su sucesora Maialen Beloki, que actualmente es una de las dos subdirectoras y en enero pasará a ocupar el puesto de directora del certamen.

Tras los carteles oficiales protagonizados por Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem, Cate Blanchett y Marisa Paredes, el argentino Ricardo Darín es la novena figura de la cinematografía contemporánea que presta su imagen al Festival. Como el año pasado, el póster ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que ha creado un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.

Wallijai ha elaborado también los carteles del resto de secciones. Si en la pasada edición el tema giraba en torno a los géneros cinematográficos, esta vez el leitmotiv son los oficios del cine. Así, el póster con la imagen de Darín remite a la interpretación, mientras que el resto guarda relación con el guion (New Directors), el sonido (Horizontes Latinos), la dirección (Zabaltegi-Tabakalera), el montaje (Perlak), la dirección de arte (Nest), el maquillaje (Culinary Zinema), los efectos especiales (Zinemira) y la producción (Made in Spain).

A estos carteles se sumarán próximamente los tres de la iniciativa Klasikoak, que desde 2024 agrupa bajo la misma marca tres propuestas: la retrospectiva clásica, que este año estará dedicada al cineasta, novelista y guionista francés José Giovanni; la sección Klasikoak del Festival, y el ciclo del mismo nombre que la Filmoteca Vasca programa entre octubre y diciembre en Bilbao, Donostia, Pamplona, San Juan de Luz y Vitoria.

Darín, medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones

Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957), imagen del cartel oficial de la 74ª edición del Festival, es una de las figuras más prestigiosas y populares de la cinematografía latinoamericana y mundial. A lo largo de medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones que le han granjeado más de 40 premios, ha alternado trabajos enmarcados tanto en el cine de autor como en el dirigido al gran público. Entre otros, ha rodado a las órdenes de Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Pablo Trapero, Cesc Gay y Santiago Mitre.

‘El aura / The Aura’, de Fabián Bielinsky (2005). ‘El baile de la victoria / The Dance and the Thief’, de Fernando Trueba (2009).

‘El secreto de sus ojos / The Secret in Their Eyes’, de Juan José Campanella, (2009). Jurado Oficial (2012).

Darín, que debutó con cinco años en series televisivas, se forjó en el teatro e inició su carrera en el cine con La carpa del amor (Julio Porter, 1979). Ha visitado San Sebastián en nueve ediciones del Festival. En 2005 presentó El aura / The Aura, de Fabián Bielinsky, en la Sección Oficial, a donde regresó cuatro años después con dos títulos, El secreto de sus ojos / The Secret in Their Eyes Juan José Campanella, 2009) y El baile de la victoria / The Dance and the Thief (Fernando Trueba, 2009), proyectada fuera de concurso. En 2012 fue integrante del Jurado Oficial y en Made in Spain se proyectó Elefante blanco / White Elephant (Pablo Trapero), mientras que en 2014 participó en Perlak con Relatos salvajes / Wild Tales (Damián Szifron), que consiguió el Premio del Público a la mejor película europea. Al año siguiente consiguió la Concha de Plata ex aequo junto a su compañero de reparto Javier Cámara por su trabajo en Truman (Cesc Gay, 2015).

‘Elefante blanco / White Elephant’, de Pablo Trapero (2012). ‘Relatos salvajes / Wild Tales’, de Damián Szifron (2014).

‘Truman’, de Cesc Gay (2015). Premio Donostia (2017).

En 2017 recogió el Premio Donostia en reconocimiento a toda su trayectoria y presentó la proyección especial de La cordillera / The Summit (Santiago Mitre). Regresó a la Sección Oficial para inaugurarla con El amor menos pensado / An Unexpected Love (Juan Vera, 2018) y La odisea de los giles / Heroic Losers (Proyecciones Especiales, Sebastián Borensztein, 2019), en las que se estrenó como productor. También desempeñó ese papel en la película programada en Perlak Argentina, 1985 (Santiago Mitre, 2022), que le trajo a la capital guipuzcoana por última vez y le granjeó el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. Aunque Darín no visitó presencialmente San Sebastían, sí figuró en el reparto de La fuga / The Scape (Eduardo Mignogna, 2001), que concursó en la Sección Oficial, o en filmes de New Directors como Perdido por perdido (Alberto Lecchi, 1993) o Amorosa soledad / Lovely Loneliness (Martín Carranza y Victoria Galardi, 2008), que cosechó el Premio de la Juventud, y en Carancho (Pablo Trapero, 2010), programado en Perlak.

‘La cordillera / The Summit’, de Santiago Mitre (2017). ‘El amor menos pensado / An Unexpected Love’, de Juan Vera (2018).

‘La odisea de los giles / Heroic Losers’, de Sebastián Borensztein (2019). ‘Argentina, 1985’, de Santiago Mitre (2022).

Otras obras esenciales de su extensa filmografía son Nueve reinas / Nine Queens (Fabián Bielinsky, 2000), que propulsó su reconocimiento internacional y en 2023 fue programada en Klasikoak, o títulos fundamentales de Juan José Campanella como El mismo amor, la misma lluvia / Same Love, Same Rain (1999); El hijo de la novia / Son of the Bride (2001) y Luna de Avellaneda / Moon of Avellaneda (2004). También ha actuado en Capitán Kóblic / Kóblic (Sebastián Borenzstein, 2016), Tesis sobre un homicidio / Thesis on a Homicide (Hernán Goldfrid, 2012), Séptimo (Patxi Amezcua, 2013), Everybody Knows (Todos lo saben, Asghar Farhadi, 2018) y, más recientemente, en la serie El eternauta / The Eternaut (Bruno Stagnaro, 2025).

Darín debutó tras la cámara con La señal / The Signal (2007), película codirigida junto a Martín Hodara.

Primer tráiler para «Onslaught», lo nuevo de Adam Wingard

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Tras varias incursiones en películas de alto presupuesto, Adam Wingard regresa a un cine de corte más independiente con Onslaught, film de acción, cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de A24 y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 4 de septiembre de 2026.      

Onslaught nos muestra como una francotiradora del ejército utiliza sus habilidades para proteger a su hija de un sanguinario escuadrón de soldado que escapó de una base militar secreta. Estos tienen la particularidad de haber sido modificados genéticamente.

La película, con guion a cargo del propio Adam Wingard junto al habitual Simon Barrett, está protagonizada por Adria Arjona, Alex Pereira, Drew Starkey, Rebecca Hall, Reginald VelJohnson, Michael Biehn, Eric Wareheim, Dan Stevens, Jacob Scipio, Steven Shelby, Sarah Minnich y Keil Oakley Zepernick.

Filmoteca Española, Medalla de Honor 2026 de la Academia de Bellas Artes

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La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha concedido a Filmoteca Española, institución pública del Ministerio de Cultura, su Medalla de Honor, en reconocimiento a una trayectoria fundamental en la preservación, restauración y difusión del patrimonio cinematográfico español.

La candidatura fue presentada por la fotógrafa Isabel Muñoz, el historiador del arte Víctor Nieto, y el director de cine Manuel Gutiérrez Aragón. Los firmantes avalaron su propuesta defendiendo el “espléndido trabajo realizado por dicha entidad en beneficio del Patrimonio Audiovisual Español, desde una triple finalidad de su conservación, restauración y difusión. Hasta convertirse, mediante su prolongada y decisiva labor, en un centro de inexcusable referencia dentro del panorama cultural de nuestro país”.

Instituida por la Academia en el año 1943, la Medalla de Honor de la Corporación se concede con carácter anual a una persona o entidad española o extranjera que se haya distinguido de modo sobresaliente en el estudio, promoción o difusión de las artes, en la creación artística o en la protección del patrimonio histórico, cultural y natural.

Creada por Decreto el 13 de febrero de 1953 bajo el nombre de Filmoteca Nacional de España, la institución nació con la misión de conservar la memoria audiovisual del país. Desde entonces, su labor se ha consolidado como una referencia imprescindible dentro del panorama cultural español.

Actualmente, Filmoteca Española custodia cerca de cincuenta mil películas, así como unas doce mil todavía precatalogadas, lo que supone más de seiscientos mil rollos de celuloide, además del archivo íntegro del NO-DO, compuesto por setenta mil quinientos documentos audiovisuales que testimonian varias décadas de la historia cinematográfica y social de España. A este vasto patrimonio se suman las colecciones extra-fílmicas adquiridas a lo largo de los años, integradas por fondos museográficos (aparatos precinematográficos y proyectores, carteles, fotografías, maquetas, dibujos etc.), fondos de archivo (imprescindibles para estudiar la historia del cine español: archivos personales, de productoras y distribuidoras, el NO-Do o la Escuela de Cine) y las colecciones especializadas de la biblioteca.

La institución desarrolla su actividad desde tres sedes principales: el Palacio del Marqués de Perales, sede administrativa y del Centro de Estudios Dolores Devesa; el histórico Cine Doré, emblemático espacio de exhibición cinematográfica en Madrid y sala de proyecciones de Filmoteca Española desde 1989; el Centro de Conservación y Restauración de Fondos Fílmicos ´Carlos Saura´, en Pozuelo de Alarcón, que acoge entre sus instalaciones el denominado ´Voltio´, un espacio subterráneo anexo a él, especialmente acondicionado para preservar materiales realizados en nitrato de celulosa, entre ellos gran parte del escaso cine mudo español conservado.

Uno de los pilares esenciales de Filmoteca Española es su labor de restauración audiovisual, llevada a cabo por especialistas de primer nivel. Gracias a este trabajo silencioso y altamente especializado, numerosas obras cinematográficas han podido recuperarse para las generaciones presentes y futuras.

Junto a esta tarea de conservación, Filmoteca Española mantiene una intensa actividad pública y cultural a través de la programación del Cine Doré, convertido en un espacio de referencia para los amantes del cine, con sesiones diarias dedicadas a cinematografías de distintas épocas, autores y estilos.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha colaborado estrechamente con la institución en ciclos bianuales como “Las Bellas Artes en el Cine” (2022), “Compositores académicos del cine español” (2024) y “El Museo, protagonista”, en curso. Estas iniciativas han reforzado los vínculos entre ambas entidades y consolidado una colaboración con vocación de continuidad.

La Academia ha querido subrayar especialmente la importancia de reconocer públicamente una labor “no siempre suficientemente valorada”, pero esencial para la protección del patrimonio audiovisual español. Asimismo, destaca que la futura Ley del Cine prevé reforzar el reconocimiento institucional de Filmoteca Española como Bien de Interés Cultural.

Con esta propuesta, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando reafirma su compromiso histórico con la defensa y promoción de las instituciones y creadores que contribuyen de manera decisiva al enriquecimiento cultural de la sociedad española.

Un nuevo entorno cósmico, nuevo tráiler para «The End of Oak Street» de David Robert Mitchell

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Ocho años después de Under the Silver Lake David Robert Mitchell vuelve a ponerse tras las cámaras por partida doble. Antes de ver la luz la secuela de It Follows llegará a los cines The End of Oak Street, film que de la mano de Warner Bros. acaba de presentar un segundo tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que vuelve a mirar al fantástico desde la particular mirada de su autor, se estrenará simultáneamente en Estados Unidos y España el próximo 14 de agosto.       

The End of Oak Street nos cuenta como después de que un misterioso fenómeno cósmico arranque Oak Street de su entorno suburbano y transporte a sus habitantes a un lugar desconocido, la familia Platt pronto descubrirán que su propia supervivencia dependerá de que permanezcan unidos mientras intentan orientarse en un entorno que ya no reconocen.

La película, con guion a cargo del propio David Robert Mitchell, esta protagonizada por Anne Hathaway, Ewan Mcgregor, Maisy Stella, Christian Convery, Chris Coy, P.J. Byrne, Jordan Alexa Davis, Grayson Thorne Kilpatrick, Denitra Isler, Hudson Meek y Andrea Frankle.

Cineteca Madrid propone recuperar la capacidad de conmovernos frente a la desensibilización digital

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 Un ciclo comisariado por el Colectivo Laberinto recupera la figura del voyeur desde el compromiso de la empatía, con filmes de Akerman, Haneke o Villaronga, entre otros

·  Una retrospectiva de Masao Adachi permitirá adentrarse en el universo de uno de los cineastas más radicales e inclasificables de la historia del cine japonés

·  La obra del artista Tav Falco quedará retratada también en una retrospectiva que transita por sus grandes obsesiones estéticas y temáticas

·  El Foco Milagros Mumenthaler acercará a los espectadores una forma de narrar libre de estructuras narrativas frente a lo sensorial, la intuición y la memoria

·  En el marco de las celebraciones del Orgullo 2026, Cinema Pride refuerza el compromiso con la diversidad, la visibilidad y la defensa de los derechos LGTBI a través del cine

·  La trilogía Caseros e inquilinas, de Fernando Merinero, forma parte de la cartelera de estrenos de este junio que comparte la urgencia de mirar de frente la realidad

·  ECAM Forum celebra su tercera edición en Cineteca Madrid con encuentros clave para el impulso del cine independiente y el talento emergente

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte ubicado en Matadero Madrid, se ha propuesto este mes de junio enfrentarse a la desensibilización digital, creando un espacio de reflexión a iniciativa del Colectivo Laberinto y con el cine como acto de resistencia. Películas crudas, disidentes y profundamente humanas sugieren la empatía para huir del cinismo que en ocasiones nos rodea.

Los ciclos que conforman la cartelera este mes comparten un mismo compromiso ante la posibilidad de plantear el universo cinematográfico como un instrumento para intervenir en la realidad frente a un simple reflejo de ésta, como practica el cineasta Masao Adachi. Asimismo, la cartelera expondrá películas alejadas de estructuras narrativas convencionales para adentrarse en lo intuitivo, lo sensorial o lo diverso, como en el caso de la retrospectiva de Milagros Mumenthaler o de los filmes programados en el ciclo Cinema Pride.

Ciclo ‘Laberintos’

Frente a la desensibilización digital, el ciclo ‘Laberintos’, comisariado por el Colectivo Laberinto (Itzan Escamilla y Miguel Morillo) plantea un espacio de reflexión y análisis crítico a través de siete películas que recuperan la figura del voyeur para preguntarse qué significa hoy ser un ‘mirón’. No se trata de observar con impunidad desde la distancia, sino de comprometerse con lo que se mira. Estas obras —crudas, disidentes, profundamente humanas— enfrentan al espectador a narrativas chocantes que no son estímulos residuales, sino realidades que exigen empatía, pensamiento y emoción; el cine como acto de resistencia que obliga a habitar el espacio del otro y a recuperar la capacidad de conmoverse ante la crudeza de lo real. 

Con la presencia de Itzan Escamilla y Miguel Morillo (Colectivo Laberinto), el ciclo incluye las películas Irma Vep, de Olivier Assayas (12 de junio); Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de Chantal Akerman (14 de junio); Animal Love, de Ulrich Seidl (16 de junio); El vídeo de Benny, de Michael Haneke (18 de junio); Love Exposure, de Sion Sono (21 de junio); Tras el cristal, de Agustí Villaronga (23 de junio); Funeral Parade of Roses, de Toshio Matsumoto (24 de junio), y The Red Spectacles, de Mamoru Oshii (25 de junio). 

Retrospectiva de Masao Adachi: cine y revolución

Aprovechando el estreno de Escape, la nueva película de Masao Adachi, en el marco de Filmadrid, esta retrospectiva propone la oportunidad de adentrarse en el universo de uno de los cineastas más radicales e inclasificables de la historia del cine japonés. Director, teórico y militante, Adachi ha dedicado su vida a fundir la práctica cinematográfica con la acción política, planteando el cine no como un reflejo de la realidad, sino como un instrumento para intervenir en ella. 

En su juventud utilizó el cine erótico de bajo presupuesto como vehículo de invención formal y provocación y colaboró con cineastas como Kōji Wakamatsu y Nagisa Ōshima, en películas críticas con la modernidad capitalista que revelan los estragos del poder y la opresión. En 1974 dejó el cine para unirse a la lucha de liberación palestina, permaneciendo en Oriente Medio más de dos décadas hasta su extradición a Japón en el año 2000. Tras un paréntesis de 30 años, regresó al cine con películas que retratan el compromiso político desde la experiencia biográfica y responden directa y urgentemente a los acontecimientos políticos. 

Este programa, comisariado en colaboración con Go Hirasawa, recorre las distintas etapas y géneros que el cineasta ha atravesado a lo largo de su carrera, con títulos radicales y provocativos como Abortion (16 de junio), Female Student Guerilla (18 de junio), AKA Serial Killer (24 de junio), y Prisoner/Terrorist (25 de junio). Todas las sesiones incluirán videopresentaciones de Masao Adachi.

 

Foco Tav Falco: el cine como conjuro

La obra de Tav Falco se resiste a cualquier intento de catalogación. Discípulo de William Eggleston y fundador de la banda de culto Tav Falco’s Panther Burns, su universo transita sin jerarquías entre la performance, la fotografía, la música y el cine. Esta retrospectiva es un viaje por sus grandes obsesiones estéticas y temáticas: el blanco y negro como memoria espectral, el expresionismo, el magnetismo por lo decadente y lo marginal y una relación con la música que ya no es banda sonora, sino el sustrato mismo de la imagen. 

El recorrido por la obra de este artista total, inconformista y vibrante incluye como plato fuerte, el 20 de junio, The Urania Trilogy (2024), su primer largometraje. Rodado en 16 mm, la película recrea la estética del cine mudo y las atmósferas de la vieja Europa para contar la historia de Gina Lee, una joven estadounidense desencantada que viaja a Viena y se ve envuelta en la búsqueda de un tesoro nazi enterrado. Esta sesión contará con la presencia de Tav Falco. 

Foco Milagros Mumenthaler 

Pocas cineastas contemporáneas han regalado al público una relación con la imagen tan libre, intuitiva y poderosa como Milagros Mumenthaler. A lo largo de su carrera, ha expandido incansablemente las posibilidades de la imagen, liberándola de las estructuras narrativas convencionales para acercarla a lo sensorial, a la intuición y a la memoria. Sus películas han dejado algunas de las imágenes más inolvidables del cine reciente: momentos suspendidos, gestos mínimos, cuerpos, silencios y paisajes que vibran más allá de la narración. Las corrientes (5 de junio), La idea de un lago (10 de junio) y Abrir puertas y ventanas (11 de junio) forman parte de la educación sentimental de buena parte de la cinefilia contemporánea, convertidas en títulos esenciales del cine de las últimas décadas. A esta retrospectiva con tres de sus largometrajes, organizada por ECAM Forum y Filmadrid, se suma una clase magistral de la cineasta, el jueves 11 de junio. 

Cinema Pride 2026

En el marco de las celebraciones del Orgullo 2026, Fundación Triángulo, en colaboración con QueerCineMad y Cineteca Madrid, presenta una nueva edición de Cinema Pride, ciclo que refuerza el compromiso institucional con la diversidad, la visibilidad y la defensa de los derechos LGTBI a través del cine. 

La programación de este año incluye estrenos internacionales que llegan a Madrid tras su paso por varios festivales: Tal vez, de Arima León (2 de junio); Este cuerpo mío, de Afioco Gnecco y Carolina Yuste (3 de junio); e Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa (4 de junio), ganadora del Teddy Award en la Berlinale. Además, el ciclo incorpora una destacada muestra de cine queer taiwanés contemporáneo, con títulos como Second Round, de Kuan-Chun Chen (2 de junio); Blind Love, deJulian Chou (3 de junio) y See You, de Han-Ting Yu (4 de junio), que acercan al espectador a nuevas narrativas y sensibilidades. 

Filmadrid: Smart7

En colaboración con Filmadrid, Cineteca Madrid acoge un año más la iniciativa Smart7, una ventana para el descubrimiento de cineastas europeos emergentes que buscan nuevas formas de contar historias y ampliar el lenguaje audiovisual. El programa (del viernes 5 al domingo 14) está formado por siete películas, elegidas por Filmadrid y el resto de los miembros de la asociación de festivales europeos Smart7. Entre los títulos que acoge Cineteca se encuentran No Ghosts on Good Street, de Emi Buchwald, Polonia, (5 junio); Patty Is Such a Girly Name, de Giorgos Georgopoulos, Grecia (6 junio) y Eternal Flame, de Pedro Ramalhete, Portugal (7 junio).

Verano en Japón en compañía de la familia

Cineteca da la bienvenida a las vacaciones con tres películas esenciales de maestros de la animación: Recuerdos del ayer, de Isao Takahata, cofundador de Studio Ghibli (domingo 7 de junio); Summer Wars, de Mamoru Hosoda (domingo 14 de junio); y El recuerdo de Marnie, de Hiromasa Yonebayashi (domingo 28 de junio). Tres viajes por la infancia, al amor y a los lazos que se entrelazan y sostienen en las tardes interminables del verano. 

Estrenos

Como cada mes, Cineteca Madrid trae a su cartelera un importante plantel de estrenos. Este junio serán siete propuestas sorprendentes que comparten una misma urgencia: mirar de frente lo que nos constituye.

En Una película de miedo, de Sergio Oksman, un padre y su hijo se enfrentan a los miedos heredados en un hotel abandonado de Lisboa (5 al 23 de junio). ¿Qué te dice esa naturaleza? es el regreso del aclamado director coreano Hong Sang-soo, que sigue a un joven poeta cruzando el umbral de la hipocresía adulta entre banquetes y conversaciones (5 al 24 de junio). El príncipe de Nanawa, de Clarisa Navas, es un coming-of-age épico rodado a lo largo de diez años en la frontera entre Argentina y Paraguay, que ganó el Gran Premio del Jurado en Visions du Réel (19 al 28 de junio) y ha participado en Documenta Madrid 2026. 

Además, Divino tesoro (19 de junio), Edipo esclavo (20 de junio) y Cupido confuso (27 de junio) conforman la trilogía Caseros e inquilinas, de Fernando Merinero, un tríptico naturalista sobre la familia contemporánea que desnuda el engaño de las apariencias.

ECAM Forum: el estado de las cosas

ECAM Forum 2026 regresará a Cineteca Madrid del 9 al 11 de junio como uno de los encuentros clave para el impulso del cine independiente y el talento emergente, con un programa que reunirá a creadores, productores y agentes de la industria en torno a presentaciones de proyectos, sesiones de pitch, mesas profesionales y espacios de networking. 

Impulsado por la ECAM, el foro volverá a situarse como plataforma estratégica para el desarrollo y la proyección internacional de nuevas voces del audiovisual, fomentando el diálogo, la colaboración y el acceso a oportunidades en un contexto dinámico que convierte a Madrid en punto de referencia para el sector.