Año: 2026

«Nouvelle Vague», el homenaje de Richard Linklater al nacimiento del movimiento francés se estrena en Filmin el 1 de mayo

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Gran triunfadora en los premios César con cinco galardones –incluyendo mejor dirección– y 10 nominaciones, la película se adentra en el rodaje de “Al final de la escapada” para capturar el espíritu de una generación que cambió la historia del cine.

El 1 de mayo llega a Filmin “Nouvelle Vague”, lo último de Richard Linklater («Antes del amanecer»). Tras su paso por la sección oficial del Festival de Cannes, el cineasta firma una de sus obras más singulares. Ganadora de cinco premios César –entre ellos al mejor director– y nominada al Globo de Oro a la mejor película de comedia o musical, reconstruye el contexto creativo que dio lugar a uno de los movimientos cinematográficos más influyentes del siglo XX.

Más que un biopic convencional, “Nouvelle Vague” se centra en el proceso creativo y sigue de cerca el rodaje de “Al final de la escapada”, ópera prima de Jean-Luc Godard, observando a sus protagonistas en pleno trabajo. A través de ese seguimiento, la película captura las dinámicas, decisiones y circunstancias que acompañaron el nacimiento de una nueva forma de entender el cine.

Además, para celebrar el estreno de “Nouvelle Vague”, Filmin lanza una nueva colección dedicada al movimiento, en la que podrán recuperarse muchas de sus obras más importantes, así como documentales sobre sus protagonistas y películas posteriores influidas por su legado.

Sinopsis
La historia detrás de la creación del movimiento cinematográfico francés conocido como Nouvelle Vague, centrada en el rodaje de la innovadora «Al final de la escapada» de Jean-Luc Godard en 1959. En torno a esa filmación clave se cruzan algunos de los nombres fundamentales de la nueva ola francesa –como Claude Chabrol, Agnès Varda, François Truffaut o Éric Rohmer–, en un momento de efervescencia creativa que transformaría para siempre la historia del cine.

Con espíritu de nueva ola

Con “Nouvelle Vague”, Linklater no solo retrata un momento clave de la historia del cine, sino que adopta sus propias formas. La película se construye a partir de los principios estéticos del movimiento que retrata, replicando su espontaneidad, su ligereza formal y su espíritu libre. El resultado no es solo una evocación, sino una reinterpretación desde dentro que recupera su frescura y su carácter experimental.

Para ello, el director recurrió a lentes de época, cámaras y técnicas de rodaje similares a las utilizadas por Godard, con el objetivo de reproducir no solo la imagen, sino también la sensación de filmar en aquel momento. “No tendría sentido rodarla en inglés, en color o en formato panorámico; resultaría extraño”, explica Linklater. “La clave está en las lentes antiguas… fue un ejercicio fascinante, como meterse dentro de otra película y tratar de replicar el aspecto de otra época”.

Dando vida a grandes iconos

Otro de los elementos clave es su reparto, formado en gran medida por actores poco conocidos –con la excepción de Zoey Deutch en el papel de Jean Seberg– que dan vida a iconos de la historia del cine como François Truffaut, Claude Chabrol, Agnès Varda, Jacques Rivette o Suzanne Schiffman. Esta elección permite al espectador sumergirse plenamente en el relato, sin la distracción de rostros familiares, y aceptar a los intérpretes como las figuras históricas que representan. “Esa es la magia: no conoces a los actores, sientes que son ellos”, señala Linklater, que buscaba borrar la distancia entre representación y realidad.

Durante el proceso de audición, el director priorizó la capacidad de capturar la esencia de los personajes por encima de cualquier parecido superficial. Entre las anécdotas destaca la elección del actor que da vida a Jean-Paul Belmondo: aunque llegó a considerar al nieto del icono francés, finalmente optó por Aubry Dullin, al encontrar en él una cualidad difícil de definir que remitía directamente al icono original. El resultado es un reparto que no imita, sino que encarna, reforzando la sensación de estar asistiendo, en presente, al nacimiento de una revolución cinematográfica.

Nueva colección dedicada a la Nouvelle Vague

Para celebrar el estreno de la película, Filmin lanza una nueva colección dedicada a la nouvelle vague, donde podrán verse algunos de los títulos más importantes del movimiento, incluyendo “Al final de la escapada”. La selección reúne una amplia representación de la filmografía de sus principales figuras, con obras de Jean-Luc Godard, François Truffaut, Agnès Varda, Éric Rohmer o Jean Eustache.

Además, la colección incorpora cortometrajes que marcaron el origen del movimiento, y también documentales como “François Truffaut: mi vida en un guion”, “Las playas de Agnès” o “Godard Cinema”. Por último, incluye también un apartado dedicado a películas influidas por la nouvelle vague que, de algún modo, recuperan ese espíritu libre y salvaje que retrata Linklater. Entre ella destacan “El cielo rojo”, “Lazzaro feliz” o “Chungking Express”, junto a muchos otros títulos.

El Festival de San Sebastián dedicará la retrospectiva de la 74ª edición al cineasta y novelista José Giovanni

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Giovanni dirigió una quincena de películas y trabajó como guionista o adaptador con Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico

El director, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés, protagonizará la retrospectiva de la 74ª edición del Festival de San Sebastián. Organizada por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación de un libro sobre la obra completa de Giovanni escrito por Felipe Cabrerizo.

José Giovanni (1923-2004), nacido Joseph Antoine Roger Damiani en París, en el seno de una familia acomodada de origen corso, escribió algunas de las páginas más brillantes tanto de la novela policíaca como del polar, el cine policíaco francés, tan influyente como el film noir estadounidense. Fue antes novelista, adaptador y guionista, pero cuando tomó las riendas de sus propios proyectos como director, estableció una mirada y una estética en el policial francés pareja a la de sus autores más reputados, Jean-Pierre Melville o Jacques Deray. Con ambos colaboró estrechamente en un momento, la primera mitad de los años 60, en el que tener a Giovanni en los créditos suponía una garantía de interés y de éxito cuando el policíaco era uno de los géneros más sólidos del cine francés.

Tuvo una vida ajetreada y compleja, repleta de zonas oscuras. De ella extrajo no pocos elementos argumentales para sus novelas. Su irrupción en el cine fue por la puerta grande: Jacques Becker se fijó en su novela La evasión, en la que Giovanni relataba su estancia en la cárcel –acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena capital le fue conmutada por trabajos forzados–, y decidió llevarla a la pantalla. La conexión con el escritor fue inmediata y Giovanni, que había sido contratado como consejero técnico, terminó ejerciendo de coguionista de Le Trou / The Hole (La evasión, 1960). Fue la obra póstuma de Becker y pudo verse en la retrospectiva que el Festival de San Sebastián dedico al director en 2016.

Giovanni publicó La evasión en 1958, año y medio después de salir de prisión. Poco después ya era uno de los escritores incluidos en la prestigiosa Série Noire, la colección de libros policíacos que había ideado Marcel Duhamel en la editorial Gallimard y que marcó una nueva y moderna apreciación de la literatura criminal, incluyendo las traducciones al francés de los clásicos norteamericanos. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), dio pie a Classe tous risques / The Big Risk (A todo riesgo, 1960), de Claude Sautet, en la que Giovanni ejerció también de guionista. Y la segunda, Le Deuxième souffle (1958), fue adaptada años más tarde por Jean-Pierre Melville en uno de los títulos clave del polar, Le Deuxième souffle / Second Wind (Hasta el último aliento, 1966). Tanto este filme como el de Sautet, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2022, contaron con Lino Ventura, uno de los intérpretes clave del género junto a Jean Gabin y Alain Delon.

Otra de sus novelas del productivo año 1958, L’Excommunié, sirvió de base para Un nommé La Rocca / A Man Named Rocca (Un tal La Rocca, 1961), película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y en la que se prolongaba la buena relación con los Becker: fue dirigida por Jean Becker, hijo de Jacques. En 1963 inició como guionista su fructífera colaboración con el director Jacques Deray –(Symphonie pour un massacre / Symphony for a Massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo / Rififi in Tokyo (Rififí en Tokio, 1963), L’homme de Marrakech / The Man from Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966) y Avec la peau des autres / To Skin a Spy (Red siniestra, 1966)–, y tres años después lo hizo con Robert Enrico –Les Grandes gueules / The Wise Guys (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers / The Last Adventure (Tres aventureros, 1967) y Ho! / Ho! Criminal Face (¡Ho!, 1968)–. Pero para entonces Giovanni ya barruntaba su paso a la dirección. Debutó tras la cámara con La Loi du survivant / Law of Survival. (La ley del superviviente, 1967), un polar en tiempos bélicos en el que aparecen tres de sus motivos temáticos principales: la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial, los ambientes de Córcega y la traición.

A partir de este momento, y con la sola excepción de Le Clan des Siciliens / The Sicilian Clan (El clan de los sicilianos, 1969) de Henri Verneuil –obra clave del polar, guion modélico de Giovanni a partir de la novela de Auguste Le Breton y reunión de alto voltaje entre Ventura, Delon y Gabin–, nuestro protagonista se dedicó principalmente a la dirección. Y si bien en sus películas hay rasgos de todos los cineastas con los que trabajó, no tardó en imponer un estilo propio, crudo y directo, adaptándose a sí mismo o a otros escritores, en filmes en los que mostró a asesinos a sueldo, policías de barrio, jóvenes rebeldes enfrentados al sistema, el hampa marsellesa, delincuentes que no pueden reinsertarse en la sociedad, ladrones marginales que viven según sus códigos, robos a gran escala, presidiarios que intentan demostrar su inocencia o buscadores de oro. Un estilo tan agitado como lo fue su propia existencia, muy física y aventurera: por ejemplo, practicó la escalada tanto alpina como urbana, y en una ocasión escaló hasta lo alto de la Torre Eiffel.

De entre los quince largometrajes que dirigió, además de dos filmes para televisión y tres episodios de un par de series, destacan Le Rapace / Birds of Prey (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu / Last Known Address (Último domicilio conocido, 1970) –ambas con Ventura–, Un aller simple / One Way Ticket (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune / Hit Man (El clan de los marselleses, 1972) –con Belmondo, Claudia Cardinale y el actor fetiche de Giovanni, Michel Constantin–, Deux hommes dans la ville / Two Men in Town (Dos hombres en la ciudad, 1973) –con Delon y Gabin compartiendo protagonismo–, Le Gitan / The Gypsy (Alias el gitano, 1975) –producida e interpretada por Delon– y Une robe noire pour un tueur (1981), con Annie Girardot. En sus dos últimas películas, Mon ami le traître / My Friend the Traitor (1988) y Mon père, il m’a sauvé la vie / My Father Saved My Life (Mi padre, 2001) –coescrita con Bertrand Tavernier– reflexionó desde la ficción sobre aspectos determinantes de su propia vida.

La plaga zombie, primer tráiler para «Colony» de Yeon Sang-ho

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Tras Seoul Station (2026), Train to Busan (2026) y Península (2020), el surcoreano Yeon Sang-ho reincide en la temática zombie con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Colony, cinta cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, que tendrá su premiere mundial en la inminente edición del Festival de Cannes dentro de la sección Midnight Screening, llegará a las salas comerciales de Corea del Sur el próximo 28 de agosto.

Colony nos sitúa en una conferencia de biotecnología se convierte en un caos cuando un virus que muta rápidamente transforma a los infectados, obligando a las autoridades a sellar las instalaciones con los supervivientes atrapados en su interior.

La película está protagonizada por Jun Ji-hyun, Koo Kyo-hwan, Ji Chang-wook, Shin Hyun-bin, Shin Hyun-bin y Go Soo.  

Nace Filmoteca Seminci: viajes y descubrimientos de la historia del cine durante todo el año

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·  Seminci lanza una nueva iniciativa de ciclos y proyecciones del patrimonio cinematográfico mundial en Valladolid con la colaboración de la Filmoteca de Castilla y León

·  El ciclo ‘¿Qué fue del futuro?’; los clásicos del cine español ‘Los santos inocentes’ y ‘Furtivos’; un homenaje a Pere Portabella en su centenario; la recuperación de un clásico de cine africano, e Ingmar Bergman visto por Jaume Claret Muxart, primeras actividades previstas

La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) pone en marcha Filmoteca Seminci, una iniciativa de ciclos y proyecciones en diferentes salas de la ciudad para acercar el patrimonio cinematográfico mundial al público de Valladolid durante todo el año, en colaboración con la Filmoteca de Castilla y León.

Esta propuesta responde también al propósito de José Luis Cienfuegos, director de Seminci hasta 2025, de dar continuidad a las actividades iniciadas con motivo de la 70ª edición del festival y de reforzar el papel de Seminci como dinamizador cultural de la ciudad durante todo el año y no solo en las fechas de celebración del certamen.

Según los directores del festival, Mariona Viader y Javier H. Estrada, «Filmoteca Seminci surge como la colaboración natural con la Filmoteca de Castilla y León, aliado clave con el que construimos este proyecto que reúne y aporta coherencia a las proyecciones que se realizan durante todo el año, apostando siempre por la reflexión a partir de una programación heterodoxa en épocas y territorios. Un lugar para seguir aprendiendo y redescubriendo la historia del cine, demostrando que la comunidad de Seminci permanece unida y despierta más allá de las fechas del festival».

Con esta iniciativa se cumplen las aspiraciones de la Filmoteca de Castilla y León de mantener una programación cinematográfica estable en Valladolid, fruto de la colaboración institucional, como parte del ámbito de la difusión de la cultura audiovisual que tiene a su cargo la Dirección General de Políticas Culturales.

‘Metropolis’, de Fritz Lang

Once proyecciones programadas durante 2026

La programación de Filmoteca Seminci incluye, hasta el momento, once proyecciones que comenzarán en abril y se extenderán hasta diciembre: el ciclo de largometrajes ‘¿Qué fue del futuro?’ en los Cines Broadway; el ciclo ‘Restauraciones cinematográficas’, con dos obras maestras del cine español en el Auditorio FUNDOS Fórum; y un clásico del cine africano, un homenaje al cineasta Pere Portabella por su centenario y una nueva sesión del programa Inside Cinema, protagonizada por Jaume Claret Muxart, en los Cines Casablanca.

Las sesiones contarán con una presentación o coloquio posterior que enriquecerá la experiencia de visionado y el diálogo en torno a las películas, reforzando así el compromiso de Seminci con la divulgación de la historia del cine desde la cercanía y la participación del público.

En el marco de estas proyecciones, Espacio Seminci acogerá vitrinas temáticas dedicadas a los actores o directores vinculados a los títulos programados. La primera de ellas reúne objetos y recuerdos relacionados con Francisco Rabal, intérprete de Los santos inocentes, recuperando así la iniciativa ‘Vitrina del mes’, puesta en marcha en 2025 con el objetivo de poner en valor y difundir el archivo histórico del festival.

‘Los santos inocentes’, de Mario Camus. ‘Furtivos’, de José Luis Borau.

Dos obras maestras del cine español

Las actividades comenzarán el 28 de abril con la proyección de Los santos inocentes, de Mario Camus (1984), en el Auditorio FUNDOS Fórum, con motivo del centenario del actor Paco Rabal. La película, basada en el libro homónimo de Miguel Delibes, ganó el premio de interpretación masculina ex aequo para Alfredo Landa y Paco Rabal, que logró convertir a Azarías y su «milana bonita» en uno de los personajes más recordados del cine español. El acto se completará con el cortometraje Paco, mi padre, dirigido por Benito Rabal, hijo del recordado intérprete, quien lo presentará en Valladolid.

La versión remasterizada en 4K de Furtivos, película de 1975 dirigida por José Luis Borau, continuará el 29 de abril en FUNDOS Fórum la recuperación de títulos imprescindibles de la historia del cine español. Ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, Furtivos teje bajo la forma de un drama rural una alegoría sobre la opresión, el miedo y la necesidad de ruptura con un pasado autoritario. Su valor reside en la valentía con que, incluso antes del final del franquismo, logró formular una crítica simbólica al sistema. Lo hace a través de la relación de un joven reprimido emocional y sexualmente por una madre autoritaria, interpretados por Ovidi Montllor y Lola Gaos, respectivamente.

Con esta colaboración y el ciclo de películas restauradas, FUNDOS reactiva la histórica relación de la sala de Fuente Dorada con la programación cinematográfica impulsada junto a Seminci y la Filmoteca en la década de los noventa.

‘Apocalypse Now Redux’, de Francis Ford Coppola

Predicciones cinematográficas que cumplen 25 años en 2026

El ciclo ‘¿Qué fue del futuro?’ en los Cines Broadway pretende mostrar cómo el cine anticipó en torno al año 2001 debates y conflictos humanos de vigente actualidad. La selección de seis películas realizada por el equipo de programación de Seminci reúne títulos de variada procedencia geográfica firmadas todas ellas por cineastas consagrados.

El 7 de mayo Apocalypse Now Redux inaugurará el ciclo.La versiónampliada del clásico antibelicista de Francis Ford Coppola tuvo su estreno en el Festival de Cannes de 2001, desvelando una de las visiones más impactantes y complejas de la guerra en el cine. La película, inspirada en la novela El corazón de las tinieblas, de Joseph Conrad, no es una historia bélica más; explora la oscuridad humana, presentando la guerra como una experiencia caótica y profundamente deshumanizante.

El 11 de junio se proyectará Intervención divina, dirigida y protagonizada por Elia Suleiman. La película retrata de forma singular, irónica y simbólica cómo el conflicto palestino-israelí se filtra en la vida cotidiana, bosquejando un panorama absurdo, opresivo y crítico de los controles militares, las restricciones de movimiento y las rutinas de un territorio ocupado que invita al espectador a reflexionar sobre la búsqueda de libertad del pueblo palestino. Rodada en 2001 y estrenada en Cannes al año siguiente (donde obtuvo el Premio del Jurado), la vigencia de su temática se alinea plenamente con el eje central de este ciclo.

Trouble Every Day, de Claire Denis, plantea un futuro en el que la ciencia no hace progresar a la humanidad, sino que desata lo más oscuro de la naturaleza humana: el deseo convertido en violencia. A través de la manipulación genética y de las actuaciones extremas de Vincent Gallo y Béatrice Dalle, Denis anticipó en 2001 una pregunta que sigue sin respuesta: ¿qué ocurre cuando el progreso científico elimina los últimos límites morales? Su proyección está prevista el 23 de julio.

‘Intervención divina’, de Elia Suleiman.

El día 17 de septiembre el ciclo de proyecciones se retomará con Waking Life, de Richard Linklater. El director de Nouvelle Vague, Boyhood o Antes del amanecer profundizó en la faceta más filosófica de su filmografía con esta propuesta de animación que ofrece una reflexión existencial sobre el destino de la humanidad a través de los sueños lúcidos de su protagonista, que conversa sobre el libre albedrío, la identidad o el sentido de la vida con los personajes con los que se va encontrando en el camino.

Una vez terminada la 71ª edición de Seminci, el 12 de noviembre los Cines Broadway proyectarán la japonesa Pulse (Kairo). El realizadorKiyoshi Kurosawa recurre al género de terror para plantear una inquietante reflexión sobre la soledad con la historia de un fantasma que se comunica a través de internet. Hace ya 25 años, este título predijo que el mayor peligro del futuro no es la tecnología en sí, sino cómo puede amplificar la soledad humana, cómo la hiperconectividad lleva a la desconexión emocional y al fin de la humanidad.

El ciclo se cerrará el 10 de diciembre con un título mítico de la ciencia ficción distópica, Metrópolis (1927), de Fritz Lang. Una película que advirtió hace casi 100 años que el progreso tecnológico sin ética podría generar en 2026 una sociedad desigual, deshumanizada y en conflicto en el futuro. La sesión se enmarca en el acuerdo de colaboración que Seminci mantiene desde hace años con el Goethe-Institut para la difusión y promoción del cine alemán, y que se ha renovado de cara a ampliar su presencia en la 71ª edición.

‘Vampir-Cuadecuc’, de Pere Portabella.

Recuerdo a Pere Portabella y dos clásicos en Cines Casablanca

El 18 de junio, los Cines Casablanca se convertirán en anfitriones de la proyección de la película Vampir-Cuadecuc (1970), de Pere Portabella (Figueres, 1927). Productor de obras maestras del cine español como Viridiana, Los golfos o El cochecito, como director es un referente de la cultura de vanguardia que ha influenciado a muchos cineastas contemporáneos. Vampir-Cuadecuc, una de sus películas más conocidas,deconstruye los mecanismos narrativos del rodaje dela película El conde Drácula, de Jesús Franco, protagonizada por Christopher Lee, para dibujar su propia versión del mito vampírico y romper con el cine dominante permitido por el franquismo.

Tras la proyección, el cineasta, teórico y divulgador Luis E. Parés, especialista en la filmografía de Portabella y actual director artístico de Cineteca Madrid, conversará en Espacio Seminci con el codirector del festival Javier H. Estrada, con el objetivo de establecer un diálogo transgeneracional sobre la relevancia y permanencia del cine de Portabella, tanto en su dimensión estética como política.

Seminci se une así al programa internacional ‘Acción Portabella’, impulsado por el Ministerio de Cultura y la Generalitat de Catalunya para conmemorar durante 2026 y 2027 el centenario del cineasta y activista. Un homenaje que el propio Pere Portabella ha aceptado como reconocimiento a su actualidad permanente como motor de activismo artístico y político: «Tenemos que hacer cosas que tengan actualidad, vitalidad, que nos permitan avanzar. Aquí es donde me siento cómodo», ha señalado.

‘Sambizanga’, de Sarah Maldoror. ‘Un verano con Mónica’, de Ingmar Bergman.

Bajo el título ‘Ingmar Bergman visto por Jaume Claret Muxart’, Filmoteca Seminci acogerá el jueves 30 de abril una nueva sesión del ciclo Inside Cinema, iniciativa impulsada en el marco de la red europea Young4Film, de la que el festival forma parte desde 2025. En esta ocasión, el invitado será el cineasta Jaume Claret Muxart, nominado al Premio Goya a mejor dirección novel por Extraño río y presente en la 68ª edición de Seminci con su cortometraje Die Donau. Tras la proyección de la película Un verano con Mónica, de Ingmar Bergman, en Cines Casablanca, Claret analizará las conexiones entre este título y su propia obra en Espacio Seminci.

Considerada una pieza clave en la historia del cine moderno, Un verano con Mónica narra la intensa historia de amor y huida de dos jóvenes que buscan escapar de la rutina urbana durante un verano de libertad en un archipiélago sueco. La película destaca por su naturalismo, su innovador tratamiento de la intimidad y, especialmente, por la célebre mirada a cámara de su protagonista, interpretada por Harriet Andersson, un gesto que marcó a generaciones de cineastas, como al propio Jaume Claret Muxart.

El 28 de mayo se proyectará en los Cines Casablanca, un clásico de la cinematografía africana, Sambizanga, (1972),de Sarah Maldoror. Esta propuesta, organizadaen colaboración con el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid con motivo de la celebración esa semana del Día de África, se completará con una charla posterior.

Con este trabajo, Maldoror se convirtió en una de las primeras mujeres en dirigir un largometraje en África. La directora retrató en este título, obra clave del cine anticolonial y feminista africano, la lucha por la independencia de Angola a través de la historia de María, una mujer que busca a su marido detenido por la policía colonial portuguesa.

Ingmar Bergman. El cine de las cicatrices

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Ingmar Bergman es un autor cuya filmografía ha sido analizada y diseccionada hasta el hartazgo. No obstante, la prevalencia de aspectos visuales, estructurales o estilísticos en los trabajos realizados ha copado el mundo editorial, sin que la verdadera esencia de Bergman haya sido desvelada. Porque, aunque era director, también fue guionista y, pese a que él mismo renegase de su talento como escritor, su mayor afán era el de ser considerado un intelectual de primer orden como August Strindberg. Ingmar Bergman. El cine de las cicatrices opera a la inversa que la totalidad de la bibliografía que gira en torno al director sueco, analizando los diálogos de sus películas respecto a las temáticas que le obsesionaban como persona: la religión, los actores, la violencia, la sexualidad, la trascendencia, la muerte, la enfermedad mental y la familia. Cada una de sus cicatrices fue trasladada a su filmografía de manera ineluctable, lo que resultó en un corpus cinematográfico extraordinariamente rico y susceptible de ser analizado desde la propia biografía y devenir del director. Tras la lectura de este volumen, se entenderá que las filias y fobias de Bergman marcaron su carrera como autor cinematográfico, siendo fácil rastrear su personalidad en cada título, lo que revela una obra completamente íntima y fascinante.

Autor: Lucía Tello Díaz, Editorial: Sílex Ediciones, Páginas: 432

Tráiler y póster para «Ice Cream Man» de Eli Roth

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Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Eli Roth titulado Ice Cream Man. Cinta de terror que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 7 de agosto.  

En Ice Cream Man vemos como un idílico pueblo de verano se convierte en lugar de locura cuando un heladero sirve a los niños delicias dulces con resultados espeluznantes.

La película, con guion a cargo del propio Eli Roth junto a Noah Nelson, está protagonizada por Ari Millen, Benjamin Byron Davis, Eli Roth, Karen Cliche, Dylan Hawco, Sarah Abbott, Shiloh O’Reilly, Kiori Mirza Waldman, Charlie Zeltzer y Charlie Storey.

Teaser tráiler para «All of a Sudden» de Ryūsuke Hamaguchi

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Empiezan a ver la luz los primeros adelantos de algunas de las películas que competirán por la Palma de Oro en la próxima edición del Festival de Cannes. All of a Sudden, cuyo primer teaser tráiler podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, supone el regreso a la dirección del japones Ryūsuke Hamaguchi, que aquí adapta libremente una colección de cartas escritas entre la filósofa Makiko Miyano y la antropóloga médica Maho Isono, publicadas en el libro «You and I – The Illness Suddenly Get Worse«.

All of a Sudden nos sitúa en París, Marie-Louise Fontaine, directora de la residencia de ancianos suburbana «Jardín de la Libertad«, se esfuerza por proporcionar una atención humana a sus numerosos residentes, pero se ve acosada por la escasez de personal y la falta de comprensión entre sus colegas. En medio de estos problemas, Marie-Lou conoce al azar a Mari Morisaki, una directora de teatro japonesa. Marie-Lou encuentra valor en las obras escritas por Mari, que lucha contra el cáncer. Guiadas por la coincidencia de sus nombres, que suenan parecidos, empieza a formarse un vínculo entre ellas. Sin embargo, un día, Mari empeora repentinamente. A medida que la enfermedad de Mari avanza, su nueva relación se profundiza dramáticamente, y empiezan a conectar a un nivel conmovedor…

La película, con guion adaptado a cargo de Ryûsuke Hamaguchi junto a Léa Le Dimna, está protagonizada por Virginie Efira, Tao Okamoto, Kyôzô Nagatsuka, Teruyo Kurosaki, Marie Bunel, Jean-Charles Clichet, Jean-Louis Garçon, Lazare Gousseau, Margot Maricot, Prescilia Follin, Evelyne Istria, Jérôme Chappatte, Elizabeth Tamaris y Gabriel Dahmani.  

     

Proyecciones Xcèntric: Figuraciones desvergonzadas. Tres obras en vídeo de Vanalyne Green

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Narrada en primera persona, la obra de Vanalyne Green combina perspicazmente la autobiografía y el tono confesional con elementos de la cultura popular para abordar temas como el trauma, los desórdenes alimenticios, la violencia doméstica, el amor y el deseo sexual. Este programa reúne sus obras más conocidas, realizadas entre 1984 y 1999

Trick or Drink (1984) es un diario que abarca de 1962 a 1982, en el que Green explora las consecuencias de crecer en un entorno familiar marcado por el alcoholismo. La película combina fotografías de su adolescencia, fragmentos de revistas y periódicos de la época, imágenes publicitarias, textos en pantalla, dibujos y la presencia misma de la artista frente a la cámara. Por su parte, A Spy in the House that Ruth Built (1990) supone una lectura divertida y aguda de los simbolismos en el imaginario del béisbol. Green identifica diferentes dinámicas de género y las subvierte a través de su forma de involucrarse, con distancia y pasión a la vez, en este deporte. Finalmente, en Saddle Sores (1999) Green cuenta que contrajo herpes tras acostarse con un cowboy. El corto mezcla secuencias de anuncios y películas del Oeste con conversaciones con sus amigas y reflexiones sobre la enfermedad venérea y sus implicaciones.

En sus vídeos, Vanalyne Green demuestra una voluntad por saber y comprender las normas morales, muchas veces hipócritas, que aquejan a las personas. El humor ácido con el que aborda estas cuestiones desarticula la vergüenza y reivindica la libertad de vivir más allá de la estigmatización. Parte del ingenio de Green radica en su capacidad de asociar imágenes aparentemente inconexas. Por ejemplo, la artista compara la forma del béisbol con la del sistema reproductor femenino o el relieve de los desiertos de las películas del Oeste con la piel de un cuerpo infectado con herpes. En conjunto, las tres obras nos muestran unos quince años en la vida Green: su evolución, sus equivocaciones, sus miedos y sus alegrías.

Vanalyne Green: Trick or Drink, 1984, video, 20 min; A Spy in the House That Ruth Built, 1989, video, 30 min; Saddle Sores, 1999, video, 19 min.

Proyección en digital, VOSC. Copias procedentes de LUX.

Directores/as

Fecha y horario

19 abril 2026 18:30 h

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Precios

4 € / 3 € Reducida Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido Amigos CCCB: gratuito Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online. Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

«Die My Love» review

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Una pareja joven y enamorada, Grace y Jackson, se muda desde Nueva York a una casa heredada en el campo. Al poco tiempo, Grace intenta encontrar su identidad en ese entorno aislado, acompañada de su bebé recién nacido. Pero al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la fortaleza y la imaginación.

A través de una oscura introspección, más orientada en la fisicidad que en la dialéctica, es de la que parte Lynne Ramsay en Die My Love, drama desaforado que se desarrolla en ese concepto de la psicosis posparto que deviene en campo de batalla, temática manida que empieza a mostrar numerosos signos de agotamiento, especialmente en digresiones tan cuestionables como, por ejemplo, las recientes Nightbitch (Marielle Heller, 2024) o Salve María (Mar Coll, 2024) entre otras. Una premisa argumental que, sin embargo, Die My Love desarrolla de forma más convincente con respecto a las películas antes citadas, en esta ocasión, por la transversal radiografía que hace del American way of life, mediante el periplo de un joven matrimonio que se muda de la gran ciudad a una zona rural tras tener un hijo.

Un concepto supuestamente idílico, aquí llevado a una situación límite, donde la inseguridad del personaje interpretado por Jennifer Lawrence, que toma como principal referencia al de Gena Rowlands en A Woman Under the Influence, se transforma en una suerte de comportamiento psicopático. Al igual que en anteriores trabajos de Lynne Ramsay como We Need to Talk About Kevin (2011) o You Were Never Really Here (2017), el argumento de Die My Love versa principalmente sobre heridas ocultas, y cómo estas terminan propiciando irracionales comportamientos y simbologías en el tramo final del relato, como por ejemplo el anhelo por querer sentirse vivo dentro de un escenario que ejerce una función de cárcel mental.

Valoración 0/5:3

Llegan a FlixOlé la oscarizada «Belle Époque» y la exitosa carta de amor al cine español, «La niña de tus ojos»

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El director Fernando Trueba, figura indispensable del cine español contemporáneo, protagoniza la programación de FlixOlé con el estreno, el próximo viernes 10 de abril, de dos de sus películas más emblemáticas: Belle Époque (1992) y La niña de tus ojos (1998). Junto a estos títulos, la plataforma lanza una colección que reúne una decena de obras rodadas o escritas por el cineasta, ofreciendo un recorrido por su universo creativo y su aportación al audiovisual español.

Heredero en espíritu de Billy Wilder y del mejor clásico americano, Trueba ha sentido el cine como una comedia romántica capaz de mostrar lo maravillosa que puede ser la vida, incluso con sus sinsabores. Con profundidad y naturalidad, contribuyó a principios de los años 80 a poner patas arriba el panorama cinematográfico español con propuestas desenfadadas que darían lugar a la llamada comedia madrileña. Durante la década siguiente, la más prolífica de su carrera, afianzó su estilo con películas que capturan con sensibilidad la memoria del país. Reconocido con numerosos premios Goya y artífice de la segunda producción española en conquistar el Oscar, su trayectoria abarca géneros tan diversos como el melodrama de época, el noir, la animación o el musical, además de consolidar un notable prestigio en el ámbito del documental.

Con ‘Fernando Trueba: Sueños de celuloide’, FlixOlé propone ahora un recorrido integral por la obra de uno de los grandes nombres del cine español. El especial reúne tres estrenos destacados, Belle Époque, La niña de tus ojos y El baile de la victoria (2009), que se suman a un catálogo de títulos imprescindibles para comprender la riqueza y vigencia de su filmografía.

Culminación del cine histórico: Belle Époque

Tras sentar cátedra con la ‘Escuela de Yucatán’, nacida entre el tintinear del hielo en los vasos y el humo de los garitos de Malasaña, Fernando Trueba se coló sin carné de director en la industria. Junto a compañeros de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense —como Carlos Boyero, Antonio Resines u Óscar Ladoire— convirtió en realidad su sueño de hacer cine con películas que funcionaban como retratos generacionales. En ellas, la influencia de la nouvelle vague y el póster de Annie Hall de Woody Allen se mezclaban con una mirada propia que, casi sin proponérselo, terminó por renovar los códigos de la comedia española.

Aquella celebración vitalista hecha a base de líos amorosos, cigarritos de la risa y ansias de libertad una vez enterrado el franquismo fue evolucionando hacia territorios más complejos. Con El año de las luces (1986), Trueba desplazó el foco desde la efervescencia de los años 80 hacia los años grises de la posguerra, abriendo una nueva etapa en su cine. Ese tránsito, de lo inmediato a lo evocador, de lo generacional a lo histórico, encuentra su culminación en Belle Époque.

Situada en los días previos a la Segunda República, la película sigue a un joven (Jorge Sanz) que, tras desertar del ejército, encuentra refugio en una familia tan libre como fascinante, iniciando una aventura sentimental con cada una de las hijas (interpretadas por Ariadna Gil, Maribel Verdú, Miriam Díaz Aroca y Penélope Cruz) de su anfitrión (Fernando Fernán Gómez). Definida por el propio Trueba como una “película contra el muermo”, la cinta se aleja de etiquetas para moverse con libertad entre personajes, emociones y tonos, construyendo un relato de lo que España podría haber sido.

Nacida del placer de contar historias —tras una comida entre Fernando Trueba, José Luis García Sánchez y Rafael Azcona— la cinta acaparó la atención del público y la crítica, y se convirtió en uno de los mayores hitos del cine del país cuando su director recogió el Oscar a Mejor película de habla no inglesa; el segundo para una producción española. 

Humor y tragedia en el periplo de La niña de tus ojos

La cinta llega al catálogo de FlixOlé en una restaurada versión, realizada en los laboratorios de la plataforma, que acompaña a otro de los títulos más celebrados de Trueba: La niña de tus ojos. Esta apasionada declaración de amor al séptimo arte patrio sitúa al público en plena Guerra Civil: el director Blas Fontiveros (Antonio Resines) y su equipo viajan a la Alemania nazi para rodar en los estudios de la UFA una película folclórica con la estrella Macarena García (Penélope Cruz). La dificultad de ambientar la alegría y pasión andaluza en tierras teutonas será el menor de los problemas de la troupe española, que descubrirá las lascivas intenciones del ministro alemán de propaganda, Joseph Goebbels, con la protagonista y que los extras del filme son gitanos y judíos procedentes de campos de concentración.

Inspirada libremente en el periplo de Imperio Argentina y Florián Rey en la Alemania del Tercer Reich, la película combina humor y tragedia para retratar a un grupo de cineastas enfrentados a una realidad tan compleja como desconocida. Con un gran despliegue de producción y un reparto coral de nivel —que consolidó la fama internacional de Penélope Cruz—, el largometraje llevó a cerca de 2,5 millones de espectadores a las salas de cine y eclipsó la decimotercera edición de los Goya, donde obtuvo siete galardones.  

El baile de la victoria y otros ‘sueños de celuloide’

El especial ‘Fernando Trueba: Sueños de celuloide’ se completa con el estreno de El baile de la victoria, una historia de segundas oportunidades ambientada en Chile tras la dictadura. Basada en la novela de Antonio Skármeta, la película confirma la versatilidad de Trueba y su capacidad para abordar relatos de gran carga emocional, explorando temas como la redención, la justicia y la esperanza.

La colección se enriquece además con otros títulos fundamentales en la filmografía del director: El artista y la modelo (2012) con la que ganó la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, delicada reflexión sobre la creación y el paso del tiempo; Sé infiel y no mires con quién (1985), icono de la comedia madrileña; Two Much (1995), su salto a la comedia romántica internacional; El año de las luces (1986), retrato iniciático de la posguerra; El embrujo de Shanghai (2002), evocación de la memoria y la imaginación; así como los proyectos que coescribió: Esta noche es la noche (Julio Sánchez Valdés, 1980), Miss Caribe (Fernando Colomo, 1988), Suspiros de España (y Portugal) (José Luis Gª Sánchez, 1994) y A contratiempo (Óscar Ladoire, 1982), que completan un mosaico imprescindible para comprender la riqueza y diversidad de una de las carreras más influyentes del cine español.

Primer tráiler para «El ser querido», lo nuevo de Rodrigo Sorogoyen

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Con motivo del anuncio de su presencia en la Sección Oficial a concurso del próximo Festival de Cannes, acaba de ser presentado en sociedad un primer teaser tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Rodrigo Sorogoyen titulado El ser querido, película que de la mano de A contracorriente tiene previsto su estreno comercial en nuestro país para el próximo 28 de agosto.  

El ser querido nos cuenta como un aclamado director de cine y su hija, una actriz sin éxito, vuelven a rodar juntos una película tras varios años de distanciamiento y un pasado difícil del que ninguno de los dos quiere hablar.

La película, con guion a cargo del propio Rodrigo Sorogoyen junto a Isabel Peña, esta protagonizada por Javier Bardem, Vicky Luengo, Raúl Arévalo, Raúl Prieto, Marina Foïs, Mourad Ouani, Melina Matthews, Laura Birn, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando y Malena Villa.

El ser querido es una película original de Movistar Plus+ producida en colaboración con Caballo Films, El Ser Querido AIE y la francesa Le Pacte que cuenta con la participación de Canal+, la financiación del ICAA y Creative Europe Media y el apoyo del ICEC y la Comunidad de Madrid.

Escritos sobre cine por Miguel Marías. Alfred Hitchcock

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Celebrado como «mago del suspense», maestro del entretenimiento y brillante narrador, Alfred Hitchcock es eso… y mucho más. A lo largo de varias décadas Miguel Marías reflexiona (ya en 1964, el primer texto crítico que escribió lo dedicó a ordenar lo que pensaba acerca de Hitchcock y Marnie) sobre aspectos soslayados con frecuencia, como su faceta romántica, su modo de dirigirse al espectador, su humorismo o, completándolo, su mirada grave y profunda.

Autor: Miguel Marías, Editorial: Confluencias, Páginas: 256

Trailer final para «Mother Mary» de David Lowery

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Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de A24 el tráiler final, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del esperado regreso a la dirección de David Lowery titulado Mother Mary. Descrita como un “thriller psicosexual pop”, la película, aún sin fecha de estreno en nuestro país, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 17 de abril.    

Mother Mary gira en torno a como las heridas ocultas durante mucho tiempo salen a la superficie cuando una popular estrella del pop se reúna con su antigua mejor amiga, y ex diseñadora de vestuario, en vísperas de su regreso a los escenarios.

La película, con guion a cargo del propio David Lowery, está protagonizada por Anne Hathaway, Michaela Coel, Hunter Schafer, Atheena Frizzell, Kaia Gerber, Jessica Brown Findlay, Isaura Barbé-Brown, Alba Baptista, Sian Clifford y FKA Twigs.

“April”, la película de Dea Kulumbegashvili premiada en Venecia y San Sebastián, se estrena en Filmin

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El 10 de abril Dea Kulumbegashvili regresa con este retrato brutal y realista sobre el aborto en las zonas más desfavorecidas de Georgia. 

El 10 de abril se estrena en Filmin “April”, el segundo largometraje de la directora georgiana Dea Kulumbegashvili, autora de «Beginning”, película con la que se llevó la Concha de Oro. Con este nuevo trabajo, la cineasta ha consolidado su prestigio internacional al alzarse con el Gran Premio del Jurado en Venecia y coronar la Sección Zabaltegi en el Festival de San Sebastián.

Sinopsis
Nina (Ia Sukhitashvili) es una obstetra experta en un hospital materno del este de Georgia. Tras un parto difícil, el bebé muere y el padre, destrozado por el dolor, exige que se investiguen los métodos de Nina. El escrutinio resultante amenaza con sacar a la luz la actividad paralela de Nina, que consiste en conducir por la impresionante belleza del campo hasta las casas de las aldeas donde viven las mujeres y las niñas embarazadas para practicarles abortos ilegales, y con destruir la profesión que es la única fuente de sentido en su vida.

El ciclo continúa

La idea de la película surge durante el rodaje del anterior largometraje de la directora, cuando empezó a entrar en contacto con mujeres que vivían en condiciones de gran precariedad. Muchas de ellas, con seis o siete hijos, apenas habían tenido acceso a la educación –no sabían leer ni escribir– y se habían casado siendo adolescentes. A partir de estas experiencias, Kulumbegashvili identificó un patrón: «Comprendí que se trata de un círculo vicioso: las madres no recibieron ninguna educación, se casaron a los quince años y nadie les preguntó nunca qué querían en la vida, y luego tuvieron hijos. Y, a pesar del amor y los cuidados que les dan, son incapaces de proporcionarles una educación básica. Y el ciclo continúa”. 

Kulumbegashvili quiso poner el foco en estas mujeres y en la importancia de mantener en el centro de la conversación el tema del aborto: “En Georgia es legal hasta las doce semanas, pero cada clínica tiene derecho a decidir si quiere hacerlo, y es imposible encontrar una clínica que lo haga. Pregunté a los médicos: ‘¿Y si se trata de una víctima de violación?’. Y me respondieron: ‘Debería ir a la ciudad y resolverlo con la policía’. Uno de los médicos dijo: ‘¿Por qué tengo que ser yo responsable de sus pecados?’ ”. 

Las personas de las alturas

Dea Kulumbegashvili quiso hacer a las personas locales partícipes de su proyecto. Dispusieron una zona de manualidades para que los niños pudieran acercarse, participar y preguntar. La directora quería despertar en ellos la curiosidad y permitirles vislumbrar otro futuro. También invitó a las mujeres del pueblo: “Tenían muchas ganas de maquillarse. Aunque en mi película no usamos mucho maquillaje, les dije que sí. Para ellas era una celebración, un día libre de su rutina. Pero antes de volver a casa, se lavaban la cara: no podían dejar que nadie supiera que llevaban maquillaje. Como si no se les permitiera disfrutar de un día feliz. A sus maridos no les importaba que salieran en la película, porque les pagaban. Pero, de alguna manera, no debía ser algo con lo que ellas también disfrutaran”.

Hasta los partos que aparecen son reales. Kulumbegashvili pasó un año observando el trabajo de los médicos en una clínica de maternidad: “Y en algún momento me permitieron hablar con las mujeres embarazadas para preguntarles si me dejarían ver y filmar sus partos. Estuve en contacto con ellas durante casi todo el embarazo, por lo que se sentían muy cómodas conmigo. Se necesitó mucha paciencia por parte de todos y comprender que no éramos los protagonistas y que, en cuanto alguien nos dijera que teníamos que irnos, lo haríamos. Aunque teníamos muy poco control, también estábamos muy preparados”.

«Reflection in a Dead Diamond» review

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John tiene 70 años y vive en un lujoso y solitario hotel de la Costa Azul. Se siente intrigado por la mujer de la habitación de al lado, que le recuerda sus años salvajes en la Riviera en la década de 1960, cuando era un elegante espía internacional en un mundo lleno de peligros y promesas. Pero cuando la mujer desaparece misteriosamente, John se ve acosado por recuerdos -o tal vez fantasías- de su glamuroso y grotesco pasado, y de las seductoras mujeres y ruines villanos que vivieron y murieron allí.

En la pasada edición del festival de Sitges se pudieron ver varias propuestas que, para bien o para mal, mostraron un inalterable sello autoral por parte de sus responsables. A tal respecto, una de las labores más satisfactorias del festival es el haber apostado desde un principio por filmografías que empiezan a ser reconocidas, como la de Bruno Forzani y Hélène Cattet. Tras estar presentes en anteriores ediciones con Amer (2009), L’étrange couleur des larmes de ton corps (2013) y Laissez bronzer les cadavres! (2017), su nuevo trabajo tras las cámaras, la sobresaliente Reflection in a Dead Diamond, fue una de las indiscutibles cimas vistas este año en el festival. Un film que reverencia y deconstruye un subgénero, en esta ocasión, el EuroSpy de los años 60, utilizando universos pop y psicodélicos, la corporeidad y los materiales y la duplicidad de conceptos como la ilusión óptica.

Relato que huye de cualquier tipo de dialéctica y que empieza con un guiño a Morte a Venezia, de Luchino Visconti, por su evidente iconografía y por retratar una memoria fragmentada, para más tarde bifurcarse en mil detalles y estructuras, muy apropiada para una historia sobre espionaje, la concerniente a una reflexión ilusoria sobre la identidad y cómo esta puede errar, transformarse o disolverse. Difícil encontrar en la actualidad una declaración de amor al séptimo arte como la de Bruno Forzani y Hélène Cattet, autoría tan arriesgada como la orquestada por Lucile Hadžihalilović, ya que estamos ante un tipo de creadores que se manifiestan a través de la imagen, y cómo esta se correlaciona con estéticas y referencias artísticas, cada cuál más distinta.

Valoración 0/5:4

Tabakalera: Retrospectiva dedicada a la cineasta francesa Lucile Hadzihalilovic

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 ALGO DE LUZ EN LA OSCURIDAD

El vínculo entre la directora Lucile Hadzihalilovic y San Sebastián es evidente. Ha sido premiada en el Festival de San Sebastián cuatro veces. En el año 2004 ganó el premio New Directors con Innocence . Ha recibido el Premio Especial del Jurado tanto por Évolution (2015) como por Earwig (2021) y, por último, en el año 2025 el Premio Zabaltegi-Tabakalera por La Tour de Glace.

Para presentar el cine de Hadzihalilovic podríamos utilizar conceptos como infancia y adolescencia, mundos inquietantes y sensoriales, ritmo hipnotizante y carácter onírico, la importancia del sonido y de los planos fijos.

Parece claro que el cine que hace está influido por sus primeras experiencias en las salas de cine de Casablanca donde descubrió este arte como experiencia emocional. También por haber cursado la carrera de Historia del Arte antes de entrar en el IDHEC (La Fémis actual). Y seguro que por ciertas referencias que menciona como Eraserhead de David Lynch o ¿Quién puede matar a un niño? de Chicho Ibáñez Serrador.

En los años 90 fundó junto a su compañero Gaspar Noé Les Cinémas de la Zone, Zone tanto por la zona más pobre de París como por Andréi Tarkovski. Deseaban rodar las películas que quisieran como quisieran y abrir una productora parecía la única manera de poder hacerlo.

En 1996 Hadzihalilovic dirigió su primera película, La bouche de Jean-Pierre donde encontramos características que seguiremos viendo en toda su filmografía. Podríamos decir que este primer mediometraje suyo es una película sobre violación y venganza, sin violación y sin venganza. El efecto de las artes plásticas es evidente: es una película amarilla y verde donde la niña es amarilla y el hombre es verde, y chocan. Respecto al formato, su decisión de rodar en cinemascope y en 16mm estuvo claramente marcada por Star Suburb de Stéphane Drouot (1983). Es un formato que la directora siente muy propio ya que sus películas reflejan encierro, y este es un formato que encierra y al mismo tiempo, abre.

Por último, es importante mencionar la relación de la cineasta con la literatura. La tour de glace se basa en el cuento de Hans Christian Andersen La Reina de la Nieve, Earwig en la novela homónima de Brian Catling e Innocence en el libro Mine-Haha. O de la educación física de las niñas de Frank Wedekind.

Cine y audiovisual 02 abr 2026 | 19:00

De Natura, Nectar y La bouche de Jean-Pierre de Lucile Hadzihalilovic

Cine y audiovisual 04 abr 2026 | 19:00

Innocence, Lucile Hadzihalilovic

Cine y audiovisual 09 abr 2026 | 19:00

Evolution, Lucile Hadzihalilovic

Cine y audiovisual 11 abr 2026 | 19:00

Earwig, Lucile Hadzihalilovic

Cine y audiovisual 16 abr 2026 | 19:00

La tour de glace, Lucile Hadzihalilovic

Lo que las paredes esconden, primer tráiler para «Backrooms» de Kane Parsons

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Después de un breve teaser presentado hace unas semanas acaba de ver la luz de la mano de A24 y Elástica Films un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto a dos carteles promocionales, del film de terror Backrooms, debut en la dirección del joven Kane Parsons que fija la mirada en los espacios liminales y cotidianos. La película está inspirada en una serie de cortos del mismo autor rodados en formato found footage sobre leyendas urbanas y espacios laberíntico que existen más allá de la realidad disponibles a través de YouTube desde 2022.

En Backrooms, que se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 5 de junio, vemos como una extraña puerta aparece en el sótano de una exposición de muebles. Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para poder salvarlo.

La película, con guion a cargo de Roberto Patino y William Bromell, está protagonizada por Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell, Avan Jogia, Chelah Horsdal, Milania Kerr, Toby Hargrave, Philip Granger y Patrick Baynham.

Proyecciones Xcèntric: Zorns Lemma. De la A a la Z

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Esta sesión se centra en Zorns Lemma, obra clave del cine norteamericano de vanguardia y punto de inflexión en la carrera de Hollis Frampton. Después de la proyección, el crítico José Emilio González realizará una conferencia ilustrada sobre la película, fruto de su investigación durante el máster de comisariado audiovisual en la Elías Querejeta Zine Eskola.

Descrita por Michael Zryd como «una reflexión prolongada sobre la relación del lenguaje con el conocimiento y la experiencia organizada alfabéticamente», Zorns Lemma es una obra infinita donde se transita de «las palabras como imágenes» a la luz como imagen primigenia del cine y del mundo. La película se estructura en tres partes. En la primera, la pantalla permanece en negro al tiempo que una voz recita el New England Primer, una serie de rimas que los colonizadores británicos utilizaban en Estados Unidos durante el siglo xvii para enseñar el alfabeto a las niñas y los niños. La segunda parte (y la más extensa) arranca con un montaje en el que cada plano, con duración de un segundo, corresponde a una letra del abecedario latino. Después, Frampton muestra planos de palabras encontradas en anuncios, aparadores, carteles y muros de las calles de Nueva York. Estos planos se organizan alfabéticamente y, tras una serie de iteraciones, se reemplazan por una imagen. En la tercera parte, una mujer, un hombre y un perro caminan entre la nieve, al tiempo que una serie de voces pronuncian las palabras de «n Light, or the Beginning of Forms», un tratado sobre la ontología y la cosmología de la luz, escrito en el siglo xi por Robert Grosseteste.

La película se intitula a partir de una proposición de Max Zorn para la teoría de los conjuntos que afirma que «todo conjunto parcialmente ordenado no vacío en el que toda cadena (subconjunto totalmente ordenado) tiene una cota superior contiene al menos un elemento maximal». El gesto de hacer una película que evoque las matemáticas pone de manifiesto el carácter epistemológico de Zorns Lemma. Frampton se interesa por explorar cómo conocemos el mundo. La película es un viaje del negro al blanco, de la oscuridad hacia la luz. En este tránsito, es también una suerte de sinfonía urbana, de experimentación cromática, de poema dadaísta. Una película infinita, en suma.

Zorns Lemma, Hollis Frampton, 1970, 16 mm, 60 min.

Proyección en 16 mm. Copia procedente de Filmmaker’s Coop.

Participantes

Directores/as

Fecha y horario

26 abril 2026 18:30 – h

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Precios

4 € / 3 € Reducida Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido Amigos CCCB: gratuito Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online. Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

Pasolini contra Calvino. Por una literatura impura

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El mismo sistema literario que canoniza a Calvino expulsa a Pasolini. Declarada la muerte de los grandes relatos, del autor y quizá también de la literatura, ambos ajustan cuentas con su obra anterior, pero en sentido opuesto: Calvino, un autor-imagen afectado por un malestar de identidad, se entrega a la variación estética continua sin tensión crítica ni salida del tablero; Pasolini, un autor performático atravesado en carne y hueso por un malestar de inutilidad, se ofrece a todas las hogueras, busca una finalidad práctica para su escritura y vive en conflicto trágico con la institución.

Calvino, a la defensiva, enarbola una prosa límpida y eficaz, un estilo geométrico animado por el rigor formal; se multiplica para esconderse, se escapa y se enmascara, monta un juego de espejos y un efecto de apócrifo, se distancia irónicamente de su propia voz. Pasolini va de las cenizas de Gramsci, la nostalgia de la cultura premoderna y el discurso indirecto libre a la ofensiva de la palabra directa y el “proyecto de obra” en perpetuo estado potencial, hecho de estratos donde conviven lo arcaico y lo moderno. Calvino se adapta para sobrevivir. Pasolini sobrevive como un inadaptado.

Agotada la ilusión de la historia, Calvino practica sus juegos mentales y pule un arte que se pretende autónomo, con cambios constantes de rumbo dentro de los confines de su disciplina. Pasolini contamina, perfora y desordena, salta el cerco y dice “no”. Mesura y triunfo, parresía y martirio literario.

Carla Benedetti se pregunta para qué escribir. Y firma este libro, una bengala polémica desde el inicio, cuya trayectoria luminosa se despliega todavía.

El autor

Carla Benedetti. Pisa (1952). Crítica literaria y ensayista, profesora de literatura italiana moderna y contemporánea en la Universidad de Pisa. Doctora en semiología por la École des hautes études en sciences sociales de París, ha dictado clases sobre teoría de la literatura en la Universidad de New York, la Universidad de Chicago y la Universidad de Berkeley. Su obra incluye, entre otros libros, ensayos incluidos en diversos volúmenes y columnas periodísticas, Il tradimento dei critici (2002), Disumane lettere. Indagini sulla cultura della nostra epoca (2011) y La letteratura ci salverà dall’estinzione (2021).

Con Pasolini contra Calvino. Por una literatura impura, Shangrila presenta a los lectores un ensayo clave sobre el rol de la literatura en el contexto de la crisis de la modernidad. Publicado originalmente en 1998, fue reeditado en 2022 con un prefacio de la autora. Esa nueva edición es la que se recoge en este libro.

Autor: Carla Benedetti, Traducción: Ester Quirós Damiá, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas: 218

Primer tráiler para «Deep Water», lo nuevo de Renny Harlin

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Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Magenta Light Studios un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de la nueva película de Renny Harlin titulada Deep Water. Veinticinco años después de Deep Blue Sea, Renny Harlin reincide en la temática del tiburón asesino con una película que tiene previsto su estreno en Estados Unidos para el próximo 30 de abril. En España, de la mano de DeAPlaneta, lo hará el 7 de agosto.      

Deep Water nos cuenta como un vuelo transoceánico se ve obligado a realizar un aterrizaje forzoso en el Pacífico tras un catastrófico incendio a bordo. Los supervivientes, un ecléctico grupo de pasajeros internacionales, deberán trabajar juntos y superar sus diferencias si quieren encontrar la manera de salvarse y no ser devorados por una hambrienta jauría de tiburones.

La película, con guion a cargo Pete Bridges y John Kim, está protagonizada por Ben Kingsley, Aaron Eckhart, Angus Sampson, Kellly Gale, Madeleine West, Mark Hadlow, Priya Jain, Molly Belle Wright, Rarmian Newton, Rob Kipa-Williams, Lucy Barrett, Richard Crouchley, Ryan Bown, Kate Fitzpatrick, Lakota Johnson, Michael Cardelle, Jacqueline Lee Geurts, John De Luca, Gavin Lee, Wenhan Li, Nashi, Elijah Tamati, Rosie Zhao y Simei Zao.

Cineteca Madrid dedica la programación de abril al diálogo entre cine y literatura

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·  La programación de este mes gira en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena

·  El ciclo Teoría y praxis reúne la obra de distintos cineastas para explorar la manera en que la escritura condiciona y proyecta la imagen

·  Cineteca se suma al Festival Biophest, organizado por Matadero e Intermediae, con la proyección de tres películas que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal

·  Flamenco García Lorca propone un recorrido por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, desde su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad

·  El mago de Oz, Sonrisas y lágrimas o Piratas del Caribe son algunas de las películas que se proyectarán en las matinales familiares de los domingos en homenaje al blockbuster

·  Los espectadores podrán acercarse al cine radical de Gus Van Sant a través de sus películas Elephant, Last Days y Paranoid Park

Con motivo de la celebración del Día del Libro, Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica la programación de abril al diálogo entre el cine y la literatura, coincidiendo además con el 75 aniversario de Cahiers du Cinéma, una de las revistas fundamentales de la historia del cine. El mes se articula en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena.

Por un lado, Cineteca propone un recorrido por algunas de las películas favoritas de los principales críticos vinculados a Cahiers du Cinéma. Por otro, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, ofrece un programa centrado en el diálogo entre textos y películas de cineastas y teóricos que han pensado y practicado el cine desde la escritura, como Laura Mulvey, Masao Adachi o Trinh T. Minh-ha.

Además, abril incluye un programa dedicado al espíritu flamenco de Federico García Lorca y otro programa especial en torno a cine y literatura. Por otro lado, las sesiones matinales familiares se articularán en un ciclo, en colaboración con la periodista e investigadora Elisa McCausland, que recorre la historia del blockbuster y propone una introducción a las grandes narrativas del cine popular para los más jóvenes. Cineteca también se suma este mes de abril a la celebración del Festival Biophest en Matadero Madrid, con la proyección de tres películas que abordan la relación de las personas con el entorno vegetal.

75 años de Cahiers du Cinéma

En abril de 1951 apareció el primer número de Cahiers du Cinéma. Bajo la influencia intelectual de André Bazin, la revista prestó una mirada atenta a la puesta en escena y a la relación ética entre la cámara y el mundo. Esa mirada se alimentó de películas que, en muchos casos, todavía no gozaban de reconocimiento canónico, pero que funcionaron como auténticas escuelas de pensamiento para una generación de jóvenes críticos franceses que, poco después, darían el salto a la dirección. Para François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Jacques Rivette o Éric Rohmer, estas obras no fueron solo objeto de análisis, sino detonantes de una práctica futura que marcaría un antes y un después en la historia del cine.

Este ciclo reúne algunas de esas películas que hicieron correr ríos de tinta, suscitaron pasiones intelectuales y provocaron controversias decisivas. Sus ecos, 75 años después, siguen resonando en la teoría y en la práctica contemporáneas. Los títulos que se revisitarán en Cineteca Madrid son Johnny Guitar (Nicholas Ray); L’Atalante (Jean Vigo); La regla del juego (Jean Renoir); Te querré siempre (Roberto Rossellini); Cuentos de la luna pálida (Kenji Mizoguchi) y La dama de Shanghái (Orson Welles), que podrán verse del 31 de marzo al 5 de abril, respectivamente.

Ciclo Teoría y praxis

Toda práctica fílmica encierra una teoría en potencia. La escritura condiciona y proyecta la imagen, llegando incluso a transformarla. Este ciclo, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, reúne la obra de distintos cineastas que, desde diversas geografías y a lo largo de sus trayectorias, han explorado ese diálogo entre pensamiento y práctica a través de experiencias heterogéneas. Entre el 14 y el 22 de abril, se proyectarán los títulos Riddles of the Sphinx (Laura Mulvey, Peter Wollen); Red Army/PFLP: Declaration of World War (Masao Adachi, Kôji Wakamatsu); Contactos (Paulino Viota); Forgetting Vietnam (Trinh T. Minh-ha) y Loin de Manhattan (Jean Claude Biette).

Federico García Lorca y las vanguardias audiovisuales

El programa Flamenco García Lorca propone un recorrido audiovisual por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, atendiendo a su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad artística. Frente a los tópicos folclóricos, Lorca entendió el flamenco como una forma trágica y popular de conocimiento, atravesada por la historia, el cuerpo y el conflicto.

A través de documentales, piezas experimentales y registros escénicos, el ciclo pone en diálogo retratos etnográficos de posguerra con las exploraciones formales de cineastas como José Val del Omar, así como con ecos teatrales y políticos de los años 60 y 70. Entre el 7 y el 11 de abril, Cineteca ha programado Nous, les gitans (Alberto Spadolini); Flamenco – möte med spanska zigenare (Dan Grenholm, Lennart Olsson); Rito y geografía del cante: Lorca y el flamenco (Mario Gómez); El barranco de Viznar (José A. Zorrilla);  Aguaespejo granadino (José Val del Omar); Festival en las entrañas (José Val del Omar); Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken); Duende y misterio del flamenco (Edgar Neville) y Duende (Ramón Gieling).

Breve historia del blockbuster

El cine de gran espectáculo, conocido como blockbuster a partir de Tiburón, ha sido una de las formas más influyentes y populares del cine moderno, aunque a menudo poco atendida desde el punto de vista crítico. Este ciclo de conferencias y proyecciones, organizado en colaboración con los críticos Elisa McCausland y Diego Salgado, propone un recorrido histórico por el sense of wonder cinematográfico, atendiendo tanto a sus cualidades artísticas como a sus condiciones industriales, técnicas y culturales.

Desde los grandes espectáculos del cine mudo —con hitos como Metrópolis— hasta las sagas contemporáneas del siglo XXI, el programa analiza la evolución del blockbuster a través de sus distintas etapas: la tensión entre narrativa y espectáculo en el Hollywood clásico, la reinvención del cine tras la Segunda Guerra Mundial, el nacimiento del modelo moderno con George Lucas y Steven Spielberg, el auge de los efectos digitales y las franquicias y el escenario actual, marcado por los superhéroes, la animación y la irrupción de las inteligencias artificiales.

Los títulos que el público familiar podrá disfrutar en pantalla grande durante las matinales de los domingos, entre el 5 de abril y el 24 de mayo, son El maquinista de La General (Buster Keaton, Clyde Bruckman); El mago de Oz (Victor Fleming); Sonrisas y lágrimas (Robert Wise); Encuentros en la tercera fase (Steven Spielberg); Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (Gore Verbinski) y Los tipos malos (Pierre Perifel).

El cine radical de Gus Van Sant: donde terminan las palabras

A comienzos de los años 2000, Gus Van Sant emprendió una de las aventuras formales más singulares del cine estadounidense contemporáneo. Tras su etapa en Hollywood, el cineasta regresó a un cine más libre y radical, donde la narración se disuelve para dejar paso a una experiencia construida a partir de gestos, silencios, cuerpos y desplazamientos en el espacio. Películas como Elephant (2003), Last Days (2005) y Paranoid Park (2007) forman parte de este proyecto de exploración extrema, influido por el videojuego y las narrativas posmodernas. Estarán programadas en Cineteca el 28, 29 y 30 de abril, respectivamente. La primera sesión irá acompañada de una charla alrededor del monográfico La alargada sombra del videojuego en el cine, coordinado por el crítico cultural Felipe Rodríguez Torres.

Festival Biophest: Ciclo Docu Natura por Água das Pedras

El cine se suma a la programación de la segunda edición del Festival Biophest, organizado por Matadero Madrid e Intermediae, con la proyección de tres películas (14, 15 y 16 de abril) que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal: The Garden (Derek Jarman, 1990), The Secret Life of Plants (Walon Green, 1978) —con banda sonora original de Stevie Wonder— y el documental Sembradoras de vida (Diego y Álvaro Sarmiento, 2019). Los filmes contarán con presentaciones a cargo de las comisarias de Biophest, Elena Páez y Eva F. Cortés; Diego Fernández, comisario de la sección musical del festival, y la curadora e historiadora del arte Aurora Carmenate Díaz.

Sesión continua: rumores y sociedad

Esta propuesta comisariada por la influencer Andrea Ferrer toma como punto de partida la novela Las amistades peligrosas (1782), de Pierre Choderlos de Laclos, para explorar cómo un mismo texto literario puede dar lugar a imaginarios cinematográficos radicalmente distintos. Por un lado, Cineteca proyectará, el 8 de abril, Las amistades peligrosas (Stephen Frears, 1988), elegante reconstrucción de época que sitúa el deseo en el corazón de la aristocracia francesa prerrevolucionaria. Por otro, exhibirá Crueles intenciones (Roger Kumble, 1999), que traslada la intriga al contexto de la élite adolescente estadounidense de finales del siglo XX. Rumores y secretos atraviesan así dos siglos de historia en este juego de espejos entre literatura y cine. La primera sesión irá acompañada de un coloquio sobre el cotilleo, con las escritoras Elizabeth Duval y Sandra López.

Ciclo Linterna, con Miguel Agnes y Brays Efe: Cuando el destino nos alcance

En abril regresa Linterna, el ciclo comisariado y presentado por el curador cultural Miguel Agnes y el actor Brays Efe. Lo hará con una sesión dedicada a la novela ¡Hagan sitio, hagan sitio! (1966), del escritor de ciencia-ficción Harry Harrison y adaptada al cine por Richard Fleischer en 1973, con el título de Soylent Green (Cuando el destino nos alcance).

Un nuevo entorno cósmico, tráiler para «The End of Oak Street» de David Robert Mitchell

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Ocho años después de Under the Silver Lake David Robert Mitchell vuelve a ponerse tras las cámaras por partida doble. Antes de ver la luz la secuela de It Follows llegará a los cines The End of Oak Street, film que de la mano de Warner Bros. acaba de presentar un primer tráiler que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, que vuelve a mirar al fantástico desde la particular mirada de su autor, se estrenará simultáneamente en Estados Unidos y España el próximo 14 de agosto.       

The End of Oak Street nos cuenta como después de que un misterioso fenómeno cósmico arranque Oak Street de su entorno suburbano y transporte a sus habitantes a un lugar desconocido, la familia Platt pronto descubrirán que su propia supervivencia dependerá de que permanezcan unidos mientras intentan orientarse en un entorno que ya no reconocen.

La película, con guion a cargo del propio David Robert Mitchell, esta protagonizada por Anne Hathaway, Ewan Mcgregor, Maisy Stella, Christian Convery, Chris Coy, P.J. Byrne, Jordan Alexa Davis, Grayson Thorne Kilpatrick, Denitra Isler, Hudson Meek y Andrea Frankle.

Filmin estrena «El papel de mi vida», el proyecto más personal de Jeremy Piven

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El 3 de abril llega a Filmin la adaptación y ampliación de un relato corto de Arthur Miller que ha tardado más de 15 años en materializarse. Un proyecto de pasión que da lugar a uno de los papeles más destacados de la carrera de Jeremy Piven.

El 3 de abril llega en exclusiva a Filmin «El papel de mi vida», un drama musical ambientado en la Alemania nazi que explora los límites del arte, la identidad y la supervivencia. Dirigida por Shira Piven y protagonizada por su hermano Jeremy Piven («Entourage»), la película es el resultado de más de quince años de trabajo y uno de los proyectos más personales de ambos.

¿Hasta dónde es posible llegar para encajar, para ser alguien, incluso si eso implica negar quién eres? ¿Qué ocurre cuando se acepta un pacto con aquello que uno rechaza? «El papel de mi vida» plantea e interpela al espectador sobre la identidad, la moral y la capacidad de mirar hacia otro lado ante lo intolerable.

Sinopsis
Harold May es un judío estadounidense y un talentoso bailarín de claqué. Mientras están de gira por Europa, Harold y el resto de su grupo son buscados por un agregado alemán que ofrece al grupo una actuación exclusiva en Berlín por una gran cantidad de dinero. Lo que no saben es que la actuación será enfrente del propio Hitler.

Un proyecto de pasión en familia

«El papel de mi vida» es un proyecto de pasión: el resultado de más de quince años intentando sacar el proyecto adelante. Un largo proceso que permitió a Jeremy Piven prepararse a fondo para el personaje –incluyendo el aprendizaje de claqué– y dotar al relato de una profundidad poco habitual. La historia nace de un relato de Arthur Miller que la madre de Jeremy le dio: “si mi madre me da algo, sé que es importante”, comenta el actor, que quedó inmediatamente fascinado por el material.

Convencido de su potencial cinematográfico, Piven impulsó el proyecto desde sus inicios y encontró en su hermana Shira la directora idónea para llevarlo a la pantalla, consolidando un tándem creativo marcado por la complicidad y la confianza mutua. Esta conexión ha llevado al actor –ganador de un Globo de Oro y un Emmy– a firmar uno de los trabajos más destacados de su carrera: “he actuado en más de 80 películas y este es el papel del que estoy más orgulloso”.

Un drama sobre el arte, la identidad y la supervivencia 

Ambientada en la Alemania nazi, la película propone una reflexión sobre el papel del arte en tiempos de represión, siguiendo a un actor que se enfrenta a una oportunidad profesional única en un contexto marcado por la persecución y el miedo. El filme reflexiona también sobre la manipulación de masas: “habla sobre lo que estamos pasando actualmente, pero es también una historia universal”, comenta Shira Piven, que plantea cuestiones de gran actualidad, pero también construye un relato sobre identidad y redención con el que todo el mundo puede conectar.

Desde su concepción, el proyecto ha despertado un fuerte interés: “cada vez que contaba la premisa, veía cómo se iluminaban los ojos de la gente”, recuerda Shira. El resultado es un intenso drama que combina memoria histórica y reflexión artística, y que encuentra en su protagonista un vehículo para explorar los límites entre la ambición, la dignidad y la supervivencia.

«New Group» review

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La estudiante de secundaria Ai, nueva en el instituto, comienza a observar comportamientos extraños de sus compañeros de clase. Poco a poco, los alumnos y profesores se convierten en una secta sin voluntad propia que transforma las rutinas de gimnasia en una aterradora danza de la muerte.

El realizador japonés Yûta Shimotsu, al igual que en su estimulante ópera prima, Best Wishes to All (2023), vuelve a indagar a través de la metáfora fantástica en las grietas de la sociedad japonesa en New Group. Historia donde se observa, de forma parecida al arranque de la serie televisiva Pluribus, una señal proveniente del exterior como elemento detonador que altera de forma drástica inquietantes comportamientos en masa.

Película que, mediante la reconfiguración de tropos del J-Horror, tomando referencias de Suicide Club (2001) y el cine de Sion Sono, y, en especial, del imaginario de Junji Ito, versa sobre los peligros que puede acarrear un pensamiento homogéneo dentro de la sociedad. Más allá de su evidente crítica social, New Group también funciona de forma correcta como película de terror. Lo que comienza con los tópicos habituales del drama escolar —aislamiento social, presión de grupo y acoso— se transforma en un relato híbrido, situado a medio camino entre la sátira mordaz y la pesadilla surrealista. Visión aguda la de un autor, ya con tres nuevos proyectos en desarrollo, a seguir con detenimiento.

Valoración 0/5: 3

Primer tráiler para «Wild Horse Nine» de Martin McDonagh

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Cuatro años después The Banshees of Inisherin el realizador británico Martin McDonagh tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Wild Horse Nine, comedia dramática que de la mano de Searchlight Pictures acaba de presentar un primer tráiler que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial.    

Wild Horse Nine, que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 6 de noviembre, nos sitúa en los años 70, justo antes del golpe de Estado militar que derrocó al presidente socialista Salvador Allende. La historia sigue a dos experimentados agentes de la CIA que están relacionados con los planes para derrocar al gobierno chileno. Por este motivo viajarán desde Santiago de Chile a la isla de Pascua, en una misión que pondrá a prueba la confianza y lealtad de ambos.

La película, con guion a cargo del propio Martin McDonagh, está protagonizada por Sam Rockwell, John Malkovich, Parker Posey, Mariana di Girolamo, Tom Waits, Steve Buscemi, Ailí­n Salas, Paola Giannini y Liam Marcy.

Martin Ritt: Un rebelde con causa

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El más veterano de los directores de la «Generación de la televisión», Martin Ritt (1914-1990) mostró a lo largo de su actividad como cineasta una coherencia y un compromiso social que contribuyeron a conformar una obra extraordinariamente cohesionada. MARTIN RITT: Un rebelde con causa representa la primera monografía publicada en español sobre el realizador neoyorquino, quien ingresó en la nómina de cineastas que trabajaron para los grandes estudios tras haber formado parte de las «listas negras» creadas por el maccarthismo. De aquella traumática experiencia surgió uno de los títulos más representativos de su filmografía, La tapadera (1976), en el marco de una década en que varias de sus mejores producciones no llegaron a ser estrenadas en salas comerciales de nuestro país. En MARTIN RITT: Un rebelde con causa se aborda el análisis de cada uno de los veintiséis largometrajes que conformar su filmografía, además de dar cabida a su paso por el Group Theatre, el Actors Studio, los Dramáticos de televisión y su vertiente poco conocida como actor dentro de la escena teatral neoyorquina y, en menor medida, en largometrajes de ficción. Lejos de quedar desfasado su cine, los temas universales que abordó (entre ellos, el feminismo) propician que su obra no tan solo pueda ser reinterpretada desde la óptica del siglo XXI, sino también reivindicada y revalorizada.   

El autor

CHRISTIAN AGUILERA. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.

Autor: Christian Aguilera, Editorial: Kane Ediciones, Colección: La generación de la televisión nº 5, Páginas: 326

FlixOlé celebra el centenario de Paco Rabal con el estreno de Llanto por un bandido y una colección con cerca de 50 títulos

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La plataforma también incorpora a su catálogo otras cuatro películas protagonizadas por el laureado actor: Fra Diávolo, Trío de damas, Goya, historia de una soledad y El hombre que perdió su sombra

El 8 de marzo de cumple el centenario del nacimiento de Francisco Rabal, actor de temperamento indomable, voz profunda y mirada luminosa que arrebató el sentido de público, crítica y compañeros de profesión con una de las carreras más brillantes de la interpretación española. FlixOlé conmemora esta ineludible efeméride cinematográfica con una colección especial que recorre su trayectoria e incorpora a su catálogo cinco estrenos protagonizados por Rabal.

De origen humilde, aquel joven de Águilas (Murcia) se empapó de la interpretación cuando ejercía de electricista en Estudios Chamartín. Bajo la dirección de Rafael Gil comenzó a forjar su presencia en pantalla, primero en dramas románticos y relatos de fe, pronto en personajes de mayor hondura. Actor de raza, encarnó tanto al galán de época como al bandolero serrano; su compromiso social reflejó al inocente campesino que cautivó al mundo entero con su «¡Milana, bonita!» mientras que la inquietud cultural lo acercó a Goya. Trabajó con cineastas de todas las corrientes y generaciones, desde José Luis Sáenz de Heredia a Luis Buñuel; también en el panorama internacional, formando parte del elenco de realizadores como Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Claude Chabrol o William Friedkin.

FlixOlé propone un viaje por la filmografía de Rabal a través de una cuidada selección, compuesta por cerca de medio centenar de títulos, con la que entender y disfrutar de su evolución artística: desde su meteórico ascenso en el cine español a finales de los años 40 hasta los icónicos personajes a los que dio vida en su madurez interpretativa. El ciclo, disponible a partir del próximo viernes 6 de marzo, incluye cinco estrenos en la plataforma: Llanto por un bandido (Carlos Saura, Carlos Saura, 1964), Fra Diávolo (Giorgio Simonelli y Miguel Lluch, 1962), Trío de damas (Pedro Lazaga, 1960), Goya, historia de una soledad (Nino Quevedo, 1971) y El hombre que perdió su sombra (Alain Tanner, 1991).

De ‘El Tempranillo’ al genio atormentado de Goya

En una mezcla de rudeza y magnetismo, Paco Rabal desmontó el tópico romántico del bandolero en Llanto por un bandido, donde interpreta a uno de los forajidos más famosos del siglo XIX: ‘El Tempranillo’. Lejos de la épica complaciente, el actor interpretó con intensidad un relato de rebeldía y dignidad frente al abuso de poder en un western andaluz que, de manera alegórica, abordaba la represión del régimen franquista. De hecho, la censura cercenó una parte del segundo largometraje dirigido por Carlos Saura.

Otro de los estrenos destacados del especial de Rabal en FlixOlé será Goya, historia de una soledad. El natural de Águilas encontró en el pintor aragonés un alter ego artístico: lo interpretó en varias ocasiones y confesó que aquel papel despertó en él una vocación plástica que lo llevó incluso a intercambiar cuadros con pintores amigos. La película explora la dimensión íntima y desgarrada del creador, adentrándose en sus tinieblas y en la conexión entre arte, compromiso y soledad.

A ambas incorporaciones se sumarán Fra Diávolo, ambientada en la Italia ocupada por las tropas napoleónicas donde el intérprete brinda una versión más canallesca y humorística a su faceta de clásico galán; Trío de damas, comedia costumbrista en torno al matrimonio en la que Rabal hace las veces de marido abrumado por las distintas personalidades de su mujer; y El hombre que perdió su sombra, filme por el que obtuvo el premio a Mejor actor principal del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) y en el Festival de Montreal.

Medio centenar de títulos de Paco Rabal

Desde sus comienzos como figurante hasta convertirse en uno de los rostros más importantes del cine europeo, Rabal levantó su carrera sobre personajes de fuerte arraigo popular. En los años 50 consolidó su nombre con títulos como La guerra de Dios (Rafael Gil, 1953), donde su intensidad dramática lo confirmó como protagonista indiscutible; Hay un camino a la derecha (Francisco Rovira Beleta, 1953), propuesta cercana al neorrealismo con tintes de cine negro que le valió la Concha de Plata y lo situó entre los grandes; y Amanecer en puerta oscura (José Mª Forqué, 1957), cine de bandoleros con alegato social y un memorable final que reforzó el compromiso interpretativo del actor, quien recibió también por este papel la medalla del CEC.

La década siguiente amplió su dimensión artística, dentro y fuera de España, con Viridiana (Luis Buñuel, 1961), hito del audiovisual mundial y símbolo de ruptura; Noche de verano (Jorge Grau, 1962), donde interpretó a un cínico galán en un relato de matrimonios fracasados y líos burgueses al más puro estilo La dolce vita.

Tras unos años de vaivenes profesionales, sin títulos nacionales de gran peso, los 80 marcaron un renacer rotundo en la carrera de Rabal. Con Truhanes (Miguel Hermoso, 1983) recuperó el favor masivo del público en clave de esta comedia picaresca; su Azarías en Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) le hizo alcanzar la cima interpretativa, obteniendo el galardón a (ex aequo) en Cannes; mientras que en Epílogo (Gonzalo Suárez, 1984) exploró registros más introspectivos. La televisión lo inmortalizó como el inolvidable protagonista de Juncal (Jaime de Armiñán, 1989), torero retirado que se transformó en icono popular.

En los 90 y el cambio de siglo reafirmó su libertad creativa en propuestas como Así en el cielo como en la tierra (José Luis Cuerda, 1995) y cerró el círculo vital encarnando de nuevo al pintor aragonés en Goya en Burdeos (Carlos Saura, 1999), un retrato crepuscular que funciona como despedida artística. Más de medio centenar de títulos reunidos ahora por FlixOlé componen el mapa de una trayectoria irrepetible y necesaria para entender el cine español.

Proyecciones Xcèntric: Akran (1969) de Richard Myers

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El primer largometraje del cineasta estadounidense Richard Myers, Akran (1969), parece ser tanto la culminación de la agitación emocional y psíquica de la década anterior como una nueva y perturbadora visión del mundo que está por venir. No se trata de una imagen utópica del vínculo humano y el optimismo sociopolítico lúcido, sino más bien de un viaje a través de los escombros de un panorama cultural y político estadounidense que ha degenerado en una confusión existencial sobre el propósito y el lugar.

Richard Myers, oriundo de Ohio como varias de sus generaciones anteriores, comenzó a rodar sus vívidas y oníricas películas en 1960 y rápidamente se distinguió como uno de los exploradores más sofisticados y atrevidos de la psique estadounidense contemporánea. Su lenguaje cinematográfico abarca todo el vocabulario y la historia del cine, empleando numerosas técnicas y efectos ingeniosos, así como referencias sublimadas y conscientes a la historia y la cultura del cine, en una escala elaborada de producción y visión que eleva su obra al nivel de lo verdaderamente mítico. Estas innovaciones conceptuales y materiales —definidas aún más por el montaje en collage de Myers y una cinematografía a veces casi dolorosamente expresiva e inquietante— evocan una visión singular y sorprendentemente ambiciosa de la conciencia cultural fragmentada desde el corazón del Medio Oeste.

En Akran —una grafía deliberadamente errónea de la ciudad de Akron, en Ohio, que sugiere inestabilidad en el nivel más fundamental de la existencia cotidiana—, una joven pareja se conoce y recorre una serie de espacios urbanos misteriosos y a veces angustiosos, perseguidos por sueños, recuerdos y una confusión inquietante y omnipresente. Tropezando con numerosos personajes y situaciones desconcertantes en su intento por definir alguna forma de normalidad estadounidense contemporánea, la película resiste radicalmente a cualquier estructura tranquilizadora o narrativa lineal, ya que la falsa seguridad de la memoria y la nostalgia fragmenta y hace implosionar continuamente su (y nuestra) comprensión del presente.

Al igual que en la mayoría de las películas hipnóticas y envolventes de Myers, en Akran los límites entre la realidad, los sueños, los recuerdos y las pesadillas nunca son fijos, y el collage de asociaciones que crea a menudo manifiesta múltiples emociones a la vez. El trabajo de cámara inquieto y exploratorio de Myers y sus depurados enfoques de edición crean una sensación de ansiedad e incertidumbre en la película y sus protagonistas, subrayada con fuerza por la banda sonora electrónica, a menudo implacable, del compositor Fred Coulter.

En Film as a Subversive Art, Amos Vogel escribió acertadamente que «Myers es sin duda alguna uno de los grandes talentos de la vanguardia estadounidense y Akran una de sus películas más importantes». La obra completa de Myers no tiene parangón ni sensibilidad comparable, y su ambición, creatividad e ingenio audiovisual son increíblemente ricos y cautivadores. El Academy Film Archive restauró Akran en su formato original de 16 mm en 2010, una obra maestra infravalorada que sigue siendo muy poco conocida, pero que va sumando admiradores apasionados cada vez que se proyecta.

Akran, Richard Myers, 1969, 16 mm, 118 min.

Proyección en 16 mm, VOSC. Copia procedente del Academy Film Archive.

Fecha y horario

12 abril 2026 18:30 – h

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Precios

4 € / 3 € Reducida Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido Amigos CCCB: gratuito Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online. Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

La concepción de la memoria, tráiler para «Blue Heron» de Sophy Romvari

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Acaba de ser presentada en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del debut de la realizadora canadiense Sophy Romvari titulado Blue Heron. Película, que centra su mirada en un retrato de corte autobiográfico, que tras su paso el pasado año por festivales como Locarno, TIFF o San Sebastián dentro de la sección Zabaltegi-Tabakalera, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 17 de abril.
Blue Heron nos sitúa a finales de los 90, Sasha, una niña de ocho años, y su familia cambian de domicilio, una vez más. Esta nueva vida se verá repentinamente afectada por el comportamiento cada vez más peligroso de Jeremy, el hijo mayor. Desbordados, asumirán la intervención de servicios sociales, ante la atenta mirada de la niña.

La película con guion a cargo de la propia Sophy Romvari, está protagonizada por Eylul Guven, Réti Iringó, Ádám Tompa, Edik Beddoes, Amy Zimmer, Liam Serg, Preston Drabble, Lucy Turnbull y Jecca Beauchamp.

Las protagonistas de marzo en Filmoteca Española

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Durante todo el mes, el público podrá disfrutar de forma gratuita de ciclos, retrospectivas, exposiciones, coloquios y contenidos online que pondrán el foco en pioneras y creadoras fundamentales del cine nacional e internacional, así como en propuestas que invitan a reflexionar sobre problemáticas contemporáneas.

Homenaje a las montadoras del cine español (1942-1967)

El Cine Doré —sala de proyección de Filmoteca Española— acogerá el ciclo Montadoras del cine español (1942-1967)Enlace externo, se abre en ventana nueva, comisariado por la investigadora Paula Yvonne Blanquer Adam. Durante marzo y abril, este programa reivindicará la labor de grandes editoras que dieron forma al cine español desde la sala de montaje. El ciclo, que se inaugura con el trabajo de Margarita Ochoa en Muerte de un ciclista, revisita la trayectoria de otras pioneras como Rosa G. Salgado, Bienvenida Sanz, Rosa Roig o Mercedes Alonso.

Kelly Reichardt, voz esencial del cine independiente internacional

La retrospectiva Kelly Reichardt. Vidas errantesEnlace externo, se abre en ventana nueva recorrerá la filmografía completa de la cineasta, una de las voces esenciales del cine independiente contemporáneo. Con una poética minimalista y una mirada atenta a los márgenes de la sociedad estadounidense, Reichardt ha construido una obra que indaga en la fragilidad de los vínculos humanos. La retrospectiva completa incluye sus nueve largometrajes, una carta blanca seleccionada por la NOTA DE PRENSA propia cineasta y un programa de juego de espejos que pondrá en diálogo su obra con otros títulos afines.

Lillian Hellman: ficción, memoria y compromiso

Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, llega al Doré la retrospectiva Lillian Hellman. Ficción, memoria y compromisoEnlace externo, se abre en ventana nueva, figura central y enigmática de la cultura estadounidense del siglo XX. Organizado en colaboración con la Filmoteca Vasca, el ciclo reúne películas de la guionista estrenadas entre 1935 y 1999 que permiten comprender las transformaciones estéticas e ideológicas del Hollywood clásico. Al programa de proyeccionesse sumará, el jueves 5 de marzo, la presentación de Lillian Hellman. Ficción, memoria y compromiso, libro en el que ha colaborado Filmoteca Española y que contará con la presencia de su editor, Quim Casas.

Dentro del radar de Trinh T. Minh-ha, hallazgo del cine internacional

El Cine Doré acoge, a razón de un título al mes, la sección Fuera del radar. Hallazgos del cine internacional, programa dedicado a recuperar títulos que, por su limitada distribución, recepción o invisibilidad histórica, hayan pasado desapercibidos en nuestro país. El programa, que busca traer al frente películas que merecen reivindicación, se plantea no únicamente como un homenaje a los films seleccionados, sino también como una invitación a repensar la historia del cine desde otras geografías, perspectivas y compromisos tanto estéticos como políticos. En marzo, la protagonista será Surname Viet Given Name Nam (1989)Enlace externo, se abre en ventana nueva, de Trinh T. Minh-ha, autora que combina imágenes de archivo, textos y entrevistas para retratar a las mujeres vietnamitas del pasado y del presente, explorando la ficción del documental y la verdad de la experiencia subjetiva y todas sus contradicciones inherentes

NO-DO: memoria audiovisual y representación de las mujeres

Más allá del Cine Doré, la exposición NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismoEnlace externo, se abre en ventana nueva podrá seguir visitándose de forma gratuita en la sala de exposiciones de Filmoteca Española de la c/Magdalena. La muestra, que explora el universo NO-DO como soporte de la memoria audiovisual del s. XX, no olvida en su recorrido cómo reflejó el imaginario franquista a las mujeres, en su empeño en establecer un modelo completamente dependiente de los hombres y supeditado al proyecto ideológico y social del régimen. El noticiario deslizó en todo tipo de noticias una visión paternalista, sexista y retrógrada de las mujeres. De esta visión hablaremos en un coloquio que celebraremos junto a María Rosón, , historiadora cuyas líneas de investigación se centran en la historia cultural de los años treinta, la guerra civil y el primer franquismo, con perspectiva feminista y cuir; la artista y periodista Ana Esmith (Miss Beige), cuyo trabajo se inscribe en la tradición del arte vivo que dialoga con la historia del feminismo, la performance y el arte contemporáneo; y la periodista y analista política Rosa Paz. La cita será el 10 de marzo, tras la proyección de la compilación Del rosa al azul: la mujer en el franquismo a través de NO-DOEnlace externo, se abre en ventana nueva

Platfo Filmo: acceso online al legado de las pioneras de nuestro patrimonio cinematográfico

Platfo FilmoEnlace externo, se abre en ventana nueva ampliará su catálogo en marzo con una programación especial dedicada a materiales digitalizados que reivindican la obra de cineastas y montadoras españolas. Entre los títulos destacados se encuentra Melodrama infernalEnlace externo, se abre en ventana nueva, mediometraje dirigido por Josefina Molina durante el curso 1968-1969 en la Escuela Oficial de Cine, donde se convirtió en la primera mujer diplomada en Dirección. La obra, marcada por una temprana mirada rebelde y feminista, no fue exhibida oficialmente fuera del ámbito académico hasta 1970. Su recuperación permite redescubrir una pieza clave tanto por su audacia formal como por la construcción de un personaje femenino activo, alejado de los estereotipos dominantes de la época.

En paralelo al ciclo del Cine Doré, Platfo recupera y visibiliza en El contraplano: las cineastas de la sala de montajeEnlace externo, se abre en ventana nueva la labor de montadoras como Rori Sainz de Rozas, Ana Romero-Marchent, Gaby Peñalba, María Elisa Valero o Petra de Nieva. Y lo hace dando acceso a destacados trabajos de edición como En el río, La brujita, Madame Arthur o Vau seis.

Filmin estrena «Valor sentimental», ganadora del Óscar a la mejor película internacional

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El 27 de marzo llega la película dirigida por Joachim Trier, con 9 nominaciones a los Óscar e interpretada por Renate Reinsve, un tándem que enamoró en «La peor persona del mundo». 

Filmin estrena el próximo 27 de marzo “Valor sentimental”, la triunfadora de la pasada noche en los Premios Óscar, que se llevó la estatuilla dorada a la mejor película internacional. La película estuvo también nominada a la mejor dirección (Joachim Trier), mejor película, mejor actriz protagonista (Renate Reinsve), mejor actriz de reparto (Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning), mejor actor de reparto (Stellan Skarsgård), mejor guion original y mejor montaje. De la misma forma, también fue reconocida en la pasada edición del Festival de Cannes, que se llevó el gran premio del jurado. 

El director noruego de “Oslo, 31 de agosto” y de “La peor persona del mundo”, Joachim Trier, se reúne con la aclamada actriz Renate Reinsve (nominada al Óscar) para su tercera colaboración, y con el gran Stellan Skarsgård, ganador en los Globos de Oro al mejor actor de reparto. Del elenco también forman parte Inga Ibsdotter Lilleaas y la reconocida Elle Fanning, que la hemos visto recientemente en «A Complete Unknown». 

Sinopsis

Tras la muerte de su madre, las hermanas Nora y Agnes se reencuentran con su distanciado padre, Gustav Borg, un veterano director de cine de renombre, que le ofrece a su hija Nora, actriz de teatro, un papel en su próxima película. Nora lo rechaza y pronto descubre que le ha dado ese papel a una joven y entusiasta estrella de Hollywood. De repente, las dos hermanas deben sortear su complicada relación con su padre y lidiar con una actriz estadounidense que se encuentra en medio de su compleja dinámica familiar.

Renate Reinsve y Joachim Trier, el celebrado tándem

Joachim Trier vuelve a colaborar en “Valor Sentimental” con la aclamada actriz Renate Reinsve, que fue nominada al Óscar a la mejor actriz protagonista. Su anterior trabajo en común, “La peor persona del mundo”, le valió a Reinsve el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes en 2021. Años antes, Trier ya había contado con ella en “Oslo, 31 de agosto” para un pequeño papel con apenas una línea de diálogo; sin embargo, aquella breve aparición bastó para revelar un talento que con el tiempo daría lugar a una de las alianzas creativas más celebradas del cine noruego contemporáneo. 

El director explica que una de las motivaciones para hacer “Valor sentimental” era que el actor que interpreta al padre en la película, Stellan Skarsgård, estaba intrigado por trabajar con Renate: “Durante los ensayos, Stellan, que ha trabajado prácticamente con todo el mundo, me dijo: ‘Es extraordinaria. Su piel cambia de color mientras actúa; se puede ver lo que siente’”. Por su parte, Renate Reinsve está encantada de trabajar con el director y afirma que no hay un director como Trier: “Me encanta la emotividad de sus películas y la forma en que te atrapan poco a poco… hasta darte un golpe en el estómago”, comenta.

Perdonar y recordar en los Óscar 

 

Joachim Trier, que anoche en la gala de los Óscar quiso reconocer las películas que reflejan las crisis del presente y del pasado, explica que “Valor sentimental” es una muestra de ello: «Es una ambivalencia entre la historia y la memoria. Por un lado, necesitamos olvidar, perdonar a un padre difícil. Por otro, tenemos la obligación con el pasado de recordar ciertas cosas, de no repetir esos errores», explica, aludiendo a la parte de la película que hace referencia al sufrimiento por el nazismo.

Finalmente, en su discurso para recoger el premio, parafraseó al autor americano James Baldwin, recordándonos que «todos los adultos somos responsables de los niños y no debemos votar por políticos que no se toman esto en serio». «Valor sentimental» es un retrato de una familia que se enfrenta a los dolorosos recuerdos arraigados en las paredes de su hogar, pero también es algo más. Es una mirada lúcida a la memoria, la pérdida y la forma en que el pasado determina quiénes somos y cómo decidimos seguir adelante.

Primer tráiler para «Hokum» de Damian McCarthy

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Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a un póster promocional, del nuevo trabajo del director irlandés Damian McCarthy titulado Hokum. El responsable de Oddity (2024) reincide en el terror con una película que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 1 de mayo. En nuestro país de la mano de Beta Fiction Spain y Madfer Films lo hará dos semanas después, el 15 de mayo.  

En Hokum vemos como escritor de terror visita una posada irlandesa para esparcir las cenizas de sus padres, sin saber que se dice que la propiedad está encantada por una bruja.

La película, con guion a cargo del propio Damian McCarthy, esta protagonizada por Adam Scott, Austin Amelio, David Wilmot, Florence Ordesh, Peter Coonan, Michael Patric, Will O’Connell, Brendan Conroy, Ezra Carlisle, Siox C y Mallory Adams.