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El jurado ha decidido concederle este galardón por “ser una figura indiscutible de prestigio internacional en el ámbito de los archivos fílmicos. Su aportación ha sido fundamental en la adquisición de conocimientos cruciales para la preservación y comprensión del patrimonio cinematográfico”
Alfonso del Amo ha sido galardonado con el Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual, correspondiente al año 2026, a propuesta del jurado reunido hoy. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.
El jurado ha decidido conceder este galardón a Alfonso del Amo “por ser una figura indiscutible de prestigio internacional en el ámbito de los archivos fílmicos. Su aportación ha sido fundamental en la adquisición de conocimientos cruciales para la preservación y comprensión del patrimonio cinematográfico”.
El jurado ha expresado que la concesión del premio “aspira a reconocer tanto su aportación científica y la elaboración de una metodología rigurosa y criterios sólidos para el estudio de los materiales fílmicos, como su generosidad a la hora de compartir su magisterio, trabajo y conocimientos”.
Además, el jurado ha añadido que “en el año que marca el 90 aniversario del inicio de la Guerra Civil, este reconocimiento resulta especialmente pertinente ya que la publicación del Catálogo general del cine de la Guerra Civil que Alfonso del Amo elaboró, con la colaboración de María Luisa Ibáñez, marcó un antes y un después en el conocimiento de las películas producidas en España durante el conflicto y es el ejemplo definitivo de la importancia de su aportación”.
El Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual reconoce la aportación más sobresaliente en el ámbito del patrimonio cinematográfico español, bien a través de iniciativas y proyectos destacables de recuperación, conservación y difusión o en reconocimiento a una trayectoria prolongada con impacto tangible en conservación y difusión del citado patrimonio.
El premio fue concedido en sus ediciones pasadas a Ana Marquesán, a Ferrán Alberich, a Ramón Rubio Lucía y a Luciano Berriatúa.
Biografía
Alfonso del Amo García ha ejercido su vida profesional en Filmoteca Española, institución en cuyo marco ha desarrollado, hasta su jubilación, una extraordinaria actividad de estudio, investigación, gestión y formación, en el ámbito de la preservación de los soportes de la cinematografía, los materiales fílmicos con soporte fotoquímico en los que quedaban impresos los resultados de la filmación en la época anterior a la digital.
Su nombramiento como jefe de la Comisión Técnica de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos en la parte central de su trayectoria supuso, por un lado, el reconocimiento de la importancia de su aportación y, por el otro, marcó la integración completa de Filmoteca Española en el ámbito internacional.
Es autor de publicaciones relevantes en el área de los archivos fílmicos y la historia del cine a nivel internacional, entre los que cabe destacar ‘Los soportes de la cinematografía’, ‘Inspección técnica de materiales en el archivo de una filmoteca’ y el ‘Catálogo general del cine de la Guerra Civil’.
A comienzos del siglo XXI, un momento crucial de expansión y avance en la historia de Filmoteca Española, fue responsable del diseño de los requerimientos técnicos necesarios para la conservación de materiales fotoquímicos en el proyecto y el proceso de construcción del Centro de Conservación y Restauración ‘Carlos Saura’. Además, fue maestro y figura de referencia para una generación de archiveros especializados, a la que transmitió su visión y conocimientos técnicos. Se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura en 2014.
Jurado
El jurado ha estado presidido por Marta Serrano San José, directora general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura, y como vicepresidenta ha actuado Valeria Camporesi, directora de la Filmoteca Española. Como vocales han actuado Teresa Sorolla Romero, a propuesta de Surcos. Asociación de Estudios Cinematográficos; Irene Cardona Bacas, a propuesta de DOCMA (Asociación Española de Cine Documental); Juan Carlos de la Madrid Álvarez, a propuesta de la editorial Shangrila Ediciones; y Ángel Cruz Sánchez, Luis Fernández Colorado y Andrea G. Bermejo, a propuesta del ICAA.
El segundo programa de los 25 años de Xcèntric pone en relación la máquina cinematográfica y los mecanismos de la percepción. El cine como alianza entre una acción mecánica y otra fisiológica, entre la máquina que proyecta y el cuerpo que percibe. El color como forma de hacer vibrar esta interacción, en esa zona intermedia, invisible y sensible: el nervio óptico.
Color Film, de Standish Lawder, abre la sesión con la imagen de un proyector a través del cual pasan tiras de color sólido. A continuación, a través de una rápida sucesión de fotogramas de color puro, Landscape, de Jules Engel, explora los efectos del flicker sobre la percepción. Los colores, alternados a gran velocidad, se combinan y se transforman en la retina del espectador, generando tonalidades y vibraciones cromáticas que no existen materialmente en la pantalla.
La investigación de las relaciones entre el color y el parpadeo tiene una continuidad directa en Parcelle, de Rose Lowder. Alternando un cuadrado y un círculo de colores diferentes, la cineasta retoma los efectos perceptivos del flicker para desestabilizar constantemente la relación entre figura y fondos. La percepción se convierte así en un proceso en permanente crisis, un campo de fuerzas donde la imagen se constituye y se deshace de forma incesante.
La exploración de las combinaciones cromáticas adquiere una nueva complejidad en Threshold, donde Malcolm Le Grice trabaja con una proyección múltiple (en esta ocasión presentada en dos pantallas). A partir de metraje apropiado, la película se vuelve paulatinamente más compleja a medida que se van acumulando los elementos visuales y las capas de color. La imagen se convierte en un espacio de constante y mutua transfiguración entre los mecanismos de la visión y los de la proyección.
La doble proyección continúa con la apoteósica pieza final, Razor Blades, de Paul Sharits, que lleva esta exploración hasta un verdadero ataque al nervio óptico. El parpadeo y la superposición de las imágenes actúan directamente sobre nuestros ojos, y ante ellas solo quedan tres opciones: cerrar los ojos, detener el flujo de imágenes o dejarse llevar completamente.
Color Film, Standish Lawder, 16 mm, 2 min; Landscape, Jules Engel, 1971-8, 16 mm, 4 min; Parcelle, Rose Lowder, 1979, 16 mm, 3 min; Threshold, Malcolm Le Grice, 16 mm (doble proyección), 10 min; Razor Blades, Paul Sharits,1965-68, 16 mm (doble proyección), 25 min.
Copias procedentes de Light Cone, excepto Color Film, procedente de Arsenal.
En el cine, las formas no son un simple envoltorio para el contenido, sino la materia donde verdaderamente laten su sentido y su ética. Este deslumbrante ensayo dialoga con las intuiciones de Jean-Luc Godard, André Bazin, Susan Sontag y Umberto Eco para adentrarse en los misterios de la creación fílmica a partir de estas premisas. Carlos F. Heredero, uno de los pensadores cinematográficos más lúcidos de nuestro país, nos regala el conocimiento destilado tras miles de horas frente a la pantalla y hace tangible aquella intuición gozosa al desentrañar los engranajes más sutiles de algunas películas memorables de la historia del cine y del cine contemporáneo. A través del análisis de destellos y detalles reveladores en obras de Orson Welles y Martin Scorsese, pero también de Aki Kaurismäki, Víctor Erice, Sofia Coppola, Joanna Hogg, Céline Sciamma, Paul Thomas Anderson o Kelly Reichardt, el texto desgrana cómo la puesta en escena tiene siempre una dimensión ética y moral. Estas páginas configuran un manifiesto vivo, libre de pedantería y profundamente accesible para creadores, estudiantes y espectadores. Un libro que nos devuelve la capacidad de sentir a través del análisis formal, invitándonos a recuperar el hermoso arte de pensar con los ojos.
Autor: Carlos F. Heredero. Editorial: Catedra, Páginas: 432
Vicky Krieps protagoniza la adaptación de la novela autobiográfica de Constance Debré, presentada en Un Certain Regard de Cannes y nominada a dos galardones en los Premios del Cine Europeo.
Filmin estrena en exclusiva el 9 de octubre “Love Me Tender”, el segundo largometraje de la guionista y directora Anna Cazenave Cambet, basado en la novela autobiográfica homónima de la escritora francesa Constance Debré (publicada en España por Alpha Decay).Vicky Krieps (“El hilo invisible”), nominada a la mejor actriz en los Premios del Cine Europeo, interpreta a Clémence, una mujer que, después de hacer pública su relación con otras mujeres, pierde el contacto con su hijo en medio de una disputa por la custodia.
Presentada en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, “Love Me Tender” también pasó por el Festival Internacional de Cine de Gijón, ganando el premio CIFA a la mejor producción dirigida por una mujer, y obtuvo una nominación al Premio del Público al mejor film en los Premios del Cine Europeo. A través de la experiencia de Clémence, Anna Cazenave Cambet explora la tensión entre maternidad, identidad y libertad y plantea hasta qué punto una mujer puede mantener su propia vida sin que sus decisiones se utilicen para cuestionar su papel como madre.
Sinopsis Al final del verano, Clémence (Vicky Krieps) confiesa a su exmarido (Antoine Reinartz) que mantiene relaciones amorosas con mujeres. Su vida da un vuelco cuando él se queda con la custodia del hijo que tienen en común. Decidida a no renunciar a nada, Clémence deberá luchar por seguir siendo madre, mujer y libre.
Vicky Krieps, una madre imperfecta
El personaje de Clémence exige una interpretación capaz de sostener al mismo tiempo la vulnerabilidad, la rebeldía y la contradicción. Vicky Krieps da vida a una mujer que no acepta renunciar a ninguna de las dimensiones de su existencia y que, mientras lucha por recuperar a su hijo, continúa explorando su identidad, su sexualidad y su vocación como escritora. “La película no ofrece respuestas fáciles ni absoluciones. Este personaje no es una heroína. Es imperfecta, compleja y real”, explica la actriz, que encontró precisamente en esa falta de certezas uno de los principales atractivos del papel.
Cazenave Cambet escribió el personaje pensando también en esa complejidad y encontró en Krieps a la intérprete capaz de llevarla a la pantalla. “Era un papel importante para Vicky y ella realmente quería defender a este personaje. Dio mucho de sí misma para interpretar a Clémence. Confió en mí y llegó a lugares a los que nunca había llegado antes”, explica la directora. La actriz, por su parte, entiende al exmarido de Clémence como el reflejo de una masculinidad herida: “Laurent es un ejemplo de cuando el ego masculino empieza a entrar en cólera porque está sufriendo y no entiende qué está pasando. Piensa: ‘¿Por qué no estoy incluido en esto? ¿Por qué ese tren se ha marchado sin mí?’”.
La ausencia como forma de contar
La separación de Clémence y Paul atraviesa toda la película y convierte la ausencia en una parte esencial de su relato. Durante buena parte de la historia, el hijo permanece fuera del alcance de su madre y también fuera del campo del espectador, que comparte con ella la incertidumbre sobre lo que ocurre durante esos meses. Cuando finalmente comienzan las visitas supervisadas, una relación familiar queda reducida a encuentros breves y reglados en los que cada gesto adquiere una importancia inesperada.
Cambet convierte ese vacío en una experiencia narrativa y emocional. La voz en off, extraída de los textos que Clémence escribe durante el proceso, acompaña la vida de una mujer dividida entre la batalla legal y el intento de seguir adelante. Incluso la primera visión clara del rostro de Paul se retrasa hasta uno de los encuentros supervisados, reforzando una distancia que no es solo física. La película encuentra así en la espera, el silencio y la falta de contacto una forma de contar el desgaste de una separación que se prolonga durante dieciocho meses.
· La cineasta húngara regresa por tercera vez a Valladolid para dar inicio al festival con My Notes on Mars, seis años después de ganar la Espiga de Oro
· Gael García Bernal pondrá el broche final a la edición con Hombre al agua, su tercer largometraje como director, una comedia sobre las diferencias de clase y la masculinidad
La Semana Internacional de Cine de Valladolid inaugurará la 71 edición el 23 de octubre con la cineasta húngara Lili Horvát y su historia de amor atravesada por la ciencia ficción, My Notes on Mars, protagonizada por Mackenzie Davis y que competirá en Sección Oficial. El 31 de octubre, pondrá el punto final a la edición Hombre al agua, una comedia sobre la masculinidad y las diferencias de clase y poder en las relaciones íntimas, escrita, dirigida y protagonizada por el actor y director mexicano Gael García Bernal. Ambas comparten la promesa de una segunda vida y una misma pregunta: hasta qué punto es posible empezar de nuevo.
Lili Horvát, de Espiga de Oro a la inauguración de la 71 Seminci
Seis años después de que Preparativos para estar juntos un periodo de tiempo desconocido obtuviera la Espiga de Oro de la 65 Seminci, además del premio Pilar Miró al nuevo director y el de mejor actriz para Natasa Stork, Lili Horvát regresa a Valladolid con su tercera película, en la que vuelve a situar en el centro una relación de pareja atravesada por la incertidumbre. Horvát ya había participado en Seminci en 2015, en Punto de Encuentro, con The Wednesday Child, y en 2021 formó parte del Jurado Internacional.
Mackenzie Davis y Rupert Friend protagonizan la primera incursión de la directora en el cine en lengua inglesa, que sigue a Margot, una investigadora espacial que desaparece durante una excursión en los Alpes y reaparece el mismo día en que familiares y amigos celebran una ceremonia en su memoria. Su regreso ofrece a Sam la posibilidad de comenzar de nuevo una relación que ya estaba en crisis.
Una comedia de Gael Garcia Bernal sobre el ascenso social y la masculinidad
Gael García Bernal pondrá el broche final a la 71 Seminci con Hombre al agua, su tercer largometraje de ficción como director, que también protagoniza junto a Esmeralda Pimentel, Débora Nascimento, Natalia Oreiro y Ricky Martin. La película sigue a Camilo, un socorrista cubano que salva de morir ahogado a un empresario mexicano y termina casándose con su hija. El matrimonio le abre las puertas de un mundo privilegiado al que hasta entonces no pertenecía, pero también le obliga a enfrentarse a las reglas de ese nuevo entorno.
Su faceta como director, iniciada con Déficit y continuada con Chicuarotes, tiene ahora continuidad con Hombre al agua. El actor, que alcanzó reconocimiento internacional a los 22 años con Amores perros, ha desarrollado desde entonces una trayectoria que le ha llevado a trabajar con algunos de los cineastas más destacados del panorama internacional, como Alfonso Cuarón (Y tu mamá también), Walter Salles (Diarios de motocicleta), Pedro Almodóvar (La mala educación), Alejandro González Iñárritu (Babel), Fernando Meirelles y Jim Jarmusch.
La presencia de Lili Horvát y Gael García Bernal en la 71 Seminci refuerza el vínculo del festival con cineastas cuyas trayectorias han estado ligadas a Valladolid. Horvát forma ya parte de la historia reciente de la Semana, donde ha participado en tres ocasiones, mientras que García Bernal, que visitará por primera vez el certamen, ha estado presente anteriormente en su programación a través de Museo, de Alonso Ruizpalacios, en 2018, y Magallanes, de Lav Diaz, en 2025, película que protagonizó y que obtuvo la Espiga de Oro ex aequo.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del film de terror The Cycle. La película dirigida por Jordan Downey, responsable de The Head Hunter (2018) y con participación en las colectivas V/H/S/Beyond (2024) y V/H/S/8 (2025), que tras su paso por festivales como el Fantastic Fest y Sitges tendrá un estreno en plataformas de la mano de Shudder previsto para el próximo 23 de octubre de 2026.
En The Cycle vemos como Meg, una investigadora forense a la que le llega un misterioso caso, con relación a la aparición de tres cadáveres en el escenario de un macabro asesinato y uno de ellos es su padre. El problema es que su padre desapareció sin dejar rastro hace 36 años. Lo que empieza como una enrevesada intriga policial se convierte rápidamente en un viaje al corazón de las tinieblas de un pasado familiar violento y lleno de preguntas sin respuesta.
La película, con guion a cargo del propio Jordan Downey junto a Kevin Stewart, está protagonizada por Deborah Ann Woll, Jeffrey Donovan, Will Hochman, Jack Doolan, Carl W. Crudup, Jeb Berrier, Gretchen Corbett, David Myers Gregory y Dana Millican.
El amigo del alma (Antonio García Escobar, 1905). Filmoteca Española
· Le Giornate del Cinema Muto de Pordenone, festival internacional de referencia para el cine mudo, presenta por primera vez una retrospectiva monográfica dedicada a los orígenes del cine en España (1896-1916), fruto de la colaboración entre filmotecas, archivos e instituciones dedicadas a la conservación y difusión del patrimonio cinematográfico.
· Esta primera gran retrospectiva internacional reúne 63 títulos procedentes de diferentes países, e incorpora nuevas restauraciones y películas recuperadas que amplían y enriquecen el conocimiento de este periodo.
· El programa de proyecciones, que se desarrollará del 5 al 8 de octubre y coincidirá con la celebración del Día del Cine Español, el 6 de octubre, pondrá en valor ante una audiencia internacional un patrimonio fundamental para comprender el nacimiento de la cultura cinematográfica y reivindicará la importancia de la cooperación entre filmotecas e instituciones en su investigación, preservación y difusión.
· Sus cuatro sesiones recorrerán la evolución del cinematógrafo, desde las primeras filmaciones realizadas por operadores extranjeros hasta los primeros esfuerzos por consolidar una industria cinematográfica propia.
La colaboración entre filmotecas, archivos e instituciones patrimoniales ha hecho posible que Le Giornate del Cinema Muto, festival internacional de referencia dedicado al cine mudo, que en 2026 celebra su 45ª edición, presente por primera vez una retrospectiva dedicada al cine español de los orígenes, comprendido entre 1896 y 1916.
La presencia del cine español de los orígenes en este encuentro internacional supone una oportunidad excepcional para dar a conocer un patrimonio fundamental en un marco de primer nivel y pone de relieve la importancia de la cooperación entre archivos fílmicos para la conservación, investigación y difusión de la memoria cinematográfica.
El programa, que se celebrará del 5 al 8 de octubre en la ciudad italiana de Pordenone, reunirá en cuatro sesiones 63 obras cinematográficas procedentes de distintos archivos y colecciones. Su celebración en torno al 6 de octubre, Día del Cine Español, subraya la especial relevancia de esta retrospectiva, que permitirá descubrir en pantalla grande algunas de las primeras imágenes cinematográficas filmadas en España, desde la llegada del cinematógrafo de la mano de operadores extranjeros hasta el nacimiento de las primeras iniciativas de producción cinematográfica nacional.
El Ciego de la aldea / L´Auvegle du village (Angel García Cardona, 1906) Filmoteca de Catalunya- Filmoteca Valencia
Un viaje a los orígenes del cine
La selección, consensuada entre todas las filmotecas participantes, propone un recorrido por los primeros veinte años del cinematógrafo en España desde una perspectiva cronológica, territorial y temática. A través de vistas, actualidades, ficciones e incluso uno de los primeros ejemplos de publicidad cinematográfica, el programa muestra la evolución del medio y el progresivo desarrollo de una producción cinematográfica propia.
Las cuatro sesiones recorren la llegada del cinematógrafo a finales del siglo XIX, inicialmente de la mano de operadores extranjeros como Alexandre Promio, enviado por la casa Lumière de Lyon, y el posterior surgimiento de las primeras iniciativas de producción local. El programa reúne obras vinculadas al fotógrafo Pau Audouard y a pioneros como Fructuós Gelabert, Eduardo Gimeno e Ignacio Coyne, autor de uno de los primeros experimentos de cine sonoro realizados en España.
Burgos (Ibérico Films/ Pathé frères, 1911? /1918?) CNC – Filmoteca de Catalunya
La retrospectiva presta también una atención especial a las primeras ficciones protagonizadas por mujeres. Desfilan por la pantalla personajes tan diversos como una contrabandista enamorada, la artista Tórtola Valencia o las heroínas aventureras inspiradas en los populares seriales cinematográficos de la época. Los bailes y las danzas filmados en los primeros años del cinematógrafo ocuparán asimismo un lugar destacado en la sesión inaugural.
El proyecto ha impulsado, además, nuevas iniciativas de investigación, preservación y restauración desarrolladas de forma colaborativa por las filmotecas participantes, algunas de las cuales podrán verse por primera vez en Pordenone. Entre ellas figuran un nuevo título de Segundo de Chomón correspondiente a su etapa barcelonesa; la película doméstica en formato 28mm más antigua localizada hasta ahora en Canarias; y el largometraje de aventuras Voluntad que vence (Salvador Castelló, 1919), presentado con acompañamiento musical en directo del grupo de jazz Croscat Ramblers.
En lo que a acompañamiento musical en directo se refiere, las sesiones del programa contarán también con Caspervek (música original y arreglos: Brais González; interpretación: Caspervek Ensemble) y con la orquesta residente del Festival, intérpretes y creadores con amplia experiencia y especialización en la composición e interpretación de música en directo para cine mudo y películas de los primeros tiempos del cinematógrafo. Su participación contribuirá a realzar las obras cinematográficas programadas y ofrecer al público una experiencia de exhibición singular y contemporánea, al tiempo que favorecerá la difusión del patrimonio cinematográfico y su acercamiento a nuevos públicos.
Una colaboración al servicio de la preservación, la investigación y la difusión del patrimonio cinematográfico
Con esta iniciativa, las filmotecas participantes reafirman su compromiso con la preservación, el estudio y la difusión del patrimonio cinematográfico, así como con el trabajo colaborativo entre archivos, instituciones culturales e investigadores para recuperar, estudiar y compartir las primeras imágenes de nuestra historia cinematográfica.
Benítez quiere ser torero (Angel García Cardona, 1910. Prod: Films H.B. Cuesta (Valencia). Filmoteca de Catalunya, Filmoteca Valenciana
La retrospectiva ha sido posible gracias al trabajo conjunto de Filmoteca Valenciana, Filmoteca Canaria, Arxiu del So i de la Imatge de Mallorca, Filmoteca de Zaragoza, Filmoteca de Galicia, Nafarroako Filmoteka/Filmoteca de Navarra, Filmoteca de Andalucía, Euskadiko Filmategia/Filmoteca Vasca, Museu del Cinema de Girona-Col·lecció Tomàs Mallol, Biblioteca de Catalunya, Filmoteca de Catalunya y Filmoteca Española.
El proyecto ha contado además con la colaboración internacional del Institut Lumière, la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, la Cinémathèque française, el British Film Institute y Centre National de la Cinématographie et de l’image animée, así como con el apoyo del Instituto Cervantes de Milán para el acompañamiento musical en directo de la primera sesión.
Líndomptée / Voluntad que vence (Salvador Castelló, 1919. Prod: Sociedad Anónima Sanz,Barcelona). Cinémathèque française, Filmoteca de Catalunya
Para la proyección de apertura se ha contado también con el asesoramiento del Proyecto de Investigación Spain on Stage: Dance and the Imagination of National Identity (ERC 2023-CoG 101125179), del Instituto de Historia del CSIC, cuya participación ha permitido identificar los bailes y músicas presentes en un buen número de las películas que integran el programa.
Esta retrospectiva es también resultado de las jornadas de visionado Projectem el passat / Proyectamos el pasado (1896-1916), impulsadas, coordinadas y celebradas durante tres ediciones por la Filmoteca de Catalunya entre 2019 y 2025. Estos encuentros reunieron a historiadores, programadores, archiveros y conservadores con el objetivo de visionar y estudiar conjuntamente el cine español conservado.
La integración de esta investigación con nuevas iniciativas de difusión permitirá que parte de los materiales se incorpore, a partir de octubre y con motivo de la celebración del Día del Cine Español, a PLATFO, la plataforma pública y gratuita del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) para la difusión del patrimonio cinematográfico y audiovisual español, facilitando así su acceso a nuevos públicos.
Tras su premier mundial en el pasado Festival de Cannes acaba de ver la luz un primer teaser subtitulado al castellano, que podéis ver por cortesía de Cine Maldito a final de página junto a su póster oficial, del debut tras las cámaras de Marion Le Corroller titulado Sanguine. La película, una nueva vuelta de tuerca al subgénero del body horror, tras su presencia en el inminente Festival de Sitges, se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Adso Films y Twelve Oaks Pictures el próximo 6 de noviembre de 2026.
En Sanguine vemos como Margot, una brillante pero insegura estudiante de medicina lucha por sobrevivir al ritmo frenético de sus prácticas en urgencias. Sin embargo, el agotamiento no es su mayor problema: una oleada de pacientes jóvenes ingresa con síntomas inexplicables que desafían toda lógica clínica. A medida que la frontera entre su diagnóstico y su propia realidad se desdibuja, Margot descubre con horror que su cuerpo está empezando a replicar la misma y misteriosa patología que intenta curar.
La película, con guion a cargo de la propia Marion Le Corroller junto a Thomas Pujol, esta protagonizada por Mara Taquin, Karin Viard, Kim Higelin, Sami Outalbali, Clément Bresson, Sonia Faidi, Benjamin Mendes, Stefan Crepon, Niko Ravel, Joël Cudennec, Lancelot Courciéras y Maeva Gonzalez.
· Sebastian Brameshuber, Ted Fendt, Isabelle Tollenaere, Bingham Bryant, João Pedro Rodrigues y João Rui Guerra da Mata filman el continente desafiando las formas narrativas convencionales
· Karim Lakzadeh nos descubre un Irán alternativo a través del humor y el absurdo en Living Twice, Dying Thrice
Alquimias, sección competitiva que reúne en Seminci el cine más arriesgado e innovador, contará en su 71 edición con diez películas. La selección incluye siete nuevos títulos: London, de Sebastian Brameshuber; Foreign Travel, de Ted Fendt; Paris Paris, de Isabelle Tollenaere; 13 alfinetes, de João Pedro Rodrigues y João Rui Guerra da Mata; Promised Spaces, de Ivan Marković; Living Twice, Dying Thrice, de Karim Lakzadeh, y El espejismo, de Bingham Bryant, que se suman a las tres producciones españolas ya anunciadas: Adiós, ríos, de Sebastián Uría; Benigno, de David Baute, y Dream of Another Summer, de Irene Bartolomé.
Desde geografías muy diferentes, las películas de Alquimias buscan nuevas maneras de contar sus territorios a través de juegos formales y narrativos que invitan al espectador a mirar desde otros lugares y a dejarse sorprender. Así, renuevan el relato de la vieja Europa y se adentran también en un Irán milenario desde nuevas perspectivas generacionales. En Living Twice, Dying Thrice, Karim Lakzadeh se acerca a la cotidianidad de un país poco conocido, y muestra, desde una mirada libre de prejuicios, otras formas de vida y la riqueza de una sociedad que desborda los relatos establecidos. Tres mineros que han sobrevivido a un accidente deciden hacer creer que han muerto para que sus familias puedan cobrar una indemnización. La película mezcla humor, situaciones disparatadas y también una realidad marcada por la precariedad y la explotación.
Nuevas miradas sobre la vieja Europa
Los desplazamientos por Europa sirven también como punto de partida para explorar cinematográficamente el presente y la memoria del viejo continente, desde Austria y Alemania a Portugal o España. En London (Austria), Sebastian Brameshuber convierte los viajes compartidos en coche entre Viena y Salzburgo en un espacio de conversación. Bobby recoge a desconocidos y, durante el trayecto, charlas espontáneas pasan de lo cotidiano a cuestiones más profundas. El director austriaco propone un original dispositivo cinematográfico para observar una Europa atravesada por contradicciones.
Las inquietudes literarias de un grupo de jóvenes berlineses son el punto de partida de Foreign Travel (Alemania), del cineasta estadounidense Ted Fendt. Sus reuniones en torno a la obra de la escritora italiana Anna Maria Ortese conviven con las preocupaciones de su día a día: las mudanzas, las relaciones personales o la experiencia de vivir en otro país y en otra lengua.
También desde Estados Unidos llega la mirada de Bingham Bryant, que se acerca a Europa para construir en El espejismo (Portugal, Estados Unidos, Alemania) un juego de apariencias, reflejos y perspectivas cambiantes. El cineasta construye una película sobre el acto de mirar partiendo de un relato del japonés Edogawa Rampo, que cuenta la historia de dos hermanas cuya relación se vuelve cada vez más enigmática, a medida que cambia la percepción que tienen la una de la otra. Rodada en San Sebastián, la película convierte la ciudad y sus paisajes en un territorio de apariciones y explora qué ocurre cuando dejamos de reconocer a alguien cercano.
Tres inmigrantes que apenas se conocen empiezan a convivir en un edificio de París del que sus habitantes han sido desalojados. Paris Paris (Bélgica), de Isabelle Tollenaere, sigue esa convivencia cotidiana, hecha de pequeños gestos, humor y ternura, hasta convertirla en una forma de familia. Sus protagonistas, procedentes de lugares diferentes, encuentran en ese espacio compartido una manera de pertenecer a una ciudad que inicialmente les resulta ajena.
João Pedro Rodrigues (O fantasma, Morir como un hombre, Fuego fatuo) y João Rui Guerra da Mata se acercan en 13 alfinetes (Portugal, España) a la tradición de san Antonio y a los trece alfileres empleados en una antigua práctica de adivinación amorosa. La película cruza referencias religiosas, históricas y artísticas, entre ellas la figura de Goya, para explorar qué permanece de los mitos cuando se observan desde el deseo. Como en buena parte de su filmografía conjunta, marcada por una profunda mirada al pasado colonial portugués y a las identidades marginales —como ya exploraron en La última vez que vi Macao—, los cineastas vuelven a situarse en un territorio donde memoria, identidad y deseo, lo sagrado y lo profano, la devoción y la fantasía carnal se entrelazan.
Las fracturas capitalismo
El cineasta serbio Ivan Marković viaja al sudeste asiático en Promised Spaces (Francia, Alemania, Serbia, Camboya), con una mirada hacia los grandes edificios de nueva construcción de Camboya.
Alquimias se consolida así como el espacio de Seminci dedicado a las propuestas que exploran nuevas vías de expresión y amplían los límites del lenguaje cinematográfico.
Hablar de cine fantástico latinoamericano dirigido por mujeres supone enfrentarse a un territorio inmenso, complejo y en permanente transformación. A diferencia de otras cinematografías en que las tradiciones industriales y genéricas pueden rastrearse con relativa continuidad, Latinoamérica se presenta como un mosaico de historias nacionales, herencias culturales, lenguas, religiones, imaginarios y modelos de producción profundamente diversos.
Aun así, en las últimas tres décadas asistimos a una auténtica eclosión de autoras. Cineastas como Lucrecia Martel, Claudia Llosa, Laura Casabé, Issa López, Clara Sola, Alexandra Latishev, Estefani Céspedes, Hilda Hidalgo, Florencia Dupont, Andrea Ozuljevich, Natalia Meta, Juliana Rojas, Anita Rocha da Silveira, Michelle Garza Cervera, Marina Meliande, Gigi Saul Guerrero, Tamae Garateguy, Jimena Monteliva, Sandra Arriagada, Iuli Gerbase o Victoria Linares, entre otras, han encontrado en el fantástico una herramienta privilegiada para explorar cuestiones relacionadas con la identidad, el cuerpo, el deseo, la maternidad, la violencia estructural, la memoria histórica y los mecanismos de exclusión social.
Tras alzarse con el Premio a la Mejor Película en el Fantastic Fest, acaba de ser presentado en sociedad un primer adelanto, en forma de un breve teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del thriller de componente fantástico Girl in the Night, Dekle noci en original, dirigido por Luka Marcetic, At Hostar (2016) y Pr’ Hostar 2 (2022). La película estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges dentro de la sección Noves Visions.
En Girl in the Night vemos como para escapar de la monotonía de sus turnos de noche, Rok mata el tiempo robando chocolatinas en la gasolinera donde trabaja. Una noche conoce a una misteriosa joven con el rostro cubierto de hematomas. La chica, que solo aparece al anochecer, se dedica a combatir el crimen y asegura poseer superpoderes. Para volver a verla, Rok idea un insólito plan que dará un giro inesperado a su anodina existencia: robarle la bicicleta.
La película, con guion a cargo del propio Luka Marcetic; está protagonizada por Urban Kuntaric, Lara Wolf, Rok Roudi, Nejc Jezernik, Doroteja Nadrah, Maja Sever, Marko Mandic, Nina Valic, Ana Facchini y Niko Zagode.
El Día del Cine Español se proyectará la restauración del documental de Fernando Trueba Mientras el cuerpo aguante (1982), retrato del cantante Chicho Sánchez Ferlosio
Cineteca se suma a la iniciativa Madrid es Paisaje del Ayuntamiento de Madrid, que pone el foco sobre lugares no tan emblemáticos de la ciudad
Con el ciclo ‘Exilios’, Cineteca mostrará la influencia y aportaciones del exilio español en México
Una retrospectiva de Bruno Lázaro Pacheco recorrerá la filmografía del cineasta, entre la ficción, el documental y el cine experimental
En el 90 aniversario de su nacimiento, Cineteca rinde homenaje al arquitecto, pintor, urbanista y cineasta Jacinto Esteva
Una retrospectiva sobre Warren Sonbert pondrá en diálogo su cine vanguardista con películas clásicas de Dziga Vertov, Alfred Hitchcock y Douglas Sirk
También recibirá un homenaje Eugènia Balcells, pionera del cine experimental y el arte audiovisual en España, fallecida el pasado marzo
Cineteca acogerá la retrospectiva más completa dedicada hasta la fecha en España a la cineasta argentina Lucía Seles
Un programa especial para celebrar Halloween y el Another Way Film Festival completan la nutrida programación de este mes
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte ubicado en Matadero Madrid, convoca a los espectadores en octubre a la celebración del Día del Cine Español y a revisar la enorme influencia que el exilio español tuvo en México. Asimismo, una retrospectiva recorrerá la filmografía del cineasta Bruno Lázaro Pacheco, al tiempo que se rendirá homenaje al cineasta multidisciplinar Jacinto Esteva en el 90 aniversario de su nacimiento. También a modo de retrospectiva está planteado un diálogo entre el cine vanguardista de Warren Sonbert y películas clásicas de Dziga Vertov, Alfred Hitchcock y Douglas Sirk. Igualmente, Cineteca acogerá la retrospectiva más completa dedicada hasta la fecha a la cineasta argentina Lucía Seles.
Como cada año, este espacio se sumará a la celebración del Another Way Film Festival con cine documental sobre progreso sostenible. A finales de mes, además, un ciclo terrorífico animará a festejar Halloween.
Día del Cine Español
Un año más, Cineteca se suma a la celebración del Día del Cine Español, el 6 de octubre, con la proyección de dos joyas desconocidas que demuestran que el cine español es mucho más diverso y extraterritorial de lo que siempre se ha creído. Por un lado, se exhibirá la restauración del documental de Fernando Trueba Mientras el cuerpo aguante (1982), retrato del cantante Chicho Sánchez Ferlosio que destaca por su carácter lírico, humorístico, profundo y musical. Al día siguiente, se estrenará Pequeño diccionario de gramática de las nubes (2026), última producción de la Escuela Dentro Cine, que desarrolla su actividad en Matadero Madrid. La película muestra un futuro posible para el cine español, inclusivo, plural y diverso.
Madrid es paisaje
Cineteca se suma a la iniciativa Madrid es paisaje del Ayuntamiento de Madrid, un programa de actividades de carácter anual en torno al Día Internacional del Paisaje (20 de octubre) que busca descentralizar la mirada sobre la ciudad, poniendo en valor no solo los espacios más emblemáticos, sino también los paisajes
cotidianos y cómo el arte público habita en ellos. En colaboración con la Subdirección de Paisaje Urbano y Arte Público, Cineteca organiza tres sesiones seguidas de encuentros que exploran la relación entre el espacio público y la experiencia ciudadana.
Ciclo ‘Exilios’, la influencia y aportaciones del exilio español en México
En este ciclo, que se celebra en Casa de México con la colaboración de UNAM España, se muestra la enorme influencia que el exilio español tuvo en México. Cineteca se suma estrenando, el 6 de octubre, la restauración de Redondo (Raúl Busteros, 1986), una película que el director mexicano, hijo de exiliados, realizó a partir de la novela del escritor español Paco Ignacio Taibo. Probablemente es en esta película irreverente y curiosa donde se muestra la herencia de Buñuel de forma más descarnada. A este título se sumará, el 14 de octubre, En el balcón vacío (Jomi García Ascot, 1962), obra cumbre del exilio español y joya desconocida, que 65 años después ilumina muchas de nuestras heridas.
Retrospectiva de Bruno Lázaro Pacheco
Del 3 al 11 de octubre, Cineteca Madrid organiza una retrospectiva dedicada a Bruno Lázaro Pacheco, cineasta canadiense-español cuya obra transita entre la ficción, el documental y el cine experimental. Hijo del poeta Jesús López Pacheco, exiliado durante la dictadura franquista, Lázaro Pacheco creció entre dos culturas, una dualidad que impregna toda su filmografía. Heredero del existencialismo de Tarkovsky y Wenders, su cine explora las dualidades culturales, la memoria del exilio y la tensión entre el individuo y el Estado.
El programa ofrece un recorrido completo por su filmografía, desde sus primeros cortos hasta sus largometrajes más recientes, entre los que destacan obras poéticas y radicales como Hate to Love (1982), premiada en Chicago e invitada a la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes; There Are No Outdoor Ice Rinks In Madrid (2011), un homenaje experimental a su padre; y el estreno de August So Tragic and Tender (2025), su último largometraje. Las sesiones irán acompañadas de encuentros con el cineasta, cuya presencia ha sido posible gracias al apoyo económico del Conseil des arts et des lettres du Québec.
Homenaje a Jacinto Esteva
Jacinto Esteva —arquitecto, pintor, urbanista y cineasta— fue uno de los nombres esenciales de la Escuela de Barcelona. Su mirada, tan inclasificable como radical, transitó entre el documental etnográfico, la vanguardia y una fascinación por África que marcó gran parte de su obra. Cineteca celebra los 90 años de su nacimiento con un homenaje, del 3 al 6 de octubre, que recorre sus principales trabajos y recupera materiales de sus rodajes en África.
El programa continúa con sus cortometrajes tempranos Notes sur l’émigration. Espagne 1960 (codirigido con Paolo Brunatto), un documental sobre la emigración española a Suiza, y Alrededor de las salinas, un docudrama rodado en Ibiza que prefigura los motivos de su obra posterior. Además, se proyectará su obra capital, Lejos de los árboles, un fascinado y horrorizado recorrido por la España profunda.
Puente aéreo: el cine de Warren Sonbert
Warren Sonbert fue una de las figuras esenciales de la vanguardia cinematográfica estadounidense. Irrumpió en la escena neoyorquina con apenas 18 años, capturando en sus primeras películas el espíritu de su generación con un estilo provocador. Su obra evolucionó hacia un montaje rapsódico y exuberante que le valió ser calificado como ‘el supremo diarista romántico del cine’, yuxtaponiendo lo cotidiano y lo exótico en una danza visual hipnótica.
Pero Sonbert fue también un apasionado del cine clásico, y supo tejer un diálogo fértil entre la experimentación formal y la tradición narrativa. Del 16 al 18 de octubre, esta retrospectiva planteará un diálogo explícito entre las obras del cineasta y películas clásicas de Dziga Vertov (La sexta parte del mundo), Alfred Hitchcock (Marnie, la ladrona) y Douglas Sirk (Escrito sobre el viento). Las sesiones serán introducidas por los comisarios Francisco Algarín Navarro y Carlos Saldaña Puerto.
Homenaje a Eugènia Balcells
Entre el 14 y el 16 de octubre, Cineteca rinde homenaje a Eugènia Balcells, pionera del cine experimental y el arte audiovisual en España, fallecida el pasado marzo. Su obra exploró los límites de la percepción visual, la luz y el sonido a través de videoinstalaciones, performances y videopartituras. Este programa, en colaboración con la Fundación Eugènia Balcells y el archivo Hamaca, recorrerá sus primeros filmes, donde se cuestionan la imagen y la representación de la mujer, y cobran fuerza la experimentación formal y la reflexión sobre el lenguaje. Las sesiones contarán con las presentaciones de los autores Pablo Marín y Noni Benegas
Retrospectiva Lucía Seles
Cineteca Madrid acoge, del 27 de octubre al 1 de noviembre, la retrospectiva más completa dedicada hasta la fecha en España a Lucía Seles, cineasta inclasificable del cine argentino contemporáneo. Grafómana, música, actriz y directora, Seles ha construido una obra que no se parece a ninguna otra. Sus películas, o ‘videos’, como ella prefiere llamarlos, son un género en sí mismo: un caos narrativo y humano de montaje frenético, donde lo absurdo y lo verosímil se dan la mano. A través de transiciones abruptas, encuadres singulares y comentarios sobreimpresos en spanglish, Seles invita al espectador a preguntarse por la percepción, la comunicación y la tiranía del lenguaje. La retrospectiva incluye sus piezas más recientes, muchas de ellas inéditas en España.
Especial Halloween
Cineteca Madrid celebrará Halloween con un programa comisariado por Alberto Sedano que indaga en las tensiones corporales femeninas a través de dos joyas recién restauradas del fantaterror español: La endemoniada (1975), de Amando de Ossorio, peculiar respuesta española al fenómeno de El Exorcista, y Las melancólicas (1971), de Rafael Moreno Alba, un drama de terror protagonizado por Analía Gadé, Francisco Rabal y Espartaco Santoni. Mutilada por la censura franquista, circulan dos versiones: una para España y otra, con desnudos, para el extranjero. Además, el 1 de noviembre se estrena la restauración de Invasión travesti (2000), de Jero de los Santos, un delirio del underground andaluz que subvierte los códigos de género.
Another Way Film Festival
Como cada mes de octubre, llega a Cineteca Another Way Film Festival, el festival de cine documental sobre progreso sostenible. En su XII edición, del 20 al 25, los 40 títulos elegidos, repartidos entre documentales, películas de ficción y cortometrajes, girarán en torno a temáticas como el poder del activismo, las alternativas de consumo, el impacto de la minería, las energías renovables, la preservación de la biodiversidad, la vida rural en la actualidad, la transformación de los entornos urbanos y el legado del colonialismo, entre otros temas.
Tras películas como Ne le dis à personne (2006) o Blood Ties (2013), el realizador francés Guillaume Canet vuelve a adentrarse en el thriller con Karma, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges dentro de la sección Órbita, se estrenará en nuestro país de la mano de A Contracorriente Films el 2 de abril de 2027.
En Karma vemos como en un pueblo del norte de España, Jeanne intenta rehacer su vida con Daniel, que no sabe nada de su turbulento pasado. Un día, Mateo, el ahijado de Jeanne, de seis años, desaparece misteriosamente… Para huir de la policía, que rápidamente sospecha de ella, Jeanne se refugia en Francia, en una comunidad religiosa en la que nació y de la que había huido unos años antes. Daniel no cree en la culpabilidad de la mujer que ama y hará todo lo posible por encontrarla antes que la policía.
La película, con guion a cargo del propio Guillaume Canet junto a Simon Jacquet, está protagonizada por Marion Cotillard, Leonardo Sbaraglia, Luis Zahera, Denis Ménochet, Alain Blazquez, Ferran Font Benito, Stivell Pérot, Anne Le Forestier, Vincent Treguier y Hugo Trophardy.
Una retrospectiva que recorre algunas de las películas más representativas de uno de los cineastas contemporáneos más reconocibles, de «Reservoir Dogs» a «Los odiosos ocho»
Filmin estrena el 2 de octubre un ciclo dedicado a Quentin Tarantino que reúne seis películas: «Reservoir Dogs», «Jackie Brown», «Kill Bill: The Whole Bloody Affair», «Los odiosos ocho» y el díptico de «Grindhouse», formado por «Death Proof», dirigida por Tarantino, y «Planet Terror», de Robert Rodríguez. La selección permite recorrer más de dos décadas de una filmografía marcada por la pasión del director por los géneros populares, su desbordante cinefilia y su capacidad para transformar referencias de procedencias muy diversas en un lenguaje cinematográfico propio.
Desde el thriller criminal y el cine de artes marciales hasta el western, el exploitation o el terror, Tarantino ha construido una obra reconocible por sus diálogos, sus estructuras narrativas, el uso de la música y su particular manera de apropiarse de la historia del cine. El ciclo reúne desde su debut, convertido en una de las grandes óperas primas del cine estadounidense contemporáneo, hasta algunas de sus obras más ambiciosas, sin olvidar el proyecto compartido con Robert Rodríguez que rindió homenaje al imaginario del cine de explotación.
La versión definitiva de «Kill Bill»
Quentin Tarantino concibió «Kill Bill» como una única película, aunque su duración hizo que acabara estrenándose dividida en dos volúmenes. Más de veinte años después de su lanzamiento original, «Kill Bill: The Whole Bloody Affair» permite descubrir la historia completa en un único montaje y recuperar parte del material que quedó fuera de las versiones estrenadas internacionalmente. La versión integral reúne «Kill Bill: Vol. 1» y «Kill Bill: Vol. 2», modifica ligeramente el orden de algunos capítulos y elimina los cliffhangers que separaban ambas entregas, además de presentar una única secuencia de créditos de apertura y cierre.
La gran novedad de esta versión es la incorporación de una nueva secuencia de animación de siete minutos realizada por Production I.G para el capítulo dedicado a O-Ren Ishii, basada en un fragmento que Tarantino había escrito y diseñado originalmente para la película. «Hemos añadido algunas cosas. Hicimos todo un pequeño capítulo que escribí y diseñé para la secuencia animada y que nunca llegamos a hacer porque, cuando pensábamos que iba a ser una sola película, creímos que sería demasiado larga. Cuando hablamos de volver a estrenarla, me preguntaron si había algo que pudiéramos añadir y les dije que no, que ya lo había puesto todo, pero… había una secuencia que ni siquiera tendríamos que rodar. Así que nos reunimos con Production I.G y la hicimos. Y es realmente genial. Son siete minutos y está en el capítulo de O-Ren», explica Tarantino.
Del thriller al western, pasando por «Grindhouse»
El recorrido comienza con «Reservoir Dogs», el debut que puso a Tarantino en el mapa y que ya concentraba muchas de las constantes de su obra: un drama criminal directo, intenso y estilizado sobre un robo chapucero y las consecuencias que desencadena. «Jackie Brown» muestra, en cambio, una faceta más reposada del director a través de un thriller de aire setentero protagonizado por Pam Grier. Una de las películas menos reivindicadas de su filmografía y, al mismo tiempo, una de las más singulares, construida sobre una trama más convencional pero resuelta con enorme precisión. Robert Forster fue nominado al Óscar por su interpretación.
Con «Los odiosos ocho», Tarantino llevó su fascinación por el western a un escenario cerrado, convirtiendo una cabaña aislada en un polvorín de sospechas, enfrentamientos y diálogos explosivos. El reparto reúne a algunos de sus colaboradores habituales, como Samuel L. Jackson, Tim Roth y Michael Madsen, y la banda sonora de Ennio Morricone le proporcionó al compositor su ansiado primer Óscar a la mejor banda sonora original. El ciclo se completa con «Grindhouse», proyecto compartido por Tarantino y Robert Rodríguez como homenaje al cine de explotación, del que aquí podrán verse sus dos películas: «Death Proof», escrita y dirigida por Tarantino, un frenético thriller de asfalto con Kurt Russell a la cabeza y «Planet Terror», dirigida por Rodríguez y entregada al terror zombi más desatado.
Acaba de ser presentada en sociedad de la mano de Neon el tráiler final, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador James Gray titulado Paper Tiger. La película, que supone el regreso del responsable de Two Lovers al género negro, de estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 12 de febrero de 2027 de la mano de Diamond Films.
En Paper Tiger vemos como dos hermanos que persiguen el sueño americano se ven de repente envueltos en un plan que resulta ser demasiado bueno para ser verdad. Pero mientras intentan abrirse camino en un mundo de corrupción y violencia cada vez más peligroso, se encuentran ellos mismos y su familia brutalmente aterrorizados por la mafia rusa. Sus lazos empiezan a deshilacharse y la traición, antes impensable, se convierte en algo posible.
La película, con guion a cargo del propio James Gray, esta protagonizada por Adam Driver, Scarlett Johansson, Miles Teller, Gavin Goudey, Roman Engel, Cindy Katz, Yves Garvy, Victor Ptak, Dimiter D. Marinov, Raphael Corkhill, Roman Blat, Patrick Murney, Joel Marsh Garland, Michael Alix, Meredith Holzman, Rosslyn Luke, Grisha Reydler y Elena Solovey.
Figura poliédrica donde las haya —arquitecto, pintor, urbanista y cineasta—, Jacinto Esteva fue uno de los nombres esenciales de la Escuela de Barcelona. Su mirada, tan inclasificable como radical, transitó entre el documental etnográfico, la vanguardia y una fascinación por África que marcó gran parte de su obra. Celebramos los 90 años de su nacimiento con un homenaje que recorre sus principales trabajos y recupera materiales recuperados como sus rodajes en África: Mozambique, El arca de Noé, La ruta de los esclavos y La isla de las lágrimas. El programa continúa con sus cortometrajes tempranos Notes sur l’émigration. Espagne 1960 (codirigido con Paolo Brunatto), un documental sobre la emigración española a Suiza, y Alrededor de las salinas (1962), un docudrama rodado en Ibiza que prefigura los motivos de su obra posterior. Además, ofrecemos su obra capital, Lejos de los árboles (1970), un fascinado y horrorizado recorrido por la España profunda.
Programación
Jacinto Esteva. Sesión de cortometrajes
Mozambique / Del arca de Noé al pirata Rhodes (1970) – Materiales de los rodajes de Jacinto Esteva en África (24′) Fascinado por su primer viaje en África, Jacinto Esteva decide quedarse en Mozambique. Establece contactos con el Frente de Liberación de Mozambique y reclama la presencia del director de fotografía Manel Esteban para rodar un film anticolonialista. Se conservan los guiones y cinco horas de material, en bruto y sin sonido, que permiten hacerse una idea de los objetivos de este proyecto inacabado; una versión radicalizada de los rituales de la muerte, las religiones y la tortura de animales que ya había filmado en Lejos de los árboles.
La ruta de los esclavos / La isla de las lágrimas (1971) – Materiales de los rodajes de Jacinto Esteva en África (10′) El fotógrafo Antonio Cores se añade a un viaje por África organizado por amigos suyos y Jacinto Esteva le convence a llevarlo también para rodar la película del viaje. La comitiva sale de España el 17 de febrero de 1971 a través de una ruta que coincidía con la de los esclavos negros capturados por los mercaderes árabes: Argelia, Níger, Chad, República Centroafricana y Congo. Se ha perdido la mayor parte de la película rodada.
> Presentación del libro El elefante invertebrado, de Daria Esteva, sobre las aventuras africanas de su padre, publicado por Àfriques Edicions, a cargo de Luis E. Parés, director artístico de Cineteca Madrid, y Luís Estêvão, administrador de Únicamente Severo Films. (45′ aprox.)
Notes sur l’émigration. Espagne 1960 (codirigida con Paolo Brunatto, 1961, 19′) Siendo estudiantes de arquitectura, Esteva y Brunatto deciden hacer una investigación en forma de película sobre los problemas de vivienda de los trabajadores españoles en Suiza y los motivos que los llevaban a emigraban a finales de los 50 y principios de los 60. El film se convierte en una reflexión, a la vez mordaz y melancólica, sobre la tierra que dejaron atrás. Una obra que transita entre culturas y modos cinematográficos, un punto de partida, una declaración inicial: una llamado a la acción.
Alrededor de las salinas (1962, 22′) El fotógrafo Antonio Cores se añade a un viaje por África organizado por amigos suyos y Jacinto Esteva le convence a llevarlo también para rodar la película del viaje. La comitiva sale de España el 17 de febrero de 1971 a través de una ruta que coincidía con la de los esclavos negros capturados por los mercaderes árabes: Argelia, Níger, Chad, República Centroafricana y Congo.
Pases: Octubre
Sábado 3
19:30 h
Sala Azcon
Lejos de los árboles
Jacinto Esteva Grewe. España. 1973. (99′)
Lejos de los árboles levanta el retrato de una España oculta tras los discursos oficiales del desarrollismo. A través de un itinerario por rituales, celebraciones y costumbres populares –rurales y urbanas–, Jacinto Esteva descubre un territorio atravesado por la precariedad, las creencias ancestrales y unas formas de violencia profundamente arraigadas, desmontando la imagen de progreso y modernidad que el país aspiraba entonces a proyectar hacia el exterior. El resultado es una obra de extraordinaria fuerza visual, donde la memoria histórica y el peso de la tradición conviven con una insólita capacidad para revelar la belleza contenida en lo inquietante. Entre el documento etnográfico y la experiencia poética, la película convierte lo cotidiano en una visión de resonancias casi fantásticas, confirmando, como escribió Paul Éluard que “hay otros mundos, pero están en este”.
> No recomendada para menores de 18 años. > Presentación a cargo de Luis E. Parés, director artístico de Cineteca Madrid, y Luís Estêvão, administrador de Únicamente Severo Films.
Cuando Carrie (Brian De Palma, 1976) se estrenó en los cines estadounidenses el 3 de noviembre de 1976, el cine fantástico adquirió una imagen nueva y duradera: la del poder mental como catástrofe íntima, la del cuerpo más frágil del aula convertido, en cuestión de segundos, en la fuerza más destructiva del mundo. Este libro nace, ante todo, como un homenaje a esa película en su quincuagésimo aniversario.
De todas las fronteras que la ficción de terror se ha atrevido a cruzar, la del interior del cráneo fue la que durante más tiempo pareció inexpugnable. Podían asaltarnos la casa y el cuerpo; ni siquiera el sueño quedaba fuera del alcance de algunos monstruos. Pero el pensamiento aún era el reducto inviolable, el único lugar donde uno estaba de verdad a solas. El poder psíquico rompe esa frontera en las dos direcciones, y de ahí procede su doble filo. Por un lado, el pavor: que alguien lea lo que callamos, que gobierne nuestra conducta, que entre en la habitación cerrada de la conciencia. Por otro, el deseo secreto de su reverso: una mente tan poderosa que no necesite del mundo para transformarlo, capaz de mover, quemar o doblegar la realidad con solo quererlo
Arnold es un ratón de mediana edad atrapado en una crisis existencial. Su matrimonio se desmorona, su vida le parece absurda y empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa. Cuando su mejor amigo muere en circunstancias sospechosas, Arnold se convence de que algo no encaja. Lo que comienza como una paranoia cotidiana se convierte en una huida desesperada hacia algo que se parezca, aunque sea un poco, a la libertad. Largometraje basado en el aclamado cortometraje homónimo del propio Alberto Vázquez de 2016.
No deja de ser una buena noticia que dentro del cine español se continúe dando voz a trayectorias autorales marcadas por un determinado estilo. A tal respecto, el particular imaginario de Alberto Vázquez sigue intacto en Decorado, fábula animal que dialoga sobre la realidad y el derribo de las certezas vitales; un ratón de mediana edad cuya vida parece desmoronarse empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa, un decorado… Propuesta oscura y poco sutil, como suele ser habitual en su autor, cuya naturaleza de relato distópico recurre a nociones narrativas orwellianas presentes en películas como Brazil (Terry Gilliam, 1985) o The Truman Show (Peter Weir, 1998), mediante la reinterpretación de su cortometraje homónimo de 2016.
En su nueva película, el responsable de Unicorn Wars (2022) formula un tratado sobre la crisis existencial y la búsqueda de un sentido a todo lo que nos rodea, articulado mediante un doble salto mortal, transita por el complicado terreno del cine de animación para adultos, y lo hace a través de una osadía autoral, solo entendible desde el posicionamiento de alguien que reniega de cualquier tipo de complacencia.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer adelanto, en forma de un breve teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut tras las cámaras de la directora bilbaína Norma Vila titulado Salitre. La película, un drama de terror familiar, tendrá su premier mundial en la próxima edición del Festival de Sitges.
En Salitre vemos como Maite vive entregada a dos pilares que dan sentido a su existencia: su hija Nerea y su negocio de mariscos, un vivero natural excavado al borde del acantilado sobre el que se erige la casa donde ambas residen. Su rutina, austera y metódica, se tambalea cuando Nerea anuncia su intención de mudarse a Barcelona para estudiar arte. Lo que para Nerea supone un paso hacia su independencia, para su madre Maite se convierte en una amenaza…
La película, con guion a cargo de Candela Echenique, está protagonizada por Nagore Aranburu y Haizea Carneros.
Salitre es una producción de Ipuin Kontalaria Aie, Euskadi Movie, Pris & Batty Films, Bondi Stories y Festival Films que cuenta con la participación de EITB y RTVE. Su estreno en cines, próximamente.
· Tres películas iraníes, entre ellas Ensayos para una revolución, de Pegah Ahangarani, premio al mejor documental de Cannes, forman parte de la selección
· Destacan también revelaciones como la estadounidense Once Upon a Time in Harlemde William y David Greaves, At Night de la británica Beatrice Gibson, o Las noches de la argentina Ana Bovino
Tiempo de Historia reunirá en esta 71 Semana Internacional de Cine de Valladolid algunas de las obras de no ficción más destacadas de la temporada. A los cinco títulos españoles anunciados previamente se suman ahora doce películas internacionales que completan una ambiciosa selección de 17 largometrajes.
Esta nueva selección pone en diálogo a cineastas que presentan sus primeros largometrajes con autores de larga trayectoria como Sergei Loznitsa, Mariano Llinás, Mani Haghighi o Alain Cavalier, que en Thanks for Coming afronta su despedida del cine. El gran maestro del documental vuelve a filmar lo cotidiano con la sencillez, la cercanía y el humor que han acompañado su obra durante décadas. Lejos de cualquier solemnidad, el cineasta convierte este posible adiós en otra celebración de las personas, las conversaciones y los pequeños momentos que han dado sentido a su manera de hacer cine.
Retratos de familia
En Alea Jacarandas, Hassen Ferhani filma a su padre, periodista y escritor, mientras recorre Argel en busca de los jacarandás de la ciudad. Lo que comienza como una búsqueda termina revelando dos maneras de mirar el mundo: el padre convierte sus paseos en literatura y el hijo, en cine. Entre ambos nace una película delicada sobre la ciudad, la memoria y la relación entre generaciones, reconocida con el premio del jurado de Burning Lights en Visions du Réel.
En Tin Castle, Alexander Murphy descubre algo diferente de aquello que buscaba inicialmente. El retrato de una comunidad termina convirtiéndose, después de años de convivencia, en el retrato de una familia numerosa a la que el cineasta acaba perteneciendo casi como un miembro más. Las difíciles condiciones en las que viven nunca son utilizadas para construir un retrato de la precariedad o del sufrimiento: lo que aparece en pantalla es un mundo sostenido por el afecto, vulnerable y amenazado, pero también lleno de vida.
Gabin es el resultado de un rodaje de diez años, en los que Maxence Voiseux acompañó a su joven protagonista desde los ocho hasta los dieciocho años. Hijo de un carnicero y de una ganadera del norte de Francia, Gabin crece con la expectativa de continuar el negocio familiar, aunque poco a poco aparecen otros deseos y la necesidad de decidir por sí mismo. La película registra ese crecimiento sin subrayarlo: de pronto han pasado varios años y aquel niño se ha convertido en un joven que empieza a tomar las riendas de su vida, incluso cuando eso significa apartarse del futuro que otros habían imaginado para él.
Irán: memoria familiar y colectiva
El viaje de dos hermanos separados por el exilio está en el centro de Into the Jaws of the Ogre, primer largometraje de Mahsa Karampour. Ambos abandonaron Irán y sus vidas han tomado caminos casi opuestos; ahora recorren juntos las carreteras estadounidenses desde Nueva York mientras reaparecen los recuerdos de Teherán y las diferencias que los han llevado hasta allí. La estructura de road movie permite que el desplazamiento físico se convierta también en un viaje hacia una relación familiar que parecía perdida.
En I Deserve a Lover Whose Every Rise Sets Fiery Dooms Raging Across the Skies, el veterano Mani Haghighi, sin duda uno de los cineastas iraníes más heterodoxos y rebeldes, se acerca a dos artistas que han hecho de coleccionar una forma de preservar la memoria. Fotografías, documentos y objetos pertenecientes a personas que difícilmente aparecerían en la historia oficial construyen otro relato de Irán. Una película sobre el arte, pero también sobre la necesidad de recordar.
Ensayos para una revolución, de Pegah Ahangarani, parte de la memoria de su propia familia para acabar componiendo algo mucho más grande: la historia de varias décadas de resistencia iraní. Archivos personales, imágenes domésticas y momentos políticos se entrelazan hasta mostrar cómo las experiencias de unas pocas personas pueden contener la memoria de todo un país y su persistente aspiración de libertad. La película recibió el Œil d’Or al mejor documental en el Festival de Cannes.
Reescribir la historia: de la URSS a Harlem
También Imperium, de Sergei Loznitsa, se enfrenta a algo que parece imposible de abarcar: la inmensidad de la Unión Soviética. Las imágenes de archivo rodadas entre 1970 y 1973 muestran, a medida que se alejan de Moscú, una sucesión de rostros, paisajes, culturas y formas de vida que hacen imposible reducir aquel territorio a una sola identidad. Sin voz en off y sin explicaciones, el archivo revela la enorme distancia entre la imagen uniforme del Estado y la multitud de mundos que existían dentro de sus fronteras.
Once Upon a Time in Harlem, dirigida por William y David Greaves, devuelve a la vida una noche de 1972 en la que artistas, músicos e intelectuales vinculados al Renacimiento de Harlem se reunieron para conversar, debatir, reír y pensar sobre su tiempo. Más de cincuenta años después, David Greaves recupera y completa las imágenes filmadas por su padre. El resultado tiene algo de extraordinario: aquellos rostros y aquellas voces vuelven a estar presentes y establecen, además, un diálogo inesperado entre dos generaciones de cineastas. La película se estrena en Seminci tras pasar por los festivales de Sundance y Cannes.
El arte de contar
La película de Mariano Llinás parte de una paradoja fascinante: cuanto más intenta acercarse a Borges, más imposible resulta abarcarlo. Biografía de Jorge Luis Borges reúne manuscritos, objetos, lugares, libros y episodios de la vida del escritor, pero cada hallazgo abre una nueva historia y conduce hacia otro lugar. En vez de encerrar a Borges en una semblanza al uso, Llinás vuelve a poner en circulación sus mundos y convierte su película en una aventura laberíntica que parece no tener final.
La noche parisina se convierte en un lugar de encuentro en At Night, primer largometraje de Beatrice Gibson, premio a Mejor Dirección Emergente en Locarno. Seis mujeres comparten experiencias, recuerdos, deseos y fantasías en una película que presta tanta atención a lo que dicen como a la posibilidad de escucharse unas a otras. De ese intercambio surge un espacio íntimo y abierto en el que las protagonistas pueden imaginarse de otra manera y en el que la conversación se convierte en una forma de creación colectiva.
Las noches, de Ana Bovino, encuentra en La Pichi una protagonista fascinante: una mujer que cuenta historias como una Sherezade contemporánea y que hace de esa capacidad una forma de afirmarse. El documental incorpora la fábula para acompañarla en un proceso en el que la vergüenza se transforma en orgullo y la narración, en resistencia. Contar su propia historia significa aquí conquistar un lugar en el mundo y abrir la posibilidad de imaginar otra vida.
Los doce nuevos títulos completan los cinco largometrajes españoles anunciados en la presentación del cine español: Camionero, de Francisco Marise; Papagayo, de Omar Al Abdul Razzak; Todo es cárcel, de Eloy Enciso Cachafeiro; Caro Nanni, de Pablo Maqueda, y Vacío luminoso, de Uberto Rapisardi. El conjunto convierte Tiempo de Historia en uno de los grandes focos de la 71 Seminci y reúne una extraordinaria concentración de talento y de formas de entender el cine de no ficción.
Aprovechando su estreno en Francia el próximo 14 de octubre, acaba de ser presentado en sociedad por parte de Mubi el tráiler final, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del cineasta ruso Andrey Zvyagintsev titulado Minotaur. Tras ganar el Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes, la película, una libre adaptación de La Femme infidèle (Claude Chabrol, 1969), previo paso por el Festival de San Sebastián dentro de la sección Perlas, llegará a los cines de nuestro país de la mano de Elástica Films el próximo 22 de enero de 2027.
Minotaur nos sitúa en la Rusia de 2022. Gleb, un exitoso hombre de negocios, se ve acosado por las crecientes presiones empresariales y por un mundo cada vez más inestable. Su vida, tan cuidadosamente ordenada, amenaza con desmoronarse y arrastrarle al colapso emocional y moral que le empujará hacia la violencia.
La película, con guion a cargo del propio Andrey Zvyagintsev junto a Simon Lyashenko, está protagonizada por Dmitriy Mazurov, Iris Lebedeva, Varvara Shmykova, Juris Zagars, Anton Lytvynov, Vladimir Friedman, Yuriy Zavalnyouk, Rudgy Pajany y Alex Sinos.
Mònica Garcia Massagué, directora de la Fundació SITGES, y Ángel Sala -director artístico del Festival, presente a través de una filmación grabada- han anunciado novedades muy suculentas a medio camino entre la memoria del cine de género y los primeros capítulos de la próxima temporada seriéfila. Paralelamente, celebramos la llegada de figuras destacadas del cine contemporáneo que visitarán Sitges durante el Festival.
Kevin Bacon, padre de familia
Este es un espacio abierto a la casualidad cósmica. ¿Quién podía imaginar que el actor estadounidense de títulos tan emblemáticos como El último escalón, Mystic River o Apolo 13 presentaría una película que conecta con el leitmotiv del año pasado? Kevin Bacon recibirá el Gran Premio Honorífico y presentará su nueva película. Se trata de Family Movie, una comedia de terror que, siguiendo los ejes centrales de 2025, nos recuerda que el humor y el terror son primos hermanos. La película está protagonizada por el propio Bacon junto con su esposa, Kyra Sedgwick, y sus hijos, Sosie y Travis Bacon. Los cuatro integran un clan de cineastas que se encuentra inmerso en el rodaje de un slasher de bajo presupuesto en el que, de repente, aparece un cadáver en el plató. Esta es la primera vez que Bacon, conocido por la cinefilia veterana como una de las primeras víctimas de Viernes 13, se pone detrás de las cámaras para dirigir una propuesta de terror. Además, no es un ejercicio en solitario. Kyra Sedgwick, que también recibirá el Gran Premio Honorífico, es codirectora de la película, que este octubre llega a Sitges como uno de los títulos más esperados de la cosecha norteamericana.
La memoria del fantástico
La historia del cine de género está llena de joyas de culto que nos han acompañado a lo largo de las décadas. Aprovechando una expresión del director Paco Plaza, estas películas son, para muchos fans y cineastas, una verdadera catequesis del fantástico y el terror. A medio camino entre la memoria pulp y la atmósfera inquietante, Sitges Clàssics propone un nutrido itinerario de títulos que han dejado huella en (nuestro) imaginario colectivo.
Descontrolada y orgiástica, Braindead (Tu madre se ha comido a mi perro) vuelve a SITGES. Este alocado cuento sobre una pandemia zombi desatada por una grotesca criatura, mitad mono mitad rata, pasó por el Festival en 1992, donde Richard Taylor y Bob McCarron fueron premiados por sus efectos especiales. El director de la película, Sir Peter Jackson, que este año recibe el Gran Premio Honorífico, presentará una primera versión de la nueva restauración de Braindead en 4K. La piel, los ojos y los intestinos parecen cobrar vida propia en esta brutal comedia splatter con referencias delirantes al Alfred Hitchcock de Psicosis que, según el crítico Peter Rainer, «hace que Re-Animator parezca un documental de la UNESCO».
Dado que este año hay un buen puñado de cineastas premiados, el Festival reestrenará The Witch, obra maestra del folk horror, coincidiendo con el Premio Màquina del Temps a su autor, Robert Eggers; y una copia restaurada de Tesis con nueva remasterización de sonido que sintoniza plenamente con el galardón Méliès Career que Alejandro Amenábar recibirá por su gran trayectoria como director y guionista de títulos tan aclamados como Abre los ojos, Los otros o Mar adentro. Este 2026, Tesis celebra 30 años y Amenábar presentará la película acompañado de dos actores del reparto original: Eduardo Noriega y Fele Martínez.
No menos importante es el regreso de Carrie, vengadora icónica del terror contemporáneo y figura central del cartel de este año, que ya sopla 50 velas. Dirigida por Brian De Palma, la historia sobre el estallido de ira de Sissy Spacek en la piel de aquella tímida adolescente que sufría acoso en el instituto compartirá sección de Sitges Clàssics junto a películas emblemáticas que abordan la intriga latente bajo los poderes telequinésicos, como Ojos de fuego (Firestarter) de Mark L. Lester, que también recibirá el Premio Màquina del Temps, y títulos proyectados como retrospectiva fantástica: la vertiginosa The Fury —también dirigida por De Palma— y un thriller conspiranoico referente en materia de explosiones craneales como Scanners de David Cronenberg.
Paralelamente, las reliquias del fantaterror y la serie B continúan recuperando presencia. Este es el caso de un slasher germánico de 1981, Bloody Moon, del maestro Jesús Franco. También cabe destacar El buque maldito, pieza clave de la tetralogía de terror del director gallego Amando de Ossorio, que comparte nombre con el popular fanzine homónimo de Diego López-Fernández. La proyección de este cuento de terror naval, estrenado en 1974, servirá de homenaje póstumo al actor Jack Taylor, una figura imprescindible del fantástico europeo, y a Bárbara Rey, una actriz popular del cine español de los 70, que este año recibe el Premio Nosferatu. Otras películas de culto que compartirán espacio con este tándem sanguinario son la edición especial de Holocausto caníbal de Ruggero Deodato, la cormaniana X: The Man With The X-Ray Eyes o la versión 4K de King Kong de John Guillermin, entre muchas otras propuestas.
Meiko Kaji, ángel de venganza
En un certamen que cada año abre las puertas a las mejores producciones de Oriente, no puede faltar el reconocimiento a una figura icónica del cine japonés de los años 60 y 70. Se trata de la actriz y cantante Meiko Kaji, que recibirá el Premio WomanInFan por su larga trayectoria en el cine criminal nipón en diferentes películas sobre la banda urbana femenina Stray Cat Rock o la saga de acción Female Prisoner.
Ahora bien, si hay una película que convirtió a Kaji en icono de la cinefilia asiática es, sin ninguna duda, la estilizada Lady Snowblood de Toshiya Fujita. La asesina vengadora que interpreta con el kimono blanco y la katana escondida dentro de una sombrilla es uno de sus personajes más recordados.
Estrenada en 1973, la cinta es una revisión del chambara impregnada de espíritu pulp que adapta el manga homónimo de Kazuo Kamimura y que inspiró la escena de Kill Bill en la que Beatrix Kiddo y O-Ren Ishii se enfrentan en un jardín nevado. En este sentido, no es casual que una de las canciones de Kaji forme parte de la banda sonora de Quentin Tarantino.
Más talentos y más premios
El Festival continúa apostando por la reivindicación de figuras esenciales del cine fantástico y de terror como Adrienne Barbeau. La actriz de películas capitales de la filmografía de John Carpenter —como La niebla o 1997: Rescate en Nueva York— recibirá el Premio WomanInFan, sumándose a otros homenajes femeninos ya anunciados en esta edición, como los dedicados a las actrices Amy Irving y Bárbara Rey.
Por otro lado, queremos reconocer el talento de profesionales de la producción y distribución cinematográfica como Bernardo Bergeret, David Gregory y Jorge Gabarró, que este año recibirán el Premio Industry.
Terror en formato episódico
No es casual que medio siglo después de su estreno, Carrie vuelva a la pantalla doméstica con una estructura episódica. Mike Flanagan, Premio Màquina del Temps 2024 y una de las figuras centrales del terror televisivo, recupera el mito en la primera adaptación seriada sobre Carrie. La contribución que este director, productor y showrunner ha hecho al cine de género es evidente. Flanagan —autor de títulos como Oculus: El espejo del mal, La maldición de Hill House o Doctor Sueño— es el cineasta indicado para revivir la venganza telequinésica de Carrie White.
La sección Serial Sitges ofrecerá al público una primera muestra de la nueva serie con una proyección especial que contará con la presencia de las estrellas emergentes Summer H. Howell (La maldición de Chucky), que interpreta al personaje protagonista, Carrie White; y Samantha Sloyan (Misa de medianoche), que interpreta a su madre, Margaret White. Carrie es una serie original de Prime Video, basada en la primera novela de Stephen King, que también participa como productor ejecutivo junto con Mike Flanagan.
Por otro lado, también se podrá visionar un primer avance de The Terror: Devil in Silver, la nueva temporada de la exitosa antología original de AMC que ha contado con la producción ejecutiva de Ridley Scott y el showrunner Chris Cantwell, que también firma como guionista adaptando la novela homónima de Victor La Valle. Por su parte, Karyn Kusama —autora de La invitación, Mejor Película de Sitges 2015— se ha encargado de dirigir los dos primeros episodios de esta historia claustrofóbica en la que Dan Stevens interpreta a un hombre internado en un siniestro hospital psiquiátrico de New Hyde. La actriz galardonada Judith Light, que forma parte del reparto, visitará el Festival para presentar la serie.
Además, acogemos las nuevas propuestas españolas de esta temporada para la pantalla doméstica. El crítico Alejandro G. Calvo, conocido por su apasionada cobertura de festivales de cine y el nutritivo pódcast Tarde de perros, presentará los primeros capítulos de la ambiciosa serie ¿Qué es el cine?. Por otro lado, el equipo de dirección integrado por Alfonso Cortés-Cavanillas (Luna), Javier Díaz Ribagorda (90% Humana), Laura Gil, Alberto Evangelio (Visitante) y Zoe Berriatúa (Buffet libre) ha firmado a diez manos la miniserie Malnombre, un thriller protagonizado por Macarena Gómez, Alex Gil y Ruth Díaz sobre el regreso a su pueblo de una mujer que empieza de cero trabajando de noche en una gasolinera que esconde un secreto insólito.
También destaca la presencia de una serie japonesa en la cosecha de este año. Face Thief de Yuta Shimotsu es uno de los nuevos capítulos de Strange: Junji Ito’s Tales for Sleepless Nights, la antología que invoca el terror espiral del maestro nipón. También se proyectarán los dos capítulos que ha dirigido Atsuhiro Yamada —Memory y Used Record— y que continúan explorando el universo tenebroso y surrealista de Junji Ito.
Grandes mitos del cine contemporáneo
SITGES es y seguirá siendo un espacio privilegiado para preservar la memoria y el legado de lo fantástico y el terror. Precisamente, la sección Sitges Documenta destaca un amplio abanico de propuestas que ponen el foco sobre diferentes ámbitos de la historia del cine de género.
Dirigido por Mike Mendez, el documental Dernsie: La vida increíble de Bruce Dern nos obsequia con un acercamiento a una leyenda infatigable del cine contemporáneo que comenzó actuando en Hollywood bajo la mirada romántica de Elia Kazan en Río salvaje y ha dejado una huella imborrable como superviviente de la industria norteamericana. La trayectoria de Bruce Dern es extensa y compleja. El motorista rebelde de Los ángeles del infierno, el astronauta botánico de Naves misteriosas o el violento detective de Driver son algunos de sus personajes más recordados.
Seguidamente, el público de SITGES vuelve a tener la oportunidad de compaginar los visionados de ficción con documentales que permiten ampliar su mapa cinéfilo. The 60 Year Mission: How Star Trek Changed Television And The World de Mark A. Altman y A Modern Art Masterpiece: The Making of Stanley Kubrick’s Full Metal Jacket de Stephen Rigg profundizan en obras totémicas de la ciencia ficción y el cine bélico, mientras que Boorman and the Devil de David Kittredge narra la fatídica experiencia del gran cineasta John Boorman cuando se enfrentó a una de las situaciones más difíciles de su carrera: el controvertido fracaso comercial de El exorcista II: El hereje.
Por otro lado, La niña del fantaterror, dirigida por Jesús Loniego y Aída Cordero, traza un recorrido a través de la carrera artística de Marián Salgado, la actriz infantil de cintas míticas de terror durante la Transición Española como La endemoniada de Amando de Ossorio y ¿Quién puede matar a un niño? de Narciso Ibáñez Serrador. Esta última, por cierto, ha inspirado el documental El último recreo, dirigido por Ángel Sala y Jesús Loniego, que se proyectará dentro de la sección Sitges Documenta.
Y un recordatorio de los títulos españoles más esperados
Dentro del marco del cine de género de producción nacional, contamos con las nuevas propuestas de directores que amplían su trayectoria. Si Javier Ruiz Caldera inauguró Sitges 2020 con la explosiva comedia de terror zombi Malnazidos, firmada a cuatro manos con Alberto de Toro; ahora, vuelve al Festival como director en solitario para presentar 5 minutos más, una comedia protagonizada por Belén Cuesta, Javier Cámara y Berto Romero, que también firma el guion. La película narra la historia de una pareja inmersa en constantes discusiones que decide pasar un fin de semana en una casa rural aislada en medio del campo. Al llegar, les recibe un representante de la agencia de alquiler, que les enseña la casa y les entrega las llaves, pero lo que comienza como una simple escapada de fin de semana pronto da un giro extraordinario, que obliga a la pareja a afrontar una serie de circunstancias excepcionales y a tomar decisiones igualmente extraordinarias.
Por otro lado, el director Carles Torrens vuelve al espacio más indicado del mundo para presentar Apocalipsis Z: Nuevo mundo, la segunda parte de la película postapocalíptica Apocalipsis Z: El principio del fin, que pasó por la sección Sitges Collection en 2024. La nueva entrega, inspirada en el universo creado por el escritor Manel Loureiro, se estrenará el sábado 10 de octubre —¡el mismo día de la Sitges Zombie Walk!— y amplía el relato situando a un grupo de supervivientes en las Canarias, que se han convertido en el último refugio de Europa contra un virus mortal. Esta vez, la misión consiste en viajar a la península para encontrar suministros vitales, pero el peligro se multiplica. La película está distribuida por Prime Video. Integran el reparto talentos como Carlos Alcaide, Julia Martínez, José María Yazpik, Mónica López, Tamara Casellas, Santiago Vaca Narvaja, y Berta Vázquez.
Conviene recordar que 5 minutos más y Apocalipsis Z: Nuevo mundo se suman a la larga lista de películas españolas ya anunciadas como 11 de Clàudia Serra, Paula Serra, Upiro de Óscar Martín, Las hijas de Daniel Romero, The end of it de Maria Martinez Bayona, La muerte de Drácula de Burnin’ Percebes o La mala madre de Alicia Albares.
Tras inaugurar la pasada edición del Festival de Venecia acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Danny Boyle titulado Ink. La película, adaptación al cine de la obra de teatro de James Graham, estará disponible en Netflix a partir del próximo 8 de enero de 2027.
Ink nos cuenta como a finales de la década de 1960, en Gran Bretaña, el magnate de los medios de comunicación Rupert Murdoch adquiere el periódico The Sun, que atravesaba dificultades, y se propone cambiar su rumbo editorial y noticioso por completo. Junto al director Larry Lamb, Murdoch reinventa el periódico como un tabloide atrevido y provocador, cambiando el panorama del periodismo británico y sentando las bases de un imperio mediático.
La película, con guion a cargo de James Graham, está protagonizada por Jack O’Connell, Guy Pearce, Claire Foy, Blake Harrison, Angus Imrie, Patrick Kennedy, Lucy Russell, Peter Ferdinando, Louis Landau, Oliver Branson-Cole y Dee Ahluwalia.
Se recogen aquí los textos escritos por Marguerite Duras para Cahiers du cinéma, revista que en 1980 encargara un número especial a la escritora y cineasta otorgándole total libertad en la escritura, ilustración y compaginación del mismo, que más tarde, ya en formato libro, se ampliaría con más contribuciones suyas a la mítica cabecera —entre ellas una justamente famosa entrevista a Elia Kazan a partir del deslumbramiento ante Wanda de Barbara Loden—. Les Yeux verts, que así se tituló aquel número de junio, es un apasionante e inclasificable paseo de la mano de Duras por multitud de temas, entre los que sobresale la reflexión sobre su propia obra cinematográfica y literaria y la de otros (Chaplin, Bresson, Allen, Laughton, Renoir, Godard…), sin olvidar pasiones no menos importantes para ella, como la política, la historia o los sucesos periodísticos, que toma la apariencia de un misterioso mosaico al que barniza la inconfundible música del estilo durasiano, aquí especialmente espontáneo y directo. Queda de igual manera cobijada en estas páginas la singular asunción del cine por parte de la famosa novelista, una práctica, la fílmica, que la relacionaría fuera del mainstream cultural con otras personas, muchas jóvenes, y que llegaría a dialogar íntima y conflictivamente con su obra literaria tras convertirse de forma paulatina en una nueva escritura a contracorriente, destructiva, iconoclasta («mi relación con el cine es la del crimen»), que alteraba la jerarquía entre imagen y palabra abriéndola a una nueva erótica. De este firme y lento proceso también nacería su enrabietada lucha —que hoy día ya podemos calificar de visionaria— por un lugar en la industria y en los medios de comunicación para las películas baratas y diferentes, así como por un espectador dispuesto a abandonar la kantiana minoría de edad.
29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una llamada de emergencia. Una niña de 6 años está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Mientras intentan mantener el contacto telefónico con ella, hacen todo lo posible para enviarle una ambulancia. Su nombre: Hind Rajab.
La denuncia también está muy presente en The Voice of Hind Rajab de Kaouther Ben Hania, aunque, en esta ocasión, las formas difieren de forma drástica con relación a otras películas presentes en el pasado Festival de San Sebastián. Película cuya supuesta validez parece estar fundada en la inmediatez de un actual conflicto bélico con un andamiaje narrativo que resulta parcialmente interesante, con relación a cómo diversos dispositivos tecnológicos reflejan dicho imaginario, pero que, sin embargo, adolece de un discutible enfoque en referencia a una puesta en escena que dramatiza y manipula el trágico destino de una niña palestina asesinada en la Franja de Gaza.
Creando un debate, tanto en lo concerniente a su valía como testimonio fílmico, como en lo referido a un posicionamiento que plantea serios problemas éticos visibles en el acto final de la película, que podría equipararse perfectamente con los documentales Mondo y sus secuelas, realizados en su día por Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi. Otra interesante reflexión sería hasta qué punto el cine y la política pueden ir de la mano en determinadas situaciones, aquí en relación con gran parte de la crítica e informadores de cine desplazados en la pasada edición del festival de Venecia que exigieron premiarla como un acto reivindicativo, posicionamiento cercano a lo banal y, lo que es peor, muy poco respetuoso con el resto de las películas presentes en el certamen.
La iniciativa editorial de Filmin suma nuevas incorporaciones durante los próximos meses, con cineastas experimentales, clásicos por reivindicar y películas menos conocidas de grandes nombres del cine actual.
Filmin PICKS surgió este año como una iniciativa editorial dedicada a reivindicar títulos clave para la historia del cine que no han tenido la visibilidad que merecen.Cada PICK llega acompañado de un vídeo exclusivo realizado por el equipo editorial de Filmin, disponible en la ficha de cada película, que contextualiza la obra y profundiza en las razones que la convierten en una pieza imprescindible dentro de la historia del cine. En estos meses, la iniciativa ha permitido poner el foco en numerosas joyas del séptimo arte y se ha convertido en una de las propuestas editoriales mejor acogidas de este año.
Hasta ahora, Filmin PICKS suma 23 títulos a su catálogo, entre ellos “La insoportable levedad del ser”, “El equívoco” o “La cabeza de carrera”, además de obras de cineastas fundamentales como Konrad Wolf, Ralph Bakshi o Peter Weir. La recta final del año ampliará esta lista con una nueva selección que recorre desde el gran cine estadounidense de los años 70 hasta algunas de las figuras esenciales del cine experimental.
Cine clásico y pequeñas joyas de grandes nombres
«La dama blanca (The Queen of Spades)» (Thorold Dickinson, 1949).
El próximo PICK llegará el 15 de septiembre y será “Nashville” (1975), de Robert Altman, presentada en una nueva remasterización en 4K. Una de las obras esenciales del cine estadounidense de los años 70 y una de las grandes películas corales de su director, que entrecruza las vidas de 24 personajes en torno a la música country. A través de sus múltiples protagonistas, Altman construye una sátira tan mordaz como compleja de la sociedad estadounidense de su tiempo.
Entre los títulos de octubre también estará “La dama blanca (The Queen of Spades)” (1949), de Thorold Dickinson, uno de los clásicos sobrenaturales más reivindicables del cine británico. Adaptación de una obra de Pushkin, el filme combina melodrama y elementos fantásticos para narrar la historia de un ambicioso oficial del ejército ruso y una condesa que vende su alma al diablo a cambio de conocer los secretos de un juego de cartas.
Asimismo, los próximos PICKS prestarán atención a películas menos conocidas dentro de la trayectoria de cineastas de enorme reconocimiento. En octubre llegará “Noches y fines de semana” (2008), debut en la dirección de Greta Gerwig junto a Joe Swanberg, una obra minuciosa y arriesgada que renuncia a las convenciones tradicionales del entretenimiento para buscar una autenticidad de gran fuerza. También se recuperará “High Art” (1998), primera película de Lisa Chodolenko, un brillante filme queer premiado en Sundance y protagonizado por una descomunal Ally Sheedy.
En noviembre se incorporará otro título de Gregg Araki, uno de los grandes nombres del cine independiente estadounidense: “Mysterious Skin” (2004). Protagonizada por Joseph Gordon-Levitt, esta historia triste, emotiva y fascinante se mueve entre la adolescencia, el deseo y la incomunicación para construir una de esas obras que permanecen mucho después de terminarse.
Ese mismo mes, Filmin PICKS recuperará además dos de los trabajos más importantes de Barbara Kopple, una de las grandes documentalistas estadounidenses de las últimas décadas. “Harlan County USA” (1976), ganadora del Óscar al mejor documental, retrata la huelga de los mineros de Brookside, en Kentucky, y el enfrentamiento entre los trabajadores y la compañía propietaria de la mina. “American Dream” (1990), por su parte, aborda la huelga de una planta cárnica de Austin, Minnesota, durante los años 80 y sus consecuencias económicas y sociales. Dos títulos fundamentales del documental estadounidense que completan una programación cada vez más amplia y diversa.
Reivindicando el cine experimental
«En el camino, de cuando en cuando, vislumbré breves momentos de belleza» (Jonas Mekas, 2000).
El cine experimental será una de las grandes líneas de los próximos Filmin PICKS, con títulos que han explorado nuevas formas de entender y hacer cine. El 25 de septiembre se incorporará un pack dedicado a Miñuca y Fernando Villaverde, pareja de cineastas que comenzaron su trayectoria en Cuba y posteriormente emigraron a Estados Unidos, donde se convirtieron en referentes de la escena experimental neoyorquina. El conjunto reunirá cinco cortometrajes restaurados: “Apollo: Man to the moon” (1970), “A Lady’s home journal” (1972), “To my Father” (1973), “Poor Cinderella, still ironing her husband shirt” (1978) y “Tent City” (1980).
Octubre profundizará en esta vertiente experimental con Maya Deren, pionera absoluta de esta corriente, nacida en Kiev y criada en Estados Unidos. Filmin recuperará ocho de sus obras más representativas: “Meshes of the Afternoon” (1943), “At Land” (1944), “The Private Life of a Cat” (1944), “A Study in Choreography for Camera” (1945), “Ritual in Transfigured Time” (1946), “Meditation on Violence” (1948), “Divine Horsemen” (1954) y “The Very Eye of Night” (1958).
Ese mismo mes será el turno de Jonas Mekas, una de las figuras fundamentales del cine experimental del siglo XX. El cineasta lituano estará representado por “Walden (Diaries, Notes & Sketches)” (1969), “Reminiscencias de un viaje a Lituania” (1972), “Notes for Jerome” (1978), “En el camino, de cuando en cuando, vislumbré breves momentos de belleza” (2000) y “Out-Takes from the Life of Happy Man” (2012). Las obras de Mekas y Deren forman parte de un acuerdo con Re:Voir, distribuidora especializada en cine experimental que permite a Filmin ampliar su catálogo con una cinematografía rompedora y muy difícil de encontrar en plataformas.
El acuerdo incluye, además de otros títulos, otro Filmin PICK: “Hallelujah the Hills” (1963), la ópera prima de Adolfas Mekas, hermano de Jonas, que se incorporará en noviembre. Una comedia extraña y juguetona, a medio camino entre el slapstick, la poesía y el absurdo, concebida como un experimento de enorme libertad formal dentro del cine estadounidense. Como complemento a esta mirada sobre la experimentación cinematográfica que llegará a Filmin en los próximos meses, en octubre se estrenará “Free Radicals: A History of Experimental Film”, un documental que recorre la historia de esta corriente y algunas de sus principales figuras.
Próximos Filmin PICKS
“Nashville” (1975), de Robert Altman (15 de septiembre) Pack Miñuca y Fernando Villaverde (25 de septiembre):
“Apollo: Man to the moon” (1970)
“A Lady’s home journal” (1972)
“To my Father” (1973)
“Poor Cinderella, still ironing her husband shirt” (1978)
“Tent City” (1980)
Pack Maya Deren (Octubre):
“Meshes of the Afternoon” (1943)
“At Land” (1944)
“The Private Life of a Cat” (1944)
“A Study in Choreography for Camera” (1945)
“Ritual in Transfigured Time” (1946)
“Meditation on Violence” (1948)
“Divine Horsemen” (1954)
“The Very Eye of Night” (1958)
Pack Jonas Mekas (Octubre):
“Walden (Diaries, Notes & Sketches)” (1969)
“Reminiscencias de un viaje a Lituania” (1972)
“Notes for Jerome” (1978)
“En el camino, de cuando en cuando, vislumbré breves momentos de belleza” (2000)
“Out-Takes from the Life of Happy Man” (2012)
“La dama blanca” (1949), de Thorold Dickinson (Octubre) “Noches y fines de semana” (2008), de Greta Gerwig y Joe Swanberg (Octubre) “High Art” (1998), de Lisa Cholodenko (Octubre) “Hallelujah the Hills” (1963), de Adolfas Mekas (Noviembre) “Mysterious Skin” (2004), de Gregg Araki (Noviembre) “Harlan County USA” (1976), de Barbara Kopple (Noviembre) “American Dream” (1990), de Barbara Kopple (Noviembre)
Tras películas como Bullhead (2011), The Drop (2014) o Le Fidèle (2027), el realizador belga Michaël R. Roskam se adentra en el drama de época con Le Faux Soir, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a un par de carteles oficiales. La película, que adapta la novela de Marie Istas, será la encargada de clausurar la próxima edición del Festival de San Sebastián.
Le Faux Soir nos sitúa en1943. Los nazis ocupan Bélgica y han convertido el diario nacional Le Soir en una herramienta de propaganda. Coincidiendo con las conmemoraciones prohibidas del Día del Armisticio de 1918, un grupo de miembros de la Resistencia tiene una idea descabellada: ¿y si para levantar el ánimo del pueblo belga imprimieran una edición falsa de Le Soir? El mismo papel, la misma cabecera, el mismo formato, pero repleto de artículos que se mofan del ocupante. Un hecho verídico. Un periódico falso. El primer hackeo a un medio de comunicación de la historia.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Michaël R. Roskam junto a Bernard Falaise, Domenico La Porta y Anneleen Masschelein, está protagonizada por Arieh Worthalter, Mélanie Thierry, Karim Leklou, Mara Taquin, Bouli Lanners, Julien Frison, Peter Van den Begin, François Damiens, Jan Bijvoet, Viviane De Muynck, Ruth Becquart, Jean-Benoît Ugeux y Laurent Capelluto.
NAZA, película de los directores israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, completará la sección Perlak. que reúne títulos estrenados o premiados en distintos festivales del mundo. El filme, producido por The Guardian y JW Films con Jonathan Glazer como productor ejecutivo, competirá por el Premio del Público Ciudad de Donostia-San Sebastián tras su estreno mundial la próxima semana en el Festival de Venecia, donde competirá por el León de Oro.
Rodada de noche en las azoteas de Tel Aviv, la película revela en detalle los sistemas ocultos tras la calculada y masiva matanza de civiles palestinos en Gaza por parte del gobierno de Israel. NAZA es el acrónimo eufemístico que utilizan los servicios de inteligencia israelíes para indicar el número de civiles que se espera que mueran en un ataque aéreo.
Abraham y Szor codirigieron junto a los palestinos Basel Adra y Hamdan Ballal la película No Other Land (2024), que ganó el premio al mejor documental en la sección Panorama de la Berlinale y posteriormente se alzó con el Óscar al mejor largometraje documental. Por su parte, James Wilson (JW Films) formó parte del equipo que produjo The Zone of Interest (2023), dirigida por Jonathan Glazer, que obtuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes y el Óscar a la mejor película internacional.
Declaración de los directores:
“Realizamos esta película impulsados por la obligación de utilizar nuestra posición como israelíes para examinar los sistemas que sustentan la matanza masiva de civiles palestinos, de la cual nuestro país es responsable. Durante el rodaje en los últimos tres años, nos hemos planteado las mismas preguntas que se hacía la generación de nuestros abuelos a lo largo del siglo XX: ¿cómo es posible que un grupo de personas permita la deshumanización total de otro? ¿Cómo funciona en su interior un sistema así?
Muchas de las revelaciones de la película se publicaron casi de inmediato, a medida que nos íbamos enterando de ellas, en los meses posteriores a los atentados del 7 de octubre, en The Guardian (uno de los productores de NAZA), en colaboración con los socios periodísticos +972 Magazine y Local Call. La película nos permite explorar algo más profundo de lo que podríamos hacer solo con nuestro periodismo de investigación: no solo las palabras que se dicen, sino también las que no se dicen, el silencio. De todos nosotros depende romper ese silencio”.
Rodada por la noche en las azoteas de Tel Aviv, la película revela con todo detalle los sistemas ocultos tras la matanza calculada y masiva de civiles palestinos en Gaza por parte de Israel.
Tras películas como El movimiento (2015) o Rojo (2018), el realizador argentino Benjamín Naishtat vuelve a indagar en la tensión política del pasado con Glaxo, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página. La película, adaptación de la novela homónima de Hernán Ronsino publicada en 2009, tras su premier mundial en el TIFF competirá por la Concha de Oro en la Sección Oficial del inminente Festival de San Sebastián.
Glaxo nos sitúa en Chivilcoy, 1957. En una tranquila ciudad argentina, la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes que son inseparables. Décadas más tarde, el pasado resurge y los obliga a enfrentarse a viejas heridas, la culpa y a la posibilidad de vengarse, en un país que ha perdido su inocencia.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Benjamín Naishtat, está protagonizada por Lali Espósito, Marcelo Subiotto, Esteban Bigliardi, Joaquin Bonadeo, Manu Fanego, Alan Sabbagh y Esteban Lamothe.
El Ayuntamiento de Valladolid y el equipo de quien fuera director del festival de 2023 a 2025 le rendirán un homenaje compartido con la comunidad cinematográfica, el público, la prensa y las instituciones
osé Luis Cienfuegos (1964-2025) dejó una huella imborrable en la cultura española a lo largo de más de tres décadas dedicadas a iluminar el cine de autor desde algunos de los festivales más importantes de España. Tras su paso por Gijón y Sevilla, dirigió la Seminci entre 2023 y 2025, donde también dejó una profunda impronta. Su manera de entender los festivales, basada en el encuentro entre las películas, los cineastas, el público, los profesionales, los periodistas y las instituciones, estará en el centro de la 71 edición, convertida en una celebración colectiva de su legado.
Impulsado por el Ayuntamiento de Valladolid y concebido por el equipo de Cienfuegos en la Seminci, encabezado por sus codirectores, Mariona Viader y Javier H. Estrada, el homenaje dará continuidad a los proyectos que dejó en marcha. Tendrá su punto de partida en la inauguración de la 71 edición, el viernes 23 de octubre, con un acto de recuerdo y de celebración conducido por la periodista Pepa Blanes, que convocará a las instituciones y a la comunidad cinematográfica en el Teatro Calderón.
La 71 Seminci desarrollará algunas de las ideas y proyectos que dejó en marcha, como la retrospectiva «Una historia del sonido (en el cine)», la fotografía que protagoniza el cartel de esta edición o la Espiga de Honor Académica, estrechamente vinculada a su compromiso con el cine en las aulas.
Música para un homenaje compartido con el público
El público, en coherencia con la importancia que Cienfuegos concedía a celebrar el cine con los espectadores, tendrá un papel central en Seminci Noche, una programación que recuperará otra de sus grandes pasiones, la música. Las noches programadas por algunos de sus colaboradores en Gijón, Sevilla y Valladolid, prolongarán también los vínculos y complicidades que Cienfuegos tejió en estas ciudades a lo largo de su trayectoria profesional.
La música estará presente también en la experiencia cotidiana de la 71 Seminci. El público será recibido en las salas con una banda sonora de 71 canciones, seleccionadas por su vinculación con películas y cineastas que Cienfuegos descubrió, apoyó o contribuyó a dar a conocer. Una selección que funcionará como mapa sonoro de su trayectoria y de sus descubrimientos cinematográficos, y que recordará cada día la importancia que concedía a la música como parte de la identidad de los festivales.
El sector cinematográfico: MERCI crea el Premio José Luis Cienfuegos
El homenaje tendrá también una dimensión profesional a través del Mercado de Cine IndependienteMERCI, organizado por Seminci y la Asociación de Distribuidores Independientes Cinematográficos (ADICINE), con el apoyo del Ministerio de Cultura y la colaboración de Rentrak, ECAM Industria y Sociograph. En su sexta edición, que se celebrará del 28 al 30 de octubre en Valladolid, el mercado incorporará el nombre de Cienfuegos a uno de sus reconocimientos: el hasta ahora Premio MERCI a la trayectoria profesional ha pasado a denominarse Premio José Luis Cienfuegos. El galardón reconocerá la aportación de figuras relevantes al desarrollo y fortalecimiento del cine independiente, un ámbito al que Cienfuegos estuvo estrechamente vinculado.
Una Espiga de Honor para una escuela de cineastas del futuro
La Espiga de Honor Académica reconocerá este año al Máster en Documental de Creación de la UPF-Barcelona School of Management (Barcelona Film Society), referente de la formación cinematográfica en España y cantera de profesionales como Oliver Laxe, Isaki Lacuesta, Lois Patiño, Neus Ballus, Amanda Villavieja o Diego Dussuel. El máster ha desarrollado durante casi tres décadas un modelo en el que formación y creación cinematográfica forman parte de un mismo proceso. Las películas se impulsan junto a productores independientes, una fórmula que ha dado lugar hasta hoy a 42 largometrajes documentales. El reconocimiento reivindica la educación como parte esencial de la cultura cinematográfica y da continuidad a una de las líneas de fuerza que Cienfuegos impulsó desde Seminci, convencido de que los festivales también tienen la responsabilidad de acompañar a quienes harán posible el cine del futuro.
La prensa: un homenaje que vuelve al origen de su trayectoria
Para Cienfuegos, los festivales eran espacios donde las películas comenzaban a adquirir significado y a formar parte del relato cinematográfico de cada generación. Una convicción estrechamente ligada a su propia experiencia profesional, que comenzó en el departamento de prensa del Festival de Gijón. Por ello, el tradicional Encuentro de mujeres cineastas que Seminci celebra anualmente estará dedicado este año a las periodistas de cine y reunirá en Valladolid a mujeres periodistas que escriben, investigan, narran y difunden el cine desde distintos medios, para reflexionar sobre cómo han cambiado las formas de prescribir y contar las películas. La mesa inaugural recordará el legado de Cienfuegos y su apuesta por el periodismo cinematográfico como una práctica cultural esencial, imprescindible en la vida de los festivales.
En definitiva, la 71 Seminci será también una celebración de una manera única y entusiasta de entender un festival: como un espacio de encuentro, descubrimiento y diálogo en torno al cine.
El artista estadounidense David Lynch (1946-2025) ha sido objeto de innumerables estudios proyectados desde todas las perspectivas filosóficas, estéticas y académicas imaginables. El objetivo de este ensayo es ofrecer un acercamiento analítico, crítico y racional de su singular poética, poniendo el foco en las ideas y los temas contenidos en sus relatos y especialmente en la forma fílmica en que estos se materializan. Carretera Perdida (1997), Mulholland Drive (2001), Inland Empire (2006) y Twin Peaks (1990, 1992 y 2017) conforman la denominada tetralogía fantasmal. Un corpus en el que Lynch expresa su relación especial con el cine clásico de Hollywood y su propia obra. En este conjunto de películas y series, el director desarrolla un complejo y gradual ejercicio metacinematográfico en el cual las historias narradas remiten a relatos, personajes, acontecimientos, formas y convenciones propias del tantas veces discutido lenguaje clásico.
Con ellas asistimos a una suerte de viaje personal a través de la historia de Hollywood, guiado por la memoria y la reimaginación del artista, que hace parada en algunos momentos clave del cine estadounidense del siglo XX. En estas obras, que combinan el fantástico, el film noir y el melodrama, Lynch intenta regresar, desde un presente muy diferente histórica y audiovisualmente, a los tiempos de gloria de las colinas de Los Ángeles y a su efímero y determinante éxito televisivo. No obstante, sus complejas historias reflejan consciente y reflexivamente la imposibilidad de retornar al pasado, una contradicción con la que el autor piensa acerca de la creación cinematográfica, de la cultura de Estados Unidos y de nuestra relación con la historia, la nostalgia, los mitos y ese hogar simbólico que es la ficción.
El autor
Víctor Iturregui García de Motiloa (Vitoria-Gasteiz, 1994) es profesor del Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la EHU y miembro de los comités de selección de los festivales de cine ZINEBI y FANT. Imparte asignaturas relacionadas con el cine documental, el lenguaje audiovisual y las tendencias en comunicación. Sus investigaciones académicas sobre Hollywood, cine español y ficción televisiva, publicadas en revistas, editoriales y congresos nacionales e internacionales, tienen el análisis fílmico como denominador común.
Autor: Víctor Iturregui García de Motiloa, Editorial: UNIVERSIDAD DEL PAÍS VASCO. SERVICIO EDITORIAL, Páginas: 400
Anna llora la muerte de sus padres cuando se traslada de Nueva York a Florida para quedarse con su abuela. Allí se junta con otros adolescentes, pero cuando ve un espeluznante acto de violencia, se encuentra atrapada.
Eye for an Eye se convierte en un nuevo intento de asociar el terror onírico adolescente a oscuras conductas sociales. El Mal, representado en la figura de un bogeyman que, a semejanza de Candyman (1992), surge tras ser invocado, pero a diferencia del film de Bernard Rose, en dicha llamada no hay un propósito de venganza por parte del ente sobrenatural, y sí de castigo a aquellos que se niegan a asumir la responsabilidad de sus malos actos. Esta propuesta se estanca a los pocos minutos de metraje, quedando como punto de interés el intento por recrear una atmósfera que nos remite al gótico sureño.
Resulta curiosa la comparativa que puede hacerse sobre los actuales directores provenientes del videoclip y el ámbito publicitario, Colin Tilley en el caso que nos ocupa, con respecto a sus precedentes, Russell Mulcahy o Adrian Lyne, por poner dos ejemplos, la naturaleza de todos ellos coincide en el propósito de rellenar lagunas narrativas mediante la imagen, sin embargo, el resultado dista de ser análogo. Si antaño existía una querencia en este tipo de realizadores por aunar temáticas y estética comercial, en Eye for an Eye dichos conceptos estarían en contraposición, el toque arty de Colin Tilley queda disgregado del terror catártico y moral que pretende transmitir la película.
