Año: 2026

Ricardo Darín protagoniza el cartel oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián

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El actor, productor y director argentino es la imagen del póster principal, diseñado de nuevo por el estudio Wallijai

El actor, productor y director Ricardo Darín, una de las figuras más prestigiosas del cine latinoamericano y mundial de las últimas décadas, protagoniza el cartel de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre de 2026. Desde hace 20 años, el intérprete argentino es un rostro habitual del Festival, que en 2017 le entregó su máxima distinción honorífica: el Premio Donostia.

El Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera ha albergado este mediodía el acto de presentación de carteles, oficiado por el director del Festival, José Luis Rebordinos, y por su sucesora Maialen Beloki, que actualmente es una de las dos subdirectoras y en enero pasará a ocupar el puesto de directora del certamen.

Tras los carteles oficiales protagonizados por Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem, Cate Blanchett y Marisa Paredes, el argentino Ricardo Darín es la novena figura de la cinematografía contemporánea que presta su imagen al Festival. Como el año pasado, el póster ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que ha creado un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.

Wallijai ha elaborado también los carteles del resto de secciones. Si en la pasada edición el tema giraba en torno a los géneros cinematográficos, esta vez el leitmotiv son los oficios del cine. Así, el póster con la imagen de Darín remite a la interpretación, mientras que el resto guarda relación con el guion (New Directors), el sonido (Horizontes Latinos), la dirección (Zabaltegi-Tabakalera), el montaje (Perlak), la dirección de arte (Nest), el maquillaje (Culinary Zinema), los efectos especiales (Zinemira) y la producción (Made in Spain).

A estos carteles se sumarán próximamente los tres de la iniciativa Klasikoak, que desde 2024 agrupa bajo la misma marca tres propuestas: la retrospectiva clásica, que este año estará dedicada al cineasta, novelista y guionista francés José Giovanni; la sección Klasikoak del Festival, y el ciclo del mismo nombre que la Filmoteca Vasca programa entre octubre y diciembre en Bilbao, Donostia, Pamplona, San Juan de Luz y Vitoria.

Darín, medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones

Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957), imagen del cartel oficial de la 74ª edición del Festival, es una de las figuras más prestigiosas y populares de la cinematografía latinoamericana y mundial. A lo largo de medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones que le han granjeado más de 40 premios, ha alternado trabajos enmarcados tanto en el cine de autor como en el dirigido al gran público. Entre otros, ha rodado a las órdenes de Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Pablo Trapero, Cesc Gay y Santiago Mitre.

‘El aura / The Aura’, de Fabián Bielinsky (2005). ‘El baile de la victoria / The Dance and the Thief’, de Fernando Trueba (2009).

‘El secreto de sus ojos / The Secret in Their Eyes’, de Juan José Campanella, (2009). Jurado Oficial (2012).

Darín, que debutó con cinco años en series televisivas, se forjó en el teatro e inició su carrera en el cine con La carpa del amor (Julio Porter, 1979). Ha visitado San Sebastián en nueve ediciones del Festival. En 2005 presentó El aura / The Aura, de Fabián Bielinsky, en la Sección Oficial, a donde regresó cuatro años después con dos títulos, El secreto de sus ojos / The Secret in Their Eyes Juan José Campanella, 2009) y El baile de la victoria / The Dance and the Thief (Fernando Trueba, 2009), proyectada fuera de concurso. En 2012 fue integrante del Jurado Oficial y en Made in Spain se proyectó Elefante blanco / White Elephant (Pablo Trapero), mientras que en 2014 participó en Perlak con Relatos salvajes / Wild Tales (Damián Szifron), que consiguió el Premio del Público a la mejor película europea. Al año siguiente consiguió la Concha de Plata ex aequo junto a su compañero de reparto Javier Cámara por su trabajo en Truman (Cesc Gay, 2015).

‘Elefante blanco / White Elephant’, de Pablo Trapero (2012). ‘Relatos salvajes / Wild Tales’, de Damián Szifron (2014).

‘Truman’, de Cesc Gay (2015). Premio Donostia (2017).

En 2017 recogió el Premio Donostia en reconocimiento a toda su trayectoria y presentó la proyección especial de La cordillera / The Summit (Santiago Mitre). Regresó a la Sección Oficial para inaugurarla con El amor menos pensado / An Unexpected Love (Juan Vera, 2018) y La odisea de los giles / Heroic Losers (Proyecciones Especiales, Sebastián Borensztein, 2019), en las que se estrenó como productor. También desempeñó ese papel en la película programada en Perlak Argentina, 1985 (Santiago Mitre, 2022), que le trajo a la capital guipuzcoana por última vez y le granjeó el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. Aunque Darín no visitó presencialmente San Sebastían, sí figuró en el reparto de La fuga / The Scape (Eduardo Mignogna, 2001), que concursó en la Sección Oficial, o en filmes de New Directors como Perdido por perdido (Alberto Lecchi, 1993) o Amorosa soledad / Lovely Loneliness (Martín Carranza y Victoria Galardi, 2008), que cosechó el Premio de la Juventud, y en Carancho (Pablo Trapero, 2010), programado en Perlak.

‘La cordillera / The Summit’, de Santiago Mitre (2017). ‘El amor menos pensado / An Unexpected Love’, de Juan Vera (2018).

‘La odisea de los giles / Heroic Losers’, de Sebastián Borensztein (2019). ‘Argentina, 1985’, de Santiago Mitre (2022).

Otras obras esenciales de su extensa filmografía son Nueve reinas / Nine Queens (Fabián Bielinsky, 2000), que propulsó su reconocimiento internacional y en 2023 fue programada en Klasikoak, o títulos fundamentales de Juan José Campanella como El mismo amor, la misma lluvia / Same Love, Same Rain (1999); El hijo de la novia / Son of the Bride (2001) y Luna de Avellaneda / Moon of Avellaneda (2004). También ha actuado en Capitán Kóblic / Kóblic (Sebastián Borenzstein, 2016), Tesis sobre un homicidio / Thesis on a Homicide (Hernán Goldfrid, 2012), Séptimo (Patxi Amezcua, 2013), Everybody Knows (Todos lo saben, Asghar Farhadi, 2018) y, más recientemente, en la serie El eternauta / The Eternaut (Bruno Stagnaro, 2025).

Darín debutó tras la cámara con La señal / The Signal (2007), película codirigida junto a Martín Hodara.

Primer tráiler para «Onslaught», lo nuevo de Adam Wingard

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Tras varias incursiones en películas de alto presupuesto, Adam Wingard regresa a un cine de corte más independiente con Onslaught, film de acción, cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de A24 y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 4 de septiembre de 2026.      

Onslaught nos muestra como una francotiradora del ejército utiliza sus habilidades para proteger a su hija de un sanguinario escuadrón de soldado que escapó de una base militar secreta. Estos tienen la particularidad de haber sido modificados genéticamente.

La película, con guion a cargo del propio Adam Wingard junto al habitual Simon Barrett, está protagonizada por Adria Arjona, Alex Pereira, Drew Starkey, Rebecca Hall, Reginald VelJohnson, Michael Biehn, Eric Wareheim, Dan Stevens, Jacob Scipio, Steven Shelby, Sarah Minnich y Keil Oakley Zepernick.

Filmoteca Española, Medalla de Honor 2026 de la Academia de Bellas Artes

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La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha concedido a Filmoteca Española, institución pública del Ministerio de Cultura, su Medalla de Honor, en reconocimiento a una trayectoria fundamental en la preservación, restauración y difusión del patrimonio cinematográfico español.

La candidatura fue presentada por la fotógrafa Isabel Muñoz, el historiador del arte Víctor Nieto, y el director de cine Manuel Gutiérrez Aragón. Los firmantes avalaron su propuesta defendiendo el “espléndido trabajo realizado por dicha entidad en beneficio del Patrimonio Audiovisual Español, desde una triple finalidad de su conservación, restauración y difusión. Hasta convertirse, mediante su prolongada y decisiva labor, en un centro de inexcusable referencia dentro del panorama cultural de nuestro país”.

Instituida por la Academia en el año 1943, la Medalla de Honor de la Corporación se concede con carácter anual a una persona o entidad española o extranjera que se haya distinguido de modo sobresaliente en el estudio, promoción o difusión de las artes, en la creación artística o en la protección del patrimonio histórico, cultural y natural.

Creada por Decreto el 13 de febrero de 1953 bajo el nombre de Filmoteca Nacional de España, la institución nació con la misión de conservar la memoria audiovisual del país. Desde entonces, su labor se ha consolidado como una referencia imprescindible dentro del panorama cultural español.

Actualmente, Filmoteca Española custodia cerca de cincuenta mil películas, así como unas doce mil todavía precatalogadas, lo que supone más de seiscientos mil rollos de celuloide, además del archivo íntegro del NO-DO, compuesto por setenta mil quinientos documentos audiovisuales que testimonian varias décadas de la historia cinematográfica y social de España. A este vasto patrimonio se suman las colecciones extra-fílmicas adquiridas a lo largo de los años, integradas por fondos museográficos (aparatos precinematográficos y proyectores, carteles, fotografías, maquetas, dibujos etc.), fondos de archivo (imprescindibles para estudiar la historia del cine español: archivos personales, de productoras y distribuidoras, el NO-Do o la Escuela de Cine) y las colecciones especializadas de la biblioteca.

La institución desarrolla su actividad desde tres sedes principales: el Palacio del Marqués de Perales, sede administrativa y del Centro de Estudios Dolores Devesa; el histórico Cine Doré, emblemático espacio de exhibición cinematográfica en Madrid y sala de proyecciones de Filmoteca Española desde 1989; el Centro de Conservación y Restauración de Fondos Fílmicos ´Carlos Saura´, en Pozuelo de Alarcón, que acoge entre sus instalaciones el denominado ´Voltio´, un espacio subterráneo anexo a él, especialmente acondicionado para preservar materiales realizados en nitrato de celulosa, entre ellos gran parte del escaso cine mudo español conservado.

Uno de los pilares esenciales de Filmoteca Española es su labor de restauración audiovisual, llevada a cabo por especialistas de primer nivel. Gracias a este trabajo silencioso y altamente especializado, numerosas obras cinematográficas han podido recuperarse para las generaciones presentes y futuras.

Junto a esta tarea de conservación, Filmoteca Española mantiene una intensa actividad pública y cultural a través de la programación del Cine Doré, convertido en un espacio de referencia para los amantes del cine, con sesiones diarias dedicadas a cinematografías de distintas épocas, autores y estilos.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha colaborado estrechamente con la institución en ciclos bianuales como “Las Bellas Artes en el Cine” (2022), “Compositores académicos del cine español” (2024) y “El Museo, protagonista”, en curso. Estas iniciativas han reforzado los vínculos entre ambas entidades y consolidado una colaboración con vocación de continuidad.

La Academia ha querido subrayar especialmente la importancia de reconocer públicamente una labor “no siempre suficientemente valorada”, pero esencial para la protección del patrimonio audiovisual español. Asimismo, destaca que la futura Ley del Cine prevé reforzar el reconocimiento institucional de Filmoteca Española como Bien de Interés Cultural.

Con esta propuesta, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando reafirma su compromiso histórico con la defensa y promoción de las instituciones y creadores que contribuyen de manera decisiva al enriquecimiento cultural de la sociedad española.

Un nuevo entorno cósmico, nuevo tráiler para «The End of Oak Street» de David Robert Mitchell

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Ocho años después de Under the Silver Lake David Robert Mitchell vuelve a ponerse tras las cámaras por partida doble. Antes de ver la luz la secuela de It Follows llegará a los cines The End of Oak Street, film que de la mano de Warner Bros. acaba de presentar un segundo tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que vuelve a mirar al fantástico desde la particular mirada de su autor, se estrenará simultáneamente en Estados Unidos y España el próximo 14 de agosto.       

The End of Oak Street nos cuenta como después de que un misterioso fenómeno cósmico arranque Oak Street de su entorno suburbano y transporte a sus habitantes a un lugar desconocido, la familia Platt pronto descubrirán que su propia supervivencia dependerá de que permanezcan unidos mientras intentan orientarse en un entorno que ya no reconocen.

La película, con guion a cargo del propio David Robert Mitchell, esta protagonizada por Anne Hathaway, Ewan Mcgregor, Maisy Stella, Christian Convery, Chris Coy, P.J. Byrne, Jordan Alexa Davis, Grayson Thorne Kilpatrick, Denitra Isler, Hudson Meek y Andrea Frankle.

Cineteca Madrid propone recuperar la capacidad de conmovernos frente a la desensibilización digital

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 Un ciclo comisariado por el Colectivo Laberinto recupera la figura del voyeur desde el compromiso de la empatía, con filmes de Akerman, Haneke o Villaronga, entre otros

·  Una retrospectiva de Masao Adachi permitirá adentrarse en el universo de uno de los cineastas más radicales e inclasificables de la historia del cine japonés

·  La obra del artista Tav Falco quedará retratada también en una retrospectiva que transita por sus grandes obsesiones estéticas y temáticas

·  El Foco Milagros Mumenthaler acercará a los espectadores una forma de narrar libre de estructuras narrativas frente a lo sensorial, la intuición y la memoria

·  En el marco de las celebraciones del Orgullo 2026, Cinema Pride refuerza el compromiso con la diversidad, la visibilidad y la defensa de los derechos LGTBI a través del cine

·  La trilogía Caseros e inquilinas, de Fernando Merinero, forma parte de la cartelera de estrenos de este junio que comparte la urgencia de mirar de frente la realidad

·  ECAM Forum celebra su tercera edición en Cineteca Madrid con encuentros clave para el impulso del cine independiente y el talento emergente

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte ubicado en Matadero Madrid, se ha propuesto este mes de junio enfrentarse a la desensibilización digital, creando un espacio de reflexión a iniciativa del Colectivo Laberinto y con el cine como acto de resistencia. Películas crudas, disidentes y profundamente humanas sugieren la empatía para huir del cinismo que en ocasiones nos rodea.

Los ciclos que conforman la cartelera este mes comparten un mismo compromiso ante la posibilidad de plantear el universo cinematográfico como un instrumento para intervenir en la realidad frente a un simple reflejo de ésta, como practica el cineasta Masao Adachi. Asimismo, la cartelera expondrá películas alejadas de estructuras narrativas convencionales para adentrarse en lo intuitivo, lo sensorial o lo diverso, como en el caso de la retrospectiva de Milagros Mumenthaler o de los filmes programados en el ciclo Cinema Pride.

Ciclo ‘Laberintos’

Frente a la desensibilización digital, el ciclo ‘Laberintos’, comisariado por el Colectivo Laberinto (Itzan Escamilla y Miguel Morillo) plantea un espacio de reflexión y análisis crítico a través de siete películas que recuperan la figura del voyeur para preguntarse qué significa hoy ser un ‘mirón’. No se trata de observar con impunidad desde la distancia, sino de comprometerse con lo que se mira. Estas obras —crudas, disidentes, profundamente humanas— enfrentan al espectador a narrativas chocantes que no son estímulos residuales, sino realidades que exigen empatía, pensamiento y emoción; el cine como acto de resistencia que obliga a habitar el espacio del otro y a recuperar la capacidad de conmoverse ante la crudeza de lo real. 

Con la presencia de Itzan Escamilla y Miguel Morillo (Colectivo Laberinto), el ciclo incluye las películas Irma Vep, de Olivier Assayas (12 de junio); Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de Chantal Akerman (14 de junio); Animal Love, de Ulrich Seidl (16 de junio); El vídeo de Benny, de Michael Haneke (18 de junio); Love Exposure, de Sion Sono (21 de junio); Tras el cristal, de Agustí Villaronga (23 de junio); Funeral Parade of Roses, de Toshio Matsumoto (24 de junio), y The Red Spectacles, de Mamoru Oshii (25 de junio). 

Retrospectiva de Masao Adachi: cine y revolución

Aprovechando el estreno de Escape, la nueva película de Masao Adachi, en el marco de Filmadrid, esta retrospectiva propone la oportunidad de adentrarse en el universo de uno de los cineastas más radicales e inclasificables de la historia del cine japonés. Director, teórico y militante, Adachi ha dedicado su vida a fundir la práctica cinematográfica con la acción política, planteando el cine no como un reflejo de la realidad, sino como un instrumento para intervenir en ella. 

En su juventud utilizó el cine erótico de bajo presupuesto como vehículo de invención formal y provocación y colaboró con cineastas como Kōji Wakamatsu y Nagisa Ōshima, en películas críticas con la modernidad capitalista que revelan los estragos del poder y la opresión. En 1974 dejó el cine para unirse a la lucha de liberación palestina, permaneciendo en Oriente Medio más de dos décadas hasta su extradición a Japón en el año 2000. Tras un paréntesis de 30 años, regresó al cine con películas que retratan el compromiso político desde la experiencia biográfica y responden directa y urgentemente a los acontecimientos políticos. 

Este programa, comisariado en colaboración con Go Hirasawa, recorre las distintas etapas y géneros que el cineasta ha atravesado a lo largo de su carrera, con títulos radicales y provocativos como Abortion (16 de junio), Female Student Guerilla (18 de junio), AKA Serial Killer (24 de junio), y Prisoner/Terrorist (25 de junio). Todas las sesiones incluirán videopresentaciones de Masao Adachi.

 

Foco Tav Falco: el cine como conjuro

La obra de Tav Falco se resiste a cualquier intento de catalogación. Discípulo de William Eggleston y fundador de la banda de culto Tav Falco’s Panther Burns, su universo transita sin jerarquías entre la performance, la fotografía, la música y el cine. Esta retrospectiva es un viaje por sus grandes obsesiones estéticas y temáticas: el blanco y negro como memoria espectral, el expresionismo, el magnetismo por lo decadente y lo marginal y una relación con la música que ya no es banda sonora, sino el sustrato mismo de la imagen. 

El recorrido por la obra de este artista total, inconformista y vibrante incluye como plato fuerte, el 20 de junio, The Urania Trilogy (2024), su primer largometraje. Rodado en 16 mm, la película recrea la estética del cine mudo y las atmósferas de la vieja Europa para contar la historia de Gina Lee, una joven estadounidense desencantada que viaja a Viena y se ve envuelta en la búsqueda de un tesoro nazi enterrado. Esta sesión contará con la presencia de Tav Falco. 

Foco Milagros Mumenthaler 

Pocas cineastas contemporáneas han regalado al público una relación con la imagen tan libre, intuitiva y poderosa como Milagros Mumenthaler. A lo largo de su carrera, ha expandido incansablemente las posibilidades de la imagen, liberándola de las estructuras narrativas convencionales para acercarla a lo sensorial, a la intuición y a la memoria. Sus películas han dejado algunas de las imágenes más inolvidables del cine reciente: momentos suspendidos, gestos mínimos, cuerpos, silencios y paisajes que vibran más allá de la narración. Las corrientes (5 de junio), La idea de un lago (10 de junio) y Abrir puertas y ventanas (11 de junio) forman parte de la educación sentimental de buena parte de la cinefilia contemporánea, convertidas en títulos esenciales del cine de las últimas décadas. A esta retrospectiva con tres de sus largometrajes, organizada por ECAM Forum y Filmadrid, se suma una clase magistral de la cineasta, el jueves 11 de junio. 

Cinema Pride 2026

En el marco de las celebraciones del Orgullo 2026, Fundación Triángulo, en colaboración con QueerCineMad y Cineteca Madrid, presenta una nueva edición de Cinema Pride, ciclo que refuerza el compromiso institucional con la diversidad, la visibilidad y la defensa de los derechos LGTBI a través del cine. 

La programación de este año incluye estrenos internacionales que llegan a Madrid tras su paso por varios festivales: Tal vez, de Arima León (2 de junio); Este cuerpo mío, de Afioco Gnecco y Carolina Yuste (3 de junio); e Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa (4 de junio), ganadora del Teddy Award en la Berlinale. Además, el ciclo incorpora una destacada muestra de cine queer taiwanés contemporáneo, con títulos como Second Round, de Kuan-Chun Chen (2 de junio); Blind Love, deJulian Chou (3 de junio) y See You, de Han-Ting Yu (4 de junio), que acercan al espectador a nuevas narrativas y sensibilidades. 

Filmadrid: Smart7

En colaboración con Filmadrid, Cineteca Madrid acoge un año más la iniciativa Smart7, una ventana para el descubrimiento de cineastas europeos emergentes que buscan nuevas formas de contar historias y ampliar el lenguaje audiovisual. El programa (del viernes 5 al domingo 14) está formado por siete películas, elegidas por Filmadrid y el resto de los miembros de la asociación de festivales europeos Smart7. Entre los títulos que acoge Cineteca se encuentran No Ghosts on Good Street, de Emi Buchwald, Polonia, (5 junio); Patty Is Such a Girly Name, de Giorgos Georgopoulos, Grecia (6 junio) y Eternal Flame, de Pedro Ramalhete, Portugal (7 junio).

Verano en Japón en compañía de la familia

Cineteca da la bienvenida a las vacaciones con tres películas esenciales de maestros de la animación: Recuerdos del ayer, de Isao Takahata, cofundador de Studio Ghibli (domingo 7 de junio); Summer Wars, de Mamoru Hosoda (domingo 14 de junio); y El recuerdo de Marnie, de Hiromasa Yonebayashi (domingo 28 de junio). Tres viajes por la infancia, al amor y a los lazos que se entrelazan y sostienen en las tardes interminables del verano. 

Estrenos

Como cada mes, Cineteca Madrid trae a su cartelera un importante plantel de estrenos. Este junio serán siete propuestas sorprendentes que comparten una misma urgencia: mirar de frente lo que nos constituye.

En Una película de miedo, de Sergio Oksman, un padre y su hijo se enfrentan a los miedos heredados en un hotel abandonado de Lisboa (5 al 23 de junio). ¿Qué te dice esa naturaleza? es el regreso del aclamado director coreano Hong Sang-soo, que sigue a un joven poeta cruzando el umbral de la hipocresía adulta entre banquetes y conversaciones (5 al 24 de junio). El príncipe de Nanawa, de Clarisa Navas, es un coming-of-age épico rodado a lo largo de diez años en la frontera entre Argentina y Paraguay, que ganó el Gran Premio del Jurado en Visions du Réel (19 al 28 de junio) y ha participado en Documenta Madrid 2026. 

Además, Divino tesoro (19 de junio), Edipo esclavo (20 de junio) y Cupido confuso (27 de junio) conforman la trilogía Caseros e inquilinas, de Fernando Merinero, un tríptico naturalista sobre la familia contemporánea que desnuda el engaño de las apariencias.

ECAM Forum: el estado de las cosas

ECAM Forum 2026 regresará a Cineteca Madrid del 9 al 11 de junio como uno de los encuentros clave para el impulso del cine independiente y el talento emergente, con un programa que reunirá a creadores, productores y agentes de la industria en torno a presentaciones de proyectos, sesiones de pitch, mesas profesionales y espacios de networking. 

Impulsado por la ECAM, el foro volverá a situarse como plataforma estratégica para el desarrollo y la proyección internacional de nuevas voces del audiovisual, fomentando el diálogo, la colaboración y el acceso a oportunidades en un contexto dinámico que convierte a Madrid en punto de referencia para el sector.

Maurice Pialat, cineasta de lo inhóspito

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Pialat, ese animal extraño. Provocador, autodidacta, furibundo. Crítico implacable de equipos y entornos, impiadoso crítico de sí mismo. Al margen de todos los grupos, apartado de todos los ritos. Cineasta tardío, pintor frustrado. Pialat contradictorio, frontal, insoportable. Tiránico y tierno, arrasador y vulnerable. Pialat cancelable y cancelado, recuperado a fuerza de talento que perdura. Siempre igual a sí mismo, siempre rodando la misma y única película. Método-Pialat: ruptura de la lógica lineal del relato, primacía del anclaje espacial, presente continuo, elipsis y plano secuencia, encuadre centrífugo y dinámico, descentralización del sujeto en el plano, rol crucial del fuera de campo, espontaneidad del gesto recogido del fondo emocional de los actores, profesionales y no profesionales, montaje depurado, descargado de cualquier exceso. El montaje, finalmente, como una sucesión, discontinua y dispar, de momentos de gracia, joyas de lo real, a veces tan aciagas. Pialat enamorado de Poussin y Lumière.

Los racimos de gente en Pialat, gente que no se entiende, que no se escucha, que se empuja, se insulta y se golpea, que no logra convivir. La incompatibilidad de la pareja, tan desincronizada; el agujero negro de la familia establecida, omnívora hasta el fin; la necesidad imperiosa de ser amado. Dios que se retira, el arte que no alcanza, el diablo que te espera y te besa en la boca. Empieza la película y el daño ya está hecho. Pialat está en el centro del ciclón, con las velas rotas. Con ese viento que es todavía Pialat nos inclinamos a juntar los pedazos, nos sentamos a imaginar una manera de volver a empezar.

TEXTOS:
Maurice Pialat, cineasta de lo inhóspito / Miguel Ángel Montes Beltrán
Maurice Pialat: el cine y su sombra / Javier Oliva
No volveremos a casa. La Maison des Bois / Fran Benavente/Glòria Salvadó Corretger
Maurice Pialat y el público / Aarón Rodríguez Serrano
Rodar a contracorriente / Irene de Lucas
Agujerear el lienzo / Gonzalo de Lucas
El cine desfondado / Mariel Manrique
Declaraciones de Maurice Pialat
Autoría de los textos

MAURICE PIALAT

(Cunlhat, 1925 – París, 2003). Creció lejos de sus padres, cuidado por sus abuelos. No aprobó el bachillerato. Quiso ser pintor, pero no pudo. Fue director, guionista, novelista, actor. Nunca estuvo en paz. Filmó cortos, diez largometrajes, una miniserie dividida en siete episodios. Se peleó con todo el mundo. Y con el mundo, también. Se excedió en presupuestos, en plazos, en intensidad.

Su obsesión no fue imitar la vida en la pantalla, ni representarla ni dar explicaciones que no tenía ni necesitaba. Persiguió la captura, siempre imperfecta, de instantes efímeros. Si la vida era una sepulturera, que el cine fuera un resucitador. Nada alcanzaba, nada era suficiente. Lo despidieron en Saint-Sulpice, cerca del fresco pintado por Delacroix en el que Jacob lucha contra el Ángel toda una noche. Es la escena de un combate sin tregua, cuyo sentido se revela recién al despuntar el día. Bien podría haber sido filmada por Pialat.

Autor: VV. AA., Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas: 330

La culpa moral, tráiler para «Fatherland» de Pawel Pawlikowski

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Tras ganar el premio al Mejor Director en el pasado Festival de Cannes, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador polaco Pawel Pawlikowski titulado Fatherland. Drama de época que explora una relación familiar en la Europa de posguerra, que se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo otoño de la mano de Mubi.    

Fatherland retrata la relación entre el escritor ganador del Premio Nobel Thomas Mann y su hija Erika, actriz, escritora y piloto de carreras. En el apogeo de la Guerra Fría, y tras regresar a casa tras dieciséis años de exilio en Estados Unidos, Mann y su hija emprenden un desafiante y emotivo viaje por carretera atravesando una patria tan dividida como su propia familia.

La película, con guion a cargo del propio Pawel Pawlikowski junto a Henk Handloegten, está protagonizada por Sandra Hüller, Hanns Zischler, August Diehl, Devid Striesow, Anna Madeley, Theo Trebs, Philip Lenkowsky, David L. Price, Giorgio Rayzacher, Christophe Falconnet, Joanna Kulig, David Menkin y Joachim Meyerhoff.

Fatherland está producida por Mario Gianani y Lorenzo Mieli para OUR Films, Ewa Puszczynska para Extreme Emotions, Jeanne Tremsal y Edward Berger para Nine Hours, Dimitri Rassam para Chapter 2 y Lorenzo Gangarossa para Circle One.  

«Alpha» review

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Alpha es una problemática niña de 13 años que vive con su madre soltera. Su mundo se derrumbará el día que vuelve del colegio con un tatuaje en el brazo.

Diversos autores consagrados, en mayor o menor medida, estuvieron presentes en la pasada edición del festival de Sitges con propuestas que indagaron en temáticas humanistas y sociales desde una supuesta perspectiva fantastique con resultados cuando menos cuestionables. La encargada de inaugurar el certamen fue Alpha, un intento por parte de la realizadora francesa Julia Ducournau de mostrar una narrativa más adulta que en anteriores trabajos suyos, reincidiendo en el shock estético y en una loable pertenencia al concepto del body horror para incomodar al espectador a través de una historia que fija su mirada en el dolor y la estigmatización de la enfermedad.

El resultado, sin embargo, adolece de una alarmante incapacidad por parte de la responsable de Titane de articular una alegoría; en este caso, se trataría de una reflexión ubicada en los inicios de la epidemia del SIDA, referida a un supuesto canto a la aceptación, que no escatimaría recursos abusando del manido concepto de realismo mágico, por ejemplo, al retratar el avance de la enfermedad mediante un proceso supuestamente alegórico al convertir en mármol la piel del contagiado. La sensación final es la de estar ante una autora que no termina de medir bien su ambición, especialmente en el intento de exponer una evocación que, al estar desprovista de excéntricos artificios, pone en duda el prestigio dispensado de forma exacerbada por la crítica en sus films anteriores.

Valoración 0/5: 2

Filmin estrena en exclusiva «Balearic», la nueva película de Ion de Sosa, el 5 de junio

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Tras sorprender con “Mamántula”, el director español firma una propuesta inclasificable que mezcla survival, sátira social y surrealismo para reflexionar sobre la incomunicación entre generaciones.

El próximo 5 de junio llega en exclusiva a Filmin “Balearic”, el nuevo largometraje de Ion de Sosa, una de las voces más singulares y arriesgadas del cine español reciente. Tras llamar la atención con trabajos como “Mamántula” (2023), que le valió una nominación al Goya al mejor cortometraje de ficción, o “Sueñan los androides” (2014), el cineasta da un nuevo paso con una película que consolida una trayectoria marcada por la experimentación formal y la búsqueda constante de nuevas formas de relato. Presentada en el Festival de Locarno y seleccionada en la sección oficial Festival de Sitges, «Balearic» le ha valido además su segunda nominación al Goya, esta vez a mejor dirección novel.

Escrita junto a Juan González (de Burnin’ Percebes), Chema García Ibarra, Julián Génisson y Lorena Iglesias (quien además participa aquí como actriz y firma el nuevo Filmin Original “Millennial Mal”), “Balearic” propone una mezcla inesperada de géneros, referencias y tonos que desafía cualquier clasificación sencilla. El reparto reúne nombres como Christina Rosenvinge, que además compone un tema original para la banda sonora, Luka Peroš, Marina Llopis y la propia Lorena Iglesias.

Sinopsis

En la víspera de San Juan, un día propicio para la magia, un grupo de jóvenes que se ha colado en la piscina de una lujosa casa queda atrapado por tres feroces perros que les impiden salir. Mientras tanto, los vecinos celebran el comienzo del verano en una villa cercana, completamente ajenos a lo que ocurre al otro lado del muro.

Una película mutante

“Balearic” empieza como una película y termina siendo otra. Arranca desde un escenario reconocible –unos adolescentes atrapados, una amenaza concreta, una situación límite–para desviarse progresivamente hacia un territorio más extraño, incómodo y difícil de anticipar. Lo que parecía un ejercicio de género muta poco a poco en una sátira de ecos surrealistas que altera las reglas del juego y desplaza el foco hacia aquello que sucede fuera de campo.

Ese desplazamiento fue, de hecho, el punto de partida creativo de la película. Como explicaba Ion de Sosa: “Seguir con esa película de género, quizá previsible, que encajaba con los códigos del survival o encontrarle una doblez, saliendo un poco de ese escenario y yéndonos a ver a los vecinos. ¿Por qué no escuchan los gritos de los protagonistas? ¿Qué pasa en esa otra casa?” (GQ).

La decisión no fue sencilla. El propio director reconocía que muchas personas no entendían ese cambio de rumbo durante el proceso de financiación: “No entendían cómo abandonábamos a nuestros protagonistas para irnos a contar una película completamente distinta. Pero nunca quisimos renunciar a esa hibridación de géneros y ese punto de surrealismo” (GQ). El resultado es una película que se niega constantemente a convertirse en aquello que parecía prometer.

La incomunicación entre generaciones

Ese desplazamiento narrativo no es solo una apuesta formal: es también la manera que encuentra “Balearic” de hablar sobre generaciones que comparten espacio pero ya no parecen compartir lenguaje. Mientras los jóvenes quedan encerrados en una situación absurda que intentan resolver, los adultos permanecen inmóviles, refugiados en sus rituales y completamente desconectados de lo que ocurre a su alrededor.

Como explicaba De Sosa: “Hubo una idea primitiva que era dividir la película en dos mitades, expresar la incomunicación entre jóvenes y adultos, con una barrera también en el modo de retratarles y que cada uno tuviera su película” (Cine Maldito). Esa separación acaba convirtiéndose en el verdadero conflicto de “Balearic”: no tanto escapar del encierro como descubrir que nadie está escuchando al otro lado.

En esa lectura aparecen referencias evidentes al universo de Luis Buñuel —especialmente “El ángel exterminador”— junto a ecos más contemporáneos como “El triángulo de la tristeza”. Pero lejos de construir una sátira cerrada o nostálgica, “Balearic” deja abierta una pregunta mucho más incómoda: qué ocurre cuando dos generaciones ya no son capaces ni siquiera de reconocerse.

El gótico desquiciado, primer tráiler para «Victorian Psycho» de Zachary Wigon  

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Tras su paso por el pasado Festival de Cannes dentro de la sección Un certain regard, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la comedia gótica de terror Victorian Psycho, nuevo trabajo tras las cámaras de Zachary Wigon, The Heart Machine (2014), Sanctuary (2022), que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para finales del próximo mes de septiembre.    

Victorian Psycho nos sitúa en 1858, la excéntrica institutriz Winifred Notty llega a la aislada mansión Ensor House para enseñar a los niños residentes. A medida que los empleados desaparecen misteriosamente, los propietarios empiezan a sospechar de la naturaleza oculta de la nueva empleada.

La película, con guion a cargo de Virginia Feito, está protagonizada por Maika Monroe, Thomasin McKenzie, Jason Isaacs, Jacobi Jupe, Amy De Bhrún, Katherine Moran, Simon Coury, Dagmar Döring y Alan Devally.

Documenta Madrid 2026 reivindica el cine como registro directo de la realidad en su 23ª edición

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Un filme inédito de Pier Paolo Pasolini inaugura el festival, que toma Madrid con 26 películas a concurso, cuatro proyectos en Corte Final, cinco ciclos y seis sedes

 Juan Cavestany cierra el festival con el estreno de una película sobre Matadero Madrid como espacio simbólico de transformación urbana y social

La Competición Internacional reúne películas de 16 países que exploran la imagen como espacio de conflicto, memoria y representación

La Competición Nacional propone un recorrido por nuevas miradas del cine español en torno al territorio, los afectos, la identidad y las formas de resistencia

Cineteca Madrid ha presentado la 23ª edición de Documenta Madrid, Festival Internacional de Cine organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte, que se celebrará del 26 al 31 de mayoen Cineteca Madrid y otras cinco sedes de la ciudad: Filmoteca Española, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), La Casa Encendida, ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y Goethe-Institut. Bajo la dirección artística de Luis E. Parés, el festival articula este año su programación en torno al concepto ‘Tomar el pulso’, una mirada al cine directo que reivindica su capacidad para registrar sin mediaciones la realidad contemporánea, captando sus tensiones, conflictos y transformaciones en tiempo real. 

Pasolini inédito

La sesión inaugural presentará Rivisitazione dello sciopero, una experiencia audiovisual basada en el documental inacabado que Pier Paolo Pasolini dedicó a la primera huelga de barrenderos en Italia en 1970. Los materiales originales del proyecto —desaparecidos durante décadas— fueron recuperados en 2005, aunque el registro sonoro se perdió definitivamente. A partir de esas imágenes mudas, los artistas Cosimo Terlizzi y Luca Maria Baldini construyen una performance en directo que transforma el material original en un acontecimiento contemporáneo.

Territorios, afectos y ensayo político en las secciones competitivas

Las secciones competitivas se estructuran en tres categorías: Competición Internacional, Competición Nacional y Corte Final, dedicada a proyectos españoles en fase avanzada de montaje. Tanto la Competición Nacional como la Internacional conceden premios del jurado y del público, e incorporan además el galardón Fugas, que distingue la apuesta por la innovación formal y el riesgo creativo, repartiendo en total 36.000 euros en galardones. Por su parte, Corte Final cuenta con un premio de distribución, otorgado por Agencia Freak y valorado en 6.000 euros.

La Competición Internacional reúne títulos procedentes de 16 países que abordan la imagen contemporánea como campo de disputa. En Afterlives (proyección el día 28 de mayo), Kevin B. Lee investiga la violencia latente en el ecosistema audiovisual; As estações (27 de mayo), de Maureen Fazendeiro, entrelaza memoria oral e historia en el Alentejo; Debut, or, Objects of the Field of Debris as Currently Catalogued (29 de mayo), de Julián Castronovo, convierte la investigación en un archivo de lo digital; y El príncipe de Nanawa (30 de mayo), de Clarisa Navas, recorre el tránsito hacia la edad adulta en un contexto fronterizo entre Argentina y Paraguay. Desde el ensayo político, Evidence (29 de mayo), de Lee Anne Schmitt, revisa las estructuras del pensamiento conservador en EE. UU., mientras que Far from Beyrouth (28 de mayo), de Mon Dewulf, construye una correspondencia visual marcada por la distancia y la guerra. 

La sección incluye propuestas como Lengua muerta (30 de mayo), del chileno José Jiménez, centrada en lo indecible. Además, el 27 de mayo se proyectarán Lloyd Wong, unfinished, de Lesley Loksi Chan, que reflexiona sobre la herencia de imágenes en la memoria queer de Canadá; Nova ’78, de Rodrigo Areias y Aaron Brookner, que recupera el imaginario contracultural en torno a William Burroughs; o Perseidas, de Natalia del Mar Kasik, que devuelve el cine a una experiencia primigenia. Completan la selección Remake (29 de mayo), de Ross McElwee, donde el cineasta reflexiona sobre cómo la compulsión de filmar ha afectado a su vida y a la de los que le rodean; dos filmes con una reflexión post colonial, Sauf le passé (30 de mayo), de Sanaz Azari, y The Recce (28 de mayo), de Daniel Mann; y la obra sobre la Gaza de 2001, With Hasan in Gaza (28 de mayo), de Kamal Aljafari.

La Competición Nacional ofrece obras que indagan en el territorio, los afectos y las formas de resistencia desde perspectivas personales. En Atlas de la desaparición (proyección el día 29 de mayo), Manuel Correa acompaña procesos de búsqueda ligados a la memoria histórica; Crías (27 de mayo), de Xiana Teixero, activa un archivo de escritura adolescente femenina; y Después de las ciudades (28 de mayo), de Xacio Baño, construye la ciudad como un dispositivo de memoria a partir de imágenes mediadas. El tiempo y la introspección atraviesan El milagro (30 de mayo), de David Varela, mientras que Estados generales (29 de mayo), de Mauricio Freyre, explora las huellas persistentes de la violencia colonial. 

Desde el ámbito de los cuidados, Este cuerpo mío (27 de mayo), de Afioco Gnecco y Carolina Yuste, documenta un proceso de transición de género. La memoria familiar y el archivo se entrelazan en Fomos ficando sós (30 de mayo), de Adrián Canoura, y la experiencia sensorial ocupa el centro en Krakatoa (28 de mayo), de Carlos Casas. La sección se completa con Like Moths to Light (28 de mayo), de Gala Hernández López, que reflexiona sobre la exposición de la vida interior en la era tecnológica; No hay camino (29 de mayo), de Luciana Espinoza Hoempler, que observa la migración desde la distancia; OAO (27 de mayo), de Rocío Mesa, que conecta con emociones originarias; y Perpetual Radiance (28 de mayo), de Magdalena Orellana, que encuentra en la fragmentación urbana un núcleo de belleza.

Corte Final reúne proyectos españoles en fase avanzada de montaje. En Escribir nuestro nombre y seguir (28 de mayo), Fernando Vílchez y Lili Albornoz acompañan a mujeres que reconstruyen una memoria atravesada por la violencia; Las termas (28 de mayo), de Armin Marcheisini Weihmuler, se acerca a la vejez desde el afecto y la fragilidad. Además, Memorias del exilio (27 de mayo), de Manuel Correa, explora las huellas de la violencia política; y Río (27 de mayo), de Chus Domínguez y Nilo Gallego Domínguez, propone una experiencia de extrañeza entre sonido, paisaje y desplazamiento. 

Programación paralela en cinco sedes

En colaboración con Filmoteca Española, Documenta Madrid presenta una retrospectiva dedicada al colectivo Third World Newsreel, una de las experiencias más radicales del cine militante surgido en Estados Unidos entre 1968 y 1972, que utilizó el cine como una herramienta para documentar luchas sociales. El ciclo reúne en cuatro sesiones una selección de títulos clave como Columbia Revolt (1968), que podrá verse el 27 de mayo; The Woman’s Film (1971), el 28 de mayo, o El Pueblo se levanta (1971) y Break and Enter (1971), ambas el 29 de mayo. A través de estas películas, el programa traza un recorrido por los movimientos estudiantiles, el feminismo, las luchas por la vivienda o el auge del Black Power.

La Casa Encendida acoge la primera retrospectiva en España del cineasta británico Charlie Shackleton, cuya obra se sitúa en un territorio híbrido entre el documental, el ensayo y la experimentación formal. El programa incluye títulos como Beyond Clueless (2014), el 26 de mayo; The Afterlight (2021), el 27 de mayo, y Zodiac Killer Project (2025), el día 29. Además, se celebrará una sesión de videoensayos el 28 de mayo con piezas como Copycat (2016), Fish Story (2018) o Camera Test (2024), y un taller con la presencia del autor, el 27 de mayo. 

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra una retrospectiva dedicada a la cineasta chilena Marilú Mallet, figura clave de la primera generación de directoras del cine chileno. Su obra, marcada por el exilio tras el golpe de Estado de 1973, se articula como una exploración íntima de la memoria, la identidad y la distancia. El ciclo reúne cuatro filmes fundamentales: Andahuaylillas (1983) y El evangelio de Solentiname (1978), ambas el 29 de mayo; Diario inacabado (1982) y Doble retrato (2000), el 28 de mayo; y Geografía personal (2016), el 31 de mayo. El 30 de mayo se completará el ciclo homenajeando a dos chilenas que también sufrieron el exilio: Valeria Sarmiento, con Huellas (2023), y Angelina Vázquez, con Dos años en Finlandia (1975).

El Encuentro ECAM, desarrollado entre Cineteca Madrid, Goethe-Institut y la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM), estará dedicado al cineasta alemán Jan Soldat, cuya obra se caracteriza por una exploración directa de la intimidad, los cuerpos y las dinámicas de poder. El programa se articula en cuatro sesiones retrospectivas. Dos en Cineteca Madrid los días 27 y 30 de mayo –Preparativos felices y El fetiche y el poder- y otras dos en Goethe-Institut, el 28 y 29 de mayo –Espacio personal y El deseo de amar-. A ello se suma, el 28 de mayo, una clase magistral en la ECAM.

Eslovenia, Gabriel Veyre y José Luis de Pablos

La programación paralela se completa con el ciclo Una vanguardia recóndita. Cine experimental esloveno (29 y 31 de mayo), comisariado en colaboración con la Cinemateca de Eslovenia, que recupera obras poco conocidas de autores como Vinko Rozman, Karpo Godina o Vasko Pregelj. A este programa se suman sesiones especiales como Las aventuras de un operador Lumière alrededor del mundo, el 26 de mayo, con películas rodadas por Gabriel Veyre, operador de los hermanos Lumière y pionero en filmar en distintos países a finales del siglo XIX. Asimismo, incluye la recuperación y presentación, el 31 de mayo, de materiales inéditos del operador y corresponsal José Luis de Pablos, en colaboración con el Archivo ECAM, que permite revisitar algunos de los grandes acontecimientos políticos y sociales del siglo XX desde una perspectiva cinematográfica. 

‘Constelación Cineteca’ y Documenta Pro

‘Constelación Cineteca’ amplía el festival conectando el cine con los procesos de investigación, mediación y creación contemporánea que tienen lugar en Matadero Madrid. A través de propuestas como ¿Descansa en paz? (28 de mayo), Cuerpo Travesía (28 de mayo) o Sombra larga (30 de mayo), el programa traza un mapa de prácticas que vinculan imagen, memoria y comunidad, en diálogo con espacios como Intermediae, el Centro de Residencias Artísticas y Medialab.  Además, la sesión Mind Reading Machines (27 de mayo), explora los imaginarios tecnológicos contemporáneos. 

Documenta Pro se celebrará los días 27 y 28 de mayo, reuniendo a profesionales del sector en torno a los retos del documental contemporáneo. A ello se suman talleres como Instrucciones para soñar una película colectiva (del 27 al 29 de mayo) y Con las manos en la imagen (30 y 31 de mayo), que invitan a explorar el cine desde una perspectiva participativa, pedagógica y experimental, abriendo el festival a nuevas formas de relación con las imágenes. Principio del formulario

Juan Cavestany cierra el festival con un filme producido por Matadero Madrid

En la clausura del festival, el 31 de mayo se estrenará Vial Matadero, película inédita del cineasta Juan Cavestany realizada específicamente para esta edición y producida por Matadero Madrid y Cineteca Madrid. 

El filme propone una mirada sobre Matadero como espacio simbólico de transformación urbana y social, convirtiendo este enclave cultural en un espejo de los cambios de la ciudad. También se verá el adelanto del próximo documental de la Escuela Dentro Cine.

Un jurado de renombre internacional

El jurado de esta edición estará compuesto por prestigiosos profesionales del ámbito cinematográfico, la programación y la crítica. En la Competición Nacional, Hélder Beja, director de Doclisboa; Maite Conesa, directora de la Filmoteca de Castilla y León; e Iris Martín-Peralta, comisaria y productora cinematográfica. En la Competición Internacional, la cineasta argentino-británica Jessica Sarah Rinland; Laura García Lorca, presidenta de la Fundación García Lorca; y Christophe Piette, programador de CINEMATEK, el Archivo Real de Cine de Bélgica. Además, la sección Corte Final contará en el jurado con la productora Rocío Cabrera; el responsable del programa Intermediae de Matadero Madrid, Aimar Arriola; y Joan Sala, programador de Filmin y subdirector del Atlántida Mallorca Film Fest.

La imagen gráfica de esta edición ha sido creada por el fotógrafo Nicolás Combarro (A Coruña, 1979), uno de los autores más reconocidos de su generación, cuya obra se sitúa en el cruce entre arquitectura, memoria e historia de los espacios, en este caso, centrada en Matadero Madrid.

Con esta nueva edición, Documenta Madrid sitúa de nuevo el cine documental como una herramienta privilegiada para observar el mundo en tiempo real, reivindicando el cine como una forma de registro inmediato de la realidad y un espacio para pensar colectivamente nuestro tiempo.

La mitología del cine según Bertrand Mandico, teaser tráiler para «Roma elastica»

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Formado parte de ese particular calidoscopio visto en películas como After Blue (2021) o Conann (2023), el nuevo trabajo tras las cámaras del francés Bertrand Mandico titulado Roma elástica, acaba de presentar un primer adelanto en forma de un breve teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a un póster promocional. La película, que tuvo su estreno mundial en el pasado Festival de Cannes, se estrenará comercialmente en Francia el próximo 23 de diciembre de 2026.

Roma elastica nos traslada al año1982. Eddie es una actriz que ha tenido su momento de gloria americana. Acompañada por Valentina, su fiel maquilladora, acepta el papel protagonista de una película de ciencia-ficción que se rodará en Roma, una película que bien podría ser la última de su carrera.

La película, con guion a cargo del propio Bertrand Mandico, está protagonizada por Marion Cotillard, Noémie Merlant, Martina Scrinzi, Agnese Claisse, Milutin Dapcevic, Isabella Ferrari, Maurizio Lombardi, Ornella Muti, Franco Nero, Zlatko Buric, Josephine Thiesen, Michele Bravi y Tea Falco.

   

David Lynch (Sílex Portátil)

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El 15 de enero de 2025 una enfermedad pulmonar acabó con la vida de David Keith Lynch en Los Ángeles, California, a los 78 años de edad. Fue uno de los creadores norteamericanos más importantes del arte moderno alternativo: pintor, músico, director y guionista, entre otras facetas de las artes plásticas y el cine. Construyó una obra cinematográfica y artística difícil de clasificar, marcada por la presencia constante de lo onírico, lo inquietante y lo irracional. Este libro recorre ese conjunto heterogéneo de pintura, sonido, materia y narraciones fragmentadas y se centra en los principales hitos de su evolución: los años de formación como artista plástico, el paso al cine independiente con Cabeza borradora, la consolidación con El hombre elefante y Terciopelo azul, su incursión en la superproducción con Dune y la madurez expresiva de obras como Corazón salvaje, Carretera perdida, Mulholland Drive, Inland Empire y Twin Peaks: The Return.

Autor: Pilar Pedraza, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 118

«Las corrientes» review

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En la cima de su carrera, Lina, una estilista argentina de 34 años, se deja llevar por un impulso repentino tras una entrega de premios en Suiza. De regreso a Buenos Aires, no dice nada, pero algo ha cambiado en ella; algo que, silencioso e invisible, desentraña sutilmente un pasado que creía haber dejado atrás.

Las corrientes, tercer largometraje de la realizadora argentina Milagros Mumenthaler deviene como un film que, al igual que el Safe de Todd Haynes, relata el vacío existencial utilizando el psicodrama como herramienta narrativa. La responsable de La idea de un lago presenta a una exitosa diseñadora de moda que sufre de forma repentina una intensa disociación, expuesta a modo de retrato femenino y el desajuste al que se tiene que enfrentar la protagonista que sufre súbitamente un miedo extremo al agua, anomalía alegórica sobre alguien incapaz de asumir la cotidianeidad, agudizada por múltiples inseguridades y una percepción sensorial acrecentada tanto en cada espacio habitado, como en otros deshabitados.

Poco importa que su tramo final abrace, en detrimento de la deconstrucción, un tono algo más explicativo, Las corrientes transita por un trazo autoral inusual, resultando una de las propuestas más estimulantes y arriesgadas vistas en la pasada edición del Festival de San Sebastián.

Valoración 0/5: 4

Filmin estrena «Historias del buen valle», el premiado documental de José Luis Guerín, el 29 de mayo

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El próximo 29 de mayo llega a Filmin “Historias del buen valle”, el nuevo largometraje documental de José Luis Guerín, una de las figuras fundamentales del cine español contemporáneo. La película, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián, supone el regreso tras ocho años sin dirigir un largometraje del director de “En construcción” (2001), nombrada recientemente por el Diari ARA como la segunda mejor película catalana del siglo XXI.

Fiel a una filmografía marcada por la observación, la memoria y la transformación de los espacios urbanos, Guerín vuelve a situar su mirada en un territorio periférico de Barcelona para construir un retrato colectivo atravesado por el paso del tiempo, la inmigración y las huellas invisibles de la ciudad contemporánea.

Sinopsis

Vallbona es un barrio del extrarradio de Barcelona aislado por un río, vías férreas y autopistas. Un territorio periférico que vive el tránsito del mundo rural al urbano, preservando formas de vida desaparecidas del centro de la ciudad. Allí conviven las casas levantadas clandestinamente por los migrantes llegados tras la posguerra con nuevos bloques de pisos habitados por la inmigración reciente, convirtiendo este humilde rincón en una auténtica aldea global marcada por la supervivencia y las luchas vecinales.

Vallbona, entre dos mundos

En “Historias del buen valle”, el barrio de Vallbona no funciona solo como escenario, sino como auténtico protagonista de la película. Separado del resto de Barcelona por autopistas, vías de tren y un río, el barrio conserva todavía rastros de un pasado rural que convive con la expansión urbana contemporánea. “Es un territorio único, en tránsito entre lo rural y lo urbano, donde aún sobreviven huertos, construcciones levantadas por los primeros migrantes de posguerra y formas de vida prácticamente desaparecidas del centro de la ciudad.” explicaba Guerín a El Periódico.

La relación del cineasta con Vallbona se remonta, sin embargo, varias décadas atrás. “Tuve un encuentro con el barrio en 1977. Guardaba un recuerdo fugaz de un sitio muy extraño, ignoto y lejano”, recordaba en la revista Pickpocket. Años después, el comisario Jorge Ribalta le propuso volver al barrio para un proyecto expositivo sobre los márgenes de Barcelona. De aquella experiencia surgiría primero la pieza “Primeras impresiones” y, más adelante, la semilla de esta película. “La referencia esencial ha sido el barrio de Vallbona, sus habitantes. No he querido imponer ningún imaginario cinematográfico personal por encima de lo que ellos me iban descubriendo”, explicaba el director en Fotogramas.

Un cine de la escucha

Lejos del documental explicativo o de tesis, Guerín construye la película desde la observación y la escucha. “Muchos documentalistas quieren hacer una película para desarrollar una denuncia previamente fijada. Yo no; a mí me mueve el deseo de descubrir algo y compartirlo con los espectadores”, afirmaba en eldiario.es. Esa voluntad atraviesa toda la película, construida a partir de conversaciones, silencios, momentos cotidianos y encuentros inesperados que convierten a Vallbona en un espacio vivo y contradictorio.

En ese sentido, “Historias del buen valle” continúa una de las grandes constantes del cine de Guerín: encontrar poesía en lo cotidiano y convertir el paisaje urbano en una reflexión sobre el tiempo y la fragilidad. Los trenes que atraviesan constantemente el barrio sin detenerse terminan funcionando como una poderosa imagen de esa condición periférica y efímera. “Desde Ozu, el paso de los trenes ha sido una metáfora de lo efímero”, explicaba el director en Fotogramas. “Y esa es también una realidad muy elocuente en Vallbona: pasan tantos trenes y ninguno se detiene en el barrio.”

Un nuevo infierno de neón, primer tráiler para «Her Private Hell» de Nicolas Winding Refn

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Tras las miniseries Too Old to Die Young (20199 y Copenhagen Cowboy (2023), y diez años después de su última incursión en ámbito cinematográfico con The Neon Demon (2026), Nicolas Winding Refn tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Her Private Hell, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster promocional. Presente estos días en el Festival de Cannes, la película aún sin fecha en nuestro país, se estrenará comercialmente en los Estados Unidos el próximo 24 de julio.   

En Her Private Hell vemos como a través de una misteriosa niebla que envuelve una metrópolis futurista, una atormentada joven se lanza a la búsqueda de su padre. Su búsqueda se cruza con la de un soldado estadounidense inmerso en una angustiosa odisea para rescatar a su hija del infierno.

La película, con guion a cargo del propio Nicolas Winding Refn junto a Esti Giordani, esta protagonizada por Sophie Thatcher, Charles Melton, Havana Rose Liu, Kristine Froseth, Diego Calva, Shioli Kutsuna, Aoi Yamada, Hidetoshi Nishijima, Parker Sawyers, Lola Winding Refn, Boy Ewald y Jason Hendil-Forssell.

Proyecciones Xcèntric: Cine experimental: estructuras, sistemas y estrategias

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Hole (Nicky Hamlyn, 1992)

El artista y escritor Simon Payne presenta su nuevo libro, Experimental Cinema: Structures, Systems and Strategies, en una sesión especial que incluye la proyección de algunas de las películas tratadas, que exploran estructuras, sistemas y estrategias relacionadas con la interacción entre la luz y la oscuridad, la composición musical, la performance, la abstracción, la secuenciación de fotogramas y la animación. Como el libro, el programa representa un campo vivo y diverso que ha definido algunas de les preocupaciones centrales del cine y el video de artistas británicos desde finales de la década de 1960 hasta hoy. 

Este programa especial coincide con la publicación del nuevo libro de Simon Payne, Experimental Cinema: Structures, Systems and Strategies, editado por el British Film Institute y Bloomsbury, donde examina procesos creativos y formas estéticas que varios autores de cine y vídeo han desarrollado durante los últimos 60 años, en respuesta a los cambios en el medio cinematográfico y a sus avances tecnológicos, además de inspirarse en otras formas artísticas, como la pintura, la escultura y la música. Aunque figuras internacionales clave han formado parte de este panorama, la exploración formal más exhaustiva del cine se puede atribuir a una generación de autores que comenzó a hacer películas en Gran Bretaña en las décadas de 1960 y 1970. En su libro, Payne analiza el trabajo de autores influyentes como Peter Gidal, David Hall, Malcolm Le Grice, Annabel Nicolson, Jayne Parker y Guy Sherwin, tanto sus obras recientes y menos conocidas como películas canónicas, vídeos y cine expandido, pero también presta mucha atención a autores más jóvenes, como Jenny Baines, Neil Henderson, Jennifer Nightingale y Samantha Rebello.

Programa:

Candle, Neil Henderson, 2017, 16 mm, sin sonido, 4′

Neil Henderson ha realizado varias películas con velas, cualquiera de las cuales es perfecta para iniciar un programa. Estas películas introducen la esencia del cine como medio de imágenes en movimiento de base temporal. La imagen es, de hecho, una fotografía Polaroid y, por lo tanto, estática, pero bien podríamos verla parpadear. Aunque Henderson filmó la fotografía Polaroid mientras se revelaba, el proceso se ve a la inversa: la imagen está ahí desde el principio, pero se va desvaneciendo hasta dejar la pantalla en blanco.

Dark from Light, Nick Collins, 2019, 16 mm, sin sonido, 4′

Muchas de las películas de Nick Collins son una reflexión sobre la forma en que la luz y la oscuridad describen los objetos y espacios que filma, desde entornos domésticos y localizaciones urbanas hasta yacimientos arqueológicos y paisajes. Dark from Light implica un giro industrial-ecológico. Comienza con una secuencia de planos que vinculan la minería del carbón y la producción de electricidad. A medida que avanza, la película termina por trazar una relación cíclica. Mientras que el carbón se formó a partir de materia vegetal descompuesta que en su día absorbió la energía del sol, la película es también una materia que aprovecha la luz y la oscuridad.

Projection 1, Jayne Parker, 2000, 16 mm en digital, 6′

Projection 1 toma su título de una composición para violonchelo de Morton Feldman que Anton Lukoszevieze interpreta dos veces en la película. Sin embargo, la secuencia de planos es ligeramente diferente en cada ocasión. El objetivo de la música de Feldman era «no “componer”, sino proyectar sonidos en el tiempo». También describió sus composiciones como «lienzos temporales». Estas ideas evocan el cine, al igual que la partitura de Projection 1, que se compone de una serie de fotogramas como unidades de tiempo. La película de Parker amplifica estas conexiones, pero también cuestiona algunas de las diferencias entre el cine y la música.

Traction, Jenny Baines, 2023, 16 mm, sin sonido, 3′

Las películas de Jenny Baines consisten en su intento de completar una acción concreta ante la cámara dentro del margen de tiempo determinado por un rollo de 30,48 metros de película de 16 mm. Las acciones suelen adoptar la forma de un juego o un reto. En Traction Bainescoge el extremo de una cuerda en el juego de la soga. La sombra al otro lado de la pantalla es todo lo que vemos de su rival. A media película, cuando Baines ha cambiado de extremo, parece como si estuviera compitiendo contra sí misma. Este giro es típico de las películas de la autora, en las que se pone a prueba constantemente.

Digital Still Life, Malcolm Le Grice, 1984-1986, vídeo digital, 8′

Las primeras piezas de vídeo de Malcolm Le Grice (tras dejar atrás el cine) adoptaron de inmediato la imagen digital y la secuenciación. En Digital Still Life filma con una videocámara un manzano, un cuenco de fruta y el teclado de un piano y transforma el metraje en imágenes en blanco y negro o color altamente pixeladas. La disposición de estas imágenes también se modificó digitalmente, mediante decisiones de edición programadas. Lo mismo ocurre con el piano y las series tonales electrónicas, que apuntan a la estética de la música de vanguardia como un medio de composición temporal.

Knitting Films, Jennifer Nightingale, 2016-2025, 16 mm en digital, sin sonido, 6′

Esta selección de películas viene de un conjunto de obras que traduce patrones de punto regionales en partituras cinematográficas de preproducción. Las puntadas de cada patrón se convierten en fotogramas. Nightingale lleva sus partituras a los lugares —en Cornualles, las islas Feroe, Norfolk, Yorkshire y las islas Aran— que inspiraron los patrones de punto y apunta su cámara en diferentes direcciones que se corresponden con los dos o tres tipos de puntada que componen los patrones. El resultado son películas muy estructuradas que representan vívidamente pueblos costeros, puertos y paisajes marinos.

Noisy Licking, Dribbling and Spitting, Vicky Smith, 2014, 16 mm, 4′

La película de Vicky Smith se realizó con saliva, lamiendo y escupiendo sobre la tira de película. Empezó tiñéndose la lengua y presionándola contra la tira de película, dejando un espacio de cuarenta fotogramas entre la primera y la segunda impresión y reduciendo luego la distancia en un fotograma cada vez. La saliva y los escupitajos los introduce a medida que las huellas de la lengua comienzan a superponerse. A pesar de la naturaleza básica y corpórea de la película de Smith, el proceso de contar en fotogramas demuestra que también es una autora metódica.

not far at all, Peter Gidal, 2013, 16 mm, 14′

El cielo brumoso y la estela de vapor de not far at all remiten a una película muy anterior de Peter Gidal titulada Clouds (1969), una de las obras que se corresponde con lo que él definió más tarde como cine «estructural/materialista». El título de not far at all señala la rebeldía de la postura del cineasta, pero el contenido y la forma general de la película son difíciles de desentrañar. Puede que no sea «estructural» en absoluto, y en ese sentido la película pone a prueba diversas suposiciones que los espectadores puedan tener. Un rasgo destacado y enigmático de la película es el eclipse, un símbolo perfecto de la oscuridad.

The Object Which Thinks Us: Object 1, Samantha Rebello, 2007, 16 mm, 7′

La película de Samantha Rebello entrelaza líquidos, biología, partes del cuerpo, insectos y otros invertebrados. Son los primeros planos intensos y las yuxtaposiciones gráficas los que unen con fuerza estos elementos tan diversos. En conjunción con los motivos de la película, subyace la sensación de que el principal objeto de análisis es el propio cine. Las imágenes de Rebello remiten continuamente al objetivo de la cámara, a la mirada del espectador y al flujo de percepción que constituye el cine.

Hole, Nicky Hamlyn, 1992, 16 mm, sin sonido, 2′

El tema aparente de esta película es un agujero en una valla, pero también podría ser la pequeña depresión en el suelo que se llena de agua y refleja el hueco de la valla que hay sobre ella. Hole fue una de las primeras películas de Nicky Hamlyn que vi, y de inmediato me llamó la atención lo importante que puede ser, para un cineasta, fijarse en lo que pasa desapercibido. Reenmarcar continuamente un trozo de tierra abre una forma de pensar en la representación cinematográfica como algo inagotable.

Edges: Waves, Simon Payne, 2018, vídeo digital, 6′

Esta pieza forma parte de una serie de vídeos que he realizado para comprobar hasta qué punto los elementos en movimiento activo pueden relegarse a los bordes de la pantalla sin dejar de afectar al plano de la imagen en su conjunto. Los elementos aquí son ondas alternas que recorren los laterales de la pantalla (en estéreo), acumulándose y luego desplegándose. (La señal de vídeo en sí misma una cuestión de ondas.) En el proceso, toda la pantalla cobra vida.

Programa y textos de Simon Payne.

Las películas no tienen diálogo. La conversación posterior será en inglés.

Copias de Nick Collins, Jenny Baynes, Jennifer Nightingale, Peter Gidal y Samantha Rebello, cortesía de los cineastas. Copia de Jayne Parker procedente de LUX. Copias de Malcolm Le Grice, Vicky Smith y Nicky Hamlyn procedentes de Light Cone.

Participantes

Directores/as

Fecha y horario: 5 julio 2026 18:30 h

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Teaser tráiler para «Hope» de Na Hong-jin

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Presente estos días en la Sección Oficial del Festival de Cannes, acaba de ser presentado en sociedad un primer teaser tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster promocional, de la nueva película del sudcoreano Na Hong-jin titulada Hope. Film, que mezcla géneros como la ciencia ficción, acción o comedia, que se estrenará comercialmente en nuestro país a finales de año de la mano de Mubi.

La película nos sitúa en Hope Harbor, una aldea remota cerca de la Zona Desmilitarizada (DMZ) que separa las dos Coreas. Lugar donde los refuerzos se han desviado para combatir los incendios forestales y se han cortado todas las comunicaciones. El jefe del puesto policial de Hope, Bum-seok, y la agente Sung-ae luchan por defender un pueblo de extraños fenómenos, mientras que en las montañas, Sung-ki y los lugareños que se han lanzado a la búsqueda de una bestia. Lo que comienza como un acto de ignorancia siembra la semilla de un desastre, que se intensifica a través del conflicto humano hasta convertirse en una tragedia de proporciones cósmicas.

Hope, con guion a cargo del propio Na Hong-jin, esta protagonizada por Hwang Jung-min, Zo In-sung, Jung Ho-yeon, Taylor Russell, Cameron Britton, Michael Fassbender, Alicia Vikander y Eum Moon-Suk.

Leitmotiv y cartel de la próxima edición del Festival de Sitges

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En un acto en el Festival de Cannes, el certamen da el pistoletazo de salida de su 59ª edición, que pone en el centro el 50 aniversario de Carrie, de Brian De Palma, y ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador.

El Fantastic Pavilion del Marché du Film del Festival de Cannes ha acogido el pistoletazo de salida oficial de la 59ª edición de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

Ángel Sala, director artístico del Festival, y Mònica García i Massagué, directora de la Fundación Sitges, han presentado, ante medios de comunicación, profesionales del sector audiovisual y representantes institucionales, el cartel oficial de esta edición —uno de los momentos más esperados por los seguidores del Festival—, así como un adelanto del documental WomanInFan, dirigido por Mònica García i Massagué.

Carrie, la gran protagonista del cartel de la 59ª edición

El cartel nos presenta una figura femenina adolescente cubierta de tiras rojas con purpurina, que remite al baño de sangre que sufre la protagonista en el clímax de la película.

De esta manera, el Festival pone en el centro de la edición el 50 aniversario de la cinta paradigmática del terror adolescente, que durante la década de los años ochenta giró en torno a las prom nights, el bullying y los poderes psíquicos.

Películas como El tren del terror, de Roger Spottiswoode, o la saga Prom Night son ejemplos de cómo la película de Brian De Palma influyó en la representación de los rituales estudiantiles como espacios de tránsito hacia la edad adulta, donde el Mal y los elementos sobrenaturales se infiltran y alteran la apariencia de normalidad.

Las infancias malditas: la otra gran efeméride de la edición

Por otro lado, la edición contará también con un segundo leitmotiv, con una gran confluencia temática con el primero: el Mal vinculado a la infancia, esencial en la película de Narciso Ibáñez Serrador ¿Quién puede matar a un niño?

Del mismo modo que con Carrie, se pretende analizar y realizar un recorrido retrospectivo por las películas que, antes y después de la cinta de Serrador —hito del género en España y en el mundo—, representaron la infancia bajo la influencia del Mal.

El Exorcista, de William Friedkin; La semilla del diablo, de Roman Polanski; El resplandor, de Stanley Kubrick; y La mala semilla, de Mervyn LeRoy, son algunos de los ejemplos más representativos de este leitmotiv en la historia del cine de género.

Un año más de colaboración con CHINA parte de LLYC

Como no podía ser de otra manera, la creatividad surge de la colaboración con la agencia CHINA, que a principios de año se integró dentro de la marca LLYC.

Desde la agencia explican: “El terror es más terror cuando se opone a lo inocente, a lo puro, a lo frágil. Esta edición, todos los que amamos el cine volvemos al instituto Bates, al mismo lugar en el que hace 50 años nuestras pupilas se quedaron pegadas para siempre a una de las imágenes más terroríficas e icónicas de la historia del género. Imágenes que inspiran otras imágenes, miradas que desafían a otras miradas, sangre que se transforma en otro tipo de sangre, una con el brillo de la celebración y el glamour ingenuo de aquellas prom nights que llenaron nuestra adolescencia de una ilusión que se convierte en miedo, que se convierte en rabia, que se convierte en muerte y que, cinco décadas después, está más viva que nunca en Sitges gracias a la cámara delicada de Anne Roig, quien se ha atrevido a bucear en la mente infinita de Stephen King buscando su lado más bello y delicado. Felicidades, Carrie.”

Las mujeres en el cine de género: primer vistazo al documental WomanInFan

Tras la presentación del cartel, se mostró un avance del documental WomanInFan, dirigido por Mònica Garcia i Massagué y producido por el Festival de Sitges junto con la productora catalana Visual Suspects.

El proyecto reúne las experiencias de una veintena de directoras, actrices, investigadoras y programadoras de festivales, que retratan las dificultades que tradicionalmente han afrontado las mujeres dentro de la industria del cine fantástico de género. La producción realiza un recorrido generacional gracias a las intervenciones de cineastas consagradas como Mary Lambert, directora de Pet Sematary; la actriz Heather Langenkamp, protagonista de A Nightmare on Elm Street; o la mítica Helga Liné, una de las musas del Fantaterror, entre otras.

La película se estrenará fuera de competición en el marco de la 59ª edición del Festival.

John Huston: En la frontera de la vida

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A lo largo de casi cuarenta largometrajes de ficción John Huston (1906-1987) dio muestras suficientes de su capacidad de adaptación a todo tipo de propuestas genéricas (drama, comedia, musical, films de aventuras, etc.), la mayor parte de los cuales basados en material literario, ya sea en forma de novelas o relatos cortos. Lector voraz, asimismo John Huston extrajo de sus experiencias personales en multitud de escenarios naturales elementos dispuestos a quedar integradas a historias que rodó durante la era analógica, quedando al margen de la incipiente era digital al fallecer a finales de los años ochenta, a los setenta y un años de edad. JOHN HUSTON: En la frontera de la vida representa uno de los ensayos más completos publicados en lengua castellana sobre la obra de un cineasta que trabajó para otros directores en calidad de guionista, dialoguista (fundamentalmente durante su primera etapa profesional), actor y productor, mereciendo un par de años antes de su deceso el prestigioso David W. Griffith Award, una distinción que cabía sumar a los dos Oscar obtenidos por su cometido profesional en El tesoro de Sierra Madre (1947), al de Mejor Director y Mejor Guionista. Participada en el cuadro actoral por su padre Walter Huston y su íntimo amigo Humphrey Bogart, El tesoro de Sierra Madre contribuiría a fortalecer la figura de su principal responsable tras las cámaras, capaz de mantenerse en activo durante cinco décadas.

El autor

CHRISTIAN AGUILERA. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.

Autor: Christian Aguilera, Editorial: Kane ediciones, Páginas: 430

«Primate» review

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Tras regresar de la universidad, Lucy se reúne con su familia, incluido el chimpancé Ben. Pero el simio contrae la rabia durante una fiesta en la piscina y se vuelve muy agresivo. Lucy y sus amigos se atrincheran en la piscina e idean formas de sobrevivir a los ataques del feroz chimpancé.


Casi a modo de una liberación catártica, uno de los divertimentos más estimulantes vistos en la pasada edición del festival de Sitges vino de la mano de Primate, film que pone de manifiesto la necesidad de volver a articular planteamientos que incidan en un terror simplificado, centrado en la esencia del fantástico como concepto equidistante de agendas y discursivas de diversa índole.

Partiendo de la premisa del simio homicida, la cinta de Johannes Roberts apuesta por un componente más lúdico (amparado en el terror visceral y el humor negro) que el de sus referentes, Link (1986), Monkey Shines (1988) y, en especial, Cujo (1983), para situarse en un espacio y narrativa minimalistas donde los protagonistas sufren el acoso de su mascota. El terror prevalece sobre una trama que se desmorona cuanto más se piensa en ella; como virtud añadida e inusual hoy en día, cabe mencionar su querencia a la serie B gracias a una deliberada exageración de clichés a través de estándares alejados de la precariedad, dirección artística impecable y producción a cargo de Paramount Pictures.

Valoración 0/5: 3

Talking Heads, Nick Cave, Eva Cassidy y Emilíana Torrini entre los grandes nombres del Filmin Music Fest 2026

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Un año más, Filmin celebra su particular cita con la música y el cine: el martes 19 de mayo llega una nueva edición de Filmin Music Fest, el evento online de la plataforma (nacido en 2012) en el que los suscriptores podrán disfrutar de los mejores conciertos, documentales y películas atravesadas por la música en todas sus formas. Una programación ecléctica que mezcla grandes nombres, escenas underground, películas de culto y nuevas voces llegadas de todo el mundo.

Entre los títulos destacados de esta edición encontramos “Stop Making Sense”, la mítica película concierto de Jonathan Demme (“El silencio de los corderos”) sobre Talking Heads, restaurada en 4K y considerada una de las mejores películas concierto de todos los tiempos; “La extraordinaria Miss Flower”, un inclasificable viaje entre cartas de amor, música y memoria protagonizado por Emilíana Torrini junto a nombres como Nick Cave o Richard Ayoade; o “La esencia de Eva Cassidy”, retrato íntimo de una de las voces más conmovedoras y singulares del soul contemporáneo.

El festival también mira hacia escenas y sonidos alejados de los focos más habituales. “EA! Un mantra andaluz” se adentra en el universo libre y fronterizo del dúo gaditano EA!, mientras que “Generación Lagartija” nos transporta a un lugar surrealista e innovador a través de la banda granadina Lagartija Nick. Por su parte, “Una mano sola no aplaude” recupera la historia y la tradición del calypso en Trinidad y Tobago a través de figuras legendarias como Lord Kitchener o Calypso Rose. En una línea completamente distinta, “Omega Wants to Dance” propone una experiencia audiovisual sobre el baile como ritual colectivo, espacio político y forma de trascendencia. También habrá espacio para propuestas como “El sueño de las manzanas”, reconstrucción de una memoria musical truncada por la Guerra Civil y el exilio, o “Mallorca 83. Signos en la arena”, un acercamiento a la revolución artística balear que gestó artistas y músicos de la talla de Furnish Time, Zincpiritone o La Granja… También tendremos propuestas que nos sumergen en la escena musical catalana como “Admire: Road to Apolo”, retrato del proceso creativo de la artista catalanaADMIRE mientras prepara su primer gran concierto o “Garatge Club”, inmersión en la escena musical alternativa catalana a través de la historia de la mítica sala de conciertos de Poblenou.

Además, como cada año, el Filmin Music Fest combina títulos recientes con recuperaciones de culto. Ahí encaja perfectamente “Autos, porros y rocanrol”, heredera del espíritu de “This is Spinal Tap” que revive el caos del mítico festival mexicano de Avándaro de 1971; o “Sound of Noise”, delirante mezcla de thriller, comedia y experimentación sonora convertida ya en película de referencia para los amantes de la música electrónica. A su lado también podrá verse “Música para un apartamento y seis percusionistas”, el célebre cortometraje inspirado en John Cage que transformó utensilios domésticos en instrumentos musicales. Una nueva edición de Filmin Music Fest pensada para descubrir, redescubrir y dejarse llevar por el ritmo del cine.

TÍTULOS DEL FILMIN MUSIC FEST 2026:
“Stop Making Sense”, de Jonathan Demme
“La extraordinaria Miss Flower”, de Iain Forsyth y Jane Pollard
“La esencia de Eva Cassidy”, de Alex Fegan y Malcolm Willis
“EA! Un mantra andaluz”, de Henri Belin
“Una mano sola no aplaude”, de Kavery Kaul
“Omega Wants to Dance”, de Ramon Tort
“Autos, porros y rocanrol», de José Manuel Cravioto
“Sound of Noise”, de Johannes Stjärne Nilsson y Ola Simonsson
“Garatge Club”, de Albert París
“Admire: Road to Apolo”, de Lucas Borges
“Generación Lagartija”, de César Martínez Herrada
“El sueño de las manzanas”, de Álvaro Menéndez Granda
“Mallorca 83. Signos en la arena”, de Cesc Mulet y Juan Antonio Forés (Pinxo)
“Música para un apartamento y seis percusionistas”, de Johannes Stjärne Nilsson y Ola Simonsson

Un nuevo comienzo, primer tráiler para «Viva» de Aina Clotet

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Con motivo de su presencia en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut tras las cámaras de Aina Clotet titulado Viva. Tragicomedia contemporánea que explora el deseo de vivir y la complejidad de las relaciones afectivas que llegará a los cines de nuestro pais el próximo 19 de junio de la mano de Caramel Films.   

Viva habla de Nora, una mujer de cuarenta y pocos años que acaba de superar una enfermedad y que, tras esa experiencia, siente una urgencia radical por vivir intensamente. Acostumbrada a exigirse al máximo en todos los ámbitos de su vida, Nora se encuentra dividida entre el orden y la seguridad de su relación de toda la vida con Tom y la aparición inesperada de Max, un joven que despierta en ella una nueva pulsión de deseo y libertad.

Mientras intenta recomponer su vida personal y profesional, Nora se mueve en un contexto distópico marcado por una sequía extrema, el deterioro de la salud mental y los avances científicos que prometen alargar la vida humana.

La película, con guion a cargo de Valentina Viso, está protagonizada por la propia Aina Clotet, Naby Dakhli, Marc Soler, Loll Beltran, Zaira Pérez, Guillermo Toledo, Josh Zuckerman, Xavi Daura, Wiz Problema, Laura Conejero, Sau-Ching Wong, Candelaria Díaz y Noah Martínez.

 

El cine directo, los límites de la intimidad o la exploración de la memoria, propuestas para las cinco sedes de Documenta Madrid

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Cineteca Madrid concentra el eje de este festival, organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte, con las competiciones y el grueso de la programación contemporánea

Desde la Filmoteca Española, una retrospectiva revisita el cine militante estadounidense de los años 60 y 70 como herramienta de acción política

El recorrido por la obra de la chilena Marilú Mallet en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía conecta exilio, memoria y escritura personal

La Casa Encendida acoge la primera retrospectiva en España del británico Charlie Shackleton y un taller impartido por el autor

El cine del alemán Jan Soldat, que indaga en la trastienda de la moral contemporánea, protagonizará el Encuentro ECAM y podrá verse en Cineteca Madrid y Goethe Institut

El Festival Internacional de Cine Documenta Madrid, organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte, celebrará su 23ª edición del 26 al 31 de mayo en Cineteca Madrid y otras cuatro sedes de la ciudad: Filmoteca Española, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), La Casa Encendida y Goethe-Institut. Bajo la dirección artística de Luis E. Parés, el festival articula este año su programación en torno al concepto ‘Tomar el pulso’, una mirada al cine directo que reivindica su capacidad para registrar sin mediaciones la realidad contemporánea, captando sus tensiones, conflictos y transformaciones en tiempo real.

En este marco, las secciones paralelas se consolidan como uno de los ejes fundamentales del festival, proponiendo un recorrido por distintas formas de entender el cine como testimonio de su tiempo.

Imágenes en conflicto: Third World Newsreel y el cine como herramienta política

En colaboración con Filmoteca Española, Documenta Madrid presenta una retrospectiva dedicada al colectivo Third World Newsreel, una de las experiencias más radicales del cine militante surgido en Estados Unidos entre 1968 y 1972. Concebido como una práctica urgente y colectiva, este movimiento utilizó el cine como una herramienta para documentar luchas sociales ignoradas por los medios tradicionales.

El ciclo reúne en cuatro sesiones una selección de títulos clave como Columbia Revolt (1968), que podrá verse el 27 de mayo; The Woman’s Film (1971), el 28 de mayo; El Pueblo se levanta (1971) y Break and Enter (1971), ambas el 29 de mayo; junto a piezas cortas como Garbage (1968) o Chicago Convention Challenge (1968), que se proyectarán el 29 y 30 de mayo, respectivamente. A través de estas películas, el programa traza un recorrido por los movimientos estudiantiles, el feminismo, las luchas por la vivienda o el auge del Black Power, recuperando un cine que no solo documenta la historia, sino que interviene en ella.

Charlie Shackleton y la deconstrucción del documental

La Casa Encendida acoge la primera retrospectiva en España del cineasta británico Charlie Shackleton, una de las voces más singulares del cine de no ficción contemporáneo. Su obra se sitúa en un territorio híbrido entre el documental, el ensayo y la experimentación formal, cuestionando las convenciones narrativas y los mecanismos de construcción del relato audiovisual.

El programa incluye títulos como Beyond Clueless (2014), el 26 de mayo; The Afterlight (2021), el 27 de mayo, y Zodiac Killer Project (2025), el día 29. Además, se celebrará una una sesión de videoensayos el 28 de mayo con piezas como Copycat (2016), Fish Story (2018) o Camera Test (2024), y un taller con la presencia del autor, el 27 de mayo. A través de estas obras, Shackleton desmonta los códigos del true crime y del documental clásico, proponiendo una reflexión crítica sobre la relación entre imagen, espectador y verdad.

Memoria y exilio: las ‘cartas filmadas’ de Marilú Mallet 

El MNCARS muestra, en colaboración con Documenta Madrid, una retrospectiva dedicada a la cineasta chilena Marilú Mallet, figura clave de la primera generación de directoras del cine chileno. Su obra, marcada por el exilio tras el golpe de Estado de 1973, se articula como una exploración íntima de la memoria, la identidad y la distancia.

El ciclo reúne cuatro filmes fundamentales de una filmografía que combina lo autobiográfico con lo político: Andahuaylillas (1983) y El evangelio de Solentiname (1978), ambas el 29 de mayo; Diario inacabado (1982) y Doble retrato (2000), el 28 de mayo; y Geografía personal (2016), el 31 de mayo. A través de estas ‘cartas filmadas’, Mallet construye una mirada profundamente personal sobre la historia reciente, situando el cine como espacio de reconstrucción emocional y narrativa.

El ciclo se completará el 30 de mayo homenajeando a dos cineastas chilenas que también sufrieron el exilio: Valeria Sarmiento, con Huellas (2023), y Angelina Vázquez, con Dos años en Finlandia (1975).

Jan Soldat y los límites de la intimidad

El Encuentro ECAM, desarrollado entre Cineteca Madrid, Goethe-Institut y la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM), estará dedicado al cineasta alemán Jan Soldat, cuya obra se caracteriza por una exploración directa de la intimidad, los cuerpos y las dinámicas de poder. Su cine se adentra en territorios poco representados, construyendo un retrato complejo de la sociedad que indaga en la trastienda de la moral contemporánea.

El programa, elaborado por los alumnos de documental de la ECAM, se articula en cuatro sesiones retrospectivas. Dos tienen lugar en Cineteca Madrid los días 27 y 30 de mayo —‘Preparativos felices’ y ‘El fetiche y el poder’—, con títulos como Das Spielzimmer (2024) o Die Unfertige (2013). Y otras dos, en Goethe-Institut el 28 y 29 de mayo —‘Espacio personal’ y ‘El deseo de amar’—, con títulos como Open House (2025), Blind Date (2022) o Coming of Age (2016).  A ello se suma, el 28 de mayo, una clase magistral en la ECAM centrada en los procesos creativos y éticos de su cine.

Territorios ocultos: cine experimental esloveno y rescates cinematográficos

La programación paralela se completa con el ciclo ‘Una vanguardia recóndita. Cine experimental esloveno’ (29 y 31 de mayo), comisariado en colaboración con la Cinemateca de Eslovenia, que recupera obras poco conocidas de autores como Vinko Rozman, Karpo Godina o Vasko Pregelj, ofreciendo una mirada a una cinematografía marginal pero fundamental dentro del cine experimental europeo.

A este programa se suman sesiones especiales como ‘Las aventuras de un operador Lumière alrededor del mundo’, en la que el cineasta Javier Rebollo comentará en directo, el 26 de mayo, películas rodadas por Lumière Gabriel Veyre, pionero en filmar en distintos países a finales del siglo XIX. Asimismo, incluye la recuperación y presentación, el 31 de mayo, de materiales inéditos del operador y corresponsal José Luis de Pablos, en colaboración con el Archivo ECAM, que permite revisitar algunos de los grandes acontecimientos políticos y sociales del siglo XX desde una perspectiva cinematográfica.

Documenta Madrid 2026 

Documenta Madrid es el Festival Internacional de Cine del Ayuntamiento de Madrid y uno de los principales espacios de exhibición, pensamiento y creación en torno al cine de no ficción en España. En su 23ª edición, el festival reafirma su compromiso con el cine como herramienta para observar el presente, impulsando el cine de autor, la experimentación formal y el diálogo con la historia del séptimo arte. Organizado por Cineteca Madrid, el festival mantiene sus tres secciones competitivas —internacional, nacional y corte final— y una programación paralela que se despliega en distintas sedes de la ciudad, como Filmoteca Española, En nuestra propia tierra, La Casa Encendida y Goethe-Institut, consolidando su papel como punto de encuentro para cineastas, profesionales y público. /

Primer tráiler para «Les roches rouges», lo nuevo de Bruno Dumont

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Con motivo de su próximo estreno dentro de la Quincena de cineastas del Festival de Cannes, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler subtitulado al inglés, que podéis ver a final de página junto su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador francés Bruno Dumont titulado Les roches rouges. Película con un enfoque cercano al documental sobre el devenir de tres niños por la Costa Azul.

Les roches rouges nos sitúa en la Riviera francesa, allí dos bandas de niños compiten en el peligroso juego del salto de acantilados. Géo, de apenas cinco años, descubre a lo largo de un verano un mundo en el que la amistad se mezcla con la rivalidad, y en el que los primeros impulsos del corazón surgen frente al deslumbrante paisaje mediterráneo.

La película, con guion a cargo del propio Bruno Dumont, está protagonizada por Kaylon Lancel, Kelsie Verdeilles, Louise Podolski, Mohamed Coly, Alessandro Piquera y Meryl Pires.

Video Mercury Films y FlixOlé presentan en Cannes Classics una versión restaurada en 4K de Cría cuervos, de Carlos Saura

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La obra clave del cine español, Premio Especial del Jurado en Cannes en 1976, regresa restaurada al Festival en su 50º aniversario

La icónica canción ‘Porque te vas’, interpretada por Jeanette, volverá a sonar en el Festival de Cannes tres años después de acompañar el homenaje al cineasta Carlos Saura en la gala de apertura del certamen, celebrada pocos meses después del fallecimiento del cineasta. En esta ocasión lo hará con motivo de la proyección de la versión restaurada en 4K de Cría cuervos (1976), impulsada por Video Mercury Films en colaboración con FlixOlé, que se presentará en el festival francés como uno de los grandes títulos recuperados del cine europeo. 

La película formará parte de Cinéma de la Plage, dentro de Cannes Classics, sección dedicada a la recuperación y puesta en valor del patrimonio cinematográfico. Su inclusión coincide con el 50 aniversario del estreno del filme y refuerza el reconocimiento internacional de una obra considerada unánimemente como uno de los hitos del cine español. No en vano, Cría cuervos obtuvo el Premio Especial del Jurado en Cannes en 1976 —ex aequo con La marquesa de O, de Éric Rohmer— y logró, además, nominaciones a Mejor Película Extranjera tanto en los Globos de Oro como en los Premios César. 

En el marco de sus labores de conservación y difusión del patrimonio audiovisual español, Video Mercury Films y FlixOlé estarán de nuevo en La Croisette con una versión remasterizada de imagen y sonido del negativo original de 35mm, logrando como resultado la inédita versión de la cinta que se estrenará en clave mundial en Cannes. Por su sección dedicada a la historia del cine han pasado también otros títulos españoles como Tasio(Montxo Armendáriz, 1984), El camino (Ana Mariscal, 1963) y Carmen(Carlos Saura, 1983); esta última, también presentada anteriormente por distribuidora y plataforma en el encuentro internacional. 

En la première de Cría cuervos participará la cantante Jeanette, quien puso voz al tema musical compuesto por José Luis Perales, ‘Porque te vas’, popularizado mundialmente en la película de Carlos Saura. La acompañarán en el acto los hijos del director, Anna y Antonio Saura.

  

Símbolo de una España en Transición

Rodada en el verano de 1975, Cría cuervos se erige como testimonio de su tiempo. La película capta el clima de descomposición de los últimos meses del franquismo a través de una historia íntima que funciona como metáfora de un país en crisis. Producida por Elías Querejeta, con fotografía de Teo Escamilla y montaje de Pablo G. Amo, la cinta cierra la etapa de Saura donde la memoria silenciada y las secuelas de la Guerra Civil pululan crípticamente en sus largometrajes.

El filme narra la historia de Ana (Ana Torrent), una niña marcada por la muerte de su padre (Héctor Alterio), y por el recuerdo de su madre fallecida (Geraldine Chaplin). En ese entorno, dominado por el silencio, la ausencia y la contención emocional, la protagonista construye su propio mundo adulto, desdibujando los límites entre realidad e imaginación. Tanto es así que la pequeña cree tener el poder para decidir sobre la vida y la muerte.

Feroz y sutil a partes iguales, Cría cuervos articula una crítica a los estamentos represivos del franquismo a través de varias capas simbólicas. La herencia de la violencia entre generaciones —que da sentido al propio título, tomado del refranero español— se manifiesta tanto en el legado material del padre como en los impulsos de la niña. La figura paterna, militar autoritario, encarna el inmovilismo del régimen, mientras que su velatorio evoca el funeral de Estado que meses después marcaría el final de una era. A ello se suma el retrato de la hipocresía en el seno matrimonial, donde las mujeres ven relegadas sus aspiraciones en favor de un modelo social asfixiante.

Sobre el personaje de Ana Torrent recae, precisamente, la tensión entre ese mundo opresivo y la posibilidad de cambio. Su mirada —a la vez inocente y perturbadora— introduce una grieta en ese universo cerrado, anticipando la llegada de la Transición española.

Legado que ‘no se va’

A la velada crítica se suma el cuidado lenguaje cinematográfico del que se valió Saura para construir un relato mediante flashbacks y saltos temporales que conectan distintas etapas de la vida de la protagonista, con Geraldine Chaplin ejerciendo también de Ana en su versión adulta.  Por su parte, la cámara recorre los espacios domésticos con sobriedad, mientras que el uso de la luz refuerza el contraste entre personajes —con tonos más oscuros asociados a la figura paterna—. Todo ello se completa con la presencia del tema ‘Porque te vas’ en la banda sonora, convertida en un símbolo de evasión y melancolía.

La película no estuvo exenta de roces con el ala conservadora y militar del régimen. Sin embargo, los cambios políticos y sociales que atravesaban a un país cuyo discurso se abría al aperturismo favorecieron que el largometraje lograse sortear una censura todavía muy presente. 

A medio siglo de su estreno, Cría cuervos mantiene intacta su capacidad de evocación y análisis. Su éxito en taquilla —con más de 1,2 millones de espectadores— y su repercusión internacional la consolidaron como una de las obras más influyentes del cine español contemporáneo. Su regreso a Cannes en versión restaurada en 4K permite redescubrirla en condiciones óptimas y reivindicar su vigencia como retrato de una sociedad en transformación, así como su lugar esencial en la historia del cine europeo.

Remake o el eterno retorno de las estructuras narrativas en el cine contemporáneo

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Los remakes son algo más que reinterpretaciones de historias conocidas: son el punto de encuentro entre el pasado y las sensibilidades del presente. Este libro analiza cómo el cine y las plataformas audiovisuales transforman narrativas ya vividas en experiencias renovadas que capturan la atención de generaciones distintas. Lejos de ser una mera repetición, el remake se revela como un fenómeno complejo. Desde los héroes que regresan con nuevas capas de significado hasta la reinvención de los clásicos del cine europeo en Hollywood, esta obra recorre las múltiples formas en que este formato reinventa lo familiar para adaptarlo a nuevas audiencias. Con contribuciones de más de quince autores de disciplinas como la filosofía, la sociología, el marketing y la narratología, el libro explora cuestiones fundamentales: ¿Qué impulsa el éxito de los remakes? ¿Qué papel juegan la nostalgia, las tendencias culturales y la tecnología en estas creaciones? El prólogo de Quim Casas y los estudios sobre temas como el impacto del cine en el videojuego, el true crime o las adaptaciones del anime ofrecen una visión detallada y multidimensional. Cada capítulo invita a reflexionar sobre el papel del cine como un espacio donde la memoria colectiva y la innovación se encuentran y dialogan. Un recorrido indispensable para quienes aman el cine y desean comprender cómo las historias evolucionan sin dejar de ser parte de nosotros.

Autor: Jesús López-González, Sergio Rodríguez López-Ros y Alfonso Freire-Sánchez; Editorial: Sílex Ediciones; Páginas: 274

Primer tráiler para «Tony» de Matt Johnson

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Responsable de títulos independientes tan sugerentes como The Dirties (2013) o el falso documental Operation Avalanche (2016), Matt Johnson vuelve a ponerse detrás de las cámaras con el biopic Tony. Film, cuyo primer tráiler de la mano de A24 acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, que tiene previsto su estreno comercial en los cines de Estados Unidos para el próximo mes de agosto.

Tony explora la figura del célebre chef Anthony Bourdain. Centrada en un único verano en los primeros años de Bourdain en la cocina, la película explora la ambición y la volatilidad que le moldearon mucho antes de la fama.

La película, con guion a cargo de Todd Bartels y Lou Howe, está protagonizada por Dominic Sessa, Emilia Jones, Dagmara Dominczyk, Rich Sommers, Stavros Halkias, Leo Woodall y Antonio Banderas.

La 71ª Seminci dedicará su retrospectiva al poder narrativo del sonido

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‘Memoria’, de Apichatpong Weerasethakul

·  La retrospectiva de la 71 edición de Seminci propone un recorrido histórico por películas en las que el sonido se convierte en un elemento decisivo del relato, desde M (M, Fritz Lang, 1931) hasta La zona de interés (Jonathan Glazer, 2023).  

·  El ciclo se completa con el programa de diálogos Pensar (y escuchar) el cine, dedicado este año al sonido, y una publicación monográfica en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine.

La Semana Internacional de Cine de Valladolid – Seminci sitúa el sonido en el centro de su 71ª edición con Una historia del sonido (en el cine), que propone una reflexión amplia sobre el cine desde aquello que durante décadas quedó en segundo plano: lo que se escucha.

Lejos de plantearse como un complemento técnico, la retrospectiva aborda el cine desde el papel decisivo del sonido en el relato, situando el foco en películas en las que lo que escuchamos construye sentido, guía la percepción y redefine la relación del espectador con la imagen.

La retrospectiva se articula en torno a varios ejes: el ciclo de películas, el programa de charlas Pensar (y escuchar) el cine, y una publicación monográfica en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine.

Aunque el cine nació mudo, la llegada del sonido supuso una transformación decisiva, mientras su potencial como herramienta clave del lenguaje fílmico se desarrollaba de forma progresiva. Durante mucho tiempo, su función fue subordinada a la imagen. Sin embargo, a lo largo de las décadas, el sonido ha ido ganando autonomía hasta convertirse, en numerosas propuestas contemporáneas, en el verdadero motor de la experiencia cinematográfica.

En los últimos años, cineastas como Apichatpong Weerasethakul, Lucrecia Martel, Jonathan Glazer u Oliver Laxe han radicalizado esta tendencia, concibiendo el sonido como materia prima de la creación fílmica y generando experiencias inmersivas de gran intensidad sensorial y emocional. En este contexto, Una historia del sonido (en el cine) se plantea como un espacio de reflexión sobre cómo las ondas, frecuencias y silencios han permitido no solo expandir las posibilidades estéticas del cine, sino también abordar cuestiones políticas, históricas e íntimas.

‘Enthusiasm: Symphony of the Donbas’, de Dziga Vertov

Un recorrido histórico: del descubrimiento del sonido a su centralidad contemporánea

El ciclo se empezó a perfilar el pasado noviembre con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del certamen y ha seguido su desarrollo como parte de la programación de la 71ª edición. La retrospectiva traza ese recorrido a través de una selección de títulos organizada en dos grandes bloques: un primer tramo que recorre el siglo XX, desde los inicios del cine sonoro hasta finales de los años noventa, y un segundo que se adentra en el siglo XXI, donde el sonido ha adquirido una presencia decisiva en las formas de creación actuales.

El itinerario arranca con M (Fritz Lang, 1931), una de las primeras películas en explorar el potencial expresivo del sonido como elemento narrativo, con el célebre silbido del asesino como marca sonora y dispositivo de tensión. A partir de ahí, el ciclo recorre cómo lo auditivo adquiere una dimensión política en obras como Enthusiasm: Symphony of the Donbas (Dziga Vertov, 1931) o Listen to Britain (Humphrey Jennings y Stewart McAllister, 1942), donde el montaje de sonidos se pone al servicio de una construcción ideológica.

El recorrido del siglo XX atraviesa distintas formas de experimentación sonora: desde la precisión casi coreográfica de los paisajes acústicos urbanos en Playtime (Jacques Tati, 1967), donde los sonidos cotidianos construyen una sátira de la modernidad, hasta la depuración extrema de Lancelot du Lac (Robert Bresson, 1974), donde la repetición de sonidos —armaduras, pasos, choques— construye una cadencia austera que sustituye al énfasis dramático.

La escucha se convierte en eje del relato de La conversación (Francis Ford Coppola, 1974), mientras que en El grito (Jerzy Skolimowski, 1978) el sonido adquiere una dimensión física e inquietante, y en Blow Out (Brian De Palma, 1981) la manipulación del audio pasa a ser directamente materia narrativa.

‘La conversación’, de Francis Ford Coppola

La evolución de lo sonoro del siglo XX al XXI

El segundo bloque, centrado en el siglo XXI, reúne obras en las que el sonido no solo acompaña, sino que estructura la experiencia. En The Tribe (Myroslav Slaboshpytskiy, 2014), protagonizada por personajes sordos, la ausencia de lenguaje verbal convencional convierte lo sonoro —junto a su ausencia— en un elemento clave de expresión y percepción.

Las obras de Lawrence Abu Hamdan, como The Diary of a Sky (2024), sitúan el sonido como herramienta de investigación política y jurídica, capaz de operar como prueba, testimonio y construcción de memoria en contextos de conflicto. En Atlantics (Mati Diop, 2019), el paisaje sonoro del mar articula una dimensión emocional y existencial, abriendo un tránsito entre lo visible y lo invisible.

En Memoria (Apichatpong Weerasethakul, 2021), el sonido aparece como una huella persistente, cercana al recuerdo o a una presencia que la protagonista intenta descifrar, activando una experiencia íntima y sensorial. En La zona de interés (Jonathan Glazer, 2023), el fuera de campo sonoro desplaza el horror hacia lo que no se muestra y convierte la escucha en el principal espacio de representación. En Preemptive Listening (Aura Satz, 2024), las sirenas se reformulan como un dispositivo sonoro y político que revela su capacidad para moldear la percepción colectiva y operar como herramienta de alerta y control.

La lista completa de los títulos que componen la retrospectiva se anunciará en los próximos meses. 

‘La zona de interés’, de Jonathan Glazer

«Feels Like Home» review

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Una mujer es secuestrada por una delirante familia que está convencida de que es su hija desaparecida. Para sobrevivir, deberá seguirles el juego haciéndose pasar por otra persona mientras intenta encontrar desesperadamente una salida a esta pesadilla.

Otra interesante y sombría propuesta vista en el pasado festival de Sitges dentro de la sección Noves Visions fue la cinta húngara Feels Like Home, estimulante reflexión sobre la impostura familiar que pervierte el concepto visto en Familia (Fernando León de Aranoa, 1996), donde una solitaria mujer es secuestrada por una familia que jura que es su hija desaparecida. Para sobrevivir deberá aceptar forzosamente ese nuevo rol.

Thriller psicológico que se construye como alegoría sobre las apariencias, que pese a una fuerte carga alegórica que indaga en dinámicas de poder y sumisión, con el trasfondo de la defensa de valores nacionalistas, el cineasta Gábor Holtai gestiona con aplomo coordenadas genéricas aplicadas a un claustrofóbico espacio escénico, evocando desde la distancia narrativas próximas al enclaustramiento como lugar propicio para la pesadilla, visto, por ejemplo, en películas como The Collector (William Wyler, 1965) o Misery (Rob Reiner, 1990).

Valoración 0/5: 2’5

Cineteca Madrid dedica la programación de mayo al cine documental y las formas de lo real

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·  Una retrospectiva recorre más de seis décadas de la obra de Frederick Wiseman, figura clave del cine documental contemporáneo

·  ‘Memorias de la revolución siria’ propone una aproximación a uno de los conflictos más complejos del siglo XXI a través de dos documentales recientes

·  ‘Imágenes contra el olvido’ rinde homenaje a la cineasta Concha Barquero mediante un programa centrado en archivo y memoria

·  ‘Yo canto a la diferencia’ reúne obras de cineastas latinoamericanas que abordan identidad, territorio y resistencia

·  La programación incluye ciclos sobre cine directo, historia reciente de España y comunidad

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte ubicado en Matadero Madrid, dedica la programación de mayo al cine documental y a las formas de lo real, en diálogo con la celebración de la 23ª edición de Documenta Madrid. Los ciclos que conforman la cartelera de este mes comparten una preocupación común por las imágenes como herramientas para comprender el presente, revisar el pasado y observar el funcionamiento de las sociedades contemporáneas.

Gran parte de las proyecciones del mes de mayo se sitúan en el territorio del documental, entendido no solo como un registro de la realidad, sino como una forma de pensamiento capaz de interrogar el mundo desde perspectivas múltiples. Desde el retrato institucional hasta el archivo histórico, pasando por la memoria política o las nuevas formas de comunidad, la programación propone una mirada amplia sobre las distintas maneras de filmar lo real.

Retrospectiva de Frederick Wiseman

A lo largo de más de seis décadas, Frederick Wiseman (1930-2026) filmó con una atención paciente y minuciosa el funcionamiento de las instituciones que organizan la vida colectiva de las democracias occidentales: hospitales, escuelas, prisiones, administraciones públicas o espacios culturales.

Lejos de cualquier voluntad explicativa o didáctica, desarrolló un método basado en la observación directa, el montaje y la duración, donde las imágenes se convierten en el principal instrumento de conocimiento. En ese gesto, su cine se sitúa en un territorio singular, a medio camino entre el documental, el ensayo y una forma de pensamiento en imágenes.

El recorrido propuesto por Cineteca Madrid permite atravesar distintas etapas de su filmografía, desde Titicut Follies (5 de mayo), su primer y controvertido largometraje, hasta El gran menú (Menus-Plaisirs – Les Troisgros) (17 de mayo), donde su mirada se detiene en el trabajo preciso de un restaurante. Entre ambos extremos, títulos como Welfare (7 de mayo), High School (8 de mayo), Central Park (9 de mayo), At Berkeley (10 de mayo), Ballet (14 de mayo), The Store (15 de mayo), o City Hall (16 de mayo), componen un amplio retrato de la vida contemporánea y del modo en que las instituciones modelan la experiencia colectiva.

‘Memorias de la revolución siria’

Este programa de dos sesiones se acerca a uno de los procesos históricos más complejos y devastadores del siglo XXI, la revolución siria, a través de dos obras clave del cine documental reciente. Las películas seleccionadas abordan las huellas de la guerra en la vida cotidiana y la persistencia del trauma desde perspectivas íntimas y fragmentarias, alejadas de los relatos mediáticos simplificados.

Las proyecciones de 5 Seasons of Revolution (2023) y My Memory Is Full of Ghosts (2024), los días 5 y 6 de mayo respectivamente, estarán acompañadas por presentaciones de Justine Pignato, investigadora especializada en cine documental sirio contemporáneo, que ofrecerá claves para situar estas obras y abrir un espacio de reflexión compartida en torno a las imágenes de la revolución y sus resonancias en otros conflictos del presente.

‘Imágenes contra el olvido’: el cine de Concha Barquero y Alejandro Alvarado

El cine de Concha Barquero y Alejandro Alvarado se inscribe en una tradición del documental que entiende el archivo como un territorio en disputa. Sus películas trabajan con materiales encontrados, voces y fragmentos que se reorganizan para cuestionar los relatos oficiales y reactivar memorias silenciadas.

Este ciclo, concebido en memoria de Concha Barquero (1975-2025), reúne algunos de sus trabajos más significativos, entre ellos Pepe el andaluz (12 de mayo) y Caja de resistencia (13 de mayo), que exploran la relación entre investigación histórica y creación cinematográfica. A través de estos dispositivos fílmicos, el espectador es invitado a ocupar un lugar activo en la reconstrucción del pasado y a reflexionar sobre el papel de las imágenes en la construcción de la memoria colectiva.

‘Yo canto a la diferencia’: cineastas de América Latina

Tomando prestado el célebre verso de Violeta Parra, este ciclo reúne tres sesiones dedicadas a cineastas latinoamericanas, con el objetivo de trazar un arco entre distintas generaciones y contextos históricos. Lejos de cualquier lectura lineal, las películas convocadas ponen en relación formas distintas de abordar la identidad, el territorio y la resistencia.

Desde prácticas documentales y experimentales desarrolladas en contextos muchas veces precarios o periféricos, estas obras construyen lenguajes propios para pensar lo común y lo político. El programa propone un diálogo entre pasado y presente a través de la película de los años 80 Bordando la frontera (22 de mayo), de Ángeles Necoechea; la cinta Hoy partido a las tres (23 de mayo), de la joven cineasta contemporánea Clarisa Navas; y una sesión de cortometrajes recientes que se proyectarán el 24 de mayo. Las sesiones estarán acompañadas por una conferencia de la comisaria Karina Solórzano, investigadora y programadora especializada en cine mexicano y latinoamericano.

Pioneros del cine directo

A comienzos de los años 70, un grupo de cineastas estadounidenses transformó el documental a partir de una serie de innovaciones técnicas y un deseo de cambiar la manera de filmar el mundo. La aparición de cámaras ligeras y sonido sincronizado permitió registrar los acontecimientos desde el interior de la acción y prescindir del narrador tradicional.

Este ciclo reúne, el 19 y 20 de mayo respectivamente, dos películas de Jane Weiner (A Camera That Goes Anywhere y Ricky on Leacock) que reconstruyen esa transformación histórica y sus consecuencias en el lenguaje cinematográfico, permitiendo comprender el origen de una forma de filmar que sigue influyendo en el cine contemporáneo.

Reflexiones en torno a la Transición

Este programa propone una mirada sobre la historia reciente de España a través de un conjunto de películas que reflexionan sobre la memoria política, los procesos colectivos y los imaginarios sociales. Desde los años de la Transición hasta las crisis contemporáneas, las obras seleccionadas exploran las tensiones entre ciudadanía, participación y transformación social.

Los días 2 y 3 de mayo, Cineteca Madrid proyectará el díptico Informe general, de Pere Portabella. Rodado en el umbral de la Transición (1976) y retomado más de 30 años después en un contexto de crisis económica y desafección institucional (2015), Informe general ensaya una forma abierta de cine a través de conversaciones, encuentros y materiales heterogéneos.

El 2 de mayo estará en cartel El futuro (2013), de Luis López Carrasco, que reconstruye una fiesta juvenil en la noche de la victoria socialista de 1982. El archivo imaginado se convierte en una herramienta crítica para pensar los imaginarios de una época.

Por último, el 3 de mayo, VidaExtra (2013), de Ramiro Ledo, trasladará la reflexión de la crisis y las movilizaciones del 15M al presente. A medio camino entre el ensayo y la ficción, la película explora las tensiones entre vida cotidiana y acción política, entre precariedad y deseo de transformación.

Festival Documenta Madrid

La 23ª edición de Documenta Madrid se celebra del 26 al 31 de mayo bajo la filosofía de ‘Tomar el pulso’, una invitación a volver a observar el entorno y comprender los procesos sociales que atraviesan la vida contemporánea. Inspirado en el gesto de cineastas como Pier Paolo Pasolini, que filmó las calles de Roma para comprender su tiempo, el festival propone recuperar miradas diversas capaces de interpretar la realidad desde distintos contextos.

Documenta Madrid también mira hacia el desconocido cine experimental esloveno, que quiso mostrar su resistencia al régimen desde los márgenes de una práctica artística. El festival repasará también la obra inédita del corresponsal de televisión José Luis de Pablos, quien quiso dejar testimonio de todo lo que veía y no entraba en el informativo. Por este motivo, Documenta Madrid ha querido que Juan Cavestany, uno de los cineastas que mejor ha entendido la ciudad de Madrid, retrate el espacio de Matadero Madrid y Cineteca Madrid, mostrando toda la vida que bulle en su entorno. Y, sobre todo, esta edición pretende mostrar que hacer un festival también significa apostar por la diversidad de miradas, de orígenes, de procedencias y de sensibilidades.

La carretera maldita, tráiler para «Passenger» de André Øvredal

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Habitual en el género fantástico con trabajos como Troll Hunter (2010), The Autopsy of Jane Doe (2016) o la reciente The Last Voyage of the Demeter (2023), el realizador noruego André Øvredal vuelve a adentrarse en el terror con Passenger, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a un póster promocional. La película llegará a las salas comerciales de nuestro país el próximo 22 de mayo con el título El Pasajero Nocturno.   

En Passenger vemos como después de presenciar un brutal accidente nocturno en la carretera, una joven pareja comprende que tras dicho acontecimiento algo los ha seguido. Una presencia demoníaca, conocida como El Pasajero Nocturno, se ha unido a ellos y no se detendrá hasta reclamarlos a ambos, convirtiendo su viaje en una auténtica pesadilla.

La película, con guion a cargo de T.W. Burgess y Zachary Donohue, está protagonizada por Jacob Scipio, Lou Llobell, Melissa Leo, Bonni Dichone, Jessica Cruz, Devielle Johnson, Tony Doupe, Michele Peters y Brett Bedrosian.