Mes: marzo 2018
Los zombies australianos de Netflix, tráiler de «Cargo»
La ingente aglomeración de películas que abordan desde diferentes puntos de vista la temática zombie hace difícil a día de hoy encontrar propuestas que sean mínimamente originales, Cargo inspirada en un cortometraje australiano del mismo título que dirigieron en 2013 Ben Howling y Yolanda Ramke entra de lleno en esa corriente desde una perspectiva que colinda con lo social del subgénero, un ejemplo de ello podemos encontrarlo entre otros muchos en la notable Maggie de Henry Hobson o reciente The Cured de David Freyne. Cargo, cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, aún sin fecha de salida será distribuida mundialmente a través de Netflix.
En Cargo vemos como después de una gran pandemia zombie, Andy y Kay se han escondido en una casa flotante con su hija de un año, Rosie. Su existencia protegida por el río se hace añicos por un ataque violento en la que Kay muere trágicamente y Andy queda infectado. Con tan solo un corto espacio de tiempo antes de que se convierta en una de las criaturas con las que tanto tiempo han luchado, Andy se embarca en un viaje para poder encontrar a alguien que se haga cargo de su hija. Una tribu aborigen es la mejor oportunidad de supervivencia para la niña, pero su actitud hacia los desconocidos representa un grave problema. Una joven indígena se convierte en la única oportunidad de Andy para intentar contactar con dicha comunidad. Pero, desafortunadamente la joven no desea volver a su pueblo, ella intenta busca una curar espiritual para su propio padre infectado.
La película producida por Kristina Ceyton y Samantha Jennings (The Babadook) y con guion de la propia Yolanda Ramke está protagonizada por Martin Freeman, Anthony Hayes, Caren Pistorius, Susie Porter, Kris McQuade, Natasha Wanganeen, Bruce R. Carter, Simone Landers, David Gulpilil, Joesiah Amos, Ella Barter, Ikee Blackman, Latrelle Coulthard, Karum Fisher y Shannon Mckenzie.
«Mary Shelley» se presentará oficialmente en España en el Bcn Film Fest
La película Mary Shelley, dirigida por la saudita Haifaa Al-Mansour (La bicicleta verde), se presentará en España en el marco del BCN FILM FEST, el Festival Internacional de Cine de Barcelona Sant Jordi, que se celebra entre los días 20 y 27 de abril en la capital catalana.
La película, que participará dentro de la sección oficial a competición, es un biopic de la autora de la novela Frankenstein que narra la relación entre el poeta Percy Shelley y la joven de 18 años, Mary Wollstonecraft Godwin, que dio como resultado la escritura de la famosa novela.
Mary Shelley está protagonizada por Elle Fanning (Somewhere, Super 8, La seducción), Douglas Booth (Orgullo + Prejucio+ Zombies; Noé) y Bel Powley (The diary of a teenage girl, Detour, Carrie Pilby). Completan el reparto Ben Hardy (Héroes en el infierno), Maisie Williams (serie Juego de Tronos) y Stephen Dillane (serie Juego de Tronos), entre otros.
Mary Shelley se estrenará en cines de nuestro país el próximo 13 de julio de la mano de Filmax.
Eli Roth en modo familiar, tráiler de «The House With a Clock in its Walls»
Tras su participación en la accidentada nueva versión de Death Wish Eli Roth da un golpe de timón con respecto al terror explicito con que nos tenía acostumbrados hasta ahora con títulos como Cabin Fever, la saga Hostel o su visión del mondo con la polémica The Green Inferno, con The House With a Clock in its Walls, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, se adentra por primera vez en el cine familiar de clara connotación mainstream con esta producción de Amblin Entertainment basada en la novela infantil del mismo nombre escrita en el año de 1973 por John Bellairs con ilustraciones a cargo de por Edward Gorey. La película se estrenará comercialmente en cines de nuestro país el próximo 21 de septiembre.
The House With a Clock in its Walls nos cuenta la mágica y escalofriante historia de Lewis, un niño de 10 años quien tras quedar huérfano se muda a la vieja casa de su tío, la cual tiene un misterioso reloj de tic-tac. Pronto, la aburrida y tranquila vida del joven en su nuevo pueblo se verá interrumpida cuando accidentalmente despierta a magos y brujas provinientes de un mundo que hasta ese momento había permanecido oculto.
La película con guion adaptado a cargo de Eric Kripke y música compuesta por Nathan Barr está protagonizada por Owen Vaccaro, Jack Black, Cate Blanchett, Kyle MacLachlan, Colleen Camp, Renée Elise Goldsberry, Sunny Suljic, Ricky Muse, Braxton Bjerken, Perla Middleton, Charles Green, Demetri Landell, Alli Beckman, Van Marten, Chris Adams y Aaron Beelner.
Leitmotiv TerrorMolins 2018: De Palma vs De Palma
Tras anunciar las fechas de la 37ª edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei que celebrara del 9 al 18 de noviembre de 2018, hoy es el turno de presentar el leitmotiv del Festival que lleva por título De Palma vs De Palma.
La generación del New Hollywood irrumpió con energía durante la década de los setenta. La coincidencia de una cantera extraordinaria de cineastas locos por el cine con el que habían crecido y se habían formado, permitió que los gloriosos años setenta, aún hoy, se mantengan como una de las mejores décadas de la historia del cine norte americano. Entre los nombres sagrados de aquel movimiento fundamental, aparece en mayúsculas el de BRIAN DE PALMA.
A sus 77 años, De Palma sigue siendo uno de los directores norteamericanos que más expectación generan en todo el mundo, como lo demuestra el hecho que su última película, Domino, sea una de las más esperadas del año. De Palma es sinónimo de respeto, cinefilia, pasión, virtuosismo, saber hacer… Aparte del estreno de esta última película, este año se celebra el 40º aniversario de The fury (La furia, 1978), una de las joyas del terror que nos ha regalado a lo largo de su prominente filmografía concebida durante casi seis décadas.
De Palma es conocido por el gran público gracias a títulos universales como Scarface (El precio del poder, 1983), The Untouchables (Los Intocables de Eliot Ness, 1987) o Mission: Impossible (Misión Imposible, 1996) y por haber dirigido a las principales estrellas del momento: Robert De Niro, Al Pacino, Nancy Allen, Michael Caine, Angie Dickinson, Sissy Spacek, Kirk Douglas, John Cassavetes, Amy Irving, John Travolta, Melanie Griffith, Tom Cruise, Nicolas Cage, Bruce Willis, Tom Hanks y un largo etcétera. Pero más allá de todo esto, la obra fascinante “depalmaniana” incluye otras joyas del género de terror como Sisters (Hermanas, 1972), Carrie (1976) o Raising Cain (En nombre de Caín, 1992). Y, por supuesto, la constante aproximación hitchcockiana que sólo puede llevar la firma de De Palma o, lo que es lo mismo, de maestro a maestro, con títulos tan irresistibles como Obsession (Fascinación, 1976), Dressed to Kill (Vestida para matar, 1980), Blow Out (Impacto, 1981), Body Double (Doble cuerpo, 1984), Snake Eyes (1988), Femme Fatale (2002) o Passion (2012). Excentricidades indispensables como Phantom of the Paradise (El fantasma del Paraíso, 1974), y otros títulos fundamentales como Carlito’s Way (Atrapado por su pasado, 1993) o The Black Dahlia (La dalia negra, 2006).
Nuestra debilidad por la obra de Brian De Palma, su manera tan particular y eminente de aproximarse al terror y su habilidad para seducirnos sin parar son la razón de que la 37ª edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei gire principalmente alrededor de tres palabras: Brian De Palma. Estamos, por tanto, ante un año dominado por largos planos secuencia, la pantalla dividida, el desdoblamiento directo y metafórico, la provocación, el deseo y la intromisión. Vestíos para matar, dejad ir toda la furia y preparaos para la fiesta de graduación que será de gran impacto.
Albert Galera. Director Artístico del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei.
«Jeannette, la infancia de Juana de Arco» review
Francia, 1425. En medio de la Guerra de los Cien Años, Jeannette, con sólo 8 años, cuida sus ovejas en el pequeño pueblo de Domremy. Un día, le dice a su amiga Hauviette que no puede aguantar más el sufrimiento que causan los ingleses. Madame Gervaise, una monja, intenta razonar con la niña, pero Jeannette está lista para tomar las armas y lograr la salvación del imperio francés. Guiada por su fe, se convertirá en Juana de Arco.
Bruno Dumont pertenece ya por méritos propios a esa raza de autores cuya trayectoria deviene como un perfecto indicativo de lo que se suele denominar por radical en lo referente a sus propios postulados aunque a un servidor puestos a etiquetar mediante simples adjetivos a unos determinados rasgos autorales se decantaría más por el de abstracto, a este respecto convendría el señalar que una película de las características de Jeannette, la infancia de Juana de Arco no solo logra amoldarse a la perfección al trazo exhibido hasta el momento por realizador de origen galo sino que es claramente consecuente con la carrera de un cineasta al que puede resultar para según quien algo difícil seguir el ritmo, dicho esto quien conozca mínimamente el cine perpetrado hasta la fecha por Bruno Dumont encontrará en Jeannette y su cine-teatro un eslabón más en una trayectoria en donde la transgresión fílmica ya es un denominador común.
Partiendo de dos obras teatrales escritas por Charles Péguy tituladas Misterios Líricos- Jeanne d’Arc (1897) y Le Mystère de la Charité de Jeanne d’Arc (1910), dramas extremadamente religiosos de índole milagroso que Bruno Dumont revierte para convertirlos en una suerte de ópera rock-pop e incluso rap, lo curioso del asunto viene dado en la medida en que pese a la inicial desmesura genérica que se atisba en un producto de clara naturaleza atípica, rodado por actores no profesionales en tan solo cinco semanas en donde la improvisación está muy presente en todo su metraje, se logra preservar de alguna manera la trascendencia del relato original. Jeannette, la infancia de Juana de Arco al igual que su anterior y brillante Ma Loute parte de una base en teoría bufa o irónica aunque su desarrollo difiere de forma muy visible. Parándonos a pensar detenidamente podríamos aseverar que prácticamente todo el cine de Bruno Dumont
se mueve por continuos desafíos creativos en donde el espectador ha de dilucidar si dicho riesgo es consecuente con su propio imaginario, dicho posicionamiento que nace de la antítesis del convencionalismo da la impresión de haberse acentuado más en estos últimos años (la televisiva El pequeño Quinquin como prueba más palpable), percibido especialmente en una notoria ampliación de registros genéricos, a este respecto y en contra de muchas opiniones vertidas al respecto convendría señalar que dicha apertura no significa forzosamente una excentricidad dentro del relato narrado, en este sentido Jeannette transita en todo momento a medio camino entre la vanguardia y el clasicismo encontrándonos ante una historia delimitada por una continua ansiedad y reflexión por parte de la joven protagonista a través de expresiones de claro índole subjetivo por fortuna no muy matizados, visión y desarrollo en donde se humaniza iconos históricos, es ahí donde posiblemente llegamos a ser conscientes de que no estamos ante una mera filmación musicalizada de la obra de Péguy, tampoco de una banalización de tal concepto. Bruno Dumont logra hilvanar un discurso propio y consecuente, aun con una inevitable ironía (achacable principalmente a la ingenuidad propia de una niña de provincias), trazo presente en todo el relato que afortunadamente no se sobrepone al respeto de una figura religiosa tan iconográfica como resulta ser la doncella de Orleans.
Si fuera posible y se pudiera sacar algo en claro del cine de Bruno Dumont es que como tal no admite medias tintas por parte del receptor, en lo que respecta a un servidor uno siempre ha tenido la sensación de que dicho cine siempre se ha posicionado un paso por delante de mí en lo referente a la percepción, igual sería cuestión por parte del espectador más inquieto, aquellos cuya amplitud de miras cinéfilas no se encuentra estancada, el acelerar el paso he intentar ponerse de alguna manera a la altura a la hora de intentar replantear conceptos de un cineasta que ha cada nuevo trabajo tras las cámaras logra reinterpretarse con el añadido de no dejar de ser fiel a sí mismo, un autor en definitiva tan libre como osado, nada mejor que una película de las características de Jeannette, la infancia de Juana de Arco para poder atestiguar dicha tesis.
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De alucinaciones claustrofobia y marinas, tráiler de «Crowhurst»
Que Simon Rumley es una de las miradas autorales más inquietas y atípicas surgidas del Reino Unido en estos últimos años no hay duda, posiblemente fue su notable The Living and the Dead 2006 lo que le permitió que se diera a conocer dentro de un circuito más amplio, posteriores trabajos como especialmente Red White & Blue 2010 o la reciente Fashionista 2016 no han hecho más que constatar unas señas de identidad cinematográficas muy a tener en cuenta. Crowhurst cuyo primer tráiler podéis ver a final de página es su último trabajo tras las cámaras a la espera de que vean la luz sus también inminentes Johnny Frank Garrett’s Last Word y Once Upon a Time in London. Sin noticias de su aparición por territorio español Crowhurst tiene previsto su estreno en cines del Reino Unido para el próximo 23 de marzo, el film que vistas sus primeras imágenes parece remitirnos en temario a la olvidada Visitors de Richard Franklin tiene como aliciente añadido el contar como productor ejecutivo con el veterano Nicolas Roeg, cineasta este con el que Rumley guarda bastante similitudes escénicas.
Crowhurst nos sitúa en el año 1968, en ese periodo de tiempo vemos como un marinero poco experimentado en la navegación participa en una carrera alrededor del mundo a pesar de las dudas que le genera su capacidad para poder terminarla. Para intentar salvar su dignidad en la prueba decide hacer trampas, pero las cosas no terminan saliendo como el esperaba.
La película con guion del propio Simon Rumley junto a Andy Briggs y música compuesta por Richard Chester está protagonizada por Justin Salinger, Simon Armstrong, Eric Colvin, Tom Sawyer, Adrian Harris, Chris Ayles, Amy Loughton, Glyn Dilley, Hugh Hayes, Edwin Flay, Philip Perry, Austin May, Christopher Hale, Chris Poole, Richard Lee y Christopher Davies.
Autores españoles en un D’A 2018 que se inaugurará con «Chesil Beach»
El D’A Film Festival Barcelona se inaugurará el día 26 de abril con el estreno de la película inglesa Chesil Beach, dirigida por el premiado dramaturgo y director teatral Dominic Cooke y basada en la novela homónima de Ian McEwan, que se responsabiliza también del guion de este film ambientado en la Inglaterra de los años sesenta protagonizado por Saoirse Ronan y un nuevo talento que habrá que seguir de cerca, Billy Howle.
Directores y directoras españoles en el D’A 2018
Fiel a su compromiso con el cine hecho aquí, el D’A 2018 retoma la sección Un impulso colectivo a la que se añade un programa de cortos sumando un total de 14 largometrajes y 13 cortometrajes, con gran variedad de temáticas, historias y voces.
A las películas ya anunciadas se unen la magnética Trinta Lumes de Diana Toucedo – montadora de Penèlope y A estación violenta, presentes también en esta edición del D’A–, película estrenada en la Berlinale, entre la ficción y el documental, ambientada en un pequeño pueblo gallego donde parece que los muertos andan entre los vivos. También se ambienta en Galicia Dhogs de Andrés Goteira, ganadora de diez premios de la Academia Galega do Audiovisual, una ópera prima sorprendente que es una rara avis del cine fantástico español.
Será un honor recibir en el D’A 2018 a algunos directores que pasaron por el festival con sus primeras películas: Sotabosc es el evocador título del nuevo film de David Gutiérrez Camps, director de la celebrada The Juan Bushwick Diaries, y No quiero perderte nunca de Alejo Levis, un drama sensorial sobre el miedo a envejecer y a morir. Tampoco podían faltar dos sospechosos habituales del festival -muy diferentes entre ellos- con sus nuevas películas. La nueva obra de Ramón Lluís Bande, Escoréu, 24 de avientu de 1937, que dialoga con sus trabajos anteriores, profundizando nuevamente en la reivindicación de la memoria histórica y los olvidados de la guerra civil; y Puta y amada, el nuevo film de Marc Ferrer, que continúa reivindicando su cine personalísimo y al margen de todo con una indagación sobre el fin de la juventud, cargada de elementos autobiográficos.
También habrá espacio para los documentales con la propuesta de Gerard Ortín Castellví que en Perrolobo (Lycisca) juega constantemente con la experimentación formal y la introspección sonora; el debut en la dirección de Íngrid Guardiola con el docu-ensayo Casa de ningú; y Ainhoa: yo no soy esa, segundo film de Carolina Astudillo que parte de una historia particular para mostrar un retrato global de la Barcelona de los 80. Completan los nombres de la sección Un impulso colectivo las obras de dos directoras debutantes, Yo la busco de Sara Gutiérrez, film que empieza como una comedia generacional para mutar en una experiencia más oscura y onírica, y Ver a una mujer de Mònica Rovira, una película visualmente extraordinaria que casi se convierte en un exorcismo autoafirmativo.
Fuera de la sección Un impulso colectivo y concursando en la sección Talents, encontramos también dos películas de talentos locales: A estación violenta de la joven directora Anxos Fazáns, basada libremente en el libro homónimo de Manuel Jabois, y con la colaboración en el guion de Ángel Santos (Las altas presiones); y Jean-François y el sentit de la vida, debut en la dirección de largometrajes del reconocido cortometrajista Sergi Portabella, con la odisea en que se embarca un adolescente decidido a ser existencialista.
Cierra la presencia de directores españoles en el D’A 2018, el estreno de El vent és això, experimento de Pere Vilà con varios alumnos del instituto Santiago Sobrequés de Girona, que empezó como un ejercicio didáctico para acabar tomando la forma de largometraje y que cuenta con Alex Brendemühl entre sus protagonistas.
Good Time en el D’A 2018
Proyección única en España y en pantalla dentro del D’A 2018 del éxito de los hermanos Safdie, Good Time. Una de las mejores películas presentada en Cannes 2017 y favorita de la crítica (aunque finalmente solo ganó merecidísimamente el premio a la mejor banda sonora de Daniel Lopatin), protagonizada por un sorprendente Robert Pattinson en fuga constante por el barrio de Queens de un Nueva York alucinado. Un ejercicio de género renovador que conecta con el Scorsese más frenético y que supone una experiencia totalmente apabullante.
El hombre milagro de Koji Fukada, tráiler de «The Man From the Sea»
Tras su más que estimable Harmonium, película que se alzó con el premio del jurado en la sección Un Certain Regard del festival de Cannes de 2016, el realizador nipón Koji Fukada ya tiene listo el que es su nuevo trabajo tras las cámaras, The Man From the Sea (Umi wo Kakeru), film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Habrá que estar atentos a este The Man From the Sea, que se estrenará comercialmente en Japón el próximo 26 de mayo seguramente previo paso por el festival galo, un nuevo trabajo que puede terminar de confirmar el talento de una de las voces autorales más interesantes provenientes en estos últimos años del país del sol naciente.
The Man From the Sea nos sitúa en una ciudad indonesia junto al mar que con el tiempo ha sido devastada por las guerras y un tsunami. Un hombre es encontrado en la costa por Atsuko (Mayu Tsuruta) y su hijo Takashi (Taiga). Ambos están trabajando en la recuperación de sendos desastres. El hombre encontrado habla mal japonés e indonesio. Lo llaman Rau, que significa mar en indonesio y lo acogen en el seno familiar. Pronto, Rau estará sorprendentemente conectado con varios casos de índole milagroso.
La película con guion del propio Koji Fukada está protagonizada por Dean Fujioka, Mayu Tsuruta, Taiga, Junko Abe, Adipati Dolken y Sekar Sari.
De un cine epistolar. La presencia de la misiva en el cine francés moderno y contemporáneo
Chris Marker, Jean-Luc Godard, François Truffaut, Marguerite Duras, Alain Cavalier, Chantal Akerman, Philippe Garrel o Arnaud Desplechin son algunos de los nombres que surgen de nuestra memoria cinematográfica si intentamos evocar la cartografía De un cine epistolar francés. Este estudio tiene como objetivo proporcionar el trazo de esa geografía fílmica y realizar su análisis, el de la presencia de la materia epistolar en el cine francés moderno y contemporáneo. Tras exponer la tipología de inserción del elemento epistolar en la obra cinematográfica y sintetizar su uso en el cine clásico, la primera parte del estudio analiza la presencia de la materia epistolar en las obras de la Nouvelle Vague y el Nouveau Cinéma. La voz-yo epistolar genera un film carta de indiscutible relevancia en el nacimiento y consolidación del film-ensayo que posibilita también la experiencia límite de hibridación entre cine y literatura. La misiva se inserta en el relato fílmico mediante una nueva representación moderna de la enunciación epistolar que experimenta con las posibilidades de inscripción de la misiva sobre la pantalla cinematográfica, hibridando también materiales documentales y ficcionales. La segunda parte analiza la evolución de la materia epistolar bajo el nuevo paradigma posmoderno. Se produce entonces la aparición del film epistolar como nueva estructura discursiva. El film carta evoluciona en el espacio del film-ensayo y se adentra en los territorios de la ficción y la autoficción. Surge una representación posmoderna de la enunciación epistolar donde se complejiza la intelección de la misiva. Además, se instrumentaliza una nueva forma epistolar, la vídeo carta, y se produce la focalización en la recepción y lectura de la misiva a través de una nueva voz-tú epistolar. Se configura así una cartografía epistolar que se constituye también como lugar de encuentro de sus textos fílmicos. Cartas de amor y desamor, amistad y familia, reflexión histórica y revolución política, subjetividad e imaginación, identidad y alteridad, memoria y olvido… Misivas fílmicas todas ellas destinadas finalmente al espectador.
El autor
Lourdes Monterrubio Ibáñez Licenciada en Filología Francesa y doctora en el programa Estudio comparado de los diferentes lenguajes artísticos por la Universidad Complutense de Madrid. Cursó la diplomatura de Dirección Cinematográfica en la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y colaboró como crítica cinematográfica en la revista Cahiers du cinéma-España/Caimán Cuadernos de Cine. Miembro del grupo de investigación interdisciplinar e internacional de la UCM La Europa de la escritura, sus líneas de investigación se centran en el cine francés moderno y contemporáneo, las relaciones entre literatura y cine y las escrituras fílmicas del yo. Ha participado en los dos volúmenes de investigación Entre escritura e imagen con los capítulos “La coalescencia literario-cinematográfica en la obra de Marguerite Duras” (2013) y “La autoficción literaria francófona del extrême contemporain a través del cine” (2018). Entre sus últimos artículos publicados destacan: “Del cinéma militant al ciné-essai. Letter to Jane de Jean-Luc Godard y Jean-Pierre Gorin” (2016), “Autorretratos identitarios de una mirada fílmica. De la ausencia a la (multi)presencia: Duras, Akerman, Varda” (2016), Agatha et les Lectures illimitées de Marguerite Duras. El texto literario y su (irre) presentación fílmica” (2017) y “Sobre los inicios del cine contemporáneo: Primer plano de Abbas Kiarostami y El sol del membrillo de Víctor Erice. La fraternidad documental-ficción” (2018).
Autor; Lourdes Monterrubio Ibáñez, Editorial; Shangrila Ediciones. Páginas; 468
Primer tráiler de «Under the Silver Lake», lo nuevo de David Robert Mitchell
Con solo dos películas en su haber (The Myth of the American Sleepover y la excelente It Follows) el joven realizador estadounidense David Robert Mitchell se ha convertido por méritos propios en uno de los autores independientes más interesantes del actual panorama cinematográfico proveniente de los Estados Unidos, de la mano de A24 acaba de ver la luz un primer adelanto en forma de tráiler, que junto a su póster oficial podéis ver a final de página, del que es su tercer trabajo tras las cámaras que tiene como título Under the Silver Lake. La película que tiene previsto su estreno en cines de Estados Unidos el próximo 22 de junio seguramente previo paso por el festival de Cannes vistas ya sus primeras y muy sugerentes imágenes parece moverse a través de una especie de neonoir de tono paranoico con algún que otro toque hacia la comedia, amalgama genérica que ha dado pie a que haya sido comparada por algunos con el Puro vicio de Paul Thomas Anderson, pistas estas que parecen darnos a entender que posiblemente estemos ante un film que al igual que su anterior trabajo no dejará indiferente a prácticamente nadie.
Under the Silver Lake nos cuenta como un joven de 33 años de edad pasa un encantadora velada con su atractiva y enigmática vecina, inesperadamente cuando quiere volver a verla al día siguiente ella ha desaparecido sin ningún tipo de explicación, a partir de ese momento el joven protagonista emprenderá una paranoia búsqueda que lo llevara hasta las partes más oscuras de la ciudad de Los Ángeles para poder intentar encontrarla.
La película con guion del propio David Robert Mitchell y música a cargo de Disasterpeace está protagonizada por Andrew Garfield, Riley Keough, Callie Hernandez, Topher Grace, Jimmi Simpson, Riki Lindhome, Summer Bishil, Zosia Mamet, Patrick Fischler, Laura-Leigh, Grace Van Patten, Allie MacDonald, Rex Linn, Sydney Sweeney, Adam Bartley, Don McManus, John Eddins, Jules Willcox, Nea Dune, Stephanie Moore, Pepi Sonuga, Izzie Coffey, Sky Elobar, Sibongile Mlambo y Jessica Makinson.
Programación y horarios del Offside Fest 2018
Offside Fest 2018 tendrá lugar desde el jueves 5 al domingo 8 de abril y estrenará emplazamiento en los Cines Girona de la ciudad condal. La cita, consolidada ya en el circuito internacional de festivales de documentales de fútbol que apuestan por entender el deporte como fenómeno cultural, presentará una vez más una cuidada selección de filmes en dos secciones, la oficial a concurso y la sección Fuera de juego, donde se rescatan clásicos del género.
Tesalónica (Grecia), Milán (Italia) y Lisboa (Portugal) son las nuevas ciudades que han acogido o acogerán una edición del Offside Fest. El festival de documentales futbolísticos, desde que la aventura se inició en Barcelona en 2014. Celebrando el quinto aniversario es la hora de volver a Barcelona.
La presentación oficial del festival será el lunes 26 de marzo en la Antigua Fábrica Estrella Damm de Barcelona, donde desvelaremos toda la programación de este año y proyectaremos el documental Quini. El brujo frente al espejo. ¡Entrada gratuita!
Programa y horarios
Lunes 26 de marzo presentación Offside Fest 2018
19.00h. Quini. El brujo frente al espejo
Director: Raimundo García, País: España, Duración: 90 min
Relata la vida del exfutbolista internacional del Sporting y del FC Barcelona Enrique Castro ‘Quini’. El delantero, que además de ser el jugador que más ‘pichichis’ tiene en su haber, con 5 trofeos, fue secuestrado por dos individuos en 1981, suceso que convulsionó el fútbol español.
¡Consigue aquí tu invitación gratuita!
Jueves 5 de abril
18.00h Crazy for Football
Director/a: Volfango De Biasi, Título original: CRAZY FOR FOOTBALL, Año estreno: 2018, País: Italia, Duración: 73 minutos.
Un grupo de pacientes procedentes de varios centros de salud mental de toda Italia, 
un psiquiatra (Dr. Santo Rullo) como director deportivo, un ex jugador de fútbol sala (Enrico Zanchini) como entrenador y un campeón mundial de boxeo (Vincenzo Cantatore) como preparador físico. Estos son los protagonistas de Crazy for Football (Locos por el fútbol), un documental de Volfango De Biasi sobre el primer equipo italiano de fútbol sala que participa en la Copa Mundial de Pacientes Psiquiátricos en Osaka. La película recoge el proceso, desde la selección de los doce integrantes, hasta la participación en el Mundial. Pero nos lleva también por un viaje más profundo: el de la montaña rusa de sentimientos y sensaciones de quienes sufren una enfermedad mental. Un camino zigzagueante entre la salud y la locura, que nos incumbe a todos. Es esta una película, sin embargo, en la que los jugadores y no su enfermedad son los protagonistas, con el objetivo de luchar contra los prejuicios que rodean a los que sufren enfermedades mentales.
20:00h Team Gaza
Director/a: Laurens Samsom, Frederick Mansell, Título original: TEAM GAZA, Año estreno: 2016, País: Netherlands, Duración: 84 minitos.
Team Gaza nos presenta
las vidas de cuatro jóvenes que se atreven a soñar en Gaza, una franja de tierra aislada del mundo exterior. Atrapados entre paredes, estos cuatro chicos intentaran construir sus vidas. Uno quiere casarse con su sobrina, un segundo trata de reconstruir su casa bombardeada, un tercero trata de huir de la franja y de las últimas revueltas armadas. Juntos se unen en un equipo de fútbol, el único lugar donde pueden olvidarse de todo. Fuera del campo de fútbol, rezan y luchan por un futuro mejor, a pesar de las dificultades en la Gaza devastada por la guerra. Los documentalistas holandeses Frederick Mansell y Laurens Samsom siguieron a los personajes principales durante un año. Se ganaron la confianza de filmar en dormitorios y salas de juntas, en los estrechos callejones de Gaza, en los campos de entrenamiento de la brigada armada Al Qasam y, por supuesto, en los estadios de futbol. Finalmente, se fueron con una historia que nunca antes se había documentado: la vida real de Gaza, mostrada de la manera más íntima, palpable para cada ser humano en todo el mundo…
Viernes 6 de abril
17:00h Casuals: The Story of the Legendary Terrace Fashion
Director/a: Mick Kelly, Título original: Casuals: The Story of the Legendary Terrace Fashion, Año estreno: 2011, País: England, Duración: 75 minutos.
La extraordinaria y perspicaz historia filmada de una subcultura juvenil a menudo pasada por alto en la forma en que se extendió por ciudades como Liverpool, Manchester y Londres cuando famosas firmas vinculadas al fútbol robaron ropa deportiva de diseñadores caros de los países que visitaron. Una subcultura que no comenzó con las grandes figuras del futbol diciendo a estos muchachos qué ponerse, en cambio se establece las tendencias y hacen acto de aparición las tiendas de gama alta. Fue en la década de 1980 cuando comenzó en Gran Bretaña, bajo el radar, lo «casual» dicho movimiento. La película incluye imágenes de archivo recientemente desenterradas y ofrece entrevistas interesantes con personalidades como Peter Hooton, que estaban en el corazón de la historia en un momento en que el fútbol y la moda importaban más que el poder corporativo y los estadios sin alma.
19:00h. Kung Fu(tbol)
Director/a: Tian Dong, Título original: Eisenkopf, Año estreno: 2017, País: Alemania/China, Duración: 92 minutos.
Kung Fu(tbol) trata sobre un equipo de fútbol joven que está ganando atención en China: el equipo de fútbol Shaolin Kung Fu. Su método de jugar al fútbol combina el tradicional juego de pelota con elementos del antiguo arte marcial chino. Mientras juegan, aplican técnicas como Shaolin Iron Head o Shaolin Tornado footwork, pero también se adhieren a las reglas oficiales de la FIFA. Shi Yanlu es un maestro Shaolin Kung Fu y el fundador del fútbol Kung Fu. Él cree que este nuevo método de entrenamiento podría ayudar a los jugadores prometedores de China a ser reconocidos internacionalmente. Se está construyendo una enorme escuela de fútbol Kung Fu para 10.000 estudiantes, financiada con 200 millones de euros por una importante empresa china. ¿Cuáles son las esperanzas y los sueños de estos jóvenes estudiantes? ¿Es el fútbol de Kung Fu realmente tan prometedor como parece?
21.00h. The Lane
Director/a: Luke Mellows, Título original: THE LANE, Año estreno: 2018, País: Inglaterra, Duración: 51 minutos.
White Hart Lane fue el estadio del Tottenham Hotspur desde 1899 a 2017, cuando fue demolido para el traslado del club a un nuevo campo. The Lane captura la historia de esos 118 años de vida del estadio del norte londinense, que se elevó desde sus humildes comienzos hasta convertirse en un hito en la ciudad. A través de un impresionante archivo de imágenes y con entrevistas a hinchas, leyendas de los Spurs como Cliff Jones, Pat Jennings, Glenn Hoddle, Ledley King y Ossie Ardiles, jugadores y técnico actuales (Harry Kane, Hugo Lloris y Mauricio Pochettino), The Lane cuenta la historia particular de un club y un estadio especiales, y la universal de un grupo de gente unidos por un escudo al que aman. The Lane fue producido por Pitch International para el canal BT Sport.
Sábado 7 de abril
17.00h. Fuera de juego. La homosexualidad en el fútbol español
Director/a: Richard Zubelzu, Título original: Fuera de juego, Año estreno: 2017, País: España, Duración: 70 minutos.
Un film que pretende analizar el porqué de la invisibilidad de los homosexuales en el fútbol español. El documental trata de la mano de clubs, asociaciones, futbolistas, prensa, psicólogos y demás personas vinculadas, la realidad actual de la homofobia en el fútbol español y sus posibles soluciones. Con la intervención de Felipe Cruz (coordinador sección fútbol 11, G-Madrid Sports), Javier Rodríguez(fútbol sala G-Madrid Sports), Javier Gómez Matallanas(Adjunto a la dirección y Director de diario AStv),Carlos Rey (co-fundador de Upad y psicólogo), Rubén López (responsable de deportes de la Asociación Arcópoli), Martín Mantovani( futbolista CD Leganés), Paco Chamizo(Coordinador del grupo LGTB del PSIB-PSOE) Roberto Solozábal (exfutbolista),Laura del Río(futbolista),Alfredo Lorenzo(director de integridad y seguridad La Liga) Esteban García (Presidente de la Federación Peñas del BARÇA en Madrid y Toni Moog (humorista).
19.00h. Men in the Arena
Director/a: J.R. Biersmith, Título original: Men in the Arena, Año estreno: 2017, País: Estados Unidos, Duración: 85 minutos.
Men in the Arena nos cuenta la historia verídica de dos amigos del Equipo Nacional de Fútbol de Somalia que persiguen sus sueños frente a probabilidades ciertamente difíciles. Es una historia de supervivencia, una historia de los derechos humanos, y un viaje deportivo no convencional, principalmente filmado y producido en Kenia, Somalia y los Estados Unidos. Durante tres años se capta la historia de Somalia a través de los ojos de dos amigos del fútbol unidos por un sueño compartido que podría servir perfectamente de inspiración a sus propios compatriotas.
21.00h Kenny
Director/a: Stewart Sugg, Título original: KENNY, Año estreno: 2018, País: Inglaterra, Duración: 86 minutos.
“Kenny” cuenta la historia única de un hombre cuya vida y carrera se unieron a la suerte de su ciudad adoptiva, Liverpool. Conocido como ’El Rey’, Kenny Dalglish fue reverenciado por los hinchas reds durante su estancia en el Liverpool FC, donde como jugador y entrenador acumuló nada menos que 27 trofeos. Sin embargo, podría decirse que su mayor desafío surgió después de la tragedia de Hillsborough en 1989, en la que fallecieron 96 hinchas del Liverpool. Tras ella, Kenny Dalglish se convirtió en un faro de esperanza y fortaleza en la lucha por la justicia a las víctimas. Inspirador, poderoso, divertido, pero a veces verdaderamente desconsolador, este es el retrato de un orgulloso hombre escocés que capturó los corazones de todos en Merseyside.
Domingo 8 de abril
17.00h. The Workers Cup
Director/a: Adam Sobel, Título original: THE WORKERS CUP, Año estreno: 2018, País: Inglaterra, Duración: 88 minutos.
En 2022, Qatar acogerá el mayor evento deportivo del mundo, la Copa Mundial de la FIFA. En este momento, sin embargo, lejos de los focos, centrados en los futbolistas estrella, las instalaciones del torneo están siento construidas con las manos del millón seiscientos mil trabajadores migrantes que viven en Qatar. The Workers Cup (La Copa de los Trabajadores) es un largometraje documental que da voz a los hombres que están trabajando para construir el Mundial. El 60% de la polación de Qatar son trabajadores extranjeros llegados de India, Nepal, Bangladesh, Filipinas y, cada vez más desde África. Estos hombres trabajan en jornadas extremadamente largas a cambio de salarios escasos, y viven aislados en campamentos de trabajo que por ley se mantienen fuera de los límites de la ciudad. La copa se hospedará en el país más rico del mundo. Pero descansará sobre las espaldas de algunas de las personas más pobres. Con un acceso sin precedentes, The Workers Cup se desarrolla en gran medida dentro de un centro de trabajo de Qatar. Los trabajadores que aparecen en la cinta reconocen que se sienten como en una prisión. Oculto entre una autopista y un tramo remoto del desierto, el campamento de Umm Salal está intencionalmente fuera de la vista y fuera de la mente. También lo son los 4000 hombres que viven ahí. El documental se centra en un grupo de hombres del campamento que han sido elegidos para competir en un torneo para los obreros: The Workers Cup. El torneo está patrocinado por el mismo comité que organiza la Copa del Mundo 2022 y 24 empresas de construcción han sido invitadas a presentar un equipo formado por obreros. Durante el transcurso de la copa, el documental sigue a varios obreros que alternan entre dos extremos sorprendentes: héroes en el campo, casi parias en la sociedad fuera de él.
19.00h. El equipo de mi barrio
Director/a: Rafa de los Arcos, Título original: EL EQUIPO DE MI BARRIO, Año estreno: 2018, País: España, Duración: 52 minutos.
¿Es la industria del espectáculo un monstruo que se ha comido al deporte? El U.C.CEARES es un pequeño equipo de barrio de Gijón que resiste autogestionado, intentando salir adelante con el presupuesto más bajo de la categoría y ensalzando los auténticos valores del fútbol. Su lema lo deja claro: Últimos en dinero, primeros en corazón. Sin embargo, no todo es diversión y alegría en el Ceares. Ser el equipo más humilde de la categoría también provoca una lucha encarnizada contra los elementos para mantener el club a flote. Pero el U.C.Ceares tiene algo que los grandes clubes no tienen: el orgullo de saber que el equipo es de todos los que forman parte de él.
El criminal y la sirvienta, tráiler de «An Ordinary Man»
Con algo de retraso y ante la proximidad de su estreno en cines nos detenemos de forma algo breve en el nuevo trabajo tras las cámaras del veterano realizador Brad Silberling (responsables entre otras de Casper, City of Angels, Lemony Snicket’s A Series Of Unfortunate Events o Land of the Lost) con la que es su nueva película de suspense que lleva por título An Ordinary Man, film cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película sin fecha aún en España se estrenará simultáneamente en cines y VOD en Estados Unidos el próximo 13 de abril.
En An Ordinary Man vemos como un peligroso criminal de guerra pasa la mayoría de sus días intentando huir de las autoridades internacionales, de forma repentina se traslada a un nuevo refugio en donde desarrollara una peculiar relación con la mujer que lo cuida. Con el tiempo el ex general descubrirá que ella es en realidad una agente secreta contratada para protegerlo. Mientras la búsqueda por el ex-general se intensifica él empezará a ser consciente de que ella la única persona en la que puede confiar, algo que le hará toma una drástica decisión que cambiará de forma importante el devenir de sus vidas.
La película con guion del propio Brad Silberling y música compuesta por Christophe Beck está protagonizada por Ben Kingsley, Peter Serafinowicz, Hera Hilmar, Edmund Kingsley, Robert Blythe, Bojan Bajcetic, Slavisa Curovic, Milorad Kapor, Edmund Kingsley, Miodrag Milovanov y Milena Radulovic.
La vuelta de William Friedkin al mal, tráiler de «The Devil and Father Amorth»
Después de su muy interesante Killer Joe el que ya podríamos aseverar como legendario William Friedkin regresa a la gran pantalla con lo que podría denominarse como una especie de regreso al imaginario fílmico que le hizo más popular, evidentemente estamos hablando de su fundamental El Exorcista, The Devil and Father Amorth, cuyo primer tráiler y póster oficial de la mano de la distribuidora The Orchard podéis ver a final de página, sigue los pasos en formato documental al padre Gabriele Amorth, exorcista oficial de la diócesis de Roma, en el que será su noveno exorcismo a una mujer italiana.
Posiblemente en estos últimos años ha habido diversos documentales que indagaban en dicho concepto (Liberami, Hostage to the Devil los últimos de ellos sin ir más lejos) aunque evidentemente que William Friedkin este tras las cámaras le da un plus de interés al producto en cuestión. Lo interesante del documental en un principio es que parece abordar la filmación de un exorcismo real dejando a juicio del espectador la supuesta autenticidad de dicho acto que tiene como principal propósito e intención el liberar a una fiel de algún tipo de mal.
The Devil and Father Amorth que tuvo su premier mundial en el pasado festival de Venecia el pasado mes de septiembre y que cuenta con un guion del propio William Friedkin junto a Mark Kermode se estrenará en los cines de Estados Unidos el próximo 20 de abril.
Americana 2018 Día 5. Jane/ Gemini/The Rider/ Lemon
Jane
Usando una gran cantidad de material inédito, la película se centra en las investigaciones de la conocida primatóloga Jane Goodall, su trabajo de campo, su relación con su marido y cámara Hugo van Lawick y los chimpancés a los que estudió.
Cerrando la sección Docs de esta edición del Americana se pudo ver el último trabajo de un director de renombre dentro del género documental como es Brett Morgen, responsable entre otros de trabajos tan conocidos dentro de dicho medio como por ejemplo On the Ropes, The Kid Stays in the Picture o Kurt Cobain: Montage of Heck, ahora con la inestimable y omnipresente presencia de Philip Glass orquestando la banda sonora presenta Jane, una laboriosa recreación de la labor de investigación llevada a cabo durante varias décadas por la Dra. Jane Goodall en la investigación del comportamiento de los chimpancés.
De alguna manera Jane en su propósito de ofrecernos un retrato íntimo y a la vez didáctico en sus propias enseñanzas juega sobre seguro al contar con varios ases en la manga que son ciertamente difícil de obviar, tener como director con un especialista del medio como es Brett Morgen o tener como principal valedor
a National Geographic y sobre todo la naturaleza de la historia narrada hacen que en cierta manera este relato contado en primera persona adquiera un acercamiento que aún lejos de sorprender en lo referente a sus postulados estén provistos de una belleza formal bastante absorbente de cara al espectador, o lo que es lo mismo el comprobar como un documental cimentado en lo más manual logra una garantía refrendada después de su visionado. Una base que encontramos en los cerca de más de 100 horas de material inédito hasta hoy día entre los que se encuentran principalmente los archivos registrados por Hugo Van Lawick, esa selección de archivos preexistente que nos son narrado con la voz en off de la propia Jane Goodall sirven en muchos momentos para dar lugar a la propia reflexión de la protagonista siéndonos narrados de forma tan convencional como lucida, un posicionamiento que sirve como perfecto ejemplo de saber anteponerse al característico documento que transita a través del biopic o de la investigación de rigor para ofrecernos un relato que de alguna manera funciona de forma dual en lo referente a su narrativa, el personal y el supuestamente publico cimentado y esto es lo más importante del asunto en cuestión a modo de ineludible legado para generaciones venideras.
Valoración 0/5: 3
Gemini
Un crimen atroz pone a prueba la compleja relación entre una tenaz asistente personal y su jefe, una estrella de Hollywood. Mientras la asistente viaja por Los Ángeles para desentrañar el misterio, la actriz debe tratar con un determinado policía. Al mismo tiempo, se cuestiona profundamente sobre aspectos como la amistad, la verdad y la fama.
La nueva película del realizador Aaron Katz (Quiet City, Cold Weather, Land Ho!) nos trasporta a ese Hollywood de bambalinas tantas veces reflejado en el celuloide en donde fugaces y emergentes estrellas del mundo del cine son engullidas entre flashes y aspiraciones a una efímera fama que en algún momento se les puede volver en contra, un asesinato por resolver y una investigación en primera persona de la principal sospechosa del crimen nos trasportará a un escenario que circunvala sin ningún tipo de pudor un noir de serie B tan atípico en su estructura como por momentos sugerente en lo concerniente a su narración.
Gemini es básicamente un film que se estructura a través de referencias cinematográficas que se sirve de mecanismos genéricos plenamente reconocibles pare exponerlos de manera tan artificial como arbitraria en una trama en donde el MacGuffin argumental es demasiado visible, en este contexto podríamos aseverar que Gemini es un thriller a contracorriente,
especialmente visible al ofrecernos un relato de dobles lecturas. Hay una parte en la película de Aaron Katz que nos remite claramente al género negro perpetrado en los años 80 y 90 por autores como Abel Ferrara o Olivier Assayas por ejemplo , aderezando al máximo una puesta en escena en donde neones y una música electrónica algo intrusiva se sirven para ofrecernos un envoltorio por momentos sugerente, un tono visual ciertamente atrayente que se sitúa algo por encima de una narrativa expuesta que va de más a menos conforma avanza metraje, su algo tramposa vuelta de tuerca final es posiblemente el principal indicio de todo ello, sin embargo y volviendo a esa referida doble lectura antes comentada Gemini encuentras sus mejores momentos a la hora de exponer esas relaciones de poder dentro de un mundo plagado de vacuidad y falsas apariencias, un castillo de naipes que se derriba de forma vertiginosa según avanza el film en referencia a esos intereses casi mercantilistas por el que se mueve la protagonista principal, también y como apunte a destacar también hay un sugerente juego meta expuesto de forma algo peculiar, ese cine dentro del cine también sugiere una acida critica de ese sistema cambiante a conveniencia y egoísmo, un escenario por el que transitan unos personajes que dan la impresión de estar anclados en una continua deriva existencial.
Valoración 0/5: 3
The Rider
En The Rider vemos como Brady, que fue una de las estrellas del rodeo y un talentoso entrenador de caballos, sufre un accidente que le incapacita para volver a montar. Cuando vuelve a casa se da cuenta de que lo único que quiere hacer es montar a caballo y participar en rodeos, lo que le frustra bastante. En un intento por retomar el control de su vida, Brady emprende un viaje en busca de una nueva identidad y del significado de lo que es ser un hombre en el corazón de América.
La clausura del Americana 2018 vino de la mano de la realizadora de origen china-americana Chloé Zhao con The Rider, uno de los mejores films vistos este año en el certamen, el nuevo trabajo de la responsable de Songs My Brothers Taught Me nos traslada al retrato de la figura del cowboy y por ende a lo que podemos entender como un western moderno, un relato que transita básicamente a través de una frustración a modo de docudrama de claro índole intimista acerca de un hombre que intenta redefinirse a sí mismo, unos sueños truncados en donde dicho personaje en cierta forma se ve incapacitado a la hora de poder seguir con los dictámenes de lo que hasta ese momento había sido su propia vida, una actividad, en este caso los rodeos, de difícil extrapolación a otras facetas vitales de su día a día.
La mayor virtud que reside en The Rider la podemos encontrar en lo referente a su propia estética, Chloé Zhao valiéndose de un relato de clara naturaleza crepuscular se adentra en lo meramente contemplativo de una historia
en donde la imagen, con el bello paisaje de Dakota del Sur siempre omnipresente, se sitúa en todo momento por delante de la palabra, en lo relativo a ese aspecto es harto evidente de que nos encontramos ante un film construido a través de texturas, sonido, música y fotografía juegan a favor de un relato de apariencia áspera que termina convirtiéndose en conmovedora a través de su propia lírica De alguna manera Chloé Zhao se vale del tono documental (sensación acrecentada ante un reparto de actores no profesionales que se interpretan a sí mismos) que impregna casi todo el relato a la hora de trasportarnos a una especie de ética del perdedor relacionada y conectada en multitud de ocasiones con una inconfundible esencia de western clásico de tono crepuscular. The Rider termina convirtiéndose en un relato tan adorable como desolador, una vuelta de turca al retrato tradicional de la masculinidad que se aleja de dicho estereotipo a través de lo meramente emocional en lo concerniente a un logrado equilibrio entre realismo y lirismo que termina deviniendo como ciertamente notable, de esas historias en definitiva en donde lo más aparentemente mínimo se trasforma en algo mucho más amplio y minucioso.
Valoración 0/5: 3’5
Lemon
A sus 40, Isaac Lachmann es un hombre inmovilizado por su mediocridad, un personaje irritante que tiene una forma de relacionarse con un entorno completamente desconcertante y absurdo. Su carrera no progresa, y su novia de los últimos 10 años le acaba de abandonar.
Hablando recientemente en estas crónicas del Americana 2018 de la muy válida The Stange Ones constataba esas apuestas loables por parte del festival en ofrecer productos de un indudable riego autoral que se aparten de alguna forma de ese tono y pautas algo convencionales por el que se suele moverse con relativa frecuencia últimamente el actual cine independiente norteamericano, Lemon opera prima de Janicza Bravo entra plenamente en dicha ecuación aunque a diferencia del film más arriba comentado sus resultados tienden ser de una forma clara bastante más cuestionables.
Pese esa aparente anomalía por el que se mueve un film de las características de Lemon hay un objetivo en ella que deviene como meridianamente claro en referencia a sus propósitos, básicamente estamos ante un relato que busca incomodar al espectador a través
del absurdo de personajes y situaciones, evidentemente eso no constituye un gran mérito en sí mismo si no hay una finalidad del relato que justifique dicho trayecto, dicho de otra forma, hay un grave problema no en las formas pero si en el fondo, es en ese propósito en donde esta historia de este perdedor cuarentón no encuentra su principal razón de ser como comedia pues no hace gracia en prácticamente ningún momento de su metraje, uno se pregunta si realmente ese era el propósito de Janicza Bravo, el crear algo diferente que se aparte conscientemente de postulados al uso, logrado supuestamente este propósito sin embargo no basta con ser aparentemente original si el guion da la continua impresión de ser una colección de escenas repletas de incoherencias, un catálogo de situaciones sin un propósito aparente que lo justifique de alguna manera. Lemon termina convirtiéndose en un hermano menor y algo más complaciente de productos como por ejemplo el The Greasy Strangler de Jim Hosking o la reciente Kuso de Flying Lotus, en el film de Janicza Bravo no encontraremos rastros de la escatología que impregnaban dichas película, por el contrario sí que comparten con ellas una alarmante ausencia de una estructura narrativa que otorgue algo de solidez al relato en cuestión.
Valoración 0/5: 2
Teaser tráiler de «Shoplifters», lo nuevo de Hirokazu Koreeda
Apenas trascurridos unos pocos meses desde el estreno comercial de su muy estimable The Third Murder el realizador japonés Hirokazu Koreeda tiene ya listo el que será su nuevo trabajo tras las cámaras, Shoplifters (Manbiki kazoku), film cuyo primer avance acaba de ver la luz en forma de un breve teaser tráiler que junto a su póster oficial podéis ver a final de página. Shoplifters que parece de forma clara una vuelta temática tan característica en el director nipón a los vínculos familiares de índole afectivo suena con fuerza como una de las posibles películas que pueden estar presentes el mes de mayo en la próxima edición del Festival de Cannes.
En Shoplifters que tiene previsto su estreno comercial en Japón para el próximo 6 de agosto vemos como después de una de sus habituales sesiones de hurto en tiendas, Osamu y su hijo se encuentran con una niña abandonada en el frío glacial de la calle. En un principio reacia a albergar a la niña en su casa la esposa de Osamu acepta cuidarla momentáneamente después de ser plenamente consciente de las dificultades a la que se enfrenta la pequeña. Aunque la familia es pobre, apenas gana suficiente dinero para sobrevivir a través de pequeños delitos y la pensión que reciben de la abuela, parece vivir felices juntos hasta que un incidente imprevisto revela secretos ocultos, dicho acontecimiento probara los lazos que los unen.
La película con guion del propio Hirokazu Koreeda está protagonizada por Lily Franky, Sakura Ando, Mayu Matsuoka, Sosuke Ikematsu, Kairi Jyo, Miyu Sasaki, Naoto Ogata, Yoko Moriguchi, Yuki Yamada, Moemi Katayama, Akira Emoto, Kengo Kora, Chizuru Ikewaki y Kirin Kiki.
Nosotros somos ellos: Análisis y evolución del género de zombis en George A. Romero
El cine de zombis ha conocido un espectacular resurgimiento con la entrada del siglo XXI, en el que han aparecido multitud de películas, series, videojuegos y libros. En el origen de la popularidad de este fenómeno se encuentra el director norteamericano George A. Romero (1940-2017), que con su visión personal dio un giro copernicano al género de los muertos vivientes. El presente libro profundiza en el sentido de la saga de películas que Romero inicia con «La noche de los muertos vivientes» (1968) y que termina con un colofón en forma de cómic en «El imperio de los muertos» (2014), e intenta rastrear la evolución de estos seres en su significación más compleja a través del tiempo.
Autor; Josep Oliver Marroig, Editorial; EDICIONS UIB. Páginas; 128
El Festival de Cine Africano de Tarifa-Tánger cumple 15 años con una mirada a la afrodescendencia
El actor Emilio Buale protagoniza el cartel de la edición 2018 del FCAT que hoy se ha presentado en Madrid. El festival de Cine Africano de Tarifa-Tánger (FCAT) cumple 15 años en su edición de 2018 dando a conocer las cinematografías del continente africano en España y América Latina. A través de filmes que hablan de la cotidianidad de sus lugares y no sólo y necesariamente de derechos humanos, el FCAT ha conseguido que se conozca la diversa y rica realidad de África de la mano de sus cineastas.
Los 15 años del FCAT se han celebrado hoy en Madrid, en un acto en la librería Ocho y Medio, donde se ha presentado la edición de este año, que se celebrará entre el 27 de abril y el 5 de mayo. La directora del festival, Mane Cisneros, ha destacado que el FCAT «cumple el viejo sueño de unir a través de la cultura dos continentes convirtiéndose así en el único evento cinematográfico transfronterizo y transcontinental que se celebra en simultáneo en España y Marruecos«.
El alcalde de Tarifa, Francisco Giráldez, para quien la cultura es «la mejor herramienta» para la unión, ha acudido a la cita en Madrid donde ha destacado que «creer en las alianzas culturales, en el atractivo de las fronteras significa invertir tiempo y recursos«. El primer edil tarifeño ha añadido que «quince años son poco para cambiar dinámicas, pero son un principio para que las fronteras se ablanden«.
Durante la presentación se ha desvelado el cartel del FCAT 2018 que protagoniza el actor español Emilio Buale, quien inició su carrera en el cine de la mano de Imanol Uribe con la película Bwana. La imagen de este año reivindica a la afrodescendencia española en el cine, las artes escénicas y la música en un cartel que también simboliza los 15 años del Festival de Cine Africano y su ayuda a esta visibilización. «El FCAT se ha convertido en una cantera de especialistas del cine africano en España«, en palabras de Mane Cisneros.
De hecho, la afrodescendencia española será el centro de atención en el VI Árbol de las Palabras, el espacio de encuentro y reflexión del FCAT enmarcado en el Programa ACERCA de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). El festival volverá a ser lugar de encuentro, de conocimiento, de intercambio y de comunicación de los actores, actrices, gentes del cine y artistas africanos y españoles de origen afrodescendiente con el resto de la sociedad española. A este encuentro se sumarán artistas internacionales de la diáspora, con el objetivo de crear redes y promover contactos que puedan llevar a futuros proyectos comunes África-Diáspora.
En el Árbol de las palabras se debatirá sobre la complejidad del sector en sus diferentes realidades y lo harán artistas de Reino Unido-Zambia, Italia-Ghana o Francia-Senegal, además de españoles hijos de la diáspora como Santiago Zannou, Armando Buika, Silvia Albert, Lucía Mbomío, Marius Makon, Malcolm Sitté, Astrid Jones, Emilio Buale, Will Shepard o Farah Hamed, entre otros. Poesía, teatro y el espectáculo de afroflamenco contemporáneo de Yinka Esi Graves pondrán la guinda a este espacio de reflexión.
Asimismo, se ha anunciado que el FCAT 2018 dedicará una retrospectiva al histórico cineasta marroquí Ahmed Bouanani (1938–2011) quien, aunque nacido en Casablanca, estudió cinematografía en el Institut des Hautes Études Cinématographiques (IDHEC) en París. Bouanani no solo trabajó como director, sino también como montador y guionista para otros directores marroquíes, además de publicar varios volúmenes de poesía. Esta retrospectiva se presentó por primera vez en el marco de la Berlinale 2017.
La cantante Biselé, nacida en Canarias de padres guineanos y cuyo nombre artístico está tomado del de la tribu de su madre, fue la encargada de poner música a la presentación madrileña con un concierto acústico donde sonaron sus canciones con sabor a mundo: Jazz, flamenco e influencias guineanas.
La programación completa del FCAT 2018 se podrá consultar a principios del mes de abril.
Americana 2018 Día 4. Ingrid Goes West/ The Strange Ones/ Ex Libris: The New York Public Library
Ingrid Goes West
Ingrid tiene problemas mentales serios que siempre la terminan convirtiendo en una chica tóxica para sus amistades. Después de un incidente con su última amiga termina encerrada un tiempo en una clínica mental. Al salir, dispuesta a rehacer su vida, Ingrid se obsesiona con Taylor Sloane, una influencer de Instagram que parece tener todas las dotes de triunfadora de las que ella carece. Entonces comienza un viaje hacia el Oeste con la intención de conocerla. De forma inesperada (y censurable) lo consigue y surge una fuerte amistad. Pero pronto su conducta celosa y extraña pondrá en alerta a Taylor. Ingrid lo ha dejado todo por ella y si ahora la pierde, su vida se hundirá de forma estrepitosa.
Posiblemente lo primero que no estaría de más aclarar de una película de las características de Ingrid Goes West sea su en principio algo confusa adscripción genérica, una mirada algo superficial sobre ella antes de su visionado puede dar a entender erróneamente que estamos simplemente ante una comedia de tono ligero al uso, tanto por las características de su título, de ciertas reminiscencias a la sátira naif, como por algunas de sus instantáneas (póster incluido), indicios estos que puede dar lugar a algún malentendido, de manera algo afortunada la opera prima orquestada por Matt Spicer aun con varias derivas en su haber es algo más que esa manida ecuación estructural tan socorrida en la comedia independiente norteamericana de hoy en día.
Posiblemente los referentes cinematográficos más claros que podamos encontrar en Ingrid Goes West sean tanto el One Hour Photo de Mark Romanek como el The Cable Guy de Ben Stiller, al igual que aquel film protagonizado 
por Jim Carrey nos encontramos ante un relato que basa su narrativa en las dependencias anheladas, de un comienzo amable que termina derivando en una suerte de thriller psicológico, seguidas estas pautas argumentales el gran hándicap que atesora el film de Matt Spicer posiblemente venga dado por no apostar decididamente por una vía genérica que percibamos de forma clara, la película transita a través de la comedia, el relato denuncia y finalmente el thriller, todas ellas expuestas pero no profundizadas de manera conveniente. Es en ese apartado de supuesta denuncia en donde podemos apreciar como las nuevas tecnologías, la soledad y esa liquida forma de relacionarse que tiene gran parte de la sociedad actual en lo concerniente a las redes sociales en donde se echa de menos el matiz y la disección o la crítica a la dependencia de la exposición pública, a su favor es indudable que Matt Spicer sabe manejar según que mecanismos a la hora de ofrecer un producto sumamente entretenido pese a su continuo tono liviano, un desequilibrio narrado en primera persona que se beneficia de una Aubrey Plaza en estado de gracia, lástima que todo lo que se intuye termine siendo expuesto de una forma tan opaca.
Valoración 0/5: 3
The Strange Ones
Dos hombres, un joven atractivo y un niño asustadizo, viajan en coche por los Estados Unidos buscando un sitio para poder acampar e ir de caza. Aunque a simple vista parecen unas vacaciones rurales en familia, rápidamente empieza a entreverse el reverso tenebroso del viaje. Una red de mentiras y hechos terribles envuelven en realidad a los personajes, sumiéndolos en una actitud siniestra y turbia.
No deja de ser una muy buena noticia que un festival como el Americana se atreva a abrir nuevas vías de programación ofreciendo productos autorales tan arriesgados como resulta ser la estimulante opera prima de Christopher Radcliff y Lauren Wolkstein The Strange Ones, largometraje basado en el propio cortometraje homónimo que sus autores filmaron ya hace seis años, un apasionante y oscuro relato de espiritualidad cruda, una huida hacia adelante en donde la delgada delimitación que
separa la realidad de la pesadilla deviene en uno de los imaginarios telúricos más interesantes vistos últimamente dentro del fantástico contemporáneo más autoral.
Es en la construcción de esa atmosfera omnipresente en toda la película y de una clara sutileza ciertamente enfática en donde The Strange Ones echa mano a la referencia, aunque para ello no escoja el camino más complaciente ni el más obvio que digamos, como película de particularísimos enigmas por ahí asoma un primerizo Peter Weir o más que reconocible tono que nos direcciona a un cine pretérito orquestado por Nicolas Roeg, The Strange Ones es de esas películas en donde su muy aparente concepto minimalista se puede llegar a expandir en diversas vías, algunas ciertamente inabarcables, un relato en donde los pliegues temporales, ficticios y reales, dan pie a la inmersión. Posiblemente el gran hándicap que algunos puedan detectar en The Strange Ones sea en ver como ella misma no termina de solucionar sus propios enigmas, es aquí cuando queda claro que lo que realmente parece interesar a Christopher Radcliff y Lauren Wolkstein sea el trayecto y no la finalidad, un viaje en definitiva que basa su propia estructura en la forma de expandir los limites mentales fragmentados a través de lo más estrictamente atmosférico, todo un logro muy a tener en cuenta a la hora de seguir la futura trayectoria de ambos autores.
Valoración 0/5: 3’5
Ex Libris: The New York Public Library
Ex Libris: The New York Public Library lleva al espectador a la trastienda de una de las más grandes instituciones de conocimiento del mundo. La película examina cómo esta legendaria institución ha seguido con sus actividades habituales adaptándose a la vez a la revolución digital. Ex libris: The New York Public Library muestra que las bibliotecas informan y educan de múltiples formas: libros, conciertos, conferencias, clases y mucho más. Esta biblioteca se esfuerza en inspirar el estudio del conocimiento avanzado y fortalecer a la comunidad.
Durante las pasadas crónicas del festival de San Sebastián hemos estado comentando las indudables virtudes que conlleva tener una sección potenciada de forma acertada en estos dos últimos años como Zabaltegi-Tabakalera, un reducto consecuentemente libre de miradas y tendencias genéricas, un rico apartado a modo de cajón de sastre heterogéneo en donde el último trabajo de un indiscutible referente en el documental como es el veterano Frederick Wiseman se encargó de clausurar dicha sección encontrando en él un lógico y muy consecuente acomodo como no podía ser de otra manera.
En la monumental y humanista en conceptos Ex Libris: The New York Public Library vista también en la edición del Americana 2018 el estadounidense Frederick Wiseman a sus 87 años de edad y como lucido retratista de un entorno temporal y territorial determinado nos ofrece una apabullante y exhaustiva visita guiada por el interior de la biblioteca pública de Nueva York, 
su funcionamiento expuesto desde dentro, evidentemente tratándose de su autor este recorrido no es para nada superfluo o convencional en lo referente a propósitos, más bien todo lo contrario, pero siempre dentro de una coordenadas muy propias y plenamente reconocibles, al igual que en su anterior National Gallery estamos ante una inmersión del funcionamiento desde dentro de una institución sin ánimo de lucro, de clara vocación aglutinadora que no solo se dedica a la lectura o al mero almacenamiento de libros, a través de sus salas esta búsqueda del saber está representada por vertientes tan distintas pero al final tan hermanadas como puede ser el apartado a la investigación o el potenciar el mero estimulo del arte en lo referente a toda una diversidad de vertientes tales como el activismo cultural, vecinal e incluso político, una institución de origen burgués hoy al servicio comunitario, en lo concerniente a este apartado hay un espacial énfasis en mostrarnos numerosas reuniones administrativas que dictaminan un proceder a tal respecto, un trabajo tan exhaustivo que por momentos resulta agotador en lo concerniente a su intensidad, un énfasis que hace que sus más de tres horas de duración (resumen de 150 horas de grabación) se nos hagan al final algo insuficientes no en contenido y si en simetría.
La biblioteca pública de Nueva York se erige de esta manera como escenario en el documental de una precisa disección de sus órganos internos, como experimentado documentalista que es Wiseman nos hace participes de tal actividad, y lo hace como no podía ser de otra manera desde una distancia que se nos antoja muy cercana, su cámara en ningún momento incide en lo que se nos muestra, no juzga ni intercede a través de una visión individual, no existe un discurso como tal, y si lo hubiera este se ampararía en lo más estrictamente democrático a la hora de hilvanar el testimonio coral que anida en el interior de dicho organismo, tan solo nos expone un retrato a través de la observación, de cómo esta legendaria institución cultural actúa a modo de mapa interactivo del conocimiento, como se adapta a los nuevos tiempo en esa función formativa, no es un recurso institucional y si en cierta manera una obligación el dar la máxima accesibilidad a la cultura más allá de su primigenio apartado literato, en este aspecto si una cosa deja clara un documental de las características de Ex Libris: The New York Public Library es la ineludible función de dicho organismo a la hora de ser una herramienta clave a la hora de batallar a través de su fomentación al acceso de información para las clases más desfavorecidas, Frederick Wiseman nos viene a decir a través de sus imágenes creadas en el valor existente que anida en el conocimiento a modo herramienta de progreso en constante evolución. En unos días en donde se vulgariza hasta extremos insospechados la coletilla de cine necesario una obra tan medida y épica en lo referente a sus postulados como resulta ser Ex Libris: The New York Public Library valida por completo y sin que sirva de precedente dicha afirmación.
Valoración 0/5: 4’5
Silvio Berlusconi según Paolo Sorrentino, primer teaser de «Loro»
Acaba de ver la luz un primer adelanto en forma de un breve teaser de 30 segundos de duración y subtitulado al inglés que podéis ver a final de página de Loro, el nuevo trabajo tras las cámaras de realizador italiano Paolo Sorrentino tras las buenas sensaciones que nos dejó su excelente serie de televisión The Young Pope, en esta ocasión el autor de origen napolitano se adentra en un biopic sobre la vida y obra de Silvio Berlusconi, personaje que estará interpretado en esta ocasión por el indispensable y habitual colaborador de Sorrentino Toni Servillo. Vistas las primeras imágenes de una cinta que posiblemente podría tener su premier mundial en el próximo Festival de Cannes en su formato completo, recordemos que la película estará dividida en dos partes, una primera que se estrenará en Italia el próximo 24 de abril y una segunda que verá la luz un mes más tarde, el 24 de mayo, todo parece indicar que estamos ante una mirada nada complaciente sobre la controvertida vida de dicho personaje en el que es posiblemente el proyecto más ambicioso realizado hasta la fecha por Paolo Sorrentino.
Loro con guion del propio Paolo Sorrentino junto a Umberto Contarello y música compuesta por Lele Marchitelli está protagonizado por Toni Servillo, Riccardo Scamarcio, Chiara Iezzi, Elena Sofia Ricci, Ricky Memphis, Roberto Herlitzka, Roberto De Francesco, Alessia Fabiani, Dario Cantarelli, Fabrizio Bentivoglio y Giulia Alberti.
Americana 2018 Día 3. Menashe/Dina/The Endless
Menashe
En una comunidad judía ultraortodoxa de Brooklyn, un viudo lucha por la custodia de su hijo. Realizada en su totalidad dentro de una comunidad judía y protagonizada, por tanto, por un actor no profesional, Menashe Lustig, la cinta explora de modo íntimo la naturaleza de la fe y el precio de la paternidad.
El debut en la ficción de Joshua Weinstein tras una amplia experiencia dentro del formato documental vino de la mano de Menashe, film que nos narra una historia de claro tono universal, las vicisitudes siempre de un índole problemático de un padre viudo a la hora de poder hacerse cargo de su único hijo, aunque más que una crónica de características humanas lo que nos termina mostrando Menashe es la inmersión con algún que otro retazo critico en una comunidad tan hermética en lo referente a reglas como es la ortodoxa judía residente en Brooklyn.
En Menashe somos testigos siempre dentro de una narrativa que colinda de forma algo tímida en su uso con el género documental, sensación esta acrecentada al estar hablada en su casi totalidad en idish y estar protagonizada en su gran mayoría por actores no profesionales, dicha exposición se sustenta en ver como esa aparente critica a un determinado colectivo está fundamentada principalmente a través de la apropiación de una
mirada de un público no afín a dicha estructura religiosa, posiblemente este sea el principal mérito de una película de las características de Menashe a parte de su honesta adscripción a la hora de mostrarnos una loable y determinada cotidianidad, en este aspecto la mirada ofrecida por Joshua Weinstein no se detiene en ningún momento en juzgar estrictas leyes, preceptos o determinados personajes y si en exponer un equilibrio de tales conceptos expuestos a través de contrastes de tonos claroscuros, tan hermética es la comunidad y reglas ancestrales establecidas por dicha conclave ultra ortodoxo (empeñado en volver a casar al protagonista a toda costa como norma sine qua non para volver a hacerse cargo de su hijo) como incapaz e inoperante ante tal labor de dicho personaje por mucha empatía que desprenda su loable intención de seguir una independencia emocional. Posiblemente la mejor escena existente en Menashe venga dada en lo relativo a esa mecánica de las relaciones, en ella vemos como nuestro protagonista se abre emocionalmente (la única vez que lo vemos hacer de forma honesta) ante unos compañeros de trabajo de origen latino, ese momento intimo lejos de la estructura férrea en la que convive describe a la perfección y lejos del tono liviano existente en el relato los anhelos de un individuo por encauzar una segunda oportunidad a través de una propia confesión redentora.
Valoración 0/5: 2’5
Dina
Describe la poco convencional historia de amor entre Dina Buno y Scott Levin, una pareja de recién casados pero complicada por sus respectivas circunstancias. Scott tiene el síndrome de Asperger y huye del contacto físico, desde dar la mano a Dina hasta mantener relaciones sexuales. A su vez, Dina aún cicatriza física y emocionalmente relaciones pasadas: sobrevivió a su primer marido, y casi murió a manos de su anterior novio.
Otro de los documentales vistos este año dentro de la sección DOCS fue Dina, trabajo que venía avalado con el premio al mejor documental en el festival de Sundance de 2017, el segundo trabajo tras las cámaras del dueto formado por Antonio Santini y Dan Sickles tras su estimable retrato transgénero Mala Mala circunvala la crónica diaria de una relación que con respecto a la mirada del público deviene como no convencional, tan inusual ante nuestros ojos dada su naturaleza como afectiva y empática en la mejor utilización de tales términos.
Dina se mueve principalmente a través de retrato cotidiano, en como solventar los problemas habituales de una relación sentimental, al igual que el anterior trabajo de sus autores 
estamos antes un día a día de personas que en un principio no entran dentro de los parámetros dictados por la sociedad como normales, sin embargo el trazo narrativo impuesto por Antonio Santini y Dan Sickles se aleja conscientemente de la mirada exterior (la nuestra) y la fija en el ámbito doméstico y cotidiano de los propios protagonistas, no se trata solo de hacernos partícipes de una crónica que se basa principalmente en la escucha y la mirada sino en la exposición de una relación que como cualquier otra está llena de obstáculos, no tanto por la naturaleza de sus personajes, ya plenamente asumida por ellos mismos y si en la sinceridad de unas relaciones alejadas de la perfección, el con graves problemas a la hora de desenvolverse en los momentos más íntimos y ella teniendo que lidiar con las heridas afectivas de un pasado especialmente duro. Dina termina convirtiéndose en la quintaesencia de lo que consideramos como relato verité, con sus ventajas e inconvenientes que todo ello puede conllevar, a partir de ese posicionamiento plagado de dramas, toques humorísticos y momentos incomodos se establece la esperada comicidad de quien esta visionando como principal cualidad de un relato que termina poniendo a la misma altura a personajes y espectadores, todo un logro se mire como se mire.
Valoración 0/5: 3
The Endless
Años atrás, los hermanos Justin y Aaron lograron escapar de la secta donde se habían criado. Ahora, malviven en un apartamento de Los Ángeles, hasta que un día reciben una cinta de vídeo de aquella secta, y a Aaron le entran las dudas de si deberían volver al campamento del que huyeron.
La nueva película del dueto formado por Justin Benson y Aaron Moorhead fue una de las propuestas más sorprendentes vistas este año tanto en el pasado Festival de Sitges como en el Americana 2018, una película que empieza a modo de thriller sobre sectas para ir mutando poco a poco hacia un sugerente tratado de horror cósmico en clave sci-fi, a medio camino entre el cine de Val Lewton y la literatura de H. P. Lovecraft planteándonos en su final varias reflexiones sobre la relaciones afectivas y 
como llevarlas que por momento parece derivarnos al cine de Richard Linklater, por increíble que parezca dicha amalgama genérica por momentos logra funcionar de un modo ciertamente sorprendente. Todo el cine realizado por Justin Benson y Aaron Moorhead hasta la fecha ha dado la sensación de querer abarcar mucho más de lo que realmente puede conceptuarlo, algo que ya era muy visible en sus anteriores Resolución y Spring, en The Endless esta percepción se incrementa y es incluso más notoria, evidentemente tal mixtura genérica y de conceptos varios terminan derivando en una leve irregularidad en lo relativo a su narrativa pero hay un intento por parte de sus autores ciertamente elogiable en querer ampararse solamente en la imagen y la palabra y no en el artificio genérico más común a la hora de contarnos una historia fantástica, se sugiere más que se matiza, posiblemente la precariedad de la que parte tenga algo de culpa en todo esto pero no deja de ser meritorio la honestidad en proponer un discurso muy fiel y deudor a ciertas coordenadas del cine de género y como amparándose a través de todo ello ofrecernos una mirada muy personal.
The Endless con todas las derivas que puede atesorar representa a la perfección el mejor y más honesto cine independiente de género que a día de hoy podemos ver, aquel que no le tiembla el pulso a la hora de ofrecer un discurso y una mirada personal, la decisión de los propios directores de ser los protagonistas del film no es casual, más bien se trata de una declaración de intereses, un posicionamiento que en parte que demuestra lo irreductible de tan estimulante propuesta.
Valoración 0/5: 3’5
«La noche de Halloween» celebrará su 40 cumpleaños en la próxima edición del Festival de Sitges
El certamen también recordará al mito de Frankenstein en su bicentenario destacando su origen y mitología femenina. La 51ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya añade dos nuevos focos temáticos que complementarán al ya anunciado leitmotiv del certamen en torno al 50º aniversario de la mítica 2001: Una odisea del espacio, de Stanley Kubrick, y del fantástico surgido en 1968, como la fundamental La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero. El Festival conmemorará el estreno en 1978 de La noche de Halloween, la popular película de John Carpenter que canalizó las influencias del psycho-killer, el giallo y los serial killers más aterradores creando un subgénero conocido como slasher.
El slasher –que dominó el cine de terror desde finales de los años 70 y durante toda la década de los 80–estableció unas reglas y certificó el protagonismo activo y pasivo de los adolescentes en el género, mitificando personajes como Michael Myers o Jason Vorhees a través de una serie de productos de bajo presupuesto y gran rendimiento comercial tanto en las grandes pantallas como en el incipiente negocio del alquiler de películas en VHS. Muchas de aquellas películas, en su momento poco o nada apreciadas por la crítica, se han ido convirtiendo en títulos de culto cuya revisión se produjo gracias al éxito de la saga Scream, creada por Wes Craven y que, a su vez, generó una nueva ola de slashers que, en muchos casos, fueron remakes o secuelas de los grandes éxitos de los ochenta. Sitges recuperar á en una retrospectiva algunos de los mejores títulos de este subgénero, así como investigará en sus orígenes y legado.
Por otra parte, el bicentenario de la publicación de Frankenstein también será recogido por Sitges en una retrospectiva que destacará la naturaleza femenina del mito, destacando no solo el hecho de ser la primera gran novela de ciencia-ficción y horror escrita por una mujer (Mary W. Shelley) sino también la importancia de la figura femenina en muchas de sus adaptaciones como La novia de Frankenstein, de James Whale o Frankenstein creó la mujer, de Terence Fisher.
Americana 2018 Día 2. The Work/Weirdos
The Work
Ambientada enteramente dentro de la Prisión de Folsom, ‘The Work’ sigue a tres hombres durante cuatro días de terapia de grupo intensiva con convictos, haciendo un retrato íntimo y poderoso de la auténtica transformación humana que trasciende lo que entendemos como rehabilitación.
Uno de los trabajos vistos este año en esa sección tan interesante que es DOCS, y que a algunos nos gustaría que fuera algo más amplia en títulos, fue The Work, documental que venía avalado por ser la ganadora del Gran Premio del Jurado SXSW en el año 2017, un trabajo de evidentes consonancias extremas pues obvia cualquier tipo de estructuras habituales en dicho formato, un dispositivo el expuesto por Jairus McLeary y Gethin Aldous carente de cualquier voz en off o hilo narrativo al uso en dicho género, su dialéctica podríamos considerarla como desnuda pues solo se sustenta en el sentido más exploratorio de dicho termino.
En este sentido resulta harto evidente que estamos ante un trabajo que difícilmente admitirá medias tintas por parte del espectador, esta catarsis personal (que no rehabilitación pues solo asistimos a una terapia de cuatro días) a la
que asistimos a modo de profunda exploración individual cuya mayor funcionalidad posiblemente consista en compartir un dolor propio direccionado a personas ajenas, ante tal tesitura emocional una de las cosas más interesantes que se pueden sacar en claro en de The Work es en ver como esa masculinidad y dolor ajeno no entiende de ningún estatus social en dicho tratamiento como podemos presenciar en dichas sesiones, la curiosidad de ver como convictos violentos de los cuales la gran mayoría pasaran el resto de su vida entre rejas son los que les abran las puertas emocionales al urbanita de a pie a la hora de exorcizar y compartir sus propios demonios interiores es ciertamente paradójico. Posiblemente el gran interrogante que me viene a la mente después de visionar un trabajo de las características de The Work venga dado en lo relativo a su supuesta autenticidad, no en lo que vemos pues esto no admite ningún tipo de dudas pero si en referencia a la manipulación de dicho metraje por parte de sus creadores, hay un énfasis que parece muy evidente en intentar destacar la expresividad de lo emocional, abundancia de primeros planos, utilización del sonido etc, en este aspecto no hubiera estado de más un cierto distanciamiento por parte de las cámaras, aunque solo sea a modo de respiro de esta experiencia tan interesante en sus interacciones emotivas como ciertamente agotadora en lo referente a sus propios postulados.
Valoración 0/5: 2’5
Weirdos
Es 1976 y la guerra de Vietnam ha terminado. Dos adolescentes canadienses, Kit y Alice, deciden escapar de casa juntos y viajar hasta la costa este de Canadá para vivir aventuras y visitar a la madre bohemia del chico. Durante la travesía, llena de música rock, apariciones estelares de Andy Warhol y borracheras adolescentes, los dos tendrán que vencer su timidez y aceptarse a ellos mismos, aunque sea muy difícil hacerlo.
La nueva película del canadiense Bruce McDonald (realizador que ha día de hoy parece haber tocado todas las teclas genéricas posibles) nos introduce en el contexto genérico de la road movie, un relato de autodescubrimiento (aquí nuevamente de índole sexual) que se mueve a través de un dramatismo generacional provisto de ligeras pinceladas de comedia de marcada estética setentera, en cierta manera Weirdos es de esa clase de películas que no termina de explotar del todo en lo relativo a la supuesta profundidad por la que aparentemente da la sensación de transitar.
Ese posicionamiento por parte de Bruce McDonald (responsable de esa joya del fantástico a reivindicar de forma urgente como es Pontypool,
film con un extraordinario Stephen McHattie también presente en Weirdos en forma de breve cameo) consensuado o no nos remite a una cierta inconsistencia temática que parece buscar de forma algo forzada la empatía por parte del espectador, es evidente que el envoltorio es ciertamente atrayente especialmente en según qué hábil manejo técnico aunque no tanto en lo referente a su interior, un uso dinámico musical, interesante captación de imágenes que le otorga un empaque visual potente, mimbres estos que uno tiene la sensación que no logran contrarrestar del todo una trascendencia que si acaso vemos de forma muy tímida en su tramo final. Por otra parte en esta relación de amistad entre chico y chica hay un intento en romper dicho hermetismo temático por parte del realizador mediante fugaces apariciones mágicas de un imaginario Andy Warhol a modo de conciencia aleccionadora del confundido protagonista principal en un film en donde sí algo queda claro es en lo relativo a su fiel posicionamiento a un universo de claras consonancias adolecentes que intenta explorar de forma algo irregular las incertidumbres varias que atañen a sus protagonistas.
Valoración 0/5: 2’5
Americana 2018 Día 1. Golden Exits/ Beach Rats
Golden Exits
Kevin y Alyssa (Chloë Sevigny) son un matrimonio estancado, él es archivador y ella, psicóloga. Buddy (Jason Schwartzman) y Jess trabajan juntos en un estudio de música. Gwen (Mary-Louise Parker), la hermana de Alyssa, soltera y sin tapujos, tiene de ayudante a Sam, hermana de Jess. Un buen día Naomi, una estudiante australiana y amistad temprana de Buddy, empieza a trabajar como ayudante de Kevin. Las dos parejas que antes solo compartían un mismo barrio ahora se ven afectadas por la inestabilidad y fragilidad del orgullo masculino.
Alex Ross Perry fue el gran invitado este año en esta nueva edición del Americana 2018, el director neoyorquino del que se pudo ver la totalidad de su escueta pero muy interesante filmografía en la Filmoteca de Catalunya presento su último trabajo tras las cámaras, Golden Exits, film que nos acerca a un retrato coral con epicentro territorial en Brooklyn en donde una serie de personajes anclados en un limbo de convivencia digamos en las antípodas de lo considerado como felicidad se verá alterado con la presencia de un elemento distorsionador.
Golden Exits transita a través de la insatisfacción de gente en apariencia insípida, partiendo de la base en que cierto cine y muy especialmente el perpetrado por Alex Ross Perry podría definirse perfectamente como un fiel reflejo de la fantasmalogia del desencanto actual que subyace en una determinada sociedad, la anhelada
estabilidad dentro del nucleó familiar que vemos en el último film de Alex Ross Perry es explorada a partir de la muerte del cabeza de familia, hecho y posterior detonante que dará pie a la aparición de ese elemento venido del exterior representado en la película en la figura de una joven becaria, personaje que no deja de ser paradójico al ser el más deseados por todos siendo ella misma la más perdida de dicho conclave. Golden Exits se adentra de esta manera en un juego de vidas cruzadas y espejos en donde la ya constatada perdida en prácticamente todos sus protagonistas de una motivación que les aleje de una vida que ya es plenamente predecible se disecciona a partir de un retrato coral en donde el dialogo o incluso la utilización de los silencios por el que transitan los personajes en esas aparentes zonas de confort en la que conviven deviene como un lúcido y muy amargo retrato de la infelicidad, es en ese amplio y acertado subtexto que nos ofrece Alex Ross Perry en donde se percibe claramente el talento de un autor que se aleja conscientemente de etiquetas, aquí en una obra que se percibe como plenamente coherente e igualmente rupturista en referencia a su anterior y esplendido film Queen of Earth, relatos en donde oscuras derivas existenciales son representadas como un fiel reflejo de la perdida de lo que entendemos como el bienestar emocional.
Valoración 0/5: 3’5
Beach Rats
Un adolescente de Brooklyn sin objetivos lucha por escapar de su desoladora vida familiar y averiguar cuestiones sobre su identidad, mientras pasa el tiempo con sus amigos delincuentes, una posible nueva novia y hombres mayores que conoce online.
Beach Rats podríamos aseverar que parte del beneplácito en un principio de no transitar a través de un consabido Coming of Age al uso, termino y aplicación tan denostado hoy en día dentro de actual cine independiente norteamericano que por momentos se hace temible, o al menos es lo que nos quiere dar a entender de buenas a primeras la narrativa perpetrada por Eliza Hittman que parte de un relato en donde la sexualidad masculina nos es expuesta en todo momento mediante una corporeidad de tono casi extremo ya no solo en referencia a lo más meramente físico sino también en lo referente a lo escénico, dicho mimbre estructural nos invita a entrar dentro de un contexto de confusión mental
con un continuo y vano esfuerzo por pate del protagonista en intentar modificar una naturaleza sexual que parece ya de por si plenamente asentada dentro de su subconsciente.
No deja de ser algo sorprendente que sea una mirada femenina la que se adentre en un relato de tantas consonancias homoeroticas como el que vemos en Beach Rats, el segundo trabajo tras las cámaras de la realizadora Eliza Hittman incide en el retrato de una acrecentada crisis de identidad, argumentación esta posiblemente bastante recurrente en el cine actual si bien la manera en que nos es contada no lo llega a ser tanto. De alguna manera Beach Rats es de esas películas en donde la narrativa parece no fluir de una forma convencional, lo que percibimos al principio del film viene a representar prácticamente lo mismo una vez concluido, no hay una transición argumental por así decirlo en esta historia de apariencias identitarias en donde se confrontan como entes contrapuestos una homosexualidad latente y una hipermasculinidad aparente, todo ello a través de una sola mirada pues tanto familia como compañeros del protagonista no dejan de ser meraos acompañamientos no explorados de una forma casi deliberada en un relato en donde el lenguaje corporal es la herramienta clave utilizada tanto por Eliza Hittman a la hora de describir en imágenes un desconcierto vital como por parte del joven protagonista en su propósito de intentar conectar a través de su cuerpo con el mundo que le rodea.
Valoración 0/5: 3
Wagner y el cine: De las películas mudas a la saga de Star Wars
La obra de Richard Wagner es fuente de continua inspiración artística y de controversia ideológica, tanto en literatura y filosofía como en las artes visuales, además de la música. El cine no es una excepción. Sus dramas musicales, sus argumentos y sus personajes han influido en artistas, poetas, en compositores y también en directores de cine. En Wagner y el cine, un grupo de historiadores culturales y musicólogos examina la influencia del wagnerismo en el cine, desde las era de las películas mudas a la actualidad, y aporta ejemplos del empleo que los filmes comerciales han hecho de Wagner.
La estética wagneriana, desde Fritz Lang a George Lucas, ha motivado a multitud de artistas en el ámbito del cine. Su técnica del leitmotiv ha sido recurrente en todos los géneros cinematográficos, desde la comedia a los dibujos animados, pasando por la ciencia ficción o el de terror. En este libro se analizan películas que van desde el primer biopic del compositor, Wagner (1913) –protagonizada por Giuseppe Becce, el «doble» de Wagner–, hasta films taquilleros y de acción como Gladiator (2000).
A pesar de su resonancia –estética, musical e ideológicamente–, las investigaciones críticas y analíticas sobre Wagner y el cine no se pusieron en marcha hasta la década de los ‘80, al cumplirse el centenario de la muerte del compositor. Los ensayos incluidos en este libro –el primero de estas características– entablan un diálogo crítico con los estudios existentes y aumentan de forma relevante nuestro conocimiento sobre Wagner –el más grande compositor dramático de todos los tiempos–, contribuyendo de manera esencial a la investigación en historia cultural y crítica musical. Este volumen, de lectura estimulante, pretende propiciar el diálogo en la creciente comunidad de interesados en el wagnerismo en el cine, impulsando una verdadera Comunidad del Anillo.
Prólogo de Tony Palmer
Traducción de Juan Lucas y David Rodríguez Cerdán
Autor; Gilman, Sander y Joe, Jeongwon, Editorial; Fórcola Ediciones. Páginas; 648
Tráiler español de la última producción Blumhouse «Verdad o Reto»
La productora Blumhouse se ha convertido en estos últimos años en todo un referente en lo concerniente al cine de terror proveniente de Estados Unidos, en principio y salvo sorpresas de última hora serán tres las cintas que estrenará en este 2018 la compañía dirigida por Jason Blum, The First Purge, precuela de la exitosa franquicia, la nueva entrega de Halloween a estrenar el próximo otoño y Verdad o Reto (Truth or Dare) película que verá la luz en nuestro país el próximo 4 de mayo, una semana después de su estreno USA y cuyo primer tráiler en castellano de la mano de Universal Spain y póster oficial podéis ver a final de página. Tras las cámaras encontramos a Jeff Wadlow quien debuto en la dirección en 2005 con la simpática Cry Wolf a la que le siguieron trabajos algo más discretos como Never Back Down 2008, Kick-Ass 2 2013 y The True Memoirs of an International Assassin 2016.
En Truth or Dare vemos como lo que empieza siendo una reunión entre un grupo de amigos pasándoselo bien empieza a enrarecerse en el momento que empiezan a jugar a Verdad o Reto. Lo que parece un simple pasatiempos de niños se acaba convirtiendo en algo terrorífico, un juego en el que si no siguen las normas o se niegan a jugar serán poseídos por un demonio que les obligará matarse entre ellos mismos.
La película con guion del propio Jeff Wadlow junto a Jillian Jacobs, Michael Reisz y Christopher Roach y música compuesta por Matthew Margeson está protagonizada por Lucy Hale, Tyler Posey, Violett Beane, Nolan Gerard Funk, Hayden Szeto, Sophia Taylor Ali, Landon Liboiron, Aurora Perrineau, Sam Lerner, Brady Smith, Carlo Sciortino, Tom Choi, Tim Neff, Morgan Lindholm y Omar Leyva.
Retrospectiva Nobuhiro Suwa y primeros títulos de la octava edición del D’A Film Festival de Barcelona
FOCUS D’A 2018: NOBUHIRO SUWA
El D’A 2018 dedica su retrospectiva al director japonés establecido en Francia Nobuhiro Suwa (Hiroshima, 1960), director que comparte generación con Hirokazu Kore-eda y Naomi Kawase, y que en una carrera de 20 años ha dirigido seis largometrajes. Con su debut, 2/dyuo (1997), ganó el premio NETPAC al mejor film asiático en el Festival de Rotterdam y su segundo largometraje M/Other (1999) lo consagró internacionalmente cuando ganó el premio FIPRESCI en Cannes. También ha sido galardonado en Locarno con el premio especial del jurado por Un couple parfait (2002). Su último film, Le lion est mort ce soir (2017), protagonizado por Jean-Pierre Léaud, se estrenó mundialmente en el Festival de San Sebastián. La única de sus películas estrenada comercialmente hasta el momento en España es Yuki & Nina (2009). Su obra está recorrida por dos impactos ineludibles: el peso simbólico de su ciudad, Hiroshima, en la historia contemporánea; y las formas estéticas y poéticas del cine de la nouvelle vague, de quien se considera deudor y del que toma el trabajo de improvisación con los actores. La retrospectiva dedicada a Nobuhiro Suwa se realiza con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya, espacio donde se realizarán las proyecciones.
PRIMEROS TÍTULOS DE LA OCTAVA EDICIÓN DEL D’A
El D’A Film Festival de Barcelona vuelve por primavera en la ciudad y del 26 de abril al 6 de mayo presentará cerca de cien títulos, con una combinación de directores debutantes y nombres consolidados, películas que han triunfado en festivales internacionales y apuntando el radar hacia las nuevas tendencias de la creación cinematográfica, incluyendo lo más nuevo que está pasando en el cine español. Diez días dedicados a la cinefília, las propuestas emergentes y de riesgo y lo mejor del cine de autor, con la posibilidad de conocer de cerca a los directores y conversar sobre sus obras.
Entre los primeros nombres confirmados en el D’A 2018, los estrenos en España de The Green Fog, el nuevo film de Guy Maddin (en colaboración con Evan y Galen Johnson), un trabajo experimental que parte del Vértigo de Alfred Hitchcock; First Reformed de Paul Schrader, mítico guionista y director de la nueva ola de cine estadounidense de los 70; y Hannah del director italiano Andrea Pallaoro, protagonizada por Charlotte Rampling, que ganó la Copa Volpi a la mejor actriz por esta película en la Biennale de Venecia 2017.
No pueden faltar en el festival nombres indiscutibles y relevantes del cine actual, clásicos incombustibles de la autoría contemporánea como Philippe Garrel y su última película Amante por un día, protagonizada por Esther Garrel y Éric Caravaca; Alive in France del director de culto Abel Ferrara; una de las tres películas que Hong Sang-soo dirigió en 2017, The Day After, presentada en Cannes 2017; y Los fantasmas de Ismaël de Arnaud Desplechin, protagonizada por Mathieu Amalric, Charlotte Gainsbourg y Marion Cotillard. A su lado, nuevos referentes autorales como la directora Valeska Grisebach y la multipremiada Western, o el director Jonas Carpignano con su film A Ciambra, producido por Martin Scorsese, nominado a los Independiente Spirit Awards y ganador del premio al mejor actor en el Festival de Sevilla.
TALENTO ESPAÑOL EN EL D’A 2018
Una vez más, en el D’A 2018 se darán cita las producciones españolas más recientes de directores punteros, emergentes y vanguardistas, con obras muchas veces realizadas al margen de la gran industria. Luis López Carrasco vuelve al festival después de El futuro, película clave del nuevo cine que se hace en España, para presentar Aliens, cortometraje estrenado en los festivales de Locarno y el TIFF canadiense y que ganó el premio al mejor corto en el festival Cinespaña de Toulouse. También se presentarán dos obras que han pasado de manera destacada por la Berlinale 2018: el estreno español de Con el viento, el debut en el largometraje de ficción de Meritxell Colell, protagoniza por Ana Fernández, Elena Martín (Júlia ist) y la bailarina Mónica García; y el estreno catalán de Penèlope de Eva Vila, que mezcla elementos de ficción con su experiencia en el documental para reinterpretar el mito de La Odisea de Homero. Unos cuantos años, diez en concreto, ha tardado Gustavo Sánchez en completar I Hate New York, documental producido por J.A. Bayona, que muestra la cara B de la ciudad de Nueva York acompañando cuatro mujeres transgénere protagonistas de la escena underground. Completan los primeros nombres de directores españoles del festival, Miguel Ángel Blanca, genio inclasificable, y su película Quiero lo eterno, obra poética y nihilista que sigue a un grupo de adolescentes que vive en una realidad propia; y finalmente Grimsey, de Richard García y Raúl Portero, una producción de Zentropa España.
Tráiler oficial de «Yellowstone», la serie creada por Taylor Sheridan e interpretada por Kevin Costner
Indiscutiblemente Taylor Sheridan es uno de los nombres de la actualidad, el guionista de Sicario y Hell or High Wate y director de la reciente y espléndida Wind River da el salto al medio catódico con Yellowstone, serie televisiva, cuyo primer tráiler oficial podéis ver a final de página, que está escrita y dirigida en su totalidad por el propio Sheridan en una historia ambientada en el negocio de los ranchos y la ganadería que nos vuelve a introducir geograficamente en el western fronterizo. La serie que cuenta como principal protagonista con Kevin Costner (quien vuelve a la televisión tras su exitosa Hatfields & McCoys) constará de doce episodios viendo la luz el próximo 20 de junio de la mano de Paramount Network.
En Yellowstone vemos como John Dutton es el propietario del rancho más grande de Estados Unidos. Él y sus hijos entablarán una lucha sin cuartel contra una reserva india y contra el Gobierno federal de Estados Unidos que intenta expandir el parque nacional contiguo a la propiedad de los Dutton.
La serie con guion del propio Taylor Sheridan está protagonizada entre otros por Kevin Costner, Kelsey Chow, Kelly Reilly, Wes Bentley, Gil Birmingham, Cole Hauser, Ian Bohen, Luke Grimes, Michael Nouri, Wendy Moniz, Dave Annable, Geno Segers, Golden Brooks, Jeremiah Bitsui, Jefferson White, Austin R. Grant, Mason D. Davis, Atticus Todd, J.R. Cacia, Denim Richards, Christopher May, David Cleveland Brown, Michael Todd Behrens, Dakota Love y Heather Hemmens.
«In Fabric», el vestido maldito de Peter Strickland
Con tan solo tres trabajos en su haber, Katalin Varga (2009), Berberian Sound Studio (2012) y The Duke of Burgundy (2014) el realizador británico Peter Strickland se ha convertido por méritos propios en una de las voces autorales más interesantes del actual panorama cinematográfico europeo, en este 2018 sus seguidores estamos de enhorabuena pues verá la luz su nuevo trabajo tras las cámaras que tendrá por título In Fabric, un film de fantasmas protagonizado por Marianne Jean-Baptiste que tratándose de un autor tan peculiar como Strickland seguro que no dejara indiferente a prácticamente nadie.
In Fabric esta ambientada en el período de las ventas del invierno de un gran almacén comercial, la trama sigue el devenir de un vestido en apariencia maldito que va pasando de persona en persona con consecuencias devastadoras. El film supone una nueva colaboración de Peter Strickland con el productor Andy Starke con quien ya había colaborado anteriormente en The Duke of Burgundy, según el propio Starke “Peter es uno de los autores más singulares y visionarios de este momento. Es fantástico poder trabajar nuevamente con él en una película tan especial como In Fabric”. La película actualmente en fase de post producción será posiblemente uno de los platos fuertes de festivales de después del verano como Toronto o Venecia.
In Fabric con guion del propio Peter Strickland y fotografía a cargo de Ari Wegner está protagonizada por Marianne Jean-Baptiste, Gwendoline Christie, Sidse Babett Knudsen, Caroline Catz, Julian Barratt, Hayley Squires, Leo Bill, Richard Bremmer, Steve Oram, Susanna Cappellaro, Sara Dee, Eugenia Caruso, Jaygann Ayeh, Pano Masti, Terry Bird, Simon Manyonda, Derek Barr, Fatma Mohamed y Barry Adamson.
La cotidianidad del aprendizaje, tráiler de «La vida lliure» de Marc Recha
Presentada en la pasada edición del festival de Gijón y estrenada comercialmente este fin de semana en salas comerciales de nuestro país y como preámbulo a la review que publicaremos próximamente nos detenemos brevemente en el nuevo trabajo tras las cámaras del siempre interesante Marc Recha La vida lliure, film cuyo tráiler oficial y póster podéis ver a final de página. En La vida lliure el realizador catalán vuelve como ya lo hizo en sus anteriores y notables Petit indi y Un día perfecto a introducirnos en un relato de claros contornos minimalistas y autobiográficos en donde se nos expone los cuentos de aventuras de tono oral con claras e inequívocas referencias en esta ocasión a los relatos clásicos de piratas, muy especialmente a La isla del Tesoro de Robert Louis Stevenson.
La vida lliure nos sitúa en el año 1915, Tina y Biel descubren un valioso tesoro en su isla de Menorca y deciden utilizarlo como moneda de cambio para poder viajar con su madre a Argel, que ya está allí buscando trabajo. El mayor deseo de estos dos hermanos es llegar al país africano y para conseguirlo piden ayuda a Rom, un hombre solitario que no rinde cuentas a nadie.
La película con guion del propio Marc Recha, música compuesta por su hermano Pau Recha y fotografía a cargo de Hélène Louvart está protagonizada por Mariona Gomila, Macià Arguimbau, Sergi López, Miquel Gelabert, Nuria Prims y Blai Bonet.
Más allá del culto, tráiler de «The Endless»
A las puertas de dar inicio una nueva edición del Americana no está de más el detenernos brevemente en algunas de las películas que estarán presentes en esta nueva edición del Festival de cine independiente norteamericano de Barcelona, un certamen que durante estos últimos años ha tenido un pequeño espacio destinado a films de género fantástico, si en pasadas ediciones pudimos ver las óperas primas They Look Like People por parte de Perry Blackshear y Another Evil de Carson D. Mell este año es turno para The Endless, film cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película que se pudo ver en la pasada edición del Festival de Sitges (reseña aquí) supone el tercer trabajo tras las cámaras del dueto formado por Justin Benson y Aaron Moorhead tras sus estimulantes Resolution 2012 y Spring 2015, The Endless, posiblemente su mejor trabajo hasta la fecha, nos sitúa en un relato plagado de claras referencias Lovecrianas a medio camino entre el horror cósmico y las sectas.
En The Endless que se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 16 de abril vemos como años atrás, los hermanos Justin y Aaron lograron escapar de la secta donde se habían criado. Ahora, malviven en un apartamento de Los Ángeles, hasta que un día reciben una cinta de vídeo de aquella secta, y a Aaron le entran las dudas de si deberían volver al campamento del que huyeron.
La película con guion de Justin Benson y música a cargo de Jimmy Lavalle está protagonizado por los mismos Aaron Moorhead y Justin Benson junto a Tate Ellington, Callie Hernandez, James Jordan y Lew Temple.
Multiculturalismo, cine y medios de comunicación
