Mes: marzo 2022
Peligrosa clonación, tráiler de lo nuevo de Riley Stearns «Dual»
Con tan solo dos largometrajes a sus espaldas, Faults (20214) y The Art of Self-Defense (2019), Riley Stearns se había convertido a fecha de hoy en uno de los realizadores más interesantes del actual cine independiente norteamericano. Después de transitar por conceptos colindantes con el fantástico en su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Dual, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, Riley Stearns se adentra por primera vez en el género de la ciencia ficción distópica aderezado con ese tipo de humos negro tan característico en sus películas. Dual que tuvo su premier mundial en el pasado festival de Sundance se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 15 de abril.
En Dual vemos como una mujer opta por un procedimiento de clonación llamado “Replacement” después de recibir un diagnóstico terminal, pero cuando inesperadamente se recupera, sus intentos de que su clon sea dado de baja fracasan, lo que lleva a un duelo a muerte ordenado por la corte.
La película con guion del propio Riley Stearns está protagonizada por Karen Gillan, Aaron Paul, Beulah Koale, Andrei Alén, Theo James, Kristofer Gummerus, Maija Paunio, June Hyde y Donat Balaj.
La Casa Encendida: Cine Contemporáneo futuro Imperfecto
Durante abril y mayo, el cine contemporáneo de La Casa Encendida presenta cinco películas que exploran las expectativas vitales de una juventud a la que se le prometió todo y, a punto de cumplir los 30, ya se ha acostumbrado a vivir en una crisis perpetua.
En un momento en el que las crisis económicas, sociales e incluso vitales han dejado de ser transitorias para convertirse en algo estructural, en el que las políticas capitalistas no han ofrecido las recompensas prometidas a sus desmedidas exigencias meritocráticas, y en el que la ansiedad y la angustia están a la orden del día, nos encontramos ante una generación cansada ya de discursos vacíos y de asumir injusticias, que responde oponiéndose a lo que la sociedad espera de ellas.
Así el ciclo recoge a la indolencia y la apatía de los protagonistas de Friends and Strangers, de James Vaughan, y de Outside Noise, de Ted Fendt, quienes se aferran al “preferiría no hacerlo” ante las demandas del capitalismo. En La Roya, de Juan Sebastián Mesa, un joven se enfrenta al casi obligado exilio a la ciudad, defendiendo la vida en su pueblo y sus cafetales pese a los obstáculos a los que se enfrenta a diario. Una mudanza es la metáfora del cambio vital que está por llegar en La chica y la araña, de Ramon Zürcher y Silvan Zürcher. Y en la sátira distópica El perro que no calla, de Ana Katz, el público presencia cómo la vida de Esteban empieza a desmoronarse tras perder el trabajo por los ladridos de su perra.
Ciclo programado en colaboración con Enrique Piñuel.
Programación
09 y 10 abril
Audiovisuales ‘Friends and Strangers’, de James Vaughan
Precio: 4.00 €
30 abril y 14 mayo
Audiovisuales ‘La Roya’, de Juan Sebastián Mesa
Precio: 4.00 €
07 y 08 mayo
Audiovisuales ‘Outside Noise’, de Ted Fendt
Precio: 4.00 €
21 y 22 mayo
Audiovisuales ‘La chica y la araña’, de Ramon Zürcher y Silvan Zürcher
Precio: 4.00 €
28 y 29 mayo
Audiovisuales ‘El perro que no calla’, de Ana Katz
Precio: 4.00 €
La resistencia emocional, tráiler de «Alcarrás» de Carla Simón
Después de haber ganado el Oso de oro en la pasada edición del Festival de Berlín grande es la expectación generada por el segundo trabajo tras las cámaras de la realizadora catalana Carla Simón, tras Verano 1993 nos llega Alcarrás, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film de Carla Simón, protagonizada en su práctica totalidad por un elenco de actores no profesionales, se estrenará en nuestro país de la mano de Avalon y Elastica el próximo 29 de abril.
En Alcarrás vemos como el abuelo ha dejado de hablar, pero nadie de la extensa familia Solé sabe por qué. Como cada verano, en Alcarràs, una pequeña localidad rural de Cataluña, la familia cultiva una gran extensión de melocotoneros. Después de ochenta años cultivando la misma tierra, la familia Solé se reúne para realizar juntos la que será su última cosecha.
La película con guion de la propia Carla Simón junto a Arnau Vilaró está protagonizada por Jordi Pujol Dolcet, Anna Otín, Xenia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou, Josep Abad, Montse Oró, Carles Cabós y Berta Pipó.
Samuel Fuller: Recorrido afectivo por la obra de un cineasta libre
Libro sobre el director de cine Samuel Fuller, clave en la historia del cine. El libro repasa los temas argumentales de la filmografía de un director imprescindible. Manos peligrosas, Corredor sin retorno, Perro blanco… Las películas de Samuel Fuller, como su vida, han dado pie a numerosos malentendidos en torno a la violencia, la política, la guerra, los hombres, las mujeres, Estados Unidos. De todos los cineastas de su generación (Robert Aldrich, Richard Brooks o Nicholas Ray), Fuller es el que ha suscitado con el paso de los años las evaluaciones y los juicios más contradictorios, a los que sobrevivió́ espléndidamente. Independiente hasta la intransigencia, rabioso, lirico, tierno, narrador de fabulosa inventiva, impertinente, divertido, en una palabra: libre. Defendía un cine modesto en cuanto a los presupuestos y a los materiales con los que le gustaba trabajar, pero se enorgullecía de anteponer su nombre como guionista, director y a menudo productor de sus películas.
La tremenda energía que todos le reconocían fue durante mucho tiempo objeto de una confusión. Lejos de tratarse de una fuerza bruta y ciega, debe verse, al igual que ocurría con Balzac, al que admiraba, como la postrera fuerza creadora.
Las películas de Samuel Fuller están marcadas por su propia vida. Sus inicios como reportero criminalista y su participación como soldado en la Segunda Guerra Mundial.
Entre sus admiradores destacan directores y cineastas como Martin Scorsese, François Truffaut, Jim Jarmusch, Quentin Tarantino y Jean-Luc Godard.
Autor: Jean Narboni, Editorial: EL MONO LIBRE, Páginas: 144
Tráiler español de lo nuevo de Simon Barrett «Invocación Mortal»
Tras una reconocida trayectoria como guionista en películas realizadas por Adam Wingard como A Horrible Way to Die, You’re Next, The Guest o Blair Witch Simon Barrett tras haber participado en las colectivas V/H/S/2 y la reciente V/H/S/94 debuta en el largometraje con la cinta de terror Seance, film cuyo tráiler en español acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película tras su paso en el pasado festival de Sitges se podrá ver en plataformas digitales de nuestro país a partir del próximo 22 de abril con el título de Invocación Mortal.
En Invocación Mortal vemos como Camille Meadows llega a la prestigiosa Academia Edelvine, un internado de élite para chicas. Nada más llegar, un grupo de jóvenes le invitan a hacer un ritual nocturno, llamando al espíritu de una estudiante fallecida. Al día siguiente descubren que una de las chicas ha muerto.
La película con guion a cargo del propio Simon Barrett está protagonizada por Suki Waterhouse, Madisen Beaty, Inanna Sarkis, Ella-Rae Smith, Stephanie Sy, Megan Best, Jade Michael, Djouliet Amara, Seamus Patterson, Cliff Sumter, Olatunbosun Amao, Leah Mitchell y Taya Ayotte Bourns.
Proyecciones Xcèntric: Con ojos de piedra y agua. Las películas de Aloysio Raulino
El nombre de Aloysio Raulino no aparece en los libros canónicos que estudian tanto el cine latinoamericano como el de vanguardia. Reconocido por ser uno de los directores de fotografía más importantes del cine brasileño, desde finales de los años sesenta hasta la primera década del siglo XXI realizó una serie de películas que interrogan de manera poética el acto de acercarse al cuerpo social de un país a través de los ojos del cine.
Toda su obra, habitada por la clase trabajadora, el campesinado y los marginados de la sociedad, tiene un eje principal: la tensión y el enfrentamiento de las miradas de quien filma, quien es filmado y la del espectador, invitando a la reflexión e imaginación entre lo singular, lo colectivo y la interminable configuración y reconfiguración de la otredad.
Al disponer de materiales diversos (textos, poemas, citas de pensadores como Frantz Fanon, canciones populares y revolucionarias, performances, recortes de periódicos, testimonios y retratos), Raulino desarrolla una especie de collage tropicalista logrando un montaje tanto dialéctico como expresivo.
Cada una de las películas que integran esta sesión sugieren múltiples estrategias para cuestionar la forma del documental tradicional en favor de la experimentación. En lugar de proponer el conocimiento como una manera de relación con el mundo, arrojan al espectador al encuentro con la diferencia: el cine como práctica especulativa.
Lacrimosa (con Luna Alkalay), 1970, 16 mm, 12 min.
Jardim Nova Bahia, 1971, 35 mm, 15 min.
Teremos Infância, 1974, 35 mm, 12 min.
O Tigre e a Gazela, 1976, 35 mm, 14 min.
Porto de Santos, 1978, 35 mm, 19 min.
Inventario da Rapina, 1986, 35 mm, 26 min.
Proyección en digital, VOSE. Copias cortesía de Paulo Sacramento y herederos de Aloysio Raulino. Un programa realizado en colaboración con el crítico brasileño Victor Guimarães.
Fecha: 10 abril 2022
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es
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El gótico feminista, tráiler de «The Yellow Wallpaper»
En el vasto y a veces inabarcable panorama de películas de género que en los próximos meses estarán disponibles en diferentes plataformas televisivas nos detenemos brevemente en la cinta de terror independiente The Yellow Wallpaper, film cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, adaptación del relato corto de Charlotte Perkins Gilman, estará disponible en plataformas norteamericanas de VOD a partir del próximo 29 de marzo.
En The Yellow Wallpaper vemos como Jane, una joven escritora que sufre una severa depresión posparto, va con su marido y su bebé a una casa de campo para intentar mejorar su estado de salud. Cuando llegan, Jane está encantada con la casa, pero poco a poco se va obsesionando con el papel pintado de las paredes de su habitación. Tras un tiempo, el estado de Jane no mejora, más bien al revés, el aislamiento, el papel pintado, su matrimonio y su bebé hacen que se vuelva paulatinamente psicótica.
La película dirigida y con guion a cargo de Kevin Pontuti (North Passage 2014) está protagonizada por Alexandra Loreth, también coguionista, Joe Mullins, Clara Harte, Jeanne O’connor y Mark O’connor.
Tráiler y póster para la nueva película de Alex Garland «Men»
Tras el pequeño adelanto visto el mes pasado en forma de teaser acaba de ver la luz de la mano de cada vez más en alza A24 un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo largometraje de Alex Garland Men. Tras su incursión televisiva con la serie Devs el responsable de Ex Machina y Annihilation parece dejar de lado la ciencia ficción para adentrarse en un relato de terror psicológico que vistas sus primeras imágenes nos pueden remitir tanto al Folk Horror como a ese concepto del doppelganger visto en películas como por ejemplo la reivindicable The Abandoned de Nacho Cerdà.
Men nos cuenta la historia de una joven que se va de vacaciones a la campiña inglesa con la esperanza de encontrar un lugar tranquilo para poder cerrar sus heridas tras la muerte de su ex marido. Lo que comienza siendo un temor latente de alguien o algo que parece estar acechándola acabara convirtiéndose en una auténtica pesadilla.
La película, con un guion a cargo del propio Alex Garland y protagonizada por Jessie Buckley, Rory Kinnear y Paapa Essiedu, de momento sin fecha de estreno en España verá la luz comercialmente en Estados Unidos el próximo 20 de mayo.
«Nosferatu» inaugurará el 21º Festival Internacional de Cine de Las Palmas
El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria inaugurará su vigésima primera edición con una proyección especial de Nosferatu, el gran éxito de Friedrich Wilhelm Murnau, cuya premiere tuvo lugar el 4 de marzo de 1922.
El icónico vampiro iluminará la sala acompañado de la música en directo del laudista holandés afincado en Brooklyn Jozef Van Wissem. Además, formará parte de las películas de cine mudo que, con acordes de diferentes formaciones, integran el exitoso apartado del festival: Camera Obscura y será el protagonista absoluto del cartel de la edición, una versión en la que los tres monos sabios son sustituidos por tres vampiros. Todo, dentro de la conmemoración del centenario del estreno de la obra en Berlín.
El título se integrará en la selección de obras que componen la segunda edición de Camera Obscura, proyecciones de cine mudo y música en directo que, en 2022, pivotará en torno a la fundación del cine documental con la selección de otros dos títulos que también cumplen cien años y que se mostrarán en un programa doble: Nanuk, el esquimal de Robert Flaherty y uno de los 23 noticiarios Kino-Pravda de Dziga Vertov, Elizaveta Svilova y Mikhail Kaufman lanzados en junio de 1922, concretamente el número 13. En estos casos el Festival ha contado con la implicación del maestro Jonay Armas que saldrá acompañado por Carolina Rodríguez y Juan Carlos Trujillo.
Camera Obscura, además, recupera La pasión de Juana de Arco, estrenada por Carl Theodor Dreyer en 1928, y la mostrará con registro sonoro del experto en instrumentos históricos Carlos Oramas, quien asumirá la responsabilidad junto a Adrián Linares y Diego Pérez.
Según lo avanzado, el sello Camera Obscura será el encargado de abrir oficialmente el Festival de Cine. «El primer vampiro de la historia del cine (…)», según recoge en el catálogo el escritor y crítico Jesús Palacios, «(…) Un filme erótico-ocultista-espiritista», palabras de su productor, Albin Grau, que también recoge Palacios en la publicación, no solo abrirá el encuentro cinematográfico, sino también el apartado Camera Obscura.
El 22 de abril, la música la pondrá el compositor e intérprete de laúd Jozef Van Wissen, un habitual de salas de rock de Nueva York. Este músico cuyo aspecto se asemeja al de un lord del metal no solo experimenta con sus acordes y libera al laúd de ataduras y corsés, sino que invita al oyente a salir de los estándares musicales a los que está habituado.
Los vínculos de Van Wissem con el cine y el arte son variados. Este autor que ha trabajado junto a Jim Jarmush poniendo banda sonora a algunas de sus películas o acompañando al cineasta en su faceta como músico –juntos tienen tres discos editados-, también cuenta con un premio a la Mejor Banda Sonora del Festival de Cannes por la película Only Lovers Left Alive (2013). El compositor, además, ha compuesto piezas para determinadas obras de arte en colaboración con la National Gallery y el museo Hermitage.
El segundo pase de Nosferatu, adaptación libre (y no reconocida como tal) de la novela Drácula de Bram Stoker llegará con los músicos del International Bach Festival Canarias que recrearán la música original que Murnau encargó a Hans Erdmann para la película. El cineasta, con formación musical, consciente de la importancia de este aspecto como determinante del éxito de su trabajo, insistió en el papel de la música como apoyo a los efectos dramáticos del filme, un recurso sinfónico que para el Festival de Cine asumirá la formación del IBF.
Otros títulos de Camera Obscura
Camera Obscura llevará al espectador por otros dos títulos fundamentales que también cumplen su primer centenario. Nanuk, el esquimal y Kino-Pravda (cine verdad).
El primero, firmado por Robert Flaherty, padre del cine documental, y el segundo, una de las 23 piezas informativas realizadas por Dziga Vertov, Elizaveta Svilova y Mikhail Kaufman.
En ambos casos el ambiente sonoro lo pondrá Jonay Armas, un virtuoso que, tal y como asegura en el catálogo, afronta el encargo con «un distanciamiento y afecto diferente» porque como explica «esta no es la banda sonora original de la película, sino un comentario que hacemos un siglo más tarde, desde una sensibilidad y una mirada marcada por nuestra contemporaneidad». Carolina Rodríguez y Juan Carlos Trujillo acompañarán a Armas en la encomienda.
De esta forma, el programa doble que mostrará Nanuk, el esquimal, una obra preservada en el National Film Registry y considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y que, retomando las palabras del autor, pretendía «mostrar el antiguo carácter majestuoso de estas personas mientras ello aún fuera posible, antes de que el hombre blanco destruyera no sólo su cultura, sino también el pueblo mismo»; y Kino-Pravda Nº 13, el número especial de la “revista filmada” de Vertov, un número «especial, más largo y ambicioso que las ediciones anteriores, concebido para celebrar el quinto aniversario de la revolución de octubre del 17», señala Antonio Weinrichter en el catálogo de la edición, proponen, en el marco del festival, una celebración de la fundación del cine documental o, como apunta el músico Jonay Armas, «dos formas antagónicas de aproximación a la forma del documental».
Por otro lado, el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria mostrará una versión restaurada por L. Gaumont bajo el auspicio del CNC francés de La pasión de Juana de Arco, una obra exquisita, según la crítica, «una sinfonía de rostros en primer plano pautada con intertítulos», señala Luis Miranda en el catálogo del 21º Festival, que se presentará en Camera Obscura junto a la música de Carlos Oramas, experto en instrumentos históricos de cuerda que saldrá a escena en formato trío. Oramas al frente de la iorba y el laúd renancentista), Adrián Linares, con el violín barroco, y Diego Pérez, a cargo del violoncello barroco.
El antihéroe según Ulrich Seidl, tráiler de «Rimini»
Aunque siempre inquieto en lo referente a su labor como productor, su última aportación en esta faceta la encontramos en la interesante Luzifer de Peter Brunner, ocho años han pasado desde que Ulrich Seidl se pusiera detrás de las cámaras con aquel Auf Safari, film en donde intentaba hacernos entender qué pasa por la cabeza de gente qué matan animales, para tener listo su nuevo largometraje titulado Rimini, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, en donde nuevamente se nos vuelve a contar una historia con pocos filtros y lindante con el documental, tras su premier mundial en el pasado festival de Berlín se estrenará comercialmente en Alemania el próximo 8 de abril.
En Rimini vemos como dos hermanos se reúnen en el hogar de su infancia situado en Baja Austria. Brindan por su difunta madre, la entierran. Luego regresan a su vida real. Uno de vuelta a Rumanía, para retomar su vida recién iniciada, el otro a Rímini, para volver a soñar con su viejo anhelo. Pero tarde o temprano el pasado de ambos volverá a alcanzarles.
La película con guion a caro del propio Ulrich Seidl junto a Veronika Franz está protagonizada por Michael Thomas, Tessa Göttlicher, Hans-Michael Rehberg, Inge Maux, Claudia Martini y Georg Friedrich.
La batalla de Sitges. Cine y disidencia en vísperas del 68
En octubre de 1967 se celebraron las Primeras Jornadas Internacionales de Escuelas Cinematográficas de Sitges. El programa anunciaba unas sesiones diarias de debate seguidas por proyecciones de prácticas de escuelas de cine procedentes de todo el mundo. El nuevo certamen tenía también como objetivo más prosaico el de animar el turismo en esta ciudad catalana más allá de la temporada alta. Sin embargo, las jornadas de Sitges se convirtieron en un acto de rebeldía emblemático de un sector joven de la profesión cinematográfica española. La tensión creciente en la que se desarrollaron hizo que el aparente acontecimiento mundano de su cena de clausura derivase en un auténtico escándalo con gritos, bofetadas y detenciones policiales incluidas.
Recordar lo acontecido en Sitges es evocar un momento histórico particular, cuando la creación cinematográfica y el compromiso político iban de la mano, no solo por esas películas que buscaban hablar de algún modo de política sino también por esos cineastas que se veían a sí mismos como militantes políticos.
Partiendo de un material de archivo inédito, el presente libro plantea una aproximación a la historia cultural del período en la que se abordan las políticas del aperturismo franquista, la enseñanza cinematográfica, el movimiento estudiantil, la emergencia de la contracultura, las fisuras en el seno de la izquierda, y las prácticas fílmicas alternativas. Además, se propone una mirada hacia las rupturas del 68 aplicadas al contexto español.
Autores
JEAN-PAUL AUBERT
Catedrático de la Universidad de Niza (Université Côte d’Azur), director de la Escuela de Posgrado e Investigación CREATES (Artes y Humanidades) y presidente del Grupo de Reflexión sobre la Imagen en el Mundo Hispánico (Grimh). Entre sus publicaciones se encuentran Le Cinéma de Vicente Aranda (París: L’Harmattan, 2001), Madrid à l’écran (1939-2000) (París: Presses Universitaires de France, 2013), Seremos Mallarmé. La Escuela de Barcelona: una apuesta modernista (Santander: Shangrila, 2016), Barcelone mise en scènes (París: Espaces et Signes, 2019).
XOSE PRIETO COUTO
Profesor en el Departamento de Comunicación de la Universidad Carlos III de Madrid, miembro del Grupo de Investigación TECMERIN y del Proyecto I+D+i “Cine y televisión en España en la era del cambio digital y la globalización (1998-2008): Identidades, consumo y formas de producción” (Ref. PID-2019-106459GB-100). Entre sus trabajos recientes destacan la codirección de la investigación audiovisual Vestigios en Súper- 8: Una crónica amateur de los años del cambio, la coautoría del libro Respirar con la imagen. Conversaciones sobre montaje con Teresa Font y la edición del libro El último Espaliú.
Autor: Jean-Paul Aubert , Xose Prieto Couto, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 158
Tráiler para lo nuevo de David Simon y George Pelecanos «We Own This City»
Después del extraordinario sabor de boca que nos dejó su anterior The Deuce David Simon junto a su inseparable George Pelecanos vuelve a la indagación social de la ciudad de Baltimore con We Own This City, miniserie cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz de la mano de HBO y podéis ver a final de página. We Own This City, que está basada en la novela de no ficción del periodista Sun Justin Fenton y está dirigida en sus seis episodios por Reinaldo Marcus Green (Monsters and Men 2018, King Richard 2021) se estrenará a través de HBO el próximo 25 de abril.
La serie nos sitúa en Baltimore en el año 2015. La muerte en circunstancias sospechosas de Freddie Gray, un joven negro bajo custodia policial, ha provocado una ola de disturbios. La ciudad alcanza un nuevo récord de asesinatos. Bajo presión por la oficina del alcalde y por una investigación federal sobre la muerte de Gray, la policía de Baltimore recurre al Sargento Wayne Jenkins y a su unidad de élite de agentes de paisano, para librar las calles de armas y drogas. Sin embargo, una conspiración criminal sin precedentes se desarrolla en el departamento de policía, mientras Jenkins decide explotar la crisis.
We Own This City con guion adaptado a cargo de David Simon, George Pelecanos, Ed Burns y William F. Zorzi está protagonizada por Jon Bernthal, Treat Williams, Josh Charles, Jamie Hector, Domenick Lombardozzi, Don Harvey, Delaney Williams, Rob Brown, McKinley Belcher III, Dagmara Dominczyk, Darrell Britt-Gibson, Wunmi Mosaku, Kim Tuvin y Maria Broom.
Del escenario a la pantalla. Los diseños de José Luis López Vázquez
Del escenario a la pantalla. Los diseños de José Luis López Vázquez’ recoge el trabajo del actor en su desconocida faceta como dibujante en teatro y cine. Se podrá ver gratuitamente hasta el 5 de junio de 2022 en la sede central de Filmoteca Española en Madrid.
Con motivo del centenario del nacimiento de José Luis López Vázquez, el Ministerio de Cultura y Deporte pone en marcha una exposición dedicada a una de las facetas menos conocidas de este artista fundamental del cine español: la de dibujante y diseñador. ‘Del escenario a la pantalla. Los diseños de José Luis López Vázquez’ ha sido inaugurada hoy por el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, junto a José Luis López Magerus, hijo del artista; Beatriz Navas, directora general del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA); y Josetxo Cerdán, director de Filmoteca Española; que han visitado la muestra guiados por el comisario, Joaquín Cánovas Belchí.
La exposición, que podrá visitarse de forma gratuita en la sede central de Filmoteca Española en Madrid hasta el 5 de junio, recoge los trabajos artísticos de José Luis López Vázquez (Madrid, 11 de marzo de 1922 – 2 de noviembre de 2009). Propone un itinerario que abarca desde sus inicios y periodo de formación, hasta sus trabajos como figurinista y escenógrafo, así como su labor en el campo del diseño gráfico. Compaginó estas actividades con la de actor hasta que en 1958, tras protagonizar ‘El pisito’ (Marco Ferreri), abandonó el dibujo para dedicarse a la interpretación.
El recorrido comienza con los primeros figurines que realizó para el Teatro Español Universitario de Modesto Higueras y José Caballero, heredero de La Barraca de Federico García Lorca; hasta llegar a las escenografías de su etapa en el Teatro Nacional María Guerrero, donde coincidió con Salvador Dalí en su afamado montaje de ‘Don Juan Tenorio’ en 1949. En el ámbito del cine, su primer contacto fue en 1942 como dibujante de figurines en ‘Sucedió en Damasco’, película dirigida por José López Rubio. Hasta 1957, López Vázquez participó en 11 películas más como dibujante.
También refleja su trabajo como diseñador gráfico, faceta que desarrolla tras ingresar como funcionario en la Organización de Actos Públicos, organismo dependiente de la Vicesecretaría de Educación Popular, después Ministerio de Información y Turismo. Diseñó todo tipo de estands y pabellones para ferias nacionales e internacionales, carteles para eventos, certámenes cinematográficos y otros encargos extraoficiales, exlibris, portadas de libros o sus particulares felicitaciones de Navidad.
Obras de Dalí y Lorca De forma complementaria, la exposición incorpora obras, dibujos, carteles y escenografías de otras autores como Salvador Dalí, José Caballero, Federico García Lorca, Manuel Comba y Benjamín Palencia, que ubican y ayudan a entender sus influencias y vínculos creativos en el contexto de la España de posguerra.
‘Del escenario a la pantalla. Los diseños de José Luis López Vázquez’ está comisariada por Joaquín Cánovas Belchí, catedrático de Historia del Arte. Experto en cine mudo español y en las relaciones entre cine y artes plásticas, ha sido comisario de otras exposiciones como ‘La realidad imaginada. La dirección artística de Félix Murcia en el cine español’, y ‘La presencia invisible. Teresa Isasi: 20 años de foto fija en el cine español’. La exposición forma parte de un programa más amplio de actividades dedicado a López Vázquez, que incluye un ciclo de proyecciones en el Cine Doré. Ha sido posible gracias a la colaboración de particulares, en especial, de su hijo José Luis López Magerus y de la actriz Carmen de la Maza, recientemente fallecida; así como de instituciones como el Museo Nacional del Teatro de Almagro.
La conmemoración está enmarcada en la celebración de centenarios de una generación de personalidades del cine español nacidos entre 1921 y 1923, entre ellos, Luis García Berlanga, Fernando Fernán Gómez, Juan Antonio Bardem, Ana Mariscal, José María Forqué, Antonio Ruiz Soler o Lola Flores. En torno a dichas efemérides, el Gobierno de España, a propuesta del Ministerio de Cultura y Deporte, instauró el 6 de octubre como Día del Cine Español.
Un mal sueño, tráiler de «Contando ovejas»
De la mano de Filmax acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la ópera prima de José Corral Llorente (nominado al Premio Goya al Mejor Cortometraje de Animación por El Desván en 2003) Contando ovejas, comedia negra inspirada en la dirección de arte de su cortometraje de animación premiado en el Festival de Málaga Down by love en donde se recrea un universo de estética colorista y siniestra.
Contando ovejas, protagonizada por Eneko Sagardoy, Natalia de Molina, Juan Grandinetti, Consuelo Trujillo,María Fernanda Valera, José García, Luis Sacristán, Sergio Dorado, Juan Serrato y las voces de Julián Villagrán, Manolo Solo y José Luis García-Pérez, nos cuenta como Ernesto es un chico solitario, infravalorado por la gente que le rodea, especialmente por su vecino Leandro, un peligroso traficante de droga. Todo cambiará con la aparición de tres peculiares compañeros de piso que tratarán que recupere la autoestima perdida y haga realidad todos sus sueños, sin importar ni los medios ni las consecuencias.
El director quiere que “el espectador se ría a pesar de la crudeza de la historia y espero que se sienta mal por ello. En ‘Contando Ovejas’ nadie es bueno ni malo. Todos tienen una justificación, legítima o no, para actuar de la forma en que lo hacen”.
“Que el hobby del protagonista sea construir maquetas, con las que hace pequeñas animaciones en stop motion, viene de “Down By Love” (2016), un cortometraje animado que hice en el salón de mi casa. Al venir de animación y Bellas Artes, quise plantear la historia de forma visual. Busqué elementos de la psique humana que pudiesen ser personificados y que fueran los motores de las decisiones de Ernesto, que sufre de insomnio. De entre todas las posibilidades escogí el Ego, el Intelecto y el Miedo. El prado es una representación de su psique, donde el insomnio provoca el caos de ovejas incapaces de saltar una valla; una metáfora del cacao mental que tiene el chico”, comenta su director.
Contando ovejas se estrenará en las salas de cine españoles el próximo 13 de abril de la mano de Filmax.
La película es una coproducción hispano-argentina producida por Aquí y Allí Films (Magical Girl), Lanube Películas (Bajo el mismo techo) y la argentina Wanka Cine (Jauja), ha contado con el apoyo de ICAA, INCAA, Programa Ibermedia, Ayuntamiento de Madrid y la colaboración de Filmin y Canal Sur.
«Vortex» review
Seguida su trayectoria con algo de detenimiento no sorprende tanto que un autor de las características de Gaspar Noé de un golpe de timón a estas alturas de su carrera con respecto a la tonalidad y aparente registro de sus películas, si nos fijamos en sus últimos trabajos tras las cámaras tanto en Climax como en Lux Æterna se percibía de una forma muy clara la naturaleza de un autor inquieto a la hora de abordar nuevas fórmulas y coordenadas narrativas, algo por otra parte muy de agradecer hacia el espectador con pedigrí, Vortex parte indudablemente de esa voluntad, la película nos presenta una escueta sinopsis que nos dice que la vida es una fiesta corta que pronto será olvidada, a partir de ahí el relato nos ofrece una historia desgarrador sobre dos ancianos, geniales Dario Argento y Françoise Lebrun, él enfermo del corazón y ella aquejada de un estado bastante avanzado de Alzheimer, una crónica pausada expuesta con todo lujo de detalles de un final a través del día a día de dos personas que se encuentran en los últimos momentos de su existencia.
Según se mire y contextualizando antecedentes Vortex no es tan diferente de otros trabajos de su director como puede parecer en un principio, lo es evidentemente en lo relativo a sus formas, pues es su película en cierta manera más conmovedora y aparentemente sosegada, pero no tanto en un fondo que sigue siendo terrible en referencia a lo que se nos explica, del sexo, la violación, la desmedida juventud, las drogas, la danza y la violencia pasamos a un tratado de claro índole inmersivo, minimalista y formal sobre el envejecimiento y la mortalidad, la virulencia de la cámara pasa de estar desmedidamente agitada a reducir la marcha sin dejar de estar algo nerviosa e inquieta en momentos puntuales, en realidad existe un muy importante tercer personaje en la trama en lo concerniente al apartamento 
parisino en donde han vivido la práctica totalidad de su vida adulta los dos protagonistas del relato, un habitáculo lleno de recuerdos, libros, carteles relacionados con el cine aderezado con un cierto radicalismo cultural de los años sesenta y setenta, una atiborrada decoración que funciona como metáfora perfecta en relación a como la memoria y la experiencia de un tiempo pretérito terminan encontrando inevitablemente un punto de conexión con la decadencia mental. En este aspecto Gaspar Noé es lo suficientemente inteligente como para no renunciar del todo a esas coordenadas autorales que dan pie a un reconocible virtuosismo formal pese a abordar un relato más lineal que de costumbre siendo relativamente fiel a unos parámetros estéticos en la medida de aplicar una experimentación que inciden principalmente en lo concerniente a la incomodidad por la que se mueven sus personajes, en esta ocasión en referencia a la utilización de un split-screen en encuadres 2,35:1 que juega de forma reiterada con el doble punto de vista y que nos deriva al mismo tiempo a un movimiento desatado en donde esa crispación tan marca de la casa de su autor hace tímidamente acto aparición en lo concerniente a la continua y por momentos desesperada agitación de sus protagonistas dentro de un espacio reducido, cercano a un angustioso laberinto, a modo casi de último bastión de resistencia por parte de ellos contra la muerte.
Con un toque inusualmente humano Vortex termina siendo la obra más sutil, reflexiva y honesta de toda la filmografía de Gapar Noe, posiblemente también su mejor película realizada hasta la fecha, todo ello en base a un cine que aquí es utilizado a modo de una brillante herramienta de disociación que requiere del respeto y la solemnidad del temario tratado. Sus en un principio excesivos 142 minutos de duración no es tanto un obstáculo como una virtud en la medida de cómo están planteados y expuestos, pues ayuda de alguna manera a la inmersión del espectador ante un relato que requiere de ello. Por si fuera poco el film atesora la virtud de eludir por completo ese tono maniqueo y subrayado tan proclive en este tipo de relatos, parcela esta en donde por ejemplo Michael Haneke con su Amour no estuvo tan acertado en su día.
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El Festival de Cine Fantástico de Bilbao homenaje el 90 aniversario de Frankenstein
Frankenstein es el protagonista de la nueva imagen de FANT: cartel, logo y spot del Festival, así como del ciclo PreFANT. FANT se celebrará del 6 al 14 de mayo y en esta nueva edición, vuelven las sedes y los horarios que en 2020 y 2021 hubo que reducir para cumplir con las restricciones sanitarias del momento.
El Festival de Cine Fantástico – FANT, que organiza el Ayuntamiento de Bilbao, celebrará su nueva edición del 6 al 14 de mayo. La edición 28 recupera la normalidad prepandemia y, así, esta próxima entrega que arranca en mayo, recupera todos sus horarios y sedes y dará la bienvenida de nuevo a invitados e invitadas internacionales.
Además, en esta ocasión, el Festival ha elegido rendir homenaje a un clásico indiscutible del cine de terror, Frankenstein, ya que, en este 2022, se celebra el 90 aniversario del estreno en el Estado de la película que el monstruo protagoniza.
Este personaje de ficción que apareció por primera vez en la novela homónima de Mary Shelley y que ha pasado, indudablemente, a formar parte de la cultura popular, es el protagonista de la imagen de la edición 28 de FANT. Así, Frankenstein protagoniza el cartel, el nuevo logo y el spot del Festival de terror.
CARTEL Y LOGO
Para la realización de la sesión fotográfica del cartel, en el que Frankenstein es el protagonista absoluto, se ha utilizado la máscara oficial de Trick or Treat Studios y Universal Studios, que, esculpida por Justin Mabry, se basa en el increíble maquillaje realizado por Jack Pierce y en la máscara que usó Boris Karloff en el film “El doctor Frankenstein”, de James Whale (1931).
En cuanto al logo de FANT, éste también recoge la figura del personaje, que puede observarse en la “T” final. Hasta el momento, esa letra era tomada por una estaca, en referencia a la manera más tradicional de acabar con un vampiro; a partir de ahora, la “T” recoge el perfil de Frankenstein.
FANT presentará próximamente su nuevo spot que también gira en torno a la figura y a la creación de Frankenstein.
El homenaje a Frankenstein de FANT 2022 va aún más allá y el monstruo también está presente en PreFANT, el ciclo aperitivo de FANT, que programará “Frankenstein” y “La novia de Frankenstein” el 24 de marzo y el 7 de abril, respectivamente, en los cines Gólem – Alhóndiga.
El final del principio, tráiler oficial de la última temporada de «Better Call Saul»
Finalmente parece ser que la larga espera ha valido la pena y la sexta y última temporada del spin-off de Breaking Bad Better Call Saul verá la luz en los próximos meses en dos partes, siete episodios, que en nuestro país se emitaran a través de Movistar Plus+ a partir del 19 de abril y seis restantes que se estrenaran el próximo 12 de julio siendo el 15 de agosto la fecha en donde se emitirá el último capítulo de la serie.
La serie creada por Vince Villigan y Peter Gould, cuyo tráiler final acaba de ver la luz de la mano de AMC y podéis ver a final de página, nos cuenta en esta última temporada el trayecto final de la transformación de Jimmy McGill en el abogado buscavidas Saul Goodman.
Según palabras del productor Peter Gould “Creo sinceramente que esta es nuestra temporada más ambiciosa, sorprendente y desgarradora. Incluso en circunstancias increíblemente desafiantes, todo el equipo de Better Call Saul se ha superado a sí mismo. No podría estar más emocionado de compartir con el público lo que hemos logrado juntos”
La serie está protagonizada por Bob Odenkirk, Jonathan Banks, Rhea Seehorn, Patrick Fabian, Michael Mando, Tony Dalton, Giancarlo Esposito y Daniel y Luis Moncada.
Snake Plissken: Forajido americano
Convertido por derecho propio en la quintaesencia del antihéroe estadounidense, Snake Plissken es hoy todo un referente cultural capaz de resistir a los embates del tiempo transcurrido desde su primer contacto con el público en el estreno de 1997: Rescate en Nueva York, en 1981. Haciéndose eco de sus apariciones —no siempre oficiales— en películas, novelizaciones, cómics o videojuegos protagonizados por uno de los más célebres personajes jamás creados por el cineasta John Carpenter, Snake Plissken: Forajido americano analiza las deudas de este antihéroe para con el momento histórico del que surgió, las películas 1997: Rescate en Nueva York y su mimética secuela, 2013: Rescate en L.A., estrenada en 1996, su dependencia respecto a la errática carrera profesional del cineasta y su liberal pero progresivamente desencantada visión de las cosas, o su demostrada capacidad para persistir en medios y tiempos ajenos a los que lo vieron nacer, sin perder un ápice de su malcarada personalidad por el camino. A través de numerosas fuentes y entrevistas a muchos de los implicados en la construcción de Plissken como arquetipo simultáneamente clásico y contemporáneo hasta lo perturbador, este libro recorre las cuatro décadas que separan aquella primera y ya remota primera aparición hasta contemplar, al filo de un remake eternamente anunciado pero nunca concretado, su posible lugar en las distópicas sombras de los EE.UU. de hoy.
Autor; Eduardo Martínez Gómez, Portada: Chelsea Lowe. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 256
Nicolas Cage al rescate, tráiler para «The Unbearable Weight of Massive Talent»
Ya hemos comentado en varias ocasiones que ha día de hoy Nicolas Cage constituye de por sí un género cinematográfico propio. Partiendo de ese mismo concepto nace un proyecto de las características de The Unbearable Weight of Massive Talent, comedia de acción, en donde Nicolas Cage se interpreta a sí mismo, que de la mano de Lionsgate acaba de presentar su tráiler final que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película dirigida por Tom Gormican (That Awkward Moment 2014) se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 22 de abril.
En The Unbearable Weight of Massive Talent vemos como Nicolas Cage está desesperado por conseguir un papel para una película de Quentin Tarantino. Además de eso, mantiene una relación muy tensa con su hija adolescente y está hasta arriba de deudas. Estas deudas le obligan a aparecer en la fiesta de cumpleaños de un multimillonario mexicano que es fanático del trabajo del actor en sus anteriores películas, con la intención de mostrarle un guion en el que ha estado trabajando. Mientras se une con el hombre, la CIA le informa que el multimillonario es en realidad un capo del cartel de la droga que ha secuestrado a la hija de un candidato a la presidencia de México. Tras esto, es reclutado por el gobierno de Estados Unidos para obtener información.
La película con guion del propio Tom Gormican junto a Kevin Etten está protagonizada por Nicolas Cage, Pedro Pascal, Tiffany Haddish, Neil Patrick Harris, Sharon Horgan, Jacob Scipio, Alessandra Mastronardi, Paco León, Nick Wittman, Caroline Boulton, Christine Grace Szarko y Ricard Balada.
Proyecciones Xcèntric: Maria Klonaris / Katerina Thomadaki, retratos fílmicos
Paralelamente a la realización de sus singulares autorretratos cinematográficos, Maria Klonaris y Katerina Thomadaki emprendieron a principios de la década de los ochenta la «Série Portraits», en la cual reinventan el arte del retrato fílmico componiendo imágenes de mujeres que no responden a ninguna idea preconcebida de la «feminidad» y abordando una reflexión ética del sujeto-mujer en un diálogo que pone a prueba las fronteras entre el Yo y el Otro.
Chutes.Désert.Syn es un retrato de la performer Syn Guérin. El tratamiento visual del paisaje establece una relación poderosa con su cuerpo y con las sucesivas e inacabables caídas a las que lo somete, instaurando un motivo gestual, rítmico y existencial.
Mediante la ejecución de una serie de ceremonias, danzas y hechizos, Selva desarrolla variaciones sobre la presencia mágica de Parvaneh Navaï en el bosque. La película integra una amplia mezcla de imágenes fijas e imágenes en movimiento en una creación sonora elaborada, organizando una prolongación de reflejos acústicos y visuales que evoca la figura de una espiral ascendente. El sonido, extensamente trabajado a través de sintetizadores, dilata el espacio visual y corporal de la persona retratada con sus relaciones entre distintas musicalidades, su creación de bucles múltiples y su variación sobre las velocidades, las frecuencias y las resonancias.
Chutes. Désert. Syn, Katerina Thomadaki, 1983-1985, super 8, sin sonido, 18 min.
Selva. Un portrait de Parvaneh Navaï, Maria Klonaris, 1981-83, super-8, 70 min.
Ambas películas se proyectan en restauraciones en 35 mm realizadas por Archives françaises du film / CNC bajo la dirección de las propias cineastas.
Fecha: 13 marzo 2022
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es
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La vuelta a la rotoscopía de Richard Linklater, tráiler de «Apollo 10 ½: A Space Age Childhood»
Tras realizar trabajos tan notables como Waking Life (2001) o A Scanner Darkly (2006) Richard Linklater vuelve a un medio que se le da bastante bien como es el de la animación en modo rotoscopía con Apollo 10 ½: A Space Age Childhood, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film que tendrá su premier mundial en el inminente SXSW Film Festival se estrenará a través de Netflix el próximo 1 de abril.
Apollo 10 ½: A Space Age Childhood nos sitúa en el verano de 1969 durante el primer alunizaje, acontecimiento que nos es expuesto a través de dos puntos de vista bien distintos, el de los astronautas y el centro de mando durante ese momento histórico y el de un niño que vive en Houston y que tiene sus propios sueños intergalácticos.
La película con guion a cargo del propio Richard Linklater está protagonizada por Zachary Levi, Jack Black, Glen Powell, Josh Wiggins, Samuel Davis, Lee Eddy, Bill Wise, Mona Lee Fultz, Nick Stevenson, Brian Villalobos, Andrew N Sears, Nicholas Andrew Rice, Holt Boggs, Keslee Blalock, David DeLao, Jessica Brynn Cohen, Avery Joy Davis, Danielle Guilbot, Natalie L’Amoreaux, Larry Jack Dotson, John Kaler, Kasey James, Jared Wayne, Christian Moran, Brent A. Riggs, Sam Chipman, Wyatt Lindner, Eyland Gaddy-Brewer, Kristy Harris, Stan Taylor, Taye Cannon y Alonso Sandoval.
Maldición materna, tráiler de «Umma»
Acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de terror Umma, película de posesiones demoniacas dirigida por Iris K. Shim (The House of Suh 2010) y producción a cargo de Sam Raimi que tiene previsto su estreno en cines de Estados Unidos para el próximo 18 de marzo.
En Umma vemos como Amanda y su hija viven una existencia tranquila en una apartada granja estadounidense, pero cuando recibe los restos de su madre que llegan de Corea en forma de una caja con las cenizas, Amanda se ve obsesionada por el temor de convertirse en el propio espíritu de su madre.
La película con guion a cargo de la propia Iris K. Shim y música compuesta por el español Roque Baños está protagonizada por Sandra Oh, Dermot Mulroney, Odeya Rush, Fivel Stewart, Tom Yi, Hana Marie Kim, Danielle K. Golden, MeeWha Alana Lee y Mark Kirksey.
Las mujeres cineastas, protagonistas de marzo en el cine Doré de Filmoteca Española
La programación incluye dos retrospectivas, una de Jane Campion y otra de Cecilia Bartolomé, así como un ciclo que recupera la programación de la muestra “The Women’s Event”.
Bartolomé acudirá al Doré para presentar algunas sesiones de su ciclo los días 3 y 9 de marzo.
La exiliada española Rosina Prado protagonizará una sesión especial.
Los trabajos de grandes cineastas como Jane Campion o Cecilia Bartolomé aterrizan en marzo en el cine Doré para celebrar el Día Internacional de la Mujer. Con un programa diseñado para reivindicar el trabajo de las mujeres cineastas, Filmoteca Española refuerza su compromiso con la puesta en valor de sus contribuciones a la historia del cine.
Comenzamos con una retrospectiva de Jane Campion, la primera cineasta en la historia de Cannes en alzarse con la Palma de Oro (en 1993, con El piano), y cuya última película, El poder del perro, ha recibido 12 nominaciones en los Oscar, entre ellas a Mejor dirección. Un premio que ya ganó en 1994, también por El piano, en la categoría de Mejor guion original. Tal y como señala Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca: “junto a Kathryn Bigelow, debido a su incidencia tanto en la crítica como en los grandes públicos, [Jane Campion] se posiciona como un referente generacional de las conquistas femeninas en responsabilidades de creación donde tradicionalmente la mujer apenas ha tenido lugar”. El ciclo, titulado «Deseos (re)velados», ofrece en marzo y abril todos los largometrajes, cortometrajes y trabajos para televisión, como la serie Top Of the Lake, de la cineasta neozelandesa.
El día 3 arranca otra retrospectiva dedicada a Cecilia Bartolomé, quien fuera «una de las cineastas más prometedoras del cine español, con lo que eso significa en un patrimonio plagado de talentos perdidos por una industria profundamente disfuncional», tal y como ha señalado Andrea G. Bermejo, redactora jefe de Cinemanía, en el texto de presentación del ciclo.
La propia Cecilia Bartolomé acudirá al Doré los días 3 y 9 de marzo para presentar sendas sesiones del ciclo, titulado “Contra la amnesia”. El primer día la cineasta hablará sobre “Después de… primera parte: no se os puede dejar solos” (Cecilia Bartolomé y José J. Bartolomé, 1981), y será entrevistada en directo por Andrea G. Bermejo. El día 9, por su parte, Bartolomé presentará su película Vámonos, Bárbara (1978).
El ciclo de Bartolomé en el Doré se complementa con una programación online que recupera sus primeros trabajos durante su estancia en la Escuela Oficial de Cinematografía, y que puede verse en el canal #FloresEnLaSombraEnlace externo, se abre en ventana nueva de Filmoteca Española: una sesión dedicada a Margarita y el lobo (1969) con subtítulos adaptados disponible durante todo el mesEnlace externo, se abre en ventana nueva; y dos sesiones que recopilan los cortos que rodó en esta época, la primera de ellas disponible del 11 al 18 de marzo, y la segunda del 18 al 25.
Cabe mencionar también el ciclo «The Women’s Event», que recupera y homenajea una de las más importantes muestras de cine producido, escrito y dirigido por mujeres del siglo XX, la programada por Laura Mulvey, Lynda Myles y Claire Johnston para el Festival de Edimburgo en 1972. El objetivo último de aquel encuentro era generar una comunidad de apoyo y de pensamiento, una unión artística pero también personal, que impulsase el talento femenino y diera al público una nueva perspectiva desde donde mirar el mundo. Lamentablemente, y a pesar de que las nuevas teorías feministas estaban candentes a principios de los setenta, el acontecimiento no tuvo entonces la relevancia mediática y social que merecía, siendo apenas nombrado, cuando no directamente ignorado.
Cinco décadas después, gracias al trabajo de investigación doctoral de la académica Katharine Kamleitner, se ha vuelto a poner el foco en una programación que ponía a dialogar las obras de maestras consagradas como Leni Riefenstahl y Leontine Sagan con los trabajos de nuevas voces como Nelly Kaplan o Jane Arden, entre otras.
Desde Filmoteca Española replicamos, en su 50 aniversario, aquella programación de Mulvey, Myles y Johnston, comenzando este mes de marzo y prolongando el “evento” a lo largo de todo el año.
Por último, el día 16 de marzo dedicamos una sesión especial al trabajo de Rosina Prado: una recopilación de sus cortometrajes rodados durante su estancia en Cuba. Prado, cuya familia se exilió a la Unión Soviética durante la guerra civil española, y donde se formó como cineasta bajo el mentorazgo del ucraniano Alexandr Dovzhenko, se desplazó después a la isla del Caribe para participar en las actividades del incipiente Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos. Durante el acto del día 16 está prevista la asistencia de la propia directora (aún por confirmar).
Consulta el programa completo aquíEnlace externo, se abre en ventana nueva.
Revisitar el pasado, tráiler de «All the Old Knives»
De la mano de Prime Video acaba de ver la luz el tráiler final, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del thriller de espionaje All the Old Knives (Una cita con el pasado), película dirigida por Janus Metz Pedersen (Borg McEnroe 2017, Hjertelandet 2018) que adapta una novela de Olen Steinhauer que el mismo escritor se ha encargado de guionizar. All the Old Knives tendrá un estreno limitados en cines de Estados Unidos y en Prime Video el próximo 8 de abril.
En All the Old Knives vemos como la CIA descubre como uno de sus agentes filtró una importante información que costó la vida a más de 100 personas, el veterano agente Henry Pelham es asignado para descubrir quién es el topo entre sus antiguos compañeros en la oficina de la agencia en Viena. Su investigación le lleva de Austria a Inglaterra, para terminar en California, donde se reencuentra con su antigua colega y ex amante Celia Harrison. La pareja se verá obligada a difuminar los límites entre la profesión y la pasión mientras reexaminan la misión en la que participaron 6 años atrás.
La película con guion a cargo de Olen Steinhauer está protagonizada por Chris Pine, Thandiwe Newton, Jonathan Pryce, Laurence Fishburne, Ahd Kamel, Corey Johnson, Abdul Alshareef, Nasser Memarzia, Orli Shuka, David Bedella, Alexander Devrient y Angela Yeoh.
Criaturas del cine expresionista alemán
En los años posteriores a la Primera Guerra Mundial, Alemania era un país descompuesto en los planos político, social y económico. Sin embargo, vio nacer muchas de las manifestaciones artísticas más vanguardistas del momento. En ese difícil contexto surgió una de las corrientes estéticas más importantes e influyentes de la historia del cine: el expresionismo.
‘Criaturas del cine expresionista alemán’ es una obra que se propone indagar en ese apasionante periodo en el que aparecieron clásicos como ‘El gabinete del doctor Caligari’ (1920), ‘El golem’ (1920) o ‘Nosferatu’ (1922), pero también reivindicar otras obras olvidadas que desempeñaron un papel fundamental en el desarrollo del expresionismo.
Autor: Guillermo Triguero, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: Hermenaute, Páginas: 252
Tráiler final para «The Adam Project»
Será una de las apuestas por parte de Netflix más fuertes para estos próximos meses, The Adam Project, film cuyo tráiler final en castellano acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. The Adam Project, película de ciencia ficción de tono familiar dirigida por Shawn Levy, que vuelve a encontrarse con Ryan Reynolds tras su colaboración el pasado año en Free Guy, se estrenará a través de la plataforma televisiva el próximo 11 de marzo.
En The Adam Project vemos como Adam Reed es un viajero del tiempo del año 2050 que se ha aventurado en una misión de rescate para buscar a Laura, la mujer que ama, que se perdió en el continuo espacio-tiempo en circunstancias misteriosas. Cuando la nave de Adam se estropea, es enviado en espiral al año 2022, al único lugar que conoce de esta época de su vida, su casa y su propio yo de 12 años.
La película con guion a cargo de Jennifer Flackett, Mark Levin, T.S. Nowlin y Jonathan Tropper está protagonizada por Ryan Reynolds, Zoe Saldana, Catherine Keener, Jennifer Garner, Mark Ruffalo, Alex Mallari Jr., Milo Shandel, Walker Scobell, Lucie Guest, Mellanie Hubert, Braxton Bjerken, Ellie Harvie, Ben Wilkinson, Jessica Bodenarek y Esther Li.
La Casa Encendida: Proyecciones Espectrales
Al hilo de la exposición Poemas que nunca mostraré. Chiara Fumai 2007-2017, La Casa Encendida presenta un programa inspirado en la artista italiana, conocida por encarnar en sus performances a mujeres excluidas de la historia. Programado por el Festival Final Girls de Berlín, el ciclo está compuesto por películas de mujeres cineastas que, a través del terror, sacan a la luz historias feministas ocultas.
La combinación de ocultismo, misticismo, anarcofeminismo y crítica institucional de Fumai generó nuevas vías para diseccionar y satirizar los sistemas de opresión. Sirvió como médium para artistas y activistas que, a menudo, fueron olvidadas o pasadas por alto, y cuyas imágenes fueron explotadas y devaluadas. Las cineastas de este programa prestan igual atención a lo que está en la sombra y se ha mantenido en ella, y crean películas de terror únicas a partir de relatos personales, históricos y fantásticos que desafían las convenciones narrativas del horror.
Programado por Final Girls Berlin Film Festival (FGBFF), un festival de cine dedicado al trabajo subversivo y experimental de mujeres que trabajan en el cine de terror. Esto no solo significa derribar las trilladas representaciones del victimismo, sino también traer nuevas visiones al imaginario en términos de oscuridad y fuerzas insidiosas, miedo y fantasía. En FGBFF tienen un interés interdisciplinario en celebrar y destacar a artistas, académicas, expertas e intérpretes que trabajan con elementos y temas de terror, sobrenaturales y ocultos.
Programación
05 marzo
Cine, Audiovisuales ‘beDevil’, de Tracey Moffatt
Precio: 4.00 €
Entradas
06 marzo
Cine, Audiovisuales ‘A Sombra do Pai’, de Gabriela Amaral Almeida
Precio: 4.00 €
Entradas
12 marzo
Cine, Audiovisuales ‘Messiah of Evil’, de Willard Huyck y Gloria Katz
Precio: 4.00 €
Entradas
13 marzo
Cine, Audiovisuales Sesión de cortos: Brujería
Precio: 4.00 €
Entradas
19 marzo
Cine, Audiovisuales Sesión de cortos: Blasfemia
Precio: 4.00 €
Entradas
19 marzo
Cine, Audiovisuales ‘Hellbender’, de Zelda Adams, Toby Poser y John Adams
Precio: 4.00 €
Entradas
26 marzo
Cine, Audiovisuales ‘Celia’, de Ann Turner
Precio: 4.00 €
Entradas
27 marzo
Cine, Audiovisuales ‘Ode To Nothing’, de Dwein Baltazar
Precio: 4.00 €
Entradas