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El cineasta alemán será homenajeado en la gala de apertura y presentará su película ‘Bucking Fastard’ tras su estreno en Venecia
El director, guionista, productor y actor Werner Herzog recibirá un Premio Donostia en reconocimiento a su carrera durante la gala de apertura del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre en su 74ª edición. La máxima distinción honorífica del Festival para el cineasta alemán irá acompañada de la proyección de su nuevo largometraje, Bucking Fastard, que competirá en el próximo Festival de Venecia.
A lo largo de una carrera que abarca seis décadas, Werner Herzog se ha convertido en una de las figuras más influyentes del cine contemporáneo, construyendo una obra extraordinaria ―alrededor de 80 filmes― y moldeada por la obsesión, las situaciones extremas y las contradicciones de la naturaleza humana. Sus películas, tanto de ficción como de no ficción, están pobladas por soñadores y conquistadores que se enfrentan a paisajes extremos y fuerzas que escapan a su control. Guiado por su concepto de «verdad extática», Herzog defiende un cine que trasciende la mera observación de los hechos para revelar una dimensión más profunda y poética de la realidad.
La proyección del Premio Donostia, que tendrá lugar en el Teatro Victoria Eugenia antes de la ceremonia de entrega en el Kursaal, contará con la última película de Werner Herzog. Protagonizada por Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom y Domhnall Gleeson, Bucking Fastard cuenta la inusual historia de dos hermanas gemelas cuyo vínculo extraordinario las lleva a hablar al unísono, amar al mismo hombre y compartir los mismos sueños.
Biografía
Nacido en Múnich en 1942, Werner Herzog creció en un valle remoto de las montañas bávaras. Hasta los 11 años ni siquiera conocía la existencia del cine. Comenzó a desarrollar proyectos cinematográficos a los 15 años y, dado que nadie parecía dispuesto a financiarlos, durante sus últimos años de instituto trabajó en el turno de noche de una fábrica de acero como soldador. También empezó a viajar a pie.
Hizo su primera llamada telefónica a los 17 años y su primera película a los 19. Abandonó la universidad, donde estudió historia y literatura.
Desde entonces ha escrito, producido y dirigido unas 80 películas, entre las que figuran Aguirre, der Zorn Gottes / Aguirre, the Wrath of God (Aguirre, la cólera de Dios, 1972); Fitzcarraldo (1982), para la cual trasladó un barco de vapor sobre una montaña en plena selva; Grizzly Man (2005) y Cave of Forgotten Dreams (La cueva de los sueños olvidados, 2010).
Ha publicado libros de poesía y prosa como Of Walking In Ice (Del caminar sobre hielo), Conquest of the Helpless (Conquista de lo inútil) y, recientemente, la novela The Twilight World (El crepúsculo del mundo).
Ha sido director de escena de una docena de óperas en Bayreuth y en La Scala de Milán, así como en otros teatros de ópera alrededor del mundo.
También ha actuado en películas como Jack Reacher, The Mandalorian y en papeles como invitado en Los Simpson. Creó una instalación artística, Hearsay of the Soul, para la Bienal del Whitney Museum de Nueva York y el Getty Museum de Los Ángeles. Fundó Rogue Film School como contrapunto a lo que se enseña en la mayoría de las escuelas de cine del mundo.
Intérpretes: Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom, Domhnall Gleeson
Bucking Fastard trata sobre dos hermanas, Jean y Joan Holbrooke, que están tan unidas que hablan al unísono, aman al mismo hombre y comparten los mismos sueños. Incluso cometen el mismo desliz al mismo tiempo. No podemos ver el mundo tal y como ellas lo ven, pero sí vemos cómo el mundo reacciona ante ellas: a través de los tribunales y la prensa, de quienes quieren ayudarlas y de quienes pretenden aprovecharse de ellas.
El ciclo se completará con un libro sobre la obra completa de Giovanni escrito por Felipe Cabrerizo
Un total de 20 largometrajes estrenados entre los años 1960 y 2001 integrarán la retrospectiva dedicada al cineasta, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés. En su 74ª edición, el Festival de San Sebastián recuperará la práctica totalidad de la obra que Giovanni firmó como director, así como ocho títulos que escribió para realizadores como Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico.
Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación del libro José Giovanni. No hay vida plena sin piedad, escrito por Felipe Cabrerizo y editado por Quim Casas, crítico y miembro del comité de Selección del Festival. El estudio recorre toda la obra como novelista, guionista y director de Giovanni, así como aquellos aspectos de su vida envueltos en cierta polémica, desde su cometido durante la ocupación alemana hasta su intento de huida de la cárcel.
El libro, editado en castellano e inglés, es el quinto de la colección impulsada por el Festival y la Filmoteca Vasca tras los dedicados a Claude Sautet, Hiroshi Teshigahara, el cine policíaco italiano y la guionista Lillian Hellman.
En esta ocasión fue Claude Sautet quien llevó a la pantalla otra novela de un Giovanni que empezaba a ser muy requerido en el cine. Lino Ventura es Abel Davos, un criminal que consigue huir a Italia con su familia eludiendo el cerco policial. Pero tras una escaramuza en la frontera, el protagonista se queda solo con sus hijos. Se basa, con el nombre ligeramente cambiado, en un gánster que durante la ocupación colaboró con la Gestapo francesa.
Intérpretes: Michel Constantin, Jean Keraudy, Philippe Leroy, Marc Michel, Raymond Meunier
En su película póstuma, Jacques Becker adaptó la novela de Giovanni en la que relata su intento de fuga de la cárcel de La Santé. El escritor acabó participando activamente en el guion y suministrando todos aquellos elementos que confieren un extremo realismo al filme. Los cuatro protagonistas comparten celda. Cuando están a punto de acometer la huida, les asignan un quinto y desestabilizador recluso en el mismo y reducido espacio.
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Mario David, Béatrice Altariba, Christine Kaufmann, Henri Virlogeux
Robert La Rocca deja la vida criminal y se retira al campo, pero su meta es lograr la libertad de su mejor amigo, Xavier, condenado a varios años de cárcel. Una serie de acontecimientos le llevan a entrar en el mismo presidio. Tiempo después se les ofrece la posibilidad de aligerar su condena si ayudan a deactivar las minas que han quedado en las playas después de la guerra. Primera adaptación de su novela L’Excommunié.
Intérpretes: Michel Auclair, Charles Vanel, José Giovanni, Claude Dauphin, Michèle Mercier
Cuatro hombres bien posicionados económicamente quieren aumentar sus ingresos participando en el negocio de la droga. Un quinto individuo (interpretado por el propio Giovanni) debe traer el alijo desde Marsella, pero los planes se tuercen y los protagonistas acaban enfrentados entre ellos. Primera de las fructíferas colaboraciones entre Giovanni y Jacques Deray, con participación de Claude Sautet en el guion.
País(es) de producción: Francia – Italia – Alemania – 1966
Intérpretes: Lino Ventura, Marilù Tolo, Jean Bouise, Jean Servais, Wolfgang Preiss
Inmersión de Giovanni y Deray en el relato de espionaje. Lino Ventura es Paul Fabre, un oficial de los servicios secretos franceses enviado a Viena para esclarecer si el responsable de la inteligencia francesa en Austria es en realidad un doble agente. Fabre es requerido para la misión confiando en su experiencia e instinto, y porque es uno de los mejores amigos del sospechoso.
Intérpretes: Lino Ventura, Paul Meurisse, Raymond Pellegrin, Marcel Bozzuffi, Christine Fabrega
Tras evadirse de la cárcel, el peligroso criminal llamado Gustave Minda (Lino Ventura) quiere reactivar a sus hombres pero se ve involucrado en una masacre entre bandas rivales. Un inspector de policía intenta atraparlo mientras él busca dar un último golpe y huir del país. Primera y última colaboración entre dos de los grandes arquitectos del policíaco francés, Giovanni –autor de la novela y coguionista– y Jean-Pierre Melville.
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Joanna Shimkus, Raymond Bussières, Paul Crauchet, Stéphane Fey
Uno de los pocos casos en los que Giovanni no participaría como guionista en la adaptación de una de sus novelas. Jean-Paul Belmondo interpreta a un excorredor automovilístico. Ha dejado las carreras después de la muerte de un compañero en accidente y ahora trabaja como chófer para una banda criminal que realiza pequeños atracos. Poco a poco trama la realización de un golpe en solitario
País(es) de producción: Francia – Italia – México – 1968
Intérpretes: Lino Ventura, Rosa Furman, Aurora Clavel, Enrique Lucero, Xavier Marc, Farnesio De Bernal
El segundo largometraje dirigido por Giovanni, a partir de la novela The Vulture, del escritor escocés John Carrick, tiene como protagonista a un asesino a sueldo (Lino Ventura) a quien un grupo insurrecto encarga el asesinato de un presidente latinoamericano. Desprovisto de todo ideal, cínico e inflexible, el asesino, apodado Le Rapace, participa de este golpe de Estado sin conocer sus inmediatas consecuencias
Intérpretes: Jean Gabin, Alain Delon, Lino Ventura, Irina Demick, Jacques Duby
Un hombre encarcelado por asesinato es liberado por los miembros del clan de un venerable gánster siciliano. Juntos planean asaltar el avión con destino a Nueva York que transporta unas preciadas joyas, mientras un policía intenta darles caza. Adaptación de una novela de André Le Breton concebida como una gran producción internacional. Reúne a los tres grandes actores del polar: Delon, Gabin y Ventura.
Intérpretes: Lino Ventura, Marlène Jobert, Michel Constantin, Paul Crauchet, Alain Mottet
Lino Ventura interpreta a un encallecido inspector de policía que es relegado de su cargo tras haber detenido al hijo alcoholizado de un abogado influyente. Su nuevo hábitat es una comisaría de barrio en la que inicialmente le encargan detener a delincuentes sexuales. Cuando le asignan una compañera novata (Marlène Jobert, madre de Eva Green), juntos afrontan la búsqueda de un testigo protegido de quien solo conocen el último domicilio en el que habitó.
País(es) de producción: Francia – Italia – España – 1971
Intérpretes: Jean-Claude Bouillon, Nicoletta , Maurice Garrel, Paola Pitagora, Jean Gaven
Un policíaco de cámara basado en una novela estadounidense publicada en la colección Série Noire de la editorial Gallimard. Su personaje principal acaba de fracasar en el atraco a un banco y debe solucionar algunos aspectos de su pasado reciente, ya que es acusado de un crimen que no ha cometido. La historia ya había sido llevada a la pantalla por Robert Siodmak en el film noir Cry of the City (1948).
Intérpretes: Rufus , Paul Crauchet, Alexandra Stewart, Jean Gaven, Philippe March
Filme protagonizado por un actor generalmente identificado con la comedia, Rufus, que ya había participado en Un aller simple. Es una película de marcado signo político: su protagonista trabaja en una organización de carácter pacifista que lucha por liberar a presos políticos, pero poco a poco descubre que la no violencia en la que siempre ha creído ya no funciona, por lo que pasa al otro lado, a la lucha armada.
No contento del todo con la versión que de su novela L’Excommunié había realizado Jean Becker en Un nommé La Rocca, Giovanni la adaptó personalmente, ahora en color, pero con el mismo actor, Jean-Paul Belmondo. La película detalla mejor que la anterior la vida de la delincuencia organizada en la Marsella de los años 30, antes de que el personaje termine en la cárcel y vuelva a la vida civil tras una serie de peripecias
Intérpretes: Jean Gabin, Alain Delon, Mimsy Farmer, Michel Bouquet, Victor Lanoux
Planteada como un alegato contra la pena de muerte, la película narra la historia de un delincuente que logra reintegrarse en la sociedad tras salir de la cárcel. Lo consigue gracias a la ayuda de un educador, pero una serie de acontecimientos, además de la presión que recibe de un inspector de policía que conoce su historial, le devuelven a la vida criminal. Producida por Alain Delon, protagonista junto a Jean Gabin.
Intérpretes: Alain Delon, Paul Meurisse, Annie Girardot, Marcel Bozzuffi, Bernard Giraudeau
En su segunda colaboración con Giovanni como actor y productor, Alain Delon encarna a Hugo Sennart, un gitano francés al que la policía busca por diversos crímenes. Hugo prepara el que podría ser su último golpe, pero su itinerario se mezcla con el de un ladrón de joyas a quien pone cerco el mismo inspector que le busca a él. Pese a ser un relato de ficción, el filme propone una mirada documental a los campamentos de gitanos y su forma de vida.
Intérpretes: Francis Huster, Jean-François Balmer, Lila Kedrova, Bérangère Bonvoisin, Gabriel Briand
Adaptación de la novela autobiográfica de Albert Spaggiari, el cerebro de uno de los mayores atracos bancarios cometidos hasta entonces. Durante un día de julio de 1976, Spaggiari y sus compinches se desplazaron por las alcantarillas hasta la sede central de la Société Général de Niza, permanecieron dentro todo un fin de semana y robaron 60 millones de francos, además de bonos y bienes. Fue conocido como el robo del siglo.
Intérpretes: Annie Girardot, Claude Brasseur, Jacques Perrin, Renaud Verley, François-Éric Gendron
Giovanni relató en este filme la historia de un falso culpable, Simon Risler (Claude Brasseur), quien escapa de la policía después de ser juzgado y condenado a muerte por un asesinato que no ha cometido. Encuentra refugio en casa de su abogada (Annie Girardot), con quien se dispone a demostrar su inocencia y desvelar un turbio asunto en el que puede estar implicados elementos de la Brigada Financiera de la policía francesa.
Intérpretes: Claude Brasseur, Bernard-Pierre Donnadieu, Gérard Darmon, Niels Arestrup, Daniel Duval
A caballo entre la aventura y el espionaje, la pelicula comienza con el secuestro de un importante general de la OTAN por parte de un grupo terrorista. A continuación, los servicios secretos franceses reclutan a una serie de individuos y los entrenan para formar parte del comando que debe liberar al militar. El rodaje fue complicado, pero muy del gusto de Giovanni, con escenas submarinas y otras de dificilísima escalada vertical.
Intérpretes: Valérie Kaprisky, André Dussollier, Thierry Frémont, Steve Kalfa, Yves Kerboul
Otra de las películas de Giovanni con tintes autobiográficos. Se centra en un joven que durante la ocupación, para salir de la cárcel, aceptó colaborar con los nazis. Tiempo después, a las puertas del final de la guerra, intenta obtener la rehabilitación ayudando a un oficial de inteligencia francés a desenmascarar a ciudadanos y policías que participaron duramente en la represión, incluido su propio hermano
Intérpretes: Bruno Cremer, Vincent Lecoeur, Rufus , Michelle Goddet, Nicolas Abraham
Partiendo de su novela Il avait dans le coeur des jardins introuvables, Giovanni realiza un sentido homenaje a su padre, Joe Damiani, quien no ceja en el empeño de liberar a su hijo condenado a la pena capital por su complicidad en un asesinato. El padre (Bruno Cremer) intenta conseguir las pruebas que demuestren su inocencia. Giovanni se despidió del cine con este viaje en el tiempo hasta una de las épocas más dramáticas de su vida.
Biografía
José Giovanni (1923-2004), nacido Joseph Antoine Roger Damiani en París, en el seno de una familia acomodada de origen corso, escribió algunas de las páginas más brillantes tanto de la novela policíaca como del polar, el cine policíaco francés, tan influyente como el film noir estadounidense. Fue antes novelista, adaptador y guionista, pero cuando tomó las riendas de sus propios proyectos como director, estableció una mirada y una estética en el policial francés pareja a la de sus autores más reputados, Jean-Pierre Melville o Jacques Deray. Con ambos colaboró estrechamente en un momento, la primera mitad de los años 60, en el que tener a Giovanni en los créditos suponía una garantía de interés y de éxito cuando el policíaco era uno de los géneros más sólidos del cine francés.
Tuvo una vida ajetreada y compleja, repleta de zonas oscuras. De ella extrajo no pocos elementos argumentales para sus novelas. Su irrupción en el cine fue por la puerta grande: Jacques Becker se fijó en su novela La evasión, en la que Giovanni relataba su estancia en la cárcel –acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena capital le fue conmutada por trabajos forzados–, y decidió llevarla a la pantalla. La conexión con el escritor fue inmediata y Giovanni, que había sido contratado como consejero técnico, terminó ejerciendo de coguionista de Le Trou / The Hole (La evasión, 1960). Fue la obra póstuma de Becker y pudo verse en la retrospectiva que el Festival de San Sebastián dedico al director en 2016.
Giovanni publicó La evasión en 1958, año y medio después de salir de prisión. Poco después ya era uno de los escritores incluidos en la prestigiosa Série Noire, la colección de libros policíacos que había ideado Marcel Duhamel en la editorial Gallimard y que marcó una nueva y moderna apreciación de la literatura criminal, incluyendo las traducciones al francés de los clásicos norteamericanos. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), dio pie a Classe tous risques / The Big Risk (A todo riesgo, 1960), de Claude Sautet, en la que Giovanni ejerció también de guionista. Y la segunda, Le Deuxième souffle (1958), fue adaptada años más tarde por Jean-Pierre Melville en uno de los títulos clave del polar, Le Deuxième souffle / Second Wind (Hasta el último aliento, 1966). Tanto este filme como el de Sautet, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2022, contaron con Lino Ventura, uno de los intérpretes clave del género junto a Jean Gabin y Alain Delon.
Otra de sus novelas del productivo año 1958, L’Excommunié, sirvió de base para Un nommé La Rocca / A Man Named Rocca (Un tal La Rocca, 1961), película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y en la que se prolongaba la buena relación con los Becker: fue dirigida por Jean Becker, hijo de Jacques. En 1963 inició como guionista su fructífera colaboración con el director Jacques Deray –(Symphonie pour un massacre / Symphony for a Massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo / Rififi in Tokyo (Rififí en Tokio, 1963), L’homme de Marrakech / The Man from Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966) y Avec la peau des autres / To Skin a Spy (Red siniestra, 1966)–, y tres años después lo hizo con Robert Enrico –Les Grandes gueules / The Wise Guys (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers / The Last Adventure (Tres aventureros, 1967) y Ho! / Ho! Criminal Face (¡Ho!, 1968)–. Pero para entonces Giovanni ya barruntaba su paso a la dirección. Debutó tras la cámara con La Loi du survivant / Law of Survival. (La ley del superviviente, 1967), un polar en tiempos bélicos en el que aparecen tres de sus motivos temáticos principales: la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial, los ambientes de Córcega y la traición.
A partir de este momento, y con la sola excepción de Le Clan des Siciliens / The Sicilian Clan (El clan de los sicilianos, 1969) de Henri Verneuil –obra clave del polar, guion modélico de Giovanni a partir de la novela de Auguste Le Breton y reunión de alto voltaje entre Ventura, Delon y Gabin–, nuestro protagonista se dedicó principalmente a la dirección. Y si bien en sus películas hay rasgos de todos los cineastas con los que trabajó, no tardó en imponer un estilo propio, crudo y directo, adaptándose a sí mismo o a otros escritores, en filmes en los que mostró a asesinos a sueldo, policías de barrio, jóvenes rebeldes enfrentados al sistema, el hampa marsellesa, delincuentes que no pueden reinsertarse en la sociedad, ladrones marginales que viven según sus códigos, robos a gran escala, presidiarios que intentan demostrar su inocencia o buscadores de oro. Un estilo tan agitado como lo fue su propia existencia, muy física y aventurera: por ejemplo, practicó la escalada tanto alpina como urbana, y en una ocasión escaló hasta lo alto de la Torre Eiffel.
De entre los quince largometrajes que dirigió, además de dos filmes para televisión y tres episodios de un par de series, destacan Le Rapace / Birds of Prey (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu / Last Known Address (Último domicilio conocido, 1970) –ambas con Ventura–, Un aller simple / One Way Ticket (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune / Hit Man (El clan de los marselleses, 1972) –con Belmondo, Claudia Cardinale y el actor fetiche de Giovanni, Michel Constantin–, Deux hommes dans la ville / Two Men in Town (Dos hombres en la ciudad, 1973) –con Delon y Gabin compartiendo protagonismo–, Le Gitan / The Gypsy (Alias el gitano, 1975) –producida e interpretada por Delon– y Une robe noire pour un tueur (1981), con Annie Girardot. En sus dos últimas películas, Mon ami le traître / My Friend the Traitor (1988) y Mon père, il m’a sauvé la vie / My Father Saved My Life (Mi padre, 2001) –coescrita con Bertrand Tavernier– reflexionó desde la ficción sobre aspectos determinantes de su propia vida.
‘El mal hijo’, ópera prima de Jaime Lorente, inaugurará la sección, mientras que ‘Florid’, debut en el largometraje de Billy Lumby, será la encargada de clausurarla
Cineastas de Alemania, Bulgaria, Chile, Corea del Sur, España, Irán, Japón, Kazajistán, México, Noruega, Reino Unido, Ucrania y Taiwán presentarán sus primeros y segundos largometrajes en la sección New Directors. El mal hijo / The Bad Son, ópera prima de Jaime Lorente será la encargada de inaugurar la sección, mientras que Florid, el debut en el largometraje de Billy Lumby, será la encargada de clausurarla. Los catorce títulos competirán por el Premio Kutxabank-New Directors durante la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará entre el 18 y el 26 de septiembre.
Billy Lumby (Londres, 1980) presenta su primer largometraje, Florid, en el que un joven intenta equilibrar sus problemas mentales, la medicación y las drogas, con sus ambiciones musicales. El cineasta y guionista británico se lanza al formato largo tras cosechar reconocimientos por sus cortometrajes Suspended Animation (2009), Gold View (2012) o Samuel-613 (2015), con el que fue nominado a un premio BAFTA.
Naëmi Ada (Tübingen, 1994) estrena su ópera primaBody of Glass.El filme cuenta la historia de una joven bailarina que comienza a llevar una vida paralela tras un enfrentamiento con su novio, al que le une una relación tóxica. Antes de estudiar cine y dirigir cortometrajes y obras experimentales, la realizadora alemana se formó en el campo de la danza contemporánea.
Tras mostrar su ópera prima, Lluvia (2023), en varios festivales como Málaga, Miami, Morelia, La Habana o Los Ángeles, Rodrigo García Saiz (Ciudad de México) estrena en San Sebastián Morro. Su segunda película está ambientada en un pueblo mexicano, donde un veterinario, tras la muerte de su hijo, cura al perro de un capo local, de modo que entre ambos se genera un vínculo atravesado por el duelo no resuelto.
La cineasta noruega afincada en Dinamarca Marlene Emilie Lyngstad (Oslo, 1997) debuta en el largometraje con Cute, la historia de un hombre preocupado por sus sentimientos prohibidos, que se niega a vivir con su novia y su hija. Entre los cortometrajes previos dirigidos por Lyngstad destacan Norwegian Offspring (2023), ganador del primer premio de La Cinef, la sección del Festival de Cannes que acoge trabajos presentados por escuelas de cine.
The Ballet Lesson es la segunda obra del director japonés Kazuya Murayama (Ishikawa, 1982) después de Torao (2021). El filme acompaña a un exsoldado ruso en su regreso a Japón en busca de sus hijos, que tienen doble nacionalidad, para llevarlos con su madre, una bailarina de ballet japonesa.
Con experiencia previa como ayudante de dirección y directora de arte, la realizadora kazaja Ayana Nurdinova (Almatý, 1995) presenta su ópera prima. Mugalim está protagonizada por un profesor de música que sueña con abandonar la pequeña localidad de Balkhash, pero que en el camino entiende que la música es igual de importante en todas partes.
El cineasta iraní Massih Parsaei (Teherán, 1992) debuta con Lovers Sleep Alone, una película que fue seleccionada el año pasado en WIP Europa. El filme retrata la vida de un joven exiliado iraní que malvive con trabajos precarios en Berlín. Su único vínculo es con un hombre con el que mantiene sexo esporádico en un parque, hasta que un día recibe la visita de su prima de Teherán a la que apenas conoce.
Ri Guang / Will You Still Be My Friend, es la opéra prima de Lu Po-Shun (Taiwán, 1992). Ambientada en una aldea rural de Taiwán inmersa en un conflicto en plena escalada, plasma la lucha de un joven por conservar la amistad con su mejor amigo, criado en Singapur.
Hristo Simeonov (Bulgaria, 1985) debuta en el largometraje con Obuvkite na bashta mi / My Father’s Shoes. El filme acompaña a una joven y a su madre que deben enfrentarse al reconocimiento del cuerpo sin vida de su padre y marido, de quien estaban distanciadas hacía tiempo.
El director Thomas Woodroffe (Santiago de Chile, 1995), que actualmente cursa el máster de Archivo en la Elías Querejeta Zine Eskola, estrena Bloques erráticos / Erratics. Su primer largometraje narra la historia del fantasma del cineasta Lucien Castelnau que, después de ser liberado de un glaciar tras cien años de cautiverio, deambula por una Patagonia futurista, donde el progreso tecnológico colisiona con historias olvidadas. Su cortometraje Fiebre austral / Austral Fever (2019) obtuvo una mención especial del Premio Nest y se exhibió también en los festivales de Venecia y Toronto.
Después de lograr distintos premios en Busan y Rotterdam con su ópera prima Nam-mae wui Yeo-reum-bam / Moving On (Hermanos en una noche de verano, Perlak, 2020), la directora surcoreana Yoon Dan-bi (Gwangju, 1990) estrenará en San Sebastián su segundo largometraje, The World Before. La producción cuenta la historia de Jin, una joven que vive inmersa en la tranquilidad de una isla remota con su abuela. Tras la muerte de la anciana, Doojae llega a la isla y entre ambos surge una intimidad inesperada.
Todas las películas, además de las producciones españolas ya anunciadas, como Esta soledad / This Solitude, de Javier Giner; El mal hijo / The Bad Son, de Jaime Lorente, que inaugurará la sección, ySieben Tage Februar / February, Seven Days, de Tatjana Moutchnik, optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre la directora o el director y la distribuidora de la película en España. Dicho reconocimiento está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. Además, los trabajos correspondientes a la sección de New Directors optan también al Premio DAMA de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
El Festival de San Sebastián cuenta desde hace más de cinco décadas con una sección dedicada a primeras y segundas películas de sus cineastas, lo que demuestra la apuesta decidida por los nuevos talentos. El certamen donostiarra ha apoyado en sus inicios a cineastas como Olivier Assayas, Nicolas Winding Refn, Jonathan Glazer, Luicile Hadzihalilovic, Bong Joon-ho, Isabel Coixet, Walter Salles o Kevin Smith. Concretamente, las películas seleccionadas el año pasado en esta sección cosecharon cerca de medio centenar de premios y nominaciones tras su paso por San Sebastián.
Intérpretes: Miguel Ángel Puro, Susi Sanchéz, Hugo Arbués, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente
Inauguración
Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación, y luchará a medida que crece por intentar sanarlas
Intérpretes: Jonathan Jules, Saskia Chana, Unknown T
Clausura
Jamal, diagnosticado con esquizofrenia, vive en una residencia junto a otras personas con problemas de salud mental. Frustrado por los efectos secundarios de su medicación, deja de tomarla, lo que provoca que las voces que oye se vuelvan más frecuentes e intensas. Con un estado de ánimo cada vez más inestable, Jamal entabla amistad con Kyla, otra residente. Sin embargo, a medida que las voces se intensifican, Jamal debe enfrentarse a la difusa línea que separa la realidad de los sucesos que vivió su familia en el pasado para lograr reconciliarse con esas voces.
País(es) de producción: Chile – Francia – Argentina
Intérpretes: Denis Lavant, Daniel Muñoz
Liberado de un glaciar tras cien años de cautiverio, el fantasma del cineasta Lucien Castelnau deambula por una Patagonia futurista, donde el progreso tecnológico colisiona con historias olvidadas. Incapaz de encontrar descanso mientras su legado cinematográfico permanece invisible, atraviesa un mundo que lo ha borrado de la memoria, en busca de un lugar en la historia y de la audiencia, que finalmente pueda devolver la vida a su obra perdida
Intérpretes: Soma Pysall, Elise Tilloloy, Manuel Severin, Younès Boucif
Tras un violento incidente con Felix, la bailarina Tian huye de su controladora pareja y de la vida que compartían en Marsella. Aislada y desesperada por conectar con alguien, se infiltra en el grupo de duelo de un joven al que nunca conoció, haciéndose pasar por su novia secreta. Mientras se ve envuelta en el dolor y el afecto de ese círculo, oculta una peligrosa verdad: Felix permanece cautivo y atado en el apartamento. Cuando las mentiras, el duelo y la realidad chocan entre sí, Tian debe decidir si romper el ciclo.
País(es) de producción: Dinamarca – Suecia – Noruega
Intérpretes: Jan Gunnar Røise, Gina Jaqueline , Karin Bertling, Kitt Maiken Mortensen, Molly Kirk Rasmussen
Atormentado por los sentimientos prohibidos que alberga hacia su hijastra, que tiene siete años, Richard decide dejar a su novia para refugiarse en la casa donde creció y reformarla antes de venderla. Pero el retiro que se ha autoimpuesto se ve perturbado por la presencia de Stella, la aniñada cuidadora de su madre. Pronto descubre que lleva una doble vida como camgirl, haciendo de Lolita, y empiezan una relación transgresiva, como si fueran padre e hija, que se hace añicos cuando la hijastra a la que abandonó, retoma el contacto
Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez, Kai Etxaniz, Itziar Lazkano
Leo y Lorea se han querido. Quizá se siguen queriendo. Pero algo en ellos se ha roto. Su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.
Intérpretes: Pooyesh Frozandeh, Ava Darvishi, Marcel Kohler, Wolfgang Wobéto
WIP Europa 2025
Iman ha construido su vida en Berlín en torno a la ausencia: la de su familia, la de Irán y la de ser conocido por los demás. Llena el silencio con trabajo, historias inventadas y noches junto a un hombre con quien se cita en el parque para tener sexo. Cuando su prima, a quien apenas conoce, llega de Teherán para una breve visita, aquello que había dejado atrás regresa silenciosamente a su vida.
Intérpretes: Gustavo Sánchez Parra, Anna Diaz, Ernesto Meléndez
Mateo es veterinario en un pequeño pueblo. Desde la muerte de su hijo, su vida transcurre entre rutinas silenciosas y una culpa que permanece sin nombre. La violencia del lugar no irrumpe: se mantiene latente, como un eco constante. Ese equilibrio frágil se ve alterado cuando Mateo debe curar a Morro, el perro herido de un capo local. En el cuidado cotidiano del animal surge un vínculo inesperado: una relación sin juicio ni palabras, que devuelve el sentido a la vida de Mateo.
Intérpretes: Oljas Dalelkhan, Rustem Zhanyamanov, Shynar Janysbekova, Olga Landina, Gulnara Dusmatova, Akif Petrov, Madina Yesmanova, Anna Starchenko, Ruslan Duysembekov
Zhandos, un apreciado profesor de música que vive en la pequeña ciudad de Balkhash, sueña con mudarse a una gran ciudad. La escuela hace la vista gorda ante sus trabajos extra, pero cuando llega un mecenas nostálgico de su ciudad natal, a Zhandos se le presenta la oportunidad de marcharse. En ese momento, debe decidir qué es más importante: el arte que lleva dentro o su papel en el arte.
Mima ha crecido con la ausencia de su padre y una madre inflexible, Boyka. Cuando llega la noticia de la muerte de su padre y el cadáver regresa al pueblo, reconocerlo se convierte a la vez en un deber y un dilema. Mientras Boyka se niega a ver en esas condiciones al hombre que una vez amó, madre e hija se ven obligadas a encarar un pasado silenciado, y Mina debe decidir qué significa tener que llevar una vida que nunca eligió.
Intérpretes: Jaden Wang, Aloysius Looi, Lung Tien Hsiang, Lu Yi-Ching, Andie Chen, Kate Pang
En medio de un conflicto cada vez más intenso en un pueblo de Taiwán, un chico lucha por proteger la amistad secreta que mantiene con su mejor amigo, criado en Singapur, mientras los enfrentamientos entre los adultos amenazan con separarlos. Al mismo tiempo, empieza a cuestionarse en silencio la verdadera naturaleza de los sentimientos que alberga hacia su colega.
Dos concepciones diferentes de la identidad familiar entran en conflicto cuando un hombre de Odesa y su hijo visitan a su hermano en Alemania para asistir el funeral de su madre en la víspera del estallido de la guerra de Ucrania.
En una ciudad de provincias japonesa, los hermanos Nikita y Nina, de ascendencia nipona y rusa, llevan una vida aislada junto a sus abuelos rusos. Solo conocen a sus padres ausentes a través de los relatos que han oído sobre ellos. Cuando su padre, Nikolai, regresa de forma inesperada, emprende con ellos un viaje en busca de su madre, Yuki, una bailarina de ballet japonesa. En el camino, los niños descubren nuevos paisajes, encuentros fugaces y los frágiles vínculos que unen a una familia.
País(es) de producción: Corea del Sur – Japón – Francia
Intérpretes: Su-bin Sim, Eo-jin Kim
Jin tiene 17 años y nunca ha salido de la isla donde nació: un lugar remoto, sin carreteras que la conecten con tierra firme, y donde el mar marca apaciblemente el ritmo de la vida. Cuando Dujae regresa para el funeral de su abuela, se aloja a solas en la casa que dejó atrás. Jin empieza a buscar pequeñas excusas para visitarle y, poco a poco, verle se convierte en parte de su día a día. A medida que avanza el verano, la isla que siempre ha conocido empieza a resultarle ajena; los caminos, el mar y los rostros que la rodean parecen haberse transformado sutilmente. Jin se descubre observando su entorno —y a sí misma— por primera vez. Pero el verano, al igual que todo lo demás en la isla, no durará para siempre.
La muestra reúne materiales del fondo Eduardo Ducay, recientemente incorporado a las colecciones de Filmoteca Española, y conmemora el centenario de dos figuras esenciales del cine español del siglo XX
La iniciativa Las vitrinas del Doré pone en valor los fondos extrafílmicos como parte fundamental del patrimonio cinematográfico y como fuente para el estudio de la historia del cine
Los espectadores del Cine Doré podrán visitar estos fondos desde el 28 de julio hasta el 25 de noviembre en la antesala de la Sala 1 del Cine Doré
Madrid, 29 de julio de 2026. Filmoteca Española presenta una nueva muestra en el punto expositivo situado en la antesala de la Sala 1 del Cine Doré dedicada a Eduardo Ducay y Francisco Rabal, coincidiendo con el centenario de sus nacimientos y con la reciente incorporación, mediante donación, del fondo documental de Eduardo Ducay a las colecciones de la institución.
La muestra establece un diálogo entre dos trayectorias fundamentales de la cinematografía española y propone una aproximación a la historia del cine a través de los fondos bibliográficos, museográficos y documentales que acompañan a las películas y permiten profundizar en los procesos creativos, profesionales y culturales que las hicieron posibles.
Con esta nueva muestra, Filmoteca Española reafirma la vocación del punto expositivo del Cine Doré como un espacio de encuentro entre los espectadores del cine, las películas y los materiales que las rodean, poniendo en valor unos fondos extrafílmicos esenciales para la conservación, investigación y difusión de la memoria del cine español y para la creación de nuevas lecturas sobre su historia.
Vitrinas del Doré
Inauguradas en 2023, Las vitrinas del Doré ofrecen la posibilidad de descubrir materiales que amplían la mirada sobre las películas y sobre quienes las hicieron posibles: fotografías, guiones, correspondencia, documentos de producción, carteles, programas de mano y otros testimonios que ayudan a reconstruir los procesos creativos, industriales y culturales que forman parte de la historia del cine.
Desde su creación, este espacio ha acogido muestras dedicadas a figuras como José Luis Ozores, Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal, así como selecciones centradas en la prensa cinematográfica española o en la Escuela Oficial de Cine. Estas propuestas expositivas que se articulan en torno a distintas líneas de trabajo, como la recuperación y difusión de la memoria de cineastas e intérpretes, la celebración de aniversarios y centenarios, la presentación de investigaciones vinculadas a sus fondos, las muestras complementarias a las exposiciones temporales organizadas por la institución en sus salas de la calle Magdalena o la puesta en valor de nuevas incorporaciones a sus colecciones.
La muestra que ahora se presenta en estas vitrinas establece un diálogo entre Eduardo Ducay y Francisco Rabal, ambos nacidos en 1926, cuya actividad contribuyó de forma decisiva al desarrollo del cine español contemporáneo. La relación entre ambos nombres permite aproximarse a dos ámbitos complementarios de la creación cinematográfica: la producción y la interpretación, dos dimensiones imprescindibles para comprender la historia de las películas y de quienes las hicieron posibles.
Eduardo Ducay
La reciente incorporación del fondo Eduardo Ducay supone un importante enriquecimiento de las colecciones de Filmoteca Española. Productor, guionista, crítico e impulsor de la cultura cinematográfica, Ducay desempeñó un papel decisivo en la evolución del cine español desde mediados del siglo XX.
Vinculado al cineclubismo y a la reflexión crítica, participó activamente en la renovación de la cultura cinematográfica española y desarrolló una destacada trayectoria como productor, colaborando con algunos de los cineastas más relevantes de su tiempo.
Los materiales procedentes de su fondo ponen de manifiesto el valor de los archivos personales y profesionales como herramientas esenciales para la investigación, conservación y difusión del patrimonio audiovisual. Algunos ejemplos son la nutrida correspondencia con Buñuel, con quien mantuvo una gran amistad -Ducay fue el productor de Tristana-, el plan de rodaje de Padre nuestro, el cuaderno de notas y las fotografías de Carlos Saura para Carta de Sanabria o sus apuntes durante el rodaje de El bosque animado y la fotografía dedicada por José Luis Cuerda.
Francisco Rabal
Francisco Rabal fue uno de los actores españoles de mayor reconocimiento nacional e internacional del siglo XX. A lo largo de más de cinco décadas de carrera trabajó con algunos de los grandes cineastas españoles y europeos, entre ellos Luis Buñuel, Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Carlos Saura o Mario Camus. Su interpretación en Los santos inocentes (1984), por la que recibió el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cannes, consolidó una trayectoria marcada por la versatilidad y la excelencia interpretativa.
Esta muestra de fotografías procedentes del archivo personal del actor pone el broche a las actividades organizadas por la institución con motivo del Centenario Rabal, programa que incluyó la celebración del ciclo Francisco Rabal. Cicatriz y memoria, durante los meses de febrero y marzo.
Programación complementaria
La relación entre ambos creadores tiene uno de sus principales puntos de encuentro en Padre nuestro (1985), dirigida por Francisco Regueiro, protagonizada por Francisco Rabal y producida por Eduardo Ducay junto a Julián Marcos. Como complemento a la muestra, el 30 de septiembre, a las 17:30 horas, el Cine Doré acogerá una sesión especial dedicada a la proyección de esta película. Considerada una de las producciones españolas más relevantes de mediados de los años ochenta, Padre nuestro fue seleccionada para la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes y recibió el Gran Premio de las Américas en el Festival Internacional de Cine de Montreal de 1985.
La sesión de homenaje se completará con la proyección del cortometraje El mitin, dirigido por Gloria Carrión, Eduardo Ducay, Bernardo Fernández y Manuel Vicent, un valioso testimonio audiovisual de un momento clave de la Transición española. La pieza recoge la filmación del mitin unitario de los partidos de izquierda celebrado en Valverde del Fresno (Cáceres) el 26 de febrero de 1978, considerado el primero de estas características desde el estallido de la Guerra Civil. De carácter prácticamente inédito, el cortometraje apenas ha tenido oportunidades de exhibición pública. Entre ellas figura la proyección realizada en la Filmoteca de Zaragoza en 2004, dentro de un ciclo de homenaje como cofundador del CineClub de la ciudad y como productor. Tanto en aquella ocasión como en la presente, su recuperación ofrece una oportunidad excepcional para acercarse a un documento que preserva la memoria visual de un acontecimiento histórico y que refleja el proceso de recuperación de las libertades democráticas tras décadas de dictadura.
El director de “Bait”, ganador del BAFTA al mejor debut, firma un inquietante relato de realismo mágico y viajes temporales que formará parte de la sección Rebels del Atlàntida Mallorca Film Fest.
El próximo 31 de julio, Filmin estrena “Rose of Nevada”, la nueva película de Mark Jenkin, uno de los cineastas más singulares y estimulantes del panorama británico actual. La película se presentó en la sección Orizzonti del Festival de Venecia y ha sido seleccionada en Rebels, la sección más arriesgada del Atlàntida Mallorca Film Fest 2026.
Protagonizada por George MacKay (“1917”) y Callum Turner (“Animales fantásticos”), “Rose of Nevada” combina misterio, ciencia ficción y folclore costero en una historia sobre el tiempo, la memoria y las segundas oportunidades. Rodada en 16 mm con el inconfundible estilo artesanal de Jenkin, la película vuelve a demostrar el talento visual del cineasta británico, reconocido internacionalmente tras ganar el BAFTA al mejor debut con “Bait”.
Sinopsis En un olvidado pueblo pesquero, un barco aparece misteriosamente en el puerto. El Rose of Nevada, perdido en el mar con todos sus tripulantes hace 30 años, ha regresado. Para los pocos que lo recuerdan, es una señal: la embarcación debe volver a hacerse a la mar, quizá entonces cambie la suerte de la devastada aldea. Nick acepta un trabajo a bordo del barco en un intento de mantener a su familia. Junto a él, el recién llegado Liam se une a la tripulación, desesperado por escapar de su pasado. Se hacen a la mar y, tras un exitoso viaje, regresan a puerto. Pero algo va mal. Han retrocedido en el tiempo y los aldeanos les reciben como si fueran la tripulación original.
Un cineasta que filma contra las reglas
Desde “Bait”, Mark Jenkin se ha consolidado como una de las voces más personales del cine británico. Fiel al rodaje en celuloide de 16 mm y a un proceso de trabajo completamente artesanal, sus películas convierten las limitaciones técnicas en parte esencial de su lenguaje. «Ruedo en película, pero monto en digital. Vivo en el mundo digital como todos, pero filmo en celuloide porque es la cámara que entiendo. Me encanta su estética y también las limitaciones que impone», explica el director.
Ese método también condiciona la construcción de sus películas. Jenkin rueda con muy poca cobertura y utiliza el montaje para reinventar las escenas: «Muchas veces, cuando llego a la sala de montaje, descubro que no tengo todos los planos que necesito. Me pongo trampas deliberadamente para tener que reconstruir las escenas durante la edición». El resultado es un cine de imágenes rugosas y texturas físicas que convierte cada plano en una experiencia sensorial, donde lo cotidiano adquiere una dimensión casi sobrenatural.
George MacKay y Callum Turner a las órdenes de Jenkin
Al frente del reparto se encuentran dos de los actores británicos más destacados de su generación. George MacKay, protagonista de “1917”, y Callum Turner, conocido por la saga “Animales fantásticos”, coincidieron en señalar el carácter único del proceso creativo de Jenkin.
«Esta película es como un cuadro mezclado con un poema. Al leer el guion podía sentir cada ola, cada golpe y cada sonido. Supe inmediatamente que quería hacerla», afirma Turner. MacKay recuerda, por su parte, que en su primera reunión apenas hablaron de la historia: «Nos pasamos todo el encuentro hablando de otras películas y de su forma de trabajar. Ahí entendí que todo el proceso iba a ser diferente». Jenkin rueda con muy pocas tomas, sin apenas margen para la repetición, obligando a los actores a confiar en el instante y en la precisión de cada interpretación. Un método tan singular como el universo cinematográfico que construye.
· El festival y el director tailandés colaboran en la creación de la imagen de la próxima edición, estableciendo el vínculo entre la identidad del certamen y el universo artístico de uno de los autores esenciales del cine contemporáneo.
· Ganador de la Palma de Oro de Cannes, Weerasethakul se convierte en el primer cineasta internacional en firmar el cartel de la Semana en sus 71 años de historia.
Una obra fotográfica del cineasta y artista visual Apichatpong Weerasethakul protagoniza el cartel de la 71.ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). Por primera vez en su historia, la imagen del festival estará firmada por un cineasta internacional, una decisión que refuerza su visión global e inaugura el vínculo con el director tailandés.
La elección fue tomada tras un extenso y enriquecedor diálogo con Weerasethakul, incorporando al imaginario del festival la mirada artística de una de las voces esenciales del panorama contemporáneo, donde cine, fotografía e instalación forman parte de un mismo proceso creativo.
La fotografía elegida, Power Boy (Mekong) (2011), integra la figura humana en el imponente paisaje del río Mekong, que en tailandés significa «madre del agua». A lo largo de su trayectoria, Weerasethakul ha representado en numerosas ocasiones este río que recorre gran parte del sudeste asiático, estableciéndolo como símbolo de la memoria personal, y de la relación entre vida, muerte e historia. La imagen comparte con sus películas una cuidada construcción visual y una especial atención a la relación entre la presencia humana, el paisaje y la luz.
PobrelaVaca Studio, la agencia de diseño vallisoletana responsable de la identidad de Seminci desde 2024, será la encargada de desarrollar todas las aplicaciones gráficas del cartel de la 71 edición.
Para los directores de Seminci, Javier H. Estrada y Mariona Viader, la imagen escogida sintetiza muchas de las constantes presentes en la obra del cineasta. «Como su cine, la imagen del cartel es profundamente inspiradora: nace de lo cotidiano y, sin dejarlo nunca de lado, se expande con sencillez y naturalidad hacia lo eterno. De la ligereza se pasa a la trascendencia, lo urbano dialoga con la naturaleza y de una oscuridad reveladora emerge la luz de lo humano», señalan.
Considerado una de las figuras imprescindibles del cine de autor de las últimas décadas, Apichatpong Weerasethakul (Bangkok, 1970) ha construido una filmografía reconocida internacionalmente por la libertad de sus formas narrativas y por una exploración constante de la memoria, el tiempo, la naturaleza y la percepción. Entre los principales reconocimientos de su trayectoria figuran la Palma de Oro del Festival de Cannes por Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas, 2010), el Premio del Jurado por Tropical Malady (2004) y el Premio Un Certain Regard por Blissfully Yours (2002).
Su obra más reciente, Memoria (2021), protagonizada por Tilda Swinton, prolonga esa investigación sobre la escucha y la experiencia sensorial que atraviesa buena parte de su trabajo. La película formará parte del ciclo Una historia del sonido (en el cine), uno de los ejes temáticos del festival.
Esa misma mirada se desarrolla también en su faceta como artista visual. Desde hace más de dos décadas, Weerasethakul presenta instalaciones, videocreaciones y series fotográficas en museos, bienales y centros de arte de todo el mundo, donde amplía, desde otros lenguajes, las mismas cuestiones que atraviesan su cine: la relación entre imagen, sonido, espacio y memoria.
Su obra ha formado parte de algunos de los principales circuitos internacionales de arte contemporáneo, como DOCUMENTA 13 (Kassel, 2012) y la Bienal de Venecia (2019), además de exposiciones individuales y colectivas en instituciones como Haus der Kunst (Múnich), Walker Art Center (Minneapolis), New Museum (Nueva York), Irish Museum of Modern Art (Dublín) y Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.
La elección del cartel da continuidad a una idea que comenzó a desarrollarse durante la preparación de esta edición con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del festival, quien propuso que la imagen de Seminci pudiera surgir de una obra fotográfica. Ese planteamiento encuentra ahora su materialización en una creación de Apichatpong Weerasethakul.
Los directores de Seminci destacan que «es un verdadero honor que Apichatpong Weerasethakul se incorpore a la historia del festival de una manera tan significativa, aportando un elemento fundamental de la identidad de nuestra 71 edición». Ambos destacan también el proceso de trabajo desarrollado junto al cineasta: «Hemos colaborado con él durante meses; nos abrió la puerta de sus creaciones con una gran generosidad y valoramos juntos multitud de opciones hasta llegar a la que consideramos la ideal».
La imagen de la 71 edición, que tendrá lugar del 23 al 31 de octubre de 2026, se ha presentado este martes en un acto celebrado en Espacio Seminci, al que han asistido el alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, y la concejala de Turismo, Eventos y Marca Ciudad, Blanca Jiménez, además de Mariona Viader y Javier H. Estrada, codirectores del festival.
«Cinema 3/99», la propuesta de cine familiar del CCCB, presenta una selección de nueve cortometrajes para todos los públicos con la danza (sui generis) como protagonista. El programa ha sido concebido en esta ocasión en colaboración con el centro de creación de danza La Caldera.
Si nos fijamos bien, todo baila, todo, incluso aquello que pensamos que no: plantas, tijeras, piedras, avestruces, filetes, edificios… A veces solo es cuestión de mirarlos más de cerca, o más despacio o más deprisa, o con otros ojos.
A Chairy Tale (Norman McLaren & Claude Jutra, Canadá, 1957, 10’) Los objetos empiezan a rebelarse: esta silla no es para sentarse.
Dancing Birds (Smac McCreanor, Estados Unidos, 2020-2026, 4’36’’) Cuando no están volando, los pájaros nos enseñan a bailan mejor que nadie.
Dialogues (Lisa Jahovic, Reino Unido, 2024, 3’40’) ¿Sabes bailar ballet? Hay camisas que sí.
Meat Love (Jan Švankmajer, Checoslovaquia, 1’) Un amor muy carnal…
Matrioska (Co Hoedman, Canadá, 4’) Puedes bailar pequeño, puedes bailar grande, todo encaja al final.
Spring City (Jeff Scher, Estados Unidos, 2011, 2’) ¿Quién dijo que una ciudad no puede bailar?
Peas and Cues (Percy Smith, Reino Unido, 1930, 1’) Las plantas bailan tango cuando no las miras.
Ballet Burlón (Fermí Marimón, España, 6’15’’) Imposible aburrirse en esta oficina al compás de un compás.
LITTERED MVMNTS (Shoji Yamasaki, Estados Unidos, 2026, 2’) Vamos a bailar con la basura (pero hay que recogerla después).
Game With Stones (Jan Švankmajer, Checoslovaquia, 1965, 8’30’’, fragmento 1’) Te quedarás de piedra viendo cómo se mueven estas piedras.
Hidrogenesse: se malogró (Darío Peña, España, 2019, 4’) Cuando todo se estropea, mejor seguir bailando.
A Chairy Tale y Matrioska, procedentes del National Film Board of Canada. Dancing Birds, cortesía de Smac McCreanor. Dialogues, cortesía de Lisa Jahovic. Meat Love yA Game with Stones, procedentes de Athanor. Spring City procedente de Lightcone. Ballet burlón, procedente de la Filmoteca de Catalunya. LIITTERED MVMNTS cortesía de Shoji Yamasaki. Videoclip Se malogró de Hidrogenesse, cortesía de Darío Peña.
Ganador de la Palma de Oro de Cannes y referente para generaciones de cineastas, su cine retrató los conflictos, las fronteras y las transformaciones de la Europa del siglo XX.
El 31 de julio, Filmin incorpora por primera vez la filmografía completa de Theo Angelopoulos, una de las voces más personales y decisivas del cine europeo de las últimas décadas, en nuevas restauraciones en 4K y 2K que permiten redescubrir la obra del director griego. Este ciclo se enmarca dentro de la programación de la 16ª edición del Atlàntida Mallorca Film Fest, en cuya edición presencial, además, se proyectarán cinco títulos de la filmografía de Angelopoulos.
Desde los paisajes brumosos de “Paisaje en la niebla” (1988) hasta el viaje de “La mirada de Ulises” (1995) o la despedida de “La eternidad y un día” (1998), el cine de Angelopoulos exploró algunos de los grandes temas de la Europa contemporánea: las fronteras, los desplazamientos, la memoria histórica y las consecuencias de los conflictos políticos sobre la vida cotidiana.
El gran poeta del cine europeo
Pocos cineastas han filmado Europa con la lucidez, la melancolía y la ambición de Theo Angelopoulos. Sus películas recorren las fronteras físicas y emocionales del continente: el exilio, la inmigración, la memoria histórica, las guerras de los Balcanes o la búsqueda de un hogar. A través de largos planos secuencia y una puesta en escena de precisión casi coreográfica, el director griego construyó un lenguaje cinematográfico inconfundible que convirtió el tiempo y el paisaje en protagonistas de sus historias.
Heredero de la tragedia griega y profundamente marcado por la historia convulsa de su país, Angelopoulos entendía el cine como una forma de resistencia y de reflexión colectiva. Sus películas, atravesadas por la poesía, la política y la memoria, dialogan constantemente con el pasado para interrogar el presente.
Angelopoulos fue una figura decisiva para varias generaciones de cineastas; de hecho, su influencia puede rastrearse en buena parte del cine contemplativo contemporáneo. Sus imágenes –envueltas en niebla y acompañadas por la música de Eleni Karaindrou– siguen siendo algunas de las más reconocibles y evocadoras del cine europeo de los últimos cincuenta años.
El cineasta griego más influyente
Asimismo, Theo Angelopoulos ocupa un lugar central en la historia del cine europeo. Considerado el cineasta griego más influyente y reconocido internacionalmente, desde “Reconstrucción” (1970) hasta “La eternidad y un día” (1998), su cine fue construyendo una de las obras más coherentes y reconocibles de la cinematografía contemporánea. Colaboró con figuras como el novelista Petros Markaris y el legendario guionista italiano Tonino Guerra, dirigió a actores como Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau, Harvey Keitel, Willem Dafoe o Bruno Ganz, y encontró en la música de Eleni Karaindrou una compañera indispensable para dar forma a ese universo suspendido entre la historia y lo onírico.
Su prestigio internacional alcanzó una nueva dimensión con “La mirada de Ulises” (1995), una extraordinaria travesía por los Balcanes en guerra que obtuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes y confirmó a Angelopoulos como una de las voces imprescindibles del panorama. Tres años después, tras cuatro intentos fallidos, recibiría finalmente la Palma de Oro por “La eternidad y un día”, culminando una trayectoria reconocida también con el León de Oro de Venecia y numerosos galardones en los principales festivales internacionales.
Más allá de los premios, su legado permanece en un cine paciente y profundamente humanista que continúa dialogando con el presente.
La 59.ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se celebrará del 8 al 18 de octubre y reunirá una amplia selección de títulos que reflejarán el excelente momento que vive el género, con propuestas de la escena nacional e internacional. La programación se completará con la recuperación de grandes clásicos del fantástico, una incursión en el fantástico asiático y un homenaje al cine español, poniendo en valor su contribución al género.
Este año, el Festival rinde homenaje a Carrie, la película dirigida por Brian De Palma y basada en la exitosa primera novela de Stephen King, que celebra su 50.º aniversario. Una obra maestra del cine de terror que continúa resonando en el imaginario colectivo y a la que este año se homenajea también en el cartel de Sitges, inspirado en el icónico baño de sangre que marca el clímax de la película.
Carrie, la eterna heroína maldita, monstruosa si es necesario, pero profundamente humana, transformó para siempre la manera de entender el cine de terror. A través del aislamiento y la humillación sufridos por una adolescente de dieciséis años con poderes telequinéticos, la película muestra las grietas de una moral opresiva que acaba convirtiendo a la víctima en monstruo. Bailes de graduación, poderes psíquicos y violencia fueron la antesala del cine de terror de los años ochenta.
Cincuenta años después, Carrie regresa más vigente que nunca en una edición que sitúa en el centro la mirada sobre la infancia y la adolescencia malditas. Coincidiendo con este aniversario, el Festival presentará una espectacular restauración en 4K de la obra maestra de Brian De Palma.
Siguiendo el hilo de la venganza llegamos a ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador, uno de los clásicos indiscutibles del cine español y un canto al terror a plena luz del día. La película explora la pérdida de la inocencia a través de la venganza colectiva de los niños frente a los abusos y las guerras del mundo adulto. Una inquietante pesadilla mediterránea, con escenas rodadas en Sitges, que, lejos de representar una forma de justicia, acaba revelando el fracaso de una sociedad incapaz de proteger a sus miembros más vulnerables.
Coincidiendo con su 50.º aniversario, redescubrimos la película restaurada en 4K, demostrando la capacidad del cine de terror español para renovar el género. Un cine que nos ayuda a comprender los traumas del inconsciente para sublimarlos en forma de imágenes de terror, de la manera que tanto nos apasiona en el Festival de Sitges. Un recordatorio de que mirar hacia la infancia y la adolescencia es también abrir la puerta a repensar el mundo del futuro.
En Sitges, Carrie regresa por partida doble. Basada en la icónica novela debut de Stephen King, Carrie es una reinvención audaz, oportuna y sorprendente del clásico relato de iniciación, adaptada por primera vez como serie de televisión por el visionario Mike Flanagan. Flanagan ejerce como showrunner, guionista, productor ejecutivo y director de cuatro episodios, mientras que Stephen King también participa como productor ejecutivo de la serie. El público de Sitges tendrá la oportunidad de disfrutar del primer episodio, antes del 50.º aniversario de la mítica adaptación cinematográfica dirigida por Brian De Palma en 1976.
En torno a estos dos ejes temáticos, SITGES 2026 presentará una programación que recuperará títulos míticos como Scanners (1981), del maestro del body horror David Cronenberg.
La nueva versión remasterizada nos permitirá disfrutar en 4K de una de las escenas más memorables de la historia del cine de terror, aquella que hizo estallar la cabeza de los espectadores de la era analógica. Sangre falsa, comida para perros enlatada e ingeniosos efectos especiales dan vida al universo de los scanners, individuos que, como consecuencia de los efectos de un fármaco, son capaces de leer, manipular y destruir la mente de los demás, y a quienes el gobierno intentará controlar.
KEN RUSSELL’S THE DEVILS: celebrando un mito en Sitges Classics
Regresa la fascinante historia de obsesión, corrupción, poder político y brujería en la Francia del siglo XVII dirigida por Ken Russell y protagonizada por Oliver Reed y Vanessa Redgrave está considerada una de las obras cumbre del cineasta británico. Producida por Warner Bros. en 1971, la película le valió a Russell el premio a la Mejor Dirección en el Festival de Venecia y el galardón de la National Board of Review.
La versión restaurada que podrá verse en SITGES se basa en el montaje del director, reconstruido por primera vez en 2004 bajo la supervisión del propio Russell y del montador Michael Bradsell, con la colaboración del crítico y divulgador cinematográfico Mark Kermode y del productor Paul Joyce.
El estreno por parte de Warner Bros. Clockwork ofrece, por primera vez, la experiencia cinematográfica íntegra y sin censura que el cineasta siempre imaginó. Además, será la primera ocasión en que la película podrá verse restaurada y en resolución 4K.
Tesis: 30 años de una revolución en el cine de género español
¿Qué hay detrás de la fascinación y el morbo que ejercen las imágenes violentas? Llegamos a la génesis de esta atracción por el horror con una magnífica Ana Torrent que investiga los efectos de la violencia en el audiovisual. Convertida ya en una obra de culto del cine de terror contemporáneo, Tesis cumple 30 años y es uno de los grandes homenajes de esta edición. Su esperada restauración reivindica, una vez más, el excepcional legado del cine español.
Se trata de una edición remasterizada de la película supervisada por el propio director, Alejandro Amenábar, que estará presente durante el estreno de la película en el Festival. El filme podrá verse en 2K y se proyectará a 25 fotogramas por segundo, la velocidad original a la que fue rodado, recuperando así el ritmo real de los diálogos y las interpretaciones. Asimismo, se restaurarán las dinámicas de audio de la mezcla original y se ampliarán a nuevos formatos, como Dolby Atmos, que añade una dimensión vertical al sonido.
Junto a esta celebración de Tesis, SITGES 2026 ofrecerá la oportunidad de recuperar otro gran clásico del cine de terror: Holocausto Caníbal (1980), que regresa restaurada en 4K. El italiano Ruggero Deodato dirigió un falso documental en forma de fábula ecosocial sobre los límites de la ambición del mundo occidental y la violencia colonial convertida en espectáculo, que no dejará indiferente a nadie. En el momento de su estreno fue prohibida en más de cincuenta países, convirtiéndose en una de las películas más controvertidas de la historia del cine.
Nos hace especial ilusión presentar el estreno de la versión restaurada en 4K de King Kong (1976). Divertida, irreverente y plenamente vigente, esta auténtica joya analógica del director John Guillermin y del productor Dino De Laurentiis recupera al simio más emblemático —también protagonista de nuestro logotipo— para construir una metáfora sobre la colonización, la explotación de los recursos naturales y la ambición desmedida.
El género fantástico al frente de una selección diversa y heterodoxa
Recién llegada de Cannes tras su paso por Sundance, Leviticus, del cineasta australiano Adrian Chiarella, propone una historia de terror sobrenatural que recurre al imaginario bíblico para explorar la culpa, el fanatismo religioso y la represión del deseo homosexual. Por su parte, Her Private Hell, del reconocido director danés Nicolas Winding Refn, vuelve a demostrar su hipnótico universo visual con un thriller que se adentra en la intimidad y la psique de sus personajes para retratar una deriva marcada por la obsesión, el deseo y la violencia.
Con Kill Me, Peter Warren debuta en el largometraje con una comedia negra que convierte la muerte en un perverso juego de seducción, misterio y supervivencia. Protagonizada por Charlie Day y Allison Williams, la película combina humor negro, suspense y una reflexión sobre la identidad y la autodestrucción. También se suma Sanguine, ópera prima de la cineasta francesa Marion Le Coroller, que explora los vínculos de sangre, el cuerpo y la supervivencia desde una mirada física y sensorial.
Entre las nuevas incorporaciones se encuentra Hungry, de James Nunn, un thriller de supervivencia que recupera el espíritu de las grandes creature features con la historia de un grupo de turistas perseguidos por un hipopótamo asesino en los pantanos de Luisiana.
La directora finlandesa Hanna Bergholm (Hatching) presentará Nightborn, un inquietante folk horror ambientado en los bosques de Finlandia que convierte la maternidad en una pesadilla y explora los límites entre el instinto, el cuerpo y el terror psicológico. Drag, debut de Raviv (Ricky) Ullman y Greg Yagolnitzer, combina thriller y comedia negra en torno a un robo fallido que desemboca en una situación tan absurda como angustiosa.
También podrá verse The Birthday Party (Histoires de la nuit), el nuevo trabajo de Léa Mysius, presentado en competición en el Festival de Cannes. La directora francesa adapta la novela de Laurent Mauvignier en un thriller que transforma una celebración familiar en una pesadilla donde las tensiones acumuladas terminan aflorando.
Lotfy Nathan ofrecerá con The Carpenter’s Son una inquietante reinterpretación de los relatos bíblicos inspirada en el evangelio apócrifo de la infancia de Jesús. Protagonizada por Nicolas Cage, FKA Twigs y Noah Jupe, la película combina thriller psicológico y horror sobrenatural. También podrá verse The End of It, la ópera prima de Maria Martínez Bayona, que imagina un futuro en el que la muerte es opcional para reflexionar, con humor y sensibilidad, sobre la inmortalidad, la inteligencia artificial y el significado de seguir siendo humanos.
El director francés Guillaume Canet presentará Karma, un intenso thriller psicológico sobre la culpa, los secretos del pasado y la fragilidad de los vínculos personales. Victorian Psycho, de Zachary Wigon (Sanctuary), adapta la novela de Virginia Feito en una elegante combinación de terror gótico y humor negro protagonizada por Maika Monroe.
Por su parte, la directora Meredith Alloway presentará Forbidden Fruits, una singular propuesta de folk horror y terror corporal que, a partir de un aquelarre de jóvenes mujeres, explora la identidad, la amistad y el deseo a través de una fábula tan provocadora como inquietante.
El director estadounidense Dave Boyle presentará Never After Dark, un inquietante thriller sobrenatural que sigue a una médium itinerante por el Japón rural dedicada a ayudar a las almas perdidas a cruzar al otro lado.
Tras el éxito mundial de la primera entrega, Apocalipsis Z: El principio del fin, en Prime Video, Carles Torrens regresa con la trepidante Apocalipsis Z: Nuevo Mundo. Basada en la saga literaria de Manel Loureiro, esta secuela amplía su universo postapocalíptico con más acción y una historia coral que retoma la lucha por la supervivencia en un mundo devastado por un virus letal. En esta nueva entrega, las Islas Canarias se convierten en el último refugio de Europa, el único territorio que parece haber escapado de la pandemia. La película llegará a Prime Video este Halloween en más de 240 países y territorios.
El fantástico asiático, más vivo que nunca
Damos la bienvenida un año más al continente asiático. El Festival estrenará Colony, la esperada nueva película del surcoreano Yeon Sang-ho (Train to Busan, Hellbound), un intenso thriller de ciencia ficción que arranca cuando un virus se propaga durante una conferencia de biotecnología, provocando mutaciones entre los asistentes y obligando a las autoridades a sellar las instalaciones.
Por su parte, Joko Anwar (Impetigore, Satan’s Slaves) firma Ghost in the Cell, una explosiva mezcla de terror, acción y humor negro ambientada en una prisión donde una fuerza sobrenatural obliga a reclusos y funcionarios enfrentados a unir fuerzas para sobrevivir
También descubriremos Salmokji: Whispering Water, del debutante Lee Sang-min, que traslada a un equipo de rodaje hasta un embalse maldito donde unas imágenes imposibles despiertan un horror oculto bajo las aguas; The Eyes, del surcoreano Yeom Ji-ho, remake de la española Los ojos de Julia, un thriller psicológico que difumina la frontera entre la realidad y lo invisible; y The Mouths, del director japonés y referente del J-horror Takashi Shimizu (Ju-on), una propuesta de terror sobrenatural que convierte el cuerpo y la palabra en un espacio de tensión entre el deseo, la violencia y la identidad.
El maestro japonés Kiyoshi Kurosawa sorprenderá con Kokurojo: The Samurai and the Prisoner, su primera incursión en el cine de samuráis, un misterio feudal en el que el asedio de un castillo se convierte en un juego de sospechas, conspiraciones y presencias inquietantes.
Por último, el documental The Origin of Ultraman, dirigido por Yutaka Nakamura y Kazuki Yoshida, recorrerá la historia y el legado de uno de los grandes mitos de la cultura popular japonesa, coincidiendo con el 60.º aniversario del legendario superhéroe.
WomanInFan: Horror Girls América Latina
Se presentará la publicación Horror Girls América Latina, una nueva entrega de la colección de investigación impulsada por el programa WomanInFan del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. El volumen recupera y reivindica la contribución de las cineastas al desarrollo del cine fantástico latinoamericano a través de una panorámica histórica elaborada por especialistas de todo el continente, que analiza los vínculos del género con la memoria, el colonialismo, la identidad, el folclore y otras realidades culturales.
Tras los volúmenes dedicados a Europa y a Estados Unidos y Canadá, esta nueva entrega amplía el mapa hacia un territorio donde monstruos, brujas, fantasmas, folk horror, ciencia ficción y realismo mágico dialogan con algunas de las realidades sociales, políticas y culturales más complejas del mundo, demostrando que el fantástico latinoamericano constituye uno de los espacios de mayor riqueza, diversidad y capacidad de renovación del cine contemporáneo.
La mente indómita. Poderes psíquicos, paranoia y cine fantástico
Asimismo, se publicará La mente indómita. Poderes psíquicos, paranoia y cine fantástico, un volumen coordinado por Àngel Sala y Jordi Sánchez-Navarro que, coincidiendo con el 50.º aniversario de Carrie (Brian De Palma, 1976), reflexiona sobre la representación de los poderes mentales en el cine fantástico.
Con textos de Gerard Casau, Mònica Garcia i Massagué, Carles Martínez Agenjo, Àngel Sala, Jordi Sánchez-Navarro y Xavi Sánchez Pons, el libro explora la fascinación y el temor que despiertan las capacidades psíquicas, convertidas a menudo en metáfora del poder, el trauma y la diferencia.
Concebido como un antes, un durante y un después de aquel estallido de 1976, el libro recorre la arqueología del cine de poderes mentales anterior a Carrie, el trauma como superpoder en la obra de Stephen King, la extensa descendencia de las «hijas de Carrie» y el psicopoder como subgénero, la cultura pop parapsicológica de la Transición española y su huella en el cine nacional, así como la deriva contemporánea que va de X-Men a Stranger Things, cuando el don empieza a dejar de ser una maldición para convertirse en una reafirmación.
· La programación arranca el 16 de julio en Platfo.es con el ciclo ‘Guerra Civil y memoria fílmica: 90 años después’ y el estreno en abierto de Las dos memorias, el único largometraje dirigido por Jorge Semprún
· La plataforma publicará además una entrevista inédita a Alfonso del Amo, autor del Catálogo General de la Guerra Civil, obra de referencia para la investigación, identificación y preservación del patrimonio audiovisual vinculado a la contienda
· El programa culminará con la exposición y con el ciclo Escenas de fuego y llanto. El cine y la Guerra Civil española, que se celebrarán entre noviembre de 2026 y junio de 2027
Con motivo del 90 aniversario del inicio de la Guerra Civil española, Filmoteca Española pone en marcha una programación especial destinada a reivindicar el valor del patrimonio audiovisual como herramienta fundamental para comprender uno de los episodios mástrascendentales de la historia contemporánea. El programa, que se desarrollará entre julio de 2026 y junio de 2027, reúne iniciativas de difusión, preservación, investigación y exhibición que invitan a reflexionar sobre la memoria fílmica del conflicto y su vigencia en el presente.
Platfo impulsa el acceso público al patrimonio audiovisual de la Guerra Civil
La programación arranca el 16 de julio con la publicación en Platfo, plataforma pública y gratuita, del ciclo Guerra Civil y memoria fílmica: 90 años después. La incorporación de este conjunto de materiales facilita el acceso público a imágenes esenciales para comprender nuestra memoria audiovisual, favoreciendo su estudio, reflexión y transmisión a las generaciones presentes y futuras.
Dentro de este programa se publicará una entrevista a Alfonso del Amo, autor, con la colaboración de María Luisa Ibáñez Ferradas, del Catálogo General de la Guerra Civil (1996), obra de referencia imprescindible para la investigación, identificación y preservación del patrimonio audiovisual vinculado a la contienda. Fruto de más de una década de investigación desarrollada por Filmoteca Española, el catálogo reúne más de un millar de fichas de películas documentales y de ficción —españolas y extranjeras— producidas entre 1936 y 1995, además de completos estudios e índices sobre la producción cinematográfica relacionada con la guerra.
Por último, la plataforma publicará en julio Las dos memorias (1974), único largometraje dirigido por Jorge Semprún. Rodada en el verano de 1972, la película ofrece una reflexión histórica sobre la Guerra Civil y el exilio español a través de testimonios de algunas de las principales figuras políticas,intelectuales y culturales del siglo XX, entre ellas Santiago Carrillo, Federica Montseny, María Casares, Ian Gibson, Núria Espert, Yves Montand, Constantin Costa-Gavras, Gabriel Jackson, Juan Goytisolo, José Peirats, José María Gil-Robles y Dionisio Ridruejo. Estrenada en Francia y censurada en España durante el franquismo, la obra constituye un documento fundamental para el estudio de la memoria democrática
Una exposición para comprender el papel del cine durante la Guerra Civil
Sierra de Teruel (A. Malraux, 1939)
El programa culminará a finales de año con la celebración, a partir del 26 de noviembre, de la exposición Escenas de fuego y llanto. El cine y la Guerra Civil española, comisariada por Rafael R. Tranche. La muestra estará abierta al público hasta el 27 de junio de 2027 en la sede de Filmoteca Española (calle Magdalena, 10, Madrid), con entrada gratuita, y en el Doré, con una pequeña extensión en las vitrinas del cine.
La exposición, que contará con una publicación que la institución editará en 2027, propondrá un recorrido por el lugar central que ocupó el cine durante la Guerra Civil como espacio de información, propaganda y activismo cultural, al tiempo que pondrá de relieve el extraordinario valor documental de unas imágenes que han marcado la representación del conflicto en el cine posterior.
La Guerra Civil española fue el primer gran conflicto con una amplia cobertura mediática internacional. Reporteros, corresponsales y escritores contribuyeron a construir un nuevo imaginario bélico en el que la población civil adquirió un protagonismo inédito. En ese contexto, el cine se convirtió en una herramienta privilegiada tanto para documentar los acontecimientos mediante noticiarios y documentales como para difundir los discursos de partidos, sindicatos y gobiernos en la batalla de las imágenes. La exposición aborda también la influencia de este conflicto en el desarrollo de los totalitarismos europeos y en el imaginario visual que precedió a la Segunda Guerra Mundial.
Actividades paralelas en el Cine Doré
La muestra contará, a partir del 26 de noviembre, con un ciclo de proyecciones en el Cine Doré. El programa ofrecerá un recorrido por las diversas formas en que el cine ha representado la Guerra Civil española y sus consecuencias, entendidas no solo como un episodio histórico, sino también como una herida cuya huella perdura en el tiempo. En conjunto, las películas seleccionadas no reconstruyen únicamente el conflicto, sino también sus múltiples resonancias en la política, la infancia, la memoria y la sociedad española. Noventa años después de su estallido, el cine se revela así como un espacio donde la historia continúa desplegándose en nuevas capas de significado, entre la ficción y el documento.
Como avance de esta programación, el 10 de septiembre, dentro del programa Archivo inquieto. Memoria en movimiento -que muestra la riqueza del archivo reivindicando una concepción de la memoria como un proceso vivo, abierto a nuevas interpretaciones y lecturas- se proyectará en la pantalla de la histórica sala 1 del Cine Doré, Las dos memorias (Jorge Semprún, 1974), con una presentación a cargo del historiador Felipe Nieto, profesor de Historia del Mundo Actual de la UNED.
El director y guionista Pascal Bonitzer recupera al mítico comisario en un elegante thriller de investigación protagonizado por Denis Podalydès.
El próximo 17 de julio llega en exclusiva a Filmin “Maigret y la muerte del embajador”, dirigida por Pascal Bonitzer, guionista habitual de cineastas como Raoul Peck y Jacques Rivette. Basada en la novela “Maigret y los ancianos”, editada en España por Ediciones B, la película adapta uno de los casos del célebre comisario creado por Georges Simenon y sitúa la acción en el siglo XXI.
Protagonizada por Denis Podalydès y Anne Alvaro, la investigación avanza a través de interrogatorios, testimonios y la paciente reconstrucción de los hechos, recuperando el espíritu del gran relato detectivesco clásico mientras entrelaza intereses políticos, secretos familiares y viejas historias de amor.
Sinopsis
Cuando un prestigioso embajador aparece brutalmente asesinado, el comisario Maigret es llamado de urgencia para desentrañar el misterio. Entre miles de cartas secretas y una apasionada correspondencia con una princesa cuyo marido acaba de morir, Maigret descubre un entramado de pasiones ocultas, silencios sospechosos y viejas rivalidades familiares. Cada pista abre una puerta a nuevas revelaciones… y nada es lo que parece.
Un nuevo Maigret para el siglo XXI
Creado por Georges Simenon, Jules Maigret es uno de los detectives más célebres de la literatura del siglo XX. Entre 1930 y 1972 protagonizó 75 novelas y 28 relatos, además de inspirar numerosas adaptaciones para cine y televisión con intérpretes como Pierre Renoir, Jean Gabin o Rowan Atkinson.
Para esta nueva versión, Pascal Bonitzer se enfrentó a un reto muy concreto: trasladar al siglo XXI un personaje profundamente ligado al siglo XX. “No me imagina a un Maigret con un teléfono móvil, trabajando en un ordenador y respondiendo a las redes sociales. Es absolutamente incompatible con el personaje”, explicaba el director en mundoplus.tv. Junto a Denis Podalydès buscó “darle una nueva vida, incluso una nueva apariencia” (mundoplus.tv), manteniendo intactas las cualidades que han convertido al comisario en un clásico: su paciencia, su capacidad de observación y su forma de comprender a quienes rodean el crimen.
Un detective de los de antes
Lejos de los thrillers dominados por la acción, “Maigret y la muerte del embajador” construye su investigación a través de interrogatorios, conversaciones y pequeños detalles. El comisario recompone pacientemente las relaciones entre víctimas, sospechosos y testigos, avanzando caso a caso mediante la observación y la intuición.
Bonitzer sitúa el retrato de los personajes en el centro de la investigación, dedicando especial atención a sus relaciones, motivaciones y contradicciones. Una aproximación sobria y contenida que conecta con la forma en que Georges Simenon concebía las historias de Maigret.
-El autor de algunas de las bandas sonoras más emblemáticas del cine épico y fantástico participará en “La era de los imperios”, concierto de clausura del festival, el 22 de agosto en la Plaça de Bous d’Ondara.
-La octava edición del Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto y estará dedicada al cine épico e histórico. Tendrá lugar en las localidades de Ondara, Dénia, Calp/Calpe, Beniarbeig, Xàbia/Jávea y Pego, todas ellas situadas en la comarca alicantina de la Marina Alta, en la Comunidad Valenciana.
-Las entradas para los distintos conciertos de SONAFILM 8 están a la venta en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.sonafilm.es.
El compositor sudafricano Trevor Jones, nominado en varias ocasiones a los premios BAFTA y autor de algunas de las partituras más recordadas del cine épico, fantástico y de aventuras, como las de “El último mohicano” (1992), “Excalibur” (1981) o “Dentro del laberinto” (1986), asistirá a la octava edición de SONAFILM, Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta, que se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto en las localidades alicantinas de Ondara, Dénia, Calp/Calpe, Teulada Moraira, Beniarbeig, Xàbia/Jávea y Pego, todas ellas situadas en la comarca de la Marina Alta (Comunidad Valenciana). Jones participará como invitado especial en “La era de los imperios”, el concierto de clausura del certamen, que tendrá lugar el sábado 22 de agosto a las 23:00 horas en la Plaça de Bous d’Ondara, con la Universal Symphony Orchestra bajo la dirección de José Martínez Colomina.
“La era de los imperios” se articulará como un recorrido por distintas formas de épica cinematográfica, desde la antigüedad clásica y el mundo grecorromano hasta el Japón feudal, los viajes oceánicos del siglo XV, la leyenda artúrica y los territorios de frontera de Norteamérica. La primera parte del concierto reunirá músicas de “Ben-Hur”, “Troya”, “El último samurái” y “Gladiator”, con partituras de Miklós Rózsa, James Horner y Hans Zimmer.
La segunda parte ampliará ese viaje con “1492: la conquista del paraíso”, de Vangelis, antes de desembocar en dos obras fundamentales de Trevor Jones: “Excalibur” y “El último mohicano”. De este modo, la presencia del compositor sudafricano adquirirá un valor especialmente relevante dentro del concierto, al conectar directamente el repertorio de la clausura con dos de las bandas sonoras que mejor representan su capacidad para combinar emoción, aventura y espectacularidad sinfónica.
Trevor Jones, una carrera entre la épica, la fantasía y el cine popular
Nacido en Ciudad del Cabo en 1949, Trevor Jones desarrolló muy pronto una vocación ligada a la música para el cine. Tras formarse en Sudáfrica, se trasladó al Reino Unido, donde estudió en instituciones como la Royal Academy of Music, la Universidad de York y la National Film and Television School. Desde esa base académica y técnica fue construyendo una carrera marcada por la versatilidad, la ambición narrativa y una especial atención a la relación entre música e imagen.
Su gran irrupción internacional llegó a comienzos de los años 80 con “Excalibur” (1981), de John Boorman, una obra que ya anticipaba muchos de los rasgos que acabarían definiendo su personalidad como compositor, desde el sentido de la grandeza y la intensidad dramática hasta una poderosa capacidad para dotar de dimensión mítica a las imágenes. Poco después, su trabajo en “Cristal oscuro” (1982) confirmó su afinidad con los universos fantásticos y con una escritura musical capaz de combinar orquesta, texturas singulares y una fuerte carga evocadora.
Esa conexión con la fantasía continuó en “Dentro del laberinto” (1986), dirigida por Jim Henson y protagonizada por David Bowie, donde Jones firmó la partitura instrumental de una de las películas de culto más recordadas de los años 80. A lo largo de esa década, su filmografía se amplió también hacia registros más oscuros y adultos, con títulos como “El corazón del ángel” (1987) o “Arde Mississippi” (1988), que mostraron su habilidad para trabajar la tensión, el misterio y el drama desde enfoques muy distintos.
En 1992 llegó uno de los grandes hitos de su carrera con “El último mohicano”, de Michael Mann, cuya banda sonora, compuesta junto a Randy Edelman, se convirtió en una de las más populares e identificables del cine de aventuras contemporáneo. Su fuerza melódica, su impulso emocional y su capacidad para expresar paisaje, peligro y romanticismo la han convertido en una referencia para varias generaciones de espectadores y aficionados a la música de cine.
A lo largo de más de cinco décadas de trayectoria, Jones ha firmado música para más de 100 producciones de cine y televisión, con títulos como “En el nombre del padre” (1993), “Tocando El Viento” (1996), “Dark City” (1998), “Notting Hill” (1999), o “Desde el infierno” (2001). Su trabajo le ha valido varias nominaciones a los BAFTA y a los Globos de Oro, además del reconocimiento de instituciones internacionales dedicadas a la música cinematográfica, que lo sitúan como una de las figuras esenciales de la composición audiovisual contemporánea.
SONAFILM 8: la música de las grandes epopeyas cinematográficas
La octava edición de SONAFILM estará dedicada al cine épico e histórico, un género en el que la música ha desempeñado un papel esencial a la hora de construir grandeza, emoción y sentido de aventura. Según Javier Gil, director de SONAFILM, “esta edición nos permite celebrar una de las grandes virtudes de la música de cine, que es su capacidad para transformar una imagen en leyenda. En el cine épico e histórico, la partitura construye grandeza, emoción y memoria, y Trevor Jones es uno de los compositores que mejor ha sabido trabajar ese territorio”.
El festival ofrecerá hasta ocho conciertos de distintos estilos relacionados con el audiovisual, además de actividades paralelas de carácter didáctico.
La organización agradece la colaboración de todas las empresas, entidades y municipios participantes que hacen posible la celebración de SONAFILM, consolidado como uno de los grandes festivales de música de cine del país.
El próximo 24 de julio arranca en Filmin la 16ª edición de Atlàntida Mallorca Film Fest, el mayor festival de cine online de Europa, que se celebra en paralelo a su edición presencial en Palma. Hasta el 24 de agosto, los suscriptores de Filmin podrán descubrir 91 títulos, 65 de ellos inéditos en España, repartidos entre siete nuevas secciones temáticas, una Sección Oficial, dos grandes retrospectivas y una programación que reúne algunas de las voces más relevantes del cine contemporáneo.
Cineastas como Radu Jude, Abdellatif Kechiche, Nadav Lapid, Valérie Donzelli, Joachim Lafosse, Claire Simon o Theo Angelopoulos conviven con algunas de las películas más celebradas del último año en festivales como Cannes, Berlín, Venecia, Sundance o San Sebastián, consolidando una edición especialmente diversa, con propuestas que van del cine político al documental, de la animación al thriller, del cine de autor a historias pensadas para un público más amplio.
“Hemos buscado películas que interpelen a varias generaciones”, explica Joan Sala, responsable editorial de Atlàntida Mallorca Film Fest. “Con esta nueva Sección Oficial queremos ampliar el público del festival de una forma transversal, apostando por un cine contemporáneo que combine riesgo artístico con capacidad para conectar con espectadores muy distintos”.
RAW, la nueva Sección Oficial
La nueva Sección Oficial de Atlàntida Mallorca Film Fest reúne catorce películas (entre las cuales se incluyen cuatro estrenos nacionales) que han marcado el último curso festivalero y que representan algunas de las voces más estimulantes del cine contemporáneo.
Entre ellas destaca “Yes!”, el nuevo trabajo del cineasta israelí Nadav Lapid, una de las propuestas más radicales y provocadoras del año. El director se situó recientemente en el centro del debate internacional tras renunciar a formar parte del jurado del FIDMarseille después de recibir un boicot por su nacionalidad israelí, pese a su conocida posición disidente con el Gobierno de Israel. La decisión motivó una carta de apoyo firmada por más de 350 personalidades del cine, entre ellas Natalie Portman, Justine Triet y Jacques Audiard, que defendieron su trayectoria y definieron el boicot como un “fracaso intelectual”.
También formará parte de RAW “Seis días de primavera” (“Six Days in Spring”), de Joachim Lafosse, ganadora de tres premios en el Festival de San Sebastián; “Si me voy, ¿me echarán de menos?” (“If I Go Will They Miss Me”), una de las grandes revelaciones de Sundance; “Kingdom”, triunfadora del Festival D’A, que retrata el auge de la extrema derecha a través de un grupo de jóvenes radicalizados; y “Un secuestro familiar” (“Feels Like Home”), galardonada en Sitges con el Méliès de Plata a la mejor película fantástica europea por su inquietante propuesta, que ha sido comparada con el cine primigenio de Yorgos Lanthimos y Michael Haneke.
La sección incluirá además “Julian”, producida por Lukas Dhont; “Tell Everyone”, la nueva película de la directora de “Girl Picture”, que regresa al festival tras su anterior paso por Atlàntida; “H de Halcón” (“H Is for Hawk”), adaptación del celebrado libro de memorias homónimo protagonizada por Claire Foy y Brendan Gleeson; “Destiny, dile que no soy malo” (“Mad Bills to Pay”), un luminoso retrato sobre un embarazo adolescente premiado en el Festival de Sundance; “Wild Foxes”, aclamado drama francés ambientado en los exigentes internados deportivos de élite; “Nomad Shadow”, ópera prima con coproducción catalana que aborda la realidad de una joven marroquí sin papeles tras ser deportada; “Idiotka”, fenómeno presentado en South by Southwest y protagonizado por Anna Baryshnikov (“Sangre en los labios”), con cameos de Julia Fox y Camila Mendes; “Egghead Republic”, un thriller distópico protagonizado por un ‘pelotón’ de la revista Vice que imagina un mundo alucinado donde la Guerra Fría nunca terminó; y «Una segunda vida» (“A Second Life”), protagonizada por Agathe Rousselle (“Titane”), ambientada durante los Juegos Olímpicos de París.
Las películas de la Sección Oficial RAW competirán por un premio de 10.000 euros concedido por un jurado de la Associació Catalana de l’Escriptura i la Crítica Cinematogràfica (ACCEC). La película vencedora se incorporará posteriormente al catálogo de Filmin.
Fuera de competición podrá verse también “Mektoub, My Love: Canto Uno”, el esperado regreso de Abdellatif Kechiche. Presentada en el Festival de Cannes, la película permanecía inédita en España desde su estreno en 2017. Además, la edición presencial de Atlàntida Mallorca Film Fest acogerá el estreno de “Mektoub, My Love: Canto Dos”, ofreciendo al público la oportunidad de descubrir las dos primeras entregas de la trilogía.
Títulos de la Sección Oficial RAW:
“Tell Everyone”, de Alli Haapasalo (Estreno en España). – 24 de julio “Julian”, de Cato Kusters. – 24 de julio “Yes!”, de Nadav Lapid. – 24 de julio “Idiotka”, de Nastasya Popov (Estreno en España). – 24 de julio “H de Halcón” (“H Is for Hawk”), de Philippa Lowthorpe (Estreno en España). – 24 de julio “Si me voy, ¿me echarán de menos?” (“If I Go Will They Miss Me”), de Walter Thompson-Hernández. – 24 de julio “Egghead Republic”, de Pella Kågerman y Hugo Lilja (Estreno en España). – 24 de julio “Kingdom”, de Michał Ciechomski. – 24 de julio “Seis días de primavera” (“Six Days in Spring”), de Joachim Lafosse. – 24 de julio «Una segunda vida» (“A Second Life”), de Laurent Slama. – 24 de julio “Wild Foxes”, de Valéry Carnoy. – 24 de julio “Destiny, dile que no soy malo” (“Mad Bills to Pay”), de Joel Alfonso Vargas. – 24 de julio “Un secuestro familiar” (“Feels Like Home”), de Gábor Holtai. – 24 de julio “Nomad Shadow”, de Mehdi Hmili. – 24 de julio “Mektoub, My Love: Canto Uno”, de Abdellatif Kechiche. – 31 de julio
Trends, las nuevas identidades
La sección Trends reunirá algunas de las propuestas más arriesgadas y estimulantes del panorama contemporáneo, con películas y series que exploran las nuevas formas de entender la identidad, el deseo o las relaciones en la era digital. Entre ellas destaca el estreno en España de “Truly Naked”, presentada en el Festival de Berlín, un coming of age que reflexiona sobre la masculinidad contemporánea y la influencia de la pornografía en la educación sentimental de los hombres. También podrá verse “Lady”, un irreverente falso documental protagonizado por Sian Clifford (“Fleabag”), que da vida a una excéntrica aristócrata británica; “Blue Film”, una de las películas más controvertidas del año por su aproximación al consentimiento y las dinámicas de poder, comparada con una versión contemporánea de “Hard Candy”; y la serie documental “La vida real” (“La vraie vie”), que se adentra en el universo de los servidores de videojuegos para retratar cómo las comunidades virtuales se han convertido en espacios donde miles de jóvenes construyen amistades, identidades y nuevas formas de relacionarse.
También podrá verse “Castration Movie”, un auténtico fenómeno de internet convertido en una de las joyas ocultas de 2025 para la comunidad de Letterboxd. Filmada en MiniDV y estructurada como una antología, la película retrata la experiencia trans y la vida de una generación nacida en los foros de internet con una libertad formal pocas veces vista.
La selección se completa con “Departures”, una luminosa historia de amor queer que combina descaro, humor y emoción; “Fwends”, un retrato generacional sobre la amistad femenina y las incertidumbres de la vida adulta ambientado durante un fin de semana en Melbourne; “Sexo en la ciudad” (“Baise en ville”), una comedia romántica francesa tan caótica como tierna sobre un joven que intenta rehacer su vida mientras busca trabajo; y “Una infancia en Lesotho” (“Ancestral Visions of the Future”), la nueva obra del cineasta Lemohang Jeremiah Mosese, un inclasificable híbrido entre documental, ficción y ensayo autobiográfico que reflexiona sobre el exilio, la memoria y la identidad a través de imágenes de gran fuerza poética.
Títulos de la sección Trends:
“Truly Naked”, de Muriel D’Ansembourg (Estreno en España). – 14 de agosto “Lady”, de Samuel Abrahams. – 7 de agosto “Blue Film”, de Elliot Tuttle (Estreno en España). – 21 de agosto “La vida real” (“La vraie vie”), serie documental de Ekiem Barbier y Guilhem Causse (Estreno en España). – 24 de julio “Castration Movie”, de Louise Weard. – 24 de julio “Departures”, de Lloyd Eyre-Morgan y Neil Ely (Estreno en España). – 24 de julio “Fwends”, de Sophie Somerville. – 24 de julio “Sexo en la ciudad” (“Baise en ville”), de Martin Jauvat (Estreno en España). – 24 de julio “Una infancia en Lesotho” (“Ancestral Visions of the Future”), de Lemohang Jeremiah Mosese. – 31 de julio
Rebels, los inclasificables
La sección Rebels será el refugio del cine más libre, radical e inclasificable del festival. Entre sus títulos destaca “I Love Peru”, un delirante falso documental presentado en Cannes y protagonizado por el explosivo Raphaël Quenard; “Rose of Nevada”, la nueva película de Mark Jenkin, protagonizada por George MacKay y Callum Turner, un misterioso relato de ciencia ficción ambientado en un pueblo pesquero de Cornualles; “Eephus”, una entrañable comedia sobre un interminable partido de béisbol convertida en una reflexión sobre el paso del tiempo; “La apuesta de Buffalo Bill” (“Head or Tails?”), un western protagonizado por John C. Reilly que revisita el mito de Buffalo Bill desde una mirada contemporánea; y “Memory of Princess Mumbi”, película de clausura de Atlàntida online, una historia de amor entre dos jóvenes cinéfilos africanos que recurren a la inteligencia artificial para hacer posible el cine que sueñan.
La sección se completa con tres de las propuestas más extremas de la programación. “Drácula”, del rumano Radu Jude, reinventa el mito del vampiro desde una perspectiva radicalmente humana y política; «Hoja seca» (“Dry Leaf”), la nueva película de Alexandre Koberidze, director de “¿Qué vemos cuando miramos al cielo?”, rodada deliberadamente con estética de cámara doméstica para explorar nuevas formas de representación; y “La risa y la navaja”, del portugués Pedro Pinho, una fábula tan mordaz como divertida sobre el legado del colonialismo europeo en África a través de la historia de un ingeniero de carreteras.
Títulos de la sección Rebels:
“I Love Peru”, de Raphaël Quenard y Hugo David (Estreno en España). – 24 de julio “Rose of Nevada”, de Mark Jenkin. – 7 de agosto “Eephus”, de Carson Lund. – 24 de julio “La apuesta de Buffalo Bill” (“Head or Tails?”), de Alessio Rigo de Righi y Matteo Zoppis. – 24 de julio “Memory of Princess Mumbi”, de Damien Hauser. – 21 de agosto “Drácula”, de Radu Jude. – 24 de julio «Hoja seca» (“Dry Leaf”), de Alexandre Koberidze. – 24 de julio “La risa y la navaja”, de Pedro Pinho. – 24 de julio
Echoes, la memoria como espejo
Pensada para un público amplio, Echoes reúne algunas de las películas, documentales y series más accesibles y emocionantes de la programación, todas ellas con una misma voluntad: mirar al pasado para comprender el presente. Entre los títulos de ficción destacan los estrenos en España de “La ilusión de Garibaldi” (“The Illusion”), protagonizada por Toni Servillo; “El secuestro de un presidente” (“The Kidnapping of a President”), una comedia absurda inspirada en un insólito episodio real de la historia política europea; “La desaparición de Mengele”, una ficción que arroja nueva luz sobre la huida y los años de clandestinidad del médico nazi Josef Mengele; y “Straight Circle”, ganadora de dos premios en la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, una fábula sobre dos soldados de ejércitos enfrentados cuya carga humanista dialoga con la actualidad geopolítica.
La memoria histórica ocupa también un lugar central en la sección con “Atlas de la desaparición”, un impactante trabajo de investigación que indaga en las huellas del franquismo a través del Valle de los Caídos, y “Los cangrejos”, un íntimo ejercicio autobiográfico en el que su director reconstruye la memoria de su abuelo y de toda una generación.
El recorrido por Echoes culmina con dos grandes series documentales de producción europea: “Los juicios de Yugoslavia” (“A War on Trial”), que reconstruye el histórico proceso judicial contra los responsables de las guerras de los Balcanes cuando se cumplen veinticinco años del inicio del conflicto; y “Terror en la embajada” (“Terror på Ambassaden”), centrada en el atentado contra la delegación israelí durante los Juegos Olímpicos de Múnich y sus consecuencias diplomáticas.
Títulos de la sección Echoes:
“La ilusión de Garibaldi” (“The Illusion”), de Susanna Nicchiarelli (Estreno en España). – 24 de julio “El secuestro de un presidente” (“The Kidnapping of a President”), de Samuli Valkama (Estreno en España). – 24 de julio “La desaparición de Mengele”, de Kirill Serebrennikov. – 28 de agosto “Straight Circle”, de Oscar Hudson. – 21 de agosto “Atlas de la desaparición”, de Manuel Correa. – 24 de julio “Los cangrejos”, de Rubén Seca. – 24 de julio “Los juicios de Yugoslavia” (“A War on Trial”), serie documental de Lucio Mollica. – 24 de julio “Terror en la embajada” (“Terror på Ambassaden”), serie documental de Johanna Becker, Johannes Preuss y Judith Taureck. – 24 de julio
Domestic, historias íntimas
Las historias más íntimas y cotidianas encuentran su espacio en Domestic, una sección dedicada a los dramas familiares, los retratos de personajes y los thrillers de proximidad. Entre sus títulos destacan “Por la mañana escribo” (“At Work”), la nueva película de Valérie Donzelli, ganadora de la Osella de Oro al mejor guión en el Festival de Venecia; “Islands”, un thriller estival protagonizado por Sam Riley en el que la misteriosa desaparición de un padre de familia altera unas vacaciones aparentemente idílicas; “La mujer de” (“La Femme de”), un elegante thriller burgués heredero del cine de Claude Chabrol; y “Made in EU”, del cineasta búlgaro Stephan Komandarev, un thriller social que aborda las contradicciones de la Europa contemporánea.
La representación española llegará de la mano de “Así llegó la noche”, una de las películas nacionales mejor recibidas del año, que sigue el regreso de un escultor a su pueblo natal en busca de un reencuentro consigo mismo. La sección incorpora también el documental “Memory”, considerado uno de los documentales europeos más celebrados del último año, en el que su directora reconstruye su infancia en una casa situada en la frontera entre Ucrania y Rusia, convirtiendo la memoria familiar en un reflejo de las fracturas de Europa.
Títulos de la sección Domestic:
“Por la mañana escribo” (“At Work”), de Valérie Donzelli. – 2 de agosto “Islands”, de Jan-Ole Gerster. – 24 de julio “La mujer de” (“La Femme de”), de David Roux. – 24 de julio “Made in EU”, de Stephan Komandarev. – 24 de julio “Así llegó la noche”, de Ángel Santos. – 24 de julio “Memory”, de Vladlena Sandu. – 24 de julio
Earth, cine que abraza la Tierra
La relación entre el ser humano y la naturaleza vertebra la sección Earth, un recorrido por historias que encuentran en el paisaje, los animales y el mundo rural una forma de reflexionar sobre nuestra manera de habitar el planeta. Entre sus títulos destaca “La gallina” (“Hen”), una singular fábula protagonizada por una gallina que se pierde y emprende un inesperado viaje; “La Odisea de Dandellion” (“Dandelion’s Odyssey”), una deslumbrante película de animación sin diálogos presentada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes que llegará al festival como estreno en España; y “Juana de Arco”, el nuevo trabajo de Hlynur Pálmason, presentado en Zabaltegi y complemento perfecto de “El amor que permanece”, que llegará a los cines españoles el próximo 7 de agosto de la mano de Elastica.
La sección reúne también algunas de las miradas más sensibles del cine reciente hacia el entorno natural. Es el caso de “Loco por la naturaleza” (“Better Go Mad in the Wild”), ganadora del Globo de Cristal en el Festival de Karlovy Vary; “Folktales”, un emotivo documental sobre una escuela de formación en plena naturaleza que reivindica el aprendizaje a través de la experiencia; y “El huerto de Agatha” (“Agatha’s Almanac”), delicado retrato en 16 mm de una anciana que dedica sus días al cuidado de su huerto y a preservar un modo de vida cada vez más excepcional.
Títulos de la sección Earth:
“La gallina” (“Hen”), de György Pálfi. – 24 de julio “La Odisea de Dandellion” (“Dandelion’s Odyssey”), de Momoko Seto (Estreno en España). – 24 de julio “Juana de Arco”, de Hlynur Pálmason. – 24 de julio “Loco por la naturaleza” (“Better Go Mad in the Wild”), de Miro Remo. – 24 de julio “Folktales”, de Rachel Grady y Heidi Ewing. – 24 de julio “El huerto de Agatha” (“Agatha’s Almanac”), de Amalie Atkins (Estreno en España). – 24 de julio
Arts, el impulso creador
La sección Arts, ya mítica en el certamen, reúne películas que exploran la creación artística, el patrimonio cultural y las vidas de quienes han dedicado su existencia al arte. La programación incluye “Annie Ernaux en la escuela”, el nuevo documental de la prestigiosa cineasta Claire Simon, que explora cómo la obra de la celebrada escritora francesa es leída, entendida y analizada en las escuelas secundarias francesas; “Siri Hustvedt (Dance Around the Self)”, un íntimo retrato de una de las grandes voces de la literatura contemporánea dirigido por Sabine Lidl, que recorre su trayectoria creativa y su relación personal y artística con Paul Auster; “Ruffini, el falsificador” (“An Artful Imbroglio”), una apasionante serie documental sobre uno de los mayores escándalos del mercado internacional del arte; y “Kokuho: El maestro del Kabuki”, una ambiciosa producción de época ambientada en el universo del teatro kabuki que se ha convertido en uno de los grandes fenómenos del cine japonés reciente y que fue nominada al Óscar al mejor maquillaje y peluquería.
Títulos de la sección Arts:
“Annie Ernaux en la escuela”, de Claire Simon.- 14 de agosto “Siri Hustvedt (Dance Around the Self)”, de Sabine Lidl. – 24 de julio “Ruffini, el falsificador” (“An Artful Imbroglio”), serie documental de Giacomo Minoia. – 7 de agosto “Kokuho: El maestro del Kabuki”, de Lee Sang-il. – 7 de agosto
Retrospectivas: Bertrand Mandico y Theo Angelopoulos
La programación online de Atlàntida Mallorca Film Fest se completa este año con dos grandes retrospectivas: una consagrada al imaginario del francés Bertrand Mandico y otra a la obra completa de Theo Angelopoulos, figura capital del cine europeo del siglo XX.
La primera estará dedicada a Bertrand Mandico (1971), uno de los cineastas más singulares e inclasificables de su generación. Antes de deslumbrar con largometrajes como “Los chicos salvajes”, “After Blue” o “Conann”, Mandico se dio a conocer gracias a una extensa obra de cortometrajes que lo convirtió en una figura de culto del cine fantástico y experimental. Su universo, de una potencia visual arrolladora, mezcla surrealismo, erotismo, ciencia ficción y fantasía, desdibujando constantemente las fronteras entre los géneros, los cuerpos y las identidades. La retrospectiva permitirá descubrir tanto sus primeros trabajos como algunas de las piezas que han convertido su imaginario en uno de los más reconocibles del cine europeo reciente.
La segunda recuperará la obra completa de Theo Angelopoulos (1935-2012) en nuevas restauraciones en 4K y 2K. Ganador de la Palma de Oro de Cannes por “La eternidad y un día”, el director griego convirtió el exilio, la memoria, las fronteras y la historia reciente de Europa en el corazón de una filmografía tan política como profundamente poética. A través de sus célebres planos secuencia y puestas en escena, Angelopoulos construyó un lenguaje cinematográfico inconfundible cuya influencia sigue siendo palpable en buena parte del cine de autor contemporáneo. Desde “Paisaje en la niebla” hasta “La mirada de Ulises”, su obra permanece como uno de los grandes legados del cine europeo.
Desde Portugal: Las revoluciones cortas
Después del éxito de la tercera edición de Revoluções Curtas en Filmin Portugal, el certamen que celebra el mundo del cortometraje portugués, llegan a Atlàntida Mallorca Film Fest online sus cuatro ganadores, «Quando M’Eu For Desta Terra», «Francisco Perdido», «Nuno» y «Não São Águas Passadas». Revoluções Curtas cree en un cine libre, alejado del ruido en el que vivimos, como bien demuestran estos cuatro cortometrajes que nos hablan de amores de juventud, lo extraordinario de lo cotidiano, pero también del peso de la memoria histórica y el pasado colonial de Portugal.
La editorial Hermenaute, dentro de su colección Mikro, y la Semana de Terror repiten colaboración con la publicación este año del libro El cuerpo como abismo. Exploración sobre el body horror cinematográfico, dedicado a este subgénero tan de actualidad y escrito por el periodista e historiador cinematográfico Antonio José Navarro.
“Somos un cuerpo. No tenemos un cuerpo, esa reconfortante ficción cartesiana que dos milenios de metafísica occidental han intentado sostener con escasa fortuna. Somos ese organismo que suda, sangra, enferma, envejece y que, en algún momento terrible, puede mutar, rebelarse contra nosotros. La frontera entre el yo y la carne es una ilusión, una fantasía, y cuando la carne falla, el yo se va con ella sin apenas dejar rastro. El cine de terror de body horror, desde Vinieron de dentro de… (1975) hastaLa sustancia (2024), ha comprendido esta verdad con una lucidez que ningún otro arte ha alcanzado: sin anestesias, sin moralismos.
Una forma de cine físico y perturbador que arrancó con David Cronenberg y John Carpenter, y que ha sido prolongada con furia visceral por Brian Yuzna, Frank Henenlotter y Clive Barker, y llevada a sus consecuencias más radicales por Julia Ducournau, Tom Six o Coralie Fargeat. A través de su obra y la de otros realizadores no menos inquietantes, este ensayo examina ese vasto corpus fílmico como síntoma: la abyección y la metamorfosis monstruosa, la fabricación científica y biopolítica del cuerpo, su invasión parasitaria, la disolución del yo”.
Antonio José Navarro
Samantha Hudson protagoniza el cartel de la Semana de Terror 2026
La cantante Samantha Hudson convertida en una criatura marina mutante es la protagonista del cartel oficial de la Semana de Terror de 2026 (30 octubre – 6 noviembre), una edición que estará atravesada desde su propia imagen por el leitmotiv del subgénero del body horror.
El póster oficial de la Semana quiere hacer un guiño al festival donostiarra Cimasub (Ciclo Internacional de Cine Submarino), que celebrará su 50º aniversario entre el 12 y el 14 de noviembre en el Teatro Principal, siete días después de acabar la Semana de Terror. La programación de esta tendrá alguna referencia más al Cimasub.
Cantante, compositora, productora, guionista y actriz, Samantha Hudson es una de las figuras más emblemáticas de la contracultura contemporánea, categoría que ha alcanzado gracias a un discurso crítico y vanguardista y a una trayectoria musical que juega con los paradigmas del género y la libertad de expresión que tiene su fuerte en sus impactantes espectáculos en vivo. Hudson es uno de los grandes fenómenos pop de la actualidad y un referente para la Generación Z, ha emergido del panorama queer más underground y ha conquistado los circuitos más estandarizados a golpe de melodías pegadizas, letras descaradas y una visión crítica que desafía y transgrede el orden establecido.
Ha publicado discos como Liquidación total (2021), AOVE Black Label (2023) o Música para muñecas (2025), protagoniza giras de gran éxito y suma multitud de premios, como el MTV EMA 2023 a Mejor Artista Española o el Reconocimiento Arcoíris 2022 del Ministerio de Igualdad por su labor en favor del colectivo LGTBIQ+.
La coordinación de la fotografía ha sido de Pedro Mambrú. La foto ha sido realizada por Javier Bermejo y Chus Feijóo. El maquillaje ha sido creado por ND Studio FX y los efectos especiales son obra de Alive VFX & Design. El diseño del cartel lo ha realizado Ytantos.
La Semana de Terror organizará la exposición “Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios”
La exposición Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios, perteneciente a la programación de la 37ª Semana de Cine Fantástico y de Terror, estará abierta entre el 30 de octubre y el 15 de noviembre en la Sala de Actividades de la Biblioteca Central (c/San Jerónimo).
Adéntrate en el mundo sobrenatural japonés a través del trabajo de Fuego Fatuo Art. En la exposición Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios realizaremos un viaje por el folclore japonés a través de más de 20 esculturas y fotografías de yōkai, monstruos y seres sobrenaturales que pueblan el arte, la literatura y la tradición oral de Japón, de la mano del artista Álvaro Herranz, creador de Fuego Fatuo Art. Con la colaboración de la Fundación Japón, Madrid.
Sala 1 y Sala de verano, julio-agosto | Filmoteca Española
A mediados del siglo pasado, las fuerzas del mal abandonaron las sombras y la humedad de los castillos centroeuropeos para extenderse bajo una luz que les permitía ampliar y actualizar su campo de batalla. En este nuevo contexto estival y chic, las mansiones polvorientas y las telarañas fueron sustituidas por villas de lujo, piscinas celestes, yates y horizontes deslumbrantes que, tras una imagen de postal, escondían jaulas de cristal donde la perversión, el deseo y la angustia existencial se fundían.
Los viejos tropos del cine gótico se iban de turismo, pero no se tratabasolo de una mudanza geográfica o de un cambio de vestuario. Tomaba forma un subgénero con su propia metafísica meridional, apoyada en códigos renovados tan afines a las plazas vacías de Giorgio de Chirico como a las fotografías de Bernard Plossu o a las siestas de la cuchara de Dalí. La inquietud ya no partía de la oscuridad sino exactamente de lo contrario: una claridad excesiva que, en lugar de esclarecer, enturbia y provoca una especie de amnesia. Es este desvío —el sol como agente de extrañamiento y no de revelación— el que opera en todas las películas de este ciclo.
La etiqueta no es caprichosa: llega inspirada por el concepto de Gótico Tropical que Carlos Mayolo y Luis Ospina formularon en los setenta para catalogar un cine colombiano que hacía suyas las obsesiones del gótico clásico —el horror, la podredumbre, el deseo y la muerte— situándolas en el trópico húmedo en lugar de los parajes brumosos. En el Mediterráneo, el mecanismo es análogo pero el clima contiene otras peculiares características. El tiempo se estira y se vuelve lánguido, como el sol del verano que nunca termina y se torna amenaza. Las motivaciones de los personajes se enrarecen, perdiendo la claridad moral del gótico victoriano. Los roles de género se desestabilizan y abrazan una ambigüedad que se ya presume queer. La herencia y la memoria pierden su certeza: el pasado mediterráneo es tan antiguo, tan mitológico, que ya no aplasta sino que hipnotiza como un sueño que no se sabe del todo si es propio o compartido.
La piedra angular de todo esto es Méditerranée(Jean-Daniel Pollet, 1963), que funciona como un códice secreto para desentrañar el significado del sueño. Pollet nos invita a un viaje entre ruinas desérticas, banquetes de bodas griegas, corridas de toros, mareas que van y vienen. Una corriente subterránea que recorre toda la cuenca del Mare Nostrum con la belleza de una máscara mortuoria egipcia. Las costas mediterráneas, mitad sólidas mitad líquidas, invitan a partir de aquí a la mezcla de subgéneros: el thriller, el terror, la ciencia ficción, el polar francés, el giallo italiano, la serie B con el arte y ensayo, cruces imposibles con la bravura natural de un ser mitológico.
Arrancamos por donde arranca toda genealogía: con el vampiro, quizá la figura más emblemática del cine gótico tradicional. Drácula en Estambul (Mehmet Muhtar, 1953) es la más clásica en su forma, pero la más radical en su operación: traslada el mito de Transilvania a las calles y cementerios de Estambul, sustituyendo los elementos cristianos por el Corán. De ahí la figura vampírica muta en este ciclo hacia formas menos reconocibles pero igualmente letales. En La isla de la muerte (Mel Welles, 1967), rodada en la Costa Brava, el monstruo aristocrático es un botánico que cultiva plantas chupasangre. En Traitement de choc (1973), Alain Jessua lleva la lógica vampírica más allá: un balneario aséptico en la costa, con pacientes ricos y trabajadores inmigrantes que desaparecen uno a uno.
Del horror con filiación reconocible nos desplazaremos hacia intrigas sensuales inexplicables y misteriosas. La route de Salina (Georges Lautner, 1970) adquiere hechuras casi fantásticas: en un desierto rocoso y soleado, la llegada de un joven desencadena una turbadora tensión erótica con Mimsy Farmer y Rita Hayworth como protagonistas. El ojo del huracán (José María Forqué, 1971) opera en similares frecuencias pero con acento español: un giallo de alta costura que baña cada superficie en un resplandor que nos sugiere unas vacaciones eternas junto a Jean Sorel y Analía Gadé.
Con Jess Franco, este programa se vuelve más salvaje y primitivo. Su Eugéniede 1980, rodada en la Muralla Roja de Calpe, cita El sueño de Dalí y convierte la arquitectura en personaje: el laberinto rosa de Bofill, que promete el paraíso y encierra, planteando la metáfora más delirante del Gótico Mediterráneo. Franco es el auténtico maestro del subgénero, el que más consciente y sistemáticamente ha explorado esta metafísica playera y plagada de femmes fatales. En este lado salvaje juega también otro Frank (Hubert), el director austríaco de Desnuda ante el espejo (1978), que apoyándose en los cuerpos de Patricia Adriani y Bárbara Rey, no vacila al saltar del melodrama sexploit al cine de acción más macarra, casi quinqui.
La autodestrucción en el paraíso es el tema central de More(Barbet Schroeder, 1969). Al igual que Ícaro, el protagonista vuela demasiado cerca del sol de Ibiza, para encontrar su ruina a través de la heroína. Viajamos a otras islas, con su lógica de encierro sin muros visibles, con Iguana(1988) de Monte Hellman, que ofrece una variante exótica del subgénero. La desolación volcánica de Lanzarote sirve de escenario a una revisión del monstruo romántico, entre un fantasma de la ópera y una bestia enamorada de la belleza. Las localizaciones de Iguananos sirven para confirmar que el Gótico Mediterráneo es en realidad un estado de ánimo, más que una estricta orientación geográfica.
Kinetta(Yorgos Lanthimos, 2005) cierra y a la vez abre este ciclo hacia otros tiempos. En un hotel turístico desolado fuera de temporada, tres personajes recrean escenas de crímenes sin motivaciones claras, obsesionados con la repetición y con la mentira de la representación. El Lanthimos anterior a su consagración internacional construye ya ese mundo de rituales incomprensibles donde el hombre contemporáneo ha perdido su identidad en medio de una realidad vacía de sentido. Es la demostración de que el Gótico Mediterráneo no fue un fenómeno circunscrito a los sesenta y setenta: es una sensibilidad que el cine sigue destilando cada vez que alguien sitúa el horror donde el horror no debería poder ocurrir, bajo un cielo despejado, a la vista de todos.
Creador del inolvidable Monsieur Hulot, el cineasta francés revolucionó el lenguaje del cine con una obra tan divertida como profundamente moderna. La colección se completa con el documental «Jacques Tati, caído de la luna
El viernes 3 de julio, Filmin incorporará por primera vez la filmografía completa de Jacques Tati, uno de los grandes autores del cine francés y una figura imprescindible para entender la evolución de la comedia en el cine del siglo XX. Sus películas llegan en nuevas ediciones remasterizadas que permiten redescubrir el meticuloso trabajo visual y sonoro de un cineasta que convirtió lo cotidiano en un espectáculo lleno de humor e ingenio.
Desde “Día de fiesta” (1949) hasta “Zafarrancho en el circo” (1974), pasando por clásicos como “Las vacaciones del Sr. Hulot” (1953), “Mi tío” (1958), “Playtime” (1967) o “Tráfico” (1971), la obra de Tati retrató con ironía la transformación de la sociedad europea de posguerra. La modernidad, el urbanismo, la tecnología, el consumo o las nuevas formas de relacionarnos se convirtieron en el escenario perfecto para una de las filmografías más singulares e influyentes de la historia del cine.
La colección se completa con el documental “Jacques Tati, caído de la luna” (2021), un recorrido por la vida y la obra del cineasta francés que explora su monumental auge y caída. A través de imágenes de archivo, entrevistas y testimonios de colaboradores y cineastas contemporáneos, el documental se adentra en su proceso creativo, su obsesión por la puesta en escena y el legado que dejó en varias generaciones de directores.
El arquitecto de la comedia moderna
Pocos cineastas se enfrentaron a la comedia con tanta libertad como Jacques Tati. Heredero del cine mudo y del legado de Charles Chaplin o Buster Keaton, desarrolló un lenguaje propio en el que el humor nacía más del gesto que del diálogo. Cada encuadre, cada sonido y cada movimiento de los personajes estaban cuidadosamente coreografiados para que el espectador descubriera el gag por sí mismo, convirtiendo cada plano en un espacio de juego.
A través de su inolvidable alter ego, Monsieur Hulot, Tati retrató con una mezcla de ironía y ternura la sociedad europea de la posguerra, fascinada por el progreso, la tecnología y el consumo. La célebre cocina ultramoderna de “Mi tío”, un espacio lleno de ingeniosos automatismos que, lejos de facilitar la vida, acaban complicando lo cotidiano, resume a la perfección su mirada. Sus películas cuestionaban la deshumanización de las ciudades modernas, la uniformidad de la arquitectura y la absurda dependencia de las máquinas, demostrando que la comedia podía ser también una herramienta para pensar el mundo.
Su influencia atraviesa buena parte del cine contemporáneo. Directores como Wes Anderson o Roy Andersson, o el cómico Rowan Atkinson, han reconocido su legado, mientras que David Lynch le citó en numerosas ocasiones entre sus cineastas favoritos de todos los tiempos.
La ambición de un perfeccionista
Aunque dirigió únicamente seis largometrajes, Jacques Tati ocupa un lugar privilegiado en la historia del cine. Con “Mi tío” obtuvo el Óscar a la mejor película en lengua extranjera y el Premio Especial del Jurado en Cannes, mientras que “Las vacaciones del Sr. Hulot” consolidó su prestigio internacional y presentó al personaje que marcaría el resto de su carrera.
Su proyecto más ambicioso fue «Playtime» (1967), considerada hoy una de las grandes obras maestras del cine moderno. Para rodarla, Tati levantó a las afueras de París una ciudad entera de cristal y acero –llamada «Tativille»– y filmó en 70 mm una sátira monumental sobre la arquitectura, el consumo y la uniformización de la vida moderna. La desmesura de la producción lo llevó a hipotecar su patrimonio y endeudarse personalmente para terminar la película. El fracaso comercial de «Playtime» provocó la quiebra de su productora, la pérdida de su casa y de los derechos sobre buena parte de su obra y una larga crisis económica de la que nunca llegó a recuperarse del todo.
Con el paso del tiempo, sin embargo, «Playtime» ha sido reivindicada como una de las grandes películas del siglo XX. François Truffaut llegó a describirla como «llegada de otro planeta, donde las películas se hacen de forma diferente» y afirmó que «Tati, como Bresson, reinventa el cine en cada película». Francis Ford Coppola, por su parte, lo definió como «un cineasta maravilloso» que «gastó toda su fortuna para hacer la película en la que creía». Hoy, Jacques Tati sigue siendo una referencia imprescindible para entender la evolución del cine moderno.
El autor de El día de la bestia, La comunidad, Celda 211 o Las leyes de la frontera recibirá el Premio PUFA de Honor, otorgado con la colaboración de Fundación SGAE, durante la gala de clausura del festival
El guionista, ganador de dos premios Goya, mantendrá además un encuentro con el público el 11 de julio a las 16:30 horas en el Auditorio FUNDOS Fórum Valladolid
El cineasta sueco Carl Sundström, la francesa Caroline Favé y los españoles Manu Herrera, Víctor Matellano, Paco Campano, Rubén Guindo y Marino Darés, entre los invitados confirmados de PUFA 2026
El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica) reconocerá la trayectoria de Jorge Guerricaechevarría, uno de los nombres más influyentes del guion cinematográfico español de las últimas décadas, con la concesión del Premio PUFA de Honor, reconocimiento otorgado con la colaboración de Fundación SGAE. El autor asturiano recogerá el galardón durante la gala de clausura del certamen, que se celebrará el próximo 11 de julio, y participará previamente en un encuentro abierto al público programado para las 16:30 horas en el Auditorio FUNDOS Fórum Valladolid.
Guionista imprescindible para entender la evolución del cine español desde los años noventa, Guerricaechevarría (Avilés, 1965) ha desarrollado una carrera ligada a algunos de los títulos más relevantes del fantástico, el thriller y la comedia negra producidos en nuestro país. Jorge Guerricaechevarría debutó en el cine con el guion del cortometraje Mirindas asesinas, dirigido por Álex de la Iglesia, cineasta con el que ha desarrollado una de las colaboraciones más fructíferas del cine español contemporáneo. Juntos han firmado títulos como Acción mutante, El día de la bestia, Perdita Durango, Muertos de risa, La comunidad, 800 balas, Las brujas de Zugarramurdi, Mi gran noche, Veneciafrenia o El bar, además de proyectos televisivos como La habitación del niño, Plutón BRB Nero y la serie 30 monedas.
A lo largo de su trayectoria también ha trabajado junto a otros nombres fundamentales del cine español. Participó con Pedro Almodóvar en el guion de Carne trémula y ha sido colaborador habitual de Daniel Monzón en películas como El robo más grande jamás contado, La caja Kovak, Celda 211 o El Niño. Su firma aparece igualmente en títulos como Platillos volantes, de Óscar Aibar; Fin, de Jorge Torregrossa; Cien años de perdón, de Daniel Calparsoro; Quién a hierro mata y Hermana muerte, de Paco Plaza; o la reciente serie 1992, nuevamente junto a Álex de la Iglesia.
Sus guiones han obtenido seis nominaciones a los Premios Goya, una nominación a los European Film Awards, otra a los Premios Gaudí y cuatro nominaciones del Círculo de Escritores Cinematográficos. En 2010 obtuvo el Goya al Mejor Guion Adaptado junto a Daniel Monzón por Celda 211 y volvió a recibir este galardón por Las leyes de la frontera, trabajo por el que también obtuvo la Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos al Mejor Guion Adaptado.
El homenaje a Guerricaechevarría cuenta con la colaboración de Fundación SGAE y completa la nómina de Premios de Honor de la tercera edición de PUFA, integrada también por Narciso Ibáñez Serrador, que recibirá un reconocimiento a título póstumo coincidiendo con el cincuenta aniversario de ¿Quién puede matar a un niño?, y por el cineasta Paco Plaza, director de títulos como [REC], Verónica o La abuela y una de las figuras esenciales del fantástico español de las últimas décadas.
Invitados confirmados
La tercera edición de PUFA contará con la presencia de numerosos invitados vinculados a las películas y actividades programadas durante el festival. Han confirmado ya su asistencia los equipos de dos de los largometrajes que podrán verse en el festival. Por parte de The Waiting Man asistirán su director, el cineasta sueco Carl Sundström; el coguionista y productor Nathaniel P. Erlandsson, y la actriz Mayuko Lindström. En representación de El ritual de Lily estarán presentes su director, Manu Herrera; el responsable de efectos de maquillaje Pedro de Diego; la productora Daiana Alina Miscu, y las actrices Maggie García, Elena Gallardo y Patricia Peñalver. También acudirán al festival Paco Campano, responsable de Cuántica Rave; la francesa Caroline Favé, directora de Toxic Underground, y Víctor Matellano, codirector junto a Ángel Sala del documental Aquel último tiburón.
Además de los homenajeados Paco Plaza, Jorge Guerricaechevarría y el productor y realizador Alejandro Ibáñez Nauta, hijo de Chicho Ibáñez Serrador, también visitarán Valladolid los equipos de numerosos cortometrajes programados en PUFA 2026: Nick Delgado, director de The One Minute Problem; Jandro, director de El revisor; Marino Darés, director de Rebel Storm: A Star Wars Collateral Story; Raquel Barrachina, directora de Ecos del silencio; Margo García y Pedro Tamames, directores del cortometraje vallisoletano Cenizas, mi amor; y Rubén Guindo, director de Montecarlo 67, gran triunfador en los recién celebrados Premios Fugaz con ocho galardones y que se proyectará fuera de concurso como parte del homenaje a la figura de ‘Chicho’ Ibáñez Serrador.
Filmoteca Española, la Cinémathèque Française, la Cineteca Nazionale italiana y el Filmmuseum München impulsan el proyecto
Esteve Riambau, historiador y cineasta, dirigirá la reconstrucción de la obra inacabada
Las filmotecas española, francesa e italiana, y el Filmmuseum München impulsan la reconstrucción de Don Quijote, la inacabada adaptación de Cervantes que Orson Welles emprendió en 1957 y dejó inacabada cuando murió en 1985. Oja Kodar, colaboradora artística de Welles durante los últimos años de su vida, ha dado su consentimiento a este proyecto, que utilizará los materiales originales que se conservan actualmente en la Filmoteca Española, la Cinémathèque Française, Cinecittà y el Filmmuseum München. El guion original de Welles servirá de punto de partida para la reconstrucción, que será dirigida por el historiador Esteve Riambau, autor de cuatro libros sobre Welles y antiguo director de la Filmoteca de Catalunya.
Welles inició el rodaje en México durante el verano de 1957 con Francisco Reiguera, exiliado español, como Don Quijote y Akim Tamiroff en el papel de Sancho Panza. La actriz infantil Patty McCormack interpretaba a una joven Dulcinea que contaba al propio Welles algunas anécdotas de estos personajes. Un año más tarde, Welles se instaló en Roma, prosiguió el rodaje con los mismos actores y se hizo traer las bobinas rodadas en México para iniciar el montaje. En 1961, consiguió que la RAI financiase una serie televisiva sobre España, Viaggio nel paese di Don Chisciotte, que aprovechó para rodar nuevas escenas de Don Quijote. Tras el rodaje de El proceso (1961) y durante el de Campanadas a medianoche (1964), Welles siguió el proceso de montaje y añadió nuevas escenas. En 1966, descartó las escenas con Patty McCormack y dio un giro al guion con nuevas escenas que no llegó a rodar pero, en 1969, de nuevo en Roma seguía trabajando en el proyecto y sonorizó algunos diálogos con su propia voz. La muerte de Reiguera y la de Tamiroff, en 1972, no impidieron que siguiera rodando escenas, ahora en color, para un proyecto que afirmaba que estaba casi acabado. En 1982, sin embargo, todavía aportaba nuevos matices de un proyecto que aproximaba su Don Quijote más cerca del ensayo que de la narración.
En 1992, Jesús Franco estrenó en la Exposición Universal de Sevilla un film llamado Don Qujote de Orson Welles, que conjugaba una parte de los materiales originales adquiridos por Filmoteca Española con escenas del documental Viaggio nel paese di Don Chisciotte e incluso otras de nuevo cuño. A las voces originales de Welles añadió dobladores que recitan fragmentos de la novela sin respetar las sincronías labiales. No pudo contar, en cambio, con las escenas custodiadas por el montador Mauro Bonanni en Cinecittà. Se trata de unos 50.000 metros de negativo que Oja Kodar recuperó en 2017 y Cineteca Nazionale digitalizará próximamente. La Cinémathèque Française conserva unos ochenta minutos de positivos en 35 mm que se exhibieron en el Festival de Cannes de 1986 y se presentaron en el marco de la retrospectiva que, a finales de 2025, acompañó la exposición My name is Orson Welles. Filmoteca Española conserva los 50.000 metros de película de 16mm y 35mm que adquirió en 1991, junto con los derechos de todos los materiales existentes, para fines culturales y de investigación. El Filmmuseum conserva en su colección dedicada a Orson Welles copias de trabajo, negativos, fragmentos, cintas, vídeos y documentos en papel de las últimas películas de Orson Welles, entre los que se incluyen también materiales relacionados con el proyecto de «Don Quijote».
La totalidad de estos materiales se reunirán próximamente en Madrid y Esteve Riambau procederá a su estudio y comparación con las más de mil páginas de secuencias del guion localizadas para proceder a la reconstrucción de una película que Welles no sólo dejó inacabada sino que fue modificando con el tiempo con la perspectiva de por lo menos, tres versiones distintas. El material resultante, absolutamente respetuoso con la voluntad del autor, será exhibido en festivales y cinematecas sin ningún ánimo de lucro. De todas las obras inacabadas de Welles, Don Quijote era aquella de la que se sentía más cercano. La llamaba “il mio bambino” y, sin otro productor que no fuese él mismo, la hizo evolucionar en el tiempo hasta que su muerte, en 1985, le impidió darla por definitivamente acabada. En sus imágenes, sin embargo, palpita toda la belleza estética de su cine y la relación de dos personajes míticos con los que el cineasta se sentía indistintamente identificado con el quimérico hidalgo que luchaba contra los molinos o el escudero bonachón y bon vivant, una réplica hispánica de Falstaff.
La nueva película de Tarik Saleh, candidata sueca al Óscar a la mejor película internacional, explora los vínculos entre el poder político y la industria cinematográfica egipcia.
El próximo 3 de julio llega a Filmin “Águilas de El Cairo”, la nueva película de Tarik Saleh, presentada en la Sección Oficial del Festival de Cannes, candidata sueca al Óscar a la mejor película internacional y ganadora de 6 premios Guldbagge (Academia sueca), incluyendo mejor película, actor y guion. El filme supone el cierre de la trilogía ambientada en la capital egipcia que comenzó con “El Cairo confidencial” y continuó con “Conspiración en El Cairo”, con la que obtuvo el premio al mejor guion en Cannes.
Protagonizada por Fares Fares, colaborador habitual del cineasta, la película combina thriller político, sátira y drama para adentrarse en las relaciones entre el poder y la industria cinematográfica egipcia. Una nueva incursión de Saleh en los mecanismos de influencia y control que atraviesan buena parte de su filmografía.
Sinopsis
George Fahmy (Fares Fares), el actor más querido de Egipto se ve presionado a protagonizar una película encargada por las más altas autoridades del país. Aceptando a regañadientes, este papel será la puerta que le permitirá acceder al círculo de las personas más poderosas de la nación. Como una polilla atraída por la luz, inicia además un romance con la misteriosa esposa del general que supervisa el proyecto.
El cierre de la Trilogía de El Cairo
Con “Águilas de El Cairo”, Tarik Saleh culmina una trilogía que ha explorado distintas estructuras de poder de la sociedad egipcia contemporánea. Tras la corrupción policial de “El Cairo confidencial” y las luchas de influencia que articulaban “Conspiración en El Cairo”, esta nueva película dirige su mirada hacia la relación entre el Estado y la industria cinematográfica.
Saleh suele insistir en que el verdadero centro de sus historias no son las instituciones, sino las personas que viven bajo su influencia. “Mis películas hablan de seres humanos sometidos a la presión de sistemas de poder”, ha explicado el director. Una idea que vuelve a estar en el corazón de este thriller, donde la trayectoria de una gran estrella del cine sirve para explorar las tensiones entre la ambición individual y las estructuras de poder que condicionan su destino.
Una alianza creativa consolidada
“Águilas de El Cairo” supone una nueva colaboración entre Tarik Saleh y Fares Fares, protagonista también de “El Cairo confidencial” y “Conspiración en El Cairo”. Más allá de la relación entre director y actor, ambos mantienen desde hace años una estrecha amistad y una colaboración creativa basada en la confianza mutua. “Sería un loco si no escuchara sus ideas”, ha afirmado Saleh sobre un intérprete que ha trabajado también detrás de las cámaras.
Para construir el personaje de George Fahmy, actor y director coincidieron en que debía existir algo que permitiera al espectador conectar con él más allá de su ego o de sus contradicciones. “Decidimos que tenía que ser un buen actor, alguien orgulloso de su profesión”, explicaba Fares. “Cuando pierde eso, su libertad para realizar un buen trabajo se vuelve más humano”. Esa idea fue fundamental para dar forma a un protagonista que, pese a ocupar una posición privilegiada, se ve progresivamente atrapado por las dinámicas de poder que lo rodean.
La Academia de Cine otorga su Premio de Comunicación 2026 a Koro Santesteban, responsable de prensa española del Festival de San Sebastián
Koro Santesteban, responsable de prensa española del Festival de San Sebastián, recibirá el Premio de Comunicación Alfonso Sánchez 2026 que otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Ligada al certamen desde 1988, Santesteban recogerá la distinción en un acto que se celebrará en Madrid el 15 de julio.
El Premio de Comunicación Alfonso Sánchez es la distinción con la que la Junta Directiva de la Academia de Cine destaca la labor de los medios y sus profesionales para divulgar y promocionar el cine español. Santesteban recibe el galardón “en representación del extraordinario equipo de comunicación y prensa del certamen donostiarra, gestionando la relación con los medios, periodistas y personas acreditadas en el festival más importante de cuantos se celebran en España”, según apunta la Academia.
El departamento de Prensa del Festival es el escenario en el que Koro Santesteban ha desarrollado su trayectoria profesional, tanto en labores de gestión y coordinación como de relaciones públicas. Tras unos primeros años vinculada a la atención a la prensa extranjera, en 1997 fue nombrada responsable de prensa española, labor que sigue desempeñando a día de hoy.
Muy emocionada e ilusionada «por esta inesperada sorpresa», Santesteban dice sentirse «muy querida» y recibe «como un abrazo» este homenaje que llega en un momento muy especial de su vida y que desea compartir con todas y todos los compañeros del Festival.
«Año tras año pongo en valor las relaciones humanas. Mi esfuerzo e interés está en que todas las personas –equipo, periodistas, instituciones, patrocinadores, agentes de prensa…– se sientan bienvenidas y puedan trabajar cómodamente. Este premio también es una prueba de que el trato cercano sigue valorándose, y de que la tecnología nunca podrá reemplazarlo»
Koro Santesteban El próximo 15 de julio Koro Santesteban recibirá en la sede de la Academia de Cine en Madrid un reconocimiento que en anteriores ediciones ha recaído en Diego Galán y el espacio de TVE Versión Española, Antonio Gasset, Oti Rodríguez Marchante, Conxita Casanovas, la revista Cartelera Turia, Yolanda Flores, Nuria Vidal, Carles Francino, Begoña Piña, Anton Merikaetxebarria, Chusa L. Monjas, Elisenda Nadal, Jaume Figueras y Ma
El director nominado al Óscar por “I Am Not Your Negro” revisita la figura de George Orwell en este documental, presentado en Cannes y San Sebastián, para reflexionar sobre la vigencia de “1984” en un mundo marcado por el auge de los extremismos y la erosión de la democracia.
El próximo 19 de junio llega a Filmin “Orwell: 2+2=5”, el nuevo documental de Raoul Peck, uno de los grandes nombres del cine documental contemporáneo. Nominado al Óscar por “I Am Not Your Negro”, Peck vuelve a combinar historia, pensamiento político y ensayo cinematográfico en una obra quese presentó en Cannes Premiere, estuvo en la sección Perlak del Festival de San Sebastián y fue seleccionada por la National Board of Review comouno de los cinco mejores documentales del año.
Narrado por Damian Lewis, el film toma como punto de partida los últimos años de vida de George Orwell y la escritura de “1984” para establecer un diálogo entre las advertencias formuladas por el autor británico y algunas de las grandes tensiones políticas y sociales de nuestro tiempo. El resultado es una reflexión sobre la manipulación del lenguaje, la construcción de la verdad y la fragilidad de las democracias contemporáneas.
Sinopsis
George Orwell termina la que será su última y más influyente novela, “1984”. A través de sus últimos años de vida, marcados por la enfermedad y la escritura de su obra maestra, el documental explora el origen de conceptos como el doblepensar, la neolengua, el crimen de pensamiento o la figura omnipresente del Gran Hermano. Al mismo tiempo, conecta aquellas intuiciones con el presente para preguntarse hasta qué punto las advertencias de Orwell siguen resonando en el mundo actual.
Los últimos años de George Orwell
Lejos de recorrer toda la vida del autor, Peck concentra el relato en el periodo en que Orwell escribió “1984”, enfermo de tuberculosis y consciente de que se encontraba ante el final de su vida. Esa decisión permite convertir al escritor en el verdadero protagonista de la película y dotar al conjunto de una estructura dramática más cercana al cine narrativo que al documental biográfico tradicional.
“Mi primera decisión fue que Orwell contara su propia historia”, explicaba Peck. “No quería hacer una biografía. Necesitaba entender al personaje y construir una estructura dramática alrededor de los dos últimos años de su vida, mientras lucha por terminar ‘1984’”. A través de diarios, ensayos, cartas y extractos de sus obras (interpretados por Damian Lewis) emerge así un Orwell complejo y profundamente contemporáneo, marcado por su experiencia del colonialismo británico, su rechazo de los totalitarismos y su convicción de que la democracia nunca puede darse por garantizada. Como advierte Peck: “La democracia no es algo que se consigue de una vez para siempre”.
La vigencia de «1984»
“Orwell: 2+2=5” funciona como un diálogo entre el escritor británico y nuestro presente. Peck toma los tres lemas que articulan el universo de “1984” —”La guerra es paz”, “La libertad es esclavitud” y “La ignorancia es fuerza”— para analizar cómo los mecanismos de manipulación descritos por Orwell siguen operando hoy a través de la política, los medios de comunicación, las redes sociales y las nuevas tecnologías.
El director, que tuvo que abandonar Haití durante la dictadura de François Duvalier, mantiene desde hace décadas una preocupación constante por las formas contemporáneas del poder. “Siempre he creído que hacer cine es un acto político”, ha explicado. “Y descubrí que esa también fue la intención de Orwell desde el principio”. A partir de imágenes de archivo, fragmentos cinematográficos y acontecimientos recientes, Peck construye una obra que invita a mirar el presente desde la perspectiva de uno de los escritores más lúcidos y visionarios del siglo XX.
La iniciativa consistirá en la digitalización y etalonaje, así como en la restauración de imagen y sonido, para obtener una nueva copia digital en 4K en 2027. Se ha creado una página web destinada a conocer los entresijos del proceso de restauración y los detalles de un filme vanguardista y controvertido
Video Mercury Films, ECAM y FlixOlé han presentado, en el marco de ECAM Forum, el proyecto de restauración de Cabezas cortadas (1970), la película que Glauber Rocha rodó en España en la etapa más radical de su trayectoria. La iniciativa rescata del olvido un filme vanguardista y maldito que importó al cine europeo las luchas del Tercer Mundo y retrató la decadencia de los regímenes totalitarios en plena dictadura franquista por medio de una puesta en escena que en la actualidad continúa siendo objeto de investigación estética, política e histórica.
Las tres entidades han dado a conocer esta iniciativa, que apuesta por la recuperación y reivindicación del patrimonio cinematográfico español. Durante el acto de carácter internacional celebrado en Cineteca, el director de programación de FlixOlé, Miguel López, y el coordinador del Máster en Restauración y Preservación Fílmica de la ECAM, Javier Mosqueda, desgranaron las claves en torno a la recuperación de una película fascinante y olvidada a partes iguales. “Se trata de una película totalmente olvidada e inaccesible. Es una oportunidad perfecta para que vuelva a ser mostrada al público gracias a la nueva copia digital”, manifestó el representante de FlixOlé y Video Mercury Films. Por su parte, Mosqueda se centró en el proceso técnico y en los retos de enfrentarse a la restauración de la obra de Glauber Rocha: “Se va a trabajar para llegar al proyecto original y que se vea la película como era. En pantalla grande se va a ver increíble”.
El proyecto comprende la restauración del negativo de Cabezas cortadas. Video Mercury Films será la encargada de digitalizar todos los materiales originales de la película, incluyendo los negativos de imagen y sonido. Por su parte, la ECAM asume las labores de etalonaje, así como la limpieza digital de imagen y sonido. Este minucioso trabajo concluirá con la presentación de una copia digital restaurada en 4K, cuyo estreno está previsto para 2027. La nueva versión permitirá redescubrir una obra singular dentro de la filmografía de Glauber Rocha y del cine producido en España a finales del franquismo. Además, la copia irá acompañada de la restauración del tráiler original de la película.
La intrahistoria, el proceso de restauración y entrevistas inéditas
Los detalles del proceso serán accesibles al público a través de un especial publicado en la web de FlixOlé, un espacio digital concebido para seguir cada una de las etapas de la restauración. La sección incluirá las labores de digitalización, la recuperación de las tonalidades primigenias de la película y el trabajo de investigación llevado a cabo para disponer de todos los materiales del largometraje y que éste conserve la esencia del original en la nueva copia en 4K.
El espacio también desgranará la intrahistoria de Cabezas cortadas mediante un recorrido por los prolegómenos del largometraje, las vicisitudes que atravesó antes, durante y después del rodaje, y su incuestionable legado. Un viaje por las luces y sombras de la película que incluirá, además, un artículo firmado por el prestigioso historiador, Esteve Riambau, quien aborda cómo Glauber Rocha construyó su metáfora contra la dictadura en la España franquista.
Asimismo, la web incorporará entrevistas inéditas a personalidades vinculadas al filme, como el segundo ayudante de dirección, Manel Esteban, y los actores que formaron parte del elenco, Julián Navarro y José Lifante. Estas entrevistas fueron realizadas como parte del documental titulado El viaje de Glauber (Fermín Sales, 2013) —enmarcado en el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona—.
Germen de las luchas del Tercer Mundo en la España franquista
El origen de Cabezas cortadas se remonta a 1969, cuando Glauber Rocha, figura esencial del Cinema Novo brasileño, acababa de consolidar su prestigio internacional tras obtener en Cannes el premio a Mejor dirección por O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro, conocida internacionalmente como Antonio das Mortes. En ese contexto, el cineasta recibió, por parte de Ricardo Muñoz Suay —impulsor industrial de la Escuela de Barcelona— y Pere Ignasi Fages —inquieto crítico, distribuidor y productor—, un ofrecimiento de 100.000$ y completa libertad creativa para rodar en España la película que quisiera.
Las primeras ideas de Rocha pasaron por la literatura española —de Federico García Lorca a El Quijote de Cervantes— y por una libre reinterpretación de Shakespeare. Finalmente, la acción se situó en un castillo en ruinas, en un lugar indeterminado del Tercer Mundo. Allí, Díaz II (interpretado por Francisco Rabal), antiguo tirano de Eldorado, vive su exilio atormentado por sus acciones pasadas. Con el miedo y el delirio como únicos acompañantes, espera a que las víctimas se cobren su venganza.
Cabezas cortadas tendió un puente entre el cine español y el latinoamericano. Posicionándose frente al cine comercial e industrial hollywoodiense, y autoproclamándose como el “cineasta del Tercer Mundo”, Rocha importó a Europa una mirada revolucionaria en la que confluyeron las luchas de América Latina por medio de un filme “situado entre el teatro y la poesía”, en palabras del propio autor.
A la contestataria postura estética y narrativa de Cabezas cortadas se sumó el marcado carácter simbólico del largometraje, donde el personaje de Díaz II funcionaba como una alegoría del dictador en decadencia y remitía tanto a tiranos latinoamericanos como al propio Francisco Franco. De hecho, tras la muerte de este último, Rocha reivindicó la vigencia premonitoria de la película y su visión de la agonía de las dictaduras. Paradójicamente, el proyecto de Rocha no sólo logró sortear la censura franquista, sino que obtuvo el certificado de Interés Especial y fue financiado, en parte, por el propio régimen; un hito que difícilmente hubiese sido posible sin las dotes estrategas de Muñoz Suay.
Estreno y estrepitoso fracaso de la maldita Cabezas cortadas
Tras un caótico rodaje donde danzaron la improvisación extrema de Rocha, el azote del viento de la Tramontana y las fugas de Paco Rabal —episodios recogidos por Augusto M. Torres, director, crítico y novelista que ejerció de script y autor del diario de rodaje—, Cabezas cortadas logró estrenarse en la 18ª edición del Festival de San Sebastián, en 1970. La première estuvo marcada por la incomprensión de parte del público, desconcertado por el carácter vanguardista, críptico y fragmentario del filme, y la crítica conservadora, cuyas líneas reaccionaron con dureza. Sin embargo, la incomodidad que la película generó en algunos espectadores, despertó fascinación en otros: la crítica más joven e independiente defendió la propuesta y firmó una carta de protesta contra las reseñas insultantes.
Independientemente de la polémica generada en torno a la proyección en San Sebastián, la película se convirtió en un fracaso comercial. A la acerba recepción europea se sumó la censura por parte de la dictadura militar brasileña, no viendo la luz el filme en el propio país del director hasta casi diez años después de su estreno. Dichas circunstancias consolidaron la condición de obra maldita a Cabezas cortadas.
Más de medio siglo después, la restauración impulsada por Video Mercury Films, ECAM y FlixOlé supone una oportunidad para devolver Cabezas cortadas al lugar que le corresponde dentro de la historia del séptimo arte: una rara avis del audiovisual español que, hermanada con Latinoamérica y la vanguardia europea, conecta con un cine escénica, histórica y políticamente revolucionario.
El fondo reúne más de mil fotografías, guiones de títulos comoHistorias de la radio y Los ojos dejan huellas o correspondencia internacional inédita con figuras como Abel Gance, Jean Cocteau y Basilio Martín Patino
Conserva además la documentación completa del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas durante la etapa en que Sáenz de Heredia estuvo al frente de la institución
Con motivo de la finalización de la catalogación y la apertura a la consulta pública de este fondo, Filmoteca Española celebrará el Día Internacional de los Archivos —efeméride que promueve la importancia de los archivos en la investigación y en la conservación de la memoria histórica y cultural— con una visita guiada a cargo de su personal técnico, abierta al público previa reserva
Filmoteca Española ha finalizado la catalogación del archivo personal de José Luis Sáenz de Heredia (1911–1992), una de las trayectorias más extensas y populares del cine español del siglo XX. El fondo, procedente de cuatro ingresos sucesivos efectuados por la familia del cineasta, queda a partir de ahora accesible en régimen de consulta pública en la Biblioteca Dolores Devesa de la institución, en la c/Magdalena 10 de Madrid.
Este conjunto documental pone a disposición de investigadores, periodistas y personas interesadas un corpus que permite una relectura integral de la obra del autor, al tiempo que recupera la dimensión artística, técnica y profesional de un cineasta cuya trayectoria abarca la comedia popular, el melodrama clásico, la adaptación literaria, el ámbito teatral y la docencia institucional.
Un fondo público de alto valor patrimonial
El archivo se organiza en cinco grandes subfondos —actividad cinematográfica, teatral,docente e institucional, vida personal y proyección pública, y materiales recopilados— que abarca desde 1934, año del guion mecanografiado de ¡Qué suerte tienes, Patricio! (su primera incursión cinematográfica, en los Estudios Ballesteros), hasta 1992. Predomina la documentación de creación: guiones literarios, técnicos y de rodaje, borradores manuscritos, blocs de notas, fotografías fijas y de rodaje, correspondencia profesional y dosieres de prensa.
La filmografía documentada cubre títulos tan diversos como Raza (1942), El escándalo (1943), Bambú (1945), Mariona Rebull (1947), La mies es mucha (1948), Don Juan (1950), Los ojos dejan huellas (1952), Todo es posible en Granada (1954), Historias de la radio (1955), Faustina (1957), El indulto (1960), Franco, ese hombre (1964), Historias de la televisión (1964), Don erre que erre (1969), La decente (1971), Proceso a Jesús (1974) o Solo ante el streaking (1975), además de su intensa labor como adaptador teatral —Una chica en mi sopa, de Terence Frisby, estrenada por Concha Velasco en el Teatro de la Comedia—.
Entre las piezas de mayor valor patrimonial sobresalen, en primer lugar, los guiones técnicos. Destacan especialmente dos: el de Los ojos dejan huellas (1952); 333 hojas mecanografiadas con correcciones a varias tintas que conservan, en sus márgenes, un posible autorretrato a lápiz, un rostro caricaturizado en el que se leen los nombres de Emma Penella y de Dalí, y dos poemas manuscritos firmados a lápiz: una auténtica ventana al taller creativo del director; y el de Historias de la radio (1955), con firma autógrafa en la sobreportada, lista íntegra de personajes y decorados, y un acompañamiento fotográfico excepcional de 123 imágenes fijas numeradas en orden de rodaje en las que conviven Pepe Isbert, Paco Rabal, Tony Leblanc, Juan Calvo, José Luis Ozores o Alberto Romea. A estos se suman, dentro de la misma serie de guiones encuadernados, los guiones de Faustina, La mies es mucha, Todo es posible en Granada, Mariona Rebull, Diez fusiles esperan y El indulto.
Día Internacional de los Archivos
Con motivo de la finalización de la catalogación y la apertura a la consulta pública del archivo personal de José Luis Sáenz de Heredia, Filmoteca Española celebrará el Día Internacional de los Archivos —efeméride que promueve la importancia de los archivos en la investigación y en la conservación de la memoria histórica y cultural— con una visita temática guiada a cargo de su personal técnico.
La actividad, gratuita y abierta al público con reserva previa a través de su página web, se celebrará el 10 de junio a las 11:00h en la sede de la calle Magdalena de la institución. La visita permitirá conocer la estructura del fondo, sus principales series documentales y los criterios de organización y tratamiento archivístico aplicados en su descripción. Asimismo, se ofrecerá una aproximación a los materiales más representativos del conjunto y a su relevancia para la investigación de la historia del cine español.
Sobre Filmoteca Española
Filmoteca Española, organismo dependiente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura, custodia, restaura y difunde el patrimonio cinematográfico español desde 1953. Su archivo documental conserva un conjunto de fondos esenciales para el estudio de la historia del cine en España, una memoria colectiva cuya preservación, protección y difusión constituye una de las principales misiones de la institución.
Actualmente, el archivo reúne más de 150 fondos personales de cineastas, guionistas, productores, empresas y profesionales clave del sector, además de los archivos del NO-DO y de la Escuela Oficial de Cinematografía. El Archivo de José Luis Sáenz de Heredia (A3075) pasa ahora a integrarse plenamente en este patrimonio documental y queda disponible para su consulta con cita previa en la Biblioteca Dolores Devesa de Filmoteca Española, en la c/ Magdalena 10 (Madrid).
Bajo el título ‘Superestrellas 3’, acoge experiencias híbridas entre la música y el cine, con dos conciertos audiovisuales y tres pases especiales con películas comentadas en vivo
Además, se proyectarán 11 filmes que viajan del musical queer al género blaxploitation, haciendo parada en lisérgicas cintas yeyé
Músicos como Christina Rosenvinge e Hidrogenesse, junto al cineasta Nacho Vigalondo, el actor Brays Efe y el periodista Alberto Rey se sumarán a esta fiesta del cine con su talento y cinefilia
Las entradas pueden adquirirse de forma online en cinetecamadrid.com y presencialmente en la taquilla los días de proyección, desde 3,50 euros
Un año más, en el mes de julio, la plaza central de Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se convertirá en un cine de verano al aire libre, con una programación híbrida que conectará el séptimo arte con música en directo.
Bajo el título ‘Superestrellas 3’, el programa de la novena edición de CinePlaza de verano acogerá, las noches de jueves a domingo, dos cine-conciertos de músicos relevantes del panorama español, que acompañarán sus canciones con imágenes en directo; tres sesiones con películas comentadas en vivo; y una constelación de 11 títulos que viajan del musical queer (con Marc Ferrer como invitado especial) al género del blaxploitation (con ese seductor soul de los 70), haciendo parada en lisérgicas cintas yeyés.
Este año, abrirá fuego Christina Rosenvinge (jueves 2 de julio), un mito de la música indie que también ha sido actriz y compositora de bandas sonoras. De su relación con el cine dará cuenta en un evocador concierto creado ad hoc para este ciclo. También regresará el dúo de electropop más arty de España: Hidrogenesse (jueves 16 de julio), que desplegará de nuevo su humor iconoclasta en la plaza de Matadero.
Además, la programación incluye tres pases especiales: una sesión sorpresa preparada por Nacho Vigalondo (domingo 5 de julio), una de las mentes más imaginativas de la industria audiovisual; una edición XL de ‘Linterna’, el triunfal ciclo comandado por Brays Efe y Miguel Agnes (jueves 9 de julio); y, para finalizar, un pase especial con las superestrellas Cher, Susan Sarandon y Michelle Pfeiffer en Las brujas de Eastwick, comentada en directo por el siempre afilado Alberto Rey (jueves 23 de julio).
CinePlaza acoge también 11 películas que abarcan tres estilos refrescantes: el musical queer, el cine yeyé y el género del blaxplotaition, que luchó en los años 70 contra la representación estereotípica de los afroamericanos en el cine.
Precios populares desde 3,5 euros
En versión original y con subtítulos en castellano, los títulos se proyectarán en Plaza Matadero de jueves a domingo, entre el 2 y el 26 de julio, a las 22:15 horas (salvo la sesión ‘Linterna XL’, a las 21:30h). Las entradas para las 11 películas tendrán un precio de 3,50 euros, mientras que las sesiones de filmes comentados podrán disfrutarse por 5 euros y los dos cine-conciertos tendrán un coste de 10 euros. Las entradas pueden adquirirse en cinetecamadrid.com y presencialmente en taquilla los días de proyección.
Cine-concierto: Christina Rosenvinge: un concierto de cine. Jueves 2 de julio, 22:15 h
Una carrera de más de 30 años, con joyas como Tu labio superior o Un hombre rubio, han convertido a Christina Rosenvinge en un mito de la música indie en español. Pero no solo de música vive la leyenda de esta artista, que también ha probado suerte en los escenarios de la mano de Marta Pazos y en la gran pantalla. Desde su debut como actriz en los 90 con la icónica Todo es mentira, con Penélope Cruz y Coque Malla, Rosenvinge ha actuado junto a Viggo Mortensen en La pistola de mi hermano y también ha protagonizado Karen, una película sobre la vida de la escritora danesa Isak Dinesen. Sus últimas incursiones en el cine como actriz son Balearic, de Ion de Sosa, y Después de Kim, de Ángeles González-Sinde. Durante su concierto en Matadero Madrid. repasará estas incursiones en el cine, así como su faceta como compositora de bandas sonoras, en un concierto evocador en el que también dará rienda suelta a su cinefilia.
Proyección: Coffy (Jack Hill, EE. UU., 1973). Viernes 3 de julio, 22:15 h
Coffy es una enfermera cuya hermana ha quedado destrozada por la heroína adulterada. A partir de ahí emprende una vengativa cruzada contra traficantes, proxenetas y políticos corruptos. Con Pam Grier en estado de gracia, la película combina explotación, acción y comentario social, y convirtió a su protagonista en uno de los grandes iconos femeninos del cine negro de los 70.
Proyección: Bixa Travesty (Claudia Priscilla, Kiko Goifman, 2018). Sábado 4 de julio, 22:15 h
Retrato de la artista y activista brasileña Linn da Quebrada, figura central de una escena en la que música, sexualidad, rabia y performance se funden en un solo gesto político. El documental, que participó en Documenta Madrid 2018 y obtuvo una Mención Especial del Jurado, sigue sus conciertos, sus intervenciones públicas y su manera de convertir el cuerpo travesti en un espacio de confrontación con el racismo, el machismo y la transfobia.
Películas comentadas: velada sorpresa con Nacho Vigalondo. Domingo 5 de julio, 22:15 h
Nacho Vigalondo es una de esas rarezas inclasificables del cine español. Ha hecho cortos virales antes de que existiera el concepto; ha dirigido monstruos gigantes en Los Ángeles; ha revivido el ‘tamarismo’ y ha logrado que el humor y la ciencia ficción se den la mano de una forma única. Su visión del cine es inteligente, juguetona y con un punto de ternura. En esta velada sorpresa, los espectadores tendrán la oportunidad de conocer mejor sus influencias y su pensamiento a través de una selección de fragmentos y películas comentadas en directo por el cineasta. Un acercamiento lúdico y fresco, ideal para quien quiera reírse, sorprenderse y redescubrir que el cine puede ser muchas cosas.
Película comentada: ‘Linterna XL’: La sala de baile (Le bal). Jueves 9 de julio, 21:30 h
En el cineclub ‘Linterna XL’, Brays Efe y Miguel Agnes invitarán a los espectadores a descubrir sus películas de culto favoritas, proponiendo una relectura irreverente y luminosa desde la charla, el humor y la inteligencia. En esta ocasión, revisitan La sala de baile, de Ettore Scola, una obra singular que condensa medio siglo de historia europea a través del lenguaje universal de la música y la danza. Considerada una de las cumbres del cine musical europeo, constituye una experiencia cinematográfica profundamente original que demuestra la capacidad del cine para contar la historia sin palabras. La proyección irá precedida de una conversación con Brays Efe y Miguel Agnes.
Proyección: Pánico en la calle 110 (Barry Shear, EE. UU, 1972). Viernes 10 de julio, 22:15 h
Tras un robo sangriento en Harlem, dos policías muy distintos entre sí y varios mafiosos se lanzan a la caza de los responsables. Situada en la frontera simbólica entre Harlem y Central Park, la película mezcla thriller policial, violencia urbana y conflicto racial en un retrato especialmente sombrío del Nueva York de comienzos de los setenta.
Proyección: Reír, cantar, tal vez llorar (Marc Ferrer, España, 2024). Sábado 11 de julio, 22:15 h
Toñi, una mujer transexual de mediana edad, pide en una iglesia encontrar novio. Poco después entra en su vida Lahcen, un joven inmigrante marroquí recién llegado a Barcelona. Ferrer convierte esta historia de amor improbable en una mezcla libre de melodrama, comedia y musical popular, atravesada por el humor, la ternura y una mirada afectuosa hacia los márgenes urbanos y sentimentales.
Proyección: Un, dos, tres… al escondite inglés (Iván Zulueta, España, 1970). Domingo 12 de julio, 22:15 h
En una España pop, disparatada y todavía asfixiada por la grisura oficial, un grupo de jóvenes decide boicotear la canción elegida para representar al país en un festival musical que parodia abiertamente Eurovisión. Con esa premisa, Zulueta construye una comedia musical excéntrica, llena de guiños a la cultura juvenil, actuaciones de grupos de la época y una energía visual absolutamente anómala en el cine español de su tiempo.
Cine-concierto: ‘Hidrogenesse: un concierto de cine’. Jueves 16 de julio, 22:15 h
Carlos Ballesteros y Genís Segarra son los componentes de Hidrogenesse, el grupo más arty de la escena indie patria. El dúo regresa a CinePlaza para celebrar un concierto cinéfilo con canciones que muestran su amor por el séptimo arte y su admiración por las grandes divas (esa Super Sara) con un montaje audiovisual creado por ellos mismos para cada uno de los temas. Así, Catherine Deneuve, Richard Burton o Liz Taylor los acompañarán en esta aventura. Parafraseando su mítica canción: “No habría nada más triste que perderse este homenaje al séptimo arte y a su universo único”.
Proyección: Super Fly (Gordon Parks Jr., EE. UU, 1972). Viernes 17 de julio, 22:15 h
Priest, un traficante de cocaína que disfruta de una vida lujosa en Harlem, decide retirarse con un último gran golpe: vender 30 kilos para conseguir medio millón de dólares. Con una banda sonora compuesta por Curtis Mayfield, considerada un hito del soul y el funk que superó en impacto a la propia película, Super Fly se convirtió en una de las obras más taquilleras y polémicas del blaxploitation.
Proyección: Neptune Frost (Saul Williams, Anisia Uzeyman, Ruanda, 2021). Sábado 18 de julio, 22:15 h
En un paisaje africano hecho de chatarra electrónica, minas de coltán y circuitos digitales, un minero fugitivo y una figura intersexual se encuentran y desencadenan una revuelta poética y tecnológica. Musical afrofuturista, historia de amor y fábula política, Neptune Frost imagina una comunidad queer anticolonial que combate la explotación global desde la música, la visión y el jaqueo.
Proyección: Barbarella (Roger Vadim, Francia, 1968). Domingo 19 de julio, 22:15 h
Año 40.000. La aventurera espacial Barbarella emprende una misión para encontrar a un científico desaparecido y acaba atravesando un universo de monstruos, tiranos, erotismo camp y decorados psicodélicos. Adaptación del cómic de Jean-Claude Forest, la película es una cápsula perfecta de la imaginación pop de finales de los 70. Ciencia ficción, sexualidad kitsch y fantasía lisérgica se mezclan en una obra tan ingenua como delirante.
Película comentada: Alberto Rey y Las brujas de Eastwick. Jueves 23 de julio, 22:15h
Desde que comenzara a escribir su blog ‘Asesino en serie’, Alberto Rey se ha convertido en uno de los críticos culturales más irónicos y afilados del país. Autor del libro Peliculero: Un viaje sentimental por las series, películas y estrellas que han definido a una generación, pocas figuras combinan tan bien el análisis cultural con el tono humorístico, algo que ha demostrado en medios como Esquire, Icon, Vanity Fair, GQ y El Mundo, entre otros. En este pase especial de Las Brujas de Eastwick, Rey comentará en directo esta película protagonizada por tres grandes superestrellas femeninas de los 80: Cher, Susan Sarandon y Michelle Pfeiffer (además de Jack Nicholson, en el papel de Satanás).
Proyección: Foxy Brown (Jack Hill, EE. UU., 1974). Viernes 24 de julio, 22:15 h
Foxy Brown jura vengarse de la organización criminal que ha asesinado a su novio. Pam Grier, en el papel que terminó de consagrarla como icono del blaxploitation, interpreta a una heroína que subvierte los códigos del género. Es la encarnación de la venganza femenina negra, armada de inteligencia, un vestuario inolvidable y una contundencia física que décadas después sigue inspirando a la cultura pop.
Proyección: Solo nos queda bailar (Levan Akin, Suecia, 2019). Sábado 25 de julio, 22:15 h
Merab, joven bailarín del Conjunto Nacional de Georgia, ve alterada toda su vida cuando aparece Irakli, un nuevo compañero que despierta en él rivalidad, deseo y una crisis profunda respecto a su identidad. Ambientada en un entorno conservador donde la tradición pesa sobre los cuerpos, la película convierte la danza en un espacio de disciplina, conflicto y posible liberación.
Proyección: El knack… y cómo conseguirlo (Richard Lester, Reino Unido, 1965). Domingo 26 de julio, 22:15 h
Un tímido profesor londinense intenta descubrir el secreto de seducción de su compañero de piso, convencido de que existe una fórmula para conquistar mujeres. Richard Lester lleva esa premisa a una comedia nerviosa, fragmentaria y juguetona, emblema del Swinging London y de una nueva sensibilidad juvenil que mezcla libertad sexual, ironía formal y crítica de los roles de género.
Wagner Moura y Kleber Mendonça Filho triunfaron en Cannes con este thriller político ambientado en 1977 durante la dictadura militar brasileña, convertido en uno de los títulos más aclamados del año por público y crítica.
El próximo 12 de junio llega a Filmin “El agente secreto”, la nueva película de Kleber Mendonça Filho (“Bacurau”, “Retratos fantasma”), ganadora de los premios al mejor director y al mejor actor para Wagner Moura en el Festival de Cannes, a mejor actor principal y mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro y nominada a 4 premios Óscar,incluyendo a la mejor película. Convertida en una de las grandes sensaciones del cine internacional reciente, la obra ha cosechado el reconocimiento unánime de la crítica y una extraordinaria acogida en festivales de todo el mundo.
Ambientada en Brasil en 1977, combina el thriller político, el cine de espionaje y el retrato histórico para construir una historia de persecución marcada por la tensión constante. Con una puesta en escena que juega con distintas texturas visuales y recursos formales, Mendonça Filho nos lleva de nuevo a Recife, la ciudad que ha inspirado buena parte de su universo cinematográfico.
Sinopsis
Brasil, 1977. Marcelo, un profesor universitario que huye de un pasado turbulento, regresa a Recife con la esperanza de empezar de nuevo y reencontrarse con su hijo. Pero la ciudad está lejos de ser el refugio que imaginaba. Mientras las fuerzas de la dictadura militar estrechan el cerco a su alrededor, Marcelo se verá obligado a ocultarse bajo una nueva identidad en una lucha desesperada por sobrevivir.
Recife, memoria personal y territorio cinematográfico
Pocas ciudades han marcado tanto la obra de un cineasta como Recife la de Kleber Mendonça Filho. Lejos de funcionar únicamente como escenario, la ciudad se convierte aquí en una presencia viva que atraviesa cada rincón del relato. “El agente secreto” está además impregnada de recuerdos de infancia del propio realizador. No es casualidad que Fernando, el hijo del protagonista, tenga aproximadamente la misma edad que tenía Mendonça Filho cuando “Tiburón” llegó a Brasil (un acontecimiento muy relevante en la película) y despertó en él una obsesión cinéfila que aún recuerda con nitidez. “Sí, yo soy Fernando en la película, y mi obsesión con ‘Tiburón’ no tenía límites”, ha explicado.
Como ocurre en buena parte de su filmografía, la memoria individual y la colectiva terminan entrelazándose en una mirada que explora al mismo tiempo la historia política de Brasil y las transformaciones de un lugar inseparable de la trayectoria del cineasta.
Wagner Moura al frente de un reparto excepcional
Kleber Mendonça Filho escribió el personaje de Armando pensando específicamente en Wagner Moura, uno de los intérpretes más importantes del cine brasileño contemporáneo. Conocido internacionalmente por su papel de Pablo Escobar en “Narcos”, Moura sostiene buena parte del peso emocional del relato con una interpretación que le valió el premio al mejor actor en el Festival de Cannes y el Globo de Oro al mejor actor protagonista en una película dramática.
A su alrededor se despliega un reparto coral que da forma a un universo poblado por personajes que oscilan entre la amenaza, la complicidad y la resistencia. No es casualidad: Mendonça Filho considera el casting una de las partes fundamentales de su trabajo. “Creo que la parte más importante de hacer una película es el casting”, explicaba recientemente. Para el director, los personajes nacen tanto de largas conversaciones con los intérpretes como de la búsqueda de rostros capaces de reflejar la diversidad y complejidad de la sociedad brasileña.
En ese proceso, Wagner Moura desempeñó un papel clave. “Podría haber sido la estrella que no presta atención a los demás, pero hizo que todo el mundo brillara”, recordaba Mendonça Filho sobre un rodaje marcado por el espíritu colectivo. El resultado es una película que encuentra buena parte de su fuerza en la autenticidad y la riqueza de sus interpretaciones.
El actor, productor y director argentino es la imagen del póster principal, diseñado de nuevo por el estudio Wallijai
El actor, productor y director Ricardo Darín, una de las figuras más prestigiosas del cine latinoamericano y mundial de las últimas décadas, protagoniza el cartel de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre de 2026. Desde hace 20 años, el intérprete argentino es un rostro habitual del Festival, que en 2017 le entregó su máxima distinción honorífica: el Premio Donostia.
El Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera ha albergado este mediodía el acto de presentación de carteles, oficiado por el director del Festival, José Luis Rebordinos, y por su sucesora Maialen Beloki, que actualmente es una de las dos subdirectoras y en enero pasará a ocupar el puesto de directora del certamen.
Tras los carteles oficiales protagonizados por Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem, Cate Blanchett y Marisa Paredes, el argentino Ricardo Darín es la novena figura de la cinematografía contemporánea que presta su imagen al Festival. Como el año pasado, el póster ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que ha creado un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.
Wallijai ha elaborado también los carteles del resto de secciones. Si en la pasada edición el tema giraba en torno a los géneros cinematográficos, esta vez el leitmotiv son los oficios del cine. Así, el póster con la imagen de Darín remite a la interpretación, mientras que el resto guarda relación con el guion (New Directors), el sonido (Horizontes Latinos), la dirección (Zabaltegi-Tabakalera), el montaje (Perlak), la dirección de arte (Nest), el maquillaje (Culinary Zinema), los efectos especiales (Zinemira) y la producción (Made in Spain).
A estos carteles se sumarán próximamente los tres de la iniciativa Klasikoak, que desde 2024 agrupa bajo la misma marca tres propuestas: la retrospectiva clásica, que este año estará dedicada al cineasta, novelista y guionista francés José Giovanni; la sección Klasikoak del Festival, y el ciclo del mismo nombre que la Filmoteca Vasca programa entre octubre y diciembre en Bilbao, Donostia, Pamplona, San Juan de Luz y Vitoria.
Darín, medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones
Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957), imagen del cartel oficial de la 74ª edición del Festival, es una de las figuras más prestigiosas y populares de la cinematografía latinoamericana y mundial. A lo largo de medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones que le han granjeado más de 40 premios, ha alternado trabajos enmarcados tanto en el cine de autor como en el dirigido al gran público. Entre otros, ha rodado a las órdenes de Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Pablo Trapero, Cesc Gay y Santiago Mitre.
‘El aura / The Aura’, de Fabián Bielinsky (2005). ‘El baile de la victoria / The Dance and the Thief’, de Fernando Trueba (2009).
‘El secreto de sus ojos / The Secret in Their Eyes’, de Juan José Campanella, (2009). Jurado Oficial (2012).
Darín, que debutó con cinco años en series televisivas, se forjó en el teatro e inició su carrera en el cine con La carpa del amor (Julio Porter, 1979). Ha visitado San Sebastián en nueve ediciones del Festival. En 2005 presentó El aura / The Aura, de Fabián Bielinsky, en la Sección Oficial, a donde regresó cuatro años después con dos títulos, El secreto de sus ojos / The Secret in Their Eyes Juan José Campanella, 2009) y El baile de la victoria / The Dance and the Thief (Fernando Trueba, 2009), proyectada fuera de concurso. En 2012 fue integrante del Jurado Oficial y en Made in Spain se proyectó Elefante blanco / White Elephant (Pablo Trapero), mientras que en 2014 participó en Perlak con Relatos salvajes / Wild Tales (Damián Szifron), que consiguió el Premio del Público a la mejor película europea. Al año siguiente consiguió la Concha de Plata ex aequo junto a su compañero de reparto Javier Cámara por su trabajo en Truman (Cesc Gay, 2015).
‘Elefante blanco / White Elephant’, de Pablo Trapero (2012). ‘Relatos salvajes / Wild Tales’, de Damián Szifron (2014).
‘Truman’, de Cesc Gay (2015). Premio Donostia (2017).
En 2017 recogió el Premio Donostia en reconocimiento a toda su trayectoria y presentó la proyección especial de La cordillera / The Summit (Santiago Mitre). Regresó a la Sección Oficial para inaugurarla con El amor menos pensado / An Unexpected Love (Juan Vera, 2018) y La odisea de los giles / Heroic Losers (Proyecciones Especiales, Sebastián Borensztein, 2019), en las que se estrenó como productor. También desempeñó ese papel en la película programada en Perlak Argentina, 1985 (Santiago Mitre, 2022), que le trajo a la capital guipuzcoana por última vez y le granjeó el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. Aunque Darín no visitó presencialmente San Sebastían, sí figuró en el reparto de La fuga / The Scape (Eduardo Mignogna, 2001), que concursó en la Sección Oficial, o en filmes de New Directors como Perdido por perdido (Alberto Lecchi, 1993) o Amorosa soledad / Lovely Loneliness (Martín Carranza y Victoria Galardi, 2008), que cosechó el Premio de la Juventud, y en Carancho (Pablo Trapero, 2010), programado en Perlak.
‘La cordillera / The Summit’, de Santiago Mitre (2017). ‘El amor menos pensado / An Unexpected Love’, de Juan Vera (2018).
‘La odisea de los giles / Heroic Losers’, de Sebastián Borensztein (2019). ‘Argentina, 1985’, de Santiago Mitre (2022).
Otras obras esenciales de su extensa filmografía son Nueve reinas / Nine Queens (Fabián Bielinsky, 2000), que propulsó su reconocimiento internacional y en 2023 fue programada en Klasikoak, o títulos fundamentales de Juan José Campanella como El mismo amor, la misma lluvia / Same Love, Same Rain (1999); El hijo de la novia / Son of the Bride (2001) y Luna de Avellaneda / Moon of Avellaneda (2004). También ha actuado en Capitán Kóblic / Kóblic (Sebastián Borenzstein, 2016), Tesis sobre un homicidio / Thesis on a Homicide (Hernán Goldfrid, 2012), Séptimo (Patxi Amezcua, 2013), Everybody Knows (Todos lo saben, Asghar Farhadi, 2018) y, más recientemente, en la serie El eternauta / The Eternaut (Bruno Stagnaro, 2025).
Darín debutó tras la cámara con La señal / The Signal (2007), película codirigida junto a Martín Hodara.
La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha concedido a Filmoteca Española, institución pública del Ministerio de Cultura, su Medalla de Honor, en reconocimiento a una trayectoria fundamental en la preservación, restauración y difusión del patrimonio cinematográfico español.
La candidatura fue presentada por la fotógrafa Isabel Muñoz, el historiador del arte Víctor Nieto, y el director de cine Manuel Gutiérrez Aragón. Los firmantes avalaron su propuesta defendiendo el “espléndido trabajo realizado por dicha entidad en beneficio del Patrimonio Audiovisual Español, desde una triple finalidad de su conservación, restauración y difusión. Hasta convertirse, mediante su prolongada y decisiva labor, en un centro de inexcusable referencia dentro del panorama cultural de nuestro país”.
Instituida por la Academia en el año 1943, la Medalla de Honor de la Corporación se concede con carácter anual a una persona o entidad española o extranjera que se haya distinguido de modo sobresaliente en el estudio, promoción o difusión de las artes, en la creación artística o en la protección del patrimonio histórico, cultural y natural.
Creada por Decreto el 13 de febrero de 1953 bajo el nombre de Filmoteca Nacional de España, la institución nació con la misión de conservar la memoria audiovisual del país. Desde entonces, su labor se ha consolidado como una referencia imprescindible dentro del panorama cultural español.
Actualmente, Filmoteca Española custodia cerca de cincuenta mil películas, así como unas doce mil todavía precatalogadas, lo que supone más de seiscientos mil rollos de celuloide, además del archivo íntegro del NO-DO, compuesto por setenta mil quinientos documentos audiovisuales que testimonian varias décadas de la historia cinematográfica y social de España. A este vasto patrimonio se suman las colecciones extra-fílmicas adquiridas a lo largo de los años, integradas por fondos museográficos (aparatos precinematográficos y proyectores, carteles, fotografías, maquetas, dibujos etc.), fondos de archivo (imprescindibles para estudiar la historia del cine español: archivos personales, de productoras y distribuidoras, el NO-Do o la Escuela de Cine) y las colecciones especializadas de la biblioteca.
La institución desarrolla su actividad desde tres sedes principales: el Palacio del Marqués de Perales, sede administrativa y del Centro de Estudios Dolores Devesa; el histórico Cine Doré, emblemático espacio de exhibición cinematográfica en Madrid y sala de proyecciones de Filmoteca Española desde 1989; el Centro de Conservación y Restauración de Fondos Fílmicos ´Carlos Saura´, en Pozuelo de Alarcón, que acoge entre sus instalaciones el denominado ´Voltio´, un espacio subterráneo anexo a él, especialmente acondicionado para preservar materiales realizados en nitrato de celulosa, entre ellos gran parte del escaso cine mudo español conservado.
Uno de los pilares esenciales de Filmoteca Española es su labor de restauración audiovisual, llevada a cabo por especialistas de primer nivel. Gracias a este trabajo silencioso y altamente especializado, numerosas obras cinematográficas han podido recuperarse para las generaciones presentes y futuras.
Junto a esta tarea de conservación, Filmoteca Española mantiene una intensa actividad pública y cultural a través de la programación del Cine Doré, convertido en un espacio de referencia para los amantes del cine, con sesiones diarias dedicadas a cinematografías de distintas épocas, autores y estilos.
La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha colaborado estrechamente con la institución en ciclos bianuales como “Las Bellas Artes en el Cine” (2022), “Compositores académicos del cine español” (2024) y “El Museo, protagonista”, en curso. Estas iniciativas han reforzado los vínculos entre ambas entidades y consolidado una colaboración con vocación de continuidad.
La Academia ha querido subrayar especialmente la importancia de reconocer públicamente una labor “no siempre suficientemente valorada”, pero esencial para la protección del patrimonio audiovisual español. Asimismo, destaca que la futura Ley del Cine prevé reforzar el reconocimiento institucional de Filmoteca Española como Bien de Interés Cultural.
Con esta propuesta, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando reafirma su compromiso histórico con la defensa y promoción de las instituciones y creadores que contribuyen de manera decisiva al enriquecimiento cultural de la sociedad española.
Un ciclo comisariado por el Colectivo Laberinto recupera la figura del voyeur desde el compromiso de la empatía, con filmes de Akerman, Haneke o Villaronga, entre otros
· Una retrospectiva de Masao Adachi permitirá adentrarse en el universo de uno de los cineastas más radicales e inclasificables de la historia del cine japonés
· La obra del artista Tav Falco quedará retratada también en una retrospectiva que transita por sus grandes obsesiones estéticas y temáticas
· El Foco Milagros Mumenthaler acercará a los espectadores una forma de narrar libre de estructuras narrativas frente a lo sensorial, la intuición y la memoria
· En el marco de las celebraciones del Orgullo 2026, Cinema Pride refuerza el compromiso con la diversidad, la visibilidad y la defensa de los derechos LGTBI a través del cine
· La trilogía Caseros e inquilinas, de Fernando Merinero, forma parte de la cartelera de estrenos de este junio que comparte la urgencia de mirar de frente la realidad
· ECAM Forum celebra su tercera edición en Cineteca Madrid con encuentros clave para el impulso del cine independiente y el talento emergente
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte ubicado en Matadero Madrid, se ha propuesto este mes de junio enfrentarse a la desensibilización digital, creando un espacio de reflexión a iniciativa del Colectivo Laberinto y con el cine como acto de resistencia. Películas crudas, disidentes y profundamente humanas sugieren la empatía para huir del cinismo que en ocasiones nos rodea.
Los ciclos que conforman la cartelera este mes comparten un mismo compromiso ante la posibilidad de plantear el universo cinematográfico como un instrumento para intervenir en la realidad frente a un simple reflejo de ésta, como practica el cineasta Masao Adachi. Asimismo, la cartelera expondrá películas alejadas de estructuras narrativas convencionales para adentrarse en lo intuitivo, lo sensorial o lo diverso, como en el caso de la retrospectiva de Milagros Mumenthaler o de los filmes programados en el ciclo Cinema Pride.
Ciclo ‘Laberintos’
Frente a la desensibilización digital, el ciclo ‘Laberintos’, comisariado por el Colectivo Laberinto (Itzan Escamilla y Miguel Morillo) plantea un espacio de reflexión y análisis crítico a través de siete películas que recuperan la figura del voyeur para preguntarse qué significa hoy ser un ‘mirón’. No se trata de observar con impunidad desde la distancia, sino de comprometerse con lo que se mira. Estas obras —crudas, disidentes, profundamente humanas— enfrentan al espectador a narrativas chocantes que no son estímulos residuales, sino realidades que exigen empatía, pensamiento y emoción; el cine como acto de resistencia que obliga a habitar el espacio del otro y a recuperar la capacidad de conmoverse ante la crudeza de lo real.
Con la presencia de Itzan Escamilla y Miguel Morillo (Colectivo Laberinto), el ciclo incluye las películas Irma Vep, de Olivier Assayas (12 de junio); Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de Chantal Akerman (14 de junio); Animal Love, de Ulrich Seidl (16 de junio); El vídeo de Benny, de Michael Haneke (18 de junio); Love Exposure, de Sion Sono (21 de junio); Tras el cristal, de Agustí Villaronga (23 de junio); Funeral Parade of Roses, de Toshio Matsumoto (24 de junio), y The Red Spectacles, de Mamoru Oshii (25 de junio).
Retrospectiva de Masao Adachi: cine y revolución
Aprovechando el estreno de Escape, la nueva película de Masao Adachi, en el marco de Filmadrid, esta retrospectiva propone la oportunidad de adentrarse en el universo de uno de los cineastas más radicales e inclasificables de la historia del cine japonés. Director, teórico y militante, Adachi ha dedicado su vida a fundir la práctica cinematográfica con la acción política, planteando el cine no como un reflejo de la realidad, sino como un instrumento para intervenir en ella.
En su juventud utilizó el cine erótico de bajo presupuesto como vehículo de invención formal y provocación y colaboró con cineastas como Kōji Wakamatsu y Nagisa Ōshima, en películas críticas con la modernidad capitalista que revelan los estragos del poder y la opresión. En 1974 dejó el cine para unirse a la lucha de liberación palestina, permaneciendo en Oriente Medio más de dos décadas hasta su extradición a Japón en el año 2000. Tras un paréntesis de 30 años, regresó al cine con películas que retratan el compromiso político desde la experiencia biográfica y responden directa y urgentemente a los acontecimientos políticos.
Este programa, comisariado en colaboración con Go Hirasawa, recorre las distintas etapas y géneros que el cineasta ha atravesado a lo largo de su carrera, con títulos radicales y provocativos como Abortion (16 de junio), Female Student Guerilla (18 de junio), AKA Serial Killer (24 de junio), y Prisoner/Terrorist (25 de junio). Todas las sesiones incluirán videopresentaciones de Masao Adachi.
Foco Tav Falco: el cine como conjuro
La obra de Tav Falco se resiste a cualquier intento de catalogación. Discípulo de William Eggleston y fundador de la banda de culto Tav Falco’s Panther Burns, su universo transita sin jerarquías entre la performance, la fotografía, la música y el cine. Esta retrospectiva es un viaje por sus grandes obsesiones estéticas y temáticas: el blanco y negro como memoria espectral, el expresionismo, el magnetismo por lo decadente y lo marginal y una relación con la música que ya no es banda sonora, sino el sustrato mismo de la imagen.
El recorrido por la obra de este artista total, inconformista y vibrante incluye como plato fuerte, el 20 de junio, The Urania Trilogy (2024), su primer largometraje. Rodado en 16 mm, la película recrea la estética del cine mudo y las atmósferas de la vieja Europa para contar la historia de Gina Lee, una joven estadounidense desencantada que viaja a Viena y se ve envuelta en la búsqueda de un tesoro nazi enterrado. Esta sesión contará con la presencia de Tav Falco.
Foco Milagros Mumenthaler
Pocas cineastas contemporáneas han regalado al público una relación con la imagen tan libre, intuitiva y poderosa como Milagros Mumenthaler. A lo largo de su carrera, ha expandido incansablemente las posibilidades de la imagen, liberándola de las estructuras narrativas convencionales para acercarla a lo sensorial, a la intuición y a la memoria. Sus películas han dejado algunas de las imágenes más inolvidables del cine reciente: momentos suspendidos, gestos mínimos, cuerpos, silencios y paisajes que vibran más allá de la narración. Las corrientes (5 de junio), La idea de un lago (10 de junio) y Abrir puertas y ventanas (11 de junio) forman parte de la educación sentimental de buena parte de la cinefilia contemporánea, convertidas en títulos esenciales del cine de las últimas décadas. A esta retrospectiva con tres de sus largometrajes, organizada por ECAM Forum y Filmadrid, se suma una clase magistral de la cineasta, el jueves 11 de junio.
Cinema Pride 2026
En el marco de las celebraciones del Orgullo 2026, Fundación Triángulo, en colaboración con QueerCineMad y Cineteca Madrid, presenta una nueva edición de Cinema Pride, ciclo que refuerza el compromiso institucional con la diversidad, la visibilidad y la defensa de los derechos LGTBI a través del cine.
La programación de este año incluye estrenos internacionales que llegan a Madrid tras su paso por varios festivales: Tal vez, de Arima León (2 de junio); Este cuerpo mío, de Afioco Gnecco y Carolina Yuste (3 de junio); e Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa (4 de junio), ganadora del Teddy Award en la Berlinale. Además, el ciclo incorpora una destacada muestra de cine queer taiwanés contemporáneo, con títulos como Second Round, de Kuan-Chun Chen (2 de junio); Blind Love, deJulian Chou (3 de junio) y See You, de Han-Ting Yu (4 de junio), que acercan al espectador a nuevas narrativas y sensibilidades.
Filmadrid: Smart7
En colaboración con Filmadrid, Cineteca Madrid acoge un año más la iniciativa Smart7, una ventana para el descubrimiento de cineastas europeos emergentes que buscan nuevas formas de contar historias y ampliar el lenguaje audiovisual. El programa (del viernes 5 al domingo 14) está formado por siete películas, elegidas por Filmadrid y el resto de los miembros de la asociación de festivales europeos Smart7. Entre los títulos que acoge Cineteca se encuentran No Ghosts on Good Street, de Emi Buchwald, Polonia, (5 junio); Patty Is Such a Girly Name, de Giorgos Georgopoulos, Grecia (6 junio) y Eternal Flame, de Pedro Ramalhete, Portugal (7 junio).
Verano en Japón en compañía de la familia
Cineteca da la bienvenida a las vacaciones con tres películas esenciales de maestros de la animación: Recuerdos del ayer, de Isao Takahata, cofundador de Studio Ghibli (domingo 7 de junio); Summer Wars, de Mamoru Hosoda (domingo 14 de junio); y El recuerdo de Marnie, de Hiromasa Yonebayashi (domingo 28 de junio). Tres viajes por la infancia, al amor y a los lazos que se entrelazan y sostienen en las tardes interminables del verano.
Estrenos
Como cada mes, Cineteca Madrid trae a su cartelera un importante plantel de estrenos. Este junio serán siete propuestas sorprendentes que comparten una misma urgencia: mirar de frente lo que nos constituye.
En Una película de miedo, de Sergio Oksman, un padre y su hijo se enfrentan a los miedos heredados en un hotel abandonado de Lisboa (5 al 23 de junio). ¿Qué te dice esa naturaleza? es el regreso del aclamado director coreano Hong Sang-soo, que sigue a un joven poeta cruzando el umbral de la hipocresía adulta entre banquetes y conversaciones (5 al 24 de junio). El príncipe de Nanawa, de Clarisa Navas, es un coming-of-age épico rodado a lo largo de diez años en la frontera entre Argentina y Paraguay, que ganó el Gran Premio del Jurado en Visions du Réel (19 al 28 de junio) y ha participado en Documenta Madrid 2026.
Además, Divino tesoro (19 de junio), Edipo esclavo (20 de junio) y Cupido confuso (27 de junio) conforman la trilogía Caseros e inquilinas, de Fernando Merinero, un tríptico naturalista sobre la familia contemporánea que desnuda el engaño de las apariencias.
ECAM Forum: el estado de las cosas
ECAM Forum 2026 regresará a Cineteca Madrid del 9 al 11 de junio como uno de los encuentros clave para el impulso del cine independiente y el talento emergente, con un programa que reunirá a creadores, productores y agentes de la industria en torno a presentaciones de proyectos, sesiones de pitch, mesas profesionales y espacios de networking.
Impulsado por la ECAM, el foro volverá a situarse como plataforma estratégica para el desarrollo y la proyección internacional de nuevas voces del audiovisual, fomentando el diálogo, la colaboración y el acceso a oportunidades en un contexto dinámico que convierte a Madrid en punto de referencia para el sector.
Tras sorprender con “Mamántula”, el director español firma una propuesta inclasificable que mezcla survival, sátira social y surrealismo para reflexionar sobre la incomunicación entre generaciones.
El próximo 5 de junio llega en exclusiva a Filmin “Balearic”, el nuevo largometraje de Ion de Sosa, una de las voces más singulares y arriesgadas del cine español reciente. Tras llamar la atención con trabajos como “Mamántula” (2023), que le valió una nominación al Goya al mejor cortometraje de ficción, o “Sueñan los androides” (2014), el cineasta da un nuevo paso con una película que consolida una trayectoria marcada por la experimentación formal y la búsqueda constante de nuevas formas de relato. Presentada en el Festival de Locarno y seleccionada en la sección oficial Festival de Sitges, «Balearic» le ha valido además su segunda nominación al Goya, esta vez a mejor dirección novel.
Escrita junto a Juan González (de Burnin’ Percebes), Chema García Ibarra, Julián Génisson y Lorena Iglesias (quien además participa aquí como actriz y firma el nuevo Filmin Original “Millennial Mal”), “Balearic” propone una mezcla inesperada de géneros, referencias y tonos que desafía cualquier clasificación sencilla.El reparto reúne nombres como Christina Rosenvinge, que además compone un tema original para la banda sonora, Luka Peroš, Marina Llopis y la propia Lorena Iglesias.
Sinopsis
En la víspera de San Juan, un día propicio para la magia, un grupo de jóvenes que se ha colado en la piscina de una lujosa casa queda atrapado por tres feroces perros que les impiden salir. Mientras tanto, los vecinos celebran el comienzo del verano en una villa cercana, completamente ajenos a lo que ocurre al otro lado del muro.
Una película mutante
“Balearic” empieza como una película y termina siendo otra. Arranca desde un escenario reconocible –unos adolescentes atrapados, una amenaza concreta, una situación límite–para desviarse progresivamente hacia un territorio más extraño, incómodo y difícil de anticipar. Lo que parecía un ejercicio de género muta poco a poco en una sátira de ecos surrealistas que altera las reglas del juego y desplaza el foco hacia aquello que sucede fuera de campo.
Ese desplazamiento fue, de hecho, el punto de partida creativo de la película. Como explicaba Ion de Sosa: “Seguir con esa película de género, quizá previsible, que encajaba con los códigos del survival o encontrarle una doblez, saliendo un poco de ese escenario y yéndonos a ver a los vecinos. ¿Por qué no escuchan los gritos de los protagonistas? ¿Qué pasa en esa otra casa?” (GQ).
La decisión no fue sencilla. El propio director reconocía que muchas personas no entendían ese cambio de rumbo durante el proceso de financiación: “No entendían cómo abandonábamos a nuestros protagonistas para irnos a contar una película completamente distinta. Pero nunca quisimos renunciar a esa hibridación de géneros y ese punto de surrealismo” (GQ). El resultado es una película que se niega constantemente a convertirse en aquello que parecía prometer.
La incomunicación entre generaciones
Ese desplazamiento narrativo no es solo una apuesta formal: es también la manera que encuentra “Balearic” de hablar sobre generaciones que comparten espacio pero ya no parecen compartir lenguaje. Mientras los jóvenes quedan encerrados en una situación absurda que intentan resolver, los adultos permanecen inmóviles, refugiados en sus rituales y completamente desconectados de lo que ocurre a su alrededor.
Como explicaba De Sosa: “Hubo una idea primitiva que era dividir la película en dos mitades, expresar la incomunicación entre jóvenes y adultos, con una barrera también en el modo de retratarles y que cada uno tuviera su película” (Cine Maldito). Esa separación acaba convirtiéndose en el verdadero conflicto de “Balearic”: no tanto escapar del encierro como descubrir que nadie está escuchando al otro lado.
En esa lectura aparecen referencias evidentes al universo de Luis Buñuel —especialmente “El ángel exterminador”— junto a ecos más contemporáneos como “El triángulo de la tristeza”. Pero lejos de construir una sátira cerrada o nostálgica, “Balearic” deja abierta una pregunta mucho más incómoda: qué ocurre cuando dos generaciones ya no son capaces ni siquiera de reconocerse.
El próximo 29 de mayo llega a Filmin “Historias del buen valle”, el nuevo largometraje documental de José Luis Guerín, una de las figuras fundamentales del cine español contemporáneo. La película, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián, supone el regreso tras ocho años sin dirigir un largometraje del director de “En construcción” (2001), nombrada recientemente por el Diari ARA como la segunda mejor película catalana del siglo XXI.
Fiel a una filmografía marcada por la observación, la memoria y la transformación de los espacios urbanos, Guerín vuelve a situar su mirada en un territorio periférico de Barcelona para construir un retrato colectivo atravesado por el paso del tiempo, la inmigración y las huellas invisibles de la ciudad contemporánea.
Sinopsis
Vallbona es un barrio del extrarradio de Barcelona aislado por un río, vías férreas y autopistas. Un territorio periférico que vive el tránsito del mundo rural al urbano, preservando formas de vida desaparecidas del centro de la ciudad. Allí conviven las casas levantadas clandestinamente por los migrantes llegados tras la posguerra con nuevos bloques de pisos habitados por la inmigración reciente, convirtiendo este humilde rincón en una auténtica aldea global marcada por la supervivencia y las luchas vecinales.
Vallbona, entre dos mundos
En “Historias del buen valle”, el barrio de Vallbona no funciona solo como escenario, sino como auténtico protagonista de la película. Separado del resto de Barcelona por autopistas, vías de tren y un río, el barrio conserva todavía rastros de un pasado rural que convive con la expansión urbana contemporánea. “Es un territorio único, en tránsito entre lo rural y lo urbano, donde aún sobreviven huertos, construcciones levantadas por los primeros migrantes de posguerra y formas de vida prácticamente desaparecidas del centro de la ciudad.” explicaba Guerín a El Periódico.
La relación del cineasta con Vallbona se remonta, sin embargo, varias décadas atrás. “Tuve un encuentro con el barrio en 1977. Guardaba un recuerdo fugaz de un sitio muy extraño, ignoto y lejano”, recordaba en la revista Pickpocket. Años después, el comisario Jorge Ribalta le propuso volver al barrio para un proyecto expositivo sobre los márgenes de Barcelona. De aquella experiencia surgiría primero la pieza “Primeras impresiones” y, más adelante, la semilla de esta película. “La referencia esencial ha sido el barrio de Vallbona, sus habitantes. No he querido imponer ningún imaginario cinematográfico personal por encima de lo que ellos me iban descubriendo”, explicaba el director en Fotogramas.
Un cine de la escucha
Lejos del documental explicativo o de tesis, Guerín construye la película desde la observación y la escucha. “Muchos documentalistas quieren hacer una película para desarrollar una denuncia previamente fijada. Yo no; a mí me mueve el deseo de descubrir algo y compartirlo con los espectadores”, afirmaba en eldiario.es. Esa voluntad atraviesa toda la película, construida a partir de conversaciones, silencios, momentos cotidianos y encuentros inesperados que convierten a Vallbona en un espacio vivo y contradictorio.
En ese sentido, “Historias del buen valle” continúa una de las grandes constantes del cine de Guerín: encontrar poesía en lo cotidiano y convertir el paisaje urbano en una reflexión sobre el tiempo y la fragilidad. Los trenes que atraviesan constantemente el barrio sin detenerse terminan funcionando como una poderosa imagen de esa condición periférica y efímera. “Desde Ozu, el paso de los trenes ha sido una metáfora de lo efímero”, explicaba el director en Fotogramas. “Y esa es también una realidad muy elocuente en Vallbona: pasan tantos trenes y ninguno se detiene en el barrio.”
En un acto en el Festival de Cannes, el certamen da el pistoletazo de salida de su 59ª edición, que pone en el centro el 50 aniversario de Carrie, de Brian De Palma, y ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador.
El Fantastic Pavilion del Marché du Film del Festival de Cannes ha acogido el pistoletazo de salida oficial de la 59ª edición de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Ángel Sala, director artístico del Festival, y Mònica García i Massagué, directora de la Fundación Sitges, han presentado, ante medios de comunicación, profesionales del sector audiovisual y representantes institucionales, el cartel oficial de esta edición —uno de los momentos más esperados por los seguidores del Festival—, así como un adelanto del documental WomanInFan, dirigido por Mònica García i Massagué.
Carrie, la gran protagonista del cartel de la 59ª edición
El cartel nos presenta una figura femenina adolescente cubierta de tiras rojas con purpurina, que remite al baño de sangre que sufre la protagonista en el clímax de la película.
De esta manera, el Festival pone en el centro de la edición el 50 aniversario de la cinta paradigmática del terror adolescente, que durante la década de los años ochenta giró en torno a las prom nights, el bullying y los poderes psíquicos.
Películas como El tren del terror, de Roger Spottiswoode, o la saga Prom Night son ejemplos de cómo la película de Brian De Palma influyó en la representación de los rituales estudiantiles como espacios de tránsito hacia la edad adulta, donde el Mal y los elementos sobrenaturales se infiltran y alteran la apariencia de normalidad.
Las infancias malditas: la otra gran efeméride de la edición
Por otro lado, la edición contará también con un segundo leitmotiv, con una gran confluencia temática con el primero: el Mal vinculado a la infancia, esencial en la película de Narciso Ibáñez Serrador¿Quién puede matar a un niño?
Del mismo modo que con Carrie, se pretende analizar y realizar un recorrido retrospectivo por las películas que, antes y después de la cinta de Serrador —hito del género en España y en el mundo—, representaron la infancia bajo la influencia del Mal.
El Exorcista, de William Friedkin; La semilla del diablo, de Roman Polanski; El resplandor, de Stanley Kubrick; y La mala semilla, de Mervyn LeRoy, son algunos de los ejemplos más representativos de este leitmotiv en la historia del cine de género.
Un año más de colaboración con CHINA parte de LLYC
Como no podía ser de otra manera, la creatividad surge de la colaboración con la agencia CHINA, que a principios de año se integró dentro de la marca LLYC.
Desde la agencia explican: “El terror es más terror cuando se opone a lo inocente, a lo puro, a lo frágil. Esta edición, todos los que amamos el cine volvemos al instituto Bates, al mismo lugar en el que hace 50 años nuestras pupilas se quedaron pegadas para siempre a una de las imágenes más terroríficas e icónicas de la historia del género. Imágenes que inspiran otras imágenes, miradas que desafían a otras miradas, sangre que se transforma en otro tipo de sangre, una con el brillo de la celebración y el glamour ingenuo de aquellas prom nights que llenaron nuestra adolescencia de una ilusión que se convierte en miedo, que se convierte en rabia, que se convierte en muerte y que, cinco décadas después, está más viva que nunca en Sitges gracias a la cámara delicada de Anne Roig, quien se ha atrevido a bucear en la mente infinita de Stephen King buscando su lado más bello y delicado. Felicidades, Carrie.”
Las mujeres en el cine de género: primer vistazo al documental WomanInFan
Tras la presentación del cartel, se mostró un avance del documental WomanInFan, dirigido por Mònica Garcia i Massagué y producido por el Festival de Sitges junto con la productora catalana Visual Suspects.
El proyecto reúne las experiencias de una veintena de directoras, actrices, investigadoras y programadoras de festivales, que retratan las dificultades que tradicionalmente han afrontado las mujeres dentro de la industria del cine fantástico de género. La producción realiza un recorrido generacional gracias a las intervenciones de cineastas consagradas como Mary Lambert, directora de Pet Sematary; la actriz Heather Langenkamp, protagonista de A Nightmare on Elm Street; o la mítica Helga Liné, una de las musas del Fantaterror, entre otras.
La película se estrenará fuera de competición en el marco de la 59ª edición del Festival.
Un año más, Filmin celebra su particular cita con la música y el cine: el martes 19 de mayo llega una nueva edición de Filmin Music Fest, el evento online de la plataforma (nacido en 2012) en el que los suscriptores podrán disfrutar de los mejores conciertos, documentales y películas atravesadas por la música en todas sus formas. Una programación ecléctica que mezcla grandes nombres, escenas underground, películas de culto y nuevas voces llegadas de todo el mundo.
Entre los títulos destacados de esta edición encontramos “Stop Making Sense”, la mítica película concierto de Jonathan Demme (“El silencio de los corderos”) sobre Talking Heads, restaurada en 4K y considerada una de las mejores películas concierto de todos los tiempos; “La extraordinaria Miss Flower”, un inclasificable viaje entre cartas de amor, música y memoria protagonizado por Emilíana Torrini junto a nombres como Nick Cave o Richard Ayoade; o “La esencia de Eva Cassidy”, retrato íntimo de una de las voces más conmovedoras y singulares del soul contemporáneo.
El festival también mira hacia escenas y sonidos alejados de los focos más habituales. “EA! Un mantra andaluz” se adentra en el universo libre y fronterizo del dúo gaditano EA!, mientras que “Generación Lagartija” nos transporta a un lugar surrealista e innovador a través de la banda granadina Lagartija Nick. Por su parte, “Una mano sola no aplaude” recupera la historia y la tradición del calypso en Trinidad y Tobago a través de figuras legendarias como Lord Kitchener o Calypso Rose. En una línea completamente distinta, “Omega Wants to Dance” propone una experiencia audiovisual sobre el baile como ritual colectivo, espacio político y forma de trascendencia. También habrá espacio para propuestas como “El sueño de las manzanas”, reconstrucción de una memoria musical truncada por la Guerra Civil y el exilio, o “Mallorca 83. Signos en la arena”, un acercamiento a la revolución artística balear que gestó artistas y músicos de la talla de Furnish Time, Zincpiritone o La Granja… También tendremos propuestas que nos sumergen en la escena musical catalana como “Admire: Road to Apolo”, retrato del proceso creativo de la artista catalanaADMIRE mientras prepara su primer gran concierto o “Garatge Club”, inmersión en la escena musical alternativa catalana a través de la historia de la mítica sala de conciertos de Poblenou.
Además, como cada año, el Filmin Music Fest combina títulos recientes con recuperaciones de culto. Ahí encaja perfectamente “Autos, porros y rocanrol”, heredera del espíritu de “This is Spinal Tap” que revive el caos del mítico festival mexicano de Avándaro de 1971; o “Sound of Noise”, delirante mezcla de thriller, comedia y experimentación sonora convertida ya en película de referencia para los amantes de la música electrónica. A su lado también podrá verse “Música para un apartamento y seis percusionistas”, el célebre cortometraje inspirado en John Cage que transformó utensilios domésticos en instrumentos musicales. Una nueva edición de Filmin Music Fest pensada para descubrir, redescubrir y dejarse llevar por el ritmo del cine.
