El Festival de San Sebastián dedicará la retrospectiva de la 74ª edición al cineasta y novelista José Giovanni

Giovanni dirigió una quincena de películas y trabajó como guionista o adaptador con Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico

El director, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés, protagonizará la retrospectiva de la 74ª edición del Festival de San Sebastián. Organizada por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación de un libro sobre la obra completa de Giovanni escrito por Felipe Cabrerizo.

José Giovanni (1923-2004), nacido Joseph Antoine Roger Damiani en París, en el seno de una familia acomodada de origen corso, escribió algunas de las páginas más brillantes tanto de la novela policíaca como del polar, el cine policíaco francés, tan influyente como el film noir estadounidense. Fue antes novelista, adaptador y guionista, pero cuando tomó las riendas de sus propios proyectos como director, estableció una mirada y una estética en el policial francés pareja a la de sus autores más reputados, Jean-Pierre Melville o Jacques Deray. Con ambos colaboró estrechamente en un momento, la primera mitad de los años 60, en el que tener a Giovanni en los créditos suponía una garantía de interés y de éxito cuando el policíaco era uno de los géneros más sólidos del cine francés.

Tuvo una vida ajetreada y compleja, repleta de zonas oscuras. De ella extrajo no pocos elementos argumentales para sus novelas. Su irrupción en el cine fue por la puerta grande: Jacques Becker se fijó en su novela La evasión, en la que Giovanni relataba su estancia en la cárcel –acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena capital le fue conmutada por trabajos forzados–, y decidió llevarla a la pantalla. La conexión con el escritor fue inmediata y Giovanni, que había sido contratado como consejero técnico, terminó ejerciendo de coguionista de Le Trou / The Hole (La evasión, 1960). Fue la obra póstuma de Becker y pudo verse en la retrospectiva que el Festival de San Sebastián dedico al director en 2016.

Giovanni publicó La evasión en 1958, año y medio después de salir de prisión. Poco después ya era uno de los escritores incluidos en la prestigiosa Série Noire, la colección de libros policíacos que había ideado Marcel Duhamel en la editorial Gallimard y que marcó una nueva y moderna apreciación de la literatura criminal, incluyendo las traducciones al francés de los clásicos norteamericanos. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), dio pie a Classe tous risques / The Big Risk (A todo riesgo, 1960), de Claude Sautet, en la que Giovanni ejerció también de guionista. Y la segunda, Le Deuxième souffle (1958), fue adaptada años más tarde por Jean-Pierre Melville en uno de los títulos clave del polar, Le Deuxième souffle / Second Wind (Hasta el último aliento, 1966). Tanto este filme como el de Sautet, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2022, contaron con Lino Ventura, uno de los intérpretes clave del género junto a Jean Gabin y Alain Delon.

Otra de sus novelas del productivo año 1958, L’Excommunié, sirvió de base para Un nommé La Rocca / A Man Named Rocca (Un tal La Rocca, 1961), película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y en la que se prolongaba la buena relación con los Becker: fue dirigida por Jean Becker, hijo de Jacques. En 1963 inició como guionista su fructífera colaboración con el director Jacques Deray –(Symphonie pour un massacre / Symphony for a Massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo / Rififi in Tokyo (Rififí en Tokio, 1963), L’homme de Marrakech / The Man from Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966) y Avec la peau des autres / To Skin a Spy (Red siniestra, 1966)–, y tres años después lo hizo con Robert Enrico –Les Grandes gueules / The Wise Guys (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers / The Last Adventure (Tres aventureros, 1967) y Ho! / Ho! Criminal Face (¡Ho!, 1968)–. Pero para entonces Giovanni ya barruntaba su paso a la dirección. Debutó tras la cámara con La Loi du survivant / Law of Survival. (La ley del superviviente, 1967), un polar en tiempos bélicos en el que aparecen tres de sus motivos temáticos principales: la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial, los ambientes de Córcega y la traición.

A partir de este momento, y con la sola excepción de Le Clan des Siciliens / The Sicilian Clan (El clan de los sicilianos, 1969) de Henri Verneuil –obra clave del polar, guion modélico de Giovanni a partir de la novela de Auguste Le Breton y reunión de alto voltaje entre Ventura, Delon y Gabin–, nuestro protagonista se dedicó principalmente a la dirección. Y si bien en sus películas hay rasgos de todos los cineastas con los que trabajó, no tardó en imponer un estilo propio, crudo y directo, adaptándose a sí mismo o a otros escritores, en filmes en los que mostró a asesinos a sueldo, policías de barrio, jóvenes rebeldes enfrentados al sistema, el hampa marsellesa, delincuentes que no pueden reinsertarse en la sociedad, ladrones marginales que viven según sus códigos, robos a gran escala, presidiarios que intentan demostrar su inocencia o buscadores de oro. Un estilo tan agitado como lo fue su propia existencia, muy física y aventurera: por ejemplo, practicó la escalada tanto alpina como urbana, y en una ocasión escaló hasta lo alto de la Torre Eiffel.

De entre los quince largometrajes que dirigió, además de dos filmes para televisión y tres episodios de un par de series, destacan Le Rapace / Birds of Prey (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu / Last Known Address (Último domicilio conocido, 1970) –ambas con Ventura–, Un aller simple / One Way Ticket (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune / Hit Man (El clan de los marselleses, 1972) –con Belmondo, Claudia Cardinale y el actor fetiche de Giovanni, Michel Constantin–, Deux hommes dans la ville / Two Men in Town (Dos hombres en la ciudad, 1973) –con Delon y Gabin compartiendo protagonismo–, Le Gitan / The Gypsy (Alias el gitano, 1975) –producida e interpretada por Delon– y Une robe noire pour un tueur (1981), con Annie Girardot. En sus dos últimas películas, Mon ami le traître / My Friend the Traitor (1988) y Mon père, il m’a sauvé la vie / My Father Saved My Life (Mi padre, 2001) –coescrita con Bertrand Tavernier– reflexionó desde la ficción sobre aspectos determinantes de su propia vida.

Nace Filmoteca Seminci: viajes y descubrimientos de la historia del cine durante todo el año

·  Seminci lanza una nueva iniciativa de ciclos y proyecciones del patrimonio cinematográfico mundial en Valladolid con la colaboración de la Filmoteca de Castilla y León

·  El ciclo ‘¿Qué fue del futuro?’; los clásicos del cine español ‘Los santos inocentes’ y ‘Furtivos’; un homenaje a Pere Portabella en su centenario; la recuperación de un clásico de cine africano, e Ingmar Bergman visto por Jaume Claret Muxart, primeras actividades previstas

La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) pone en marcha Filmoteca Seminci, una iniciativa de ciclos y proyecciones en diferentes salas de la ciudad para acercar el patrimonio cinematográfico mundial al público de Valladolid durante todo el año, en colaboración con la Filmoteca de Castilla y León.

Esta propuesta responde también al propósito de José Luis Cienfuegos, director de Seminci hasta 2025, de dar continuidad a las actividades iniciadas con motivo de la 70ª edición del festival y de reforzar el papel de Seminci como dinamizador cultural de la ciudad durante todo el año y no solo en las fechas de celebración del certamen.

Según los directores del festival, Mariona Viader y Javier H. Estrada, «Filmoteca Seminci surge como la colaboración natural con la Filmoteca de Castilla y León, aliado clave con el que construimos este proyecto que reúne y aporta coherencia a las proyecciones que se realizan durante todo el año, apostando siempre por la reflexión a partir de una programación heterodoxa en épocas y territorios. Un lugar para seguir aprendiendo y redescubriendo la historia del cine, demostrando que la comunidad de Seminci permanece unida y despierta más allá de las fechas del festival».

Con esta iniciativa se cumplen las aspiraciones de la Filmoteca de Castilla y León de mantener una programación cinematográfica estable en Valladolid, fruto de la colaboración institucional, como parte del ámbito de la difusión de la cultura audiovisual que tiene a su cargo la Dirección General de Políticas Culturales.

‘Metropolis’, de Fritz Lang

Once proyecciones programadas durante 2026

La programación de Filmoteca Seminci incluye, hasta el momento, once proyecciones que comenzarán en abril y se extenderán hasta diciembre: el ciclo de largometrajes ‘¿Qué fue del futuro?’ en los Cines Broadway; el ciclo ‘Restauraciones cinematográficas’, con dos obras maestras del cine español en el Auditorio FUNDOS Fórum; y un clásico del cine africano, un homenaje al cineasta Pere Portabella por su centenario y una nueva sesión del programa Inside Cinema, protagonizada por Jaume Claret Muxart, en los Cines Casablanca.

Las sesiones contarán con una presentación o coloquio posterior que enriquecerá la experiencia de visionado y el diálogo en torno a las películas, reforzando así el compromiso de Seminci con la divulgación de la historia del cine desde la cercanía y la participación del público.

En el marco de estas proyecciones, Espacio Seminci acogerá vitrinas temáticas dedicadas a los actores o directores vinculados a los títulos programados. La primera de ellas reúne objetos y recuerdos relacionados con Francisco Rabal, intérprete de Los santos inocentes, recuperando así la iniciativa ‘Vitrina del mes’, puesta en marcha en 2025 con el objetivo de poner en valor y difundir el archivo histórico del festival.

‘Los santos inocentes’, de Mario Camus. ‘Furtivos’, de José Luis Borau.

Dos obras maestras del cine español

Las actividades comenzarán el 28 de abril con la proyección de Los santos inocentes, de Mario Camus (1984), en el Auditorio FUNDOS Fórum, con motivo del centenario del actor Paco Rabal. La película, basada en el libro homónimo de Miguel Delibes, ganó el premio de interpretación masculina ex aequo para Alfredo Landa y Paco Rabal, que logró convertir a Azarías y su «milana bonita» en uno de los personajes más recordados del cine español. El acto se completará con el cortometraje Paco, mi padre, dirigido por Benito Rabal, hijo del recordado intérprete, quien lo presentará en Valladolid.

La versión remasterizada en 4K de Furtivos, película de 1975 dirigida por José Luis Borau, continuará el 29 de abril en FUNDOS Fórum la recuperación de títulos imprescindibles de la historia del cine español. Ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, Furtivos teje bajo la forma de un drama rural una alegoría sobre la opresión, el miedo y la necesidad de ruptura con un pasado autoritario. Su valor reside en la valentía con que, incluso antes del final del franquismo, logró formular una crítica simbólica al sistema. Lo hace a través de la relación de un joven reprimido emocional y sexualmente por una madre autoritaria, interpretados por Ovidi Montllor y Lola Gaos, respectivamente.

Con esta colaboración y el ciclo de películas restauradas, FUNDOS reactiva la histórica relación de la sala de Fuente Dorada con la programación cinematográfica impulsada junto a Seminci y la Filmoteca en la década de los noventa.

‘Apocalypse Now Redux’, de Francis Ford Coppola

Predicciones cinematográficas que cumplen 25 años en 2026

El ciclo ‘¿Qué fue del futuro?’ en los Cines Broadway pretende mostrar cómo el cine anticipó en torno al año 2001 debates y conflictos humanos de vigente actualidad. La selección de seis películas realizada por el equipo de programación de Seminci reúne títulos de variada procedencia geográfica firmadas todas ellas por cineastas consagrados.

El 7 de mayo Apocalypse Now Redux inaugurará el ciclo.La versiónampliada del clásico antibelicista de Francis Ford Coppola tuvo su estreno en el Festival de Cannes de 2001, desvelando una de las visiones más impactantes y complejas de la guerra en el cine. La película, inspirada en la novela El corazón de las tinieblas, de Joseph Conrad, no es una historia bélica más; explora la oscuridad humana, presentando la guerra como una experiencia caótica y profundamente deshumanizante.

El 11 de junio se proyectará Intervención divina, dirigida y protagonizada por Elia Suleiman. La película retrata de forma singular, irónica y simbólica cómo el conflicto palestino-israelí se filtra en la vida cotidiana, bosquejando un panorama absurdo, opresivo y crítico de los controles militares, las restricciones de movimiento y las rutinas de un territorio ocupado que invita al espectador a reflexionar sobre la búsqueda de libertad del pueblo palestino. Rodada en 2001 y estrenada en Cannes al año siguiente (donde obtuvo el Premio del Jurado), la vigencia de su temática se alinea plenamente con el eje central de este ciclo.

Trouble Every Day, de Claire Denis, plantea un futuro en el que la ciencia no hace progresar a la humanidad, sino que desata lo más oscuro de la naturaleza humana: el deseo convertido en violencia. A través de la manipulación genética y de las actuaciones extremas de Vincent Gallo y Béatrice Dalle, Denis anticipó en 2001 una pregunta que sigue sin respuesta: ¿qué ocurre cuando el progreso científico elimina los últimos límites morales? Su proyección está prevista el 23 de julio.

‘Intervención divina’, de Elia Suleiman.

El día 17 de septiembre el ciclo de proyecciones se retomará con Waking Life, de Richard Linklater. El director de Nouvelle Vague, Boyhood o Antes del amanecer profundizó en la faceta más filosófica de su filmografía con esta propuesta de animación que ofrece una reflexión existencial sobre el destino de la humanidad a través de los sueños lúcidos de su protagonista, que conversa sobre el libre albedrío, la identidad o el sentido de la vida con los personajes con los que se va encontrando en el camino.

Una vez terminada la 71ª edición de Seminci, el 12 de noviembre los Cines Broadway proyectarán la japonesa Pulse (Kairo). El realizadorKiyoshi Kurosawa recurre al género de terror para plantear una inquietante reflexión sobre la soledad con la historia de un fantasma que se comunica a través de internet. Hace ya 25 años, este título predijo que el mayor peligro del futuro no es la tecnología en sí, sino cómo puede amplificar la soledad humana, cómo la hiperconectividad lleva a la desconexión emocional y al fin de la humanidad.

El ciclo se cerrará el 10 de diciembre con un título mítico de la ciencia ficción distópica, Metrópolis (1927), de Fritz Lang. Una película que advirtió hace casi 100 años que el progreso tecnológico sin ética podría generar en 2026 una sociedad desigual, deshumanizada y en conflicto en el futuro. La sesión se enmarca en el acuerdo de colaboración que Seminci mantiene desde hace años con el Goethe-Institut para la difusión y promoción del cine alemán, y que se ha renovado de cara a ampliar su presencia en la 71ª edición.

‘Vampir-Cuadecuc’, de Pere Portabella.

Recuerdo a Pere Portabella y dos clásicos en Cines Casablanca

El 18 de junio, los Cines Casablanca se convertirán en anfitriones de la proyección de la película Vampir-Cuadecuc (1970), de Pere Portabella (Figueres, 1927). Productor de obras maestras del cine español como Viridiana, Los golfos o El cochecito, como director es un referente de la cultura de vanguardia que ha influenciado a muchos cineastas contemporáneos. Vampir-Cuadecuc, una de sus películas más conocidas,deconstruye los mecanismos narrativos del rodaje dela película El conde Drácula, de Jesús Franco, protagonizada por Christopher Lee, para dibujar su propia versión del mito vampírico y romper con el cine dominante permitido por el franquismo.

Tras la proyección, el cineasta, teórico y divulgador Luis E. Parés, especialista en la filmografía de Portabella y actual director artístico de Cineteca Madrid, conversará en Espacio Seminci con el codirector del festival Javier H. Estrada, con el objetivo de establecer un diálogo transgeneracional sobre la relevancia y permanencia del cine de Portabella, tanto en su dimensión estética como política.

Seminci se une así al programa internacional ‘Acción Portabella’, impulsado por el Ministerio de Cultura y la Generalitat de Catalunya para conmemorar durante 2026 y 2027 el centenario del cineasta y activista. Un homenaje que el propio Pere Portabella ha aceptado como reconocimiento a su actualidad permanente como motor de activismo artístico y político: «Tenemos que hacer cosas que tengan actualidad, vitalidad, que nos permitan avanzar. Aquí es donde me siento cómodo», ha señalado.

‘Sambizanga’, de Sarah Maldoror. ‘Un verano con Mónica’, de Ingmar Bergman.

Bajo el título ‘Ingmar Bergman visto por Jaume Claret Muxart’, Filmoteca Seminci acogerá el jueves 30 de abril una nueva sesión del ciclo Inside Cinema, iniciativa impulsada en el marco de la red europea Young4Film, de la que el festival forma parte desde 2025. En esta ocasión, el invitado será el cineasta Jaume Claret Muxart, nominado al Premio Goya a mejor dirección novel por Extraño río y presente en la 68ª edición de Seminci con su cortometraje Die Donau. Tras la proyección de la película Un verano con Mónica, de Ingmar Bergman, en Cines Casablanca, Claret analizará las conexiones entre este título y su propia obra en Espacio Seminci.

Considerada una pieza clave en la historia del cine moderno, Un verano con Mónica narra la intensa historia de amor y huida de dos jóvenes que buscan escapar de la rutina urbana durante un verano de libertad en un archipiélago sueco. La película destaca por su naturalismo, su innovador tratamiento de la intimidad y, especialmente, por la célebre mirada a cámara de su protagonista, interpretada por Harriet Andersson, un gesto que marcó a generaciones de cineastas, como al propio Jaume Claret Muxart.

El 28 de mayo se proyectará en los Cines Casablanca, un clásico de la cinematografía africana, Sambizanga, (1972),de Sarah Maldoror. Esta propuesta, organizadaen colaboración con el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid con motivo de la celebración esa semana del Día de África, se completará con una charla posterior.

Con este trabajo, Maldoror se convirtió en una de las primeras mujeres en dirigir un largometraje en África. La directora retrató en este título, obra clave del cine anticolonial y feminista africano, la lucha por la independencia de Angola a través de la historia de María, una mujer que busca a su marido detenido por la policía colonial portuguesa.

Llegan a FlixOlé la oscarizada «Belle Époque» y la exitosa carta de amor al cine español, «La niña de tus ojos»

El director Fernando Trueba, figura indispensable del cine español contemporáneo, protagoniza la programación de FlixOlé con el estreno, el próximo viernes 10 de abril, de dos de sus películas más emblemáticas: Belle Époque (1992) y La niña de tus ojos (1998). Junto a estos títulos, la plataforma lanza una colección que reúne una decena de obras rodadas o escritas por el cineasta, ofreciendo un recorrido por su universo creativo y su aportación al audiovisual español.

Heredero en espíritu de Billy Wilder y del mejor clásico americano, Trueba ha sentido el cine como una comedia romántica capaz de mostrar lo maravillosa que puede ser la vida, incluso con sus sinsabores. Con profundidad y naturalidad, contribuyó a principios de los años 80 a poner patas arriba el panorama cinematográfico español con propuestas desenfadadas que darían lugar a la llamada comedia madrileña. Durante la década siguiente, la más prolífica de su carrera, afianzó su estilo con películas que capturan con sensibilidad la memoria del país. Reconocido con numerosos premios Goya y artífice de la segunda producción española en conquistar el Oscar, su trayectoria abarca géneros tan diversos como el melodrama de época, el noir, la animación o el musical, además de consolidar un notable prestigio en el ámbito del documental.

Con ‘Fernando Trueba: Sueños de celuloide’, FlixOlé propone ahora un recorrido integral por la obra de uno de los grandes nombres del cine español. El especial reúne tres estrenos destacados, Belle ÉpoqueLa niña de tus ojos y El baile de la victoria (2009), que se suman a un catálogo de títulos imprescindibles para comprender la riqueza y vigencia de su filmografía.

Culminación del cine histórico: Belle Époque

Tras sentar cátedra con la ‘Escuela de Yucatán’, nacida entre el tintinear del hielo en los vasos y el humo de los garitos de Malasaña, Fernando Trueba se coló sin carné de director en la industria. Junto a compañeros de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense —como Carlos Boyero, Antonio Resines u Óscar Ladoire— convirtió en realidad su sueño de hacer cine con películas que funcionaban como retratos generacionales. En ellas, la influencia de la nouvelle vague y el póster de Annie Hall de Woody Allen se mezclaban con una mirada propia que, casi sin proponérselo, terminó por renovar los códigos de la comedia española.

Aquella celebración vitalista hecha a base de líos amorosos, cigarritos de la risa y ansias de libertad una vez enterrado el franquismo fue evolucionando hacia territorios más complejos. Con El año de las luces (1986), Trueba desplazó el foco desde la efervescencia de los años 80 hacia los años grises de la posguerra, abriendo una nueva etapa en su cine. Ese tránsito, de lo inmediato a lo evocador, de lo generacional a lo histórico, encuentra su culminación en Belle Époque.

Situada en los días previos a la Segunda República, la película sigue a un joven (Jorge Sanz) que, tras desertar del ejército, encuentra refugio en una familia tan libre como fascinante, iniciando una aventura sentimental con cada una de las hijas (interpretadas por Ariadna Gil, Maribel Verdú, Miriam Díaz Aroca y Penélope Cruz) de su anfitrión (Fernando Fernán Gómez). Definida por el propio Trueba como una “película contra el muermo”, la cinta se aleja de etiquetas para moverse con libertad entre personajes, emociones y tonos, construyendo un relato de lo que España podría haber sido.

Nacida del placer de contar historias —tras una comida entre Fernando Trueba, José Luis García Sánchez y Rafael Azcona— la cinta acaparó la atención del público y la crítica, y se convirtió en uno de los mayores hitos del cine del país cuando su director recogió el Oscar a Mejor película de habla no inglesa; el segundo para una producción española. 

Humor y tragedia en el periplo de La niña de tus ojos

La cinta llega al catálogo de FlixOlé en una restaurada versión, realizada en los laboratorios de la plataforma, que acompaña a otro de los títulos más celebrados de Trueba: La niña de tus ojos. Esta apasionada declaración de amor al séptimo arte patrio sitúa al público en plena Guerra Civil: el director Blas Fontiveros (Antonio Resines) y su equipo viajan a la Alemania nazi para rodar en los estudios de la UFA una película folclórica con la estrella Macarena García (Penélope Cruz). La dificultad de ambientar la alegría y pasión andaluza en tierras teutonas será el menor de los problemas de la troupe española, que descubrirá las lascivas intenciones del ministro alemán de propaganda, Joseph Goebbels, con la protagonista y que los extras del filme son gitanos y judíos procedentes de campos de concentración.

Inspirada libremente en el periplo de Imperio Argentina y Florián Rey en la Alemania del Tercer Reich, la película combina humor y tragedia para retratar a un grupo de cineastas enfrentados a una realidad tan compleja como desconocida. Con un gran despliegue de producción y un reparto coral de nivel —que consolidó la fama internacional de Penélope Cruz—, el largometraje llevó a cerca de 2,5 millones de espectadores a las salas de cine y eclipsó la decimotercera edición de los Goya, donde obtuvo siete galardones.  

El baile de la victoria y otros ‘sueños de celuloide’

El especial ‘Fernando Trueba: Sueños de celuloide’ se completa con el estreno de El baile de la victoria, una historia de segundas oportunidades ambientada en Chile tras la dictadura. Basada en la novela de Antonio Skármeta, la película confirma la versatilidad de Trueba y su capacidad para abordar relatos de gran carga emocional, explorando temas como la redención, la justicia y la esperanza.

La colección se enriquece además con otros títulos fundamentales en la filmografía del director: El artista y la modelo (2012) con la que ganó la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, delicada reflexión sobre la creación y el paso del tiempo; Sé infiel y no mires con quién (1985), icono de la comedia madrileña; Two Much (1995), su salto a la comedia romántica internacional; El año de las luces (1986), retrato iniciático de la posguerra; El embrujo de Shanghai (2002), evocación de la memoria y la imaginación; así como los proyectos que coescribió: Esta noche es la noche (Julio Sánchez Valdés, 1980), Miss Caribe (Fernando Colomo, 1988), Suspiros de España (y Portugal) (José Luis Gª Sánchez, 1994) y A contratiempo (Óscar Ladoire, 1982), que completan un mosaico imprescindible para comprender la riqueza y diversidad de una de las carreras más influyentes del cine español.

“April”, la película de Dea Kulumbegashvili premiada en Venecia y San Sebastián, se estrena en Filmin

El 10 de abril Dea Kulumbegashvili regresa con este retrato brutal y realista sobre el aborto en las zonas más desfavorecidas de Georgia. 

El 10 de abril se estrena en Filmin “April”, el segundo largometraje de la directora georgiana Dea Kulumbegashvili, autora de «Beginning”, película con la que se llevó la Concha de Oro. Con este nuevo trabajo, la cineasta ha consolidado su prestigio internacional al alzarse con el Gran Premio del Jurado en Venecia y coronar la Sección Zabaltegi en el Festival de San Sebastián.

Sinopsis
Nina (Ia Sukhitashvili) es una obstetra experta en un hospital materno del este de Georgia. Tras un parto difícil, el bebé muere y el padre, destrozado por el dolor, exige que se investiguen los métodos de Nina. El escrutinio resultante amenaza con sacar a la luz la actividad paralela de Nina, que consiste en conducir por la impresionante belleza del campo hasta las casas de las aldeas donde viven las mujeres y las niñas embarazadas para practicarles abortos ilegales, y con destruir la profesión que es la única fuente de sentido en su vida.

El ciclo continúa

La idea de la película surge durante el rodaje del anterior largometraje de la directora, cuando empezó a entrar en contacto con mujeres que vivían en condiciones de gran precariedad. Muchas de ellas, con seis o siete hijos, apenas habían tenido acceso a la educación –no sabían leer ni escribir– y se habían casado siendo adolescentes. A partir de estas experiencias, Kulumbegashvili identificó un patrón: «Comprendí que se trata de un círculo vicioso: las madres no recibieron ninguna educación, se casaron a los quince años y nadie les preguntó nunca qué querían en la vida, y luego tuvieron hijos. Y, a pesar del amor y los cuidados que les dan, son incapaces de proporcionarles una educación básica. Y el ciclo continúa”. 

Kulumbegashvili quiso poner el foco en estas mujeres y en la importancia de mantener en el centro de la conversación el tema del aborto: “En Georgia es legal hasta las doce semanas, pero cada clínica tiene derecho a decidir si quiere hacerlo, y es imposible encontrar una clínica que lo haga. Pregunté a los médicos: ‘¿Y si se trata de una víctima de violación?’. Y me respondieron: ‘Debería ir a la ciudad y resolverlo con la policía’. Uno de los médicos dijo: ‘¿Por qué tengo que ser yo responsable de sus pecados?’ ”. 

Las personas de las alturas

Dea Kulumbegashvili quiso hacer a las personas locales partícipes de su proyecto. Dispusieron una zona de manualidades para que los niños pudieran acercarse, participar y preguntar. La directora quería despertar en ellos la curiosidad y permitirles vislumbrar otro futuro. También invitó a las mujeres del pueblo: “Tenían muchas ganas de maquillarse. Aunque en mi película no usamos mucho maquillaje, les dije que sí. Para ellas era una celebración, un día libre de su rutina. Pero antes de volver a casa, se lavaban la cara: no podían dejar que nadie supiera que llevaban maquillaje. Como si no se les permitiera disfrutar de un día feliz. A sus maridos no les importaba que salieran en la película, porque les pagaban. Pero, de alguna manera, no debía ser algo con lo que ellas también disfrutaran”.

Hasta los partos que aparecen son reales. Kulumbegashvili pasó un año observando el trabajo de los médicos en una clínica de maternidad: “Y en algún momento me permitieron hablar con las mujeres embarazadas para preguntarles si me dejarían ver y filmar sus partos. Estuve en contacto con ellas durante casi todo el embarazo, por lo que se sentían muy cómodas conmigo. Se necesitó mucha paciencia por parte de todos y comprender que no éramos los protagonistas y que, en cuanto alguien nos dijera que teníamos que irnos, lo haríamos. Aunque teníamos muy poco control, también estábamos muy preparados”.

Cineteca Madrid dedica la programación de abril al diálogo entre cine y literatura

·  La programación de este mes gira en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena

·  El ciclo Teoría y praxis reúne la obra de distintos cineastas para explorar la manera en que la escritura condiciona y proyecta la imagen

·  Cineteca se suma al Festival Biophest, organizado por Matadero e Intermediae, con la proyección de tres películas que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal

·  Flamenco García Lorca propone un recorrido por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, desde su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad

·  El mago de Oz, Sonrisas y lágrimas o Piratas del Caribe son algunas de las películas que se proyectarán en las matinales familiares de los domingos en homenaje al blockbuster

·  Los espectadores podrán acercarse al cine radical de Gus Van Sant a través de sus películas Elephant, Last Days y Paranoid Park

Con motivo de la celebración del Día del Libro, Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica la programación de abril al diálogo entre el cine y la literatura, coincidiendo además con el 75 aniversario de Cahiers du Cinéma, una de las revistas fundamentales de la historia del cine. El mes se articula en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena.

Por un lado, Cineteca propone un recorrido por algunas de las películas favoritas de los principales críticos vinculados a Cahiers du Cinéma. Por otro, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, ofrece un programa centrado en el diálogo entre textos y películas de cineastas y teóricos que han pensado y practicado el cine desde la escritura, como Laura Mulvey, Masao Adachi o Trinh T. Minh-ha.

Además, abril incluye un programa dedicado al espíritu flamenco de Federico García Lorca y otro programa especial en torno a cine y literatura. Por otro lado, las sesiones matinales familiares se articularán en un ciclo, en colaboración con la periodista e investigadora Elisa McCausland, que recorre la historia del blockbuster y propone una introducción a las grandes narrativas del cine popular para los más jóvenes. Cineteca también se suma este mes de abril a la celebración del Festival Biophest en Matadero Madrid, con la proyección de tres películas que abordan la relación de las personas con el entorno vegetal.

75 años de Cahiers du Cinéma

En abril de 1951 apareció el primer número de Cahiers du Cinéma. Bajo la influencia intelectual de André Bazin, la revista prestó una mirada atenta a la puesta en escena y a la relación ética entre la cámara y el mundo. Esa mirada se alimentó de películas que, en muchos casos, todavía no gozaban de reconocimiento canónico, pero que funcionaron como auténticas escuelas de pensamiento para una generación de jóvenes críticos franceses que, poco después, darían el salto a la dirección. Para François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Jacques Rivette o Éric Rohmer, estas obras no fueron solo objeto de análisis, sino detonantes de una práctica futura que marcaría un antes y un después en la historia del cine.

Este ciclo reúne algunas de esas películas que hicieron correr ríos de tinta, suscitaron pasiones intelectuales y provocaron controversias decisivas. Sus ecos, 75 años después, siguen resonando en la teoría y en la práctica contemporáneas. Los títulos que se revisitarán en Cineteca Madrid son Johnny Guitar (Nicholas Ray); L’Atalante (Jean Vigo); La regla del juego (Jean Renoir); Te querré siempre (Roberto Rossellini); Cuentos de la luna pálida (Kenji Mizoguchi) y La dama de Shanghái (Orson Welles), que podrán verse del 31 de marzo al 5 de abril, respectivamente.

Ciclo Teoría y praxis

Toda práctica fílmica encierra una teoría en potencia. La escritura condiciona y proyecta la imagen, llegando incluso a transformarla. Este ciclo, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, reúne la obra de distintos cineastas que, desde diversas geografías y a lo largo de sus trayectorias, han explorado ese diálogo entre pensamiento y práctica a través de experiencias heterogéneas. Entre el 14 y el 22 de abril, se proyectarán los títulos Riddles of the Sphinx (Laura Mulvey, Peter Wollen); Red Army/PFLP: Declaration of World War (Masao Adachi, Kôji Wakamatsu); Contactos (Paulino Viota); Forgetting Vietnam (Trinh T. Minh-ha) y Loin de Manhattan (Jean Claude Biette).

Federico García Lorca y las vanguardias audiovisuales

El programa Flamenco García Lorca propone un recorrido audiovisual por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, atendiendo a su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad artística. Frente a los tópicos folclóricos, Lorca entendió el flamenco como una forma trágica y popular de conocimiento, atravesada por la historia, el cuerpo y el conflicto.

A través de documentales, piezas experimentales y registros escénicos, el ciclo pone en diálogo retratos etnográficos de posguerra con las exploraciones formales de cineastas como José Val del Omar, así como con ecos teatrales y políticos de los años 60 y 70. Entre el 7 y el 11 de abril, Cineteca ha programado Nous, les gitans (Alberto Spadolini); Flamenco – möte med spanska zigenare (Dan Grenholm, Lennart Olsson); Rito y geografía del cante: Lorca y el flamenco (Mario Gómez); El barranco de Viznar (José A. Zorrilla);  Aguaespejo granadino (José Val del Omar); Festival en las entrañas (José Val del Omar); Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken); Duende y misterio del flamenco (Edgar Neville) y Duende (Ramón Gieling).

Breve historia del blockbuster

El cine de gran espectáculo, conocido como blockbuster a partir de Tiburón, ha sido una de las formas más influyentes y populares del cine moderno, aunque a menudo poco atendida desde el punto de vista crítico. Este ciclo de conferencias y proyecciones, organizado en colaboración con los críticos Elisa McCausland y Diego Salgado, propone un recorrido histórico por el sense of wonder cinematográfico, atendiendo tanto a sus cualidades artísticas como a sus condiciones industriales, técnicas y culturales.

Desde los grandes espectáculos del cine mudo —con hitos como Metrópolis— hasta las sagas contemporáneas del siglo XXI, el programa analiza la evolución del blockbuster a través de sus distintas etapas: la tensión entre narrativa y espectáculo en el Hollywood clásico, la reinvención del cine tras la Segunda Guerra Mundial, el nacimiento del modelo moderno con George Lucas y Steven Spielberg, el auge de los efectos digitales y las franquicias y el escenario actual, marcado por los superhéroes, la animación y la irrupción de las inteligencias artificiales.

Los títulos que el público familiar podrá disfrutar en pantalla grande durante las matinales de los domingos, entre el 5 de abril y el 24 de mayo, son El maquinista de La General (Buster Keaton, Clyde Bruckman); El mago de Oz (Victor Fleming); Sonrisas y lágrimas (Robert Wise); Encuentros en la tercera fase (Steven Spielberg); Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (Gore Verbinski) y Los tipos malos (Pierre Perifel).

El cine radical de Gus Van Sant: donde terminan las palabras

A comienzos de los años 2000, Gus Van Sant emprendió una de las aventuras formales más singulares del cine estadounidense contemporáneo. Tras su etapa en Hollywood, el cineasta regresó a un cine más libre y radical, donde la narración se disuelve para dejar paso a una experiencia construida a partir de gestos, silencios, cuerpos y desplazamientos en el espacio. Películas como Elephant (2003), Last Days (2005) y Paranoid Park (2007) forman parte de este proyecto de exploración extrema, influido por el videojuego y las narrativas posmodernas. Estarán programadas en Cineteca el 28, 29 y 30 de abril, respectivamente. La primera sesión irá acompañada de una charla alrededor del monográfico La alargada sombra del videojuego en el cine, coordinado por el crítico cultural Felipe Rodríguez Torres.

Festival Biophest: Ciclo Docu Natura por Água das Pedras

El cine se suma a la programación de la segunda edición del Festival Biophest, organizado por Matadero Madrid e Intermediae, con la proyección de tres películas (14, 15 y 16 de abril) que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal: The Garden (Derek Jarman, 1990), The Secret Life of Plants (Walon Green, 1978) —con banda sonora original de Stevie Wonder— y el documental Sembradoras de vida (Diego y Álvaro Sarmiento, 2019). Los filmes contarán con presentaciones a cargo de las comisarias de Biophest, Elena Páez y Eva F. Cortés; Diego Fernández, comisario de la sección musical del festival, y la curadora e historiadora del arte Aurora Carmenate Díaz.

Sesión continua: rumores y sociedad

Esta propuesta comisariada por la influencer Andrea Ferrer toma como punto de partida la novela Las amistades peligrosas (1782), de Pierre Choderlos de Laclos, para explorar cómo un mismo texto literario puede dar lugar a imaginarios cinematográficos radicalmente distintos. Por un lado, Cineteca proyectará, el 8 de abril, Las amistades peligrosas (Stephen Frears, 1988), elegante reconstrucción de época que sitúa el deseo en el corazón de la aristocracia francesa prerrevolucionaria. Por otro, exhibirá Crueles intenciones (Roger Kumble, 1999), que traslada la intriga al contexto de la élite adolescente estadounidense de finales del siglo XX. Rumores y secretos atraviesan así dos siglos de historia en este juego de espejos entre literatura y cine. La primera sesión irá acompañada de un coloquio sobre el cotilleo, con las escritoras Elizabeth Duval y Sandra López.

Ciclo Linterna, con Miguel Agnes y Brays Efe: Cuando el destino nos alcance

En abril regresa Linterna, el ciclo comisariado y presentado por el curador cultural Miguel Agnes y el actor Brays Efe. Lo hará con una sesión dedicada a la novela ¡Hagan sitio, hagan sitio! (1966), del escritor de ciencia-ficción Harry Harrison y adaptada al cine por Richard Fleischer en 1973, con el título de Soylent Green (Cuando el destino nos alcance).

Filmin estrena «El papel de mi vida», el proyecto más personal de Jeremy Piven

El 3 de abril llega a Filmin la adaptación y ampliación de un relato corto de Arthur Miller que ha tardado más de 15 años en materializarse. Un proyecto de pasión que da lugar a uno de los papeles más destacados de la carrera de Jeremy Piven.

El 3 de abril llega en exclusiva a Filmin «El papel de mi vida», un drama musical ambientado en la Alemania nazi que explora los límites del arte, la identidad y la supervivencia. Dirigida por Shira Piven y protagonizada por su hermano Jeremy Piven («Entourage»), la película es el resultado de más de quince años de trabajo y uno de los proyectos más personales de ambos.

¿Hasta dónde es posible llegar para encajar, para ser alguien, incluso si eso implica negar quién eres? ¿Qué ocurre cuando se acepta un pacto con aquello que uno rechaza? «El papel de mi vida» plantea e interpela al espectador sobre la identidad, la moral y la capacidad de mirar hacia otro lado ante lo intolerable.

Sinopsis
Harold May es un judío estadounidense y un talentoso bailarín de claqué. Mientras están de gira por Europa, Harold y el resto de su grupo son buscados por un agregado alemán que ofrece al grupo una actuación exclusiva en Berlín por una gran cantidad de dinero. Lo que no saben es que la actuación será enfrente del propio Hitler.

Un proyecto de pasión en familia

«El papel de mi vida» es un proyecto de pasión: el resultado de más de quince años intentando sacar el proyecto adelante. Un largo proceso que permitió a Jeremy Piven prepararse a fondo para el personaje –incluyendo el aprendizaje de claqué– y dotar al relato de una profundidad poco habitual. La historia nace de un relato de Arthur Miller que la madre de Jeremy le dio: “si mi madre me da algo, sé que es importante”, comenta el actor, que quedó inmediatamente fascinado por el material.

Convencido de su potencial cinematográfico, Piven impulsó el proyecto desde sus inicios y encontró en su hermana Shira la directora idónea para llevarlo a la pantalla, consolidando un tándem creativo marcado por la complicidad y la confianza mutua. Esta conexión ha llevado al actor –ganador de un Globo de Oro y un Emmy– a firmar uno de los trabajos más destacados de su carrera: “he actuado en más de 80 películas y este es el papel del que estoy más orgulloso”.

Un drama sobre el arte, la identidad y la supervivencia 

Ambientada en la Alemania nazi, la película propone una reflexión sobre el papel del arte en tiempos de represión, siguiendo a un actor que se enfrenta a una oportunidad profesional única en un contexto marcado por la persecución y el miedo. El filme reflexiona también sobre la manipulación de masas: “habla sobre lo que estamos pasando actualmente, pero es también una historia universal”, comenta Shira Piven, que plantea cuestiones de gran actualidad, pero también construye un relato sobre identidad y redención con el que todo el mundo puede conectar.

Desde su concepción, el proyecto ha despertado un fuerte interés: “cada vez que contaba la premisa, veía cómo se iluminaban los ojos de la gente”, recuerda Shira. El resultado es un intenso drama que combina memoria histórica y reflexión artística, y que encuentra en su protagonista un vehículo para explorar los límites entre la ambición, la dignidad y la supervivencia.

FlixOlé celebra el centenario de Paco Rabal con el estreno de Llanto por un bandido y una colección con cerca de 50 títulos

La plataforma también incorpora a su catálogo otras cuatro películas protagonizadas por el laureado actor: Fra Diávolo, Trío de damas, Goya, historia de una soledad y El hombre que perdió su sombra

El 8 de marzo de cumple el centenario del nacimiento de Francisco Rabal, actor de temperamento indomable, voz profunda y mirada luminosa que arrebató el sentido de público, crítica y compañeros de profesión con una de las carreras más brillantes de la interpretación española. FlixOlé conmemora esta ineludible efeméride cinematográfica con una colección especial que recorre su trayectoria e incorpora a su catálogo cinco estrenos protagonizados por Rabal.

De origen humilde, aquel joven de Águilas (Murcia) se empapó de la interpretación cuando ejercía de electricista en Estudios Chamartín. Bajo la dirección de Rafael Gil comenzó a forjar su presencia en pantalla, primero en dramas románticos y relatos de fe, pronto en personajes de mayor hondura. Actor de raza, encarnó tanto al galán de época como al bandolero serrano; su compromiso social reflejó al inocente campesino que cautivó al mundo entero con su «¡Milana, bonita!» mientras que la inquietud cultural lo acercó a Goya. Trabajó con cineastas de todas las corrientes y generaciones, desde José Luis Sáenz de Heredia a Luis Buñuel; también en el panorama internacional, formando parte del elenco de realizadores como Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Claude Chabrol o William Friedkin.

FlixOlé propone un viaje por la filmografía de Rabal a través de una cuidada selección, compuesta por cerca de medio centenar de títulos, con la que entender y disfrutar de su evolución artística: desde su meteórico ascenso en el cine español a finales de los años 40 hasta los icónicos personajes a los que dio vida en su madurez interpretativa. El ciclo, disponible a partir del próximo viernes 6 de marzo, incluye cinco estrenos en la plataforma: Llanto por un bandido (Carlos Saura, Carlos Saura, 1964), Fra Diávolo (Giorgio Simonelli y Miguel Lluch, 1962), Trío de damas (Pedro Lazaga, 1960), Goya, historia de una soledad (Nino Quevedo, 1971) y El hombre que perdió su sombra (Alain Tanner, 1991).

De ‘El Tempranillo’ al genio atormentado de Goya

En una mezcla de rudeza y magnetismo, Paco Rabal desmontó el tópico romántico del bandolero en Llanto por un bandido, donde interpreta a uno de los forajidos más famosos del siglo XIX: ‘El Tempranillo’. Lejos de la épica complaciente, el actor interpretó con intensidad un relato de rebeldía y dignidad frente al abuso de poder en un western andaluz que, de manera alegórica, abordaba la represión del régimen franquista. De hecho, la censura cercenó una parte del segundo largometraje dirigido por Carlos Saura.

Otro de los estrenos destacados del especial de Rabal en FlixOlé será Goya, historia de una soledad. El natural de Águilas encontró en el pintor aragonés un alter ego artístico: lo interpretó en varias ocasiones y confesó que aquel papel despertó en él una vocación plástica que lo llevó incluso a intercambiar cuadros con pintores amigos. La película explora la dimensión íntima y desgarrada del creador, adentrándose en sus tinieblas y en la conexión entre arte, compromiso y soledad.

A ambas incorporaciones se sumarán Fra Diávolo, ambientada en la Italia ocupada por las tropas napoleónicas donde el intérprete brinda una versión más canallesca y humorística a su faceta de clásico galán; Trío de damas, comedia costumbrista en torno al matrimonio en la que Rabal hace las veces de marido abrumado por las distintas personalidades de su mujer; y El hombre que perdió su sombra, filme por el que obtuvo el premio a Mejor actor principal del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) y en el Festival de Montreal.

Medio centenar de títulos de Paco Rabal

Desde sus comienzos como figurante hasta convertirse en uno de los rostros más importantes del cine europeo, Rabal levantó su carrera sobre personajes de fuerte arraigo popular. En los años 50 consolidó su nombre con títulos como La guerra de Dios (Rafael Gil, 1953), donde su intensidad dramática lo confirmó como protagonista indiscutible; Hay un camino a la derecha (Francisco Rovira Beleta, 1953), propuesta cercana al neorrealismo con tintes de cine negro que le valió la Concha de Plata y lo situó entre los grandes; y Amanecer en puerta oscura (José Mª Forqué, 1957), cine de bandoleros con alegato social y un memorable final que reforzó el compromiso interpretativo del actor, quien recibió también por este papel la medalla del CEC.

La década siguiente amplió su dimensión artística, dentro y fuera de España, con Viridiana (Luis Buñuel, 1961), hito del audiovisual mundial y símbolo de ruptura; Noche de verano (Jorge Grau, 1962), donde interpretó a un cínico galán en un relato de matrimonios fracasados y líos burgueses al más puro estilo La dolce vita.

Tras unos años de vaivenes profesionales, sin títulos nacionales de gran peso, los 80 marcaron un renacer rotundo en la carrera de Rabal. Con Truhanes (Miguel Hermoso, 1983) recuperó el favor masivo del público en clave de esta comedia picaresca; su Azarías en Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) le hizo alcanzar la cima interpretativa, obteniendo el galardón a (ex aequo) en Cannes; mientras que en Epílogo (Gonzalo Suárez, 1984) exploró registros más introspectivos. La televisión lo inmortalizó como el inolvidable protagonista de Juncal (Jaime de Armiñán, 1989), torero retirado que se transformó en icono popular.

En los 90 y el cambio de siglo reafirmó su libertad creativa en propuestas como Así en el cielo como en la tierra (José Luis Cuerda, 1995) y cerró el círculo vital encarnando de nuevo al pintor aragonés en Goya en Burdeos (Carlos Saura, 1999), un retrato crepuscular que funciona como despedida artística. Más de medio centenar de títulos reunidos ahora por FlixOlé componen el mapa de una trayectoria irrepetible y necesaria para entender el cine español.

Las protagonistas de marzo en Filmoteca Española

Durante todo el mes, el público podrá disfrutar de forma gratuita de ciclos, retrospectivas, exposiciones, coloquios y contenidos online que pondrán el foco en pioneras y creadoras fundamentales del cine nacional e internacional, así como en propuestas que invitan a reflexionar sobre problemáticas contemporáneas.

Homenaje a las montadoras del cine español (1942-1967)

El Cine Doré —sala de proyección de Filmoteca Española— acogerá el ciclo Montadoras del cine español (1942-1967)Enlace externo, se abre en ventana nueva, comisariado por la investigadora Paula Yvonne Blanquer Adam. Durante marzo y abril, este programa reivindicará la labor de grandes editoras que dieron forma al cine español desde la sala de montaje. El ciclo, que se inaugura con el trabajo de Margarita Ochoa en Muerte de un ciclista, revisita la trayectoria de otras pioneras como Rosa G. Salgado, Bienvenida Sanz, Rosa Roig o Mercedes Alonso.

Kelly Reichardt, voz esencial del cine independiente internacional

La retrospectiva Kelly Reichardt. Vidas errantesEnlace externo, se abre en ventana nueva recorrerá la filmografía completa de la cineasta, una de las voces esenciales del cine independiente contemporáneo. Con una poética minimalista y una mirada atenta a los márgenes de la sociedad estadounidense, Reichardt ha construido una obra que indaga en la fragilidad de los vínculos humanos. La retrospectiva completa incluye sus nueve largometrajes, una carta blanca seleccionada por la NOTA DE PRENSA propia cineasta y un programa de juego de espejos que pondrá en diálogo su obra con otros títulos afines.

Lillian Hellman: ficción, memoria y compromiso

Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, llega al Doré la retrospectiva Lillian Hellman. Ficción, memoria y compromisoEnlace externo, se abre en ventana nueva, figura central y enigmática de la cultura estadounidense del siglo XX. Organizado en colaboración con la Filmoteca Vasca, el ciclo reúne películas de la guionista estrenadas entre 1935 y 1999 que permiten comprender las transformaciones estéticas e ideológicas del Hollywood clásico. Al programa de proyeccionesse sumará, el jueves 5 de marzo, la presentación de Lillian Hellman. Ficción, memoria y compromiso, libro en el que ha colaborado Filmoteca Española y que contará con la presencia de su editor, Quim Casas.

Dentro del radar de Trinh T. Minh-ha, hallazgo del cine internacional

El Cine Doré acoge, a razón de un título al mes, la sección Fuera del radar. Hallazgos del cine internacional, programa dedicado a recuperar títulos que, por su limitada distribución, recepción o invisibilidad histórica, hayan pasado desapercibidos en nuestro país. El programa, que busca traer al frente películas que merecen reivindicación, se plantea no únicamente como un homenaje a los films seleccionados, sino también como una invitación a repensar la historia del cine desde otras geografías, perspectivas y compromisos tanto estéticos como políticos. En marzo, la protagonista será Surname Viet Given Name Nam (1989)Enlace externo, se abre en ventana nueva, de Trinh T. Minh-ha, autora que combina imágenes de archivo, textos y entrevistas para retratar a las mujeres vietnamitas del pasado y del presente, explorando la ficción del documental y la verdad de la experiencia subjetiva y todas sus contradicciones inherentes

NO-DO: memoria audiovisual y representación de las mujeres

Más allá del Cine Doré, la exposición NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismoEnlace externo, se abre en ventana nueva podrá seguir visitándose de forma gratuita en la sala de exposiciones de Filmoteca Española de la c/Magdalena. La muestra, que explora el universo NO-DO como soporte de la memoria audiovisual del s. XX, no olvida en su recorrido cómo reflejó el imaginario franquista a las mujeres, en su empeño en establecer un modelo completamente dependiente de los hombres y supeditado al proyecto ideológico y social del régimen. El noticiario deslizó en todo tipo de noticias una visión paternalista, sexista y retrógrada de las mujeres. De esta visión hablaremos en un coloquio que celebraremos junto a María Rosón, , historiadora cuyas líneas de investigación se centran en la historia cultural de los años treinta, la guerra civil y el primer franquismo, con perspectiva feminista y cuir; la artista y periodista Ana Esmith (Miss Beige), cuyo trabajo se inscribe en la tradición del arte vivo que dialoga con la historia del feminismo, la performance y el arte contemporáneo; y la periodista y analista política Rosa Paz. La cita será el 10 de marzo, tras la proyección de la compilación Del rosa al azul: la mujer en el franquismo a través de NO-DOEnlace externo, se abre en ventana nueva

Platfo Filmo: acceso online al legado de las pioneras de nuestro patrimonio cinematográfico

Platfo FilmoEnlace externo, se abre en ventana nueva ampliará su catálogo en marzo con una programación especial dedicada a materiales digitalizados que reivindican la obra de cineastas y montadoras españolas. Entre los títulos destacados se encuentra Melodrama infernalEnlace externo, se abre en ventana nueva, mediometraje dirigido por Josefina Molina durante el curso 1968-1969 en la Escuela Oficial de Cine, donde se convirtió en la primera mujer diplomada en Dirección. La obra, marcada por una temprana mirada rebelde y feminista, no fue exhibida oficialmente fuera del ámbito académico hasta 1970. Su recuperación permite redescubrir una pieza clave tanto por su audacia formal como por la construcción de un personaje femenino activo, alejado de los estereotipos dominantes de la época.

En paralelo al ciclo del Cine Doré, Platfo recupera y visibiliza en El contraplano: las cineastas de la sala de montajeEnlace externo, se abre en ventana nueva la labor de montadoras como Rori Sainz de Rozas, Ana Romero-Marchent, Gaby Peñalba, María Elisa Valero o Petra de Nieva. Y lo hace dando acceso a destacados trabajos de edición como En el río, La brujita, Madame Arthur o Vau seis.

Filmin estrena «Valor sentimental», ganadora del Óscar a la mejor película internacional

El 27 de marzo llega la película dirigida por Joachim Trier, con 9 nominaciones a los Óscar e interpretada por Renate Reinsve, un tándem que enamoró en «La peor persona del mundo». 

Filmin estrena el próximo 27 de marzoValor sentimental”, la triunfadora de la pasada noche en los Premios Óscar, que se llevó la estatuilla dorada a la mejor película internacional. La película estuvo también nominada a la mejor dirección (Joachim Trier), mejor película, mejor actriz protagonista (Renate Reinsve), mejor actriz de reparto (Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning), mejor actor de reparto (Stellan Skarsgård), mejor guion original y mejor montaje. De la misma forma, también fue reconocida en la pasada edición del Festival de Cannes, que se llevó el gran premio del jurado

El director noruego de “Oslo, 31 de agosto” y de “La peor persona del mundo”, Joachim Trier, se reúne con la aclamada actriz Renate Reinsve (nominada al Óscar) para su tercera colaboración, y con el gran Stellan Skarsgård, ganador en los Globos de Oro al mejor actor de reparto. Del elenco también forman parte Inga Ibsdotter Lilleaas y la reconocida Elle Fanning, que la hemos visto recientemente en «A Complete Unknown». 

Sinopsis

Tras la muerte de su madre, las hermanas Nora y Agnes se reencuentran con su distanciado padre, Gustav Borg, un veterano director de cine de renombre, que le ofrece a su hija Nora, actriz de teatro, un papel en su próxima película. Nora lo rechaza y pronto descubre que le ha dado ese papel a una joven y entusiasta estrella de Hollywood. De repente, las dos hermanas deben sortear su complicada relación con su padre y lidiar con una actriz estadounidense que se encuentra en medio de su compleja dinámica familiar.

Renate Reinsve y Joachim Trier, el celebrado tándem

Joachim Trier vuelve a colaborar en “Valor Sentimental” con la aclamada actriz Renate Reinsve, que fue nominada al Óscar a la mejor actriz protagonista. Su anterior trabajo en común, “La peor persona del mundo”, le valió a Reinsve el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes en 2021. Años antes, Trier ya había contado con ella en “Oslo, 31 de agosto” para un pequeño papel con apenas una línea de diálogo; sin embargo, aquella breve aparición bastó para revelar un talento que con el tiempo daría lugar a una de las alianzas creativas más celebradas del cine noruego contemporáneo. 

El director explica que una de las motivaciones para hacer “Valor sentimental” era que el actor que interpreta al padre en la película, Stellan Skarsgård, estaba intrigado por trabajar con Renate: “Durante los ensayos, Stellan, que ha trabajado prácticamente con todo el mundo, me dijo: ‘Es extraordinaria. Su piel cambia de color mientras actúa; se puede ver lo que siente’”. Por su parte, Renate Reinsve está encantada de trabajar con el director y afirma que no hay un director como Trier: “Me encanta la emotividad de sus películas y la forma en que te atrapan poco a poco… hasta darte un golpe en el estómago”, comenta.

Perdonar y recordar en los Óscar 

 

Joachim Trier, que anoche en la gala de los Óscar quiso reconocer las películas que reflejan las crisis del presente y del pasado, explica que “Valor sentimental” es una muestra de ello: «Es una ambivalencia entre la historia y la memoria. Por un lado, necesitamos olvidar, perdonar a un padre difícil. Por otro, tenemos la obligación con el pasado de recordar ciertas cosas, de no repetir esos errores», explica, aludiendo a la parte de la película que hace referencia al sufrimiento por el nazismo.

Finalmente, en su discurso para recoger el premio, parafraseó al autor americano James Baldwin, recordándonos que «todos los adultos somos responsables de los niños y no debemos votar por políticos que no se toman esto en serio». «Valor sentimental» es un retrato de una familia que se enfrenta a los dolorosos recuerdos arraigados en las paredes de su hogar, pero también es algo más. Es una mirada lúcida a la memoria, la pérdida y la forma en que el pasado determina quiénes somos y cómo decidimos seguir adelante.

Cineteca Madrid celebra la Semana del Arte con una programación especial que explora prácticas artísticas contemporáneas

La cartelera incluye varias sesiones especiales que analizarán el cruce entre cine, artes visuales, poesía y performance

En marzo tendrá lugar el estreno en Madrid de la última obra de Albert Serra, fe sense obres morta és, una inmersión en el universo de Antoni Tàpies

El artista Paul McCarthy asistirá a una sesión especial en torno a A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve

La artista visual Sally Gutiérrez Dewar organiza una sesión sobre su corto Application, en diálogo con piezas de Sandra Schäfer y Mario Espliego

La cantante María Salgado ofrecerá un recital previo a la exhibición de Vía Versus, la pieza audiovisual realizada junto a Clarisa Navas

Los investigadores Estrella de Diego y Germán Labrador tendrán carta blanca para explorar la vanguardia artística y la memoria histórica desde miradas no convencionales

Cineteca Madrid acoge una retrospectiva sobre Anja Breien, una de las figuras más destacadas del cine noruego

Con motivo de la celebración de la Semana del Arte en Matadero Madrid (del 2 al 8 de marzo), Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se convierte este mes de marzo en un lugar de encuentro entre cine y arte. A modo de laboratorio, la programación reunirá proyecciones, estrenos, cartas blancas y encuentros con artistas que exploran prácticas contemporáneas en torno a la materia, el cuerpo, la voz, el archivo, el paisaje y la palabra.

Semana del Arte: el cruce entre cine, artes visuales, poesía y performance

El programa se inaugura el 3 de marzo con el estreno en Madrid de fe sense obres morta és, la última obra de Albert Serra, una inmersión radical en el universo material, simbólico y espiritual de Antoni Tàpies. Lejos del retrato biográfico, la película construye una experiencia sensorial y filosófica que dialoga con la obra del artista desde una mirada autónoma, provocadora y contemporánea.

En colaboración con la Colección SOLO, proyecto internacional de apoyo a la creación fundado por Ana Gervás y David Cantolla, el miércoles 4 de marzo se presenta una sesión especial en la que se exhibirán las películas A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve, Cooking Show, Kitchen y A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve, Mother, con presencia de su autor, Paul McCarthy. Este pionero del videoarte y la actriz Lilith Stangenberg exploran identidades, poder y deseo, combinando performance, dibujo y filmación en una experiencia viva que desafía las convenciones del arte y del espectáculo. En diálogo con la exposición homónima A&E con dibujos en gran formato de McCarthy, esta jornada forma parte de un proyecto performativo multidisciplinar. 

La Semana del Arte incluye también, el jueves 5 de marzo, With a Little Help from My Friends, una sesión comisariada por Sally Gutiérrez Dewar, que relaciona una de sus obras recientes con piezas de Sandra Schäfer y Mario Espliego. El programa propone un encuentro efímero entre imágenes, geografías y sensibilidades diversas.

Cierra el programa el 6 de marzo Vía Versus, una pieza audiovisual realizada conjuntamente por María Salgado y Clarisa Navas, filmada entre el nordeste argentino y Galicia. A partir de las lenguas, historias y formas de vida de ambos territorios, la obra indaga en aquello que ha sido silenciado por procesos de represión y olvido. Más sensorial que discursiva, la pieza se concibe como un viaje compartido hacia un espacio común aún por definir. La sesión estará precedida por un recital de María Salgado.

Carta blanca a Estrella de Diego: Cuerpos, máquinas, visiones

La investigadora y escritora Estrella de Diego propone los días 3, 4 y 5 de marzo, un recorrido por la vanguardia artística entendida como una experiencia radical de la mirada.

Desde las primeras vanguardias surrealistas y abstractas como Un perro andaluz (Luis Buñuel, Francia, 1929) hasta la filmación del acto creador en El misterio de Picasso (Henri-Georges Clouzot, Francia, 1956), la selección traza una genealogía del cine como campo de pruebas. El programa culmina el jueves 5 de marzo con una sesión dedicada a Maya Deren e Yvonne Rainer, precedida por una conferencia de Estrella de Diego, donde el cine se cruza con la danza, la coreografía y el pensamiento feminista.

Carta blanca a Germán Labrador: Vivos, demonios, arrebatados

El investigador y comisario Germán Labrador sugiere, los días 10, 11 y 12 de marzo, un recorrido por un cine español atravesado por la psicotronía, la memoria histórica y las formas extremas de experiencia. Lejos de una lectura ilustrativa del pasado, el programa entiende las imágenes como espacios de posesión, trance y supervivencia, donde lo político se filtra a través del cuerpo, el deseo y la infancia herida.

Desde la violencia de Viva la muerte (Fernando Arrabal, Francia-Túnez, 1971), donde la Guerra Civil se vive como inicio y educación del fanatismo, hasta Demonios en el jardín (Manuel Gutiérrez Aragón, España, 1982), donde la posguerra franquista aparece como un paisaje doméstico, pasando por Arrebato (Iván Zulueta, España, 1979), emblema de un cine que concibe la imagen como fuerza vampírica, Labrador recogerá todas estas miradas en la conferencia que impartirá el miércoles 11 de marzo.

Feria del Cómic

Cineteca Madrid se suma a la Feria del Cómic de Matadero Madrid, que se celebrará del 26 al 29 de marzo, con un programa que propone un recorrido por los vínculos entre cine y cómic a través de sesiones dirigidas tanto a jóvenes como adultos. Las sesiones combinan miradas históricas y contemporáneas sobre la relación entre viñeta y pantalla, desde la apropiación pop y de género del cómic por el cine —con títulos como Batman: The Movie (1 de marzo), El príncipe valiente (8 de marzo) o Danger: Diabolik (29 de marzo)— hasta aproximaciones más íntimas y actuales como Falcon Lake. La proyección íntegra de la serie Samuel (26 de marzo), con la presencia de su autora Émilie Tronche, y el estreno de Aquí donde estoy (27 al 31 de marzo), con una presentación y charla con sus creadores.

Anja Breien: Géneros en fuga

Del 15 al 25 de marzo, Cineteca Madrid dedica una retrospectiva a la cineasta Anja Breien, una de las figuras más destacadas del cine noruego. Nacida en Oslo en 1940, forma parte, junto a Vibeke Løkkeberg y Laila Mikkelsen, de la generación que dio forma a la cara femenina de la nueva ola del cine noruego. La retrospectiva reúne sus seis primeros largometrajes, recientemente digitalizados por la Biblioteca Nacional de Noruega, que formar parte de su etapa más estimulante.

Tatiana Mazú: Quemarlo todo

La obra de la argentina Tatiana Mazú se sitúa en un territorio de fricción entre cine, memoria y violencia política. Sus películas interrogan los modos en que el poder se inscribe en los cuerpos, en los paisajes y en los relatos familiares, desplazando la idea de documento hacia una experiencia crítica y sensorial.

Lejos del registro ilustrativo, su cine trabaja con restos, silencios y huellas, allí donde la historia oficial falla o se quiebra. Esta retrospectiva recorre sus tres películas fundamentales, Caperucita roja (26 de marzo), Río Turbio (27 de marzo) y el estreno de Todo documento de civilización (28 al 31 de marzo).

Llega a Filmin “La voz de Hind”, nominada al Óscar a la mejor película internacional

La película se estrena el 13 de marzo y utiliza la grabación de audio real de la llamada de la niña de seis años, Hind Rajab, a los servicios de emergencia.   

El próximo 13 de marzo se estrena en Filmin “La voz de Hind”, la nominada al Óscar a la mejor película internacional por Túnez. La película, dirigida por la dos veces (ahora tres) nominada al Óscar Kaouther Ben Hania (“Las cuatro hijas”, “El hombre que vendió su piel”) relata la historia real tras el asesinato a manos del ejército de Israel de la niña de seis años Hind Rajab

“La voz de Hind”, que pasó por cines en noviembre de la mano de Caramel Films y LaZona Pictures, estuvo también nominada en los Globos de Oro y los BAFTA a la mejor película de habla no inglesa, y obtuvo el gran premio del jurado en el Festival de Venecia, así como el premio del público en el Festival de San Sebastián. La película utiliza la grabación de audio real de la llamada de la niña a los servicios de emergencia, a la vez que reconstruye el drama vivido en las instalaciones

29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una llamada de emergencia. Una niña de seis años está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Mientras intentan mantenerla en la línea, hacen todo lo posible por enviarle una ambulancia. Su nombre, Hind Rajab. 

Hind Rajab, la niña asesinada por Israel 

«Tengo mucho miedo, por favor, vengan» fueron algunas de las últimas palabras de Hind Rajab en una llamada telefónica a los servicios de emergencia después de que el coche de su familia fuera atacado a tiros en la ciudad de Gaza. Hind, su tío, su tía y sus primos intentaban huir de las fuerzas israelíes que se acercaban. Atrapada en el vehículo y rodeada de sus familiares fallecidos, durante tres horas suplicó a la Media Luna Roja, la organización humanitaria equivalente a La Cruz Roja,  que fuera a buscarla. 

La organización envió una ambulancia para socorrerla, pero Israel atacó la ambulancia y perdieron el contacto con Hind. De hecho, la organización acusa a Israel de atacar deliberadamente “a pesar de la coordinación previa para permitir que la ambulancia llegara al lugar para rescatar a Hind”, declaró Nebal Farsakh, portavoz de La Media Luna Roja.

El silencio de muchos

Precisamente cuando se encontraba promocionando su anterior película en Los Ángeles, Kaouther Ben Hania supo del asesinato de Hind Rajab. Al escuchar parte de la grabación de la llamada «se sintió como la propia voz de Gaza«. La directora explica que aquello que le perseguía no era solo la violencia de lo que ocurrió, sino especialmente el silencio que siguió ante lo ocurrido: “Así que recurrí a la única herramienta que tengo (el cine), para preservar una voz. Para resistir la amnesia. Para honrar un momento que el mundo nunca debería olvidar”, explica la tunecina. 

La directora se puso en contacto con la madre de Hind para pedirle permiso para hacer la película y, al acceder, le compartió todo sobre la niña: su personalidad, sus sueños, su manera de reír. “Sentí que, al compartir todo esto conmigo, estaba intentando mantener viva a su hija, asegurarse de que su memoria no desapareciera ni se convirtiera en una simple noticia más”, comenta. “La voz de Hind”, según explica la directora, también trata de nuestra responsabilidad compartida, de cómo los sistemas fallan a los niños gazatíes y de cómo el silencio del mundo forma parte de la violencia.

 

La restauración 4K de “Perfect Blue” podrá verse por primera vez en España en la Muestra Aeterna de Cine Fantástico

La nueva restauración en 4K de “Perfect Blue” (1997), el clásico de culto dirigido por el cineasta japonés Satoshi Kon, podrá verse por primera vez en España el sábado 14 de marzo a las 16:30 horas en el cine mk2 Palacio de Hielo (C.C. Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77) de Madrid, dentro de la programación de la 1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico, en una proyección especial organizada en colaboración con Selecta Visión.

Considerada una de las obras clave de la animación japonesa contemporánea, “Perfect Blue” es un thriller psicológico que sigue a una joven estrella del pop que decide reinventarse como actriz y se ve arrastrada a una espiral de paranoia, acoso y desdoblamiento de identidad. Con el paso de los años, la película se ha consolidado como título de referencia por su puesta en escena y por su influencia en el cine de suspense posterior, lo que convierte esta nueva versión en 4K en una oportunidad excepcional para revisitarla en pantalla grande.

Perfect Blue” fue la ópera prima de Satoshi Kon (“Millennium Actress”, “Paprika”) y una producción del estudio Madhouse, basada libremente en la novela “Perfect Blue: Complete Metamorphosis” de Yoshikazu Takeuchi (con guion de Sadayuki Murai). La combinación de anime adulto, thriller y crítica al star-system explica por qué la película trascendió el circuito especializado y se convirtió en un filme imprescindible del cine de animación a nivel internacional.

Nueva cita con el cine fantástico

La 1ª Muestra Aeterna se celebrará del 13 al 15 de marzo de 2026 en mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125) y mk2 Palacio de Hielo (C.C. Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77) de Madrid y presenta una programación de trece proyecciones e invitados como el cineasta Jaume Balagueró (“REC”, “Los sin nombre”).

Entre los filmes más relevantes se halla “Whistle: El silbido del mal”, el nuevo largometraje de Corin Hardy (“La Monja”), distribuido en España por Beta Fiction. Será su preestreno en nuestro país e incorpora en su reparto a la actriz española Dafne Keen, junto a nombres internacionales como Sophie Nélisse (“La ladrona de libros”, “Yellowjackets”), Percy Hynes White (“Miércoles”) o Nick Frost (“Zombies Party”, “Arma Fatal”).

La 1ª Muestra Aeterna destaca también por su amplia presencia de talento español, con títulos como ”Cuántica Rave”, insólita ‘space opera’ del director Paco L. Campano, que clausurará el evento, tres días después de su presentación en el Festival de Málaga.

Asimismo, una de las sesiones más singulares del fin de semana consistirá en la proyección especial por el 20º aniversario de “Gritos en el pasillo” (2006), una rareza del fantástico español que hizo historia por una idea tan insensata como irresistible: una película de terror protagonizada exclusivamente por cacahuetes. El pase contará con la presencia de su director, Juanjo Ramírez Mascaró.

Y además de Balagueró, Ramírez Mascaró o Campano, el programa cuenta con Paul Urkijo (“Errementari”, “Irati”), que asistirá a una sesión dedicada a varios de sus cortometrajes, y con parte del equipo de “La cosa en la niebla”, con la participación de su director Chedey Reyes y de la actriz Elena de Lara.

Entradas y abonos ya a la venta

Las entradas y abonos para la 1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico, que se celebrará del 13 al 15 de marzo en mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125) y mk2 Palacio de Hielo (C.C. Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77) de Madrid, ya están a la venta en los enlaces habilitados en la web oficial del evento, www.aeternamadrid.com

Programación completa

VIERNES 13/03/2026 — mk2 Cine Paz (Sala 5)

  • “Whistle: El silbido del mal” — viernes 13/03/2026 — 20:30 — mk2 Cine Paz, Sala 5
  • “La cosa en la niebla” — viernes 13/03/2026 — 22:30 — mk2 Cine Paz, Sala 5

SÁBADO 14/03/2026 — mk2 Palacio de Hielo (Sala 11)

  • “Una pandilla alucinante” — sábado 14/03/2026 — 11:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Aracnofobia” — sábado 14/03/2026 — 13:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Perfect Blue (4K)” — sábado 14/03/2026 — 16:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “OT (Burning)” — sábado 14/03/2026 — 18:15 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Chainsaws Were Singing” — sábado 14/03/2026 — 20:15 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Ocurrió cerca de su casa” — sábado 14/03/2026 — 22:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11

DOMINGO 15/03/2026 — mk2 Palacio de Hielo (Sala 11)

  • “Paul Urkijo Labur-Labur” (sesión de cortos) — domingo 15/03/2026 — 11:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Gritos en el pasillo” — domingo 15/03/2026 — 13:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Los sin nombre” — domingo 15/03/2026 — 16:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “The Void” — domingo 15/03/2026 — 18:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Cuántica Rave” — domingo 15/03/2026 — 20:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11

FlixOlé rinde homenaje a Gonzalo Suárez con el estreno de títulos clave de su obra

La plataforma homenajea al próximo Goya de Honor incorporando a su catálogo Ditirambo, Aoom,, Morbo, y Mi nombre es sombra. Los títulos se incluirán en una colección especial que recorre otras películas imprescindibles de su filmografía

FlixOlé celebra la trayectoria de uno de los cineastas más libres y singulares del panorama español, Gonzalo Suárez, de quien estrena cuatro títulos fundamentales tanto en su carrera como en la historia del audiovisual español: Ditirambo (1969), Aoom (1970), Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996). Cuatro obras que revelan la inagotable imaginación de un director que navega a la aventura por territorios insólitos del séptimo arte.

Desde sus comienzos, este autor próximo a la vanguardista Escuela de Barcelona capeó las inercias narrativas y estéticas para alejar la gran pantalla de la cotidianidad y los convencionalismos, apostando por un cine experimental y arriesgado, profundamente ligado a la literatura. Su filmografía no busca encontrarse con la realidad, sino expandirla. A lo largo de décadas, ha desbordado los márgenes de la narrativa tradicional para revelar un universo inclasificable e ingenioso.

Por ampliar los horizontes del cine español, Gonzalo Suárez recibirá el Goya de Honor el próximo 28 de febrero, reconocimiento a una trayectoria marcada por la coherencia artística y la independencia. Con motivo de esta distinción, FlixOlé estrena los títulos mencionados, restaurados en la mejor calidad de imagen y sonido en sus laboratorios, e inaugura un especial compuesto por un total de 13 películas, además de la serie Los pazos de Ulloa (1985) y el documental Gonzalo Suárez: 90 años remando al viento (2024), un recorrido por la vida y obra del realizador.  

Los comienzos experimentales

Entre las películas que llegarán a la plataforma destaca la ópera prima del asturiano, Ditirambo (1969). Con el aroma del film noir confluyendo en su imaginario, Gonzalo Suárez dio el salto a la dirección asumiendo también el protagonismo ante la cámara junto a Charo López, quien comenzaba a hacer sus primeros pinitos en la gran pantalla. La película sigue a un detective envuelto en un intrigante caso que lo conducirá a un imprevisible final. Cuestionando los límites entre ficción y realidad, es considerada como una de las primeras cintas modernas en el panorama nacional. Un salto al vacío que abrió una vía alternativa del audiovisual de finales de los años sesenta y que reivindicaba la experimentación y libertad creativa.

Ditirambo se presentará en la plataforma en próximas fechas. Mientras tanto, desde este viernes, 20 de febrero, se podrá acceder a otro de los títulos esenciales del director, Aoom, ejemplo anticonvencional del afán de Suárez por desdibujar las fronteras entre géneros y su gusto por la improvisación —no había un guion previo—. A medio camino entre el humor absurdo, la ciencia ficción, el romanticismo y la tragedia, la película narra la historia de un actor que, hastiado de su existencia, decide abandonar su cuerpo e instalarse en el de una muñeca. Su amante iniciará entonces su búsqueda, acompañada por un grupo de personajes excéntricos que protagonizan situaciones desconcertantes y deliberadamente descontextualizadas para despertar la reacción del espectador. Filme maldito reconvertido con el tiempo en obra de culto, Aoom es también célebre por la fascinación que despertó en el cineasta Sam Peckinpah, marcando el inicio de una amistad que duraría hasta la muerte del estadounidense.

 

Morbo y Mi nombre es sombra

El mismo 20 de febrero se incorporarán también Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996).  La primera construye un inquietante relato sobre la pulsión erótica y la violencia latente en unos recién casados que pasan la luna de miel aislados en un bosque que parece observarles. Protagonizada por Ana Belén y Víctor Manuel, la química entre ambos traspasó la pantalla y culminó en boda pocos meses tras el rodaje.

Por su parte, Mi nombre es sombra refleja la estrecha relación de Suárez con la literatura al revisitar el mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde desde una mirada personal. Más que una adaptación al uso, la película reformula el clásico para reflexionar sobre la identidad, la dualidad y los monstruos íntimos que habitan en cada individuo, confirmando la atracción del cineasta por la difusa y contradictoria línea que separa el bien y el mal.

Colección especial FlixOlé

Todas estas películas formarán parte de una colección especial dedicada al universo de Gonzalo Suárez, donde podrán encontrarse otros títulos esenciales de su trayectoria. Entre ellos, Epílogo (1984), una personal reflexión sobre el proceso creativo; Remando al viento(1988), una de las grandes obras maestras del cine español —Concha de Plata en el Festival de San Sebastián y ganadora de seis premios Goya—, que recrea el encuentro entre Mary Shelley (Lizzy McInnerny), Lord Byron (Hugh Grant) y otros poetas románticos en Villa Diodati, evento del que surgiría la criatura Frankenstein; y  El detective y la muerte (1994), singular revisión del cine negro en la que la trama se convierte en vehículo para reflexionar sobre el poder, la corrupción, el destino y la inexorabilidad de la muerte.

Con este especial, FlixOlé reivindica la figura de Gonzalo Suárez como uno de los grandes autores del cine español: un creador que ha hecho de la imaginación su territorio natural y de la libertad creativa su principio irrenunciable. 

Marion Cotillard protagoniza «La torre de hielo» de Lucile Hadzihalilovic, estreno en Filmin el 20 de febrero

Filmin estrena la nueva película de Lucile Hadzihalilovic, una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves».

Filmin estrena el próximo 20 de febreroLa torre de hielo”, la nueva película de la directora francesa Lucile Hadzihalilovic (“Earwig”, “Evolution”), tras su paso por salas el pasado diciembre dentro del ciclo “Cine en los cines” de Filmin. La película fue la ganadora del Oso de Plata a la Contribución artística en el pasado Festival de Berlín y se llevó el premio Zabaltegi-Tabakalera a la mejor película en el Festival de San Sebastián. También fue seleccionada en el último Festival de Sitges.

Está protagonizada por la ganadora del Óscar Marion Cotillard, recordada por títulos como “La vida en rosa”, o “Medianoche en París”, y por la actriz revelación Clara Pacini. Es el cuarto largometraje de la directora y el segundo encuentro entre Hadzihalilovic y Cotillard, que en 2004 rodaron juntas “Inocencia”.

Años 70. Atraída por las luces de la ciudad, Jeanne huye de un orfanato situado en lo alto de las montañas. Se refugia en un estudio de cine que explora en secreto por las noches. Durante el día se rueda allí la película La reina de las nieves, protagonizada por la enigmática Cristina. Jeanne cae inmediatamente bajo el hechizo de la bella y atormentada estrella. Entre la actriz y la chica surge una fascinación mutua.

La reina de las nieves

“La torre de hielo” es una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves». Esta historia de Hans Christian Andersen de 1844 narra cómo un fragmento de espejo maligno congela el corazón de Kai, que es raptado por la gélida Reina de las nieves. Su amiga Gerda lo rescatará en un viaje lleno de pruebas. Hadzihalilovic descubrió a Hans Christian Andersen a los cinco años, cuando su madre le leía incansablemente las versiones íntegras de sus cuentos de hadas. Desde entonces, le siguen fascinando: «Tanto por su complejidad humana y su retrato sensible y no moralista de nuestros miedos y deseos, como por su rica imaginación poética”, comenta la directora. 

Entre paisajes nevados teñidos de una tenue luz azul y cálidos interiores, Hadzihalilovic difumina constantemente las fronteras entre realidad, ficción y fantasía, con imágenes que podrían pertenecer a ambos mundos, con la misma dualidad que tiene la reina de las nieves: “Me fascina particularmente una figura de perfección y de saber, inaccesible y misteriosa, a la vez atractiva y aterradora. Fue el encuentro entre la joven y esta reina lo que dio origen a esta película”.

Marion Cotillard, Gaspar Noé y Clara Pacini

El proyecto marca el reencuentro entre Marion Cotillard y Lucile Hadzihalilovic después de veinte años tras “Inocencia”. Cotillard recuerda que se volvieron a reencontrar en una fiesta, la directora le habló del proyecto y se emocionó mucho: “Me encanta trabajar con gente con la que ya trabajé”, comenta la actriz. En esta ocasión, Cotillard comparte escena con la actriz debutante Clara Pacini y también con Gaspar Noé, quien interpreta a un director de cine en el set de los años setenta, un personaje que evoca a los grandes maestros obsesivos de la historia del cine.

Proyecciones Xcèntric: Arte contra el totalitarismo: el cine de Stefan y Franciszka Themerson

Europa (Franciszka y Stefan Themerson, 1931)

Esta sesión celebra dos figuras esenciales de la vanguardia europea del siglo xx: Stefan y Franciszka Themerson, pioneros del cine experimental en la Polonia de entreguerras

Antes de que el fascismo arrasara Europa, los Themerson ya advertían, con imágenes radicales y poesía visual, la amenaza inminente de los autoritarismos que se cernían sobre el continente. Su obra más emblemática, Europa (1932), basada en el poema futurista homónimo de Anatol Stern, condensa las tensiones políticas, sociales y existenciales de su tiempo. Collage, animación, sobreimpresiones, escritura visual: cada técnica es convocada al servicio de un mensaje claro y urgente, antibélico, antitotalitario, visceral. Cine como grito. Cine como antídoto.

En la Varsovia de los años treinta, realizaron cinco cortometrajes experimentales: Pharmacy, Europa, Moment Musical, Short Circuit y The Adventures of a Good Citizen (1937), el último de los cuales fue el único film anterior a la guerra que sobrevivió a la devastación. Ya en Londres, durante la década de 1940, filmaron dos obras más: Calling Mr. Smith (1943), una pieza antibélica de diez minutos que denuncia la destrucción de la cultura polaca bajo el nazismo, y The Eye and the Ear (1944-45), una interpretación visual de cuatro canciones de Karol Szymanowski.

Su lenguaje cinematográfico se sustentaba en una investigación material rigurosa: el movimiento de luces y sombras sobre objetos, exploraciones nacidas de sus trabajos con fotogramas entre 1928 y 1935. Muchas de las imágenes fueron creadas sobre una mesa de trucos improvisada por Stefan: colocaba objetos diversos sobre papel translúcido, iluminados desde arriba y fotografiados cuadro a cuadro desde abajo, en una coreografía artesanal entre el azar y el cálculo.

La historia de los Themerson se fractura con la invasión nazi de Polonia en 1939. Los negativos originales de Europa se pierden entre bombardeos y saqueos. Él es reclutado por el ejército polaco en el exilio; ella encuentra en el dibujo y la ilustración un refugio íntimo y una forma de resistencia estética. Reunidos en Londres, reinventan su obra y su vida. El trauma del exilio dejó huellas profundas, pero nunca apagó su impulso creativo.

Durante décadas, Europa fue considerada una obra perdida. Hasta que, en 2019, un milagro de archivo la devolvió al mundo: una copia fue hallada en la Bundesarchiv alemana por el Instituto Pilecki. Restaurada por Fixafilm en Varsovia y con una nueva banda sonora compuesta por Lodewijk Muns, Europa regresa no solo como documento histórico, sino como gesto de supervivencia. Hoy, su visión cobra una potencia renovada. En sus formas fragmentadas, en sus cuerpos en negativo, no vemos solo una alerta contra los fascismos del pasado, sino una advertencia urgente para los presentes que habitamos.

Franciszka y Stefan Themerson: Europa, 1931, 35 mm, 12 min; The Adventures of a Good Citizen, 1937, 35 mm, 9 min; Calling Mr. Smith, 1943, 35 mm, 10 min; The Eye and the Ear, 1944, 35 mm, 10 min; Stefan + Franciszka, Tomasz Pobóg-Malinowski, 1974-75, 8 mm, 18 min.

Proyección en digital.

Copias procedentes de Lux, excepto Stefan + Franciszka, procedente de GV Art London.

Fecha: 19 febrero 2026

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Primer avance del D’A 2026

Entre los primeros títulos de la programación, algunas de las películas más destacadas del año, obras de directores imprescindibles, pero también de nuevos cineastas emergentes que han destacado en el panorama internacional con nombres esenciales como los de Werner Herzog, Claire Denis, Alexandre Koberidze, Hlynur Pálmason o Milagros Mumenthaler. Doce films de estreno catalán que presentan un panorama del cine más innovador, arriesgado y puntero del momento, ofreciendo una pluralidad de temáticas y miradas, que dan cuenta del estado del cine de autor de ahora mismo y del que mira hacia el futuro. Este es un pequeño avance de lo que está por venir en la 16.ª edición del D’A – Festival de Cinema de Barcelona.

Barrio triste es el impactante debut del colombiano Stillz, el jovencísimo director de videoclips de Rosalía o Bad Bunny, en uno de los films más libres y extremos del año, producido por Harmony Korine y con banda sonora de Arca.

El veterano director Werner Herzog se embarca en Ghost Elephants en otra de sus aventuras, que esta vez le lleva al encuentro de los misteriosos elefantes fantasmas de Angola. Sueños imposibles, reflexiones vitales e imágenes extraordinarias en un documental estrenado en la Biennale de Venecia 2025.

Hlynur Pálmason estará presente por partida doble en el D’A – Festival de Cinema de Barcelona, donde ganó el premio Talents en el año 2020 con Un blanco, blanco día. En Juana de Arco (Joan of Arc) el director filma a sus propios hijos en un film lúdico sobre el paso del tiempo, mientras que en El amor que permanece (The Love That Remains) sigue a una pareja con tres hijos a lo largo de todo un año en el que el matrimonio se deshace.

El director georgiano Alexandre Koberidze, uno de los jóvenes directores más destacados del cine europeo, regresa después de su sobresaliente ¿Qué vemos cuando miramos al cielo?. Presentará en el festival Dry Leaf, un film magistral sobre el tiempo, la memoria y los vínculos humanos. Mención especial del Jurado del Festival de Locarno.

El sonido de la caída (The Sound of Falling) de Mascha Schilinski es una de las películas más esperadas del año, después de ganar el Premio del Jurado en Cannes 2025 (ex aequo con Sirât). Un calidoscopio fascinante y fantasmagórico sobre la memoria y sus mecanismos.

También muy esperado es el film Las corrientes, el retorno de la directora argentina Milagros Mumenthaler (La idea de un lago), con un contundente retrato de una mujer a la deriva, que causó sensación en el Festival de San Sebastián 2025, donde ganó el Premio RTVE Otra Mirada.

La gran Claire Denis, una de las referentes del D’A, que le dedicó una retrospectiva en la primera edición, se adentra en Le Cri des gardes (The Fence) en los rincones más oscuros del neocolonialismo con un thriller gélido, protagonizado por Matt Dillon y Tom Blyth (Benediction). Con la banda sonora de Tindersticks.

Mark Jenkin es uno de los directores más originales del cine inglés, convertido en autor de culto después de Enys Men, un film de terror psicológico que pasó por Sitges. En Rose of Nevada sigue cautivando con una combinación imposible entre ciencia ficción existencial y etnografía marina. Protagonizan George MacKay (Capitán Fantástico) y Callum Turner (Emma).

Por último, dos films que han triunfado en los festivales internacionales. Two Seasons, Two Strangers de Shô Miyake, ganadora del Leopardo de Oro en Locarno 2025. Un díptico poético y melancólico que sitúa a su autor en la senda de Ryûsuke Hamaguchi o del metacine de Hong Sangsoo.

Y finalmente, Un mundo frágil y maravilloso (A Sad and Beautiful World) del director libanés Cyril Aris, una obra mayor que ha ganado más de una quincena de galardones incluyendo el premio del público en Venecia y Valladolid. Una película atravesada por la guerra, en la que una pareja se ve obligada a decidir si quedarse en el país y formar una familia en ese contexto u optar por el exilio.

«Sueños en Oslo», el último Oso de Oro en Berlín, se estrena en Filmin el 13 de febrero

La nueva película de Dag Johan Haugerud, que cierra su «Trilogía de Oslo», explora el impacto transformador del primer amor a través de tres generaciones de mujeres.

Filmin estrenará «Sueños en Oslo» el próximo 13 de febrero después de haberse alzado con el Oso de Oro a la mejor película en la última edición del Festival de Berlín (que precisamente inaugura este 12 de febrero su 76ª edición) y el Premio FIPRESCI de la competición.

Dirigida por Dag Johan Haugerud («Cuidado con los niños»), la película cierra la trilogía conocida internacionalmente con el nombre «Sex Love Dreams» y que en España recibe el nombre de «Trilogía de Oslo». Se trata de tres historias sutilmente interconectadas, pero autoconclusivas e independientes entre sí, que exploran la sexualidad, el amor y la libertad.

Protagonizada por Ella Øverbye, Selome Emnetu y Ane Dahl Torp, junto a Anne Marit Jacobsen, la cinta ha sido galardonada con el premio a la mejor película en el Queercinemad.

Johanne, una joven de 17 años se enamora por primera vez. Lo hace de su profesora, mucho mayor que ella, y decide conservar sus sentimientos plasmándolos en escritos íntimos que guarda en su ordenador. Cuando su madre y su abuela descubren estas revelaciones, inicialmente se escandalizan, pero pronto aprecian su potencial literario. Mientras debaten si publicarlas, las tres mujeres afrontan sus distintos puntos de vista sobre el amor, la sexualidad y el autodescubrimiento.

La intensidad del primer amor: entre la euforia y el secreto

Dag Johan Haugerud describe el primer amor como “una experiencia transformadora que lo cambia todo; es intenso, absorbente y decisivo”. En «Sueños en Oslo», esa fuerza desbordante se manifiesta cuando Johanne siente por primera vez una atracción irresistible hacia su profesora de francés: “Es una euforia imparable que arrolla la mente”, explica el director, “pero choca con la disponibilidad física de una joven que aún se está descubriendo a sí misma”. Esa tensión genera un conflicto entre el impulso mental y la vivencia corporal, un desfase que puede resultar confuso e incluso traumático.​​

Según Haugerud, “la belleza y el dolor de ese primer enamoramiento quedan grabados como un acontecimiento inolvidable, una tenue melodía que todas las pasiones posteriores intentan igualar”. En la película, esas notas íntimas de su diario, guardadas en su ordenador, abren una grieta en la cotidianeidad familiar: madre y abuela leen las confesiones y se sorprenden ante el potencial literario que esconden. A través de ese choque generacional, la película explora cómo el relato de un primer crush puede desencadenar una cadena de recuerdos, deseos y cuestionamientos que trascienden el tiempo y la edad.

Tres generaciones ante el deseo

El director subraya que el descubrimiento del primer amor despierta también “un anhelo reconocible” en las mujeres de su familia: “La madre y la abuela, al leer las vivencias de Johanne, reevalúan algunas de las decisiones sobre sexo y amor que ellas mismas tomaron a lo largo de la vida”. Para el director, “cada una de estas mujeres aporta su propio bagaje de experiencias, opiniones y contradicciones en torno al deseo, la libertad, el empoderamiento y la responsabilidad, que se redefinen al compartir sus puntos de vista”.​

Haugerud profundiza aún más: “Cuando la abuela lee el manuscrito, revive sus años hippies y recuerda que la pasión no está limitada a los impulsos físicos, sino que busca también una trascendencia espiritual. Su perspectiva, irreverente y sincera, choca y dialoga con la visión más protectora y normativa de la madre, que cuestiona la conveniencia de publicar unas memorias tan íntimas”. Así, «Sueños en Oslo» confronta tres generaciones —adolescente, madre y abuela— y traza un fresco sobre cómo la memoria y la experiencia moldean nuestra comprensión del amor y la responsabilidad a través del tiempo.

La «Trilogía de Oslo» en Filmin

La trilogía de Dag Johan Haugerud (Noruega, 1964), conocida internacionalmente como «Sex Love Dreams» está íntegramente distribuida en España por Filmin: «Sexo en Oslo», estrenada en cines el 25 de octubre de 2024 y ya disponible en la plataforma; «Amor en Oslo», que llegó directamente a Filmin el 14 de noviembre de 2025; y «Sueños en Oslo«, que se estrenó en cines el 21 de noviembre de 2025 y estará disponible en la plataforma a partir del 13 de febrero de 2026. Filmin descubrió a Haugerud al público español con «Cuidado con los niños», su segundo largometraje, presentado en el Atlàntida Mallorca Film Fest 2020 y distribuido por la plataforma. Fue la primera película del director que se estrenó en nuestro país.

‘La fábula cinematográfica’: Cineteca Madrid convierte el cine en una máquina de pensar

Tres cartas blancas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro sirven para pensar el cine desde la filosofía contemporánea

Una retrospectiva integral de José Luis Guerin, uno de los grandes ensayistas del cine europeo, explora la frontera entre documental y ficción

Autores como Kiyoshi Kurosawa o Toshiharu Ikeda protagonizan el ciclo dedicado a la mítica Director’s Company japonesa y al cine radical de los años 80

Ilusionismo y cine dialogan en colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid

Cinezeta propone un febrero antirromántico y pasional, lejos de los relatos normativos

Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en febrero una programación que concibe el cine como un espacio de pensamiento, fabulación y diálogo con las grandes preguntas que atraviesan la experiencia humana. Bajo el título ‘La fábula cinematográfica’, la programación de este mes explora la capacidad de las imágenes para generar ideas, cuestionar certezas y abrir grietas en nuestra manera de entender la felicidad, el deseo, la identidad o la verdad. A través de cartas blancas a pensadores contemporáneos, retrospectivas de autores fundamentales, ciclos internacionales y propuestas que cruzan cine, magia y filosofía, la programación articula un mapa donde ficción y reflexión se entrelazan, reivindicando el cine como una herramienta crítica, sensible y profundamente viva.

‘La fábula cinematográfica’. Cine y pensamiento en diálogo

Desde sus orígenes, el cine ha funcionado como una forma privilegiada de pensamiento. ‘La fábula cinematográfica’ propone un diálogo explícito entre cine y filosofía, reuniendo películas que piensan el mundo a la vez que lo narran. A través de una programación que combina ficción y documental, cine clásico y moderno, comedia y ensayo, Cineteca Madrid se convierte, del 3 al 20 de febrero, en un lugar de encuentro entre imágenes y pensamiento crítico.

En esta edición, el programa se articula en torno a tres cartas blancas concedidas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro, tres voces fundamentales del pensamiento contemporáneo español, que proponen recorridos personales y conceptuales por la historia del cine. Sus selecciones activan preguntas sobre la infancia, la felicidad, la verdad, la naturaleza de las imágenes o los límites entre lo natural y lo artificial, confirmando al cine como una auténtica máquina de pensar.

·       Carta blanca a Marta Sanz: una niña atrapada en una gota de ámbar

¿Es el amor por el cine una persistencia de la infancia? A partir de esta pregunta, la escritora Marta Sanz propone un recorrido por cuatro películas que exploran la intimidad, la memoria, el cuerpo y la vulnerabilidad desde miradas muy distintas. Desde el clasicismo afilado de Eva al desnudo (Joseph L. Mankiewicz, EEUU, 1950) hasta la fisicidad contemporánea de Creatura (Elena Martín Gimeno, España, 2023) pasando por la infancia herida de Cría cuervos (Carlos Saura, España, 1975), o el exceso creativo de All That Jazz (Bob Fosse, EEUU, 1979), que se proyectará acompañado de una conferencia previa de Marta Sanz.

·       Carta blanca a José Luis Pardo: páginas en blanco

Decía Hegel que la felicidad solo ha escrito páginas en blanco en la Historia. A partir de esta afirmación, el filósofo y ensayista José Luis Pardo reflexiona sobre la representación de la felicidad en el cine como promesa, mandato social y problema filosófico. Su selección contiene distintas formas de felicidad impostada, deseada o imposible. Las proyecciones arrancan el martes 10 con el musical clásico de Vampiresas 1933 (Mervyn LeRoy, EEUU, 1933), y continúa hasta el sábado 14 con la ironía moderna de Chaplin en Tiempos modernos (EEUU, 1936), la comedia sofisticada Historias de Filadelfia (George Cukor, EEUU, 1940) y el humor político de Medvedkin en La felicidad (Rusia, 1935).

·       Carta blanca a Ernesto Castro: naturalmente artificial. ¿Cómo fermentan las imágenes?

El escritor Ernesto Castro propone un recorrido por películas que reflexionan sobre cómo el cine produce sentido, creencia y comunidad. De la mirada libre y material de Agnès Varda en Los espigadores y la espigadora (Francia, 2000) al juego de máscaras de Orson Welles en Fraude (Francia-Irán-Alemania, 1973) o del misticismo de Stalker (Andréi Tarkovski, Rusia, 1979) a la comedia metafísica de Amanece, que no es poco (José Luis Cuerda, España, 1989), el ciclo plantea una reflexión sobre las imágenes como organismos vivos, capaces de fermentar ideas y afectos. La sesión del viernes 20 irá precedida de una conferencia de Ernesto Castro.

Retrospectiva José Luis Guerin: la imagen justa

Coincidiendo con el estreno de Historias del buen valle, Cineteca Madrid dedica, del 1 al 27 de febrero, una retrospectiva a José Luis Guerin, uno de los cineastas más singulares del cine europeo contemporáneo. Desde los años ochenta, su obra ha explorado la frontera entre documental y ficción, el trabajo de la memoria, la observación paciente y la poesía de lo cotidiano.

La retrospectiva recorre títulos fundamentales como Innisfree (España, 1990), Tren de sombras (España, 1997), En construcción (España, 2000) o En la ciudad de Sylvia (España-Francia, 2007), junto a piezas breves, correspondencias fílmicas y obras recientes que revelan una práctica coherente y profundamente ética.

‘El suelo tiembla bajo nuestros pies’. El cine de la Director’s Company japonesa

En colaboración con Fundación Japón y el colectivo mediadistancia, Cineteca presenta, del 24 al 28 de febrero, un ciclo dedicado a la Director’s Company, uno de los experimentos más radicales y singulares del cine japonés de los años ochenta. Fundada en un contexto de crisis industrial, la compañía permitió a una generación de cineastas jóvenes producir películas personales y arriesgadas al margen de los grandes estudios. De esta experiencia surgieron las primeras obras de Kiyoshi Kurosawa, Shinji Somai, Toshiharu Ikeda o Gakuryu Ishii.

Las películas del ciclo combinan sátira, violencia, melodrama y crítica social del Japón contemporáneo. La selección incorpora los siguientes títulos: Mermaid Legend (Toshiharu Ikeda, Japón, 1984), Bumpkin Soup (Kiyoshi Kurosawa, Japón, 1985), Door (Banmei Takahashi, Japón, 1988), Door II: Tokyo Diary (Banmei Takahashi, Japón, 1991) y The Crazy Family (Gakuryu Ishii, Japón, 1984). Todas las sesiones estarán presentadas por Fidel Ojea, crítico y especialista en cine japonés del colectivo mediadistancia, que contextualizará este momento clave del cine japonés.

La magia del cine

En colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid, este programa propone, del 6 al 8 de febrero, un diálogo entre cine e ilusionismo como lenguajes afines. A través de tres películas y una charla con los magos Jandro y Jorge Blass, se reflexiona sobre cómo los principios de la magia (el engaño, la sorpresa, la misdirection) se aplican al lenguaje cinematográfico. An Honest Liar (Tyler Measom, Justin Weinstein, EEUU, 2014), El increíble Burt Wonderstone (Don Scardino, EEUU, 2013) y El ilusionista (Sylvain Chomet, Francia-Reino Unido, 2010), componen la selección de títulos mágicos.

Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos (1964–2025)

Cineteca rinde homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española y director de algunos de los festivales más importantes del país. Más allá de los títulos que programó, su legado reside en una manera de entender el amor al cine como pasión rigurosa, escucha activa y compromiso con el descubrimiento. Happiness (EEUU, 1998) de Todd Solondz, uno de los cineastas que Cienfuegos ayudó a descubrir en España, se proyecta como gesto de gratitud y memoria el jueves, 5 de febrero.

Cinezeta: las rosas son rojas, y febrero también lo es

Frente al relato romántico normativo de San Valentín, Cinezeta propone un febrero alternativo, atravesado por el deseo, la incomodidad y la contradicción. Tres películas que exploran formas de amor torcidas, violentas o censuradas, alejadas del ideal comercial.

Cineteca en familia: tres viajes al país de las maravillas

El mes se completa con una propuesta familiar para las matinales de los domingos 1, 15 y 22 dedicada a Alicia en el país de las maravillas, uno de los relatos más adaptados e inestables del cine. A través de tres versiones —la animación clásica de Disney, la interpretación radical de Jan Švankmajer y la fantasía contemporánea de Tim Burton— el ciclo muestra cómo una misma historia puede transformarse en cuento, pesadilla o aventura, y cómo el cine reconfigura nuestra relación con la imaginación, la infancia y la libertad.

Confesionario: una animación de cine, estrenos, pases especiales y secciones habituales

La sesión del ciclo mensual de Confesionario reúne cinco películas que abarcan setenta años de historia. Además, este mes la sección de estrenos en Cineteca proyectará Dios lo ve, Eloy de la Iglesia. Adicto al cine, Emergency Exit, Father Mother Sister Brother, Queer Me y Vivir al revés. Se suman también a la agenda de febrero las secciones habituales de Cineteca como Relatos del ruido Capítulo XXVIII: Sueños sonoros (músicas oníricas); Ciclo DOCMA, que presenta Al oeste, en Zapata; Así son las cosas, CIMA en corto con Un lugar al que llamar (Correspondencias íntimas), La noche Z e Imprescindibles de TVE con el documental Las gafas, de Isabel Coixet./

Calles, casas y habitaciones: Cineteca Madrid explora los espacios de la vida contemporánea a través del cine

El programa temático ‘Máquinas de habitar’ recorre la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación como escalas cinematográficas

La propuesta incluye sinfonías urbanas, noir contemporáneo y cine de terror doméstico para pensar el espacio desde la imagen

En paralelo, Cineteca Madrid dedica una retrospectiva al cineasta Heinz Emigholz y su singular mirada sobre la arquitectura

El colectivo Ciudades Reveladas explora el habitar desde el cine latinoamericano a través de una carta blanca de proyecciones

Además, Cineteca Madrid propone este mes un foco especial en el cineasta Juan Cavestany y su retrato íntimo y expandido de la ciudad de Madrid

Completa la programación el ciclo retrospectivo dedicado a la pionera Germaine Dulac, figura clave de la vanguardia cinematográfica

No faltarán a su cita las sesiones de programación familiar y cine experimental, además de nuevas entregas de CineZeta y ‘La Noche Z’

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en enero un recorrido cinematográfico por los espacios que conforman nuestra vida cotidiana, desde la escala urbana hasta la intimidad de una habitación. Bajo el título ‘Máquinas de habitar’, la programación invita a pensar cómo el cine ha construido, interpretado y cuestionado los lugares que ocupamos, revelando su dimensión política, emocional y simbólica. A través de sinfonías urbanas, relatos de barrio, arquitecturas del miedo, ensayos fílmicos y miradas experimentales, se articula una geografía crítica del habitar contemporáneo donde ciudad, vivienda y cuerpo se entrelazan como escenarios de conflicto, memoria y deseo.

Ciclo ‘Máquinas de habitar’

¿Qué relación tiene el cine con los espacios que habitamos? ¿Cómo han contribuido las imágenes a moldear nuestra experiencia de la ciudad, del hogar o de la intimidad? ‘Máquinas de habitar’ plantea estas preguntas como eje vertebrador de la programación de enero. Organizado en cuatro capítulos —la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación—, el ciclo traza una cartografía cinematográfica que va de lo colectivo a lo íntimo, explorando cómo los espacios no solo se habitan, sino que también nos habitan ellos a nosotros.

Capítulo 1: ‘La ciudad: sinfonías urbanas’

Este primer capítulo recorre la tradición de las sinfonías urbanas, un género nacido en las vanguardias de los años veinte que buscó capturar el pulso, la energía y la complejidad de la vida metropolitana.

Entre las obras más emblemáticas del programa destaca Manhatta (EE. UU., 1921), de Charles Sheeler y Paul Strand, considerada una de las primeras sinfonías urbanas del cine y un retrato poético de Nueva York como máquina moderna en expansión.

A su lado, Rien que les heures (Francia, 1926), de Alberto Cavalcanti, propone una mirada fragmentaria y melancólica sobre el París de entreguerras. El recorrido culmina con Koyaanisqatsi (EE. UU., 1982), de Godfrey Reggio, una poderosa composición audiovisual que convierte la ciudad contemporánea en un flujo hipnótico de imágenes y sonidos.

Capítulo 2: ‘El barrio: malas calles’

El barrio ha sido uno de los grandes escenarios del cine moderno, un espacio donde lo cotidiano convive con la violencia, el deseo y el conflicto. Este programa reúne miradas muy diversas que convierten el barrio en territorio mítico, político o emocional.

Entre las películas más representativas del ciclo sobresale El odio (Francia, 1995), de Mathieu Kassovitz, un retrato eléctrico y aún vigente de la violencia estructural y la frustración en la periferia urbana. Sonidos de barrio (Brasil, 2012), de Kleber Mendonça Filho, desplaza el conflicto hacia una escala más soterrada, donde el urbanismo, la memoria y el miedo se infiltran en la vida cotidiana de un vecindario brasileño aparentemente tranquilo. Completa este mapa Chungking Express (Hong Kong, 1994), de Wong Kar-wai, que transforma calles, pasillos y locales nocturnos de Hong Kong en un espacio emocional vibrante.

Capítulo 3: ‘La vivienda: habitar el terror’

Comisariado por Alberto Sedano, este programa aborda la vivienda como uno de los espacios más inquietantes del imaginario contemporáneo. Entre los títulos más elocuentes del programa destaca Terror en Amityville (Stuart Rosenberg, EE. UU., 1979), donde la casa deja de ser refugio para convertirse en una trampa financiera y emocional.

Candyman, el dominio de la mente (EEUU, 1992), de Bernard Rose, desplaza el horror hacia el urbanismo y la segregación, haciendo de la vivienda un espacio atravesado por la violencia estructural y la memoria reprimida. Las películas de Ti West —La casa del diablo (EE. UU., 2009) y Los huéspedes (EE. UU., 2011), programada en una sesión especial de ‘La Noche Zeta’—, actualizan el motivo de la casa encantada desde una precariedad reconocible, donde la necesidad económica empuja a habitar lugares que ya anuncian su amenaza. Cierra el ciclo la recuperación de Aquella casa en las afueras (España, 1980), de Eugenio Martín, una rareza del cine español que convierte el espacio doméstico en detonante de un trauma colectivo.

Capítulo 4: ‘La habitación: un mundo entre cuatro paredes’

Este último capítulo del ciclo reúne obras de vanguardia que se sitúan en habitaciones, cuartos de hotel o espacios interiores mínimos, donde lo cotidiano adquiere una densidad sensorial radical. En Room Film 73 (Reino Unido, 1973), Peter Gidal reduce la habitación a un campo de percepción extrema, obligando al espectador a habitar el tiempo y la duración de la imagen como una experiencia física.

Hotel Diaries (Reino Unido, 2001-2007), de John Smith, convierte los cuartos de hotel en observatorios involuntarios de lo cotidiano, espacios impersonales que, filmados a lo largo de años y ciudades, acumulan memoria, humor y extrañeza. Por su parte, Berlin 10/90 (Francia, 1990), de Robert Kramer, encierra al cineasta en una estancia durante una hora para convertirla en escenario de pensamiento, deriva y confesión política.

Retrospectiva de Heinz Emigholz: ensayos de arquitectura

Este ciclo propone una experiencia singular de encuentro entre cine y arquitectura, alejada de cualquier voluntad explicativa o didáctica. A través de películas como Dieste [Uruguay] (Alemania, 2017), Perret en Francia y Algeria (Alemania, 2012) o Parabeton – Pier Luigi Nervi y el hormigón romano (Alemania, 2012), Emigholz filma los edificios como cuerpos vivos, atendiendo a su materialidad, a la relación con el entorno y al paso del tiempo. Lejos de ilustrar teorías, estas películas convierten la arquitectura en una experiencia perceptiva y sensorial, donde el espacio se despliega como una forma de pensamiento en sí misma.

Colectivo Ciudades Reveladas

En colaboración con Intermediae, Cineteca Madrid ofrece una carta blanca al colectivo Ciudades Reveladas, comisariada por Khalil Esteban. El programa reúne películas del cine independiente latinoamericano que reflexionan sobre el habitar desde distintas escalas y contextos, con especial atención al edificio de viviendas como infraestructura social. A través de relatos situados en Brasil, Chile o Argentina, el ciclo plantea preguntas sobre la vida en común, la crisis habitacional, la pandemia y los modos de documentar lo cotidiano desde el cine. Destacan títulos como Diz a Ela que me Viu Chorar (Brasil, 2019) o Era o Hotel Cambridge (Brasil-Francia, 2015).

Foco especial a Juan Cavestany

Con motivo del estreno de Madrid, Ext. (España, 2025), Cineteca Madrid dedica un foco especial a Juan Cavestany, una de las miradas más singulares del cine español contemporáneo. El programa reúne obras que exploran la ciudad desde la intimidad, el humor y la observación radical de lo cotidiano.

Desde sus primeras piezas mínimas hasta sus retratos de Madrid durante y después del confinamiento, el conjunto traza un recorrido por las escalas de la ciudad, del individuo a la red urbana, y propone una forma libre y profundamente personal de filmar el espacio, destacando obras como El señor (España, 2012) o Madrid, Int. (España, 2020), que se proyectará por primera vez en la historia en sala de cine. Todas las sesiones estarán presentadas por el director madrileño.

Retrospectiva de Germaine Dulac: ¿qué es el cine?

Figura clave de la vanguardia francesa y pionera del cine como arte autónomo, Germaine Dulac protagoniza una amplia retrospectiva que recorre las múltiples facetas de su obra. Más allá de su vinculación al surrealismo, el programa reivindica su pensamiento cinematográfico, su compromiso político y su experimentación formal. Las sesiones incluyen piezas de vanguardia, trabajos vinculados a la cultura española, experimentos musicales y algunos de los primeros videoensayos de la historia del cine, ofreciendo un retrato complejo y necesario de una autora fundamental.

Destacan las proyecciones de La sonriente Madame Beudet (Francia, 1923) y La caracola y el clérigo (Francia, 1928). Este ciclo se celebra en paralelo a la exposición del Museu Tàpies de Barcelona titulada Germaine Dulac. Je n’ai plus rien, comisariada por Imma Merino e Imma Prieto, directora del museo, que presentará una de las sesiones de la retrospectiva.

CineZeta: tiempo muerto

Los sábados 17 y 31 de enero, el equipo de jóvenes programadores de CineZeta propone un espacio de descanso, juego y reflexión colectiva sobre el cine. Bajo el título ‘Tiempo muerto’, estas sesiones reúnen películas que cuestionan el uso del tiempo y las formas de hacer cine, explorando el ocio, la pausa y la reapropiación de imágenes. Un cine hecho desde la cercanía, el archivo y la comunidad, que reivindica otras maneras de mirar y compartir.

Cineteca en familia: ciudades imaginadas

La programación familiar de enero invita a recorrer ciudades animadas llenas de enigmas y aventuras. Desde Monstruos, S.A. (EE. UU., 2001) hasta Metrópolis de Osamu Tezuka (Japón, 2001), pasando por Un gato en París (Francia-Bélgica, 2010), el ciclo propone distintas formas de imaginar y habitar la ciudad: desde la urbe industrial de los monstruos hasta los laberintos futuristas o las calles nocturnas vistas desde los tejados.

La programación de enero se completa con estrenos recientes del cine español como: La ley de Sodoma (España, 2025), Os espazos en branco (España, 2023), Del susurro del tiempo (España, 2025) o Antes (España, 2020). No faltarán a su cita nuevas sesiones de los ciclos habituales de Cineteca como ‘Relatos del ruido’, ‘Confesionario’, ‘Ciclo DOCMA’ o ‘Foro CIMA’, además de una nueva entrega de ‘Imprescindibles TVE’, con la película Los Chichos: ni más ni menos (Paco Millán, España, 2025). /

El Ministerio de Cultura y la Generalitat de Cataluña presentan ‘Acción Portabella’, la conmemoración del centenario de Pere Portabella

A lo largo de 2026 y 2027 se desarrollará una completa programación alrededor de la figura del cineasta catalán, nacido en Figueres en 1927.

La iniciativa tiene como objetivo poner en valor la figura del director y de su legado e influencia en cineastas, artistas y movimientos sociales.

Más de sesenta instituciones nacionales e internacionales participarán en el programa, que incluirá proyecciones, exposiciones o seminarios, entre otras actividades.

El Ministerio de Cultura y la Generalitat de Catalunya han presentado hoy ‘Acción Portabella’ un programa de actividades, que se desarrollarán a lo largo de 2026 y 2027 para conmemorar el centenario del nacimiento del cineasta Pere Portabella, nacido en Figueres en 1927.

La iniciativa, a la que se han sumado una gran variedad de instituciones culturales catalanas, españolas e internacionales tiene el objetivo de difundir y poner en valor el trabajo artístico de Pere Portabella, su diálogo con la creación contemporánea y su propia contemporaneidad.

Durante el acto de presentación, celebrado hoy en Barcelona, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha destacado que “el centenario de Portabella no es solo una efeméride; es una invitación a volver a mirar el presente con sus ojos: con inquietud, con curiosidad, con una radical voluntad de libertad”. Y ha añadido que “’Acción Portabella’ no es un homenaje estático; es un gesto que se mueve, una energía que circula, una manera de estar en el mundo. Porque Portabella no ha sido nunca una figura del pasado; ha sido siempre un creador que trabaja desde el presente hacia el futuro”.

Por su parte, la consejera de Cultura de la Generalitat de Catalunya, Sònia Hernández, ha señalado que “Pere Portabella ha sido un motor de proyectos que atraviesan generaciones y fronteras, y que han contribuido decisivamente a situar el cine catalán en el mapa nacional e internacional”. La consejera ha destacado también que “su producción nos ofrece elementos para la reflexión sobre el poder, la memoria y las instituciones especialmente relevantes en un contexto como el actual en el que se ponen en entredicho los pilares de nuestra democracia”.

En el acto han participado también la directora de la Filmoteca, Valeria Camporesi, el director de la Filmoteca de Catalunya, Pablo La Parra, y el coordinador del programa de actividades, Jordi Balló.

Más de 60 iniciativas en entidades de todo el mundo

El programa provisional de ‘Acción Portabella’, presentado hoy en Barcelona, recoge las iniciativas de 62 entidades, de las cuales 20 son internacionales.

Entre ellas se encuentran centros de arte y cultura, festivales, filmotecas, laboratorios y fundaciones de pensamiento político y social, universidades, medios de comunicación, organismos de carácter transversal y colectivos de artistas. A lo largo de los próximos meses, se irán incorporando aquellas entidades que así lo soliciten, y sus actividades serán incorporadas a la web del proyecto. Cada entidad planteará sus propias actividades y estrategias, que serán recogidas en la web del centenario.

En la conmemoración ‘Acción Portabella’ tienen un peso destacado las Filmotecas Española y de Catalunya. La Filmoteca Española, desarrollará un rol activo en la internacionalización de la celebración, y acogerá un ciclo de obras y cineastas que el propio Portabella tuvo como referencia.

La Filmoteca de Cataluña, por su parte, ha sido una institución clave en la conservación, documentación y accesibilidad de su legado. Entre las actividades organizadas, estará una retrospectiva al cineasta, que se moverá entre las filmotecas y centros adscritos a la Federación Internacional de Archivos Cinematográficos (FIAF).

La Filmoteca de Andalucía organiza asimismo un ciclo de proyecciones en sus dos sedes, en Sevilla y Córdoba, contará con especialistas en la obra del artista.

El programa incluye una variedad de seminarios, ciclos de conferencias y propuesta expositivas en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, la Filmoteca de Catalunya, el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) o el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), entre otros.

Entre las entidades internacionales que colaboran en ‘Acción Portabella’ están la Cinemateca Portuguesa, el centro cinematográfico Eye Filmmuseum de Ámsterdam, el festival de cine canadiense Toronto International Film Festival, el museo MoMA de Nueva York, el Jeonju International Film Festival de Corea del Sur, y la bienal de arte Europalia, entre otras.

La web ‘Acción Portabella’

El espacio web, que se activará próximamente, albergará todas las actividades, iniciativas y participantes de esta conmemoración. Además, será un espacio en el que se podrá reunir el impacto que la obra de Portabella ha tenido y sigue teniendo en otros artistas, pensadores y activistas.

Esta web permitirá no solo informar sobre las actividades que tendrán lugar durante el programa, sino explorar el programa cultural y difundir el alcance relacional, vanguardista y contemporáneo de ‘Acción Portabella’.

Proyecciones Xcèntric: Miradas sobre Palestina

Palestine to Japan (T. Maki, 1979)

Este programa presenta una selección de películas que iluminan la evolución de lo que hoy se reconoce como cine militante palestino. La proyección acompaña a la ponencia de Mohanad Yaquabi «Restaurar la solidaridad: the Tokyo Reels», en el marco de las Jornadas de Cine Militante y Archivos Fílmicos. Presentación a cargo de Amina Ferley (Elías Querejeta Zine Eskola, investigadora de Palestina, otro Vietnam).

Entre 1968 y 1982, cineastas diversos de todo el mundo dirigieron su mirada hacia la lucha palestina. Considerando aquel contexto un terreno fértil para la experimentación cinematográfica, llevaron al límite tanto las formas estéticas como las políticas mientras exploraban nuevas visiones de solidaridad global. Se examinan en este programa tres ejemplos de estas producciones (procedentes de tres continentes diferentes y basadas en estrategias y planteamientos cinematográficos diversos) que comparten un mismo objetivo: ofrecer al pueblo palestino una voz, una imagen y un archivo.

El alcance geográfico del programa se expande a medida que se incorporan mensajes procedentes de todo el mundo, conectando Palestina, otro Vietnam, de J. Giannoni, J. Denti, M. Generali y B. Scavuzzo, con Palestine to Japan, de T. Maki, a través de un enfoque militante compartido. Estas dos piezas se complementan con Cowboy, de Sami Al-Salamoni, que explora con precisión la compleja relación entre imagen y poder, y utiliza la mesa de montaje para subvertir esta dinámica. El resultado es un manifiesto anticapitalista y antiimperialista que subraya el vínculo indisociable con la lucha del pueblo palestino por su liberación.

Profundizando en las nociones de «ahora y entonces» y «aquí y allá», estas películas exponen las injusticias históricas que el pueblo palestino ha sufrido y contra las que sigue luchando. Una técnica clave en las tres obras es el uso de imágenes de archivo, que a menudo circulan entre diferentes cronologías, y así transforman la solidaridad de un simple eslogan en una práctica activa. Este enfoque revela una libertad cinematográfica en la expresión artística y un dominio extraordinario del tiempo y el espacio; una práctica que, por sí misma, encarna soberanía y libertad.

Palestina, otro Vietnam, Colectivo C3M – Cinema del Terzo Mondo, 1971, 16 mm, 22 min; Palestine to Japan, T. Maki, 1979, 16 mm, 20 min; Cowboy, Sami Al-Salamoni, 1973, 16 mm, 16 min.

Proyección en digital, VOSE.

Fecha: 30 enero 2026

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Llega Filmin Picks, una cita mensual con películas de culto por descubrir

Desde el 24 de enero, nuevos estrenos cada mes para acercar al público de hoy propuestas del equipo editorial de Filmin que suelen estar fuera del radar habitual cuando hablamos de las películas clave de la historia del cine.

Filmin pone en marcha Filmin PICKS, un nuevo proyecto en el que la plataforma estrenará versiones remasterizadas de películas de todos los tiempos que, por distintos motivos, han quedado fuera del relato oficial de la historia del cine. A partir del 24 de enero y con nuevas entregas cada mes, Filmin PICKS reunirá una selección de títulos elegidos por el equipo editorial de Filmin, con el objetivo de proponer descubrimientos accesibles para todo tipo de espectadores: películas con grandes ideas narrativas, atmósferas potentes o argumentos que se ven hoy con total pertinencia. La primera entrega de Filmin PICKS se estrena este mes con cuatro títulos programados en dos fechas: 24 y 31 de enero.

Los primeros Filmin PICKS

El 24 de enero llegan dos sorprendentes clásicos del cine checoslovaco. “La bella y la bestia” (1978), dirigida por Juraj Herz, propone una reinterpretación de tono sombrío del célebre cuento: la hija de un mercader se adentra en el bosque en busca de ayuda y acaba retenida en el castillo de una criatura alada víctima de una maldición. Ese mismo día se incorpora “Happy End” (1967), de Oldřich Lipský, una comedia negra construida de fin a principio, como «Tenet» de Christopher Nolan, en la que un hombre “recupera” la vida tras la guillotina y relata su historia retrocediendo hacia los hechos previos a su ejecución.

El 31 de enero será el turno de dos thrillers futuristas. Por un lado, “Dark City” (1997), dirigida por Alex Proyas («El cuervo»), donde un hombre despierta sin memoria en un hotel, perseguido por una serie de asesinatos, mientras descubre una ciudad y unos habitantes que parecen poder alterarse durante la noche. Por otro, “El hombre terminal” (1974), dirigida por Mike Hodges y basada en la novela de Michael Crichton, con George Segal como un informático sometido a una intervención cerebral experimental para tratar sus convulsiones. Cuando el tratamiento falla, el conflicto se desplaza a un terreno tremendamente inquietante.

Vídeos editoriales y prescripción

Filmin PICKS se apoya en una idea central: recomendar es cuidar y ampliar la experiencia del espectador. La selección de cada mes nace del trabajo del equipo editorial de Filmin, capitaneado por Jaume Ripoll. Personas que visionan, revisitan y contextualizan películas para convertir el catálogo en un lugar que se recorre con criterio y se traduce en una propuesta clara: “aquí tienes clásicos como nunca los has visto, y aquí tienes los motivos por los que pueden encajar contigo hoy”.

Por eso, cada estreno de Filmin PICKS llegará acompañado por un vídeo de presentación a cargo de un miembro del equipo editorial (y, en algunas ocasiones, de invitados especiales). Piezas pensadas para abrir puertas: aportar contexto, señalar elementos concretos para entrar en la película y conectar esos hallazgos con una forma de ver cine más amplia, curiosa y compartida.

Filmin PICKS se suma así a la vocación de Filmin como plataforma de prescripción cultural, donde la curaduría humana y la comunidad (las recomendaciones, las colecciones y el acompañamiento editorial) ayudan a descubrir joyas alejadas del canon más repetido y a mirar el cine con más pasión.

FlixOlé estrena en exclusiva las dos únicas películas protagonizadas por Isabel Pantoja

La plataforma incorpora el 9 de enero a su catálogo los dos títulos con los que la gran pantalla capitalizó la fascinación en torno a la tonadillera: su debut cinematográfico, Yo soy esa, y la película inmediatamente posterior, El día que nací yo

FlixOlé incorpora a su catálogo las dos únicas películas protagonizadas por Isabel Pantoja, una de las figuras más influyentes y reconocibles de la cultura popular española. La plataforma revisita el paso de la tonadillera por la gran pantalla con el estreno en exclusiva, el próximo 9 de enero, de una versión restaurada de su debut, Yo soy esa (Luis Sanz, 1990), y del siguiente y último largometraje que rodó, El día que nací yo (Pedro Olea, 1991).

Además del valor cinematográfico que supone ver y escuchar al icono de la copla interpretando algunos de sus himnos más emblemáticos ante la cámara, ambos títulos se han convertido con el tiempo en documentos imprescindibles para comprender la fascinación social y mediática que despertó Isabel Pantoja, así como su profundo impacto e influencia en el panorama cultural. FlixOlé recupera así un acontecimiento audiovisual que trascendía lo puramente artístico y que generó una expectación sin precedentes, especialmente por la manera en que los personajes dialogaban, de forma directa o simbólica, con la propia biografía de la tonadillera.

Yo soy esa y El día que nací yo se incorporan a la colección ‘Nuestras Folclóricas’, una programación que recuerda a las grandes estrellas que popularizaron el cine musical español, desde los años 30 hasta finales del siglo XX. El especial propone un desfile de batas de cola y costumbres entonadas con acento cañí por figuras de la talla de Imperio Argentina, Estrellita Castro, Juanita Reina, Concha Piquer, Rocío Dúrcal, Lola Flores, Rocío Jurado, la propia Isabel Pantoja y Carmen Sevilla. Esta última protagonizará otro de los estrenos presentes en la nueva colección propuesta por FlixOlé: La bella de Cádiz (Raymond Bernard & Eusebio F. Ardavín, 1953).

Amor y pérdida en el debut cinematográfico de Isabel Pantoja

En un momento en el que la copla atravesaba sus horas bajas, Isabel Pantoja irrumpió con la fuerza de su voz y su personalidad arrolladora en la escena nacional de los 70 para revitalizar un género enraizado en el sentir de todo un país. La artista supo adaptar el cancionero tradicional a los tiempos modernos y se convirtió en un símbolo de la pasión por la copla, una figura que fue agrandando su leyenda con el paso de los años y que fue escuchada en longitudes y latitudes de todo el globo.

Su llegada al cine fue un proceso meditado. A finales de los 70 rechazó debutar en la gran pantalla de la mano de Pedro Masó en La Coquito (1977), al no aceptar las secuencias de desnudos que incluía el guion. Años después, aceptó protagonizar Yo soy esa, proyecto concebido expresamente para su lucimiento y producido por el cantautor Víctor Manuel, que quiso construir un vehículo cinematográfico a la altura de su fama.

En Yo soy esa, Isabel Pantoja interpreta un doble papel: por un lado, a Ana Montes, una consagrada artista cuyo marido (interpretado por José Coronado) se encuentra atrapado en una espiral ludópata y drogodependiente. La pareja acude al estreno del filme que ambos protagonizan, una historia que bien podría plasmar sus vidas tiempo atrás. La misma combina melodrama, numerosos episodios musicales –con interpretaciones de temas como «Se me enamora el alma», «Ojos verdes», «Como dos barquitos» y «Yo soy esa»– y una sugerente estructura de cine dentro del cine que, a su vez, se proyecta como homenaje al cine clásico de folclóricas.

Este juego entre Isabel Pantoja con Ana Montes y su otro alter ego en la gran pantalla, Carmen Torres, estuvo marcado por un contexto de enorme carga emocional y mediática: la reciente muerte de su esposo, el torero Francisco Rivera, ‘Paquirri’.  La propia tonadillera admitió que el filme le ayudó a romper el “encierro” en el que se encontraba. La expectación por verla en la gran pantalla encarnando a un personaje atravesado por el dolor, el duelo y la superación, sumado a los espectáculos musicales y a la presencia magnética de Isabel Pantoja, hicieron de Yo soy esa un éxito de taquilla y un acontecimiento social que trascendió lo estrictamente cinematográfico.

El día que nací yo y otras joyas folclóricas

En la actualidad, la película conserva el testimonio en torno al fenómeno Isabel Pantoja, la capacidad de la copla para adaptarse a nuevos lenguajes y el modo en que cine, música y vida personal se fundieron en uno de los momentos más significativos de la cultura popular española reciente. El largometraje costó 300 millones de pesetas y recaudó más de 650 millones, cifras que animaron a Víctor Manuel a producir el segundo y último largometraje de la artista: El día que nací yo.

Este drama con pinceladas cómicas, dirigido por Pedro Olea y guionizado por Jaime de Armiñán, lleva a la tonadillera a interpretar a Juana Medina, una gitana que vende pescado en el mercado y los fines de semana canta en un tablao. Un profesor desterrado por razones políticas (Arturo Fernández) le propone que lo ayude a hacer un diccionario caló. Juana se siente atraída por el docente, pero también por un cura anarquista amigo de éste. La artista ayuda al religioso a huir del país cuando las autoridades franquistas intentan dar con él. 

Destino y memoria bailan en este melodrama donde el papel de Isabel Pantoja adquiere un tono más trágico, complejo e intenso que su primer largometraje. La copla, más aflamencada, vuelve a ser vehículo de confesión, dolor y redención en esta propuesta con la que FlixOlé completa la colección ‘Nuestras Folclóricas’. Por medio de esta cuidada selección compuesta por una veintena de títulos se podrá disfrutar de musicales con las icónicas Imperio Argentina (Carmen la de Triana), Estrellita Castro (Mariquilla Terremoto y Torbellino), Concha Piquer (La Dolores), Sara Montiel (La violetera y El último cuplé), Marujita Díaz (La corista) y Lola Flores (La Faraona y El balcón de la luna), entre muchas otras.  

Cillian Murphy protagoniza «Cosas pequeñas como estas», un drama irlandés premiado en Berlín 

Filmin estrena el 9 de enero la adaptación de la aclamada novela de Claire Keegan, tras pasar por el Festival de Berlín y los premios del cine irlandés. 

Filmin estrena el próximo 9 de eneroCosas pequeñas como estas” el drama irlandés protagonizado por Cillian Murphy (“Oppenheimer”, “Peaky Blinders”), quien también ejerce como productor junto a Matt Damon (“El indomable Will Hunting”, “Infiltrados”) y Ben Affleck (“Argo”, “Pearl Harbor”). La dirección corre a cargo de Tim Mielants, que ya había trabajado con Murphy en la tercera temporada de “Peaky Blinders”. La película fue presentada en la Sección Oficial del Festival de Berlín, donde Emily Watson (“Chernobyl”, “War Horse”) obtuvo el Oso de Plata a la mejor interpretación de reparto. Además, el filme fue ampliamente reconocido en los Irish Film & Television Awards, donde se alzó con los galardones a mejor película, mejor actor protagonista y mejor guion.

Ambientada en 1985, en los días previos a la Navidad, la historia se sitúa en un pequeño pueblo del condado de Wexford, Irlanda. Bill Furlong es un comerciante de carbón que lucha por sacar adelante a su familia: su esposa y sus cinco hijas. Durante una entrega matinal en el convento local, realiza un descubrimiento perturbador que le obliga a enfrentarse tanto a su propio pasado como al silencio colectivo de una comunidad profundamente marcada por el control moral de la Iglesia católica.

La adaptación de la novela

La película adapta la aclamada novela corta homónima de Claire Keegan, finalista del Booker Prize y ganadora del Orwell Prize de ficción política: “Lo que capté de la escritura de Claire es su minimalismo, y sentí que no había otra opción que convertirme en un observador silencioso”, explica Mielants. Esa contención se traduce en una puesta en escena que privilegia los primeros planos y la observación atenta: el protagonista aparece constantemente absorto en sus pensamientos, atravesado por oleadas de vulnerabilidad y contención, mirando y siendo mirado, pero nunca ausente.

El peso del filme descansa, en gran medida, sobre la interpretación de Murphy, a quien el propio Mielants define como “uno de los mejores actores del planeta”. El actor señala que el arco del protagonista funciona como el título de la película sugiere: una acumulación de pequeños gestos y decisiones aparentemente insignificantes que, poco a poco, revelan su verdadera dimensión moral.

Las lavanderías de la Magdalena 

“Para prosperar en esta vida, hay cosas que hay que ignorar”. Así se lo dice Eileen, la firme y pragmática esposa de Bill, cuando percibe en él señales inquietantes de desasosiego. Esa frase condensa la tragedia moral de la Irlanda de los años ochenta y apunta directamente al sistema de silencio cómplice que permitió la existencia de las lavanderías de la Magdalena: instituciones católicas donde miles de mujeres consideradas “caídas” (madres solteras, víctimas de abuso, jóvenes abandonadas) fueron internadas y obligadas a trabajar en condiciones de explotación.

Mielants subraya que el verdadero drama reside en los puntos ciegos de la comunidad, sostenidos por la evasión, el miedo y una falsa inocencia colectiva. En ese contexto, Bill Furlong encarna una encrucijada moral: la posibilidad de romper el silencio o perpetuarlo. 

El D’A 2026 anuncia sus primeros nombres

Christian Petzold será el protagonista del Focus y Mia Hansen-Løve recibirá el Premio D’A 2026

El D’A – Festival de Cinema de Barcelona, que se celebrará del 19 al 29 de marzo de 2026, anucia el nombre de los primeros protagonistas de la 16.º edición del festival: Christian Petzold y Mia Hansen-Løve.

Focus D’A 2026: Christian Petzold

El Focus D’A 2026 estará dedicado al cineasta alemán Christian Petzold, que asistirá al festival para presentar una amplia retrospectiva de su obra – con numerosos títulos inéditos o inaccesibles actualmente y que podremos disfrutar en la gran pantalla de la Filmoteca de Catalunya -, así como el estreno en Cataluña de su último film, Miroirs No. 3. La película, presentada en el Festival de Cannes, está protagonizada por una magnífica b, colaboradora habitual del director en sus producciones más recientes.

La mirada sobre la Europa contemporánea de Christian Petzold, entre esperanzada y siempre a punto de derrumbarse, entre la promesa de futuro y la mirada a las catástrofes pasadas, ha adoptado formas de melodrama, fábula fantástica o relatos sociopolíticos fuera de toda norma. Su cine, heredero directo de la Escuela de Berlín, se caracteriza por una puesta en escena precisa y austera, y con personajes atrapados a menudo en espacios de tránsito. Un cineasta prolífico, seleccionado y premiado en festivales como Berlín (El cielo rojo, Ondina, En tránsito, Barbara, Yella), Venecia (Jerichow, The State I Am In) o San Sebastián (Phoenix), que se ha consolidado como una de las voces imprescindibles del cine europeo contemporáneo.

El Focus D’A 2026 se realiza con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya y el Goethe-Institut Barcelona

Premio D’A 2026: Mia Hansen-Løve

La directora francesa Mia Hansen-Løve, una de las más queridas del festival y que visitó en su primera edición para presentar Le père de mes enfants, será galardonada con el Premio D’A 2026. El premio reconoce la trayectoria de una cineasta independiente y personal, que recoge la tradición del cine francés de autor con su mirada siempre renovada y luminosa e historias arraigadas en sus vivencias o su entorno: su hermano en Edén, su primer productor en Le père de más enfants, ella misma en Un amour de jeunesse, el declive de su padre en Una bonita mañana.

Ganadora del Oso de Plata a la mejor dirección en la Berlinale 2016 por El porvenir y del premio especial del jurado de la sección Un Certain Regard de Cannes 2009 por su segundo filme, Le père de mes enfants, Mia Hansen-Løve visitará el D’A 2026 y en el marco del festival mantendrá un diálogo sobre su obra. Su visita a Barcelona será posible gracias a la colaboración entre el D’A – Festival de Cine de Barcelona, ​​la Residència de Guions de la Acadèmia del Cinema Català (dirigida por Carla Simón), ECIB (Escuela de Cine de Barcelona), A Bao A Qu – Cinema en curs. Ciclo Compartir el cinema y la Filmoteca de Catalunya.

Proyecciones Xcèntric: Preservar el fuego. Archivos imperfectos y cine militante

Mujeres de Surinam (Oema foe Sranan), At van Praag, 1978

Estas jornadas estarán dedicadas a profundizar sobre aquellas películas, experiencias y procesos cinematográficos que se han cuestionado cómo responder a las injusticias de su tiempo. Ante todo, este cine políticamente comprometido, históricamente contrainformativo y acompañante de las luchas colectivas, es un cine de invención y de transformación. Proponemos trazar un mapa de estas prácticas a lo largo del tiempo: desde México hasta Palestina, o de Uruguay a Cataluña, entre otros territorios. A su vez, al tratarse de archivos clandestinos, efímeros o inacabados, este cine también exige imaginar estrategias no tradicionales para su conservación, restauración y preservación. En un presente cada vez más violento y destructivo, nos preguntamos por el papel de las imágenes. ¿Cómo podemos seguir creando nuevas herramientas que sostengan no solo la memoria, sino también la energía y el fuego?

Jueves 29 de enero

10.30 h: Bienvenida y presentación del programa, Gloria Vilches (Xcèntric)

11.00 h: Documentar contra el borrado. Los caminos clandestinos de un cine comprometido. Diego Cepeda (programador y comisario de las jornadas)

Para aventurarnos en la difícil tarea que supone investigar, recuperar y proyectar el cine militante, quizás habría que comenzar hablando de lo que se ha perdido. A través de la proyección de fragmentos accesibles y otros aún clandestinos, descripciones en la prensa, fotografías, testimonios y búsquedas en archivos, intentaremos dar cuenta de una constelación de películas del Caribe que fueron censuradas y desaparecidas. Al mismo tiempo, propondremos formas de reconfigurar estas historias y estrategias ante la pérdida. Como dijo Apollinaire, habrá que perder, pero perder de verdad, para dejar sitio al hallazgo.

12.00 h: El proyecto inacabado del Tercer Cine como praxis experimental generalizada: pasado y presente del cine militante. Victor Guimarães (crítico de cine y programador)

Mucho antes de su secuestro culturalista por los académicos anglosajones, el Tercer Cine representó a la vez un proyecto utópico, una praxis revolucionaria y un laboratorio de invención de formas. Alrededor del año 1968, a lo largo de toda Latinoamérica y casi inmediatamente también en África, Asia y entre los sectores no alineados del Norte Global, el Tercer Cine trató de deshacer todos los cimientos de la práctica cinematográfica convencional para instalar un estado generalizado de experimentación, que va desde un desmantelamiento de las cámaras hasta la ruptura con los procesos normales de proyección. Se trataba de rechazar la división histórica entre las dos vanguardias (la blanca y la roja) para componer una doble afirmación: no hay cine militante sin experimentación formal; no hay cine experimental sin compromiso con el devenir colectivo. Sin embargo, más de medio siglo después, nuestra época parece enteramente reacia a ese espíritu. El horror invade nuestras pantallas diariamente y ninguna resistencia visual parece capaz de detener la marcha del genocidio: el vínculo entre imagen y acción se desvanece. Sin embargo, artistas y colectivos insisten en hacer películas. ¿Cómo podemos enfrentarnos a esa paradoja? La conferencia recupera el legado experimental del Tercer Cine para interrogar al cine militante contemporáneo. A partir de una fricción entre fragmentos del pasado y del presente, nos preguntamos: ¿qué formas tendrán los cines militantes por venir? 

17.00 h: Imágenes insurgentes I: prácticas del cine militante y feminista en México. Karina Solórzano (programadora e investigadora especializada en cine mexicano)

Cámaras ligeras, rollos de súper-8 y materiales de archivo fueron las herramientas del cine militante en México, que, en palabras de Rosa Martha Fernández, una de las fundadoras del Colectivo Cine Mujer, entendía la imagen como «un instrumento de transformación de la realidad y concientización». El cine se convirtió en una forma de agitar la realidad, de intervenir en ella desde los márgenes. Además del Colectivo Cine Mujer, grupos como la Cooperativa de Cine Marginal y el Taller de Cine Octubre documentaron huelgas, movilizaciones campesinas y conflictos laborales. El trabajo que este cine realizó con el registro y el montaje fue singular en la época: un destello que reveló aquello que el cine industrial mantenía fuera de campo, una experiencia colectiva e irrepetible en la historia del país.

19.00 h: proyección «Imágenes insurgentes II. Súper-8 y material de archivo en el cine mexicano de la década de los setenta»

Viernes 30 de enero

10.00 h: La Cinemateca del Tercer Mundo de Uruguay y la creación del escáner alternativo de LAPA. Isabel Wschebor (historiadora y especialista en archivos audiovisuales). Con introducción a cargo de Carolina Cappa (responsable del Departamento de Investigación de Elías Querejeta Zine Eskola)

Desde 2018, el Laboratorio de Preservación Audiovisual del Archivo General de la Universidad de la República Oriental de Uruguay (LAPA-AGU) trabaja en la recuperación de las películas militantes realizadas en los años previos al golpe de Estado de 1973. Durante décadas, gran parte de estos films (en especial aquellos producidos por colectivos como la Cinemateca del Tercer Mundo) permanecieron prácticamente inaccesibles debido a la censura y la dispersión de sus materiales. Para revertir este vacío, la investigación emprendió una búsqueda arqueológica en archivos privados, instituciones y colecciones dentro y fuera del país. Paralelamente, se puso en marcha su primer escáner de hardware y software libre, una herramienta decisiva para digitalizar materiales frágiles y reponerlos en el espacio digital. Una tercera línea de trabajo tomó forma a través del proyecto universitario «El cine uruguayo y la lucha contra la impunidad», que permitió activar una conversación en torno a cómo las actuales dificultades de acceso dialogan directamente con la historia de censura y persecución que las atravesó. Esta presentación recoge esa experiencia y abre nuevas preguntas: qué obras siguen ocultas, qué historias quedan pendientes y cómo se puede continuar restituyendo una memoria cinematográfica que fue silenciada.

12.00 h: Ensayo y error: una brevísima historia de la cultura cinematográfica militante en Cataluña. Pablo La Parra (director de la Filmoteca de Catalunya)

En los últimos años de la dictadura franquista y a lo largo de la Transición, Cataluña fue el epicentro de una nueva cultura cinematográfica militante en el Estado español. En un contexto marcado por la agitación social y la movilización política, la apropiación de pequeños formatos cinematográficos y la consolidación de redes clandestinas permitieron a una nueva generación de jóvenes crear estructuras que operaban al margen de cualquier marco industrial o legal. Lejos de premisas de excepcionalidad o mirada localista, esta presentación se aproxima a la cultura cinematográfica militante como una red de conexiones afectivas, estéticas y políticas que, en la ola revolucionaria global del «largo 68», conectaron la disidencia catalana con movimientos y circuitos transnacionales. A partir de la exploración de la colección de la Filmoteca de Catalunya y otros archivos internacionales, memorias orales e investigaciones recientes, nos detendremos en diferentes experiencias de distribución, exhibición y producción clandestinas o alegales, con el fin de iluminar algunas escenas clave de una cultura cinematográfica autogestionada y radicalmente independiente.

Conferencia ilustrada con la proyección de Viaje a la explotación (Colectivo Penta: Bartolomé Vilà, Mercè Conesa, Paco Luque, Francisco Moratalla, Paco Maria, 1974 ), VE, 19 min. Copia cortesía de la Filmoteca de Catalunya.

17.00 h: Restaurar la solidaridad: The Tokyo Reels. Mohanad Yaqubi (cineasta, productor, cofundador de Idioms Film y miembro de Subversive Film)

Escondida durante tres décadas en las afueras de Tokio, una colección de películas de 16 mm, realizadas entre 1964 y 1983 por cineastas árabes, japoneses y otros creadores internacionales, recaba la historia de la lucha palestina. El proceso de investigación y preservación de la colección, más allá de trazar el mapa de una red de solidaridad transnacional, ha querido dar forma a un «archivo imperfecto». Esta presentación explorará los retos de restaurar una serie de películas procedentes de personas o pueblos que están aún inmersos en su lucha, y pondrá de relieve las dificultades inherentes a la archivística en contextos revolucionarios. También examinará la importancia de preservar la memoria en el marco de atrocidades aún presentes, así como la relación directa entre el acto de restaurar filmes y el de restaurar la solidaridad.

19.00 h: proyecció «Miradas sobre Palestina.» Presentación a cargo de Amina Ferley (EQZE, restauradora de Palestina, otro Vietnam)

Participantes

Diego Cepeda

Victor Guimarães

Karina Solórzano

Carolina Cappa

Pablo La Parra Pérez

Mohanad Yaqubi

Amina Ferley

«Friday Night Lights», la mítica serie deportiva llega a Filmin convertida en serie de culto

Esta serie sobre fútbol americano, que triunfó a principios de los 2000, catapultó las carreras de Kyle Chandler, Connie Britton, Jesse Plemons, Michael B. Jordan o Caleb Landry Jones.

El 16 de diciembre llega a Filmin la mítica serie deportiva de principios de los 2000 “Friday Night Lights”. La historia parte del libro homónimo de no ficción que Buzz Bissinger publicó en 1990, centrado en los Panthers, el equipo de fútbol americano de un instituto de Texas.

El creador y director Peter Berg, que antes de dar el salto a la serie había firmado el largometraje, desarrolló las cinco temporadas que se convirtieron en un éxito rotundo de público y crítica. Nominada a 13 premios Emmy, contó en su reparto con Kyle Chandler, Connie Britton, Jesse Plemons, Michael B. Jordan y Caleb Landry Jones.

La serie gira en torno a los habitantes de una pequeña ciudad tejana que viven el deporte como si fuera una religión. Para ellos no hay nada más importante que los Dillon Panthers, el equipo de fútbol americano del instituto de la ciudad. La historia se centra en el entrenador Eric Taylor (Kyle Chandler), su familia y todos los jugadores del equipo, tratando a través de ellos temas como el racismo, las desigualdades sociales, presiones y también romances.

El sueño americano

Dos décadas después de su estreno, “Friday Night Lights” sigue siendo una de las series más influyentes y relevantes de los últimos años. Fue pionera en muchos aspectos, tocando temas como las desigualdades económicas, el racismo o la presión en los atletas jóvenes. A raíz de esto, varias series se han inspirado en estas dinámicas, como pueden ser “This Is Us”, “Parenthood” o “All American”.

Según el público, ha sido una de las series que mejor ha representado la realidad de los deportistas americanos. Bessinger escribió el libro sobre el equipo real de Permian High School, en Texas, que no era de los más destacados, pero tras el libro se convirtió en un emblema del espíritu del fútbol americano en Estados Unidos.

La popularidad de la serie fue tal que tras el rumor de una posible cancelación de la serie, los fans se organizaron: Enviaron 2.500 mini balones de fútbol, bombillas (por el eslogan de la serie “keep the lights on” –mantén las luces encendidas– y gotas de colirio (por el tagline «clear eyes, full hearts, can’t lose” –ojos despejados, corazones llenos, no podemos perder–) a los estudios de la NBC. Consiguieron que la serie renovara por tres temporadas más y estas acciones entraron en el Top 7 campañas más exitosas de “Save the show”.

El debut de futuras estrellas

Aunque su elenco estaba formado por rostros prácticamente desconocidos, la serie terminó convirtiéndose en el testigo de los primeros pasos de algunos de de los actores más reconocidos del Hollywood actual.

Michael B. Jordan, por ejemplo, pasó de ser el nuevo quarterback de las últimas temporadas a un actor y director de primera línea al ser la cara principal de películas como «Creed», «Black Panther» o «Cuatro fantásticos». Jesse Plemons transformó al personaje de Landry en el punto de partida de una carrera de prestigio en cine y televisión, con títulos a sus espaldas como «Breaking Bad,» «Fargo», «Bugonia» o «Kinds of Kindness». El protagonista Kyle Chandler ha aparecido en más películas de renombre como «Manchester frente al mar» o «El lobo de Wall Street». Connie Britton ha continuado participando en series tan populares como «Nashville» o «The White Lotus». Y otro gran actor que ha salido de este reparto es Caleb Landry Jones, conocido ahora por títulos como «The Florida Project», «Get Out», «Breaking Bad» o «Twin Peaks». Podrás reconocer a estas y a muchas otras caras conocidas a lo largo de las cinco temporadas. 

La plataforma PLATFO del Ministerio de Cultura acogerá los archivos digitalizados del NO-DO para su acceso público

Desde el 3 de diciembre, se podrá consultar en PLATFO los 200 títulos del NO-DO correspondientes a 1943 y 1944, ya digitalizados en 4K

Lo ha anunciado el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, durante la inauguración de la exposición ‘NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismo’La exposición recorre 32 años de NO-DO y reflexiona sobre su papel, desde su dimensión propagandística, hasta su valor como fuente histórica esencial

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha anunciado hoy que los archivos del NO-DO están siendo digitalizados y serán de consulta pública en PLATFO, la plataforma de contenidos audiovisuales, pública y gratuita, del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura.

En esta primera fase se han digitalizado en 4K más de 49.000 minutos de contenido, aproximadamente el 40% del fondo. Desde hoy ya pueden consultarse en PLATFO los noticiarios de los años 1943 y 1944, cerca de 200 títulos, con buscador avanzado, acompañados de un texto con contenido detallado y ficha histórica. PLATFO irá incorporando los noticiarios de años posteriores según avance el proceso de digitalización de los mismos.

Se trata del primer gran proyecto de digitalización del NO-DO, el noticiero creado en 1942, cuya primera emisión se realizó en 1943 y cuya proyección fue obligatoria en todos los cines de España hasta 1975.

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha señalado que “hay un valor documental, de archivo, indiscutible en todo ese legado de imágenes, que es ya una pieza indispensable en la conformación del patrimonio audiovisual español”. Además, ha añadido que “tenemos que acudir al NO-DO para comprender la España que fue y la España que nunca se debe volver a repetir. Es, desde luego, un ejercicio de memoria colectiva, más necesario que nunca.”.

Exposición del NO-DO

Este anuncio se ha realizado en el marco de la inauguración de la exposición ‘NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismo’, organizada por la Filmoteca Española, organismo dependiente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales del Ministerio de Cultura. Se trata de la primera muestra dedicada íntegramente al archivo de los Noticiarios y Documentales Cinematográficos.

A punto de cumplirse 45 años desde su desaparición, la exposición revisita uno de los archivos audiovisuales más importantes del siglo XX en España: un fondo esencial tanto por su valor documental como por su papel en la construcción de la memoria colectiva.

La muestra, que podrá visitarse gratuitamente hasta el próximo 26 de julio de 2026 en la sala de exposiciones de la Filmoteca Española en Madrid, ha sido comisariada por Rafael R. Tranche y Vicente Sánchez-Biosca. Contará con un servicio de visitas comentadas a partir del mes de enero.

Historia y memoria colectiva en un archivo único

Entre 1943 y 1975, el NO-DO fue de visión obligatoria y exclusiva en todos los cines del país. Nacido como herramienta de propaganda del régimen franquista, también fue durante décadas la principal fuente audiovisual de información para la ciudadanía. Con el paso del tiempo, sus imágenes se han convertido en un testimonio histórico de primer orden, donde se cruzan la mirada del régimen y los recuerdos de varias generaciones de espectadores.

Sus noticiarios, que recogían desde guerras y catástrofes hasta actos del régimen, deportes o curiosidades, se han convertido hoy en un valioso testimonio para reconstruir la vida de la época y en un archivo esencial de memoria colectiva.

El archivo fílmico y documental NO-DO es, junto al de la Escuela de Cine, el acervo de titularidad pública más completo que custodia Filmoteca Española. Esta institución desarrolla desde hace décadas trabajos de investigación, catalogación, conservación, restauración, digitalización y difusión de estos fondos con el objetivo de preservar y dar a conocer tanto las producciones audiovisuales conservadas, como la ingente y valiosísima documentación que generó.

La exposición invita a recorrer el universo NO-DO en varias direcciones: comprender el contexto de sus proyecciones como un espectador de época, aproximarse a su papel como cronista de la historia, conocer su funcionamiento como fábrica de noticias, y, por último, desvelar su capacidad como soporte de memoria.

Asimismo, el espacio ofrece una aproximación cronológica al Archivo Histórico NO-DO, desde su creación a la actualidad, al trabajo de conservación y difusión que en él se realiza, y el uso de sus fondos como fuente primaria de investigaciones científicas de distintas áreas.

Actividades complementarias

En paralelo, el Cine Doré acogerá un ciclo entre diciembre y julio recuperando la experiencia original de exhibición, proyectando los noticiarios como complemento previo a algunas películas, así como programando sesiones temáticas que permitirán reflexionar sobre “el mundo (en b/n, o gris) de ayer” y la actualidad.

La sesión inaugural será el 10 de diciembre con una triple proyección: la edición original de 1943, que presentó el primer NO-DO a los espectadores de la época; la edición conmemorativa del 25 aniversario en 1968; y la edición 1966B, un monográfico de los años 60 dirigido por Jaime Moreno, quien presentará la sesión junto a los comisarios de la exposición y del ciclo.

Proyecciones Xcèntric: Ritmos en éxtasis: cuaderno de notas de Marie Menken

Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken, 1961)

Este programa celebra la obra sensual, vibrante y lúdica de Marie Menken, una de las grandes creadoras del cine poético, cuya influencia fue decisiva para Kenneth Anger, Stan Brakhage o Jonas Mekas. Menken concibe el cine como un cuaderno de notas de asombros, ritmos extáticos, juegos e invenciones de formas a través del movimiento y la luz.

Sus películas, filmadas casi siempre con una cámara Bolex manejada a mano y con una ligereza coreográfica («el cuerpo eléctrico toma vida en una serie de pulsos e impulsos», según Brakhage), pintan, esculpen y tocan nuevos mundos perceptivos —en las flores de un jardín, las luces nocturnas, los azulejos de la Alhambra o el palpitar frenético de Nueva York—, e incorporan una gran variedad de recursos, diálogos con las artes y técnicas de animación como el collage o el stop-motion.

La sesión recorre la obra fundamental de Menken, desde su primera película hasta un conjunto de catorce piezas, tomando como punto de partida Notebook, para reflejar su carácter diarístico e íntimo, de exploración y reflejo de su sistema nervioso. Jonas Mekas: «Las canciones que solíamos cantar juntos hablaban de un jardín lleno de flores, de una niña que lo cuidaba. Las películas de Marie eran las flores de su jardín. Cuando estaba allí, abría su alma, con todos los deseos secretos y los sueños que contenía. Todas ellas son dulces, coloridas, perfectas y no demasiado voluminosas; todas ellas estaban hechas y atendidas con amor».

Marie Menken: Notebook, 1962, 10 min; Visual Variations on Noguchi, 1945, 4 min; Hurry! Hurry!, 1957, 4 min; Dwightiana, 1959, 4 min; Arabesque for Kenneth Anger, 1961, 4 min; Bagatelle for Willard Maas, 1961, 6 min; Glimpse of the Garden, 1957, 5 min; Lights, 1966, 6 min; Eye Music in Red Major, 1961, 5 min; Moonplay, 1964, 4 min; Mood Mondrian, 1965, 5 min; Sidewalks, 1966, 6 min; Excursion, 1968, 6 min; Go! Go! Go!, 1964, 11 min.

Proyección en 16 mm.

Copias procedentes de Filmmakers’ Coop.

Fecha: 8 febrero 2026

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online a partir del 16 de diciembre.

Laura Citarella, Billy Wilder y ‘Cine y Ciencia’ inauguran el cine de Tabakalera de 2026

La programación anual incluye el ciclo ‘Cine y escuelas de cine’ organizado por el Festival de San Sebastián y Elías Querejeta Zine Eskola

El bono de cine y las entradas para las proyecciones de 2026 estarán a la venta a partir del 19 de diciembre.

Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2026, que dará comienzo el 8 de enero. Esta propuesta ha sido diseñada de manera conjunta por las entidades que programan en la pantalla compartida del centro: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.

El programa de 2026 mantendrá su objetivo de fomentar la diversidad de públicos en la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Para lograrlo, la programación reforzará el diálogo entre el cine y otras disciplinas, a través de ciclos temáticos que exploran las intersecciones entre cine y música, cine y arte, cine y literatura o cine y ciencia. Además, se incluyen programas desarrollados con la participación de la UPV/EHU y EQZE.

La programación de 2026 se inaugurará oficialmente con el proyecto Cine hablado, que busca promover el acercamiento directo entre cineastas, espectadoras y espectadores. La primera sesión tendrá lugar el 8 de enero y contará con la presencia de Alberto Gastesi, quien recientemente presentó su película Singular en la sección oficial del Festival de Sitges. La proyección de su filme comenzará a las 17:00, e irá seguida de una conferencia en la que Gastesi compartirá con el público el proceso de creación.

Laura Citarella, Zineb Sedira y Lucile Hadžihalilović

El primer gran ciclo de la temporada estará dedicado a la cineasta argentina Laura Citarella. Integrante de la destacada productora El Pampero Cine (junto a Mariano Llinás, Alejo Moguillansky y Agustín Mendilaharzu), Citarella ha dirigido cuatro largometrajes proyectados en festivales como Venecia o San Sebastián, y ha destacado en la producción de aclamados títulos como Historias extraordinarias y La flor.

La realizadora visitará Tabakalera el 15 de enero para presentar Trenque Lauquen (Zabaltegi-Tabakalera 2022) considerada la mejor película de 2023 por la revista especializada Cahiers du Cinéma. Durante su estancia, la directora impartirá clases en EQZE y ofrecerá un taller abierto al público en el Laboratorio de Cine y Audiovisual. Además, el 17 de enero se proyectará El affaire de Miu-miu, tras lo cual Citarella conversará con Lur Olaizola, coordinadora de cine de Tabakalera.

En febrero, la fotógrafa y videoartista feminista franco-argelina Zineb Sedira visitará el centro con motivo de la inauguración de la exposición que se le dedicará en la Sala de exposiciones. Coincidiendo con la muestra, se organizará un ciclo de centrado en cineastas de Argelia y Marruecos. La primera de estas sesiones, el 21 de febrero, contará con la presencia de la propia Zineb Sedira, quien presentará la película Festival panafricain d’Alger 1969, dirigida por el fotógrafo y cineasta William Klein.

Entre abril y junio, Lucile Hadžihalilović, reciente ganadora del Premio Zabaltegi-Tabakalera en el Festival de San Sebastián, protagonizará una retrospectiva organizada en colaboración con EQZE. El ciclo permitirá disfrutar de la totalidad de la filmografía de la directora francesa, quien también impartirá clases como profesora invitada en la escuela de cine.

Por tercer año consecutivo, los estudiantes de la UPV/EHU serán los encargados de programar la sala de cine una vez al mes. La tercera edición del ciclo Jóvenes en el cine comenzará el 22 de enero con el objetivo de abrir la pantalla a las preferencias del alumnado y generar nuevos públicos.

El ciclo que explora la relación entre cine y literatura dará comienzo el 29 de enero. La escritora Eider Rodríguez será la primera invitada, en una sesión dedicada al film Beau travail, de Claire Denis. Este ciclo mensual ofrecerá una proyección, subtitulada en euskera, acompañada de una presentación también en euskera a cargo de un escritor o escritora.

Por su parte, el ciclo Cine y Música regresará el 31 de enero con una sesión especial con el dúo Niña Coyote y Chico Tornado que, además, ofrecerá una charla sobre el proceso de creación de una banda sonora.

Nosferatu. Billy Wilder

El nuevo ciclo Nosferatu comenzará en Tabakalera el 14 de enero y estará dedicado a la figura del realizador centroeuropeo Billy Wilder, uno de los grandes nombres del cine mundial del siglo XX, con la proyección de Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses, 1950).

Organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – La Filmoteca, el ciclo se desarrollará entre enero y diciembre de 2026, e incluirá la proyección de 32 películas.

La programación ofrecerá un completo recorrido por la extraordinaria filmografía de Wilder. Explorará sus inicios como guionista en la Alemania de los años treinta, su ópera prima como director en Francia — Mauvaise graine (Curvas peligrosas,1933)— , y su etapa como guionista, ya en EEUU, para cineastas de la talla de Ernst Lubitsch, Mitchell Leisen o Howard Hawks culminando con su primera película en Hollywood, The Major and the Minor (El mayor y la menor, 1942).

El escritor y crítico de cine Luis Alegre será el coordinador del libro Billy Wilder. Anatomía de un genio, número 22 de la Colección Nosferatu, que se publicará en enero acompañando el inicio del ciclo. La publicación incluye entrevistas realizadas para la ocasión con Fernando Trueba y Joseph McBride. En otoño de 2026 se editará el nº 14 de la Nosferatu Bilduma, en euskera, escrito por el profesor y estudioso del cine Zigor Etxebeste sobre la figura de Wilder.

Cine y escuelas de cine

Zinemaldia + Plus, el programa con el que el Festival de San Sebastián participa en la pantalla compartida de Tabakalera, dedicará su programación de 2026 al tema ‘cine y escuelas de cine’.

En el año 2018, la Elías Querejeta Zine Eskola abrió sus puertas a la primera promoción de estudiantes de creación, comisariado y archivo. El Festival de San Sebastián que de forma histórica había atendido a la etapa formativa de la profesionalización (ese salto al vacío que sucede entre la escuela de cine al mundo profesional) con secciones como Nest, participó en su propia gestación y, desde su apertura, ha coorganizado, junto con la escuela de cine, multitud de proyectos que han sido transformadores para el certamen internacional donostiarra.

Con el objetivo de ver cómo el cine ha tratado la formación de sus propios cuadros técnicos y artísticos, este ciclo, que se propone, como no podía ser de otra manera, en coorganización con Elías Querejeta Zine Eskola, recoge una serie de películas que suceden en la escuela de cine, que registran ese periodo vital, pero también películas que nacen literalmente del trabajo en el aula, películas colectivas y películas que difuminan la barrera entre el estudiante y cineasta.

El ciclo programará: We Can’t Go Home Again de Nicholas Ray (1973), Todos vós sodes capitán, Oliver Laxe (2010), Don’t Expect Too Much, Susan Ray (2011), Le concours de Claire Simon (2016), Los mutantes de Gabriel Azorín (2016), The souvenir: Part II de Joanna Hogg (2021), A Night of Knowing Nothing de Payal Kapadia (2021) y Tú me abrasas de Matías Piñeiro (2024).

Novena edición de Cine y ciencia

Como ya es habitual, la Filmoteca Vasca inicia su año cinematográfico con una nueva edición (la novena) del ciclo Cine y Ciencia. Este programa está organizado conjuntamente con el Donostia International Physics Center (DIPC) y el Festival de San Sebastián.

El ciclo arrancará el día 9 de enero y, siguiendo la tradición, será presentado por el presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike. Etxenike será el encargado de presentar la película inaugural: un clásico de la ciencia ficción, El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner, 1968). A través del lenguaje cinematográfico, este ciclo abordará diferentes disciplinas y problemáticas relacionadas con el mundo de la ciencia. El programa completo se dará a conocer próximamente.

La primavera de Filmoteca Vasca estará dedicada al cine vasco. Entre abril y junio se ofrecerán entre 10 y 12 sesiones que recogerán una pequeña parte de la producción vasca, tanto clásica como más reciente.

La celebración de tres importantes festivales de jazz en nuestro territorio (Vitoria-Gasteiz, San Sebastián, Getxo) convierte el mes de julio en el mes jazzístico vasco por excelencia, y la Filmoteca Vasca se une a esta fiesta musical y cinematográfica a través del ciclo Jazzinema, que cumple su primera década.

El otoño será el tiempo de los clásicos, con la tercera edición del ciclo Klasikoak, coorganizado con el Festival de San Sebastián. Se presentarán películas que han alcanzado la categoría de «clásicas» y que han sido recientemente restauradas. El Festival presentará las dos primeras entregas en septiembre, y la parte más extensa de Klasikoak se desarrollará entre octubre y diciembre.

Bono de cine 2026 y venta de entradas

El bono de cine de Tabakalera se renueva para 2026, y ofrecerá la entrada a 30 películas por 90€. Este bono es válido para las proyecciones de las instituciones socias de la pantalla compartida (Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera), a excepción de las programadas durante el Festival de San Sebastián 2026.

La compra del bono incluye, un año más, una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: el libro colectivo Dena egiteke dago, zinema tirokatu (coordinado por Iratxe Fresneda) o el libro en castellano Billy Wilder. Anatomía de un genio (coordinado por Luis Alegre).

El bono se podrá adquirir a partir del 19 de diciembre de 2025 a las 12:00 del mediodía, y la venta estará abierta hasta el 31 de enero de 2026 a las 12:00. Las compras y gestiones se podrán realizar tanto en la web de Tabakalera como en su Punto de Información. El consumo de las entradas del bono podrá realizarse desde el 1 de enero hasta el 31 de diciembre de 2026.

Simultáneamente, la venta de entradas ordinarias para las proyecciones de enero se abrirá en la misma fecha y hora (19 de diciembre de 2025 a las 12:00). La entrada ordinaria tendrá un coste de 4.5€. Este incremento de precio se verá compensado por la eliminación de los gastos de emisión por compra online. Los descuentos habituales seguirán aplicándose como hasta ahora.

Toda la información relacionada con el bono y la programación de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.

Filmin estrena el western rural de Athina Rachel,»Harvest», seleccionado en el Festival de Venecia

Caleb Landry Jones («Get Out») y Harry Melling («Pillion») protagonizan esta película con tintes de folk horror de la directora y productora griega conocida por «Attenberg» (2010). Estreno en Filmin el 28 de noviembre.

El próximo 28 de noviembre, Filmin estrena en exclusiva “Harvest”, el western con tintes de folk horror de la directora griega Athina Rachel Tsangari, productora habitual de Yorgos Lanthimos («Canino», «Alps») y de Richard Linklater («Antes del anochecer»). La película se estrenó en el Festival de Venecia, compitiendo por el León de Oro a la Mejor Película, y ganó el Premio Tops de la Crítica ACCEC en el Americana Film Fest. La historia está basada en la novela homónima de Jim Crace, nominada al Premio Booker en 2013 y editada en España por Hoja de Lata bajo el título «Cosecha». El reparto lo encabezan Caleb Landry Jones (“Tres anuncios en las afueras”, «Get Out»), Harry Melling (“Pillion”, «Harry Potter») y Frank Dillane (“Urchin”). Además, el film está producido por la ganadora del BAFTA Rebecca O’Brien, conocida por su trabajo junto a Ken Loach en la productora Sixteen Films.

«Harvest» narra la historia de una aldea rural aislada, de nombre y lugar indeterminados. Es época de cosecha y, a través de Walter (Caleb Landry Jones), vemos cómo cambia la comunidad con la llegada inesperada de tres personajes extraños: un cartógrafo, un inmigrante y un banquero. El caos se cierne definitivamente con el traspaso de las tierras del cercano señor Kent (Harry Melling), al desconocido señor Jordan (Frank Dillane). Una alegoría enigmática y brutal del capitalismo.

Crear comunidad 

La directora, Athina Rachel Tsangari, es una de las mayores exponentes de la nueva ola del cine griego junto a Yorgos Lanthimos. Además de su faceta de productora, mencionada anteriormente, Rachel es conocida por sus anteriores filmes: «The Slow Business of Going» (2000), «Attenberg» (2010) y «Chevalier» (2015). En esta ocasión, su primera vez rodando en inglés, la cineasta ha conseguido juntar a un elenco de ensueño, con nombres tan reconocidos como Caleb Landry Jones (“The florida project”, “Drácula”), Harry Melling (“Harry Potter”, “Pillion”), Frank Dillane (“Harry Potter”, “Urchin”) y Rosy McEwen (“Blue Jean”, “Scarpetta”) a los que se unieron los aldeanos reales del pueblo escocés en el que rodaron, ya que abrieron un proceso de casting en la escuela local.

La simbiosis fue especial y orgánica, según cuenta la directora: “Fue una colaboración muy natural con todos, elenco y equipo como una sola unidad. Vivíamos juntos, trabajábamos juntos, nadábamos, recolectábamos, comíamos, bebíamos juntos. Estábamos forjando una comunidad entre nosotros mientras hacíamos una película sobre la muerte de una comunidad”.

 

Atemporal, ambigua, pero a la orden del día 

Es difícil encasillar “Harvest” en un único género. Rodada en 16 mm y con luz natural, la película es una especie de espejismo: un lugar ambiguo, una época confusa, personajes existencialistas, nadie es ni bueno ni malo. La temática de la pérdida de la tierra y la comunidad es tan actual que Tsangari no quería especificar cuál era el tiempo o el lugar para no caer en ser simplemente una película de época. “Joslyn (guionista) y yo abordamos el guion como una historia moderna: está ocurriendo hoy y en todas partes. Estamos atrapados en este ciclo eterno de pérdida y exilio”, aclara la directora. 

Ella lo describe como un western nihilista: “Es un western, pero en este sentido primordial. Normalmente tienes una comunidad invadida por algo, ya sea el mal, o el progreso, o el dinero, y el héroe suele salvar el día. A mí me interesaba un western nihilista donde el personaje forma parte de la comunidad pero, al mismo tiempo, es un forastero. Realmente no pertenece. Hay un desplazamiento en la historia. Luego, al final, toda la comunidad está siendo desplazada, igual que él. No hay redención para él”. Es, en definitiva, un viaje irreal y místico por el que simplemente hay que dejarse llevar. 

Proyecciones Xcèntric: Arte contra el totalitarismo. El cine de Stefan y Franciszka Themerson

Europa (Franciszka y Stefan Themerson, 1931)

Esta sesión celebra dos figuras esenciales de la vanguardia europea del siglo xx: Stefan y Franciszka Themerson, pioneros del cine experimental en la Polonia de entreguerras

Antes de que el fascismo arrasara Europa, los Themerson ya advertían, con imágenes radicales y poesía visual, la amenaza inminente de los autoritarismos que se cernían sobre el continente. Su obra más emblemática, Europa (1932), basada en el poema futurista homónimo de Anatol Stern, condensa las tensiones políticas, sociales y existenciales de su tiempo. Collage, animación, sobreimpresiones, escritura visual: cada técnica es convocada al servicio de un mensaje claro y urgente, antibélico, antitotalitario, visceral. Cine como grito. Cine como antídoto.

En la Varsovia de los años treinta, realizaron cinco cortometrajes experimentales: Pharmacy, Europa, Moment Musical, Short Circuit y The Adventures of a Good Citizen (1937), el último de los cuales fue el único film anterior a la guerra que sobrevivió a la devastación. Ya en Londres, durante la década de 1940, filmaron dos obras más: Calling Mr. Smith (1943), una pieza antibélica de diez minutos que denuncia la destrucción de la cultura polaca bajo el nazismo, y The Eye and the Ear (1944-45), una interpretación visual de cuatro canciones de Karol Szymanowski.

Su lenguaje cinematográfico se sustentaba en una investigación material rigurosa: el movimiento de luces y sombras sobre objetos, exploraciones nacidas de sus trabajos con fotogramas entre 1928 y 1935. Muchas de las imágenes fueron creadas sobre una mesa de trucos improvisada por Stefan: colocaba objetos diversos sobre papel translúcido, iluminados desde arriba y fotografiados cuadro a cuadro desde abajo, en una coreografía artesanal entre el azar y el cálculo.

La historia de los Themerson se fractura con la invasión nazi de Polonia en 1939. Los negativos originales de Europa se pierden entre bombardeos y saqueos. Él es reclutado por el ejército polaco en el exilio; ella encuentra en el dibujo y la ilustración un refugio íntimo y una forma de resistencia estética. Reunidos en Londres, reinventan su obra y su vida. El trauma del exilio dejó huellas profundas, pero nunca apagó su impulso creativo.

Durante décadas, Europa fue considerada una obra perdida. Hasta que, en 2019, un milagro de archivo la devolvió al mundo: una copia fue hallada en la Bundesarchiv alemana por el Instituto Pilecki. Restaurada por Fixafilm en Varsovia y con una nueva banda sonora compuesta por Lodewijk Muns, Europa regresa no solo como documento histórico, sino como gesto de supervivencia. Hoy, su visión cobra una potencia renovada. En sus formas fragmentadas, en sus cuerpos en negativo, no vemos solo una alerta contra los fascismos del pasado, sino una advertencia urgente para los presentes que habitamos.

Franciszka y Stefan Themerson: Europa, 1931, 35 mm, 12 min; The Adventures of a Good Citizen, 1937, 35 mm, 9 min; Calling Mr. Smith, 1943, 35 mm, 10 min; The Eye and the Ear, 1944, 35 mm, 10 min; Stefan + Franciszka, Tomasz Pobóg-Malinowski, 1974-75, 8 mm, 18 min.

Proyección en digital.

Copias procedentes de Lux, excepto Stefan + Franciszka, procedente de GV Art London.

Fecha: 19 febrero 2026

Horario: 19.00. No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito