Los festivales de Málaga y San Sebastián celebran los 50 años de «Furtivos», la obra maestra de José Luis Borau, restaurada por Video Mercury Films y FlixOlé

Un libro editado junto con Caimán Cuadernos de Cine analiza el filme, que será Película de Oro en la 28 edición de Málaga e inaugurará la sección de clásicos del certamen donostiarra

El 8 de septiembre de 1975 se estrenó en el cine Amaya de Madrid Furtivos, hoy considerada la obra maestra de José Luis Borau, tras pasar por una serie de vicisitudes que no impidieron que se haya convertido en un clásico del cine español. Ahora, 50 años después, los festivales de Málaga y San Sebastián y la Filmoteca Vasca se unen para rendirle homenaje en su aniversario. Furtivos será la Película de Oro del 28 Festival de Málaga, que tendrá lugar del 14 al 23 de marzo, e inaugurará la sección Klasikoak de la próxima edición del Festival de San Sebastián. Será con una copia restaurada por Video Mercury Films / FlixOlé, en un homenaje que se completará con un libro editado por el Festival de Málaga, Filmoteca Española y Dama, en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine y el Festival de San Sebastián.

Dirigida y escrita por José Luis Borau, en colaboración con Manuel Gutiérrez Aragón, Furtivos está protagonizada por Ovidi Montllor, Lola Gaos y Alicia Sánchez. Cuenta la historia de Ángel, un cazador furtivo que vive en un bosque con su madre Martina, una mujer de carácter tiránico y violento. En uno de sus escasos viajes a la ciudad, conoce a Milagros, joven huida de un reformatorio y amante de un conocido delincuente. Ángel la protege y la lleva a su casa. La animosidad de la madre hacia Milagros, así como la atracción que Ángel siente hacia ella, unido al aspecto claustrofóbico de las relaciones entre los personajes, desembocan en un drama.

La exhibición de Furtivos estuvo tan condicionada por las autoridades franquistas que fue desestimada por los festivales de Cannes y Berlín. Fue mejor recibida en San Sebastián, punto de partida de su rotundo éxito de crítica y público, donde recibió la Concha de Oro a la mejor película y el Premio Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana. También logró el reconocimiento en los Premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, los Fotogramas de Plata y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias.

Antonio Isasi-Isasmendi entregando el premio Concha de Oro al director José Luis Borau, por la película «Furtivos» (1975) Archivo Festival de San Sebastián

Esta nueva copia de la película en 4K que se proyectará en Málaga y San Sebastián ha sido realizada por la distribuidora Video Mercury Films en colaboración con la plataforma FlixOlé. Para su proceso de restauración, se ha utilizado el negativo original en 35mm y se ha contado con la supervisión del cineasta y coguionista de la película, Manuel Gutiérrez Aragón.

El libro Furtivos. 50 años, de Carlos F. Heredero, vuelve a la película para documentar de manera fehaciente, por primera vez, la intrahistoria de tan singular proyecto: la cronología, las cifras, los papeles, la escritura del guion, el plan de producción, los dineros, los contratos, las localizaciones, las incidencias del rodaje, las actas de la censura, las conversaciones con los festivales, la distribución, la taquilla, su circulación internacional, las controversias y las amenazas, etc.

La radiografía ofrece nuevas perspectivas para enmarcar el filme en el contexto social, político y cultural del que surge, entre la criminal agonía de la dictadura franquista y las luchas que preparan la Transición a la democracia.

A su vez, el análisis de sus imágenes –herederas de Buñuel y de Goya, de la Castilla feroz de Gutiérrez Solana y del tremendismo de Cela– permite comprender la compleja naturaleza de su discurso y de sus formas. Una entrevista con Borau rigurosamente inédita hasta ahora, en torno a la película, completa la investigación.

“Sala:B”. Silvia Aguilar; Giallo y carnaval

Tráfico de menores (Enigma Rosso, Alberto Negrín, 1978). Int.: Fabio Testi, Christine Kaufmann. Ivan Desny. Silvia Aguilar. Italia. 35 mm. Color. 83’

El carnaval de las bestias (Paul Naschy, 1980). Int.: Paul Naschy, Eiko Nagashima, Silvia Aguilar. España. 35 mm. Color. 91’

Silvia Aguilar ha aparecido varias veces por las pantallas de «Sala:B» pero ya tocaba hacer una sesión doble de homenaje a esta actriz, con dos curiosos gialli que se disfrazan de otros géneros para transformarse en algo especial.

En Tráfico de menores, Silvia Aguilar interpreta a Virginia, una de las compañeras de una joven que aparece asesinada en un río. Virginia y sus amigas comienzan a ser acosadas y a recibir poemas amenazantes de un tal Némesis. El caso será investigado por el inspector Di Salvo, interpretado por Fabio Testi, quien centra sus pesquisas en el prestigioso internado donde las chicas estudian. La película mezcla tramas típicas del giallo italiano con elementos del poliziesco, aderezados con sexploitation a la italiana. Un montaje musical y en paralelo entre una clínica abortiva y una orgía lo demuestra. El reparto lo completan nombres tan familiares por aquí como Helga Liné, María Asquerino, Tony Isbert, Wal Davis o Fabián Conde. Esta coproducción italiana fue rodada en localizaciones como el antiguo Matadero, el Castillo de Viñuelas o el Parque de Atracciones de Madrid, y una de las secuencias más memorables tiene lugar en la mítica montaña rusa 7 Picos, ¡con Fabio Testi interrogando a Jack Taylor!

Dicen que El carnaval de las bestias fue la primera coproducción entre España y Japón, algo que solo el entusiasmo y la tenacidad de Paul Naschy podrían alcanzar. Silvia Aguilar ya conocía a nuestro womanizer favorito, pero aquí tiene que competir con Azucena Hernández y hasta una mujer nipona por sus irresistibles encantos. La película es un pastiche de géneros todavía más extravagante, saltando del cine de acción estilo Charles Bronson al melodrama erótico, del giallo al terror gótico. Adrián Esbilla describe la película como un ejemplo del «gótico cazurro», o la auténtica esencia de lo naschyano. La banda sonora incluye composiciones de Ennio Morricone y otros temazos poliziescos. Más caras conocidas: Pepe Ruiz, Paloma Cela, Luis Ciges, Ricardo Palacios, sin olvidar la tétrica casa de Torrelodones en la que más de una vez hemos estado.

Presentación a cargo de la actriz Silvia Aguilar y de Álex Mendíbil, comisario de Sala:B. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 190’)

España en libertad. 50 años’ y Filmoteca Española presentan “Imágenes para un país en libertad”

Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón (1980, Pedro Almodóvar)

Ángel Víctor Torres, ministro de Política Territorial y Memoria Democrática, y Ernest Urtasun, ministro de Cultura, han presentado esta mañana el ciclo ‘Imágenes para un país en libertad. Cine, ciudadanía y democracia (1975-2025)’ que con más de una veintena de películas invita a reflexionar sobre el largo y difícil camino emprendido por la sociedad española para recuperar la libertad y la democracia, y conocer, debatir y celebrar la transformación política, económica y social de nuestro país en las últimas cinco décadas.

Organizado por el Comisionado para la celebración de ‘España en Libertad. 50 años’ en colaboración con Filmoteca Española —organismo del Ministerio de Cultura encargado dela preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico—, el ciclo, que se extiende hasta diciembre de 2025, incluye títulos como ‘Camada negra’ (Manuel Gutiérrez Aragón, 1977) o ‘Maixabel’ (Iciar Bollain, 2021) en torno a la violencia política, ‘Vámonos Bárbara’ (Cecilia Bartolomé, 1978) o ‘Función de noche’(Josefina Molina, 1981), sobre la conquista de derechos y libertades femenina; ‘Numax presenta’ (Joaquim Jordá, 1979) sobre el empoderamiento de los ciudadanos; ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’ (2013, David Trueba) sobre la libertad de expresión; entre otras.

Se trata de un ciclo que reivindica al cine español como ‘lugar de memoria’, como herramienta para ayudarnos a comprender nuestra propia evolución como ciudadanos de un país que en 1975 dejaba atrás la dictadura. Pero también una reivindicación del cine —y de sus profesionales— como ‘agentes’ de la historia, como vehículo para mostrar los anhelos y esperanzas de una sociedad, sus luchas y reivindicaciones, a lo largo de estos 50 años.

El ciclo, que estará acompañado en sus sesiones con la presentación de directoras y protagonistas de las películas, da comienzo mañana 6 de febrero, a las 21 horas, con la proyección de Camada negra, de Manuel Gutiérrez Aragón. La proyección contará con la presentación del director y la comisionada para la celebración de ‘España en libertad. 50 años’. Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, celebra este 2024 los 35 años del Cine Doré como sala estable de proyecciones de la institución mediante el ciclo ´35×35. Cine Doré: 35 años, 35 mm´, que durante 6 meses homenajeará uno de los formatos que no ha parado de preservar y proyectar a lo largo de esas más de tres décadas.

Programación

Febrero Camada negra (Manuel Gutiérrez Aragón,1976) Maixabel (Iciar Bollain, 2021)

Marzo Vámonos, Bárbara (Cecilia Bartolomé, 1978) Función de noche (Josefina Molina, 1981)

Abril El puente (J. A. Bardem, 1977) Numax presenta (Joaquim Jordà, 1979)

Mayo Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013, David Trueba) El arreglo (1983, José Antonio Zorrilla)

Junio Mi querida señorita (1972, Jaime de Armiñán) Cambio de sexo (1977, Vicente Aranda)

Julio El cielo gira (2004, Mercedes Álvarez) En construcción (2001, José Luis Guerin)

Agosto Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón (1980, Pedro Almodóvar) Krámpack (2000, Cesc Gay)

Septiembre Vestigios en Súper-8: una crónica amateur de los años del cambio (2018, Elena Oroz y Xosé Prieto) Canciones para después de una guerra (1976, Basilio Martín Patino)

Septiembre Vestigios en Súper-8: una crónica amateur de los años del cambio (2018, Elena Oroz y Xosé Prieto) Canciones para después de una guerra (1976, Basilio Martín Patino)

Octubre El crimen de Cuenca (1979, Pilar Miró) + Regresa El Cepa (2019,Víctor Matellano) Rocío (1980, Fernando Vergara) + Caja de Resistencia (2024, ConchaBarquero y Alejandro Alvarado)

Noviembre O Corno (2023, Jaione Camborda) Estiu 1993 (2017, Carla Simón)

Diciembre Asignatura pendiente (1977, José Luis Garci)

Cineteca Madrid rinde homenaje a David Lynch y otros grandes maestros en un mes dedicado a la filosofía

El 1 de febrero se proyectará Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), precuela de la mítica serie que Lynch creó junto a Mark Frost

El ciclo ‘La fábula cinematográfica’ cumple su tercera edición proponiendo encuentros con pensadores en torno al cine y estrenos relacionados con la filosofía

Además, explora la influencia de Michel Foucault en el lenguaje cinematográfico contemporáneo y el universo conceptual de destacados pensadores

La primera retrospectiva en España del director de culto japonés Shinji Sōmai presentará la obra de este cineasta fundamental prácticamente desconocido en nuestro país

Se suma a la programación de febrero la proyección de la afamada trilogía del director polaco Krzysztof Kieślowski, Azul, Blanco y Rojo

La sección dominical de cine familiar se sumerge en el universo mágico de Hayao Miyazaki

El equipo de jóvenes programadores de CineZeta apuesta en su selección de este mes por mostrar visiones disidentes del erotismo en el cine

DESCARGA LA PROGRAMACIÓN COMPLETA

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se transforma en febrero en un punto de encuentro privilegiado para reflexionar sobre cuestiones filosóficas esenciales como la identidad, la verdad, la libertad, el miedo, el mal o la muerte, a través de una cuidada programación que incluye tanto películas de ficción como documentales. Este espacio ubicado en Matadero Madrid dedicará este segundo mes del año una sesión homenaje al recientemente fallecido David Lynch, dos ciclos a los grandes maestros Shinji Sōmai y Krzysztof Kieślowski y una mirada a la influencia del pensador Michel Foucault en el cine, además de adentrarse en el universo mágico de Hayao Miyazaki y en la relación entre cine y filosofía a través de una cuidada selección de proyecciones y encuentros.

Homenaje a David Lynch

Cineteca dedicará una sesión de homenaje al recientemente desaparecido David Lynch (1946-2025), uno de los cineastas más influyentes de las cuatro últimas décadas, cuyo cine ha sido un asiduo en las pantallas de las salas Azcona y Borau. Fallecido el pasado 15 de enero, la gran repercusión que ha tenido su muerte da fe de la devoción hacia su obra, que abarcó cine, televisión, música, diseño y fotografía. El 1 de febrero se proyectará Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), precuela de la mítica serie creada junto a Mark Frost. Una película incomprendida que el tiempo ha reivindicado como pieza clave en su filmografía.

Tercera edición de ‘La fábula cinematográfica: cine y filosofía’

En la ya habitual sección ‘Carta Blanca’, Cineteca invitará a tres pensadores contemporáneos que compartirán su interpretación sobre las películas seleccionadas exclusivamente para este ciclo. El jueves, 6 de febrero, dará comienzo el filósofo y escritor Javier Gomá, que bajo el título Un cine que da qué pensar argumentará su tesis sobre el cine como lugar privilegiado para mostrar la esencia de lo humano, previamente a la proyección de El sabor del té verde con arroz (Yasujirô Ozu, Japón, 1952). Su selección de películas se completa con Las manos en los bolsillos (Marco Bellocchio, Italia, 1965), La americanización de Emily (Arthur Hiller, EE.UU., 1964) y Los niños del paraíso (Marcel Carné, Francia, 1945).

El viernes, 14 de febrero, la especialista en cultura y literatura medieval Victoria Cirlot tratará en su conferencia el retrato de cuatro mujeres a través de la cámara de sendos grandes cineastas: Alain Resnais, Carl Theodor Dreyer, Chantal Akerman y Jacques Demy. El filme elegido para acompañar la conferencia es Una habitación en la ciudad (Jacques Demy, Francia, 1982). Este bloque incluye también la proyección de El año pasado en Marienbad (Alain Resnais, Francia, 1961), Gertrud (Carl Theodor Dreyer, Dinamarca, 1964), Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (Chantal Akerman, Bélgica, 1975).

La filósofa Eurídice Cabañes será la encargada de reflexionar en torno a los límites y fronteras de la tecnología que desafía nuestro pensamiento. Partiendo del lenguaje, nuestra tecnología más antigua, enfrentado a su versión alienígena en La llegada (Denis Villeneuve, Canadá-EE.UU., 2016), siguiendo con las propuestas especulativas de James Ward Byrkit en Shatter Belt (EE.UU., 2023) y la crítica mordaz del cine animado de Don Hertzfeldt, en una sesión que reunirá sus mejores cortometrajes. El viernes, 28 de febrero, eXistenZ (David Cronenberg, Canadá, 1999) servirá de contexto a la conferencia de Cabañes sobre tecnologías contemporáneas e imaginarias como los videojuegos.

Foucault llevado al cine junto a destacados pensadores contemporáneos

El pensamiento del filósofo e historiador francés Michel Foucault se infiltra en la pantalla de cine como una herramienta para desentrañar las complejas relaciones entre poder, cuerpo y subjetividad. En este ciclo, cuatro películas contemporáneas dialogan con los conceptos de Foucault, explorando distintos aspectos de su pensamiento. La primera entrega del ciclo, Nunca, casi nunca, a veces, siempre (Eliza Hittman, EE.UU., 2020) sigue a una adolescente que se enfrenta a un embarazo no deseado en un retrato íntimo y conmovedor de resiliencia. Titane (Julia Ducournau, Francia, 2021) es un thriller visceral que explora la identidad, el trauma y las relaciones humanas a través de la historia de una mujer. Completan el programa Possessor Uncut (Brandon Cronenberg, Canadá-Reino Unido, 2020), que combina ciencia ficción y terror siguiendo a una agente que utiliza la tecnología para cometer asesinatos, y Saint Maud (Rose Glass, Reino Unido, 2019), un inquietante thriller psicológico sobre una enfermera que quiere salvar el alma de su paciente terminal.

Además, Cineteca programa en febrero cuatro documentales de la serie Un œil, une histoire, dedicados a explorar el universo conceptual de destacados pensadores de la historia y la imagen contemporánea: Georges Didi-Huberman, Svetlana Alpers, Carlo Ginzburg y Victor Stoichita. Cada sesión será introducida por el joven filósofo Pablo Caldera, quien ofrecerá claves para profundizar en los diálogos entre pensamiento, historia y estética.

Sōmai y Kieślowski, grandes maestros compartiendo pantalla

La primera retrospectiva española del director de culto Shinji Sōmai y la proyección de la obra maestra del cineasta polaco Krzysztof Kieślowski son otras de las citas imprescindibles de la programación de Cineteca este mes.

Siete películas de Sōmai que reflejan la alienación, frustración y rabia de la juventud japonesa conforman esta retrospectiva organizada en colaboración con la Fundación Japón, con la que se pretende aliviar el desconocimiento en España de este cineasta fundamental. Destacan Typhoon Club (Japón, 1985), considerada la obra maestra del director, o Sailor Suit and Machine Gun (Japón, 1981), que narra la historia de una estudiante de secundaria que hereda el liderazgo de una banda.

Por otra parte, del 18 al 20 de febrero, Cineteca acerca al público la obra maestra del cineasta polaco Krzysztof Kieślowski, conformada por Azul, Blanco y Rojo, una lectura crítica de los ideales de la Revolución Francesa —libertad, igualdad y fraternidad— y un profundo ejercicio filosófico que interpela a grandes conceptos como la existencia y la condición humana.

Estrenos y visiones disidentes del erotismo

La selección de estrenos de este mes también se ocupa de cuestiones filosóficas sobre la creación, la historia y la resistencia política. Se proyectarán Objeto de estudio (Raúl Alaejos, España, 2024), En la alcoba del Sultán (Javier Rebollo, España-Francia, 2024), Dulcinea (Paloma Polo, España, 2023), Cyborg Generation (Miguel Morillo Vega, España, 2024), El arte de los analfabetos (Kevin Castellano y Edu Hirschfeld, España, 2024) y La marsellesa de los borrachos (Pablo Gil Rituerto, España, 2024).

Por su parte, el joven equipo de programadores de CineZeta ha compuesto un ciclo de cuatro sesiones que reflexionan en torno a visiones disidentes del erotismo. Integran la selección títulos como Shakedown (Leilah Weinraub, EE.UU., 2018), Finished (William E. Jones, EEUU, 1997) o Sex Is Comedy (Catherine Breillat, Francia, 2002), que explora los desafíos y tensiones tras la cámara mientras una directora lucha por dirigir una escena de sexo entre dos actores que no se soportan.

El universo mágico de Hayao Miyazaki y secciones habituales

La sección dominical ‘Cineteca en familia’ se adentra en el fascinante mundo de que ha cautivado a distintas generaciones con sus historias llenas de magia, fantasía y profundas lecciones de vida. Cineteca programa cuatro de sus películas más emblemáticas: Mi vecino Totoro (Japón, 1988), El viaje de Chihiro (Japón, 2002), El castillo ambulante (Japón, 2004) y El chico y la garza (Japón, 2003).

No faltarán a su cita las secciones habituales de Cineteca Madrid como el ‘Ciclo Docma’, que presenta Los últimos; ‘La noche Z’, que proyectará Los maestros tullidos; o ‘Somos documentales’, de Televisión Española, con las películas Félix Murcia, el pintor de películas y Ullate: La danza de la vida. La programación se completa con los pases especiales de L’année dernière à Dachau, La Carmen y Cineastas pioneras andaluzas: Pilar Távora.

Proyecciones Xcèntric: Historia de una segadora, de Katsuhiko Fukuda

Fotografía de Someya Katsu (protagonista de Historia de una segadora) por Yukie Hatano

Antiguo miembro de Ogawa Productions, el cineasta y escritor japonés Katsuhiko Fukuda vivió y trabajó en la zona rural de Sanrizuka, donde documentó la lucha contra la construcción del aeropuerto de Narita, así como historias individuales y la vida de la comunidad. Esta sesión incluye una charla ilustrada sobre su obra a cargo del programador Ricardo Matos Cabo y la proyección de una de sus películas, Historia de una segadora (1985).

Historia de una segadora (草とり草紙) es un retrato de Katsu Someya, una mujer de 86 años nacida en 1899 cuya casa se encuentra junto a la pista de aterrizaje del aeropuerto de Narita, en un terreno que fue confiscado y vendido para ampliar dicho aeropuerto en una segunda fase. Vive allí sola, alejada de su familia por decisión propia, resistiéndose a abandonar su tierra, y se dedica a la agricultura, escardando diariamente y trabajando en una fábrica de encurtidos. Los relatos de su vida, contados y repetidos, trazan décadas de la experiencia personal de resistencia de esta mujer. Su historia se entrelaza con las luchas por la tierra y los derechos de los campesinos de Sanrizuka ante la construcción del aeropuerto.

La película, filmada en 8 mm a lo largo de tres años, está estructurada en diecinueve capítulos y editada según los ritmos de la narración de Someya. Explora la disyuntiva entre el habla y la memoria de esta mujer a través de un montaje original de sonido e imagen. Posteriormente se amplió a 16 mm para poder imprimir en la película los subtítulos en japonés con las palabras de Someya. Su compañera, Yukie Hatano, produjo la película y realizó las tarjetas de título que anuncian las diecinueve secciones y las fotografías que proyectaremos antes de la película.

Historia de una segadora marcó un cambio en la práctica y el método documental japonés, incluso en su relación con la política, al centrarse en los pequeños gestos diarios y hacer mayor hincapié en las historias personales. La película tuvo una gran influencia para los cineastas que siguieron los pasos de Fukuda, entre ellos Makoto Satō y Haruka Komori.

Como introducción a la sesión, el programador Ricardo Matos Cabo impartirá una charla ilustrada sobre el cine de Fukuda, con particular atención a sus cuatro «cuadernos de cine» de 8 mm realizados en Sanrizuka entre 1979 y 1985, el último de los cuales se proyectará después de la charla.

Historia de una segadora (草とり草紙), Katsuhiko Fukuda, Japón, 1985, 88 min, 8 mm hinchado a 16 mm, subtitulado en japonés y catalán.

Agradecimientos: Yukie Hatano.

Subtítulos proporcionados por Punto de Vista—Festival de Cine Documental de Navarra, Courtisane & Subtitula’m.

Fecha: 23 febrero 2025

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida

 Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido

  Amigos CCCB: gratuito

 Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

«Vestida de azul», el pionero documental sobre la transexualidad, se estrena en 4K en Berlinale

Dirigida por Antonio Giménez-Rico, Vestida de azul se ha convertido en una película de culto para el colectivo LGTBIQ+ por la valiente forma en la que abordó el tema de la transexualidad durante la Transición española

Nacha Sánchez, superviviente del elenco de mujeres que participó en el documental, intervendrá en la premier

El cine español probaba los límites de la recién inaugurada democracia cuando el documental Vestida de azul (1983) llegó a las salas para abordar como nunca antes se había hecho el tabú de la transexualidad y descubrir la hiriente realidad que enfrentaban las personas del colectivo. Dirigida por Antonio Giménez-Rico, se convirtió en una película de culto de difícil acceso cuyo irremplazable testimonio se proyectará en una renovada versión en 4K en el 75º Festival de Berlín el próximo mes de febrero.  

El pionero e impactante documental en torno a las dificultades que atravesaban las personas trans durante la Transición española participará en Berlinale Classics, área del certamen dedicada a las restauraciones en alta calidad de obras históricas del séptimo arte y redescubrimientos cinematográficos. Será la segunda producción española en incluirse en esta sección, después de que en la pasada edición fuese seleccionada Deprisa, deprisa (Carlos Saura, 1981). Remasterizados ambos títulos por Mercury Films, en colaboración con la plataforma FlixOlé y en el marco de sus labores de conservación y difusión del patrimonio audiovisual español, la distribuidora estará presente por segundo año consecutivo en el festival cinematográfico que acoge la capital alemana.

Sobre dicha versión de Vestida de azul, el proceso ha consistido en el escaneo y posterior restauración de imagen y sonido del negativo original de 16mm, logrando como resultado la inédita versión de la cinta que se estrenará en clave mundial en Berlinale. Mercury Films recupera y promueve así una película que, hasta su incorporación en el catálogo de FlixOlé, permaneció durante décadas maldita debido a la limitada distribución que se hizo tras su paso por la gran pantalla.

Obra también de referencia para el colectivo LGTBIQ+, esta rareza del cine español que luchó por la aceptación de las personas trans será reivindicada por la propia Nacha Sánchez, superviviente del elenco de mujeres que participó en el documental, y quien intervendrá en la premier de la copia restaurada.

Insólito documento cinematográfico

Los años 80 gateaban en un país que jugaba a ser moderno al tiempo que intentaba despojarse de los fantasmas del franquismo. El cine comenzó a explorar historias censuradas durante la dictadura. Temas como la transexualidad no habían tenido representación en la gran pantalla española más allá de escenas caricaturescas o personajes trufados de clichés que se presentaban sin otro afán que ridiculizar al colectivo. Esta circunstancia, sumada al desconocimiento y prejuicios en materia de orientación sexual e identidad de género que arrastraba gran parte de la sociedad y medios de comunicación, acrecentó la estigmatización y humillación de las personas trans, cuyos mundos parecían quedar reducidos irremediablemente en aquella época a los cabarets y a la prostitución.

El director Antonio Giménez-Rico se propuso realizar un largometraje de ficción que abordase dicha realidad. Para la elaboración del guion, se ayudó de mujeres transgénero que compartieron sus experiencias con el cineasta. Fue entonces cuando éste comprendió que la película se encontraba ahí: en el sufrimiento y marginación con el que convivían en su día a día, por lo que decidió continuar indagando sobre ellas, pero con una cámara.

De las entrevistas surgió Vestida de azul, el documental que marcó un antes y un después al reflejar la desesperanzada cotidianidad, ilusiones y reivindicaciones de seis mujeres trans: Loren, Renée, Nacha, Eva, Tamara y Josette. A través de la primera, el espectador pudo conocer la hipocresía de una sociedad que las señalaba, perseguía e insultaba mientras reclamaba sus servicios encima del escenario o cuando hacían la calle; Renée reveló el miedo que experimentaban a la hora de presentarse ante sus familiares tal y como eran; un temor justificado por las agresiones verbales y físicas sufridas en su propio entorno, como así atestiguó Tamara, trans y gitana.

Frente a estas prácticas, Nacha ejemplificaba el lado más contestatario, mientras que Eva evidenciaba la incomodidad que se generaba en situaciones tan corrientes como mostrar el carnet de identidad. Por su parte, Josette revelaba las secuelas de los convencionalismos mediante un encuentro que mantuvo con su exesposa en el filme.

Seis mujeres que hicieron historia

Giménez-Rico condujo cada uno de los relatos alejándose de todo componente morboso y sensacionalista, y dirigió el peso narrativo sobre las protagonistas. Ello aportó profundidad al mensaje al tiempo que sirvió de crónica de cuanto rodeaba a las personas trans, ya que las confesiones delante de cámara caminaban en paralelo a las detenciones y encarcelamientos, falta de oportunidades laborales, agresiones y explotación sexual que padecían. También de los cambios que experimentaba la sociedad, coincidiendo la realización del filme con la despenalización de la operación de reasignación de sexo.

Los testimonios e incómodas verdades que con naturalidad y espontaneidad desfilaron en Vestida de azul hicieron de éste un novedoso documental. El mismo se proyectó en el Festival de San Sebastián, donde el público ovacionó durante diez minutos a las seis mujeres que valientemente compartieron con el mundo sus vivencias. La cinta, que también cruzó el charco para participar en el Chicago Film Festival, experimentó un considerable éxito; aun con el reducido presupuesto y equipo con el que contó, participando en el mismo el reputado director de fotografía, Teo Escamilla —quien a su vez intervino en la producción del filme junto al cineasta Jaime de Armiñán (Mi querida señorita, 1972) mediante la compañía Serva Films—.

«El Caso Abel Trem», Mejor Película en la sección Orizzonti del Festival de Venecia, llega a Filmin

«El caso Abel Trem»: El escándalo nacional de un examen suspendido. Fake news, ultranacionalismo y polarización son los tres ejes del mal de esta fascinante obra capital para entender el presente de Europa. Un ingenioso drama premiado en el Festival de Venecia.

El próximo viernes 3 de enero Filmin estrena, en exclusiva en España, la película «El caso Abel Trem»Explanation for Everything» según su título original), dirigida por el húngaro Gábor Reisz Bad Poems«). Se trata de un drama estrechamente vinculado con la realidad sociopolítica de una Hungría polarizada y que bajo el mandato de Viktor Orbán ha visto renacer una oleada de conservadurismo que afecta a todos los estratos de la sociedad. «El caso Abel Trem» ganó el premio a la Mejor Película de la sección Orizzonti del Festival de Venecia, y entre los muchos reconocimientos internacionales que ha recibido encontramos también la Lady Harimaguada de Plata a la segunda mejor película del Festival de Las Palmas.

En «El caso Abel Trem«, el protagonista de la película (Gáspár Adonyi-Walsh) es un joven estudiante enamorado en secreto de su mejor amiga Janka (Lilla Kizlinger), quien a su vez siente un amor no correspondido por el profesor de Historia de ambos, Jakab (András Rusznák). En el pasado, Jakab tuvo un enfrentamiento con el padre de Abel por razones políticas. Cuando Abel suspende el examen de Historia, el joven encuentra a su alrededor el caldo de cultivo perfecto para poner a Jakab entre la espada y la pared y convertir su suspenso en un asunto de Estado.

El quid de la cuestión en la película lo encontramos en un pin: «En el aniversario de la Guerra de Independencia de 1848, una de las celebraciones más prominentes de Hungría, es costumbre llevar un pin de nacionalidad compuesto por los colores de la bandera de nuestro país«, explica Gábor Reisz: «Los pines de nacionalidad exhibidos por el bando nacionalista durante eventos de partido y manifestaciones han cambiado bastante el significado de este símbolo en los últimos 20 años. Mientras que antes representaba la independencia húngara y un parentesco con nuestro país, hoy en día, cualquiera que lo lleve es considerado partidario de la nación, y cualquiera que no lo lleve es considerado enemigo«. Cuando Abel deje caer la idea de que su profesor le ha suspendido por llevar el pin de nacionalidad al examen, el asunto saltará a la opinión pública con dramáticas consecuencias.

«La situación se ha agravado tanto que ninguna reunión inocente de amigos o familiares puede llevarse a cabo sin que pronto se convierta en una discusión sobre quién está de qué lado, y, como resultado, las personas están cada vez menos interesadas en las opiniones de los demás, menos dispuestas a escucharse mutuamente«, afirma el director, muy activo socialmente en su país, especialmente en contra de la intervención del gobierno en la la Universidad de Artes del Teatro y del Cine de Budapest. 

Reisz ha escrito la película junto a su exprofesora, la guionista Éva Schulze. «Un aspecto importante durante el proceso de escritura fue entender e ilustrar las intenciones y la desorientación de ambos lados«, afirma. «El caso Abel Trem» no recibió financiación pública por parte del Fondo Nacional de Cine de Hungría, algo habitual con aquellos proyectos que tratan de diseccionar la realidad política del país. «Con la ayuda de mi socio, el productor Juli Berkes, y de un equipo de diecisiete personas muy jóvenes, a menudo al comienzo de sus carreras, pero muy entusiastas, la ayuda y los favores de amigos y familiares, y trabajando con un presupuesto muy pequeño, logramos rodar la película en 20 días«, concluye el director.

La ‘Generación Tabakalera’, protagonista en el programa de cine del Centro en su décimo aniversario

La pantalla de cine de Tabakalera mostrará durante todo el año las películas de la generación de cineastas que han consolidado su carrera en programas como Ikusmira Berriak o Noka con la ayuda del Centro y la EQZE.

El feminismo y las mujeres cineastas serán otro de los ejes que vertebrarán la oferta cinematográfica de Tabakalera durante 2025.

El bono de cine y las entradas para las proyecciones de 2025 estarán disponibles a partir del 20 de diciembre en la web y en el Punto de Información de Tabakalera.

Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2025, que dará comienzo el 10 de enero, de la mano de la propuesta elaborada por las entidades que programan en la pantalla compartida de Tabakalera: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.

El próximo año, Tabakalera celebrará su décimo aniversario, y la programación de cine será una prolongación de dicha efeméride, una puesta en valor del camino y el trabajo realizado durante estos años.

‘Generación Tabakalera’

La pantalla de cine de Tabakalera proyectará durante todo el año las películas de la generación de cineastas que ha iniciado y consolidado su carrera al amparo de los diversos programas de residencias y convocatorias de apoyo al cine, promovidas por las entidades que conforman la pantalla compartida, y que ha ido articulando un sistema de apoyo a la creación cinematográfica como Ikusmira Berriak o Noka.

El ciclo Ikusmira Berriak 10 años, parte de Zinemaldia + Plus, se organiza este año en colaboración entre el Festival de San Sebastián y Tabakalera, coincidiendo con el décimo aniversario del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. El nuevo ciclo propone explorar y celebrar, con mirada retrospectiva, los diez años que cumple la residencia cinematográfica Ikusmira Berriak, coorganizada por las dos instituciones junto a Elías Querejeta Zine Eskola, a través de 21 películas desarrolladas en el marco del programa y que ya han sido finalizadas y estrenadas en diversos festivales internacionales como el Festival de San Sebastián, Cannes, Venecia, Berlinale, Sundance, Locarno, Viennale, Márgenes, Torino o Mar del Plata, entre otros.

En la primera sesión, el 25 de enero, se proyectarán el corto El extraño (2016) y el largometraje El gran movimiento (2021), respectivamente dirigidos por Pablo Álvarez y Kiro Russo, mientras que el 1 de febrero coincidirá Calipatria, de Leo Calice y Gerhard Treml, con Eles transportan a morte (2021), de Helena Girón y Samuel Delgado. El 8 de febrero será el turno de Gwendolyn Green (Tamyka Smith, 2017) y All Dirt Roads Taste of Salt (Raven Jackson, 2023), el 15 de febrero el de Trote (Xacio Baño, 2018) y el 8 de marzo el de Las letras de Jordi (Maider Fernández Iriarte, 2019).

Estos son los demás títulos programados, cuyas fechas se concretarán próximamente: Chupacabra (Grigory Kolomytsev, 2020), Stephanie (Leonardo van Dijl, 2020) y Creatura (Elena Martín Gimeno, 2023), Jo ta ke (Aitziber Olaskoaga, 2020), Fantasía (Aitor Merino, 2021) -en la fase de proyecto de esta película también participó Amaia Merino-, El agua (Elena López Riera, 2022), Suro (Mikel Gurrea, 2022), Pornomelancholia (Manuel Abramovich, 2022), Antier noche (Alberto Martín Menacho, 2023), O Corno (Jaione Camborda, 2023), Dormir de olhos abertos (Nele Wohlatz, 2024), Ulysses (Hikaru Uwagawa, 2024) y Monólogo colectivo (Jessica Sarah Rinland, 2024). Aunque también formaron parte de Ikusmira Berriak las películas Muga deitzen da pausoa (2019), de Maider Oleaga, y 918 gau (2022), de Arantza Santesteban, no se proyectarán en la retrospectiva porque han sido recientemente programadas en el ciclo Cineastas Vascas de la Filmoteca Vasca. No obstante, ambas directoras participarán en la celebración presentando alguna película del ciclo.

El aniversario se complementará con un libro cuya publicación está prevista para primavera y que recogerá voces, imágenes y reflexiones acerca de Ikusmira Berriak. No sólo incluirá entrevistas con diez cineastas que han pasado por el programa, sino también aportaciones de algunas personas que han participado en las tutorías o de representantes de las instituciones que impulsan el proyecto. En definitiva, se trata de una memoria que contará los diez años de la residencia y en la que estarán presentes las 53 cineastas que han formado parte de su historia.

Por otro lado, Zinemaldia + Plus también ofrecerá en septiembre las tradicionales proyecciones vinculadas a la filmografía de los Premios Donostia de la edición.

Durante el fin de semana del 13 al 15 de junio, se celebrará el festival Generación Tabakalera, en el que se proyectarán proyectos desarrollados en la EQZE y películas estrenadas en diversos festivales internacionales y que se han desarrollado en los programas de impulso del talento cinematográfico emergente como Noka, una iniciativa dedicada a la tutorización, acompañamiento y apoyo de largometrajes dirigidos por realizadoras vascas que desde su inicio en 2019 ha contado con la participación de una veintena de mujeres cineastas.

El feminismo será otro de los ejes que vertebrará el programa de cine de Tabakalera, con especial protagonismo en ciclos como Nosferatu o la quinta edición de Cineastas Vascas, pero también con los ciclos específicos que durante 2025 se dedicarán a la directora Patricia Mazuy y Cine y literatura: Chantal Akerman con la presencia en el cine de las escritoras Itxaro Borda, Karmele Jaio y Danele Sarriugarte. Además, la visión y la práctica feminista estará presentes en otros ciclos y proyecciones a través de las temáticas o invitadas presentes en la programación.

‘Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine’

El próximo día 15 de enero comenzará en Tabakalera el nuevo ciclo Nosferatu, Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, que se acerca a la historia del cine desde un punto de vista femenino y feminista y que repasará sus 130 años de existencia a través de películas dirigidas por creadoras de todas las épocas y procedencias.

El ciclo, organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – La Filmoteca, se desarrollará entre enero y diciembre de 2025.

Desde 1896, con los trabajos de la pionera francesa Alice Guy (protagonista de la primera sesión, en la que se proyectarán tres de sus películas junto con una de Mabel Normand), hasta la actualidad esta muestra pretende revisar, proyectar y reivindicar el trabajo de directoras, guionistas, productoras y actrices, algunas reconocidas y reivindicadas en los últimos años, otras muchas olvidadas y eliminadas de las historias del cine.

La retrospectiva se inicia mostrando el trabajo de pioneras como Lois Weber, Frances Marion, Musidora, Dorothy Arzner, Ana Mariscal o Ida Lupino (clásicas), continua con, entre otras muchas, Agnès Varda, Chantal Akerman, Lorenza Mazzetti, Lina Wertmüller, Larisa Shepitko o Barbara Loden (modernas) y se cerrará en otoño con extrañas como Susan Seidelman, Naomi Kawase, Kathryn Bigelow, Jane Campion, Isabel Coixet o Mati Diop.

El ciclo se acompañará con la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera. El primero, Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, coordinado por Elisa McCausland y Diego Salgado, se publicará en enero de 2025. El segundo, coordinado por Iratxe Fresneda, se editará a finales del próximo año.

Octava edición de Cine y Ciencia

La Filmoteca Vasca comenzará el año con la octava edición del ciclo Cine y Ciencia, que organiza en colaboración con el DIPC (Donostia International Physics Center) y el Festival de San Sebastián. The Theory of EverythingLa teoría del todo– (James Marsh, 2014) inaugurará el año el próximo viernes 10 de enero y contará con la presentación del físico y presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike. Este programa, que se sirve de la universalidad del lenguaje cinematográfico para mostrar la profundidad del pensamiento científico, tiene por objetivo transmitir cultura cinematográfica y científica. Las doce películas que integrarán el ciclo, así como las sesiones escolares, se anunciarán a principios de enero.

Entre abril y junio tendrá lugar la quinta y última edición de Cineastas Vascas, que pondrá de relieve el trabajo de directoras vascas de largometrajes nacidas en los 80 y 90. Este ciclo, habitualmente programado en otoño, se trasladará a los meses de abril, mayo y junio. En julio, será el turno de Jazzinema, la feliz simbiosis entre cine y jazz. Y entre septiembre (durante el Festival de San Sebastián) y diciembre de 2025 y hasta en cinco capitales, la Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián proyectarán Klasikoak, una propuesta con tres grandes ejes que rescatará películas restauradas y memorables de la historia del séptimo arte: un festival de cine clásico extendido en el tiempo y en el espacio.

Patricia Mazuy, Chantal Akerman, Roberto Minervini

El 23 de enero y con la proyección de la película Peaux de vaches Tabakalera se dará inicio a la retrospectiva dedicada a la cineasta Patricia Mazuy, directora formada por el cine de Leone y Peckinpah y aprendiz de la legendaria Agnès Varda. Su filmografía cuenta con seis títulos repartidos a lo largo de más de tres décadas, pero con marcas siempre presentes como la violencia, el humor, lo rural y la mezcla de géneros.

A partir de enero volverá el ciclo que propone el cruce entre cine y literatura, y que en 2025 se centrará en la figura de Chantal Akerman. La primera sesión tendrá lugar el 16 de enero, con la proyección de un hito cinematográfico Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles y contará con una presentación de la mano de la escritora Itxaro Borda.

Roberto Minervini es un director, productor y fotógrafo italiano, residente en EEUU. Se dio a conocer internacionalmente con Stop the Pounding Heart (2014). The Other Side (2016) se estrenó en la sección Un Certain Regard de Cannes. Reconocido por una obra intimista y política que retrata la sociedad norteamericana rural, transita entre la ficción y el documental. Sus retratos de personas marginadas lo han convertido en un cineasta polémico pero indispensable en el panorama actual del cine. Minervini visitará Tabakalera a finales de mayo.

Además, Tabakalera continuará promoviendo el acercamiento entre cineastas y espectadores/as, y el cruce entre las distintas disciplinas creativas en su programación. Proyectos como Cine hablado, que propone un espacio de encuentro para que directores/as charlen en la sala de cine sobre el proceso de creación de sus películas, las sesiones para el público familiar Kameleoiak Gara!, el ciclo de Cine contemporáneo o Cine y Música, continuarán durante 2025.

El Centro también continuará incidiendo en la programación destinada especialmente a atraer nuevos públicos a la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Propuestas específicas como el Jóvenes en el cine, el grupo de programación conformado por estudiantes de la UPV/EHU, continuarán programando una vez al mes la sala de cine de Tabakalera. El 30 de enero proyectarán La Haine (1995), de Mathieu Kassovitz.

Bono de cine 2025 y venta de entradas

El bono de cine de Tabakalera se renueva por otro año, y ofrecerá a los/as usuarios/as la entrada por 120€ a 40 películas de entre todas las programadas por las instituciones socias de la pantalla compartida a lo largo de 2025: Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera, a excepción de las películas programadas durante el Festival de San Sebastián de 2025.

Un año más, la compra del bono incluye una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: AEBetako western post-klasikoa eta garaikidea o la citada Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine.

El bono se podrá adquirir a partir del 20 de diciembre de 2024 a las 12:00 del mediodía, hasta el 31 de enero de 2025 a las 12:00, tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro. También se abrirá en esa misma fecha y hora y en los mismos espacios la venta de entradas ordinarias correspondientes a las proyecciones del mes de enero.

El consumo del bono podrá realizarse desde el 1 de enero de 2025 hasta el 31 de diciembre de 2025 (ambos incluidos), y todas las gestiones vinculadas al bono podrán realizarse tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro: comprar el bono, enviarlo como regalo a otra persona, adquirir entradas para películas con el descuento del bono o consultar el saldo disponible.

Toda la información relacionada con el bono de cine 2025 y las proyecciones previstas para el mes de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.

“Sala:B”. Esperpento y underground

Historia de la vida de Blancanieves (Bernardo Fernández, 1969). España. DCP. B/N. 58’

El manuscrito encontrado en Zarazwela / Nos-fera-a-touts la pugnete (José Ernesto Díaz-Noriega, 1977). España. DCP. B/N. 97’

Con motivo del ciclo “El espejo deformante. Cine y esperpento” entre Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía, programamos esta sesión doble de underground español que abraza sin miedo los reflejos deformantes de las fábulas y el expresionismo para contar a un país que todavía no se podía contar a sí mismo.
 
Estas Navidades, «Sala:B» os trae un regalo en forma de cine underground español, ese que tanto nos cuesta encontrar y tanto anhelamos. Hemos conseguido reunir dos muestras excepcionales, marginales en su nacimiento y, por si eso fuera poco, castigadas por la censura hasta casi hacerlas invisibles. Historia de la vida de Blancanieves nació como práctica de Bernardo Fernández en la Escuela Oficial de Cine, con tan mala suerte que en su promoción entró un nuevo director (Juan Julio Baena) solicitando que las prácticas de los alumnos se sometieran a la Junta de Censura. Esto provocó que ese espacio único de libertad, donde los cineastas se podían expresar antes de salir a la industria amordazada por el franquismo, fuera perseguido incluso con carácter retroactivo, impidiendo que trabajos anteriores de Pedro Costa o Antonio Drove pudieran ser exhibidos fuera de la Escuela. Uno de los censores calificó Historia de la vida de Blancanieves como “subversiva, infecta, irreverente, sucia, sexual, grosera en imágenes y lenguaje”; otro la tachó de “subversiva y maloliente”. Para David Bizarro, invitado a la sesión, “esta versión ácrata de la fábula de Blancanieves podría definirse como el precedente directo de Alicia en la España de las maravillas (1978) y Gulliver (1977)”. Ojo a las afiladísimas menciones a la monarquía y a los tejemanejes del poder desde castillos muy cercanos al cine Doré.

El manuscrito encontrado en la Zarazwela (“titulada en francés Nous-ferá-tous la Pugnete”) no se queda corta en corrosión y analogías con la escena política española. Se trata de un redoblaje de José Ernesto Díaz-Noriega, JEDN, pionero del cine amateur y la parodia cinéfaga, que convierte el Nosferatu de Murnau en un esperpento sobre las falsas promesas aperturistas de Arias Navarro (aquí Dráculas Navarro), presidente del último gobierno de Franco (Duque de Franconia). Apuntemos el reparto de nombres en clave: Jonathan Carolous (Juan Carlos I), Nina Democracia (Sofía), el Doctor Plaga (Fraga), Adolfus Suave, el castillo de Meirás e Non Tornarás… Como señala Bizarro: “aunque nacido en Barcelona, el sentido del humor de JEDN es consustancial a la retranca gallega. Sufrió la misma maldición que el Nosferatu de Murnau, que a punto estuvo de desaparecer para siempre cuando la viuda de Bram Stoker ganó el juicio sobre derechos de autor y el tribunal ordenó quemar los negativos originales. A Díaz-Noriega le robaron su única copia en Madrid y tuvo que volver a sincronizar el audio en un nuevo Super-8.”

Presentan la sesión David Bizarro, investigador de lo paranormal, médium del audiovisual y miembro de la editorial La Felguera, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’.

(Total sesión: 170’)

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré

Viernes27/12/202420:00

Proyecciones Xcèntric: A Man Playing Movie. Una antología del cine de vanguardia japonés

Xerophtalmie (Akihiko Morishita, 1984), Movie watching (Jun’ichi Okuyama, 1982) i Xerophilie (Akihiko Morishita, 1984)

Esta sesión, un acercamiento al cine de vanguardia japonés de los años setenta y ochenta, reúne la obra de las figuras tutelares de aquella vanguardia con la de artistas prácticamente invisibilizados. El cine ilusionista y lúdico de estas tres generaciones de cineastas combina la representación del paisaje con el análisis minimalista del dispositivo cinematográfico.

Partiendo del mar como motivo (The Pacific Ocean, Heliography, 3···, Walking Works), de la indagación sobre la mecánica del cine (Xérophtalmie, Xérophilie, Spacy, A Man Playing Movie, Wiper) o de una inusitada combinación de ambas aproximaciones (Movie Watching, The Time Slit), las películas de este programa construyen visiones ampliadas que solo posibilita una cámara. Sin embargo, a pesar de las tonalidades compartidas, en esta sesión también se despliega una ecléctica variedad de métodos y referencias de estos cineastas.
Takahiko Iimura condensa una travesía por el Pacífico en la ilusión de un único horizonte. En sus desafíos fisiológicos, Hiroshi Yamazaki altera el eje vertical de la visión o reitera un persistente encuadre a lo largo de diferentes distancias o coordenadas. Itaru Kato y Takashi Ito elaboran sus trampantojos y divertimentos enmascarando o confundiendo imágenes fijas y en movimiento, explorando así la relación entre profundidad y superficie. Del letrismo a Fluxus, Akihiko Morishita encuentra en la referencialidad la ironía con la que construye sus sarcásticos collages. Finalmente, Jun’ichi Okuyama pone en abismo los engranajes de la proyección y sus posibles interferencias, componiendo así analogías líricas asombrosas.

The Pacific Ocean, Takahiko Iimura, 1971, sin sonido, 11 min; Heliography, Hiroshi Yamazaki, 1979, 6 min; Movie Watching, Jun’ichi Okuyama, 1982, sin sonido, 12 min; 3···, Hiroshi Yamazaki, 1984, 5 min; The Time Slit, Jun’ichi Okuyama, 1989, 6 min; Xérophtalmie, Akihiko Morishita, 1984, sin sonido, 9 min; Walking Works, Hiroshi Yamazaki, 1983, 5 min; Xérophilie, Akihiko Morishita, 1984, sin sonido, 9 min; Spacy, Takashi Ito, 1981, 9 min; Wiper, Itaru Kato, 1985, 7 min; A Man Playing Movie, Jun’ichi Okuyama, 1986-87, 10 min.

Proyección en 16 mm.

Copias procedentes de Light Cone (Francia) e Image Forum (Japón).

Agradecimientos a Kenji Kadowaki.

Fecha: 20 febrero 2025

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

«The Sweet East», debut de Sean Price Williams, llega a Filmin el 29 de noviembre

La primera película como director del genial director de fotografía Sean Price Williams («Good Time») aúna poesía y política para retratar la América contemporánea.

El viernes 29 de noviembre llega a Filmin «The Sweet East», primera película como director de Sean Price Williams, uno de los directores de fotografía más influyentes del cine indie americano en los últimos años. Williams ha trabajado con cineastas como Abel Ferrara («Zeros and Ones«), los hermanos Safdie («Good Time«), Alex Ross Perry («Listen Up Philip«) o Athina Rachel Tsangari («Harvest«), entre otros, y ahora dirige su primera película que ha coescrito junto a su amigo Nick Pirkenton. «The Sweet East» está protagonizada por un reparto repleto de jóvenes promesas de la interpretación estadounidense como Talia RyderNunca, casi nunca, a veces, siempre«), Jacob Elordi (de la serie «Euphoria«), Earl Cave («La escuela del bien y del mal«) o el más veterano Simon Rex, el protagonista de «Red Rocket» de Sean Baker. Entre los múltiples reconocimientos que ha recibido la película -estrenada en España en la Seminci de Valladolid y posteriormente en cines de la mano de Caramel- destacan premios en los festivales de Deauville, Ghent o Beijing.

Williams y Pinkerton confiesan que una de las mayores inspiraciones de «The Sweet East» es «Carretera asfaltada en dos direcciones«, de Monte Hellman, aunque rehuyen las etiquetas y no creen que su película pueda ser calificada como una road movie. «Una road movie de verdad es algo que viene definido por reglas concretas. Nuestra película terminada podría ser una road movie, pero como ese género se rige por ciertas reglas, no creemos que forme parte de esa categoría«, afirma Williams. «No creo que la película pertenezca a ese género porque se centra más en las paradas en boxes que hace su protagonista que en estar en la carretera«, añade Pinkerton.

La película, que se autodefine como una versión punk de «Alicia en el país de las maravillas«, dibuja un retrato poético y político de la América contemporánea y sus subculturas. «La mera reivindicación del patriotismo norteamericano en el siglo XXI parece irritar a la mayoría de los círculos en los que nos movemos. Creo que la película está inspirada en ese simple hecho«, afirma Williams, que confiesa que su film está repleto de escenarios, personajes y situaciones extraídos de su propia vida y la de su coguionista.

«The Sweet East» destaca también por ser el primer papel protagonista de Talia Ryder, llamada a ser una de las próximas estrellas jóvenes de Hollywood. Vista hasta ahora en «West Side Story«, de Steven Spielberg, o «Golpe a Wall Street«, de Craig Gillespie, tiene pendiente de estreno «The American«, biopic de la bailarina de ballet Joy Womack, la primera estadounidense que ingresó en la prestigiosa Academia de Ballet Bolshoi de Moscú. Williams se deshace en elogios con ella: «Talia fue la primera persona con la que me reuní para interpretar el papel de Lillian. Me impresionó por muchas razones. Pero ella fue la primera, así que, como amante de la historia del cine, no podía asumir que la primera persona que veía fuera la indicada. Hablé con otras. Gente estupenda que me hizo muy buena impresión. Fue emocionante descubrir tantos actores jóvenes y brillantes. Cuando volví a ver a Talia, hizo muchas preguntas. Y quedó claro que ella entendía al personaje más a fondo que cualquiera de nosotros. Confié totalmente en ella. Si no le gustaba una línea, la cortábamos. Hizo muy buenas sugerencias para el casting y siempre las tuvimos en cuenta. Hizo gala de un gran instinto durante el montaje. No paraba de impresionarme. No tuve más remedio que reconocer que Talia era Lillian«.

Un retrato unidimensional, primer tráiler para «Limonov» de Kirill Serebrennikov

Acaba de ser presentado un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de la esperada adaptación al cine de la novela biográfica escrita por Emmanuel Carrère Limonov. Dirigida por Kirill Serebrennikov, Betrayal (2012), (M)uchenik (2016), Leto (2018) o la reciente La mujer de Tchaikovsky (2022), el film tras estar presente el pasado mes de mayo en el Festival de Cannes llegará a los cines de Francia el próximo 4 de diciembre, a nuestro país, de la mano de Filmin, lo hará el 21 de febrero de 2025.

La película nos cuenta la historia del escritor y político ruso Eduard Limonov, poeta radical soviético que se convirtió en un vagabundo en Nueva York, una sensación en Francia y un antihéroe político en su país natal. Un personaje desmesurado y estrafalario, con una peripecia vital casi inverosímil, sus vivencias ayudan a trazar un contundente retrato de la Rusia de los últimos cincuenta años y al mismo tiempo en una indagación deslumbrante sobre las paradojas de la condición humana.

Limonov, con guion adaptado a cargo del propio Kirill Serebrennikov junto a Ben Hopkins y Pawel Pawlikowski, está protagonizada por Ben Whishaw, Sandrine Bonnaire, Viktoria Miroshnichenko, Louis-Do de Lencquesaing, Ivan Ivashkin, Tomas Arana, Mariya Mashkova, Corrado Invernizzi y Victor Solé.

  

“Sala:B”. Homenaje a la Gimpera

•    Fata Morgana (Vicente Aranda, 1966). Int.: Teresa Gimpera, Marianne Benet, Antonio Ferrandis. España. 35 mm. VOSFR. Color. 84’
•    La ocasión (José Ramón Larraz, 1978). Int.: Javier Escrivá, Teresa Gimpera, Ángel Alcáraz. España. 35 mm. Color. 85’

Dedicamos este programa doble a nuestra madrina, la única e irrepetible Teresa Gimpera, que nos acompañó en el nacimiento de «Sala:B» y nos dejó el pasado verano. Sirva este homenaje como prueba de nuestro agradecimiento y eterna fascinación por su trabajo.

Empezamos con Fata Morgana porque fue el debut de la Gimpera y porque marcó el camino para un cine fantástico diferente, que encontraría terreno fértil en Cataluña y hasta una sede permanente. Gim, el papel que ella interpreta, inaugura un modelo de mujer ajeno a la filmografía de la época, un icono de feminidad múltiple: bruja, femme fatale y final girl todo en uno. Fata Morgana, dirigida por Vicente Aranda y escrita por Gonzalo Suárez, desafió las convenciones del cine español, poco o nada preparado para este chute de modernidad. La película se inscribe en el cine experimental y de autor de los años 60, dando pie a lo que se conocería como Escuela de Barcelona, pero sus conexiones con el cine de serie B son innegables, especialmente en lo que respecta a la ciencia ficción, los escenarios futuristas y el uso de estética de comic. Aranda toma elementos propios de la cultura pop como los ambientes opresivos, los personajes casi robóticos y la narración esquemática, para hacer una crítica existencial sobre la sociedad y la despersonalización del mundo moderno.

En La ocasión de José Ramón Larraz, otro habitual de esta sala, la Gimpera retoma ese modelo femenino en un contexto completamente diferente. Ella ya ha superado su etapa de musa de la gauche divine y el cine de la Transición permite que el erotismo y la violencia dejen de ser una fantasía en las pantallas españolas. Ahora, los deseos de aquella mujer prototípica se desvelan y se explicitan en clave de serie B sin artificios. Este thriller psicológico con tintes eróticos combina los temas del deseo, la traición y la tensión entre clases sociales, muy afines a Larraz. Un empresario rancio (Simón Andreu) y su esposa (Teresa Gimpera) se mudan a una casa de campo aislada donde empiezan a desarrollarse ambiguos juegos de seducción y tensión sexual con un joven “pasota” que no desentonaría en la familia Manson.

Presentación a cargo de XXXXXX y Álex Mendíbil, comisario de Sala: B. Duración de la presentación 15’. (Total sesión: 185’)

Cine Doré: Viernes 29/11/2024     19:30 H

El ciclo El espejo deformante. Cine y esperpento llega al Museo Reina Sofía y Filmoteca Española

Como cada año, el Museo Reina Sofía y Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, organizan un ciclo que se extiende durante dos meses en otoño y que, en esta ocasión, está dedicado a la relación entre cine y esperpento. Este ciclo se desarrolla de forma paralela a la exposición Esperpento. Arte popular y revolución estética, muestra organizada por el Museo Reina Sofía que se podrá visitar hasta el próximo 10 de marzo.

Comisariado por Chema González (Museo Reina Sofía), y Miranda Barrón y Carlos Reviriego (Filmoteca Española), el ciclo se divide en dos amplios programas, cada uno en una sede. En Filmoteca Española, un ensayo sobre el cine español a partir de esta categoría estética. En el Museo, versiones contemporáneas del esperpento en el cine y vídeo más reciente y heterodoxo realizado en España, Portugal y América Latina.

Consulta la programación completa en la página web del Museo Reina Sofía Nueva ventanay las sesiones en el cine Doré

https://www.cultura.gob.es/dam/jcr:3452dbe9-0871-4a1d-ad4a-40e75c7e999b/np-ciclo-cine-y-esperpento.docx

Educa tu mirada. Seminario online: Werner Herzog

Impartido por Antonio José Navarro

Seminario online en directo
30 de noviembre, de 10.30 a 14.30h

Presentación
Sin duda, el alemán Werner Herzog es uno de los artistas cinematográficos más complejos y apasionantes de la actualidad. Con una obra que supera los sesenta títulos, entre films de ficción, documentales y telefilmes, Herzog empezó su carrera al calor del llamado “Nuevo Cine Alemán” —junto a Volker Schlöndorff, Rainer Werner Fassbinder, Margarethe von Trotta o Hans-Jürgen Syberberg—, convirtiéndose en uno de sus más destacados representantes gracias a películas como También los enanos empezaron pequeños (1970), Aguirre, la cólera de Dios (1972), El enigma de Kaspar Hauser (1974), Stroszek (1977) o Nosferatu, vampiro de la noche (1979). Posteriormente, a partir de Fitzcarraldo (1982), su constante deseo de experimentación y búsqueda de nuevos espacios cinematográficos y filosóficos —«Hay estratos muy profundos de verdad en el cine, una verdad poética, extática. Es misteriosa y esquiva, y solo se puede alcanzar a través de la invención, la imaginación y la estilización»—, le han llevado a reinventar el cine documental y el mismo cine de ficción, con Lecciones en la oscuridad (1992), La cueva de los sueños olvidados (2010), Teniente corrupto (2009) o Queen of the Desert (2015).

Objetivo
Desarrollar la sensibilidad estética a través de la mirada de Antonio José Navarro. 

Metodología
El seminario se imparte en directo por videoconferencia. Se visualizan y comentan escenas de la filmografía de Herzog, seleccionadas por Antonio José Navarro.

Impartición
Antonio José Navarro es crítico e historiador de cine, miembro de la Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) y de la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC). Ha escrito sobre cine en diversos medios como Dirigido por, Imágenes de Actualidad, Time Out Barcelona o El Periódico de Catalunya. Ha publicado diversos libros de cine como El imperio del miedo. El cine de horror norteamericano post 11-S (2016), Choque de titanes. 50 películas fundamentales sobre la Guerra Fría (2017), y la Guerra contra el Terror (2021) o El banquete infame. Representaciones del canibalismo en el cine (2022).

Precio
60€ (incluye suscripción mensual a Filmin)

https://www.educatumirada.com/matriculacion/

Proyecciones Xcèntric: Los pasadizos secretos. Apuntes sobre animación experimental

Al hilo de la reciente publicación de su ensayo Los pasadizos secretos para la colección «Breus del CCCB», la cineasta y programadora Elena Duque presenta un programa de animación experimental con piezas icónicas de diferentes estilos, épocas y procedencias, que dan una idea de la riqueza de este género. 

En una de las definiciones de la animación más célebres y difundidas de la historia, Norman McLaren dice que «lo que pasa entre cada fotograma es mucho más importante que lo que hay en cada fotograma. La animación es por tanto el arte de manipular los intersticios invisibles que hay entre fotogramas». En esos intersticios invisibles, pasadizos secretos ocultos en las películas hechas fotograma a fotograma, se esconde el trabajo de quienes hacen animación, que se nos sustrae con el fin de crear esas imágenes en movimiento imposibles. Los pasadizos secretos. Apuntes sobre animación experimental, libro recientemente publicado en la colección «Breus del CCCB» al hilo del catálogo del Archivo Xcèntric, traza una historia del cine de animación en base a esta idea fijándose en la labor manual de las animadoras y animadores, personas poseedoras de un tipo de inteligencia singular capaz de ver las posibilidades infinitas que esos tiempos ocultos ofrecen.

Programa:

Ko-Ko’s Earth Control, Dave Fleischer, EE.UU., 1928, 35mm a digital, 8’; Wall, Takashi Ito, Japón, 1987, 16 mm, 7’; Hus, Inger Lise Hansen, Noruega, 1997, 16 mm, 7’; Persian Pickles, Jodie Mack, EE.UU., 2012, 16 mm, 3’; The Dante Quartet, Stan Brakhage, EE.UU., 1987, 16 mm, sin sonido, 6’; Recreation, Robert Breer, EE.UU., 1957, 16 mm, 2’; Frank Film, Frank y Caroline Mouris, EE.UU., 1973, 16 mm a digital, 10’; Bang!, Robert Breer, EE.UU., 1986, 16 mm, 10′; Selfportrait, Maria Lassnig, Austria, 1971, 16 mm a digital, 4′, VOSC.

Proyección en 16mm y digital. Copias procedentes de Light Cone excepto Selfportrait (Sixpackfilm), Ko-Ko’s Earth Control y Frank Film. 

Notas del programa:

Max y Dave Fleischer fundaron un estudio de animación en los años veinte, aplicando una imaginación sin par a su serie Out of the Inkwell, protagonizada por un payaso llamado Koko que se escapa del tintero del dibujante. Esta mezcla del mundo real y el animado ofreció a los hermanos oportunidades para desarrollar su ingenio. En «Ko-Ko’s Earth Control» vemos cómo la mano del dibujante hace nacer al dibujo animado, en un trabajo que termina siendo inusitadamente vanguardista: no solo prefigura un fin del mundo climático, sino que se adelanta a los flicker films, ofrece un ejemplo primigenio de animación de collage y hasta emplea la pixilación, una forma de animación que usa seres humanos. Si la mano del creador en pantalla sirve a los Fleischer para unir sin fisuras la imagen real y la animada, en el caso de Wall, de Takashi Ito, sirve para revelar el «truco» de la película sin por ello anular su magia. Ito crea espacios imposibles refotografiando cuadro a cuadro fotografías fijas impresas en papel, manipulando así la geometría de las calles y edificios a su antojo.

Moldear el mundo a gran escala, hacerlo bailar un baile nuevo, es lo que hace Inger Lise Hansen en Hus. Animando una cabaña de madera a escala real en el desierto californiano, Hansen introduce otro elemento que revela su intersticio invisible: la luz natural, cuyo movimiento nos hace tomar consciencia del paso del tiempo al animar. Usando también elementos de la realidad, emprendemos un viaje hacia la abstracción. Jodie Mack crea películas estroboscópicas con elementos domésticos y populares como encaje, telas estampadas, mantas y tie dye. En esta ocasión, el estampado de «bacterias» o paisley, un cliché de la moda de los sesenta, le sirve para crear un trabajo rigurosamente plástico (que también juega con el sonido) que a la vez reflexiona sobre esta cultura de la mercancía barata, los deshechos del capitalismo y la división entre el Arte con mayúsculas y lo vulgar y cotidiano. Esta abstracción hecha con materiales de uso tiene que ver con la pintura, al igual que una de las películas pintadas más importantes de Stan Brakhage: The Dante Quartet. En este caso, el trabajo material se vuelca sobre la tira de película que Brakhage pinta con inspiración del expresionismo abstracto y de su investigación de los mecanismos de la visión, en un momento en el que su técnica se refina también gracias al trabajo posterior en impresora óptica.

Robert Breer, originalmente pintor, también se dedica a experimentar con la percepción, y en concreto a lo que ocurre con la rápida alternancia de fotogramas dispares. En la ráfaga veloz que es Recreation, Breer comprime trozos de cartulina, pintura, herramientas, guantes y hasta trozos de pan que se funden en un collage creado en nuestros propios ojos. La abstracción va volviendo al mundo real, y a las posibilidades azarosas de la combinatoria de fotogramas sobre la percepción. La animación de collage, de la que Breer es pionero, es lo que usan Frank y Caroline Mouris en la acumulación obsesiva de recortes de objetos similares clasificados de acuerdo a un hilo autobiográfico, el de Frank, en el que habla de su encuentro con la animación al tiempo que dibuja un retrato de los Estados Unidos consumistas de la postguerra a través, precisamente, de los anuncios coloridos de esos objetos que prometían felicidad y bienestar.

Con los años, la experimentación rigurosa de Breer se va fundiendo en una combinación alquímica perfecta con un componente personal casi diarístico. En Bang!, Breer recupera sus dibujos y obsesiones de infancia en una película en la que caben momentos de flicker, «continuidad discontinua», rotoscopia, crisis existenciales y teléfonos con patas. Y justamente esa capacidad de la animación para expresar lo inexpresable es lo que nos ofrece nuestro último pasadizo secreto: los muy particulares «dibujos animados» de la pintora austriaca Maria Lassnig, que en este autorretrato nos confía los pensamientos y sentimientos particulares y específicos de una mujer volcada en el trabajo creativo.

Fecha. 24 noviembre 2024

Horario. 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio. Auditorio

Precio. 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

FlixOlé restaura y estrena La Laguna Negra, la película maldita de crimen y castigo en la España rural

Dirigida por Arturo Ruiz-Castillo, esta crónica de la España negra fue una de las primeras adaptaciones cinematográficas de la obra de Antonio Machado

FlixOlé recupera la película maldita del cine español: La Laguna Negra (1952), la historia de un terrible crimen con la que el también olvidado director, Arturo Ruiz-Castillo, enseñó el lado más oscuro de un país marcado por la envidia y la violencia. Restaurado en los laboratorios de la plataforma, este título invisibilizado durante décadas se estrenará en su catálogo el próximo viernes, 8 de noviembre. Previamente, en colaboración con Filmoteca Española, el filme se podrá ver en el cine Doré el miércoles, 6 de noviembre, en un pase que tendrá lugar en la Sala 1 a las 21:00 horas y en el que intervendrá el representante de FlixOlé, Miguel López.

FlixOlé rescata así la que es una de las primeras adaptaciones de Antonio Machado, presentada en las salas de cine en la dictadura franquista. Hablar entonces del literato de la Generación del 98 resultaba peliagudo. Más aún si quien lo hacía tuvo vínculos con el entorno republicano durante la contienda, como fue el caso de Ruiz-Castillo. Pese a ello, el realizador se aventuró a llevar el romance La tierra de Alvargonzález (incluido en el poemario Campos de Castilla) a la gran pantalla para representar la cultura popular y leyendas del interior peninsular.  

Bajo el título La Laguna Negra, el director se sumergió en los versos machadianos y extrajo un oscuro y brutal drama. En la serranía de Urbión, los hermanos Martín (José María Lado) y Juan (Tomás Blanco), instigados por la mujer del primero, Candelas (Maruchi Fresno), acaban con la vida de su padre y hunden su cadáver en el lago para heredar su hacienda. Vecinos y autoridades sospechan que tras la desaparición del hombre están implicados sus vástagos, quienes culpan de ello a un inocente buhonero.

El espíritu del difunto persigue a Juan, cuyo sentimiento de culpa comienza a poner nerviosos a Martín y a su esposa, mientras una maldición parece caer sobre las tierras y vidas de todos ellos. Miguel (Fernando Rey), el menor de los tres hermanos regresa a su hogar después de hacer fortuna en las américas. El joven y rico indiano intentará desvelar las incógnitas en torno a la desaparición de su progenitor con la ayuda de Ángela (María Jesús Valdés), mujer de Juan y con quien tuvo una relación en el pasado. 

Crónica de la España negra

Como ya hiciera Machado en su romance, Ruiz-Castillo construyó una crónica de la España negra que intercalaba el costumbrismo con pasajes bíblicos, conviviendo las romerías, casas labriegas y habladurías de los lugareños con el castigo divino para aquellas gentes a las que corroe la envidia (la sangre de Caín). Los personajes se desenvuelven de esta manera en un clima de suspense constante, donde el odio, la avaricia y la crueldad afloran entre escarpadas cumbres.

Para lograr la ambientación lúgubre que impregna la cinta, el rodaje se trasladó a las tierras que inspiraron las estrofas del poeta (cambiando los Picos de Urbión por la Sierra de Gredos). Ello implicó el hospedaje del reparto, técnicos y ayudantes en refugios de montaña, lo que conllevó además numerosas horas de viaje en autocar e, incluso, a caballo de todo el equipo.

Al arduo trabajo que contribuyó a acercar el áspero y hostil paisaje se sumó la solvencia técnica para narrar el que, hoy en día, es uno de los pocos ejemplos cinematográficos de la poesía castellana. En plena madurez creativa, el director desplegó todo un abanico de recursos con los que transmitió la mirada amarga de un país al que la violencia había sacudido ferozmente con sus luchas civiles.

Una joya oculta del cine español

Esta rareza del cine de la época contó con numerosas dificultades hasta ver la luz, comenzando por su filmación, la cual se retrasó dos años debido a cuestiones económicas. No exenta de roces con la censura, integrantes de la Junta de Clasificación mostraron su disconformidad respecto al contenido del largometraje, llegando incluso a tachar de “desagradable” el guion; paradójicamente, elogiaban la calidad de la cinta. Finalmente, ésta se estrenó de tapadillo en algunas provincias españolas, y no llegó a las salas de la capital hasta un año después de concluir el rodaje.

La discreta acogida del título en sus inicios, así como la ausencia del mismo en la historia del séptimo arte español, convirtieron a La Laguna Negra en una joya oculta del audiovisual. Una situación que también experimentó el propio Ruiz-Castillo, quien ha quedado como uno de los cineastas malditos del panorama nacional. Ello a pesar de haber formado parte de la denominada generación de ‘renovadores’ (integrada por realizadores como José Antonio Nieves Conde, Manuel Mur Oti y Antonio del Amo) que optaron por hacer un cine de marcada preocupación social y estéticamente vanguardista, distanciándose así de las comedias blancas, películas folclóricas y epopéyicas que promovía el franquismo. 

Con la incorporación de la renovada versión de La Laguna Negra al catálogo de FlixOlé, la plataforma pone a disposición del público una obra de difícil acceso al tiempo que confía en traer a la memoria al autor del filme y continuar con su decidida apuesta por dar a conocer las mejores películas españolas restauradas en una calidad de imagen y sonido inmejorables. 

Crónica Festival de San Sebastián 2024 (I)

El equilibrio deseado. Sección Oficial

Del 20 al 28 de septiembre del 2024 tuvo lugar la 72ª edición del Festival de San Sebastián, un certamen marcado por su ambivalente condición de festival de festivales, y las vicisitudes que se derivan de todo ello. Asumiendo la difícil tesitura de situarse al final del escalafón de los certámenes de categoría A, aún así, la edición del 2024 del Zinemaldia logró finalmente ese ansiado equilibrio entre asentados apartados alternativos como New Directors, Perlas o Zabaltegi-Tabakalera, y una Sección Oficial que esta vez cumplió con relativa solvencia, con relación a la calidad ofrecida respecto a pasadas ediciones.

La presencia en la Sección Oficial de autores consagrados como Costa-Gavras, Mike Leigh (con la extraordinaria Hard Truths, ausencia inexplicable en el palmarés), Kiyoshi Kurosawa, Albert Serra o François Ozon, unido a una valiente, y algo inusual apuesta por el cine genérico con títulos como Conclave, El llanto, Serpent’s Path y el musical postapocalíptico The End fueron fundamentales para convertir la edición del 2024 en un certamen consistente con relación a autorías solventes y una serie de contenidos más arriesgados, que lograron una suerte de equilibrio en lo concerniente a la equiparación de temáticas y calidad artística; sin embargo, hubo otra serie de títulos percibidos de manera aislada, y sujetos a unas determinadas cuotas cinematográficas, como por ejemplo, la muy cuestionable presencia de cine latinoamericano, con producciones de una calidad controvertida, como El lugar de la otra, El hombre que amaba los platos voladores, o la película española Soy Nevenka, que difícilmente encajaban en la Sección Oficial.

El gran logro de esta 72ª edición del Zinemaldia, destacando por encima del resto, por su esforzada y necesaria, hoy más que nunca, labor de seguir al pie del cañón, fue la retrospectiva clásica dedicada al ‘poliziesco’ italiano, un ciclo compuesto por 22 títulos, acompañado de una interesante publicación a cargo del experto Felipe Cabrerizo. A continuación, y al igual que en pasadas ediciones, una primera crónica con los títulos presentes en la Sección Oficial, un segundo texto con el análisis pormenorizado de todo lo que dio de sí la Sección Perlas, y una última entrega de índole más periférica, navegando por diferentes secciones como New Directors, Zabaltegi-Tabakalera, Horizontes Latinos, Clásicos y Retrospectiva.

La mirada femenina

Fueron varias las propuestas donde el punto de vista de la mujer se erigió como eje cenital del relato, abriendo fuego, y como riguroso estreno mundial, la realizadora Audrey Diwan, que revisitaba conceptos con una nueva versión del clásico literario y cinematográfico Emmanuelle, adaptación del relato escrito en 1967 por Emmanuelle Arsan, que en esta ocasión versa sobre una historia donde la supuesta sutileza de lo estrictamente corporal del material original queda en un segundo plano a la hora de decantarse por un discurso de connotaciones políticas, aquí provisto de un tono estético aséptico, con una sorprendente indagación sobre el colonialismo, en relación con los roles y dinámicas de poder en el ámbito social y económico. Sin transgresión, ni una mirada distante sobre la exploración personal, todo queda en una estilizada ambigüedad, tanto a nivel narrativo como de puesta en escena. Como punto a su favor hay que reconocer que la responsable de L’événement no recurre a temáticas rupturistas del presente, sin embargo, la sensación final nos retrotrae 50 años a un tiempo y a un lugar donde Just Jaeckin y Sylvia Kristel sí tenían claro cuál era el propósito de su empresa. De vacíos emocionales también gira la notable Hard Truths, casi una tesis fílmica sobre los efectos causados por la amargura y la frustración en el individuo, donde observamos a una Marianne Jean-Baptiste en guerra con el mundo, una mujer con serios problemas de convivencia con la sociedad y que vomita su ira contra todo lo que la rodea. Relato magníficamente actuado, con un último tercio que cambia de tono, al centrarse en lo disfuncional, y el dolor psíquico y físico, y, en especial, cómo la existencia de uno, por muy gris que sea o se intuya, converge en la forzada existencia del otro en diversas ocasiones. Mike Leigh, cineasta de enorme talento nos brinda una de las películas más honestas presentes en el festival. Bastante más discutible resultó la chilena El lugar de la otra. La realizadora Maite Alberdi que venía de trabajos de no ficción como El agente topo y La memoria infinita, se adentra por primera vez en texturas propias de una telenovela de época de tono generalista basada en hechos reales, a través de una película donde de nuevo el contenido, la emancipación y liberación femenina en un mundo de ahora se mira en otro del pasado. Un manifiesto que se enmarca de manera muy forzada por encima de lo estrictamente cinematográfico, resultando un producto donde la reiteración de situaciones banales perfila una autoría demasiado convencional con relación a la caprichosa exposición que hace de sus subrayados. 

Otra recreación de un caso real fue Soy Nevenka de Iciar Bollaín, película donde se exponen dinámicas de acoso, de indefensión, y el clima de presión social de la España profunda de principios de siglo, el problema viene dado cuando reiteradamente se confunde la potencia de la temática expuesta con una calidad artística que no deja de ser otra que la de ceñirse a unos hechos concretos, y cómo a partir de ellos, elaborar un discurso de denuncia de tono bienintencionado, dando como resultado un relato de estructura demasiado académico que da la impresión de confiar más en aquello que cuenta, que en cómo lo cuenta, por momentos a la manera de un telefilm al uso, dando la impresión de estar ante un producto empático, pero carente de profundidad a la hora de abordar la situación y que va más allá de un relato supeditado a una pátina visual percibida como muy plana. Por su parte, la realizadora Gia Coppola se adentra en imaginarios crepusculares con The Last Showgirl, crónica del final laboral y existencial de una veterana bailarina de cabaret, interpretada por Pamela Anderson en un local de Las Vegas que está a punto de cerrar. Cinta con un evidente contenido metalingüístico, parcela en la que también entraría en la ecuación el papel secundario de una notable Jamie Lee Curtis, que vendría a ser una cara B del The Wrestler de Darren Aronofsky, cuando muestra la historia de vulnerabilidad y declive, que brilla en lo concerniente a la construcción de un determinado ambiente que retrata un mundo que se desmorona, a través de un componente meramente contemplativo y visual, en detrimento del desarrollo de un arco dramático que otorgue una supuesta profundidad psicológica a sus personajes. Por otra parte, François Ozon volvía al Zinemaldia con Quand vient l’automne, relato de clara índole otoñal que juega al despiste cuando utiliza diversos géneros cinematográficos que van desde la comedia negra al thriller para terminar en un drama familiar donde ninguno de sus protagonistas es exactamente quien parece ser en un principio. Película en apariencia pequeña, pero poseedora de una percepción interesante que aborda la necesidad de las segundas oportunidades y la culpa intergeneracional, todo expuesto a través de un tono costumbrista de calidez ambiental que viene a decir “cuando el invierno y la mortalidad llaman a la puerta, el pasado y sus conflictos sólo importan hasta cierto punto”.

El género avanza

En un intento por diversificar conceptos, un buen número de películas que transitaron a través de coordenadas genéricas bien definidas, estuvieron este año presentes en la Sección Oficial a concurso, a tal respecto, el terror tuvo una presencia notable en el festival con la ópera prima de Pedro Martín-Calero El llanto, película que revisita con determinación una serie de reconocibles conceptos del fantástico contemporáneo, la mayoría derivados del J-Horror, a la hora de mostrar a través de distintos espacios temporales, un virus espectral trasmitido y heredado que es visualizado a través de lo analógico y lo digital. Algo más discutible resulta su indecisión a la hora de decidirse por lo puramente genérico o lo social, dos vías percibidas de manera equidistante en la película, ya que el relato incide en conceptos costumbristas poco habituales en el terror, sobre todo en un tramo final donde se atisba un tímido intento de interpretación con respecto a la violencia machista y sus efectos en el imaginario femenino a través de una dubitativa carga metafórica. Por otra parte, el musical tuvo su espacio en el certamen con el nuevo trabajo tras las cámaras de Joshua Oppenheimer, en su primera aproximación a la ficción, la fascinante y agotadora The End, una oscura y pesimista fábula postapocalíptica que nos sitúa dos décadas después del fin del mundo, a través de las vivencias de una familia que vive en su lujoso búnker construido en una mina de sal, mediante una historia que trata sobre cómo los privilegiados lucharán en el futuro por vivir consigo mismos y sus correspondientes traumas, como consecuencia de lo sucedido. Lo más sorprendente del film posiblemente radique en los números musicales que constituyen en la trama los únicos momentos de fugas disociativas (de tono esperanzador) de sus protagonistas mediante una propuesta formal y conceptual de indudable riesgo.

En Serpent’s Path, terrible historia criminal sobre la negación de la culpabilidad y el círculo vicioso ocasionado por la venganza, donde la acción se sitúa primero y la explicación después, el japones Kiyoshi Kurosawa, en su tercer trabajo tras las cámaras en 2024, tras la extraordinaria Chime y la no menos interesante Cloud, reconfigura conceptos ya transitados con anterioridad por él mismo en el V-Cinema, siendo más una especie de relectura que un remake entendido como tal, para ponernos en contexto algo parecido en conceptos al segundo Funny games de Michael Haneke, sin dejar de experimentar formatos y propósitos, en relación con un material propio rodado en el año 98 con el título homónimo de Hebi no michi. Son pocos los autores que acumulan suficiente experiencia, talento y buena voluntad, como para hacer una revisión conceptual de su propio trabajo, siendo aún menos los que hacen algo que valga realmente la pena en dicho proceso, Kiyoshi Kurosawa es uno de ellos, ofreciendo una obra, en apariencia algo menor dentro de su filmografía, pero que se sitúa muy por encima del resto de autorías de la actualidad. Por su parte, la entretenida y por momentos solvente Conclave de Edward Berger, funciona relativamente bien cuando recurre a coordenadas genéricas cercanas al thriller conspirativo religioso, también en la manera de articular una narrativa meramente funcional y efectista a modo de adaptación de un best-seller de éxito, siendo posiblemente su punto fuerte el uso de simbologías y liturgias católicas como elementos perturbadores, precisamente en un año en el que el terror religioso ha estado muy presente en las carteleras cinematográficas con interesantes propuestas de género de terror como The First Omen o Immaculate. Es una lástima que su desenlace donde la realidad, y un cierto oportunismo y teatralidad, con relación a su función de denuncia y alegoría de lo que sucede hoy por hoy, termine por anular toda esa fascinante ficción que es mostrada a través de una serie de manierismos que hacen hincapié en el complot de una secta oscurantista, y sus perturbadoras dinámicas de poder. Bastante menos satisfactoria resultó El hombre que amaba los platos voladores, trabajo que confirma el bajo nivel de calidad del cine latinoamericano presente este año en la Sección Oficial, que nos muestra una historia que recrea un caso mediático sobre ufología ocurrido en la Argentina de 1986. Su director, Diego Lerman, transita con cierta indeterminación, y una ambigüedad algo tosca, entre el homenaje tragicómico y la burla o parodia de un personaje que busca la compasión del espectador, por poner un ejemplo, presenta cierta semejanza al recurso utilizado por Tim Burton en la fundamental Ed Wood. Es una pena que no profundice más allá de su mirada nostálgica e inocente en ciertas ideas y conceptos que parecen orbitar por la historia, el más evidente sería la manipulación de los medios, el poder mitómano de las fake news o la potestad de crear una ficción de la nada más absoluta.  

La mirada autoral

Suele ser bastante habitual en las últimas ediciones del Zinemaldia que exista, sin haber una determinada razón que lo justifique, una temática, en general, poco amable para el espectador, presente de una forma recurrente en un buen número de películas. Este año varias propuestas indagaron sobre la mirada al moribundo, los cuidados paliativos, la legalidad de la eutanasia o el derecho a morir dignamente. En la cinta china Bound in Heaven, opera prima de la veterana guionista Xin Huo, (Premio FIPRESCI, Premio del Jurado – Mejor fotografía), se retrata una historia de amor y huida entre un enfermo terminal y una mujer atrapada en un círculo de violencia doméstica, a través de un relato donde se percibe un curioso y delicioso toque de rareza en una estructura que da la impresión de querer reconfigurar coordenadas adyacentes a un melodrama de carácter comercial, de consiente tono desbordado, en contraposición a una mirada incisiva sobre diferentes núcleos sociales de un país y su compleja transición, aquí expuesta mediante la economía narrativa de una historia primaria, y en especial, a través de unos conceptos meramente estéticos de espacios y escenografías urbanas, cuyo decadente y pesimismo lirismo nos remite, para bien, a una serie de virtuosismos claramente deudores del cine de Wong Kar-wai. Por su parte, el veterano cineasta Costa-Gavras ofreció una mirada concisa sobre la muerte en Le dernier souffle, adaptación de un libro de Régis Debray y Claude Grange, que brinda un dialogo abierto que se establece entre un médico responsable de una unidad de cuidados paliativos y un escritor, a modo de reflexión filosófica abierta a distintos posicionamientos, físicos y emocionales, sobre cómo encarar el trayecto final de la vida. No es la primera vez que el responsable de Missing recurre a formatos, que en mayor o menor medida, circulan alrededor de la no ficción, aquí de índole episódica a través de una serie de pensamientos y vicisitudes de naturaleza subjetiva, contadas a modo de flashbacks, pero dirigidos desde la vertiente pedagógica, cuya mayor virtud se puede apreciar en la honradez derivada de la sencillez de una propuesta que evita cualquier atisbo de sensacionalismo con relación al concepto de hacer soportable lo inaceptable.

Otra propuesta que orbita sobre el fin de la existencia fue el nuevo trabajo tras las cámaras de Pilar Palomero, Los destellos, película basada en la novela de la escritora vasca Eider Rodríguez, que viene a ser una especie de celebración de la vida, un carpe diem que entra en escena cuando asoma la muerte. Propuesta austera y contenida que no recurre, al igual que Le dernier souffle, aunque de manera distinta, a aspavientos emocionales de tono exhibicionista. Sin embargo, en la película existe un conflicto bastante evidente, al igual que sucede en muchas películas españolas de la actualidad , focalizado en imágenes que no terminan de dar un sentido a sus innumerables silencios que aquí giran alrededor de la muerte, y cómo la asumen sus allegados, un enunciado finalmente mostrado como una especie de búsqueda hacia una armonía final, una supuesta belleza del duelo, tesis, por cierto, significativamente mejor expuesta en la denostada Morir de Fernando Franco.

Como conclusión, dos interesantes largometrajes de la Sección Oficial que curiosamente incurren en una constante reiteración de conceptos a nivel formal y escénico, por un lado, la estimable ópera prima de la realizadora Laura Carreira, On Falling, película que retrata un mundo de tristeza y agotamiento, diferente al mostrado por Mike Leigh en Hard Truths, que inevitablemente queda emparentado con el cine social de Ken Loach, por aquello de retratar la precariedad laboral en Reino Unido, integrando en el relato un fuerte componente emocional que, sin embargo, y por fortuna, no concluye con la consabida reivindicación/denuncia tan habitual en los trabajos del director británico, sino más bien con una reflexión, de indudable rigor formal, sobre la alienación y soledad de la clase baja trabajadora, personificada en la historia de una joven mujer portuguesa que vive y trabaja, casi como un autómata en un gran almacén de Escocia. Lo mejor de On Falling posiblemente provenga de las ausencias, las relativas a un tipo de cine intuido hoy en día como trillado dada su saturación, especialmente en las referidas a las catarsis, los subrayados, o aspavientos derivados de un realismo víctima del capitalismo devorador, poniendo sobre la palestra cómo probablemente el mejor cine social actual proceda de su apuesta por la contención. Con respecto a Tardes de soledad, merecida Concha de Oro a la Mejor Película, Albert Serra ofreció un gran debate sobre el poder de observación de un documental sobre la liturgia taurina, de incuestionable valor antropológico, y cercana en espíritu a las fundamentales Lejos de los árboles de Jacinto Esteva o La sangre de las bestias de George Franju, sobresalió por su calidad y su interés, muy por encima del resto de propuestas, supuestamente de contenido trascendente, vistas en la Sección Oficial a concurso. A tal respecto, asistimos a un trabajo que no tiene intención de establecer ningún tipo de discurso sobre el temario por el que transita, si acaso éste vendrá a posteriori de la mano del espectador, el propósito de Serra es ofrecer una mirada frontal a modo de fresco sensorial, de reconocibles connotaciones atávicas, donde solo hay espacio para el toro y el torero, Andrés Roca Rey. No es osado asegurar que una gran parte del cine orquestado por parte del responsable de Liberté, se sitúa con frecuencia al otro lado de un lenguaje entendido como convencional, rozando en ocasiones lo puramente fantástico, con relación a un tipo de autoría que crece a través de sus propias disquisiciones, y es en este aspecto donde Tardes de soledad se erige como una película de indudable valor artístico, invitando a debates que van mucho más allá de antagonismos elementales.

 

La serie «Alice y Jack», con Andrea Riseborough y Domhnall Gleeson, llega a Filmin el 29 de octubre

La nominada al Óscar Andrea Riseborough («To Leslie») y Domhnall Gleeson («Cuestión de tiempo») viven una conflictiva relación de 16 años en esta serie antirromántica de Victor Levin.

Filmin estrena el próximo 29 de octubre, en exclusiva en España, «Alice y Jack» una miniserie de 6 episodios protagonizada por dos pesos pesados de la interpretación británica: Andrea Riseborough, nominada al Óscar por su papel en «To Leslie» y vista en títulos como «Mandy» o «Possessor», y el irlandés Domhnall Gleeson, que se dio a conocer en la saga «Harry Potter» y ha participado en películas como «Ex Machina» o «Una cuestión de tiempo». Ambos son, respectivamente, Alice y Jack, cuya relación de pareja, repleta de altibajos, errores y desencuentros, conocemos en la serie a lo largo de 16 años. Victor Levin, productor de «Mad Men» y director de películas como «La boda de mi ex» o «5 a 7», es el creador y guionista de una serie dirigida por el camboyano Hong Khaou («Lilting») y el finlandés Juho Kuosmanen («Compartimento Nº 6»). Curiosamente, Riseborough y Gleeson ya habían sido pareja en la ficción, en la película de 2010 «Nunca me abandones».

Hay algo muy especial en el tono de tragicomedia romántica que adquiere «Alice y Jack» basada en una premisa muy alejada del cánon estadounidense del género. Aquí los personajes buenos también pueden ser malos, cometer errores, hacerse daño y actuar de manera mezquina en ocasiones. «Tanto Alice como Jack toman decisiones que resultan ser equivocadas, objetivamente incorrectas. Se dan cuenta de ello y se adaptan e intentan hacer las cosas bien, pero no son perfectos, están lejos de ser perfectos«, explica Levin. Ese carácter bipolar se apodera también del tono de una serie en la que la comedia y el drama conviven, a veces de manera conflictiva: «Todos intentamos que el drama fuera divertido y la comedia seria. Todos intentamos ser reales en ese sentido y entender que la vida es muy a menudo divertida y seria al mismo tiempo. Y a veces, en los momentos más tristes, se dicen las cosas más divertidas y viceversa, así que queríamos que el diálogo reflejara eso«, afirma el creador.

Levin define «Alice y Jack» como «una historia de amor inusual«: «No creo que se ajuste a la fórmula a la que algunos espectadores pueden estar acostumbrados y a la que yo ciertamente estaba acostumbrado. Habla sobre el caos del amor, las dificultades que conlleva y la necesidad de luchar por el amor de una manera que quizás otras historias no acentúan tanto«, expone.  La serie tiene momentos inolvidables pero hay un gran punto de inflexión en el episodio 3 durante la celebración de una boda. Una escena memorable que protagoniza Domhnall Gleeson al pronunciar un discurso improvisado y desgarrador. «Puedo decirte que esa es quizás mi escena favorita de la serie«, afirma Levin: «Me encanta lo que Domhnall hace allí, y me encanta lo que Andrea hace allí. Es difícil porque el personaje no ha escrito el discurso; lo toma por sorpresa, y no sé a ti, pero si alguien me pidiera que me levantara y diera un discurso en una boda, agradecería que me avisara con un par de días de antelación«.

En el reparto encontramos a otros intérpretes como Aisling Bea («Chivalry»), Aimee Lou Wood («Sex Education») o Ella Bruccoleri («Strangers: Capítulo 1»), entre otros.

Primer tráiler para «Trois amies», lo nuevo de Emmanuel Mouret

Descrito por muchos como un estilo de cine lo más parecido a un Woody Allen de la época dorada, el francés Emmanuel Mouret, tras su anteriores y estupendas Les choses qu’on dit, les choses qu’on fait (2020) y Chronique d’une liaison passagère (2022), vuelve a indagar en las relaciones sentimentales y dilemas morales con Trois amies, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. Presente en la Sección Oficial de la pasada edición del Festival de Venecia, y de momento sin noticias de una futura llegada comercial a nuestro país, Trois amies se estrenará en cines de Francia el próximo 6 de noviembre.

En Trois amies vemos como Joan ya no está enamorada de Victor y sufre por no estar siendo honesta con él. Alice, su mejor amiga, la tranquiliza asegurándole que ella misma no siente pasión por su pareja Eric y sin embargo su relación va viento en popa. Ella ignora que él tiene una aventura con Rebecca, su amiga común… Cuando Joan decide finalmente dejar a Victor y este desaparece, las vidas y las historias de las tres amigas dan un vuelco.

La película, con guion a cargo del propio Emmanuel Mouret junto a Carmen Leroi, está protagonizada por Camille Cottin, Sara Forestier, India Hair, Grégoire Ludig, Damien Bonnard, Vincent Macaigne y Eric Caravaca.  

  

El dilema, primer tráiler para «Juror #2», lo nuevo de Clint Eastwood

Acaba de ver la luz de la mano de Warner Bros. un primer tráiler que podéis ver a final de  página junto a su póster oficial de Juror #2, thriller judicial que supone el último trabajo tras las cámaras del veterano e incombustible Clint Eastwood (94 años) que llegará a los cines de nuestro país el próximo 31 de octubre de 2024.        

En Juror #2, película número 38 del legendario director, vemos como Justin Kemp, un hombre de familia que, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato de alto perfil, se encuentra luchando con un serio dilema moral… uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.

La película, con guion a cargo de Jonathan Abrams, esta protagonizada por Nicholas Hoult, Toni Collette, J.k. Simmons, Chris Messina, Gabriel Basso, Zoey Deutch, Cedric Yarbrough, Leslie Bibb, Amy Aquino, Adrienne C. Moore y Kiefer Sutherland.

“Sala:B”, Terror en Eurociné

Orloff y el hombre invisible (La vie amoureuse de l’homme invisible, Pierre Chevalier, 1971). Int.: Howard Vernon, Brigitte Carva, Fernando Sancho. Francia. 35 mm. VOSE*.  Color. 82’

La tumba de los muertos vivientes (Jess Franco, 1982). Int.: Manuel Gelin, Eduardo Fajardo, Lina Romay. España. 35 mm. Color. 87’

En esta noche de brujas, ya tradicional en «Sala:B», sesión doble de miedo para homenajear a una de las productoras por excelencia de la serie B en este continente: Eurociné.

La tumba de los muertos vivientes, dirigida por Jess Franco y coproducida por Eurociné, es una película de zombis nada convencional. Por un lado, parece subirse al carro del zombi italiano de Fulci y compañía, o de El lago de los muertos vivientes de Jean Rollin para Eurociné, pero lo que interesa a Jess claramente no es eso, incluso se burla de ese tipo de gore adolescente. Él pone el foco en un romanticismo decadente y exótico, más cercano al zombi de Tourneur (Yo anduve con un zombie) y a las pasiones más allá de la tumba de las leyendas de Bécquer. Es en la versión española, que cuenta además con Eduardo Fajardo como protagonista, donde se aprecia mejor esta intención, unida a unos fantásticos paisajes desérticos fotografiados por Juan Soler en Gran Canaria. Hay que recordar que el cine de terror en España le debe a Eurociné su primer gran éxito internacional, Gritos en la noche de Jess Franco (1961), que marcó una fructífera relación de unas treinta películas entre el director, Marius Lesoeur y su hijo Daniel, actual director de la productora.

Seguimos con una de las secuelas de aquel bombazo que originó la saga del Dr. Orloff, esta vez dirigida por otro habitual de Eurociné, Pierre Chevalier. Orloff y el hombre invisible continúa la senda de lo que algunos llaman Horrotica, una mezcla de terror gótico y erotismo ligero que la productora explotó a fondo. El título en francés era más explícito, aunque poco apropiado: La vida amorosa del hombre invisible. Este episodio, el único no dirigido por Jess Franco, ha sido muy maltratado por crítica y fans, pero visto en 35 mm y no en las típicas copias machacadas de VHS permite apreciar unas cualidades estéticas y oníricas que merecen más atención. Además, tener a Paco Valladares como galán frente al icónico Howard Vernon (Orloff) es otra anomalía indescriptible de la película.

Presentación a cargo de Daniel Lesoeur, productor y presidente de Eurociné, y Álex Mendíbil, comisario de Sala: B. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 185’)

Robert Eggers y el mito, nuevo tráiler para «Nosferatu»

Tras trabajos como The VVitch (2015), The Lighthouse (2019) o The Northman (2022), el realizador estadounidense Robert Eggers se ha convertido en un nombre clave para los fans del fantástico, su nuevo trabajo tras las cámaras, y el más ambicioso hasta la fecha, es la esperada nueva versión del clásico de 1922 de F.W. Murnau Nosferatu, película nuevamente inspirada en el ‘Drácula‘ de Bram Stoker cuyo segundo tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Focus Features y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Este nuevo Nosferatu tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos y España para el próximo 25 de diciembre de 2024.

La breve sinopsis oficial de Nosferatu describe la película de Robert Eggers como un cuento de tono gótico en torno a la obsesión que se establece entre una atormentada joven y el aterrador vampiro enamorado de ella, una tempestuosa relación que dejara un siniestro rastro de sangre a su paso.

La película, con guion adaptado a cargo del propio Robert Eggers, está protagonizada por Lily-Rose Depp, Bill Skarsgard, Aaron Taylor-johnson, Nicholas Hoult, Willem Dafoe, Emma Corrin, Simon McBurney, Ralph Ineson, Paul A Maynard y Stacy Thunes.

Películas censuradas que desafían el olvido protagonizan la sección Memoria y Utopía

La 69ª edición de Seminci estrenará en España la copia restaurada o digitalizada de nueve largometrajes realizados entre 1949 y 2002, además de un trabajo de no ficción sobre el director y productor Pere Portabella.

Entre los largometrajes recuperados se encuentra ‘Deprisa, deprisa’, de Carlos Saura, Oso de Oro en el Festival de Berlín en 1981

Con Memoria y Utopía, la 69ª edición de Seminci revela, en un acto de rebeldía, títulos ocultos por la historia. No siempre debido a la censura política; también debido a razones económicas, discriminación de género, o bien por su propia naturaleza desencajada, fuera del canon imperante en su época. Dentro de esta sección se proyectarán por primera vez en España las copias restauradas o digitalizadas recientemente de ocho largometrajes realizados en México, Estados Unidos, Portugal, Checoslovaquia, Suecia, Hong Kong e Irán entre 1949 y 2002.

Entre las películas que podrían formar parte de una historia del cine alternativa que no encajaron en las imágenes dominantes, marcadas por una situación política o por la homogeneizante industria cinematográfica, en la 69ª edición de Seminci podrán verse dos propuestas, separadas temporal y geográficamente, pero unidas por una reflexión sobre la feminidad que no encajó en su tiempo, a finales de los años 40, por presentar actitudes identificadas con los hombres, como llevar la iniciativa sexual: La negra Angustias, de Matilde Landeta, directora pionera en la cinematografía mexicana, y Woman Without a Face, de Gustaf Molander, con guion de Ingmar Bergman.

Tampoco encontraron ensamblaje en la ortodoxia del cine independiente de los 90 las propuestas de cineastas afroamericanos estadounidenses Naked Acts, de Bridgett M. Davis, y The Annihilation of Fish, de Charles Burnett. El primero fue maltratado por mezclar lo racial y lo sexual; y el segundo, fue olvidado por las distribuidoras tras una demoledora crítica en la revista Variety. Al igual que ellas se desentendieron en forma y tema, Low-Flying Aircraft, de Solveig Nordlund, no cumplió las reglas no escritas del género, fantástico en este caso, al adaptar al autor J.G. Ballard.

Otros títulos seleccionados en Memoria y Utopía demuestran una disonancia dentro de las cinematografías nacionales de las que proceden: Un domingo desperdiciado, debut de la realizadora Drahomira Vihanová, prohibido en su momento en Checoslovaquia por reflejar la situación del país tras la Primavera de Praga; The Sealed Soil, ópera prima de la iraní Marva Nabili, el primer largometraje completo dirigido por una mujer iraní que se conserva, y Nomad, de Patrick Tam, un clásico de la nueva ola de Hong Kong, censurado parcialmente por la franqueza de su lenguaje sexual.

En definitiva, películas todas ellas que desaparecieron de la memoria, así como las carreras truncadas de sus directores, pero que reaparecen ahora gracias a su restauración para, no solo poder disfrutarlas, sino también encajar por fin en el lugar de la historia del cine que les robaron la censura y el olvido.

CONSTELACIÓN PORTABELLA

Claudio Zulian (España, 2024)

Claudio Zulian (premio nacional de cine de Cataluña por A través del Carmel), analiza la vida y obra de Pere Portabella, referente de la cultura cinematográfica española alternativa de finales del siglo XX, a través de fragmentos de sus obras, sus declaraciones y entrevistas a críticos, directores e historiadores. Portabella sostenía que sus películas Nocturno 29, Vampir-Cuadecuc o El silencio antes de Bach «no eran experimentales, sino diferentes, hechas desde otro lugar -que no tenían en cuenta ni géneros ni convenciones, que atravesaban la materia fílmica, la abrían a influencias plásticas, literarias y musicales insospechados, la sacaban de su dependencia del plot, para que pudieran florecer otras posibilidades, visuales y auditivas». Constelación Portabella es una producción de Acteón y Eddie Saeta, con apoyo del ICEC y la participación de TV3 – Televisió de Catalunya, RTVE y Caixaforum +.

DEPRISA, DEPRISA

Carlos Saura (España, 1981) 

La personal interpretación del cine quinqui, Deprisa, deprisa, de Carlos Saura, se ha convertido en una película de culto y en una cinta de extraordinario lirismo, sin perder de vista una intención de acercarse a la realidad. Los entonces noveles Berta Socuéllamos y José Antonio Valdelomar protagonizan la historia de un grupo de amigos de un barrio del extrarradio madrileño que empiezan a atracar coches, primero por diversión, y luego por la necesidad de sentirse vivos. La película ganó el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín. La remasterización en 4K ha sido realizada por la plataforma FlixOlé y la distribuidora Mercury Films. Destaca el trabajo de reconstrucción del audio original, que incluye música de Paco de Lucía y Los Chunguitos.

LA NEGRA ANGUSTIAS

Matilde Landeta (México, 1949)

Película basada en una novela de Francisco Rojas González, ambientada en la revolución mexicana de 1910. El personaje principal, una mujer negra llamada Angustias, decide luchar como coronela del ejército zapatista por los derechos de los pobres y por la justicia para las mujeres maltratadas. Su directora, Matilde Landeta, tomó varias decisiones controvertidas: desde seleccionar a una actriz blanca para encarnar a la protagonista hasta exagerar el melodrama típicamente mexicano. Decisiones que, unidas a que el argumento versa sobre una mujer que no se ajusta al orden social imperante, motivaron que una de las primeras directoras mexicanas no fuera identificada con la ‘edad de oro’ del cine mexicano que le correspondía.

LOW-FLYING AIRCRAFT

Solveig Nordlund (Portugal, Suecia, 2002)

Uno de los escasos ejemplos de cine de ciencia-ficción de la cinematografía portuguesa, Low-Flying Aircraft se basa en una historia corta de J.G. Ballard (Crash, El imperio del sol), sobre una humanidad en aras de desaparición ante los crecientes nacimientos de bebés mutantes, que son sacrificados antes o después el parto. Con este argumento, la realizadora sueca Solveig Nordlund optó por una aproximación fílmica más cercana a Godard que a Lynch o Cronenberg, lo que la convierte en una película de género fuera de los códigos del género, entre la indefinición y la autoría. La vida, la muerte, el totalitarismo y la búsqueda de una esperanza son centrales en esta película de culto firmada por una cineasta cuya relevancia a comienzos de siglo quedó relegada a los márgenes. Digitalizada por Cinemateca Portuguesa-Museo do Cine, en el marco del proyecto FILMar, financiado por las becas europeas EEA 2020-2024.

NAKED ACTS

Bridgett M. Davies (Estados Unidos, 1995)

La única película escrita y dirigida por la escritora y periodista Bridgett M. Davis es una modesta producción independiente entre la comedia y el drama, fuera de los cánones del cine indie estadounidense. En Naked Acts, la hija de una antigua estrella del género blaxploitation, se debate entre dudas cuando le piden desnudarse para su primera película. La cinta ha sido restaurada y remasterizada por Lightbox Film Center de Philadelphia University of Arts en colaboración con Milestone Film.

NOMAD (Director’s Cut)

Patrick Tam (Hong Kong, 1982)

Nomad, de Patrick Tam, no pudo verse íntegra hasta este año. Tam, representante del cine de la nueva ola de Hong Kong, utiliza también libremente las formas para relatar la historia coral de un grupo de jóvenes, enfocada en el tabú del despertar sexual y las relaciones amorosas Protagonizada por Leslie Cheung, una de las caras más reconocibles del cine de Wong Kar-Wai, Nomad se presenta hoy en calidad 4K con un nuevo montaje revisado por el propio Patrick Tam, que incluye imágenes eliminadas en su día debido a la fuerte censura que atentó, fundamentalmente, contra el contenido sexual explícito. 

THE ANNIHILATION OF FISH

Charles Burnett (Estados Unidos,1999)

Firmada por el prestigioso representante del cine afroamericano Charles Burnett (Killer of Sheep) todavía en activo, The Annihilation of Fish sufrió el desinterés de los distribuidores tras su paso por el Festival de Toronto, destrozada por una crítica en Variety, a pesar de contar a su favor con intérpretes reconocidos como Lynn Redgrave, James Earl Jones y Margot Kidder (Superman). Historia de amor interracial protagonizada por un trío de personajes excéntricos, todos ellos con problemas psiquiátricos, que coinciden en una casa de huéspedes. Copia restaurada por UCLA Film & Television Archive y The Film Foundation, en colaboración con Milestone Films.

THE SEALED SOIL

Marva Nabili (Irán, 1977)

El primer largometraje completo dirigido por una mujer iraní que se conserva, The Sealed Soil explora de forma sutil la subyugación y la resistencia de las mujeres en Irán. La historia, que recuerda a otro largometraje incluido en esta 69ª edición, pero rodado 50 años después, plantea cómo una comunidad rural, en la época preJomeini, interpreta como posesión demoniaca el rechazo de una joven de todos sus pretendientes cuando alcanza la edad casadera. Largometraje olvidado tras su paso por el Festival de Cine de Berlín, Marva Nabili solo dirigió dos trabajos más después de este, ya fuera de su país. Después de casi cincuenta años, la película vuelve a la gran pantalla gracias al trabajo de restauración digital (a partir de los negativos originales de 16mm) a cargo de UCLA Film & Television Archive.

UN DOMINGO DESPERDICIADO / A SQUANDERED SUNDAY

Drahomíra Vihanová (Checoslovaquia, 1969)

Un domingo desperdiciado, prohibida en su momento por el régimen comunista de Checoslovaquia, lanza una visión deformada de la vida en este país tras la Primavera de Praga a través de la descripción de un día en la vida de un joven soldado. Recogiendo el marco teórico de una generación irrepetible del cine checoslovaco, a través de técnicas de montaje vanguardista y un profundo poso de análisis y sátira social, la ausencia de la película de Drahomíra Vihanová dejó un hueco en la nueva ola checoslovaca y en el cine europeo. Copia procedente de Czech National Film Archive distribuida en España por Lost&Found.

WOMAN WITHOUT A FACE

Gustaf Molander (Suecia, 1947)

Gustaf Molander trabajó en la industria sueca del cine a lo largo de cinco décadas, firmando más de 60 títulos en toda su carrera. Esta amplia trayectoria le llevó a explorar una diversidad de géneros y a colaborar con grandes nombres En Woman without a Face, Molander distorsiona visualmente el género del melodrama con flashbacks y puntos de vista alterados, a la vez que el guion de Ingmar Bergman esboza trasgresiones temáticas que anuncian el cine sueco posterior. En el apartado argumental, este noir sobre un triángulo amoroso en la Segunda Guerra Mundial rompe la ortodoxia una mujer (interpretada por Gunn Wällgren) que toma la iniciativa en el terreno sexual. como Ingmar Bergman. Woman Without a Face es un noir escrito a cuatro manos con el aclamado director de El séptimo sello, que retrata un triángulo amoroso en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. Woman Without a Face es una obra imprescindible del cine sueco y su puesta en valor reivindica una figura fundamental que por años se mantuvo en la sombra. Ha podido volver a exhibirse gracias a la restauración realizada por el Instituto de Cine Sueco (Svenska Filminstitutet).

El noir estepario, teaser tráiler para «Steppenwolf» de Adilkhan Yerzhanov

Con interesantes trabajos que de alguna manera reconvertían las reglas del noir, A Dark-Dark Man (2019) o Yellow Cat (2020), el realizador de Kazajistán Adilkhan Yerzhanov vuelve a indagar en dicha temática con Steppenwolf, film cuyo primer avance en forma de un breve teaser tráiler podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, decimoquinto largometraje de Adilkhan Yerzhanov, situado a medio camino entre la road movie, el cine negro provisto de elementos absurdos y el drama de venganza, tras su paso hace unos meses por el BIFFF de Bruselas estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges dentro de la sección Òrbita.       

En Steppenwolf vemos como una mujer llamada Tamara busca a su hijo desaparecido en un pequeño pueblo consumido por los disturbios y la violencia. En un intento desesperado por recuperarlo, decide ofrecer una recompensa a un investigador amoral cuyos métodos resultan sádicos. Convencida de ir hasta el final, Tamara decide completar cueste lo que cueste la búsqueda, y lo hará con el violento detective.

La película, con guion a cargo del propio Adilkhan Yerzhanov, está protagonizada por Berіk Aitzhanov, Anna Starchenko, Azamat Nigmanov, Yerkin Gubashev y Nurbek Mukushev.

Seven Chances y últimos títulos confirmados para Sitges 2024

A dos semanas para el inicio de la 57ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, y tras el anuncio de la programación completa en la rueda de prensa de la semana pasada, se añaden al line-up algunos títulos más. Mike Flanagan, Amy Adams, Christopher Reeve y James Ward Byrkit son algunos de los nombres que se suman al certamen.

Los amantes de Mike Flanagan están de enhorabuena. Desde el Festival queríamos tener al cineasta por nuestras calles, pero también en nuestras salas. Por eso mismo nos alegra anunciar dos proyecciones excepcionales. Por un lado, acogeremos una sesión especial de Hush (2016), un home invasion angustiosamente silencioso que supuso una de las primeras colaboraciones del cineasta con la actriz Kate Siegel, recuperado aquí en su «Shush» Cut. Por el otro, se suma al line-up de la sección Panorama V/H/S/Beyond, nueva entrega de la saga de antologías de terror en la que Mike Flanagan participa como guionista del episodio dirigido por la propia Kate Siegel. En esta ocasión cogen las riendas de la dirección Jay Cheel, Jordan Downey, Christian Long, Justin Long, Justin Martinez y Virat Pal, llevando la saga al terreno del horror cósmico. 

No olvidéis que, además de regalarnos este díptico excepcional, Mike Flanagan recogerá en Sitges el premio Màquina del Temps y estará presente, junto a Mick Garris, en la proyección de The Stand (Apocalipsis) dentro de la programación de Brigadoon.

Últimas incorporaciones a la programación

A nadie amarga un buen dulce de última hora. Por eso os traemos un par de sorpresas más. Amy Adams se suma a la Secció Oficial Fantàstic Competició con Canina (Nightbitch), la nueva película de Marielle Heller, recién llegada de Toronto. La directora de The Diary of a Teenage Girl se lanza al cine de género con este retrato de una maternidad salvaje en la que también aparecen Jessica Harper y Scoot McNairy. También llega de Toronto Ick de Joseph Kahn, una delirante historia de hijas perdidas y invasiones alienígenas que pide a gritos ser vista en pantalla grande y que se añade a la Sección Oficial Sitges Collection. ¿Es un pájaro? ¿Es un avión? No, es Super/Man: The Christopher Reeve Story de Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, el documental sobre la emotiva historia del actor estadounidense que también sobrevolará Sitges este octubre.

Sitges sigue siendo seriéfila

Seguimos apostando por las series y añadimos a nuestra programación una propuesta para los amantes del binge watching sci-fi. James Ward Byrkit, director de Coherence, vuelve a la ciencia ficción con Shatter Belt, una colección de historias sobre los inquietantes puentes que unen la mente y la realidad de la que podremos ver tres episodios en nuestras salas.

Seven Chances, más allá del canon

Sitges vuelve a colaborar un año más con l’Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) para reivindicar en la sección Seven Chances siete películas que, aún no haber encontrado su lugar en el canon, exploran los límites del género desde la curiosidad y el inconformismo. En esta edición las raras avis rescatadas serán el peculiar slapstick checo The Mysterious Castle in the Carpathians de Oldrich Lipský, la carta de amor La passion selon Béatrice de Fabrice Du Welz, la reflejada serie B de Mirror Mirror de Marina Sargenti, el fantaterror erótico de Las vampiras de Jess Franco, el ozploitation motorizado de Stone de Sandy Harbutt, el thriller arácnido Il nido del ragno de Gianfranco Giagni y el suspense laberíntico de Malpertuis (The Legend of Doom House) de Harry Kümel. Cada sesión estará acompañada de una pequeña presentación de la mano de diversos miembros de ACCEC.

Secció Oficial Fantàstic Competició

Canina (Nightbitch) – Marielle Heller (Estados Unidos, European Premiere)

Secció Oficial Sitges Collection

Ick – Joseph Kahn (Estados Unidos, European Premiere)

Sessions Especials

Hush – Mike Flanagan (Estados Unidos, 2016)

Panorama

V/H/S/Beyond – Kate Siegel, Jay Cheel, Jordan Downey, Christian Long, Justin Long, Justin Martinez y Virat Pal (Estados Unidos, World Premiere)

Sitges Documenta

Super/Man: The Christopher Reeve Story – Ian Bonhôte y Peter Ettedgui (Estados Unidos)

Serial Sitges

Shatter Belt (Ep. 1, 2 y 3) – James Ward Byrkit (Estados Unidos)

Seven Chances

Malpertuis – Harry Kümel (Bélgica, Francia y Alemania, 1971) 

Presentada por Javier J. Valencia 

Mirror Mirror – Marina Sargenti (Estados Unidos, 1990) 

Presentada por Javier Parra

Il nido del ragno 4K – Gianfranco Giagni (Italia, 1988) 

Presentada por Toni Junyent 

Las Vampiras (Vampyros Lesbos) 4K – Jesús Franco (España, 1971) 

Presentada por Paola Franco 

Stone – Sandy Harbutt (Australia, 1974)

Presentada por Daniel Grandes

The Mysterious Castle in the Carpathians – Oldrich Lipsky (República Checa, 1981)

Presentada por Ramón Alfonso 

The Passion According to Béatrice – Fabrice du Welz (Bélgica y Francia, 2024)

Presentada por Marla Jacarilla 

Bong Joon Ho en el espacio, primer tráiler para «Mickey 17»

Una de las películas más esperas para el inicio del próximo año es sin duda la vuelta a la dirección del coreano Bong Joon-Ho, cinco años después de su oscarizada Parásitos. Mickey 17, cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Warner Bros., y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone la primera incursión en la ciencia ficción del responsable de The Host, que en esta ocasión adapta a la gran pantalla la novela homónima de Edward Ashton.       

En la película vemos como Mickey Barnes es un Prescindible, encarnado en la séptima réplica de su cuerpo, que vive (y muere) rodeado de sus colegas colonizadores en Niflheim, un planeta helado y casi inhabitable. Hay quien lo considera inmortal. Otros lo ven como una monstruosidad sin alma. Durante los últimos nueve años ha realizado toda clase de tareas peligrosas y ha sido el conejillo de Indias de experimentos que ponen a prueba los límites de la resistencia humana.

Mickey 17, que tiene previsto estrenarse comercialmente en Estados Unidos y España el próximo 31 de enero de 2025, cuenta con un guion adaptado a cargo del propio Bong Joon-Ho, estando protagonizada por Robert Pattinson, Mark Ruffalo, Toni Collette, Steven Yeun, Naomi Ackie, Thomas Turgoose, Daniel Henshall, Patsy Ferran, Steve Park, Spike White, Chelsea Li, Sam Woodhams y Stuart Whelan.   

Diego Luna presentará en Seminci «Estado de silencio», retrato de la violencia extrema contra el periodismo mexicano

El actor y productor acudirá al estreno del documental en Valladolid, en una sesión especial que incluirá un coloquio con el escritor Ray Loriga

Estado de silencio, largometraje dirigido por Santiago Maza, tendrá su estreno en España en la Semana Internacional de Cine de Valladolid el próximo 22 de octubre, en una proyección especial que incluirá un coloquio con el propio director y con el productor ejecutivo de la película, el también actor Diego Luna, moderado por el escritor Ray Loriga. Además, el actor y el escritor protagonizarán un segundo encuentro con el público el miércoles 23 de octubre en el Paraninfo de la Universidad de Valladolid.

Esta película muestra el trabajo de cuatro periodistas mexicanos y los riesgos que corren al ejercer la profesión en su país, dado que, en el país azteca, el periodismo es una profesión de alto riesgo desde hace años. Según la ONG Artículo 19 México, un total de 141 periodistas han sido asesinados desde el 2000 hasta la fecha en posible relación con su labor. Además, según el Índice Global de Impunidad que el Comité para la Protección de los Periodistas (CPJ, por sus siglas en inglés), publica anualmente, México figura sistemáticamente entre los 10 países con el número más elevado de asesinatos de periodistas que continúan sin resolverse.

Estado de silencio da voz a cuatro periodistas se han convertido en blanco de la represión, en su búsqueda por revelar el dolor y el miedo que padece la ciudadanía en México tras dos décadas de una violencia desbocada por la llamada guerra contra el narco. Ellos, así como cientos de sus colegas, son al mismo tiempo investigadores y víctimas de la narcopolítica. Este retrato íntimo exclama con sentido de urgencia que la libertad de prensa no puede permanecer bajo asedio. Sobre su compromiso con el proyecto, Diego Luna señala que “si el cine no funciona como espejo, como reflejo, y no se conecta con lo más profundo de nuestra vida en comunidad, no tiene sentido. Existe por eso y para eso, así lo aprendí a ver y así lo aprendí a hacer”.

Actor, guionista, productor y director, Diego Luna es una de las figuras más conocidas del cine mexicano en el mundo, con una extensa filmografía a caballo entre México, España y Estados Unidos. Luna, socio fundador junto al también actor Gael García Bernal de la productora La Corriente del Golfo, ha destacado que, “sin duda, Valladolid representa una gran plataforma para ver y discutir la película. Santiago Maza y yo estamos muy agradecidos con el festival por la invitación. Estamos muy contentos de poder compartir el documental Estado de Silencio con el público español. La constante amenaza bajo la que se encuentra la libertad de prensa y el derecho de todo ciudadano a estar informado es un asunto que no conoce fronteras. Nos vemos pronto por allá”. Rosa Bosch internacional se encarga de las ventas internacionales.

Luna ha participado en películas como Y tu mamá también (Alfonso Cuarón, 2001 –premio Marcello Mastroianni a mejor actor revelación del Festival de Venecia), Mi nombre es Harvey Milk (Gus van Sant, 2008), Solo quiero caminar (Agustín Díaz Yanes, 2008 –nominado al Premio Goya al Mejor Actor-) o Rogue One: Una historia de Star Wars (Gareth Edwards, 2016), además de series como Narcos (Netflix, 2018-2021) y Andor (Disney+, 2022). Como director, debutó con el documental J.C. Chávez (2007), dedicado al legendario boxeador Julio César Chávez, al que siguió el largo de ficción Abel (2010), que también escribe y por el que recibe el Premio Ariel de ese año. Además, es creador y director de series como Todo va a estar bien y Pan y circo, que ganó dos premios Daytime Emmy.

La Corriente del Golfo, productora con sede en México, está enfocada en películas, series y podcasts. Entre otros proyectos, la productora ha desarrollado los largometrajes de ficción Chicuarotes, dirigida por Gael García Bernal y estrenada en el Festival de Cannes; Cassandro, protagonizada por Gael García Bernal; Tesis sobre una domesticación, dirigido por Javier Van de Couter y protagonizado por Camila Sosa Villada y Alfonso Herrera. Los actores mexicanos también han desarrollado con su productora las series Aquí en la Tierra, de García Bernal y Kyzza Terrazas; la serie web La cuestión, dirigida por Santiago Maza; y La máquina, protagonizada por Gael García Bernal, Diego Luna y Eiza González y dirigida por Gabriel Ripstein.

Santiago Maza, formado en la Escuela Nacional de Cine y Televisión​ británica y en la London Film School, es director del departamento de documentales de La Corriente del Golfo. Maza fue seleccionado en el Talent Campus de la Berlinale y su primer largometraje, Truenos de San Juan, en más de quince festivales internacionales. Codirigió la serie Duda razonable (Netflix) y dos temporadas de El Tema, serie documental conducida por Gael García Bernal.

“Daniela Forever” inaugurará la Semana de Terror

La nueva película dirigida por Nacho Vigalondo, la coproducción vasca Daniela Forever (2024), será la encargada de inaugurar el 25 de octubre en el Teatro Principal la 35ª Semana de Cine Fantastico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 25 de octubre y el 1 de noviembre en los teatros Principal y Victoria Eugenia y en otros escenarios de la ciudad.

La película, producida por Sayaka Producciones en coproducción con Wrong Men, Señor y Señora, Mediacrest Entertainment y XYZ Films, se estrenó el pasado 5 de septiembre en el Festival de Toronto. Está protagonizada por Henry Golding, Beatrice Grannò, Aura Garrido, Rubén Ochandiano y Nathalie Poza.

Este es el quinto largometraje dirigido por Nacho Vigalondo tras Los cronocrímenes (que inauguró la Semana de Terror en 2007), Extraterrestre (2011), Open Windows (2014) y Colossal (2016). En los últimos años ha trabajado en diversas series de TV y dirigió el capítulo La alarma (2022) de las nuevas Historias para no dormir.

La vida pierde todo sentido para Nicolas (Henry Golding) con la pérdida de su novia Daniela (Beatrice Grannò). Un día es invitado a formar parte de un ensayo clínico que le permitirá controlar sus sueños y accede con la esperanza de recuperarse. Ahora Nicolás puede soñar con Daniela cada noche y reanudar su relación, más idílica que nunca. Aunque sea en sueños. Y corriendo el riesgo de perderse en ellos para siempre.

La película será distribuida en cines por Filmax.

Avance de programación de la Semana de Terror

A continuación se avanzan algunos de los largometrajes que participarán en la 35ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 25 de octubre y el 1 de noviembre. La programación completa se dará a conocer a mediados del mes de octubre.

  • 1978 (2024). Hermanos Onetti. Argentina

Durante la final de la Copa del Mundo entre Argentina y Holanda, en tiempos de plena dictadura militar, un grupo de torturadores irrumpe violentamente en un domicilio y secuestra a un grupo de jóvenes para llevarlos a un centro clandestino de detención. Lo que comienza como un interrogatorio inhumano se convierte en un verdadero martirio: han secuestrado al grupo de personas equivocado. El centro se convertirá en el mismísimo infierno en la última película de los hermanos Onetti –Francesca (2015), Los olvidados (2017), Abrakadabra (2018)–.

  • Bodegón con fantasmas (2024). Enrique Buleo. España

Angustiados por los sinsabores y aprietos de la vida y la muerte, fantasmas y humanos de un pequeño pueblo de La Mancha hacen lo imposible por poner fin a sus problemas y no dudan en llevar a cabo extremos y desesperados planes para lograrlo.

  • Else (2024). Thibault Emin. Francia-Bélgica

El introvertido Anx se despierta una noche en su cama junto a la vitalista Cass. Pese a que en principio no parece que tengan mucho en común, algo comienza a florecer. Pero su incipiente relación se ve amenazada cuando un misterioso virus se extiende por el planeta, provocando que poco a poco las personas infectadas se fusionen con todo lo que tocan.

  • House of Sayuri (2024). Koji Shiraishi. Japón

Después de años de sacrificios, la familia Kamiki consigue por fin cumplir su sueño de comprar una casa en el campo. Se trasladan llenos de esperanza e ilusión… hasta que descubren que tienen que convivir con el fantasma vengador de una adolescente asesinada tiempo atrás Una nueva vuelta de tuerca llena de humor al subgénero de casa poseída de la mano del director de entre otras Cult (2013), Sadako vs. Kayako (2016) y Welcome to the Occult Woods (2022).

  • Krazy House (2024). Steffen Haars, Flip van der Kuil. Países Bajos

Comedia negra ambientada en los años 90 protagonizada por el muy religioso Bernie (Nick Frost) y su familia de sitcom. Los trabajadores rusos que ha contratado para hacer unas reformas en su casa resultan ser unos peligrosos criminales que buscan en las paredes el botín de un robo que lleva escondido allí unos años. Para salvar a su familia Bernie deberá empoderarse y enfrentarse a ellos con todas las armas a su alcance.

  • MadS (2024). David Moreau. Francia

El joven Romain hace una parada en casa de su camello, prueba una nueva pastilla y está listo para irse de fiesta. De camino ve a una mujer herida al costado de la carretera. Cuando la sube a su auto comienza a comportarse de manera muy extraña, hasta que finalmente se apuñala a sí misma y muere desangrada. ¿Un mal viaje? ¿O es algo más? Una cosa es segura: solo es el comienzo de la noche.

  • Oddity (2024). Damian McCarthy. Irlanda

Cuando Dani es brutalmente asesinada en la casa de campo que estaba reformando junto a su marido Ted, todos piensan que el culpable es un paciente del cercano hospital psiquátrico donde Ted trabaja. El sospechoso aparece muerto poco después. Ha pasado un año y Darcy, la hermana gemela ciega de Dani, psíquica y coleccionista de objetos malditos, aparece en la casa, donde ahora Ted vive con su nueva pareja, para descubrir qué sucedió realmente allí. Segundo largometraje del irlandés Damian MacCarthy, que ha presentado en la Semana varios cortos y su anterior Caveat (2020).

  • Onsen Shark / Hotspring Sharkattack (2024). Morito Inoue. Japón

En la costera y muy turística Atsumi City han empezado a desaparecer bañistas en extrañas circunstancias. Sus cuerpos son encontrados en pedazos, con síntomas de haber sido atacados por… un tiburón gigante. Las autoridades se preocupan. La policía investiga. Delirante y divertido film japonés que se acerca sin ningún prejuicio al subgénero de películas con tiburones asesinos.

  • Operation Undead (2024). Kongkiat Komesiri. Tailandia

Provincia de Chumphon, Tailandia, 1941. Durante la Segunda Guerra Mundial, Mok y su heterogéneo grupo de jóvenes soldados se enfrentan a las fuerzas invasoras japonesas, que traen una terrorífica arma biológica. Mek, el hermano mayor de Mok, es un suboficial al que le ordenan unir fuerzas con las tropas niponas cuando estas pierden el control de su propia arma. Sus órdenes podrían significar la muerte de su hermano.

  • Things Will Be Different (2024). Michael Felker. EEUU

Para escapar de la policía tras un atraco, Joseph y Sidney, dos hermanos sin demasiada relación en los últimos años, se refugian en una granja que les transportará en el tiempo. Allí planean permanecer unas semanas hasta que la situación se calme y puedan retomar sus vidas. Pero no todo va a resultar tan fácil, porque una fuerza misteriosa pondrá a prueba sus vínculos familiares.

  • Timestalker (2024). Alice Lowe. Reino Unido

Comedia romántica que cuenta la historia de Agnes, que viaja a través del tiempo en busca del amor. Desde su primera aparición en 1688 en Escocia, donde se enamora de Alex, tiene una muerte violenta y se reencarna un siglo después para volver a encontrarse y enamorarse del mismo hombre una y otra vez. Un viaje a través de la historia y el amor de la mano de la directora y protagonista de Prevenge (2016).

FRANZ KAFKA EN TABAKALERA

La Semana ha preparado este año dos sesiones dedicadas a Franz Kakfa en Tabakalera, coincidiendo con el centenario de su muerte. El 26 de octubre se proyectará la adaptación de El castillo que dirigió Michael Haneke en 1997 y el día 31 tendrá lugar un maratón de cortos basados o inspirados en la obra del escritor checo.

  • El castillo (Das Schloss, 1997). Michael Haneke. Austria-Alemania-Francia

A última hora de una fría noche de invierno, el agrimensor K. llega a la localidad de Brückenhof. A partir de ese momento intentará alcanzar el castillo que domina el lugar para poder empezar a hacer el trabajo para el que ha sido contratado nadie sabe por qué. Pero cuanto más empeño pone en ello, menos cerca parece su objetivo. Michel Haneke adapta para la televisión la novela inacabada de Franz Kafka el mismo año que dirige (con parte del mismo reparto) Funny Games.

  • Franz Kafka: sesión de cortometrajes

The Country Doctor (1953). Lorenza Mazzetti. Reino Unido
The Flat / Byt (1968). Jan Švankmajer. Checoslovaquia
La cabina (1972). Antonio Mercero. España
The Metamorphosis of Mr. Samsa (1977). Caroline Leaf. Canadá
Franz Kafka’s It’s a Wonderful Life (1993). Peter Capaldi. Reino Unido
L’Homme qui attendait (2006). Theodore Ushev. Canadá
Dream of Kafka (2020). David Babayan. Armenia

Una inmortalidad esquiva, tráiler para «Timestalker» de Alice Lowe

Conocida entre el gran publico por ser la protagonista principal de Sightseers (2012), Alice Lowe debutó como realizadora en 2016 con Prevenge, comedia fantástica de tono subversivo que le daba la vuelta a los clichés asociados al estado de gestación. En su segundo trabajo tras las cámaras titulado Timestalker, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, Alice Lowe vuelve a indagar en el género a través de una obsesiva comedia romántica provista de paradojas temporales.    

En Timestalker, que estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges dentro de la sección Noves Visions, vemos como la desventurada heroína Agnes de forma involuntaria se reencarna cada vez que se enamora del hombre equivocado, a través de un viaje que le llevará por 1680 en el oeste de Escocia, el Manhattan de la década de los años 80, o el apocalíptico siglo XXII.

La película, con guion y rol principal a cargo de la propia Alice Lowe, esta protagonizada por Jacob Anderson, Aneurin Barnard, Kate Dickie, Nick Frost, Tanya Reynolds, Zach Wyatt, Mike Wozniak, Dan Renton Skinner, Gerald Tyler y Boyd Clack.  

 

Primer tráiler para el retro thriller «Dead Mail»

Tras su premier mundial hace unos meses en el marco del SXSW y su reciente paso por el Festival de Toronto acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del film titulado Dead Mail, thriller estilístico de texturas analógicas ambientado a principios de los años ochenta. La película, dirigida por el dueto formado por Joe DeBoer y Kyle McConaghy, BAB (2020) y Sheeps Clothing (2004), con McConaghy en solitario tras las cámaras, estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges dentro de la sección Noves Visions.  

En Dead Mail vemos como una ominosa nota de ayuda llega a un departamento de correos de los años 80, conectando a un investigador de cartas muertas que trabaja en dicha oficina con un técnico secuestrado.

La película, con guion a car de los propios Joe DeBoer y Kyle McConaghy, está protagonizada por Sterling Macer Jr., John Fleck, Susan Priver, Micki Jackson, Tomas Boykin, Nick Heyman, Sean Heyman, Aaron Phifer, Michael Cambridge, Micah Fitzgerald, Sharieff Walters, David Willis, Joseph Lopez, Josh Harp, Shelby Sulak, Alyssa Brayboy, Jackie Green, Shelby Shea y Robin D. Stanton.

Sitges2024 completa la constelación del mejor Fantástico del mundo

Los últimos trabajos de Steven Soderbergh, Coralie Fargeat, Alexandre Aja, Asif Kapadia, Natalia Erika James, Adam Elliot, Bertrand Mandico, Pupi Avati y muchos más presentes en Sitges2024.

Dos nuevos premiados de lujo

El actor Geoffrey Rush, mejor conocido como el capitán Barbossa en la saga Piratas del Caribe, será galardonado con el Gran Premi Honorífic de esta edición del festival. Ganador de un Oscar al Mejor Actor por Shine y dos BAFTAs al Mejor Actor Secundario por El discurso del rey y Elizabeth: La edad de oro, el intérprete australiano también ha abrazado el cine de género en películas como Dioses de Egipto, Mystery Men o House on Haunted Hill (1999). El actor vendrá al Festival, donde también se proyectará su última película, The Rule of Jenny Pen, como parte de la Sección Oficial a Competición.

Por otro lado, el cineasta Alexandre Aja recibirá este año el Premi Máquina del Temps. El realizador francés lleva más de dos décadas explorando todas las esquinas del terror, desde el slasher en su celebrado remake de Las colinas tienen ojos hasta las animaladas en Infierno bajo el agua o Piraña 3D. Este año Aja volverá a Sitges, donde su polémica Alta Tensión se llevó tres galardones en 2004, para recibir este reconocimiento y, ya de paso, presentarnos su última película: Nunca te sueltes (Never Let Go), la cual se encargará de poner el punto y final al Festival. 

Los galardones a Geoffrey Rush, ALexandre Aja se suman a los premiados ya anunciados en julio: Mike Flanagan, Nick Frost, Heather Lagenkamp, Ovidio G. Assonitis, Christophe Gans, Fred Dekker y Fabio Testi.

Inauguración y clausura

Esta edición dará el pistoletazo de salida con un invitado de lujo. La película inaugural será Presence, lo nuevo del ganador de la Palma de Oro y del Oscar Steven Soderbergh. El polifacético director estadounidense, responsable de títulos como Ocean’s Eleven, Contagio, Sexo mentiras y cintas de video, Traffic o Solaris (entre muchos otros), presentará en el festival su nuevo largometraje, un intrigante relato sobre una familia acechada por una misteriosa presencia. Tras su éxito en la última edición del festival de Sundance y Toronto, Presence será presentada en Sitges con la presencia (nunca mejor dicho) de su director.

Por otro lado, aunque antes os hemos hecho un pequeño spoiler, anunciamos Nunca te sueltes (Never Let Go) de Alexandre Aja como película de clausura, un cuento sobrenatural en una cabaña en el bosque protagonizado por Halle Berry

Los jurados para esta edición

No puede haber un buen festival sin un buen conjunto de jurados. Como cada año, estamos orgullosos de los numerosos profesionales que van a estar deliberando por nuestras salas. Tal y como anunciamos en julio, el jurado de la Sección Oficial estará formado por el director y guionista Fred Dekker (quien también recibirá el Premio Honorífico Màquina del Temps), el compositor y escritor cinematográfico inglés Stephen Thrower, la cineasta madrileña Carlota Pereda, el cineasta francés Christophe Gans (quien también recibirá el Premi Méliès Career) y la directora del Fantastic Fest, Lisa Dreyer

Por otro lado, en el jurado Méliès d’Argent participarán el guionista e investigador Álex Mendíbil, la directora ucraniana Marysia Nikitiuk y la investigadora norirlandesa Victoria McCollum. Del Jurado Blood Window y de la sección Òrbita se encargarán la productora Roxana Ramos, el director y montador estadounidense Douglas Buck y la productora Nahikari Ipiña, mientras que el periodista José Enrique Monterde, la programadora Rebecca de Pas y la crítica de cine Olivia Cooper-Hadjian serán el jurado de Noves Visions. 

El jurado de la sección Anima’t reunirá a la animadora Bill Kopp, a Verónica Buide, presidenta de la asociación MIA (Mujeres en la Industria de la Animación), y el ilustrador Juanjo Sáez. La directora de vestuario Nerea Torrijos, el director Ivan Villamel y le critique de cine Mariona Borull se encargarán de la sección Brigadoon.

Nuevos títulos en la Sección Oficial

Aunque ya os regalamos un pequeño avance en julio, aún nos quedaban muchas caras por desvelar (algunas ya conocidas, otras aún por descubrir) para completar la Sección Oficial Fantàstic a Competició de esta edición del festival. 

Asif Kapadia, director de Senna, Amy o Diego Maradona, deja de lado su idilio con el biopic para volver a abrazar sus orígenes vinculados al cine fantástico. Lo hará con 2073, un largometraje inspirado en La Jetée de Chris Marker que deambula entre la ciencia ficción y el documental. Por su lado, el cineasta que nos enamoró en 2019 con su ¿Dónde está mi cuerpo? vuelve a visitarnos, esta vez con Meanwhile on Earth. Jérémy Clapin se lanza a la acción en imagen real con este relato de extraterrestres que generó muy buenas reacciones en el pasado festival de Berlín. Los que aterrizan directamente de Venecia serán los hermanos Quay, monolitos de la animación experimental, nos presentan la oscura Sanatorium Under the Sign of the Hourglass, una fantasmagoría en stop-motion que enloquecerá a los fans de Phill Tippet. 

Activistas, desapariciones y un planeta extraño. La actriz Adèle Exarchopoulos, habitual indiscutible del festival, protagoniza Planet B de la realizadora francesa Aude-Lea Rapin. Aislinn Clarke dará el salto de Midnight X-Treme, donde sorprendió en 2018 con su The Devil’s Doorway, a la Sección Oficial. Esta vez nos regala la inquietante Fréwaka, una relectura del folclore irlandés que hizo temblar al festival de Locarno. J.T. Mollner, responsable de Ángeles y forajidos, abandona a los cowboys para invitarnos en Strange Darling a una noche romántica con un asesino en serie. No tan romántica será la sesión de Basileia, el debut en formato largo de la cineasta italiana Isabella Torre, una misteriosa expedición arqueológica con ecos lovecraftianos.

Tras su paso por el festival en 2021 con Atrapados en la oscuridad, el neozelandés James Ashcroft nos abrirá las puertas de The Rule of Jenny Pen, un thriller geriátrico con ancianos asesinos protagonizado por el homenajeado Geoffrey Rush y John Lithgow. Desde Asia nos visita Li Yang con su Escape from the 21st Century, un divertido cuento sobre viajes en el tiempo. El cine de acción del realizador chino vuelve a nuestras pantallas tras sorprendernos en 2012 con su ópera prima, Lee’s Adventure. Y desde Brasil nos llega una interesante sesión doble. Por un lado, Marco Dutra vuelve a la Sección Oficial, tras hacerlo con su As boas maneiras en 2011, con el crudo retrato de dos recogedores de animales muertos en Bury Your Dead. Por el otro, Davi Pretto, director de las aplaudidas Castanha y Rifle, pondrá a dialogar lo sobrenatural con el western en su nueva Continent.

La noruega Tallulah Hazekamp Schwab se lanzará por primera vez al cine de género con Mr. K, un thriller claustrofóbico sobre un hotel con vibraciones de Overlook. Y necesitaremos una vez más ponernos la mascarilla, pues Thibault Emin nos trae la adaptación al largometraje de su corto Else, en el que despliega una extraña pandemia sin forma. Por último, la actriz Élise Otzenberger se estrenará en la dirección con Call of Water, una odisea de ciencia ficción familiar a la orilla del mar. 

Una colección de sesiones muy especiales

La nueva Sección Oficial del festival, Sitges Collection, da el pistoletazo de salida con la ya anunciada La sustancia de Coralie Fargeat. Lo último de la directora de Revenge, ganadora del premio a la Mejor Dirección (¡y Mejor Dirección Novel!) en Sitges 2017, causó una auténtica histeria colectiva en la pasada edición del festival de Cannes. Protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid, la película explora el arquetipo del doppelganger desde la óptica de la serie Z y del universo celebrity. 

El legendario edificio Dakota vuelve a abrir sus puertas en Apartment 7A, la esperada precuela de La semilla del diablo. Tras el aplaudido paso de Relic por la edición pandémica del festival, la directora Natalie Erika James toma las riendas de este prólogo maldito que se pregunta, de la mano de las actrices Julia Garner y Dianne Wiest, qué pasó antes de que Rosemary se mudara a Nueva York. Recién llegada del festival de Venecia aterriza en Sitges L’orto americano, la nueva película del maestro italiano Pupi Avati, protagonizada por Filippo Scotti y Rita Tushingham. El responsable de obras capitales del giallo como La casa dalle finestre che ridono y colaborador de Lamberto Bava presenta en esta ocasión el monocromático relato de un joven psicópata con ambiciones literarias. 

No podríamos comprender un Sitges sin él: Nicolas Cage volverá este año a nuestras pantallas con Arcadian de Benjamin Brewer. El reconocido director de videoclips sigue sus andadas por el séptimo arte en este survival paterno-filial que también cuenta con la presencia del joven Jaeden Martell, siempre fiel al cine de terror. El que también adoptará el papel de padre será Elijah Wood, otro amigo del festival, en Bookworm de Ant Timpson. El cineasta repite con Wood tras el éxito en Sitges de Come to Daddy, esta vez en una aventura familiar acechada por una bestia mitológica.

El cine asiático, como no podría ser de otra forma, también estará presente en esta nueva sección. Tras pasar por Sitges en 2017 con su divertidísima Your Spiritual Temple Sucks, el cineasta taiwanés John Hsu presentará su nueva película Dead Talents Society, una comedia paranormal con alma de creepypasta sobre unos fantasmas ansiosos por convertirse en leyenda urbana. En la otra cara de la moneda estará Exorcism Chronicles: The Beginning, de Kim Dong-Chul, una pesadilla animada que combina animación 2D y 3D. Esta adaptación de una de las webtoons coreanas más populares de los últimos años fue estrenada en la pasada edición del festival de Annecy. 

Siguiendo con la animación, naufragará en las costas de Sitges Robot Salvaje, lo último del maestro estadounidense Chris Sanders. El responsable de películas como Lilo & Stitch o Cómo entrenar a tu dragón despliega una odisea robótica doblada por un elenco de lujo, entre los que destacan en la versión original Lupita Nyong’oPedro PascalMark Hamill, y en la versión doblada al castellano Macarena GarcíaÁlvaro Morte. De aventuras animadas va la cosa, pues Diplodocus de Wojtek Wawszczyk también tendrá su hueco en la sección. El cineasta polaco, encargado de los efectos visuales de Yo Robot, debuta en el largometraje con esta colorida propuesta.

Más allá de Sitges Collection, acogeremos también algunas de las ya míticas sesiones especiales del festival, empezando por la esperadísima El misterio de Salem’s Lot, la última adaptación a la gran pantalla del icónico relato de Stephen King. Gary Dauberman, director de Annabelle vuelve a casa y guionista de las It de Andy Muschietti, presentará el nuevo descenso a los infiernos del novelista Ben Mears, interpretado en esta ocasión por Lewis Pullman. El tándem de cineastas Bridget Savage Cole y Danielle Krudy vuelve a pedalear en House of Spoils, un intenso thriller sobre el caos en la cocina, a partir de las angustias de una chef que lucha por mantener a flote su restaurante. Tras Derribad al hombre, las estadounidenses coreografían una pesadilla en la cocina protagonizada por Ariana DeBose, Arian Moayed y Barbie Ferreira

Otra pareja que no podía faltar a la cita es la compuesta por Alexandre Bustillo y Julien Maury, quienes en The Soul Eater nos sumergirán en la turbia atmósfera de una investigación policial que pretende resolver una escalofriante serie de desapariciones de niños en un apartado pueblo.  Destry Allyn Spielberg, hija del mítico director estadounidense, se estrena en el largometraje con Please Don’t Feed the Children de la mano del actor Giancarlo Esposito. Por último, volvemos a acoger a otros sospechosos habituales de Sitges, ya que Hidenori Inoue vuelve a traernos el espíritu teatral del kabuki con Rose & Samurai 2: Return of the Pirate Queen.

Asia vuelve a conquistar Òrbita 

Un año más se vuelve a confirmar que las periferias del género siguen siendo lideradas por los cineastas asiáticos; nuestra sección Òrbita sigue siendo testigo de ello. Desde Hong Kong aterriza The Goldfinger, de Felix Chong, un thriller de acción con espíritu ochentero liderado por un elenco de lujo, en el que destacan Tony Leung y Andy Lau. Al igual que estos actores, también ha colaborado con Wong Kar-wai el realizador chino Xu Haofeng. Tras el éxito de El maestro nos narra en 100 Yards el intenso duelo por el liderazgo de una academia de wushu. 

Corea del Sur nos regala The Roundup: Punishment de Heo Myeong Haeng, director de Cazadores en tierra inhóspita, en el que el ya mítico actor Ma Dong-seok completa la cuarta parte de esta exitosa franquicia de acción detectivesca. También es surcoreana y policial la nueva película de Ryoo Seung-wan, el encargado de Escape from Mogadishu. En I, The Executioner, el asesinato de un profesor siembra dudas sobre la existencia de un asesino en serie. Por su parte, Lee Jong-pil nos dejará sin aliento con Escape, en la que un sargento norcoreano intentará dar caza a un desertor. Cierra la alineación asiática primero, desde Hong Kong Kim-Wai Yuen con The Moon Thieves, una sofisticada intriga que gira alrededor de una trama de robos de relojes, y después el japonés Nobuhiro Yamashita, quien este año hace doblete en el Festival con su Ghost Cat Anzu, con un angustioso thriller al que sólo le hacen falta dos actores, Confession.

Esta edición de Òrbita también da la bienvenida a viejos conocidos del festival. Los hermanos Marco y Antonio Manetti seguirán adaptando los fumetti de Angela y Luciana Giussani en Diabolik ¿Quién Eres? (Diabolik: Who Are You?). El cineasta congoleño Jean Luc Herbulot vuelve tras proyectar su Saloum en el Noves Visions de 2021. En esta ocasión se trae bajo la manga Zero, un asfixiante largometraje que se pregunta de dónde salen las bombas que tienen sus protagonistas en el pecho. El belga Fabrice Du Welz también conoce Sitges bastante bien, pues algunos de sus anteriores trabajos, como Adoration o Alleluia, ya han impactado en nuestras pantallas. Un policía que prefiere tomarse la justicia por su mano será su nuevo pretexto para volver a visitarnos con Maldoror, uno de los grandes seísmos del último Festival de Venecia.

Pondrá el punto y final a la sección Òrbita la esperada Beating Hearts, un romance violento que pudo verse en el pasado festival de Cannes. Gilles Lellouche, actor habitual de Quentin Dupieux, se encarga de dirigir al elenco habitual de este mismo (Adèle Exarchopoulos, Vincent Lacoste, Jean-Pascal Zadi) en un retrato kitsch de una relación poco esperanzadora. 

Panorama, una constelación del terror actual

La sección Panorama nos ofrece las premieres españolas de algunos de los títulos de terror que más han dado que hablar durante los últimos meses. Cristian Ponce, director de uno de los mayores fenómenos de la edición del 2021, Historia de lo oculto, vuelve a Sitges con A Mother’s Embrace, un survival horror ambientado en 1996. El mexicano Isaac Ezbán, habitual del festival, también estará presente en la sección con su nuevo Párvulos: Hijos del apocalipsis, la historia de tres jóvenes que esconden algo muy oscuro en su sótano. 

El danés Ole Bornedal presentará en El vigilante nocturno: Demonios heredados (Nightwatch: Demons Are Forever) a un Nikolaj Coster-Waldau enfrentado con sus traumas del pasado, el ucraniano Pavlo Ostrikov desplegará una solitaria odisea en el espacio en U Are the Universe y el estadounidense Brandon Espy retratará en Mr. Crocket a un presentador de programas infantiles secuestrador de niños, que bien podría ser una versión afroamericana (y muy pasada de rosca) del mítico Freddy Krueger. Por su lado, Paul Evans Thomas coreografia una versión rural del Impacto de Brian De Palma en Within the Pines, Spider One se imagina un monstruo pesadillesco devorador de madres en Little Bites, Mercedes Bryce Morgan construye un tentador laberinto de sexo, mentiras y supervivencia en Bone Lake y Tata Sidharta imagina a un adolescente con capacidad para entrar en los sueños ajenos en Respati. 

El letón Marcis Lacis sacará del ataúd su Touched by Eternity, una comedia vampírica art-house, el italiano Francesco Carnesecchi se irá de caza en su oscura Resvrgis y el japonés Jun’ichi Yasuda se pondrá meta con la alocada comedia A Samurai in Time. Acabamos el repaso a Panorama con Push, de David Charbonier y Justin Powell, el horror histórico de The Damned de Thordur Palsson, la búsqueda de un cazador de monstruos desaparecido en Kryptic de Kourtney Roy, la exploración de un tenebroso edificio en Tenement de Sokyou Chea y Inrasothythep Neth, y las artes marciales en el universo comatoso de Inexternal de Kim-Wai Yuen

Noves Visions, nuevas miradas

La sección Noves Visions sigue siendo el espacio ideal para descubrir esas pequeñas joyas que quizás aún no están generando tanta conversación, pero que sin duda van a empezar a hacerlo. Damos el pistoletazo de salida anunciando una sesión especial en la que podremos disfrutar de la remasterización en 4K y en montaje de “Director’s Cut” de la película de culto The Fall de Tarsem Singh. El cineasta indio plasma en esta apabullante extravagancia, ganadora del premio a Mejor Película en Sitges 2007, el espíritu inconformista de esta sección. Lo mismo puede decirse del cine del francés Bertrand Mandico, quien será el encargado de clausurar la sección con su indescriptible Dragon Dilatation. Este díptico de ensayos fílmicos promete poner el festival patas arriba, tal y como lo hizo en su paso por el festival de Locarno. También podrá verse en Noves Visions el último cortometraje de Don Hertzfeldt, director de It’s Such a Beautiful Day y World of Tomorrow, quien vuelve con su minimalismo existencialista en la odisea musical ME.

A competición estará Sew Torn, de Freddy Macdonald, uno de los thrillers más adictivos de la temporada, Love me de Sam y Andy Zuchero, una peculiar historia de amor entre una boya y un satélite interpretados por Kristen Stewart y Steven Yeun; Witte Wieven de Didier Koning, un cuento de terror medieval que arrolló el festival de Rotterdam; Your Monster de Caroline Lindy, retrato de un monstruo encantador protagonizado por Melissa Barrera, y Electric Child de Simon Jaquemet, un distópico pacto fáustico con la Inteligencia Artificial. También se pasarán por la sección The Killers, la antología hitman coreana de Jong-kwan Kim, Deok Roh, Hang-jun Chang y Myung-Se Lee; Los hiperbóreos(The Hyperboreans),  la rareza esotérica chilena de Joaquín Cociña y Cristóbal León; Gazer, la paranoia discronométrica de Ryan J. Sloan, y Pepe, la increíble fábula sobre los hipopótamos de Pablo Escobar a cargo de Nelson Carlo de los Santos Arias

Completan el menú los atípicos viajes en el tiempo de Things Will Be Different, de Michael Felker, el combate entre adolescentes inconformistas y espíritus malignos en Spirit in the blood de Carly May Borgstrom, el horror cultista de Body Odyssey de Grazia Tricarico, los surrealistas viajes temporales de She Loved Blossoms More de Yannis Veslemes, los  relatos isleños a la mexicana de Un cuento de pescadores, de Edgar Nito, y la pesadilla metacinematográfica de It Doesn’t Get Any Better Than This, de Rachel Kempf y Nick Toti.

El cine de animación brilla en Anima’t

Por mucho que la animación esté presente en muchísimos otros rincones del Festival, Anima’t sigue siendo un año más su santuario. Adam Elliot, director de la más que aplaudida -y llorada- Mary and Max, nos vuelve a abrir las puertas de su oscuro universo de claymation con su nueva película, Memorias de un caracol (Memoir of a Snail). Una de las figuras más importantes del stop-motion contemporáneo narra en esta ocasión la relación entre una solitaria niña aficionada al coleccionismo y una excéntrica anciana llamada Pinky. Todo lo contrario a la oscuridad de Elliot nos aportará la brillante The Colors Within, lo nuevo de Naoko Yamada. La responsable de joyas del anime japonés como A Silent Voice dibuja la historia de una estudiante sinestésica que puede ver a los demás como colores.

Desde China nos llega The Umbrella Fairy, estreno como realizador del director de arte Jie Shen, un cuento de hadas capaz de fusionar el folclore chino con la animación japonesa. Después de imaginar On the White Planet,el animador surcoreano Hur Bum-wook se atreve con Pig that survived foot-and-mouth disease, la irónica historia sobre un cerdo que quiere ser humano y un humano que quiere ser un animal. Ricardo Curtis y Rodrigo Perez-Castro colaboran por primera vez en la divertida Night of the Zoopocalypse, un apocalipsis 3D causado por un meteorito que convierte a los animales en zombis babosos mutantes. Por último, el argentino David Bisbano, director de Rodencia y el diente de la princesa, imagina una odisea familiar borgiana en Dalia y el Libro Rojo, mientras que el paquistaní Usman Riaz se lanza al largometraje con su antibelicista The Glassworker. Cerramos el telón con la proyección especial de Guillot i Llebre salven el bosc (Fox & Hare save the forest), donde la holandesa Mascha Halberstad, directora de la aplaudida Knor (Oink Oink), narra la animada odisea de dos mejores amigos en busca de un búho desaparecido.  

 

Freaks, colmillos y homenajes a los clásicos

Somos conscientes de que las integrantes de la sección Sitges Clàssics de esta edición no necesitan presentación alguna. Este año se podrá disfrutar en este gabinete de obras maestras títulos como La matanza de Texas de Tobe Hopper, monolito del slasher estadounidense que se proyectará en una impactante copia en 35mm. Presentamos también la remasterización en 4K del clásico del kaiju eiga Godzilla de Ishirō Honda. También homenajearemos a algunos de los premiados durante el festival, como por ejemplo a la actriz Heather Lagenkamp con la proyección de Pesadilla en Elm Street de Wes Craven, al actor Fabio Testi con la de Revolver de Sergio Sollima y al cineasta Fred Dekker con una sesión de su Night of the Creeps. Cerramos la sección con la proyección de la secuela apócrifa Alien 2 de Ciro Ippolito.

Además, con motivo del leitmotiv de esta edición, dedicamos una retrospectiva al universo de los freaks, empezando con Freaks, claro está, y Garras humanas de Tod Browning y El rostro de Ingmar Bergman, pasando por Santa Sangre de Alejandro Jodorowsky, Extrañas criaturas de Ray Dennis Steckler y The Funhouse de Tobe Hopper, para terminar con Balada triste de trompeta de Álex de la Iglesia y La casa de los 1000 cadáveres de Rob Zombie, esta última remasterizada en 4K.

 

La no-ficción se refugia en Sitges Documental

Viviendo una actualidad tan terrorífica y surrealista, no tendría sentido que el festival obviara la no-ficción. Es por eso que este año Sitges Documenta vuelve con mucha fuerza. No podemos entender Sitges sin Dario Argento, así añadimos a los documentales anunciados en julio Deep Argento de Giancarlo Rolandi y Steve Della Casa, un personal viaje por la vida del maestro de giallo, hasta ahora siempre relativamente desconocida. Rupert Russell presenta The Last Sacrifice, un aterrador documento sobre el asesinato de Charles Walton, evento que inspiró The Wicker Man y dio origen al folk horror. Por si fuera poco paganismo, Scott Cummings nos trae Realm of Satan, un experimental retrato de la Iglesia de Satán.

En el terreno nacional Víctor Matellano, un habitual del Festival, presenta un nuevo documental sobre la legendaria figura de Paul Naschy, uno de los grandes nombres del cine de terror español. Se titula Llámame Paul y formará parte de Sitges Documenta. Otra participante española en Sitges Documenta será Ishiro Honda: Memoirs of a Film Director de Jonathan Bellés, uno de los grandes expertos en kaiju eiga de este país. En este caso, se centra en la carrera como director Ishiro Honda, conocido por ser el director de Godzilla. Japón bajo el terror del monstruo (1954).

Midnight X-Treme, para los no madrugadores

Id preparando el café, porque Midnight X-Treme, la sección para los más trasnochadores, vuelve a abrir sus puertas. El incansable Joe Begos, encargado de locuras vistas en el festival como Bliss o Christmas Bloody Christmas, vuelve a casa con Jimmy & Stiggs, una alucinógena pesadilla de drogas, alcohol y alienígenas rodada en 16mm. Frankie Freako de Steven Kostanski, uno de los directores de The Void, promete una alocada fiesta con una extraña criatura. El incansable Lowell Dean estará con nosotros por partida doble, pues nos trae Die Alone, un ‘niño con amnesia vs zombies’, y Dark Match, un ‘luchadores de wrestling vs cultistas’. También nos visita Las motosierras cantan (Chainsaws Were Singing) de Sander Maran, una desternillante película de acción-terror-gore-musical-comedia-serie B recién llegada de Estonia. 

Completan el insomnio títulos como Operation Undead de Kome Kongkiat Komesiri, Fly Me To The Saitama: From Biwa Lake With Love de Hideki Takeuchi, Hell Hole de John Adams y Toby Poser, Grafted de Sasha Rainbow, Plastic Guns de Jean-Christophe Meurisse, The Beast Hand de Taichiro Natsume y 1978 de Nicolás y Luciano Onetti

Brigadoon, café para los muy cafeteros

La sección Brigadoon vuelve a presentarse como el punto de encuentro de esa cinefilia enamorada de los títulos y voces más desacomplejadas del cine de género. Con una completa selección de cortos, documentales, largos, y encuentros/homenajes con artistas siempre a reivindicar, Brigadoon hará las delicias de los paladares más inquietos con propuestas como Traumatika de Pierre Tsigaridis, Tripping the Dark Fantastic de Lg White, Monster on a plane de Ezra Tsegaye y Year 10 de Ben Goodger. Pone la guinda del pastel la reposición de los 360 minutos integros de la miniserie de The Stand (Apocalipsis), que contará con presentación y coloquio de la mano de su director Mick Garris y del premiado Mike Flanagan.

Sitges Family, fantástico para todos los públicos

Como el cine de género no conoce de edad, el festival vuelve a reivindicar las propuestas familiares más fascinantes del momento en Sitges Family. Entre las películas seleccionadas este año encontramos John Vardar vs the Galaxy de Goce Cvetanovski, la primera película de animación de la historia de Macedonia del Norte, Pigsy de Li Wei Chiu, ganadora del Taipei Film Fest, o The Worlds Divide de Denver Jackson, creador de la serie Esluna: The First Monolith, entre muchas otras. 

Horror Girls repite por todo lo alto

Tras el éxito de su primera edición, Sitges vuelve a acoger Horror Girls, unas jornadas dedicadas al cine de género fantástico europeo y la creación femenina que ponen de manifiesto cómo el talento de autoras se valora en cada una de las fases de la cadena de valor del producto cinematográfico. Dentro del marco de Horror Girls podremos disfrutar de un encuentro con la actriz Heather Langenkamp (Nancy Thompson en Pesadilla en Elm Street, Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño  y La nueva pesadilla de Wes Craven), quien recibirá el Premio Màquina del Temps en esta edición del Festival, y de una conversación entre Coralie Fargeat (directora de La sustancia y Revenge) y Carlota Pereda (directora de Cerdita y La ermita), dos de las voces más provocadoras y frescas del terror contemporáneo. 

Entre las diferentes actividades, también proponemos mesas redondas sobre producción y distribución con Priscilla Smith, Manon Barat, Antonia Nava, Nahikari Ipiña, Nuria Valls y Enrique López Lavigne; sesiones sobre el tratamiento de las mujeres protagonistas en el cine de género con Lauren LaVera, Desirée de Fez, Iván Fund, Mònica Garcia Massagué, Heidi Honeycutt y Victoria McCollum; y conversaciones entre parejas de realizadores sobre sus experiencias en la dirección (Paco Plaza y Denisse Castro, Marysia Nikitiuk y Paul Urkijo, Veronika Franz & Severin Fiala).