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Tras sorprender con “Mamántula”, el director español firma una propuesta inclasificable que mezcla survival, sátira social y surrealismo para reflexionar sobre la incomunicación entre generaciones.

El próximo 5 de junio llega en exclusiva a Filmin “Balearic”, el nuevo largometraje de Ion de Sosa, una de las voces más singulares y arriesgadas del cine español reciente. Tras llamar la atención con trabajos como “Mamántula” (2023), que le valió una nominación al Goya al mejor cortometraje de ficción, o “Sueñan los androides” (2014), el cineasta da un nuevo paso con una película que consolida una trayectoria marcada por la experimentación formal y la búsqueda constante de nuevas formas de relato. Presentada en el Festival de Locarno y seleccionada en la sección oficial Festival de Sitges, «Balearic» le ha valido además su segunda nominación al Goya, esta vez a mejor dirección novel.

Escrita junto a Juan González (de Burnin’ Percebes), Chema García Ibarra, Julián Génisson y Lorena Iglesias (quien además participa aquí como actriz y firma el nuevo Filmin Original “Millennial Mal”), “Balearic” propone una mezcla inesperada de géneros, referencias y tonos que desafía cualquier clasificación sencilla. El reparto reúne nombres como Christina Rosenvinge, que además compone un tema original para la banda sonora, Luka Peroš, Marina Llopis y la propia Lorena Iglesias.

Sinopsis

En la víspera de San Juan, un día propicio para la magia, un grupo de jóvenes que se ha colado en la piscina de una lujosa casa queda atrapado por tres feroces perros que les impiden salir. Mientras tanto, los vecinos celebran el comienzo del verano en una villa cercana, completamente ajenos a lo que ocurre al otro lado del muro.

Una película mutante

“Balearic” empieza como una película y termina siendo otra. Arranca desde un escenario reconocible –unos adolescentes atrapados, una amenaza concreta, una situación límite–para desviarse progresivamente hacia un territorio más extraño, incómodo y difícil de anticipar. Lo que parecía un ejercicio de género muta poco a poco en una sátira de ecos surrealistas que altera las reglas del juego y desplaza el foco hacia aquello que sucede fuera de campo.

Ese desplazamiento fue, de hecho, el punto de partida creativo de la película. Como explicaba Ion de Sosa: “Seguir con esa película de género, quizá previsible, que encajaba con los códigos del survival o encontrarle una doblez, saliendo un poco de ese escenario y yéndonos a ver a los vecinos. ¿Por qué no escuchan los gritos de los protagonistas? ¿Qué pasa en esa otra casa?” (GQ).

La decisión no fue sencilla. El propio director reconocía que muchas personas no entendían ese cambio de rumbo durante el proceso de financiación: “No entendían cómo abandonábamos a nuestros protagonistas para irnos a contar una película completamente distinta. Pero nunca quisimos renunciar a esa hibridación de géneros y ese punto de surrealismo” (GQ). El resultado es una película que se niega constantemente a convertirse en aquello que parecía prometer.

La incomunicación entre generaciones

Ese desplazamiento narrativo no es solo una apuesta formal: es también la manera que encuentra “Balearic” de hablar sobre generaciones que comparten espacio pero ya no parecen compartir lenguaje. Mientras los jóvenes quedan encerrados en una situación absurda que intentan resolver, los adultos permanecen inmóviles, refugiados en sus rituales y completamente desconectados de lo que ocurre a su alrededor.

Como explicaba De Sosa: “Hubo una idea primitiva que era dividir la película en dos mitades, expresar la incomunicación entre jóvenes y adultos, con una barrera también en el modo de retratarles y que cada uno tuviera su película” (Cine Maldito). Esa separación acaba convirtiéndose en el verdadero conflicto de “Balearic”: no tanto escapar del encierro como descubrir que nadie está escuchando al otro lado.

En esa lectura aparecen referencias evidentes al universo de Luis Buñuel —especialmente “El ángel exterminador”— junto a ecos más contemporáneos como “El triángulo de la tristeza”. Pero lejos de construir una sátira cerrada o nostálgica, “Balearic” deja abierta una pregunta mucho más incómoda: qué ocurre cuando dos generaciones ya no son capaces ni siquiera de reconocerse.

El próximo 29 de mayo llega a Filmin “Historias del buen valle”, el nuevo largometraje documental de José Luis Guerín, una de las figuras fundamentales del cine español contemporáneo. La película, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián, supone el regreso tras ocho años sin dirigir un largometraje del director de “En construcción” (2001), nombrada recientemente por el Diari ARA como la segunda mejor película catalana del siglo XXI.

Fiel a una filmografía marcada por la observación, la memoria y la transformación de los espacios urbanos, Guerín vuelve a situar su mirada en un territorio periférico de Barcelona para construir un retrato colectivo atravesado por el paso del tiempo, la inmigración y las huellas invisibles de la ciudad contemporánea.

Sinopsis

Vallbona es un barrio del extrarradio de Barcelona aislado por un río, vías férreas y autopistas. Un territorio periférico que vive el tránsito del mundo rural al urbano, preservando formas de vida desaparecidas del centro de la ciudad. Allí conviven las casas levantadas clandestinamente por los migrantes llegados tras la posguerra con nuevos bloques de pisos habitados por la inmigración reciente, convirtiendo este humilde rincón en una auténtica aldea global marcada por la supervivencia y las luchas vecinales.

Vallbona, entre dos mundos

En “Historias del buen valle”, el barrio de Vallbona no funciona solo como escenario, sino como auténtico protagonista de la película. Separado del resto de Barcelona por autopistas, vías de tren y un río, el barrio conserva todavía rastros de un pasado rural que convive con la expansión urbana contemporánea. “Es un territorio único, en tránsito entre lo rural y lo urbano, donde aún sobreviven huertos, construcciones levantadas por los primeros migrantes de posguerra y formas de vida prácticamente desaparecidas del centro de la ciudad.” explicaba Guerín a El Periódico.

La relación del cineasta con Vallbona se remonta, sin embargo, varias décadas atrás. “Tuve un encuentro con el barrio en 1977. Guardaba un recuerdo fugaz de un sitio muy extraño, ignoto y lejano”, recordaba en la revista Pickpocket. Años después, el comisario Jorge Ribalta le propuso volver al barrio para un proyecto expositivo sobre los márgenes de Barcelona. De aquella experiencia surgiría primero la pieza “Primeras impresiones” y, más adelante, la semilla de esta película. “La referencia esencial ha sido el barrio de Vallbona, sus habitantes. No he querido imponer ningún imaginario cinematográfico personal por encima de lo que ellos me iban descubriendo”, explicaba el director en Fotogramas.

Un cine de la escucha

Lejos del documental explicativo o de tesis, Guerín construye la película desde la observación y la escucha. “Muchos documentalistas quieren hacer una película para desarrollar una denuncia previamente fijada. Yo no; a mí me mueve el deseo de descubrir algo y compartirlo con los espectadores”, afirmaba en eldiario.es. Esa voluntad atraviesa toda la película, construida a partir de conversaciones, silencios, momentos cotidianos y encuentros inesperados que convierten a Vallbona en un espacio vivo y contradictorio.

En ese sentido, “Historias del buen valle” continúa una de las grandes constantes del cine de Guerín: encontrar poesía en lo cotidiano y convertir el paisaje urbano en una reflexión sobre el tiempo y la fragilidad. Los trenes que atraviesan constantemente el barrio sin detenerse terminan funcionando como una poderosa imagen de esa condición periférica y efímera. “Desde Ozu, el paso de los trenes ha sido una metáfora de lo efímero”, explicaba el director en Fotogramas. “Y esa es también una realidad muy elocuente en Vallbona: pasan tantos trenes y ninguno se detiene en el barrio.”

Tras años fuera de las plataformas, las tres temporadas completas de una de las grandes series del siglo XXI llega a Filmin el 5 de mayo. Un thriller psicológico, sensual y perverso que reinventó el universo de Thomas Harris.

Llega a Filmin, el próximo 5 de mayo, las tres temporadas completas de “Hannibal”, la aclamada serie creada por Bryan Fuller y protagonizada por Mads Mikkelsen y Hugh Dancy. Ganadora de siete premios Saturn, la serie recupera el origen de la relación entre Hannibal Lecter y Will Graham para convertirlo en algo mucho más extraño, sofisticado e inclasificable que un thriller criminal convencional.

Convertida con los años en una obra de culto, “Hannibal” fue celebrada por su audacia formal y su radical singularidad: El País la definió como “una de las series más poderosas de los últimos tiempos”, Esquire como “atrevida, excesiva e hipnótica” y El Mundo como “una gran serie”.


Sinopsis
Will Graham, que trabaja en el FBI como analista de crímenes, tiene una capacidad innata para empatizar con los psicópatas, lo que le permite entender sus motivaciones. Pero, cuando se da cuenta de que la mente del asesino en serie que está buscando es demasiado compleja incluso para él, recaba la ayuda de uno de principales psiquiatras del país, el Dr. Hannibal Lecter.

Mads Mikkelsen es Hannibal Lecter

Antes de Mads Mikkelsen, el doctor Hannibal Lecter tenía dos encarnaciones legendarias: Brian Cox en “Manhunter” y Anthony Hopkins en “El silencio de los corderos”. Pero Bryan Fuller quería llevar el personaje hacia otro territorio, menos monstruo icónico y más presencia seductora, mitológica e inquietante.

Su elección fue Mikkelsen, pese a las reticencias iniciales de la NBC, que prefería nombres más reconocibles como Hugh Grant o John Cusack. Fuller lo tuvo claro desde el principio: “Mads Mikkelsen era este papel. Él es Hannibal Lecter”. Y el propio actor aportó una clave decisiva en su primera reunión, y le dijo a Fuller: “Realmente veo a Hannibal como el diablo”. Esa lectura –más mitológica que psicológica– terminó definiendo una interpretación única, elegante y profundamente extraña.

A lo largo de 36 episodios, Mikkelsen construye un Hannibal sofisticado, perverso y magnético, muy lejos de un simple villano. Su química con Hugh Dancy, en el papel de Will Graham, es además uno de los grandes motores de la serie, cargando la relación entre ambos de una tensión emocional y erótica que redefine por completo el material original.

La reinterpretación de un clásico

Lejos de limitarse a adaptar a Thomas Harris, Bryan Fuller convierte “Hannibal” en una reinterpretación radical de su universo. Cuando convocaba a los directores de la serie —entre ellos Vincenzo Natali, David Slade o Neil Marshall— les advertía: “Esto no es un episodio de televisión. Es una película de autor pretenciosa”. Y la serie responde exactamente a esa premisa: con una estética exuberante, casi operística, transforma cada crimen en una instalación artística, cada cena en una naturaleza muerta siniestra y cada episodio divaga entre el horror, la poesía y el camp.

Pero una de sus grandes innovaciones está en cómo Fuller desplaza el centro del relato hacia una lectura queer de la relación entre Hannibal y Will. Para el creador, esa dimensión ya estaba latente en el material original –e incluso en “El silencio de los corderos”, que él veía como una película profundamente queer– y llevarla más lejos fue “una extensión natural” de ese universo. Lo que en otras versiones era apenas subtexto aquí se convierte en motor dramático: una intimidad ambigua, a ratos romántica, a ratos depredadora, que Fuller ha descrito incluso en términos de atracción erótica. 

Gran triunfadora en los premios César con cinco galardones –incluyendo mejor dirección– y 10 nominaciones, la película se adentra en el rodaje de “Al final de la escapada” para capturar el espíritu de una generación que cambió la historia del cine.

El 1 de mayo llega a Filmin “Nouvelle Vague”, lo último de Richard Linklater («Antes del amanecer»). Tras su paso por la sección oficial del Festival de Cannes, el cineasta firma una de sus obras más singulares. Ganadora de cinco premios César –entre ellos al mejor director– y nominada al Globo de Oro a la mejor película de comedia o musical, reconstruye el contexto creativo que dio lugar a uno de los movimientos cinematográficos más influyentes del siglo XX.

Más que un biopic convencional, “Nouvelle Vague” se centra en el proceso creativo y sigue de cerca el rodaje de “Al final de la escapada”, ópera prima de Jean-Luc Godard, observando a sus protagonistas en pleno trabajo. A través de ese seguimiento, la película captura las dinámicas, decisiones y circunstancias que acompañaron el nacimiento de una nueva forma de entender el cine.

Además, para celebrar el estreno de “Nouvelle Vague”, Filmin lanza una nueva colección dedicada al movimiento, en la que podrán recuperarse muchas de sus obras más importantes, así como documentales sobre sus protagonistas y películas posteriores influidas por su legado.

Sinopsis
La historia detrás de la creación del movimiento cinematográfico francés conocido como Nouvelle Vague, centrada en el rodaje de la innovadora «Al final de la escapada» de Jean-Luc Godard en 1959. En torno a esa filmación clave se cruzan algunos de los nombres fundamentales de la nueva ola francesa –como Claude Chabrol, Agnès Varda, François Truffaut o Éric Rohmer–, en un momento de efervescencia creativa que transformaría para siempre la historia del cine.

Con espíritu de nueva ola

Con “Nouvelle Vague”, Linklater no solo retrata un momento clave de la historia del cine, sino que adopta sus propias formas. La película se construye a partir de los principios estéticos del movimiento que retrata, replicando su espontaneidad, su ligereza formal y su espíritu libre. El resultado no es solo una evocación, sino una reinterpretación desde dentro que recupera su frescura y su carácter experimental.

Para ello, el director recurrió a lentes de época, cámaras y técnicas de rodaje similares a las utilizadas por Godard, con el objetivo de reproducir no solo la imagen, sino también la sensación de filmar en aquel momento. “No tendría sentido rodarla en inglés, en color o en formato panorámico; resultaría extraño”, explica Linklater. “La clave está en las lentes antiguas… fue un ejercicio fascinante, como meterse dentro de otra película y tratar de replicar el aspecto de otra época”.

Dando vida a grandes iconos

Otro de los elementos clave es su reparto, formado en gran medida por actores poco conocidos –con la excepción de Zoey Deutch en el papel de Jean Seberg– que dan vida a iconos de la historia del cine como François Truffaut, Claude Chabrol, Agnès Varda, Jacques Rivette o Suzanne Schiffman. Esta elección permite al espectador sumergirse plenamente en el relato, sin la distracción de rostros familiares, y aceptar a los intérpretes como las figuras históricas que representan. “Esa es la magia: no conoces a los actores, sientes que son ellos”, señala Linklater, que buscaba borrar la distancia entre representación y realidad.

Durante el proceso de audición, el director priorizó la capacidad de capturar la esencia de los personajes por encima de cualquier parecido superficial. Entre las anécdotas destaca la elección del actor que da vida a Jean-Paul Belmondo: aunque llegó a considerar al nieto del icono francés, finalmente optó por Aubry Dullin, al encontrar en él una cualidad difícil de definir que remitía directamente al icono original. El resultado es un reparto que no imita, sino que encarna, reforzando la sensación de estar asistiendo, en presente, al nacimiento de una revolución cinematográfica.

Nueva colección dedicada a la Nouvelle Vague

Para celebrar el estreno de la película, Filmin lanza una nueva colección dedicada a la nouvelle vague, donde podrán verse algunos de los títulos más importantes del movimiento, incluyendo “Al final de la escapada”. La selección reúne una amplia representación de la filmografía de sus principales figuras, con obras de Jean-Luc Godard, François Truffaut, Agnès Varda, Éric Rohmer o Jean Eustache.

Además, la colección incorpora cortometrajes que marcaron el origen del movimiento, y también documentales como “François Truffaut: mi vida en un guion”, “Las playas de Agnès” o “Godard Cinema”. Por último, incluye también un apartado dedicado a películas influidas por la nouvelle vague que, de algún modo, recuperan ese espíritu libre y salvaje que retrata Linklater. Entre ella destacan “El cielo rojo”, “Lazzaro feliz” o “Chungking Express”, junto a muchos otros títulos.

El director Fernando Trueba, figura indispensable del cine español contemporáneo, protagoniza la programación de FlixOlé con el estreno, el próximo viernes 10 de abril, de dos de sus películas más emblemáticas: Belle Époque (1992) y La niña de tus ojos (1998). Junto a estos títulos, la plataforma lanza una colección que reúne una decena de obras rodadas o escritas por el cineasta, ofreciendo un recorrido por su universo creativo y su aportación al audiovisual español.

Heredero en espíritu de Billy Wilder y del mejor clásico americano, Trueba ha sentido el cine como una comedia romántica capaz de mostrar lo maravillosa que puede ser la vida, incluso con sus sinsabores. Con profundidad y naturalidad, contribuyó a principios de los años 80 a poner patas arriba el panorama cinematográfico español con propuestas desenfadadas que darían lugar a la llamada comedia madrileña. Durante la década siguiente, la más prolífica de su carrera, afianzó su estilo con películas que capturan con sensibilidad la memoria del país. Reconocido con numerosos premios Goya y artífice de la segunda producción española en conquistar el Oscar, su trayectoria abarca géneros tan diversos como el melodrama de época, el noir, la animación o el musical, además de consolidar un notable prestigio en el ámbito del documental.

Con ‘Fernando Trueba: Sueños de celuloide’, FlixOlé propone ahora un recorrido integral por la obra de uno de los grandes nombres del cine español. El especial reúne tres estrenos destacados, Belle Époque, La niña de tus ojos y El baile de la victoria (2009), que se suman a un catálogo de títulos imprescindibles para comprender la riqueza y vigencia de su filmografía.

Culminación del cine histórico: Belle Époque

Tras sentar cátedra con la ‘Escuela de Yucatán’, nacida entre el tintinear del hielo en los vasos y el humo de los garitos de Malasaña, Fernando Trueba se coló sin carné de director en la industria. Junto a compañeros de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense —como Carlos Boyero, Antonio Resines u Óscar Ladoire— convirtió en realidad su sueño de hacer cine con películas que funcionaban como retratos generacionales. En ellas, la influencia de la nouvelle vague y el póster de Annie Hall de Woody Allen se mezclaban con una mirada propia que, casi sin proponérselo, terminó por renovar los códigos de la comedia española.

Aquella celebración vitalista hecha a base de líos amorosos, cigarritos de la risa y ansias de libertad una vez enterrado el franquismo fue evolucionando hacia territorios más complejos. Con El año de las luces (1986), Trueba desplazó el foco desde la efervescencia de los años 80 hacia los años grises de la posguerra, abriendo una nueva etapa en su cine. Ese tránsito, de lo inmediato a lo evocador, de lo generacional a lo histórico, encuentra su culminación en Belle Époque.

Situada en los días previos a la Segunda República, la película sigue a un joven (Jorge Sanz) que, tras desertar del ejército, encuentra refugio en una familia tan libre como fascinante, iniciando una aventura sentimental con cada una de las hijas (interpretadas por Ariadna Gil, Maribel Verdú, Miriam Díaz Aroca y Penélope Cruz) de su anfitrión (Fernando Fernán Gómez). Definida por el propio Trueba como una “película contra el muermo”, la cinta se aleja de etiquetas para moverse con libertad entre personajes, emociones y tonos, construyendo un relato de lo que España podría haber sido.

Nacida del placer de contar historias —tras una comida entre Fernando Trueba, José Luis García Sánchez y Rafael Azcona— la cinta acaparó la atención del público y la crítica, y se convirtió en uno de los mayores hitos del cine del país cuando su director recogió el Oscar a Mejor película de habla no inglesa; el segundo para una producción española. 

Humor y tragedia en el periplo de La niña de tus ojos

La cinta llega al catálogo de FlixOlé en una restaurada versión, realizada en los laboratorios de la plataforma, que acompaña a otro de los títulos más celebrados de Trueba: La niña de tus ojos. Esta apasionada declaración de amor al séptimo arte patrio sitúa al público en plena Guerra Civil: el director Blas Fontiveros (Antonio Resines) y su equipo viajan a la Alemania nazi para rodar en los estudios de la UFA una película folclórica con la estrella Macarena García (Penélope Cruz). La dificultad de ambientar la alegría y pasión andaluza en tierras teutonas será el menor de los problemas de la troupe española, que descubrirá las lascivas intenciones del ministro alemán de propaganda, Joseph Goebbels, con la protagonista y que los extras del filme son gitanos y judíos procedentes de campos de concentración.

Inspirada libremente en el periplo de Imperio Argentina y Florián Rey en la Alemania del Tercer Reich, la película combina humor y tragedia para retratar a un grupo de cineastas enfrentados a una realidad tan compleja como desconocida. Con un gran despliegue de producción y un reparto coral de nivel —que consolidó la fama internacional de Penélope Cruz—, el largometraje llevó a cerca de 2,5 millones de espectadores a las salas de cine y eclipsó la decimotercera edición de los Goya, donde obtuvo siete galardones.  

El baile de la victoria y otros ‘sueños de celuloide’

El especial ‘Fernando Trueba: Sueños de celuloide’ se completa con el estreno de El baile de la victoria, una historia de segundas oportunidades ambientada en Chile tras la dictadura. Basada en la novela de Antonio Skármeta, la película confirma la versatilidad de Trueba y su capacidad para abordar relatos de gran carga emocional, explorando temas como la redención, la justicia y la esperanza.

La colección se enriquece además con otros títulos fundamentales en la filmografía del director: El artista y la modelo (2012) con la que ganó la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, delicada reflexión sobre la creación y el paso del tiempo; Sé infiel y no mires con quién (1985), icono de la comedia madrileña; Two Much (1995), su salto a la comedia romántica internacional; El año de las luces (1986), retrato iniciático de la posguerra; El embrujo de Shanghai (2002), evocación de la memoria y la imaginación; así como los proyectos que coescribió: Esta noche es la noche (Julio Sánchez Valdés, 1980), Miss Caribe (Fernando Colomo, 1988), Suspiros de España (y Portugal) (José Luis Gª Sánchez, 1994) y A contratiempo (Óscar Ladoire, 1982), que completan un mosaico imprescindible para comprender la riqueza y diversidad de una de las carreras más influyentes del cine español.

El 10 de abril Dea Kulumbegashvili regresa con este retrato brutal y realista sobre el aborto en las zonas más desfavorecidas de Georgia. 

El 10 de abril se estrena en Filmin “April”, el segundo largometraje de la directora georgiana Dea Kulumbegashvili, autora de «Beginning”, película con la que se llevó la Concha de Oro. Con este nuevo trabajo, la cineasta ha consolidado su prestigio internacional al alzarse con el Gran Premio del Jurado en Venecia y coronar la Sección Zabaltegi en el Festival de San Sebastián.

Sinopsis
Nina (Ia Sukhitashvili) es una obstetra experta en un hospital materno del este de Georgia. Tras un parto difícil, el bebé muere y el padre, destrozado por el dolor, exige que se investiguen los métodos de Nina. El escrutinio resultante amenaza con sacar a la luz la actividad paralela de Nina, que consiste en conducir por la impresionante belleza del campo hasta las casas de las aldeas donde viven las mujeres y las niñas embarazadas para practicarles abortos ilegales, y con destruir la profesión que es la única fuente de sentido en su vida.

El ciclo continúa

La idea de la película surge durante el rodaje del anterior largometraje de la directora, cuando empezó a entrar en contacto con mujeres que vivían en condiciones de gran precariedad. Muchas de ellas, con seis o siete hijos, apenas habían tenido acceso a la educación –no sabían leer ni escribir– y se habían casado siendo adolescentes. A partir de estas experiencias, Kulumbegashvili identificó un patrón: «Comprendí que se trata de un círculo vicioso: las madres no recibieron ninguna educación, se casaron a los quince años y nadie les preguntó nunca qué querían en la vida, y luego tuvieron hijos. Y, a pesar del amor y los cuidados que les dan, son incapaces de proporcionarles una educación básica. Y el ciclo continúa”. 

Kulumbegashvili quiso poner el foco en estas mujeres y en la importancia de mantener en el centro de la conversación el tema del aborto: “En Georgia es legal hasta las doce semanas, pero cada clínica tiene derecho a decidir si quiere hacerlo, y es imposible encontrar una clínica que lo haga. Pregunté a los médicos: ‘¿Y si se trata de una víctima de violación?’. Y me respondieron: ‘Debería ir a la ciudad y resolverlo con la policía’. Uno de los médicos dijo: ‘¿Por qué tengo que ser yo responsable de sus pecados?’ ”. 

Las personas de las alturas

Dea Kulumbegashvili quiso hacer a las personas locales partícipes de su proyecto. Dispusieron una zona de manualidades para que los niños pudieran acercarse, participar y preguntar. La directora quería despertar en ellos la curiosidad y permitirles vislumbrar otro futuro. También invitó a las mujeres del pueblo: “Tenían muchas ganas de maquillarse. Aunque en mi película no usamos mucho maquillaje, les dije que sí. Para ellas era una celebración, un día libre de su rutina. Pero antes de volver a casa, se lavaban la cara: no podían dejar que nadie supiera que llevaban maquillaje. Como si no se les permitiera disfrutar de un día feliz. A sus maridos no les importaba que salieran en la película, porque les pagaban. Pero, de alguna manera, no debía ser algo con lo que ellas también disfrutaran”.

Hasta los partos que aparecen son reales. Kulumbegashvili pasó un año observando el trabajo de los médicos en una clínica de maternidad: “Y en algún momento me permitieron hablar con las mujeres embarazadas para preguntarles si me dejarían ver y filmar sus partos. Estuve en contacto con ellas durante casi todo el embarazo, por lo que se sentían muy cómodas conmigo. Se necesitó mucha paciencia por parte de todos y comprender que no éramos los protagonistas y que, en cuanto alguien nos dijera que teníamos que irnos, lo haríamos. Aunque teníamos muy poco control, también estábamos muy preparados”.

El 3 de abril llega a Filmin la adaptación y ampliación de un relato corto de Arthur Miller que ha tardado más de 15 años en materializarse. Un proyecto de pasión que da lugar a uno de los papeles más destacados de la carrera de Jeremy Piven.

El 3 de abril llega en exclusiva a Filmin «El papel de mi vida», un drama musical ambientado en la Alemania nazi que explora los límites del arte, la identidad y la supervivencia. Dirigida por Shira Piven y protagonizada por su hermano Jeremy Piven («Entourage»), la película es el resultado de más de quince años de trabajo y uno de los proyectos más personales de ambos.

¿Hasta dónde es posible llegar para encajar, para ser alguien, incluso si eso implica negar quién eres? ¿Qué ocurre cuando se acepta un pacto con aquello que uno rechaza? «El papel de mi vida» plantea e interpela al espectador sobre la identidad, la moral y la capacidad de mirar hacia otro lado ante lo intolerable.

Sinopsis
Harold May es un judío estadounidense y un talentoso bailarín de claqué. Mientras están de gira por Europa, Harold y el resto de su grupo son buscados por un agregado alemán que ofrece al grupo una actuación exclusiva en Berlín por una gran cantidad de dinero. Lo que no saben es que la actuación será enfrente del propio Hitler.

Un proyecto de pasión en familia

«El papel de mi vida» es un proyecto de pasión: el resultado de más de quince años intentando sacar el proyecto adelante. Un largo proceso que permitió a Jeremy Piven prepararse a fondo para el personaje –incluyendo el aprendizaje de claqué– y dotar al relato de una profundidad poco habitual. La historia nace de un relato de Arthur Miller que la madre de Jeremy le dio: “si mi madre me da algo, sé que es importante”, comenta el actor, que quedó inmediatamente fascinado por el material.

Convencido de su potencial cinematográfico, Piven impulsó el proyecto desde sus inicios y encontró en su hermana Shira la directora idónea para llevarlo a la pantalla, consolidando un tándem creativo marcado por la complicidad y la confianza mutua. Esta conexión ha llevado al actor –ganador de un Globo de Oro y un Emmy– a firmar uno de los trabajos más destacados de su carrera: “he actuado en más de 80 películas y este es el papel del que estoy más orgulloso”.

Un drama sobre el arte, la identidad y la supervivencia 

Ambientada en la Alemania nazi, la película propone una reflexión sobre el papel del arte en tiempos de represión, siguiendo a un actor que se enfrenta a una oportunidad profesional única en un contexto marcado por la persecución y el miedo. El filme reflexiona también sobre la manipulación de masas: “habla sobre lo que estamos pasando actualmente, pero es también una historia universal”, comenta Shira Piven, que plantea cuestiones de gran actualidad, pero también construye un relato sobre identidad y redención con el que todo el mundo puede conectar.

Desde su concepción, el proyecto ha despertado un fuerte interés: “cada vez que contaba la premisa, veía cómo se iluminaban los ojos de la gente”, recuerda Shira. El resultado es un intenso drama que combina memoria histórica y reflexión artística, y que encuentra en su protagonista un vehículo para explorar los límites entre la ambición, la dignidad y la supervivencia.

La plataforma también incorpora a su catálogo otras cuatro películas protagonizadas por el laureado actor: Fra Diávolo, Trío de damas, Goya, historia de una soledad y El hombre que perdió su sombra

El 8 de marzo de cumple el centenario del nacimiento de Francisco Rabal, actor de temperamento indomable, voz profunda y mirada luminosa que arrebató el sentido de público, crítica y compañeros de profesión con una de las carreras más brillantes de la interpretación española. FlixOlé conmemora esta ineludible efeméride cinematográfica con una colección especial que recorre su trayectoria e incorpora a su catálogo cinco estrenos protagonizados por Rabal.

De origen humilde, aquel joven de Águilas (Murcia) se empapó de la interpretación cuando ejercía de electricista en Estudios Chamartín. Bajo la dirección de Rafael Gil comenzó a forjar su presencia en pantalla, primero en dramas románticos y relatos de fe, pronto en personajes de mayor hondura. Actor de raza, encarnó tanto al galán de época como al bandolero serrano; su compromiso social reflejó al inocente campesino que cautivó al mundo entero con su «¡Milana, bonita!» mientras que la inquietud cultural lo acercó a Goya. Trabajó con cineastas de todas las corrientes y generaciones, desde José Luis Sáenz de Heredia a Luis Buñuel; también en el panorama internacional, formando parte del elenco de realizadores como Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Claude Chabrol o William Friedkin.

FlixOlé propone un viaje por la filmografía de Rabal a través de una cuidada selección, compuesta por cerca de medio centenar de títulos, con la que entender y disfrutar de su evolución artística: desde su meteórico ascenso en el cine español a finales de los años 40 hasta los icónicos personajes a los que dio vida en su madurez interpretativa. El ciclo, disponible a partir del próximo viernes 6 de marzo, incluye cinco estrenos en la plataforma: Llanto por un bandido (Carlos Saura, Carlos Saura, 1964), Fra Diávolo (Giorgio Simonelli y Miguel Lluch, 1962), Trío de damas (Pedro Lazaga, 1960), Goya, historia de una soledad (Nino Quevedo, 1971) y El hombre que perdió su sombra (Alain Tanner, 1991).

De ‘El Tempranillo’ al genio atormentado de Goya

En una mezcla de rudeza y magnetismo, Paco Rabal desmontó el tópico romántico del bandolero en Llanto por un bandido, donde interpreta a uno de los forajidos más famosos del siglo XIX: ‘El Tempranillo’. Lejos de la épica complaciente, el actor interpretó con intensidad un relato de rebeldía y dignidad frente al abuso de poder en un western andaluz que, de manera alegórica, abordaba la represión del régimen franquista. De hecho, la censura cercenó una parte del segundo largometraje dirigido por Carlos Saura.

Otro de los estrenos destacados del especial de Rabal en FlixOlé será Goya, historia de una soledad. El natural de Águilas encontró en el pintor aragonés un alter ego artístico: lo interpretó en varias ocasiones y confesó que aquel papel despertó en él una vocación plástica que lo llevó incluso a intercambiar cuadros con pintores amigos. La película explora la dimensión íntima y desgarrada del creador, adentrándose en sus tinieblas y en la conexión entre arte, compromiso y soledad.

A ambas incorporaciones se sumarán Fra Diávolo, ambientada en la Italia ocupada por las tropas napoleónicas donde el intérprete brinda una versión más canallesca y humorística a su faceta de clásico galán; Trío de damas, comedia costumbrista en torno al matrimonio en la que Rabal hace las veces de marido abrumado por las distintas personalidades de su mujer; y El hombre que perdió su sombra, filme por el que obtuvo el premio a Mejor actor principal del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) y en el Festival de Montreal.

Medio centenar de títulos de Paco Rabal

Desde sus comienzos como figurante hasta convertirse en uno de los rostros más importantes del cine europeo, Rabal levantó su carrera sobre personajes de fuerte arraigo popular. En los años 50 consolidó su nombre con títulos como La guerra de Dios (Rafael Gil, 1953), donde su intensidad dramática lo confirmó como protagonista indiscutible; Hay un camino a la derecha (Francisco Rovira Beleta, 1953), propuesta cercana al neorrealismo con tintes de cine negro que le valió la Concha de Plata y lo situó entre los grandes; y Amanecer en puerta oscura (José Mª Forqué, 1957), cine de bandoleros con alegato social y un memorable final que reforzó el compromiso interpretativo del actor, quien recibió también por este papel la medalla del CEC.

La década siguiente amplió su dimensión artística, dentro y fuera de España, con Viridiana (Luis Buñuel, 1961), hito del audiovisual mundial y símbolo de ruptura; Noche de verano (Jorge Grau, 1962), donde interpretó a un cínico galán en un relato de matrimonios fracasados y líos burgueses al más puro estilo La dolce vita.

Tras unos años de vaivenes profesionales, sin títulos nacionales de gran peso, los 80 marcaron un renacer rotundo en la carrera de Rabal. Con Truhanes (Miguel Hermoso, 1983) recuperó el favor masivo del público en clave de esta comedia picaresca; su Azarías en Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) le hizo alcanzar la cima interpretativa, obteniendo el galardón a (ex aequo) en Cannes; mientras que en Epílogo (Gonzalo Suárez, 1984) exploró registros más introspectivos. La televisión lo inmortalizó como el inolvidable protagonista de Juncal (Jaime de Armiñán, 1989), torero retirado que se transformó en icono popular.

En los 90 y el cambio de siglo reafirmó su libertad creativa en propuestas como Así en el cielo como en la tierra (José Luis Cuerda, 1995) y cerró el círculo vital encarnando de nuevo al pintor aragonés en Goya en Burdeos (Carlos Saura, 1999), un retrato crepuscular que funciona como despedida artística. Más de medio centenar de títulos reunidos ahora por FlixOlé componen el mapa de una trayectoria irrepetible y necesaria para entender el cine español.

El 27 de marzo llega la película dirigida por Joachim Trier, con 9 nominaciones a los Óscar e interpretada por Renate Reinsve, un tándem que enamoró en «La peor persona del mundo». 

Filmin estrena el próximo 27 de marzo “Valor sentimental”, la triunfadora de la pasada noche en los Premios Óscar, que se llevó la estatuilla dorada a la mejor película internacional. La película estuvo también nominada a la mejor dirección (Joachim Trier), mejor película, mejor actriz protagonista (Renate Reinsve), mejor actriz de reparto (Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning), mejor actor de reparto (Stellan Skarsgård), mejor guion original y mejor montaje. De la misma forma, también fue reconocida en la pasada edición del Festival de Cannes, que se llevó el gran premio del jurado. 

El director noruego de “Oslo, 31 de agosto” y de “La peor persona del mundo”, Joachim Trier, se reúne con la aclamada actriz Renate Reinsve (nominada al Óscar) para su tercera colaboración, y con el gran Stellan Skarsgård, ganador en los Globos de Oro al mejor actor de reparto. Del elenco también forman parte Inga Ibsdotter Lilleaas y la reconocida Elle Fanning, que la hemos visto recientemente en «A Complete Unknown». 

Sinopsis

Tras la muerte de su madre, las hermanas Nora y Agnes se reencuentran con su distanciado padre, Gustav Borg, un veterano director de cine de renombre, que le ofrece a su hija Nora, actriz de teatro, un papel en su próxima película. Nora lo rechaza y pronto descubre que le ha dado ese papel a una joven y entusiasta estrella de Hollywood. De repente, las dos hermanas deben sortear su complicada relación con su padre y lidiar con una actriz estadounidense que se encuentra en medio de su compleja dinámica familiar.

Renate Reinsve y Joachim Trier, el celebrado tándem

Joachim Trier vuelve a colaborar en “Valor Sentimental” con la aclamada actriz Renate Reinsve, que fue nominada al Óscar a la mejor actriz protagonista. Su anterior trabajo en común, “La peor persona del mundo”, le valió a Reinsve el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes en 2021. Años antes, Trier ya había contado con ella en “Oslo, 31 de agosto” para un pequeño papel con apenas una línea de diálogo; sin embargo, aquella breve aparición bastó para revelar un talento que con el tiempo daría lugar a una de las alianzas creativas más celebradas del cine noruego contemporáneo. 

El director explica que una de las motivaciones para hacer “Valor sentimental” era que el actor que interpreta al padre en la película, Stellan Skarsgård, estaba intrigado por trabajar con Renate: “Durante los ensayos, Stellan, que ha trabajado prácticamente con todo el mundo, me dijo: ‘Es extraordinaria. Su piel cambia de color mientras actúa; se puede ver lo que siente’”. Por su parte, Renate Reinsve está encantada de trabajar con el director y afirma que no hay un director como Trier: “Me encanta la emotividad de sus películas y la forma en que te atrapan poco a poco… hasta darte un golpe en el estómago”, comenta.

Perdonar y recordar en los Óscar 

Joachim Trier, que anoche en la gala de los Óscar quiso reconocer las películas que reflejan las crisis del presente y del pasado, explica que “Valor sentimental” es una muestra de ello: «Es una ambivalencia entre la historia y la memoria. Por un lado, necesitamos olvidar, perdonar a un padre difícil. Por otro, tenemos la obligación con el pasado de recordar ciertas cosas, de no repetir esos errores», explica, aludiendo a la parte de la película que hace referencia al sufrimiento por el nazismo.

Finalmente, en su discurso para recoger el premio, parafraseó al autor americano James Baldwin, recordándonos que «todos los adultos somos responsables de los niños y no debemos votar por políticos que no se toman esto en serio». «Valor sentimental» es un retrato de una familia que se enfrenta a los dolorosos recuerdos arraigados en las paredes de su hogar, pero también es algo más. Es una mirada lúcida a la memoria, la pérdida y la forma en que el pasado determina quiénes somos y cómo decidimos seguir adelante.

La película se estrena el 13 de marzo y utiliza la grabación de audio real de la llamada de la niña de seis años, Hind Rajab, a los servicios de emergencia.   

El próximo 13 de marzo se estrena en Filmin “La voz de Hind”, la nominada al Óscar a la mejor película internacional por Túnez. La película, dirigida por la dos veces (ahora tres) nominada al Óscar Kaouther Ben Hania (“Las cuatro hijas”, “El hombre que vendió su piel”) relata la historia real tras el asesinato a manos del ejército de Israel de la niña de seis años Hind Rajab. 

“La voz de Hind”, que pasó por cines en noviembre de la mano de Caramel Films y LaZona Pictures, estuvo también nominada en los Globos de Oro y los BAFTA a la mejor película de habla no inglesa, y obtuvo el gran premio del jurado en el Festival de Venecia, así como el premio del público en el Festival de San Sebastián. La película utiliza la grabación de audio real de la llamada de la niña a los servicios de emergencia, a la vez que reconstruye el drama vivido en las instalaciones. 

29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una llamada de emergencia. Una niña de seis años está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Mientras intentan mantenerla en la línea, hacen todo lo posible por enviarle una ambulancia. Su nombre, Hind Rajab. 

Hind Rajab, la niña asesinada por Israel 

«Tengo mucho miedo, por favor, vengan» fueron algunas de las últimas palabras de Hind Rajab en una llamada telefónica a los servicios de emergencia después de que el coche de su familia fuera atacado a tiros en la ciudad de Gaza. Hind, su tío, su tía y sus primos intentaban huir de las fuerzas israelíes que se acercaban. Atrapada en el vehículo y rodeada de sus familiares fallecidos, durante tres horas suplicó a la Media Luna Roja, la organización humanitaria equivalente a La Cruz Roja,  que fuera a buscarla. 

La organización envió una ambulancia para socorrerla, pero Israel atacó la ambulancia y perdieron el contacto con Hind. De hecho, la organización acusa a Israel de atacar deliberadamente “a pesar de la coordinación previa para permitir que la ambulancia llegara al lugar para rescatar a Hind”, declaró Nebal Farsakh, portavoz de La Media Luna Roja.

El silencio de muchos

Precisamente cuando se encontraba promocionando su anterior película en Los Ángeles, Kaouther Ben Hania supo del asesinato de Hind Rajab. Al escuchar parte de la grabación de la llamada «se sintió como la propia voz de Gaza«. La directora explica que aquello que le perseguía no era solo la violencia de lo que ocurrió, sino especialmente el silencio que siguió ante lo ocurrido: “Así que recurrí a la única herramienta que tengo (el cine), para preservar una voz. Para resistir la amnesia. Para honrar un momento que el mundo nunca debería olvidar”, explica la tunecina. 

La directora se puso en contacto con la madre de Hind para pedirle permiso para hacer la película y, al acceder, le compartió todo sobre la niña: su personalidad, sus sueños, su manera de reír. “Sentí que, al compartir todo esto conmigo, estaba intentando mantener viva a su hija, asegurarse de que su memoria no desapareciera ni se convirtiera en una simple noticia más”, comenta. “La voz de Hind”, según explica la directora, también trata de nuestra responsabilidad compartida, de cómo los sistemas fallan a los niños gazatíes y de cómo el silencio del mundo forma parte de la violencia.

La plataforma homenajea al próximo Goya de Honor incorporando a su catálogo Ditirambo, Aoom,, Morbo, y Mi nombre es sombra. Los títulos se incluirán en una colección especial que recorre otras películas imprescindibles de su filmografía

FlixOlé celebra la trayectoria de uno de los cineastas más libres y singulares del panorama español, Gonzalo Suárez, de quien estrena cuatro títulos fundamentales tanto en su carrera como en la historia del audiovisual español: Ditirambo (1969), Aoom (1970), Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996). Cuatro obras que revelan la inagotable imaginación de un director que navega a la aventura por territorios insólitos del séptimo arte.

Desde sus comienzos, este autor próximo a la vanguardista Escuela de Barcelona capeó las inercias narrativas y estéticas para alejar la gran pantalla de la cotidianidad y los convencionalismos, apostando por un cine experimental y arriesgado, profundamente ligado a la literatura. Su filmografía no busca encontrarse con la realidad, sino expandirla. A lo largo de décadas, ha desbordado los márgenes de la narrativa tradicional para revelar un universo inclasificable e ingenioso.

Por ampliar los horizontes del cine español, Gonzalo Suárez recibirá el Goya de Honor el próximo 28 de febrero, reconocimiento a una trayectoria marcada por la coherencia artística y la independencia. Con motivo de esta distinción, FlixOlé estrena los títulos mencionados, restaurados en la mejor calidad de imagen y sonido en sus laboratorios, e inaugura un especial compuesto por un total de 13 películas, además de la serie Los pazos de Ulloa (1985) y el documental Gonzalo Suárez: 90 años remando al viento (2024), un recorrido por la vida y obra del realizador.  

Los comienzos experimentales

Entre las películas que llegarán a la plataforma destaca la ópera prima del asturiano, Ditirambo (1969). Con el aroma del film noir confluyendo en su imaginario, Gonzalo Suárez dio el salto a la dirección asumiendo también el protagonismo ante la cámara junto a Charo López, quien comenzaba a hacer sus primeros pinitos en la gran pantalla. La película sigue a un detective envuelto en un intrigante caso que lo conducirá a un imprevisible final. Cuestionando los límites entre ficción y realidad, es considerada como una de las primeras cintas modernas en el panorama nacional. Un salto al vacío que abrió una vía alternativa del audiovisual de finales de los años sesenta y que reivindicaba la experimentación y libertad creativa.

Ditirambo se presentará en la plataforma en próximas fechas. Mientras tanto, desde este viernes, 20 de febrero, se podrá acceder a otro de los títulos esenciales del director, Aoom, ejemplo anticonvencional del afán de Suárez por desdibujar las fronteras entre géneros y su gusto por la improvisación —no había un guion previo—. A medio camino entre el humor absurdo, la ciencia ficción, el romanticismo y la tragedia, la película narra la historia de un actor que, hastiado de su existencia, decide abandonar su cuerpo e instalarse en el de una muñeca. Su amante iniciará entonces su búsqueda, acompañada por un grupo de personajes excéntricos que protagonizan situaciones desconcertantes y deliberadamente descontextualizadas para despertar la reacción del espectador. Filme maldito reconvertido con el tiempo en obra de culto, Aoom es también célebre por la fascinación que despertó en el cineasta Sam Peckinpah, marcando el inicio de una amistad que duraría hasta la muerte del estadounidense.

Morbo y Mi nombre es sombra

El mismo 20 de febrero se incorporarán también Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996).  La primera construye un inquietante relato sobre la pulsión erótica y la violencia latente en unos recién casados que pasan la luna de miel aislados en un bosque que parece observarles. Protagonizada por Ana Belén y Víctor Manuel, la química entre ambos traspasó la pantalla y culminó en boda pocos meses tras el rodaje.

Por su parte, Mi nombre es sombra refleja la estrecha relación de Suárez con la literatura al revisitar el mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde desde una mirada personal. Más que una adaptación al uso, la película reformula el clásico para reflexionar sobre la identidad, la dualidad y los monstruos íntimos que habitan en cada individuo, confirmando la atracción del cineasta por la difusa y contradictoria línea que separa el bien y el mal.

Colección especial FlixOlé

Todas estas películas formarán parte de una colección especial dedicada al universo de Gonzalo Suárez, donde podrán encontrarse otros títulos esenciales de su trayectoria. Entre ellos, Epílogo (1984), una personal reflexión sobre el proceso creativo; Remando al viento(1988), una de las grandes obras maestras del cine español —Concha de Plata en el Festival de San Sebastián y ganadora de seis premios Goya—, que recrea el encuentro entre Mary Shelley (Lizzy McInnerny), Lord Byron (Hugh Grant) y otros poetas románticos en Villa Diodati, evento del que surgiría la criatura Frankenstein; y  El detective y la muerte (1994), singular revisión del cine negro en la que la trama se convierte en vehículo para reflexionar sobre el poder, la corrupción, el destino y la inexorabilidad de la muerte.

Con este especial, FlixOlé reivindica la figura de Gonzalo Suárez como uno de los grandes autores del cine español: un creador que ha hecho de la imaginación su territorio natural y de la libertad creativa su principio irrenunciable. 

Filmin estrena la nueva película de Lucile Hadzihalilovic, una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves».

Filmin estrena el próximo 20 de febrero “La torre de hielo”, la nueva película de la directora francesa Lucile Hadzihalilovic (“Earwig”, “Evolution”), tras su paso por salas el pasado diciembre dentro del ciclo “Cine en los cines” de Filmin. La película fue la ganadora del Oso de Plata a la Contribución artística en el pasado Festival de Berlín y se llevó el premio Zabaltegi-Tabakalera a la mejor película en el Festival de San Sebastián. También fue seleccionada en el último Festival de Sitges.

Está protagonizada por la ganadora del Óscar Marion Cotillard, recordada por títulos como “La vida en rosa”, o “Medianoche en París”, y por la actriz revelación Clara Pacini. Es el cuarto largometraje de la directora y el segundo encuentro entre Hadzihalilovic y Cotillard, que en 2004 rodaron juntas “Inocencia”.

Años 70. Atraída por las luces de la ciudad, Jeanne huye de un orfanato situado en lo alto de las montañas. Se refugia en un estudio de cine que explora en secreto por las noches. Durante el día se rueda allí la película La reina de las nieves, protagonizada por la enigmática Cristina. Jeanne cae inmediatamente bajo el hechizo de la bella y atormentada estrella. Entre la actriz y la chica surge una fascinación mutua.

La reina de las nieves

“La torre de hielo” es una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves». Esta historia de Hans Christian Andersen de 1844 narra cómo un fragmento de espejo maligno congela el corazón de Kai, que es raptado por la gélida Reina de las nieves. Su amiga Gerda lo rescatará en un viaje lleno de pruebas. Hadzihalilovic descubrió a Hans Christian Andersen a los cinco años, cuando su madre le leía incansablemente las versiones íntegras de sus cuentos de hadas. Desde entonces, le siguen fascinando: «Tanto por su complejidad humana y su retrato sensible y no moralista de nuestros miedos y deseos, como por su rica imaginación poética”, comenta la directora. 

Entre paisajes nevados teñidos de una tenue luz azul y cálidos interiores, Hadzihalilovic difumina constantemente las fronteras entre realidad, ficción y fantasía, con imágenes que podrían pertenecer a ambos mundos, con la misma dualidad que tiene la reina de las nieves: “Me fascina particularmente una figura de perfección y de saber, inaccesible y misteriosa, a la vez atractiva y aterradora. Fue el encuentro entre la joven y esta reina lo que dio origen a esta película”.

Marion Cotillard, Gaspar Noé y Clara Pacini

El proyecto marca el reencuentro entre Marion Cotillard y Lucile Hadzihalilovic después de veinte años tras “Inocencia”. Cotillard recuerda que se volvieron a reencontrar en una fiesta, la directora le habló del proyecto y se emocionó mucho: “Me encanta trabajar con gente con la que ya trabajé”, comenta la actriz. En esta ocasión, Cotillard comparte escena con la actriz debutante Clara Pacini y también con Gaspar Noé, quien interpreta a un director de cine en el set de los años setenta, un personaje que evoca a los grandes maestros obsesivos de la historia del cine.

La nueva película de Dag Johan Haugerud, que cierra su «Trilogía de Oslo», explora el impacto transformador del primer amor a través de tres generaciones de mujeres.

Filmin estrenará «Sueños en Oslo» el próximo 13 de febrero después de haberse alzado con el Oso de Oro a la mejor película en la última edición del Festival de Berlín (que precisamente inaugura este 12 de febrero su 76ª edición) y el Premio FIPRESCI de la competición.

Dirigida por Dag Johan Haugerud («Cuidado con los niños»), la película cierra la trilogía conocida internacionalmente con el nombre «Sex Love Dreams» y que en España recibe el nombre de «Trilogía de Oslo». Se trata de tres historias sutilmente interconectadas, pero autoconclusivas e independientes entre sí, que exploran la sexualidad, el amor y la libertad.

Protagonizada por Ella Øverbye, Selome Emnetu y Ane Dahl Torp, junto a Anne Marit Jacobsen, la cinta ha sido galardonada con el premio a la mejor película en el Queercinemad.

Johanne, una joven de 17 años se enamora por primera vez. Lo hace de su profesora, mucho mayor que ella, y decide conservar sus sentimientos plasmándolos en escritos íntimos que guarda en su ordenador. Cuando su madre y su abuela descubren estas revelaciones, inicialmente se escandalizan, pero pronto aprecian su potencial literario. Mientras debaten si publicarlas, las tres mujeres afrontan sus distintos puntos de vista sobre el amor, la sexualidad y el autodescubrimiento.

La intensidad del primer amor: entre la euforia y el secreto

Dag Johan Haugerud describe el primer amor como “una experiencia transformadora que lo cambia todo; es intenso, absorbente y decisivo”. En «Sueños en Oslo», esa fuerza desbordante se manifiesta cuando Johanne siente por primera vez una atracción irresistible hacia su profesora de francés: “Es una euforia imparable que arrolla la mente”, explica el director, “pero choca con la disponibilidad física de una joven que aún se está descubriendo a sí misma”. Esa tensión genera un conflicto entre el impulso mental y la vivencia corporal, un desfase que puede resultar confuso e incluso traumático.​​

Según Haugerud, “la belleza y el dolor de ese primer enamoramiento quedan grabados como un acontecimiento inolvidable, una tenue melodía que todas las pasiones posteriores intentan igualar”. En la película, esas notas íntimas de su diario, guardadas en su ordenador, abren una grieta en la cotidianeidad familiar: madre y abuela leen las confesiones y se sorprenden ante el potencial literario que esconden. A través de ese choque generacional, la película explora cómo el relato de un primer crush puede desencadenar una cadena de recuerdos, deseos y cuestionamientos que trascienden el tiempo y la edad.

Tres generaciones ante el deseo

El director subraya que el descubrimiento del primer amor despierta también “un anhelo reconocible” en las mujeres de su familia: “La madre y la abuela, al leer las vivencias de Johanne, reevalúan algunas de las decisiones sobre sexo y amor que ellas mismas tomaron a lo largo de la vida”. Para el director, “cada una de estas mujeres aporta su propio bagaje de experiencias, opiniones y contradicciones en torno al deseo, la libertad, el empoderamiento y la responsabilidad, que se redefinen al compartir sus puntos de vista”.​

Haugerud profundiza aún más: “Cuando la abuela lee el manuscrito, revive sus años hippies y recuerda que la pasión no está limitada a los impulsos físicos, sino que busca también una trascendencia espiritual. Su perspectiva, irreverente y sincera, choca y dialoga con la visión más protectora y normativa de la madre, que cuestiona la conveniencia de publicar unas memorias tan íntimas”. Así, «Sueños en Oslo» confronta tres generaciones —adolescente, madre y abuela— y traza un fresco sobre cómo la memoria y la experiencia moldean nuestra comprensión del amor y la responsabilidad a través del tiempo.

La «Trilogía de Oslo» en Filmin

La trilogía de Dag Johan Haugerud (Noruega, 1964), conocida internacionalmente como «Sex Love Dreams» está íntegramente distribuida en España por Filmin: «Sexo en Oslo», estrenada en cines el 25 de octubre de 2024 y ya disponible en la plataforma; «Amor en Oslo», que llegó directamente a Filmin el 14 de noviembre de 2025; y «Sueños en Oslo«, que se estrenó en cines el 21 de noviembre de 2025 y estará disponible en la plataforma a partir del 13 de febrero de 2026. Filmin descubrió a Haugerud al público español con «Cuidado con los niños», su segundo largometraje, presentado en el Atlàntida Mallorca Film Fest 2020 y distribuido por la plataforma. Fue la primera película del director que se estrenó en nuestro país.