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El intento de resurgir una figura icónica del cine de acción de los 90 y parte del 2000 como es Bruce Willis seguramente tenga su punto álgido en el inicio del próximo año con la muy esperada Glass de M. Night Shyamalan, mientras tanto y como preámbulo este año hemos tenido las algo decepcionantes Death Wish y Acts of Violence a la que se les une ahora el drama de corte bélico ambientado en la Segunda Guerra Mundial Air Strike, film cuyo primer tráiler de la mano de Lionsgate acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Air Strike que cuenta tras las cámaras con el realizador de origen chino Xiao Feng (Hushed Roar 2012) tendrá un estreno limitado en cines de Estados Unidos y en VOD el próximo 26 de octubre.
Air Strike nos cuenta como un coronel norteamericano entrena a pilotos chinos para que combatan contra el ejército japonés que lleva bombardeando la ciudad de Chongqing (capital de la República de China de Chiang Kai-shek) durante cinco largos años. El temperamento de algunos hace que su trabajo sea más complicado de lo que había previsto cuando le asignaron la misión, pero no por ello pierde la confianza en los jóvenes soldados que le han sido asignados. Mientras tanto, un pequeño grupo de espías y de refugiados transportan un descodificador a través de zonas rurales devastadas con la esperanza de que sea el artilugio definitivo para que la contienda llegue a su fin.
La película con guion Ping Chen está protagonizada por Bruce Willis, Ye Liu, Adrien Brody, Fan Bingbing, Nicholas Tse, William Chan Wai-Ting, Fan Wei, Janine Chun-Ning Chang, Simon Yam, Eric Tsang, Eva Huang, Xiaoqing Liu, Gang Wu, Yuanzheng Feng, Tenma Shibuya, Seung-Heon Song, Bing Hu y Geng Le.
El Festival de San Sebastián inaugura una nueva línea de carteles oficiales con el póster de la 66 edición, protagonizado por la actriz francesa Isabelle Huppert.
El póster oficial sigue la línea de la nueva identidad gráfica del Festival, en la que la composición de todos los carteles aúna fotografía e ilustración. La imagen de la intérprete en blanco y negro se superpone a líneas de colores de las distintas secciones.
“Es un honor para el Festival que una de las mejores actrices del mundo en activo, que cada año nos brinda películas maravillosas, haya aceptado ser la imagen del Festival de San Sebastián”, ha señalado el director de Festival, José Luis Rebordinos.
El vínculo de la intérprete parisina con el Festival se remonta a más de 15 años cuando presentó en la Sección Oficial La vie promise (La vida prometida), de Olivier Dahan. En 2003, recogió, de manos de Claude Chabrol, el Premio Donostia en reconocimiento a su contribución al mundo del cine, que se traduce en una participación en más de 130 películas, en la que ha coleccionado más de un centenar de reconocimientos desde que en 1978 obtuviera un Bafta a la actriz más prometedora por su trabajo en La dentellière (La encajera).
Ha sido reconocida con un Globo de Oro y nominada al Oscar por Elle (Perlas, 2016), y ha recibido el Oso de Plata de Berlín (8 femmes / Ocho mujeres, Perlas 2002), dos premios de interpretación en Cannes en 1978 (Violette Nozière / Prostituta de día, señorita de noche) y en 2001 (La pianiste / La pianista, Perlas 2011), dos César (La cérémonie / La ceremonia 1995, y Elle, 2016,) dos Copa Volpi de Venecia por La cérémonie (1995) y Une affaire de femmes (Asuntos de mujeres, 1988) y un León de Oro especial por Gabrielle; dos David de Donatello (a la mejor actriz extranjera por La dentellière en 1997 y uno a su toda su carrera en 2003), tres premios de la Academia Europea de Cine por La pianiste, 8 femmes y por su extraordinaria trayectoria cinematográfica, y cinco premios Lumière (La céremonie, Merci pour le chocolat / Gracias por el chocolate), Gabrielle, Elle y uno honorífico), entre otros.
Sus películas se han programado en una quincena de ocasiones en San Sebastián. Ha trabajado con los mejores directores europeos, americanos y asiáticos, como Jean-Luc Godard, Michael Haneke, Mia Hansen-Løve, Raúl Ruiz, Brillante Mendoza, Paul Verhoeven, David O’Russell, Hong Sangsoo, Hal Hartley, Claire Denis, François Ozon, Olivier Assayas, Rithy Panh, Andrzej Wajda, Joseph Losey, Diane Kurys (en Coup de foudre, que obtuvo el Premio Fipresci en San Sebastián en 1983), Michael Cimino, Bertrand Tavernier, Otto Preminger y el mencionado Claude Chabrol, entre muchos otros.
Del cartel oficial se imprimirán 1.000 unidades que se distribuirán en establecimientos y en los puntos habituales del Festival. También figurará en la portada del catálogo y de la guía película a película.
El cartel oficial ha sido creado, a partir de una fotografía de Getty Images, por el estudio de diseño donostiarra TGA, liderado por Nagore García Pascual, Julen Cano Linazasoro y Txema García Amiano, al igual que el resto de pósteres y la nueva identidad gráfica.
Parece ser que por fin la célebre película inacabada de Orson Welles titulada The Other Side of the Wind, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, verá la luz a través de Netflix el próximo 2 de noviembre previo paso estos días por el Festival de Venecia. Rodada en blanco y negro entre los años 1969 y 1976 The Other Side of the Wind, film que satiriza el panorama hollywoodiense de la época con evidentes tintes autobiográficos, es uno de esos míticos proyectos inacabados por parte de Orson Welles, infinidad de batallas legales y burocráticas han mantenido los negativos ocultos varios años hasta que los productores Philip Jan Rymsza y Frank Marshall y muy especialmente Peter Bogdanovich han logrado completar casi en su totalidad el material disponible finalizando la película a través de un laborioso montaje final, que al parecer era lo único que le faltaba al film, a partir de las indicaciones del propio Orson Welles.
The Other Side of the Wind que también tendrá un estreno limitado en salas comerciales de Estados Unidos nos cuenta la historia de un legendario director llamado J.J. «Jake» Hannaford, que regresa a Hollywood desde los años de semi-exilio en Europa, con planes para completar el trabajo en su propia película, también titulada «Al otro lado del viento» y volver al estrellato.
La película con guion del propio Orson Welles junto con la actriz Oja Kodar está protagonizada entre otros por John Huston, Robert Random, Peter Bogdanovich, Susan Strasberg, Oja Kodar, Joseph McBride, Lilli Palmer, Edmond O’Brien, Mercedes McCambridge, Cameron Mitchell, Paul Stewart, Peter Jason, Tonio Selwart, Howard Grossman, Geoffrey Land, Norman Foster, Dennis Hopper, Gregory Sierra, Benny Rubin, Cathy Luvas, Dan Tobin, George Jessel, Richard Wilson, Claude Chabrol, Stéphane Audran, Henry Jaglom y Paul Mazursky.
Tilda Swinton visitará el Festival y recibirá un Gran Premio Honorífico
La esperada nueva versión del clásico de Dario Argento de 1977, Suspiria, abrirá la 51ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya el próximo 4 de octubre. Una de las cintas que más expectación despierta entre los amantes del terror será presentada por su director, Luca Guadagnino (Call Me by Your Name, Cegados por el sol), y la actriz Tilda Swinton, que también recibirá el Gran Premio Honorífico.
Una oscuridad se arremolina en el corazón de una compañía de danza de renombre mundial, una fuerza que engullirá a la directora artística, a una joven y ambiciosa bailarina y a un psicoterapeuta afligido. Algunos sucumbirán a la pesadilla. Otros, por fin, se despertarán.
Suspiria está protagonizada por Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth y Jessica Harper, protagonista del film original de Argento. La banda sonora ha sido creada por Thom Yorke, líder de la reconocida banda Radiohead.
Tilda Swinton recibirá en Sitges el Gran Premio Honorífico en reconocimiento a una trayectoria que brilla por su talento, versatilidad y una predilección por un cine atrevido e independiente. Entre los títulos que ha protagonizado destacan Orlando (Sally Potter, 1992), Adaptation (Spike Jonze, 2002), Quemar después de leer (Joel y Ethan Coen, 2008), El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2008), Tenemos que hablar de Kevin (Lynne Ramsay, 2011), Sólo los amantes sobreviven (Jim Jarmusch, 2013), Rompenieves (Bong Joon-ho, 2013), El Gran Hotel Budapest (Wes Anderson, 2014), Dr. Strange (Scott Derrickson, 2016) y Okja (Bong Joon-ho, 2017).
El reconocimiento a Tilda Swinton es el último premio anunciado por Sitges 2018 hasta el momento, y se suma a los otros ganadores del Gran Premio Honorífico, Peter Weir, Nicolas Cage y Ed Harris; la Màquina del Temps para Pam Grier y Ron Perlman; la Maria Honorífica para Traci Lords y el Premio Nosferatu para Helga Liné.
La actriz británica Judi Dench (York, Reino Unido, 1934) recibirá un Premio Donostia en la 66 edición del Festival de San Sebastián. La entrega del galardón honorífico más importante del Festival tendrá lugar el martes 25 de septiembre, antes de la proyección de Red Joan (Trevor Nunn), en la que Dench encarna a una mujer cuya tranquila vida se ve repentinamente alterada cuando es detenida por el servicio de inteligencia del Reino Unido, acusada de suministrar información a la Rusia comunista.
Será la primera visita a San Sebastián de la actriz, siete veces nominada al Oscar. Recogió la estatuilla hace 20 años como mejor actriz de reparto por su interpretación de Isabel I en Shakespeare in Love (Shakespeare enamorado). El Oscar fue también un gran reconocimiento a Dench y su trayectoria teatral, especialmente por su vínculo a las obras más importantes de Shakespeare. Dench inició su carrera sobre las tablas en prestigiosos teatros como Old Vic y The National en Londres y, más tarde en la Royal Shakespeare Company en Stratford-upon-Avon, donde ha interpretado a las grandes damas shakesperianas.
Desde su debut cinematográfico, en 1964, ha trabajado en numerosas películas aclamadas por la crítica, trabajando con algunos de los cineastas más interesantes como Stephen Frears, James Ivory, Kenneth Branagh, Franco Zeffirelli, Sally Potter, Clint Eastwood o Sam Mendes, y ha coleccionado decenas de reconocimientos por papeles como la reina Victoria en Mrs Brown (Su majestad, Mrs. Brown, 1997); la excéntrica Armande Voizin en Chocolat (2000); la novelista Iris Murdoch en Iris (2001); empresaria teatral en Mrs Henderson presents (Mrs. Henderson presenta, 2005); profesora conflictiva en Notes on a Scandal (Diario de un escándalo, 2006); madre en busca de su hijo robado en Philomena (2013); de nuevo la reina Victoria en Victoria & Abdul (La reina Victoria y Abdul, 2017); y M, la responsable del servicio de inteligencia británico, rol que ha desempeñado en siete películas de la saga de James Bond.
El prolífico director teatral Trevor Nunn, que la ha dirigido también en los escenarios británicos, regresa a la realización cinematográfica con Red Joan. Sus anteriores trabajos incluyen Lady Jane (1986) y Twelfth Night or What You Will (Noche de reyes o lo que vosotros queráis, 1996). Compitió con ambos en la Sección Oficial del Festival.
El año que viene Dench protagonizará el último trabajo de Kenneth Branagh, Artemis Fowl, y Six Minutes to Midnight, de Andy Goddard.
Red Joan
Trevor Nunn (Reino Unido)
Intérpretes: Judi Dench, Sophie Cookson
Es el año 2000 y Joan Stanley disfruta de su retiro en un barrio residencial durante el cambio de milenio. Su apacible vida se ve súbitamente trastornada cuando es arrestada por el MI5, acusada de proporcionar información a la Rusia comunista. Pasamos a 1938, cuando Joan es una estudiante de física en Cambridge que se enamora del joven comunista Leo Galich y, a través de él, comienza a ver el mundo de un modo diferente. Trabajando en unas instalaciones de alto secreto dedicadas a la investigación nuclear durante la Segunda Guerra Mundial, Joan llega a la conclusión de que el mundo está al borde de una destrucción garantizada. Al enfrentarse a una pregunta imposible -¿qué precio pagarías por la paz?- Joan debe elegir entre traicionar a su país y a sus seres queridos o salvarlos.
Diálogos con los Premios Donostia 2018 en Tabakalera
El año pasado el Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera inició los prólogos al Festival de San Sebastián con la proyección de The Room (Tommy Wiseau, 2003), vinculada a la selección en la Sección Oficial de The Disaster Artist (James Franco, 2017), que se haría después con la Concha de Oro.
Este año, la sala de cine de Tabakalera propone durante el mes de septiembre un diálogo con los Premios Donostia. Se trata de homenajear a los homenajeados, proyectando títulos que han sido fundamentales en su carrera y ofreciendo a la ciudad la posibilidad de verlos otra vez -o descubrirlos- en pantalla grande.
Sábado 8 de septiembre, 20:00: primera nominación al Oscar
Mrs. Brown, John Madden, Reino Unido, 1997, 103′
Viernes 14 de septiembre, 20:00: el primer largo de Kore-eda
Maboroshi no hikari , Hirokazu Kore-eda, Japón, 1995, 110′
Sábado 15 de septiembre, Sesión doble, 2×1: doblete pop
20:00 Twins (Los gemelos golpean dos veces), Ivan Reitman, EUA, 1988, 105′
Tres hombres casados ricos se reúnen anualmente para irse de caza. Pero esta vez, uno de ellos viene acompañado de su amante, una joven que despierta rápidamente el interés de los otros dos. Las cosas se complican dramáticamente para ella… Dejada por muerta en medio de la nada, la chica vuelve a la vida, y el juego de caza se convierte en una venganza implacable.
La ganadora a la mejor dirección de la pasada edición del Festival de Sitges volvió a poner sobre la palestra que estamos ante un certamen en donde se trata bastante bien a las mujeres realizadoras, quizás en demasía, en estos últimos años el festival ha querido enfatizar mucho en este aspecto algo que ha llevado a más de una interpretación forzada y poco proclive a la naturaleza y veracidad de según qué productos, resaltar y poner un subrayado en el papel de la mujer en el nuevo cine de género se convierte de esta manera en un deporte de riesgo dando a veces lugar al equívoco en lo relativo a su interpretación, en cierta manera soy de los que opinan que esta aseveración existente o no no tendría que ser a día de hoy tanto una novedad y si una contante, ahora es bastante habitual que féminas realicen competentes trabajos que años atrás parecían solo al alcance de los hombres, es por eso que una película de las características de Revenge estrenada en salas comerciales de nuestro país el pasado fin de semana no tendría que ser vendida de cara al público como un paradigma del nuevo cine de género femenino y si como una lógica evolución de tal concepto en donde a través de un matizado dominio del lenguaje genérico se puede llegar a la reflexión final o no, depende del espectador, dicho destino tiene validez en gran parte del énfasis utilizado en el análisis pues el trazo intelectual que puede dar pie a ello está bastante ausente en el relato que nos ocupa.
A diferencia del Crudo de otra realizadora de origen galo como es Julia Ducournau en donde sí se podía percibir de forma clara una voz autoral propia el Revenge de Coralie Fargeat no indaga en ese aspecto que muchos se han empecinado de forma algo insistente en denominar como el nuevo empoderamiento femenino dentro del cine de género, básicamente porque estamos ante un ejercicio de estilo bien rodado y si se me permite la expresión de manual, una película poco dada a la sorpresa narrativa, lo suyo es más bien un resultado técnico pulcro en lo referente a sus intenciones y poca cosa más.. un rape & revenge de manual que volviendo al discurso anteriormente formulado en tiempos pretéritos solo eran coto privado destinado para que hombres la dirigieran, afortunadamente hoy todo esto ha cambiado. Lo que no se le puede negar a Revenge es que no sea consecuente con sus propios postulados, en este aspecto la película no solo va al grano sino que sigue una pautas genéricas perfectamente reconocibles punto por punto, en lo concerniente a esto no se sale del guion en ningún momento, otra cosa es indagar en ese supuesto mensaje contestatario totalmente inexistente en el film, evidentemente que hay un leve intento de crítica social en Revenge que transita soterrada a través de lo terrorífico y lo caricaturesco, ¿pero en película de violación y posterior venganza no la hay?
Revenge como una suerte de western de acción femenina que es y al mismo tiempo una buena y aplicada muestra del subgénero rape & revenge y por ende afortunada revisión, en parte reformulación, actualizada a los nuevos tiempos del I Spit On Your Grave de Meir Zarchi pasa de alguna manera de pies puntillas por lo que podríamos denominar como la credibilidad argumental, lo suyo es más bien la técnica al servicio de una supuesta historia en donde predomina el correspondiente baño de sangre de claras connotaciones cartoon, el presentar a una hipersexualizada mujer objeto que se transforma en un simbólico cuerpo resurrecto y letal que busca venganza, en este sentido Coralie Fargeat le saca bastante provecho a ese árido paisaje del desierto mexicano que por momentos en lo referente a su función escénica nos remite a la fundamental The Most Dangerous Game de Irving Pichel, intentar buscar otra posible lectura al producto como podría ser por ejemplo un supuesto manifestó ideológico aparte de complicado es completamente innecesario.
Tras alguna esporádica incursión en el ámbito televisivo el británico Matthew Holness debuta en el largometraje con el thriller de terror Possum, film protagonizado por un rostro carismático como el de Sean Harris visto en películas como ’71, Macbeth o Mission: Impossible – Rogue Nation entre otras y cuyo primer tráiler y póster oficial acaban de ver la luz y podéis ver a final de página. Descrita por algunos como un cruce kafkiano entre el Spider de David Cronenberg y el The Babadook de Jennifer Kent la opera prima de Matthew Holness que ha recibido muy buenas críticas en el Festival de Edimburgo y en el reciente FrightFest tendrá un estreno en plataformas digitales para el próximo 26 de Octubre.
Possum nos cuenta como después de regresar a la casa en donde pasó su infancia, un antiguo ventrículo infantil caído en desgracia se verá obligado a enfrentarse a su malvado padrastro y a los oscuros secretos que le han estado torturando durante toda su vida.
La película con guion del propio Matthew Holness está protagonizada por Sean Harris, Alun Armstrong, Simon Bubb, Andy Blithe, Pamela Cook, Charlie Eales, Ryan Enever, Raphel Famotibe y Joe Gallucci.
¿Qué representa Neo en Matrix? ¿Es Star Trek una especie de visión optimista, liberal y cosmopolita de lo que podría ser el futuro de la globalización? ¿Por qué nos da tanta rabia que en Star Wars se repita siempre la misma batalla entre el bien y el mal? Es evidente que Independence Day es una película patriótica y nacionalista, pero ¿seríamos capaces de explicar exactamente por qué es así?¿Qué tienen en común nuestra sociedad y la de Matrix? ¿Qué ideologías políticas y ansiedades sociales se exponen en Terminator?
Las películas de ciencia ficción se nutren a partes iguales de una trama argumental y de reflexión filosófico-política. La ciencia ficción pretende entretener al espectador, pero también pretende activar su intuición crítica y creativa, su pulsión por saber y por pensar el mundo.
Luis Miguel Ariza, divulgador científico y gran experto en cine, abre una ventana al gran público para comprender mejor los principales mensajes filosóficos de veintidós grandes películas de todos los tiempos. A la vez que profundizamos en el significado de cada una de estas maravillosas narraciones visuales, el conjunto de estas reflexiones nos da las claves de lo que es y ha sido a lo largo de la historia este género fílmico, sin duda el que más mella hace en nuestro entendimiento y en nuestra imaginación.
Autor; Luis Miguel Ariza, Editorial: Arpa, Páginas; 256
Es indiscutiblemente uno de los proyectos más ambiciosos por parte de Netflix para este final de año, para ello la plataforma televisiva no ha escatimado en gastos y ha apostado por un valor cada vez más en alza como es el guionista y director David Mackenzie (Starred Up, Hell or High Water). Outlaw King (El rey proscrito) cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página transita a través de la épica y la moralidad histórica en una historia cuyas similitudes irremediablemente nos remiten al Braveheart de Mel Gibson. El estreno mundial de Outlaw King previo pasó como película inaugural por el Festival de Toronto dentro de un par de semanas será a través de Netflix para el próximo 9 de noviembre.
Outlaw King nos cuenta la verdadera historia de Robert The Bruce, un rey escocés del siglo XIV que utilizó su astucia y valentía para intentar derrotar al poderoso ejército inglés de ocupación, mucho más numeroso y mejor equipado en todos los sentidos. Es la historia jamás contada de un rey que en un año extraordinario pasó de ser un noble derrotado a un rey reticente, hasta convertirse en un héroe fugitivo. Obligado a entrar en batalla para salvar a su familia y a su país de la tiránica ocupación inglesa, Robert se apodera de la corona de la Escocia medieval y lidera a un grupo de hombres insurgentes para enfrentar la ira del ejército más fuerte del mundo conducido por el despiadado rey Eduardo I y su débil hijo, el príncipe de Gales.
La película con guion del propio David Mackenzie junto a Mark Bomback está protagonizada entre otros por Chris Pine, Aaron Taylor-Johnson, Billy Howle, Florence Pugh, Callan Mulvey, Stephen Dillane, Tony Curran, James Cosmo y Matt Stokoe.
Paul Thomas Anderson recibirá por tercera vez este reconocimiento en San Sebastián.
Phantom Thread (El hilo invisible) ha sido elegida mejor película del año 2018 por los miembros de la Federación Internacional de Críticos de Cine, FIPRESCI. En la votación han participado 473 críticos de todo el mundo, que han elegido esta producción entre todas las películas estrenadas tras el 1 de julio de 2017. Las otras tres finalistas han sido Three Billboards Outside Ebbing Missouri (Tres anuncios en las afueras) de Martin McDonagh (Premio de Público Ciudad de Donostia / San Sebastián 2017), Zimna wojna / Cold War de Pawel Pawlikowski, premio al mejor director de Cannes, programado este año en Perlak, y Zama, de Lucrecia Martel.
Es la tercera vez que Paul Thomas Anderson recibe este galardón en San Sebastián. En 2008 fue reconocida su película There Will Be Blood (Pozos de ambición) y en 2000, Magnolia. El cineasta estadounidense ha obtenido el Oso de Oro en Berlín por Magnolia, el premio al mejor director en Cannes por Punch-Drunk Love (Embriagado de amor, 2002) y el Oso de Plata a la mejor dirección y dos Oscar por There Will Be Blood.
Desde su creación en 1999 han recibido el Fipresci Grand Prix cineastas de la talla de Pedro Almodóvar, Michael Haneke, Cristian Mungiu, Jean-Luc Godard, Richard Linklater, Roman Polanski, George Miller, Maren Ade y Aki Kaurismäki.
Phantom Thread (El hilo invisible)
Paul Thomas Anderson (EEUU)
El célebre modisto Reynolds Woodcock es el centro de todas las miradas en el mundo de la moda británico. Por su vida desfilan todo tipo de mujeres, brindándole inspiración y compañía, hasta que se cruza en su camino la joven Alma, que pronto se convierte en su musa y amante y hace que su vida, cuidadosamente controlada y planificada como todos sus patrones de costura, se vea sacudida por el amor. En su última película, Paul Thomas Anderson pinta un luminoso retrato tanto de un artista en un viaje creativo, como de las mujeres que hacen girar su mundo.
Han pasado cuatro años desde que el realizador de origen galo Bruno Dumont sorprendiera a muchos con su inclasificable miniserie P’tit Quinquin, dicho calificativo no deja de ser todo un activo en la carrera de Dumont especialmente en lo referente a estos últimos años, sus esplendidas Ma Loute y Jeannette, l’enfance de Jeanne d’Arc dejan pocas dudas al respecto, ahora vuelve al medio catódico con la continuación de su anterior miniserie, Coincoin et les z’inhumains cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial retoma personajes y situaciones imposibles situadas a medio camino entre el slapstick y una suerte de sitcom genérica. La miniserie que tuvo la premier mundial en el pasado Festival de Locarno se podrá ver en la próxima edición del Festival de San Sebastián dentro de la sección Zabaltegi-Tabakalera.
Coincoin et les z’inhumains nos muestra como Quinquin es ahora adulto y se hace llamar CoinCoin. Deambula por la Costa de Ópalo y asiste a reuniones del Partido Nacionalista con Fatso, su amigo de la infancia. Su antiguo amor, Eve, lo ha abandonado por Corinne. Cuando cerca del pueblo encuentran un magma extraño, de repente los habitantes comienzan a comportarse de una manera muy rara. Nuestros dos héroes, el capitán Van Der Weyden y su leal ayudante Carpentier, investigan dichos ataques alienígenas. La invasión extra-humana ha comenzado.
La miniserie con guion del propio Bruno Dumont está protagonizada entre otros por Alane Delhaye, Bernard Pruvost, Philippe Jore, Julien Bodard, Lucy Caron, Christophe Verheeck, Alexia Depret y Jason Cirot.
La producción francesa Les météorites / Meteorites y la película china Qing Feng De Wei Dao / Breeze (Brisa fresca) completan la selección de New Directors de la 66 edición del Festival de San Sebastián.
Graduado en la Femis, Romain Laguna (Montpellier, Francia) ha dirigido los cortometrajes À trois sur Marianne (2012), Run (2013), Bye bye mélancolie (2014) y J’mange froid (2015). Su primer largometraje, Les météorites / Meteorites, se centra en una chica de dieciséis años que pasa el verano en un pueblo en el sur de Francia y trabaja en un parque temático.
Kun Yang, procedente de una pequeña ciudad en el suroeste de la provincia china de Yunnan, estudió dirección de cine en la Beijing Film Academy. Qing Feng De Wei Dao / Breeze (Brisa fresca), su primer largometraje, está construido en torno al viaje de regreso de un hombre de Yunnan a su ciudad natal.
Estas dos producciones se incorporan a la selección de New Directors, que incluye también los siguientes títulos: Oreina (Koldo Almandoz), La camarista (Lila Avilés), Apuntes para una película de atracos (Elías León Siminiani), Serdtse Mira / Core of the World (Nataliia Meshchaninova), Ama Doren / Hold my hand (Ismet Sijarina), Un om la locul lui / A Decent Man (Un hombre como Dios manda, Hadrian Marcu), Para la guerra (Francisco Marise), Boku wa Iesu-sama ga kirai / Jesus (Hiroshi Okuyama), Julia y el zorro (Ines María Barrionuevo), Der läufer / Midnight Runner (Hannes Baumgartner), Neon Heart (Laurits Flensted-Jensen), The Third Wife (Ash Mayfair) y Viaje al cuarto de una madre (Celia Rico Clavellino).
Esta sección, que forma parte de la apuesta del Festival por los nuevos talentos, es una plataforma de visibilidad para sus películas. Las tres últimas ganadoras del Premio Kutxabank-New Directors han sido estrenadas en España y seleccionadas y premiadas tras su paso por San Sebastián en otros festivales: Le nouveau / The New Kid (El novato, 2015), Park (2016) y Le Semeur / The Sower (La mujer que sabía leer, 2017).
El Premio Kutxabank-New Directors, que será escogido por un jurado internacional, está dotado con 50.000 euros que se destinan al director y al distribuidor de la película en España.
Las películas de esta sección son también candidatas al Premio de la Juventud, que escoge un jurado compuesto por jóvenes de entre 18 y 25 años.
Les météorites / Meteorites
Romain Laguna (Francia)
Nina, una chica de dieciséis años, sueña con vivir aventuras. Mientras tanto, pasa el verano entre su pueblo en el sur de Francia y el parque temático en el que trabaja. Justo antes de conocer a Morad, un adolescente de una familia argelina que vive en las casas de protección oficial que hay en las cercanías, Nina divisa un meteorito cayendo del cielo que al parecer solo es visible para ella… como un presagio.
Qing Feng De Wei Dao / Breeze (Brisa fresca)
Kun Yang (China)
Tras marcharse de Yunnan, su ciudad natal, Yu Zhao, se instaló en Beijing, donde ha vivido durante más de treinta años. Después de su jubilación, su única dedicación ha sido ayudar a su hijo en casa y cuidar a su nieto. Cuando Yu Zhao vuelve a Yunnan, pensando en emprender una nueva vida, se encuentra con que las cosas y sus parientes, amigos y amores del pasado, han cambiado bastante de cómo los recordaba. Todo se ha vuelto más frio y rutinario. La gente que conoció tiene ahora su propia vida y la ilusión por un nuevo amor también se desvanece. Poco a poco, Yu Zhao se da cuenta de que Yunnan ya no es su verdadero hogar, y decide regresar a Beijing.
Slice da la impresión de pertenecer a ese reducido grupo de películas en donde todo parece estar permitido a un nivel de demencia narrativa, si en años pasados han ido viendo la luz películas que abordaban tal concepto como por ejemplo The Greasy Strangler o la reciente Kuso ahora es turno para la opera prima de Austin Vesely titulada Slice, film cuyo primer tráiler de la mano de la cada vez más omnipresente A24 acaba de ver la luz y podéis ver junto a su póster oficial a final de página. Aún sin fecha de estreno el film de Vesely, un slasher humorístico bastante alocado y con una gran dosis de sangre protagonizado por el rapero Chance Bennett, parece predestinado a formar parte de forma casi obligatoria en las sesiones de madrugada de cualquier festival de género que se precie.
Slice nos cuenta como un repartidor de pizza es asesinado mientras trabaja y la ciudad comienza a buscar un responsable. Entre la lista de posibles candidatos figura un fantasma, un traficante de drogas e incluso un hombre-lobo caído en desgracia.
La película con guion del propio Austin Vesely está protagonizada por Chance the Rapper, Zazie Beetz, Rae Gray, Paul Scheer, Joe Keery, Will Brill, Katherine Cunningham, Bishop Stevens, Lakin Valdez, Rebecca Spence, Austin Vesely, Gary Houston, Allison Latta, Kelli Simpkins, Connie Hollins, Marilyn Dodds Frank, Felicia Fields y Hanna Dworkin.
Nueve películas se incorporan a la selección de Zabaltegi-Tabakalera. Así, dieciocho producciones, 12 largometrajes y seis cortos, competirán por el Premio Zabaltegi-Tabakalera, la sección competitiva más abierta del Festival de San Sebastián. En la 66 edición se proyectarán series, películas de ficción, de animación o editadas con material de archivo, inspiradas por temas dispares como el cine de Bergman o la situación de los migrantes en Calais.
Zabaltegi-Tabakalera acogerá la presentación de Kraben Rahu / Manta Ray, tras su paso por Venecia y Toronto. La ópera prima de Phuttiphong Aroonpheng (Bangkok, 1976) cuenta la historia de un pescador que rescata a un hombre herido e inconsciente en el bosque, con el que desarrolla un vínculo sin palabras.
El segundo largometraje Di qiu zui hou de ye wan / Long Day’s Journey into Night, de Bi Gan (Kaili, China, 1989), tras su premiado debut, Kaili Blues, fue estrenado en Un Certain Regard. La película relata el regreso de un hombre a su ciudad natal en busca de una mujer.
El largometraje de animación stop-motion La casa lobo, de Cristobal León (Santiago de Chile, 1980) y Joaquín Cociña (Concepción, Chile, 1980), ha sido seleccionado en festivales internacionales como la Berlinale y Annecy, y ha recibido distintas menciones y distinciones. El debut de León y Cociña narra la historia de una joven que se refugia en una casa en el sur de Chile, tras escapar de una colonia de alemanes.
Procedente de Cannes Classics, Bergman – ett ar, ett Liv / Bergman – A Year in a Life (Bergman, su gran año), de Jane Magnusson (Estocolmo, 1968), retrata uno de los años más significativos de la carrera del cineasta sueco, que coincidió con el rodaje de El séptimo sello y Fresas salvajes.
Sophia Antipolis, el segundo largometraje de Virgil Vernier (París, 1976), director de Mercuriales, se ha estrenado en Locarno en la sección Cineasti del Presente. El actor y realizador francés analiza una comunidad en un extraño territorio entre el Mediterráneo, el bosque y la montaña.
Además de los anunciados Los que desean (Elena López Riera) y 592 metroz goiti (Maddi Barber), se proyectarán los cortometrajes De Natura, de Lucile Hadzihalilovic (Lyon, 1961), que en 2004 ganó el premio New Directors por su ópera prima, Innocence y en 2015 regresó a San Sebastián, a la Sección Oficial, con su segunda película, Evolution, que obtuvo el Premio Especial del Jurado; The Men Behind the Wall, de Inés Moldavsky (Buenos Aires, 1987), estrenado en Berlín, sobre una mujer que vive en Israel que se relaciona con hombres residentes en Cisjordania a través de la aplicación Tinder; y Sobre cosas que me han pasado, de José Luis Torres Leiva (Chile, 1975), en su tercera participación en la sección tras El viento sabe que vuelvo a casa (2016) y El sueño de Ana (2017). Asimismo, se proyectará el corto Song for the Jungle de Jean-Gabriel Périot, rodado en Calais, donde miles de emigrantes esperan para poder pasar a Inglaterra. El primer largometraje de Périot (Bellac, Francia, 1974), Una jeunesse allemande / A German Youth, inauguró la sección Panorama de la Berlinale y fue seleccionado en Zabaltegi, y el segundo, Natsu no hikari – Lumières d’été (Luces de verano), compitió en 2016 en New Directors.
Con estas incorporaciones, son 18 las películas que aspiran al premio Zabaltegi-Tabakalera, incluidas las producciones Coincoin et les z’Inhumains / Coincoin and the Extra-humans (Bruno Dumont), Las hijas del fuego (Albertina Carri), Le livre d’image / The Image Book (El libro de las imágenes, Jean-Luc Godard), Da xiang xi di er zuo / An Elephant Sitting Still (Hu Bo), Belmonte (Federico Veiroj), Trote (Xacio Baño) y Teatro de guerra (Lola Arias).
Bergman — ett ar, ett liv / Bergman – A Year in a Life (Bergman, su gran año)
Jane Magnusson (Suecia)
Documental sobre Ingmar Bergman centrado en un año trascendental de su carrera, 1957, cuando dirigió las obras maestras Det sjunde inseglet (El séptimo sello) y Smultronstället (Fresas salvajes). Pero más allá de limitarse a tratar la faceta artística de Bergman, aborda como nunca su vida íntima, en especial las tormentosas relaciones sentimentales que mantuvo con las mujeres, entre ellas varias actrices con las que trabajó.
De natura
Cortometraje
Lucile Hadzihalilovic (Rumanía)
Intérpretes: Mihaela Manta, Maria Manta
De Natura es un poema improvisado, un apacible y alegre paseo de dos niñas en mitad de la naturaleza, lejos de los ojos de los mayores. Pero entonces, la alegría empieza a desaparecer gradualmente, la ensoñación se convierte en nostalgia, mientras al borde de la carretera, entre los frutos putrefactos del verano, aparecen algunos rostros borrosos. El ciclo de la vida no disminuye la magia del mundo, ya esté iluminado por la luna o por el sol.
Di Qiu Zui Hou De Ye Wan / Long Day’s Journey Into Night (El largo viaje del día hacia la noche)
Luo Hongwu regresa a Kaili, su ciudad natal, de la que huyó hace varios años. Comienza la búsqueda de la mujer que amaba, y a quien nunca ha podido olvidar. Ella dijo que su nombre era Wan Quiwen…
Cerca de un pueblo costero de Tailandia, donde se han ahogado miles de refugiados Rohingya, un pescador local, encuentra a un hombre herido e inconsciente en el bosque. Recoge al extraño, que no habla una palabra, le ofrece su amistad y lo llama Thongchai. Pero cuando el pescador desaparece súbitamente en el mar, Thongchai comienza poco a poco a ocupar el lugar de su amigo en su vida, su casa, su trabajo y su exmujer…
La casa lobo
Cristóbal León, Joaquín Cociña (Chile)
María es una joven que busca refugio en una casona tras escapar de una secta de fanáticos religiosos alemanes en Chile. Ahí es acogida por dos cerdos, únicos habitantes del lugar. Como en un sueño, el universo de la casa reacciona a los sentimientos de María. Los animales se transforman lentamente en humanos y la casa en un mundo pesadillesco. Inspirada en el caso de Colonia Dignidad, La casa lobo aparenta ser un cuento de hadas animado producido por el líder de la secta para adoctrinar a sus seguidores.
The Men Behind the Wall
Cortometraje
Inés Moldavsky (Israel)
Tinder. Mujer busca hombres. Hombre busca mujeres. Todo debería resultar muy sencillo si ella no estuviese en Israel y los hombres más cercanos no estuviesen en Cisjordania. La directora israelí Ines Moldavsky se dispone a conocer a los hombres que por ley tiene prohibido ver. Atraviesa la frontera para entrar en Cisjordania y experimenta ese espacio físico desconocido. Las conversaciones oscilan entre llamadas de teléfono virtuales y encuentros reales. Ecos de violencia, que busca romper fronteras.
Sobre cosas que me han pasado
Cortometraje
José Luis Torres Leiva (Chile)
Intérpretes: Claudio Riveros
Sobre cosas que me han pasado está basado en el libro del escritor Marcelo Matthey, que narra su propia vida en un estilo que recuerda al de las composiciones escolares. Sus constantes paseos por calles, casas y playas son volcados en anotaciones de lo que vio, sintió o pensó durante esos desplazamientos o momentos, pero rescatando casi solo los procesos, la línea de tiempo en que las cosas ocurren y pasan por la cabeza, el rastro de las asociaciones que se suceden, así como se suceden los pasos de alguien que camina en una calle. Impresiones inmediatas, momentos fugaces que normalmente se pierden en el tiempo y que quedan captados en imágenes y sonidos de este cortometraje.
Song for the Jungle
Cortometraje
Jean-Gabriel Périot (Francia)
Calais, unas semanas antes de ser desmantelado: La Jungla es un lugar en el que miles de migrantes viven y esperan para ir a Inglaterra o simplemente para que alguien se ocupe de ellos. Deambulan en este lugar abandonado, con la esperanza de sobrevivir a nuestra indiferencia.
Sophia Antipolis
Virgil Vernier (Francia)
Intérpretes: Dewi Kunetz, Sandra Poitoux, Hugues Njiba-Mukuna, Bruck, Lilith Grasmug
Sophia Antipolis: una tecnópolis en la Riviera francesa, un lugar donde los sueños deberían hacerse realidad. Pero el miedo y la desesperación acechan bajo la superficie. Bajo un sol ficticio, cinco vidas planifican la inquietante historia de una joven: Sophia.
Después de algunos retrasos en lo referente a su producción será finalmente el próximo 28 de septiembre previo paso por el festival de Toronto cuando se estrene a través de Netflix el esperado nuevo trabajo tras las cámaras de Jeremy Saulnier (Blue Ruin, Green Room), uno de los realizadores más interesantes surgidos en estos últimos años dentro del panorama de cine independiente estadounidense, la película titulada Hold the Dark, cuyo primer tráiler y póster oficial acaban de ver la luz y podéis ver a final de página, adapta por parte del colaborador frecuente de Jeremy Saulnier, el también realizador y actor Macon Blair, la novela homónima de William Giraldi escrita en 2014.
Hold the Dark nos cuenta como un experto cazador llamado Russell Core viaja hasta un remoto pueblo de Alaska para encontrar e investigar las muertes de tres niños supuestamente devorados por una manada de lobos en una remota y escondida localidad, una vez allí ayudará a una joven madre a dar caza a dichos lobos que aparentemente se llevaron y mataron a su hijo pequeño, sin embargo cuando el marido de la joven mujer regresa de la guerra de Iraq, la noticia de la muerte de su hijo desencadenará una serie en cadena de hechos violentos.
La película con guion adaptado por Macon Blair y música compuesta por Brooke Blair y Will Blair está protagonizada por Jeffrey Wright, Alexander Skarsgård, Riley Keough, James Badge Dale, James Bloor, Savonna Spracklin, Macon Blair, Jonathan Whitesell, Eric Keenleyside, Anabel Kutay, Nicholas Asbury, Julian Black Antelope, Mark Beswick, Barb Mitchell, Ryan Irving, Emmanuel Imani y Lorette Clow.
Tanto el cine como la exploración espacial surgen a partir de avances tecnológicos que hacen posible dos actividades que previamente solo podían suceder en el dominio de la imaginación: el abandono de la Tierra y la materialización animada y reproducible de la visión de un artista. Ambos sueños, transformados en realidades, se han retroalimentado en el tiempo, compartiendo elementos para que cada uno lleve a cabo sus propios objetivos: conocer y habitar nuevos lugares del universo, que a su vez se conviertan en nuevos escenarios y situaciones donde los cineastas puedan contar sus historias. Este libro, que desde su título parte del mensaje entusiasta con el que Yuri Gagarin salió de la Tierra a bordo de la Vostok 1 —¡Poyejali! (‘¡Vámonos!’)—, propone uno de los infinitos viajes posibles a través de las retroalimentaciones entre la historia de la exploración espacial y el cine.
Cinco chicas problemáticas se ven obligadas a acogerse a un programa experimental de enseñanza, impartido por la enigmática Madame Duret (Uma Thurman) en el internado Blackwood. Pronto empiezan a mostrar talentos singulares que no sabían que poseían, y a tener extraños sueños, visiones y lagunas de memoria. Cuando la frontera entre realidad y sueño comienza a hacerse demasiado difusa, todas comprenden al fin el motivo por el que han sido llamadas a Blackwood. Aunque puede que ya sea tarde…
No deja de ser curioso la actual recepción y posterior acomodo de según qué producciones extranjeras dirigidas por directores patrios, lo que en un principio no deja de ser una innegable congratulación al poder constatar como el talento existente en nuestro país es perfectamente exportable al exterior deviene posteriormente en una preocupación que no estaría de más que terminara en reflexión por parte de más de uno, el comentario viene a colación con respecto a la distinta acogida y posterior difusión mediática de dos películas en principio tan antagónicas pero de curiosas confluencias genéricas como son el Jurassic World: El reino caído de Juan Antonio Bayona y Blackwood del salmantino Rodrigo Cortés, salvando las muy evidentes distancias temáticas existentes en ambos films las que, las virtudes señaladas en el film de Bayona por una gran mayoría de medios para un humilde servidor son las que realmente atesora la película de Rodrigo Cortés, estas son el dejar una impronta personal o unos rasgos autorales en un producto en un principio de encargo, esta diéresis del elogio desmesurado solo estuvo presente de forma abrupta, casi invasiva como viene siendo habitual, en la película dirigida por Juan Antonio Bayona por parte de medios afines que siguen empecinados por razones que ellos solo sabrán en confundir una innegable virtud de haber llegado por méritos propios a dirigir superproducciones Hollywoodienses con el muy discutible talento de su autor, lamentablemente Rodrigo Cortés no goza del tal beneplácito pese que en un principio un producto algo fallido como resulta ser Blackwood atesore no pocos matices dignos de ser resaltados.
Podríamos llegar a la conclusión que Blackwood se sitúa a medio camino entre su opera prima Buried y su segundo trabajo tras las cámaras, la muy reivindicable Red Lights, si la primera no dejaba de ser un pulcro y muy funcional ejercicio de estilo la segunda mostraba de forma clara unos rasgos e inquietudes autorales muy a tener en cuenta, de esta manera Blackwood basada en la novela de Lois Duncan parte de un material en principio no afín al ideario del director de origen español, una epopeya young-adult de elogiable composición visual aderezada con una muy evidente estructura gótica de clara raíz genérica que intenta por momentos alejarse de convenciones propias, una película que da la impresión de moverse continuamente a través de la confusión narrativa, muy visible en su atropellado final, sin embargo en la cinta producida por Stephenie Meyer hay suficientes apuntes, en su gran mayoría soterrados, muy a tener en cuenta, en este sentido Blackwood parece estar situándose continuamente a través de la alegoría, no muy bien desarrollada pero alegoría al fin y al cabo, la rebeldía adolescente expuesta y ubicada en una tierra temporalmente de nadie o la juventud como ofrenda al arte son solo algunos de los matices e ideas luminosas que intentan distanciarse del tópico y del molde preconcebido en un film que por otra parte no reniega de los postulados de los que parte.
Blackwood pese a sus innegables déficits, como principal falla palpable existe una difícil asimilación entre clasicismo y modernidad no tanto a un nivel estilístico pero si muy evidente en lo referente a personajes, todo ello pese a existir un empeño en impregnar al relato de un tamiz de connotaciones góticas que deviene como algo pobre en lo referente a lo más estrictamente atmosférico, de esta manera una de las cualidades de dicho subgénero como es lo sutil y lo sugerido pasa aquí a ser algo más explícito de lo habitual en lo referente a su exposición, algo que de por si no tiene que ser considerado como algo negativo, en el caso que nos ocupa deviene más como un posicionamiento autoral a la hora de expresar unos códigos estilísticos propios plenamente reconocibles en anteriores trabajos del autor, estas intenciones llevadas esos si de forma algo irregular hacen que Rodrigo Cortés logre un producto que consigue al menos ir más allá del relato sobrenatural juvenil al uso tan mal visto hoy en día por gran parte de la audiencia, lastima sin embargo que el recibimiento de esta por momento subyugante, interesante y bastante atípica propuesta no haya tenido un mayor beneplácito crítico, de alguna manera y volviendo al discurso inicial Blackwood termina siendo prisionera de una falta de mayor indagación por parte de esas caprichosas corrientes de adhesión mediática que esperemos que en un futuro como viene siendo habitual logre reparar el actual desagravio.
Danny DeVito (Neptune, Estados Unidos, 1944) recogerá un Premio Donostia de la 66 edición del Festival de San Sebastián el sábado 22 de septiembre en el Kursaal. Al día siguiente, el domingo 23, presentará la película Smallfoot en el Velódromo.
El galardón reconoce una trayectoria de casi cinco décadas vinculada a la interpretación en teatro, cine y televisión, contando historias como actor y realizador o respaldando proyectos como productor. Ganador de un Globo de Oro y un Emmy, es conocido por sus papeles en las series televisivas Taxi y It’s Always Sunny in Philadelphia, y películas como One Flew Over The Cuckoo’s Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco), Terms of Endearment (La fuerza del cariño), Romancing the Stone (Tras el corazón verde), Twins (Los gemelos golpean dos veces), Ruthless People (Por favor, maten a mi mujer) y Tin Men (Dos estafadores y una mujer).
Rostro popular para el público por papeles como el carismático Pingüino de Batman o el gemelo de Schwarzenegger, cuenta con una carrera versátil en la que ha trabajado a las órdenes de directores como Milos Forman, Brian de Palma, Robert Zemeckis, Barry Levinson, Tim Burton, Francis Ford Coppola, Sofia Coppola o Todd Solondz.
También ha dirigido -y protagonizado- películas tan emblemáticas como The War of the Roses (La guerra de los Rose, 1989), Hoffa (Hoffa: un pulso al poder, 1992), Death to Smoochy (Smoochy, 2002), Throw Momma from the Train (Tira a mamá del tren, 1987), Curmudgeons (2016), Duplex (2003), The Ratings Game (El juego de las audiencias, 1984) y The World’s Greatest Lover (El mejor amante del mundo, 1977), y producido películas de Quentin Tarantino, Steven Soderbergh o el propio Forman. Asimismo, ha producido, dirigido y actuado en Matilda (1996), Hoffa (1992) y Curmudgeons (2016).
Es director de Jersey Film’s 2nd Avenue, compañía sucesora de Jersey Films, que produjo Erin Brockovich (2000) que recibió una nominación al Oscar a la mejor película, Pulp Fiction (1994), Out of Sight (Un romance muy peligroso, 1998), Freedom Writers (2007), Garden State (Algo en común, 2004), Along Came Polly (Y entonces llegó ella, 2004) y Living Out Loud (De ahora en adelante, 1998), entre otras. DeVito ha sido productor y coprotagonista de Get Shorty (Cómo conquistar Hollywood, 1995), Man on the Moon (1999), Be Cool (2005), Even Money (La apuesta perfecta, 2006) y Drowning Mona (Todos la querían muerta, 2000).
Uno de sus primeros papeles en el séptimo arte fue One Flew Over the Cuckoo’s Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco, 1975) y se dio a conocer con su trabajo en la serie de televisión Taxi (1978-1983), por la que fue nominado a los Globos de Oro y los Emmy todos los años que estuvo en emisión, y recibió uno de cada. Tras formar parte del reparto de películas como la oscarizada Terms of Endearment (La fuerza del cariño, James L. Brooks, 1983), Romancing the Stone (Tras el corazón verde, Robert Zemeckis, 1984) o Ruthless people (Por favor, maten a mi mujer, 1986), dirige su primer largometraje para la gran pantalla, Throw Mamma from the Train (Tira a mamá del tren, 1987), que fue nominada a los Oscar y a los Globos de Oro.
A continuación, dirigió y protagonizó The War of the Roses (La guerra de los Rose, 1989) y Hoffa (Hoffa: un pulso al poder, 1992), ambas seleccionadas en la competición oficial del Festival de Berlín, y Matilda (1996) basado en el libro de Roald Dahl. Su carrera como cineasta convivió con sus interpretaciones en películas como Wise Guys (Dos tipos geniales, Brian de Palma, 1986), Tin Men (Dos estafadores y una mujer, Barry Levinson, 1987), Twins (Los gemelos golpean dos veces, Ivan Reitman, 1988), Other People’s Money (Con el dinero de los demás, Norman Jewison, 1991), Batman Returns (Batman vuelve, Tim Burton, 1992), L.A. Confidential (Curtis Hanson, 1997), The Rainmaker (Legítima defensa, Francis Ford Coppola, 1997), The Virgin Suicides (Las vírgenes suicidas, Sofia Coppola, 1999), Big Fish (2003), de nuevo con Burton, o, más recientemente, The Comedian (Taylor Hackford, 2016) y Wiener-Dog (Todd Solondz, 2016). El año que viene estrenará la esperada versión de Dumbo, en la que volverá a encarnar, como en Big Fish, a un director de circo, en la que será su tercera colaboración con Burton.
Desde la década de los 90 se ha involucrado también como coproductor en películas como Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994), Get Shorty (Cómo conquistar Hollywood, Barry Sonnenfeld, 1995), Gattaca (Andrew Niccol, 1997), Man on the Moon (Milos Forman, 1999), Erin Brockovich (Steven Soderbergh, 2000), nominada al Oscar a la mejor película, Garden State (Algo en común, Zach Braff, 2004) o Freedom Writers (Diarios de la calle, Richard LaGravenese, 2007).
DeVito también ha prestado su voz para películas de animación como Space Jam (1996), Hercules (1997), The Lorax (Lorax: En busca de la trúfula perdida, 2012) o la película que le traerá por primera vez a San Sebastián, Smallfoot, que se proyectará en el Velódromo.
Tras el rodaje de un episodio piloto dirigido por Nicole Kassell esta misma semana se ha dado a conocer el visto bueno por parte de la cadena HBO para una primera temporada de Watchmen, traslación en esta ocasión para la pequeña pantalla del fundamental comic de Alan Moore y Dave Gibbons que vio la luz en el año 1986. Watchmen que ya tuvo una muy notable versión para cines en 2009 por parte de Zack Snyder contará para esta nueva versión con Damon Lindelof (Lost ,The Leftovers) ejerciendo de showrunner, una puesta al día de la obra en donde al parecer no se adaptará fielmente la novela gráfica sino que habrá una cierta distancia narrativa con el original. El Watchmen de la HBO verá la luz el próximo año, un 2019 en donde la cadena estadounidense también estrenará dos platos fuertes como son la tercera temporada de True Detective y el esperado final de Game of Thrones.
Recordemos que Watchmen nos sitúa en un hipotético pasado en los Estados Unidos de los años 80. En este periodo la Guerra Fría está en su pleno apogeo y los superhéroes son una parte obsoleta de la estructura de la sociedad, sin embargo estos que antes habían sido admirados ahora en su mayoría son perseguidos por las fuerzas del orden. Un día aparece muerto uno de ellos, El Comediante, que trabajaba para la CIA. Su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado en activo al margen de la ley emprenderá la investigación de su misteriosa muerte, tras la que se oculta algo muy importante.
Hasta el momento algunos de los actores ya confirmados para la serie son Jeremy Irons, Regina King, Don Johnson, Tim Blake Nelson, Louis Gossett Jr., Adelaide Clemens, Andrew Howard, Tom Mison, Frances Fisher, Jacob Ming-Trent, Tom Mison, Sara Vickers, Yahya Abdul-Mateen II Dylan Schombing, Lily Rose Smith y Adelynn Spoon.
Mucha expectación existe alrededor del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador mexicano Alfonso Cuarón tras su aclamada Gravity (2013), Roma cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página supone además el proyecto más personal de Cuarón realizado hasta la fecha, un drama sobre una familia mexicana de clase media inspirada en su propia infancia. Roma rodada en blanco y negro bajo producción Netflix tendrá su premier mundial en la próxima edición del Festival de Cine de Venecia para después participar en la sección Perlak del Festival de San Sebastián, más tarde y tras un estreno limitado en cines la película verá la luz en la plataforma digital a partir del próximo mes de diciembre.
Roma nos presenta a Cleo, una joven empleada doméstica que trabaja en Roma, un barrio de clase media de Ciudad de México. En esta exquisita carta de amor dirigida a las mujeres que lo criaron, Cuarón rescata fragmentos de su infancia para tejer un retrato emotivo y auténtico de los conflictos domésticos y de la jerarquía social con la turbulenta situación política de los años 70 como telón de fondo.
La película con guion del propio Alfonso Cuarón está protagonizada por Marina de Tavira, Marco Graf, Yalitza Aparicio, Daniela Demesa, Latin Lover, Enoc Leaño y Clementina Guadarrama.
L’homme fidèle / A Faithful Man (Louis Garrel), Baby (Liu Jie), Alpha, the Right to Kill (Brillante Mendoza), In Fabric (Peter Strickland), Beautiful Boy (Felix Van Groeningen) y la ópera prima Blind Spot (Tuva Novotny) formarán parte de la lista de candidatas a la Concha de Oro de la 66 edición del Festival de San Sebastián. Estas seis producciones se suman a los últimos trabajos de Icíar Bollaín, Claire Denis, Simon Jaquemet, Kim Jee-woon, Naomi Kawase, Isaki Lacuesta, Benjamín Naishtat, Valeria Sarmiento, Rodrigo Sorogoyen, Markus Schleinzer, Juan Vera y Carlos Vermut en la pugna por los premios oficiales del Festival.
El actor y director francés Louis Garrel (París, 1983) presentará su segundo largometraje como realizador tras Les deux amis / Two friends (2015), que fue seleccionado en la Semana de la Crítica de Cannes. Garrel, que ha trabajado como intérprete con Bertolucci, Bonello, Hazanavicius y Honoré, protagoniza L’homme fidèle junto a Laetitia Casta y Lily-Rose Depp.
Liu Jie (Tianjin, China, 1968), que ganó el Premio Orizzonti en Venecia por su ópera prima, Mabei shang de fating / Courthouse on Horseback, aborda en Bao bei er / Baby, la historia de una joven de 19 años que quiere salvar a una niña enferma en el contexto del control de natalidad impuesto por el Gobierno chino.
Tras competir en Cannes, Berlín y Venecia, Brillante Mendoza (San Fernando, Filipinas, 1960) lo hará por primera vez en San Sebastián con Alpha: The Right to Kill, que se enmarca en una ofensiva del Gobierno filipino contra las drogas. El año pasado la producción de Mendoza Pailalim / Underground, dirigida por el debutante Daniel Palacio, formó parte de la selección de New Directors.
La actriz sueca Tuva Novotny (Estocolmo, 1979), que ha protagonizado recientemente Annihilation (Aniquilación, 2018) y Borg / McEnroe (Perlas 2017), se estrena como realizadora cinematográfica con Blind Spot con una historia sobre los puntos ciegos de la mente a través de la relación entre una madre y una hija.
Peter Strickland (Reading, Reino Unido, 1973) se ha convertido en un autor de culto solo con tres películas: Katalin Varga (2009), que compitió en Berlín y recibió el premio al descubrimiento europeo del año, Berberian Sound Studio (2012), que compitió en Locarno, y The Duke of Burgundy (2014). Su cuarto largometraje de ficción, In Fabric, recorre el itinerario de un vestido maldito.
Beautiful Boy es la primera película rodada en lengua inglesa por Felix Van Groeningen (Gante, Bélgica, 1977), que presentó De helaasheid der dingen / The Misfortunates (2009) en la Quincena de Realizadores y Alabama Monroe (2013) en la sección Panorama de la Berlinale, donde obtuvo el Premio del Público. Fue, además, nominada al Oscar a la mejor película extranjera. Beautiful Boy, basado en la historia real de la lucha de un padre por rescatar a su hijo de las drogas, está interpretado por Steve Carell y Timothée Chamalet y producida por los ganadores de los Oscar por Moonlight y 12 Years a Slave / 12 años de esclavitud (Brad Pitt, Dede Gardner y Jeremy Kleiner).
A un mes de la celebración del Festival, ya se conocen las dieciocho películas a competición, y las que participan fuera de concurso (Gigantes) y como proyecciones especiales (Tiempo después y Dantza). La película de clausura se anunciará en las próximas semanas.
Alpha, The Right To Kill
Brillante Mendoza (Filipinas)
Intérpretes: Allen Dizon, Elijah Filamor, Baron Geisler
Con el trasfondo de las enérgicas medidas del gobierno para luchar contra las drogas ilegales, la policía, liderada por los SWAT, el cuerpo de élite, lleva a cabo una operación para arrestar a Abel, un importante distribuidor de metanfetamina, con el sargento Moisés Espino y su confidente Elijah aportando información. Una violenta batalla se desata entre los SWAT y los hombres de Abel en un barrio de chabolas. Abel huye llevándose dinero y metanfetaminas. Los SWAT lo matan, pero antes de que los investigadores irrumpan en el lugar de los hechos, Espino roba el bolso de Abel.
Bao Bei Er / Baby
Liu Jie (China)
Intérpretes: Yang Mi, Guo Jingfei, Lee Hong-Chi, Wang Yanjun, Zhu Shaojun, Yan Surong
Jiang Meng nació hace 19 años en Nanjing con el síndrome de VACTERL. Sus padres la abandonaron. Con la ayuda de su madre de acogida y del director Wang, Jiang trabaja en un hospital como limpiadora. Un día Jiang se encuentra con un hombre que llega al hospital con un recién nacido. Se entera de que el bebé es una niña que tiene el síndrome de VACTERL y de que el padre ha decidido no tratar a su hija.
Beautiful Boy
Felix Van Groeningen (EEUU)
Intérpretes: Timothée Chalamet, Steve Carell, Maura Tierney, Amy Ryan
Basada en el best-seller de las memorias de David y Nick Sheff, padre e hijo, la película de Felix Van Groeningen narra la desgarradora e inspiradora historia de supervivencia, recaída y recuperación de una familia que lidió con la adicción durante muchos años.
Blind Spot
Tuva Novotny (Noruega)
Intérpretes: Pia Tjelta, Anders Baasmo Christiansen, Oddgeir Thune, Per Frisch, Marianne Krogh
Blind Spot se centra en las dificultades de una madre para entender la crisis de su hija adolescente, cuando la tragedia golpea a toda la familia.
In Fabric transcurre sobre el telón de fondo del ajetreado periodo de las rebajas de invierno en unos grandes almacenes y sigue los pasos de un vestido maldito conforme pasa de mano en mano, con devastadoras consecuencias.
L’homme fidèle / A Faithful Man
Louis Garrel (Francia)
Intérpretes: Louis Garrel, Laetitia Casta, Lily-Rose Depp
Marianne abandona a Abel por Paul, su mejor amigo y padre del hijo que espera. Ocho años después, Paul fallece. Abel y Marianne vuelven a estar juntos, lo que provoca los celos tanto del hijo de Marianne, Joseph, como de la hermana de Paul, Eva, secretamente enamorada de Abel desde su infancia.
No deja de ser de ser una certeza que el actual estado del J-Horror deja mucho que desear en lo referente a la calidad de sus productos, hoy en día tan solo autores consagrados que de vez en cuando indagan en el género consiguen resultados ciertamente satisfactorios como es el caso de por ejemplo Kiyoshi Kurosawa. Otro realizador nipón de mirada inquieta como es Tetsuya Nakashima (Memories of Matsuko, Confessions, The World of Kanako) prueba ahora con dicha temática con la traslación a la gran pantalla de la famosa novela Bogiwan Ga, Kuru escrita por Ichi Sawamura en 2015. Kuru cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página tiene previsto estrenarse en los cines de Japón el próximo 7 de diciembre.
Kuru nos cuenta la idílica existencia familiar de los recién casados Hideki Tahara y Kana Tahara, los cuales están esperado su primer hijo. Repentinamente todo cambia cuando Hideki un día recibe una llamada de un compañero de trabajo diciéndole que un individuo misterioso ha llegado a la oficina preguntando por «El caso de Chisa«. Cuando escucha ese nombre se queda atónito, ya que es el mismo que le piensan poner a su hijo, el cual sólo conoce el matrimonio. Al poco tiempo, el compañero que le comunicó el mensaje es hallado muerto en extrañas circunstancias. Años más tarde una serie de sucesos extraños obligaran a Hideki junto al periodista Nozaki y su novia Makoto Higa a intentar buscar una explicación, pero cuanto más se adentran en dicha búsqueda más se verán asechados por una amenaza desconocida.
La película con guion adaptado por parte del propio Tetsuya Nakashima junto a Hideto Iwai está protagonizada por Junichi Okada, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Haru Kuroki y Takako Matsu.
Podrá gustar más o menos lo que no deja de ser incuestionable es el que el cine de Gaspar Noé no deja indiferente a prácticamente nadie, un posicionamiento llamado por algunos como una simple provocación y por otros como una innovación, algo que dado los tiempos que corren no deja de ser una virtud en sí misma. Climax cinta psicodélica narrada a través de un viaje al infierno de las drogas es su ultimo trabajos tras las cámaras, la película que tuvo su premier mundial en la Quinzena de realizadores del pasado Festival de Cannes obtuvo una buena acogida por parte de la crítica después de la decepción que supuso tres años atrás su anterior Love. De la mano de su distribuidora norteamericana A24 acaba de ver la luz un primer tráiler oficial que junto a su póster podéis ver a final de página. Climax dentro de unas semanas estará presente en el Festival de Toronto dentro de la sección Midnight Madness, en España de la mano de Avalon se estrenará en salas comerciales el próximo 11 de octubre previo paso por el Festival de Sitges.
Climax conocida anteriormente con el título de Psyche nos sitúa a mediados de los años noventa, un grupo de veinte jóvenes bailarines de danza urbana que se habían reunido para unas jornadas de tres días de ensayos en un internado en desuso situado en el corazón de un bosque, hacen su último baile común y luego festejan una última fiesta de celebración alrededor de una gran fuente de sangría. Pronto, la atmósfera se vuelve eléctrica y una extraña locura los atrapará toda la noche. Les parece obvio que han sido drogados, no saben por quién o por qué.
La película con guion del propio Gaspar Noé y fotografía a cargo de Benoît Debie está protagonizada por Alaia Alsafir, Mamadou Bathily, Ashley Biscette, Lakdhar Dridi, Romain Guillermic, Taylor Kastle, Smile Kiddy, Claude Gajan Maude, Kendall Mugler, Giselle Palmer, Thea Carla Schott, Adrien Sissoko, Sharleen Temple y Lea Vlamos.
Diez nuevas películas se incorporan a la competición por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. La selección de Perlak incluirá los últimos trabajos de Jacques Audiard, Damien Chazelle, Alfonso Cuarón, Lukas Dhont, Ciro Guerra y Cristina Gallego, Mamoru Hosoda, Nadine Labaki, Spike Lee y Jia Zhangke. Además, la ópera prima de Bradley Cooper como director clausurará la sección.
Jacques Audiard (París,1962), que ya estuvo en San Sebastián con Un prophète / A Prophet (Un profeta, 2009), nominada al Oscar a la mejor película extranjera, presentará The Sisters Brothers, que se estrenará en el Festival de Venecia. Este western basado en la novela homónima de Patrick de Witt está protagonizado por Jake Gyllenhaal, Joaquin Phoenix y John C. Reilly, quien también se ha involucrado en la producción.
La nueva película del ganador del Oscar al mejor director el año pasado, Damien Chazelle (Providence, Estados Unidos, 1985), vuelve a dirigir en First Man (First Man – El primer hombre) a Ryan Gosling, que encarna a Neil Armstrong, el primer astronauta que pisó la Luna. La película del creador de La La Land (La ciudad de las estrellas), en la que también actúa Claire Foy (The Crown), inaugurará Venecia.
Alfonso Cuarón (México DF, 1968) compitió en la Sección Oficial de San Sebastián con su segunda película, A Little Princess (1995). Desde entonces ha ganado un Oscar a la mejor dirección por Gravity y sus películas Y tu mamá también y Children of men (Hijos de los hombres) han obtenido un amplio éxito internacional. Con Roma, que se estrenará en Venecia, retrata la vida de una empleada doméstica que trabaja en un barrio de clase media de Ciudad de México a principios de los 70.
En A Star is Born (Ha nacido una estrella), esta nueva versión de la trágica historia de amor, Bradley Cooper (Philadelphia, Estados Unidos, 1975) debuta en la dirección y encarna a un músico curtido que descubre a una artista en apuros, interpretada por Lady Gaga, de la que se enamora. Ella acaba de abandonar su sueño de convertirse en una cantante de éxito hasta que conoce a Jack, que percibe enseguida su talento innato. Esta historia íntima traslada al espectador a un viaje a través de la belleza y los desafíos de una relación que lucha por sobrevivir. Tras su paso por Venecia, clausurará la sección Perlak en San Sebastián.
También Lukas Dhont (Bélgica, 1991) presentará su primer largometraje en San Sebastián, Girl, que obtuvo la Cámara de Oro a la mejor ópera prima de Cannes y el Premio Fipresci de Un Certain Regard. Dhont cuenta la historia de una joven que nació siendo niño y que sueña con convertirse en bailarina.
Ciro Guerra (Río de Oro, Colombia, 1981) comparte la dirección de Pájaros de verano con Cristina Gallego (Bogotá, 1978), productora de sus películas anteriores. Guerra inició su trayectoria en Cine en Construcción donde fue premiada en 2003 su ópera prima, La sombra del caminante. Su tercera película, El abrazo de la serpiente, proyectada en Horizontes Latinos, fue nominada al Oscar a la mejor película extranjera. En Pájaros de verano explica, a través de una historia real, el origen del narcotráfico en Colombia.
La primera película de animación que compitió en la Sección Oficial de San Sebastián fue Bakemono no ko / The Boy and the Beast (2015), de Mamoru Hosoda (Nakaniikawa, Japón, 1967). El autor de Toki wo kakeru shojo (La chica que saltaba a través del tiempo, 2006) y Okami Kodomo no Ame to Yuki (Wolf Children, 2012) presenta ahora en San Sebastián Mirai (Mirai, mi hermana pequeña), que fue estrenada en la Quincena de Realizadores de Cannes.
Las participaciones de Nadine Labaki (Beirut, 1974) en San Sebastián se cuentan por premios. En 2007, con su debut como realizadora Sukkar banat / Caramel, obtuvo el Premio del Público y de la Juventud, y en 2011, con su segunda película, Et maintenant on va où? / Where Do We Go Now? (¿Y ahora adónde vamos?), fue elegida como mejor película europea por los espectadores. Con Capharnaüm (Cafarnaúm), que obtuvo el Premio del Jurado en Cannes, aspira de nuevo al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián.
Aunque sus películas han sido programadas dentro de distintas retrospectivas –When the Levees Broke: A Requiem in Four Acts en .doc Nuevos caminos de la no ficción y Summer of Sam (Nadie está a salvo de Sam) en American Way of Death: Cine negro americano 1990-2010– y el filme colectivo Ten Minutes Older. The Trumpet formó parte de la selección de Especiales Zabaltegi, es la primera vez que una película de Spike Lee (Atlanta, Estados Unidos, 1957) competirá por un premio en San Sebastián. El autor de Malcolm X, galardonado con el Oscar y el César honoríficos, aspira al Premio del Público con BlacKkKlansman (Infiltrado en el KKKlan), una comedia dramática sobre un policía afroamericano que se infiltra en el Ku Klux Klan, que ha obtenido el Gran Premio del Jurado en Cannes y el Premio del Público en Locarno.
Jia Zhangke (Fenyang, China, 1970), en cambio, ha disfrutado de una amplia presencia en el Festival en los últimos años. En 2013 ganó el premio al mejor guion en Cannes por Tian zhu ding / A Touch of Sin (Un toque de violencia, 2013), que fue proyectada en Perlak, la misma sección en la que fue seleccionada en 2015 Shan he gu ren (Mountains May Depart), que obtuvo el Premio del Público a la mejor producción europea. Su cortometraje The Hedonists fue proyectado en Zabaltegi-Tabakalera en 2016, el mismo año en el que integró el jurado oficial presidido por Bille August, que concedió la Concha de Oro a Wo bu shi pan jinlian / I Am Not Madame Bovary (Yo no soy Madame Bovary), de Xiaogang Feng. Ahora intentará volver a conseguir el galardón de los espectadores con Ash is Purest White, película seleccionada en la competición oficial de Cannes, en la que describe los cambios que están transformando su país a través de una violenta historia de amor.
Estas películas se suman a las ya anunciadas en Perlak: El ángel (Luis Ortega), Petra (Jaime Rosales), Leto / Summer (Kirill Serebrennikov), Zimna wojna / Cold War (Pawel Pawlikowski), Un día más con vida / Another Day of Life (Raúl de la Fuente y Damian Nenow), Netemo Sametemo / Asako I & II (Ryusuke Hamaguchi) y 3 Rokh / Three Faces (Jafar Panahi).
A Star Is Born (Ha nacido una estrella)
Bradley Cooper (EEUU)
Intérpretes: Bradley Cooper, Lady Gaga, Andrew Dice Clay, Dave Chappelle, Sam Elliott
Clausura
Fuera de concurso
En esta nueva versión de la trágica historia de amor, un experimentado músico descubre a una artista en aprietos de la que se enamora. Ella acaba de abandonar su sueño de convertirse en una cantante de éxito… hasta que Jack la persuade de salir a la palestra. Pero conforme la carrera de Ally despega, su relación personal se viene abajo mientras Jack libra una batalla con sus demonios internos.
Ash Is Purest White
Jia Zhangke (China – Francia – Japón)
Intérpretes: Zhao Tao, Liao Fan
Qiao está enamorada de Bin, un mafioso local. Durante una pelea entre bandas rivales, dispara una pistola para protegerle. A Qiao le condenan a cinco años de cárcel por este acto de lealtad. Tras salir de prisión, va en busca de Bin para continuar donde lo dejaron. Una historia de amor, traición y lealtad en los bajos fondos de China.
BlacKkKlansman (Infiltrado en el KKKlan)
Spike Lee (EEUU)
Intérpretes: John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Laura Harrier
Spike Lee dirige la historia real del primer policía afroamericano que consiguió infiltrarse en la cúpula del Ku Klux Klan durante los años 60, con ayuda de un compañero que se hizo pasar por un racista radical.
El juez: ¿Por qué has demandado a tus propios padres?
Zain: Por darme la vida.
First Man (First Man – El primer hombre)
Damien Chazelle (EEUU)
Intérpretes: Ryan Gosling, Claire Foy, Jason Clarke
La película cuenta la historia de la misión más peligrosa en la historia de la Humanidad hasta el día de hoy. Un relato sobre cómo la NASA hizo llegar a Neil Armstrong a la Luna y el precio y el sacrificio que representó para muchos.
Girl
Lukas Dhont (Bélgica – Países Bajos)
Intérpretes: Victor Polster, Arieh Worthalter, Katelijne Damen, Valentijn Dhaenens
Lara, de 15 años, sueña con convertirse en bailarina. Con el apoyo de su padre, se lanza de lleno a esta búsqueda interminable. Pero su cuerpo no se doblega tan fácilmente a la disciplina que le impone, porque en realidad cuando nació era un niño.
Mirai (Mirai, mi hermana pequeña)
Mamoru Hosoda (Japón)
Kun, un niño mimado y consentido de 4 años al que sus padres dejan de prestar atención cuando nace su hermana Mirai, empieza a sufrir situaciones en casa que nunca había vivido. Pero entonces, la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.
Pájaros de verano
Ciro Guerra, Cristina Gallego (Colombia)
Intérpretes: Carmiña Martínez, Jose Acosta, Natalia Reyes, Jhon Narváez, José Vicente Cote, Juan Bautista Martínez, Greider Meza
Basada en una historia real que explica el origen del narcotráfico en Colombia, la película se sitúa en los años 70 cuando la juventud norteamericana abraza la cultura hippie y con ella, la marihuana. Esto provoca que los agricultores de la zona se conviertan en ‘empresarios’ a un ritmo veloz. En el desierto de Guajira, una familia indígena Wayuu se ve obligada a asumir un rol de liderazgo en esta nueva empresa. La riqueza y el poder se combinan con una guerra fratricida que pondrá en grave peligro su familia, sus vidas y sus tradiciones ancestrales.
Roma
Alfonso Cuarón (México)
Intérpretes: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira
Roma, el proyecto más personal hasta la fecha del oscarizado director y guionista Alfonso Cuarón (Gravity, Hijos de los hombres, Y tu mamá también), trata sobre Cleo, una joven empleada doméstica que trabaja en Roma, un barrio de clase media de Ciudad de México. En esta exquisita carta de amor dirigida a las mujeres que lo criaron, Cuarón rescata fragmentos de su infancia para tejer un retrato emotivo y auténtico de los conflictos domésticos y de la jerarquía social con la turbulenta situación política de los años 70 como telón de fondo.
The Sisters Brothers
Jacques Audiard (Francia – Bélgica – Rumanía – España)
Intérpretes: John C. Reily, Joaquin Phoenix, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed
Charlie y Eli Sisters viven en un mundo salvaje y hostil. Tienen las manos manchadas de sangre: la sangre tanto de criminales como de personas inocentes. No tienen escrúpulos a la hora de matar. Es su trabajo. Charlie, el hermano pequeño, nació para matar. Eli, sin embargo, sueña con llevar una vida normal. Ambos son contratados por el Comodoro para encontrar y matar a un hombre. De Oregón a California arranca una caza despiadada, un viaje iniciático que pondrá a prueba el demencial vínculo entre los dos hermanos. ¿Un camino que les descubrirá su naturaleza humana?
Si en el pasado año el cineasta surcoreano Hong Sang-soo nos obsequió con tres films tan interesantes como fueron The Day After, En la playa sola de noche y La cámara de Claire este 2018 no le va a la zaga en lo referente a dicha proliferación tras las cámaras, a Grass presentada en el pasado Festival de Berlín dentro de la sección Forum se le une ahora Hotel by the River, film cuyo primer tráiler vía TIFF acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. Hotel by the River, rodada en blanco y negro y amparándose en un estilo que cada vez más minimalista, tras su paso por el recientemente terminado festival de Locarno (premio al mejor actor para Joo-Bong Ki) será uno de los platos fuertes presentes en el próximo Festival de Toronto.
Hotel by the River nos cuenta como un poeta que se hospeda en un hotel de la ribera llama a sus dos hijos con los que no se reúne desde hace tiempo para que vayan a verle. Esta repentina decisión parece estar motivada por su extraña impresión de que va a morir en cualquier momento. Mientras la familia intenta ponerse al día, una mujer que ha sido engañada por su pareja se muda al hotel. Nada más llegar a su habitación, telefonea a un amigo para que se encuentre con ella. Sumidos en la desesperación, una repentina nevada entrelaza ambas historias.
La película con guion del propio Hong Sang-soo como viene siendo habitual está protagonizada por Joo-Bong Ki, Min Hee Kim, Kwon Hae-hyo, Song Seon-mi y Yu Jun-Sang.
El cine trabaja sobre los cuerpos porque él mismo es un cuerpo y, como todo cuerpo, opera de dos maneras: como el cine-organismo, cuerpo-engranaje en una cadena de montaje de partes ensambladas y firmes, o como el cuerpo heterogéneo cuyas partes exceden lo conjuntable, van más allá del lenguaje. El organismo cinematográfico opera convergencias en función de normas de escritura, cubre los huecos, enmascara los cortes. El Cuerpo cinematográfico sin Órganos diverge a partir del corte como región límite, como singularidad; opera la apertura del intervalo y explora las regiones entre los elementos, lo no conjuntable. Y es en esas regiones entre, en las regiones no conjuntables, donde la imagen se vuelve háptica, donde la imagen ejerce verdaderamente su “toque”, donde nos afecta más intensamente. Donde encontramos no ya una imagen del cuerpo sino una conspiración del cuerpo, una imagen-cuerpo.
El autor
Nacido en 1982, en Alicante, Christian Checa Bañuz ha desarrollado toda su actividad intelectual en Barcelona. Es Graduado en Cine y Audiovisuales, Licenciado en Filosofía y Doctor en Comunicación Social, además de profesor de Análisis Fílmico y Cine y Pensamiento en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC). Con una vocación profundamente analítica, sus investigaciones parten del trabajo con las imágenes cinematográficas y sus mecanismos de significación como puerta abierta a todo tipo de desarrollos conceptuales que las lleven más allá del cine, al territorio de la filosofía o, incluso, de la política..
Autor; Christian Checa Bañuz, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas; 378
Fue una de las películas más controvertidas vistas en el pasado Festival de Cannes (Gran Premio de la Semana de la Crítica), Diamantino cuyo primer teaser tráiler subtitulado al inglés y póster oficial podéis ver a final de página está dirigido a la limón por el realizador americano-portugués Gabriel Abrantes, reconocido cortometrajista, y el estadounidense Daniel Schmidt (Inner Worlds, Outer Worlds 2012), ambos realizadores ya habían colaborado anteriormente con el mediometraje Palácios de Pena (2011). Diamantino que se podrá ver dentro de poco en la Midnight Madness del Festival de Toronto y en el próximo festival de Sitges parte de una suerte de parodia al futbolista Cristiano Ronaldo solo como punto de partida inicial para desarrollar posteriormente una película tan imaginativa en lo referente a sus postulados como inclasificable a la hora de abordarla.
Diamantino nos cuenta como una estrella mundial de fútbol pierde su toque especial y acaba su carrera deshonrado. Buscando un nuevo propósito, el icono internacional empieza una odisea delirante donde se enfrenta al neofascismo, la crisis de los refugiados, la modificación genética y la búsqueda de una nueva fuente de genialidad.
La película con guion de los propios Gabriel Abrantes y Daniel Schmidt y música a cargo de Ulysse Klotz y Adriana Holtz está protagonizada por Carloto Cotta, Anabela Moreira, Filipe Vargas, Margarida Moreira, Carla Maciel, Vítor de Almeida, Cleo Tavares, Abílio Bejinha, Chico Chapas y Joana Barrios.
En las colinas desérticas de una isla indonesia, Marlina, una joven viuda, es atacada, violada y robada. Al defenderse mató a varios hombres de la banda. En busca de justicia, empezará un viaje de fortalecimiento y redención, pero el camino es largo, especialmente si el fantasma de una de sus víctimas empieza a acosarla.
Otra de las escasas muestras de ese valioso otro cine fantástico de digamos índole y raíz alternativa existente en festivales como el de Sitges (premio a la Mejor interpretación femenina para Marsha Timothy) vino de una región de apariencia tan exótica en lo referente a estos menesteres por parte del público occidente como es la Indonesia, Marlina the Murderer in Four Acts tercer trabajo tras las cámaras de la realizadora Mouly Surya tras Fiksi (2008) y What They Don’t Talk About When They Talk About Love (2013) escenifica casi a la perfección y a diferencia de otras películas vistas este mismo año en el festival de las cuales se les quiso apropiar erróneamente por lo que respeta a un servidor de un especifico tipo de etiqueta, aquella en donde un determinado tipo de cine intenta proyectar una visión eminentemente femenina en referencia a sus postulados, en el caso que nos ocupa dividida en cuatro actos narrativos que se sustentan a través en una un base autoral tan coherente en intenciones como rico en lo referente a la exposición de sus múltiples y variados matices.
Si más algo arriba hablábamos de como una película como por ejemplo Brimstone intentaba trasmutar de alguna manera su condición genérica para convertirse en algo en apariencia distinto, Marlina the Murderer in Four Acts en cierta manera recorre un trayecto totalmente opuesto en lo referente a lo que podríamos denominar como sus constantes genéricas, un trayecto que sin embargo de forma algo caprichosa acaban confluyendo gracias a su propia sinergia conceptual. Bajo el enunciado de una femenina revenge violenta la película de Mouly Surya nos ofrece un peculiar y depurado western en donde la estética, fotografía, sonido o amplias panorámicas resultan ciertamente complejas, tan variados y asumibles como rico en matices, y en donde el concepto narrativo del que supuestamente parte y se desarrolla posteriormente, de hecho el gran valor de un trabajo tan estimable como resulta ser Marlina the Murderer in Four Acts, reside en ver y constatar como a través de un excelso ejercicio de estilo no solo se reverencia a clásicos del subgénero de bandoleros plenamente reconocibles de los cuales sigue conceptos pauta por pauta con un inusual conocimiento de ellos no solo en referencias a sus mecanismos sino a cómo saber cómo trasladarlos a un contexto determinado, de naturaleza territorial con un claro sello folclórico y como no eminentemente social en su discurso, pues a fin de cuenta la película de Mouly Surya no deja de ser un claro film denuncia bien enmascarado en donde se prioriza la visión costumbrista a los consabidos golpes de efecto tan característicos en este tipo de película (un fiel exponente de esta diferencia de resultados podría ser por ejemplo una cinta como la surcoreana Bedevilled de Jang Cheol-soo). Marlina the Murderer in Four Acts termina presentándose como una historia del violento abuso del poder de géneros, y muy especialmente la de una rebelión por parte de una viuda y una embarazada contra ello, aquí lo es de una manera patriarcal a través de una sociedad opresora que sabemos que de diferentes maneras sigue existiendo a día de hoy.
Historia oscura con contornos de road movie que transcurre en un mundo luminoso a través de una visión de la venganza poco esperanzadora y provista de ligeras pinceladas de un humor en apariencia tan inteligentes como distanciadores, Marlina the Murderer in Four Acts de forma modélica hace apropio de lo que podríamos denominar como una suerte de textura clásica en lo concerniente a lo que es su propia estructura, una película en definitiva que viene a representar en cómo saber modernizar con cierta soltura un género (el western) a través de un discurso claramente referencial, inteligente y actual, y lo que es más importante de todo, plenamente autoral, mucha atención pues a la futura carrera tras las cámaras de Mouly Surya.
Tres películas procedentes de Foro de Coproducción Europa-América Latina y cuatro de Cine en Construcción figuran en la selección de Horizontes Latinos.
Doce películas producidas, dirigidas o ambientadas en América Latina competirán por el Premio Horizontes. Las herederas (Marcelo Martinessi), que inaugurará la sección, Familia sumergida (María Alché), La noche de 12 años (Álvaro Brechner), Figuras (Eugenio Canevari), Cómprame un revólver (Julio Hernández Cordón), Enigma (Ignacio Juricic Merillán), Sueño Florianópolis (Ana Katz), Ferrugem / Rust (Aly Muritiba), Nuestro tiempo (Carlos Reygadas), Marilyn (Martín Rodríguez Redondo), Los silencios (Beatriz Seigner) y El motoarrebatador (Agustín Toscano) componen la selección de Horizontes Latinos de la 66 edición del Festival de San Sebastián.
María Alché (Buenos Aires, 1983) protagonizó en 2004 La niña santa, de Lucrecia Martel. Tras dirigir cortometrajes exhibidos y premiados en festivales como Locarno, Rotterdam, BAFICI o Toulouse, Familia sumergida, su primer largometraje, fue seleccionado por Cine en Construcción en San Sebastián el año pasado y se proyectó en la sección Cineasti del Presente del reciente Festival de Locarno.
El año pasado, Ferrugem / Rust, del guionista, productor y director, Aly Muritiba (Mairi, Brasil, 1979), una historia de dos compañeros de clase, un viaje escolar y un vídeo compartido, ganó en 2017 el Premio de la Industria Cine en Construcción y este año fue seleccionado en la World Cinema Dramatic Competition de Sundance. El anterior largometraje de Muritiba, Para minha amada morta / To My Beloved (Cine en Construcción 26), ganó el Global Filmmaking Award en Sundance y fue también proyectado en Horizontes Latinos.
La obra de Carlos Reygadas (México D.F., 1971) ha tenido siempre una gran acogida en festivales internacionales: en 2002 Japón recibió una mención especial en la categoría de óperas primas en Cannes; con Stelle Licht (Luz silenciosa) obtuvo el Premio del Jurado en 2007 en el festival francés; y Post Tenebras Lux recibió el premio al mejor director en 2012 de nuevo en Cannes y fue seleccionado en Horizontes Latinos. Ahora proyectará su última película, Nuestro tiempo, que será estrenada en la sección oficial de Venecia.
Álvaro Brechner (Montevideo, 1976) escribió y dirigió en 2009 su primer largometraje, Mal día para pescar, presentado en la Semaine de la Critique del Festival de Cannes. El segundo, Mr. Kaplan (2014), fue candidato al Goya a la Mejor Película Iberoamericana. El proyecto de la tercera, La noche de 12 años, recibió una Mención Especial del Foro de Coproducción del Festival en 2015 (bajo el título Memorias del calabozo). Este largometraje, que describe el macabro experimento que la dictadura militar uruguaya perpetró contra el movimiento guerrillero de los tupamaros, se presentará en la sección Orizzonti del Festival de Venecia.
El primer largometraje de Julio Hernández Cordón (Raleigh, Estados Unidos, 1975), Gasolina, mereció el Premio Cine en Construcción de la Industria en 2007 y el Premio Horizontes en 2008. En 2015 compitió en Locarno con Te prometo anarquía y participó en Horizontes Latinos. Cómprame un revólver, una distopía ambientada en un México en el que las mujeres están desapareciendo, fue presentada en la Quincena de Realizadores de Cannes.
Ana Katz (Buenos Aires, 1975) debutó como directora con El juego de la silla (2002), que participó en Cine en Construcción 2 y obtuvo una mención especial en Made in Spain. Al año siguiente, en 2003, fue jurado de Nuevos Directores. Una novia errante (2007) ganó el Premio de la Industria de Cine en Construcción y se estrenó en Un Certain Regard de Cannes. Los Marziano formó parte de la Sección Oficial de San Sebastián en 2011 y en 2014 volvió a formar parte de Cine en Construcción con Mi amiga del parque, que obtuvo el Premio del Jurado al mejor guion en Sundance en 2016. Su último trabajo, Sueño Florianópolis, recibió en Karlovy Vary el premio FIPRESCI, el Especial del Jurado y el premio a la Mejor Actriz (Mercedes Morán), que interpreta junto a Gustavo Garzón a un matrimonio que se ha separado pero sigue yéndose de vacaciones junto a sus hijos adolescentes.
Tras participar con sus cortos en Berlín y Venecia, Marcelo Martinessi (Asunción, 1973) compitió en la Berlinale con su primer largometraje, Las herederas, que cosechó el Premio Alfred Bauer -que reconoce a la película que abre nuevas perspectivas en el arte cinematográfico-, el Oso de Plata a la mejor actriz (Ana Brun) y el Premio FIPRESCI, entre otros. En San Sebastián su historia sobre dos mujeres que llevan 30 años viviendo juntas recogerá el Premio Sebastiane Latino en el primer pase de la película, que inaugurará la sección.
El primer largometraje del actor, guionista y director Agustín Toscano (San Miguel de Tucumán, Argentina, 1981), Los dueños, codirigido con Ezequiel Radusky, obtuvo una mención especial de la Semana de la Crítica en 2013. El motoarrebatador, su segundo film, en torno a un ladrón que hiere gravemente a una mujer, fue seleccionado en el Foro de Coproducción del Festival en 2015 y se estrenó en la Quincena de Realizadores.
Marilyn, el primer largometraje de Martín Rodríguez Redondo (Buenos Aires, 1979), fue seleccionado en el Foro de Coproducción en 2014, ganó el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos en Cine en Construcción de Toulouse en 2017 y se estrenó en la sección Panorama del pasado Festival de Berlín. Marilyn cuenta las vivencias de un peón de campo de 17 años que descubre su sexualidad en un ambiente hostil.
Los primeros pasos del cineasta argentino Eugenio Canevari tienen un estrecho vínculo con San Sebastián: su cortometraje Gorila Baila formó parte en Nest. Film Students y Paula, su ópera prima, fue seleccionada en Cine en Construcción en 2014 y se estrenó en Nuev@s Director@s en 2015. Su segundo largo, Figuras, aborda la historia de una inmigrante argentina en España que sufre ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica).
Beatriz Seigner debutó tras la cámara en 2009 con Bollywood Dream, la primera coproducción entre Brasil e India, que fue seleccionada en más de veinte festivales internacionales. También ha dirigido la película de no ficción Between Us, A Secret, coescrita con Walter Salles, que se encuentra en fase de posproducción. Los silencios, que ganó el Premio Cine en Construcción 33 y el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos y se estrenó en la última Quincena de Realizadores de Cannes, se sitúa en una pequeña isla en mitad de la Amazonia, adonde llega una familia huyendo del conflicto armado colombiano.
Enigma, procedente de Cine en Construcción de Toulouse, es el primer largometraje de Ignacio Juricic Merillán, que se centra en una mujer que recibe una propuesta de un programa de televisión para que cuente la historia del asesinato de su hija, lo que la enfrentará a su familia y a las versiones que cada uno alberga sobre lo sucedido.
Las ocho primeras y segundas películas de la selección (Familia sumergida, Ferrugem / Rust, Las herederas, El motoarrebatador, Marilyn, Figuras, Los silencios y Enigma) aspiran también al Premio de la Juventud.
Las herederas
Marcelo Martinessi (Paraguay – Alemania – Brasil – Uruguay – Noruega – Francia)
Intérpretes: Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova, Nilda Gonzalez, María Martins, Alicia Guerra, Yverá Zayas
Inauguración
Desde hace más de 30 años, Chela y Martina viven juntas, como hijas de familias de buena posición social: habían heredado suficiente dinero como para vivir cómodamente sin necesidad de trabajar. Pero ahora, cuando ambas tienen más de 60 años, ese dinero heredado se ha acabado. Cuando Martina va a la cárcel por no poder pagar las deudas que contrajo, Chela empieza a proveer a mujeres mayores de familias acomodadas con un servicio de taxi que le ayuda a poder mantenerse. Así conoce a Josefina, una mujer glamurosa, 20 años más joven que ella, con quien conecta de inmediato. Esa conexión va transformando la relación de Chela consigo misma y con su entorno, provocándole una revolución interna.
México, en un futuro cercano… Las mujeres están desapareciendo y una chica llamada Huck lleva una máscara para ocultar su género. Ayuda a su padre, un adicto atormentado, a cuidar de un campo de béisbol abandonado en el que los narcos se reúnen a jugar. El padre trata de protegerla como puede. Con la ayuda de sus amigos, un grupo de niños perdidos que tienen el poder de camuflarse en el ventoso desierto, Huck debe luchar para superar su realidad y derrotar al capo local.
En la ciudad argentina de Tucumán, Miguel se gana la vida como «motochorro», un ladrón que roba las pertenencias de la gente desde su motocicleta. Cuando roba el bolso de Elena, una mujer mayor, termina hiriéndola gravemente. Tras el brutal incidente, Miguel, corroído por la culpa, es incapaz de ovidar a su víctima. En un intento por hacer las cosas bien, oculta a Elena su verdadera identidad y empieza a cuidar de ella sin que la anciana herida sospeche nada. Cuanto más se acerca a ella, más se enreda en sus propias mentiras. Temeroso de contar la verdad a Elena, Miguel continúa atormentado por su pasado y es incapaz de encontrar una verdadera redención.
Enigma
Ignacio Juricic Merillán (Chile)
Intérpretes: Roxana Campos, Rodrigo Pérez, Paula Zúñiga, Claudia Cabezas
Cine en Construcción 33
Nancy recibe la oferta de un programa de televisión sobre misterios sin resolver para participar en el capítulo que contará la historia de su hija, una joven lesbiana asesinada a golpes, que a ocho años del crimen aún no tiene culpables. Nancy se enfrenta a su familia y a las versiones que cada uno tiene de lo sucedido, mientras decide si participar en el espacio y reencontrarse con quien fue su hija.
Familia sumergida
Maria Alché (Argentina – Brasil – Alemania – Noruega)
Es verano en la ciudad de Buenos Aires, vacía y calurosa. La hermana de Marcela acaba de morir y ella se siente totalmente desubicada. Hace su duelo mientras debe enfrentarse a desarmar esa casa. Un joven amigo de su hija aparece en su vida dispuesto a ayudarla, y su presencia da lugar a viajes y aventuras juntos. En esos confusos días, se entrecruzan personas y conversaciones de otro tiempo que la interpelan, mientras la inminencia de su vida cotidiana la acecha.
Ferrugem / Rust
Aly Muritiba (Brasil)
Intérpretes: Tifanny Dopke, Giovanni Di Lorenzi, Pedro Inoue, Enrique Diaz, Clarissa Kiste, Dudah Azevedo
Cine en Construcción 32
Tati es una chica de 16 años, alegre y vivaz, a la que le gusta compartir sus momentos más felices en las redes sociales. Tiene muchas ganas de irse de viaje de fin de semana con sus amigos de la escuela. Sabe que puede ser una buena oportunidad para conocer mejor a Renet, su misterioso compañero de clase. Renet pertenece a una familia en la que las cosas no se hablan, tan solo se sugieren, a menudo en silencio. Actualmente el asunto del que padre e hijo no hablan es la marcha de la madre de Renet, que dejó a David, su exmarido, cuidando solo del chico. David es profesor en la misma escuela en la que Tati y Renet estudian. El tema del momento en la escuela es un vídeo compartido entre los estudiantes en el que la chica aparece en una situación comprometedora.
Figuras
Eugenio Canevari (España – Argentina)
Intérpretes: Stella Maris Santo, Francisco Dominguez, Valeria Ballerini
Stella, una inmigrante argentina que vive en España, sufre esclerosis lateral amiotrófica (ELA) y necesita atención constante. Paco, su compañero desde hace mucho tiempo, la ayuda a moverse, comer y comunicarse. Valeria, la hija de Stella, los visita esporádicamente y, angustiada por el visible deterioro de su madre, encuentra una vía de escape saliendo de fiesta. Mientras esperan una respuesta sobre un piso de protección oficial, tratan de lidiar con la situación a través del humor y el amor. Una familia real interpretando una historia real.
La noche de 12 años
Álvaro Brechner (España – Argentina – Francia – Uruguay)
Intérpretes: Antonio de la Torre, Chino Darín, Alfonso Tort
IV Foro de Coproducción Europa-América Latina
Septiembre de 1973. Uruguay está bajo el poder de la dictadura militar. El movimiento guerrillero Tupamaros ha sido aplastado y desarticulado hace ya un año. Sus miembros encarcelados y torturados. Una noche de otoño, tres presos Tupamaros son sacados de sus celdas en una operación militar secreta que durará doce años. Desde ese momento, iniciarán un recorrido por distintos cuarteles de todo el país, sometidos a un macabro experimento; una nueva forma de tortura cuyo objetivo es traspasar su límite de resistencia mental. La orden militar es precisa: «Como no pudimos matarles, vamos a volverles locos». Durante más de una década, los presos permanecerán aislados en diminutas celdas donde pasarán la mayor parte del tiempo encapuchados, atados, en silencio, privados de sus necesidades básicas, apenas alimentados, y viendo reducidos al mínimo sus sentidos. Empujados sus cuerpos y mentes hasta más allá de los límites, La noche de 12 años cuenta cómo lograron sobrevivir.
Los silencios
Beatriz Seigner (Brasil – Francia – Colombia)
Intérpretes: Marleyda Soto, Enrique Diaz, Maria Paula Tabares Peña, Adolfo Savilvino
Cine en Construcción 33
Nuria, Fabio y su madre, Amparo, llegan a una pequeña isla en mitad de la Amazonia, en la frontera entre Brasil, Colombia y Perú. Escaparon del conflicto armado colombiano, en el que su padre desapareció. Un día reaparece en su nueva casa. La familia vive atormentada por este extraño secreto y descubre que la isla está poblada por fantasmas.
Marilyn
Martín Rodríguez Redondo (Argentina – Chile)
Intérpretes: Walter Rodríguez, Catalina Saavedra, Germán de Silva, Ignacio Giménez, Germán Baudino, Andrew Bargsted, Rodolfo García Werner, Josefina Paredes
III Foro de Coproducción Europa-América Latina Cine en Construcción 31
Marcos, un peón de campo de diecisiete años, descubre su sexualidad en un ambiente hostil. Apodado «Marilyn» por otros adolescentes del pueblo, se convierte en objeto de deseo y de discriminación. Marcos se siente cada día más acorralado.
Nuestro Tiempo
Carlos Reygadas (Mexico – Francia – Alemania – Dinamarca – Suecia)
Intérpretes: Carlos Reygadas, Natalia López, Eleazar Reygadas, Rut Reygadas, Phil Burgers
Una familia vive en el campo mexicano criando toros de lidia. Esther está a cargo del rancho, mientras su marido, Juan, un poeta reconocido a nivel mundial, cría y selecciona los animales. Cuando Esther se enamora de un adiestrador de caballos llamado Phil, la pareja lucha por superar la crisis emocional.
Sueño Florianópolis
Ana Katz (Argentina – Brasil – Francia)
Intérpretes: Mercedes Morán, Gustavo Garzón, Marco Ricca, Andréa Beltrão
La pareja formada por Pedro y Lucrecia viaja a Brasil junto a sus hijos adolescentes. Hace poco han decidido separarse, pero el plan sigue siendo ir juntos de vacaciones. Marco, el brasileño que alquila a la familia la casa de veraneo, y Larissa, su exnovia, se hacen amigos de Pedro y Lucrecia. En las playas, entre olas, karaoke y paseos acuáticos, nacen los romances cruzados y una atracción que salpica también a los hijos de unos y de otros. Padres e hijos se divierten y ensayan la «alegría brasileña». Mientras una samba infinita despierta del letargo a los turistas, paulatinamente unos y otros se separan para dedicarse a la pasión y explorar, en el espejo, versiones de sí mismos más libres e inesperadas.
Vía Screen International y aprovechando el reciente anuncio de su presencia el próximo mes de septiembre en el Festival de Toronto dentro de la sección Platform acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador de origen argentino Benjamín Naishtat responsable de las notables Historia del miedo y El movimiento titulado Rojo, una película que también estará presente en la próxima edición del Festival de San Sebastián compitiendo por la Concha de Oro y que nos sitúa en la Argentina de los años 70, en las vísperas del comienzo de la dictadura militar.
En Rojo vemos como un hombre extraño llega a una tranquila ciudad de provincias. En un restaurante, y sin motivos aparentes, comienza a agredir a Claudio, un reconocido abogado. La comunidad apoya al abogado y el extraño es humillado y expulsado del lugar. Más tarde y camino a casa, Claudio y su mujer, Susana, son interceptados por el hombre extraño, quien está determinado a cobrarse una terrible venganza. El abogado toma entonces un camino sin retorno, de muerte, secretos y silencios.
La película con guion del propio Benjamín Naishtat está protagonizada por Darío Grandinetti, Andrea Frigerio y Alfredo Castro.
Los amantes del cine fantástico y de terror de nuestro país recuerdan todavía cómo, entre 1990 y 1993, cada domingo (a veces, de madrugada), Joan Lluís Goas les recibía desde el otro lado del televisor con el saludo «Buena luna, criaturas de la noche», antes de presentarles la película que tocara emitir esa semana. El programa se llamaba Noche de lobos, y su simple mención nos evoca tiempos en los que la televisión privada todavía estaba aprendiendo a funcionar y en los que aún había cabida para la experimentación, la sorpresa y la valentía. Gracias a esta ventana, muchos descubrimos clásicos de la Hammer, del giallo, de la serie B norteamericana, joyas del cine más oscuro e inquietante de diversas cinematografías… Y ese espíritu es el que Applehead Team quiere rescatar con una colección de libros titulada, precisamente, Noche de lobos, que cuenta además con el beneplácito del propio Goas.
Esta colección abre una nueva editorial dentro del ensayo cinematográfico: hay muchas pantallas que rasgar, pero de momento os podemos presentar los tres primeros títulos que estarán agrupados bajo el sello Noche de lobos.
DEMONS. LA PESADILLA RETORNA (Pedro José Tena)
El díptico dirigido por Lamberto Bava en 1985 y 1986 supone uno de los grandes hitos del cine de terror italiano de los 80, casi el canto de cisne de un género que estaba a punto de desaparecer en ese país y que después de estas dos películas sólo repuntaría en determinadas ocasiones. Este libro analiza por qué Demons y Demons 2 destacaron por encima de otras producciones del horror italiano de la época, por qué todavía hoy se sigue hablando de ellas y qué supusieron para un sistema de producción que entraba en agonía en aquellos momentos. Además, analiza su influencia en otros títulos y su relevancia persistente en convenciones de cine de terror. Pero, sobre todo, este libro es una historia oral de cómo se construyeron dos cintas fascinantes y amadas por miles de fans, con el relato en primera persona de quienes las hicieron posibles y que narran, asimismo, qué supuso Demons para sus carreras y cómo éstas han evolucionado o mutado desde entonces. Con prólogo de Luigi Cozzi, el libro incluye numerosas entrevistas exclusivas concedidas expresamente para esta ocasión por nombres como Lamberto Bava, Dardano Sacchetti, Sergio Stivaletti, Bobby Rhodes, Geretta Geretta, Fabiola Toledo, Coralina Cataldi-Tassoni, Karl Zinny, Simon Boswell, Virginia Bryant y otros ilustres invitados que podremos confirmar próximamente.
FREDDYMANIA. LAS CRÓNICAS DE ELM STREET (José Mellinas)
Si hay un asesino en serie cinematográfico que pueda equipararse a ídolos del rock en cuanto a su impacto en la cultura popular de los 80 y su celebridad mundial, ese es, sin duda, Freddy Krueger. Wes Craven lo creó para la magistral Pesadilla en Elm Street (1984); lo interpretó un Robert Englund en estado de gracia, quien quedaría marcado de por vida por el personaje. Freddy se instaló en la memoria colectiva (en nuestras pesadillas, en realidad) gracias a una de las sagas más longevas del cine de terror norteamericano, y también a otras apariciones multimedia que van desde una serie de televisión (Las pesadillas de Freddy) hasta videojuegos, pasando por cómics, figuras de acción o novelas. Este libro, que analiza la Freddymanía en todas sus vertientes, es el estudio definitivo sobre las historias que surgieron de Elm Street, desde sus orígenes hasta su remake, pasando por todas y cada una de sus manifestaciones audiovisuales, literarias o lúdicas. Incluye prólogo de Jaume Balagueró (director de Los sin nombre, Darkness o Rec) y epílogo de Ángel Sala (director del Festival de Sitges).
NOCHES DE HALLOWEEN. LA SAGA DE MICHAEL MYERS (Octavio López Sanjuán)
Hemos dicho que Freddy Krueger es el psychokiller más famoso de los 80, pero no se puede entender su figura (ni la de Jason Voorhees) sin la aparición en 1974 del Leatherface de La matanza de Texas (Tobe Hooper) ni, sobre todo, sin el fulgurante éxito que supuso la primera entrega de la saga protagonizada por Michael Myers, La noche de Halloween (1978), de John Carpenter. Este volumen recoge la génesis, desarrollo e impacto de este icono del cine de terror, con un desglose detallado de cómo se forjaron todas y cada una de las películas de la saga, además de un comentario crítico de todas ellas. Es una oportunidad única para comprender en su totalidad uno de los fenómenos del cine de terror más influyentes, lucrativos y longevos de la historia del celuloide. Pero además de esa apasionante historia repleta de machetazos, rostros inexpresivos y gritos desgarradores, lo que convierte en un libro único a Noches de Halloween es que se ha podido entrevistar en exclusiva para este texto a varios de los directores que han llevado a cabo su particular visión de este icono (John Carpenter, Rick Rosenthal, Tommy Lee Wallace, Dwight H. Little y Dominique Othenin-Girard). No falta tampoco un análisis del remake dirigido por Rob Zombie (ni su secuela), así como de la nueva entrega oficial que se estrenará en octubre de este mismo año.
Estos libros estarán disponibles próximamente en librerías, tiendas especializadas y puntos de venta habituales. Se ira anunciando la preventa de cada uno de ellos a medida que se acerquen los lanzamientos oficiales. Mientras tanto, como diría Joan Lluís Goas, buena luna a todos.
Hoy acaba de ver la luz las diez películas que formaran parte de la sección Midnight Madness del próximo festival internacional de cine de Toronto TIFF, certamen que se celebrará del 6 al 16 del mes de septiembre, con permiso de Cannes posiblemente estemos a día de hoy ante el festival de clase A más reconocido e importante del actual panorama festivalero, no solo por el generoso volumen de películas exhibidas cada año sino también por la calidad de su muy heterodoxa programación, una selección de títulos no competitivos que aúna lo más destacado del año visto en otros certámenes junto a primicias mundiales, un equilibrio en definitiva casi perfecto de tendencias cinematográficas de lo más diversas, un festival el de Toronto que en estos últimos años ha prestado una especial atención al fantástico, visibles principalmente en sus secciones Midnight Madness y Vanguard, esta última más diversificada y enfocada hacia el cine de autor. A continuación os ofrecemos la lista de las diez películas que se podrán ver en la Midnight Madness 2018, la sección dedicada más claramente al cine de género, en su mayoría estrenos mundiales, una lista de títulos que algunos de ellos muy problablemente se podrán ver en la próxima edición del festival de Sitges.
Assassination Nation. Dirección. Sam Levinson
“Assassination Nation” se centra en cuatro adolescentes de los suburbios que pasan a ser el foco de atención de los medios después de que su información personal sea filtrada por un hacker anónimo, hecho que dará lugar a una caza de brujas con consecuencias muy reales.
Climax. Dirección. Gaspar Noé
Climax conocida anteriormente con el título de Psyche nos sitúa a mediados de los años noventa, un grupo de veinte jóvenes bailarines de danza urbana que se habían reunido para unas jornadas de tres días de ensayos en un internado en desuso situado en el corazón de un bosque, hacen su último baile común y luego festejan una última fiesta de celebración alrededor de una gran fuente de sangría. Pronto, la atmósfera se vuelve eléctrica y una extraña locura los atrapará toda la noche. Les parece obvio que han sido drogados, no saben por quién o por qué.
Diamantino. Dirección. Gabriel Abrantes, Daniel Schmidt
Diamantino, una estrella mundial de fútbol pierde su toque especial y acaba su carrera deshonrado. Buscando un nuevo propósito, el icono internacional empieza una odisea delirante donde se enfrenta al neofascismo, la crisis de los refugiados, la modificación genética y la búsqueda de una nueva fuente de genialidad.
Halloween. Dirección. David Gordon Green
Halloween 2018 nos cuenta la historia de un equipo británico de televisión que realiza documentales por los Estados Unidos, en uno de sus viajes visitan a Michael Myers en prisión para poder tratar de entrevistarle para un programa que indaga sobre los macabros crímenes que cometió en el pasado, Laurie Strode por su parte se ha preparado a conciencia durante estos años para hacerle frente, un accidente del bus que trasporta a Michael Myers hará posible el inevitable enfrentamiento entre ambos.
In Fabric. Dirección. Peter Strickland
In Fabric está ambientada en el período de las ventas del invierno de un gran almacén comercial, la trama sigue el devenir de un vestido en apariencia maldito que va pasando de persona en persona con consecuencias devastadoras.
The Man Who Feels No Pain. Dirección. Vasan Bala
Película de acción rodada en Bollywood por parte de Vasan Bala (Peddlers) en donde vemos como un joven nacido con la capacidad de no sentir dolor deberá de hacer uso de todo su poder para poder vencer a sus 100 enemigos.
Nekrotronic. Dirección. Kiah Roache-Turner
Un grupo de cazadores conocidos como los Nekromancers luchan contra unas fuerzas del mal que utilizan las aplicaciones de los medios sociales para poseer demoníacamente a las grandes masas, un desenfrenado juego sobrenatural a cargo de Kiah Roache-Turner (Wyrmwood).
The Predator. Dirección. Shane Black
En Predator los cazadores más letales del universo son ahora más fuertes, más inteligentes y más mortales que nunca, y se han mejorado genéticamente con ADN de otras especies. Cuando un niño accidentalmente desencadena su regreso a la Tierra, solo un grupo de ex soldados y una profesora de ciencias podrán evitar, quizá el fin de la raza humana…
The Standoff at Sparrow Creek. Dirección. Henry Dunham
En este intrincado thriller que supone el debut en la dirección de Henry Dunham vemos como una milicia del vecindario se sorprende al descubrir que una reciente masacre aparentemente fue llevada a cabo por uno de sus propios miembros.
The Wind. Dirección. Emma Tammi
Cuando una joven mujer se muda a la frontera estadounidense para poder estar con su esposo empezara a sentir una presencia malvada que le ira inundando de una peligrosa paranoia.
una película poco dada a la sorpresa narrativa, lo suyo es más bien un resultado técnico pulcro en lo referente a sus intenciones y poca cosa más.. un rape & revenge de manual que volviendo al discurso anteriormente formulado en tiempos pretéritos solo eran coto privado destinado para que hombres la dirigieran, afortunadamente hoy todo esto ha cambiado. Lo que no se le puede negar a Revenge es que no sea consecuente con sus propios postulados, en este aspecto la película no solo va al grano sino que sigue una pautas genéricas perfectamente reconocibles punto por punto, en lo concerniente a esto no se sale del guion en ningún momento, otra cosa es indagar en ese supuesto mensaje contestatario totalmente inexistente en el film, evidentemente que hay un leve intento de crítica social en Revenge que transita soterrada a través de lo terrorífico y lo caricaturesco, ¿pero en película de violación y posterior venganza no la hay?
una película que da la impresión de moverse continuamente a través de la confusión narrativa, muy visible en su atropellado final, sin embargo en la cinta producida por Stephenie Meyer hay suficientes apuntes, en su gran mayoría soterrados, muy a tener en cuenta, en este sentido Blackwood parece estar situándose continuamente a través de la alegoría, no muy bien desarrollada pero alegoría al fin y al cabo, la rebeldía adolescente expuesta y ubicada en una tierra temporalmente de nadie o la juventud como ofrenda al arte son solo algunos de los matices e ideas luminosas que intentan distanciarse del tópico y del molde preconcebido en un film que por otra parte no reniega de los postulados de los que parte.
