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Un nuevo avance en forma de un segundo tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto a su póster, acaba de ver la luz de una de las películas españolas más esperada para este fin de año, la esperada adaptación a la gran pantalla de Superlópez, versión castiza y paródica de la historia de Superman, un personaje de cómic que nace originalmente en el año 1973 de la mano del dibujante Juan López Fernández (Jan) siendo uno de los personajes más icónicos aparecidos en la historia del cómic español, tras las cámaras nos encontramos con Javier Ruiz Caldera responsable entre otros de films con un buen bagaje comercial como por ejemplo Spanish Movie, Promoción fantasma o Anacleto: Agente secreto.
Producida por Telecinco Cinema, Zeta Cinema y La Gran Superproducción AIE, con la participación de Mediaset España y Movistar+, Superlópez llegará a los cines españoles el próximo 23 de noviembre de la mano de Buena Vista Internacional.
La película cuenta con un guion de Borja Cobeaga y Diego San José (Ocho apellidos vascos, Ocho apellidos catalanes) y música a cargo de Fernando Velázquez estando protagonizada por Dani Rovira, Alexandra Jiménez, Julián López, Pedro Casablanc, Gracia Olayo, Maribel Verdú, Nao Albet, Gonzalo de Castro, Marc Rodríguez, Carlos Zabala y Josep Maria Alejandre.
Young es creador de las partituras de exitosas películas como ‘Hellraiser’, ‘Spiderman 3’ o ‘Arrástrame al Infierno’. El músico acudirá a la Gala de Clausura, donde presentará la interpretación de una suite de su música para la película de ciencia ficción ‘Species: Especie mortal’. Nick Foster es coautor, junto a su hermano Ben Foster, de la banda sonora de ‘Thunderbirds are go!’, que sonará en la Gala de Clausura.
FIMUCITÉ confirma dos nuevos invitados que formarán parte del cartel de la duodécima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, que se celebrará entre el 21 y el 30 de septiembre de este año con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife. El reconocido compositor Christopher Young, quien ya participó en el Festival hace una década, presentará la interpretación en el marco de la Gala de Clausura de una suite de su música para la película de ciencia ficción ‘Species: Especie mortal’. Además, Nick Foster acudirá con motivo de la interpretación, también dentro del programa del concierto ‘La verdad está ahí fuera’, de la banda sonora de la serie de animación ‘Thunderbirds are go!’, que firma junto a su hermano, el director invitado a FIMUCITÉ en esta misma edición, Ben Foster.
El compositor nominado al Globo de Oro Christopher Young, natural de Nueva Jersey, cuenta con una excelsa trayectoria en cine y televisión con cerca de un centenar de películas, en la que destaca su dedicación al cine fantástico y de terror, con títulos como ‘Hellraiser‘, ‘Sinister’, ‘El Exorcismo de Emily Rose’, ‘La Mosca 2’, ‘La Mitad oscura’, ‘Pesadilla en Elm Street 2’, ‘Ghost Rider: El motorista fantasma’ o sus colaboraciones con el director Sam Raimi en ‘Arrástrame al Infierno’ y ‘Spider-man 3’. Una de sus obras más aclamadas, la banda sonora de ‘Species: Especie mortal’, por la que fue nominado a los galardones Golden Reel, sonará el sábado 29 de septiembre en el Auditorio de Tenerife Adán Martín dentro del programa previsto dedicado a la mejor música del subgénero de ciencia ficción sobre avistamientos de ovnis e invasiones alienígenas. Profesor de composición de música para el cine en la Universidad del Sur de California, ha dedicado también su carrera a la formación especializada y cuenta con numerosos seguidores por todo el mundo como quedó demostrado cuando visitó la segunda edición de FIMUCITÉ y protagonizó un inolvidable encuentro con fans.
La Orquesta Sinfónica de Tenerife también interpretará en el marco de la Gala de Clausura la música compuesta por los hermanos Foster para la serie ‘Thunderbirds are go!’, con la que lograron una nominación a los Premios BAFTA. Nick Foster es conocido por sus numerosas partituras para series de televisión en Reino Unido y Estados Unidos, con títulos como la comedia ‘Timewasters’ o la exitosa ‘Bounty Hunters’. También destaca por sus trabajos en publicidad para marcas como Stella Artois, Amazon o la cadena BBC. Actualmente prepara la música de una nueva producción para Netflix del mentalista Derren Brown, con quien ya colaboró en ‘Apocalipsis’ y ‘The Cube’, y para una nueva tanda de episodios de ‘Thunderbirds are go!’, junto a su hermano Ben Foster.
Las entradas para los dos conciertos sinfónicos que tendrán lugar en FIMUCITÉ 12, en el Auditorio de Tenerife, ya se encuentran a la venta en taquilla y a través de Internet en www.auditoriodetenerife.com. Como ya había sido anunciado, el viernes 28 de septiembre, a las 20:00 horas, el Auditorio de Tenerife acogerá la première española de un espectacular concierto “live to picture” dedicado al clásico, considerado obra maestra, de la ciencia ficción “Encuentros en el la Tercera fase” de Steven Spielberg, en el que mientras se proyecta la película la Orquesta Sinfónica de Tenerife, el Tenerife Film Choir interpretarán íntegramente la legendaria partitura de John Williams. El director artístico del Festival, el reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro, se pondrá al frente de esta original propuesta, el primer concierto “live to picture” sinfónico de un gran éxito de Hollywood que tiene lugar en Canarias. El concierto ‘La verdad está ahí fuera’ será el sábado 29 de septiembre, a las 19:00 horas.
Christopher Young y Nick Foster se suman al resto de invitados ya confirmados en FIMUCITÉ 12: los compositores Laura Karpman, quien actualmente ejerce como gobernadora de la rama musical en la Academia de Hollywood, y Jean-Michel Bernard, extraordinario pianista y colaborador habitual del cineasta Michel Gondry; además del citado Ben Foster, como director invitado.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) cuenta para la celebración de su duodécima edición, que tendrá lugar del 21 al 30 de septiembre de 2018, con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Audi Canarias, Dorada Especial y Teleférico del Teide, y con la colaboración de la Fundacion SGAE.
Pocos debuts más sonados en estos últimos años como el del realizador de origen húngaro László Nemes con su multipremiada Son of Saul, tres años después nos llega el que es su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Sunset (Napszállta), un drama de época cuyo primer tráiler oficial subtitulado al inglés acaba de ver la luz a través de Screen International y podéis ver a final de página. Coproducida entre Hungría y Francia Sunset se podrá ver en los inminentes festivales de Venecia y Toronto, a los cines de España llegará a principios de 2019 de la mano de Avalon.
Sunset nos sitúa en el 1913 en Budapest. Después de pasar su infancia en un orfanato, Irisz Leiter llega a la capital húngara con 20 años y la esperanza de trabajar de sombrerera en la antigua tienda de sombreros de sus padres biológicos. Pero Oszkar, el nuevo propietario, la rechaza. A su vez, se tendrá que enfrentar a su pasado cuando descubre un hermano que nunca supo que tenía. Su misión de encontrarlo la lleva a descubrir oscuros secretos mientras el país se prepara para el caos de la guerra.
La película con guion del propio László Nemes junto a Clara Royer y Matthieu Taponier y música compuesta por László Melis está protagonizada por Juli Jakab, Vlad Ivanov, Susanne Wuest, Uwe Lauer, Christian Harting, Levente Molnár y Urs Rechn.
Con la música de fondo del gran Barry White la HBO acaba de lanzar un primer teaser tráiler que podéis ver a final de página de la segunda temporada de The Deuce, una de las mejores series con diferencia vistas la temporada pasada en donde se nos describía el auge y caída de la industria pornográfica en el Nueva York de los años 70. Recordemos que esta nueva temporada de The Deuce, que en principio y según David Simon será una trilogía, saldrá a la luz el próximo 9 de septiembre a través de HBO.
The Deuce nos cuenta la historia de la legalización y posterior consolidación de la industria del cine porno en el New York los inicios de los años 70 hasta mediados de los 80, explorando un turbulento mundo donde la llegada del sida, la expansión de la cocaína y el renovado mercado inmobiliario sacudieron al todo el país.
La serie con guion de David Simon, George Pelecanos y Richard Price está protagonizada entre otros por James Franco, Maggie Gyllenhaal, Margarita Levieva, Gbenga Akinnagbe, Dominique Fishback, Gary Carr, Lawrence Gilliard Jr., Emily Meade, Michael Rispoli, Chris Bauer, Don Harvey, David Krumholtz, Chris Coy, Natalie Paul, Pernell Walker, Method Man, Tariq Trotter, Zoe Kazan, Mustafa Shakir y Ralph Macchio.
El Velódromo Antonio Elorza, una sala de cine con capacidad para más de 3.000 personas, acogerá las presentaciones de la serie completa de Arde Madrid, creada por Paco León y Anna R. Costa; Dilili à Paris / Dilili in Paris, el regreso de Michel Ocelot 20 años después del primer Kirikú; una doble sesión con la película española más taquillera del año (Campeones, de Javier Fesser) y el documental sobre el filme Ni distintos ni diferentes: Campeones; y Smallfoot, la película de animación que da una vuelta al mito del Yeti, dirigida por Karey Kirkpatrick .
La serie Arde Madrid parte de una anécdota real sucedida en 1961 cuando Ava Gardner se convirtió en la vecina del piso de arriba del expresidente argentino Juan Domingo Perón en la capital española. La historia, protagonizada por Paco León, que también la dirige, Inma Cuesta, Debi Mazar, Anna Castillo y Julián Villagrán, se cuenta desde el punto de vista del servicio doméstico de la actriz estadounidense y se mueve entre los registros de la comedia y del thriller.
Veinte años después de la célebre Kirikou et la sorcière (Kirikú y la bruja, 1998), que ganó el premio al mejor largometraje en el Festival de Annecy y cuyo éxito contribuyó a proyectar la industria de la animación francesa y europea, y tras las secuelas Kirikou et les bêtes sauvages (Kirikú y las bestias salvajes) (2005) y Kirikou et les hommes et les femmes (Kirikú y los hombres y las mujeres, 2012), Michel Ocelot (Villefranche-sur-Mer, Francia, 1943) presentará en San Sebastián Dilili à Paris, sobre una niña procedente de Nueva Caledonia que investiga los secuestros de chicas jóvenes en el París de la Belle Époque.
El Velódromo acogerá, asimismo, una sesión doble con la película de Javier Fesser Campeones, la producción española más taquillera del año, y el documental Ni distintos ni diferentes: campeones, protagonizado por los personajes reales de la película y dirigido y producido por Álvaro Longoria.
Por último, se proyectará Smallfoot, una película de animación para todas las edades, con música original y un reparto lleno de estrellas. Smallfoot da una vuelta a la leyenda cuando un yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía: un ser humano. Dirigida por Karey Kirkpatrick (Over the Hedge / Vecinos Invasores), a partir de un guion de Kirkpatrick y Clare Sera, una historia escrita por John Requa, Glenn Ficarra y el propio director, basada en el libro Yeti Tracks de Sergio Pablos. Pablos fue el responsable de la idea original de Despicable Me (Gru, mi villano favorito, Velódromo 2010). Smallfoot está producido por Bonne Radford, Ficarra y Requa. El reparto original de voces en lengua inglesa incluye a Channing Tatum, James Corden, Zendaya, Common, LeBron James, Danny DeVito, Gina Rodriguez, Yara Shahidi, Ely Henry y Jimmy Tatro.
Arde Madrid. Paco León, Anna R.Costa (España)
Intérpretes: Inma Cuesta, Paco León, Debi Mazar, Anna Castillo, Julián Villagrán, Ken Appledorn, Ósmar Núñez, Fabiana García Lago, Moreno Borja, Miren Ibarguren
Madrid 1961. Ana Mari es solterona, coja, franquista e instructora de la Sección Femenina. Por orden de Franco, recibe el encargo de ir a trabajar de criada a casa de Ava Gardner con la intención de espiarla. Para ello tiene que fingir estar casada con Manolo, un buscavidas que se convertirá en el chófer de la actriz americana.
Dilili à Paris / Dilili in Paris. Michel Ocelot (Francia)
Dilili, una joven de Nueva Caledonia, cuenta con la ayuda de su amigo repartidor para investigar una serie de misteriosos secuestros de chicas jóvenes en el París de la Belle Époque. En el curso de su investigación se encontrará a múltiples personajes extraordinarios que le irán dando pistas.
SESIÓN DOBLE: «NI DISTINTOS, NI DIFERENTES: CAMPEONES» + «CAMPEONES»
NI DISTINTOS, NI DIFERENTES: CAMPEONES. Álvaro Longoria (España)
Este documental cuenta las historias reales de los protagonistas de CAMPEONES. Un viaje emocional a una realidad poco conocida con la que todos convivimos, unas personas que viven en un mundo que no cuenta con ellos y de las que tenemos mucho que aprender.
CAMPEONES. Javier Fesser (España)
Intérpretes: Javier Gutiérrez, Athenea Mata, Juan Margallo, Luisa Gavassa, Daniel Freire, Jesús Vidal, Sergio Olmo, Julio Fernández, Jesús Lago, José de Luna, Fran Fuentes, Gloria Ramos, Alberto Nieto Fernández, Roberto Chinchilla, Stefan López
Marco es el segundo entrenador de un equipo de baloncesto profesional, que, tras una sentencia judicial, tendrá que entrenar a un equipo de baloncesto muy especial, formado por personas con discapacidad intelectual. De forma sorpresiva para el propio Marco, él será quien realmente aprenda de su aventura junto a un equipo donde imperan las ganas de vivir y dar importancia a las cosas que realmente la tienen.
Smallfoot. Karey Kirkpatrick (EEUU)
Smallfoot da una vuelta a la leyenda cuando un yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía: un ser humano. La noticia de este ‘humano’ provoca una conmoción en la sencilla comunidad de yetis al preguntarse qué otras cosas pueden existir más allá de su aldea nevada.
Mucha expectación como viene siendo habitual después de haber conseguido un Oscar a la mejor película, conseguido en 2016 por Moonlight, está generando el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador Barry Jenkins, el film supone la adaptación de la novela homónima de James Baldwin escrita en 1974 titulada If Beale Street Could Talk, la novela fue editada en castellano con el nombre de Blues de la calle Beale. If Beale Street Could Talk cuyo primer tráiler acaba de ver la luz de la mano de la productora Annapurna y que podéis ver a final de página se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 30 de noviembre previo paso por el Festival de Toronto, a España aún sin fecha de salida llegará de la mano de eOne Films.
If Beale Street Could Talk nos cuenta la historia de Tish, una mujer residente en el Harlem de los años 70, embarazada y recién prometida intentará demostrar en una carrera contra reloj la inocencia de su prometido acusado de una presunta violación.
La película con guion adaptado del propio Barry Jenkins y música a cargo de Nicholas Britell está protagonizada por KiKi Layne, Stephan James, Diego Luna, Pedro Pascal, Teyonah Parris, Regina King, Colman Domingo, Brian Tyree Henry, Ed Skrein, Michael Beach, Emily Rios, Finn Wittrock, Dave Franco, Aunjanue Ellis y Faith Logan.
“La violencia, ese instinto animal arraigado en el hombre desde tiempos remotos, se institucionaliza a través del Estado, poseedor de su monopolio bajo el amparo de la ley, para impartirse desde motivaciones supuestamente legítimas; entre otras, la de salvaguardar la paz social mediante esa represión que trata de mantenernos alejados de la barbarie. Intrínseca a esa prerrogativa del Estado está la facultad de obligar a sus ciudadanos a secundar esa violencia, aportando su sufrimiento e incluso su propia vida y la de sus seres queridos. El cine, reflejo de todas las facetas que engloba la existencia del ser humano, nunca estuvo al margen de la representación de la guerra, ya sea para apoyarla, para censurarla, para constituirse en mero testimonio histórico o incluso para utilizarla como un espectáculo más con el que distraer a la audiencia. La guerra es, por desgracia, ese elemento que siempre estuvo, está y estará presente en el devenir del género humano.”
En “¡Esto es la guerra!” ofrece una panorámica sobre el modo en el que el séptimo arte ha plasmado el hecho bélico a través de una personalísima selección de cincuenta títulos pertenecientes al denominado cine bélico. Clásicos como Sin novedad en el frente, Senderos de gloria, Apocalypse Now, Platoon o La chaqueta metálica son analizados a lo largo de sus doscientas páginas, junto con recreaciones históricas tipo El día más largo y boutades como la inclusión en el listado de los films de temática fantástica Aliens, el regreso, Deathwatch e Invasión a la Tierra.
Conocido con el nombre de el crimen de Lizzie Borden dicho homicidio fue uno de los sucesos de la crónica negra más comentados en su época, una historia real que ha inspirado en mayor o menor parte a un buen número de películas incluso teniendo dos versiones televisivas bastante recientes como son Lizzie Borden Took An Ax y The Lizzie Borden Chronicles ambas con Christina Ricci al frente del reparto. Ahora es turno para su traslación a la gran pantalla, Lizzie cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página y que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Sundance cuenta tras las cámaras con Craig William Macneill, realizador que ya dejo muy buenas sensaciones con su opera prima, el thriller psicológico The Boy (2015). Aún sin fecha de estreno en España Lizzie verá la luz en cines de Estados Unidos el próximo 14 de septiembre.
Lizzie nos sitúa en el año 1892, después de mucho tiempo de vivir en soledad Lizzie Borden se hace amiga de la criada Bridget Sullivan, la afinidad entre ambas y su especial intimidad acabará desatando un suceso inimaginable que llegara a convertirse en el motor de una sangrienta venganza destinada a permanecer en la historia como los infames asesinatos de la familia Borden.
La película con a cargo de guion de Bryce Kass está protagonizada por Chloë Sevigny, Kristen Stewart, Jamey Sheridan, Fiona Shaw, Kim Dickens, Denis O’Hare, Jay Huguley, Jody Matzer, Jeff Perry, Tara Ochs, Darin Cooper, Jeremy Sykes, Tom Thon, Ivylyn Nickel y Elgin Lee.
La retrospectiva de la 66 edición del Festival de San Sebastián ofrecerá los 28 largometrajes que Muriel Box (Surrey, Inglaterra, 1905- Londres, 1991) escribió y dirigió.
Box se caracterizó a lo largo de toda su obra como escritora y directora, desarrollada entre 1945 y 1964, por tratar temas complejos y prohibidos –como la prostitución, el abuso de menores, el aborto, los hijos ilegítimos o el sexo en la edad adolescente–, de manera muy clarividente y valiente teniendo en cuenta el contexto social y político en el que se produjeron aquellas películas. Su aportación en relación a estas temáticas es fundamental en el cine inglés de los años cincuenta y la primera mitad de los sesenta.
Como ocurre con las estadounidenses Dorothy Arzner –objeto de una retrospectiva en el Festival de San Sebastián de 2014– e Ida Lupino, la revisión actual de su filmografía parece esencial para establecer un discurso feminista y una reivindicación del importante papel de las realizadoras en distintos contextos y cinematografías. Pese a gozar de un cierto prestigio cinéfilo, son pocos los estudios sobre su obra y apenas aparece reseñada en las historias generales del cine.
Muriel Box responde además al canon del cine independiente a pesar de trabajar con temáticas propias de los géneros clásicos y populares, como el melodrama, la comedia, el policíaco o el cine de época. Su obra como directora queda inscrita en un periodo de cambios en el cine británico, el de las comedias de la productora Ealing, la obra de otros independientes como Michael Powell y Emeric Pressburger y el nacimiento de la práctica documental crítica que derivaría en el Free Cinema.
Nacida el 22 de septiembre de 1905 en New Malden (Surrey, Inglaterra), con el nombre de Violette Muriel Baker, comenzó en el cine como script. En 1935 contrajo matrimonio con el escritor Sydney Box, con quien crearía cinco años después Verity Films, una productora destinada a financiar cortos de propaganda bélica durante la segunda guerra mundial. La hermana de Sydney, Betty Box –una de las productoras inglesas más influyentes de los cincuenta–, colaboró con ellos. Muriel realizó para Verity el corto The English Inn (1941).
Escribió varias obras de teatro con su marido destinadas a compañías amateurs. Cuando después de la guerra Sydney se convirtió en el director de Gainsborough Pictures, Muriel pasó a ser la responsable del departamento de guiones y codirigió The Lost People (1949), un drama de posguerra iniciado por Bernard Knowles y que ella completó en el sesenta por ciento de metraje, cuya acción se desarrolla en un teatro alemán donde dos soldados británicos custodian a varios refugiados.
En 1951, Sydney creó la compañía London Independent Producers, en la que Muriel pudo acometer argumentos que entonces no estaban bien vistos ni en el cine ni en la sociedad británica, casi siempre con guiones escritos por ella y su esposo. Lo hizo a partir de una mezcla entre mirada autoral y cine de género, y ese resulta uno de sus rasgos principales. Aunque gozó de ciertos privilegios, tuvo que enfrentarse a los prejuicios masculinos e incluso femeninos de la industria cinematográfica: un año antes, la actriz Jean Simmons presionó para que no fuera la directora de So Long at the Fair (Extraño suceso, 1950), dirigida finalmente por Terence Fisher y Anthony Darnborough. Muriel Box ha sido definida como una directora que se desanimaba fácilmente pero que era, a la vez, tenazmente ambiciosa.
Dirigió 14 largometrajes entre 1949 y 1964 –además de un cortometraje–, de entre los que destacan sus peculiares comedias románticas en torno a la guerra de sexos: To Dorothy a Son (Herencia contra reloj, 1954), interpretada por Shelley Winters y centrada en las tribulaciones de varios personajes para cobrar una herencia; Simon and Laura (1955), con Peter Finch y Kay Kendall en los papeles de una pareja de actores de la vida real que se convierten en protagonistas de un programa de la BBC; The Passionate Stranger (1957), con Ralph Richardson como el chófer que tiene una idea equivocada de su jefa, Margaret Leighton, después de leer la novela erótica que ha escrito ella; The Truth About Women (1957), en la que el personaje encarnado por Laurence Harvey revive sus coloristas y exóticas historias de amor en distintos continentes, y Rattle of a Simple Man (1964), el último film de la directora, en el que narra la relación entre un hincha de fútbol muy introvertido y una prostituta.
Brilló igualmente en el drama, con títulos como The Beachcomber (El vagabundo de las islas,1954), adaptación de una obra clásica de W. Somerset Maugham sobre alcohol, religión, puritanismo y epidemias; This Other Eden (1959), en el que afrontó el tema irlandés al relatar las tensiones en una pequeña ciudad donde se quiere erigir una estatua a un miembro del IRA, y Too Young to Love (1960), una historia de prostitución de menores y aborto ambientada en un juzgado estadounidense y con Thomas Mitchell como el veterano juez. También rodó curiosos relatos criminales: Street Corner (1953), de estilo semidocumental y sobre el trabajo diario de una mujer policía; Eyewitness (Testigo en peligro, 1956), centrado en una mujer que presencia un asesinato en un cine, es atropellada por un autobús y acosada después en el hospital por los criminales, y Subway in the Sky (1959), ambientado en el Berlín de posguerra y protagonizado por Van Johnson y Hildegarde Knef.
En 1946, Muriel ganó el Oscar al mejor guión original por The Seventh Veil (El séptimo velo), filme realizado por Compton Bennett y escrito en colaboración con su esposo. Fue la segunda mujer en obtener un Oscar al mejor guión después de Frances Marion, que lo había ganado dos veces, en 1930 y 1932. Antes de pasar a la realización participó como guionista o productora en películas de Terence Fisher, Compton Bennett y David MacDonald, entre otros directores británicos ilustres de los años cuarenta y cincuenta.
El ciclo se completará con la publicación de un libro sobre la directora y guionista, coordinado por Quim Casas y Ana Cristina Iriarte y que cuenta con artículos de Rachel Cooke, Hanna McGill, Eulàlia Iglesias y Carlos Losilla, entre otros autores.
La retrospectiva está organizada conjuntamente con Filmoteca Española y cuenta con la colaboración del Festival Lumière de Lyon, la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura, la Filmoteca Vasca y el Museo San Telmo.
Después de su proyección en el Festival de San Sebastián, la retrospectiva podrá verse en Filmoteca Española, en Madrid, en el Festival Lumière, en Lyon, y en la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura durante los meses de octubre y noviembre.
William Friedkin, director de «El exorcista», sigue a un anciano sacerdote de 91 años a un pequeño pueblo italiano donde practica exorcismos reales a una mujer.
No era pocos los atractivos que atesoraba en un principio un trabajo de las características de The Devil and Father Amorth, de alguna manera suponía el cerrar esa especie de circulo temático que William Friedkin había abierto con la fundamental El exorcista en el ya lejano año 1972, esa especie de concomitancia existente entre la ficción y la supuesta realidad de la que se sustenta el presente trabajo daba la impresión de explorar muchas vías no exentas de interés, para más inri el formato documental parecía el más adecuado para dicha exposición, sin embargo este nuevo acercamiento por parte de Friedkin en lo relativo a esa visión acerca de la liberación del mal deviene casi como algo tan meramente anecdótico como imperfecto en lo referente a sus formas.
Lo primero que habría que señalar con respecto a The Devil and Father Amorth es su adscripción a una naturaleza que parece surgida de la más pura improvisación, dicho de otra manera, parece que estemos ante un trabajo no concebido a partir de una predeterminación concreta, en el documental somos testigos de que todo parece orbitar en lo concernientes a esos veinte minutos de exorcismo real realizado el pasado 1 de mayo de 2016 (un plano fijo rodado a tiempo real que nos muestra al padre Amorth y Cristina), esto da una cierta impresión de que una vez William Friedkin obtiene dicho material este decide alargarlo en forma algo improvisada e irregular en lo referente a sus formas narrativas, en un documental con otros cuarenta minutos adicionales. Curiosamente dicho trabajo más que hablarnos de la trayectoria, la del padre Amorth, lo hace del supuesto convencimiento y punto de vista de un William Friedkin omnipresente en todo momento, llegados a este punto podríamos aseverar que The Devil and Father Amorth no gira en torno al párroco, supuesto protagonista principal del documental, o del diablo, sino más bien de una reflexión hecha en primera persona (la expuesta por el propio Friedkin), por momentos una especie de púlpito diseñado por el propio cineasta a la hora de recordar tiempos pretéritos, a partir de este enunciado expuesto a modo de introducción entra en juego el debate existente entre creencia y escepticismo, a parte de una supuesta curiosidad dirigida de una manera nada disimulada a posibles conversos el problema viene dado en que uno tiene la ligera intuición, o al menos un servidor la tuvo, de que el autor de French Connection parece decantarse de buenas a primeras por un bando en concreto, siempre más interesado en confirmar creencias que en articular un relato que se apoye en lo supuestamente racional, algo totalmente legítimo evidentemente, mas dudad sin embargo genera que todos los interlocutores a los que acude para que expresen su opinión le sigan de alguna manera el juego. En este aspecto más que confrontar opiniones parece una unificación de criterios, por otra parte resulta harto evidente como se dota de un dudoso supuesto rigor de ficción al documento no sin antes recurrir sin embargo a un cierto efectismo que actúa como tal, uno echa en falta una mayor indagación en lo que podríamos denominar como ese apartado cinematográfico que suele articular artefactos de trucos, como botón de muestra en un momento dado el padre Amorth confiesa ser un gran admirador de El exorcista aunque le parece muy exagerado en algunos momentos como representación supuestamente realista, algo que queda suficientemente claro en como ese supuesto exorcismo real resulta ser mucho más light que el ficticio orquestado en su día por el propio Friedkin.
The Devil and Father Amorth deviene finalmente como un producto que denota una falta de profundidad en su análisis bastante evidente, su resultado final y lo escueto de sus formas lo acercan irremediablemente a una suerte de extra de alguna edición domestica al uso que a un estudio pormenorizado que haga reflexionar a posteriori al espectador sobre la tesis que supuestamente pretende abordar, por el contrario si la intención de Friedkin era la de rendir pleitesía a la figura del padre Amorth esta se presenta igualmente como insuficiente pues el documental carece de la suficiente información necesaria como para que tengamos la sensación de estar desgranando de una manera sólida a dicho personaje. Posiblemente la misión final de un producto de estas características, o lo que uno entiende por ella, no es dar respuestas y si plantear un dialogo rico en matices entre el autor y el receptor, en este aspecto The Devil and Father Amorth resulta insuficiente a todas luces, aun así y a modo de consuelo siempre nos quedara el discernir por nosotros mismos acerca de esa eterna atracción filosófica que solemos atesorar a la hora de abordar la sempiterna dialéctica entre la ciencia y la religión.
No deja de ser un pequeño acontecimiento cada nueva película dirigida por Shinya Tsukamoto, lejos quedan los tiempos en donde sus primeros trabajos como realizador parecían estar destinados a un público muy minoritario, un consenso el de hoy en día que hacen que cada nuevo film del autor de la saga Tetsuo esté presente en las secciones oficiales de certámenes de categoría A. Venecia parece ser el habitad natural del realizador nipón en estos últimos tiempos, hace cuatro años presento su particular visión de la novela de Shohei Ooka Nobi (Fires on the Plain), ahora es turno para la que será su primera incursión en el género chambara titulado Killing (Zan). Aprovechando el anuncio de su próxima presencia en el certamen italiano que tendrá lugar del 29 de agosto al de 7 de septiembre acaba de ver la luz un primer teaser tráiler que junto póster promocional podéis ver a final de página, Killing se estrenará en cines de Japón el próximo 24 de noviembre.
La película situada durante el convulso periodo Edo se centra en la figura de un honorable ronin cuya existencia gira en torno al Bunburyôdô (un ideal que simboliza la excelencia entre la dualidad de las artes militares y las culturales) y su relación con la hija de una pequeña familia de agricultores que son sus vecinos. Killing cuenta con un guion del propio Shinya Tsukamoto estando protagonizada por Yû Aoi, Sôsuke Ikematsu, Tatsuya Nakamura, Ryûsei Maeda y Shinya Tsukamoto.
La ópera prima de Juan Vera, productor de Pablo Trapero y Lucrecia Martel, está protagonizada por Ricardo Darín y Mercedes Morán.
La producción argentina El amor menos pensado inaugurará la 66 edición del Festival de San Sebastián. La película, que competirá por la Concha de Oro, supone el debut en la realización del guionista y productor Juan Vera. Coproductor de Zama, dirigida por Lucrecia Martel, y Elefante blanco y Carancho, de Pablo Trapero, Vera cuenta como protagonistas de su ópera prima con Mercedes Morán y el Premio Donostia Ricardo Darín, quien también se ha involucrado como productor junto a su hijo, Chino Darín.
La historia se centra en una pareja que, tras 25 años de matrimonio, atraviesa una crisis que les conduce a la separación y a interrogarse sobre el amor, el deseo y el paso del tiempo.
Mercedes Morán (Villa Dolores, Argentina, 1955) ha trabajado con algunos de los cineastas latinoamericanos más relevantes: Lucrecia Martel, Juan José Campanella, Walter Salles, Ana Katz (Los Marziano, Sección Oficial 2011) o Pablo Larraín. Su trabajo en Sueño Florianópolis le ha valido este año el premio a la mejor actriz en el Festival de Karlovy Vary. También ha estrenado en 2018 El ángel, presentada en Un Certain Regard y que se proyectará en Perlak.
Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957), uno de los actores latinoamericanos más prestigiosos, recibió el año pasado el Premio Donostia en reconocimiento a una carrera en la que ha trabajado con cineastas como Adolfo Aristarain, Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Trapero, Cesc Gay o Santiago Mitre. Sus películas han estado muy presentes en San Sebastián en las últimas dos décadas: ha competido cuatro veces en la Sección Oficial, fue jurado oficial en 2012, y ha obtenido, además del Premio Donostia (con la proyección de La cordillera), la Concha de Plata al mejor actor ex aequo con Javier Cámara por Truman y el Premio del Público a la mejor película europea por Relatos Salvajes.
El amor menos pensado. Juan Vera (Argentina)
Intérpretes: Ricardo Darín, Mercedes Morán, Claudia Fontán, Luis Rubio, Andrea Pietra, Jean Pierre Noher, Claudia Lapacó, Chico Novarro, Andrea Politti, Gabriel Corrado, Andrés Gil, Mariú Fernández, Norman Briski, Juan Minujín
Inauguración a concurso
Tras de veinticinco años de matrimonio, Marcos y Ana se interrogan a fondo sobre el amor, la naturaleza del deseo, la fidelidad, y toman una decisión que modificará sus vidas para siempre.
llegados a este punto podríamos aseverar que The Devil and Father Amorth no gira en torno al párroco, supuesto protagonista principal del documental, o del diablo, sino más bien de una reflexión hecha en primera persona (la expuesta por el propio Friedkin), por momentos una especie de púlpito diseñado por el propio cineasta a la hora de recordar tiempos pretéritos, a partir de este enunciado expuesto a modo de introducción entra en juego el debate existente entre creencia y escepticismo, a parte de una supuesta curiosidad dirigida de una manera nada disimulada a posibles conversos el problema viene dado en que uno tiene la ligera intuición, o al menos un servidor la tuvo, de que el autor de French Connection parece decantarse de buenas a primeras por un bando en concreto, siempre más interesado en confirmar creencias que en articular un relato que se apoye en lo supuestamente racional, algo totalmente legítimo evidentemente, mas dudad sin embargo genera que todos los interlocutores a los que acude para que expresen su opinión le sigan de alguna manera el juego. En este aspecto más que confrontar opiniones parece una unificación de criterios, por otra parte resulta harto evidente como se dota de un dudoso supuesto rigor de ficción al documento no sin antes recurrir sin embargo a un cierto efectismo que actúa como tal, uno echa en falta una mayor indagación en lo que podríamos denominar como ese apartado cinematográfico que suele articular artefactos de trucos, como botón de muestra en un momento dado el padre Amorth confiesa ser un gran admirador de El exorcista aunque le parece muy exagerado en algunos momentos como representación supuestamente realista, algo que queda suficientemente claro en como ese supuesto exorcismo real resulta ser mucho más light que el ficticio orquestado en su día por el propio Friedkin.
