La segunda edición del BCN FILM FEST dio a conocer su palmarés este pasado viernes en donde MARY SHELLEY de Haifaa Al- Mansour se alza con el premio a la Mejor Película. La película es un biopic de la autora de Frankenstein y narra la relación entre el poeta Percy Shelley y la joven de 18 años, Mary Wollstonecraft Godwin, que dio como resultado la escritura de la famosa novela, que ahora cumple 200 años de su publicación. Próximamente y con motivo de su estreno comercial en España previsto para el próximo 13 de julio nos detendremos detenidamente en la cinta de Haifaa Al- Mansour.
Siguiendo el espíritu del Festival y coincidiendo siempre las fechas del certamen con el día de Sant Jordi, la tercera edición del BCN FILM FEST será del 22 al 30 de abril de 2019. A continuación el palmarés completo de esta II Edición del Festival Internacional de Cinema de Barcelona-Sant Jordi.
Premio a la Mejor Película
MARY SHELLEY de Haifaa Al-Mansour
Premio de la Crítica ACCEC
CAMBIO DE REINAS (“L’échange des princesses”) de Marc Dugain
Mención Especial:
EN TIEMPOS DE LUZ MENGUANTE (“In Zeiten des abnehmenden Lichts”) de Matti Geschonneck
Premio Festival Castell de Peralada a la Mejor Música
CAMBIO DE REINAS (“L’échange des princesses”) de Marc Dugain
Mención Especial:
MARIA BY CALLAS (“Maria by Callas”) de Tom Volf
Premio del Público a la Mejor Comedia
MI QUERIDA COFRADÍA de Marta Díaz de Lope Díaz
Premio EDUCACINE
REBELDE ENTRE EL CENTENO («Rebel in the Rye”) de Danny Strong
A Quiet Place como su principal valía es en cómo esta se despoja dada su naturaleza de ciertos manierismos que no han hecho muchos favores al género en estos últimos años, reiteración de conceptos manidos, Winchester (2018), o exceso metafórico en la propuesta, It Comes at Night (2017) por poner solo dos ejemplos. A Quiet Place como propuesta de estructura minimalista prescinde de tales males endémicos, su planteamiento es en extremo básico pero de sobras eficaz en donde seguramente lo más importante radica en su intención de no experimentar, de hecho hay una exposición pero su desarrollo es tan sencillo como imperceptible, maneja muy bien sus tempos narrativos en referencia a las escenas en donde se nos plantea un suspense de tono terrorífico, esa eficacia sin dilataciones ni bifurcaciones (se agradece que el único indicio de ello en la película, responsabilidad y compromiso paterno, este planteado de forma sobria sin cargar las tintas sobre ello) es la que el espectador requiere de tanto en tanto, de ahí que el éxito comercial que está cosechando la cinta es bastante comprensible y hasta cierto punto lógico.
de Jacques Rivette a Claire Denis. De la revisión de los filmes y las secuencias más emblemáticas de la Nouvelle Vague a la defensa de los cineastas más olvidados: Guy Gilles, Cyril Collard, Jean-Claude Rousseau, Paul Vecchiali o Jacques Nolot. A partir del cine comparado, las constelaciones de cineastas, de films e imágenes que propone este volumen son guiadas, como los fragmentos del discurso amoroso de Roland Barthes, por figuras; aquí, las figuras emergen del relato levinasiano: la mirada, el rostro, el cara a cara, la caricia, la fecundidad. Este libro, que entiende el devenir de las imágenes como un viaje hacia el otro y a partir del otro, explora la fisura que el cine moderno abrió entre el plano y el contraplano para hallar, en la misma apertura, el espacio de la relación mediante el cual el cine se erige como el arte del gesto y como un lugar privilegiado para el pensamiento fenomenológico.
Y en aquella cripta, en la que hasta los sacristanes del culto cinéfilo habían olvidado prender una vela, se guardaban las reliquias más valiosas, o siquiera las más desconcertantes, inesperadas o sublimes. Como mi cinefilia no se arredraba ante nada, yo bajaba desde niño a esta cripta, para venerar aquellas reliquias olvidadas…». Los tesoros de la cripta es la crónica de esa aventura clandestina. Juan Manuel de Prada, cinéfilo voraz (y omnívoro) desde la infancia, nos brinda en este libro único una historia alternativa del séptimo arte a través de su predilección por los cineastas malditos, por los géneros cinematográficos menos prestigiosos, por los títulos más anatemizados, por las extravagancias formales, por las películas «raras y escurridizas como un armiño» que el autor ha perseguido afanosamente durante décadas, como si de un nuevo Grial se tratasen. Una obra personalísima, llena de fervor y entusiasmo, también de erudiciones chocantes y acaso apócrifas, en la que Juan Manuel de Prada, a la vez que rescata las perlas más inaccesibles de la historia del cine, nos brinda una apasionante radiografía de sus preferencias estéticas, siempre caracterizadas por «una querencia indisimulada hacia los raros y los proscritos, los excéntricos, los derrotados y los réprobos».
en cierta manera es como si esas carencias voluntarias o no se convirtieran por momentos en ligeras virtudes, en este aspecto es realmente meritorio ver como Robin Aubert, que no justifica en ningún momento del film el contexto de su propia ficción, ni falta que le hace si uno detecta sus intenciones, sin echar mano a recursos propios del subgénero consigue hacer inquietantes a los muertos vivientes mediante pequeños detalles. Les affamés nos es presentada de forma fragmentada en varias situaciones y personajes que irremediablemente terminan por confluir, algunos más interesantes, otros no tanto, algo que termina otorgando una leve irregularidad al conjunto, de hecho podríamos sugerir que la película transita casi exclusivamente a través de los estados de ánimos de los propios protagonistas, esa sensación de estar rodeado continuamente de zombies se puede extrapolar a un nivel meramente estructural, la elipsis y el fuera de campo que están omnipresentes en todo momento en la película es una buena prueba de todo ello.
Por otra parte el conflicto bélico y como el fútbol circunvala dicha problemática estuvo presente con Team Gaza y Men in the Arena, la primera nos muestra las vidas de cuatro jóvenes que se atreven a soñar en el territorio de Gaza, una franja de tierra aislada del mundo exterior, el documental podría ser un perfecto apéndice más reflexivo de aquel feroz found footage Return to Homs vista hace un par de años en el festival, aquí sin embargo se obvia casi por completo la crítica al propio conflicto para centrarse de forma más exclusiva en el retrato social de sus protagonistas. En cierta manera Men in the Arena también es otra historia de supervivencia que transita a través de los sueños y esperanzas de dos amigos integrantes del Equipo Nacional de Fútbol de Somalia, un relato de supervivencia en donde otra vez el difícil escenario en donde transcurre la acción deviene como principal obstáculo a la hora de alcanzar metas y en donde nuevamente el fútbol nos es presentado como un medio de esperanza que intenta facilitar un futuro con algo más posibilidades a la hora de poder subsistir de una manera digna.
The Workers Cup sin embargo no es un relato de denuncia como tal, simplemente expone una situación social de fácil lectura a través del retrato de un grupo de trabajadores que participan en un torneo patrocinado por el mismo comité que organiza la Copa del Mundo 2022, nuevamente el fútbol indagando alegóricamente en las vivencias de una micro sociedad actual. Como colofón final a esta quinta edición del Offside Fest nada mejor que la proyección de un documental patrio como El equipo de mi barrio, una historia con la que es difícil el no poder simpatizar, relato que nos muestra el día a día de un pequeño equipo de barrio de Gijón que se resiste a desaparecer a través de la autogestión de los propios aficionados aquí convertidos en una suerte de gestores, como bien indica el lema del club últimos en dinero pero primeros en orgullo, una máxima que podría aplicarse perfectamente a una propuesta tan válida en lo relativo a sus intenciones como resulta ser el Offside Fest.
Pulpos violadores, lamidas de córneas, genitales pixelados, cuerpos amputados, torturas imposibles… son algunos de los ingredientes más insólitos del eroguro, ese género de géneros netamente japonés que nace de la combinación desenfrenada de tres elementos fundamentales: el erotismo, lo grotesco y lo absurdo.
como reina del caos, a medio camino entre el western y el polar y de estructura algo más convencional o frontal, o si se prefiere de una narrativa menos laberíntica acercándose a un tono más neutral aunque por el contrario la supuesta sutileza de los anteriores trabajos aquí es sustituida por una tendencia de connotaciones más corpórea, de una imagen en donde abunda el grano fílmico. El dúo de cineastas belgas vuelven a ampararse en la psicodelia y lo onírico de unas imágenes extremas para ofrecernos un tiroteo y expandirlo eternamente en el tiempo en medio del calor sofocante del Mediterráneo como único escenario, difuminando y jugueteando con códigos genéricos, de características más pop que anteriores trabajos suyos y diseccionado hasta la extenuidad en función de un montaje alucinatorio, fotografía y sonido que juegan a favor del colapso y el aturdimiento del espectador a través de un ejercicio que vuelve a transitar por lo más puramente invasivo sensorialmente hablando como viene siendo habitual en el cine pretérito de sus autores, dichos hallazgos técnicos caminan al unísono casi a modo de sinfonía de claras connotaciones orgiásticas, de un erotismo muy acentuado, especialmente visible en las armas de fuego que vemos durante todo el metraje y que son presentadas como ineludibles objetos fetichistas insertados en agresivos conflictos de sangre.
