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‘El páramo’, de David Casademunt, e ‘Y todos arderán’, de David Hebrero, se añaden a la programación
Las últimas producciones españolas de cine fantástico tendrán su cita en la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Títulos de directores consolidados como Álex de la Iglesia con Veneciafrenia o Paco Plaza con La abuela, se presentarán en Sitges junto a otras obras representativas del panorama fantástico nacional más reciente.
El debut del catalán David Casademunt, El páramo, tendrá su estreno mundial en Sitges, en Sección Oficial Fantàstic en Competición. La película, protagonizada por Inma Cuesta y Roberto Álamo, narra la tranquila vida de una familia que vive aislada de la sociedad y que se ve perturbada por una criatura terrorífica que pondrá a prueba los lazos que los unen. También se incorpora, en sesión especial, la épica de terror Y todos arderán, segundo largometraje de David Hebrero. Una epopeya sobre la búsqueda de venganza de una madre contra el pueblo que le hizo perder a su hijo, con Macarena Gómez, Rodolfo Sancho, Ana Milán y Rubén Ochandiano.
Estos dos títulos se suman a otros films españoles ya anunciados en Sección Oficial Fantàstic en Competición: la inquietante cinta de ciencia ficción Tres, del premiado Juanjo Giménez, con Marta Nieto y Miki Esparbé, y el estreno mundial de Visitante, ópera prima de Alberto Evangelio, con Iria de Rio, Miquel Fernández, Jan Cornet y Sandra Cervera, sobre una crisis matrimonial que se convierte en un thriller fantástico de realidades paralelas.
En las sesiones especiales incluidas en la Sección Oficial Fantàstic se podrán disfrutar tres propuestas muy esperadas. El estreno mundial de Veneciafrenia, de Álex de la Iglesia, con su impactante mezcla de slasher y giallo; el ansiado retorno de Paco Plaza con La abuela, una pesadilla con guion de Carlos Vermut, y la premiere de los cuatro relatos de Historias para no dormir, el regreso de la mítica serie creada por Chicho Ibáñez Serrador cincuenta años atrás, que reúne a las mejores figuras del fantástico español actual como Rodrigo Cortés, Rodrigo Sorogoyen, Paco Plaza y Paula Ortiz, junto a un reparto de lujo.
El fantástico español estará presente en buena parte de las secciones del Festival. En Panorama Fantàstic se podrán ver dos estrenos mundiales. La cinta de terror gallega Jacinto, de Javi Camino, sobre un niño encerrado en el cuerpo de un adulto, y la terrorífica road-movie en furgoneta La pasajera, dirigida por Raúl Cerezo y Fernando González.
Recuperación de clásicos
Además de la última cosecha de cine fantástico español, la proyección de clásicos ocupará un lugar destacado en Sitges 2021. Dentro de la retrospectiva dedicada a los hombres lobo, “La bestia interior”, se verán El bosque del lobo (Pedro Olea, 1970), y El retorno del hombre lobo (Paul Naschy, 1981), dos films imprescindibles en la historia de nuestro cine. Naschy será recordado por partida doble, ya que la sección Seven Chances programará El aullido del diablo, obra de 1987 dirigida por el director y actor madrileño.
Por su parte, Sitges Classics recuperará otras dos cintas españolas. El extraño viaje, de Fernando Fernán Gómez, una obra de culto escrita a partir de un argumento de Luis García Berlanga, y la copia remasterizada en 4K de El día de la bestia, de Álex de la Iglesia.
En colaboración con la Filmoteca de Catalunya, se proyectarán dos producciones catalanas que se engloban en la retrospectiva “Catalunya Imaginària”. Se trata de La banyera (Jesús Garay, 1989), en la que un hombre que sufre amnesia intenta localizar a un testigo del asesinato de su amante, y La dama del alba (Francesc Rovira Beleta, 1966), una cinta fantasmagórica sobre una misteriosa desaparición.
La crítica y la historiografía han convertido el cine de terror en un caótico cajón de sastre al que han ido a parar películas de muy diversa temática y efectos. A ello hay que añadir, si nos asomamos al estricto ámbito del cine español, que muchos de esos trabajos no han dejado de repetir informaciones sesgadas y errores de apreciación que han acabado distorsionando la percepción de muchos filmes, magnificando sus aciertos y obviando —voluntariamente— sus defectos.
Pesadillas. Diccionario de películas del cine de terror español (1961-2020) viene a corregir algunos de estos problemas, partiendo, primero, de una ajustada definición del término «cine de terror», para, a partir de esta, explorar su desarrollo en la cultura española contemporánea mediante una selección crítica de películas que en verdad se ajustan a dicho subgénero. Una selección que no esconde los gustos y opiniones de su autor, pero que, al mismo tiempo, se sustenta en una detallada contextualización de las películas, tanto en función de su época como en relación al conjunto de la obra de sus directores/as, guionistas, productoras o actores y actrices.
Los lectores tienen aquí un exhaustivo y amplísimo panorama del cine de terror español, de los diversos caminos por los que ha evolucionado, de sus vinculaciones con las cinematografías europeas y estadounidense. Un trabajo que no solo reivindica un subgénero habitualmente maltratado, sino que también viene, como decía, a enmendar muchos de los errores y exageraciones que la crítica se ha empeñado en perpetuar.
Después de cosechar buenas críticas y alzarse con el Premio FIPRESCI de la sección Un Certain Regard en el pasado Festival de Cannes nos llega un primer tráiler vía Cine Maldito, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut en la dirección de la realizadora belga Laura Wandel Un monde. La película también conocida con el título internacional de Playground que estará presente dentro de pocas semanas en la sección Zabaltegi-Tabakalera del próximo Festival de San Sebastián nos narra la cruda historia de un par de hermanos que han de hacer frente a un bullying que sufre uno de ellos en el colegio al que ambos acuden.
Un monde nos cuenta como Nora, una niña de siete años, y su hermano mayor, Abel, vuelven a la escuela. Cuando Nora presencia cómo otros niños abusan de Abel, se apresura a protegerle avisando a su padre. Pero Abel la obliga a guardar silencio. Atrapada en un conflicto de lealtades, Nora intentará encontrar su lugar, dividido entre el mundo de los niños y el de los adultos.
La película con guion de la propia Laura Wandel está protagonizada por Günter Duret, Léna Girard Voss, Karim Leklou, Thao Maerten, Maya Vanderbeque y Laura Verlinden.
Los seis nuevos episodios de la serie de culto de Steve Pemberton y Reece Shearsmith llegan a Filmin el próximo 31 de agosto.
Filmin estrena el próximo martes 31 de agosto, en exclusiva en España, la sexta temporada de uno de sus mayores éxitos: «Inside No. 9«. La serie británica de culto regresa con seis nuevos episodios autoconclusivos en los que la mezcla de géneros, los giros de guion imposibles y su peculiar humor negro harán las delicias de los seguidores de la última ganadora del BAFTA a la mejor serie de comedia.
Una leyenda de la interpretación como Derek Jakobi será uno de los intérpretes invitados a esta sexta temporada. Jacobi, que ya prestó su voz al célebre episodio de «El Diablo de la Navidad» (temporada 3), estará presente esta vez en el quinto episodio, encarnando a un anciano abogado cascarrabias que recibe las atenciones de su resolutivo cuidador, encarnado por Reece Shearsmith (creador de «Inside No. 9» junto a Steve Pemberton).
Jacobi no será la única estrella presente en esta nueva tanda de episodios. Adrian Dunbar («Blood») protagonizará el episodio 4 encarnando a una versión mejorada de sí mismo; mientras que en el episodio 3, Sian Clifford («Fleabag») será una experta lectora de labios contratada para investigar una supuesta infidelidad. Lindsay Duncan («Sherlock»), Paterson Joseph («The Leftovers») o Gemma Whelan («Juego de Tronos») son otros de los intérpretes que podremos ver en esta sexta temporada de «Inside No. 9».
La esperada adaptación a la gran pantalla de la novela de Javier Cercas publicada en 2012 Las leyes de la frontera, cuyo tráiler final acaba de ver la luz de la mano de Warner Bros. y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, puede suponer de alguna manera para un nuevo publico el revival de la figura del quinqui tan presente en aquella España marginal de finales de los 70 y principios de los 80 que fue llevada al cine en esa misma época en varias ocasiones por directores como José Antonio de la Loma y Eloy de la Iglesia (a tal respecto recomendar la extraordinaria edición restaurada en 2K de la trilogía Perros callejeros que acaba de editar el sello El Setanta-Nou). Las leyes de la frontera que cuenta tras las cámaras con Daniel Monzón y que será la encargada de clausurar la inminente edición del Festival de San Sebastián llegará a los cines de nuestro país el próximo 8 de octubre.
Las leyes de la frontera nos sitúa en el verano de 1978. Nacho Cañas, un estudiante introvertido y algo inadaptado, tiene diecisiete años y vive en Girona. Al conocer al Zarco y a Tere, dos jóvenes delincuentes del barrio chino de la ciudad, se ve inmerso en un triángulo amoroso que le lleva a vivir una carrera imparable de hurtos, robos y atracos que se prolongará durante todo el verano y que cambiará su vida para siempre. Las leyes de la frontera es la historia del verano en el que Nacho experimentó el primer amor y se hizo mayor, transgrediendo constantemente la frontera entre dos mundos, cruzando la línea que hay entre el bien y el mal.
La película con guion adaptado a cargo de Jorge Guerricaechevarría está protagonizada por Marcos Ruiz, Begoña Vargas, Chechu Salgado, Pep Tosar, Daniel Ibañez, Guillermo Lasheras, Jorge Aparicio, Carlos Oviedo, Cintia García, Xavier Martín, Víctor Manuel Pajares y Diego Molina Garau.
Las leyes de la frontera es una producción de Ikiru Films, La Terraza Films y Atresmedia Cine en colaboración con Buendía Estudios y Las Leyes de la Frontera AIE.
El ciclo programará 16 primeras y segundas películas de autores como Chloé Zhao, Kelly Reichardt, Hong Sangsoo, Cristi Puiu, Apichatpong Weerasethakul y los españoles Isaki Lacuesta y Mercedes Álvarez.
La 66 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine, programará el ciclo “Disidencias: Nuevos cineastas, nuevas miradas”, que mostrará una selección de 16 largometrajesde reconocidos directores y directoras que ponen de manifiesto la búsqueda de nuevos lenguajes y formas de narración en el cine de ficción y documental en las últimas dos décadas. Las propuestas “disidentes” de estos cineastas se conciben ajenas a los modelos convencionales de narrativa cinematográfica y de producción, logrando el reconocimiento de crítica y público.
El ciclo está integrado por dieciséis creadores de trece países y cuatro continentes diferentes, diez hombres y seis mujeres: Maren Ade (Alemania), Wang Bing y Chloé Zhao (China), Sergei Loznitsa (Bielorrusia), Lucrecia Martel y Lisandro Alonso (Argentina), Raya Martin (Filipinas), Lemohang Jeremiah Mosese (Lesoto), László Nemes (Hungría), Cristi Puiu (Rumania), Kelly Reichardt (Estados Unidos), Hong Sangsoo (Corea del Sur), Céline Sciamma (Francia) y Apichatpong Weerasethakul (Tailandia), además de los españoles Isaki Lacuesta y Mercedes Álvarez.
“Disidencias: Nuevos cineastas, nuevas miradas” reúne los primeros trabajos de estos cineastas surgidos en el siglo XXI cuyo nexo de unión es una obra que se sale de la norma, que busca nuevos caminos frente a los ya conocidos por el cine anterior o por la producción mayoritaria. Son creadores portadores de miradas frescas capaces de sorprender, de proponer acercamientos originales y heterodoxos, y de rodar y filmar con el corazón y el instinto más que con la razón.
Varias óperas primas
Los títulos seleccionados son óperas primas como ‘El hijo de Saúl’ (2015), de Laszlo Nemes, que logró el Oscar a la Mejor película Extranjera, el Premio del Jurado y FIPRESCI en Cannes o el BAFTA a Mejor película de habla no inglesa; y ‘Songs My Brothers Taught Me’ (2015), de la directora Chloé Zhao, que más tarde conseguiría con su segundo largo, The Rider, la Espiga de Plata y el Premio ‘Pilar Miró’ al Mejor Nuevo Director en SEMINCI y más de 140 premios con Nomadland, entre ellos dos Oscar a Mejor Película y Dirección, dos premios BAFTA, el Globo de Oro a Mejor Director, Premio del Público en Toronto o el León de Oro en Venecia.
También son primeros trabajos los documentalesde autores españoles: ‘Cravan vs Cravan’ (2002), de Isaki Lacuesta, al que seguirían títulos reconocidos como ‘Los pasos dobles’ o ‘Entre dos aguas’; y ‘El cielo gira’ (2004), de Mercedes Álvarez, presentado en la sección Tiempo de Historia de SEMINCI, fue premiado en Rotterdam y Buenos Aires con el FIPRESCI y Premio del Público, entre otros galardones.
Segundos largometrajes y documentales
Asimismo, se han seleccionado segundos largometrajes como ‘La muerte del señor Lazarescu’ (2005), de Cristi Puiu, premio de la sección Un certain regard en Cannes, festival que también programó en la sección oficial su largometraje ‘Sieranevada’; ‘Entre nosotros’ (2010), de Maren Ade, Oso de Plata en Berlín y Premio a la Mejor Directora y FIPRESCI en Buenos Aires, que con su tercera y última película, ‘Toni Erdman’, logró el premio FIPRESCI en Cannes, Mejor Director en el Festival de Toronto y Premio Especial del Jurado en Sundance, entre otros galardones; y ‘This is Not a Burial, It’s a Resurrection’ (2019), de Jeremiah Mosese, premiado en Sundance.
El ciclo ofrecerá, además, ‘La mujer es el futuro del hombre’ (2004), de Hong Sangsoo, presentado en la sección oficial de Cannes (‘La mujer que escapó’, ‘Hahaha’, ‘Ahora sí, antes no’); ‘Syndromes and a Centur’ (2006), de Apichatpong Weerasethakul, programado en Venecia (‘Uncle Boonmee’ recuerda sus vidas pasadas, ‘Tropical Malady’); ‘La mujer sin cabeza(La mujer rubia)’2008, de Lucrecia Martel, seleccionado en el Festival de Cannes (‘La ciénaga’, ‘La niña santa’); ‘Independencia’ (2009), de Raya Martin, premiada en Rotterdam (‘Death of Nintendo’, ‘La última película’); ‘Meek’s Cutoff’ (2010), de Kelly Reichardt, premiada en Venecia (‘First Cow’, ‘Wendy and Lucy’); ‘Jauja’ (2014), de Lisandro Alonso, Premio FIPRESCI en Un certain regard en Cannes (‘La libertad’, ‘Los muertos’); ‘Retrato de una mujer en llamas’ (2019), de Céline Sciamma, por el que logró el premio al Mejor Guion en Cannes (‘Girlhood’, ‘Tomboy’).
Disidencias se completará con los documentales ‘Mrs. Fang’ (2018), de Wang Bing, Mejor Película en el Festival de Locarno (‘San Zimei’, ‘Ku Quian’), y ‘State Funeral’ (2019), de Sergei Loznitsa (‘Donbass’, ‘Pismo’).
LISTADO TÍTULOS
‘Cravan vs Cravan’, Isaki Lacuesta (2002)
• ‘El cielo gira’, Mercedes Álvarez (2004)
• ‘La mujer es el futuro del hombre’, Hong Sangsoo (2004)
• ‘La muerte del señor Lazarescu’, Cristi Puiu (2005)
• ‘Syndromes and a Century’, Apichatpong Weerasethakul (2006)
• ‘La mujer sin cabeza (La mujer rubia)’, Lucrecia Martel (2008)
• ‘Independencia’, Raya Martin (2009)
• ‘Entre nosotros’, Maren Ade (2010)
• ‘Meek’s Cutoff’, Kelly Reichardt (2010)
• ‘Jauja’, Lisandro Alonso (2014)
• ‘El hijo de Saúl’, Laszlo Nemes (2015)
• ‘Songs My Brother Taught Me’, Chloe Zhao (2015)
• ‘Mrs. Fang’, Wang Bing (2018)
• ‘State Funeral’, Sergei Loznitsa (2019)
• ‘Retrato de una mujer en llamas’, Céline Sciamma (2019)
• ‘This is Not a Burial, It’s a Resurrection’, Jeremiah Mosese (2019)
Es sin lugar a dudas una de las películas más esperadas para este final de año, el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador de origen chileno Pablo Larraín Spencer estrena un primer tráiler que acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su deslumbrante póster oficial. Película en donde Pablo Larraín vuelve a incidir en el biopic después de la notable Jackie (2016), en esta ocasión a través del retrato de la figura de Lady Di cuya premier mundial tendrá lugar en el inminente Festival de Venecia teniendo previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 5 de noviembre.
Spencer nos narra un fin de semana durante las vacaciones navideñas de la Princesa Diana con la Familia Real en el castillo de Sandringham, en el condado de Norfolk. Lo que debería ser un maravilloso respiro navideño con sus hijos en la finca se convierte, en cambio, en una sucesión de obligaciones no deseadas. Mientras tanto, el Príncipe Carlos de Inglaterra está retozando abiertamente con Camilla Parker-Bowles, lo que obliga a Diana a interpretar el papel implacable de la amada y fiel esposa delante de los paparazzi que siguen cada uno de sus movimientos. ¿Aceptará su posición o se revelará y por fin vivirá su vida tal y como desea?
La película con guion a cargo de Steven Knight está protagonizada por Kristen Stewart, Sally Hawkins, Sean Harris, Timothy Spall y Jack Farthing.
Aprovechando la cercanía de la próxima edición del Festival de Venecia empiezan a salir los primeros avances de algunas de las películas que estarán presentes en la Bienal, The Power of the Dog, cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el regreso al cine de la realizadora australiana Jane Campion tras doce años desde su último largometraje Bright Star. La película que adapta novela del mismo título de Thomas Savage tendrá un estreno limitado en cines de Estados Unidos el próximo 17 de noviembre estando disponible a través de Netflix a partir del 1 de diciembre.
The Power of the Dog nos cuenta como los acaudalados hermanos Phil y George Burbank son las dos caras de la misma moneda. Phil es elegante y cruel, mientras George es impasible y amable. Juntos son copropietarios de un enorme rancho en Montana. Es un lugar en donde la rápida modernización del siglo XX está a la orden del día George se casa en secreto con una viuda del pueblo llamada Rose, Phil, sorprendido y furioso, lleva a cabo una guerra sádica e implacable para destruirla por completo usando a su hijo, Peter, como peón.
La película con guion adaptado por parte de la propia Jane Campion está protagonizada por Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Frances Conroy, Keith Carradine, Peter Carroll, Adam Beach, Karl Willetts, Geneviève Lemon, Yvette Parsons, Tatum Warren-Ngata, Maeson Stone Skuggedal, Ramontay McConnell, Daniel Cleary y Ella Hope-Higginson.
ESTUDIO DEL SUJETO ACTORAL FEMENINO EN EL CINE CHINO
La aparición de Gong Li en la pantalla simboliza una apertura revolucionaria en la representación del erotismo femenino en China, después de la denominada Revolución Cultural (1966-1976). En este libro se demuestra la construcción de la subjetividad femenina de la actriz a partir del análisis de la mirada de la estrella; gesto destacado de su interpretación que visualiza su deseo y poder como sujeto femenino que cuestiona el sistema falogocéntrico de las narraciones que protagonizó.
Se considera, paralelamente, la función que Gong Li quiso dar a su starpersona, interviniendo en el proceso de sus producciones fílmicas e involucrándose activamente en la creación de su propia imagen simbólica. El objetivo último es demostrar –desde los estudios de la filosofía feminista y los star studies– que la actriz china Gong Li se alza como una subjetividad actoral autónoma.
El autor
FANG QI (China, 1990). Doctora en Comunicación Audiovisual de la Universitat de Pompeu Fabra, Barcelona. Tiene un Máster en Cine Contemporáneo y los Estudios Audiovisuales de la Universitat de Pompeu Fabra y es licenciada en los Estudios de las Comunicaciones Internacionales de la Universidad de Nottingham. Ha publicado artículos sobre el cine chino, la cultura e historia china, la teoría feminista y la historia del cine en las revistas Arte, Individuo y Sociedad, Comparative Cinema, Janus 2017 Conjuntura Internacional: A Comunicação Mundializada y Artciencia.Com, Revista De Arte, Ciência E Comunicação.
Será el próximo 30 de septiembre previo paso por el Festival de San Sebastián cuando Movistar+ estrene con la emisión de un episodio doble la serie La Fortuna, ambicioso proyecto internacional con Alejandro Amenábar al frente cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La miniserie de seis episodios y 45 minutos de duración cada uno que adapta la novela gráfica de Paco Roca y Guillermo Corral llegará a Estados Unidos a principios de 2022 de la mano de AMC+.
La Fortuna nos presenta a Álex Ventura, un joven e inexperto diplomático que se ve convertido sin proponérselo en el líder de una misión que pondrá a prueba todas sus convicciones, recuperar el tesoro submarino robado por Frank Wild, un aventurero que recorre el mundo saqueando el patrimonio común de las profundidades del mar. Conformando un singular equipo con Lucía, una funcionaria de armas tomar, y Jonas Pierce, un brillante abogado norteamericano apasionado por las viejas historias de piratas, Álex emprenderá la aventura de su vida, descubriendo la importancia del amor, la amistad y el compromiso con aquello en lo que uno cree.
La serie que con guion adaptado a cargo del propio Alejandro Amenábar junto a Alejandro Hernández está protagonizada por Álvaro Mel, Ana Polvorosa, Stanley Tucci, Clarke Peters, T’Nia Miller, Karra Elejalde, Manolo Solo, Blanca Portillo, Pedro Casablanc, Mari Carmen Sánchez, Juan Carlos Vellido, Duncan Pow, Jimmy Shaw, Misa D’Angelo, Deborah Domínguez, Ryan Ford, Marjorie E. Glantz, Delcan Joyce, José Emilio Vera, Ignacio Ysasi y Rick Zingale.
La sección también incluye versiones restauradas de ‘The Rain People (Llueve sobre mi corazón)’ y ‘The Outsiders: The Complete Novel’, de Coppola, y el pase de ‘Ça commence aujourd’hui (Hoy empieza todo)’ en homenaje a Tavernier. La retrospectiva ‘Flores en el Infierno. La edad de oro del cine coreano’ sustituye tres de los títulos programados.
La sección Klasikoak, que el año pasado no se celebró por la pandemia, regresará con seis títulos -tres más que en 2019- dirigidos por Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem, Fernando Fernán-Gómez y Luis María Delgado, Francis Ford Coppola y Bertrand Tavernier. Los tres clásicos españoles, programados para celebrar los centenarios de García Berlanga y Fernán-Gómez, han sido ditigalizados y restaurados por Filmoteca Española.
El año en que se celebra el centenario del nacimiento de Luis García Berlanga, Klasikoak recuperará Esa pareja feliz (1951), su debut como realizador, escrito y codirigido en colaboración con Juan Antonio Bardem. Fernando Fernán-Gómez y Elvira Quintillá protagonizan la historia de un humilde matrimonio madrileño cuyos sueños de bienestar parecen hacerse realidad cuando ganan un concurso patrocinado por una marca de jabón.
La sesión de Berlanga contará con el pase previo de su cortometraje La muerte y el leñador (1962), el tercer fragmento del filme colectivo Las cuatro verdades, basado en fábulas de La Fontaine. El realizador valenciano, que consideraba este episodio como una de las historias más esperpénticas de su filmografía, escribió junto a su inseparable Rafael Azcona la historia de un organillero al que requisan el manubrio por no tener la documentación en regla.
Klasikoak mostrará otra ópera prima, Manicomio (1953), adaptación de cuatro historias de Poe, Kuprin, Andreiev y Gómez de la Serna que Fernando Fernán-Gómez codirigió con Luis Miguel Delgado. Fernán-Gómez, de cuyo nacimiento también se cumple un siglo en 2021, protagoniza esta sátira ambientada en un psiquiátrico en cuyo reparto también figuraron intérpretes de la talla de Elvira Quintillá, Susana Canales, Julio Peña y María Asquerino.
Asimismo, se proyectarán dos recordados largometrajes de los inicios de la carrera de Francis Ford Coppola en versiones restauradas por los estudios American Zoetrope. Por un lado, la sección mostrará The Rain People (Llueve sobre mi corazón, 1969), con la que el realizador italoamericano conquistó la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián y abrió nuevos caminos para un género tan estadounidense como la road movie. Protagonizada por Shirley Knight, James Caan y Robert Duvall, fue el primer largometraje escrito y dirigido en solitario por su director.
El otro filme de Coppola, cineasta que en 2002 recibió el Premio Donostia Especial 50 Aniversario, es The Outsiders: The Complete Novel, una versión extendida de The Outsiders (Rebeldes, 1983), la adaptación de la icónica novela juvenil de Susan E. Hinton. En 2005, el director reintegró 22 minutos de metraje que incluían un nuevo comienzo y un nuevo final más fieles al libro, al tiempo que enriqueció a los personajes que en su día interpretaron C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Diane Lane, Emilio Estevez y Tom Cruise, entre otras futuras estrellas. Además, el nuevo montaje de la película que relataba la lucha de clases entre dos grupos de adolescentes de Oklahoma durante los años 60 contiene una impactante nueva banda sonora de rock and roll con seis canciones de Elvis Presley y otros grandes de la música.
El Festival de San Sebastián aprovechará Klasikoak para homenajear a uno de sus cineastas más queridos, Bertrand Tavernier, de quien se proyectará Ça commence aujourd’hui (Hoy empieza todo, 1999), una emocionante mirada al mundo de la educación que participó en Perlak y obtuvo el Premio del Público en San Sebastián. La sesión será presentada por Thierry Fremaux, director del Festival de Cannes y del Festival Lumière de Lyon, además de albacea del realizador. Fallecido en marzo de este año, Tavernier concursó tres veces en la Sección Oficial del Festival: con Coup de torchon (Corrupción, 1982); con Capitaine Conan (Capitán Conan, 1966), que logró una Mención Especial del Jurado, y con Quai D’Orsay (Crónicas diplomáticas. Quai D’Orsai, 2013), que cosechó el Premio del Jurado al mejor guión y el Premio FIPRESCI. Además de protagonizar su propia retrospectiva en 1999, año en que presidió el Jurado Oficial, el maestro francés participó en Perlak con Laissez-Passer (Salvoconducto, 2002) y con Holy Lola (La pequeña Lola, 2005), que nuevamente le granjeó el Premio del Público. Su última participación en el Festival fue con Voyage à Travers le cinéma français / A Journey Through French Cinema (Las películas de mi vida, por Bertrand Tavernier, 2016), que inauguró la sección Zabaltegi-Tabakalera.
‘FLORES EN EL INFIERNO’
Por otro lado, la retrospectiva Flores en el infierno. La edad de oro del cine coreano incorporará tres títulos en sustitución de otros tantos que finalmente no serán programados por motivos técnicos. En lugar de Ma-ui gyedan / The Devil’s Stairway (1964), Gwiro / Homebound (1967) y Hyu-il /A Day Off (1968), las tres dirigidas por Lee Man-Hee, el ciclo incluirá la proyección de tres dramas con trasfondo social: Lomaenseuppappa / Romantic Papa (Shin Sang-ok, 1960), Mabu / A Coachman (Kang Dae-jin, 1961) y Yeopansa / A Woman Judge (Hong Eun-won, 1962), que fue una de las primeras películas de la historia del cine coreano dirigidas por una mujer.
Flores en el infierno mantendrá en su programa algunas de las más emblemáticas cintas de la época: Hanyeo / The Housemaid (1960), considerada una de las obras maestras de la historia del cine surcoreano; crónicas duras y realistas de la vida en la Corea del Sur de posguerra como Ji-okhwa / The Flower in Hell (1958) y Obaltan / Aimless Bullet (1961); o clásicos del melodrama como Angae /Mist (1967). También destaca el film noir con Geom-eun meori / Black Hair (1964) o el cine juvenil representado por Maenbal-ui cheongchun / The Barefooted Young (1964), así como Dumangang-a jal itgeora / Farewell Duman River (1962), una muestra del western manchú, género típicamente local sobre aventuras ambientadas en Manchuria e inspiradas en el western americano.
El Festival de San Sebastián y Filmoteca Española organizan esta retrospectiva de diez títulos de los años 50 y 60 en colaboración con Filmoteca Vasca y el Centro Cultural Coreano en España. Este ciclo, que en 2020 tuvo que suspenderse por la pandemia, se completará con un libro monográfico editado por el Festival y Filmoteca Española.
Ça commence aujourd’hui / It All Starts Today (Hoy empieza todo)
Bertrand Tavernier (Francia)
País(es) de producción: Francia – 1999
Intérpretes: Philippe Torreton, Maria Pitarresi, Nadia Kaci
Daniel Lefebvre es el director de una guardería en Hernaing, cerca de Valenciennes, en el norte de Francia. Hijo de un minero, le apasiona enseñar en una región que en otro tiempo fue próspera pero que hoy está azotada por el desempleo. Respaldado por un equipo de profesores comprometido y muy competente, Daniel trabaja con los niños para despertar su curiosidad y su expresión personal y estimular su creatividad. Una tarde, una madre, la señora Henry, llega tarde a recoger a su hija, Laetitia. Cuando se agacha para darle un beso, se desploma, totalmente borracha, en el patio. Avergonzada, huye, abandonando a Laetitia y a su hermano, todavía un bebé…
Esa pareja feliz / That Happy Couple
Luis García Berlanga (España), Juan Antonio Bardem (España)
País(es) de producción: España – 1951
Intérpretes: Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá, Félix Fernández, José Luis Ozores, Fernando Aguirre
Juan y Carmen son un humilde matrimonio madrileño. Ella se ocupa de las labores domésticas y él trabaja como electricista en unos estudios de cine. Sus sueños de bienestar se hacen realidad cuando ganan un concurso patrocinado por una marca de jabón. Se trata de la elección de la pareja feliz: durante 24 horas la pareja seleccionada recibe toda clase de invitaciones y obsequios. Pero, precisamente el mismo día, Juan debe resolver dos serios problemas que Carmen desconoce.
La muerte y el leñador (segmento de Las cuatro verdades) / Death and the Woodcutter (segment of Three Fables of Love)
Cortometraje
Luis García Berlanga (España)
País(es) de producción: España – Italia – Francia – 1962
Intérpretes: Hardy Krüger, Ana Casares, Manuel Alexandre, Agustín González, Lola Gaos
Un organillero apodado El Rubio ve requisado el manubrio de su organillo al no poseer toda la documentación en regla. A partir de ese momento comienza un periplo cargado de desgracias para intentar por todos los medios encontrar una pieza equivalente a la sustraída que le permita volver a trabajar.
Manicomio / Asylum
Fernando Fernán-Gómez (España), Luis María Delgado (España)
País(es) de producción: España – 1953
Intérpretes: Elvira Quintillá, Susana Canales , Julio Peña, Fernando Fernán Gómez, María Asquerino
Carlos va a visitar a su novia Juana al manicomio donde trabaja. Una vez allí, el director le presenta a su sobrina, obsesionada con tocar el arpa, y a un enfermero que repite palabra por palabra lo que dice Carlos. Nada es lo que parece en el manicomio.
The Outsiders: The Complete Novel
Francis Ford Coppola (EEUU)
País(es) de producción: EEUU – 2005
Intérpretes: C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Cruise
The Outsiders: The Complete Novel se centra en la lucha de clases entre dos grupos de adolescentes de Oklahoma durante los años 60. En 1983, la película de Francis Ford Coppola basada en la novela de S.E. Hinton tocó la fibra sensible del público, capturando la intensa sensación de estar atrapado entre la infancia y la edad adulta y de no pertenecer a ninguna parte. Décadas después, Coppola ha revisitado el film y reintegrado 22 minutos de metraje que enriquecen a los personajes, incluyendo un nuevo comienzo y un nuevo final más fieles al libro. Una impactante nueva banda sonora de rock and roll que incluye seis canciones de Elvis Presley y otras grandes figuras de la música hace de esta nueva versión de The Outsiders uno de los grandes redescubrimientos de la historia del cine.
The Rain People (Llueve sobre mi corazón)
Francis Ford Coppola (EEUU)
País(es) de producción: EEUU – 1969
Intérpretes: Shirley Knight, James Caan, Robert Duvall, Tom Aldredge, Marya Zimmet
Una lluviosa mañana, Natalie Ravenna, insegura, embarazada de dos meses y sintiéndose atrapada, deja una nota a su marido, aún dormido, se sube al coche y se aleja de su casa en Long Island con el fin de encontrarse a sí misma.
Contiene documentos tanto fílmicos como cinematográficos, muchos de ellos inéditos, datados entre 1960 y 2009
El Ministerio de Cultura y Deporte, a través de Filmoteca Española, ha adquirido el legado documental y fílmico de Iván Zulueta, uno de los archivos personales más potentes en el contexto cinematográfico de la segunda mitad del siglo XX debido a la profusión y diversidad de los materiales que contiene.
Josetxo Cerdán, director de Filmoteca Española, ha definido esta incorporación como “un verdadero acontecimiento para la institución”, y ha destacado la presencia de carretes de película en Súper 8 y 16mm, algunos de ellos materiales nunca proyectados públicamente a pesar de tener una clara intención fílmica. “Zulueta es una de esas figuras míticas que recorre el cine español, con una obra cinematográfica realmente escasa pero de culto entre muchos cinéfilos, dentro y fuera de nuestro país. Era, además, un excelente ilustrador, su labor se extendió en muchos terrenos, desde carteles de cine a carátulas de discos o portadas de libros”.
Entre la documentación relativa a sus fondos cinematográficos se han hallado desde documentos de carácter personal y familiar, que incluyen un guion de una de las prácticas que realizó durante su estancia en la EOC y que completaría la colección de este periodo ya existente en Filmoteca Española; hasta obras de creación como bocetos, carteles o dibujos, pasando por recortes de prensa o correspondencia con personalidades como Terenci Moix, Will More, Carmen Giralt o José Luis Borau. Destaca también la presencia de fotografías polaroid, un formato en el que Zulueta encontró una fuente inagotable de experimentación para crear pequeñas historias imaginarias mediante composiciones de objetos y muñecos. Algunas de ellas ya se pudieron ver en la sección “Mientras tanto…” del programa de diciembre de 2020 del cine DoréEnlace externo, se abre en ventana nueva.
En lo que respecta a la documentación de fondos fílmicos, el archivo incluye piezas fundamentalmente en formato subestándar en S8mm, aunque también algunas en 8mm, 16mm y 35mm que fueron rodadas entre las décadas de 1960 y 80. Entre ellas podemos encontrar obras de ficción o experimentales, filmaciones de reuniones y celebraciones en las que aparecen reconocidos personajes, o materiales para la construcción de obras, descartes y pruebas. Destaca, por ejemplo, la presencia de parte del material con el que se montó Souvenir, película desaparecida hasta la fecha.
Un artista a la vanguardia
Los materiales adquiridos ponen de manifiesto la trascendencia de un artista cuyo trabajo se situó siempre a la vanguardia, conectando el cine de nuestro país con los movimientos artísticos norteamericanos más avanzados, concretamente con el Pop Art, y abriendo así caminos no explorados previamente por el cine español de su época. “En lo personal, casi diría que en lo generacional, Zulueta supone un espejo en el que nos pudimos reconocer muchos adolescentes cinéfilos de la década de los 80. Su escasa pero contundente obra pivota sobre un concepto del cine radicalmente rompedor en su tiempo. Es un cineasta con una sensibilidad única a la hora de crear unas imágenes que, más de cuarenta años después, siguen golpeando las retinas de sus espectadores”, ha destacado Cerdán.
Con solo dos largometrajes en su haber: Un, dos, tres… al escondite inglés (1969) y Arrebato (1979), una docena de cortometrajes rodados en subformatos (Súper 8 y 16mm) entre 1964 y 1978, la concepción y realización de la serie televisiva Último grito (1968) sobre las tendencias artísticas y musicales del momento, y dos capítulos para sendos programas para Televisión Española, Párpados (1989) y Ritesti(1992), su obra audiovisual se complementa con una serie de prácticas realizadas durante su paso por la Escuela Oficial de Cinematografía que ya se conservan en Filmoteca Española. Además, Iván Zulueta desarrolló entre los años 60 y el momento de su muerte una muy profusa obra gráfica que incluye dibujos y pinturas en técnicas muy diversas, así como fotografía. Su trabajo como artista plástico fue requerido por todo tipo de producciones cinematográficas, creando carteles para películas, festivales de cine y todo tipo de iniciativas fílmicas a lo largo de varias décadas.
Acceso al archivo
La incorporación del legado de Iván Zulueta a Filmoteca Española se suma a la de otros archivos adquiridos recientemente como el de Basilio Martín Patino o la obra gráfica de Cruz Delgado, y forma parte de la política de la institución de incremento de sus fondos y colecciones, concretamente en lo que se refiere a la adquisición de materiales relacionados con grandes cineastas. Una vez el archivo de Zulueta haya sido estudiado en profundidad y digitalizado por las y los profesionales de Filmoteca Española, será puesto a disposición de las personas investigadoras que lo requieran.
Agosto de 2007. Aislado en su austero ático con vistas a Central Park, el analista de datos de Wall Street Richard Boca ve patrones siniestros. Sus modelos informáticos se están comportando de manera errática, igual que los enjambres de mosquitos que se reproducen en su apartamento, una plaga que ayuda a su derrumbe psicológico.
El cineasta polaco-estadounidense Filip Jan Rymsza conocido en estos últimos años por ser el responsable de la restauración de ese film perdido e inacabado que es The Other Side of the Wind de Orson Welles presento a concurso en la pasada edición del Festival de Sitges la cinta de insectos y capitalismo Mosquito State, film que parte de la premisa de una muy peculiar odisea llevada a cabo por un analista de Wall Street ( un esforzado Beau Knapp) que sufre una plaga de mosquitos en su lujoso apartamento situado en Wall Street, una película que desato, como ocurrió pocas semanas antes en el Festival Venecia, una en parte muy comprensible disparidad de opiniones con respecto a lo que fue la acogida de un film cuya premisa da la impresión de ir muy por delante de lo que finalmente resulta ser su desarrollo.
Evidentemente con el visionado de Mosquito State, como buen relato de claro índole kafkiano que pretende ser, a un servidor le vino a la mente de buenas a primeras retazos quizás demasiados evidentes del cine perpetrado en su día por David Cronenberg, algo que otorga al film de forma inequívoca una incómoda etiqueta de film derivativo en relación a presentarnos un relato de naturaleza supuestamente hibrida, por una parte el social, en donde se nos muestra como un modelo lucrativo y especulativo está predestinado a desaparecer de forma abrupta, junto a otro que nos conduce a un progresivo y degenerativo descenso en picado a estados mentales y físicos cada vez más alterados como bien pudimos ver en la fundamental The Fly del realizador canadiense, a través de todo ello somos testigos de cómo su protagonista, más cercano, seguramente de forma involuntaria, al Nicolas Cage de Vampire’s Kiss que al Jeff Goldblum del film de Cronenberg , utiliza una obsesión de tono enfermizo hacia los insectos que invaden su ostentoso apartamento para crear a partir de un errático comportamiento un modelo analítico tan alternativo como sofisticado a la hora de intentar predecir los movimientos de los mercados financieros.
La película, de una muy recargada caligrafía visual, sin embargo actúa de forma algo más adecuada en referencia a ser una especie de alegoría retorcida que nos retrata masculinidades en crisis que fluctúan de forma paralela con respecto a un declive capitalista que está a punto de hacer acto de aparición, en concreto el shock financiero acaecido en el año 2008, a tal respecto el film de Filip Jan Rymsza se acerca más al concepto expuesto en el American Psycho de Mary Harron, en lo concerniente a ser un drama con ribetes gruesos de metáfora de época acerca de un pasado aún muy reciente dentro de nuestro imaginario, que en lo relativo a cualquier otro apartado de lo entendible como un apocalipsis orgánico. La metáfora o fábula física en relación a los mosquitos y su conexión con la sangre humana en lo relativo a la asociación del insecto con la enfermedad no termina pues de estar bien adherido a un relato posiblemente demasiado ambicioso en referencia a sus postulados, terminando por estar ante una historia algo difusa, viniendo a representar ese tipo de relato que te quieren explicar demasiadas teorías pero que ninguna de ellas terminan por llegar a un buen puerto en base a una historia acerca de supuestas sociedades asfixiantes que son retratadas en base a metáforas de brocha gorda en lo concerniente al final de una era de capitalismo feroz, o por lo menos de las cosas y los comportamientos entendidos hasta ese determinado momento como tales. Lástima que el exceso de simbolismos algo inocuos de esta especie de psico-horror, en cierta manera tan evidentes como poco conceptuados e incapacitados a la hora de fusionar y desarrollar ideas, termine por desbaratar una analogía o una metáfora que da la sensación de no atreverse a ir hasta las últimas consecuencias de su en un principio interesante enunciado.
Fue en 2013 cuando de alguna manera Alex van Warmerdam se dio a conocer a un público más amplio con la premiada Borgman aunque ya atesoraba una trayectoria a tener muy en cuenta con trabajos tan interesantes como Los norteños (1992), Little Tony (1998) o The Last Days of Emma Blank (2009). Tras su algo desapercibida Schneider vs. Bax (2015) el realizador holandés vuelve a ponerse tras las cámaras con Nr. 10, thriller con elementos de comedia negra cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Nr. 10 nos cuenta la peculiar historia de Günter, un niño encontrado en los bosques alemanes con cuatro años que crecerá bajo la tutela de una familia adoptiva. Cuatro décadas más tarde, su vida podría calificarse de normal, se gana la vida como actor de teatro, dedica gran parte de su tiempo a su hija Lizzy y tiene una relación sentimental con una mujer casada. Sin embargo empezara a cuestionarse sus orígenes cuando repentinamente un extraño en un puente le susurre una palabra al oído.
La película con guion y música a cargo del propio Alex van Warmerdam está protagonizada por Anniek Pheifer, Gene Bervoets, Pierre Bokma, Frieda Barnhard, Tom Dewispelaere, Mandela Wee Wee, Hans Kesting, Dirk Böhling y Richard Gonlag.
Las películas ‘The Eyes of Tammy Faye’ y ‘Enquête sur un scandale d’Etat / Undercover’ completan la lista de títulos a concurso de la Sección Oficial.
El Festival de San Sebastián ha confirmado las tres últimas películas que competirán por la Concha de Oro: una producción europea, una asiática y una estadounidense.
La película Yi miao zhong / One Second (Un segundo), de Zhang Yimou, inaugurará a concurso la 69 edición del Festival de San Sebastián. Yimou, uno de los realizadores chinos más reputados de las últimas décadas, concursará por primera vez en la Sección Oficial con su particular homenaje al cine, protagonizado por un prisionero que escapa del campo de trabajo en plena Revolución Cultural y que busca unas imágenes de su hija, a quien no ve desde hace años. Wei Fan y Yi Zhang encarnan a los personajes principales del filme. Varias de las películas anteriores del director, que presidió el Jurado Oficial en el Festival de San Sebastián en 1997, han pasado por Perlak como, por ejemplo, Huozhe (¡Vivir!, 1994), You hua hao hao shuo / Keep Cool (Mantén la calma, 1997), Ying xiong / Hero (2003) o Shi mian mai fu / The House of Flying Daggers (La casa de las dagas voladoras, 2004).
El director y escritor de The Big Sick (La gran enfermedad del amor, Perlak 2017), nominada al Oscar al mejor guion, Michael Showalter regresa a la gran pantalla con The Eyes of Tammy Faye (Los ojos de Tammy Faye), que recoge el auge y caída de una famosa televangelista estadounidense. Está producida y protagonizada por Jessica Chastain, a quien acompañan en el reparto Andrew Garfield y Vincent D’Onofrio.
El realizador, actor y guionista Thierry de Peretti, cuyas películas Les Apaches / Apaches (2013) y A Violent Life (2017), fueron seleccionadas en la Quincena de Realizadores y la Semana de la Crítica de Cannes, respectivamente, profundiza en Enquête sur un scandale d’Etat / Undercover en una investigación periodística en torno a un antiguo topo, testigo de la corrupción policial en el contexto del narcotráfico. En su reparto figuran Roschdy Zem, Pio Marmaï, Vincent Lindon y Julie Moulier.
Peretti, Showalter y Yimou se incorporan a la lista de cineastas que competirán por la Concha de Oro: Inés Barrionuevo, Iciar Bollaín, Laurent Cantet, Terence Davies, Alina Grigore, Lucile Hadzihalilovic, Zhang Ji, Fernando León de Aranoa, Tea Lindeburg, Claudia Llosa, Paco Plaza, Claire Simon y Jonás Trueba.
Yi miao zhong / One Second (Un segundo)
Zhang Yimou (China)
País(es) de producción: China
Intérpretes: Fan Wei, Zhang Yi
Inauguración
Un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad.
Enquête sur un Scandale d’Etat / Undercover
Thierry de Peretti (Francia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Roschdy Zem, Pio Marmai, Vincent Lindon, Julie Moulier, Alexis Manenti, Mylène Jampanoï
Octubre de 2015. Los agentes de aduanas franceses se incautan de siete toneladas de cannabis en el corazón de la capital. El mismo día, Hubert Antonie, un antiguo topo con un pasado nebuloso, contacta con Stéphane Vilner, periodista de Libération. Asegura que puede demostrar la existencia de un narcotráfico de Estado liderado por Jacques Billard, figura mediática y policía francés de alto rango. Aunque al principio se muestra suspicaz, el joven periodista finalmente se sumerge en la investigación, que le lleva a los rincones más oscuros de la República.
The Eyes of Tammy Faye (Los ojos de Tammy Faye)
Michael Showalter (EEUU)
País(es) de producción: EEUU
Intérpretes: Jessica Chastain, Andrew Garfield
Una visión íntima del extraordinario ascenso, caída y redención de la telepredicadora evangelista Tammy Faye Bakker. En los años 70 y 80, Tammy Faye y su marido, Jim Bakker, pusieron en pie prácticamente de la nada la red de cadenas religiosas más grande del mundo, así como un parque temático, y gozaron de una inmensa popularidad gracias a sus mensajes de amor, aceptación y prosperidad. Tammy Faye era legendaria por sus pestañas indestructibles, su original forma de cantar y su generosidad a la hora de acoger a personas de todo tipo. Pero no pasó mucho tiempo antes de que las irregularidades financieras, las rivalidades e intrigas y los escándalos derrocaran un imperio construido con gran meticulosidad.
Fue una de las películas presentes en la sección Midnight del pasado Festival de Sundance, Knocking, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el segundo trabajo de la realizadora sueca Frida Kempff tras el documental Vinterboj (2015). Un thriller psicológico que vistas sus primeras imágenes nos puede remitir levemente al Repulsión de Roman Polanski y que tiene previsto su estreno en cines de Estados Unidos el próximo 8 de octubre para unos días después, el 19 del mismo mes, estar disponible a través de VOD.
Knocking nos muestra como una mujer que deja el psiquiátrico después de un ataque de ansiedad, una vez ya en su apartamento, comenzar a oír sonidos extraños. Cómo si alguien estuviera llamando a su puerta. A medida que avanza el tiempo los ruidos se vuelven más intensos dando la sensación de ser desesperados gritos de ayuda, pese a comentárselo a sus vecinos nadie excepto ella parece oírlos.
La película con guion a cargo de Emma Broström está protagonizada por Cecilia Milocco, Ville Virtanen, Meliz Karlge di Grado, Albin Grenholm, Kristofer Kamiyasu, Emil Almén, Charlotta Åkerblom, Bill Hugg, Bengt Braskered, Alexander Salzberger, Krister Kern, Christina Indrenius-Zalewski, Naida Ragimova, Nilla Hansson, Tobias Almborg, Karin de Frumerie, Anders Johannisson y Maria Norgren.
Los festivales de cine siempre se han considerado eventos culturales que, a la par que proporcionan espacios alternativos de exhibición, constituyen un potente polo de atracción. Sin embargo, desde hace años ya no se limitan a proporcionar experiencias al público, cinéfilos y profesionales, así como a cristalizar cánones cinematográficos, sino que han ido acumulando labores en principio ajenas, de tal forma que hoy participan activamente en la gestación, producción y promoción de películas, a través de foros de industria, mercado, fondos, becas, etc. Los festivales ya no solo impulsan un particular circuito cinematográfico que añade valor simbólico a las películas que en ellos se proyectan, sino que —cada vez más— desempeñan una labor económica y comercial clave en el ámbito del negocio del cine de autor. En estas circunstancias, se hace necesario promover una reflexión sobre el fenómeno festivalero, así como aprovechar la ocasión para repasar y celebrar nuestro propio festival, dejando testimonio escrito de la fructífera senda recorrida durante estos primeros veinte años de andadura. Por ello, festejamos su vigésimo aniversario revisando su trayectoria, incidiendo en sus secciones más características, pero sin dejar pasar la ocasión de repasar sus datos más significativos, así como sus interioridades y significación, en una entrevista con su director. Además, el libro también quiere dejar constancia del legado más importante de todo festival: sus libros y sus películas más relevantes.
Autor: Jesús García Hermosa (Ed.), Editorial: Ediciones El Drago, Páginas: 432
El director norteamericano visitará por primera vez Galicia para celebrar su carrera en el Festival
El legendario realizador norteamericano Joe Dante será el invitado de honor de la 49 edición de Curtas Festival do Imaxinario de Vilagarcía de Arousa, donde recogerá el galardón honorífico en la gala de clausura del festival, el sábado 30 de octubre, en reconocimiento a su enorme contribución al género fantástico.
Nacido en 1946 en Morristown, Nueva Jersey, Dante comenzó su carrera como editor para el productor Roger Corman. En 1978 debutó en la dirección en solitario con “Piraña”, escrita por John Sayles, con el que volvió a colaborar en “The Howling (Aullidos)” (1981), que este año celebra su 40 aniversario.
En 1983 comenzó una exitosa colaboración con Steven Spielberg como productor, dirigiendo uno de los segmentos de la adaptación cinematográfica de la serie “The Twilight Zone”. Continuando con el gran éxito de “Gremlins” (1984), su secuela “Gremlins 2” (1990) o “El chip prodigioso” (1987). Además de firmar otros títulos como “Exploradores” (1985), “No matarás al vecino” (1989), “Matinee” (1993), “Pequeños guerreros” (1998), “Burying the Ex” (2014), o la antología «Nightmare Cinema» (2018), su último largometraje hasta el momento.Como parte del homenaje, Curtas Festival do Imaxinario acogerá un encuentro con Joe Dante y una retrospectiva con varias de sus pelílculas, así como una exposición con reproducciones de sets a tamaño real, piezas originales de «Gremlins», que además se complementa con varios homenajes de ilustradores de todo el mundo a la película.
Primeros títulos confirmados
Una gran selección de lo mejor del cine fantástico mundial se dará cita en Curtas Festival do Imaxinario con títulos como «The Spine of Night», film de animación dirigido por Philip Gelatt y Morgan Galen King, que nos traslada a una tierra de fantasía en los que conoceremos la lucha de héroes de diferentes épocas contra una poderosa fuerza maligna; «Son», escrita y dirigida por Ivan Kavanagh, en la que una madre llegará hasta el límite para proteger a su hijo de una peligrosa secta; o la historia de maldiciones familiares de «The Accursed», de Kathryn Michelle y Elizabeta Vidovic.
Desde Galicia, y a ritmo de black metal, llegará el terror rural de «Jacinto», de Javi Camino; y desde Taiwan hará lo propio «The Sadness», el debut de Rob Jabbaz cuya premiere mundial acaba de tener lugar en el Festival de Locarno, para teñir de rojo la pantalla de Curtas en una sesión especial que permanecerá en la memoria de los asistentes durante años
Será una de las películas presentes el próximo mes de octubre en el Festival de Sitges, el debut tras las cámaras de Sean King O’Grady titulado We Need to Do Something, cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, es un thriller de terror que indaga en la temática de encierro adaptando al cine una novela de Max Booth III. La película que tuvo su premier mundial hace unos meses en el marco del Festival de Tribeca se estrenará en VOD y cines de Estados Unidos el próximo 3 de septiembre.
En We Need to Do Something vemos como Melissa y su familia buscan refugio ante una gran tormenta que está a punto de caer, algo que provocara que queden atrapados en el interior de una casa. Sin ningún tipo de señal de rescate, las horas se convierten en días y Melissa se da cuenta de que tanto ella como su novia Amy podrían tener algo que ver con un misterio que amenaza con acabar con su familia.
La película con guion adaptado a cargo de Max Booth III está protagonizada por Vinessa Shaw, Sierra McCormick, Pat Healy, John James Cronin y Lisette Alexis.
La sección competitiva más abierta del Festival la integran filmes premiados o programados en Venecia, Cannes y Berlín, entre otros festivales, así como dos estrenos mundiales. En total, participan 18 títulos: trece largometrajes, un mediometraje y cuatro cortos.
Un total de 18 títulos optarán al Premio Zabaltegi-Tabakalera de la sección competitiva más abierta del Festival de San Sebastián, en la que no hay limitaciones de estilo o tiempo. Este año se incluyen trece largometrajes, un mediometraje y cuatro cortos entre los que figuran trabajos de Joanna Hogg, Radu Jude y Gaspar Noé. Varios de los filmes seleccionados proceden de festivales como Venecia, Cannes o Berlín -entre ellos destacan los Osos de Oro al mejor largometraje y al mejor corto de la Berlinale-, y también hay obras de cineastas vinculados a San Sebastián -Jean Gabriel Périot, Kiro Russo, Laura Wandel- por su participación en secciones como Nest y programas como Ikusmira Berriak.
Kiro Russo, que con su corto Nueva vida / New Life (2015) ganó el Primer Premio y el Premio Orona de la sección Nest, participará en Zabaltegi-Tabakalera cinco años después de mostrar en Horizontes Latinos su debut en el largo, Viejo calavera (2016). Tras estrenarlo en la sección Orizzonti del próximo Festival de Venecia, el director boliviano mostrará en San Sebastián su segundo trabajo, El gran movimiento, gestado en el programa Ikusmira Berriak bajo el título La loba, una historia sobre un obrero enfermo que intenta salvarse a través de un curandero.
También proviene de Orizzonti el nuevo trabajo del eslovaco Peter Kerekes Cenzorka / 107 Mothers, una película que bascula entre la ficción y la no ficción ambientada en una cárcel para mujeres de Ucrania. Con amplia experiencia en el campo del cine documental, el realizador eslovaco es autor de obras como 66 sezón / 66 Seasons (2003), Ako sa varia dejiny / Cooking History (2009), Zamatoví teroristi / Velvet Terrorists (2013) y Occupation 1968 (2018).
El director de cine, teatro y televisión Kirill Serebrennikov presentará la película con la que compitió en la Selección Oficial de Cannes, Petrov’s Flu, sobre un hombre cuya vida discurre en la frontera entre la ensoñación y la realidad. Es el tercer largometraje del realizador ruso, que estrenó su debut, The Student (2016), en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes y después optó a la Palma de Oro del certamen con Leto / Summer (Perlak, 2018).
Zabaltegi-Tabakalera también ha programado la película que ganó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, Razzhimaya Kulaki / Unclenching the Fists, una historia que acontece en una ciudad minera de Osetia del Norte donde una joven trata de escapar del control sofocante de su familia. Se trata del segundo largometraje de la cineasta rusa Kira Kovalenko, que debutó con Sofichka (2016).
Un monde / Playground, una inmersión en el universo escolar a través de los ojos de una niña cuyo hermano sufre acoso, es la ópera prima que Laura Wandel ha estrenado este año en Un Certain Regard, donde obtuvo el Premio Fipresci. Antes, la realizadora belga presentó su cortometraje Murs (2007) en diversos certámenes internacionales, incluida la sección Nest de San Sebastián, y con Les corps étrangers (2014) compitió en la Selección Oficial de cortometrajes de Cannes.
Otro título recuperado del festival francés, concretamente de la sección Cannes Première, es Vortex, de Gaspar Noé, que relata la relación de dos ancianos. El realizador franco-argentino participó en Perlak con Irréversible (2002), que años después en 2009 formó parte de la retrospectiva La contraola: novísimo cine francés, y fue uno de los directores del largometraje colectivo 7 días en La Habana / Seven Days in Havana (Zabaltegi Especiales, 2012).
En las Proyecciones Especiales del festival francés participó Mi Iubita, Mon Amour, el debut largo como realizadora de la actriz parisina Noémie Merlant, que protagonizó Portrait de la jeune fille en feu (Retrato de una mujer en llamas, Perlak 2019), de Céline Sciamma. Ahora, tras firmar los cortometrajes Shakira (2019) y Je suis une biche (2017), Merlant dirige y protagoniza la historia de una mujer que en su despedida de soltera en Rumanía conoce a un chico más joven que ella.
Procedente de la Quincena de Realizadores de Cannes llegará The Souvenir: Part II, la segunda entrega del relato autobiográfico de la directora británica Joanna Hogg, autora de filmes como Archipelago (2010), Exhibition (2013) y The Souvenir (2019), con la que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance. Su último filme es un retrato de la artista que trasciende los titubeantes detalles de la vida cotidiana: se trata de una mezcla alquímica y singular de memorias y fantasía.
También concursó en la Quincena de Realizadores Jean-Gabriel Périot, que mostró en Zabaltegi-Tabakalera su debut largo, Une jeunesse allemande / A German Youth (2015), y ganó el premio de esta sección con el cortometraje Song for the Jungle (2018). También ha competido en New Directors con el largometraje Lumières d’été-Natsu no hikari / Summer Lights (2016) y con Nos défaites (Our Defeats / Nuestras derrotas, 2019) en Zabaltegi-Tabakalera, a donde el realizador francés regresa este año con Retour à Reims (Fragments) / Returning to Reims, que parte del texto de Didier Eribon para narrar, mediante diverso material de archivo, una historia íntima y política del mundo obrero francés desde los años 50 hasta la actualidad.
Procedente del último Festival de Cine de Animación de Annecy, donde obtuvo la Distinción del Jurado, llegará La traversée / The Crossing, el primer largometraje de Florence Miailhe, sobre dos hermanos que huyen de la guerra y la persecución a los migrantes. Con más de tres décadas de experiencia en el cortometraje animado, algunos de sus trabajos han sido galardonados en festivales como Clermont-Ferrand o Cannes, así como en los Premios César del cine francés.
El japonés Kyoshi Sugita presentará la película con la que ganó el Grand Prix y el Premio del Público en el último FIDMarseille. Haruharasan no Uta / Haruhara-san’s Recorder, cuya protagonista intenta superar el suicidio de su pareja, es el nuevo trabajo del responsable de títulos como Hitotsu no uta (A Song I Remember, 2011) o Hikari no uta (Listen to Light, 2017), ambas presentadas en el Festival de Tokio.
El rumano Radu Jude presentará Babardeală cu bucluc sau porno balamuc / Bad Luck Banging or Loony Porn, la historia de una maestra que se mete en problemas por un vídeo personal de contenido sexual. La película se alzó con el Oso de Oro en el Festival de Berlín, donde el cineasta ya ganó el Premio a la mejor dirección por Aferim! (2015). También ha obtenido, entre otras distinciones, el Premio Especial del Jurado en Locarno por Inimi cicatrizate / Scarred Hearts (2016) y el Globo de Cristal a la mejor película en Karlovy Vary por Îmi este indiferent daca în istorie vom intra ca barbari / I Do Not Care If We Go Down in History as Barbarians (2018).
Por su parte, Olga Lucovnicova participará con Nanu Tudor / My Uncle Tudor, el trabajo con el que ganó el Oso de Oro al mejor cortometraje en el Festival de Berlín. La directora moldava, que documenta su propio regreso a la casa de sus bisabuelos, es autora de cortos como O crenguță de scoruș / One Little Rowan Branch (2016), Nu am, moarte, cu tine nimic… / I Do Not Hate You, Death (2016) y Nu e sfârșitul / It’s Not the End (2019).
El chino Zhang Dalei presentará Xia Wu Guo Qu Le Yi Ban / Day is Done, que también formó parte de Berlinale Shorts en el último Festival de Berlín. El cortometraje, continuación de su anterior Ba yue / The Summer is Gone (2016), comienza cuando un joven regresa a la casa de su abuelo.
Asimismo, Zabaltegi-Tabakelera incluirá dos estrenos mundiales. Por un lado, lacatalana Laura Rius Aran, codirectora de Les amigues de l’Àgata / Agata’s Friends (2015), mostrará el mediometraje Les filles du feu / My Friends and the Fire (Las del fuego), la historia del reencuentro de cinco amigas que sucede a su anterior corto, Millions (and Millions) of Memories (2018). Por otra parte, la cineasta franco-italiana Lubna Playoust participará con su último cortometraje, Le cormoran / The Cormorant, ambientado en la casa de una isla donde se recluyen una madre y su hijo.
A todos estos títulos se les sumarán los ya anunciados Eles transportan a morte / They Carry Death (Ellos transportan la muerte), de Helena Girón y Samuel M. Delgado, y Heltzear, corto de Mikel Gurrea. El largometraje de Girón y Delgado, un relato de aventuras con un discurso crítico sobre la colonización, se podrá ver tras su paso por la Semana de la Crítica de Venecia. Por su parte, Heltzear, seleccionado en el catálogo Kimuak de 2021 y programado a concurso en la sección Orizzonti de la Mostra de Venecia, narra una historia de superación en un contexto de violencia política.
PELÍCULAS
BABARDEALĂ CU BUCLUC SAU PORNO BALAMUC / BAD LUCK BANGING OR LOONY PORN
La reputación de Emi, una profesora de escuela, se ve amenazada después de que una grabación personal de contenido sexual sea subida a internet. Obligada a enfrentarse a los padres que exigen su despido, Emi se niega a rendirse. Se trata de una película en tres partes vagamente conectadas: un paseo por la ciudad de Bucarest, seguida de un ensayo juguetón sobre obscenidades, todo lo cual culmina, en la tercera parte, en un incendiario y cómico enfrentamiento.
CENZORKA / 107 MOTHERS
PETER KEREKES (ESLOVAQUIA)
País(es) de producción: Eslovaquia – Rep. Checa – Ucrania
Lesya ha cometido un crimen pasional por el que es sentenciada a siete años en un correccional de mujeres en Odesa. Acaba de dar a luz a su primer hijo y ahora va a entrar en un mundo poblado únicamente por mujeres: reclusas, enfermeras y guardias, mujeres de todas las edades, esposas y viudas, hijas, hermanas, embarazadas y también mujeres con hijos. De no ser por el color del uniforme, a veces sería difícil decir quién es quién.
EL GRAN MOVIMIENTO
KIRO RUSSO (BOLIVIA)
País(es) de producción: Bolivia – Francia
Intérpretes: Julio César Ticona, Max Eduardo Bautista Uchasara
Una sinfonía de la ciudad en las alturas, la enfermedad de un trabajador, la pesadilla y su redención.
ELES TRANSPORTAN A MORTE / THEY CARRY DEATH (ELLOS TRANSPORTAN LA MUERTE)
HELENA GIRÓN (ESPAÑA), SAMUEL M. DELGADO (ESPAÑA)
País(es) de producción: España – Colombia
Intérpretes: Nuria Lestegás, Sara Ferro, Xoán Reices, Valentín Estévez, David Pantaleón
Entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en el Viejo Mundo, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte. Ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.
HARUHARASAN NO UTA / HARUHARA-SAN’S RECORDER
KYOSHI SUGITA (JAPÓN)
País(es) de producción: Japón
Intérpretes: Chika Araki, Minako Niibe, Takenori Kaneko, Saho Ito
Sachi ha empezado a trabajar a media jornada en un café después de dejar su empleo como curadora en un museo y se ha mudado a un apartamento recomendado por alguien que frecuenta el café. Con este cambio de trabajo y de dirección trata de superar el suicidio de su compañera, Yuki, ocurrido cuando vivían juntas. Sin embargo, aunque ya no puede verla, la imagen de Yuki permanece en su mente y se aparece como una ilusión ante sus ojos.
HELTZEAR
Cortometraje
MIKEL GURREA (ESPAÑA)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Haizea Oses, Mikel Arruti, Oier de Santiago
Donostia, año 2000. El conflicto vasco está activo. Mientras escribe una carta a su hermano ausente, Sara, una escaladora de 15 años, entrena para la ascensión más difícil de toda su vida.
LA TRAVERSÉE / THE CROSSING
FLORENCE MIAILHE (FRANCIA)
País(es) de producción: Francia – Alemania – Rep. Checa
Un pequeño pueblo saqueado, una familia obligada a huir. Los dos hijos mayores, Kyona y Adriel, son rápidamente separados de sus padres y afrontan solos el camino del exilio. Se embarcan en un heroico viaje que los lleva de la infancia a la adolescencia en busca de refugio, paz y la esperanza de encontrar cobijo y a su familia. Atravesando un continente desgarrado por la guerra y la persecución a los migrantes, estos valientes hermanos sobreviven a increíbles desafíos.
Un madre y su hijo están recluidos en su casa en una isla remota. Allí se entrelazan dos momentos de sus vidas -la juventud y la madurez- donde se forjan los frágiles pero indestructibles vínculos de su relación.
LES FILLES DU FEU / MY FRIENDS AND THE FIRE (LAS DEL FUEGO)
Mediometraje
LAURA RIUS ARAN (ESPAÑA)
País(es) de producción: Francia
Magdalena, Oriane, Anna, Solène y Morgane. Han pasado diez años desde la última vez que se vieron. Cuando tenían 16 años se fueron de viaje juntas. A una bonita casa frente al mar. Fueron a la playa, bebieron un poco de vino, bailaron… Y entonces, todo ardió.
MI IUBITA, MON AMOUR
NOÉMIE MERLANT (FRANCIA)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Gimi Covaci, Noémie Merlant, Sanda Codreanu, Clara Lama-Schmit, Alexia Lefaix
Jeanne viaja a Rumanía para celebrar su despedida de soltera con sus amigas y allí conoce a Nino y a su familia. Están a años de luz de distancia, pero para ambos es el comienzo de un apasionado e infinito verano.
NANU TUDOR / MY UNCLE TUDOR
Cortometraje
OLGA LUCOVNICOVA (REPÚBLICA DE MOLDAVIA)
País(es) de producción: Bélgica
Tras veinte años de silencio, la cineasta regresa a la casa de sus bisabuelos, donde tuvieron lugar dolorosos acontecimientos que dejaron para siempre una profunda huella en su memoria. Su intento de superar el pasado contrasta con la anhelada reunión familiar.
PETROV’S FLU
KIRILL SEREBRENNIKOV (RUSIA)
País(es) de producción: Rusia – Francia – Suiza – Alemania
Intérpretes: Semyon Serzin, Chulpan Khamatova
Rusia postsoviética. Un día en la vida de la familia Petrov durante una epidemia de gripe. Afectado por la enfermedad, él es un delirante dibujante de comics. Ella, una bibliotecaria que disfruta matando hombres abusivos. Entre las capas de lo ordinario, las cosas resultan ser bastante extraordinarias.
En las montañas de Osetia del Norte, entre escarpados riscos, se encuentra el pequeño pueblo minero de Mizur. Como consecuencia de ciertos hechos dramáticos, Zaur se mudó aquí con sus hijos, Ada, Akim y Dakko. Zaur es un padre estricto que valora la disciplina sobre todas las cosas y no sabe distinguir entre cuidado y sobreprotección. Su hijo mayor, Akim, ya escapó de él para trabajar en Rostov, la ciudad más cercana a Mizur. Su hermano menor, Dakko, todavía tiene que decidir qué quiere de la vida, y su hermana Ada está planeando activamente su huida. Es ya una mujer, pero su padre la sigue tratando como a una niña pequeña. Ada se dará cuenta pronto de que será muy difícil escapar de su padre y comenzar una nueva vida. El regreso de Akim verterá luz sobre los traumas de la familia de los que no se habla y que están por cicatrizar.
RETOUR À REIMS (FRAGMENTS) / RETURNING TO REIMS
JEAN-GABRIEL PÉRIOT (FRANCIA)
País(es) de producción: Francia
Adaptación libre de la novela homónima de Didier Eribon, Retour à Reims relata a través de material de archivo una historia íntima y política de la clase trabajadora francesa desde comienzos de los años 50 hasta la actualidad.
THE SOUVENIR: PART II
JOANNA HOGG (REINO UNIDO)
País(es) de producción: Reino unido
Intérpretes: Honor Swinton Byrne, Tilda Swinton
Como consecuencia de su tumultuosa relación con un hombre mayor carismático y manipulador, Julie comienza a desenmarañar su tenso amor por él a través de su película de graduación, separando los hechos reales de la elaborada ficción que ha construido. Brillante historia de Joanna Hogg sobre el primer amor y los primeros años en el desarrollo de una mujer joven, The Souvenir: Part II es un retrato de la artista que trasciende los titubeantes detalles de la vida cotidiana: se trata de una mezcla alquímica y singular de memorias y fantasía.
UN MONDE / PLAYGROUND
LAURA WANDEL (BÉLGICA)
País(es) de producción: Bélgica
Intérpretes: Maya Vanderbeque, Günter Duret
Bélgica. En la actualidad. Nora, una niña de siete años, y su hermano mayor, Abel, vuelven a la escuela. Cuando Nora presencia cómo otros niños abusan de Abel, se apresura a protegerle avisando a su padre. Pero Abel la obliga a guardar silencio. Atrapada en un conflicto de lealtades, Nora intentará encontrar su lugar, dividido entre el mundo de los niños y el de los adultos.
VORTEX
GASPAR NOÉ (FRANCIA – ARGENTINA)
País(es) de producción: France
Intérpretes: Françoise Lebrun, Dario Argento, Alex Lutz
«La vida es una fiesta corta que pronto será olvidada».
XIA WU GUO QU LE YI BAN / DAY IS DONE
Cortometraje
ZHANG DALEI (CHINA)
País(es) de producción: China
Intérpretes: Li Xuejian
Xiao Lei regresa a casa de su abuelo. El complejo residencial y la familia siguen siendo los mismos, pero ahora hay arrugas en los rostros de los padres. Xiao Lei, que nunca deja sus nunchakus, ha crecido. La vida en la pequeña casa del abuelo siempre fue tranquila y lenta, incluso las triviales rutinas diarias entre los miembros de la familia son agradables y cálidas.
In the Dusk nos sitúa en la Lituania, 1948. La guerra ha terminado, pero el país está en ruinas. Untė, de 19 años, es miembro del movimiento partisano que resiste a la ocupación soviética. No combaten en igualdad de condiciones, pero esta lucha desigual determinará el futuro de toda la población. A la edad en que se descubre la vida, Untė descubre la violencia y la traición. Las líneas se desdibujan entre su ardiente pasión juvenil y la causa por la que está luchando. Se entregará en cuerpo y alma, aunque eso signifique perder la inocencia.
El nuevo trabajo del cineasta lituano Sharunas Bartas viene a certificar de una forma bastante clara ese tipo de cinematografía, que curiosamente el responsable de Peace to Us in Our Dreams ha ido depurando con el paso de los años, cuyo visionado por parte del espectador no resulta sencillo ni agradable, ni mucho menos lúdica en referencia a su vertiente autoral, posiblemente la reflexión a la que se enfrente a posterior sí que sea bastante más rica en relación a los matices que lanza, sea como fuera In the Dusk es una película que en parte se sufre más que se disfruta gracias al empeño por parte de su autor de mezclar y ubicar narrativas extremadamente intimistas y reales en contextos históricos de posguerra poco dados a la esperanza.
A través de un cine de claras reminiscencias pictóricas en donde silenciosos largos planos dan lugar a una observación de ritmo bastante lento, que puede llegar a irritar a más de uno, nos queda bien claro para bien que nos encontramos ante un cineasta alejado de cualquier tipo de modas y convencionalismos, se podría decir que In the Dusk más que una película propiamente de guerra es más un relato de sentimientos de penuria con ligeros ribetes de melodrama familiar en base a un estudio de un deterioro percibido como generalizado, ubicado en un contexto bélico devastador a través de la visión neutra de un adolescente que aún no ha sido ni idealizada ni deformada y que supondrá en cierta manera el final de la inocencia direccionada aquí a afrontar una dualidad ética tanto en relación a los secretos de su familia como a los de su propio país, puestos a hilar fino en base a referencias podríamos aseverar que Sharunas Bartas nos ofrece su particular visión del Come and See de Elem Klimov.
Bastante más hermética que en su anterior y notable Frost Bartas ralentiza el costumbrismo hasta extremos insospechados a través de cualquier tipo de narrativa, evidentemente un servidor percibe ante tal acto la función de expresar mediante una fotografía mortecina una atmósfera muy agobiante a través del movimiento restringido de sus protagonistas en donde el fuera de campo se adueña de la función al sistemáticamente ocultarnos más de lo que se nos cuenta, aquella tesis que de alguna manera funciona a modo de preludio de un final como bien lo demuestra ese plano final que parece heredado sin ningún tipo de tapujos ni complejos del Libertarias de Vicente Aranda.
Proyecto de Hamaca + LOCUS✳ que propone el visionado de piezas audiovisuales como punto de partida para explorar temáticas que nos atraviesan, estimular una reflexión individual-comunitaria sobre el sufrimiento psíquico y cristalizar las emociones generadas en un espacio colectivo y seguro.
Del 05 octubre al 03 noviembre la programación consta de cuatro sesiones de proyección en torno a la locura, la sociedad, el sufrimiento y la gestión emocional, abiertas a un público interesado tanto en la temática como en el audiovisual experimental y un grupo paralelo cerrado de visionado y debate, un lugar de seguridad* en construcción.
*El concepto lugar de seguridad, que en la psiquiatría hegemónica se relaciona con espacios de contención policiales y de salud, es subvertido por LOCUS✳ reivindicando la convivencia con la locura radicada en el apoyo mutuo.
Comisariado: LOCUS✳
Coordina: HAMACA, plataforma de audiovisual experimental que funciona como el archivo referente de la historiografía vídeo en el Estado español. Es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivo preservar, distribuir y dar a conocer en el ámbito estatal e internacional obras que utilizan el audiovisual como medio artístico, documental o que aportan relatos contrahegemónicos.
Aviso de contenido sensible: en esta actividad aparecen datos de diversas cuestiones relacionadas con sufrimiento psíquico que pueden perturbar a quienes hayan experimentado problemas de salud mental.
Parece ser que este 2021 da la impresión de ser bastante prometedor en referencia al cine de terror proveniente del Sudeste Asiático, si hace unos días hablábamos de la tailandesa The Medium de Banjong Pisanthanakun ahora es turno para la cinta proveniente de Taiwán The Sadness del debutante de Rob Jabbaz, film cuyo primer Red band tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que vista sus primeras y explícitas imágenes nos pueden remitir en algo a las añoradas Categoria III del cine de Hong Kong, tras su paso por certámenes como Locarno o Fantasia estará probablemente presente en la próxima edición del Festival de Sitges.
En The Sadness vemos como una joven pareja se encuentra en el centro de una inexplicable ola de caos y violencia a causa del estallido generado por una misteriosa pandemia en la que muchos ciudadanos se ven impulsados a seguir sus instintos más oscuros y violentos. Lo que vendrá a continuación será una serie de cruentos sucesos que suponen el ocaso de lo que entendemos como la civilización y el orden
La película con guión a cargo del propio Rob Jabbaz está protagonizada por Regina Lei, Berant Zhu, Ying-Ru Chen, Tzu-Chiang Wang, Lue-Keng Huang, Wei-Hua Lan, Ralf Chiu y Emerson Tsai.
Este libro argumenta en favor de un trabajo crítico que haga hincapié, por un lado, en la Semiótica como Teoría general de la comunicación y de la producción / reproducción socio-ideológica y, por el otro, en la Teoría de género en cuanto Teoría del discurso, dimensión crítica indispensable para una comprensión efectiva tanto de la subjetividad como del imaginario social. Desde este punto de vista y en el contexto de la interculturalidad como base de toda formación cultural que resulta de la interacción de poderes distintos e históricamente específicos, el estudio del cine es especialmente relevante para el análisis crítico de los lenguajes no verbales (o no solo verbales) y de la comunicación audiovisual. Por eso es importante llevar a cabo una reflexión crítica sobre el cine que sea capaz de desentrañar su dimensión política en cuanto elemento productivo (y no reproductivo, o mimético) del imaginario socio-sexual de nuestra época.
Algo antes de lo previsto y con una ligera polémica suscitada estos últimos días por la censura inicial de su cartel acaba de ver la luz un primer tráiler de la mano de Sony Pictures, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del esperado nuevo trabajo tras las cámaras de Pedro Almodóvar titulado Madres paralelas. La película, que inaugurará la próxima edición del Festival de Venecia y que llegará a los cines de nuestro país el 10 de septiembre, vuelve a ser un relato que transitar a través universos femeninos tan característicos y habituales dentro de la filmografía del realizador manchego.
Madres paralelas sigue a dos mujeres llamadas Janis y Ana, que coinciden en la habitación de un hospital en donde ambas van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas de forma accidental. Sin embargo su actitud ante la situación es bien distinta, Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto está pletórica, la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida e incluso traumatizada ante el hecho. Janis intenta animarla mientras pasean como sonámbulas por el pasillo del hospital. Las pocas palabras que cruzan ambas en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que el azar se encargará de desarrollar de un modo tan rotundo e inesperado que cambiará sus vidas.
La película Producida por El Deseo y con la participación de RTVE y Netflix cuenta con un guion del propio Pedro Almodóvar y música a cargo de Alberto Iglesias estando protagonizada por Penélope Cruz, Aitana Sánchez-Gijón, Israel Elejalde, Milena Smit, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Daniela Santiago, Adelfa Calvo, José Javier Domínguez, Inma Ochoa, Trinidad Iglesias, Carmen Flores, Arantxa Aranguren y Ana Peleteiro.
Nomadland, dirigida por Chloé Zhao, ha obtenido el Gran Premio FIPRESCI 2021 tras ser elegida mejor película del año 2021 por los miembros de la Federación Internacional de Críticos de Cine, FIPRESCI. En la votación han participado 633 críticas y críticos de todo el mundo, que han elegido esta producción estadounidense entre todas las películas estrenadas tras el 1 de julio de 2020.
Las otras cuatro finalistas han sido Druk / Another Round (Otra Ronda), de Thomas Vinterberg, que ganó la Concha de Plata en San Sebastián al mejor actor para su cuarteto protagonista, el Premio a la mejor película europea y el Oscar a la mejor película internacional, entre muchos otros galardones; Quo Vadis, Aida?, de Jasmila Zbanic, que concursó en el pasado Festival de Venecia y estuvo nominada al Oscar; Ras vkhedavt rodesac cas vukurebt? / What Do We See When We Look at the Sky?, de Alexandre Koberidze, que compitió en el pasado Festival de Berlín, donde ganó el Premio Fipresci, y Babardeală cu bucluc sau porno balamuc / Bad Luck Banging or Loony Porn, de Radu Jude, Oso de Oro en el Festival de Berlín de 2021.
Chloé Zhao recibe esta distinción con su tercer largometraje tras Songs My Brother Taught Me (2015) y The Rider (2017). El Gran Premio FIPRESCI es el último reconocimiento a Nomadland (Perlak, 2020), que tras ganar el León de Oro en Venecia en 2020 ha cosechado una interminable lista de galardones entre los que destacan los Globos de Oro a la mejor película dramática y a la mejor dirección, los BAFTA a mejor película, dirección, dirección de fotografía y actriz protagonista y los Oscar a mejor Película, mejor dirección y mejor actriz protagonista.
Desde su creación en 1999 han recibido el Gran Premio FIPRESCI cineastas de la talla de Pedro Almodóvar, Michael Haneke, Cristian Mungiu, Jean-Luc Godard, Richard Linklater, Roman Polanski, George Miller, Maren Ade, Aki Kaurismäki, Paul Thomas Anderson y Alfonso Cuarón, entre otros.
El Gran Premio FIPRESCI se entregará durante la gala de inauguración del 69 Festival de San Sebastián. En 2020 no se concedió como consecuencia de la cancelación de festivales y estrenos que provocó la crisis del Covid-19.
NOMADLAND
CHLOÉ ZHAO (CHINA)
País(es) de producción: EEUU
Intérpretes: Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Charlene Swankie
Fern es una mujer que, después del colapso económico de una ciudad en la zona rural de Nevada, empaca su camioneta y se pone en camino para explorar una vida fuera de la sociedad convencional como nómada moderna. La película presenta a los verdaderos nómadas Linda May, Swankie y Bob Wells como mentores y camaradas de Fern en su exploración a través del vasto paisaje del oeste americano.
Algo dispersa ha resultado ser en estos últimos años la trayectoria del siempre interesante Brad Anderson, tras unos primeros trabajos ciertamente notables dentro del ámbito del fantástico con películas como Session 9, The Machinist, Transsiberian o la casi inédita Vanishing on 7th Street Anderson ha transitado en estos últimos tiempos por un sinfín de trabajos televisivos de aparente carácter alimenticio, con el thriller Clickbait, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, vuelve a colaborar al igual que con su anterior Fractured con Netflix con una miniserie de 8 episodios que verá la luz a través de dicha plataforma a partir del próximo 25 de agosto.
Clickbait nos cuenta como Nick Brewer, un aparente buen padre, esposo y hermano, desaparece de casa un día de forma repentina. Al poco tiempo de su ausencia, sale a la luz un video en la red en donde se puede ver a Nick golpeado y sosteniendo un cartel que dice, abuse de mujeres. A los 5 millones de visitas moriré. Mientras su mujer y hermana se apresuran para localizarlo y poder salvarlo, descubren una parte de Nick que no sabían que existía.
La miniserie con guion a cargo de Tony Ayres y Christian White está protagonizada por Adrian Grenier, Betty Gabriel, Zoe Kazan, Jessica Collins, Camaron Engels, Jaylin Fletcher, Motell Gyn Foster, Daniel Henshall, Abraham Lim, Ian Meadows, Phoenix Raei, Elizabeth Alexander, Hannah Brooke, Becca Lish, Kate Lister, Steve Mouzakis, Jack Walton, Mia Challis, Damian Chakhvorostov, Lily Constantine, Sue Hill, Emmanuelle Mattana, Kashmir Sinnamon, Jack Blackwell, Tade Adepoyibi, Amir Aizenstros, Stacey-Lea Clark, Robert Cure, Blake Draper, Jordan Dulieu, Taylor Ferguson, Michael M. Foster, Emily Goddard, Neveen Hanna, Eva Hatzicostas, Josh Hayes y Ferdinand Hoang.
Sesiones: (1 sesión a la semana: martes) 2 horas de duración los martes de 19:00h a 21:00h
Modalidad: online (a través de la plataforma Zoom)
Precio: 120€
Organizado: CineAsia en colaboración con Manga Barcelona
Promoción especial para los suscriptores de la Comunidad Manga: Descuento de un 10% del importe del curso.
Pack de bienvenida: Los 5 primeros alumnos que se apunten al curso tendrán un regalo cineasiático de bienvenida que se les enviará por correo (libro, DVD, Blu-ray).
Materiales y Certificado del curso: Todos los alumnos recibirán después de cada clase un resumen en pdf de la sesión, además de bibliografía y filmografía recomendadas. Además todos los alumnos que superen el 60% de las clases recibirán un certificado final del curso expedido por CineAsia.
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Anime. Un viaje por la historia de la animación japonesa
Hablar de cine japonés sin hacer referencia al anime es tan difícil como caminar sobre las nubes del cielo. La industria de la animación japonesa, sustentada tras la Segunda Guerra Mundial por el extraordinario auge del manga, es de vital importancia para comprender el desarrollo de la animación mundial. Desde la irrupción de Akira, el mundo de la animación ha ido más allá de las producciones Disney. Este hecho ha permitido al espectador conocer otras formas de ver la animación, introduciéndose un concepto, como es el ‘anime’: la animación realizada en Japón.
Este curso pretende hacer un viaje histórico por esta industria desde sus orígenes, con Osamu Tezuka y la Toei Doga al timón, hasta llegar a las últimas producciones del siglo XXI como El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki o Belle de Mamoru Hosoda, sin olvidar los grandes pioneros del anime silente. También focalizaremos en los grandes estudios y bucearemos por el vasto océano otaku, que ha contribuido a que hoy en día la cultura animada sea todo un fenómeno social en Japón.
Sesiones
SESIÓN 1 – 19 Octubre: Presentación del curso e introducción: ¿QUÉ ES EL ANIME?
Presentación del curso y sus profesores. Empezaremos por definir qué es el anime: iremos a la raíz del término, cuál es el proceso de creación de un anime y cómo se relaciona con la potente industria del manga (el cómic japonés).
SESIÓN 2 – 26 Octubre: GRANDES ESTUDIOS Y TEMÁTICAS
Primer repaso a una de las industrias más potentes en Japón a través de sus principales estudios de animación, y de las temáticas más recurrentes dependiendo de las franjas de edades a las que se dirigen.
SESIÓN 3 – 02 Noviembre: ANIME PRIMIGENIO Y 1ª GENERACIÓN TRAS LA II G.M (1956-1972)
Repaso a los orígenes animados de inicios del siglo XX. El uso del anime como arma propagandística durante la II Guerra Mundial. La creación de la Toei Doga, el primer gran estudio de animación. Una “revolución” llamada Osamu Tezuka.
SESIÓN 4 – 09 Noviembre: 2ª GENERACIÓN (1972-1983): COLOSOS DE METAL Y ANIMACIÓN INFANTIL
Superhéroes galácticos con Mazinger Z a la cabeza: la fiebre por los titanes de metal se apoderaba de la TV. De las space opera, al nacimiento de la saga Gundam, pasando por Macross y la Nippon Animation que conquistaría el corazón de todos con Heidi, Marco o El Perro de Flandes…
SESIÓN 5 – 16 Noviembre: 3ª y 4ª GENERACIÓN (1983-1995 y 1995-2000): EL VÍDEO Y PRIMER BOOM DEL MANGANIME EN OCCIDENTE – VISIONES DE FUTURO EN EL ANIME
Cambio en el mercado audiovisual con el Laser Disc y el formato OVA. Ciencia ficción y ciberpunk, unido a mundos apocalípticos. El fenómeno de Dragon Ball y Akira en Occidente. La revolución animada de Ghost in the Shell y los comienzos de Satoshi Kon. El anime de medianoche.
SESIÓN 6 – 23 Noviembre: STUDIO GHIBLI Y EL ARTE DE HAYAO MIYAZAKI
Dedicaremos una sesión al Studio Ghibli y sus fundadores con Hayao Miyazaki a la cabeza. Veremos cuáles son sus trabajos más representativos y los del estudio, y el legado que ha dejado… Una vida dedicada al arte (animado).
SESIÓN 7 – 30 Noviembre: AÑOS 2002-2021 (PARTE 1): DEL ANIME TRADICIONAL AL DIGITAL
El Oscar de El Viaje de Chihiro y su repercusión mundial, y Millennium Actress, la consolidación de Satoshi Kon: ambas, últimas producciones en formato de acetato tradicional. La transición al medio digital y los CGI.
SESIÓN 8 – 07 Diciembre: AÑOS 2002-2021 (PARTE 2): NUEVA GENERACIÓN DE ANIMADORES
El anime en internet y plataformas: la creación del “ONA” (Original Net Anime). Nueva generación de animadores: hablaremos de Makoto Shinkai, Mamoru Hosoda, Mari Okada, Masaaki Yuasa, Keiichi Hara… Un nuevo siglo de prosperidad se abre para el anime.
SESIÓN 9 – 14 Diciembre: ANIME AL MARGEN DE LA INDUSTRIA
El anime más independiente: desde la animación experimental de Osamu Tezuka, a cortos de denuncia social de directores como Renzo Kinoshita o Koji Yamamura. La animación stop motion de Takeshi Yashiro. Una clase dedicada a esta animación alternativa, alejada de la convencionalidad y del modelo industrial de anime.
SESIÓN 10 – 21 Diciembre: CULTURA OTAKU Y MERCADOTECNIA
¿Qué son los otakus? ¿Qué es el “moe”? Veremos cómo los aficionados al manganime pueden decidir la continuidad de una serie, o cómo pueden llegar a convertirse en gurús del anime. La importancia del coleccionismo y el merchandising. La conexión con la industria musical.
Profesorado
El equipo de CineAsia formado por Eduard Terrades Vicens, Víctor Muñoz, Gloria Fernández y Enrique Garcelán; junto a los profesores invitados especialistas en anime: Oriol Estrada, Laura Montero y David Heredia.
El noruego Eskil Vogt, guionista recurrente en el cine de Joachim Trier, ya había mostrado buenas maneras en 2014 con su primer trabajo como realizador con la notable Blind, siete años después vuelve a incidir en imaginarios psicológicos muy ambiguos lindantes con el fantástico con The Innocents (De uskyldige), film cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película que tuvo su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la sección Un Certain Regard llegará a nuestro país de la mano de Vértigo Films teniendo previsto su estreno comercial en Noruega para el próximo 3 de septiembre.
The Innocents nos sitúa durante unas vacaciones de verano en donde la familia de Ida, de 9 años, se instala en un barrio de los suburbios de Oslo. Con su hermana, la niña trata de ajustarse a su nuevo entorno y se hace amiga de otros dos niños. Lejos de los adultos, los cuatro amigos descubren que poseen poderes sorprendentes, que incluyen inocentemente en sus juegos. Mientras exploran sus nuevos talentos en un bosque y un parque cercanos, su entretenimiento comienza a adquirir poco a poco tintes inquietantes al empezar a ocurrir una serie de sucesos extraños.
La película con guión a cargo del propio Eskil Vogt está protagonizada por Rakel Lenora Fløttum, Alva Brynsmo Ramstad, Sam Ashraf, Mina Yasmin Bremseth Asheim, Morten Svartveit, Kadra Yusuf, Lisa Tønne, Irina Eidsvold Tøien, Marius Kolbenstvedt, Kim Atle Hansen, Nor Erik Vaagland Torgersen, Birgit Nordby y Tone Grøttjord-Glenne.
El actor estadounidense recogerá el galardón honorífico más importante del Festival el día 22 de septiembre en reconocimiento a su trayectoria.
Johnny Depp, uno de los actores más talentosos y versátiles de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia el día 22 de septiembre, miércoles, en el Auditorio Kursaal, dentro de la 69 edición del Festival de San Sebastián.
Depp ha sido nominado en tres ocasiones a los Oscar, ha obtenido un Globo de Oro y ha sido candidato diez veces, ha sido reconocido con el premio al mejor actor y con seis nominaciones por el Screen Actors Guild, y fue el vencedor en la 14 edición de People’s Choice Award. Intérprete en más de 90 producciones audiovisuales, ha producido también una decena de filmes, incluido el más reciente, Minamata (El fotógrafo de Minamata, 2020), de Andrew Levitas; Hugo (La invención de Hugo, 2011), dirigido por Martin Scorsese, o Crock of Gold: A Few Rounds With Shane MacGowan (Crock of Gold: Bebiendo con Shane MacGowan, 2020), realizado por Julien Temple, que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el último Festival de San Sebastián. Asimismo, ha dirigido cortos y el largometraje The Brave (1997), que también escribió y que contó con Marlon Brando como intérprete.
Debutó en el cine con 21 años como víctima de Freddy Krueger en A Nightmare on Elm Street (Pesadilla en Elm Street, 1984) y, con el paso de los años, la relación con la audiencia cristalizó a principios de los 90 a través de sus roles protagonistas en la película de culto Cry-Baby (El lágrima, Zabaltegi 1990), escrita y dirigida por John Waters, y su primera colaboración con Tim Burton, Edward Scissorhands (Eduardo Manostijeras, 1990).
En los siguientes años protagonizaría películas dirigidas por cineastas tan relevantes como Emir Kusturica (Arizona Dream / El sueño de Arizona, 1992), Lasse Hallström (What’s Eating Gilbert Grape? / ¿A quién ama Gilbert Grape?, 1993, y Chocolat, 2000), Tim Burton (Ed Wood, 1994, y Sleepy Hollow, 1999), Jim Jarmusch (Dead Man, 1995), Mike Newell (Donnie Brasco, 1997) y Terry Gilliam (Fear and Loathing in Las Vegas / Miedo y asco en Las Vegas,1998), cineasta a quien el Festival dedicó una retrospectiva.
En el siglo XXI, su interpretación del capitán Jack Sparrow en la saga de Piratas del Caribe (2003, 2006, 2007, 2011 y 2017) le ha granjeado la admiración también de las nuevas generaciones. En esta época recibe sus tres nominaciones a los Oscar por Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl (Piratas del Caribe. La maldición de la perla negra, 2003), Finding Neverland (Descubriendo Nunca Jamás, 2004) y Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (Sweeney Todd, el barbero diabólico de Fleet Street, 2007). Por este último papel recibió un Globo de Oro, premios en los que acumula otras nueve nominaciones. En su amplio inventario de reconocimientos figura también un premio Cesar honorífico (1999), lista a la que se incorpora ahora el Premio Donostia.
En los últimos años ha trabajado con Gore Verbinski (The Lone Ranger / El llanero solitario, 2013), Rob Marshall (Into The Woods, 2014), Scott Cooper (Black Mass, Perlak 2015), Kenneth Branagh (Murder on the Orient Express / Asesinato en el Orient Express, 2017) o Andrew Levitas (Minamata / El fotógrafo de Minamata, 2020).
Depp ha encarnado a escritores, policías infiltrados o forajidos, casi siempre inadaptados, acompañado de compañeros de reparto como Marlon Brando, Faye Dunaway, Jerry Lewis, Penélope Cruz, Helena Bonham Carter, Javier Bardem, Kate Winslet, Mark Rylance, Dustin Hoffman, Judi Dench, Antonio Banderas, John Malkovich, Marion Cotillard, Forrest Whitaker, Al Pacino, Benedict Cumberbatch, Morgan Freeman, Benicio del Toro, Michelle Pfeiffer, Leonardo Di Caprio o Christopher Plummer, entre muchos otros.
Esta será la tercera visita de Johnny Depp al Festival tras su paso fugaz en 1998 junto a Terry Gilliam y su regreso en 2020 por la participación de Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan (Crock of Gold: Bebiendo con Shane MacGowan).
Las entradas para la entrega del premio, que tendrá lugar antes de la proyección fuera de concurso de la película de Sección Oficial La hija, dirigida por Manuel Martín Cuenca y protagonizada por Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz, se pondrán a la venta el lunes 13 de septiembre.
Las series de televisión forman parte de un juego de espejos en el que el texto bebe de su contexto cultural, económico, político y social, pero también quiere influir en él y construir imaginarios colectivos.
El propósito de Series de la resistencia. Diversidad en la televisión frente al trumpismo es explorar las ficciones seriales estadounidenses coetáneas en relación al impacto de las Administraciones de Bush, Obama y Trump. Especialmente, esta última etapa, porque Trump ha abanderado ese nostálgico Make America Great Again y ha contribuido a reforzar el discurso de la antipolítica, la deshumanización y el odio.
Pero el trumpismo también ha encontrado oposición en unas narraciones que rompen con la visión hegemónica en clave de diversidad. Las que hemos llamado series de la resistencia nos trasladan a los márgenes para narrar pasado, presente y futuro desde otras miradas. Producciones en las que mujeres y/o personas marcadas como alternas (clase baja, diversidad funcional, LGBTIQ+, migradas, racializadas…) se convierten en protagonistas, a un lado y otro de las cámaras.
En definitiva, una lectura por ficciones contemporáneas que, valiéndonos de una perspectiva feminista interseccional, nos ayuda a (re)pensar sobre el poder de las series para comprender, interpretar y transformar nuestros entornos
La historia nos traslada a la Barcelona de principios del siglo XX a modo de fiel reflejo de la complicada convivencia de dos tipos de ciudades, una burguesa y modernista, la otra sórdida y sucia. La desaparición de la pequeña Teresa Guitart, hija de una rica familia, conmociona al país y la policía tiene pronto una sospechosa: Enriqueta Martí, conocida como ‘La Vampira del Raval’. El periodista Sebastià Comas se adentrará en el laberinto de calles, burdeles y secretos del barrio del Raval, donde sabe que encontrará la verdad sobre las desapariciones y asesinatos macabros de niños de los que se acusa a la Vampira. Pronto descubrirá́ que allí se esconde una élite dispuesta a ocultar sus vicios a cualquier precio.
Resulta algo complicado, posiblemente debido a la mera y en parte lógica empatía de un servidor hacia sus responsables, sacar a la palestra las carencias de una película como La vampira de Barcelona, un producto ciertamente esforzado a la hora de intentar transitar por recovecos poco dados a la convencionalidad, sin embargo el elevar un producto autóctono por encima de sus posibilidades no deja de ser un arma de doble filo con respecto a cierta objetividad, y más dentro de ese contradictorio ecosistema de los festivales de cine se pudo comprobar el pasado año en el Festival de San Sebastián con el Akelarre de Pablo Agüero, a tal respecto y centrándonos en La vampira de Barcelona el problema viene dado en la medida de que dicho esfuerzo, loable a todas luces, no termina por justificar una propuesta que termina siendo algo errática especialmente en lo concerniente a lo referido a su narrativa.
Hasta cierto punto que su director Lluís Danés provenga del ámbito teatral y televisivo no ha de ser algo negativo de serie a no ser que el film sea esclavo de ese anterior bagaje estético y visual, en tal sentido esta especie de true crime autóctono de principios de siglo peca tanto de una excesiva teatralidad escénica empeñada en mostrarnos una atmosfera laberíntica que termina por agotar al espectador como de una estética por momentos percibida como muy caprichosa, a tal respecto poco favor se hace a la película si en función de su supuesto barroquismo o expresionismo se citen de forma repetida y algo mecánica a nombres como Fritz Lang o Robert Wiene por mucho que El gabinete del Doctor Caligari sea el leit motiv de esta edición y pueda existir una supuesta sinergia en tal sentido.
En La vampira de Barcelona seguramente lo más cercano que encontremos al concepto fantástico radique en su aproximación a ciertas texturas de cuento gótico que parece mirar con algo de timidez a producciones de la Hammer, en tal sentido el relato expuesto a modo de fábula tremebunda se moverá a través de narrativas detectivescas direccionadas hacia un tono que nos recuerda inevitablemente al From Hell de los hermanos Hughes, se obvia el trazo grotesco del asunto, en cierta manera se desmitifica a favor de hacer hincapié en el sensacionalismo mediático de la época y en el abuso de poder de las clases privilegiadas a través de una historia que decide matar al monstruo a la hora de señalar al marionetista oculto en la trastienda. Quién sabe si dentro de unos años, ojala sea así, un producto de las características de La vampira de Barcelona sea en parte reivindicado en función de su condición de rara avis, de producto atípico, lo que queda claro es que a día de hoy el film de Lluís Danés tendrá un aparatoso acomodo popular lejos de esa inestable y distorsionadora burbuja de los festivales de cine.
Bertrand Tavernier (Francia)
Luis García Berlanga (España), Juan Antonio Bardem (España)
Cortometraje
Fernando Fernán-Gómez (España), Luis María Delgado (España)
Francis Ford Coppola (EEUU)
Francis Ford Coppola (EEUU)
por una parte el social, en donde se nos muestra como un modelo lucrativo y especulativo está predestinado a desaparecer de forma abrupta, junto a otro que nos conduce a un progresivo y degenerativo descenso en picado a estados mentales y físicos cada vez más alterados como bien pudimos ver en la fundamental The Fly del realizador canadiense, a través de todo ello somos testigos de cómo su protagonista, más cercano, seguramente de forma involuntaria, al Nicolas Cage de Vampire’s Kiss que al Jeff Goldblum del film de Cronenberg , utiliza una obsesión de tono enfermizo hacia los insectos que invaden su ostentoso apartamento para crear a partir de un errático comportamiento un modelo analítico tan alternativo como sofisticado a la hora de intentar predecir los movimientos de los mercados financieros.
Zhang Yimou (China)
Thierry de Peretti (Francia)
RADU JUDE (RUMANÍA)
PETER KEREKES (ESLOVAQUIA)
KIRO RUSSO (BOLIVIA)
HELENA GIRÓN (ESPAÑA), SAMUEL M. DELGADO (ESPAÑA)
KYOSHI SUGITA (JAPÓN)
Cortometraje
FLORENCE MIAILHE (FRANCIA)
Cortometraje
Mediometraje
NOÉMIE MERLANT (FRANCIA)
Cortometraje
KIRILL SEREBRENNIKOV (RUSIA)
KIRA KOVALENKO (RUSIA)
JEAN-GABRIEL PÉRIOT (FRANCIA)
JOANNA HOGG (REINO UNIDO)
LAURA WANDEL (BÉLGICA)
GASPAR NOÉ (FRANCIA – ARGENTINA)
Cortometraje
que nos encontramos ante un cineasta alejado de cualquier tipo de modas y convencionalismos, se podría decir que In the Dusk más que una película propiamente de guerra es más un relato de sentimientos de penuria con ligeros ribetes de melodrama familiar en base a un estudio de un deterioro percibido como generalizado, ubicado en un contexto bélico devastador a través de la visión neutra de un adolescente que aún no ha sido ni idealizada ni deformada y que supondrá en cierta manera el final de la inocencia direccionada aquí a afrontar una dualidad ética tanto en relación a los secretos de su familia como a los de su propio país, puestos a hilar fino en base a referencias podríamos aseverar que Sharunas Bartas nos ofrece su particular visión del Come and See de Elem Klimov.
CHLOÉ ZHAO (CHINA)
esta especie de true crime autóctono de principios de siglo peca tanto de una excesiva teatralidad escénica empeñada en mostrarnos una atmosfera laberíntica que termina por agotar al espectador como de una estética por momentos percibida como muy caprichosa, a tal respecto poco favor se hace a la película si en función de su supuesto barroquismo o expresionismo se citen de forma repetida y algo mecánica a nombres como Fritz Lang o Robert Wiene por mucho que El gabinete del Doctor Caligari sea el leit motiv de esta edición y pueda existir una supuesta sinergia en tal sentido.