Mes: mayo 2015

Tráiler de la esperada nueva película de Miguel Ángel Vivas «Extinction»

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Posiblemente junto a «Regression» de Alejandro Amenábar sea la película española más ambiciosa de este 2015, «Extinction» el film post-apocalíptico dirigido por Miguel Ángel Vivas que tan buenas sensaciones nos dejó con su opera prima «Secuestrados» estrena un primer y prometedor tráiler que podéis ver a final de página. La película conocida al principio con el título de «Welcome to Harmony» y con un generoso presupuesto de 4,5 millones de euros tendrá su estreno en España para el próximo 14 de agosto. El film es la adaptación al cine de la novela “Y pese a todo” de Juan De Dios Garduño, en la producción encontramos a otro nombre destacado en estos últimos años dentro del panorama de género español como es Jaume Collet-Serra.

«Extinction» nos cuenta como nueve años después de que una infección convirtiese a gran parte de la humanidad en criaturas salvajes y sin intelecto, Patrick, Jack y Lu, una niña de nueve años, sobreviven en aparente tranquilidad en Harmony, un rincón olvidado, cubierto por nieves perennes. Sin embargo, algo terrible ocurrió entre Patrick y Jack y un odio profundo pervive entre ellos. Cuando las criaturas vuelven a aparecer, Patrick y Jack deberán dejar atrás el rencor para proteger lo que más quieren.

La película está interpretada por Matthew Fox,  Jeffrey Donovan,  Ahna O’Reilly,  Quinn McColgan y Clara Lago.

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Los Mundos Fantásticos de Joss Whedon

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Vampiros, demonios y la cazadora. Naves espaciales y forajidos. Martilleantes superhéroes y horribles supervillanos. Mutantes y más naves espaciales. Muñecas vacías pero no tan vacías. Los X-Men y los Vengadores.

JossWhedon, quien se estrenó con la popular BuffyCazavampiros,ha ofrecido a lo largo de los años montones de historias de ciencia ficción y fantasía en muy diferentes formatos, que van desde la televisión al cine, pasando por los cómics y la miniserie para Internet. Poco a poco y por méritos propios se ha convertido en un autor de culto, uno de esos nombres que dan confianza a los aficionados. Los Vengadores fueron la cima de su carrera y ahora, convertido por derecho propio en uno de los grandes, se dispone a dirigir una de las nuevas películas de StarWars. JossWhedon. El hombre, el autor, el genio.

Este libro recoge toda su trayectoria, desde BuffyCazavampiroshasta Los Vengadores: La Era de Ultrón, sin dejarse una sola de sus obras. Firefly, Dr. Horrible, Dollhouse, Astonishing X-Men… todas están aquí. Tanto si ya las conoces como si no, este libro te ofrece una puerta a una miríada de mundos fantásticos. Únete a nosotros en este viaje tan especial.

Autor; Joaquín Sanjuán. Editorial; Ed. Dlorean. Páginas; 185

La distopía postsoviética, tráiler de la sci-fi «Under Electric Clouds»

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Primer tráiler que podéis ver a final de página de la sci-fi rusa «Under Electric Clouds«, cinta de autor futurista de claro componente político-social compuesta por siete historias distintas, conectadas entre sí por un lazo en común, la Rusia de 2017, en pleno centenario del Octubre Rojo. Dirigida por Aleksei German hijo del emblemático director de culto ruso Aleksey German («Hard to be a God» 2013 fue su última película), la película se ha podido ver entre otros certámenes en el pasado festival de Berlín o en el Bafici.

«Under Electric Clouds» nos cuenta como en Rusia en el año 2017 el mundo podría estar al borde de una gran guerra. Vagando por los alrededores de un edificio inacabado, un grupo de marginados lucha por hacerse un hueco en una sociedad cambiante.

La película está interpretada por Lui Frank,  Merab Ninidze,  Viktoriya Korotkova,  Chulpan Khamatova,  Anastasiya Melnikova y Piotr Gasowski.

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«Electric Boogaloo, la loca historia de Cannon Films» próximamente en DVD

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Cameo y 39 Escalones lanzan en DVD «Electric Boogaloo, la loca historia de Cannon Films«, con libreto de Applehead Team Creaciones.

(Incluye libreto de 16 páginas con amplia información sobre la película y las producciones de Cannon Films, escrito, diseñado y maquetado por Applehead Team Creaciones)

En los años 80 nació una productora que hizo temblar (en múltiples sentidos) los cimientos de la industria cinematográfica hollywoodiense.

Electric Boogaloo, la loca historia de Cannon Films nos cuenta, mediante entrevistas y fragmentos de sus cintas, las hilarantes peripecias de Menahem Golan y Yoram Globus, dos primos cuya pasión por el cine cambió la forma de hacer y comercializar películas.

La película:

 Este extraordinario y trepidante documental, da un repaso a una de las productoras más emblemáticas de los años 80: Cannon Films, con increíbles escenas de rodaje de sus películas más famosas, fragmentos de los tráilers, secuencias memorables, imágenes de archivo con Golan y Globus en plena efervescencia y mucho más, en una edición especial limitada que tendrá apariencia de VHS, emulando al añejo formato.

Un pequeño homenaje que, desde Cameo, 39 Escalones y Applehead Team Creaciones (responsables del único libro publicado a nivel mundial dedicado en exclusiva a la Cannon), queremos rendir a los que, en los 80, pasaron tardes enteras alquilando una y otra vez las cintas de Dudikoff, Bronson, Norris y Van Damme. Para descubrir lo que nunca supimos, y los entresijos de algunas de las películas que, en privado, reconocemos como buenísimas y favoritas con los ojos desencajados, aunque en público negaremos haber visto si no es en presencia de nuestro abogado.

 Cannon es una marca mítica, un sello en decadencia, comprado por dos primos judíos que llegaron a Hollywood y consiguieron plantar cara a las majors, a Warner, Fox o Universal. Aunque no lo consiguieron del todo, y el documental cuenta los motivos, estuvieron a punto. Demencial hasta el punto de que ver el logo de Cannon precediendo una película, le hacía perder cualquier posible prestigio, aunque acogieron a Cassavettes, Godard o Zeffirelli en horas bajas.

Este magnífico (y divertido) documental no es, sin embargo, un homenaje amable, puesto que muchos de los que colaboraron con Cannon en aquellos años, expresan su disgusto por los presupuestos menguantes de las películas en las que trabajaban, en los problemas de producción o en la permanente improvisación que reinaba en el universo Golan-Globus.

Características edición en DVD

Fecha de lanzamiento DVD: 22/07/15

Audio: V.O. inglés 5.1, castellano 2.0

Subtítulos: castellano

Formato: 16/9 – 1.85

Extras (66 min): escenas eliminadas, showreel tráilers Cannon Films

Duración: 102 min

PVP Recomendado: 15 €

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Proyección de «No profanar el sueño de los muertos» por parte El Buque Maldito y Phenomena

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El próximo sábado 6 de junio a las 16:30h en Phenomena proyección de la película «No profanar el sueño de los muertos» con la presencia del realizador catalán Jordi Grau. Tras llamar poderosamente la atención con «Ceremonia sangrienta«, Jorge Grau dirigió esta película de terror, influenciada por «La noche de los muertos vivientes«, de George A. Romero. Unos efectivos efectos de maquillajes y una lograda atmósfera la hacen destacar en el género de la época. Con la presencia de su director Jordi Grau y debate posterior.

Título original: Non si deve profanare il sonno dei morti

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Un extraño experimento del gobierno, que ha utilizado ultrasonidos para combatir la contaminación, hace que revivan los cadáveres que hay en una morgue inglesa. Los muertos regresan con hambre de carne humana y sangre.

Nacionalidad: Italia

Año: 1974

Duración: 93’ 

Dirección: Jorge Grau

Guión: Juan Cobos, Sandro Continenza, Marcello Coscia

Intérpretes: Arthur Kennedy, Cristina Galbó, Jeannine Mestre, Ray Lovelock, Aldo Massasso, Giorgio Trestini, Roberto Posse, José Lifante, Gengher Gatti, Fernando Hilbeck

Coproducción Italia-España; Flaminia Produzioni Cinematografiche / Star Films S.A.

Música: Giuliano Sorgini

Fotografía: Francisco Sempere

Montaje:Domingo García, Vincenzo Tomassi

Tráiler del thriller coreano «Office»

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Primer tráiler que podéis ver a final de página de «Office«, la opera prima del conocido guionista Hong Won-Chan, autor de los libretos de la notable «The Chaser» de Na Hong-jin  y «Confession of Murder«. «Office» es un oscuro thriller con el mundo empresarial  de trasfondo que se pudo ver en el pasado festival de Cannes dentro de la MidnightScreenings y que tiene previsto su estreno en su país de origen para este próximo verano.

«Office» nos cuenta como un empleado de una gran empresa asesina a su familia y desaparece sin dejar rastro.. Las pistas que va encontrando el detective Jong-Hoon le conducen hasta la empresa donde el presunto asesino parece que ha entrado tras la masacre, pero no ha salido. En la empresa todo el mundo parece que tiene algo que ocultar y ocurren hechos misteriosos. El clima de psicosis se extiende entre los trabajadores y por toda la oficina, en particular Mirae, una estudiante en práctica que parece ocultar algo.

La película está interpretada por Bae Seong-woo, Kim Ee-seong,  Ko Ah-seong y Park Seong-woong.

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El Atlántida Film Fest presenta la programación Oficial de su IV edición

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La 5ª edición de Atlántida Film Fest incluirá 20 estrenos absolutos en España y más de 60 títulos en su propuesta de programación de este año del 9 de junio al 9 de julio. A estos estrenos se le suman las conferencias y talleres que se celebrarán durante Sónar+D que ampliarán notablemente la experiencia del espectador.

Filmin ofrecerá este año 55 largometrajes divididos en tres secciones y, por primera vez en la historia del festival 10 cortometrajes que han sido seleccionados por la distribuidora Marvin & Wayne. Todos ellos podrán verse en alta definición en la plataforma filmin del 9 de junio al 9 de julio.

La Sección Oficial amplía fronteras e idiomas abriendo sus puertas a películas de todas las nacionalidades que exploran nuevas posibilidades del cine. Obras que han innovado en aspectos formales, conceptuales, de producción, distribución y/o comunicación. Entre ellas se encuentra la ambiciosa trilogía “Hibrow” de Mark Cousins (“The Story of Film“) compuesta por “Here be Dragons”, “Life May Be”(co-dirigida por Mania Akbari) y “6 Desires” (inspirada en DH Lawrence) que tendrán su estreno absoluto en nuestro país en el Festival.

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Otros estrenos absolutos en nuestro país serán “Stand by for Tape Back Up”, “Beyond Clueless” y “Love is All“, tres películas que reivindican el collage cinematográfico como alternativa para crear una obra personal y propia. “Stand By for Tape Back Up” es una obra que nace a partir de una cinta de VHS del abuelo del director, el poeta Ross Sutherland, en la que encontramos imágenes que van desde “El Príncipe de Bel Air” a “Los Cazafantasmas”. “Beyond Clueless” es un puzle homenaje al cine adolescente y juvenil de los años ochenta personificado en la obra John Hughes y “Love is All” es un repaso a un siglo de amor en el cine musicalizado por Richard Hawley (Pulp) que empieza en “Kiss in the Tunne” (1899) y acaba en el matrimonio gay de nuestros días.

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A diferencia de las ediciones anteriores, la comedia sí será un género dominante de la Sección Oficial gracias a obras libertinas como “Fort Buchanan”, cuyos diálogos han sido directamente extraídos de los grandes hits de la televisión norteamericana, o historias rebosantes de ingenio que tienen el descaro de erosionar la lógica narrativa desde la inteligencia formal y conceptual como “Blind Dates“, una suerte de “Dates” en clave Kaurismäki, “Dos Disparos“, probablemente la película argentina más genuina de la temporada, o “Tonight and the People“, una obra marciana, destinada a proyectarse en una instalación, que reinventa el formato sitcom y revienta el cine apocalíptico.

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La representación española de la Sección Oficial llega procedente del Festival de Sevilla donde se pudieron ver por primera vez “Sueñan los Androides“, una peculiar aproximación a la ciencia ficción a cargo de Ion de Sosa; “Pas a Geneve” un mapa audiovisual, imaginario y absolutamente personal, gestado a partir de 4 jornadas de trabajo y un espacio reducido a un perímetro de 150 metros que rodea la casa en Ginebra donde el colectivo lacasinegra se recluye en pleno entorno natural, rodando sin parar todo aquello que sienten y ven desde el amanecer al anochecer, y además, “Taller Capuchoc“, un ensayo humorístico sobre el estado de la cultura en nuestro tiempo protagonizado por Miguel Noguera, y firmado por Carlo Padial, quien regresa a Atlántida tras su exitoso “Mi loco Erasmus”, y “Todo parecía perfecto“, una onírica y melancólica historia de amor que evoca el tono y espíritu de “Olvídate de mí” y “Lunático“, el debut como director de Edu Sola, uno de los guionistas de la exitosa “Barcelona, noche de verano“.1432747918569-5.jpg
De Latinoamérica podrán verse “Videofilia (y otros síndromes virales)“, ópera prima del peruano Juan Daniel F. Molero que consiguió el máximo galardón en el Festival de Rotterdam 2015. Una película que combina el uso de chats, Google Glasses y que ofrece una anti-película romántica rodada con una MiniDV. De Argentina llega “Favula”, un viaje del cine Murnau y Méliès al de Apichatpong Weerasethakul y de Brasil lo hace una de las principales joyas premiadas en el reciente BAFICI “Ela Volta na Quinta”, ópera prima en la familia del director y el propio director se interpretan a si mismos a medio camino de la realidad y la ficción. favula.jpg
La Sección Oficial la completan el descomunal debut de Bas Devos, “Violet”, considerada la sucesora de “Paranoid Park” de Gus van Sant; “Fish & Cat” una obra de terror y saltos temporales rodada en un único plano secuencia que conquistó el Festival de Venecia; “Ruined Heart: A love story between a criminal and a whore” un ovni acérrimo al cine de Wong Kar-wai, que cuenta con su director de fotografía, Christopher Doyle y otro ovni procedente de Francia, “Mercuriales”.

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A ellas se les suman el estreno en España de una película que viene de triunfar en Berlín, “The Blue Hour”; “40 days of silence” la película con la banda de sonido más elaborada de los últimos tiempos, a cargo del artista Jacob Kirkegaard y la polaca “Traffic Department”, la que probablemente sea la película que más de que hablar de cuantas disfrutaremos en esta nueva edición del Atlántida Film Fest. Señalado su director como uno de los 10 directors to watch de Variety, estamos ante un thriller visceral que a través de una espiral de sangre y corrupción policial no apta para estómagos débiles ni mentes sensibles, embarca al espectador en todo tipo de brutales imágenes grabadas desde cualquier nuevo dispositivo, sobre todo teléfonos móviles y cámaras de vigilancia.

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En la Sección Atlas se programan las obras de consagración de algunos de los nuevos nombres del cine independiente y las sorprendentes reinvenciones de autores consagrados. Ente estas últimas tendremos el estreno en España de “A master builder”, la nueva película del oscarizado Jonathan Demme que junta en la pantalla a la pareja fetiche de Louis Malle, André Gregory y Wallace Shawn, en la adaptación de una de las obras maestras de Ibsen.

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Otros estrenos en España serán los de “Tu dors Nicole”, aplaudida por la crítica en Cannes que sigue la estela de “Frances Ha”, retratando en un luminoso blanco y negro el hastío de una pareja de amigas veinteañeras y el de “Life in a Fishbowl”, representante de Islandia en los Oscars, suerte de “Magnolia” sustentado sobre la banda sonora de Olafur Arnalds.

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La controversia estará presente en películas como “The Tribe” (vencedora absoluta de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes), “A Girl Walks Home Alone at Night” (la película de vampiros que rodaría Jim Jarmusch si fuese iraní) y “Goodnight Mommy” (la legítima heredera de “Funny Games”).

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El análisis de la juventud vendrá de la mano de un experto como Larry Clark (“The Smell of Us”) y dos casi-debutantes como Sophie Hyde con “52 martes”,  Justin Simien con “Dear White People”, ganadora del Premio Especial del Jurado en Sundance y Joel Potrykus con “Buzzard” uno de los hype del año, mirada corrosiva de la juventud americana a través de las desventuras de un postadolescente atrapado entre videojuegos clásicos, el heavy metal y Freddy Krueger.

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“Tales” y “The Fool” pueden considerarse las sucesoras de “Nader y Simim” y “Leviatán”. La primera triunfó en Venecia y la segunda en Locarno.  Del Festival de Venecia también podrán verse “No One’s Child” y “Court”, una obra maestra que analiza el problema de la justicia en India y que recientemente también ha triunfado a su paso por BAFICI (3 premios entre los que incluye Mejor Film).

La Sección Atlas también contará con la presencia de rostros conocidos como como Gael García Bernal (“El ardor“), Josh Charles(“Bird People“), Stellan Skarsgård (“Uno tras otro“) o Aiden Gillen(“Still“) y directores consagrados como Mathieu Amalric (“La habitación Azul“) y Hubert Sauper, el autor de “La pesadilla de Darwin” presentará en filmin la monumental “We come as Friends”tras su paso por el Festival de Sevilla1432747189555-el-ardor.jpg
De Asia llega “The World of Kanako” un thriller tan vigoroso como demente que mezcla el pulp y el retro explotation de los 70, siendo capaz de tender un puente entre Laura Palmer y “Oldboy”.

Por su parte, el Ciclo (Anti)Propaganda ofrecerá 9 largometrajes y 1 cortometraje para reivindicar nuevas posibilidades a un género que se creía agotado: el documental político. Los temas serán los conflictos de Rusia con Ucrania (“Maidan”) y con los homosexuales (“Children 404″), los de Corea del Norte con Corea del Sur (“Songs From the North”) o directamente con el resto del mundo (“Aim High on Creation” y “Propaganda”); la evasión de impuestos a cargo de las grandes corporaciones (“UK Gold” con música de Tom Yorke y Robert del Naja y narración de Dominic West), el conflicto de las descargas de Internet (“Downloaded”) y dos obras que se relacionan con las imágenes de archivo (“Forbidden Films”) con el régimen nazi y “Our Nixon” con la política del presidente del Watergate).

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Finalmente Marvin & Wayne ha programado la Sección Oficial de 10 cortos que destacan por su innovación formal y conceptual.

Entre ellos las que destacan los estrenos en España de la nueva obra del ganador de Sundance Zachary Heinzerling (“Hugh the Hunter“), “Demontable” (una maravilla técnica que combina acción en vivo, CGI y stop-motion), “Smile and the world will smile back” (que incluye imágenes rodadas por una familia palestina cuando un grupo de militares israelís hacían un registro injustificado en su casa en mitad de la noche)  “Daphne ou la Belle Plante” (documental sobre una stripper y prostituta que combina imagen real y stop-motion utilizando elementos de la naturaleza), “Enfrentar animales salvajes” (una fábula en un único plano con referentes al pinochetismo, la literatura latinoamericana de los noventa y el Tarzán de Burroughs),“Cams” (corto realizado en solitario por su director a partir de fotografías posteriormente animadas en postproducción), “Out” (todo un estudio magistral acerca del fuera de campo) o “All is that sold” (una sólida reflexión sobre las nuevas tecnologías narrada desde la propia pantalla del ordenador), “Nelsa” (una instantánea de un país en llamas) y “Village Modele” (inspirada en los vídeos de propaganda de Corea del Norte).

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Sección oficial

 6 desires

Life May Be

Here Be Dragons

The Blue Hour

Fort Buchanan

Todo parecía perfeco

Lunático

Beyond Clueless

Love is All

Pas á Genéve

Taller Capuchoc

Ruined Heart

Favula

Tonight & The People

Violet

Fist & Cat

Blind Dates

Traffic Department

Dos disparos

40 days of Silence

Sueñan los androides

Mercuriales

 

Sección Atlas

52 martes

Still

Tu dors Nicole

El ardor

A Master Builder

No One’s Child

The Fool

Buzzard

The World of Kanako

La habitación azul

Life in a Fishbowl

We come as friends

Dear White People

Court

Uno tras otros

Goodnight Mommy

Bird People

The Smell of Us

A Girl Walks Home Alone at Night

The Tribe

Tales

 

Sección (anti)propaganda

Children 404

The Uk Gold

Downloaded

Forbidden Films

Our Nixon

Maiden

Propaganda

Songs from the North

Aim High in Creation!

 

Sección Cortos

All That is Solid

Nelsa

Out (2014)

Cams

Enfrentar animales salvajes

Daphne ou la belle plante

Village Modèle

Smile and the world will smile back

Démontable

Hugh the Hunter

«Poltergeist» review

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Una familia americana de clase media se traslada a vivir a un idílico barrio, pero dentro de la casa empiezan a suceder cosas extrañas, fenómenos paranormales para los que no hay explicación posible, el foco del ataque sobrenatural se centra en la hija más pequeña del matrimonio.

La necesidad de los remakes es algo que en estos últimos tiempos se ha debatido con bastante frecuencia, quizás demasiada, es evidente que el veredicto en lo que respecta a su calidad o necesidad de ser está ligado al resultado final del producto, el problema viene cuando estas nuevas películas solo están destinadas a servir como simples y meras versiones actualizadas, dirigidas básicamente a las nuevas generaciones de espectadores, un colectivo este en general demasiado perezoso a la hora de mirar hacia atrás y revisionar lo antiguo, suelen ser films que poco aporta de novedoso al original, son más bien revisiones abreviadas, que actualiza ciertos conceptos pero algo lánguidas en su estructura y destinadas principalmente al sector de público antes comentado, con bastante frecuencia el espectador fiel admirador del original suele enfrentarse al visionado de este tipo de remakes con cierto escepticismo dado la poca calidad de la mayoría de películas de esta índole, el «Poltergeist» de Gil Kenan no es una excepción en este aspecto, dejando una sensación del todo agridulce, algo lamentablemente bastante habitual en la mayoría de remakes que se producen hoy en día en Hollywood.

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El «Poltergeist» de 1982 fue un film que de manera poco corriente sirvió como una película referencial en los años ochenta dentro del subgénero de casas encantadas, una suma de talentos algo accidentada en su concepción, el imaginario fantástico de propio de Steven Spielberg, producción y guión, junto al feroz sentido del horror de un Tobe Hooper en su cima creativa, una colisión de talento de diferente índole que causo más de un problema en la producción del film pero que curiosamente doto a este de una naturaleza hibrida bastante particular, convirtiéndola al instante en un merecido y revconocido título clásico del fantástico popular pese a que ha envejecido de manera algo irregular.

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La película de Gil Kenan deviene como un film de empaque y factura visual correcta, especialmente gracias a la fotografía de Javier Aguirresarobe y no los dudosos CGI que se ven en pantalla, y poco más, al final nos encontramos ante una película carente de alma, poco original o novedosa en lo que es su historia (la única novedad con respecto al original es la importancia que adquiere el hijo, un personaje que en el film de Tobe Hooper apenas tenía un peso específico y ciertos apuntes esbozados con respecto a la crisis económica actual que sirven como dato sociocultural de una época actual en concreto pero que poco aporta a la historia en sí), fallando especialmente en su propia concepción, no funciona como drama familiar, se utiliza en demasía a personajes estereotipos produciendo poca empatía sobre ellos, y tampoco funciona a la hora de materializarse en una película de terror, pues naufraga de manera ostensible al percibirse cierto atropello e incoherencia en su desarrollo, recurriendo de manera algo torpe y mecánica a la típica pirotécnica tan habitual en este tipo de películas que hoy en día se facturan, de la misma manera no se trabaja ni se consigue crear un clímax acorde, se prescinde por completo del apartado psicológico del relato original.

Al final este «Poltergeist» formara parte con toda justicia del club de remakes innecesarios que hoy en día se hacen, y que nos recuerda al mismo tiempo y de manera algo alarmante el poco riesgo que asumen las grandes productoras actuales a la hora de reformular antiguos conceptos, una falta de riesgo y una ausencia de nuevas ideas que imperan de forma y de manera cada vez más notoria en el Hollywood actual.

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Valoración 0/5:2

Keanu Reeves en apuros, tráiler para la nueva película de Eli Roth «Knock Knock»

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Después de un breve teaser aparecido a principios de año ahora nos llega de la mano de Lionsgate el primer tráiler de «Knock Knock«, el nuevo trabajo tras las cámaras de Eli Roth del cual está aún pendiente de estreno su Cannibal Movie «The Green Inferno«. «Knock Knock» con un guion a cargo de Guillermo Amoedo y Nicolás López es el remake de un thriller de terror de los setenta titulado «Death Game«, que aquí se conoció con el título de «Los sádicos«, unas de sus protagonistas Colleen Camp aparte de figurar como productora tendrá un cameo en la cinta de Eli Roth. Aún sin fecha de estreno en Estados Unidos, Inopia Films será la encargada de distribuirla en España previo paso por el festival de Sitges.

«Knock Knock» nos cuenta como un padre de familia que se ha quedado solo en casa ve como un par de chicas llaman a su puerta pidiendo ayuda. Después de seducirle, las jóvenes deciden que nuestro hombre de familia será la víctima de un sádico juego sexual.

La película está interpretada por Keanu Reeves,  Ana de Armas,  Lorenza Izzo,  Aaron Burns e Ignacia Allamand.

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Primer tráiler para la comedia de terror «Cooties»

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Desde principios del pasado año tras su premier en el festival de Sundance no sabíamos prácticamente nada de «Cooties«, después de ser adquirida por la compañía Lionsgate está la ha tenido guardada hasta ahora en una operación de distribución similar a la que en su día tuvo «You’re Next«. La película está dirigida por los debutantes Jonathan Milott y Cary Murnion y co-escrita por Ian Brennan y Leigh Whannell, colaborador habitual de James Wan, ambos también intérpretes del film. «Cooties» tendrá un estreno limitado en cines y VOD el próximo 18 de septiembre, a final de página podéis ver un primer tráiler que remite de una forma clara a la clásica comedia de terror ochentero tan habitual por aquellos años.

«Cooties» nos cuenta como un misterioso virus ataca una escuela aislada, transformando a los niños preadolescentes en un enjambre de pequeños monstruos violentos. Los profesores se unen para luchar encabezados por un desventurado sustituto que creció en el pueblo y que comprende que deberá hacer lo impensable si quiere tener la esperanza de salir con vida de semejante situación.

La película está interpretada por Elijah Wood,  Alison Pill,  Rainn Wilson,  Leigh Whannell,  Nasim Pedrad,  Jack McBrayer,  Jorge Garcia,  Morgan Lily y Peter Kwong.

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«White God» review

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Una nueva ley da preferencia a los perros de raza e impone un tributo considerable por las razas cruzadas. Rápidamente, los refugios caninos se llenan con perros abandonados. Lili, de 13 años, lucha por proteger a su perro, Hagen, pero su padre lo suelta en la calle. Hagen y su ama se buscan por todos los medios, hasta que un día Lili baja los brazos. Por su parte, Hagen lucha por sobrevivir y rápidamente se da cuenta de que no todo el mundo es el mejor amigo del perro. Se une a un grupo de perros errantes, es capturado y enviado a la perrera. Entonces, los perros aprovechan para escapar y hacer una revolución contra los seres humanos. Su venganza será despiadada. La única que podría terminar con la guerra entre el hombre y el perro sería Lili.

Ganadora a la mejor película en la sección un certain regard del Festival de Cannes del pasado año el sexto film del director húngaro Kornel Mundruczo nos presenta en «White God» una especie de perversión del clásico cuento de hadas, un reverso de una aventura de Disney al uso para ofrecernos una por momentos brillante metáfora o alegoría acerca de varios temas, principalmente el básico podría ser el trasfondo de la crisis europea contemporánea presente hoy en día, en donde los perros que vemos en el film vienen a representar las minorías más oprimidas, o una más evidente y en parte algo superficial, la supuesta identidad misma del individuo, su comportamiento, abuso de poder, sus consecuencias, redención etc.

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En «White God«, los humanos parecen tener un rol secundario a primera vista, pues son básicamente presentados como generadores del mal en la historia que se nos cuenta, aunque de hecho son de manera clara los principales protagonistas del film, todo es acerca de nosotros, aquí los perros son utilizados como una mera herramienta alegórica por parte del director, a partir de este hecho vamos asistiendo a un conseguido recorrido del filme por diferentes géneros, un hibrido genérico que va desde el drama infantil y animal con la consiguiente dificultad de por medio por parte de los mayores reflejado en el conflicto paterno-filial aquí representado, a la evidente denuncia social, terminando por un final del  todo contundente, en donde el terror apocalíptico se adueña de su más que conseguida puesta en escena.

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Una violencia explícita que asistimos principalmente en su parte final y que consigue impregnar por completo y de una manera acertada el recorrido de un relato en donde el salvajismo derivado de los actos por parte del ser humano, la pérdida de la inocencia y la propia exploración del mal en sí mismo consiguen trazar una acertada parábola narrativa, reflejado especialmente en el autoritarismo y sus posteriores consecuencias, la explotación de los sectores marginados por parte de la sociedad moderna y la venganza de los excluidos.

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El discurso de «White God» no es nuevo ni novedoso, lo que sí es válido y a resaltar es el notable trabajo por parte de Kornel Mundruczo en la manera que utiliza para contarlo, se aleja de una manera consciente del típico relato de denuncia tan habitual en el cine europeo actual de temática social, para ofrecernos una conseguida y entretenida fábula sobre la naturaleza humana en donde el esforzado y buen resultado obtenido por el trabajo técnico funciona a las mil maravillas al servicio de su historia, un trabajo encomiable en esta faceta, especialmente por la dificultad que supone rodar con más de 200 perros y haber conseguido varias escenas de una gran complejidad. Finalmente «White God» deviene como la hermana gemela de un título similar en su enunciado y contenido, una respuesta europea de otro notable film que se apoyaba en una excusa similar para explicarnos nuevamente y en forma de metáfora una historia acerca del sentido distorsionado y de superioridad que solemos poseer los humanos, la capital «White Dog» de Samuel Fuller.

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El Festival de Sitges cruza el Atlántico con el Sitges America Tour

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Una selección de films del Festival, como ’El incidente’, se proyectará en cines norteamericanos. El cine del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se podrá disfrutar también en los Estados Unidos a partir del próximo mes de septiembre, gracias al Sitges America Tour, una gira de cinco películas por salas de diversas ciudades norteamericanas. Se trata de un nuevo paso para internacionalizar el Festival de Sitges, después de otra reciente experiencia en Italia.

El Sitges America Tour nace de un acuerdo entre el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y la distribuidora Shoreline Entertainment, con el objetivo de internacionalizar el Festival, darlo a conocer entre el público estadounidense y contribuir a consolidarlo como el primero del mundo dedicado al género fantástico. El Sitges America Tour programará en varias salas cinco títulos inéditos en Estados Unidos y que recogen la esencia y el perfil que distingue Sitges como el primer festival de cine fantástico del mundo.

El primer título confirmado para proyectarse en el Sitges America Tour es El incidente, film mexicano de ciencia ficción dirigido por Isaac Ezban, que narra dos historias paralelas sobre personajes atrapados en espacios ilógicamente infinitos. Dos hermanos y un policía en una escalera sin fin, y una familia que recorre una carretera que se extiende más allá del horizonte. Una propuesta de terror psicológico que se vio en Sitges 2014 y que supone el debut en el largometraje de su director.

Con esta iniciativa, el Festival amplía sus fronteras y refuerza su apuesta por la internacionalización, que constituye una de las líneas estratégicas más importantes del Festival para los próximos años.

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Primer clip de «Love», la última provocación de Gaspar Noé

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«Love» es indiscutiblemente una de las películas que a priori más expectación ha levantado en la presente edición del festival de Cannes, el nuevo film dirigido por Gaspar Noé promete no dejar indiferente a nadie, algo que ya se presenta como marca de la casa en la filmografía del director galo. La película rodada en 3D es un melodrama de fuerte contenido sexual que cuenta una historia de amor a tres bandas, su sinopsis oficial es la siguiente: LOVE se produce más allá del BIEN y del MAL. LOVE es una necesidad genética. LOVE es un estado alterado de la consciencia. LOVE es una droga dura. LOVE es una enfermedad mental. LOVE es superarse a uno mismo. LOVE es una luz cegadora. LOVE es esperma, fluidos y lágrimas. LOVE es un despertar sexual sobre un chico una chica y otra chica.

A la espera de las primeras críticas de su paso por Cannes a final de página podéis ver un primer clip que acaba de ver la luz junto a un par de sus provocativos posters.

La película está protagonizada por Karl Glusman, Klara Kristin y Aomi Muyock.

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Tráiler de «Between», la Inquietante nueva serie de Netflix

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Este próximo 21 de Mayo la plataforma Netflix estrenará su nueva miniserie «Between«, un thriller de supervivencia en forma de drama de tintes sobrenaturales que constará de seis episodios y serán emitidos a diferencia de sus otras series en un formato tradicional, o sea un capitulo semanal, en la producción encontramos a  Jon Cassar (24). Su apocalíptico primer tráiler lo podéis ver a final de página.

«Between» nos cuenta la historia de un pueblo llamado Pretty Lake asediado por una extraña enfermedad que ha acabado con todos sus habitantes, excepto las personas de 21 años para abajo,  narrando el vacío de poder que se produce cuando un gobierno ha puesto en cuarentena en un área de 10 millas de diámetro,  los jóvenes sobrevivientes deben arreglárselas por sí mismos.

La serie está interpretada por Jim Watson,  Ryan Allen,  Jennette McCurdy,  Wesley Morgan,  Jack Murray,  Krystal Hope Nausbaum,  Shailene Garnett,  Canute Gomes,  Sarah Podemski,  Rebecca Liddiard,  Peyton Kennedy y Abigail Winter.

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Películas de Culto. La otra historia del cine

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¿Qué tienen en común La parada de los monstruos, El topo, Pink Flamingos, The Rocky Horror Picture Show, La noche de los muertos vivientes y Eraserhead? Cuál es la conexión de Nosferatu con la teosofía? ¿Cómo llegó a manos de Charles Laughton el proyecto de La noche del cazador? ¿A qué turbios negocios se dedicaba presuntamente el productor Harry Alan Towers en Nueva York, mientras financiaba las películas de Jesús Franco? ¿Por qué acabó en fratricidio la relación de los hermanos Mitchell, directores de Detrás de la puerta verde? ¿Por qué Roger Corman decidió rodar sus películas de cárceles de mujeres en Filipinas? ¿De dónde le venía a Russ Meyer la obsesión por los pechos descomunales? ¿Qué largometraje le costó a Lucio Fulci un juicio por despanzurrar perros? ¿Qué fue el escándalo de los video nasties que en Inglaterra ocupó portadas en los diarios y llegó a preocupar al gobierno?… Este libro responde a estas y a otras muchas preguntas, pero sobre todo traza un itinerario por “otra” historia del cine, subterránea, anticanónica y fascinante: la de las películas de culto. Conviven aquí lo bizarro y psicotrónico con lo poético y sublime, obras excelsas y chapuzas zarrapastrosas, osadas propuestas experimentales y delirios de aspirantes a genios, todas ellas unidas por un nexo: el de la transgresión, la ruptura de la norma y el tabú, la excentricidad, la heterodoxia. El libro indaga en el origen del fenómeno de las películas de culto y a través de estas obras que resquebrajan la ortodoxia estética o moral y abren nuevos caminos propone un recorrido alternativo por la evolución del séptimo arte. Y así se suceden los hitos del terror hollywoodiense de los años treinta, la ciencia ficción de los cincuenta, el horror colorista de la Hammer, el gótico a la italiana, el spaghetti-western, el giallo, las road movies y las biker movies, el cine de terror mexicano, la blaxploitation, la sexploitation, el gore, el cine trash de los grindhouses, las películas de artes marciales, el fantaterror español, los monstruos y la pornografía a la japonesa, el slasher…

 

Introducción: La chica en el parachoques. ¿Qué es el cine de culto?

 

PARTE I. GENEALOGÍA DEL CULTO

Humphrey Bogart triunfa en Harvard

La película que hizo vomitar a Francis Scott Fitzgerald

Pittsburgh, muertos vivientes y un héroe negro

El Cecil B. De Mille del ‘underground’

Flamenco, caca de perro y un travesti de 120 kilos

Transexuales transilvanos

Un bebé mutante y una cantante detrás de la calefacción

Bela Lugosi, los platillos volantes y la identidad sexual

 

PARTE II. PROTOCULTO

Ruptura y exceso

Transformaciones y mutilaciones

1931, el año de los monstruos

La RKO sobrevive a Welles

El rey de la serie B y otras historias del Poverty Row

Los entrañables monstruos del tío Forry y Vampira

Marcianos, mutaciones y control mental

Un cuento de hadas perverso

 

PARTE III: CULTO

La transformación de Hollywood. De la serie B al cine de explotación

Monstruos adolescentes, plantas carnívoras y Vincent Price

Los discípulos de Corman y otras figuras del Nuevo Hollywood

En la carretera

Experimentos en el terror y algunas rarezas del viejo Hollywood

Un puñado de marginales

 

Sexplotaition: de los ‘loops’ al ‘hardcore’, pasando por Russ Meyer

Breve historia de la carne en celuloide

Pechos enormes y el misterio del nazi Martin Boorman

Ampliando los límites: el camino hacia el ‘hardcore’ y el aristócrata del cine erótico

Cuando el porno fue ‘chic’

 

Perversiones en Time Square: grindhouses y gore

Una bolsa para vomitar de regalo con la entrada

Martirio y resurrección de Andy Milligan

Cárceles bananeras y perversiones sexuales nazis

¡Es sólo una película! ¡Es sólo una película! ¡Es sólo una película!

Una sierra mecánica y un gigante de origen islandés

 

Blaxploitation

Hotter than Bond, cooler than Bullit

No todos somos traficantes y putas

 

Excentricidades inglesas

Sangre en Technicolor

El terror como ‘grand gignol’

Magia negra, niños raros y una cámara asesina

Un club privado para ver porno, una esquizofrénica y un inquisidor

El ‘Swinging London’ y lavieja inglaterra

Sacrilegios y ritos paganos

 

Italia más allá de ‘la dolce vita’.El fértil cultivo de los géneros

Castillos, vampiros, látigos y necrofilia

‘Pulp’ y ‘pop’

Snuff africano y corrupción de menores en Hong Kong

Por un puñado de espaguetis

Pistoleros, refritos, ultraviolencia, revolución y un poco de psicodelia

 

Italia, del psicópata al antropófago

El asesinato considerado como una de las bellas artes

Cómo viviseccionar un perro

Delirios ardientes, ventanas que ríen y otras rarezas

Criminalidad y macarrones

Más allá del ‘giallo’: brujas, zombis, caníbales

 

Spanish exploitation

Orloff y las vampiras lésbicas: ‘eurotrash’ con toque español

Valdemar Daninsky, sadismo en un colegio de señoritas y templarios de ultratumba

Monstruos vivientes, un monstruo en el Transiberiano y un rodaje maldito

 

El enterrador, los luchadores enmascarados y la carne femenina

Horror sadiano en el país de la samba

El erotomano y la miss católica

Momias aztecas y luchadores enmascarados

 

‘Fantastique’, polar y porno: ‘cult’ a la francesa

‘Film maudit’ y ‘Fantastique’

El hombre del sombrero Stetson

Erotismo y porno a la francesa

Vampiras, porno, surrealismo

Adolescentes satánicas y vampiras lésbicas

 

Delirios orientales: Japón

Monstruos y fantasmas: terror a la japonesa

Instrucciones para amputarse un dedo: cine yakuza

Samurais, vengadores y mangas

‘Think pink’: porno a la japonesa

Los placeres de la tortura

‘Amour fou’, tatuajes, amputaciones

Por el porno hacia la revolución

Delirios orientales: Hong Kong

Artes marciales en Hong Kong. El imperio de Run Run Shaw

Bruce Lee y Golden Harvest

 

PARTE IV: NEOCULTO

 

Del ‘cult’ al ‘mainstream’: la venganza de los ‘nerds’

Infecciones, mutaciones, malformaciones

Y llegó Quentin

La poética de la provocación, la exploración de la excentricidad

 

Bibliografía

Autor; Mauricio Bach. Editorial; T&B Editores. Páginas; 608

El enemigo oculto, tráiler de «Ni le ciel, ni la terre»

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El cine bélico de tono realista con algún que otro elemento fantástico en su historia ha contado en estos últimos años con varios films que  trataban con mayor  o menor acierto dicha temática, «The Bunker» 2001 Rob Green,  «Deathwatch» 2002 Michael J. Bassett, «El Páramo» 2011 de Jaime Osorio Márquez son solo algunas muestras, la francesa «Ni le ciel, ni la terre» (The Wakhan Front) título internacional, podríamos integrarla en dicho subgénero, la película se ha exhibido estos días dentro de la quincena de realizadores del festival de Cannes y supone el debut en la dirección de Clément Cogitore, que también se ocupa del guion junto a Thomas Bidegain. Su interesante primer tráiler lo podéis ver a final de página.

«Ni le ciel, ni la terre« se sitúa en 2014, en plena guerra de Afghanistan, allí, cuando las tropas están a punto de retirarse, el capitán Antarès Bonassieu junto a su pelotón verá como se les asigna una misión de control y seguimiento en el valle escondido de Wakhan, zona limítrofe con Paquistán. Una vez allí, el control del sector presuntamente tranquilo se les irá escapando de las manos. Durante una noche, los soldados empezarán a desaparecer misteriosamente del valle sin ningún tipo de explicación.

La película está interpretada por Jérémie Renier, Swann Arlaud, Kévin Azaïs y Marc Robert.

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«Big Game» de Jalmari Helander clausurará Nocturna 2015

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«Big Game«, la nueva película de Jalmari Helander, protagonizada por Samuel L Jackson y el joven finlandés Onni Tommila, al que ya vimos en la anterior película del director Rare Exports, es la elegida para clausurar la tercera edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015.

Big Game es una increíble montaña rusa de entretenimiento que nos invita a rememorar las mejores películas de acción de los 80. Cuando el Air Force One es derribado por unos terroristas dejando al presidente de los Estados Unidos varado, tan sólo hay una persona cerca que pueda salvarlo. Un niño de 13 años llamado Oskari descubre al hombre más poderoso del planeta en una cápsula de escape. Con los terroristas cerca, buscando su “gran premio”, este improbable dúo deberá unirse para escapar de sus cazadores y salvar sus vidas.

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Estos son los jurados de NOCTURNA 2015

Jurados Nocturna Oficial Fantástico: Paco Plaza (director), Enrique Lopez Lavigne (productor) y Elena Furiase (actriz).

Jurado Nocturna Dark Visions: Carlos Galán (Subterfuge Records), Carlos Areces (actor y dibujante) y Jimina Sabadu (escritora y guionista).

Jurado Nocturna Madness: Javier Trujillo (dibujante), Aurora Carbonell (actriz) y Paco Manzanedo (actor).

Un año más contamos con Fnac Callao como sede del festival para las actividades paralelas. El grupo Fnac es una compañía distribuidora de productos culturales, de entretenimiento, ocio y tecnología de consumo. Su implantación en España se inició en diciembre del 1993, en la calle Preciados de Madrid y ya es un referente ineludible tanto de la programación como del consumo cultural y tecnológico en nuestro país, donde cuenta con 24 tiendas físicas más la online: www.fnac.es

PROGRAMACIÓN ACTIVIDADES PARALELAS FORUM FNAC CALLAO NOCTURNA 2015

LUNES 25 DE MAYO

10:45

BIENVENIDOS A NOCTURNA 2015.

Con Luis M. Rosales, Sergio Molina y José Luis Alemán

11:15

PRESENTACIÓN DEL RODAJE “EL ÚLTIMO GUIÓN”

Con David García y equipo.

12:00

PRESENTACIÓN DEL LIBRO “LOS ALQUIMISTAS DEL 7º ARTE: EFECTOS ESPECIALES EN EL CINE ESPAÑOL”

Con Domingo Lizcano y Antonio Garcinuño

13:00

PRESENTACIÓN DEL LIBRO “CLIPPERTON”

Con la presencia del autor, Pablo Raphael de la Madrid

MARTES 26 DE MAYO

11:00

PRESENTACIÓN DEL LIBRO “CARLOS AURED: NOSTALGIA Y PASIÓN”

Con la presencia de sus autores, Miguel Angel Planas y Carlos Benítez

12:00

PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA “THE HOUSE ON PINE STREET”

Con la presencia de sus directores, Aaron Keeling y Austin Keeling

13:00

ENCUENTRO CON ALEXANDRE AJA

Con la presencia de Alexandre Aja

MIERCOLES 27 DE MAYO

11:00

PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA “FEAR CLINIC”

Con la presencia de su guionista Aaron Drane

12:00

MESA REDONDA SOBRE LOS EFECTOS ESPECIALES EN EL CINE.

Con la presencia de Arturo Balseiro (Dharma Estudio) y Tomás Gómez / Juan Ardura (Artefacto Escenografía)

13:00

ENCUENTRO CON ROBERT ENGLUND

Con la presencia de Robert Englund

JUEVES 28 DE MAYO

11:00

PRESENTACIÓN LIBRO “ZOMBIES EN LENINGRADO”

Con la presencia de su autor Javier Cosnava

12:00

PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA “THE LAST SHOWING”

Con la presencia de su director Phil Hawkins

13:00

PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA “DON´T SPEAK”

Con la presencia de su director Amadeu Artasona y el equipo de la película.

VIERNES 29 DE MAYO

10:45

PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA “AFTERDEATH”

Con la presencia de sus directores, Gez Medinguer y Robin Schmidt

11:15

PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA “BUNNY THE KILLER THING”

Con la presencia de su director, Joonas Makkonen

12:00

PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA “VAMPYRES” Y LIBRO CONMEMORATIVO

Con la presencia de su director Victor Matellano, Ángel Mora y equipo.

13:00

ENCUENTRO CON LAMBERTO BAVA

Con la presencia de Lamberto Bava

SÁBADO 30 DE MAYO

11:00

LECTURA DEL PALMARES DE NOCTURNA 2015.

Con la presencia de Luis M. Rosales, José Luis Aleman y Sergio Molina

11:30 – 14:00

MESA REDONDA SOBRE LA SERIE “EL MINISTERIO DEL TIEMPO”

«Mad Max: Fury Road» review

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Perseguido por su turbulento pasado, Mad Max cree que la mejor forma de sobrevivir es ir solo por el mundo. Sin embargo, se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto en un War Rig conducido por Furiosa, una mujer también de acción que cree que logrará sobrevivir si cruza el desierto y llega a la tierra en la que se crió.. Escapan de una Ciudadela tiranizada por Immortan Joe, a quien han arrebatado algo irreemplazable. Enfurecido, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una «guerra de la carretera» de altas revoluciones..

Hay muchas razones que se podrían enumerar a la hora de intentar de desgranar con profundidad el por qué «Mad Max: Fury Road» es un rotundo triunfo en sí mismo y en el sentido más amplio de la palabra, ahora mismo no recuerdo un blockbuster que haya tenido de una manera merecida una unanimidad en positivo tan claramente aplastante ya sea de crítica o público, entre otras cosas podríamos empezar por la propia gestación del producto, una gestación tan milagrosa como atípica en el actual panorama cinematográfico a cargo de gran estudio, que Warner Bross proveyera con 150 millones de dólares de presupuesto  a un señor de 71 años para retomar una franquicia postapocalíptica que llevaba enterraba más de treinta años no es algo que se vea con relativa frecuencia, todo ello elaborado en base a un rodaje nada fácil de siete meses en el desierto de Namibia y un posterior rodaje complementario en Australia, rodada fuera de los plazos habituales en este tipo de producciones después de sufrir varios aplazamientos en lo concerniente a fechas, unas dificultades que suele ser sinónimo de producto no bien ejecutado, que tiende a ser defectuoso, nada más lejos de la realidad, «Mad Max: Fury Road» logra sobrevivir a la propia locura de su naturaleza.  

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De la misma manera también es evidente que  George Miller es un director algo peculiar y atípico, un autor de innegable talento no reconocido posiblemente dada por su dispersa trayectoria artística, de naturaleza y tono que tiende a una cierta irregularidad formal, «Mad Max”, «The Witches of Eastwick«, «Lorenzo’s Oil«, «Babe: Pig in the City» o «Happy Feet» son trabajos que forman parte de un fabulario tan rico, extenso y lleno de matices como variopinto y algo distante en su conjunto a la hora de globalizarlo y valorarlo en su justa medida, es ahora con esta «Mad Max: Fury Road» cuando George Miller ha sabido esperar su momento justo y poner el punto y aparte en su carrera, realizando la película por la que será recordado, logrando en definitiva una absoluta obra cumbre en el cine de acción.

«Mad Max: Fury Road» viene a ser un compendio de intenciones que ha gozado de una inusual y plena libertad creativa y eso se nota en el resultado final, una película más de director que de estudio por increíble que parezca, una brillante suma de ideas con respecto al universo de la trilogía original, en donde George Miller no se deja nada en el camino, lo da todo, coge lo mejor, todas las virtudes de la saga (y en este aspecto se lleva la palma muy especialmente «Mad Max 2: The Road Warrior») para moldearlas a su antojo, las homenajes, potencia y amplia de manera tan exagerada como acertada para ofrecer un espectáculo visual sin parangón en donde la imagen en su concepto más puro se adueña de la función de una manera rotunda con respecto al dialogo, a veces el éxito o reconocimiento de un producto no está superar o magnificar lo que supuestamente ya funciona, conviene dar un paso hacia atrás y reformulas antiguos conceptos, en este aspecto «Mad Max: Fury Road» brilla pues logra revisitar el método de la vieja escuela a la hora de hacer cine espectáculo para curiosamente manifestarse como un soplo de aire refrescante con respecto a lo que vemos hoy en día en pantalla.

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Normalmente cuando estamos ante un film que posee una lectura narrativa criptica solemos necesitar de varios visionados para poder asimilar y entender todo lo que se nos cuenta, en «Mad Max: Fury Road» ocurre igual pero desde una perspectiva completamente visual,  estamos ante un film en el que el 90% son escenas de pura acción, en cada una de ellas hay una multitud de detalles que necesitan más de un visionado para poder apreciarlos y disfrutarlos de manera satisfactoria, es una película física, hecha con vehículos reales, personas reales, en un desierto real que solo utiliza lo digital cuando realmente lo requiere, dejando en clara evidencia en este aspecto a la mayoría de blockbusters que se producen a día de hoy en Hollywood. Estamos pues ante una orquestada suma imágenes perturbadoras, dentro de un mundo distorsionado, poblado de una interminable lista de variopintos personajes, enemigos mutilados, enfermos, deformados o drogados que se sacrifican por un prometido Valhalla, imposibles camiones orquesta con el cometido de atemorizar sonoramente al perseguido, malvados inmortales enfrentados a unos personajes en busca de la redención, todo ello remitiéndonos al género de western dentro de un escenario de desiertos, desfiladeros y jinetes moteros, etc.

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En la película de George Miller funciona prácticamente todo a la perfección, desde la adrenalítica música compuesta por Junkie XL en base un trabajo atronador de tambores y guitarras conjuntada de manera acertada con la majestuosa banda sonora de Tom Holkenborg, hasta la fotografía del veterano John Seale, pasando el alucinante montaje a cargo de Margaret Sixel (2.700 cambios de plano que equivale a una media de plano cada tres segundos) o el carisma que derrochan ante la pantalla tanto Charlize Theron como Tom Hardy.

Al final «Mad Max: Fury Road» nos viene a recordar, seguramente no de manera intencionada, que desde el nacimiento del séptimo arte y antes de aparecer en escena el propiamente denominado cine de autor, existían las películas creadas como un simple y mero deleite visual en donde la imagen funcionaba únicamente al servicio del espectáculo, posiblemente «Mad Max: Fury Road» no sea la película perfecta si hablamos en el sentido literal del término, básicamente porque su apuesta es demasiado radical para conseguir una unanimidad, lo que si sentara cátedra serán sus innegables intenciones a la hora de ofrecer un espectáculo puro sin ningún altibajo, y esto si es intencionado, toda una declaración de principios partiendo desde lo clásico para terminar como un producto de tono hipermoderno y que al mismo tiempo nos muestra una forma de hacer y entender el cine desde una perspectiva diferente, desde una mirada que hoy en día ya no solemos ver en la gran pantalla.

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Valoración 0/5:5

Shinya Tsukamoto y los horrores de la guerra, teaser de «Fires on the Plain»

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Después de su paso por el festival de Venecia del pasado año en donde tuvo criticas bastantes positivas pocas noticias teníamos de «Fires on the Plain«, la última película del director japonés de culto Shinya Tsukamoto, conocido especialmente por ser el creador de «Tetsuo«, la trilogía más puramente cyberpunk vista en la gran pantalla, ahora podemos contemplar un primer teaser que acaba de aparecer y que encontrareis a final de página, el film de Tsukamoto es una nueva versión de la novela de Shohei Ooka «Nobi («Fires in the Plain«) que ya fue llevada al cine en 1959 por Kon Ichikawa.

«Fires on the Plain» es un duro alegato relato antibélico que narra la desesperación de las tropas japonesas ante su inmediata derrota en Filipinas durante la Segunda Guerra Mundial, centrándose en la travesia de un soldado herido y aturdido que se pasea entre muertos y moribundos por la carnicería surrealista en la que se convirtió la Guerra del Pacífico.

La película está interpretada por el propio Shinya Tsukamoto,  Yusaku Mori,  Yuko Nakamura,  Tatsuya Nakamura y Lily Franky.

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«Vampyres» se presentará en Nocturna 2015 junto al libro conmemorativo

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«Vampyres» tendrá su premiere mundial en Madrid, dentro de Nocturna, Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid el viernes 29 de mayo a las 21.45h en la sala 1 de Palafox.

Se trata de una nueva aproximación al universo de Vampyres (1974), por parte de su creador, José Ramón Larraz con dirección de Víctor Matellano. La nueva historia es nuevamente de Larraz, y el guión es autoría de este junto a Matellano. Toma elementos de la primigenia historia pero la trama se desarrolla de diferente forma.

Victor Matellano nos cuenta:

“Nuestro Vampyres es una mezcla de horror y sensualidad. La película maneja la intriga y el suspense y el desarrollo dramático de personajes, no siendo únicamente una película de sustos y sangre. La atmósfera enrarecida es uno de los elementos fundamentales. Un cuento de brujas para adultos”.

Sinopsis:

Un grupo de jóvenes artistas y un hombre de enigmático pasado llegan simultáneamente a un bosque en el que desaparecen personas. La clave estará en un caserón en el que viven dos extrañas mujeres.

Vampyres es una producción de Artistic Films en colaboración con Gigantes y Molinos, Fonofox, Aroztegui, Limbokids, The Other Side Films, Recámara, La Mansión del Terror, Airvisión Media, Vima, Dream Factory y Artistic Metropol.

El reparto está compuesto por Caroline Munro, Christian Stamm, Veronica P. Bacorn, Marta Flich, Almudena León, Víctor Vidal, Anthony Rotsa. Colaboración especial de Luis Hacha y Lone Fleming. Apariciones especiales de Fele Martínez y Conrado San Martín entre otros.

El mismo día 29 de mayo a las 12.00h en el fórum de Fnac Callao, presentaremos en rueda de prensa la película junto con el libro que Editado por Pigmalión (colección Lumiere) y contando con la colaboración de Artistic Films y Nocturna Film Festival  se editará durante el mes de mayo.

En 1974 se estrena Vampyres, una innovadora película de terror de producción inglesa, escrita y dirigida por un español emigrado, José Ramón Larraz. La película narra la historia de dos insaciables mujeres que captan viajeros para orgías de sangre y sexo, donde acaban desangrando a los recién llegados. Vampyres cosechó un importante éxito, y hoy es un film de culto. Cuarenta años después, José Ramón Larraz participa como promotor y coguionista en un nuevo acercamiento a esa historia, dirigido en esta ocasión por Víctor Matellano. Este libro repasa la gestación de ese cuento de brujas para adultos, cargado de violencia, sangre y sexo.

Incluye el guión original de Vampyres/Las hijas de Drácula (1974) de José Ramón Larraz.

Textos de Carlos Díaz Maroto, Angel Mora, Lone Fleming, Angel Agudo y Colin Arthur. Prólogo de Caroline Munro.

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Primeras imágenes de «The Neon Demon», lo nuevo de Nicolas Winding Refn

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Nicolas Winding Refn es indiscutiblemente uno de los autores más interesantes del actual panorama cinematográfico, «The Neon Demon» cuyas primeras imágenes acaban de aparecer supondrá su  primera incursión en el género de terror. El film conocido anteriormente bajo el título de I Walk With the Dead, será una película de terror psicológico ambientada en Los Ángeles actual, con un reparto completamente femenino. La película podría estar basada en la figura de la condesa Elizabeth Báthory. La película se estrenará en el 2016.

«The Neon Demon» trata sobre los vicios de la belleza, en la película vemos a una aspirante a una modelo que se muda a Los Ángeles, donde su juventud y frescura son devoradas por un grupo de mujeres obsesionadas por la belleza, que harán todo lo necesario para robarle a la joven lo que ellas ya no tienen.

La película está interpretada por Elle Fanning,  Keanu Reeves,  Christina Hendricks,  Jena Malone,  Bella Heathcote,  Abbey Lee,  Desmond Harrington,  Charles Baker,  Jamie Clayton,  Cody Renee Cameron,  Lucas Di Medio,  Karl Glusman,  Chris Muto y  Collin Lee Ellis.

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«Terminator: El Imperio de Skynet»

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«Terminator: El Imperio de Skynet» analiza por primera vez, todas las películas de la saga, los cómics, el diseño de los propios «Cyborg» e incluye una videoguía de la serie de televisión, aparte de muchas sorpresas que los autores tienen escondidas hasta el momento de su distribución. El lanzamiento coincidirá con el estreno de Terminator: Génesis.

El equipo de la revista digital Ultramundo (representada aquí por Miguel Díaz, Iván Suárez y Adrián Sánchez) analiza pormenorizadamente la historia de una de las sagas de ciencia ficción más importantes de la historia del cine, desde sus inicios como una pesadilla de James Cameron hasta la fecha de hoy, con el estreno de una nueva entrega de la serie protagonizada por Arnold Schwarzenegger. A estos textos de Ultramundo se suman los del experto en videojuegos John Tones (que repasa lo que ha dado de sí la franquicia a nivel lúdico) y de Pedro José Tena (que explora la influencia de Terminator en la Serie B y el cine exploitation). Un volumen prolijo en detalles y lleno de amor hacia la máquina que vino del futuro para destruirnos, pero que tantas alegrías nos ha dado a lo largo de las últimas décadas.

Autor; Coordinado por Miguel Díaz González. Editorial; Applehead Team Creaciones.

Pósters para lo nuevo de Yorgos Lanthimos, «The Lobster»

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La nueva película del director griego Yorgos Lanthimos «The Lobster» será con toda seguridad uno de los platos fuertes en la sección oficial del inminente festival de Cannes, el film supone el debut en inglés de Lanthimos que contará con la colaboración con su guionista habitual Efthymis Filippou, en una película de ciencia ficción de tono intimista pero que seguro vista desde una perspectiva de lo más peculiar como ya vimos en sus anteriores trabajos  «Alps» y  «Canino«. A falta de que aparezca un primer tráiler a final de página podéis ver sus dos primeros pósters.

«The Lobster» será una historia de amor, pero no una historia de amor convencional, observará y razonará como ciertas personas se unen para formar parejas y como otras no. Es una historia de amor situada en un futuro cercano y distópico donde los solteros son detenidos e ingresados en un hotel en el que están obligados a buscar pareja en un plazo máximo de 45 días. De lo contrario, prosigue el resumen de la trama del film, “son convertidos en el animal que elijan y abandonados en un bosque cercano”.

La película está interpretada por Colin Farrell,  Rachel Weisz,  Ben Whishaw,  Olivia Colman,  Lea Seydoux,  John C. Reilly,  Roger Ashton-Griffiths,  Ashley Jensen,  Michael Smiley,  Jessica Barden,  Ariane Labed,  Aggeliki Papoulia,  Rosanna Hoult,  Heidi Ellen Love y Anthony Moriarty.

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«Maggie» review

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Una chica de 16 años de un pueblo de América es infectada por un zombi. La joven tardará 6 meses en convertirse en zombi, y la transformación afectará la situación en su familia, en concreto a su padre, que continúa manteniendo su amor incondicional por su hija.

Desde luego no puede negarse que en la carrera de Arnold Schwarzenegger ha existido en muchas ocasiones un leve intento de ofrecer algo que se saliera un poco de la norma, al mismo tiempo en la que podríamos llamar su época dorada como actor también ha sabido inteligentemente rodearse de autores válidos y competentes tales como John Milius, James Cameron, John McTiernan, Walter Hill o Paul Verhoeven entre otros, que han otorgado a los productos en que participaba una innegable calidad tanto artística como comercial, en definitiva una especie de inquietud artística del que carecían otros parteners suyos en la época antes mencionada, por esto y algún que otro matiz mas no es tan extraño e inusual que una película como «Maggie» figure en la carrera como actor de Arnold Schwarzenegger, aunque claro al espectador poco precavido en estas aseveraciones si le hubieran comentado años atrás que Arnold Schwarzenegger protagonizaría un film de temática zombie seguramente esperaría un resultado bastante diferente del que nos ofrece «Maggie«.

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En unos tiempos en donde la temática zombie se ha globalizado y extendido de una manera inimaginable, en donde tenemos desde producciones mainstream de gran estudio, comedias, falsos documentales, infinidad de series de televisión, etc,  «Maggie» del debutante Henry Hobson otorga al subgénero la temática del duro melodrama familiar, de hecho su director obvia casi por completo el elemento fantástico, apenas hay explicación del brote, no hay gore ni excesos, tampoco se indaga en la vía postapocalíptica, de hecho la situación se utiliza como una simple excusa para explicarnos el drama de un padre que ha de hacerle frente a la “enfermedad” terminal que sufre su hija, todo ello mostrado a través de un tono que enfatiza lo gris y triste, de narración demasiado pausada, al film le cuesta llega al final, su hora y media de duración termina haciéndose evidentemente larga, priorizando en exceso la estampita melodramática.

Curiosamente ese supuesto realismo que otorga  Henry Hobson al film choca en ocasiones con ciertas incongruencias en algunos de sus personajes, haciéndolos inverosímiles, situaciones en el escenario mostrado que quedan lejos de ser creíbles (la reunión y comportamiento de los jóvenes por ejemplo), algo que juega muy en contra de la película pues las intenciones del tono que se le quiere imprimir al film y los resultados en momentos llegan a carecen de la coherencia que el relato pide.

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De hecho ni siquiera «Maggie» podría catalogarse como algo fresco o innovador dentro del subgénero, la vía que explora ya la habíamos intuidos en otros productos que indagaban en una temática parecida, «The Returned» de Manuel Carballo era una más que correcta serie B de argumento bastante similar, o la liviana y disfrutable serie británica «In the Flesh«, en donde se nos explicaba la difícil reinserción del infectado. Posiblemente «Maggie» si hubiera visto la luz unos años atrás tendría un beneplácito algo mayor ya solo con respecto a su originalidad en lo concerniente a un subgénero hoy bastante saturado. Al final la opera prima de Henry Hobson se queda como una película de intenciones algo loable pero de resultado pobre, en donde su poco o nulo riesgo formal la definen como producto fácilmente olvidable, bastante alejado de la trascendentalidad que supuestamente se nos quieren mostrar.

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Valoración 0/5:2

La obsesión materna, tráiler de «Hungry Hearts»

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Después de las buenas críticas cosechadas tras su paso por los festivales de Venecia (premio Volpi a Alba Rohrwacher y Adam Driver como mejor actriz y actor principal) y Toronto nos llega un primer tráiler de «Hungry Hearts«, la nueva película del italiano Saverio Costanzo que adapta el libro Il bambino indaco de Marco Franzoso, en un film que parece jugar de manera inteligente con los géneros, definiéndose principalmente como un angustiante thriller psicológico acerca de la responsabilidad paterna ubicando la acción dentro de un escenario cerrado. Su estreno en VOD y cines en Estados Unidos está previsto para el próximo 5 de junio, su prometedor tráiler lo podéis ver a final de página.

«Hungry Hearts» nos cuenta la relación de una pareja de recién casados residentes en Nueva York, tras el nacimiento de su primer hijo, Mina quiere preservar la pureza del niño y protegerlo de la contaminación del mundo externo. Por amor, Jude la apoya hasta que un día descubre que su hijo no crece y que su vida corre peligro por culpa de la obsesión de su pareja.  

La película está interpretada por Alba Rohrwacher, Adam Driver,  Jake Weber,  Natalie Gold,  Toshiko Onizawa,  Victor Williams, David Aaron Baker,  Roberta Maxwell y Victoria Cartagena.

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El Festival de cine de San Sebastián presenta los carteles de su 63 edición

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El diseño del cartel oficial representa la exaltación de los sentidos que despierta el cine en los espectadores. El Festival se celebrará del viernes 18 al sábado 26 de septiembre.La nueva imagen para la 63 edición del Festival de San Sebastián se ha presentado en un acto que ha tenido lugar en el Auditorium Newton del Eureka! Zientzia Museoa de San Sebastián. En este encuentro se han dado a conocer las propuestas ganadoras del concurso de carteles convocado por el Festival para las secciones Oficial, Nuev@s Director@s, Horizontes Latinos, Perlas, Zabaltegi y Culinary Zinema. Abierto a diseñadores gráficos de todo el mundo, está cuarta edición ha contado con la máxima participación con 1.726 propuestas de 415 autores.

Los ganadores han sido:

En la categoría de cartel oficial, «El espectador«, del diseñador gráfico e ilustrador uruguayo Matías Francolino y la diseñadora vitoriana afincada en Uruguay Blanka Barrio.

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Se trata de un cartel que «pretende representar la exaltación de los sentidos que despierta el cine en los espectadores. Un homenaje a la simbiosis entre realizadores y receptores».

En la categoría de Nuev@s Director@s el cartel, «Family«, del diseñador de origen polaco Mateusz Marek.

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Sobre su cartel nos cuenta: «He tratado de capturar la imagen fresca que transmiten los nuevos directores, y el conocimiento que podrán llegar a alcanzar en un futuro. Rotuladores, bolígrafos y pinceles en A4».

En la categoría de Horizontes Latinos, «Mi horizonte«,  de la joven ilustradora donostiarra Maite Rosende.

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«Haciendo uso exclusivo de los colores primarios y añadiendo una textura que evoque a la tierra, he querido crear una imagen sencilla a la que se le puedan atribuir infinitos significados y lecturas. El horizonte, esa línea que aparentemente separa el cielo de la tierra, se representa aquí con el perfil del rostro de una mujer de mirada infinita».

En la categoría Perlas, el cartel ganador ha sido «Perlas que brillan como estrellas«, del diseñador donostiarra Andoni Tebar Gaztambide.

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«El cine nos regala cada año historias sobre realidades inimaginables, románticas, de acción, ficción… Grandes películas que se proyectan en los festivales del mundo entero y que hoy son las perlas del nuestro…».

El cartel «Tuberías 3» ha sido el elegido para ser la imagen de la sección Zabaltegi de este año. Su autor es el artista gráfico boliviano Marco Tóxico. Ha expuesto y publicado en varios países y fue elegido como uno de los 10 mejores Ilustradores del COW International Design Festival 2012, en Ucrania. En 2014 su cartel fue seleccionado para ser la imagen oficial del Montreal International Film Festival de Canadá.

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«Al ser Zabaltegi un espacio dedicado al cine sin fronteras formales o temáticas creí que lo más adecuado era que el cartel resaltase una búsqueda que tal vez esté un poco condenada a no llegar nunca al destino final, sino más bien a aprender y sobre todo a disfrutar con todas las variantes del camino. Decidí usar un personaje al que se le ha extraviado un zapato en un extraño laberinto de tuberías, como al público que se acerca a esta muestra de cine inclasificable».

Por último, para la sección dedicada al cine y la gastronomía: Culinary Zinema, el cartel elegido ha sido «Marilyn» del equipo formado por la asturiana Noemí Gómez Lobo y el salmantino Diego Martín Sánchez, que desde 2012 trabaja en diferentes proyectos que exploran los límites difusos entre el arte, la arquitectura y el diseño.

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«Interesándonos por la visión del autor, el cineasta, el cocinero, el actor, y su transformación en icono, partimos de la idea de la experiencia tan intensa como efímera de un bocado, de una película o de un beso. Elaborado con la sección de una fresa y una gota de chocolate tratamos de evocar el lunar de la boca de Marilyn, convirtiendo el propio cartel en un juego. Por otro lado, la intensidad del color de la fresa contrasta con un fondo neutro, como un bocado de alta cocina en un plato sin límites».

La imagen de la 63 edición se completa con otros tres carteles.

Además de los ganadores del concurso, también se han presentado el resto de carteles que serán imagen de secciones en esta edición:

Savage Cinema

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«C´est pas grave c´est la famille”, representa la comunidad y los lazos que unen a los que viven con pasión cualquier deporte o estilo de vida. Un sentimiento de unidad que transmite el icónico skater David Martelleur, protagonista de Danger Dave, película que formó parte de Savage Cinema en la 62 edición del Festival de San Sebastián, en este retrato de Iker Basterretxea. Diseño de Federico Yankelevich.

Y los de las secciones retrospectivas, elaborados por Roberto Cueto y Eurosíntesis:

Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack

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Los CLIPS PROMOCIONALES DE LAS RETROSPECTIVAS, han sido elaborados por Carlos Rodríguez, de Morgan Creativos.

«Backcountry» review

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Una pareja de excursionistas se pierde en uno de los rincones más remotos de Canadá. Sin comida ni agua con la que subsistir, no tardan en descubrir horrorizados que se encuentran en una área poblada por osos salvajes.

El survival de tono realista ambientado en plena naturaleza y con la consabida coletilla basado en hechos reales ha devenido en estos últimos años como un subgénero propio, un tipo de películas bastante digerible y en parte disfrutable aunque poco originales, pues lejos de renovar sus conceptos sigue una línea inmovilismos en unos postulados que prácticamente se suelen repetir de forma sistemática.

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«Backcountry» debut en la dirección del actor Adam MacDonald sigue a raja tabla lo antes mencionado con algunos pequeños matices, básicamente porque la película se toma su tiempo en presentarnos a la pareja protagonista, de echo más de la mitad de su metraje, relación, dificultad, mentiras, celos y demás situaciones de tono común que rodea la relación de pareja nos es mostrada bajo un ritmo algo tedioso, nos movemos dentro de un ámbito que nos remite más al drama sentimental con una bella región geográfica como escenario que al survival propiamente dicho , supongo que la intención de su director era la de mostrarnos una cotidianeidad previa al suceso que es enunciado como principal reclamo del film, algo que bien mirado tiene su lógica como luego vemos en su desarrollo, el problema es que al espectador poco o nada le importa esa larga cotidianeidad que se nos muestra.

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El punto positivo del film viene dado a la hora de mostrarnos al suceso antes mencionado (el ataque del oso), básicamente porque lo hace de una perspectiva hasta cierto punto coherente con respecto a lo antes expuesto, lo hace de una manera directa, realista y sin muchas concesiones de cara a la galería, se aparta de forma consiente de una gratuidad que es de agradecer, pues esta suele ser un recurso bastante utilizado en negativo en esta clase de películas, para entendernos no veremos al animal resucitar varias veces y atacar cual inteligente asesino en serie, así vemos su aparición y el consiguiente ataque del oso de una manera real, igual de real y en cierta manera natural como a la hora de desaparecer de escena, es aquí donde la ficción se vuelve realidad y el film fluye de forma algo convincente.

Sin embargo es una pena que Adam MacDonald en esta «Backcountry» se muestre poco valiente en dar un paso más hacia adelante, parece conformarse con lo expuesto y poco más, deviniendo ser un producto tan entretenido como olvidable, hay una vía que vislumbramos de una manera muy de pasada y que prácticamente no se desarrolla, aquella cuando entra en escena un tercer personaje (el oso no) y entramos en un atisbo de violencia e incomodidad no escrita, una situación en donde los personajes se ve desprovistos de la seguridad que poseen dentro de las reglas de la sociedad en la que viven y de la que son desprovistos al entrar en un ámbito de naturaleza salvaje y carente de las normas o códigos de comportamiento en el que suelen subsistir en el día a día, y en donde se podría decir perfectamente que impera la ley del más fuerte, algo que años atrás ya mostro de una manera perfecta y aun no superada John Boorman en la inolvidable «Deliverance«.

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Valoración 0/5:2’5  

El Festival de San Sebastián dedicará un ciclo al nuevo cine independiente japonés

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Nuevo cine independiente japonés 2000-2015 es la retrospectiva temática que el Festival de San Sebastián ha programado para su 63 edición, que tendrá lugar entre el 18 y el 26 de septiembre.

Más allá de las películas surgidas de los grandes estudios,  el fenómeno del cine independiente en Japón ha generado un importante foco de creatividad cinematográfica que se manifiesta en una serie de películas producidas fuera de la industria. En esta categoría se encuentran los primeros trabajos de jóvenes directores, pero también los de una serie de consagrados cineastas que encuentran, en este territorio al margen del cine comercial, una mayor libertad expresiva.

El ciclo se convierte así en un panorama de la producción independiente japonesa de los últimos 15 años, un recorrido que permitirá descubrir la vitalidad y energía de la cinematografía de este país a través de la obra de algunos de sus más notables cineastas.

Entre los títulos que conformarán la retrospectiva se encuentran los trabajos de destacadas figuras del cine japonés contemporáneo: H Story (2001) de Nobuhiro Suwa, A Snake of June (Rokugatsu no hebi, 2002) de Shin’ya Tsukamoto, Bright Future (Akarui mirai, 2003) de Kiyoshi Kurosawa, Vibrator (2003) de Ryuichi Hiroki, Bashing (2005) de Masahiro Kobayashi, Birth/Mother (Tarachime, 2006) de Naomi Kawase o  Love Exposure (Ai no mukidashi, 2008) de Shion Sono.

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Además, se presentarán también las obras de una serie de nuevos talentos que debutaron a partir del año 2000: Hole in the Sky (Sora no ana, 2001) de Kazuyoshi Kumakiri, Border Line (2002) de Sang-il Lee, No One’s Ark (Baka no hakobune, 2003) de Nobuhiro Yamashita, The Soupe, One Morning (Aru asa, soup wa, 2005) de Izumi Takahashi, Fourteen (Ju-yon-sai, 2007) de Hiromasa Hirosue, Sex Is Not Laughing Matter (Hito no sekkuso o warauna, 2007) de Nami Iguchi, Passion (2008) de Ryûsuke Hamaguchi, Parade (Parêdo, 2009) de Isao Yukisada, Yellow Kid (Ierô Kiddo, 2009) de Tetsuya Mariko, Love Addiction (Fuyu no kemono, 2010) de Nobuteru Uchida, No Man’s Zone (Mujin chitai, 2011) de Toshifumi Fujiwara, Saudade (Saudâji, 2011) de Katsuya Tomita, Cold Bloom (Sakura namiki no mankai no shita ni, 2012) de Atsushi Funahashi, The Cowards Who Looked To The Sky (Fugainai bokutachi wa sora o mita, 2012) de Yuki Tanada, Au revoir l’eté (Hotori no sakuko, 2013) de Kôji Fukada, The Tale of Iya (Iya monogatari: Oku no hito, 2013) de Tetsuichirô Tsuta o The Light Shines Only There (Soko nomi nite hikari kagayaku, 2014) de Mipo Oh.

El ciclo Cine independiente japonés 2000-2015 está organizado por el Festival de San Sebastián en colaboración con CulturArts-IVAC (Valencia), Filmoteca Vasca, Museo San Telmo y Donostia/San Sebastián Capital Europea de la Cultura 2016.

La retrospectiva se completará con una publicación coordinada por Shozo Ichiyama.

Cine de Ciencia Ficción: Volumen 1

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Desde las legendarias películas de los años 50, «El enigma de otro mundo», «La guerra de los mundos», «Cuando los mundos chocan», o «Ultimátum a la Tierra», hasta ahora, las cosas han cambiado bastante y el cine de ciencia-ficción ocupa ya un lugar de privilegio en los gustos de la gente y algunas de las películas más taquilleras de todos los tiempos tienen como tema los extraterrestres o los «platillos volantes». El vídeo primero y posteriormente el DVD, además, han contribuido a que podamos dejar volar nuestra imaginación en cualquier momento del día y logremos sentirnos protagonistas de cualquier aventura espacial en nuestra propia casa.

Autor; Adolfo Pérez Agustí. Editorial; Createspace. Páginas; 512

Primer tráiler de «Sense8», la serie de los Wachowski para Netflix

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Ya está aquí el tráiler de la esperada serie «Sense8«, el salto a la televisión de la mano de la cada vez más ambiciosa plataforma Netflix de los hermanos  Lana y Andy Wachowski, como guionista nos encontramos a un peso pesado, J. Michael Straczynski «Babylon 5«, también estarán en nómina directores de la talla de Tom Tykwer, Dan Glass y  James McTeigue. La serie cuyo estreno mundial será el próximo 5 de junio constará de 12 capítulos. Viendo su tráiler, que podéis ver a final de página, esta parece remitir en algo a la magnífica «Cloud Atlas«, estamos pues ante lo que parece ser una serie diferente, arriesgada y que en un principio desprende bastantes buenas sensaciones.

«Sense8» nos cuenta la historia de ocho personas de diferentes culturas y lugares del mundo unidos por una premonición violenta. Además, pronto empiezan a desarrollar una serie de inexplicables poderes sensoriales que refuerza el lazo entre ellos, algo que intentará aprovechar un misterioso desconocido para intentar unirlos, los ocho extraños tendrán que descubrir por qué les ocurre esto y qué significado puede tener en el futuro de sus vidas

La serie está interpretada por Jamie Clayton,  Naveen Andrews,  Miguel Angel Silvestre,  Terrence Mann,  Daryl Hannah,  Brian J. Smith,  Tuppence Middleton,  Tina Desai,  Doona Bae,  Aml Ameen,  Max Riemelt,  Freema Agyeman,  Alfonso Herrera,  Erendira Ibarra,  Adam Shapiro,  Ness Bautista y Joe Pantoliano.

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El Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva a Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack

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Merian C. Cooper (1893-1973) y Ernest B. Schoedsack (1893-1979) formaron en la era clásica del cine estadounidense una de las parejas creativas más curiosas y estimulantes que ha dado la historia de Hollywood. La próxima edición del Festival de San Sebastián recuperará su obra a través de un ciclo dedicado a sus películas como directores.

Reconocidos durante generaciones por ser los artífices de la emblemática King Kong (1933), la aportación de Cooper y Schoedsack al cine fantástico no se reduce a esta obra maestra que remodeló el mito de la Bella y la Bestia, creó un delirante y antediluviano universo plástico inspirado en Gustave Doré e innovó la técnica de la animación stop motion. También ofrecieron otros registros igual de atractivos en títulos como The Most Dangerous Game (El malvado Zaroff, 1932), la gran película sobre el tema de la caza del hombre por el hombre, producida por Cooper y realizada por Schoedsack e Irving Pichel, y Dr. Cyclops (1940), una fantasía telúrica sobre seres miniaturizados que realizó Schoedsack en solitario.

Cooper fue piloto de bombardero durante la Primera Guerra Mundial, estuvo prisionero en un campo alemán, participó en un escuadrón voluntario durante el posterior conflicto entre Polonia y la Unión Soviética y repitió, en calidad de coronel de las fuerzas aéreas estadounidenses, durante la Segunda Guerra Mundial. Schoedsack también combatió en la primera contienda, pero como miembro de Signal Corps, la unidad de información del ejército. Realizó diversos trabajos periodísticos y empezó en la industria del cine como cámara en la Keystone Pictures de Mack Sennett. Aventureros innatos ambos, participaron en varias expediciones antropológicas en calidad de operadores de cámara, y de ahí surgió su pasión por el cine documental.

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Debutaron dirigiendo juntos dos piezas maestras del género, Grass (1925) y Chang (1927). En la primera retrataron el día a día de una tribu nómada de Persia (actual Irán), mientras que en la segunda mostraron la relación entre un nativo de la selva de Siam y una cría de elefante. Aunque después realizaran películas fantásticas, dramas, de aventuras y de misterio, en su cine de ficción siempre estuvo muy presente el aprendizaje documental: las historias de King Kong y Zaroff surgen del contacto con mundos exóticos por explorar, de modo que la fantasía más desbordante y la realidad de las selvas y montañas asiáticas o africanas se mezclan a lo largo de toda su obra. De ahí el estilo tan personal que les caracterizaría a lo largo de toda su obra. Después de sus dos documentales realizaron The Four Feathers (Las cuatro plumas, 1929), primera versión sonora de la conocida novela de A.E.W. Masson sobre el honor y la cobardía.

La entente Cooper-Schoedsack funcionó a pleno rendimiento durante toda la década de los años treinta formando equipo con la guionista Ruth Rose (1891-1978). Rose y Schoedsack habían coincidido en una expedición a las Islas Galápagos y contrajeron matrimonio en 1926. Los tres pusieron en marcha películas de diversos géneros que Cooper producía y Schoedsack dirigía en solitario o en colaboración: films de misterio como The Monkey’s Paw (1933) y Blind Adventure (Una aventura en la niebla, 1933); relatos de aventuras como Trouble in Morocco (1937) y Outlaws of the Orient (1937); una adaptación de la popular novela de Bulwer-Lytton The Last Days of Pompeii (Los últimos días de Pompeya, 1935); e incluso comedias dramáticas como Long Lost Father (1934), protagonizada por John Barrymore. De su exitosa King Kong, que generaría décadas después remakes rodados por John Guillermin y Peter Jackson, ellos mismos hicieron gozosas continuaciones y derivaciones: Son of Kong (El hijo de Kong, 1933) y Mighty Joe Young (El gran gorila, 1949). El estilo de stop motion emprendido por Willis O’Brien en el primer Kong fue retomado en Mighty Joe Young por Ray Harryhausen, uno de los grandes maestros de este artesanal procedimiento a partir de ese momento.

Tras el gran desafío técnico que supuso King Kong, cumbre del fantástico de los años treinta y también metáfora sobre la situación económica que atravesaba el país tras el crack bursátil de 1929, Cooper fue apartándose de la dirección y se estableció como uno de los principales productores de RKO. En su cargo de jefe del estudio, produciría, entre otras películas, la primera de las elegantes comedias musicales para Fred Astaire y Ginger Rogers, Flying Down to Rio (Volando hacía Río de Janeiro, 1933), de Thornton Freeland, y la fantasía aventurera She (La diosa de fuego, 1935), de Lansing C. Holden e Irving Pichel, según la novela de H. Rider Haggard y objeto de un remake años después producido por Hammer Film.

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En 1933 se asoció con David O. Selznick en Pioneer Pictures, productora dedicada a experimentar con el Technicolor tricromo: la primera película con esta técnica que lanzaría Pioneer sería Becky Sharp (La feria de las vanidades, 1935), de Rouben Mamoulian. Después, a finales de los años cuarenta, fundó con John Ford la pequeña compañía independiente Argosy Pictures, con la que produjeron The Fugitive (El fugitivo, 1947), Fort Apache (1948), Rio Grande (Río Grande, 1950), The Quiet Man (El hombre tranquilo, 1952) y The Searchers (Centauros del desierto, 1956), entre otras películas de Ford. Cooper sería también uno de los impulsores del formato Cinerama, creado por el fotógrafo y cineasta Fred Waller a principios de los cincuenta.

La retrospectiva, dedicada a sus trabajos como directores, tanto juntos como de Schoedsack en solitario, está organizada por el Festival de Cine de San Sebastián en colaboración con Filmoteca Española. El ciclo se complementará con la publicación de un libro dedicado a los dos cineastas.

Robert Zemeckis y la vida de Phiippe Petit, tráiler de «The Walk»

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Primer tráiler que podéis ver a final de página del nuevo film de Robert Zemeckis «The Walk«, film basado en las memorias escritas por Phillippe Petit, interpretado en la película por Joseph Gordon-Levitt, un funambulista francés que en 1974 caminó sobre un cable el espacio que separaba las Torres Gemelas de Nueva York. Una historia que ya pudimos ver en formato documental hace unos años, la ganadora de un Oscar en dicha categoría  «Man on Wire» de James Marsh. Uno de los mayores atractivos del nuevo film de Robert Zemeckis es que podrá verse en formato 3D y en Imax 3D, algo que conociendo porque derroteros va la historia y viendo sus primeras imágenes puede resultar bastante provechoso.

«The Walk» llegará a las salas norteamericanas el próximo 2 de octubre de 2015, el 4 de diciembre del mismo año tendrá su estreno en España.

La película está interpretada por Joseph Gordon-Levitt,  Ben Kingsley,  Charlotte Le Bon,  James Badge Dale,  Steve Valentine,  Ben Schwartz, Jason Deline, Clément Sibony y César Domboy.

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