Fantasia, web dedicada al cine, críticas y análisis de películas, series de televisión, festivales, noticias, libros, Dvd & Bluray, merchandising y todo lo que rodea al séptimo arte
Primer tráiler que podéis ver a final de página de «Sweet Home«, la nueva producción Filmax que se estrenará en el 2015 y que supone el debut en la dirección de Rafa Martínez, que firma también el guión junto a Teresa de Rosendo (series “Gavilanes”; “Suárez y Mariscal. Caso Cerrado”) y Ángel Agudo (cortometrajes ‘Trooper’;’ Go Home’o el documental «El Hombre que vio llorar aFrankenstein«). La película está rodada en inglés y visto su contundente tráiler el film parece moverse de forma clara entre el habitual slasher y el últimamente bastante socorrido home invasión, habrá que esperar a ver como funciona esta nueva producción de género, que junto a «SummerCamp» son las grandes apuestas por parte de Filmax para el próximo año.
«Sweet Home» nos cuenta como una pareja decide pasar una noche romántica en un piso de un edificio semi abandonado al que se cuelan porque ella trabaja como asesora de inmuebles para el Ayuntamiento y tiene las llaves. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… y ellos se convierten en su nuevo objetivo.
La película está interpretada por entre otros por Ingrid García Jonsson y Bruno Sevilla.
CINE-BIS, el fanzine de cine de género alrededor del mundo que maqueta y dirige Javier G. Romero ya se encuentra disponible en su número 3, ofreciendo un suculento sumario encabezado por el dossier dedicado al thriller coreano escrito por Adrián Sánchez y el repaso a la saga de Emanuelle negra a cargo de Davide Pulici. Nuevas e ilustres firmas se unen a la redacción como las de Ramon Freixas & Joan Bassa junto a la canadiense Anita Haas.Hay que recordar que CINE-BIS solo se vende por correo al email quatermass@hotmail.com y que es de edición limitada.
SUMARIO CINE-BIS # 3:
“El Thriller Coreano”, por Adrián Sánchez. Primera parte de este dossier centrado en el Noir surcoreano, desde el crudo realismo de los años 40 a la explosiva espectacularidad de la última década, eclosión debida a títulos excelentes como “Old Boy” (2003) o “Memories of Murder” (2003).
“Emanuelle negra: la epopeya erótica de Laura Gemser”, por Davide Pulici. Visitamos la saga erótica más famosa del exploitation italiano de los años 70, surgida a raíz del éxito de la francesa Emmanuelle encarnada por Sylvia Kristel. Esta contrapartida italiana convirtió en instantáneo mito erótico a su protagonista, la sensual Laura Gemser.
“Eli Wallach: uno, muchos, él”, por Anita Haas. Extensa entrevista a este legendario y prolífico actor americano que intervino en incontables clásicos del Cine, inolvidable como Tuco en “El bueno, el feo y el malo” (1966) o el peligroso bandido Calvera de “Los siete magníficos” (1960).
“El Western Crepuscular, 2ª parte”, por Javier G. Romero. Conclusión del dossier dedicado a esta variante del Western, ahondando en la influencia del spaghetti western, los filmes ambientados en la revolución mexicana, el “dirty western”, la desmitificación, el revisionismo histórico, etc. Todo bajo el prisma de la extrema violencia que marcó el género durante los años 70.
“Federico Boido: nacido para que lo maten”, por Carlos Aguilar. Entrevista exclusiva a este incansable actor italiano omnipresente en infinidad de Spaghetti Westerns, donde solía encarnar repulsivos villanos, pero que también trabajó a las órdenes de Mario Bava, Luchino Visconti o Federico Fellini.
“Incubus: luz contra oscuridad” (1965), por Ramón Freixas & Joan Bassa. Análisis de este inquietante fantastique rodado en esperanto, hipnótica muestra de cine satánico cuya filmación (trufada de muerte y desgracias) fue tan espeluznante y macabra como el propio film.
“Hugo Fregonese: la odisea del gaucho”, por Carlos Aguilar. Estudio de este extraordinario director que cultivó con acierto todos los géneros, tanto en su argentina natal como en EE.UU., dirigiendo grandes estrellas de Hollywood, hasta el punto de emerger como el mejor y más singular cineasta de su país, durante años olvidado y que hoy urge reivindicar.
“Rebelión a bordo: infierno en el paraíso”, por Juan Andrés Pedrero Santos. Repaso a las diferentes versiones cinematográficas de un dramático hecho real que conmovió la marina británica durante el siglo XVIII, centrado sobre todo en los tres magníficos largometrajes de aventuras protagonizados por Clark Gable/Charles Laughton, Marlon Brando/Trevor Howard y Mel Gibson/Anthony Hopkins.
“Diego López, director de El Buque Maldito”, por Javier G. Romero. Entrevista exclusiva al fundador y director de este exitoso fanzine dedicado al cine fantástico, en activo desde 2005.
Javier G. Romero
Director/Editor de las publicaciones cinematográficas Quatermass (desde 1993) y Cine-Bis (desde 2013), y fundador de la Semana de Cine Fantástico de Bilbao (desde 1994, hoy conocida como Fant). Ha escrito en Dirigido por,Nosferatu, Scifiworld, Miradas de Cine, 2000 Maníacos, Monster World, Opus Cero, Les ami(e)s de Stephen King (Francia), Nocturno Cinema (Italia)… Miembro del comité de selección del Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao – Zinebi, así como jurado en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Trieste (Italia) y en el XVI Festival de Cine de Zaragoza. Escritor en los libros colectivos El cine fantástico y de terror de la Universal (2000), El giallo italiano: la oscuridad y la sangre (2001), Cine fantástico y de terror alemán: 1913-1927 (2002), Cine fantástico y de terror español: 1984-2004 (2005), El demonio en el cine: máscara y espectáculo (2007), American Gothic: el cine de terror USA, 1968-1980 (2007), Juan Piquer Simón, mago de la serie B (2012), Los mundos perdidos de Willis O’Brien (2013)… Asimismo ha editado John Phillip Law: Diabolik Angel (2008), coordinado Hecho en Europa: cine de géneros europeo, 1960-1979 (2009) y Bolsilibro & Cinema Bis (2012), y firmado los prólogos de la novela de Carlos Aguilar Un hombre, cinco balas (2013), y del libro de Daniel Rodríguez Sánchez Rob Zombie, las siniestras armonías de la sordidez (2014), ejerciendo también en muchos de ellos como diseñador/maquetador. Igualmente ha colaborado, aportando material gráfico, en numerosos libros: Clint Eastwood (2009), Sergio Leone (2009), Jesús Franco (2011), José Ramón Larraz: del tebeo al cine, con mujeres de película (2012), Mario Bava (2013), Cine y Jazz (2013), Ciudades de cine (2014)…
En un futuro no lejano, en el que el planeta Tierra sufre una creciente desertización, Jacq Vaucan (Antonio Banderas), un agente de seguros de una compañía de robótica, investiga un caso en apariencia rutinario cuando descubre algo que podría tener consecuencias decisivas para el futuro de la humanidad. Banderas produce y protagoniza este thriller futurista, que especula sobre lo que ocurriría si la inteligencia artificial superase a la humana.
Gabe Ibáñez debutó hace cinco años con una pequeña película, la estimable «Hierro«, un más que interesante drama atmosférico que lindaba de manera acertada y convincente con el terror psicológico, film cuyo mérito más destacable radicaba en el extraordinario uso del escenario donde transcurría la acción (la isla que hace referencia el título) sobresaliendo además la notable interpretación de Elena Anaya en el papel protagonista, la película solo flojeaba en cierta manera en su conclusión final, algo previsible y estándar, bastante alejada del tono restante del film, ahora Ibáñez presenta su segundo trabajo tras las cámaras «Autómata«, una película que se sitúa en las antípodas tanto en intenciones como en resultados con respecto a su opera prima.
Con «Autómata» Gabe Ibáñez se adentra en la ciencia ficción de tintes filosóficos, un género nada proclive en España, de manera algo fallida, un film donde prima más las intenciones (un proyecto que ha costado sangre, sudor y lágrimas, según Antonio Banderas, productor y protagonista principal del film) que los resultados obtenidos en ella, por mucha empatía que se le conceday se le llegue a apreciar un indudable esfuerzo en su realización el film denota una irregularidad narrativa bastante evidente, una primera parte que bebe en estilo y forma de manera nada disimulada del clásico «Blade Runner» y una segunda menos interesante aun, por errática y algo incongruente en su desarrollo, que le acerca temáticamente al western futurista de tono noir, el guión por momentos se hace pesado por sus incontables momentos de lentitud en busca de una respuesta dramática que nunca llega a aparece, pero sobre todo por un intento de mensaje de claro tono transcendental que no consigue adecuarse con el supuesto propósito del film, llegando a estar mal estructurado y tanto en personajes (nada creíble el personaje de Melanie Griffith y desconcertante el protagonizado por Dylan McDermott, por confuso e incongruente) teniendo la sensación de ser en esencia muy básicos y simples, tanto como su trama, poseedora de una evidente falta de sorpresas o giros narrativos originales en su argumento, viendo la película uno tiene la sensación de que esta presenta dilemas y conflictos que nunca jamás soluciona, no queda claro si por deficiencias en su guión, problemas de rodaje o un deficiente uso de su montaje.
Posiblemente «Autómata» se salve en algo el ser una apuesta arriesgada y nada complaciente dirigida para los seguidores del género, un proyecto de naturaleza algo kamikaze, poseedora de unos primeros quince minutos que enganchan en algo al espectador, con ideas bastante interesantes en su enunciado pero poco desarrolladas, de loable y notable factura técnica, llegando a convertirse en una rara avis dentro del panorama del género patrio.
No puedo evitar hacer una reflexión en voz alta algo dolorosa acerca del recibimiento que se le ha otorgado a «Autómata» por parte de un cierto sector de crítica de este país, posiblemente el festival de San Sebastián no era el marco idóneo para su premier mundial, aun así una cosa es resaltar sus evidentes carencias y otra muy distinta es el linchamiento critico que obtuvo, «Autómata«pese a sus limitaciones no es mucho peor película que algunas producciones de índole parecida que vienen de fuera de nuestras fronteras y que vemos durante al año, films a los que no se les pone tanto el acento por parte de una crítica que no tiene inconveniente alguno en aceptar el enésimo chiste garrulo por parte de Santiago Segura o en aplaudir comedias que baten records de taquilla que resultan ser tan intrascendentes como anacrónicas y carentes de cualquier atisbo de riesgo en su propuesta, algo esto último que al menos si posee «Autómata» .
«Harbinger Down» film financiado mediante crowfunding presenta su primer tráiler que podéis ver a final de página, la película está escrita y dirigida por Alec Gillis reputado técnico de FX, junto a Tom Woodruff, Jr también implicado en el film son responsables en los trabajos de títulos tan importantes como «Aliens«, «Skyline«, «Terminator«, «Starship Troopers» o «Tremors» entre otros. De hecho «Harbinger Down» nace de la desilusión por parte de sus responsables al ver como su trabajo de efectos prácticos y de maquillaje que presentaron para la secuela-precuela de «The Thing» fue finalmente desechado, en su mayoría sustituidos por efectos digitales, ahora Alec Gillis y Tom Woodruff, Jr mediante su Studio ADI prometen todo un repertorio de efectos especiales orquestados a la vieja usanza.
«Harbinger Down» nos cuenta como un grupo de estudiantes de biología alquilan un barco con el objetivo de estudiar los efectos del calentamiento global en las Orcas. Durante el viaje, su barco topará con un antiguo modulo espacial soviético, lleno de experimentos genéticos con extrañas criaturas mutantes. Las criaturas han sobrevivido… y la mutación pronto se extenderá a todo el mundo.
La película está interpretada por Lance Henriksen, Matt Winston, Camille Balsamo, Giovonnie Samuels, Winston James Francis, Reid Collums y Michael Estime.
Primer teaser tráiler para «Ryuzo 7«, también conocida por el título de «Ryuzo And The Seven Henchmen«, el nuevo film del director nipón Takeshi Kitano que vuelve a la dirección tres años después de su «Outrage Beyond«. Con «Ryuzo 7» Kitano vuelve a la comedia con un humor al parecer más amable y distendido con respecto a otras películas suyas que también abordaban dicho género , su estreno en Japón está previsto para el 25 de abril del próximo año.
«Ryuzo 7» nos cuenta las peripecias de Ryuzo, un líder yakuza que hace tiempo se apartó de la actividad criminal, retirándose a una vida más apacible y tranquila, pero Ryuzo será víctima de un fraude cuando unos jóvenes estafan al anciano, todo su pasado yakuza volverá a florar, como en los viejos tiempos el anciano volverá a reunir a sus hombres para reclamar su particular venganza.
La película está interpretada por Tatsuya Fuji, Masaomi Kondo, Akira Nakao, Akira Onodera, Toru Shinagawa , Ben Hiura y el propio Takeshi Kitano en un papel secundario.
La idea de que una película sea capaz de inducir cambios en la realidad por medio de sus imágenes mágicas está en el corazón de la obra de cineastas experimentales como Maya Deren, Harry Smith y sobretodo Keneth Anger, seguidor de la filosofía mágika de Aleister Crowley. Mucho antes que estos creadores, los cineastas alemanes del periodo mudo, como Murnau, Lang, Henrik Galeen y otros ya habían empleado el montaje, como el mago usa los hechizos y abracadabras propios de su oficio, para dotar al cine de esa dimensión esotérica. Sus obras más famosas, Nosferatu (1922), Metrópolis (1927), El gabinete del Dr. Caligari (1920), El Golem (1920) o El estudiante de Praga (1926) son auténticas joyas malditas del cine que han dado lugar a numerosas especulaciones.
Jesús Palacios, crítico y escritor sobradamente conocido por los aficionados al cine y la literatura de terror en nuestro país, escarba en este Hollywood maldito en una serie de películas «genuinamente» malditas –aquellas que, no solo durante el rodaje sino a menudo tras su estreno, han provocado y se han visto rodeadas de fenómenos extraños, inexplicables y trágicos–, centrándose en las más famosas e infames de la historia del cine en general y de Hollywood en particular. La erudición de Jesús Palacios nos desvelará que películas como Nosferatu, La semilla del diablo (1968), El exorcista (1973), La profecía (1976), Poltergeist (1982), o El cuervo (1994), cuya leyenda negra resulta estar en perfecta sintonía con sus contenidos, parecen tener sorprendentes e innegables conexiones entre ellas. El lector puede considerar este Hollywood maldito como una suerte de ampliación y actualización de aquel otro ensayo, Satán en Hollywood, publicado hace diecisiete años por la editorial Valdemar y germen de esta nueva obra.
Acaba de ver la luz una primera imagen de la adaptación de la aclamada novela de fantasía escrita por Susana Clarke en 2004 «Jonathan Strange & Mr. Norrell«, el libro nos presentaba una versión alternativa de la historia a través de las peripecias de dos magos durante el periodo de las guerras Napoleónicas. La BBC será la encargada de llevarla a la pequeña pantalla en forma de miniserie de siete capítulos que se emitirán a partir del próximo año.
«Jonathan Strange & Mr. Norrell» nos cuenta como a principios del siglo XIX, nadie en Inglaterra cree en la magia… hasta que el señor Norrell decide hacer que las estatuas de la Catedral de York cobren vida. Entonces es invitado por el gobierno para ayudar en la guerra contra Napoleón… y para un encargo más delicado. Mientras tanto, el arrogante Jonathan Strange conoce a un mago callejero que le asegura un gran futuro en el negocio…
La miniserie está protagonizada por Eddie Marsan,Bertie Carvel,Marc Warren,Charlotte Riley,Alice Englert,Paul Kaye,Samuel West,Enzo Cilenti,Peter Bowles,Ariyon Bakare,Vincent Franklin y Freddie Hogan.
Sarah Walker persigue el sueño de Hollywood: convertirse en una gran estrella; pero de momento lo hace desde un trabajo insatisfactorio y sin mucho éxito en las diferentes audiciones a las que acude. Hasta que va a dar con un misterioso anuncio, el cual le llevará paso a paso a través de una serie de extrañas entrevistas y pruebas que la catapultarán a la fama como protagonista de una nueva cinta de culto, nunca mejor dicho. Aunque todos sabemos que la gloria tiene un precio, y el cuerpo y la mente de Sarah serán los encargados de pagarlo.
«Starry Eyes» el segundo largometraje del dúo formado porKevin Kolsch y Dennis Widmyer es posiblemente una de las sorpresas más estimulantes en lo referente al género de este año, el film nos sitúa en el Hollywood actual pero ofreciéndonos un retrato totalmente opuesto al del glamour y las alfombras rojas, ofreciéndonos una visión de trastienda, oscura, una especie de tenebroso y malsano cuento de hadas sobre el precio del éxito y la fama en un mundo tan duro como el de la interpretación y como alcanzar ese sueño dorado en forma de santo grial que supone el triunfar dentro de la meca del cine, cueste lo que cueste.
La película se nos presenta como una bajada al infierno por parte de nuestra protagonista (notableinterpretación a cargo de Alex Essoe), dispuesta a no conformarse con el rol que parece otorgarle la vida, conforme avanza la trama la ilusión se va transformando en obsesión, es aquícuando el film bebe de un tono Polanskiano que la remite a cintas como «Repulsion» o «Rosemary’s Baby«, todo ello visualizado de manera tan acertada como sórdida en la transformación física y mental que sufre nuestra protagonista, todo ello mostrado en forma de pesadilla malsana y enfermiza. Pero posiblemente la mayor virtud de «Starry Eyes» es que no se conforma con su enunciado y desarrollo narrativo, en su tercio final muta y extiende su universo hacia una materialización (nunca mejor dicho) que la emparenta al cine que tan bien retrataba David Cronenberg en sus primeras película.
«Starry Eyes» es un brillante ejercicio de horror psicológico, una inmejorable muestra de ese talentoso cine independiente de generóproveniente de los Estados Unidos, tan referencial como innovador en su propuestas, una pequeña joya que no tendría que pasar desapercibida entre los amantes del fantástico.
Valoración 0/5:4
Asmodexia
Sigue los pasos del pastor Eloy de Palma y a su nieta Alba durante cuatro días, en una Barcelona asediada por lo diabólico. Su misión es ayudar a los poseídos por el mal, cuyas almas han sido infectadas. En cada nuevo enfrentamiento con el maligno se descubren pistas sobre el misterioso pasado de los protagonistas; un enigma que puede cambiar el mundo.
«Asmodexia» viene a ser un perfecto ejemplo de buenas intenciones canalizadas de manera errónea en esta road movie de horror satánico, película repleta de buenas intenciones que no logran salvar la función de un producto en donde lapobre dirección llevada a cargo por parte de Marc Carretéresulta un lastre insalvable a la hora de enjuiciarla de manera positiva, un film de guion irregular y de giro final algo previsible pero de una clara y nada disimulada naturaleza hacia la serie B más desprejuiciada que la emparentan ligeramente al cierto tipo de cine orquestado por parte de Lucio Fulci en los setenta y principios de los ochenta. Posiblemente su falta de pretensiones sea un punto que la beneficie en algo de manera positiva, en un film que dado su naturaleza (totalmente financiado con capital privado) hubiera merecido una mayor beligerancia por parte de un sector del público predispuesto a no perdonarle sus evidentes carencias desde un principio, una verdadera pena tanto en un sentido como en el otro.
Valoración 0/5:2’5
Exists
Para cinco amigos, es la oportunidad de escaparse en verano: un fin de semana de camping en la reserva natural Big Thicket de Texas. Pero la idea que tenían de unas vacaciones sin preocupaciones se ensombrece con un accidente en una carretera desolada y oscura. Después del accidente, se libera una fuerza espeluznante de la naturaleza, algo no humano; una leyenda urbana cobra vida… y busca venganza matando.
Eduardo Sánchez recurre nuevamente al found footage para contarnos su visión acerca del mito del bigfoot, unas de lasleyendas urbanas más populares de los Estado Unidos, personaje este que sigue sin tener una película emblemática, básicamente derivado a series B y últimamente al found footage como recurso, el pasado año vio la luz la algo irregular «Willow Creek«. El director norteamericano de origen cubano se ha erigido como un auténtico referente en la utilización de este formato,«The Blair WitchProject«, «Seventh Moon» y la que posiblemente sea su mejor película hasta la fecha «Lovely Molly«que pese a no estar rodada en esta modalidad utiliza los mimbres tan característicos de este formato de manera nada disimulada a la hora de dirigirla, el único film suyo hasta la fecha que no se inscribe en la modalidad es la curiosa y reivindicable «Altered«.
«Exists» sin ser la mejor película de su director se ve con cierto agrado, film de argumento básico, tiene la gran virtud de poseer un acertado ritmo narrativo aprovechando al máximo los recursos del formato, un formato dicho sea de paso que no cumple con sus supuestas reglas (hay varias tomas imposibles) pero más como una declaración de intenciones que por descuido, a Sánchez parece importarle más el recurso que la rigurosidad. Seguramente «Exists» sea excesivamente previsible en su desarrollo, excluyendo sus últimos quince minutos, en ese sentido, la película no aporta nada nuevo, ni siquiera lo pretende, la mayor virtud del film es su acertada dirección, explotando al máximo las posibilidades de un medio como el found footage que también conoce y practica Eduardo Sánchez.
Posiblemente la mayor virtud en la carrera de Eduardo Sánchez como director sea su adhesión al enunciado de artesano del género, esa palabra tan en desuso hoy en día pero que tiempo atrás suponía todo un elogio a la trayectoria de un director, no solo porque todas sus películas estén adscritas al fantástico sino también por sus numerosos trabajos en la televisión o en los films de episodios, una trayectoria tan eficiente como elogiable que no desentona en su cómputo global, algo hoy en día muy difícil de ver.
Valoración 0/5:2’5
Palmarés del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2014
Mejor película: “Autumn Blood” de Markus Hunter
Mejor director: Markus Hunter por “Autumn Blood”
Mención especial: David Hunt por “Living Dark”
Mejor actor: Chris Cleveland por “Living Dark”
Mejor actriz Ashley C. Williams por “Julia”
Mención especial: Alexandra Essoe por “Starry Eyes”
Premio del Público: “Let Us Prey” de Brian O’Malley
El MórbidoFest, el festival internacional de cine fantástico y de terror de Puebla (México), ha tenido este año un marcado acento de Sitges en su programación y, especialmente, entre los premios que se han concedido. El certamen se ha celebrado entre el 13 y el 16 de noviembre en un marco que va en aumento, tanto en sus sedes e infraestructuras como en su proyección.
Las míticas calaveras que ilustran los premios de MórbidoFest han premiado diversas cintas que se exhibieron en Sitges 2014. Es el caso de los dos galardones al mejor largometraje internacional: la Calavera de Madera (premio de la prensa) se la ha llevado REC4, de Jaume Balagueró, mientras que la Calavera Dorada (premio del público) la ha ganado Musarañas, de Juanfer Andrés y Esteban Roel. También los premios a las mejores películas latinoamericanas han pasado por Sitges este año: Relatos salvajes , de Damián Szifrón (premio del público) y El incidente, de Isaac Ezban (premio de la prensa).
El palmarés de MórbidoFest también ha dejado otros premios en producciones con la marca Sitges, como el caso de Capa caída, de Santiago Alvarado –que Sitges estrenó en el 2013 y que se incluyó en la programación Blood Window de Cannes 2014– ha sido galardonada con una Calavera de Bronce.
Paramount Pictures a través de Platinum Dunes estrenará entre nosotros el próximo 27 de febrero, el 30 de enero en Estados Unidos, la nueva producción a cargo de Michael Bay «ProjectAlmanac«, el film dirigido por Dan Israelite esta rodado en formato found footage y remite en algo a la notable «Chronicle» de Josh Tank solo que cambiando el universo de los superhéroes por los viajes en el tiempo, su prometedor tráiler lo podéis ver a final de página.
«Project Almanac» nos cuenta como un grupo de jóvenes se embarca en una aventura cuando descubren planes secretos para construir una máquina del tiempo, cuyo descubrimiento pasa de ser un divertido juego a escapárseles de las manos hasta el punto de alterar completamente sus vidas… tanto en el pasado como en el futuro.
La película está protagonizada por Sir Maejor,Sofia Black-D’Elia,Sam Lerner,Amy Landecker,Ginny Gardner,Jonny Weston,Gary Weeks,Gary Grubbs,Katie Garfield,Patrick Johnson,Alexandra Bartee,Taylor McPherson,Anthony Reynolds,Allen Evangelista y Michelle DeFraites.
El pasado 14 de noviembre fallecía José María Latorre la edad de 69 años, redactor jefe hasta 2011 de la revista ‘Dirigido por’, crítico cinematográfico, escritor y guionista, autor del fundamental ensayo “El Cine Fantástico”, libro capital sobre el género en lengua castellana y que a muchos nos sirvió para descubrir por primera vez los títulos emblemáticos del fantástico. En el 1982 organizó un gigantesco ciclo de cine fantástico para Filmoteca Española.
El próximo 7 de enero en la Filmoteca de Catalunya se le rendirá un homenaje a José María Latorre con la proyección de la película ‘La isla de las almas perdidas’ (‘Isle of Lost Souls’, Erle C. Kenton, 1932).
EL CINE FANTASTICO Una vieja película de la Universidad fue lanzada en España bajo la frase: «Todos juntos». Dicha frase estaba motivada por la reunión en una misma película de personajes como Drácula, la criatura de Frankenstein y el hombre lobo (aparte, claro está, de añadidos como médicos siniestros y enfermeras jorobadas). El libro El Cine Fantástico, que ha escrito José María Latorre, podría ostentar en su cabecera una frase similar, pues es toda la historia del cine fantástico la que se da cita en sus páginas. Sin ánimo exhaustivo: las invenciones expresionistas como el Golem, Caligari y la metrópolis langiana; Drácula, Frankenstein y el siniestro Hjalmar Poelzig. Pero también el cine de platillos volantes, viajes especiales, invasores extraterrestres, mutaciones biológicas, el hombre menguante, la criatura de la Laguna Negra, el doctor Quatermass y el fantástico oriental. Y Terence Fisher, Hammer Films, Edgar Allan Poe, Roger Corman, Riccardo Freda; la Gorgona, el 2001 y Ray Harryhausen; la institutriz de Henry James, el «voyeur» de Michael Powell y el Sherlock Holmes enfrentado a la leyenda de los Baskerville. Y muchos más, entre los que figuran, por supuesto, Alien y Blade Runner, John Carpenter, Tobe Hooper, Wes Craven, George A. Romero, Peter Weir, la saga de las galaxias y otros mitos del cine fantástico moderno. Se trata de un extenso recorrido por el cine de terror y de ciencia ficción (primer libro analítico que publicó sobre el tema un autor español), con estudio pormenorizados, y que cuenta con el añadido de una excelente documentación fotográfica.
Autor: José María Latorre. Editorial; Dirigido por, Páginas; 494
Latorre nació en Zaragoza en 1945. Desarrolló su carrera a caballo entre la literatura y el audiovisual. Prolífico escritor y novelista, cultivó especialmente el género de terror. Entre sus títulos se cuentan School Bus (1981; Premio Degeneración de los 80), Osario (1987; Finalista Premio Literatura Joven Ciudad de Toledo) y El hombre de las leyendas (1997; Premio Ciudad de Barbastro), y colecciones de cuentos como Fiesta perpetua (1991), Doble vida (1994), Relatos desde la muerte (1999) o la más reciente Música muerta (2014). También cultivó la novela juvenil con Visita de tinieblas (1998), La incógnita del volcán (2000) y La mirada de la noche (Premio Gran Angular 2002), entre otras. Pero su labor como crítico y ensayista cinematográfico no fue menos relevante. Tras sus primeros trabajos en Film Ideal y en otras publicaciones de cine, fue coordinador de la revista Dirigido por durante veintinueve años. Entre sus libros sobre cine se cuentan Luces y sombras del cine negro (con Javier Coma), El cine fantástico (Premio Gigamesh), Nino Rota, la imagen de la música, Los sueños de la palabra, La vuelta al mundo en 80 aventuras y Aventura en cento film (editado originalmente en Italia). Fue galardonado con el premio San Pancracio, en Extremadura, en reconocimiento a su labor crítica. También trabajó como guionista, con dieciséis libretos para el programa de televisión española Ficciones, adaptando clásicos de la literatura fantástica.
Primer tráiler de «L’Affaire SK1«, debut en la dirección de Frédéric Tellier en este polar francés basado en hechos reales que bebe argumentalmente y de manera clara de films como «Zodiac» de David Fincher o el «Memories of Murder» de Bong Joon-ho, la película se estrenará a principios de año en Francia, a final de página podéis ver su interesante tráiler.
«L’Affaire SK1» sigue los pasos de un joven inspector y como este se incorpora al departamento de investigación criminal de homicidios. Su primer caso le llevará a un caso de violación y asesinato que finalmente concluirá y quedará cerrado por falta de pruebas a pesar de diversos indicios. Tres años más tarde, un caso similar llamará su atención, el joven inspector sabe que se trata del mismo criminal. A medida que los asesinatos continúan, Charlie se irá obsesionando con su captura. Le llevará la friolera de siete largos años localizar a uno de los asesinos en serie más famosos de la historia de Francia.
La película está interpretada por Raphaël Personnaz, Alexia Barlier, Nathalie Baye, Olivier Gourmet, Michel Vuillermoz y Chryssa Florou.
«Carlos Aured, nostalgia y pasión» es al mismo tiempo una biografía y una autobiografía. Lo primero porque retrata la vida y la obra de un cineasta español. También es parte de la biografía del autor, que le conoció y fue su amigo. Juntos colaboraron en diversos proyectos fallidos. El libro tiene un subtítulo, un subtítulo que es el espejo de una época y una manera de hacer cine en nuestro país. Por sus páginas desfilan muchos de los personajes que construyeron (filmaron) los sueños y pesadillas de los españoles del tardofranquismo y la transición. Españoles ávidos de evasión y epidermis. Es el celuloide de una industria desaparecida, de lo que podía haber sido y no fue. Carlos Aured es un reflejo en ese espejo. Su caso es, en parte, el de otros cineastas. Algunos con mayor fortuna, otros no tanta. Incluso algunos se han convertido en leyenda. Pero todos son parte importante de la historia cinematográfica, le pese a quién le pese, de nuestro país.
Autor; Miguel Ángel Plana. Editorial; Ediciones Museo Fantástico, Páginas; 246
Un eminente científico genético a conseguido lo imposible, clonar a un ser humano, un bebe llamado Elizabeth. Pronto gran parte de la opinión pública se lanzara a la yugular del profesor, afirmando que su trabajo va en contra de la lógica humana y en contra de Dios. Lo que la gente no sabe, es que el buen doctor oculta un secreto mucho más terrible… Cuando el ser humano juega a ser Dios las cosas no siempre salen como uno espera.
Proveniente de Canadá nos vino esta sugerente ópera prima a cargo de Billy Senese también responsable de su guion, «Closer to God» versa y debate las consecuencias de la clonación humana bajo la apariencia de un thriller pseudo-científico con la alargada sombra del Frankenstein de Mary Shelley como factor fundamental en su enunciado narrativo, aquí desarrollada en clave de moderna sci-fi de tono dramático. El director norteamericano Billy Senese se apoya especialmente más en el discurso social de claro enfoque ético, ¿esbueno jugar a ser Dios?, que en el elemento más puramente fantástico, aunque este asoma en su parte final acercándola por momento a un horror-film, pero todo ello contado desde un punto de vista bastante personal y por momentos original, imprimiendo en su narración un acertado tono documental gracias en cierta manera a la notable fotografía de tonalidades apagadas a cargo de Evan Spencer Brace que dota al film de un aire triste y fatalista bastante acorde dentro su conjunto.
«Closer to God» termina por asemejarse estéticamente a los primeros films de Cronenberg y forma parte de una serie de películas independientes en su mayoría ópera primas provenientes de Canadá como por ejemplo «Proxy» de Zack Parker, «Errors of theHuman Body» de Eron Sheean o «Antisocial» de Cody Calahan tan rico en ideas como en resultados y que nos lleva a prestar atención en un futuro a la trayectoria de un cineasta tan interesante a priori como es Billy Senese .
Valoración 0/5:3
Suburban Gothic
Raymond es un canalizador, eso significa que puede ver cosas que la gente normal ni se imagina. En su día a día debe lidiar con fantasmas y otros seres poco agradables del más allá. Cuando vuelve a su pueblo natal, deberá enfrentarse no solo a sus antiguos compañeros de clase que siempre lo han marginado, sino que él y su amiga Becca serán los únicos capaces de enfrentarse a un fantasma que amenaza su pequeño y apacible pueblo.
Richard Bates Jr presento en el festival de Terror de Molins de Rei su segunda película después de la notable «Excision«, «SuburbanGothic» viene a ser una comedia con toques de terror, de tono surrealista y claramente desenfadado, pero con un resultado algo inferior a su ópera prima, se sustituye el cinismo furioso de aquella por un surrealismo cómico repleto de gags marca de la casa a cargo del mismo Richard Bates Jr. y Mark Bruner, pero con la sensación final de estar ante un producto muy descompensado e irregular y bastante caótico en su desarrollo (algo en cierta manera lógico dado la naturaleza del producto), salvado en parte por el curioso muestrario del variopinto grupo de personajes que pueblan su trama en base a los ingeniosos diálogos antes comentados.
Posiblemente el listón de «Excision» estuviera demasiado alto y Richard Bates Jr recule algo ofreciéndonos un producto de tono más naif, distendido y en parte conformista, ese final algo edulcorado se sitúa en las antípodas de «Excision«, pero que atesora como gran virtud el preservar un estilo cinematográfico propio, un discurso del todo reconocible, unas características y rasgos autorales que gusten en mayor o menor medida suponen todo un logro y más hoy en día donde la globalización de estilos es algo bastante frecuente.
Primer tráiler’ lanzado por la productora Voltage Pictures del film «The Cobbler«, comedia dramática con tintes de fantasía escrita y dirigida por el interesante Thomas McCarthy, responsable entre otras de «The Station Agent«o «The Visitor«, e interpretada por Adam Sandler que al parecer pretende cambiar en algo su habitual registro cómico, la película sin fecha aún en España se estrenará el próximo 10 de abril en los Estados Unidos, el tráiler podéis verlo a final de página.
«The Cobbler» nos cuenta la historia de un triste hombre que se gana la vida reparando zapatos, teniendo este una habilidad excepcional: es capaz de meterse metafísicamente en las vidas de aquellas personas a las que ha arreglado el calzado.
La película está interpretada por Adam Sandler,Cliff ‘Method Man’ Smith,Ellen Barkin,Melonie Diaz,Dan Stevens,Fritz Weaver,Yul Vazquez,Steve Buscemi y Dustin Hoffman.
Del 4 al 9 de noviembre se celebró la XXXIII Edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, un festival que va al alza tanto en intenciones como en resultados, este año con el añadido de una sugerente retrospectiva dedicada al erotismo en el cine de género, con una line up bastante agradecida, no limitándose a ser una simple repetición de títulos ya vistos en Sitges sino intentando recurrir a una originalidad en su selección digna de elogio, con una especial atención al cine autoral en sus vertientes más diversas. Un festival ya miembro de la European Fantastic Film Festivals Federation y en donde su clásica maratón final de doce horas sigue siendo su plato fuerte, la maratón más longeva del país.
Un certamen en definitiva con hambre a la hora de reivindicar el género pero sobre todo con un esfuerzo por partes de sus responsables que merece ser destacado y alabado a partes iguales, un festival en definitiva que va camino de convertirse en una cita ineludible en cuanto a los certámenes genéricos que se celebran en España durante el año.
Berkshire County
Kylie Winters es una chica que acaba de pasar un mal trago en el instituto, tras la difusión de un vídeo íntimo. Para liberar tensiones y olvidarse del tema, acude a hacer de canguro para unos niños. Sin embargo, lo que parecía una noche tranquila, se convertirá en una auténtica pesadilla, cuando unos desconocidos enmascarados irrumpen por la fuerza e invaden la casa.
«Berkshire County» fue el film encargado de dar el pistoletazo de salida a la sección oficial del certamen, la cinta de limitado presupuesto, debut a nivel de producción y dirección a cargo de Audrey Cummings,es un slasher de manual, un film de terror al uso, que se adentra en el terreno tan socorrido hoy en día de la home invasión (killers ataviados con máscaras de animales incluidos), convirtiéndose en una película tan correcta y funcional como desprovista de cualquier tipo de innovación en su postulado argumental ,tampoco es su propósito, posiblementeel punto más interesante de “Berkshire County” sea una cierta perspicacia a la hora de utilizar los recursos típicos del subgénero por parte de su directora junto a la evolución de su protagonista principal, que empieza siendo una vulgar scream queen víctima del bullying por parte de sus compañeros para acabar convirtiéndose en la valerosa heroína de rigor que vemos al final.
Valoración 0/5:2
Autumn Blood
Cuenta la historia de dos jóvenes hermano y hermana que tienen que soportar las dificultades insondables en su lucha por permanecer juntos. Inicialmente, los hermanos viven una vida idílica con su madre en una cabaña rústica en una remota región montañosa. Pero cuando su madre muere, quedan a su suerte. Temiendo la posibilidad de ser separados, ya que ninguno de ellos es mayor de edad, deciden enterrar a su madre sin notificar a las autoridades quedando así a merced de la naturaleza y sus vecinos de la aldea. Cuando la hermana es asaltada violentamente, los hermanos se ven obligados a crecer rápidamente con el fin de sobrevivir y permanecer juntos.
«Autumn Blood» terminó siendo el film ganador como mejor película en el certamen de forma merecida aunque curiosamente no se trata de una película de terror sino más bien de un drama de ciertos tintes poéticos fusionado con el thriller rural y con alguna que otra semejanza al western contemplativo, en donde el escenario de las montañas tirolesas (acentuado con la excelente fotografía a cargo Reed Morano) se erige como principal protagonista en esta historia sin apenas diálogos, en donde el enfrentamiento y la redención de unos personajes arquetipo pero de tintes algo ambiguos son los detonantes de una violencia de claro tono generacional .
Si habría que ponerle algún pero a este estimable debut tras las cámaras de Markus Blunder (veterano ayudante de cámara de film como La joya del Nilo, La historia Interminable o Enemigo Mío) sea posiblemente una cierta tendencia de este a dejarse llevar por el recurso de la contemplatividad por tan bucólicos escenarios dejando en su segundo plano y de manera algo forzada la narración argumental más convencional, algo que no ensombrece las virtudes de un film tan arriesgado en su postulado como estimulante en su resultado final.
Un total de nueve largometrajes y cuatro cortometrajes conformarán los Géneros mutantes del 52 Festival Internacional de Cine de Gijón, la cuarta edición de una sección caracterizada por traer a Gijón las mejores producciones internacionales de terror, western, thriller y ciencia-ficción.
The Zero Theorem, el último filme del Premio de Honor del Festival Terry Gilliam, será el punto fuerte de la sección. La ciencia-ficción y el cyberpunk confluyen en esta película marcada con el inimitable sello de Gilliam, en la que un excéntrico genio de los ordenadores, interpretado por el oscarizado Christoph Waltz (Malditos bastardos, Django desencadenado), trabaja en la solución a un extraño teorema que podría descubrir la verdad sobre su alma y el significado de la existencia.
Este año destaca también la película Under the skin, dirigida por el escocés Jonathan Glazer y protagonizada por Scarlett Johansson. Ubicada dentro de la ciencia-ficción más autoral, Under the skin sigue los pasos de una alienígena que toma el cuerpo de una mujer fatal. Su misión en la Tierra es seducir a los hombres, asesinarlos y abastecerse de sus nutrientes internos para almacenar provisiones.
Otro de los grandes títulos de la sección es Cold in July, de Jim Mickle, que participó en el último Festival de Sundance. Cold in July está protagonizada por Michael C. Hall, conocido por interpretar al asesino Dexter en la pequeña pantalla. En su primer papel después de finalizar la famosa serie, Hall interpreta a un padre de familia arrastrado en una trama de violencia y corrupción. Gracias a esta película, Mickle caba de ganar el premio al Mejor Director en la Sección Oficial Fantàstic Òrbita del Fesival de Sitges.
También podremos ver The Dark Valley (Das finstere Tal), seleccionada por Austria para intentar entrar en la terna final a Mejor Película de Habla No Inglesa en los próximos Óscar. The DarkValley es un western de Andreas Prochaska sobre una oscura venganza que se hizo con ocho galardones en los últimos premios del cine alemán.
El terror sobrenatural adolescente se podrá ver en Gijón con ItFollows de David Robert Mitchell, en donde una chica de 19 años comienza a notar que alguien la persigue. También se proyectará The world of Kanako, el nuevo trabajo del director japonés Tetsuya Nakashima, en el que un expolicía alcohólico debe encontrar a su hija desaparecida. El protagonista del film, Koji Yakusho, se alzó con el premio al Mejor Actor en el último Festival de Cine de Sitges.
Como representación española en Géneros Mutantes estará Neuroworld, el debut en el largometraje del productor de cine e ilustrador Borja Crespo. Mezcla de thriller y comedia, Neuroworld adapta las historietas del dibujante Miguel Ángel Martín y trata de la tensa relación entre dos compañeras de piso y la manera de relacionarse en un mundo dominado por las redes sociales. Tanto Crespo como Martín estarán en Gijón para presentar la película.
Por otro lado, Faro sin isla es una coproducción entre Chile, Costa Rica y España escrita y dirigida por Cristóbal Arteaga, que ya presentó el año pasado en el FICXixón la impactante película rodada en plano secuencia El triste olor de la carne. Faro sin isla cuenta la historia de un fervoroso católico que se recluye como farero en una isla perdida en la que empiezan a suceder cosas extrañas.
Por último encontramos Aux yeux des vivants (Among the Living), dirigida por Alexandre Bustillo y Julien Maury, una cinta francesa que compitió en la Sección Oficial del pasado Festival de Sitges. El filme pertenece al subgénero del slasher, cuya principal característica es la presencia de un psicópata o asesino en serie. Bustillo y Maury son nombres familiares para el público del FICX, su filmografía completa fue proyectada en Gijón hace dos años dentro del ciclo de cine de la Crueldad Francesa.
Los cuatro cortometrajes que componen la sección son Reflections de Adam Randall, Ghost Train de Lee Cronin, Room 8 de James W. Griffiths y The Nostalgist de Giacomo Cimini.
Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores liderados por el piloto Cooper (McConaughey) y la científica Amelia (Hathaway) se embarca en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprender un viaje más allá de nuestra galaxia en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.
Es indudable que a día de hoy Christopher Nolan es el niño mimado de Hollywood (estatus este conseguido de manera justa, dicho sea de paso), Warner Bross le da cancha libre a la hora de desarrollar y realizar sus proyectos, como tiempo atrás permitía a Stanley Kubrick tener una total libertad creativa cuando este dirigía, algo totalmente inusual dentro de los grandes estudios y al alcance de muy pocos privilegiados tanto en el pasado como en el presente.
Con «Interstellar» Christopher Nolan se embarca en esta mastodóntica odisea espacial de enorme envergadura, un proyecto tan apasionante y arriesgado como lleno de aristas que la acercan de manera algo peligrosa al farragoso terreno de la imperfección, un peaje este obligatorio en un producto de semejante naturaleza pero al mismo tiempo de un enorme merito al intentar hacer algo tan valiente, arriesgado y difícil de digerir dentro del marco blockbuster, podríamos decir que el director británico ha conseguido con esta película un brillante producto de clara tendencia continuista con el resto de su filmografía, posiblemente también haya realizado «EL» film de ciencia ficción con alma humana más notorio de las últimas décadas, una simbiosis tan atractiva como peligrosa, el problema viene dado cuando un gran número de público tiende a pensar en Christopher Nolan como un genio, esperando la obra definitiva de la ciencia ficción contemporánea o la sucesora de «2001: Una odisea del espacio«.. y no…Nolan es un gran director (posiblemente junto a David Fincher lo mejor del Hollywood actual), un original director de orquestra y notable diseñador de mundos, pero no un genio, dicha etiqueta está al alcance de muy pocos, las comparaciones con «2001» o incluso «Gravity» tanto en resultados como en intenciones son tan absurdas como innecesarias.
«Interstellar» es una hermosa pieza de arte de inspiraciones infinitas, acompañado con unas escenografías de un poder visual muy rico como no podía ser de otra manera, apoyado todo ello por el trabajo de un Hans Zimmer en claro estado de gracia, consiguiendo ser emocionante por momentos, imaginativa, cósmica y de una manera clara significativa en su enunciado, manejando solo lo que la realidad pone a su alcance, en donde se le da más importancia a la ciencia que a la ficción, una película de intenciones serias pero no siempre creíbles (el riesgo de contarnos tantas cosas durante sus casi tres horas de duración conlleva al film en caer en bastantes situaciones de una incongruencia argumental bastante ostentosa), un film que en definitiva no juega la baza de la espectacularidad como su única carta.
La película no se limita únicamente a la ciencia ficción de tono “hard”, con lo técnico de sus explicaciones (a veces de manera algo redundante) y sus postulados, además excava de manera notable en lo afectivo y sentimental adquiriendo un valor emocional significativo cada vez que se vuelca hacia lo dramático. El vínculo paterno-filial pisa fuerte, cala hondo y ejerce como empuje o motor de las acciones de nuestro protagonista principal. Es entonces donde cuando Matthew McConaughey destaca de manera sobrada con una interpretación soberbia, dando muestra otra vez de lo que puede llegar a dar en base a su admirable capacidad gestual y una presencia de innegable solidez.
Además de todo ello»Interstellar» tiene la virtud de analizar, debatir, amar y odiar, ¿no hay cosa más valiosa dentro del séptimo arte y más en un producto de estas características?, un auténtico espectáculo visual merecedor de ser visto de forma obligada en pantalla grande.
Este es el teaser póster de «Muse«, film que ha sido ha presentado estos días por parte de Filmax en el American Film Market para promocionar de cara a las ventas internacionales el que será el nuevo proyecto de Jaume Balagueró tras «REC 4«, el film estará rodado en inglés, idioma que ya utilizo Balagueró en películas anteriores como «Darkness» y «Frágiles«. La película cuenta con un guión del propio Jaume Balagueró y Fernando Navarro.
«Muse» nos contará la historia de Solomon, un oficial de policía que ha estado de baja tras la muerte de su novia. Tras un tiempo de recuperación, vuelve a su puesto de trabajo intentando recuperar la normalidad. Pero Solomon lleva ya un tiempo sufriendo las consecuencias de su insomnio, teniendo siempre el mismo sueño, una recurrente pesadilla en la una mujer es brutalmente asesinada. La pesadilla se convertirá en realidad cuando tenga que hacer frente a un caso en el que la misma mujer que aparece en sus sueños aparece muerta en las mismas circunstancias. Solomon deberá hacer todo lo posible por resolver el caso y descubrir la identidad tanto de la misteriosa mujer como de su asesino.
El pasado mes de mayo falleció H.R.Giger,uno de los más grandes e influyentes artistas de nuestro tiempo. Acaba de ver la luz un primer tráiler que podéis ver a final de página de «Dark Star: HR Giger’sWorld«, film dirigido por Belinda Sallin que supone su debut en el terreno del documental y que explora la figura del genial artista creador del personaje de Alien, un personaje tan brillante como polémico.
En este documental podremos ver entrevistas a personajes como Carmen Maria Giger, Stanislav Grof, Hans H. Kunz, Leslie Barany, Paul Tobler, Tom Gabriel Fischer, Carmen Scheifele, de Vega, Mia Bonzanigo, Andreas J. Hirsch, Marco Witzig, Sandra Beretta o Müggi III entre otros.
Pocas figuras en el mundo del cine despiertan tanta curiosidad, admiración, mitología, rumorología y patetismo como Bela Lugosi. Se dice que el personaje abdujo al actor y que Lugosi enajenó su vida creyéndose el conde transilvano que tantas veces representó en el teatro y en el cine.
Se cuenta que sus últimos delirios fueron presa de la inmortalidad que creyó haber alcanzado en vida, la inmortalidad de los vampiros. Sin embargo, las verdaderas criaturas de la noche que torturaron el alma de este pobre húngaro incapaz de aprender nunca el inglés, fueron los estudios de Hollywood (desde la potente Universal hasta la modesta Monogram), expertos en vampirizar al mismísimo Drácula.
Este proceso llevó a Lugosi a una espiral de adicción a las drogas y al alcohol, a unos cuantos matrimonios rotos y, como guinda, al crepuscular encuentro con el inefable y necrófilo Ed Wood Jr.
Incógnita tras incógnita, leyenda tras leyenda, monstruo tras monstruo, la presente biografía trata de esbozar la vida y la obra del hombre que se esconde tras la capa, la formidable historia del Príncipe de las Tinieblas.
•Prólogo : Bela Lugosi señor de las sombras
•Introducción : Un húngaro en el país de las sanguijuelas
•Capítulo Uno : Fui un vampiro adolescente
•Capítulo Dos : El jinete de Lugosi
•Capítulo Tres : Nunca bebo… vino
•Capítulo Cuatro: El príncipe de las tinieblas
•Capítulo Cinco : El crepusculo de los vampiros
•Capítulo Seis : La última noche de Bela Ferec Dezco Blasko
•Capítulo Siete : Resurrecciones
•Bibliografía
•Filmografía
Autor; Javier Cortijo. Editorial; T&B Editores, Páginas; 248
Mientras realizan un viaje por carretera, tres universitarios deciden seguir la pista de un célebre hacker y llegan a una localización remota. Inmediatamente, los jóvenes son capturados, sin comprender que se han visto atrapados en una conspiración a gran escala.
«The Signal» era una de las prometedoras cintas independiente (en este caso de ciencia ficción) provenientes del pasado festival de Sundance, su director William Eubank logro sorprender hace unos cuantos años de manera muy grata con «Love» otro film de ciencia-ficción de espíritu indie. Con «The Signal» continua con ese “espíritu” aunque con algo más de medios, no consigue defraudar con una historia posiblemente menos criptica que en su anterior film, dirigida a un abanico más amplio de público pero con unos resultados de calidad bastante constatada, logrando un ejercicio de intriga bien manufacturado (premio a los mejores efectos especiales) y consiguiendo uno de los thrillers de ciencia ficción más personales y estimulantes vistos últimamente en donde un final algo previsible no logra ensombrecer un producto tan digno y referencial en su loable propuesta.
William Eubank entra en esa categoría de nuevos y prometedores directores “mainstream” como Gareth Edwards, Matt Reeves o Colin Trevorrow llamados a realizar un cine genérico para los grandes estudios, algunos aparte de realizar block-busters logran mantener su interesante discurso mostrado en sus primeros film, otros no, esperemos que William Eubank no sea de esos que la gran maquinaria hollywoodiense suele engullir.
Valoración 0/5:3’5
Burying the Ex
Todos hemos tenido alguna antigua pareja que se resiste a aceptar que la relación ha terminado, pero lo que le ocurre a Max va un paso más allá: justo cuando empieza un romance con la encantadora Olivia, su difunta ex novia Evelyn vuelve de la tumba, dispuesta a pasar lo que le quede de “no vida” junto a él.
Difícil tesitura el valorar en su justa medida una película como «Burying the Ex«, último trabajo de Joe Dante, es evidente que se trata de un film menor dentro de su filmografía, o más bien demasiado sencillo en su postulado aunque terriblemente honesto en sus propósitos alhomenajear a la serie B en base a un trabajo donde lo nostálgico y la cinéfila más pura campan de manera sobrada, Joe Dante nutre como en él es habitual a la película de constantes guiños y alusiones del cine de terror y la serie B, algo que se me antoja insuficiente a la hora de enjuiciarla de una manera adecuada, la comedia romántica en un marco zombi no es precisamente algo muy original hoy en día ( dentro del certamen pudimos ver otro film de las mismas características en cuanto a su argumento «Life after Beth«) no se trata solo de una cuestión de perdonarle la vida al bueno de Joe Dante, por mucha simpatía que sintamos por esta propuesta repleta de guiños al espectador.
Aun así uno no puede remediar sentir cierto desasosiego al ver como un director de la talla de Joe Dante, que años atrás era un auténtico referente dentro del género fantástico tenga que recurrir al crowdfunding a la hora de buscar financiación para poder realizar un pequeño film como «Burying the Ex«, todo un síntoma nada halagüeño de cómo funciona hoy en día esto del cine.
Valoración 0/5:2’5
Monsters: Dark Continent
Han pasado siete años y las zonas infectadas se han extendido por todo el mundo. Los humanos han sido desplazados de la parte alta de la cadena alimenticia, y pequeños núcleos luchan por sobrevivir. Los soldados norteamericanos han sido enviados a proteger en el extranjero los intereses de Estados Unidos, pero la guerra está lejos de ser ganada. Noah, un soldado con muchos tiros a sus espaldas, es enviado en una misión de búsqueda de un soldado norteamericano que ha caído en una zona infectada y al que debe liquidar. Pero cuando la unidad de Noah y el transporte son destruidos, se encontrará solo con un joven cadete sin experiencia como única compañía, y que además es el hermano del hombre al que Noah debe matar.
Debut en el largometraje del realizador Tom Green en esta algo absurda secuela, más que nada por intentar darnos gato por liebre, si bien en el film original Gareth Edwards nos ofrecía de manera brillante y metafórica el elemento “fantástico” dentro de una historia dramática, aquí esa metáfora está metida con calzador y brocha gruesa acerca del conflicto bélico delOriente Medio. Aquílos monstruos pasan a un segundo plano, dando lugar a una trama en donde se resalta el manido y previsible tema de la absurdez de la guerra.
Lo único que se salva en este film es una cierta brillantez visual en su ejecución, un buen uso de los paisajes desérticos y unos efectos especiales de cierta solvencia, unas alabanzas técnicas que son totalmente insuficientes a la hora de juzgar en positivo a esta pobre secuela de uno de los títulos más originales y estimulantes de la ciencia ficción de estos últimos años.
Valoración 0/5:1’5
The Rover
Diez años después de la caída de la economía occidental, las minas australianas continúan en actividad y atraen a los hombres más desesperados e incluso los más peligrosos. En medio de una sociedad moribunda, sobrevivir es una combata de cada día y no hay leyes. Eric abandonó todo. Ahora es un vagabundo, un hombre solo, un hombre amargado. Cuando una pandilla le roba lo único que le queda, su coche, decide perseguir a sus miembros. Para encontrarlos, sólo puede contar con Rey, un antiguo miembro de la banda, abandonado por sus amigos cuando recibió una herida. Los dos hombres están obligados a hacer equipo y emprenden un recorrido lleno de sorpresas…
En esta edición del festival de Sitges hubo dos películas provenientes de Austràliaque exploraban de manera desigual el desmoronamiento de la sociedad en clave apocalíptica, por un lado estaba la facilona «These Final Hours» y por otro estaba la muy superior «The Rover» de David Michod responsable de la notable «Animal Kingdom«. En «The Rover» asistimos a untour de forcé interpretativo a cargo de Guy Pearce y Robert Pattison en este drama con apariencia de road movie de claro aroma nihilista, todo ello dentro de un escenario devastado por un colapso no explicado, en donde una maltrecha sociedad da sus últimos coletazos de vida.»The Rover» sobresale gracias a una narración tan minimalista y sobria como contundente, pero muy especialmente en el brillante uso del escenario que otorga David Michod al film (esos desiertos áridos australianos que se manifiestan como si de un personaje más se tratase).
Thriller conciso y sin concesiones de cara a la galería que remite de manera poco disimulada al primer «Mad Max» y cuya acción se rige bajo el signo de una supervivencia casi animal y en donde su discurso existencialista queda soterrado bajo la contundente apariencia de la nada como única forma de seguir hacia delante, yen donde cualquier atisbo de humanidad se convierte en una quimera, en definitiva un brillante ejercicio acerca del auténtico fin del mundo.
Valoración 0/5:3’5
The Tribe
Un adolescente sordo ingresa en un internado especial donde, para sobrevivir, tiene que formar parte de una organización salvaje, la Tribu. Su amor por una de las concubinas del Jefe lo llevará a romper todas las reglas no escritas en la jerarquía de la Tribu.
Amor y odio todo ello contado en el lenguaje universal de los signos, aquí no hace falta ningún tipo de subtítulos para entender lo que el ucraniano Myroslav Slaboshpytskiy nos quiere contar en su debut en el largometraje (ganadora del Gran Premio de la Semana de la Crítica en el último festival de Cannes), «The Tribe» es una por momentos desasosegante historia que se nutre de una capacidad narrativa poderosamente visual construida sobre extensos sobre planos secuencia y en donde no escatima recursos a la hora de caer en excesos, como tampoco se ahorra el mostrar en todo su esplendor cualquier escena dura, ya sea un terrible aborto, relaciones sexuales o una violencia totalmente descarnada.
«The Tribe» pone a prueba la capacidad de resistencia del espectador en momentos donde el nivel narrativo que se nos muestra se sitúa en un grado cero, siendo de esas películas que sin ser de género cuadran a la perfección en Sitges, films capacesde provocar en el espectador una incuestionable incomodidad, por mucho que ella se sustente en principio en un realismo donde lo fantasioso es sustituido por una incorreción política totalmente subversiva, convirtiéndose en una de las propuestas más sorprendentes de la presente temporada.
Valoración 0/5:4
Tokyo Tribe
Basado en el manga de Santa Inoue, se centra en la batalla entre varias pandillas de la ciudad de Tokio, en un conflicto que escala cada vez más hasta alcanzar dimensiones de verdadera guerra en las calles de la capital de Japón. Katanas, bates de béisbol, peleas masivas, sangre, patadas, balazos y hasta batallas de rap.
Fue el último cartucho por parte del festival, dentro de la maratón sorpresa del sábado 9 pudimos ver el «Tokyo Tribe» de Sion Sono, película basado en el manga de Santa Inoue, transformado aquí en un film de acción musical en clave de hip hop y reconvertido al mismo tiempo en un auténtico prodigio visual, un artefacto donde la desmesura va cogido de la mano en compañia de una elogiable valentía autoral a la hora de realizar un trabajo tan arriesgado como marciano, pero claro hablamos de Sion Sono, el director más irreverente de la actualidad cogiendo el relevo de su compatriota Takashi Miike de una manera clara, una radicalidad y atrevimiento que se come en parte algo de la mirada de su autor, una mirada que era más visible en su anterior película «Why Don’t You Play inHell?«, algo que no empaña un producto tan delirante y único como este, un megalómano espectáculo no apto para todos los paladares.
Valoración 0/5:3
Palmares
Sección Oficial Fantàstic Sitges 47
Premio a la mejor película: I ORIGINS, de Mike Cahill.
Premio especial del jurado: THE BABADOOK, de Jennifer Kent.
Premio a la mejor dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): CUB, de Jonas Govaerts.
Premio al mejor actor (patrocinat por Autolica – Mercedes Benz):
Nathan Phillips por THESE FINAL HOURS, de Zak Hilditch.
Koji Yakusho por THE WORLD OF KANAKO, de Tetsuya Nakashima.
Premio a la mejor actriz:
Essie Davis por THE BABADOOK, de Jennifer Kent.
Julianne Moore por MAPS TO THE STARS, de David Cronenberg.
Premio al mejor guión: YOUNG ONES, de Jake Paltrow.
Premio a la mejor fotografía: JAMIE MARKS IS DEAD, de Carter Smith.
Premio a los mejores efectos especiales: THE SIGNAL, de William Eubank.
Premio al mejor cortometraje (patrocinado por Fotogramas): OSCAR DESAFINADO, de Mikel Alvariño.
Gran Premio del Público (patrocinado por El Periódico de Catalunya) (Sección Oficial Fantàstic en Competició)
Premio a la mejor película (otorgado por votación popular de los espectadors del Festival): WHAT WE DO IN THE SHADOWS, de Taika Waititi y Jemaine Clement.
Premios Sección Oficial Fantàstic Òrbita
Premio a la mejor película: HYENA, de Gerard Johnson.
Premio al mejor director: COLD IN JULY, de Jim Mickle.
Mención especial: ’71, d’ Yann Demange.
Premios Sección Oficial Fantàstic Panorama
Premio al mejor largometraje: THE TREATMENT, de Hans Herbots.
Mención especial: CREEP, de Patrick Brice.
Premios Méliès d’Argent
Premio al mejor largometraje: GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz y Severin Fiala.
Premio al mejor cortometraje: AUTUMM HARVEST, de Fredrik S. Hana.
Premios de la Crítica
Premio José Luis Guarner a la mejor película: RÉALITE, de Quentin Dupieux.
Mención Especial de la crítica: GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz y Severin Fiala.
Premios Citizen Kane
Premio al mejor director novel: A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, de Ana Lily Amirpour.
Mención especial: WHEN ANIMALS DREAM, de Jonas Alexander.
Premios Noves Visions
Premio a la mejor película de ficción: HAN GONG-JU, de Lee Su-jin.
Premio a la mejor película de no ficción: NON-FICTION DIARY, de Jung Yoon-suk.
Mención especial: THE DUKE OF BURGUNDY, de Peter Strickland.
Premios Focus Àsia
Premio a la mejor película: MAD SAD BAD, d’Han Ji-seung, Kim Tae-yong y Ryoo Seung-wan.
Mención especial: HWAYI: A MONSTER BOY, de Jang Joon-hwan.
Premios Anima’t
Premio al mejor llargmetratge de animació: THE SATELLITE GIRL AND MILK COW, de Chang Hyung-yun.
Premio al millor curtmetratge d’animación: PINEAPPLE CALAMARI, de Kasia Nalewajka.
Mención especial:DINNER FOR FEW, de Nassos Vakalis
Premio Brigadoon Paul Naschy
Premio al mejor cortometraje fantástico presentado en esta sección: LINE UP, de Àlex Julià.
El próximo proyecto de Nicolas Winding Refn, uno de los autores más interesantes del actual panorama cinematográfico, supondrá su primera incursión en el género de terror. «The Neon Demon«, conocida anteriormente bajo el título de I Walk With the Dead, será una película de terror psicológico ambientada en Los Ángeles con un reparto completamente femenino.
El director danés ha comentado lo siguiente con respecto a este estimulante nuevo proyecto, “Me levanté una mañana y caí en la cuenta de que estaba rodeado y dominado por mujeres. De una manera extraña, se introdujo en mí la repentina necesidad de hacer una película de terror sobre una belleza despiadada, después de hacer Drive y enamorarme con locura de la electricidad de Los Ángeles, sabía que tenía que volver allí para contar la historia deThe Neon Demon”.
En el apartado técnico Refn vuelve a colaborar con Cliff Martinez en la banda sonora, Philippe Le Sourd «The Grandmaster» será el encargado de la fotografía.
Sony Pictures acaba de lanzar un primer tráiler de «Chappie» la nueva película del director Neill Blomkamp que se estrenará en cines el próximo 27 de marzo de 2015. La verdad es que la temática la presencia de sentimientos en androides se me antoja algo poco original y más por parte de un director tan prometedor como es Neill Blomkamp, autor de una de las óperas primas más potentes que ha dado la ciencia ficción en los últimos años «District 9«, aunque este bajará en algo el listón con su último film, la algo previsible «Elysium«. Habrá que esperar a verla para poder juzgarla en consecuencia, de momento el tráiler lo podéis ver a final de página.
«Chappie«, nos cuenta como tras ser secuestrado por dos criminales durante su creación, Chappie se convierte en la «criatura» adoptiva de una familia tan inusual como disfuncional. Chappie es un prodigio, un caso único con un talento excepcional: es un robot con sentimientos.
La película está interpretada por Sharlto Copley (voz de Chappie),Hugh Jackman,Sigourney Weaver,Dev Patel,Jose Pablo Cantillo,Miranda Frigon,Brandon Auret,Sean O. Roberts,Ninja,Yolandi Visser,Robert Hobbs,Dan Hirst,Eugene Khumbanyiwa,Paul Hampshire y Kevin Otto.
Un divertido y agitado viaje al gráfico, excesivo y delirante universo de esas películas de culto que han causado un gran impacto en la cultura popular. «Cine Bizarro» es una exhaustiva y rigurosa obra de referencia de 688 páginas profusamente ilustradas a cargo de José de Diego que, entre el homenaje y la celebración de este fenómeno, sirve tanto de introducción para el neófito como puede resultar de esencial consulta para el aficionado versado en el tema.
José De Diego
Nació en Madrid en 1962, de padre español y madre norteamericana. Desde 1968 reside en Estados Unidos, aunque ha pasado largas temporadas en nuestro país. Es doctor en estudios cinematográficos por la universidad de Columbia y ejerce como crítico de cine desde 1988. Ha publicado numerosos artículos en revistas como «New York Times Magazine», «Entertainment» y «Squire», y también ha realizado varios documentales sobre temas cinematográficos. En la actualidad vive en Nueva York.
Autor; José De Diego. Editorial; T&B Editores, Páginas;688
Cynthia es una coleccionista de mariposas que mantiene una relación sadomasoquista con su criada, Evelyn. Una pasión sujeta a toda clase de particularidades, en la que los roles de ama y esclava no están tan claros como parece.
Si tuviera que elegir una película que jugara en otra liga de todo lo visto este año en Sitges y destacará por encima del resto «The Dukeof Burgundy» junto a «Under the Skin» seria de forma incuestionable mis elegidas. Peter Strickland que ya deslumbro con su anterior «Berberian Sound Studio» consigue con «The Duke ofBurgundy» no solo superarla sino además afianzarse como uno de los más interesantes y sofisticados autores del cine contemporáneo.
«The Duke of Burgundy» es un exquisito melodrama en forma de cuento de hadas oscuro de estructura circular en su narración compuesta en base a una hermosa puesta en escena de delicioso toque vintage que la emparentan por momentos a films como «Belle de Jour» o «The Servant”»y en donde se nos explica una historia de amor sadomasoquista entre dos mujeres adineradas (soberbias Sidse Babett Knudsen y Chiara D’Anna) amparándose en la metáfora (larva y las mariposa) para contarnos un sugerente devenir acerca de dominios y sumisiones o inversión de poderes, todo ello contado de forma simbólica acerca la psicología de sus dos protagonistas, transportándonos a otro tiempo y a otro lugar (este es uno de los grandes méritos de director británico, una habilidad innata que ya se apreciaba de forma clara en su anterior película). «The Duke of Burgundy» termina siendo una obra de un poderío hipnótico y visual apabullante en donde las texturas se mezclan de manera brillante en este melodrama tan amoroso y pasional como perturbador y por momentos surreal, una autentica gozada fílmica.
Valoración 0/5:4’5
It Follows
Después de una noche de sexo apasionado en el asiento trasero del coche entre Jay y su novio, la situación se pone algo tensa cuando este aplica cloroformo y deja totalmente KO a su apreciada novia. Al despertar, el amante novio, le explica que debía hacer todo esto para que una serie de espíritus acosadores le dejen en paz. A partir de ese momento es la pobre Jay quien sufrirá este particular acoso por parte de estos entes extraños.
Que un director tan prometedor como David Robert Mitchell (del que urge rescatar su ópera prima «The Myth of AmericanSleepover«, una peculiarísimo acercamiento acerca de la juventud norteamericana que la emparentaba de una manera brillante a «American Graffitti«) hiciera un film de género tan característico como «It Follows» venía a ser una estupenda noticia para los amantes del fantástico más inquietos.
«It Follows» inexplicablemente ausente en el palmarés del festival viene a ser un perfecto ejemplo del mejor cine indie de terror, tan rico en ideas como respetuoso a la hora de reverenciar a sus precedentes genéricos y evocar al pasado (muy especialmente al cine de John Carpenter), film que parece empezar como si de un slasher tradicional se tratara, en donde el terror puede surgir de cualquier situación o localización y adoptar al mismo tiempo cualquier forma posible, pero que deviene de manera brillante en un apasionante discurso acerca de los horrores imperceptibles que nos persiguen durante la adolescencia, todo ello contado con una sutilidad de múltiples lecturas (ojo, un visionado superfluo de la cinta puede llevar a una conclusión errónea sobre ella).
«It Follows» posiblemente sea la propuesta de género más original del presente curso con un soberbio trabajo tras la cámara a cargo de David Robert Mitchell, un auténtico valor en auge al cual que no hay que perderle la pista.
Valoración 0/5:4
Tusk
“Tusk” nos cuenta cómo un hombre vive durante seis meses perdido en el mar con la única compañía de una morsa. Tras regresar a casa, pone un anuncio en un periódico en busca de un compañero de piso. En el anuncio únicamente se menciona una condición, y es que la persona que acepte vivir con él tendrá que ponerse un traje de morsa cada día durante unas dos horas…
Si bien con la notable «Red State» Kevin Smith ya dio un giro temático a su carrera con «Tusk» podemos decir con total certeza que estamos ante SU película de género, aunque claro si alguien esperaba un trabajo algo más convencional que se vaya olvidando pues el film aparte de conservar la idiosincrasia de un estilo propio se convierte en un hibrido genérico tan desconcertante por momentos como brillante en su arriesgada propuesta.
El director de New Jerseynos sorprende con este peculiar y sorprendente film de horror con pinceladas que nos remiten por momentos a sus mejores comedias en base a unos diálogos tan sarcásticos como propios, de claro carácter desenfrenado, esta mixtura genérica acarrea una cierta irregularidad en su narración en un film donde el horror da paso a lo bizarro en esta historia acerca de hombres y monstruos que llegan a convertirla en una maravillosa rara avis y que bebe del amplio imaginario de Kevin Smith (para más información no perderos el extraordinario Comic Book Men, show televisivo en formato de podcast) y que la derivan de una forma lógica en una película de claro carácter reverencial, «Freaks«, «Misery» y muy especialmente la genial y enfermiza «Sssssss«, (Ssssilbido de Muerte 1973), todo un festín para el cinéfilo de género de carácter inquieto, que más se puede pedir.
Valoración 0/5:4
When Animals Dream
Marie es una joven repudiada por la pequeña y cerrada comunidad costera en la que vive. Su madre está postrada en una silla de ruedas, víctima de una rara enfermedad, y su padre trata de mantener a las dos alejadas de las miradas del pueblo. Un día, Marie descubre que su cuerpo está empezando a transformarse y decide profundizar en los oscuros secretos de su familia.
«When Animals Dream«, ópera prima de Jonas Alexander se aleja en algo de la poesía visual de por ejemplo otra película a cuyo paisaje gélido sí que le sabia otorgar un mayor significado a la historia, la sueca «Le the right one in«, para decantarse aquí en un drama sobre la realidad con trasfondo fantástico, uno de los grandes lastres de bastante cine de género proveniente del norte de Europa, es una pena que esta historia de licantropía vista desde la óptica del drama familiar y social no se atreva por un discurso más honesto por hacía lo fantástico y se decante por una narrativa con ciertas ínfulas de cine de autor europeo.
Al final nos quedamos con un film cuya cuidada estética y ritmo pausado no logran salvarla de una cierta decepción y cierta sensación de tedio al verla, hay buenas ideas pero no se concretan de manera satisfactoria, no sabe sacar el provecho adecuado del uso del paisaje como claro transmisor del estado de ánimo de sus protagonistas, algo en lo que acertaba de plenoThomas Alfredson en la magistral «Le the right one in«, evidentemente en esta ocasión el listón estaba demasiado alto.
Valoración 0/5:2
What We Do In The Shadows
Compartir piso puede ser un coñazo, pero Viago, Deacon, Vladislav y Peter tienen más problemas que discutir sobre quién lava los platos. Tampoco son jóvenes estudiantes. Son vampiros, comparten casa en Nueva Zelanda y nos cuentan sus vicisitudes diarias.
De los creadores de dos de las series cómicas más célebres de los últimos años como son «Eagle vs. Shark» y «Flight of TheConchords» nos llega este falso documental de tono irreverente e infatigable sentido del humor que se alzó de manera más que esperada con el premio del público. «What We Do In The Shadows» es tan disfrutable como previsible en su planteamiento, el film es atrevido y dinámico por momentos pero no llega a ser original, Vincent Lanoo ya hizo en el 2010 «Vampires» que venía a ser lo mismo aunque con algo menos de gracia. «What We Do In TheShadows» es un film posiblemente superior a la película antes citada pero que de manera clara va perdiendo fuelle conforme avanza llegando a aburrir ligeramente en su tramo final en base a una serie de reiteraciones a la hora de formular sus gags.
El trabajo Waititi y Clement está concebida con el único objetivo de entretener y hacer pasar un buen rato a los espectadores aprovechando al máximo el lenguaje de mockumentary como herramienta para arrancar la carcajada cómplice del público, tarea que cumple a la perfección, intentar buscarle otros atributos a esta cinta neozelandesa ya sería otra historia.
Valoración 0/5:2’5
Alleluia
Gloria viene de sufrir a un marido celoso. Michel se aprovecha de las mujeres para conseguir dinero. Los dos se encuentran, se acuestan y ella se enamora perdidamente. Gloria decide ayudar a Michel con sus estafas, pero, cuando los celos afloren, Gloria se verá abocada a la violencia.
Fabrice du Welz versiona con «Alleluia» la historia real de los asesinos de la luna de miel: Martha Beck y Ray Fernández, llevada ya al cine en la estupenda «The Honeymoon Killers» de Leonard Kastle y la mejicana «Profundo carmesí» de Arturo Ripstein, una historia de amor fouacerca de los límites del amor y de la locura que le viene como anillo al dedo al director belga para desplegaren atmosféricas imágenes su particular y cada vez más desarrollado universo fílmico llegando a trasmitirnos con esta película una amalgama de sensaciones en donde lo nocivo y sobre todo lo físico se unen mediante una puesta en escena tan o más radical y agresiva que en sus anteriores trabajos, convirtiendo el visionado de «Alleluia» en una experiencia tan mórbida y desasosegante como cautivadora y en donde el empleo visual de la fotografía granulada que baña cada fotograma del film le otorga a la película el tono adecuado, un tono que cuadra a la perfección con el notable trabajo de sus dos protagonistas, un sorprendente Stéphane Bissot y una contundente Lola Dueñas .
«Alleluia» termina formando parte de ese grupo selecto de films imprescindibles de género en donde la mirada y la personalidad que su autor le llega a otorga al producto una dimensión autoral de lo más reconfortante, una dosis de talento que hoy en día escasea de manera alarmante en el actual panorama cinematográfico.
Victor Matellano parece erigirse como uno de los directores que reivindican de una manera más notoria el denominado fantaterror español y todo lo concerniente a él, adaptó su libro ‘Spanish Horror’ en formato documentalen «Zarpazos! Un viaje por el SpanishHorror«, debutando más tarde en la ficción con la aun inédita «Wax«. Ahora le llega el turno a «Vampyres» una nueva versióndel film que dirigió en 1974 José Ramón Larraz (que antes de fallecer el pasado año se encargó de coescribir el remake) y conocido aquí por el título de «Las Hijas de Drácula«. «Vampyres» es una producción de Ángel Mora para Artistic Films y cuenta con los efectos de maquillaje de Colin Arthur, quién ya participó hace 40 años en el film original, amen su reparto está encabezado por la mítica Caroline Munro . Su primer y explícito tráiler podéis verlo a final de página.
«Vampyres» nos cuenta como dos vampiras, que habitan en una oscura mansión, atraen a los hombres para ofrecerles orgías de sexo que desembocan en baños de sangre. Hasta allí llegan unos jóvenes excursionistas con ganas de fiesta y un hombre joven que oculta un oscuro pasado.
La película está interpretada por Caroline Munro,Marta Flich,Almudena León,Christian Stamm,Verónica Polo,Anthony Rotsa,Víctor Vidal,Luis Hacha,Alina Nastise,Remedios Darkin,Lone Fleming,May Heatherly,Antonio Mayans, y Conrado San Martín.
