Año: 2014

Un adolescente sordo ingresa en un internado especial donde, para sobrevivir, tiene que formar parte de una organización salvaje, la Tribu. Su amor por una de las concubinas del Jefe lo llevará a romper todas las reglas no escritas en la jerarquía de la Tribu.

Amor, corrupción y odio, todo ello contado desde el lenguaje universal de los signos, posiblemente la primera película de la historia del cine interpretada en su totalidad por un reparto de personas sordomudas  y  por lo consiguiente narrada a lo largo de todo su metraje en el lenguaje de signos, aquí no hace falta ningún tipo de subtítulos para entender lo que el ucraniano Myroslav Slaboshpytskiy nos quiere contar en su debut en el largometraje, film ganador del Gran Premio de la Semana de la Crítica en el último festival de Cannes y presentada en el festival de San Sebastián dentro de la sección Perlas, «The Tribe» pone a prueba la capacidad de resistencia del espectador en momentos donde el nivel narrativo que se nos muestra  se sitúa en un grado cero, propuestas como estas que son capaces de provocar en el espectador una incuestionable incomodidad, de echo en el festival de San Sebastián el pase de prensa termino siendo un reguero de deserciones poco habitual, sin embargo por mucho que en «The Tribe» se sustente en un principio dentro de un realismo donde lo fantasioso es sustituido por una incorreción política de tono subversivo, el film acabar convirtiéndose en una de las propuestas más sorprendentes de la presente temporada al convertirse en una lúcida metáfora de la sociedad actual en la Europa occidental (ahora más presente que nunca) inmersa en un perpetuo estado de tensión, violencia o coacción, con una gran parte de su población explotada, vejada  y abandonada a su suerte, algo tan metafórico lo que se nos muestra como la representación de su escenario, el internado donde transcurre la trama, una suerte de navío abandonado en alta mar, con una total ausencia de adultos que manejen la situación.

 La ópera prima de Myroslav Slaboshpytskiy  es una por momentos desasosegante historia que se nutre muy especialmente de una capacidad narrativa poderosamente visual, algo atípica dada su condición, el director potencia el uso del sonido construida básicamente sobre extensos sobre planos secuencia, planos estos que siguen a los jóvenes del internado sin interrumpir sus acciones, este tipo de recurso dan un mayor realismo y favorece una tensión claramente in crescendo que se va remarcando según avanza la película, hasta terminar derivando en una cascada tortuosa, y en donde no se escatima recursos a la hora de caer en excesos, sobre todo en su parte final, como tampoco se ahorra el mostrar en todo su esplendor cualquier escena dura sin ningún ápice de conciencia equivocadamente moralista.

Podríamos decir que en el plano argumental más condescendiente el film de Myroslav Slaboshpytskiy podría llegar a ser interpretado en esencia como la historia de un duro aprendizaje de alguien dentro de una organización criminal, desde sus primeros pasos hasta llegar a las supuestas altas esferas, a partir de aquí el espectador asiste al igual que el protagonista a una serie de laceraciones de difícil aguante dentro de este difícil trayecto, la incomunicación, el aislamiento o la sensación de exclusión total por parte de una sociedad que abandona al protagonista a su suerte, algo que termina derivando hacia una escalada de violencia llevada hasta el límite de lo soportable, dando paso a situaciones donde el machismo, lo decadente, los celos o la propia corrupción en sí se apoderan de las acciones aquí representadas, asistimos pues a un periplo hacia la perdición, todo esto tiene cabida en una historia donde no importa tanto el cómo ni el por qué, sino el quién y el dónde, una historia que nos va mostrando a continuación la consecuencia (lógicas) de lo desagradable, hay un par de secuencias que se quedarán grabadas en nuestras retinas por algún tiempo (un aborto en plano fijo o la violencia mostrada en sus últimos diez minutos), en ese sentido el realizador ucraniano no presenta ninguna novedad con su propuesta en lo que a narración se refiere, no inventa nada nuevo aunque si lo parezca, pero llega a logra cultivar y desarrollar con gran acierto la evolución del personaje principal, algo que es lo que verdaderamente dota a la película de una fuerza narrativa de valor incuestionable, llegando a ser de esas historias que van de menos a más en cuestión de segundos, una crítica mordaz alejada de cualquier convencionalismos hacia una sociedad europea que va claramente en decadencia, aquí representada de forma admirable en el ambiente opresivo e insalubre de un centro escolar.

«The Tribe» termina siendo esa clase de películas que duelen, de difícil digestión, que puede dejar en estado de shock al espectador al uso no prevenido, una cinta tan dura como alegórica, que nos deja sin un atisbo de la más mínima esperanza en sus más de dos horas de por momentos tortuoso metraje, habrá gente que responderá  ante tal radicalidad mostrada con desprecio o indiferencia, incluso apartando su mirada de la pantalla, pero esa postura no deja de demostrar que Myroslav Slaboshpitsky acierta en su propuesta, que consigue lanzar un acertado discurso partiendo desde el silencio, para hablarnos de aquello que no nos gusta expresar o que somos incapaces de reconocer o aceptar, todo ello en base a una arriesgada ópera prima que logra realizar con notable acierto un radical y por momentos brillante ejercicio de en su dirección. «The Tribe» es en definitiva un viaje al verdadero epicentro del mal, un espacio alegórico donde nuestro protagonista termina siendo engullido en un submundo de difícil salvación.

Valoración 0/5:4

En la década de los 90, la música electrónica se desarrolla a gran velocidad. En la excitante vida nocturna parisina, Paul da sus primeros pasos como DJ. En compañía de su mejor amigo crea un dúo llamado Cheers y pronto encuentran su público. “Eden” sigue los pasos de la generación del «French Touch» desde 1992 hasta hoy, una generación que todavía disfruta de un destacado éxito internacional gracias a DJs como Daft Punk, Dimitri from Paris o Cassius.

Si hubo una película presente en la pasada edición del festival de San Sebastián que un servidor echo en falta en su palmarés final esta fue sin lugar a dudas «Eden«, último trabajo de la directora francesa Mia Hansen-Løve,  autora de «Le père de mes enfants» y «Un amour de jeunesse» que aquí presenta un monumental y por momentos apabullante electrofilm de tintes biográficos (concretamente su hermano Sven Løve, un en apariencia exitoso DJ de los años 90′, co-autor del guion junto a la propia Mia Hansen-Løve ).

Con «Eden« la directora francesa nos presenta su obra más madura, un apasionante mural calidoscópico sobre las vivencias y trayectoria de un DJ, un devenir de tono dramático en forma de retrato generacional que nos habla principalmente de la búsqueda de la felicidad, de la madurez, de los cambios vitales, pero sobre todo del paso del tiempo y como este nos puede llegar a afectar si no conseguimos aprovecharlo de manera adecuada, todo ello retratado bajo el lienzo de la escena electrónica francesa y su evolución, una evolución que abarca desde 1992 hasta hoy en día, un retrato de incuestionable tono amargo, una aproximación al individuo acerca del desencanto que precede a la madurez.

«Eden» no es una película fácil por varios motivos, la diversidad de adhesiones por parte de la crítica presente en el pasado festival de San Sebastián así lo atestigua, primero por su duración (son más de dos horas de metraje), una duración esta que va ligada de manera intrínseca a su temática, un tema el aquí tratado que requiere algo de empatía en mayor o menor grado por parte del espectador, el reflejo de la vida de un conjunto de jóvenes inmersos en el movimiento de música electrónica parisina a partir de la década de los 90 con la figura icónica de los Daft Punk orbitando en la mayor parte del metraje del film, y presentado en cierta manera como contrapunto al retrato del protagonista, sin embargo, la película logra recompensar este esfuerzo con creces, ya que Hansen-Løve retrata la vida de este grupo de jóvenes con su acostumbrada precisión y exactitud, consiguiendo integrar a la perfección el entorno en el que se mueven estos junto a una selección musical exquisita que en ningún caso entorpece el relato contado, esto supone en parte uno de los mayores logros de la cinta, esa simbiosis música-retrato generacional calzan por momentos a la perfección con una extraordinaria afinidad, sin forzar de una manera artificiosa el recurso, logrando contar el relato de forma muy sutil, de tono pausado y sin grandes aspavientos argumentales.  

El único problema ocasional que veo en el filme es su carácter episódico no desarrollado de manera compensada en su totalidad, la película cubre casi 20 años en la vida del protagonista (de 1992 a 2013), lo cual lleva a que determinadas situaciones y relaciones queden esbozadas de una manera no del todo aprovechada, no llegando a ser profundizadas lo suficiente, como las continuas idas y venidas de su relación con un par de mujeres, o la relación con su silencioso socio musical, situaciones sentimentales y de compañerismo que se quedan como retazos de mero trasfondo en la historia, dando la impresión de que la narrativa se mueve más de forma algo caprichosa hacia las sensaciones que hacia el puramente retrato personal, un retrato este marcado por cierto tono melancólico, pero no desde una visión decadente o patético, sino desde un prisma en donde Mia Hansen-Love huye del retrato biográfico al uso, de la consabida historia de rápidos ascensos y caídas crueles dentro del mundo musical, decide no recrearse ferozmente con su protagonista en ese vaivén existencial, ni tanto en las alegrías y efímeros triunfos musicales, ni en los excesos y sus adicciones con la droga, algo que dota al conjunto de una notable solidez en su recorrido argumental.

Finalmente «Eden» queda como una serena reflexión sobre el crecimiento personal, el paso del tiempo, las oportunidades perdidas y las puntualmente encontradas, un relato rodado con la delicadeza estilística propia de Mia Hansen-Løve, con una notable sensibilidad del tempo, de las pausas y elipsis bien ejecutados, y con una indiscutiblemente banda sonora ensamblada en el conjunto de manera acertada, tal vez la mayoría de nosotros sólo conozcamos a Daft Punk y poca cosa más de la música electrónica o estilo garage , pero resulta curioso e interesante ver esa continua lucha por el éxito de muchas más voces involucradas en ciertos estilos musicales, unas voces como la del protagonista de «Eden» cuya transición personal durante los 20 años contados en el film es casi nula, voces ocasionales que fueron escuchadas en su momento de forma muy breve para acabar perdidas en el limbo.

Valoración 0/5:4

España, años 50. Montse (Macarena Gómez) ya no es joven, ha perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña, encerradas en un siniestro piso del centro de Madrid. Su madre murió en el parto de la pequeña (Nadia de Santiago), y el padre (Luis Tosar) no pudo soportarlo. Huyó cobardemente dejándolas solas. Obligada a ser padre, madre y hermana mayor, Montse se esconde de la vida, entre cuatro paredes, alimentando un temperamento obsesivo y desequilibrado: padece de agorafobia, y no puede dar un paso fuera de casa. Ella no entiende lo que le sucede, y el sufrimiento que esa extraña enfermedad le genera la obliga a refugiarse en un mundo de Padrenuestros y Avemarías. Montse trabaja de costurera y el único eslabón que la une con la realidad es la niña, una niña que está dejando de serlo. Un día, esa cadena se rompe: Carlos (Hugo Silva) un vecino joven e irresponsable, tiene la desgracia de caerse por las escaleras, buscando ayuda en la única puerta a la que ha sido capaz de arrastrarse. Montse le recoge. Alguien ha entrado en la madriguera de las musarañas….

«Musarañas«, el film apadrinado por Álex de la Iglesia y dirigido por los noveles  Juanfer Andrés y Esteban Roel, que llega a nuestros cines este 25 de diciembre, fue unos de los platos fuertes de la pasada edición del festival de Sitges, a medio camino entre el drama traumático y el humor negro, la cinta llega a colindar por momentos en su narración con el «Misery» de Rob Reiner, logrando llegar en sus últimos veinticinco minutos a una generosa espiral de dosis de gore algo extraña, de tono muy “granguiñolescas, que remiten de manera notoria y clara al cine de Álex de la Iglesia, consiguiendo que al final el producto se emparente más hacia lo visceral que lo psicológico.

De hecho esa parte final algo alocada de «Musarañas» rompe en algo la temática en la que se sustenta su principal tesis argumental, un costumbrismo oscuro, tema bastante recurrente en cierto tipo de cine patrio como por ejemplo «El Crimen de Cuenca» de Pilar Miró, la reivindicable «Una vela para el Diablo» de Eugenio Martín o el infravalorado último trabajo de Narciso Ibáñez Serrador, la tv movie «La Culpa«, por citar solo algunas, a partir de este enunciado  Juanfer Andrés y Esteban Roel logran manejar bien uso del espacio, un escenario reducido que contribuye a crear una atmósfera malsana y claustrofóbica, acercándola por momentos a cierta tendencia de cine Polanskiano, acrecentándola con el oscurantismo y afán religioso mal entendido y llevado al extremo, tema recurrente y propio que calza a la perfección con la españa profunda de la posguerra.

Lástima que la película no termine de aprovechar del todo la oportunidad de profundizar más en esa premisa, en ese ambiente claustrofóbico y opresivo en el que vive enclaustrada el personaje de Montse (magnifica Macarena Gómez,  personaje de gran profundidad psicológica, adecuadamente sobreactuada para el papel, posiblemente sea uno de los puntos más logrados de la película, actuación que transita siempre en el límite de lo grotesco pero sin perder la credibilidad, no así el personaje de la hermana, interpretado por Nadia de Santiago, poco creíble y poseedora de múltiples tics, algo propio de jóvenes actores provenientes de la televisión ). Sin embargo «Musarañas» adolece de una linealidad correcta en su propuesta, no siempre se nos presenta de una manera equilibrada esa línea argumental antes mencionada, derivándola hacia una cierta irregularidad, el mix genérico presenciado, drama algo costumbrista, retazos de comedia o gore en su tramo final, no termina de cohesionar de forma correcta.

Aun con sus defectos «Musarañas» es un elogiable ejercicio de estilo llevado por momentos con cierta pericia por parte de sus directores, pero sobre todo la película es un loable intento de generar un cierto tipo de cine de género que cada día escasea más en el actual y deteriorado panorama cinematográfico español, tan importante como que referentes del cine fantástico del país (Álex de la Iglesia a través de su productora Pokeepsie Films) apadrinen a nuevos directores y apoyen esta clase de proyectos que lamentablemente parecen encontrarse en vías de desaparición, ya solo por esta premisa merece la pena detenerse en propuestas de esta índole.

Valoración 0/5:3’5

Desde hace cuarenta años, el fotógrafo Sebastião Salgado recorre los continentes captando la mutación de la humanidad. Testigo de grandes acontecimientos que han marcado nuestra historia reciente: conflictos internacionales, hambruna, éxodos, etc., ahora emprende camino hacia territorios vírgenes con grandiosos paisajes, descubriendo una fauna y una flora silvestres en el marco de un proyecto fotográfico gigantesco, tributo a la belleza del planeta. Su hijo Juliano, quien le acompañó en sus últimas travesías, y Wim Wenders, también fotógrafo, comparten con nosotros su mirada acerca de su vida y su obra.

«The Salt of the Earth» ganadora en Cannes del premio Especial del Jurado en la sección “Un Certain Regard” y del Premio del Público en el 62 edición de Festival de San Sebastián nos relata los 40 años de la vida y obra del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, mostrados en forma de documental a través de la mirada de su hijo Juliano y el director alemán Wim Wenders, este último una de las figuras claves del nuevo cine proveniente de Alemania en los años 70, un formato documental del cual Wenders suele visitar con relativa asiduidad, enfocándose básicamente en tratar la vida y obra de artistas admirados por él mismo, en «Lightning over Water«(1980) nos relataba los últimos días del director de cine Nicholas Ray, «Tokyo-Ga» (1985) retrato de otro director, en este caso el japonés Yasujirō Ozu, un claro e idolatrado referente suyo , «Buena Vista Club Social» (1999), versaba sobre los músicos cubanos y «Pina«(2011) fue un sentido homenaje a la bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch.

Que el medio fotográfico sea una herramienta extraordinaria y recoja tantas experiencias y vivencias adquiridas durante medio siglo a cargo de una sola persona no tiene que llegar a sorprender, si sin embargo la manera en que se nos muestra, porque la materia prima ofrecida por Sebastião Salgado es de vital importancia, la secuencia de imágenes que vamos observando en el documental y su montaje nos hablan de una mirada discreta, comprensiva y en parte contemplativa, todo ello potenciado por la innegable capacidad de Wim Wenders para dotar a la imagen de cierto contenido. Detrás del documental descubrimos un alma rota y recompuesta, un espíritu desencantado y renacido… eso sí supone una notable guinda a dicho trabajo, un trabajo que habla al espectador para emocionarle y hacerle reflexionar sobre el mundo en el que vivimos y que construimos día a día. En «The Salt of the Earth» vemos como Sebastião Salgado entiende la fotografía como el dibujo realizado a través de la luz de la cámara, con esta máxima, Wenders y Salgado Jr.se encargan reflejar un cuadro plagado de esos claroscuros que suelen invadir la faz de la tierra y que concluyen con un mensaje que termina siendo una llamada hacia la responsabilidad, un mensaje del artista hacia el mundo.

Las imágenes captadas en «The Salt of the Earth» mayormente acompañadas con la voz en off del propio Sebastião Salgado a lo largo de esas décadas no solo se inscribe en el propio relato familiar autobiográfico del autor, sino especialmente en el  camino recorrido por el mismo durante todos estos años, contemplamos  su propia reinterpretación de la realidad en base a un ejercicio tan subjetivo como puede ser el de la fotografía, llevándonos hacia una inteligente reflexión sobre los que significa la captación fotográfica, el saber capturar lo efímero y convertirlo en eterno, el manejo del tempo, en saber esperar en definitiva, todo ello en base a  una conjugación de diversos factores que se mueven de manera caprichosamente aleatoria, a veces en direcciones completamente opuestas, esperando el preciso instante donde debes tenerlo todo bajo control para obtener ese resultado deseado.

Un viaje que nos va describiendo desde sucesos tales como éxodos, hambrunas, genocidios y conflictos armados, la mayor parte de ellos en África pero también en la civilizada Europa de finales del siglo XX como la terrible guerra de los Balcanes.. pasando también por el infierno de los garimpeiros trepando con el mineral acarreado por las resbaladizas pendientes de las minas con el cielo abierto del Amazonas como testigo o una visión de los pozos de petróleo de Kuwait durante el conflicto bélico. Pero hoy y en el ayer la injusticia, el hambre y la miseria están a la orden del día y eso inspira a Sebastião en una misión de ineludible crítica social. El autor de estas grandes fotografías nos abre los ojos ante la fría realidad, mostrándonos un mosaico de imágenes tan maravillosas de ver en algunas ocasiones como muy difícil de digerir en otras, el espectador asiste impávido a la muerte y a la destrucción, pero al mismo tiempo también contempla cómo la vida se va abriendo paso poco a poco, esa dualidad tan bien reflejada como curso inexorable de la vida en sí mismo y es entonces cuando se llega a la conclusión de entender el ciclo de la vida en laTierra como un habitad natural de cuantos la pueblan, abriendo una rendija de esperanza entre la oscuridad mostrada. Así mismo la película es un perfecto ejemplo de humanismo que mira a la persona desde una moralidad individual, un testimonio antagónico que debe ser visto y apreciado en su justa medida.

En su tramo final como decía más arriba «The Salt of the Earth» nos dirige hacia la senda de un optimismo tan ilusionante como creíble, contado a través de ese proyecto Instituto Terra, en el cual los Salgado han plantado más de dos millones de árboles y reconstruido todo un ecosistema, son esas segundas oportunidades que el hombre se suele dar a sí mismo, una reconstrucción dirigida aquí incluso hacia lo personal en base a esa creencia de que todo puede funcionar, al final «The Salt of the Earth» termina siendo un extraordinario viaje por la memoria de un hombre que ha llegado a ser uno de los mejores retratistas de nuestra era, un apabullante trabajo visual que no pretende juzgar si no simplemente evocar y reflexionar al mismo tiempo sobre las desigualdades y los interrogantes que pueblan sobre nuestro planeta.

Valoración 0/5:4

Ayan es un joven vendedor de productos farmacéuticos, aunque el chico piensa que con su trabajo está ayudando a mejorar el mundo, su vida dará un vuelco cuando descubra las terribles consecuencias de la toma de un medicamento para niños que está suministrando. Será entonces cuando, contra viento y marea, tome cartas en el asunto y se enfrente a la gigantesca empresa que lo ha creado.

«Tigers» fue una de las películas a competición del pasado festival de San Sebastián que a priori y por motivos varios se postulaba como una de las grandes favoritas para figurar en su palmarés final, por un lado la película representa ser un perfecto ejemplo de cine de denuncia partiendo desde un compromiso con la realidad social, un tipo de cine que siempre ha gustado y suele triunfar en San Sebastián, de echo el film se llevó una atronadora ovación por parte del público tras su proyección en el Kursaal, por otro lado tras la cámara encontramos a Danis Tanovic, director bosnio que se dio a conocer al ganar el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa por «No Man’s Land«, inteligente ejercicio de tono tragicómico acerca de la guerra de los Balcanes, aquí Tanovic vuelve a utilizar el medio cinematográfico como altavoz de denuncia, en este caso ante el mal uso de una famosa leche en polvo (Nestlé) y su erróneo uso en países en vía de desarrollo, los componentes de este producto, mezclado con aguas no potables, provocan una combinación letal para la población de corte edad, llevándonos al consabido mensaje de responsabilidad social en contra del beneficio empresarial, lamentablemente «Tigers» se convierte en un perfecto ejemplo de cine en donde el fin no logra justificar los medios.

En «Tigers» Tanovic se contenta con aportar una mirada demasiado suave, de tono ligero, rozando por momentos lo naif de un producto televisivo cualquiera al uso, que solo aspira a descubrir un problema, a exponerlo sin llegar al fondo de la cuestión, ofreciéndonos un trabajo tan correcto como obvio y de escaso riesgo dejando al final una indiscutible sensación de indiferencia, probablemente hubiese resultado más interesante y útil recurrir a la fórmula del documental en contra del de la ficción para reflejar y exponer con una mayor contundencia tales hechos, un recurso este que igual hubiera sido más adecuado a la narrativa aquí impuesta por Danis Tanovic.

De igual manera «Tigers» sale claramente perjudicada a la hora de compararla a trabajos anteriores de su director, films como «En Tierra de Nadie«, «Cirkus Columbia» o «El Infierno«,  aquí la falta de empatía y sentimiento que desprende la cinta y muy especialmente sus protagonistas es una losa demasiada pesada a la hora de valorar en positivo su bagaje final por más que las imágenes de tono duro de niños sufriendo penurias nos estén bombardeándonos durante el trascurso del film. A pesar de lo muy necesario que es conocer y denunciar tales hechos y la necesidad intrínseca de realizar este tipo de cine, en el caso particular de «Tigers» la cinta denota un claro defecto en su estilo, Tanovic termina convirtiendo la película en un panfleto con numerosas contradicciones entre sí, generando por momentos algún que otro fuego artificial de tono facilón en su discurso, pero poca cosa más,  generando por ello un notorio contorno negativo en su estructura, el problema es que le sobran referentes y se echa en falta una mayor profundidad en las razones de por ejemplo ciertas conductas, de esa población autóctona para actuar de según qué manera, que deja de amamantar a sus bebes para terminar alimentando a su prole con leche artificial, se nos llega a explicar que en parte es debido a un problema estructural en sí, que entronca directamente con la pobreza existente, pero nuevamente todo se queda en un enunciado no desarrollado, no llegando al final de un discurso o debate de forma convincente.

«Tigers» al mismo tiempo termina teniendo un problema principal de difícil solución, este reside en la forma con la que el cineasta bosnio nos describe a su principal protagonista, un idealista ex vendedor de productos farmacéuticos que intenta derrumbar a un gigante multinacional de forma torpe y confusamente explicada,  a partir de dicha situación nada de que lo cuenta el narrador nos va a resultar creíble, no por inverosímil sino por la ineficacia utilizada en su fondo de armario, Tanovic va saltando de tópico en tópico para mostrarnos bondadosos personajes y malvados capitalistas sin matizar los claroscuros existentes que nos va enseñando, todo ello contado de manera bastante evidente, y, claro, tantas evidencias y reiteraciones en su discurso llegan a convertir al film en un producto carente de originalidad, cayendo en una palpable obviedad y recurriendo a cierto tipo de populismo mal desarrollado, todo esto convierten este trabajo en el más fallido de la filmografía del director bosnio, aunque posiblemente el listón ya estaba demasiado alto y algún día había que morder el polvo.

Valoración 0/5:2

Apunto de terminar el año toca hacer balance de lo que ha dado de sí el presente curso en lo referente al fantástico y todo lo que lo rodea. Siguiendo la tendencia del pasado año observamos que el género tiende a expandirse por varias vías, vemos como autores por decirlo de alguna manera generalistas pincelan sus obras en mayor o menor medida con retazos de género, en cuanto a festivales seguimos observando como los grandes certámenes tipo Sundance, Cannes o Toronto apuestan de manera cada vez más decidida en sus secciones oficiales por el fantástico, algo impensable hace solo algunos años, es algo evidente que hoy en día se hace mucho cine de género, no recuerdo ninguna época anterior con un número tan elevado de producciones, posiblemente debido en parte a esa globalización genérica antes comentada, solo con la perspectiva del tiempo se podrá evaluar con un criterio más certero si esta época aparte de prolífica es también brillante en lo concerniente a su calidad.

En lo que respecta a la evolución autoral nombres como Spike Jonze, Jonathan Glazer o Wes Anderson alcanzan ya una mayoría de edad y pasan a convertirse en claros referentes del género dejando el testigo a una serie de nuevas promesas como William Eubank, Adam Wingard, Jim Mickle, Colin Trevorrow o Matt Reeves entre otros, una generación está formada desde una vocación más cinéfila de serie B, de claro tono referencial, muchos de ellos a punto de dar ya el paso hacia producciones de gran estudio.

En lo referente a la parcela territorial observamos como Europa despunta de manera notoria por un tipo de cine de autor, confirmando y consagrando nombres como Peter Strickland, Fabrice Du Welz o Quentin Dupieux, o descubriendo nuevas promesas muchas de ellas enfocados desde trabajos que parten desde el thriller como por ejemplo los británicos Gerard Johnson o Brian O’Malley. Por lo que respecta al cine proveniente de Asia se percibe un cierto estancamiento genérico, una tendencia hacia la falta de nuevas y renovadas ideas en donde parece que solo autores consagrados como tipoTakashi Miike, Tetsuya Nakashima, Hitoshi Matsumoto o Bong Joon-ho  consiguen mantener la cuota de calidad en dicho continente con sus últimos trabajos.

En España se sigue teniendo el grave problema de la crisis con respecto a la asistencia de público a los cines, unos cines que siguen siendo cerrados de forma alarmante ante la falta de espectadores, algo tan preocupante como la falta de alternativas a este problema, alternativas como por ejemplo el VOD (video por demanda), una evolución en cierta manera lógica en el visionado de cine, algo que en otros países funcionan pero aquí es harto difícil que logre asentarse, principalmente por un problema de educación por parte del consumidor patrio, es por eso que es digno de elogio el trabajo de distribuidoras independientes que estrenan aunque tarde y de forma limitada películas de género ,o eventos ya consolidados como Phenomena, dispuesto a recuperar o reivindicar un tipo de cine anterior, así como la importancia que adquiere ante tal tesitura los festivales de cine, espacios estos donde se pueden visionar trabajos que difícilmente se podrían ver por otros medios ante la precaria situación por parte de la distribución que sufre el país.

A continuación una lista de lo que un servidor cree que ha sido lo mejor de este 2014 en lo referente al género fantástico, una lista en la que no he intentado seguir ninguna regla temporal en cuanto a su estreno en España se refiere, simplemente son los film que he podido ver durante este año ya sea a través del cine, en festivales o plataformas digitales, todo ello desde un punto de vista claramente particular y con un evidente alejamiento en lo concerniente a las barreras fundamentalistas de índole genérico.

1. Under the Skin

Un alíen asume la forma de una atractiva mujer (Scarlett Johansson) y deambula por las calles de Escocia, llevando a hombres solitarios y confiados a su destino fatal en la adaptación surrealista de la novela homónima de Michel Faber.

2. The Congress

La necesidad de dinero, lleva a una actriz (Robin Wright) a firmar un contrato según el cual los estudios harán una copia de ella y la utilizarán como les plazca. Tras volver a la escena, será invitada a un congreso, que se desarrolla en un mundo que ha cambiado completamente. Basada en una novela de Stanislaw Lem, se trata del retrato de un mundo que se dirige inevitablemente hacia la irrealidad.

3. Enemy

Adam (Jake Gyllenhaal) es un inestable profesor universitario que lleva una vida bastante monótona. Un día, viendo una película, descubre a un actor que es idéntico a él, consumido por el deseo de conocer a su doble, Adam sigue la pista del actor, ambos se verán abocados a un obsesivo enfrentamiento que tendrá inesperadas consecuencias no sólo para ambos, sino también para sus respectivas parejas.

4. The Duke of Burgundy

Cynthia es una coleccionista de mariposas que mantiene una relación sadomasoquista con su criada, Evelyn. Una pasión sujeta a toda clase de particularidades, en la que los roles de ama y esclava no están tan claros como parece.

5. Her

«Her» nos cuenta como en un futuro cercano, Theodore, un escritor solitario, consigue un nuevo sistema operativo basado en el modelo de Inteligencia Artificial y diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Para sorpresa de Theodore, se crea una relación romántica entre él y la voz femenina de este sistema operativo.

6. Interstellar

 Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores liderados por el piloto Cooper (McConaughey) y la científica Amelia (Hathaway) se embarca en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprender un viaje más allá de nuestra galaxia en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.

7. Magical Girl

Luis (Luis Bermejo), un profesor de literatura en paro, trata de hacer realidad el último deseo de su hija Alicia (Lucía Pollán), una niña de 12 años, que padece un cáncer terminal: tener el vestido oficial de la serie japonesa de dibujos animados «Mágical Girl Yukiko». El elevado precio del vestido llevará a Luis a poner en marcha una insólita y oscura cadena de chantajes. En estas circunstancias, conoce a Bárbara (Bárbara Lennie), una atractiva joven que sufre trastornos mentales, y a Damián (José Sacristán), un profesor retirado con un tormentoso pasado. Los tres quedarán atrapados en una oscura red, en la que instinto y razón entran en conflicto.

8. Nightcrawler

Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) es un apasionado joven sin mucha suerte en la búsqueda de trabajo que, tras ser testigo de un accidente, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles. La vida del joven va a cambiar mucho debido a este descubrimiento, rozando incluso el débil límite existente entre el riesgo y la peligrosidad.

9. It Follows

«It Follows» nos contará la historia de Jay, una muchacha de 19 años que se acuesta con el chico equivocado, de repente se encuentra a sí misma plagada de visiones y pesadilla no tardando en empezar a sentir la sensación de que alguien la está siguiendo a todas partes.

10. Stray Dogs

Un padre y sus dos hijos deambulan por los márgenes de la moderna Taipei, de los bosques y los ríos de las afueras a la lluvia cayendo en las calles de la ciudad. Durante el día, su hijo y su hija recorren supermercados y centros comerciales en busca de muestras gratuitas de alimentos. Cada noche, la familia se refugia en un edificio abandonado. El padre, extrañamente afectado por un mural que adorna la hipnótica pared de esa improvisada casa.

Un día, una vida. En Roma, la noche del 2 de noviembre de 1975, Pier Paolo Pasolini es asesinado. Pasolini es el símbolo del arte que lucha contra el poder. Sus escritos son escandalosos, sus películas son perseguidas por los censores, muchas personas lo aman y muchas lo odian. El día de su muerte, Pasolini pasa sus últimas horas con su querida madre y después con sus queridos amigos, y finalmente se lanza a la noche en busca de aventuras en la Ciudad Eterna. Al amanecer, Pasolini es hallado muerto en una playa de Ostia, en las afueras de la ciudad.

Abel Ferrara volvía al festival de San Sebastián para presentar su último trabajo «Pasolini«, film que se pudo ver dentro de la sección perlas, el director neoyorquino ofrece una aproximación personal (como no podía ser de otra manera), y de estética bastante potente de las últimas 48 horas de vida de polémico autor de «Salo y los 120 días de Sodoma«, construyendo en torno a ello una por momentos brillante reflexión sobre la propia creación artística, introduciéndose en la mente del director y apuntando detalles de su pensamiento y su obra, tales como su dura crítica tanto a la política como al sistema educativo, así como presentarnos una radiografía de dicha situación social existente por aquella época y la postura que adopta el personaje de Pasolini en enfrente a todo ello a través de entrevistas, cartas, flashbacks o momentos de cotidianidad familiar, una reflexión en sí que es del todo aplicable a la obra y a la personalidad del director italiano, un retrato a medio camino entre la creatividad y la reivindicación como manera de pensar y actuar, en base a una narrativa que alterna momentos de la vida real del director y las recreaciones imaginarias de sus últimos escritos para ofrecernos un retrato personalísimo de un personaje bastante complejo de por sí, plagado de ciertas aristas y lleno de demasiados matices psicológicos a lo que es muy difícil dar una forma de coherencia globalizante en  apenas solo hora y media, y es que estamos hablando de un director que consideraba que el escandalizar a través del arte al público era un derecho inherente del artista en sí, del cual había que intentar sacar el máximo provecho. Además  las entrevistas que se incluyen en la película dejan entrever qué tipo de persona era en realidad Pasolini, ayudando al espectador a hacerse una idea de las inquietudes y del tipo de cosas que inspiraban al personaje a la hora de plasmar su particular ideario en las varias facetas artísticas que solía manejar.

«Pasolini» posee al mismo tiempo un elogiable trabajo en su proceso de documentación artística, logrando reflejar una fiel y acertada ambientación de los años 70 y todo lo que lo rodeaba, de fotografía suave y tono algo tenue, todo ello engrandecido por una ajustada interpretación a cargo de Willem Dafoe (de asombroso parecido físico a Pasolini), mostrándonos al personaje tal y como era tanto en la cotidianidad como fuera de ella, para que seamos nosotros mismos los que saquemos las conclusiones e interpretaciones debidas, estamos pues ante un trabajo de connotaciones tan reflexivas como contemplativas llegando a su parte final con un claro tono onírico, conjugándose varios elementos que hacen que la película sea merecedora del apelativo de rara avis, algo que no termina siendo tan extraño dada la naturaleza de Ferrara, y huyendo de igual manera del uso de cierto sensacionalismo, rehusando el manejo de ningún juicio de valor (aquí el director estadounidense pasa de puntillas y no opta por arrojar ninguna teoría conspirativa sobre el asesinato de Pasolini), alejándose de manera inteligente de la mitificación del personaje en sí, a pesar de la propia naturaleza mítica que este posee.

No se puede negar a la película de Ferrara una incuestionable elegancia visual, y un interés por el auto homenaje nada disimulado, es bastante evidente al mismo tiempo la lógica admiración que Ferrara siente hacia Pasolini, posiblemente muchos esperaban con esta película un producto con algo más de riesgo, pasión o furor en su propuesta, un mayor compromiso en forma de ideario con el material que se manejaba, pudiendo al final dar la errónea sensación de estar ante un trabajo de quien parece haber optado por el camino más cómodo, fácil y menos rupturista, quedándose a medio camino entre el ensayo y la biografía, nada más lejos de la realidad, aquí y a diferencia de su penúltimo film, la algo marciana e irregular «Welcome to New York«, Ferrara opta por el relato no lineal y ligeramente onírico, caminando entre la realidad y la imaginación, distanciado enormemente de las convenciones del socorrido subgénero del biopic, consiguiendo hacer bien un trabajo de difícil tesitura cinematográfica, siendo al final una película cien por cien Ferrara, poblada de varias capas y de múltiples lecturas narrativas y lleno al mismo tiempo de planteamientos de índole metacinematográficos que la llegan a emparentan por momentos con otro anterior film suyo de características similares en su estructura, la reivindicable «Snake Eyes«, y es que Abel Ferrara de una manera u otra siempre consigue reinventarse artísticamente cuando uno menos se lo espera, este «Pasolini» es una buena muestra de ello.

Valoración 0/5:4

Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) es un apasionado joven sin mucha suerte en la búsqueda de trabajo que, tras ser testigo de un accidente, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Angeles. La vida del joven va a cambiar mucho debido a este descubrimiento, rozando incluso el débil límite existente entre el riesgo y la peligrosidad.

Dan Gilroy reconocido guionista debuta en la dirección con «Nightcrawler«una retorcida y subversiva crítica a ciertos medios de comunicación en donde todo vale a la hora de triunfar en un mundo desprovisto de cualquier tipo de escrúpulos, todo ello retratado de manera brillante en lo que es la exposición de su escenario, pocas veces se ha visto en pantalla grande la ciudad de Los Ángeles tan bien retratada de manera oscura, una urbe de predominante tono nocturno y desolado, posiblemente uno de los puntos más interesantes de esta «Nightcrawler» sea su adscripción genérica, disfrazada en apariencia de thriller al uso de claros elementos de cine “noir” pero desarrollada de manera algo metafórica como si de un film de horror se tratase en base a la presentación y su consecuente evolución de su protagonista principal (notable interpretación a cargo de Jake Gyllenhaal, uno de los puntos más fuertes del film sin duda, cuya carrera cada vez apunta más alto, ahí están trabajos como «Source Code«, «Prisoners» o «Enemy» para atestiguarlo) un Lou Bloom que nos es presentado lejos de ser un individuo corriente, dado que se nota en el cierto desapego emocional y una clara carencia de moral,  algo que se hacen más evidentes conforme avance en el metraje, un comportamiento que va derivando hacia la sociopatía en donde la manipulación y la mentira terminan convirtiéndose en malicia, no deja de ser sintomático que el principio del film remita en su postulado a una película tan emblemática como «Network» para terminar convirtiéndose en una especie de «Peeping Tom» adherida a la actualidad.

Uno de los aciertos por parte de Dan Gilroy es no caer en lo previsible y obvio, en el mensaje gratuito por decirlo de alguna manera, la película no cae solo en la mera crítica hacia los noticieros y su deleitado placer por lo sangriento y crudo en base a conseguir una mayor audiencia, o en la manida discusión sobre la manipulación por parte de estos, sino en el cómo una persona que ingresa y forma parte de este cuestionable universo, un personaje de tintes  oscuros, que hará lo que sea por conseguir las mejores imágenes, y sacar provecho de todo ello, cueste lo que cueste.

«Nightcrawler» también se nos presenta al mismo tiempo aunque en menor medida como un relato sobre el submundo del periodismo más deshumanizado y de su visión y posicionamiento frente a la violencia cotidiana, todo ello desde posturas varias, en donde ningún personaje que vemos sale bien librado, a cual más desagradable y manipulador, de la misma manera en sus buenos momentos el film también se acerca de forma acertada al thriller referencial, aunque posiblemente se pierde en algo al no terminar siendo un apasionante y siniestro retrato de ese submundo al que hace referencia, por momentos da cierta sensación  de quedarse a medio camino en su narrativa, a Dan Gilroy posiblemente le falte de arrogo y valentía en la exposición de los hechos, el terminar de echar toda la carne en el asador por decirlo de alguna manera, probablemente debido a su falta de experiencia tras las cámaras, para imprimir al conjunto una mayor bravura, más bilis y oscuridad al relato, y buscar un tono final más ajustado. Aun así «Nightcrawler» en su conjunto no desentona, y su visionado nunca aburre, es más si se quiere logra conseguir entretener como simple vehículo de thriller de acción al uso.

Es importante prestarle la atención adecuada a productos como «Nightcrawler» y valóralos en su justa medida, films que cada vez son más difíciles de encontrar: una película producida por un gran estudio, de presupuesto decente y destinado hacia un público adulto. Está bien que existan grandes superproducciones de tipo mainstream que representen millones de dólares de ganancias para los grandes estudios, pero no puede dejarse abandonado el mercado de este tipo de productos, de una valía incuestionable, en donde la reflexión adulta y el mero entretenimiento van cogidos de la mano de manera notable.

Valoración 0/5:4

La película trata de describir la relación que los austríacos mantienen en y con sus sótanos, y de definir las peculiaridades de dichos sótanos… o si es cierto que tales peculiaridades existen. La película trata sobre las obsesiones de un variopinto grupo de individuos, sobre bandas de música y arias de ópera, sobre mobiliario caro y baratos chistes machistas, sexualidad y ejercicios de tiro, fitness y racismo, fustas y muñecas.

Dentro de ese gran abanico genérico que compone la sección Zabaltegi en el pasado festival de San Sebastián se pudo ver el último trabajo del director Urich Seidl autor de la famosa y algo controvertida trilogía «Paradies«: Amor, Fe y Esperanza, ahora Seidl presenta la no menos incómoda «Im Keller» en donde el director austríaco vuelve a la narrativa documental que también conoce de sus anteriores trabajos para presentarnos una serie de personajes cuanto menos peculiares y como estos son grabados dentro de sus sótanos en donde dan rienda suelta tanto a sus hobbies, que nos pueden llegar a parecer más o menos graciosos, como a una serie de comportamientos que se salen en algo de la funcionalidad cotidiana del individuo de a pie para entrar de lleno en la obsesión de un comportamiento anómalo.

Dentro de esta amalgama de variopintos personajes podemos ver desde una mujer  que cada día desciende al sótano del edificio en el que vive para sacar sus muñecas de varias cajas, dichas muñecas llegan a ser tan sorprendentes como reales (y por qué no decirlo aterradoras) reproducciones exactas de recién nacidos, con toda serie de detalles, finas arrugas en sus caras etc, la mujer las acurruca y las mima en sus brazos, como si de auténticos bebes se tratasen. . también contemplamos a un individuo que toca el trombón e invita a sus compañeros de banda a ir y emborracharse juntos en su enorme sótano, un espacio decorado con todo lujo de detalles como un museo de recuerdos nazis, con retratos de Hitler y maniquíes en uniformes de la SS, después vemos a un señor que tenía como sueño el convertirse en un gran tenor, pero que se tiene que contentar ahora con enseñar a sus amigos a disparar en el campo de tiro que ha montado dentro de su garaje, a continuación vemos al matrimonio formado por Manfred e Inge, y como estos viven en un sótano repleto de armas de caza y miles de trofeos de caza de animales atrapados en África a su lado, desde impalas a facóqueros, asistimos al día a día en ese ambiente en donde  la pareja vive en una cotidianidad como menos sorprendente.

Conforme avanza el film van entrando en escena personajes con una sexualidad desviada en la que incluyen comportamientos sexuales tanto perversos como exhibicionistas y por tanto a una escabrosidad nada amable de cara al espectador. Por ejemplo, vemos a un hombre de tez pálida que satisface a mujeres con sus actuaciones de una singularidad que se aleja por completo de lo cuerdo, o a una ex cajera de supermercado que se ha lanzado a la prostitución subterránea, también contemplamos  a los Ducheks, una mujer en la que ella es una dominatrix y él un masoquista que limpia el baño con su lengua y se cuelga del techo del sótano por sus genitales entre otras lindeces por el estilo, por último asistimos al relato de Sabine, una sadomasoquista que a través de su confección invita al espectador a cierta  reflexión cuando cuenta sus experiencias con varios hombres y explica al mismo tiempo cómo trabaja para Caritas ayudando a las mujeres que han sufrido violencia de genero.

«Im Keller» retrata lo sórdido y anómalo dentro de un espacio como son los sótanos, un perfecto escenario este que da lugar a patologías nada beligerantes, unos comportamientos (el nazismo, BDSM o la desviación maternal entre otros) mostrados de manera poco sutil por parte de su director pues se contradice en algo tanto en su postulado como en sus intenciones, por un lado vemos una feroz crítica a un país cuya mentalidad se acerca de manera peligrosa hacia una ideología retrógrada que en algunos sectores es considerada de difícil defensa, pero por otro lado tenemos una visión expuesta por parte de Urich Seidl que entra de lleno en la auto parodia, en una visión burlesca y algo chabacana de dichos personajes rozando en algunos momentos la comicidad en base a su esperpento, por tanto el espectador llega a preguntarse la cuestión ¿dónde termina ese grotesco humor negro y comienza el horror o la sensación de desazón que produce ver tales imágenes?, posiblemente «Im Keller» sea válida en su función de producto destinado a la reflexión desde un punto de vista en cierta manera algo irreverente, que utiliza la risa fácil como antídoto hacia el pánico que produce esos comportamientos de patología tan extravagante, una cinta en definitiva no apta para todos los estómagos, que nos ofrece una visión tan sarcástica como al mismo tiempo incómoda acerca de los sótanos de los hogares austríacos y de lo que se esconde en ellos.

Valoración 0/5:2’5