Mes: junio 2019

Franck Khalfoun y la isla misteriosa, primer tráiler de «Prey»

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El estadounidense Franck Khalfoun es de esos realizadores que parece no acabar de dar con la tecla que le haga apartarse de trabajos de un claro índole alimenticio, si en películas como Parking 2 y sobre todo su notable remake de Maniac hacían presagiar una trayectoria interesante en estos últimos años sin embargo films como I-Lived o Amityville: The Awakening parecen indicar más bien todo lo contrario. Prey cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página es su nuevo trabajo tras las cámaras, un survival con producción de Blumhouse que esperemos que eleve en lo posible la trayectoria de Franck Khalfoun.
En Prey vemos como un joven algo problemático de 17 años llamado Toby se ve obligado a pasar tres noches solo en una isla en principio deshabitada como parte de un desafío final de un programa de aventuras en el que participa. Pero en la isla, no todo es lo que parece, y a veces, los lugares en apariencia más bellos pueden ocultar los secretos más espantosos.
La película con guion a cargo de David Coggeshall está protagonizada por Logan Miller, Jolene Anderson, Kristine Froseth y Phodiso Dintwe.

El cine de Frank Tashlin. América satirizada

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Pretende este libro situar (o resituar) el “espacio Frank Tashlin” en el lugar que le corresponde en el doble terreno del análisis fílmico y de la historia del cine, a la par que reflexionar sobre la obra conjunta de dos cineastas (el propio Tashlin y Jerry Lewis) que no han dispuesto en las últimas décadas de la atención —ni la fortuna— crítica que sin duda merecieron por sus valores y su alcance artístico. La política de autores ha situado a otros directores del Hollywood clásico de los grandes estudios, como Ernst Lubitsch, Howard Hawks, Billy Wilder, Frank Capra, Mitchell Leisen o Preston Sturges, en el Olimpo de la comedia cinematográfica, y lo mismo ha ocurrido con otros coetáneos como Stanley Donen, Gene Kelly, Blake Edwards o Vincente Minnelli. Pero el cine de Tashlin reunió no poca reputación en la época de su realización (más en Europa que en los propios Estados Unidos, eso sí), ya fuera por sus sátiras a la masculinidad en las películas con Jayne Mansfield, por el mayor gancho popular del propio Jerry Lewis o por el (discreto) atractivo en su momento de Bob Hope o Doris Day. Pero su filmografía consta de títulos tan divertidos y valiosos como Las tres noches de Susana, Artistas y modelos, Loco por Anita, Una rubia en la cumbre, Una mujer de cuidado, Caso clínico en la clínica o Lío en los grandes almacenes. Tashlin ha suscitado los elogios de Jean-Luc Godard, Robert Benayoun, Peter Bogdanovich, Jonathan Rosenbaum o Robert Zemeckis, y puso de acuerdo a las revistas francesas Cahiers du cinéma y Positif. Ácido, destructor, siempre corrosivo, su humor consiguió describir la América de 1951 a 1968 como un enorme sanatorio frenopático y a sus habitantes como seres enloquecidos y alienados obsesionados por el consumo, el sexo, el dinero y el poder.

El autor.

Pablo Pérez Rubio (Zaragoza, 1964) es autor de más de una veintena de libros sobre temas cinematográficos. Entre ellos: Thelma y Louise / La ventana indiscreta (Dirigido por), Maenza filmando en el campo de batalla (Gobierno de Aragón), El cine melodramático (Paidós), Voces en la niebla. El cine durante la Transición española (1973-1982) (Paidós), Jerry Lewis (Cátedra), Escritos sobre cine español. Tradición y géneros populares (Institución Fernando el Católico – CSIC) o Dolor en la pantalla. 50 melodramas esenciales (Universitat Oberta de Catalunya). Ha estudiado, con Javier Hernández, el cine aragonés en diversas monografías: Moncayo Films, Antón García Abril, Antonio Artero, Adolfo Aznar… Además, ha colaborado en numerosos libros colectivos y en revistas culturales como Turia, Dirigido por, Cuadernos de la Academia, VO o Nosferatu. Es también autor de un libro de narrativa: Locos de cine y otros relatos (La Fragua del Trovador).

Autor; Pablo Pérez Rubio, Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 188

Tráiler de «Tone-Deaf», lo nuevo de Richard Bates Jr.

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Richard Bates Jr. es uno de esos directores independientes que no dejan lugar a dudas de que siempre van por libre, después de ese potente debut tras las cámaras que fue Excisión, posiblemente su mejor película a fecha de hoy, trabajos posteriores como Suburban Gothic y Trash Fire han confirmado una manera de hacer un cine, siempre colindando con el fantástico, que huye de cualquier tipo de imposición o etiquetas preestablecidas. Tone-Deaf cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial es su nueva película, un film que tuvo su premier mundial en el pasado SXSW y que vistas sus primeras imágenes da la impresión de seguir a pies puntillas las constantes autorales de su realizador.

Tone-Deaf que verá la luz en Estados Unidos el próximo 23 de agosto a través de VOD nos cuenta como tras perder su trabajo y terminar con una relación algo disfuncional una mujer llamada Olive decide abandonar la ciudad para pasar unos días de tranquilidad en el campo. Para ello alquila una casa rural un tanto excéntrica y muy ornamentada a un señor que se hace llamar Harvey, un viudo que trata de ocultar por todos los medios sus tendencias psicópatas.

La película con guion del propio Richard Bates Jr. y música a cargo de Michl Britsch está protagonizada por Amanda Crew, Robert Patrick, AnnaLynne McCord, Kim Delaney, Keisha Castle-Hughes, Ray Wise, Hayley Marie Norman, Nelson Franklin, Johnny Pemberton, Ray Santiago, Tate Ellington, Ronnie Gene Blevins, Danny Ramirez, Nancy Linehan Charles, Christian Calloway, Pia Shah, Shane Brady, Dianna Miranda y Gina Brown.

«El crack cero», de José Luis Garci, se estrenará el próximo 11 de octubre

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Carlos Santos dará vida al joven Germán Areta y Miguel Ángel Muñoz será El Moro, los míticos personajes que en su día interpretaron Alfredo Landa y Miguel Rellán. La nueva película de José Luis Garci, El crack cero llegará a los cines el 11 de octubre. Carlos Santos protagoniza la precuela de la mítica “El Crack”, encarnando el papel de un joven inspector Germán Areta, el personaje que marcara un hito en la carrera del genial Alfredo Landa.  La historia, que narra los inicios de aquella clásica agencia de investigación, nos permitirá asistir también al momento en que Areta ficha a El Moro, otrora interpretado por Miguel Rellán y al que en esta ocasión dará vida Miguel Ángel Muñoz, con una caracterización que nos llevará lejos de su imagen habitual.

El reparto se completa con Luisa Gavasa, como la siempre eficaz Moly, Pedro Casablanc, en el papel del comisario de policía al que todos llaman El Abuelo (personaje encarnado en su día por el grandísimo José Bódalo), la joven María Cantuel, como la delicada novia de Areta, Patricia Vico, en el papel de la doliente amante del sastre asesinado cuya muerte deberá resolver Areta, Raúl Mérida, Macarena Gómez, Cayetana Guillén-Cuervo, o Luis Varela entre una larga lista de eficaces y curtidos actores.

José Luis Garci completa la trilogía de «El crack» con este film rodado en blanco y negro y con el que el ganador de un Oscar nos vuelve a sumergir en los bajos fondos del Madrid de los 70, retomando la historia del inspector Germán Areta: “Aunque en 2012 tomé la decisión de no volver a dirigir ni escribir guiones (…) de pronto, me ocurrió lo que a Bond: never say never again.  El motivo de mi vuelta atrás fue una larga conversación con mi querida Maite Imaz, viuda de Areta, de Alfredo Landa Areta, que así se llamaba mi amigo.  Maite –que lamentablemente tampoco está ya- me animó a cerrar la trilogía de Los Cracks.” – explica Garci sobre el porqué de esta película.

La historia, escrita por el propio Garci junto a Javier Muñoz y filmada en blanco y negro fiel al estilo de los dos títulos anteriores, recrea una Gran Vía completamente diferente a la que podemos ver en la actualidad. Rodada en Madrid el pasado invierno, la película cuenta con imágenes de archivo que se integran en la cinta como un todo acompañadas por la reconocible banda sonora de Jesús Gluck, responsable de la música de toda la trilogía. Producida como es habitual por Nickel Odeon, cuenta con la participación de TVE, Movistar + y Trece TV.

La cinta, que llegará a los cines el 11 de octubre de la mano de Filmax, presenta su cartel oficial, obra del conocido ilustrador madrileño Miguel Navia, colaborador habitual de la revista Fiat Lux, especializada en el género negro, en el que también se enclava la película. Sus ilustraciones se han publicado en medios como El País o en publicaciones de la editorial Planeta. El artista, que en 2011 publicó Gran Vía, recrea para este cartel la famosa avenida madrileña en la que tiene su sede Areta investigaciones.

El crack cero nos sitúa seis meses después del suicidio del afamado sastre Narciso Benavides, una misteriosa y atractiva mujer casada visita a Germán Areta, prestigioso ex policía de la Brigada Criminal y ahora detective privado, para que inicie una investigación exhaustiva sobre el “Caso Benavides”. La mujer está convencida de que el sastre, que además era su amante, fue asesinado. Aunque su instinto le dice a Areta que la gente sólo mata por amor o por dinero, irá descubriendo que hay más motivos, y más de un sospechoso, para quitar de en medio al sastre.

La guerra del Pacifico según Roland Emmerich, tráiler de «Midway»

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A estas alturas es ciertamente complicado el no asociar el nombre de Roland Emmerich con el digamos subgénero de la destrucción masiva, tras su vuelta al universo de Independence Day el director de origen alemán ya tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras con la película titulada Midway, film que de la mano de Lionsgate acaba de ver la luz un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a junto a su póster oficial. En esta ocasión Roland Emmerich deja de lado invasiones extraterrestres y catástrofes naturales para mostrarnos unos hechos reales acontecidos durante la II Guerra Mundial en una película que se estrenará en los cines de nuestro país el próximo mes de noviembre de la mano de Diamond Films.

Midway nos sitúa en 1942, en plena II Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la Armada Imperial Japonesa se prepara para un nuevo ataque. El Almirante Nimitz y Dick Best, el mejor piloto de la armada estadounidense, preparan un contraataque al poderoso ejército japonés. Dick encabezará un ataque masivo que hará que Japón se dé cuenta de su error. Una decisión que cambió el curso de la historia para siempre. Mientras estos dos titánicos enemigos emprenden una letal batalla para cambiar el rumbo de la guerra, todas las miradas se vuelcan hacia la remota isla de Midway, donde una serie de feroces ataques aéreos y marítimos pondrán a prueba la potencia y la fortaleza de ambas naciones.

La película con guion a cargo de Wes Tooke está protagonizada por Woody Harrelson, Mandy Moore, Luke Kleintank, Luke Evans, Patrick Wilson, Aaron Eckhart, Alexander Ludwig, Dennis Quaid, Ed Skrein, Darren Criss, Nick Jonas, Mark Rolston, James Carpinello, Tadanobu Asano, Jake Manley, Ellen Dubin, Keean Johnson, Kevan Ohtsji, Brandon Sklenar, Russell Dennis Lewis, Tyler Elliot Burke, Nobuya Shimamoto, Garret Sato, Robert Crooks, Johan Strombergsson-Denora, Alexandre Dubois, Michael Daniel Murphy, Jason Smiley, Dean Schaller, Adam Rogers, Svitlana Campbell y James Hicks.

La maratón del período Edo, primer tráiler de «Samurai Marathon 1855»

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Es ciertamente interesante el giro realizado por el director Bernard Rose en estos últimos años, conocido por sus primeras e interesantes aportaciones al fantástico como Paperhouse y Candyman o con propuestas de un índole más académico como por ejemplo Immortal Beloved o Anna Karenina, sin dejar de vista el género fantástico en 2015 no obsequio con una actualización del mito de Frankenstein muy a tener en cuenta. Samurai Marathon 1855 cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial supone una nueva incursión por parte del realizador británico en los relatos de época, en este caso ubicado en el Japón feudal  en una historia que adapta la novela de Akihiro Dobashi publicada en 2014 Bakumatsu Marathon Samurai. La película que estos días se ha podido ver en el festival de Edimburgo tendrá su premier española con casi toda seguridad en el próximo festival de Sitges.

Samurai Marathon 1855 nos sitúa durante el Bakumatsu, los últimos años del período Edo una vez que el reinado del shogunato Tokugawa parece llegar a su fin. Para preparar a sus guerreros ante posibles ataques de invasores extranjeros, el hanshu organiza un maratón. La maratón se corre a lo largo de un sendero de montaña durante unos 58 kilómetros. Mientras tanto, el gobierno central de Edo a través de un malentendido ve erróneamente  la maratón como un acto de traición. Unos asesinos son enviados al castillo de los hanshu para repelerla. Jinnai Karasawa parece ser un samurai normal pero en realidad es un espía del gobierno central dándose cuenta de que los asesinos están sintiendo enviados al castillo de hanshu. Para detener a los asesinos y aclarar el malentendido, Jinnai Karasawa deberá corre desesperadamente.

La película con guion del propio Akihiro Dobashi, Bernard Rose, Hiroshi Saitô y Kikumi Yamagishi, música compuesta por Philip Glass y fotografía a cargo de Takuro Ishizaka está protagonizada por Takeru Satoh, Danny Huston, Nana Komatsu, Mirai Moriyama, Shōta Sometani, Munetaka Aoki, Naoto Takenaka, Etsushi Toyokawa, Ryu Kohata  y Hiroki Hasegawa.

«Muere, monstruo, muere» review

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En una zona un tanto alejada de la Cordillera de los Andes, encuentran el cuerpo cercenado de una mujer. Cruz, un oficial de la policía rural, se hace cargo de la investigación. David, esposo de Francisca quien a su vez es la amante de Cruz, se convierte rápidamente en el principal sospechoso. Cuando lo internan a David en un hospital psiquiátrico, culpa de lo sucedido a un monstruo que se le aparece repentina e inexplicablemente.

Hablando en las crónicas de la pasada edición del Festival de Sitges y a propósito de la película brasileña Morto Não Fala y su supuesta adscripción a un especifico tipo de cine proveniente de Latinoamérica que intentaba apartarse conscientemente de un tono alegórico muy visible en algunos films de dicho continente que indagan en el género fantástico últimamente, Muere, monstruo, muere del argentino Alejandro Fadel es un trabajo que transita precisamente a través de esa metáfora fantástica antes mencionada con un claro trasfondo temático que nos remite por poner un solo ejemplo a la violencia psíquica y física de los hombres hacia las mujeres, una película que nos puede remitir en lo referente a su exploración y afiliación genérica a una película tan fundamental en estos últimos años como resulta ser La región salvaje de Amat Escalante.

En Muere, monstruo, muere hay un poco de todo, evidentemente partiendo de esa metáfora fantástica en donde el terror cósmico está muy presente en un relato que nos muestra una serie de extraños asesinatos de mujeres que ocurren en la región de Mendoza teniendo en común un detalle, todas fueron decapitadas, el relato se bifurca por momentos al western e incluso al policiaco provista en ocasiones de un humor casi absurdo, en ella asistimos a una desmesura narrativa por momentos contradictoria que puede parecer tan desconcertante como ciertamente hipnótica en lo referente a sus supuestos postulados, podríamos aseverar que el film del responsable de la interesante Los salvajes versa sobre una idea que no deja de ser un simple punto de partida que deriva hacia algo más abstracto, en la película las victimas del asesino que bien puede ser humano o no son todas mujeres, en este sentido y a diferencia de La región salvaje el trazo de denuncia por las evidentes connotaciones existentes con la realidad apenas son aquí percibidas, tan solo desde un trasfondo muy leve, Alejandro Fadel que se siente más cómodo generando suspense a través de lo atmosférico y no en lo narrativo utiliza un desarrollo en su trama bastante derivativo que da la impresión de beber de fuentes tan inequívocas a primera vista como el cine de Lynch, Jodorowsky y de bastantes más referente icónicos del fantástico literario como por ejemplo de H. P. Lovecraft, a través de ellos intentar involucrar al espectador en un imaginario plagado de locura, o más bien un tratado sobre ella, el miedo y evidentemente de desconcierto en base a la creación de un microclima de tendencia ominosa que hacen complicado el dilucidar qué es lo real y que es sobrenatural, a través de estas derivaciones intuimos que la violencia de género que visionamos en la historia a modo de cruentos asesinatos está representada como un mal generalizado, un poco a la manera del Cruising de William Friedkin por poner un ejemplo, de esta manera ese ente monstruoso solo es materializado visualmente en la conclusión del relato y de manera bastante alegórica.

Muere, monstruo, muere sin embargo da la impresión de quedarse a medio camino sin que tal termino llegue a ser peyorativo, posiblemente demasiada criptica en lo relativo a sus fundamentos para el clásico amante mainstream del género, también algo extrema y abrupta a un nivel narrativo para el fiel militante al cine de autor que juguetea constantemente con el fantástico en esa clase de películas que terminan girando constantemente sobre sí mismo direccionándose hacia lugares ciertamente impensables una vez elude los parámetros de su enunciado inicial, con todo lo que esto puede acarrear y por lo que respecta a un servidor este es el cine de género proveniente de Latinoamérica que merece ser descubierto por el espectador inquieto, un tipo de cine que al igual que el Tenemos la carne de Emiliano Rocha Minter desafía continuamente al espectador en relación a una ambición y un riesgo autoral no exento de osadía e ingenio ciertamente admirable.

Valoración 0/5: 3’5

Tráiler final para lo nuevo de Paco Plaza «Quien a hierro mata»

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Después del merecido éxito tanto crítico como comercial de Verónica Paco Plaza tiene ya listo su nuevo trabajo tras las cámaras, con Quien a hierro mata, cuyo tráiler oficial acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures y podéis ver a final de página junto a su poster, el realizador valenciano se adentra en el thriller criminal en una turbia historia de venganza en esta ocasión provisto de buenas dosis de violencia en una película que se estrenará en los cines de nuestro país el próximo 30 de agosto y cuyos primeros visionados están siendo bastante entusiastas señalándola como el mejor trabajo realizado hasta la fecha por Paco Plaza.

Quien a hierro mata nos sitúa en un pueblo de la costa gallega vive Mario, un hombre ejemplar. En la residencia de ancianos en la que trabaja como enfermero todos le aprecian. Cuando el narco más conocido de la zona, Antonio Padín, recién salido de la cárcel, ingresa en la residencia, Mario trata de que Antonio se sienta como en casa. Ahora, los dos hijos de Padín: Kike y Toño, están al mando del negocio familiar. El fallo en una operación llevará a Kike a la cárcel y les generará una gran deuda con un proveedor colombiano. Toño, recurrirá al enfermero para que intente convencer a su padre de que asuma la deuda. Pero Mario, tiene sus propios planes.

La película con guion de Jorge Guerricaechevarría y Juan Galiñanes y música a cargo de Maika Makovski está protagonizada por Luis Tosar, María Vázquez, Tania Lamata, Ismael Martínez, Pablo Guisa Koestinger, Dani Currás, Marcos Javier Fernández Eimil, María Luisa Mayol, Víctor Duplá, Enric Auquer, Xoán Cejudo y Alberto Abuín. Quien a hierro mata es una producción de Vaca Films, Atresmedia Cine y Quien a hierro mata AIE, en coproducción con Playtime Production, con la participación de Atresmedia, Movistar+, Televisión de Galicia y Netflix, y con el apoyo de ICAA, Agadic y Programa Media.

Imaginar mundos. Tiempo y memoria en la ciencia ficción

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¿Cuáles son los mundos posibles que imaginan el cine, las series o los cómics desde los nuevos retos biotecnológicos o la perspectiva feminista?
El arte y la creación constituyen las herramientas perfectas para imaginar el futuro, para descubrir que otros mundos, otros seres, otras maneras de medir el tiempo y la vida nos aguardan más allá de las fronteras de lo racional. La ciencia ficción se ha convertido en el oráculo que nos alerta de apocalipsis insalvables o nos prepara frente a contactos con otros universos, pero, también, puede aportarnos las claves para vivir en un mundo cargado de interrogantes. Y es que, en el fondo, la ciencia ficción se revela como síntoma de un período incierto en el que nos imaginamos caminando al borde del precipicio, deseando saber qué nos espera en el vacío.
Los seres humanos somos estúpidos e inestables, nuestra memoria es escasa, y nuestro gran don puede que sea el de la autodestrucción.
Los juegos del hambre, Suzanne Collins
Colaboran: Josep M. Català – Marina G. De Angelis – José Enrique Monterde – Elisa McCausland – Luis Vives-Ferrándiz Sánchez – Daniel López del Rincón – Roger Ferrer Ventosa – Marta Piñol Lloret
Autor; Varios, Editorial: ASOCIACIÓN CULTURAL SANS SOLEIL II, Colección PIGMALIÓN, Páginas: 222

Primer tráiler para la miniserie «The Terror: Infamy»

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Acaba de ver la luz un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página de la serie televisiva The Terror: Infamy. Después de la extraordinaria primera temporada de The Terror la cadena AMC ha decidido continuar la serie en modo de antología presentando historias de terror ambientadas en épocas pasadas. Tras la excelente adaptando la novela de Dan Simmons pasamos a un campo de concentración para japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. The Terror: Infamy que verá la luz en Estados Unidos a través de AMC el próximo 12 de julio contará con Alexander Woo (True Blood) y Max Borenstein (Kong: Skull Island) cómo creadores ejerciendo el primero en calidad de productor ejecutivo y showrunner. Los dos primeros episodios estarán dirigidos por Josef Kubota Wladyka (Narcos).

The Terror: Infamy que constará de diez episodios está ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, la serie se centra en unos extraños y terribles acontecimientos que tuvieron lugar en una comunidad norteamericana de origen japonés y en la terrible aventura que protagoniza un hombre para entender y combatir a la malévola entidad responsable de los hechos.

The Terror: Infamy que está interpretado entre otros por  Derek Mio, Kiki Sukezane, Cristina Rodlo, Shingo Usami, Naoko Mori, Miki Ishikawa y George Takei es una serie original de AMC Studios que está producida por Scott Free Productions, Emjag Productions y Entertainment 360. La serie también cuenta con Ridley Scott, David W. Zucker, Alexandra Milchan, Scott Lambert, Guymon Casady y Jordan Sheehan como productores ejecutivos.

Ken Loach apadrina la 9ª edición de Atlàntida Film Fest y recibirá el premio «Masters of Cinema»

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‘Nacido Rey’, de Agustí Villaronga, inaugurará el certamen de cine online organizado por Filmin el próximo 1 de julio. Atlàntida Film Fest tiene lista ya la programación de su 9ª edición, que arranca el próximo 1 de julio. Jaume Ripoll, director del festival y cofundador de Filmin, ha sido el encargado de desvelar el cartel completo y lo ha hecho desde una nueva sede del festival, Ca n’Oleo.

En Palma, sede física por cuarto año consecutivo, el Festival se celebrará del 1 de julio al 7 de julio mientras que en Filmin la programación se podrá ver de forma online desde el 1 de julio hasta el 1 de agosto.

Europa continúa siendo el eje de la programación de Atlàntida Film Fest, compuesta este año por 110 títulos de un total de 25 países: 41 estrenos absolutos en España, 51 óperas primas y 44 títulos dirigidos por mujeres.

En Palma se podrá disfrutar de una cuidada selección compuesta por 44 títulos, un 15% más que el pasado año.

La realidad, los problemas y los retos del Viejo Continente y de sus habitantes, se dividen en 6 bloques temáticos: Memoria histórica (obras centradas en los errores del pasado de Europa), Política y controversia (historias hacia las que está prohibida la indiferencia), Muros y fronteras (las barreras reales o imaginadas de la UE), Generación (películas que analizan el comportamiento de las jóvenes generaciones europeas), Identidad (cine de temática LGBTI) y Domestik (la intimidad del ciudadano dinamitada por la política y la economía).

Entrando ya en el apartado cinematográfico, el director británico Ken Loach apadrina la edición de este año y recibirá en Mallorca el premio Masters of Cinema en reconocimiento a su trayectoria. En años anteriores recibieron este reconocimiento Guy Hamilton (póstumamente), Vanessa Redgrave y Roland Joffé.

Ken Loach es sin duda uno de los directores europeos más relevantes. En su extenso palmarés figuran 2 Palmas de Oro por “El viento que agita la cebada” y “Yo, Daniel Blake”; también posee un León de Oro Honorífico del Festival de Venecia y el Oso Honorífico del Festival de Berlín.  Recientemente se pudo ver en el Festival de Cannes su última película, “Sorry We Missed You”. En Palma se podrá ver su primigenia “Kes” (Reino Unido, 1969), restaurada en ocasión de su 50º aniversario y considerada por el British Film Institute como una de las diez mejores de su historia.

Ken Loach ofrecerá además una clase magistral y el premio honorífico se le entregará durante la gana inaugural en el Castell de Bellver y lo recibirá en manos de Fernando León de Aranoa, con quien comparte un interés común por el cine social y el retrato de las clases más desfavorecidas.

Otro de los grandes nombres que este año visitarán el certamen es el de Agustí Villaronga. Su nueva película, “Nacido Rey”, será la encargada de inaugurar el festival este año. La mayor producción de Villaronga relata la historia del Rey Fáisal de Arabia Saudí durante su infancia. Con 14 años, fue enviado por su padre a Gran Bretaña para reunirse con el rey Jorge V, en un intento de llevar la paz a su país, sacudido por los conflictos internos posteriores a la I Guerra Mundial. La inauguración tendrá lugar el martes, 2 de julio, en el Castell de Bellver.

Además de “Nacido Rey”, otras 4 películas se podrán ver de forma exclusiva en Palma:

“Diego Maradona”, de Asif Kapadia. Documental construido sobre la base de 500 horas de metraje inédito sobre la carrera y la vida del aclamado futbolista Diego Armando Maradona. El nuevo trabajo del oscarizado director de los documentales “Amy (La chica detrás del nombre)” y “Senna” tendrá su premier nacional en Atlàntida Film Fest tras ser mundialmente estrenado en el último Festival de Cannes.

“Alcanzando tu sueño (Teen Spirit)”, de Max Minghella. Estreno en España de la nueva película del productor de “La La Land”. Am-bientada en el mundo de la música pop, y protagonizada por Elle Fanning (“The Neon Demon”), es una historia universalmente reconfortante acerca de crecer, de soñar en grande y de encontrar tu voz.

“Este niño necesita aire fresco”, de Caroline Link. Se trata de la película de clausura y es uno de los grandes fenómenos del año en Alemania con más de 3.500.000 de espectadores. El escritor, cómico y presentador alemán Hape Kerkeling rememora su infancia y adolescencia con mucho sentido del humor, deteniéndose en episodios tan duros como el suicidio de su madre.

“Staff Only”, de Neus Ballús. La cinta participó en la última edición del Festival de Berlín. Una adolescente viaja con su padre y su hermano a Senegal. Agobiada con el plan de vacaciones previsto, que incluye safaris y excursiones con jubilados, acabará entablando amistad con el personal africano del hotel.

Entre los títulos más destacados de la programación de este año se encuentran los siguientes:

“Only You”: Uno de los platos fuertes del festival. Ópera prima con actuaciones extraordinarias a cargo de Josh O’Connor (“Los Durrell”) y Laia Costa (“Victoria”) y un tema universal: ¿cómo afronta una pareja el dilema de tener o no su primer hijo?

“Sons of Denmark”: Un ambicioso y controvertido thriller policiaco centrado en los conflictos con la inmigración, la religión y la extrema derecha en Europa tras un ataque de bomba en Copenhague.

“Pájaros sin Alas (Scheme Birds)” Gran triunfadora del reciente Festival de Tribeca. Golpe en el estómago de un grupo de adolescentes con presente polvo y futuro ceniza en una ciudad convertida en escombros a causa de las políticas del Gobierno de Margaret Thatcher.

“El sonido del futuro”: Un deslumbrante film musical acerca del primer sintetizador en Europa. Poder femenino a cargo de la nueva estrella de la música francesa, Clara Luciani, y Alma Jodorowksy, nieta del famoso creador Alejandro Jodorowsky.

“Hellhole”: Aclamada en el Festival de Berlín, estrenamos esta gran sinfonía disonante sobre la Europa de hoy protagonizada por Alba Rohrwacher (“La amiga estupenda”). Planos inolvidables, personajes problemáticos. Obra difícil, obra maestra.

“The Feminister”: Un extraordinario documental que sigue durante un año a la ministra de asuntos exteriores sueca, Margot Wallström, en su lucha feminista, las batallas diplomáticas y la eterna lucha con los medios de comunicación.

“Desaparecidos”: Ganadora del Premio del Público en Berlín. Un thriller dramático que narra la historia del escándalo de los niños robados en la antigua Yugoslavia a través de una madre en su lucha contra el Estado.

“Acid”: En medio de un torbellino de fiestas, privilegios y paranoia, los jóvenes de Rusia de hoy luchan por encontrar un sentido a su vida. En la Antigua Presó de Palma se vivirá un “Clímax” bien distinto al de Gaspar Noé.

Por último, el cine balear continuará siendo protagonista de Atlàntida Film Fest con los estrenos de:

“Ciutat dels morts”, de Miguel Eek. Un documental sobre la muerte dirigido por el autor de “Vida i mort d’un arquitecte”.

“Els ulls s’aturen de crèixer”, de Javier García Lerin. Es la película ganadora del Festival In-Edit 2018. La cinta captura la trayectoria vital y musical de Miquel Serra, unida visceralmente a la figura de su hermano Joan.

“Letters to Paul Morrissey”, de Armand Rovira y Saida Benzal. Armand Rovira se lanza a la tarea de filmar cartas para enviarlas a Paul Morrisey, director de “Trash”, “Flesh” y “Heat”, colaborador de Warhol y representante de la Velvet Underground. Para ello reúne una serie de misivas desde diferentes partes del mundo, y de personajes dispares. La cinta recibió el premio Movistar+ en la pasada edición del D’A Film Festival de Barcelona.

“Moonface, una dona en guerra”, de Xavi Herrero. No es sólo un recorrido por la vida profesional de la corresponsal de guerra, artista y escritora Christine Spengle. También es un viaje en el tiempo por los mayores conflictos bélicos de la segunda mitad del siglo XX.

“Rambova”, de Georgina Sas i Cesc Mulet. Descubrimos la vida fascinante de otra mujer olvidada por la historia, conocida como la mujer que creó el mito de Rodolfo Valentino. Natacha Rambova fue bailarina de los ballets rusos y diseñó decorados y vestuarios para películas de los años 20 como ”Salomé”, “Camille” o las dirigidas por Cecil B. De Mille. Tampoco se sabe que, casada con un marino español, vivió en Mallorca hasta que la Guerra Civil española alteró la tranquilidad de la isla.

PROGRAMACIÓN MUSICAL

La programación musical de esta 9ª edición la encabeza Soleá Morente. La hija de Enrique Morente interpretará las canciones de “Ole Lorelei”, considerado uno de los mejores discos nacionales de 2018.

Tras actuar en festivales como el FIB o el Primavera Sound, la chilena Soledad Vélez  traerá a Palma el sonido ochentero de su álbum “Nuevas épocas”.

El grupo Monterrosa debutará en la capital balear con su mezcla perfecta de electropop latino, technopop y desencanto millennial.

Mueveloreina tratará de repetir el impacto que provocó en el último festival Sónar con su nueva forma de marinar trap y sonidos tropicales.

El talento musical balear tendrá una importante presencia en Atlàntida Film Fest. Bandas emergentes como Lava Fizz y Júlia Colom, prometen ser dos de los grandes descubrimientos de la presente edición, que además acogerá dos actuaciones únicas.

Por un lado, Maranges homenajeará al escritor Jean Genet. Por el otro, Miquel Serra recuerda a su hermano Joan Serra en su disco “Opillions”, nombre que recibe también la banda que se reunirá para un, en principio, único concierto que tendrá lugar en AFF19.

Y no faltará un clásico del festival como el guatemalteco Meneo, quien un año más protagonizará el mejor fin de fiesta posible con su ecléctico y desenfrenado sonido.

MALLORCA TALENTS LAB y ATLÀNTIDA CINE BASE

Por segundo año consecutivo Atlàntida Film Fest acogerá en la isla el proyecto Mallorca Talents Lab, un espacio que permitirá a 6 guionistas desarrollar su proyecto cinematográfico bajo la tutela de grandes expertos del sector.

También se llevará a cabo por segundo año Atlàntida Cine Base, un programa impulsado por ESCAC y dirigido a profesores de secundaria con el que se pretende implantar la narrativa audiovisual en las aulas.

Todos los eventos en Palma, incluidas las proyecciones de películas y los conciertos, son gratuitos previa reserva de entrada. AFF es el único festival multidisciplinar europeo de estas características.

Filmin pondrá a la venta un pack especial con acceso a los más de 100 títulos que ofrece el festival online. El precio de este pack será de 5 euros para los suscriptores de la plataforma, y de 15 euros para los no suscriptores.

Un juego mortal, primer tráiler de «Ready or Not»

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El dueto formado por Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin después de su participación en la colectiva V/H/S y en la algo funcional Devil’s Due vuelven a incidir en el género de terror con la cinta Ready or Not, film cuyo primer tráiler de la mano de Fox Searchlight acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película aún sin fecha de salida en España se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 23 de agosto.
Ready or Not nos cuenta como durante la noche de su boda, una joven mujer recibe la invitación por parte de la rica y excéntrica familia de su nuevo marido para participar en una tradición ancestral que repentinamente se convierte en un juego letal en el que todos luchan por la supervivencia.
La película con guion de  Guy Busick y Ryan Murphy está protagonizada por Samara Weaving, Andie MacDowell, Mark O’Brien, Adam Brody, Henry Czerny, Nicky Guadagni, Melanie Scrofano, Kristian Bruun, Elyse Levesque y John Ralston.

La tragedia en tiempo real, tráiler en castellano de «Utoya. 22 de julio»

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Después de estar presente el pasado año en festivales como la Berlinale o el de Valladolid entre otros acaba de ver la luz de la mano de Caramel Films un primer tráiler en castellano, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador Erik Poppe titulado Utoya. 22 de julio. El responsable de Hawaii, Oslo, Aguas turbulentas y The King’s Choice en esta ocasión indaga en los atentados acontecidos el 22 de julio de 2011 en una isla cerca de Oslo en una película que se adentra en ese tono inmersivo de historias rodadas a través de un solo plano secuencia.

Utoya. 22 de julio nos cuenta como más de 500 jóvenes reunidos en un campamento de verano dedicado a estudios políticos en una isla cercana a Oslo fueron atacados por un hombre armado de extrema derecha. Ese mismo día, unas horas antes había hecho explotar una bomba en un edificio gubernamental, antes de dirigirse a la isla Utøya. La historia empieza cuando la joven Kaja y sus amigos quedan atónitos ante el atentado en Oslo, intentan tranquilizar a sus respectivas familias y amigos diciéndoles que están lejos del lugar de la explosión. De pronto, la calma se desvanece cuando oyen unos tiros.

La película que se estrenará en cines de nuestro país el próximo 19 de julio cuenta con un guion a cargo de Anna Bache-Wiig y Siv Rajendram estando protagonizada por Andrea Berntzen, Aleksander Holmen, Brede Fristad, Ada Eide, Sorosh Sadat, Elli Rhiannon Müller Osbourne, Solveig Koløen Birkeland y Magnus Moen.

«American Animals» review

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Nunca seremos tan especiales como soñábamos cuando éramos pequeños. Este es el chasco que se llevan Warren y Spencer, dos chicos de clase media sumidos en el desencanto de la vida común y que se rebelarán contra el sistema planeando un robo… a una biblioteca de universidad.

Mucha expectación había suscitado el segundo trabajo tras las cámaras de Bart Layton tras aquel fascinante y oscuro tratado sobre la suplantación de identidades que era el documental The Imposter (2012), en la también estimulante American Animals el realizador estadounidense se adentra en esta ocasión en el subgénero de atracos volviendo a indagar en la dramatización y quién sabe si manipulación de un acto anómalo o cuanto menos chocante dada su naturaleza, en este caso un hecho criminal real acontecido en la Transylvania University de Lexington en el año 2004, y lo vuelve a hacer a través de una muy interesante y hasta cierto punto curiosa dialéctica entre el documental y la ficción que lo genera.

Bajo la apariencia de esa clase de historias desafortunadas sobre atracos predestinados desde un primer momento a salir mal American Animals esconde en su subtexto una muy interesante reflexión acerca de las frustraciones de una concreta generación de jóvenes estadounidenses en lo relativo a intentar justificar una serie de acciones de difícil explicación, los protagonistas de esta en ocasiones extravagante historia real que da la sensación de transitar casi en la totalidad de su metraje entre el dama criminal y la comedia involuntaria no recurren al hecho delictivo a consecuencia de una precariedad en su día a día, al menos material aunque si moral,  llegados a este punto el espectador se pregunta qué es lo que lleva a alguien a cometer un acto criminal de estas características, todos ellos pertenecen a una hasta cierto punto acomodada clase media, de alguna manera todo fluctúa a través de la experimentación de una inexistente identidad, no hay una necesidad monetaria ante tal hecho si acaso el encontrar una supuesta emoción vital o búsqueda de objetivos que hasta ese momento parece que desconocen a través de la desmotivación de su día a día, poniendo en evidencia nuevamente el modelo social norteamericano que nos termina remitiendo a ese sueño Americano de cuya esencia surge la idea de que algunos son especiales y que llegaran hasta a donde haga falta para poder demostrarlo. Bart Layton al igual que en su anterior The Imposter recurre a un camino cuanto menos poco frecuentado en lo concerniente a su desarrollo, el aplicar una narrativa que aparte de anidar en el difuso terreno de los cambios temporales da la impresión de redimensionar los límites existentes entre la ficción y la realidad, hay un continuo y en ocasiones algo irregular e incluso abrupto dialogo entre ambos planteando el relato en base a una serie de testimonios de los cuatro personajes implicados en los hechos,  dicha interacción a modo de juego de máscaras hace que estemos ante una historia genéricamente mutante, pasamos del drama a la comedia y viceversa  en la práctica totalidad del metraje.

Un relato el de American Animals en donde se hace especial hincapié sobre las consecuencias de según qué actos, el contado por parte de Bart Layton que intenta estar narrado desde dentro a través de diferentes puntos de vista, en el los protagonistas reales y ficticios nos dan una versión de los hechos en donde los recuerdos vienen a ser recreados por ellos mismos, o lo que ellos creen que interpretan como propios, en este sentido dicha perspectiva que no es unísona otorgando a los personajes diferentes capas a la hora de profundizar en un supuesto estudio de dicha motivación, a tal respecto y como unos de los puntos más interesantes que se abordan en el relato nos volvemos a plantearnos varias interrogantes acerca de la posible subjetividad y arbitrariedad existente en el testimonio como tal en esta por momentos peculiar e interesante American Animals.

Valoración 0/5: 3

The Shining cuarenta años después, primer tráiler de «Doctor Sleep»

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Una de las cintas más esperadas para este fin de año por parte del aficionado al fantástico es sin lugar a dudas la adaptación al cine de la secuela de The Shining publicada en el año 2013 Doctor Sleep, film cuyo primer avance acaba de ver la luz esta misma semana en forma de un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Una historia que nos sitúa cuarenta años después de los hecho acontecidos en el Hotel Overlock, tras las cámara uno de nombres más en alza dentro del género en estos últimos años como es Mike Flanagan, realizador especialmente activo últimamente después de sus trabajos para Netflix Gerald’s Game y la serie The Haunting of Hill House.

En Doctor Sleep vemos como Dan Torrance lucha por encontrar algo de paz interior a pesar de seguir marcado por el trauma que sufrió de niño en el Hotel Overlook. Pero esa relativa paz se rompe cuando entra en contacto con Abra, una adolescente dotada de un poderoso don extrasensorial similar al de Dan, Abra reconoce al instante como compartir su poder y desesperada le pide ayuda para enfrentarse a la despiadada Rose the Hat y a sus seguidores, The True Knot, un grupo de seres que se alimentan de los niños que poseen el don del resplandor en su búsqueda de la inmortalidad. Dan y Abra forman una extraña alianza y emprenden una batalla a vida o muerte contra Rose. La inocencia de Abra y su valor a la hora de aceptar su resplandor obligan a Dan a recurrir a sus propios poderes como no lo había hecho nunca obligándole a enfrentarse a sus miedos a la vez que revivir los fantasmas del pasado.

La película que verá la luz comercialmente el próximo mes de noviembre cuenta con guion adaptado por parte del propio Mike Flanagan junto a Akiva Goldsman estando protagonizada por Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Zahn McClarnon, Carl Lumbly, Alex Essoe, Bruce Greenwood, Catherine Parker, Robert Longstreet, Carel Struycken, Emily Alyn Lind, Selena Anduze, Jocelin Donahue, Chelsea Talmadge, Juan Gaspard, Kyliegh Curran, Deadra Moore, David Michael-Smith, Kevin Petruski Jr., Mistie Gibby y Met Clark.

La izquierda de Hollywood: La historia no contada de las películas de la época dorada

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La izquierda de Hollywood es el primer libro exhaustivo sobre la historia de los progresistas de Hollywood. Paul Buhle y Dave Wagner siguen las trayectorias personales y políticas de los guionistas, actores, directores y productores de izquierdas desde los albores del cine sonoro hasta principios de la década de 1950 y el decisivo impacto que tuvo su trabajo en la época dorada de la industria cinematográfica en EEUU. Llena de detalles biográficos y anécdotas sabrosas, indaga en los pormenores sobre películas muy conocidas, injustamente olvidadas o deliciosamente estrafalarias; el libro es, según “Publishers Weekly”, “un análisis inteligente, bien expuesto y apasionante de cómo el arte y la política pueden hacer inesperados y a veces extraños compañeros de cama”. La izquierda de Hollywood también cuenta el mensaje oculto que hay detrás de películas en géneros como el policíaco, el cine familiar, el bélico, de animación y en particular del cine negro y que muchas veces ha pasado desapercibido.
Autor; Paul Buhle, Dave Wagner, Editorial: ANTONIO MACHADO, Páginas: 464

Crónica Offside Fest 2019

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Del 6 al 9 del mes de junio tuvo lugar en Barcelona la sexta edición del Offside Fest, un certamen que pese a unas dificultades presupuestarias cada vez más notorias ha venido ofreciendo de forma ciertamente estimulante durante estos últimos seis años documentales que nos ofrecen una visión transversal y poco conocida del mundo del futbol, ya no solo en lo concerniente a una indagación encauzada de dicho deporte en lo social sino también como una perfecta herramienta pedagógica a la hora de echar una mirada hacia atrás en lo relativo a la reivindicación de personajes o gestas deportivas que bien merecen un estudio documentado. Este año como novedad el festival tuvo para bien hacer a modo de previa con una colaboración con la Filmoteca de Cataluña con la proyección de dos incunables, en este caso situados en el territorio de la ficción, como son el clásico de John Huston Evasión o victoria y la excelente adaptación al cine de la novela de David Peace The Damned United, film que curiosamente podría servir a la perfección como precuela de otro documental visto en el festival años atrás como es el magnífico I Believe in Miracles de Jonny Owen. A continuación un breve resumen dividido en tres bloque de todo lo que ha dado de sí esta sexta edición del Offside Fest 2019.

 

Retratos

La inauguración este año del Offside Fest tuvo en la figura de Patrick O’Connell un protagonista más que interesante con el documental Don Patricio, una funcional biografía del técnico que consiguió la única Liga lograda por el Betis en el año 1935 y que posteriormente organizó una gira americana en los tiempos de la Guerra Civil que salvó al Barcelona que por aquel entonces entrenaba de la bancarrota y una supuesta desaparición. Don Patricio en este aspecto pone de manifiesto el problema existente en el futbol con la memoria histórica y como el tiempo borra atisbos de reconocimientos a unos fundamentos, en este caso focalizados en la figura de alguien que tuvo una vida privada llena de vaivenes pero que merece ser reivindicada como un auténtico pionero del futbol al ser uno de los primeros grandes entrenadores en llegar a territorio Español. Otro reconocimiento obligado e inequívocamente agradecido visto este año dentro del Offside Fest fue sin lugar a dudas Bobby Robson: More Than a Manager, un magnifico y elaborado repaso a la trayectoria del técnico británico en donde las líneas temporales de su narrativa van variando en función de los sitios en donde tránsito poniendo especial hincapié en su estancia en el Barcelona, capitulo que ya de por sí podría dar motivo a realizar otro documental en sí mismo. Un trabajo que volvió a poner sobre la palestra como el documental futbolístico proveniente de Gran Bretaña se sitúa muy por encima del resto de trabajos provenientes de otras latitudes, raro es el año en el Offside Fest que un documental británico no se situé en calidad a bastante distancia del resto, I Believe in Miracles, Gascoigne o Kenny por poner algunos ejemplos así lo atestiguan, a tal respecto Bobby Robson: More Than a Manager no fue una excepción. Dentro de una edición en donde las profundas problemáticas sociales y repasos pormenorizados de personalidades del mundo del deporte rey proliferaron un documental de las características de Kaiser es ciertamente de agradecer dada su inequívoco en apariencia tono liviano, un relato en donde a partir de una peculiar anécdota se nos desgrana una historia que nos cuenta la sorprendente historia de un brasileño que de la nada logró convertirse en futbolista profesional durante 20 años sin llegar a jugar ni un solo minuto en los varios clubs importantes de los que formo parte. Kaiser que nos habla de un engaño hasta cierto punto empático con el espectador podría ser perfectamente el equivalente en versión canalla y futbolística de aquel documental titulado The Imposter de Bart Layton, su conclusión sin embargo deviene como poco amable rompiendo el tono narrativo hasta ese momento exhibido, peajes ineludibles de esa dura realidad que es la vida una vez las fiestas y las orgias y el vivir del cuento llegan a su conclusión.

 

Futbol y sociedad

Una de las temáticas más recurrentes y habituales dentro del Offside Fest es el trasfondo social y político existente detrás de un balón de futbol, a tal respecto la indagación futbolística de la que parte supuestamente Ultras of Egypt no deja de ser una mera excusa en la medida de abordar una determinada problemática, un punto de partida a la hora de mostrarnos en esta ocasión las consecuencias de unas acciones emprendidas en su día por unos aficionados al futbol, prima hermana del Istanbul United también presente en el festival hace algunos años en este escueto documental de poco más de cincuenta minutos de duración a cargo de Frederick Mansell y Laurens Samsom somos testigos en base a imágenes de archivo de como los seguidores más radicales de los equipos de futbol de Egipto se pusieron al frente y fueron parte importante de las protestas de la Primavera Árabe, unas reivindicaciones que estallaron en el año 2010 reclamando más libertad para el pueblo. Diez años después Ultras of Egypt a modo de recordatorio nos ofrece un trasfondo algo distinto de aquellos hechos mediante confesiones de varios de los implicados describiéndonos el alto precio y las posteriores consecuencias que tuvieron que pagar algunos de esos hinchas a la hora de querer salir la calle a luchar por sus derechos. Football for Better or Worse como tema muy presente en esta edición por su parte puso de relieve la pujanza que está experimentando a día de hoy el futbol femenino a un nivel global expuesto a través de la lucha de las mujeres por una igualdad social dentro del deporte, sin embargo este documental de un acabado técnico ciertamente notorio lo que nos retrata es principalmente las interioridades del FC Rosengård, uno de los mejores equipos de fútbol femenino del mundo a través de la rutina diaria de directivos, jugadoras o aficionados, un trabajo que no indaga tanto en la reivindicación social como tal y si en la cotidianidad y adversidades varias a las que se ha de enfrentar un club de futbol de estas características, a tal aspecto ese día a día pormenorizado nos es reflejado casi a semejanza de la espléndida serie documental Sunderland ‘Til I Die (reseña aquí), trabajo que también ha visto la luz este mismo año.

En Freedom Fields sin embargo si existe una evidente y muy notoria plasmación de una lucha social que se ve muy representada en todo momento en la pantalla, un posicionamiento, el de sus protagonistas, que por momentos deviene casi como clandestino, en este caso filmado en el trascurso de cinco largos años en donde se nos relata las duras vicisitudes del equipo femenino de una Libia que tras la revolución se interna irremediablemente a una guerra civil una vez que las utópicas esperanzas de la Primavera Árabe parecen desvanecerse, en tal sentido la directora mitad británica y mitad libia Nahiza Arebi nos muestra un camino tan tortuoso  como hipotéticamente esperanzador en donde la perseverancia intenta suplir la desesperanza como única tesis posible ante una situación tan difícil como es el papel de la mujer en el deporte dentro del mundo Árabe. En Hayati vemos como nuevamente se parte de un hecho en apariencia aislado pero que no lo es dado su trasfondo, aquella zancadilla que una periodista puso a un hombre con su hijo en brazos mientras cruzaban la frontera húngara hace algunos años y que se convirtió en viral y al mismo tiempo en una imagen icónica del conflicto que la inmigración está generando en Europa estos últimos años. El documental de Sofi Escudé y Liliana Torres nos sitúa en el presente, aquel padre que ahora está viviendo en el barrio de Getafe no deja de ser una ramificación de una familia de origen sirio desestructurada territorialmente, nuevamente el futbol (el padre es entrenador y su hijo mayor Zeid un joven futbolista que junto a sus amigos Moatassam, Youssef y Muhannad intentan subsistir de alguna manera en Turquía) como trasfondo de una situación social ciertamente preocupante. A tal respecto Hayati con un inteligente uso de la animación nos habla de unas vidas que han quedado en suspenso al mismo tiempo que nos muestra la paradoja que supone el hecho de como a pesar haber huido de un peligro latente la situación actual en que se hallan estas personas dista mucho de ser la que ellos habían pensado como supuestamente idónea en un principio.

 

Sagas futbolísticas

Como colofón de este Offside Fest 2019 se pudo ver casi a modo de díptico los documentales La Quinta del Buitre y Take the Ball, Pass the Ball, ambos trabajos indagan a través de un repaso pormenorizado en dos de los equipos que durante periodos de tiempo diferentes marcaron época dentro del futbol patrio e internacional, por un lado La Quinta del Buitre, documental provisto de un buen número de testimonios de implicados en aquel equipo compuesto por una generación de jugadores surgidos de la antigua Ciudad Deportiva del Real Madrid, liderados por Emilio Butragueño con Manolo Sanchis, Miguel Pardeza, Michel, y Rafa Martín Vázquez como columna central acompañados por otros futbolistas de gran nivel como fueron Hugo Sánchez, Paco Buyo, Rafael Gordillo, Oscar Ruggeri, Fernando Hierro, Bernd Schuster o Carlos Santillana entre otros muchos, un equipo que logró el dominio del futbol español en la década de los 80. Por su parte Take the Ball, Pass the Ball dirigida por el periodista deportivo Ducan McMatch es un trabajo de un empaque técnico y narrativo bastante más elevado, basado en el libro ‘Barça: The making of the greatest team in the world’ del británico Graham Hunter el documental indaga en el Barcelona dirigido por Pep Guardiola que consiguió 14 títulos entre los años 2008 y 2012, el equipo más brillante en la historia del club sin lugar a dudas, protagonistas de aquella época gloriosa a como fueron Xavi, Iniesta, Abidal, Puyol, Alves, Piqué, Etoo, Henry o Messi entre otros nos explican la filosofía y la correspondiente idiosincrasia de aquel equipo, casi un programa doble perfecto de aquel pulcro Messi de Alex de la Iglesia, puestos a buscar alguna arista a este notable documental de indudable valor mitómano para el aficionado a un servidor posiblemente le sobre alguna que otra cierta injerencia sobre un Sandro Rosell que no sale muy bien parado en el documental, esta reflexión no se trata de ningún posicionamiento al respecto por parte del quien escribe estas líneas, aquí entraríamos en el eterno debate de los llamados ismos existentes en el entorno blaugrana, el auténtico mal del club en estas últimas décadas, por mucho que Mediapro esté al frente del proyecto y sea parte implícita de dicho entorno un trabajo de un origen tan significativo como resulta ser Take the Ball, Pass the Ball no necesita de unas anecdóticas implicaciones a través de unos puntos de vista que por momentos dan la impresión de estar algo adheridas a un cierto militarismo que en esta ocasión no terminan de estar adecuadamente correspondidos a la supuesta naturaleza del documental.

Unamuno antes de la tempestad, primer tráiler de «Mientras dure la guerra»

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Recién salida del horno acaba de ver la luz un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial de Mientras dure la guerra, el nuevo trabajo tras las cámaras de  Alejandro Amenábar que vuelve a rodar en nuestro país catorce años después de Mar adentro en un film que aborda el inicio de la Guerra Civil española acontecida entre los años 1936 y 1939. La película se estrenará en cines el próximo 27 de septiembre previo paso por el Festival de San Sebastián.

Mientras dure la guerra nos sitúa en la España del Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la sublevación militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca. Mientras, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros hacen que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios. Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado de la zona nacional, Unamuno acudirá a su Palacio, decidido a hacerle una petición.

La película que se rodó el pasado verano a lo largo de ocho semanas en Salamanca, Toledo, Madrid y Bizkaia cuenta con guion del propio Alejandro Amenábar junto a Alejandro Hernández estando protagonizada por Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, Nathalie Poza, Patricia López, Luis Zahera, Luis Bermejo, Inma Cuevas, Mireia Rey, Tito Valverde, Luis Callejo, Carlos Serrano-Clark, Ainhoa Santamaría, Itziar Aizpuru y Pep Tosar.

La producción cuenta con la financiación del Gobierno de España e Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales ICAA (Ministerio de Cultura), el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina, y la colaboración del Ayuntamiento de Salamanca y de la Universidad de Salamanca en su VIII centenario.

«Little Joe» de Jessica Hausner, alegorías sobre la infelicidad a través de la ciencia ficción

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Es algo que a cada edición parecía más claro pero esta última del festival de Cannes la irrupción del cine de género en las secciones oficiales ha sido bastante notoria, una de ellas fue Little Joe (Premio a la Mejor actriz para la británica Emily Beecham), film cuyo primeros cuatro clips podéis ver a final de página. Su directora la austriaca Jessica Hausner ya había mostrado buenas maneras en esto del fantástico autoral con la enigmática Hotel, trabajo al que siguieron propuestas tan interesantes como Lourdes y Amour Fou. Con Little Joe vuelve a indagar en el género con un relato de ciencia ficción de claro tono alegórico acerca de la suplantación de identidades a través de un supuesto ente exterior, premisa argumental que irremediablemente la emparenta a la fundamental La invasión de los ladrones de cuerpos.

Little Joe nos presenta a Alice, una madre soltera que cría plantas para una gran empresa que busca desarrollar nuevas especies. Es la responsable del exitoso último diseño de su compañía, una crisálida muy característica no sólo por su belleza sino también por su supuesto valor terapéutico. Si la planta se encuentra en las condiciones óptimas, garantiza a quien la consuma sentir algo parecido a la felicidad. Un día, Alice decide ir en contra de las normas de su empresa y lleva una planta a su hijo Joe. Ambos la bautizan como «Little Joe».  Será a medida que crezca la planta cuando Alice comenzara a entender que tal vez su nueva creación no es tan inofensiva como sugiere su nombre.

La película con guion de la propia Jessica Hausner junto al habitual Géraldine Bajard está protagonizada por Emily Beecham, Ben Whishaw, Leanne Best, Lindsay Duncan, Kerry Fox, David Wilmot, Kit Connor, Goran Kostic, Andreas Ortner, Andrew Rajan, Sebastian Hülk, Phénix Brossard y Yana Yanezic.

https://youtu.be/ncq3YT-IjO0

AMC Networks y RedRum lanzan Planet Horror, la primera OTT de terror en España

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AMC Networks International Southern Europe (AMCNISE) -una de las mayores productoras de canales temáticos en España- y RedRum -el sello dedicado al contenido fantástico y de terror de Wild Duck– se unen para lanzar Planet Horror, el primer y único servicio directo al consumidor de películas del género en España. La OTT ya está disponible, tanto en versión web (www.planethorror.es) como mediante descarga en cualquier dispositivo móvil iOS o Android (tablet y smartphone). La suscripción a la plataforma se realiza mediante un pago único anual de 19,99€.

Todos los títulos en Planet Horror están disponibles tanto en VOSE como en su versión doblada al castellano. El catálogo de la plataforma se irá nutriendo cada semana con nuevos estrenos que se distinguirán por su valor dentro del género, con una gran selección de títulos exclusivos como ‘Al interior’, ‘A Horrible Way To Die’, ‘Goodnight Mommy’, ‘ABCs of Death’ o la trilogía ‘The Human Centipede’. La oferta se abastecerá de películas recientes galardonadas en los mejores festivales especializados del mundo como el Festival de Sitges, Nocturna Madrid, Fancine Málaga, la Semana del Terror de Donostia, Fantasporto, el NYC Horror Film Festival o SXSW; películas dirigidas por cineastas imprescindibles del género como John Landis, Nacho Vigalondo, Nicolas Pesce, Alexandre Bustillo, Julien Maury, Tomás Alfredson, Charles Band, Tobe Hooper o Tom Six; y de verdaderos clásicos de culto e iconos del género como ‘La noche de los muertos vivientes’, ‘El péndulo de la muerte’, ‘El foso y el péndulo’, ‘La mansión de los horrores’ o la saga ‘Puppet Master’.

Según Manuel Balsera, Director General de AMCNISE: “Planet Horror es una apuesta de AMCNISE por la innovación en los servicios directos al consumidor y la exploración de nuevas fórmulas en los contenidos especializados. El nacimiento de este proyecto corresponde a una creciente demanda en España por el terror, una de las temáticas donde contamos con más trayectoria”.

Según David Fernández, Chief Executive Officer de Wild Duck: “Con esta plataforma única, los amantes del género podrán llevar el universo fantástico y del terror en el bolsillo; una comunidad donde sentirse en casa y disfrutar de títulos inéditos y alternativos que sólo podrán encontrar en un planeta tan perturbador como Planet Horror”.

De 2015 a 2018 el número de películas de terror estrenadas en salas españolas aumentó un 65%. La tendencia es aún más significativa en cuanto a la recaudación de taquilla, que casi duplicó (+92%) en el mismo periodo (datos elaborados a partir de comScore).

De esta manera, Planet Horror ofrecerá a todos los amantes del terror en nuestro país una plataforma única para disfrutar del mejor contenido y una comunidad online singular donde poder recomendar e interactuar con otros fans a través de los perfiles de Facebook e Instagram del servicio.

El servicio ya está disponible en www.planethorror.es mediante descarga en cualquier dispositivo móvil iOS o Android con una suscripción mediante pago

El noir mutante, tráiler de «Serenity»

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El veterano realizador británico Steven Knight después de una amplia experiencia como guionista en series como por ejemplo Peaky Blinders o Taboo y tras el buen sabor de boca que nos dejó Locke, su último trabajo tras las cámaras, nos presenta aun siendo una producción independiente la que es posiblemente su película más ambiciosa realizada hasta la fecha, Serenity, cuyo tráiler en castellano y póster oficial podéis ver a final de página, supone por parte de Steven Knight un acercamiento al thriller noir en una película que se estrenará de la mano de Vercine en los cines de nuestro país el próximo 5 de julio.

Serenity nos cuenta como el misterioso pasado de Baker Dill, un capitán de un barco pesquero que vive en una pequeña isla del Caribe, vuelve inesperadamente para atormentarle, atrapándolo en una nueva realidad que podría no ser lo que parece en un principio. Su vida tranquila desaparece a raíz de la inesperada aparición de su ex mujer Karen que le pide ayuda para ella y su hijo en común.

La película con guion del propio Steven Knight y música a cargo de Benjamin Wallfisch está protagonizada por Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Diane Lane, Jason Clarke, Djimon Hounsou y Jeremy Strong.

https://youtu.be/NsKDF5B5BGA

El Festival de Sitges recorre el territorio catalán

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Los certámenes FIC-CAT de Roda de Berà y Galacticat de Tàrrega han acogido varias iniciativas impulsadas por Sitges

El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha dejado su huella este fin de semana en dos puntos del panorama cinematográfico catalán. Roda de Berà y Tàrrega han sido escenarios del cine de género con proyecciones y con la exposición El cinema és fantàstic, conmemorativa del 50º aniversario del Festival.

El espacio Pantalla Sitges ha estado presente en la 12ª edición del FIC-CAT, Festival Internacional de Cinema en Català Costa Dorada, una colaboración que ya suma cinco años consecutivos. El director de Sitges, Ángel Sala, presentó la noche del domingo 9 de junio la sección, con la proyección de Angustia, de Bigas Luna (1946-2013), una producción de 1987 que supuso la primera incursión del realizador en el cine de terror. Aquel mismo año, la película se presentó al Festival de Sitges y, posteriormente, se recuperó para el espacio Sitges Classics en 2011. Su director de fotografía, Josep Maria Civit, ha sido reconocido en el FIC-CAT 2019 con un premio honorífico, durante la misma sesión.

Por otro lado, el Galacticat, la Mostra de Cinema Fantàstic i de Terror de Ponent, que celebra en Tàrrega estos días su sexta edición, exhibe la exposición El cinema és fantàstic, coproducida por Filmoteca de Catalunya y el Festival de Sitges, y comisariada por Diego López. La muestra, creada en 2017 con motivo del cincuentenario del Festival, hace un recorrido por la historia del certamen y se podrá visitar de manera gratuita hasta el próximo domingo, 16 de junio.

Cine-Diario

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En la primavera de 1981, Serge Daney deja su puesto de redactor en jefe de los Cahiers du cinéma y se une al diario Libération. Este libro, prologado por Gilles Deleuze, reúne los dos volúmenes de textos especialmente seleccionados por Daney para su Cine-Diario, correspondientes a su período 1981-1986 en Libération e incluidos en la edición francesa original. En Libération, Daney ejerce la crónica cinematográfica con una mezcla única de precisión y sensibilidad. Mezcla de altísimo riesgo, que es su don y su látigo.
No hay nadie, nadie, que escriba como escribe Daney, que vea como Daney ve. Pasa de la crítica de películas a la entrevista, del resumen de festivales al tributo a cineastas desaparecidos, del cine a la televisión, el video, el tenis, el clip. Acaricia y dispara. Recoge y fulmina. La pregunta es siempre la misma: ¿qué es una imagen? Qué hay detrás, qué hay en la superficie, que hay entre una imagen y otra. Cómo llegar a ver, como quien llega a una zona desconocida e inestable de despojos y ruinas, de óxido y humedad, en la que cambian las reglas de la naturaleza. Como quien viaja a una habitación en la que se cumplen los deseos. Esa habitación es la Zona. Es necesario un guía, un stalker. Alguien que avance al acecho, entre el terror y la curiosidad, atizado por el deseo. “La Zona no existe”, dijo alguna vez Tarkosvki. “El stalker inventó la Zona para llevar allí a personas muy infelices e imponer en ellos la idea de la esperanza”.
Como con una película, o nuestra propia vida, lo único importante de la Zona es lo que hagamos con ella. De toda película, de toda vida, parece decir Daney, siempre se puede salvar algo. Él sabe cómo. Daney no fue un teórico ni un crítico. Fue un stalker.
El autor
Serge Daney. Viajero incansable, amante de las postales, el tenis, los mapas y los diccionarios, caminante y crítico cinematográfico, Serge Daney nació en París y murió a los cuarenta y ocho años. Fue redactor en jefe de Cahiers du cinéma, director de la sección de cine del diario Libération y fundador de la revista Trafic. Su artículos están recopilados en La Rampe (1983); Ciné-journal (1986); Le Salaire du zappeur (1988); Devant la recrudescence des vols de sac à main (1991); L’Exercice a été profitable, Monsieur (1993); Persévérance (1994); L’Amateur de tennis (1994); Itinéraire d’un ciné-fils (1999); La maison cinéma et le monde/1. Le Temps de Cahiers (1962-1981), 2001; La maison cinéma et le monde/2. Les Années Libé (1981/1985), 2002; La maison cinéma et le monde/3. Les Années Libé (1986/1991), 2012; y La maison cinéma et le monde/4. Le moment Trafic (1991-1992), 2015.
Con Cine-Diario, la recopilación de sus columnas sobre cine publicadas en el diario Libération durante el período 1981-1986, conforme una selección hecha por el propio Serge Daney, Shangrila prosigue la construcción de su Biblioteca Daney, que incluye ya Perseverancia (2015), El salario del zapeador (2016), El tenista amateur – Del cine al tenis (y viceversa) (2016) y El ejercicio ha sido provechoso, Señor (2018), así como Trafic 37. Serge Daney, después, con (2016), el monográfico que la revista que fundó, Trafic, le dedicó a su escritura y a su obra.
Autor; Serge Daney, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 342

«The Wind» review

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El film nos cuenta como finales de 1800 una presencia maligna afecta a una joven mujer que acude a la frontera norteamericana para establecerse allí junto a su marido. La paranoia comienza a apropiarse poco a poco de su mente, desatando una espiral de locura y terror de trágicas consecuencias.

El debut en la dirección de Emma Tammi parte de una cierta peculiaridad al unir dos géneros muy antagónicos en un principio y con ejemplos ciertamente escasos en números como resultan ser el western y el terror, la indagación genérica en torno a un terreno hasta ahora poco explorado abre en un principio nuevas vías que pueden resultar novedosas de cara al espectador habituado al fantástico, en el caso que nos ocupa expuesto a través de un claro tono psicológico, al igual que algunos trabajos de cineastas como Jennifer Kent, Julia Ducournau o Ana Lily Amirpour entre otras muchas The Wind supone un nuevo ejemplo de relato auspiciado por autoras que podríamos denominar de nuevo cuño, a través de sus trabajos muy posiblemente estemos asistiendo la evolución más significativa e interesante del cine de cine de género de estos últimos años. Es por ello que de alguna manera la opera prima de Emma Tammi nace de una cierta condición contestataria, posiblemente más direccionada, de forma voluntaria o no, en lo relativo a su fondo y no tanto a unas formas que por momentos parecen beber claramente de las referencias.

Esas referencias señaladas que detectamos en The Wind las podemos encontrar por poner un solo ejemplo entre muchos otros en Repulsion de Roman Polanski, al igual que Catherine Deneuve la protagonista de la película que nos ocupa se adentra en un desvarió psicológico que deviene como in crescendo, si la primera era debido principalmente a un apartheid emocional de la sociedad en The Wind dicha ruptura con la conciencia es debido en gran parte a un escenario que deviene como claro percutor de esa supuesta fractura mental, a través de lo meramente sugerido en clave fantástica acerca del supuesto detonante de dicha actitud es donde encontraremos los mejores momentos del film, el entrar en un terreno en donde lo intuido y lo atmosférico van al unísono expuestos a través de una narrativa fraccionada y pausada en donde se confronta lo racional con la mitología, es en esa ambivalencia en donde nuevamente encontraremos una indagación en el clasicismo cinematográfico, en este caso poniendo como ejemplo la fundamental The Innocents de Jack Clayton, perfecto paradigma que obligaba al espectador a preguntarse si la visión de la protagonista era provocada por un elemento fantástico o simplemente venia de raíz.

Del mismo modo y a un nivel algo mas alegórico The Wind también podría ser leída como una muy ligera muestra de film que intenta indagar a través de un cierto empoderamiento de la mujer en el western y al mismo tiempo como relato de fantasmas interiores en lo referente a una visión plenamente femenina (que el guion corresponda a otra mujer como Teresa Sutherland da algunas pistas al respecto) dando la inequívoca impresión de querer dar una vuelta de tuerca más a un género tan rígido en esquemas genéricos como resulta ser el western, emparentado aquí con el horror-folk , en tal sentido la opera prima de Emma Tammi al igual que el The Witch de Robert Eggers transita en todo momento a través de lo insinuante o lo subyacente, quedando expuesto mediante tiempos pausados a modo de una cocción narrativa que deviene lenta en su trasfondo a través de una base contemplativa que evidentemente en algún momento del relato llega a resquebrajarse con la inclusión del supuesto elemento fantástico, la soledad como factor de desequilibrio en modo de indagación subyacente de cierto folklore local representado en esta ocasión por un misterioso viento que influye de alguna manera en la débil psique de la protagonista principal (notable Caitlin Gerard), mujer que sufre, como abnegada esposa que se queda sola en casa mientras su marido apenas hace acto de aparición en ella, las consecuencias de dicho factor imaginario a modo de elemento inherente a una irrealidad subjetiva que marcaran una historia que por momentos tiene la virtud de redefinir con cierto aplomo conceptos genéricos desde una mirada tan renovada como distanciada en referencia a sus casi inexistentes precedentes. The Wind como relato de claras connotaciones de terror insinuante deviene como una ópera prima muy a tener en cuenta pese a sus evidentes aristas, una apuesta sin apenas concesiones en donde se prioriza más el trayecto que el destino, posiblemente no tenga un beneplácito más generalizado que si han tenido otras autoras que han transitado por sendas parecidas con anterioridad, algo que no ha de ser óbice para seguir con inusitada atención los futuros trabajos de alguien tan prometedor como da la impresión de ser Emma Tammi.

Valoración 0/5: 3’5

 

La hija caníbal, tráiler de «Darlin'»

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Pollyanna McIntosh es una de esas actrices que parece irremediablemente vinculadas al fantástico, sus aparición en la serie The Walking Dead o en cintas como Let Us Prey entre otras así lo atestigua. Con The Offspring y The Woman se adentró en ese universo malsano de la América profunda retratados en los personajes literarios creados por Jack Ketchum, Darlin’ cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial supone el cierre cinematográfico de dicha trilogía al mismo tiempo que el debut como directora de Pollyanna McIntosh. Después de su premier en el pasado SXSW la película tendrá un estreno en VOD previsto para el próximo 12 de julio.

En Darlin’ vemos como tras ser encontrada en un hospital en lamentables condiciones, una adolescente salvaje es enviada a un hogar de acogida, donde el Obispo y sus obedientes monjas esperan que se convierta en una «buena chica«. Sin embargo, Darlin, como así la hacen llamar, esconde un secreto más grande que los pecados de los que se la acusa. La salvaje madre que la crio hará acto de presencia haciendo todo lo posible por recuperar a su hija independientemente de las personas que se interpongan en su camino.

La película con guion de la propia Pollyanna McIntosh que también forma parte del reparto está protagonizada por Nora-Jane Noone, Eugenie Bondurant, Bryan Batt, Peyton Wich, Cooper Andrews, Sabrina Gennarino, Charlie Talbert, Carol Sutton, Maddie Nichols, Thomas Francis Murphy, Mackenzie Graham, Geraldine Singer, Lauryn Canny, Jeff Pope, Jo-Ann Robinson, Carl Palmer, Kristina Arntz, Autumn Walker, Ryleigh Rogers, Danny Lewis, Zaila L.S. Matthews, Catherine Sewell y Pea Albert.

Póster para lo nuevo de Paco Plaza «Quien a hierro mata»

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Después del merecido éxito tanto crítico como comercial de Verónica Paco Plaza tiene ya listo su nuevo trabajo tras las cámaras, con Quien a hierro mata, cuyo primer póster oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, el realizador valenciano se adentra en el thriller criminal en una película que se estrenará en los cines de nuestro país el próximo 30 de agosto y cuyos primeros visionados están siendo bastante entusiastas señalándola como el mejor trabajo realizado hasta la fecha por Paco Plaza.

Quien a hierro mata nos sitúa en un pueblo de la costa gallega vive Mario, un hombre ejemplar. En la residencia de ancianos en la que trabaja como enfermero todos le aprecian. Cuando el narco más conocido de la zona, Antonio Padín, recién salido de la cárcel, ingresa en la residencia, Mario trata de que Antonio se sienta como en casa. Ahora, los dos hijos de Padín: Kike y Toño, están al mando del negocio familiar. El fallo en una operación llevará a Kike a la cárcel y les generará una gran deuda con un proveedor colombiano. Toño, recurrirá al enfermero para que intente convencer a su padre de que asuma la deuda. Pero Mario, tiene sus propios planes.

La película con guion de Jorge Guerricaechevarría y Juan Galiñanes y música a cargo de Maika Makovski está protagonizada por Luis Tosar, María Vázquez, Tania Lamata, Ismael Martínez, Pablo Guisa Koestinger, Dani Currás, Marcos Javier Fernández Eimil, María Luisa Mayol, Víctor Duplá, Enric Auquer, Xoán Cejudo y Alberto Abuín. Quien a hierro mata es una producción de Vaca Films, Atresmedia Cine y Quien a hierro mata AIE, en coproducción con Playtime Production, con la participación de Atresmedia, Movistar+, Televisión de Galicia y Netflix, y con el apoyo de ICAA, Agadic y Programa Media.

La epopeya espacial de James Gray, tráiler de «Ad Astra»

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Es indiscutiblemente una de las películas más esperadas de los últimos meses de este 2019, Ad Astra cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial supone el nuevo trabajo tras las cámaras del siempre interesante realizador estadounidense James Gray que en esta ocasión vuelve a cambiar de género cinematográfico después de su estupenda The Lost City of Z para adentrarse en la ciencia ficción espacial. Ad Astra que con toda probabilidad tendrá una presencia importante en los festivales post veraniegos como Venecia o Toronto se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 20 de septiembre.

Ad Astra nos cuenta como Roy McBride es un ingeniero con un cierto grado de autismo al que su padre abandonó para embarcarse en una misión espacial sin retorno a Neptuno con el fin de poder encontrar signos de inteligencia extraterrestre. 20 años después McBride emprenderá su propio viaje a través de los confines del sistema solar para intentar encontrar a su padre perdido y una explicación de la fallida misión y desentrañar al mismo tiempo un misterio que parece amenazar la supervivencia de nuestro planeta.

La película con guion del propio James Gray junto a Ethan Gross (Fringe) está protagonizada por Brad Pitt, Liv Tyler, Ruth Negga, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, Jamie Kennedy, John Finn, Kayla Adams, Kimmy Shields, Bayardo De Murguia, Lorell Bird Dorfman, Sasha Compère, Afsheen Olyaie, Bobby Nish, John Ortiz, Greg Bryk, Kimberly Elise y Loren Dean.

El Festival Nits y Movistar+ estrenan simultáneamente el último filme de Jackie Chan

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El 16º Festival Nits de cinema oriental (15-21 de julio) y la plataforma consolidan su colaboración presentando tres títulos de alto nivel dentro de la Sección Movistar+ de esta edición. The Knight of Shadows. Between Yin and Yang (Yan Jia, 2019) hará vibrar al público de la Noche de Hong Kong en la Bassa dels Hermanos; el filme de animación On Happiness Road (Sung Hsin-yin. Taiwan, 2018) enamorará a niños y adultos en la sección matinal del sábado y la acción de Golden Job (Chin Kar-Lok. Hong Kong, 2018) cerrará la Maratón del domingo.

Jackie Chan protagoniza un homenaje a la literatura fantástica china

El actor chino aporta su talento para la acción y su vis cómica a The Knight of Shadows. Between Yin and Yang, filme que se podrá ver en estreno internacional el miércoles 18 de julio a las 22.00 h en el Festival Nits y en Movistar+.

Este filme fantástico explica la historia de un cazador de demonios que se une a un funcionario de la policía local para investigar un caso de desapariciones de chicas adolescentes. Se trata de un gran homenaje a la literatura de tradición fantástica china, representada por las novelas del autor Pu Songling (Una historia china de fantasmas).

Aventuras, espléndidos efectos especiales y una apasionada historia de amor para celebrar la Noche de Hong Kong del festival.

La historia reciente de Taiwan desde una mirada femenina

La directora Sung Hsin-yin debuta en el largometraje de animación con On Happiness Road, basándose en sus propias experiencias de juventud.

Este emotivo homenaje a la infancia, donde se retrata la historia reciente de Taiwan, sigue los pasos de Lin Hsu-chi, una mujer nacida en Taiwan durante los años setenta que hoy vive los Estados Unidos. Cuando muere su abuela, Lin decide regresar a Taipei y se reencuentra con la vida y recuerdos que dejó atrás.

On Happiness Road se podrá ver el sábado 20 a las 10.00 h en el Cinema Vigatà, como parte de la sesión Les Nits més petites (cine familiar).

Acción + Acción

Un grupo de viejos amigos mercenarios aceptan una última misión a las órdenes de su mentor: robar un cargamento de medicamentos para entregarlos a niños refugiados.

Este es el punto de partida de una de las cintas de acción de la temporada: Golden Job. El reparto de la mítica saga de tríadas Young and Dangerous regresa con esta desvergonzada y nostálgica película sobre la amistad y la lealtad.

Golden Job cuenta también con la mejor persecución automovilística vista este año en el cine. Este filme de la Sección Movistar+ será la última proyección de la Maratón del domingo, una nueva sesión del Festival Nits que pondrá a prueba a los nitómanos en la última jornada del certamen.

La intimidad del embarazo, tráiler de «Els dies que vindran»

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Carlos Marques-Marcet con sus anteriores y muy interesantes 10.000 KM y Tierra firme se había convertido en uno de los jóvenes autores patrios más interesantes del momento, seguramente su tercer trabajo tras las cámaras sea de alguna manera su consagración de cara al gran público, Els dies que vindran cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial y tras su muy buena acogida en certámenes tales como el de Rotterdam, Málaga (Biznaga de Oro a la mejor película española y a la mejor dirección, Biznaga de Plata a la mejor actriz y el premio del jurado joven) y el recientemente finalizado D’ A ya tiene de la mano de Avalon fecha de estreno comercial en nuestro país para el próximo 28 de junio.

A medio camino entre la ficción y el documental en Els dies que vindran vemos como una pareja que hace solo un año que salen juntos descubren como ella se ha quedado embarazada. Durante nueve largos meses seguiremos la aventura de esta joven pareja barcelonesa, el giro enorme que dará su vida a raíz ante dicho evento, sus miedos, alegrías, sus expectativas y las realidades que durante el periodo de embarazo crecen ante ellos, intentando aprender a ser tres cuando ni siquiera habían tenido tiempo de aprender a ser dos. Sin tópicos ni sentimentalismos Els dies que vindran explora ese preciso periodo crítico, rastrea las ilusiones y desencantos de toda una generación mezclando realidad y ficción en las medida de crear situaciones tan verosímiles como conmovedoras.

La película con guion del propio Carlos Marques-Marcet y música a cargo de Maria Arnal está protagonizada por David Verdaguer, Maria Rodríguez Soto, Albert Prat y Sergi Torrecilla.

Planeta Hollywood. Sueño americano y cine espacial

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«Mientras crecíamos nos prometieron mochilas-cohete, y a cambio tenemos Instagram. Creo que esto es un fraude. Por eso me aferré con optimismo a la oportunidad de reiniciar el viaje».
Esta frase de Jonathan Nolan, guionista de Interstellar, expresa la nostalgia por el sueño espacial de los años 70, compartida hoy con su hermano Christopher y con otros directores actuales de cine espacial. Se trata de un sentimiento vinculado al espíritu de aventura propio del sueño americano, a la carrera espacial y al imaginario de Hollywood difundido durante varias generaciones. Cuando se cumple medio siglo desde que Neil Armstrong pisara la Luna, se asiste a un renacimiento del cine de exploración espacial reflejado en recientes producciones de éxito: son títulos que han avivado el entusiasmo por la «conquista» del cosmos iniciada en los albores de la Guerra Fría y que, además, muestran el retrato actual del sueño americano.
En Planeta Hollywood, Antonio Sánchez-Escalonilla realiza un apasionante recorrido por la filmografía de exploración espacial para analizar grandes clásicos y estrenos más recientes, desde Con destino a la Luna, 2001: una odisea del espacio y Apolo 13, hasta Interstellar, Gravity, Marte o First Man, atendiendo al contexto histórico y social en que fueron creados.
Autor; Antonio Sánchez-Escalonilla, Editorial: ENCUENTRO, Colección: NUEVO ENSAYO, Páginas: 388

Bob Dylan según Martin Scorsese capitulo II, primer tráiler de «Rolling Thunder Revue»

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No es la primera vez que Martin Scorsese indaga en formato documental en una figura musical tan icónica como Bob Dylan, si en 2005 ya pudimos ver No Direction Home ahora es turno de Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese, documental cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Este 2019 curiosamente será también el año en donde la otra colaboración de Martin Scorsese con Netflix, la esperadísima The Irishman, verá la luz, de momento Rolling Thunder Revue estará disponible en la plataforma televisiva a partir del próximo 12 de junio además de contar con un estreno limitado en cines de Estados Unidos.

Rolling Thunder Revue que sigue los pasos del músico Bob Dylan durante dicha gira que tuvo lugar entre los años 1975 y 1976 con un total 57 conciertos. En ella, Bob Dylan colaboró con varios artistas de reconocido prestigio como por ejemplo Joan Baez, T-Bone Burnett,  Mick Ronson y Patti Smith entre otros muchos. Descrita por Netflix como una mezcla entre concierto, documental y ensueño expuesto a modo de hoja de ruta hacia un salvaje país paradigma de la auto-reinvención artística. El documental contará además con entrevistas al propio Bob Dylan, en la que es su primera entrevista ante las cámaras en más de 10 años, así como de otros colaboradores cercanos al artista.

«Greta» review

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Frances es una dulce e ingenua joven que, tras la muerte de su madre, se muda a Manhattan. Cuando encuentra en el metro un bolso extraviado, decide entregárselo a su legítima dueña, Greta, una pianista viuda con una desesperada necesidad de compañía. Rápidamente se convierten en amigas, pero su amistad cambia cuando se descubren las siniestras intenciones de Greta.

Greta, titulo bastante más adecuado y en parte mucho más sutil que La viuda, su equivalente castellano en nuestras salas comerciales, es un film que vuelve a poner sobre la palestra el buen hacer de una clase de autores como es el caso del irlandés Neil Jordan que a día de hoy devienen en referencia a su condición casi como extintos dado los estándares contemporáneos de una mala entendida autoría en lo concerniente a los muy itinerantes gustos del público actual. Si hay algo inherente en el cine de Neil Jordan es que este siempre ha requerido por parte del espectador una mirada hacia atrás, a sus bases antes utilizadas, especialmente en lo concerniente a desgranar unas determinadas coordenadas genéricas, su cine visto en la actualidad por las nuevas generaciones puede correr un cierto riesgo de ser despachado de buenas a primeras, de no ser valorado en su justa medida en definitiva.

Si hay algo que ha caracterizado el cine de Neil Jordan a lo largo de estas últimas cuatro décadas es que este siempre se ha apoyado en la narrativa visual a la hora de desarrollar su cine, posicionándose a medio camino entre un universo muy propio y otro algo más alimenticio en referencia a trabajos manufacturados con especial buena mano a la hora de abordar el género fantástico con títulos capitales como The Company of Wolves o aproximaciones a temáticas vampíricas tan estimulantes como Interview with the Vampire o la algo denostada Byzantium. Greta pese a no ser un film fantástico esta rodado como tal (especialmente visible entre otras en la inquietante secuencia de la persecución por la Gran Manzana con los móviles como cuarto personaje del entramado escénico), en parte el film coquetea en ocasiones con el giallo partiendo de una premisa argumental claramente reconocible, la del acosador enloquecido que deriva en psicópata y que nos es ubicado a la vuelta de la esquina de nuestra casa, invirtiendo roles según se dé el caso y mostrado bajo los contornos de un thriller psicológico su estructura difícilmente varia de una historia a otra, los estándares narrativos devienen como extremadamente similares, la irrupción en un entorno familiar o aparentemente convencional de un extraño, al principio amigable y placentero para posteriormente devenir como una amenaza hacia esa supuesta estabilidad invadida, como punta de iceberg de dicho temario a últimos de los ochenta encontramos el Fatal Attraction de Adrian Lyne, fue en los noventa cuando la cosa se expandió considerablemente con títulos como por ejemplo Pacific Heights, Single White Female o The Hand that Rocks the Cradle entre otros muchos, una fórmula que duro lo que la taquilla dicto, la evidente saturación de tal concepto de hostigadores relego dicho temario a ser casi un refugio algo denostado de telefilms de sobremesa. Tales coordenadas son rescatadas aquí por Neil Jordan, no tanto a la hora de hacer una relectura de él y si en la medida de fabularlo en referencia a orquestar un retrato de la soledad provisto de un aire de cuento perverso, queda claro que aquí no importa tanto el fondo como si el manipular las formas siempre elegantes por parte del realizador irlandés en la medida de moldear una historia que transita a través de personajes ubicados y a merced de una gran urbe, la terrible soledad de ellos, a unos ocasionando enajenamiento, a otros una abrumadora pérdida seguridad personal, todo ello visualizado en un drama que muta en thriller y posteriormente en pieza de terror acerca dos mujeres que se sienten solas, todo ello expuesto en lo concerniente a un maternalismo que degenera en obsesión.

Evidentemente todo este concepto ha de girar y quedar centralizado como mandan los cánones en la figura de la supuesta villana, la francesa Isabelle Huppert, actriz que ya en los años ochenta ejercía de curtida femme fatale por las Américas con la hoy algo olvidada The Bedroom Window, su rol no decepciona  en referencia a tal aspecto ofreciéndonos todo un repertorio de matices y estridencias malsanas, estas curiosamente en base a una rígida y autoconsciente inexpresividad gestual que otorga al personaje un tamiz ciertamente perturbador. Es en la parte final de esta historia de mujeres abocadas por un motivo u otro a la desesperación en donde posiblemente se le vaya algo de las manos el relato a Neil Jordan, esa conclusión donde tenemos la suerte de ver como marca registrada de la casa al indispensable Stephen Rea y en donde se roza lo paródico en base a sus algo predecibles giros argumentales da la sensación de perder algo de cohesión narrativa, la reflexión anterior queda algo diluida en beneficio del consabido Grand Guignol genérico que contornea con el trazo de artificio a modo de juego lúdico, peaje que un servidor atisba como ciertamente menor en una película que seguramente no depare grandes sorpresas en su interior pero que evidencia un buen hacer y un talento detrás de las cámaras digno de reseñar y al que hay que enfrentarse con cierta nostalgia dada su inequívoca condición en el buen sentido de la palabra de producto otra época.

Valoración 0/5:3