«La fragilidad del hielo», lo nuevo de Anthony Chen («Retratos de familia») llega a Filmin en exclusiva

“La fragilidad del hielo”: Instantes de vida suspendidos en el tiempo. Anthony Chen, director de la formidable «Retratos de familia (Ilo Ilo)», regresó al Festival de Cannes con su última película, una íntima exploración de las relaciones humanas y la amistad.

El viernes 6 de septiembre Filmin estrena, en exclusiva en España, la película «La fragilidad del hielo», tercer largometraje del director singapurense Anthony Chen, quien obtuvo una gran notoriedad hace una década dentro del panorama del cine de autor internacional tras ganar la Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima del Festival de Cannes con «Retratos de familia (Ilo Ilo)«.

Su nueva película narra la relación entre tres jóvenes que se conocen en Yanji, una ciudad al norte de China. El introvertido Li Haofeng ha venido de visita desde Shangái, donde trabaja en una empresa de finanzas. En un tour turístico conoce a la guía Nana, por la que pronto siente una gran fascinación. Ella es quien le presenta a su amigo Xiao, un chico simpático pero frustrado por su trabajo en un restaurante. Los tres compartirán unos días de alcohol, música y risas que contrastan con las enormes heridas interiores que sufren. De Nana, por ejemplo, sabemos que un día soñó con ser patinadora sobre hielo, pero una grave lesión la apartó de su camino. Lo que atormenta a Li es menos obvio, pero a tenor de algunas de sus reacciones, parece algo serio.

El director Anthony Chen quería capturar el espíritu de la generación actual de jóvenes chinos sobre los que había estado leyendo mucho en los últimos tiempos. «Como no crecí ni viví en China, no siento que tenga la autoridad para esculpir un retrato realista y social auténtico de cómo es la vida de un joven en ese país. Por lo tanto, intenté traducir esas ideas sobre las que estaba leyendo a través de trazos más amplios y, idealmente, expresar las emociones y ansiedades de esta generación«, explica.

El título de la película hace referencia, según Chen, a una metáfora alrededor del hielo que puede identificarse con la relación breve pero intensa que une a los personajes: «Me parece fascinante que el agua se solidifique en hielo con bastante rapidez a bajas temperaturas y que, cuando entra en juego el sol o el calor, se derrita de nuevo en agua rápidamente. Hay algo en esta idea que me atrajo y, sin tener una idea clara de qué historia o trama quería escribir, sabía que quería capturar este sentimiento, el de tres jóvenes que se unen y desarrollan una relación en un tiempo relativamente corto«. En este «deshielo» impactan algunas escenas en las que el tiempo parece detenerse para los tres protagonistas, ya sea tocando una canción con una guitarra o frente a un oso salvaje en una montaña nevada. Son como epifanías suspendidas en el tiempo.

Chen confiesa que «Jules y Jim», de François Truffaut, fue su mayor inspiración para esta película. «Para mí era importante que no se tratara simplemente de un triángulo amoroso trillado con dos hombres enamorándose de la misma chica; quería establecer algún tipo de ambigüedad y complejidad en las relaciones», afirma. La película contiene también un pequeño homenaje a otra obra magna de la Nouvelle Vague: «Banda aparte«, de Jean-Luc Godard.

«La fragilidad del hielo» participó en la sección Un certain regard del Festival de Cannes 2023. Está protagonizada por tres estrellas emergentes del cine chino: Zhou DongyuAmor bajo el espino blanco«), Liu HaoranFire on the Plain«) y Qu ChuxiaoLa Tierra errante«).

Filmin estrena «Nina», de Andrea Jaurrieta, un western con Patricia López Arnaiz y Darío Grandinetti

Llega a Filmin la nueva película de Andrea Jaurrieta (“Ana de día”), un western contemporáneo protagonizado por Patricia López Arnaiz (“20.000 especies de abejas») y Darío Grandinetti (“Empieza el baile”).

El 6 de septiembre Filmin estrena “Nina”, la nueva película de Andrea Jaurrieta (“Ana de día”). Se trata de un western contemporáneo sobre la venganza protagonizado por Patricia López Arnaiz (“20.000 especies de abejas») y Darío Grandinetti (“Empieza el baile”). La película fue una de las más aplaudidas del último Festival de Málaga, donde recibió el Premio de la Crítica, y del Festival D’A. Además, se estrenó en las salas de cine el pasado mes de mayo distribuida por BTeam Pictures.

“Nina” cuenta la historia de una mujer (López Arnaiz) que decide volver al pueblo costero donde creció, con una escopeta en el bolso y un objetivo: vengarse de Pedro (Grandinetti), un famoso escritor al que ahora rinden homenaje y que abusó de ella cuando era menor. El reencuentro de Nina con su lugar de origen, con sus recuerdos del pasado y con Blas, un amigo de la infancia, le hará replantearse si la venganza es su única opción. “Es muy fácil tipificar una violación de una menor, pero ¿cómo delimitar el abuso cuando hay un aparente consentimiento?”, se pregunta la directora.

La historia surge de la obra de teatro homónima de José Ramón Fernández, que a su vez es una versión libre del texto de Anton Chéjov “La Gaviota”. La cineasta explica: “La adaptación cinematográfica que yo presento supone una nueva revisión en el presente desde el punto de vista de Nina (adolescente y adulta) mediante una estructura narrativa cercana al western y un acercamiento visual más poético y contemporáneo”. Así, como una John Wayne moderna, la protagonista busca venganza rifle en mano. “Es el momento de que la mujer coja una escopeta… Hablo, entiéndase, metafóricamente”, explica Jaurrieta a El Mundo. “Ahora estamos en disposición de hablar de cosas de las que nunca hemos hablado y enfrentarnos a ellas. Hay que coger el toro por los cuernos. No estoy diciendo que hay que matar a nadie. Simplemente, el código que facilita el western es ése y creo que es muy útil porque forma parte de la mirada de todos”.

Filmin estrena “Swan Song», la serie sobre el adiós de una leyenda del ballet

Esta serie documental, que Filmin estrenará el 23 de agosto, se sumerge en el exigente y bellísimo trabajo del Ballet Nacional de Canadá durante la preparación de “El Lago de los Cisnes”, obra que supone la despedida de una de las bailarinas y coreógrafas más importantes de la historia: Karen Kain.
Filmin estrena el 23 de agosto la serie “Swan Song”, un documental inédito que se sumerge en una de las compañías de ballet más importantes del mundo, el Ballet Nacional de Canadá, durante su montaje de la monumental y ambiciosa producción de El Lago de los Cisnes. El ballet está dirigido por Karen Kain, la icónica y respetada bailarina canadiense que dio la vuelta al mundo sobre sus puntas –que incluso Andy Warhol retrató– y que ahora se despide de la compañía que marcó su vida coreografiando la misma obra con la que debutó como bailarina en 1971.

La grabación del documental duró casi dos años, en los que tanto Kain como la compañía dio a Chelsea McMullan, la directora de la serie, total libertad y acceso completo al proceso creativo. McMullan habla de “Swan Song” como un “cinema verité” que muestra la dualidad de este arte dotado tanto de un sacrificio como de una belleza extraordinarias: “Ha sido fascinante capturar la visión de Kain de El Lago de los Cisnes en contraposición a la crudeza del proceso hasta llegar al escenario”. Kain comenta: “Es adictivo formar parte de un arte como este. A veces te preguntas por qué lo estás haciendo. Pasas mucho dolor físico y emocional, pero los que lo hacemos y nos gusta sabemos el porqué”.

Aunque el foco principal está en el sudor y las lágrimas de los bailarines, el documental también se fija en la tradición del ballet clásico y en cómo esta obra pasará a la historia no solo por su colosal producción sino también por el color de las medias: “Siempre se han llevado las típicas medias rosa pálido, opacas”, explica Kain. “Decidí que ya era el momento de aceptar el hecho de que el Ballet Nacional de Canadá había cambiado: No todos los bailarines son blancos y es inaceptable forzar a alguien a fingir que lo es”. A lo que una de las bailarinas añade: “Todos queremos honrar la tradición, pero el racismo no es una buena tradición”.

Swan Song”, formada por 4 capítulos de 50 minutos, se estrenará en exclusiva en Filmin el 23 de agosto después de su estreno mundial en la prestigiosa Sección Oficial del Festival de Toronto.

El Festival de San Sebastián estrena la versión 4K de Surcos(1951), la primera película neorrealista española

La restauración, llevada a cabo por FlixOlé y Enrique Cerezo PC, se estrenará mundialmente en el mes de septiembre dentro de la sección Klasikoak del festival
La obra maestra del cine español dirigida por José Antonio Nieves Conde, Surcos (1951), se estrenará mundialmente en una renovada versión en 4K en el Festival de San Sebastián el próximo mes de septiembre. Clasificada en su día como “gravemente peligrosa”, la película no estuvo exenta de roces con el régimen franquista al reflejar temas como el éxodo rural, la pobreza, el crimen organizado en torno al estraperlo y la prostitución.
A pesar de las dificultades y consecuencias que acompañaron al estreno del título, éste fue nominado a la Palma de Oro en su paso por Cannes y recibió numerosos premios por el Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC): Mejor película, Mejor actor secundario (Félix Dafauce), Mejor actriz secundaria (Marisa de Leza) y Mejor director. En la actualidad, es considerada como una de las mejores películas del audiovisual español, la cual podrá verse nuevamente en la gran pantalla después de que Donostia Zinemaldia la haya seleccionado en el marco de su programación en Klasikoak.
La incorporación de Surcos en dicha sección dedicada a los grandes clásicos del cine universal ha sido posible gracias a la restauración llevada a cabo por la plataforma FlixOlé y la productora Enrique Cerezo PC. Dicha rehabilitación ha consistido en el escaneo en 4K del interpositivo de 35 mm del que posteriormente se han etalonado y restaurado los planos. Debido al deteriorado estado en el que se encontraba el material, se ha desarrollado un minucioso trabajo en el que se llegaron a reconstruir fotogramas en los que se había perdido información.

 La primera película neorrealista española
La familia Pérez se ve obligada a abandonar el pueblo y emigrar a Madrid con la esperanza de mejorar sus condiciones de vida. Van a parar a una corrala del barrio de Lavapiés, donde convivirán con Engracia y su hija Pili (María Asquerino), con quienes guardan parentesco. Los recién llegados deberán ponerse a buscar trabajo cuanto antes, pero descubrirán un mundo urbano hostil, quedando sus miembros a merced del engaño, la precariedad y la delincuencia.
Para sobrevivir, el padre de familia, Manolo (José Prada), hará cola en la oficina de empleo del sindicato para después emplearse como peón en una fundición de la que pronto lo echarán por su edad; sin mejor suerte, su ingenuo hijo menor (Ricardo Lucia) acabará mendigando un plato de comida por los cuarteles. Por su parte, Tonia (Marisa de Leza), se convertirá en la amante de ‘El Chamberlain’ (Félix Dafauce), un mafioso estraperlista que introducirá al hijo mayor del matrimonio, Pepe (Francisco Arenzana), en sus turbios negocios.
En torno a estos personajes, el director Nieves Conde construyó la que sería la primera película neorrealista del cine español, movimiento cinematográfico surgido en Italia tras la caída del estado fascista de Mussolini y que mostró la desgarradora realidad que se vivía en las calles del país transalpino. Junto al novelista Gonzalo Torrente Ballester, el inspirador de la historia, Eugenio Montes, y la productora y guionista Natividad Zaro, importaron el género a través de la innovadora Surcos.

Película de ‘Interés Nacional’
Alternando escenas rodadas en interiores y exteriores reales, vistieron al elenco con las ropas de los residentes de los barrios marginales para reflejar la claustrofóbica y decadente vida de aquellas gentes. El filme rompía así con la tradición audiovisual instaurada por la dictadura en la que abundaban las comedias blancas, películas folclóricas, largometrajes históricos, militares y religiosos de cartón piedra para mostrar a una capital ahogada por el hambre y corrompida por la crueldad, el mercado negro y la prostitución.
La valiente propuesta de Nieves Conde, militante falangista que introdujo algunos de los postulados del partido en la película para evidenciar su descontento por el franquismo, tuvo sus desavenencias con la censura. La Junta Nacional de Clasificación de Espectáculos la catalogó como “gravemente peligrosa”. A pesar de ello, pudo estrenarse después de modificarse el final propuesto. En lugar del cementerio que acaba fundido en los surcos del campo, el guion original planteaba un encuentro entre los Pérez que abandonan la ciudad y otra familia que aterriza en la ciudad con las mismas ilusiones que ellos tenían al comienzo de la película; asimismo, en su viaje de vuelta en tren, Tonia decide permanecer en la capital y salta del transporte en marcha.

Un tesoro oculto del cine español
Una de las personas que contribuyó a que Surcos llegase a las salas fue el recién nombrado Director General de Cinematografía y Teatros, José María García Escudero. Éste, crítico con el insustancial rumbo que estaba tomando el cine español, elevó el largometraje de Nieves Conde a ‘Interés Nacional’ (destinada a aquellos proyectos que exaltaban los valores del franquismo). Las protestas en el seno de la industria y del propio régimen condujeron a la dimisión de García Escudero, y a la retirada del favor a la película.
Adelantada a su tiempo, Surcos fue condenada al olvido, permaneciendo como un tesoro oculto en la cinematografía del país. En su empeño por recuperar el patrimonio audiovisual español y hacerlo viajar por los principales y más prestigiosos festivales de todo el mundo, la plataforma FlixOlé ha restaurado la copia en 4K que permitirá revisitar este clásico en San Sebastián.

 

 

El documental «El hombre de las mil caras» llega a Filmin el 16 de agosto

El 16 de agosto llega a Filmin, en el marco de la programación online de Atlàntida Mallorca Film Fest, un documental sobre estafas románticas de la directora Sonia Kronlund («Nothingwood»).
El viernes 16 de agosto se estrena en Filmin “El hombre de las mil caras”, un documental sobre engaños, mentiras y falsas identidades, de la directora francesa Sonia Kronlund.  En él seguimos a Alexandre, Ricardo o Daniel, un cirujano o ingeniero, argentino o brasileño, que convive con cuatro mujeres al mismo tiempo. La farsa dura hasta que Marianne, quien espera un hijo suyo, descubre la sarta de mentiras. Esta mujer, una conocida de la directora, la llama para contarle su historia.

Kronlund empieza entonces a investigar y a entrevistar al resto de mujeres involucradas en el engaño. Algunas se conocían entre sí ya que contactaron para intentar desenmascarar, sin éxito, al estafador. En esos encuentros descubre a mujeres rotas, confundidas, humilladas y resentidas: “Eran amantes heridas, algunas avergonzadas de haber estado enamoradas, mientras que otras pensaban que Ricardo era un genio. La película muestra la fragilidad de las mujeres en sus relaciones”, explica la directora.

La directora recibe una actitud abierta por parte de las entrevistadas, que le cuentan su versión aunque no todas quieren mostrarse ante la cámara, así que se utilizan actrices profesionales para personificar sus declaraciones. Surgió entonces el debate de si podían o no filmarle a él, destapar quién era: “Ya que algunas mujeres habían accedido a enseñar sus rostros, a superar su vergüenza participando en la película, no me parecía correcto ocultar el suyo. Habría sido injusto. [..] no podía pedir a esas mujeres que expusieran su historia, su intimidad, sus debilidades, sin mostrar el rostro de Ricardo. Les debo mucho”.

Ricardo se adaptaba al modelo de hombre ideal que sus víctimas tuvieran. Basándose en el imaginario colectivo de clichés y estereotipos románticos, creaba una fantasía de príncipe azul en la que sustentaba sus múltiples personajes: el latin lover, el ingeniero, el cirujano… Haciendo que todos sus objetivos se enamorasen de él y se convirtieran en víctimas. Este documental es para ellas, explica Kronlund: “Espero que la película emane alegría, que las mujeres encuentren en ella algo que repare al menos su autoestima, que sanen riendo un poco.  Es lo mejor que podemos hacer, realmente, porque la ley no puede hacer nada al respecto”.

Filmin recuerda en un documental a Stay Homas, el fenómeno viral de la pandemia

Este documental repasa la historia de Rai Benet, Guillem Boltó y Klaus Stroink, los jóvenes catalanes que le pusieron banda sonora a la pandemia.
Filmin estrena el próximo viernes 2 de agosto, en exclusiva en España y en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest, el documental «Stay Homas. La banda que no debería existir», una película que retrata el fenómeno internacional de Stay Homas, el trío de músicos catalanes que lograron hacerse virales en todo el mundo al colgar una nueva canción cada día en Instagram desde su terraza, durante los peores días del confinamiento causado por la pandemia de la Covid-19 en 2020. Su alcance fue tan mayúsculo que Rai Benet, Guillem Boltó y Klaus Stroink, los tres miembros de Stay Homas, llegaron a grabar temas en colaboración con artistas como Pablo Alborán, Sílvia Pérez Cruz o Manu Chao, y Michael Bublé compartió un cover de una de sus canciones más conocidas: «Gotta be patient».

Como todas las historias de éxito fulgurante, la de Stay Homas es también una historia agridulce, repleta de grandes éxitos y momentos más complicados. Tal y como los define Nick Bolger, codirector del documental junto a Guillem Gispert y Ramón Balagué, «son tres hombres normales que no buscaron la fama y que han estado luchando contra ella». Romper un contrato con una discográfica internacional como Sony Music, o anunciar una retirada indefinida a finales de 2023, són algunos de los pasos dados por los tres jóvenes catalanes para tratar de recuperar la normalidad previa a la pandemia. «Homas nos ha dado y nos ha sacado mucha vida y después de la gira del año que viene nos despediremos de los grandes escenarios», anunciaban en noviembre en Instagram.

Uno de los aspectos en los que profundiza el documental es el «hate» en redes sociales al que tuvo que hacer frente el grupo casi al unísono con su éxito internacional. Su estilo optimista y desenfadado resultó muy pertinente durante un tiempo, pero a algunos les acabó resultando indigesto. El cantar en inglés y no hacerlo en catalán fue también origen de muchos mensajes de desprecio. «Es muy representativo de la sociedad en la que vivimos, en la que haces algo y todo el mundo opina en redes, para bien o para mal. Queríamos retratar cómo vivieron ellos los comentarios de los haters», explica Guillem Gispert.

Los tres directores contactaron con Stay Homas durante la pandemia casi por azar, y les convencieron para dejar constancia en un documental de todo lo que estaban viviendo. Por ello, «Stay Homas. La banda que no debería existir» tiene acceso exclusivo a momentos muy íntimos de la banda. «Hay un momento en el que se dan cuenta de que no quieren ser el grupo de la terraza, pero a su vez es su identidad, y esta lucha contra el origen hace que pasen cosas, que es lo interesante de cualquier película, opina Gisbert, quien destaca la presencia de la directora de fotografía Camille Irrgang, de la misma generación que Rai, Guillem y Klaus, como llave para acceder a algunos de los momentos más reservados del grupo.

«Stay Homas. La banda que no debería existir» es una producción de La Lupa Produccions, Icon International y Minifilms TV, en coproducción con 3Cat, el soporte del ICEC y la difusión de Filmin. Llega ahora directa a la plataforma de manera exclusiva tras su estreno en el Festival de Málaga en marzo.

Filmin estrena “Los Excesos”, el oscuro y premiado debut de la británica Luna Carmoon

El macabro y oscuro debut de la británica Luna Carmoon, triplemente premiado en el Festival de Venecia, se estrena en Filmin el 26 de julio.
Filmin estrena el viernes 26 de julio, en exclusiva en España, “Los Excesos”, ópera prima de la directora británica Luna Carmoon. La historia, que resulta ser un tema muy personal para la cineasta, está ambientada en el Londres de los años 80 y retrata la vida de una niña, llamada Maria, que vive con su madre enferma de Diógenes. Más adelante en el relato, una elipsis hasta los años 90 nos muestra cómo Maria, ya adolescente, lleva una vida aparentemente tranquila junto a su familia de acogida, hasta que llega otro joven a la casa, Michael (Joseph Quinn, “Stranger Things” y próximamente Antorcha Humana de Marvel), que despertará sus traumas y fantasmas del pasado.

Los Excesos surgió de un relato de 20 páginas a los que la directora hace referencia como “una posible nota de suicidio”: “Escribirlo fue mi refugio y santuario durante el Covid, pero realmente no pretendía que fuera a ninguna parte. Pensaba dejarlo encima de la cama y me imaginaba a la gente diciendo era una chica muy maja cuando nos la cruzábamos por el súper…y ahora nos deja este asqueroso cuento. (…) No lo digo como algo dramático o triste. Estaba deprimida, necesitaba sacar esto de mí para volver a ser yo misma. Para mí estos pensamientos suicidas son tan mundanos como hacerme una taza de té”.

La película, se estrenó mundialmente en la Semana Internacional de la Crítica del Festival de Venecia, donde fue galardonada con tres premios (Mención Especial del Jurado, Premio del Público Film Club y Premio Verona Film Club). En España, cuya distribución corre a cargo de Filmin, se estrenó en la Sección Punto de Encuentro de la 68a edición de Seminci, el Festival Internacional de Cine de Valladolid, y ahora llega a Filmin (26 de julio) y a Palma (21 de julio) enmarcada en la programación del Atlàntida Mallorca Film Fest.

Sobre la película
La primera parte, ambientada en el Londres en los años 80, retrata la compleja relación entre una madre soltera, Cynthia, interpretada por Hayley Squires («Adult Material»), y su hija de 10 años, María (Lily-Beau Leach). Aunque Cynthia es una madre devota, su trastorno obsesivo por acumular objetos y despojos arrastra a su hija a inmundas actividades, como excursiones nocturnas a las partes traseras de los edificios para recoger la basura que la gente ha tirado. Esta es la única forma que conoce Cynthia para mostrar su amor hacia María: recolectar todo lo que pueda para que a su hija no le falte de nada. La pequeña, que no ha conocido otra manera de querer, acepta esta fórmula sin ponerla en duda… hasta que un día, su mundo se desmorona.

En la segunda parte de la película, conocemos a la María adolescente (Saura Lightfoot Leon), una década más tarde, en su nueva vida con una madre adoptiva (Samantha Spiro). La adolescencia de Maria, una joven inteligente y solitaria, se ve enturbiada por los traumas que florecen desde su infancia. Es entonces cuando aparece un chico mayor que ella llamado Michael (Joseph Quinn), que abrirá las puertas de sus heridas, la magia y la locura… En palabras de la directora: «La puerta siempre está entreabierta para los recuerdos y el dolor«.

«Omen», premio a la Mejor Dirección en Sitges 2023, llega a Filmin

El músico congoleño Baloji ganó el premio a la Mejor Dirección en el pasado Festival de Sitges con esta sorprendente película de género que representó a Bélgica en los Óscar.
Filmin estrena en exclusiva en España, el próximo viernes 12 de julio, la película «Omen», dirigida por el polifacético artista africano Baloji, quien se llevó el premio a la Mejor Dirección en la última edición del Festival de Sitges con su primera obra como director. «Omen», además, ha sido este año la candidata de Bélgica en la carrera por el Óscar a la Mejor Película Internacional, fue nominada a 8 premios Magritte (los Goya belgas) y ganó 2; y a su paso por el Festival de Cannes, donde tuvo su estreno mundial, recibió el premio Nueva Voz de la sección Un certain regard.

La película parte del viaje a Kinshasa, su ciudad natal, de Koffi (Marc Zinga), un hombre que años atrás fue repudiado por su familia por sus supuestos vínculos con la brujería, y que ahora quiere presentar a sus padres a su novia blanca, Alice (Lucie Debay), embarazada de gemelos. A continuación el film explora el peso de las creencias en el destino de las personas a través de cuatro personajes: la hermana de Koffi, Tshala (Eliane Umuhire); la madre de ambos, Mujila (Yves-Marina Gnahoua); y Paco (Marcel Otete Kabeya), un joven de la misma aldea sumido en una trágica guerra de bandas callejeras.

Koffi, el protagonista de «Omen», es conocido por su familia como «Zabolo» («marca del Diablo»), porque tiene una mancha de color vino tinto en la cara que es percibida como un mal augurio. Algo similar le ha ocurrido en su vida a Baloji, el director de la película: «En suajili, mi nombre Baloji significa hechicero, o incluso hechicero que puede tomar todos los poderes de los demás hechiceros. Es un nombre terrible, realmente. Es como ser llamado Diablo o Demonio en Europa. Así que debido a mi nombre, y porque la gente solía etiquetarme como hechicero, siempre me ha fascinado la brujería y las personas que son vistas como diferentes«.

«Tengo sinestesia. Para mí, todo está conectado al color. Sonidos, estados de ánimo… Todos tienen colores en mi cabeza. Y así, cada personaje en la película también tiene su propio color. Para Koffi, es un rojo oscuro, como su mancha de vino tinto en la cara. Paco está asociado con el rosa, etc.«, explica el director. Para construir una identidad totalmente diferenciada para los cuatro personajes, Baloji llegó a componer cuatro EP’s de música (disponibles en Spotify), uno para cada uno de los protagonistas, con canciones que no suenan en la película, pero que sí le inspiraron a él a la hora de construir sus identidades.
Aunque las costumbres, creencias y supersticiones congoleñas afectan a todos los personajes de la película, lo cierto es que, para Baloji, las mujeres son las que se llevan la peor parte: «Quería mostrar cómo la sociedad está estructurada para los hombres, y cómo estos intentan controlar los cuerpos de las mujeres«, expone: «¿Qué sucede cuando una joven no quiere tener hijos? O cómo una mujer es completamente descartada cuando envejece«. El director afirma que el apoyo al feminismo es parte de su identidad y se ve reflejado en su ópera prima: «Creo que es mi obligación, porque como hombre, soy parte del problema. Y parte de la solución también

«La prisión de los Andes», la película sobre los ejecutores de Pinochet, se estrena en Filmin

El director chileno Felipe Carmona revive a los cinco torturadores clave de Pinochet para denunciar el auge de la extrema derecha en su país. Estreno en Filmin el 28 de junio.
El 28 de junio se estrena en Filmin “La prisión de los Andes”, la ópera prima de Felipe Carmona. Esta producción chilena cuenta la vida de los cinco torturadores más crueles de la dictadura de Pinochet durante su estancia en una lujosa cárcel a los pies de la Cordillera. Sin embargo, el recinto tiene poco de prisión: cuenta con piscina, jardines y los guardias son prácticamente sus empleados. Tras unas declaraciones de Contreras, uno de los internos, en la televisión los presos temen que los trasladen a una cárcel común donde ya no gocen de los mismos privilegios. Entre el elenco se encuentran los actores Hugo Medina, Bastián Bodenhöfer, Alejandro Trejo y Mauricio Pesutic, quienes interpretan al General Manuel Contreras, al Brigadier Miguel Krassnoff, al General Odlanier Mena y al Coronel Marcelo Moren Brito, respectivamente.

El propio Hugo Medina fue víctima de la dictadura de Pinochet, durante la cual fue detenido, encarcelado y torturado y finalmente tuvo que exiliarse en Londres. El actor explica cómo fue interpretar a uno de los responsables de estos abusos: “Cuando estás en un proceso de interpretar la conducta de un ser humano así como él, tú tienes que, no justificarlo ni cuestionarlo, sino sencillamente entender sus mecanismos psicológicos […] Es súper complejo, yo tenía una opinión, por supuesto, sobre este ser humano, pero como intérprete, tengo que tratar de limpiarme de los prejuicios y no cuestionarlo”.

La película está ambientada en 2013, cuando los cinco perpetradores, ya ancianos, se encuentran cumpliendo sentencias de siglos de duración. Hoy, pasado el cincuenta aniversario de la dictadura, Chile experimenta un retorno de esta ideología dictatorial, como explica Felipe Carmona: “Hay un rebrote de la ultraderecha, del pinochetismo y pareciera que los militares vuelven a creer que una parte de la población les reconoce lo que hicieron, no se avergüenzan ni piden perdón”. La condena de no conocer la propia historia es repetirla, y parece que esto es lo que está pasando en Chile: “la nueva propuesta de constitución es incluso más conservadora que la impuesta por la dictadura, hoy, en 2023. Una de sus cláusulas incluso daría la opción a los hombres en la historia de nuestra película de cumplir el resto de su condena fuera de la prisión, bajo arresto domiciliario”. Con esta película, el director apela a la memoria colectiva del país. Pretende que nadie se olvide de estos hechos para, precisamente, evitar que se repitan.

Filmin estrena “The Way”, la serie sobre la revolución obrera de Gales

La serie, debut en la dirección del actor británico Michael Sheen, captura la revuelta civil de los galeses y se estrenará en Filmin el 25 de junio.
Filmin estrena el próximo martes 25 de junio, en exclusiva en España, la serie de 3 episodios “The Way”, el debut en la dirección del actor Michael Sheen (“Masters of Sex”). Se trata de un nuevo drama de la prestigiosa BBC sobre unos disturbios que estallan en la ciudad industrial de Port Talbot, cuna de la furia y del orgullo de la clase trabajadora, y que entran en una espiral de violencia que atrae a varios grupos activistas y desemboca en una enorme revolución obrera. La serie llega a nuestras pantallas tras casi una década de gestación, en la que Sheen ha contado en su equipo con el documentalista ganador de 4 BAFTAs, Adam Curtis, y el guionista James Graham (“Sherwood”).

Los protagonistas de “The Way” son los Driscoll, una tormentosa familia de 4 integrantes que se ve obligada a abandonar su hogar tras la amenazante situación que acorrala su isla. Antes de llegar a Inglaterra, se cierran abruptamente las fronteras y los galeses pasan a ser considerados inmigrantes ilegales. El reparto, en el que también se encuentra el director Michael Sheen, lo completan Luke Evans (“El Hobbit”), Callum Scott Howells (“It’s a Sin”), Steffan Rhodri y Sophie Melville.

Port Talbot es una ciudad marcada por los disturbios del pasado”, explica Sheen sobre su ciudad natal, una siderúrgica del siglo XX convertida ahora en una superviviente posindustrial. “Tiene el espíritu rebelde en su ADN. Toda la fuerza de la ciudad es como un gigante durmiente”. Sheen, quien en 2012 protagonizó la serie “La pasión de Port Talbot”, regresa a sus raíces para mostrar “un reflejo de lo que ha sido vivir en nuestra cultura durante los últimos 10 años, en los que nunca sabías si estabas en una sitcom o en una película de terror. Lo absurda que puede llegar a ser la realidad”. Para ello, la autenticidad fue crucial, así que el equipo trabajó mano a mano con habitantes de la ciudad, sobre lo que la productora Bethan Jones comenta: “Multitud de locales hicieron de extras para las escenas de protestas y para la planta de siderurgia. La serie refleja ese sentimiento latente de estar atrapado en el pasado y tener la necesidad de avanzar”.

«El mundo de ayer»: El drama de época de Matej Chlupacek llega a Filmin

El checo Matej Chlupacek participó en Karlovy Vary con este drama de época que aborda la intersexualidad y la transexualidad en los años 30 del siglo pasado.
Filmin estrena el próximo viernes 14 de junio, en exclusiva en España, el drama de época checo «El mundo de ayer», dirigido por Matej Chlupacek («The Committee»), que concursó en la sección oficial del Festival de Karlovy Vary. La película recibió 12 nominaciones a los Premios León checo, los galardones de cine y televisión otorgados anualmente por la Academia Checa, y está ambientada en 1937. Narra la historia de Helena, una joven a punto de dar a luz y casada con el exitoso director de una fábrica. Su vida de ensueño choca de frente con la realidad cuando un día descubre en la fábrica de su marido el cadáver de un bebé intersexual. Helena trata entonces de entender lo ocurrido mientras teme por la seguridad de su propio bebé.

«El mundo de ayer» bebe de diversas fuentes. En primer lugar, parte de una historia real que ocurrió en otro tiempo y lugar pero que posee los mimbres de esta película. Además, el director Matej Chlupacek habla de dos libros como inspiración: «La idea principal de la película surgió de un libro del profesor František Hájek, al que se hace referencia en la película. Se publicó en 1937, y fue el primer libro que exploró la intersexualidad, por primera vez en la República Checa y tal vez en toda Europa». El segundo libro inspiró el título internacional de la película, «We Have Never Been Modern»: «Está basado en un libro de Bruno Latour, un famoso antropólogo francés que escribió un libro llamado Nunca hemos sido modernos en los años 90. Trata del choque entre la modernidad y la vieja naturaleza. Es muy interesante. Nos dirigimos a Bruno Latour y a la Universidad de Harvard, que publicó el libro, para preguntarles si podíamos ponerle su título a la película. Latour leyó el tratamiento de guion y dijo que sí. Lamentablemente, murió dos semanas después. Así que todo estuvo bien, pudimos usar el título, pero falleció antes de poder ver terminada la película», recuerda Chlupacek.

El choque entre lo viejo y lo nuevo define el tema de la película, al reflexionar sobre cómo se abordaban la transexualidad y la intersexualidad en los años 30 del siglo pasado, una época que el director considera muy similar a la actual: «Creo que hemos llegado al punto en el que lo tenemos todo. Estamos muy, muy bien. Hay una guerra en Ucrania, pero nuestra vida social no está fuertemente influenciada por ella. Es muy similar a la época de la película. Los personajes están viviendo una vida color de rosa, todo es genial. La arquitectura es moderna, son muy ricos y, básicamente, pueden permitirse cualquier capricho. Pero no saben que dentro de dos años estarán muertos o tendrán que reestructurar toda su vida.», explica, haciendo referencia al estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939.

La comunidad trans fue una fuerte inspiración para la película, interviniendo en la escritura del guion e incluso en la reescritura de su final. Además, uno de sus personajes, Saša, está interpretado por un hombre trans, Richard Langdon, que ni siquiera era actor antes de participar en «El mundo de ayer»: «Sabíamos que queríamos a alguien trans para interpretar a Saša. Pero no hay ningún actor real en la República Checa o Eslovaquia que sea trans. Entonces tuvimos que encontrar a alguien que no fuera actor. Buscamos en Google y descubrimos a Richard, un trabajador social que ofrece ayuda psicológica a las personas que están en la misma situación que él».

En el reparto, junto a Richard Langdon (Mejor Actor en el Festival de Salónica por su papel en el film) encontramos a Eliska Krenková («Los límites del amor»), Milan Ondrík («Que se haga la luz») y Marian Mitas («La casa de la esperanza»), entre otros.

Filmin estrena «Archie», la serie biopic de Cary Grant protagonizada por Jason Isaacs

Jason Isaacs, Lucius Malfoy en la saga de “Harry Potter”, se mimetiza en el mítico Cary Grant en este biopic de 4 episodios que refleja la tormentosa vida del actor; de Gran Bretaña a Hollywood.

Filmin estrena el próximo martes 4 de junio, en exclusiva en España, “Archie”, la serie que sigue al icónico actor Cary Grant, un mito perseguido por la tragedia que, incluso en la cima de su carrera en Hollywood, no olvidó sus humildes orígenes en Bristol como un niño llamado Archibald Leach. Formado por 4 episodios, este biopic explica cómo su complicada infancia, marcada por la pobreza extrema, el adulterio de su padre y la muerte de su hermano mayor rompió su familia y le abocó a una espiral de duelo y depresión. Cary Grant, que no necesita presentación, es recordado como uno de los actores más importantes de la historia de Hollywood por sus papeles en películas como “Con la muerte en los talones”, “La fiera de mi niña”, “Historias de Philadephia” o “Atrapar a un ladrón”.

Uno de los encargados de interpretar a Grant es el actor Jason Isaacs, a quien hemos podido ver como Lucius Malfoy en la saga de Harry Potter o como el Coronel William Tavington en “El Patriota”. “Cuando me ofrecieron el papel me negué rotundamente…¿Quién sería tan estúpido de pretender interpretar al carismático Cary Grant?”, explica Isaacs. “Después vi que [la serie] estaba escrita por Jeff Pope, a quien he admirado durante décadas por todas las historias reales que ha llevado a la gran pantalla (Philomena, The Walk-In)”. Con lo que Isaacs decidió embarcarse en la aventura y empaparse de todo lo que tuviera que ver con Cary Grant, incluso conversando con familiares del actor de Bristol: “En las películas, él interpretaba lo que quería ser, una persona segura, masculina e imperturbable, pero fuera de las cámaras, era muy distinto. Cary Grant era un personaje de ficción que Archie Leach había creado para ocultarse de un mundo que le había herido y en el que se sentía muy solo. Y funcionó. Se convirtió así en la persona más querida y deseada del mundo. Pero, a pesar de todo, sus heridas de infancia nunca se llegaron a cerrar. (…) Él era su peor enemigo”.

La serie, que contempla cinco fases vitales de la vida del actor, realizó parte de su rodaje en la ciudad de Málaga. Fue concretamente en Pinares de San Antón donde la cadena británica ITV decidió filmar la última etapa de Cary Grant, ambientando una mansión de lujo de la localidad como la residencia que el intérprete tenía en Hollywood (Los Ángeles). Asimismo, Marbella y Sotogrande también sirvieron como escenario para rodar secuencias ambientadas en una fiesta de piscina sesentera o una gran casa de campo con caballos, paraderos españoles con sabor a la época dorada del cine clásico.

 

Llega a Filmin «La mesita del comedor», la última película maldita del cine español

Venerada por Stephen King en redes sociales el pasado fin de semana, la película de Caye Casas es un auténtico hit de festivales, no había encontrado distribución en España hasta ahora.
Filmin estreno el pasado viernes 17 de mayo «La mesita del comedor«, segundo largometraje como director del catalán Caye Casas («Matar a Dios«). Es con diferencia la película más premiada del cine español en festivales de cine esta temporada y acumula más de 40 galardones alrededor del mundo, entre ellos el Premio a la Mejor Película y el Premio del Público de TerrorMolins, el Premio a la Mejor Película del Festival de Cine Fantástico de Bruselas o el Premio del Público en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. No obstante, y a pesar de su innegable éxito y el prestigio adquirido en los últimos meses gracias al boca-oreja, la película no había logrado encontrar distribución en España. Ahora llega a Filmin en exclusiva en plataformas digitales en España.
La popularidad de «La mesita del comedor» se ha multiplicado este fin de semana, después de que el mismísimo Stephen King, posiblemente el mayor referente mundial del género fantástico y de terror, publicase un mensaje en sus redes sociales elogiando la película. «Creo que nunca, ni una vez en tu vida, has visto una película tan negra como esta. Es horrible y horriblemente divertida. Es el sueño más oscuro de los Hermanos Coen.», ha afirmado el escritor estadounidense.

«La mesita del comedor” narra la desventura de María y Jesús, una pareja en crisis que acaba de tener un bebé. A él se le antoja comprar una mesita realmente hortera para el comedor. A pesar de las reticencias de ella, la mesa acaba en casa y su adquisición se acaba convirtiendo en la peor decisión de sus vidas. La película está protagonizada por David Pareja («Amigo«) y Estefanía de los Santos («Que Dios nos perdone«) y cuenta con la participación de la fallecida Itziar Castro.
A pesar de su éxito internacional, el director Caye Casas lamenta que la película haya visto hasta ahora todas las puertas cerradas en nuestro país: «Para la industria somos invisibles, unos outsiders que hacen un cine que nadie se atreve a hacer«, afirma. Fue una auténtica sorpresa su ausencia en la programación del Festival de Sitges, que parecía por razones obvias el lugar ideal para su estreno y Casas ha tenido que escuchar todo tipo de negativas en todo este tiempo. «Un distribuidor llegó a decirme que ojalá esta película no se hubiese hecho nunca«, confiesa.
«La mesita del comedor» es una producción de Alhena Production, La Charito Films y Apocalipsis Producciones.

 

«El gran menú», nuevo documental de Frederick Wiseman, llega a Filmin el 17 de mayo

La 46ª película en la filmografía de Frederick Wiseman nos sumerge en Les Troisgros, uno de los restaurantes con más solera de Francia, que ostenta tres estrellas Michelin desde hace 55 años.
Filmin estrena el próximo viernes 17 de mayo, en excusiva en España, el documental «El gran menú», una mirada reposada y paciente a uno de los restaurantes más prestigiosos del mundo, Les Troisgros, ubicado en Roanne (Francia), a 100 kilómetros de Lyon. La película lleva el sello de su creador, el veterano Frederick Wiseman, uno de los documentalistas más relevantes del cine contemporaneo, que ha dedicado su vida a retratar algunos de los espacios e instituciones más importantes del mundo, como el Ballet de la Ópera de París (en «La danza»), la National Gallery de Londres («National Gallery»), la biblioteca pública de Nueva York («Ex Libris») o la Comedie-Française («The Games of Love»). Sus documentales se caracterizan, más allá de por su dilatada duración, por no hacer uso de entrevistas, de un narrador o de música extradiegética. Por su parte Les Troisgros, fundado en 1930, posee tres estrellas Michelin desde hace 55 años y ya ha conocido a cuatro generaciones de chefs, todos de la familia Troisgros.

Cuenta Wiseman que en el verano del 2020 se alojó en casa de unos amigos en Borgoña. Para agradecerles su hospitalidad quiso invitarles a comer a un buen restaurante, y acabaron en Les Troisgros. Al finalizar el almuerzo, el chef César Troisgros se acercó a saludarles y en ese momento Wiseman le preguntó si podía rodar un documental sobre el restaurante. El chef le dijo que debía consultarlo primero con su padre, pero media hora después el director recibió la autorización. «Después me enteré de que el padre no estaba aquel día en el restaurante y que lo que el chef hizo fue buscar mi nombre en Wikipedia», recuerda Wiseman.

El director cree que hay algo que comparten el cine y la cocina como expresiones artísticas: «Como los cineastas, los chefs también están muy preocupados por el aspecto de sus platos, no sólo por el contenido. Como se ve en la película, cada plato se inspecciona antes de que el camarero lo lleve al comedor. Si un riñón está a un centímetro del centro del plato, habrá alguien con unas pinzas para moverlo. Si queda un poco de salsa en el plato fuera de lugar, habrá alguien que la limpiará. Están tan preocupados por la apariencia como por el sabor.». Wiseman no tiene dudas de que «los chefs son artistas en todos los aspectos de su trabajo» y compara la alta cocina con el ballet o el teatro por su naturaleza efímera: «No hay dos actuaciones iguales. Los actores están geniales, el público responde y luego se acabó. No hay ningún registro duradero. En la cocina pasa lo mismo.»

Wiseman, que tiene 94 años, confiesa que solo enciende el televisor para ver tenis o baloncesto, por lo que se ha mantenido alejado del auge mediático de la cocina en televisión gracias a diversos realities emitidos alrededor del mundo. «Tampoco he visto nunca películas de restaurantes, pero por lo que me dijeron mis amigos, siempre implican muchos gritos y discusiones. Ese no fue el caso aquí, y estuve demasiado tiempo con ellos para que lo pudieran encubrir: siete semanas.», explica.

«El gran menú» se presentó en el Festival de Venecia y ha sido reconocida con el premio al Mejor Documental por las asociaciones de críticos de Florida, Los Angeles o Nueva York. La película se suma al amplio catálogo de Filmin alrededor de la obra de Frederick Wiseman, que incluye 20 de los 46 trabajos que ha realizado hasta la fecha.

Filmin estrena «Davos 1917», la serie más cara de la televisión suiza

El próximo martes 30 de abril llega a Filmin esta nueva serie de época que es la producción suiza más costosa de la historia. 

El próximo martes 30 de abril Filmin estrenará «Davos 1917», una coproducción suizo-alemana liderada por tres directores: Jan-Eric Mack, Anca Miruna Lăzăresc y Christian Theede. Se trata de una serie basada en hechos reales ambientada en la Primera Guerra Mundial, en concreto en Davos, una ciudad suiza con un famoso sanatorio que mantenía una relativa paz durante la Guerra. «Davos 1917» fue reconocida en los Schweizer Fernsehfilmpreis, los premios de la televisión suiza, con el galardón a la Mejor Actriz Protagonista ganado por Dominique Davenport («Sisi»).

Davenport da vida a Johanna Gabathuleruna joven enfermera del sanatorio de Davos que está embarazada de un soldado alemán. Para mantener su honra, su familia le fuerza a dar a luz en secreto y, al nacer su hija, se la arrebatan. Al intentar recuperarla, Johanna se ve envuelta en una conspiración de espionaje de la mano de su paciente y mentora, la Condesa Ilse Von Hausner (Jeanette Hain), una mujer rica, divorciada e independiente, ingresada en este hospital. El personaje de la Condesa está inspirado en una figura histórica real, Mata Hari, la famosa bailarina exótica y espía neerlandesa que conquistó a los militares más importantes de la Gran Guerra hasta ser condenada a muerte en 1917. La propia Jeanette Hain describe asi al personaje: “Escribe sus propias normas. Es manipuladora. Es una condesa pero también una espía. Tiene muchas facetas. Es un misterio”.

Adrien Illien, uno de los escritores de la serie, explica que la idea surgió al leer «La montaña mágica», de Thomas Mann, que habla precisamente sobre este sanatorio en Davos, oasis en mitad del enfrentamiento: “Luego descubrimos que, en países neutrales como Suiza, existían grandes redes de espionaje ya que resultaba más fácil moverse entre frentes. Élites de todo el mundo iban a ese lugar a curarse de la tuberculosis. Pensamos que ese hervidero de nacionalidades era interesante”. El director, Jan-Eric Mack, recalca la controversia que supone Davos: “Fabricaba armas a la par que acogía a heridos de guerra, todo para ambos bandos”. Por todo esto, Davos es el entorno ideal para ambientar esta historia ya que, al reunir estas condiciones, era un paraíso para los espías.

«Beyond Utopia»: Cómo huir del infierno de Corea del Norte

Filmin estrena en exclusiva en España, «Beyond Utopia», uno de los grandes documentales de la temporada desde su presentación, acompañada de un Premio del Público, en el Festival de Sundance. «Beyond Utopia», que fue además nominada en los Bafta, fue uno de los 15 largometrajes documentales incluidos este año en la Short List de los Óscar, quedándose a las puertas de la nominación.

Dirigido por la cineasta y montadora Madeleine Gavin («City of Joy»), la película sigue tres historias humanas relacionadas con la deserción en Corea del Norte, el anhelo de huir de uno de los estados más opresivos del planeta que comparten miles de norcoreanos y que lleva a algunos a arriesgar sus vidas para tratar de cruzar la frontera. Así, conocemos a Soyeon Lee, una madre desesperada por reunirse con el hijo que tuvo que abandonar años atrás; a la familia Ro, cuyos cinco miembros (entre ellos dos niños y una anciana) se embarcan en un traicionero viaje por las hostiles montañas que rodean la frontera; y al Pastor Kim, un hombre de Dios cuya misión es velar por estas almas desesperadas.

El punto de partida del documental fue el libro «La chica de los siete nombres«, escrito por la activista Hyenseo Lee y editado en España por Península. Cuando los productores contactaron con Madeleine Gavin para proponerle que se hiciese cargo de la adaptación, la directora no lo vio claro: «Les dije que no creía que fuese la persona adecuada, pues no tengo ningún vínculo con Corea del Norte y estaba segura de que no quería dirigir un biopic», recuerda la directora, que a continuación se sumergió en una larga y profunda investigación para descubrir qué había realmentre detrás de las imágenes que Corea del Norte distribuye al resto del mundo, normalmente para exhibir su fuerza militar o el estrecho apego de sus ciudadanos a su líder Kim Jong-un. «En estas imágenes no vemos a las personas ni conocemos sus sueños, miedos, pasiones y anhelos, todo aquello que nos hace humanos«, lamenta Gavin.

Cuando la directora conoció a la abuela de la familia Ro, se dio cuenta del adoctrinamiento al que se ha sometido durante décadas a la población norcoreana para inocular el odio hacia los americanos. «Era palpable cómo se debatía entre la confianza que estaba depositando en nosotros y las cosas que le habían contado durante 80 años. Su afecto crecía, pero por otro lado seguía cuestionando si teníamos la intención de asesinarla. Ver a alguien de su edad, una persona que ama profundamente a su país, abandonar todo aquello que ha conocido, fue algo poderoso y emocionante«, recuerda.

En un documental que mezcla imágenes de archivo, animaciones, vídeos de cámara oculta y entrevistas, sorprenden esas imágenes tomadas clandestinamente en el interior de Corea del Norte. «Encontré un montón de vídeos en Internet de un hombre llamado Jiro en Japón. Había infiltrado cámaras en Corea del Norte desde los tiempos de la hambruna, en los años 90. También la red de colaboradores del Pastor Kim había infiltrado cámaras en el país. Es un material grabado por norcoreanos tremendamente valientes que pusieron en riesgo sus vidas para mostrarle al mundo la realidad de su país«, concluye Gavin.

Filmin estrena la serie «Soñando en negro», la sarcástica y crítica comedia de A24

Filmin estrena, el 2 de abril, esta sarcástica y premiada serie de A24 sobre un chico jamaicano que sueña con ser director de cine.
Filmin estrena el próximo martes 2 de abril, en exclusiva en España, la serie “Soñando en negro”, una comedia fresca y original con el infalible sello de A24. La serie, que opta a Mejor Comedia y a Mejor Actor de Comedia en los próximos Premios BAFTA, sigue a Kwabena (el co-creador jamaicano Adjani Salmon), quien trabaja en una precaria empresa de reclutamiento mientras sueña (de forma figurativa y literal: se duerme en la oficina) en convertirse en director de cine. Pero su trabajo a tiempo completo es solo uno de los muchos obstáculos que le impiden cumplir su sueño: Un entorno laboral predominantemente blanco y plagado de “microagresiones” racistas, problemas para llegar a fin de mes, líos amorosos…y más.

Con gran ironía y sarcasmo, “Soñando en negro” pone en la palestra el “microracismo” latente de la sociedad a través de unos protagonistas que lo sufren a diario, a menudo por personas a las que se les llena la boca diciendo que “aman la diversidad cultural”. “Nuestras historias suelen ser contadas por personas que no son de la comunidad”, explica Salmon. “Hemos ironizado sobre esto, sobre el choque cultural entre jamaicanos y nigerianos, sobre la complicada industria del cine… También sobre la amistad entre colegas y sobre la ansiedad de empezar una relación amorosa cuando no llegas ni a fin de mes…”.

La existencia de “Soñando en negro” es una historia de éxito en sí misma: Nació como una webserie, en 2018, que narraba las propias vivencias de Adjani Salmon y Ali Hughes. La notoriedad fue tal que en 2021 desarrollaron un episodio piloto para BBC y, tras su emisión, ganó el BAFTA a Talento Emergente. Fue entonces cuando A24 decidió embarcarse en la producción y catapultar la serie. Desde su estreno en BBC Three (Reino Unido) el pasado mes de julio, la serie no ha dejado de recoger críticas excelentes, así como premios y reconocimientos, apareciendo incluso en el nº2 del ranking de Deadline “Lo mejor de la televisión en 2023”. Asimismo, los productores han confirmado que habrá una segunda temporada. La primera, disponible a partir del 2 de abril en Filmin, está formada por 6 episodios de 25 minutos.

Todo el universo de Aki Kaurismäki llega a Filmin el 19 de abril

Coincidiendo con el estreno en Filmin de su última película, «Fallen Leaves», llegan al catálogo 17 películas y 7 cortometrajes dirigidos por el maestro finlandés.
Tras su paso por cines y filmotecas de nuestro país de la mano de Avalon, el próximo viernes 19 de abril llega a Filmin «Universo Aki Kaurismäki», un recorrido casi integral por la filmografía del director finlandés. 17 largometrajes, entre ellos su última y aclamada película «Fallen Leaves», y 7 cortos integran este ciclo que pone de relieve una de las obras cinematográficas más relevantes del cine de autor contemporáneo.

«Universo Kaurismäki» incluye algunas de las películas más premiadas del director, como «Un hombre sin pasado», Gran Premio en Cannes 2002; «Nubes pasajeras» (1996) también premiada en Cannes en su primera participación en el festival francés; o «La vida de bohemia» (1992) y «La chica de la fábrica de cerillas» (1990), ambas galardonadas en el Festival de Berlín. Kaurismäki es, junto a Paul Thomas Anderson, el único director que ha ganado en tres ocasiones el Gran Premio FIPRESCI, que anualmente entrega la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica a la mejor película del año. Para los más completistas, el ciclo incorpora dos cortometrajes y cinco videoclips dirigidos por Kaurismäki. Los 24 nuevos títulos se suman a sus películas que ya estaban disponibles en Filmin: «El Havre» (2011), «El otro lado de la esperanza» (2017) y el corto «O tasqueiro» (2007), incluido en la película colectiva «Centro histórico».

El cine de Kaurismäki se define por sus personajes, personas corrientes de clase trabajadora que atraviesan dificultades pero siempre encuentran, al final, una puerta a la esperanza. Su estilo, frío y cálido, solitario y tierno, es una carta de amor a los pequeños actos cotidianos, una elección que le emparenta con Ozu, posiblemente su referente más evidente. Aunque no es muy aficionado a los movimientos de cámara, su estilo ha ido evolucionando con el paso de los años, partiendo de una puesta en escena construida en base a planos largos y fijos a una más libre, no tan encorsetada por esa rigidez formal que permite que sea fácil identificar una película de Kaurismäki viendo apenas un par de planos.

TÍTULOS DEL CICLO:

Luces al atardecer (2006) ● «Un hombre sin pasado» (2002) ● «Juha» (1998) ● «Nubes pasajeras» (1996) ● «Leningrad Cowboys Meet Moses» (1994) ● «Leningrad Cowboys Total Balalaika Show (1993) ● «Agárrate el pañuelo, Tatiana» (1993) ● «La vida de bohemia» (1992) ● «Contraté un asesino a sueldo» (1990) ● «La chica de la fábrica de cerillas» (1990) ● «Leningrad Cowboys Go America» (1989) ● «Ariel» (1988) ● «Hamlet va de negocios» (1987) ● «Sombras en el paraíso» (1986) ● «Calamari Union» (1985) ● «Crimen y castigo» (1983) ● «Valimo» (2007, C) ● «Leningrad Cowboys: These Boots» (1992. C), C ● «Leningrad Cowboys: Those Were The Days» (1991, C) ● «Rich Little Bitch (1987, C) ● «Leningrad Cowboys: L.A. Woman» (1987, C) ● «Leningrad Cowboys: Thru the Wire» (1987, C) ● «Rocky VI» (1986, C)

 

«En el Adamant», Oso de Oro en el Festival de Berlín, llega a Filmin tras su paso por los cines

Nicolas Philibert ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín gracias a este documental sobre salud mental que llega a Filmin el 22 de marzo.
Filmin estrena el próximo viernes 22 de marzo, en exclusiva en plataformas digitales, el documental «En el Adamant», del director francés Nicolas Philibert («Ser y tener»). La película ganó el Oro de Oro a la Mejor Película del Festival de Berlín en 2023, lo que ha supuesto el mayor reconocimiento internacional para su director hasta la fecha. Además, fue nominada al premio al Mejor Documental en los Premios del Cine Europeo.

«En el Adamant» reflexiona sobre el lugar que tiene reservada la sociedad para las personas neurodiversas dentro de un sistema de salud cada vez más desgastado, como es el francés. El Adamant es un barco amarrado en el Muelle de la Rapée, en la orilla derecha del río Sena, que ejerce como una de las sedes del Centro Psicológico del Hospital Esquirol de París. Una suerte de centro social en el que se buscan nuevas vías terapéuticas para tratar los problemas de Salud Mental, con un enfoque radicalmente distinto al de la psiquiatría tradicional. En el Adamant se organizan numerosos talleres: de costura, música, lectura, cineclub, escritura, dibujo y pintura, relajación, marroquinería, elaboración de mermeladas… aunque los asistentes pueden simplemente pasear por el espacio o tomarse un café, acudir al centro a diario o hacerlo de manera esporádica. Los propios pacientes intervienen de una manera activa en un proceso de sanación que presta atención permanente a sus vidas cotidianas. Frente al deterioro y la deshumanizacion de la psiquiatría moderna, el Adamant emerge como un espacio único de resistencia en el que pacientes y cuidadores construyen su vida día a día.

Philibert define el Adamant como «un lugar abierto sobre la vida que tiene como misión intentar devolver a los pacientes un poco de impulso, reestructurar su vínculo con el mundo cuando a menudo se encierran en sí mismos y no tienen ganas de salir de allí«. El director explica que algunos de los pacientes del Adamant han encontrado un equilibrio en sus vidas y logran convivir con su enfermedad: «Quería que el espectador perdiera un poco esos clichés que todos tenemos sobre la enfermedad psíquica: la violencia, los gritos, etc. No es así todo el tiempo y de eso trata la película: cambiar un poco la imagen y las representaciones que tenemos a menudo de la locura”.

En la última edición del Festival de Berlín, Philibert ha presentado «Averroès & Rosa Parks«, suerte de secuela de «En el Adamant» que sigue explorando otras unidades especializadas en salud mental del parisino Hospital Esquirol. Filmin ha adquirido los derechos de distribución de esta película, que llegará a la plataforma en los próximos meses.

La serie «Almas robadas», sobre la novela homónima de Emelie Schepp, llega a Filmin

Felix Herngren («El abuelo que saltó por la ventana y se largó«) dirige la adaptación televisiva de las novelas de Emelie Schepp protagonizadas por la fiscal y ex niña soldado Jana Berzelius.
El próximo martes 12 de marzo Filmin estrena en exclusiva en España la serie sueca «Almas robadas», adaptación de la novela homónima escrita por Emelie Schepp y editada en España por HarperCollins. Es uno de los libros que integran la colección de novelas de Schepp protagonizadas por la ex niña soldado Jana Berzelius, interpretada en la ficción por Madeleine MartinAtrapada en las profundidades«). La serie está dirigida por Felix Herngren, director de la nominada al Óscar «El abuelo que saltó por la ventana y se largó«, en el que es el primer thriller de su carrera.

«Almas robadas» narra la historia de la fiscal Jana Berzelius. Durante la investigación sobre el asesinato de un alto funcionario de la Agencia Sueca de Migración, el principal sospechoso del crimen también aparece muerto y Jana reconoce en su cadáver unas marcas que le resultan familiares, y que guardan relación con su pasado como niña refugiada en un país devastado por la guerra. Felix Herngren afirma que «el ADN de la serie se encuentra en los contrastes entre la luz y la oscuridad, en lo que respecta a su ambientación, sus personajes y su estado de ánimo».

El director explica que como espectador consume muchos más dramas criminales que comedias, aunque este último género sea el que ha marcado su carrera como cineasta. «Cuando me pidieron que hiciera esto, me pareció súper divertido, realmente un nuevo desafío para mí«, explica Herngren, que se felicita por haber contado con el apoyo del realizador Henrik Björn («Jordskott«), mucho más experimentado en el thriller. Ambos ponen en pie la adaptación de un libro que ha vendido más de 3 millones de ejemplares en 30 países. «El objetivo era crear una serie que fuera fiel al espíritu de la novela de Schepp, pero que a la vez se sintiera como algo nuevo. Será divertido ver la reacción de los fans, ¿nos querrán asesinar con hachas o nos mandarán una caja de bombones?«, bromea Herngren.

«Almas robadas» está integrada por seis episodios de 50 minutos. Junto a la ya citada Madeleine Martin, destacan en el reparto los nombres de Pernilla August (Shmi Skywalker en la saga «Star Wars«), Thure Lindhardt («Keep the Lights On«) o August Wittgenstein («Maus«), entre otros. La serie es una producción de Viaplay, la plataforma de streaming nórdica que produce unas 70 series internacionales originales cada año.

Filmin recupera dos obras clave del Nuevo Extremismo Francés

«Trouble Every Day» (16 de febrero) y «Martyrs» (15 de marzo) llegan al catálogo de Filmin de la mano de Vértigo Films
Filmin sumará en las próximas semanas a su catálogo de suscripción dos de las películas de terror más influyentes del siglo XXI: «Trouble Every Day», de Claire Denis (16 de febrero), y «Martyrs», de Pascal Laugier (15 de marzo). Ambas abanderaron una corriente cinematográfica a principios del milenio, el llamado Nuevo Extremismo Francés, heredero del gore y del cine de explotación estadounidense de los años 70. Bajo este paraguas algunos discursos críticos reunieron un puñado de películas francesas producidas en la primera década del siglo XXI que reconfiguraban el cine de terror apostando por altísimas dosis de violencia, una reflexión sobre el cuerpo, la carne y el erotismo deudora de Georges Bataille, y una celebración del exceso sádico. Las espantadas y desmayos en las proyecciones de estas películas configuraron la mejor campaña de marketing del movimiento, al que podemos sumar otros títulos clave como «Al interior» (Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007), «Frontière[s]» (Xavier Gens, 2007), «Alta tensión», (Alexandre Aja, 2003) o «Irreversible» (Gaspar Noé, 2002).
«Trouble Every Day» es sin duda una rareza dentro de la filmografía de Claire Denis («Un sol interior») y también una de las colaboraciones más exquisitas entre la directora y el grupo Tindersticks, responsables de la música en la mayoría de sus películas. Protagonizada por Vincent Gallo y Tricia Vessey, mezcla una trama asimilable al arquetipo del científico loco con el canibalismo que «padecen» algunos personajes a su pesar. A su vez, su extraño erotismo la emparentaba con la obra de otras autoras galas como Catherine Breillat o Virginie Despentes.

A «Martyrs», la película que puso en el mapa internacional a su director Pascal Laugier, no le quedaría ancha la etiqueta de ser considerada la película más violenta de todos los tiempos. Impacta por su salvajismo, perpetuado en el metraje con saña, pero también por el componente místico, trascendente y elevado de su desenlace que aporta extrañeza y remite a la etiqueta de culto del largometraje. La película nunca llegó a estrenarse en los cines españoles, y de hecho permanecía inédita en nuestro país hasta que Vértigo Film la editó en Blu-ray en 2021. Ahora debutará en plataformas digitales de la mano de Filmin.

Tráiler final para «The Sympathizer» de Park Chan-wook

Acaba de ver la luz el tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la nueva incursión televisiva, tras The Little Drummer Girl (2018), de coreano Park Chan-wook The Sympathizer, miniserie, que se estrenará vía HBO Max el próximo 15 de abril, que adapta la novela publicada en 2015 de Viet Thanh Nguyen ganadora del Pulitzer.
The Sympathizer nos sitúa en abril de 1975 en la ciudad de Saigón. En su villa, un general del ejército de Vietnam del Sur elabora una lista de los que recibirán pasaje a bordo de los últimos vuelos que salen fuera del país. El general y sus compatriotas pretenden comenzar una nueva vida en Los Ángeles, sin saber que uno de ellos, el capitán, está informando sobre el grupo a un superior en el Viet Cong. The Sympathizer es la historia de este capitán: un hombre criado por un padre francés ausente y una madre vietnamita pobre, un hombre que fue a la universidad en Estados Unidos, pero regresó a Vietnam para luchar por la causa comunista.
La miniserie de siete episodios, con guion adaptado a cargo de Don McKellar, está protagonizada por Robert Downey Jr., Hoa Xuande, Fred Nguyen Khan, Sandra Oh, Kieu Chinh, VyVy Nguyen, Kayli Tran, Evan Shafran, Grace Gordon, B.J. Minor, Duy Nguyen y Alan Trong.

https://youtu.be/f3HSTmG5Lhc?si=1IA-2-8OWVcObOt0

FlixOlé amplía su catálogo de Goyas con nuevos estrenos

La plataforma ha incorporado a su catálogo Solas y La boda de Rosa, y estrenará en febrero otros títulos también galardonados en la gala, como El lobo y Moros y cristianos.
FlixOlé llega a la 38ª edición de los Goya batiendo récord de goyas en su catálogo y convirtiéndose en la plataforma con más ‘cabezones’: 140 películas galardonadas y más de 330 premios. Y lo hace con el estreno de títulos como: Solas y Habana Blues (Benito Zambrano, 1999 y 2005, respectivamente), La boda de Rosa (Icíar Bollaín, 2020), La flaqueza del bolchevique (Manuel Martín Cuenca, 2002); además de los cortos de animación Blue&Malone: casos imposibles (Abraham López Guerrero, 2020) y Madrid 2120 (José Luis Quirós y Paco Sáez, 2019). Un listado de goyas al que se sumará el estreno el viernes 16 de febrero de Moros y cristianos (Luis García Berlanga, 1987), y de El lobo (Miguel Courtois, 2004) el día 23 del presente mes.
Para celebrarlo, FlixOlé ha presentado varias colecciones que permiten disfrutar de las grandes ganadoras de la ceremonia. También de los títulos que se pasearon por la alfombra roja y los largometrajes en los que Juan Mariné, próximo Goya de Honor, intervino como director de fotografía.
A través del especial ‘Arrasaron en los Goya’, se podrá acceder a las películas que más estatuillas consiguieron llevarse a casa: Mar adentro (Alejandro Amenábar, 2004), ¡Ay, Carmela! (Carlos Saura, 1989), Días contados (Imanol Uribe, 1994), Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995), Las brujas de Zugarramurdi (Álex de la Iglesia, 2013), La buena estrella (Ricardo Franco, 1997) y Tarde para la ira (Raúl Arévalo, 2016). Así hasta un total de 14 filmes que acapararon los focos; y entre los que se encuentra el reciente estreno de Solas, la ópera prima con la que Benito Zambrano reflejó temas tan sensibles como la soledad y el maltrato.

La actriz Candela Peña, en la película ‘La boda de Rosa’

‘Cine con Goya’ y homenaje a Juan Mariné
La segunda colección, que lleva por nombre ‘Cine con Goya’, recoge más de 120 títulos que fueron galardonados por la Academia de Cine. Dentro de dicho especial se han incluido La boda de Rosa, tragicomedia sobre la importancia de cuidarse y respetarse a uno mismo; La flaqueza del bolchevique, adaptación de la novela de Lorenzo Silva que descubrió a María Valverde al espectador, llevándose el Goya a Mejor actriz revelación; los premiados en la categoría de Mejor cortometraje de animación en sus respectivas ediciones, Madrid 2120 y Blue&Malone: casos imposibles; así como el drama que Benito Zambrano mezcló con sonidos cubanos en Habana Blues.
La plataforma se suma además a la fiesta del cine español repasando la carrera de Juan Mariné, quien recibirá el Goya de Honor en la presente edición. El restaurador e investigador cinematográfico desarrolló una prolífica carrera como director de fotografía, dejando un creativo legado que se puede visitar en la colección que FlixOlé le ha dedicado. La misma alberga desde sus primeros trabajos hasta la última película en la que ejerció dicho rol: La grieta (Juan Piquer Simón, 1990).

FlixOlé estrenará el próximo 16 de febrero la película de Luis Berlanga, ‘Moros y cristianos’

Nuevas incorporaciones en febrero
A lo largo del mes de febrero, el servicio de vídeo bajo demanda especializado en cine español incorporará otros dos largometrajes que también se han dejado ver por la gala. El primero será la alocada comedia coral de Luis García Berlanga: Moros y cristianos, cuyo estreno el próximo 16 de febrero completa así la filmografía del director valenciano disponible en FlixOlé.
Una semana después, el 23 de febrero, llegará al catálogo de la plataforma El lobo. Este thriller protagonizado por Eduardo Noriega y que relataba en la gran pantalla la historia de uno de los primeros agentes infiltrados en la banda terrorista ETA, se convirtió en uno de los grandes éxitos del cine español en el año de su estreno. Asimismo, el filme obtuvo el Goya a Mejor montaje y Mejores efectos especiales.

 

 

Filmin estrena la serie «El Quinto Mandamiento», un true crime con Timothy Spall

Filmin estrena el próximo martes 13 de febrero, en exclusiva en España, la serie británica “El Quinto Mandamiento”, un drama basado en hechos reales en el que Timothy Spall (“Mr. Turner”) interpreta a Peter Farquhar, el inspirador exprofesor que, en 2015, a sus 69 años, fue asesinado por el joven capillero con quien mantenía una relación sentimental, Ben Field (Éanna Hardwicke). Firmada por Sarah Phelps (“Un escándalo muy británico”) y dirigida por Saul Dibb (“Senderos de honor”), la serie es uno de los platos estrella de la temporada de la BBC y ha sido descrita por The Guardian como “la pieza televisiva más inmaculada que verás jamás”.

Peter es un profesor homosexual que, por sus creencias y carácter, ha vivido reprimido toda su vida. Su alumno Ben, con su talante cortés y encantador, vislumbra la soledad de Peter y su clemente desesperación por hallar cualquier tipo de compañía. Con un poco de afecto y amor profesado por Jesucristo, el joven consigue entrar en la vida de Peter y hacerle creer que ha encontrado a su alma gemela. El veneno penetra en su relación de forma metafórica y literal. Primero, cuando Ben aísla al profesor del mundo y le induce en una espiral de luz de gas; después, cuando el alumno termina con la vida del docente.

Pero Peter no es el único. Detrás de él cae su vecina y amiga Anne Reid (Ann Moore-Martin, “Sanditon”), una señora de 83 años sobre quien Peter también echa el ojo y la garra, sometiéndola a diferentes formas de seducción, persuasión y envenenamiento.

“La serie va sobre la soledad y el amor”, explica Spall, “sobre los sueños cumplidos que son demasiado bonitos para ser verdad […]. No es una historia de manipulación al uso, en la que se suele ver a la víctima como una marioneta. Es mucho más sofisticado. Se habla de cómo las personas más inteligentes pueden ser engañadas por sus propios deseos consumados. Todo en base a una psicología muy sutil interpretada brillantemente por el joven actor Éanna Hardwicke, quien aparenta ser genuino, amable y servicial incluso cuando las cosas se ponen complicadas”.

El título original de la serie es “The Sixth Commandment” (El Sexto Mandamiento), en referencia al capítulo de la Ley de Dios que “prohíbe matar”. Sin embargo, el título se ha traducido al español como “El Quinto Mandamiento”, pues los católicos siguen una numeración distinta a los protestantes –anglicanos, en este caso–. Los 4 capítulos de 60 minutos que forman la serie estarán disponibles solo en Filmin a partir del 13 de febrero.

Filmin estrena el 19 de febrero el drama de Richie Adams «The Road Dance»

La actriz Hermione Corfield («Contagio en alta mar«) protagoniza este drama ambientado en los albores de la I Guerra Mundial y basado en hechos reales.
El próximo 19 de enero, Filmin estrenará «The Road Dance«, segundo largometraje del director estadounidense Richie AdamsOf Mind and Music«), La película adapta una novela del periodista John MacKay, quien estudió la historia real de su pueblo, en la escocesa Isla de Lewis, y que documenta un trágico suceso ocurrido en la zona a principios del siglo XX.

La actriz Hermione Corfield, vista en películas como «Nacido Rey«, de Agustí Villaronga, o «Contagio en alta mar» interpreta a Kirsty Macleod, una joven aldeana que, en una noche de fiesta y baile para despedir a los jóvenes que van a alistarse en el ejército para combatir en la Primera Guerra Mundial, es víctima de un trágico y misterioso asalto. La película relata los días previos y los meses posteriores a la fatídica noche, y analiza hábilmente temas como el abuso, el trauma, la sororidad y lo que significaba ser mujer a principios del siglo XX.

«The Road Dance» se rodó íntegramente en la ciudad real de Garenin (o Gearrannan en gaélico escocés) en la hermosa isla de Lewis. Fue posible porque sus habitantes abrieron las puertas de sus casas para que se filmaran las escenas. «Era una especie de set cerrado. Todo se rodó en exteriores. Creo que por eso resulta tan auténtica«, afirma Richie Adams.

Aunque los temas que aborda la película (el abuso, el patriarcado, la vergüenza…) resuenan en 2024, la película es muy consciente histórica y culturalmente. Como explica Hermione Corfield, «lo genial del guion es que no intenta decir que las mujeres piensan de la misma manera ahora que entonces. Pero creo que, aunque está ambientada en esa época, hay muchas cosas que siguen siendo extremadamente relevantes hoy en día«. La actriz añade: «Queríamos que el público se quedara con un sentido de resiliencia y de esperanza: incluso en una época y un lugar donde había tanta presión por ser mujer, y después de ser vapuleada, todavía hay una salida para la protagonista«.

La película se estrenó internacionalmente en el Festival de Edinburgo, donde se llevó el Premio del Público, y posteriormente fue también premiada en los festivales de Manchester y Sedona.

«Deprisa, deprisa» regresa al Festival de Berlín en una versión restaurada en 4K por FlixOlé y Mercury Films

Galardonada con el Oso de Oro en 1981, será la primera película española en participar en la sección Berlinale Classics
Transcurridos más de 40 años desde que Carlos Saura recogió el Oso de Oro por Deprisa, deprisa (1981), el Festival de Berlín presentará en su 74ª edición el estreno mundial de la versión 4K de esta obra maestra del cine quinqui. Será la primera película española en participar en Berlinale Classics, sección que desde su inauguración en 2013 dedica su programación a los grandes títulos del séptimo arte que han sido restaurados, y que el próximo mes de febrero proyectará una copia de Deprisa, deprisa remasterizada por la plataforma FlixOlé y la distribuidora Mercury Films.
Regresa así al festival esta historia de amor a flor de piel surgida en las barriadas del Madrid de principios de los ochenta y que, envuelta en atracos, drogas y la emblemática canción ‘Me quedo contigo’ de Los Chunguitos, conquistó al público y a la crítica internacional. La presentación servirá también de homenaje a su autor, Carlos Saura, cuando se cumple un año de su fallecimiento.
La restauración del filme se ha realizado a partir del negativo original de 35mm, logrando como resultado la inédita versión en 4K de Deprisa, deprisa que se estrenará en la capital alemana. Dicho proceso de remasterización ha corrido a cargo de FlixOlé y Mercury Films, en el marco de las labores que desempeñan para la conservación y recuperación del patrimonio audiovisual del país, así como en la promoción de los clásicos del cine español en los circuitos cinematográficos internacionales más prestigiosos.
La poética película de cine quinqui con la que Saura se reinventó

Pablo, Meca y Sebas son tres amigos de los suburbios de Madrid que se dedican a robar coches y a atracar bancos. El primero de ellos se enamora de Ángela, una camarera de bar con la que comienza una relación. Ésta se unirá al grupo y participará en los golpes para dejar atrás el ambiente marginal en el que viven. Entre la ficción y el documental, Carlos Saura transcribió en Deprisa, deprisa los relatos de aquella juventud perdida de los descampados que, absorbida por la violencia y la drogadicción, intentaba salir a flote -de la peor manera posible- en la España de los 80.
Para entonces, el conocido como cine quinqui había asaltado la cartelera del país con exitosos títulos repletos de peleas callejeras, sexo, persecuciones y chutes de heroína. El realizador aragonés prefirió adentrarse en la cotidianidad de los bajos fondos y ofrecer un retrato lo más veraz posible sobre el fenómeno social.
A la verosimilitud de lo narrado en Deprisa, deprisa contribuyó el elenco, formado por actores no profesionales cuyas vidas se asemejaban a la de los delincuentes que interpretaban: José Antonio Valdelomar (Pablo), Jesús Arias (Meca) y José Mª Hervás (Sebas). Asimismo, cobró especial importancia el papel de Berta Socuéllamos (Ángela): los personajes femeninos apenas tenían peso en la trama de las películas del cine quinqui; sin embargo, en el caso de la cinta de Carlos Saura, el protagonismo recayó en la figura de Ángela.
Un nuevo cartel para la renovada versión
Con rigor y una cuidada estética, Saura construyó un romance que se alejó del exploitation al que acostumbraba el cine quinqui, pero que transmitía de igual manera la cruda verdad que se vivía en la periferia de las grandes ciudades. La mezcla de lirismo y objetividad hizo de Deprisa, deprisa una exitosa obra maestra dentro de ese género de sobredosis, navajeros y música de Los Chunguitos. También en un punto de inflexión en la carrera del director, quien pasó del cine críptico y metafórico desarrollado durante el franquismo al realismo.
El estreno mundial de la copia en 4K de Deprisa, deprisa en el Festival de Berlín irá acompañado de un nuevo cartel de la película. Basándose en el póster original realizado en su día por Cruz Novillo, los miembros del proyecto ‘La Residencia’, David Rodríguez Losada y Jorge Luengo, han elaborado un diseño alternativo a partir de una icónica escena de sus protagonistas. Además del cartel, ‘La Residencia’ ha creado un nuevo tráiler del filme expresamente para el evento, el cual se lanzará en próximas fechas.

 

Filmin estrenará en 2024 las comedias británicas «Such Brave Girls» y «Dreaming Whilst Black»

Filmin estrenará en 2024 dos series coproducidas y distribuidas por A24, una de las empresas audiovisuales más prestigiosas del mundo, reconocida por su mirada fresca y alternativa y el sello detrás de series como «Euphoria» y de películas como la última ganadora del Oscar a la Mejor Película, «Todo a la vez en todas partes». Se trata de dos comedias británicas que han marcado el año seriéfilo en el Reino Unido: «Such Brave Girls», protagonizada y creada por Kat Sadler, y «Dreaming Whilst Black», escrita y protagonizada por Adjani Salmon.

«Such Brave Girls», emitida en noviembre en BBC Three y estrenada recientemente en Estados Unidos de la mano de Hulu, es una comedia familiar que sigue la vida de dos hermanas, Josie y Billy, que viven junto a su madre soltera y transitan por la vida con poco juicio y cargadas de un peculiar sentido del humor mientras se relacionan con personas que no son de fiar y que no se preocupan demasiado por ellas. La actriz y cómica Kate Sadler, con una amplia experiencia como guionista en diversos programas de humor, tanto televisivos como radiofónicos, firma una serie que además protagoniza junto a su hermana en la vida real, la debutante Lizzie Davidson. Por su parte, la actriz Louise Brealey («Sherlock») interpreta a Deb, la madre de ambas. Tras su estreno en Gran Bretaña y Estados Unidos, la serie ha recibido excelentes críticas. The Hollywood Reporter habla de «un nuevo giro en la comedia británica traumática» y señala a Sadler como «una de las revelaciones del año»; por su parte, The Guardian la define como «adecuadamente brutal y adecuadamente divertida… singular, fresca, escabrosa, insobornable e hilarante».

«Dreaming Whilst Black» ha sido una de las grandes sorpresas de la temporada tras su estreno en verano en BBC Three y su posterior llegada a Estados Unidos de la mano de Paramount+. La serie ha sido nominada a dos Independent Spirit Awards en las categorías de Mejor Nueva Serie y Mejor Nuevo Intérprete, candidatura que ha recaído en la figura de su creador y protagonista, Adjani Salmon («Chivalry»). «Dreaming Whilst Black» es la adaptación de la premiada web-serie homónima que Salmon y Ali Hughes estrenaron en 2018. Inspirada en sus propias vivencias, la serie de Salmon narra la historia de un aspirante a cineasta llamado Kwabena, que sueña con triunfar junto a su amiga de la escuela de cine y productora Amy (Dani Moseley). El problema es que está arruinado, es negro y nació en una familia jamaicana que preferiría que fuese contable. Partiendo del humor, la serie reflexiona sobre asuntos serios como la discriminación, la desigualdad o la historia, y se ha ganado el favor de la crítica a los dos lados del charco: Para The Guardian, «[Dreaming Whilst Black] está rompiendo las reglas de la comedia; mientras que en USA The Daily Best la define como «una de las series más gratificantes del año».

Las dos series llegarán a España, de la mano de Filmin, durante el primer cuatrimestre del 2024.

«Power Play», la última ganadora del Festival de Cannes de Series, llega a Filmin el 19 de diciembre

Esta ácida comedia política, creada por Johan Fasting («Home Ground»), narra la historia de Gro Harlem Brundtland, la primera mujer que llegó al poder en Noruega en los años 80.
Filmin estrena el próximo martes 19 de diciembre, en exclusiva en España, la serie noruega Power Play, creada por Johan Fasting («Home Ground») y dirigida por Yngvild Sve Flikke («Ninjababy»). Fue la ganadora del premio a la Mejor Serie en la última edición del Cannes International Series Festival, donde además se llevó el premio a la Mejor Música; y se presentó en España en la primera edición del  South International Series Festival de Cádiz.
«Power Play» es una ficción basada en hechos reales que narra, en tono de sátira política, la historia de Gro Harlem Brundtland, figura muy conocida en Noruega por ser la primera mujer proclamada Primera Ministra del país, cargo que ostentó hasta en tres legislaturas distintas. Con 35 años, esta doctora y madre de cuatro hijos entró en la esfera pública sin conocer las reglas del juego que imperan en los pasillos del poder. A pesar de ser contratada como un rostro femenino que sirviera de bálsamo para las reivindicaciones feministas, y de ser relegada a un ministerio de Medio Ambiente prácticamente simbólico, Bruntland mantuvo a salvo su carrera trabajando más que nadie. Llegó al cargo de Primera Ministra, pero no sin pagar un alto precio por ello. De la noche a la mañana perdió su popularidad y fue insultada y ridiculizada en las portadas de los medios de comunicación. Sus hijos sufrieron abuso en la escuela y el matrimonio con su marido, el político conservador Arne Olev, estuvo siempre en la cuerda floja.

La serie, rodada en 16 mm y con un gran diseño de producción, nos hace viajar hasta los años 70 con una estética definida por los productores como «una única y anárquica energía visual» que incluye rupturas abruptas de la cuarta pared y un grafismo que nos remite al mundo del cómic. El objetivo es que una serie ambientada en el pasado resulte fresca y pueda interesar a una audiencia joven y moderna.

En palabras de la productora Camilla Brusdal, «vivimos un momento decisivo. La solidaridad de posguerra es cosa del pasado y soplan los vientos del capitalismo. Esta serie es una panorámica que retrata cómo el juego político ha llevado a la socialdemocracia a la ruina y ha abierto la puerta a una nueva era política donde la democracia ya no reside en el pueblo, sino en una élite que se ha instalado en el poder«. Partiendo de esta premisa, «Power Play» recupera y reivindica la figura de Gro Harlem Brundtland, afirmando que hubo un antes y un después en Noruega tras su paso por el gobierno. «Actualmente, seis de cada diez personas con educación superior en Noruega son mujeres. El aborto es un derecho reconocido, los hombres cuentan con una baja de paternidad y tenemos un sistema público de guarderías gratuitas. Todo esto era impensable antes. ¿Cómo una mujer pudo cambiar una nación y toda la estructura social en tan poco tiempo? ¿Fue simplemente una mujer que llegó en el momento y el lugar adecuados?«, se pregunta Brusdal.

La actriz Kathrine Thorborg Johansen, vista en series como «Home Ground» o «El gran fondo», encabeza un reparto en el que también encontramos a Jan Gunnar Røise («Perni») y Anders Baasmo Christiansen («Exit»).

FlixOlé las primeras películas de Manuel Summers: Del rosa…al amarillo y La niña de luto

La plataforma estrena ambos títulos junto a una colección con las películas del realizador sevillano, desde el documental de culto ‘Juguetes rotos’ hasta las rodadas con cámara oculta.
Ingenioso a la par que chistoso, Manuel Summers desarrolló una inusual trayectoria como humorista gráfico. También como director de cine, siendo uno de los autores de cabecera del audiovisual español por la originalidad y no menos comicidad con la que retrató a todo un país y sus gentes. La plataforma FlixOlé reivindica las viñetas cinematográficas de este creador, a menudo olvidado, con el estreno el próximo jueves 7 de diciembre de su ópera prima, Del rosa…al amarillo (1963), y su siguiente filme La niña de luto (1964).
La carta de presentación de este realizador recién salido del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC) fue un romance narrado desde una perspectiva distinta a la que acostumbraba verse en la gran pantalla de la época. A través de inocentes dibujos de corazones dibujados en un pupitre de escuela y las misivas de amor intercambiadas en una residencia, Manuel Summers reflejó en Del rosa…al amarillo el despertar del enamoramiento en una pareja de preadolescentes, y el amor que se profesaban a escondidas dos ancianos en un asilo de monjas.
El director logró tocar la fibra de público y crítica mediante dos historias independientes que representaban los nervios del primer amor y el poder rejuvenecedor del sentimiento en la senectud. Asimismo, conectaba al espectador con ese niño que un día fue y le hacía olvidarse del mundo adulto recordándole cuando pasaba las tardes con las chapas o se dejaba pillar al ‘rescatao’ para coger la mano de la chica que le gustaba.

Cristina Galbó y Pedro Díez del Corral, protagonistas en ‘Del rosa…al amarillo’

Concha de Plata en el Festival de San Sebastián
El director logró tocar la fibra de público y crítica mediante dos historias independientes que representaban los nervios del primer amor y el poder rejuvenecedor del sentimiento en la senectud. Asimismo, conectaba al espectador con ese niño que un día fue y le hacía olvidarse del mundo adulto recordándole cuando pasaba las tardes con las chapas o se dejaba pillar al ‘rescatao’ para coger la mano de la chica que le gustaba.
La cinta obtuvo la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián, y supuso la primera conquista comercial del denominado ‘Nuevo Cine Español’. En su debut como realizador, Summers contribuyó a que el séptimo arte nacional abrazase la modernidad con una película sencilla en apariencia, que no dejaba de lado la crítica, y que combinaba elementos propios del neorrealismo italiano y la nouvelle vague.
El peso de la tradición en La niña de luto
Junto la ópera prima de Manuel Summers, la plataforma también estrenará en su catálogo La niña de luto (1964). Nominada a la Palma de Oro en Cannes, este episodio sobre el amor durante la madurez se incluía en un principio en Del rosa…al amarillo, pero finalmente se convirtió en una película independiente. La misma presentaba a Rocío (Mª José Alfonso) y Rafael (Alfredo Landa), una pareja de un pueblo andaluz que se ve obligada a aplazar su boda debido al luto que ella debe guardar por la muerte de su abuela. Cuando por fin puede contraer matrimonio, fallece su abuelo, teniendo que vestir de nuevo el negro. Cansado de la situación, Rafael le propone a Rocío huir y vivir lejos de allí.
Mientras que en Del rosa…al amarillo, los obstáculos que evitaban el triunfo del amor eran institucionales -el profesor en el caso de los adolescentes, las monjas en el de los ancianos-, en La niña de luto son los puritanos convencionalismos de la sociedad. Con estos mimbres, y buenas dosis de humor negro, Summers perfiló un tierno y a la vez amargo testimonio social y político de la España de entonces.

María José Alfonso y Alfredo Landa, compartiendo plano en ‘La niña de luto’

Colección Manuel Summers
Una práctica que continuó desarrollando en películas sucesivas: ya fuese abordando el tema del adulterio en plena dictadura del nacionalcatolicismo,  El juego de la oca (1965); rindiendo homenaje a viejas glorias en Juguetes rotos (1967), documental que sufrió numerosos cortes por parte de la censura; o sumándose a la fiebre de comedias erótico-festivas como No somos de piedra (1968).
Estos títulos estarán disponibles en la colección que FlixOlé estrenará el próximo 7 de diciembre para recordar al cineasta sevillano, y que incluyen las dos nuevas incorporaciones de la plataforma. En dicho especial se podrán encontrar también otros largometrajes con los que Summers demostró la facilidad que tenía en innovar: Adiós, cigüeña, adiós (1971), exitoso filme sobre el descubrimiento sexual en la adolescencia; la secuela de ésta, El niño es nuestro (1973); la famosa trilogía de cámara oculta, formada por ¡To er mundo e güeno! (1981), To er mundo e… ¡mejó! (1982) y To er mundo e… ¡Demasiao! (1985); así como el retrato autobiográfico que filmó en Me hace falta un bigote (1986).

 

Filmin estrena la versión restaurada en 4K de «Let’s Get Lost», de Bruce Weber

El próximo 24 de noviembre llega a Filmin el documental sobre Chet Baker nominado al Oscar, junto a otros cinco títulos del gran fotógrafo y director estadounidense.
35 años después de su celebrado estreno en el Festival de Venecia, donde se llevó el Premio de la Crítica, llega a Filmin el documental de Bruce Weber «Let’s Get Lost», esta vez en una versión restaurada en 4K. Una copia prodigiosa que se estrenó el pasado mes de octubre en el Lumiére Film Festival de Lyon y que ha sido realizada por la empresa neoyorquina Cineric y distribuida internacionalmente por HanWay Films.

Muchos consideran «Let’s Get Lost» como el mejor documental musical de todos los tiempos. Nominado al Oscar en 1988, el film es un retrato del último año de vida del genial trompetista, cantante y músico de jazz Chet Baker, valiéndose de material rodado durante la última gira del músico, con entrevistas con el propio Baker, sus esposas, hijos, amigos y novias, así como extractos de antiguas películas italianas de serie B. La película es un documento explícito que presenta, a modo de advertencia, las trampas en las que pueden caer los personajes famosos y llenos de talento, y adquirió una dimensión adicional cuando, durante la etapa de montaje, el artista murió al precipitarse por la ventana de un hotel en Ámsterdam.

«Let’s Get Lost» llegará a Filmin junto a otros títulos de Bruce Weber, uno de los fotógrafos de moda más importantes del mundo gracias a su trabajo con firmas como Calvin Klein, Abercrombie & Fitch y Ralph Lauren. En su faceta como cineasta encontramos títulos como «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast», un retrato del actor Robert Mitchum; «Chop Suey», en el que documenta el paso de la niñez a la edad adulta de un joven llamado Peter Johnson; o «Broken Noses», su ópera prima, en la que sigue al boxeador profesional Andy Minsker y a sus jóvenes pupilos en un pequeño club de boxeo en Portland, Oregon.

Títulos que integran el ciclo:
– «Let’s Get Lost (4K)» (1988)
– «Broken Noses» (1987)
– «The Beauty Brothers» (1987)
– «Chop Suey» (2001)
– «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast» (2018)
– «Las fotografías de Paolo di Paolo, el tesoro de su juventud» (2021). Ya disponible en Filmin.

FlixOlé estrena el primer gran título del Fernán Gómez director: La vida por delante

La plataforma también incorporará al catálogo de películas dirigidas por Fernán Gómez la exitosa adaptación de ‘Los palomos’ y la arriesgada zarzuela ‘¡Bruja, más que bruja!’
Como si de un hombre del Renacimiento se tratara, Fernando Fernán Gómez alcanzó la excelencia en cuantos trabajos realizó a lo largo de su carrera: legó al público memorables personajes en su faceta de actor; firmó obras literarias de obligada lectura, traducidas algunas al guion cinematográfico; y dirigió varios clásicos del cine español, entre los que se encuentra La vida por delante (1958), película que FlixOlé estrenará el próximo viernes, 10 de noviembre.
La plataforma especializada en cine español presentará una colección con los títulos más emblemáticos dirigidos por Fernán Gómez. Un recorrido por la filmografía del cineasta en el que también se incorporarán al catálogo de FlixOlé —además de la citada La vida por delante— la adaptación de la obra teatral de Alfonso Paso, Los palomos (1964), y ¡Bruja, más que bruja! (1977).

Fernando Fernán Gómez, en la película ‘La vida por delante’

Ingeniosa y ácida comedia dramática
Considerado por la crítica como el primer gran título que Fernán Gómez realizó en su faceta como director, La vida por delante significó un soplo de aire fresco para la gran pantalla del país en el momento de su llegada a las salas. El autor proyectó las influencias sainetescas y neorrealistas que le impactaron a su paso por los escenarios y delante de la cámara; hasta convertirlas en un retrato cómico de los dramas que las gentes vivían en la España de los 50.
Protagonizada por el propio cineasta, en compañía de Analía Gadé, el filme presentaba las dificultades que experimenta una pareja joven para construir su hogar. Problemas tan en boga en la actualidad como la falta de oportunidades y de un trabajo fijo, los apuros económicos y la angustia de no poder pagar el minúsculo apartamento en el que viven marcan el negro porvenir de sus personajes.
Una crítica al modelo familiar, moral y laboral promovido por el franquismo. La película fue castigada por la censura, que la calificó con la puntuación más baja para limitar su proyección y distribución. A pesar de ello, el largometraje cosechó un importante éxito comercial, lo que propició el rodaje de una secuela.

Manuel Alexandre, José Luis López Vázquez y Gracita Morales, protagonistas en ‘Los Palomos’

Una completa colección
La vida por delante ha quedado también como uno de los filmes más interesantes estrenados en la época. Ello se debe a la originalidad con la que Fernán Gómez narró los avatares de la pareja, haciendo uso del flashback y del narrador presente. Entre las ingeniosas secuencias de la película se encuentra la de una persona tartamuda que intenta explicar a las autoridades los hechos de un accidente de tráfico: las imágenes de la escena se repiten de acuerdo a las intermitencias de la voz en off de Pepe Isbert cuando éste relata el suceso.
El largometraje La vida por delante se incluirá dentro del especial con el que FlixOlé recordará el periplo de Fernán detrás de la cámara. En dicha colección se podrá acceder a títulos tan inspiradores como El extraño viaje (1964) y El mundo sigue (1965); las disparatadas comedias El malvado Carabel (1955), La venganza de Don Mendo (1961) y Crimen imperfecto (1970); así como las premiadas El viaje a ninguna parte y Mambrú se fue a la guerra (ambas de 1986).
Nuevas incorporaciones ‘fernandianas’
A dichos filmes se suman el estreno en la plataforma de Los palomos, encargo que Fernán Gómez recibió y resolvió con envidiable solvencia al dirigir a un reparto de renombre encabezado por José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Fernando Rey, Mabel Karr, Julia Caba y Manuel Alexandre. El resultado fue una divertida comedia de salón que atrajo a más de medio millón de espectadores con la historia de un empresario sin escrúpulos que intenta colocar un crimen que él mismo ha cometido a un matrimonio humilde, Los Palomos.
También se añadirá a FlixOlé ¡Bruja, más que bruja!, una zarzuela esperpéntica en la España rural en la que el cacique del pueblo (Fernán Gómez) aprovecha la ausencia de su sobrino (Francisco Algora) para casarse con la novia de éste (Emma Cohen). Cuando el familiar regresa, intentará vengarse.

FlixOlé presenta en el Festival de Venecia una copia restaurada en 4K de La caza de Carlos Saura

El festival proyectará el sábado 2 de septiembre la película de Carlos Saura: La caza (1966) en el marco de Venice Classics, sección dedicada a las mejores restauraciones de obras maestras del cine
El nombre de Carlos Saura regresa al Festival de Venecia en su decimoctava edición con La caza. La película, cuyo estreno en 1966 cambió para siempre el cine español, participará en Venice Classics, sección dedicada a las obras maestras del séptimo arte restauradas. La proyección del largometraje tendrá lugar el próximo sábado 2 de septiembre, a las 15:00 horas en la Sala Corinto, y contará con la presencia del hijo del cineasta, Antonio Saura, y del actor Emilio Gutiérrez Caba. Ambos presentarán una copia en 4K de La caza, remasterización realizada por la plataforma FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films.
La Mostra celebra así su particular homenaje a uno de los directores de cabecera del audiovisual español, fallecido el pasado mes de febrero. Desde el propio festival han  subrayado la importancia del realizador, y de su filme La caza: “Una de sus primeras y mejores películas”, y por la cual Carlos Saura recibió numerosos reconocimientos; entre ellos el Oso de Plata en la Berlinale.
Punto de inflexión en la filmografía del país, el largometraje del realizador aragonés demostró que, en una época poco dada a salirse de los márgenes, se podía hacer otro tipo de cine, sirviendo de faro para las producciones que vinieron después.

El actor, Ismael Merlo, en la película La caza

Una obra maestra que burló la censura 
Carlos Saura llevó a la gran pantalla una película insólita, tanto por la forma como por el contenido, que se adentró en las secuelas de la Guerra Civil, el ambiente claustrofóbico de una España inmersa en la dictadura y la camaradería que entonces se empezaba a asentar en la península y que desembocaría en la cultura del ‘pelotazo’ y del amiguismo en los negocios.
Esta alegoría sobre las heridas abiertas del conflicto bélico, testimonio también político y social de la época, logró sorprendentemente eludir la censura con la historia de José (Ismael Merlo), Paco (Alfredo Mayo) y Luis (José María Prada), tres amigos que deciden pasar una jornada de caza juntos. Les acompañará en esta escapada Enrique (interpretado por un joven Emilio Gutiérrez Caba), cuñado de Paco.
Sin embargo, lo que en principio se presentaba como un día para disfrutar contando presas, los rencores que traían consigo los protagonistas hará que ellos mismos sean la diana del odio con el que habían cargado sus escopetas. Asimismo, el áspero paisaje en el que se desenvuelven se convertirá en una cárcel al aire libre para los personajes.
La tensión alcanzada por Saura en La caza se construye a través de una fotografía dura en blanco y negro a cargo de Luis Cuadrado, y de un espléndido juego entre planos generales y detalle montados por Pablo G. del Amo. Todo ello da como resultado una película de extraordinaria factura técnica, y argumental, que la colocó a la vanguardia de la industria, tanto nacional como internacional.

La caza se convirtió en una alegoría sobre las heridas abiertas del conflicto bélico

Restauración de La caza, en la Venice Classics
El largometraje puso a su autor en el mapa fílmico europeo y hollywoodiense. También significó la primera colaboración entre Saura y Elías Querejeta, uno de los productores más importantes del cine español por los numerosos clásicos que ayudó a crear y por los nombres de directores a los que encumbró (el propio Saura, Víctor Erice, Jaime Chávarri y Gracia Querejeta, entre otros).
La selección de La caza dentro de la sección Venice Classics del Festival de Venecia, cuya programación aglutina todos aquellos clásicos de la historia del cine, es una muestra de la relevancia del filme en todo el mundo. Igualmente, la proyección de la copia en 4K pone en valor la labor de restauración del archivo cinematográfico español que desarrolla FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films.
En su compromiso de recuperar aquellos títulos imprescindibles del patrimonio audiovisual del país, la plataforma ha remasterizado en sus instalaciones (en los laboratorios Cherry Towers) la película La caza para que la misma pueda ser disfrutada en la mejor calidad de imagen y sonido, poniéndola también a disposición del espectador a través de su catálogo.
Más clásicos de Saura, en FlixOlé
Dicho proceso se ha replicado en otros largometrajes de Carlos Saura, como los títulos que componen su ‘Trilogía Flamenca’: Bodas de sangre (1981), Carmen (1983) y El amor brujo (1986); además de otros clásicos de la filmografía del autor como Peppermint Frappé (1967), La prima Angélica (1973) o Cría cuervos (1975). Todos estos filmes se pueden encontrar en FlixOlé.