Mes: mayo 2022

Filmoteca española, Sala:B y los extraterrestres en Madrid

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Los nuevos extraterrestres (Juan Piquer Simón, 1983). Int.: Ian Sera, Nina Ferrer, Emil Linder, Susana Bequer. España, Francia. 35 mm. Color. 80’
 Hermano del espacio (Fratello dello spazio, Mario Gariazzo, 1988). Int.: Martin Balsam, Agostina Belli, Silvia Tortosa, William Berger. España, Italia. 35 mm. Color. 89’
 «Los extraterrestres visitaron Madrid en los ochenta y «Sala:B» lo demuestra con esta sesión doble de cine de barrio tardío y alienígena.
Juan Piquer Simón, un habitual de esta sala, empezó a dirigir Los nuevos extraterrestres en los bosques de Rascafría, donde iba a estrellarse un meteorito lleno de huevos alienígenas. Las primeras secuencias, con efectos visuales artesanales y una excelente fotografía neblinosa de Juan Mariné, anuncian una peli de miedo, un slasher rural con monstruos del espacio exterior que podría definirse como el cruce entre Alien y Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer Simón, 1982). Pero en mitad de rodaje se cuela otro meteorito, el taquillazo del E.T. de Spielberg, y el distribuidor americano se emperra en añadir una trama de amistad infantil con marciano para explotarla mejor. Muy a su pesar, Piquer Simón se ve obligado a introducir dos nuevos personajes: Tommy, el niño, y Trompy, el extraterrestre, que provocan en la película un extraño caso de bipolaridad. Escenas terroríficas conviven así con muñecos de ojos tiernos y gesto pasmado, muertes violentas con stop-motion de juguete. El resultado no fue el ideal, pero sin duda es una de las películas fantásticas más imprevisibles del director valenciano, que reproducía –involuntariamente– el mismo dilema que dio origen al célebre E.T.: una película para niños rodada como una de terror.
A continuación, en Hermano del espacio veremos aterrizar unas cápsulas espaciales en suelo estadounidense, aunque gran parte del rodaje de esta coproducción transcurrió entre la iglesia de Torrelaguna y Robledo de Chavela. El director Mario Gariazzo (Roy Garret) y el productor José Frade reunieron aquí un reparto internacional, con nombres como Martin Balsam, William Berger, Silvia Tortosa, Agostina Belli, Eduardo Fajardo, Rafaela Aparicio y hasta León Klimovsky, que hace un cameo. El proyecto no se contentaba con explotar E.T., subían la apuesta con las escenas más espectaculares de Encuentros en la tercera fase –a mitad de precio– y con la incorporación de una telépata y un sacerdote que aportan atrevidas lecturas parapsi-católicas. Aseguran además haberse basado en el mítico caso de Roswell, adelantándose a Expediente X y el boom del fenómeno OVNI de los 90.
La exposición “Madrid, escenario de cine fantástico”, comisariada por Víctor Matellano e itinerante por toda la Comunidad de Madrid hasta final de año, nos ha dado la pista para programar estos dos títulos insondables de ciencia-ficción con aires madrileños». (Álex Mendíbil)
Duración total aproximada de la sesión: 200’

Presentación a cargo de Victor Matellano, cineasta y comisario de la exposición “Madrid, escenario de cine fantástico”, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B»

Primer tráiler para el «Pinocho» de Robert Zemeckis

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Acaba de ver la luz un primer avance en forma de tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la nueva versión de Pinocho a cargo de Walt Disney Studios. La película, que supondrá la cuarta colaboración entre Robert Zemeckis y Tom Hanks tras Forrest Gump (1994), Cast Away (2000) y The Polar Express (2004), se estrenará directamente a través de Disney+ el próximo 8 de septiembre.
Pinocho, la famosa historia de Carlo Collodi, nos cuenta como un anciano llamado Geppetto fabrica una marioneta de madera a la que llama Pinocho, con la esperanza de que se convierta en un niño de verdad. El Hada Azul hace realidad su deseo y da vida a Pinocho, pero conserva su cuerpo de madera. Pepito Grillo, la conciencia de Pinocho, tendrá que aconsejarlo para que se aleje de las situaciones difíciles o peligrosas hasta conseguir que el muñeco se convierta en un niño de carne y hueso.
La película con guion adaptado a cargo del propio Robert Zemeckis junto a Simon Farnaby y Chris Weitz está protagonizada por Benjamin Evan Ainsworth, Tom Hanks, Luke Evans, Cynthia Erivo, Joseph Gordon-Levitt, Keegan-Michael Key y Lorraine Bracco.

Cómics en pantalla: Adaptaciones al cine y televisión (1895-1989)

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Los cómics parten de una premisa esquemática para sintetizar la trama usando recursos estilísticos propios. Un hombre apuesto con amplio mentón como Dick Tracy o Flash Gordon se asocia con el héroe desde el primer instante. Un personaje de cómic se caracteriza por su impacto inmediato, y como tal puede conducirnos por un relato de aventuras, detectivesco, terrorífico, del Oeste… Sabemos lo que es un héroe de cómic, lo sabemos intuitivamente, y sabemos que los hay en todos los escenarios posibles.
Las películas basadas en cómics no se cuentan por docenas, ni tampoco por cientos: se cuentan por millares. Hay miles de ellas. Una deuda incomprensible: el Séptimo Arte no puede mirar por encima de hombro al Noveno Arte. Como un remedio para el olvido, nuestro estudio hace un esfuerzo por recuperar un volumen importante de la producción cinematográfica del siglo XX sepultada en los archivos, subestimada, fuera de toda consideración o simplemente desconocida. Por el interés que suscitan las superproducciones de hoy basadas en héroes de cómic, conviene revalorizar el cine adaptado enmarcándolo en una dinámica con más de un siglo de antigüedad, repleta de perlas maravillosas esperando ser redescubiertas y estimadas en el s. XXI.
Índice
Introducción
  1. Los primeros cómics adaptados
  2. Cine sonoro y seriales cinematográficos
  3. Patriotismo y televisión
  4. América en la encrucijada. Cómics y pop-art
  5. Rumbo a las superproducciones
Conclusiones
Filmografía (guía cronológica)
Índice por títulos
Índice por autores
Bibliografía
Autor: Héctor Caño Díaz, Editorial: Prensas de la Universidad de Zaragoza, Páginas: 362

La muerte del humanismo europeo según Cristian Mungiu, tráiler de «R.M.N»

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Seis años después de su último trabajo tras las cámaras (Graduation 2016) Cristian Mungiu, cabeza visible de esa denominada nueva ola de cineastas rumanos, tiene lista su nueva película titulada R.M.N, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página juna a su póster oficial. La película, que estos días ha estado compitiendo por la Palma de Oro del Festival de Cannes y que llegará a las salas comerciales de nuestro país de la mano de Caramel Films y BTEAM Pictures pasado verano, vuelve a adentrarse en ese sobrio cine de tesis plagada de simbolismos acerca de problemáticas sociales de la actual Europa.
R.M.N nos sitúa unos días antes de Navidad, Matthias vuelve a su pueblo natal, una localidad multiétnica de Transilvania, tras dejar su trabajo en Alemania. Está preocupado por su hijo, Rudi, que ha crecido sin él, y por su padre, Otto, que se había quedado solo, y desea volver a ver a Csilla, su exnovia. Trata de implicarse más en la educación del niño, que ha pasado demasiado tiempo a cargo de su madre, Ana, y quiere ayudarle a superar sus miedos irracionales. Cuando la fábrica que Csilla dirige decide contratar a empleados extranjeros, la paz de esta pequeña comunidad se verá perturbada, y las inquietudes afectarán también a los adultos. Las frustraciones, los conflictos y las pasiones volverán a aflorar, rompiendo la paz aparente de la comunidad.
La película con guion a cargo del propio Cristian Mungiu está protagonizada por  Marin Grigore, Judith State, Macrina Barladeanu, Orsolya Moldován, Rácz Endre, József Bíró, Ovidiu Crisan, Zoltán Deák, Cerasela Iosifescu, Andrei Finti, Bacs Miklos, Alin Panc, Victor Benderra, Amitha Jayasinghe, Gihan Edirisinghe, Nuwan Karunarathna, Kovacs Levente Jr., Varga Csilla, Orban Attila, Boros-Piroska Klara y András Hatházi.

Idris Elba contra el depredador, tráiler de «Beast»

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Una formula bastante recurrente en los thrillers de supervivencia de tono minimalista con algún que otro elemento fantástico ha sido aquel en donde vemos la amenaza hacia el humano por parte de algún animal agresivo, hay multitud de ejemplos como por ejemplo y por citar solo dos el Cujo de Lewis Teague o la más reciente The Shallows de Jaume Collet-Serra, Beast, cuyo primer tráiler de la mano de Universal Pictures acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a un póster promocional, parece seguir una directrices argumentales muy similares a los títulos antes señalados. La película protagonizada por Idris Elba, que muy pronto lo veremos  en el Three Thousand Years of Longing de George Miller, y dirigida por Baltasar Kormákur (Contraband 2012, 2 Guns 2013 o Adrift 2018 entre otras) se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 12 de agosto.
En Beast vemos como el Doctor Nate Samuels, que se ha quedado viudo recientemente, regresa a Sudáfrica, lugar en el que conoció a su mujer, para visitar una reserva de animales con sus hijas gestionada por Martin Battles, biólogo experto en fauna salvaje y viejo amigo de la familia. Pero lo que empieza siendo un viaje de relax se convierte en una lucha por la supervivencia cuando un león que ha escapado de unos cazadores furtivos empieza a perseguirles.
La película con guion a cargo de Ryan Engle está protagonizada por Idris Elba, Sharlto Copley, Iyana Halley y Leah Jeffries.

Terry Gilliam, Premio Luis Buñuel de la 50ª edición del Festival Internacional de Cine de Huesca

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EL GALARDÓN DESTACA UNA DE LAS TRAYECTORIAS MÁS DESTACADAS DEL SÉPTIMO ARTE CON RECONOCIMIENTOS EN CANNES, BERLÍN, VENECIA, LOS GLOBOS DE ORO Y LOS PREMIOS OSCAR.
EL INTEGRANTE ORIGINAL DE LOS MONTY PYTHON Y AUTOR DE OBRAS COMO BRAZIL, 12 MONOS, MIEDO Y ASCO EN LAS VEGAS O LOS CABALLEOS DE LA MESA CUADRADA Y SUS LOCOS SEGUIDORES ESTARÁ EN HUESCA PARA RECOGER EL GALARDÓN EL MIÉRCOLES 15 DE JUNIO.
 El Festival Internacional de Cine de Huesca concederá el Premio Luis Buñuel de su 50ª edición al director, guionista, actor y productor Terry Gilliam. El cineasta nominado al Premio Oscar estará presente en la capital altoaragonesa el miércoles 15 de junio para recibir este tributo a toda su trayectoria; una carrera donde aparecen películas que forman ya parte de la historia del cine como Brazil, El rey pescador, 12 monos, Miedo y asco en Las Vegas, Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores o Las aventuras del Barón Munchausen. Una filmografía que “posee un lenguaje cinematográfico con una clara seña de identidad y donde además el cortometraje siempre ha estado presente. No puede haber mejor nombre para este galardón y más en nuestras ‘bodas de oro’” explica Rubén Moreno, director de la cita oscense que celebra este importante aniversario del 10 al 18 de junio.
El Teatro Olimpia será la sede que acogerá la gala homenaje a la figura del cineasta de nacionalidad británica aunque nacido en Estados Unidos; una velada que culminará con la proyección de su último largometraje tras las cámaras: El hombre que mató a Don Quijote. Basada en la obra cumbre de Miguel de Cervantes, este proyecto forjó una leyenda a su alrededor tras más de dos décadas de producción y varios rodajes que se vieron interrumpidos por todo tipo de incidencias inesperadas; una historia que dio lugar incluso a su propio documental. El largometraje finalmente llegaría a la gran pantalla en 2018 cuando tuvo su premier mundial en el Festival de Cannes; protagonizado por los nominados al Oscar Jonathan Pryce y Adam Driver, el reparto acumula importantes nombres del audiovisual español como Jordi Mollá, Rossy de Palma, Óscar Jaenada o Sergi López y obtuvo también dos Premios Goya (Mejor direccion de producción y Mejor maquillaje y peluquería).
El nombre de Terry Gilliam pasa así a engrosar el imponente palmarés de personalidades que atesoran el Premio Luis Buñuel, estrellas del celuloide como Bertrand Tavernier, Marisa Paredes, Stephen Frears, Carlos Saura, Ángela Molina, Jean-Claude Carrière, Costa-Gavras, Álex de la Iglesia, Gonzalo Suárez, los hermanos Taviani o Isabel Coixet, entre muchos otros, son sólo algunos de los más recientes.
UN CINE CON SELLO DE IDENTIDAD
Terry Gilliam (Minnesota, 1939) es un cineasta en el más amplio sentido de la palabra: director, guionista, actor, productor y animador. Nacido en Estados Unidos y nacionalizado británico en la década de los 60, Gilliam fue uno de los miembros originales de los Monty Python, grupo humorístico clave en la escena anglosajona de los 60 y los 70. Su pasión por el séptimo arte despertó con nombres como Georges Mélies, Walt Disney o Stanley Kubrick.
Tras haber mostrado su talento en el mundo de la televisión, el cortometraje sería su puerta de entrada para el séptimo arte, Storytime y Miracle of Flight darían paso a su debut en el largometraje junto a su compañero de los Monty Python, Terry Jones. Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (1975) se ha consagrado a lo largo de los años como un título clásico y una de las mejores comedias de todos los tiempos.
Gilliam probaría suerte tras las cámaras en solitario con La bestia del reino (1977) y Los héroes del tiempo (1981); un periodo donde también participaría como actor y guionista en un título icónico como La vida de Brian, Terry Jones sería en este caso el director de esta comedia ambientada en tiempos de Jesucristo. Jones y Gilliam volverían a unirse en la dirección en 1983 para rodar El sentido de la vida, pero el reconocimiento unánime de la industria le llegaría en solitario con Brazil (1985), una sátira que lograría dos nominaciones a los Oscar, una de ellas para el propio cineasta por el Mejor Guion Original.
A finales de los 80 cerraría la que se conoce como su “trilogía de la imaginación” con Las aventuras del Barón Munchausen; una cinta rodada en Belchite (Aragón) y aplaudida unánimemente por la crítica especializada, que lograría cuatro nominaciones a los Premios Oscar y se llevaría tres premios BAFTA.
La década de los 90 arrancaría con El rey pescador (1991), una cinta protagonizada por Jeff Bridges y Robin Williams, que le daría a este último un Globo de Oro y una nominación al Oscar por su interpretación. La película presentada en el Festival de Venecia, obtendría allí el León de Plata para el propio Gilliam como mejor director. Cuatro años más tarde llegaría 12 Monos, otro rotundo éxito seleccionado en Berlín; un largometraje donde de nuevo brillan grandes estrellas de Hollywood como Bruce Willis o Brad Pitt, de hecho este último conseguiría el espaldarazo definitivo para su carrera por parte de la crítica con un Globo de Oro y siendo nominado a los Oscar. El decenio lo cierra con Miedo y asco en Las Vegas para la que cuenta con Johnny Depp y Benicio del Toro, un título de culto que le llevó a competir por la Palma de Oro en Cannes.
El arranque del nuevo siglo coincide con el desarrollo y malogrado rodaje de El hombre que mató a Don Quijote, una revisión de la obra más popular de Cervantes que sufre todo tipo de problemas y vicisitudes durante su preparación, para ser finalmente cancelada y dar lugar a un documental sobre su frustrado proceso de creación.
El secreto de los Hermanos Grimm y Tideland suponen su regreso tras las cámaras, antes de adentrarse en otro proyecto plagado de dificultades: El imaginario del Doctor Parnassus. El último trabajo como actor de Heath Ledger, una película que el interprete del Joker en El Caballero Oscuro dejó inconclusa tras su fallecimiento y el propio Terry pensó en cancelar, finalmente optaría por completar el metraje con el fichaje de otros tres actores para completar el personaje (Jude Law, Johnny Depp y Colin Farrell).
Las últimas películas del multipremiado cineasta son The Wholly Family, ganador del Premio del Cine Europeo al Mejor Cortometraje en 2011; The Zero Theorem, presentada en Venecia, y El hombre que mató a Don Quijote, el proyecto que finalmente rodó en España y vio la luz en el Festival de Cannes.

Primer tráiler para «The Gray Man» de los hermanos Russo

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Será indiscutiblemente una de las apuestas para este verano más fuertes por parte de Netflix, cerca de 200 millones de dólares de presupuesto. Tras sus varias aportaciones al universo Marvel Anthony Russo y Joe Russo dirigen The Gray Man, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un thriller de acción que adapta una  novela de Mark Greaney del mismo título, tendrá un estreno limitado en cines el próximo 15 de junio para un mes más tarde, el 22 de julio, estar disponible en la plataforma.
En The Gray Man vemos como el agente de la CIA Court Gentry, alias Sierra Seis, es sacado de una cárcel federal reclutado por su supervisor, Donald Fitzroy, Gentry fue en su día un asesino a sueldo altamente cualificado, autorizado por la Agencia. Pero ahora las tornas han cambiado y Seis es el objetivo de un antiguo compañero de la CIA llamado Lloyd Hansen, que no se detendrá ante nada para acabar con él. La agente especial Dani Miranda intentara cubrirle las espaldas.
La película con guion adaptado a cargo de Joe Russo, Joe Shrapnel, Christopher Markus, Stephen McFeely y Anna Waterhouse está protagonizada por Ryan Gosling, Chris Evans, Ana de Armas, Regé-Jean Page, Billy Bob Thornton, Alfre Woodard, Jessica Henwick, Wagner Moura, Julia Butters, Scott Haze, Callan Mulvey, Robert Kazinsky, Deobia Oparei, Dhanush, Jimmy Jean-Louis y Dana Aliya Levinson.

«Nitram» review

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Nitram nos sitúa en la Australia de mediados de los noventa, Nitram es un joven que vive en casa de sus padres, allí pasa su tiempo entre la soledad y la frustración. Cuando ofrece sus servicios como jardinero conoce a Helen, una heredera marginada que vive sola con sus animales. Juntos, construyen una vida al margen de todo. Cuando repentinamente Helen desaparece trágicamente, la cólera y la soledad de Nitram vuelven a hacer acto de aparición. En ese momento, comienza un largo descenso a los infiernos.
No es la primera vez que el realizador de origen australiano Justin Kurzel fija su mirada en la indagación de la crónica negra acaecida en el país que le vio nacer, tras una etapa intermedia con trabajos amparados en adaptaciones, de clásicos literarios y video juegos, de un calibre comercial elevado como Macbeth (2015) o Assassin’s Creed (1016) Kurzel vuelve de alguna manera al punto de origen a la hora de sondear esa cruda trastienda periférica convertida en campo de abono como antecedente previo a la masacre.
De una forma clara debido a su temática y su territorialidad Nitram nos deriva en un primer momento a la áspera y aparatosa opera prima de Justin Kurzel Snowtown, sin embargo el tono de ambas difiere ostensiblemente en relación a unas narrativas percibidas por momentos como claramente divergentes entre sí, de ese tono vérité colindante casi con el documental visto en Snowtown pasamos a una película como Nitram que da la sensación de estar primordialmente al servicio de una muy competente labor actoral, a tal respecto el nuevo trabajo tras las cámaras de Justin Kurzel se rigüe principalmente por ser una película bastante proclive al lucimiento de actores, aquí destacan tanto Caleb Landry Jones (Premio al Mejor actor en Cannes 2021) y una extraordinaria Essie Davis como secundarios de la talla de Judy Davis o Anthony LaPaglia. A través de dichos postulados Nitram también podría servir como interesante punto de debate en relación a la legitimidad moral que pueden llegar atesorar según qué miradas cinematográficas que apelan a luctuosos hechos reales, en dicho sentido Justin Kurzel se pone, y en parte nos pone, en la piel del asesino adelantándose a la masacre acaecida en Port Arthur, Tasmania, en donde en el año 1996 murieron 35 personas y acabaron heridas otras 23.
Como relato que gira principalmente alrededor de la exclusión y la locura posiblemente no estemos ante una historia en donde se intuya una comprensión hacia el supuesto monstruo y si más bien ante una que parece buscar, por momentos de forma algo mecánica, respuestas sobre que parcela de la sociedad se puede llevar la porción de responsabilidad correspondiente ante tal fallida de imperativo social, desde el propio hogar, en lo concerniente a una madre e índole castrador y un padre superado por las circunstancias, o a un nivel más institucionalizado, representada en la película a través de esa larga escena/denuncia, totalmente arrítmica aplicada al conjunto del relato, en donde vemos como el protagonista, carente de cualquier tipo de autocontrol, consigue sin ningún tipo de traba legal en un comercio todo un arsenal de armas.
Por fortuna en Nitram, que en realidad lo basa todo a una mirada desarrollada alrededor de una serie de eventos direccionados en todo momento a una espiral cuesta abajo como preludio a la tormenta, no se percibe un tono moralizante funcionando relativamente bien en base a su condición de exploración reflexiva de la enfermedad mental, aquí expuesta en forma de drama familiar, y como a partir de ello se puede llegar a confeccionar una suerte de radiografía sobre la barbarie. En tal aspecto lo explícito visto en la anterior Snowtown se convierte aquí en un continuo fuera de campo que en sus momentos determinantes opta por la elipsis pese que en ambos relatos este muy presente y predomine ese tono agobiante e incómodo que parece encontrar en la Australia profunda un escenario perfecto y proclive a la aparición de vorágines perturbadoras de índole destructivo.

Valoración 0/5: 2’5

Demonios en el desierto, tráiler para «The Forgiven»

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Tras su premier mundial el pasado año en el TIFF acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la nueva película del realizador irlandés John Michael McDonagh titulada The Forgiven. El responsable de películas como The Guard (2011), Calvary (2014) o War on Everyone (2016) adapta en esta ocasión una conocida novela de Lawrence Osborne que tendrá un estreno comercial en nuestro país de la mano de Universal Pictures previsto para el próximo 5 de agosto.
The Forgiven nos cuenta como al borde del divorcio, una pareja adinerada, David y Jo, van a una fiesta de fin de semana y por accidente matan a un joven marroquí que vendía fósiles en la carretera. Meten el cuerpo en su coche como si nada y llegan a la fiesta en la mansión cuyos anfitriones son una pareja gay. Durante el fin de semana, David y Jo tendrá que hacer frente a lo ocurrido y sus consecuencias.
La película con guion adaptado a cargo del propio John Michael McDonagh está protagonizada por Jessica Chastain, Ralph Fiennes, Caleb Landry Jones, Saïd Taghmaoui, Abbey Lee, Matt Smith, Christopher Abbott, Alex Jennings, Marie-Josée Croze, David McSavage, Ben Affan, Mourad Zaoui, Anas Elbaz, Imane Elmechrafi, Ismail Kanater y Abdellah Chakiri.

La semilla inmortal. Los argumentos universales en el cine

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¿Hasta qué punto son originales los argumentos cinematográficos? Un siglo después de los Lumière, el cine demuestra ser el gran fabulador de nuestro tiempo, el arte que ha actualizado las narraciones fundamentales de la historia de la cultura. La semilla inmortal–título de bella filiación platónica– rastrea los motivos argumentales que se repiten en el cine de todos los tiempos y lugares, mostrando su relación original –no siempre consciente– con los relatos anteriores. Las películas se constituyen así como una etapa fértil en esa continuidad narrativa germinal a la que hace referencia el título: obras que son fruto de un legado anterior y que son capaces de generar uno nuevo.
En el libro, los autores nos proponen un recorrido por las grandes películas de la historia del cine y crean sorprendentes y apasionantes relaciones con esos relatos fundacionales de la ficción universal. Así, descubrimos a Ulises errando en los desiertos del western, a la Cenicienta convertida en corista de Broadway, a Macbeth encarnado en la trágica figura de un gángster, a Edipo descubriendo su culpabilidad en un viaje interplanetario, o a Orfeo renacido como director de cine. Gracias a esta indagación comparada, y al juego de espejos que propone, los autores consiguen una nueva y apasionante manera de acceder al cine como un arte joven, impertinente, integrador, de todo punto imprescindible para establecer la plenitud de la ficción contemporánea.
Autor: Jordi Balló, Xavier Pérez, Editorial: ANAGRAMA, Páginas: 384

La Seminci recordará a Bardem y Pasolini en su 67 edición

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La Semana Internacional de Cine de Valladolid rendirá un homenaje especial a dos grandes del cine, Juan Antonio Bardem y Pier Paolo Pasolini, en el centenario de su nacimiento este año 2022. 
El festival recordará la figura de los cineastas con el ciclo Pasolini/Bardem: 100 años. Dos faros del cine europeo, que incluirá una selección de sus títulos más significativos y que podrán verse en la próxima 67 edición del 22 al 29 de octubre.
Bardem y Pasolini fueron coetáneos y compartieron lazos unidos por el neorrealismo italiano, movimiento de gran trascendencia a nivel mundial, y con especial influencia en el cine español. Junto a Pasolini grandes nombres como Visconti, De Sica o Fellini,  ejemplos del movimiento italiano. Y junto a Bardem otros cineastas que recogían esa influencia como Nieves Conde o Berlanga. Todos ellos con un elemento común, el contenido social de sus obras que muestran la realidad de la época.
Pier Paolo Pasolini es considerado uno de los cineastas y poetas más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su figura ha estado vinculada a nuestro festival desde sus comienzos. Fue protagonista de la ponencia ‘La espiritualidad del cine de Pasolini’ en el año 1976, como complemento a la proyección de Teorema, inédita en España, y que fue rescatada por el festival para homenajear el cineasta asesinado un año antes. En 1985 se le rinde tributo de nuevo en el décimo aniversario de su muerte, en la conocida como ‘Noche Pier Paolo Pasolini’, la madrugada del 1 al 2 de noviembre, con proyecciones y diversas actividades dedicadas al director durante ocho horas consecutivas y con gran afluencia de público.
En esta ocasión SEMINCI quiere conmemorar el centenario de su nacimiento con la proyección de seis de sus largometrajes: Mamma Roma (1962), El evangelio según Mateo (1964), Pajaritos y pajarracos (1966), Teorema (1968), Los cuentos de Canterbury (1972), y Saló, o los 120 días de Sodoma (1975).
La trayectoria de Juan Antonio Bardem destaca por su visión comprometida e innovadora que se refleja en los más de veinte títulos que componen su filmografía, sin olvidar su faceta como guionista y productor.
Su carrera profesional fue reconocida con galardones como la Medalla de Oro de las Bellas Artes, que se le concedió en 1986, y recibió la Espiga de Oro especial de SEMINCI en 1987 donde también fue miembro del Jurado Internacional en 1993.  Además recibió el Goya de Honor por toda su carrera cinematográfica en 2002, año en el que falleció con 80 años.
SEMINCI recordará su figura con la proyección de los siguientes títulos:  Esa pareja feliz (1951), Muerte de un ciclista (1955), Calle Mayor (1956),  Nunca pasa nada (1963),  A las cinco de la tarde (1961), y El puente (1976).

La fábula y el genio, tráiler para «Three Thousand Years of Longing» de George Miller

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No deja de ser algo sintomático que un realizador con el talento de George Miller haya tenido que esperar el éxito comercial y crítico de Mad Max: Fury Road a la hora de poder embarcarse en proyectos en apariencia algo más personales, Three Thousand Years of Longing, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz de la mano de MGM y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, parece remitirnos en un primer lugar a imaginarios fabularios ya transitados por George Miller como por ejemplo The Witches of Eastwick. La película, que estos días tendrá su premier mundial en el marco del Festival de Cannes se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 31 de agosto, dos días más tarde, el 2 de septiembre, lo hará en nuestro país de la mano de DeAPlaneta.
En Three Thousand Years of Longing vemos como La Dra. en literatura Alithea parece estar aparentemente feliz con su vida aunque se enfrenta al mundo con cierto escepticismo. De repente, se encuentra con un genio que ofrece concederle tres deseos a cambio de su libertad. En un principio, Alithea se niega a aceptar la oferta ya que sabe que todos los cuentos sobre conceder deseos acaban mal. El genio defiende su posición contándole diversas historias fantásticas de su pasado. Finalmente, ella se deja persuadir y pedirá un deseo que sorprenderá a ambos.
La película con guion a cargo del propio George Miller esta protagonizada por Idris Elba, Tilda Swinton, David Collins, Alyla Browne, Hayley Gia Hughes, Angie Tricker, Sarah Houbolt, Kaan Guldur, Jason Jago, Aska Karem, Aiden Mckenzie, Berk Ozturk, Jack Braddy, Randolph Fields, Anna Adams, John Puckeridge-Webb, James Dobbins Jones, Hugo Vella, Callum Moran, Tendai Dzwairo, Tahlia Crinis, David Paulsen, Nicolas Mouawad y Shakriya Tarinyawat.

Proyecciones Xcèntric: Pantalla Interior, Robert Breer

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Pantalla Interior es un programa de proyecciones en el hall del CCCB dedicado a cineastas que emplean el cine como un instrumento para expresar el mundo de los sueños o la imaginación. Este mes de agosto presentamos la obra de Robert Breer.
Pintor transfigurado en cineasta, Breer es quizás uno de los más audaces, radicales y originales trabajadores del cine fotograma a fotograma. Jugó como nadie con la colisión de imágenes fijas en nuestros ojos y cerebros para crear nuevas experiencias visuales y, aún con este rigor experimental, sus películas desbordan un fino sentido del humor y una extraña ligereza. Justamente de esa cotidianidad que se niega a darse importancia salen sus mejores y más personales películas: las que beben de las experiencias domésticas, de los paseos dominicales, del fregadero, de la vida en pareja y la crianza de sus hijas. Proyecciones mentales que son la historia de una vida en parpadeante y jubiloso movimiento, películas domésticas abstractas y coloridas que manan de la experiencia, la memoria y la imaginación.
«Vivan las películas sin forma, no literarias, no musicales, películas de imágenes que no cuentan una historia, ni se convierten en un baile abstracto o transmiten un mensaje. Películas que no puedan escaparse de las imágenes. Películas donde las palabras son imágenes o sonidos, que saltan al ritmo del pensamiento. Experiencias en sí mismas, al igual que comer, mirar, correr, que un objeto, un árbol, un edificio, goteos y colisiones. Películas que en vez de tener sentido sean el sentido. Al ser películas de imágenes pueden combinar la razón con una cometa volando, torpedos y golf. La gente puede hablar mientras las ve. Pueden encenderse, hacerse azules y apagarse… Películas al nivel de la imaginación del artista y que se quedan en ella… Películas que se parezcan al hombre que las hizo.»
Robert Breer en Film Culture nº26/27, 1962
Fist Fight, Robert Breer, 1964, 16mm, 11 minutos
 Una de las primeras películas autobiográficas de Breer, cuyo punto de partida y sonido es la composición «Originale» de Stockhausen. Un compendio de fotos se desliza en la loca sucesión de imágenes abstractas y pop que nos dispara, los recuerdos de infancia y juventud se unen al baile abstracto de los experimentos de Breer con la combinatoria de imágenes fijas.
Gulls and Buoys, Robert Breer, 1972, 16mm, 6 minutos
Esta rodaja impresionista de un día familiar en la playa marcaría un antes y un después en el trabajo de Breer: es aquí donde empieza a usar la rotoscopia con intensidad, y en donde cada una de sus películas empieza a ser un excitante recorrido por todos sus hallazgos.
Trial Balloons, Robert Breer, 1982, 16mm, 6 minutos
Globos de colores, globos con formas, globos de fiesta en una combinatoria asociativa infinita que mezcla los juegos infantiles con los dolores de cabeza adultos y los momentos de asueto. Idas y vueltas entre figuración y abstracción, bidimensionalidad y tridimensionalidad.
Horse Over Tea Kettle, Robert Breer, 1962, 16mm, 8 minutos
Un engañosamente sencillo juego a partir de objetos domésticos y animales en clave de dibujos animados, que en su elasticidad y variaciones continúa los hallazgos de Breer en sus Form Phases.
Atoz, Robert Breer, 2000, 16mm, 5 minutos
Un abecedario creado para Zoe, la hija de Breer, que incluso se permite encapsular un remembranza de su célebre film Recreation.
Time flies, Robert Breer, 1997, 16mm, 5 minutos
El tiempo vuela, pasa la vida, y Robert Breer se permite darnos paso a su tempus fugit con sus propios ronquidos
[Proyección en digital y en loop]
Fecha: 4 agosto – 4 septiembre 2022
Horario: De martes a domingo y festivos: 11.00 – 20.00.
Lunes no festivos cerrado
Espacio: Hall
Precio: Entrada libre

 

Tráiler y póster para «Holy Spider», lo nuevo de Ali Abbasi

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Con tan solo dos largometrajes en su haber, Shelley (2016) y Border (2018), Ali Abbasi se ha convertido en uno de los realizadores nórdicos más interesantes del momento, posiblemente su tercer trabajo tras las cámaras titulado Holy Spider, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, suponga su consagración definitiva a un nivel más amplio. La película, basada en un suceso real y en donde Ali Abbasi rueda por primera vez en su país de origen, competirá estos días por la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Holy Spider nos sitúa en el Irán del año 2001. Una joven periodista de Teherán se sumerge en los barrios con peor reputación de la ciudad santa de Mashhad para investigar una serie de asesinatos. Pronto se dará cuenta de que las autoridades locales no tienen ninguna prisa por resolver el asunto. Los crímenes son obra de un solo hombre al que se le conocerá con el apodo de Spider Killer, que asegura purificar la ciudad de sus pecados y que ataca a prostitutas por la noche.
La película con guion a cargo del propio Ali Abbasi junto a Afshin Kamran Bahrami está protagonizada por Zar Amir-Ebrahimi, Mehdi Bajestani, Arash Ashtiani, Forouzan Jamshidnejad, Mesbah Taleb, Alice Rahimi, Sara Fazilat, Sina Parvaneh y Nima Akbarpour.

Filmoteca Española y Documenta Madrid conmemoran el centenario de Jonas Mekas

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Desde el 24 al 29 de mayo el público podrá disfrutar en el cine Doré de Filmoteca Española de 6 sesiones temáticasEnlace externo, se abre en ventana nueva dedicadas al cine de este esencial poeta de lo cotidiano.
6 películas de Mekas como Birth of a Nation, Lost Lost Lost o Reminiscencias de un viaje a Lituania interactúan con la obra de creadores contemporáneos influidos por su trabajo como Orquestina de Pigmeos, Meritxell Colell o Nuberu Bagu.
Con motivo del centenario del nacimiento de Jonas Mekas, en diciembre de 1922, Documenta Madrid y Filmoteca Española se unen a la iniciativa mundial de conmemoración de este referente absoluto del cine de no ficción con un programa muy especial. La retrospectiva Jonas Mekas. Destellos de vida busca redescubrir y dar a conocer el cine de este esencial poeta de lo cotidiano y trazar un diálogo con el presente, ofreciendo una mirada contemporánea de la influencia de Mekas en la comunidad audiovisual.
Del 24 al 29 de mayo, en esta retrospectiva dividida en seis sesiones, la proyección de algunos de sus trabajos más destacados, como Birth of a Nation, Lost Lost Lost, Reminiscencias de un viaje a Lituania, Sleepless Nights Stories, Diaries, Notes & Sketches (Walden) y En el camino, de cuando en cuando, vislumbré breves momentos de belleza; se ofrecen al público presentadas por creadores, colectivos y cineastas que dialogan y debaten con la obra de Mekas.
Sesiones vivas que dialogan con el cine de Mekas
La sesión dedicada a la película Lost, Lost, Lost (Jonas Mekas, 1976) será presentada por Efrén Cuevas, autor del libro Filming History from Below: Microhistorical Documentaries, y profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Navarra.
En otra sesión se invita a Meritxell Colell a formar parte de esta celebración, proponiendo su última pieza, La ciutat a la vora, un mapa sonoro y visual que arma una sinfonía de su ciudad, de su gente, sus espacios y orígenes, en un recorrido que sigue los pasos del registro de Mekas. Se ha hablado mucho sobre la figura de Mekas como el primer vlogger de la historia, y en otra de las sesiones se da un paso más allá de la mirada individual de un vlog llevándolo a un artefacto poliédrico del lenguaje audiovisual de las redes sociales de la mano del colectivo de creadores Nuberu Bagu.
Y, por último, Orquestina de Pigmeos, colectivo formado por el músico Nilo Gallego y el creador audiovisual Chus Domínguez, propone en otra sesión una intervención musical dialogando directamente con el propio Mekas en la pantalla para celebrar con él todos los destellos de vida que nos ha dejado, evocando y homenajeando ese espíritu festivo, performativo, provocador de lo inesperado, lo irrepetible, tan vinculado a los happenings.
Sobre Jonas Mekas
Jonas Mekas (1922-2019) fue un cineasta, escritor y curador lituano, considerado el padrino del cine estadounidense de vanguardia y un absoluto tótem del cine diarístico. Además de su trabajo en la preservación y difusión del cine con la creación y desarrollo del Anthology Film Archives, películas de su autoría como Walden (1969) o Lost Lost Lost (1976) han alumbrado el camino de cada vez más cineastas en el mundo.
 
 

 

 

 

Psicologías fracturadas, tráiler de «Resurrection»

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Tras el buen sabor de boca dejado el pasado año con The Night House de David Bruckner y su aparición en el Godzilla vs. Kong de Adam Wingard Rebecca Hall sigue apareciendo en películas de género, en esta ocasión es turno para Resurrection, film cuyo primer tráiler oficial de la mano de IFC Films acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. La película, un thriller psicológico dirigido por Andrew Semans (Nancy, Please 2012), tras su premier mundial hace unos meses en el Festival de Sundance se estrenará en Estados Unidos simultáneamente en cines y la plataforma Shudder el próximo 5 de agosto.
Resurrection nos muestra como Margaret es una mujer que lleva una vida exitosa y ordenada, equilibrando perfectamente su ajetreada carrera profesional y su soltera maternidad con su independiente hija Abbie. Todo está bajo en aparente control, pero ese equilibrio se verá repentinamente alterado cuando una sombra no deseada, David, regresa trayendo consigo los horrores del pasado de Margaret. En una lucha contra su creciente miedo, Margaret deberá enfrentarse al monstruo que ha evadido durante dos décadas y que ha venido a terminar unos asuntos pendientes.
La película con guion a cargo del propio Andrew Semans está protagonizada por  Rebecca Hall, Tim Roth, Angela Wong Carbone, Josh Drennen, Rosemary Howard, Winsome Brown, Jaime Zevallos, Michael Esper, Grace Kaufman, Patrick Klein y Colin Bradley Lewis.

Monstruos gigantes del cine japonés. Guía de Kaijû

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Monstruos gigantes del cine japonés recoge la rica fauna que puebla el kaijû eiga; todos y cada uno de las criaturas que anduvieron junto a Godzilla, Gamera, Rodan, Mothra y demás titanes. Dientes lacerantes, dragones tricéfalos, cuernos afilados o corazas impenetrables —sin olvidar rayos de energía de cualquier color posible—, se podían ver en las bestias que plagaban estas producciones.
La influencia de este cine ha sido inmensurable, y así ha sido su impacto en los sueños y pesadillas de millones de espectadores y de amantes del género fantástico a lo largo de varias generaciones.
Esta guía recorre todos los kaijû, de la A a la Z, que rugen a pleno pulmón y pisotean ciudades sin parangón, en una galería explosiva de color y destrucción.
Autor: Octavio López Sanjuán, Editorial: ‎ DIABOLO, Páginas: 320

Juliette Binoche protagoniza el cartel oficial de la 70 edición del festival de San Sebastián

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La actriz francesa recibirá el Premio Donostia en una gala que incluirá la proyección de ‘Avec amour et acharnement (Fuego)’, película dirigida por Claire Denis.
La compañía donostiarra Dimensión ha diseñado el póster a partir de un retrato de la fotógrafa Brigitte Lacombe.
La colección de carteles de este año es un homenaje a la mirada y a todas las formas de mirar la vida y el cine.
Juliette Binoche, una de las actrices europeas más internacionales, protagoniza el cartel oficial de la 70 edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 16 al 24 de septiembre. Ganadora de un Óscar por su trabajo en The English Patient (El paciente inglés, Anthony Minghella, 1996), la intérprete francesa visitará la ciudad por cuarta vez para recibir uno de los Premios Donostia de este año en reconocimiento a una dilatada carrera en la que ha encarnado a cerca de 75 personajes, desde heroínas poderosas a seres frágiles, pasando por personajes históricos, roles dramáticos y papeles cómicos.
La ceremonia de entrega del galardón tendrá lugar en el Auditorio Kursaal y contará con la Proyección Premio Donostia de Avec amour et acharnement / Both Sides of the Blade (Fuego, 2022), película con la que Claire Denis ganó el Oso de Plata a la Mejor dirección en el último Festival de Berlín y que cuenta en su elenco con Vincent Lindon, Grégoire Colin y la propia Binoche.
La compañía donostiarra Dimensión, encargada de elaborar los carteles de este año, ha empleado un retrato de Juliette Binoche captado por la fotógrafa Brigitte Lacombe para crear el póster oficial de la 70 edición en el que destaca el nombre de la actriz. Nacida en Francia y afincada en Nueva York, Lacombe ha realizado icónicos e íntimos retratos de algunos célebres artistas, figuras de la política e intelectuales de todo el mundo, al tiempo que ha documentado rodajes de cineastas como Wes Anderson, Sofia Coppola, Federico Fellini, Michael Haneke, Lynne Ramsay, Martin Scorsese, Quentin Tarantino y Steven Spielberg, entre otros.

 

Zinemira, la sección dedicada al cine vasco, tendrá por primera vez su propio cartel dentro de una colección de imágenes que pretenden ser “un homenaje a la mirada” y “a todas las formas de mirar la vida y el cine”. Según recuerda Guille Viglione, responsable de Dimensión, “el cine es una forma de mirar, el director construye una realidad filtrada por su mirada, el espectador ensancha su visión del mundo y los intérpretes miran a cámara para transmitir la esencia de su personaje”.

“En estos tiempos dispersos, cuantas más cosas pretendemos ver, menos tiempo nos queda para observar.  Así que podemos afirmar que detener la mirada en algo, es apreciarlo. Observar, capturar los detalles, desmenuzar con los ojos, no sólo involucra a la vista, también al sentimiento”, apuntan desde Dimensión, compañía independiente que “desde 1988 cree en la combinación de la estrategia, la creatividad y la tecnología para provocar mejoras en la sociedad y generar negocio” para sus clientes.

Tras dar sus primeros pasos en el teatro y formarse como actriz en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático, Juliette Binoche (París, 1964) debutó en el cine con Liberty Belle (Pascal Kané, 1983), a la que siguieron algunos papeles en obras de cineastas como Jean-Luc Godard (Je vous salue, Marie / Yo te saludo, María, 1985), Jacques Doillon (La vie de famille, Sección Oficial, 1985) o André Techiné (Rendez-vous / La cita, 1985), con quien volvió a coincidir años más tarde en Alice et Martin (Alice y Martin, 1998). La icónica Mauvais sang (Mala sangre, 1986) supuso su primera colaboración con Leos Carax, a cuyas órdenes también filmó Les amants du Pont-Neuf (Los amantes del Pont-Neuf, 1991).
Desde los inicios de su carrera ha alternado títulos rodados en francés con otros muchos realizados en inglés como las adaptaciones literarias de The Unbearable Lightness of Being (La insoportable levedad del ser, Philip Kaufman, 1988), Wuthering Heights (Cumbres borrascosas, Peter Kosminsky, 1992) o Damage (Herida, Louis Malle, 1992), en las que actuó con Daniel Day-Lewis, Ralph Fiennes y Jeremy Irons, respectivamente. Otras figuras con las que ha compartido reparto durante su carrera son Mathieu Amalric, Daniel Auteuil, Judi Dench, Steve Carell, Catherine Deneuve, Johnny Depp, Ethan Hawke, Mathieu Kassovitz, Samuel L. Jackson, Denis Lavant, Olivier Martinez, Clive Owen y Robert Pattinson.

Binoche encarnó a una mujer en duelo en la película que inauguró la célebre trilogía de Krzysztof Kieslowski, Trois couleurs: Bleu (Tres colores: Azul, Zabaltegi, 1994), por cuyo trabajo recibió el Premio a la Mejor actriz en el Festival de Venecia y un Premio César, distinción a la que ha optado en nueve ocasiones más. También fue la novelista George Sand en Les enfants du siècle (Confesiones íntimas de una mujer, Diane Kurys, 1999). Pero el reconocimiento internacional masivo le llegó gracias a su inolvidable personaje de enfermera en The English Patient (El paciente inglés, 1996), que le proporcionó el Óscar a la Mejor actriz de reparto y el Premio a la mejor actriz en el Festival de Berlín.
Ha trabajado al mando de cineastas europeos como Jean-Paul Rappeneau, que clausuró fuera de concurso la Sección Oficial del Festival de San Sebastián con Le hussard sur le toit (El húsar en el tejado, 1995); Chantal Akerman (Un divan à New York / Romance en Nueva York, 1996), Patrice Leconte (La veuve de Saint-Pierre / La viuda de Saint-Pierre, 2000), Lasse Hallström (Chocolat, 2000), John Boorman (Country of My Skull / Un país en África, 2004) y Michael Haneke, con quien ha rodado dos obras fundamentales: Code inconnu: Récit incomplet de divers voyages (Código desconocido, 2000) y Caché (Escondido, 2005). En 2002, además, protagonizó Décalage horaire (Jet Lag, Danièle Thompson), filme con el que visitó San Sebastián por primera vez para clausurar la Sección Oficial fuera de competición.

Otros títulos destacados de su filmografía incluyen Mary (Abel Ferrara, Perlak, 2005), Le voyage du ballon rouge (El vuelo del globo rojo, Hou Hsiao-Hsien, 2007), Disengagement (Amos Gitai, 2007) y Shirin (Abbas Kiarostami, 2008), con cuyo director volvió a trabajar en Copie conforme (Copia certificada, 2010), una historia de amor ambientada en la Toscana que le valió el Premio a la Mejor actriz en el Festival de Cannes.
Juliette Binoche ha compaginado papeles en grandes superproducciones de acción como Godzilla (Gareth Edwards, 2014) o Ghost in the Shell (Ghost in the Shell: el alma de la máquina, Rupert Sanders, 2017) con trabajos para autores de la talla de David Cronenberg (Cosmópolis, 2012), Isabel Coixet (Nadie quiere la noche, 2015) o Bruno Dumont, con quien ha actuado en Ma Loute (La alta sociedad, 2016) y Camille Claudel 1915 (2013), en la que encarnó a la reconocida escultora Camille Claudel. También son frecuentes sus incursiones con el cineasta Olivier Assayas, que la ha dirigido en L’heure d’été (Las horas del verano, Perlak, 2008), Clouds of Sils Maria (Viaje a Sils Maria, 2014) y Doubles vies (Dobles vidas, 2018).

En 2018 la actriz regresó a San Sebastián para presentar dos películas que compitieron en la Sección Oficial: Vision (Viaje a Nara / Vision), un relato místico de Naomi Kawase, y High Life, una nueva colaboración con Claire Denis enmarcada en el género de la ciencia ficción que obtuvo el Premio Fipresci. Junto a esta directora, con quien ya había rodado Un beau soleil intérieur (Un sol interior, 2017), ha trabajado recientemente en una película que compitió en la última Berlinale, Avec amour et acharnement (Fuego, 2022), la historia de un triángulo amoroso que Binoche forma junto a Vincent Lindon y Grégoire Colin. Será la Proyección Premio Donostia que acogerá el Auditorio Kursaal tras la gala en la que la actriz recibirá el galardón.
Entre sus últimos trabajos también figuran La vérité (La verdad, Perlak, 2019), de Hirokazu Koreeda, con quien la actriz viajó a San Sebastián por tercera vez, y Ouistreham (En un muelle de Normandía, Emmanuel Carrère, 2021), que el año pasado participó en Perlak y se alzó con el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián a la mejor película europea.

La fotógrafa francesa Brigitte Lacombe es conocida por su faceta de influyente y reveladora retratista. Ha mostrado su trabajo en salas y revistas de todo el mundo y sus monografías incluyen Lacombe Anima / Persona (2008) y Lacombe Cinema/ Theater (2001). Durante cuatro décadas, su cámara ha captado a grandes artistas, estrellas, representantes de la política e intelectuales. Entre otros galardones, ha logrado el Premio Eisenstaedt en la categoría de fotografía de viaje (2000) y ha sido reconocida con el Premio Lucie en el ámbito del retrato y la fotografía de viajes (2012), así como con el premio a toda su carrera otorgado por el Art Directors club Hall of Fame (2010).
Además, se ocupó de la foto fija en rodajes de películas tan icónicas como All President’s Men (Todos los hombres del presidente, Alan J. Pakula, 1976), Il Casanova di Federico Fellini (Casanova, Federico Fellini, 1976) y Close Encounters of the Third Kind (Encuentros en la tercera fase, Steven Spielberg, 1977). También ha documentado el trabajo de cineastas como Wes Anderson, Sofia Coppola, Alejandro González Iñárritu, Michael Haneke, Spike Jonze, Bennett Miller, Mike Nichols, Lynne Ramsay, Martin Scorsese y Quentin Tarantino, entre muchos otros nombres.
PROYECCIONES PREMIOS DONOSTIA
 Avec amour et acharnement / Both Sides of the Blade (Fuego)
Claire Denis (Francia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Juliette Binoche, Vincent Lindon, Grégoire Colin
Cuando se conocieron, Sara vivía con François, el mejor amigo de Jean. Ahora, Jean y Sara se quieren y viven juntos desde hace 10 años. Un día, Sara ve a François por la calle. Él no se da cuenta, pero a ella le invade la sensación de que su vida podría cambiar repentinamente. Al mismo tiempo, François retoma el contacto con Jean por primera vez en años y le propone volver a trabajar juntos. Desde ese momento, todos perderán el control.

Tráiler para lo nuevo de Marcus Dunstan «Unhuman»

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No deja de ser una pena que Marcus Dunstan no haya podido cerrar por motivos financieros la trilogía de The Collector, una de las sagas sobre psicokillers más interesantes de estos últimos años, sin alejarse del género el responsable de la también interesante The Neighbor (2016) tiene ya listo el que es su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Unhuman, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, una comedia de terror producida por Blumhouse y EPIX, estará disponible en plataformas digitales de Estados Unidos a partir del próximo 3 de junio.
En Unhuman vemos como un autobús escolar de un grupo de estudiantes de secundaria choca en una excursión. Las relaciones se ponen a prueba una vez que se dan cuenta de que están siendo acosados ​​por un atacante que tiene la intención de expulsarlos y llevarlos directamente a una lucha horrible para sobrevivir.
La película con guion a cargo del propio Marcus Dunstan junto a Patrick Melton está protagonizada por Brianne Tju, Joshua Mikel, Drew Scheid, Uriah Shelton, Peter Giles, Lo Graham, Ali Gallo, Blake Burt, C.J. LeBlanc y Dana Wing Lau.

Presentación de la exposición que celebrará el 70 aniversario del Festival de San Sebastián

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La ciudadanía podrá enviar fotografías realizadas durante estas siete décadas para que formen parte de una de las instalaciones.
Tabakalera acogerá la muestra ‘Imagina un Festival’ desde el 4 de julio y hasta el 24 de septiembre, última jornada de la edición del certamen.
El Festival de San Sebastián y el Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera han organizado una exposición en colaboración con el Ayuntamiento de San Sebastián y la Diputación Foral de Gipuzkoa para celebrar los 70 años del certamen. Comisariada por el estudio Morgancrea, Imagina un Festival se celebrará del 4 de julio al 24 de septiembre en instalaciones repartidas por Tabakalera con el objetivo de rendir homenaje a la industria, a los medios de comunicación, a la ciudad y, muy especialmente, al público, principal artífice del éxito del Festival durante estas siete décadas.
Alfred Hitchcock presentando Vertigo (Vértigo– De entre los muertos, 1958) en el Victoria Eugenia; Harrison Ford y Carrie Fisher en el estreno europeo de Star Wars ( La guerra de las galaxias, George Lucas, 1977); John Travolta paseando por la playa de la Concha en 1983; Bette Davis en su estelar rueda de prensa de 1989; el cantante Bono de U2 entregando el Premio Donostia a Penélope Cruz por sorpresa en 2019… Son sólo algunos de los instantes icónicos que forman parte del imaginario del Festival y que junto a muchos otros estarán presentes en una exposición audiovisual que, además, mostrará también las fotografías que la ciudadanía ha ido tomando edición tras edición.
A tal efecto, el Festival ha habilitado un canal online para que quien lo desee remita sus recuerdos personales en forma de fotografías: un selfi junto a un famoso actor, la firma de un autógrafo en la alfombra roja, alguna directora capturada mientras pasea por la ciudad… Cualquier instantánea es susceptible de ser enviada a los comisarios de la exposición, que realizarán una selección de las imágenes para incluirlas en las pantallas de un espacio de la muestra centrado en el público.
LA EXPOSICIÓN
Concebida como homenaje al público, a la industria, a los medios de comunicación y a la ciudad de San Sebastián, Imagina un Festival se desarrollará en varios espacios de Tabakalera repartidos entre la Plaza de la planta baja y el primer piso. La exposición no se concentrará en el interior de una sala, sino que saldrá al encuentro del visitante en diferentes zonas abiertas del edificio, en sintonía con el carácter popular del certamen donostiarra, conocido por su condición de festival de público.
Para recordar sus principales hitos, la muestra utilizará algunas de las señas de identidad del certamen, de modo que el centro se verá salpicado de elementos que recordarán los aspectos más lúdicos del evento, como el photocall, el Diario del Festival, las salas de cine o la alfombra roja, que tendrá un protagonismo especial. La exposición Imagina un Festival tendrá un fuerte componente audiovisual y sus contenidos podrán ser disfrutados gracias a un gran despliegue de pantallas y dispositivos digitales.
La firma encargada de idear y comisariar la muestra es Morgancrea, cuyos responsables, Carlos Rodríguez y Asun Lasarte, aseguran que la principal idea ha sido rendir “un homenaje a todas las personas, entidades e instituciones que han hecho posible el Festival”. “En primer lugar, significa un reconocimiento al público, que es una de las señas de identidad de San Sebastián frente a otros grandes festivales internacionales, pero también a los medios de comunicación, gracias a los que disponemos de un magnífico archivo audiovisual, y a la propia ciudad: a sus comercios, su hostelería, sus salas de cine, a las instituciones, empresas y colectivos que han apoyado y hecho posible esta aventura de 70 años. En definitiva, queremos presentar el Festival como una obra colectiva en la que todas las personas somos protagonistas”, sostienen.
El Festival de San Sebastián y Tabakalera han organizado la exposición en colaboración con el Ayuntamiento de San Sebastián y la Diputación de Gipuzkoa. Además de colaborar en la organización de Imagina un Festival, Tabakalera se volcará con el 70 aniversario a través de otra exposición, Vive le cinéma!, que abrirá sus puertas el próximo 8 de julio. En ella se mostrarán instalaciones artísticas firmadas por cuatro cineastas internacionales: Jia Zhang-ke, Lemohang Jeremiah Mosese, Isaki Lacuesta y Dea Kulumbegashvili, los dos últimos ganadores de tres Conchas de Oro.
CÓMO ENVIAR TUS FOTOS A LA EXPOSICIÓN ‘IMAGINA UN FESTIVAL’
¿Quieres formar parte de la exposición del 70 aniversario del Festival de San Sebastián?
Envíanos tus selfis o fotografías junto a cineastas, intérpretes o guionistas tomadas durante el Festival, ya sea en la alfombra roja, en el exterior del Hotel María Cristina o en cualquier otro punto de la ciudad.
¿Tienes algún familiar que guarde fotos que se hizo en otras épocas del Zinemaldia? Pídele que las desempolve y que nos las envíe en formato digital.
Entre todas las fotografías enviadas se efectuará una selección que formará parte de Imagina un Festival, la exposición del 70 aniversario del Festival que tendrá lugar en el Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera de San Sebastián entre el 4 de julio y el 24 de septiembre de 2022.
Las primeras 500 personas que envíen sus fotos recibirán una entrada doble para una sesión del Velódromo.
Pincha aquí y participa enviando tus fotos al Festival .

https://youtu.be/KgZihJElaOI

A la caza del espía, primer tráiler del thriller coreano «Hunt»

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Siguen llegando los primeros avances de algunas de las películas que estarán presentes en el ya inminente Festival de Cannes, Hunt (Namsun), cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página junto a su póster oficial, es un thriller de acción que supone el primer trabajo como director en el largometraje de Lee Jung-jae, conocido por el gran público por ser el protagonista principal de la exitosa serie El Juego del Calamar.
Hunt nos sitúa en los años 80 y gira en torno a la rivalidad entre dos agentes especiales que trabajan para los servicios secretos de Corea del Sur. Ambos tendrán que unir sus fuerzas y aparcar sus diferencias para encontrar a un topo, un presunto espía norcoreano conocido como Donglim infiltrado en Corea del Sur. Poco a poco empiezan a desentrañar la verdad, y deberán enfrentarse a un complot que intenta asesinar al presidente de Corea del Sur.
La película está protagonizada por el propio Lee Jung-jae junto a Jeong Woo-seong.

Filmoteca española Sala B: Cantudo sesión doble

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«SALA:B» SE VISTE DE GALA PARA HOMENAJEAR A LA ACTRIZ MARÍA JOSÉ CANTUDO, MUSA DE LA ÉPOCA DORADA DEL CINE DE BARRIO Y AUTÉNTICO ICONO DEL FIN DE LA CENSURA EN ESPAÑA.
Cuando en octubre de 1976 se empieza a rodar Secuestro, María José Cantudo estaba en un momento clave de su carrera cinematográfica. A principios de año se había estrenado La trastienda y su desnudo integral había pasado a formar parte de la cultura pop de este país, echándole valor al esperado final de la censura franquista. La película de Grau se incluía en el jugoso contrato entre La Cantudo (ya con artículo determinando autenticidad) y el productor José Frade para rodar seis películas, tras haber despegado participando en fotonovelas y clásicos del fantaterror como El espanto surge de la tumba o El asesino no está solo. Muy a menudo Paul Naschy la pretendió como partenaire y en Secuestro consiguió que La Cantudo cayera rendida a sus encantos, ella como millonaria con síndrome de Estocolmo y él como líder de una banda criminal. No por casualidad firmaba el guion como Jacinto Molina, junto a Antonio Fos, guionista de confianza de Eloy de la Iglesia. Podríamos percibir la mano de Fos en algunas alusiones a la actualidad política, Patty Hearst incluida, pero sobre todo en la insólita caracterización del ex torero y galán Máximo Valverde como delincuente castizo y homosexual. Teresa Gimpera, Tony Isbert, María Luisa Ponte o Gemma Cuervo completan el rutilante reparto, pero es el dúo Cantudo-Naschy de la secuencia final el que alcanza la categoría de hallazgo ideal para un hipotético Tarantino a la española.
Continuamos la sesión con una rareza: La vida, el amor y la muerte (Historias burlescas) donde María José Cantudo realiza un sorprendente trabajo de metaficción, interpretando a una actriz harta de ser objeto sexual para vender películas, discos o productos de consumo. Una extraña mutación pondrá patas arriba su carrera y la de su pareja Paco Valladares, dando pie a uno de los finales más queer del cine español. Este es el argumento de la segunda trama de esta desconocida película de episodios escrita y dirigida por Carlos Puerto (Escalofrío, 1978), que intenta aquí una comedia decameroniana alrededor de tres abanderadas de nuestra serie B: La Cantudo, Azucena Hernández y Silvia Aguilar. Los tres relatos sirven además como crítica mordaz al patriarcado de este país, señalando directamente a pilares como la iglesia, la familia, el fútbol o los medios de comunicación. El humor que practica Puerto, en apariencia costumbrista y sainetero, esconde una revisión nada complaciente de los tópicos de lo que entonces se conocía como «una españolada», dando como resultado una comedia muy atípica.
Presentan la sesión la actriz María José Cantudo y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Primer avance para «Decision to Leave» de Park Chan-wook

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Como suele ser habitual empiezan a ver la luz los primeros avances de algunas de las películas que estarán presentes en la ya inminente nueva edición del Festival de Cannes compitiendo por la Palma de Oro, el surcoreano Park Chan-wook que últimamente intercala proyectos internacionales como Stoker (2013) o la serie The Little Drummer Girl (2018) vuelve a su país de origen con Decision to Leave, thriller de misterio cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Decision to Leave nos cuenta como un detective que investiga la extraña muerte de un hombre en las montañas se encuentra con la misteriosa esposa del muerto en el curso de su tenaz investigación.
La película con guion a cargo del propio Park Chan-wook junto a Jeong Seo-Gyeong está protagonizada por Tang Wei, Park Hae-Il, Go Kyung-pyo, Park Yong-woo y Lee Jung-hyun.

2001 entre Kubrick y Clarke

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La realización de 2001: Una odisea del espacio, es tan épica como los acontecimientos que narra la película y, hasta ahora, igual de misteriosa. En 1964, tras terminar Doctor Strangelove, Stanley Kubrick dudaba de si podría repetir el éxito. Considerando ideas sobre temas candentes, conoció a Arthur C. Clarke, y se decidió por la ciencia-ficción. Cuatro años más tarde y tras un titánico esfuerzo, salpicado de dudas, experimentos, genialidades, deudas, amenazas y crisis nerviosas salió a la luz 2001. Fuentes inéditas, documentos de producción de la película y correspondencia entre escritor y director. La obra relata, por primera vez, la odisea técnica y artística de los dos autores y arroja luz sobre su no siempre fácil relación y revela detalles hasta ahora desconocidos.
Autor: Filippo Ulivieri, Simone Odino, Editorial: Plan B Publicaciones, S.L.; Páginas: 184

El conflicto rural, primer tráiler de «As bestas» de Rodrigo Sorogoyen

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Tras el periplo televisivo que supuso la miniserie Antidisturbios y su reciente aportación a la revisitación de Historias para no dormir con el episodio El doble Rodrigo Sorogoyen vuelve al largometraje tras Madre (2019) con As bestas, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. As bestas, un thriller rural que puede recordar en un primer momento a películas como Straw Dogs de Sam Peckinpah, The BackWoods de Koldo Serra o incluso la magnífica The Field de Jim Sheridan, tendrá su estreno mundial fuera de competición en el próximo Festival de Cannes. La película aún sin fecha de estreno será distribuida en España por A Contracorriente Films.
En As bestas vemos como Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.
La película con guion a cargo del propio Rodrigo Sorogoyen junto a Isabel Peña está protagonizada por Marina Foïs, Denis Menochet, Luis Zahera, Diego Anido y Marie Colomb.

«Earwig» review

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Earwig nos sitúa en algún lugar de Europa, a mediados del siglo XX, Albert trabaja cuidando de Mia, una niña con dientes de hielo. Mia nunca sale de un apartamento donde las puertas y ventanas siempre están cerradas. El teléfono suena con regularidad, y un individuo conocido como el Maestro se interesa por el estado de Mia. Un día, Albert recibe instrucciones: debe preparar a la niña y salir al exterior.

No deja de ser digno de elogio que un Festival de las características de San Sebastián siga haciendo año tras año una apuesta decidida por autores tan poco dados a convencionalismos como resulta ser Lucile Hadzihalilovic, Premio New Directors con su ópera prima Innocence (2004) y presente en 2015 con la también notable Evolution, en Earwig, que compitió por la Concha de Oro en la pasada edición, se nos vuelve a situar en una autoría tan arriesgada como poca dada a según qué tipo de concesiones por aquello de las dudas que pudiera generar en un principio el adaptar por primera vez una obra ajena, el rodar por primera vez en inglés o disponer de un presupuesto algo más holgado en relación a anteriores trabajos suyos, a tal respecto y recogiendo unas declaraciones de la propia cineasta publicadas en el número 80 de la revista Sofilm a propósito del estudio La imagen weird a cargo de Elisa McCausland y Diego Salgado Lucile Hadzihalilovic comentaba  lo siguiente “No me preocupa si el gran público recibe mejor o peor mis películas. Soy consciente de que mi cine es raro, y también de cuál es el panorama del cine mayoritario. Lo que me preocupa es si las películas que hago responden a lo que se me pasa por la cabeza”. En este sentido es complicado describir mejor el trazo autoral de una cineasta, que al igual que compañeros suyos de generación que al igual que ella transitan por sendas limítrofes del fantástico como por ejemplo Peter Strickland o Hélène Cattet y Bruno Forzani  siguen siendo fieles a un estilo percibido como irrenunciable que da la sensación de ir continuamente a contracorriente con respecto a todas las demás corrientes cinematográficas.

Partiendo de la novela homónima de Brian Catling con Earwig Lucile Hadzihalilovic, que con solo tres largometrajes se podría aseverar que atesora un estatus ya plenamente definido, no solo demuestra ser fiel a unas determinadas coordenadas autorales que no otorga concesiones como hemos indicado más arriba sino que de alguna manera refuerza y amplifica conceptos y matices en base un material ajeno que en vez de restar autoria da la impresión de enriquecer ese particular imaginario a través de un relato situado a media camino entre la fábula lúgubre y la ensoñación, el cine, que como suele ser preceptivo transita nuevamente por universos atormentados y enigmáticos, de la responsable de Innocence vuelve a orbitar pues en base a universos femeninos que dan la sensación de estar en constante peligro en donde ese statu quo en el imaginario de Hadzihalilovic que es la perdida de inocencia deviene como forzada de forma no natural, especialmente en infantes, empujados en la mayoría de ocasiones a través de un estado casi narcótico, siendo manipulados por misteriosos mayores que ejercen autoridad sobre el menor en base a intenciones percibidas como poco claras, de hecho en este sentido las tres películas de la realizadora francesa podrían ser interpretadas a tal respecto perfectamente casi como de una trilogía temática se tratase. Aquí el relato, nuevamente sin apenas diálogos, es percibido incluso como algo más críptico que los anteriores trabajos de su directora, en cierta manera estamos ante un tipo de cine que prioriza por encima de todo el componente sensitivo a la hora de proponer difusas lecturas, el espectador que acepte dicho reto ha de refugiarse más en la atmosfera de las imágenes, magistral fotografía a cargo de Jonathan Ricquebourg,  que en buscar la racionalidad a una historia contada en base a una narrativa en donde no resulta fácil aplicar una lógica explicativa a según qué determinados imaginarios oníricos, en este sentido quien busque una interpretación fácil a esos dientes de hielo o a ese succionador de saliva seguramente se estrelle contra un muro difícilmente franqueable .

De estética tenebrista  y claras reminiscencias a relato gótico Earwig, que tiene esa virtud cada vez más difícil de encontrar en la actualidad de no generar indiferencia para con el espectador, nos cuenta a grandes rasgos una historia de tono pesadillesco, o eso se puede percibir, en donde el adulto protagonista del relato no llega a ser del todo consciente del imaginario del que parece formar parte confundiendo continuamente recuerdos y pesadillas, en este apartado podemos encontrar una conexión de lo más estimulante con la magnífica Spider de David Cronenberg, todo ello expuesto en base a un cine de texturas que atesoran una serie de ideas muy potentes a cargo de  una de las autoras más personales, sugerentes e irreductibles del actual panorama cinematográfico.

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Tráiler para lo nuevo de Rob Savage «Dashcam»

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Fue indiscutiblemente una de las sorpresas más relevantes del 2020 dentro del ámbito del fantástico, en apenas 55 minutos de duración la opera prima de Rob Savage Host nos ofrecía una peculiar y terrorífica mirada sobre la soleada doméstica en época del Covid filmada a través de videollamadas Zoom y dispositivos móviles. En su segundo trabajo tras las cámaras titulado Dashcam, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, Rob Savage  vuelve a utilizar formatos digitales similares a su primer trabajo en una película que tras poderse ver en el pasado festival de Sitges se estrenará en Reino Unido el próximo mes de junio.
En Dashcam vemos como una mujer viaja a Inglaterra desde Estados Unidos para huir del confinamiento y poder así seguir filmando su programa en streaming, Band Car Show, cuando repentinamente se ve abocada a una situación terrorífica al recoger con su coche a una mujer completamente empapada de sangre.
La película con guion del propio Rob Savage   junto a Gemma Hurley y Jed Shepherd está protagonizada por Annie Hardy, George Keeler, Seylan Baxter, Amer Chadha-Patel, Caroline Ward, Edward Linard, Jemma Moore y Angela Enahoro.

La amenaza invisible, tráiler de «Inventura» de Darko Sinko

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La ópera prima del realizador esloveno Darko Sinko Inventura fue una de las varios trabajos presentes en la interesante cosecha vista el pasado año dentro de la sección Nuevos Directores del Festival de San Sebastián, la película (critica aquí) cuyo tráiler oficial subtitulado al inglés podéis ver a final de página se adentra a modo de drama en la oscura odisea de un ser corriente que ve como su entorno más cercano se desmorona lentamente a causa de un hecho aislado sin explicación aparente.
En Inventura vemos como Boris Robic es, como suele decirse, un tipo corriente. Una noche, sin embargo, alguien intenta dispararle. Las investigaciones no revelan nada. Ni enemigos, ni sospechosos. Se podría decir que Boris es la última persona a la que alguien querría matar. Cuando la policía cierra la investigación, Boris empieza a investigar por su cuenta. Mientras busca al sospechoso, vemos cómo se desarrolla la tragicomedia de un hombre que descubre que le odia mucha más gente de lo que pensaba y que la forma en que ve su propia vida era una ilusión.
La película con guion del propio Darko Sinko está protagonizada por Rados Bolčina, Dejan Spasic, Mirel Knez, Sasa Tabakovic, Renato Jencek, Mojca Partljic, Mirel Knez y Alen Kermac.

Xawery Żuławski visita Filmoteca Española con motivo de la retrospectiva «Andrzej Żuławski. Pasión por la libertad»

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Estará en el cine Doré el día 21 de abril a las 20:00h. para presentar Bird Talk (2019), película que dirigió a partir de un guion que su padre le dejó antes de morir.
De abril a junio Filmoteca Española acoge una completa retrospectiva del director polaco Andrzej Żuławski (1940, Lvov – 2016, Varsovia), autor de emblemáticos títulos como El diablo (1972), La posesión (1981) u On the Silver Globe (1988). En el marco de esta iniciativa su hijo, el también cineasta Xawery Żuławski, acudirá al Doré para presentar una de las películas incluidas en el ciclo, Bird Talk (2019), rodada por Xawery a partir del guion que su padre le entregó pocos días antes de morir.
El propio Żuławski relata cómo, cuando recibió el guion, no le prestó demasiada atención, preocupado por el estado de salud de su padre. No fue hasta algunos meses después cuando el productor Marcin Wierzchosławski, amigo de Andrzej Żuławski, le llamó para decirle que había recibido el mismo guion. “Así empezó mi aventura interior con la faceta como director de cine de mi padre y con su obra. Aunque nuestra relación no era nada fácil siempre le había querido. Mi padre es para mí una fuente de inspiración inagotable: por él y por su carácter único desde muy joven quería seguir su camino y ser director de cine. Fue para mí un enigma fascinante al que quería acercarme”, apunta Xawery. Y añade: “durante la realización de la película Bird Talk me resonaba en la cabeza una frase suya: ‘Recuerda, hijo, la clave de la libertad es la palabra NO’”.
Además de todos los largometrajes de la filmografía de Żuławski, el ciclo incluye sus cortometrajes, el documental sobre el director Escape to the Silver Globe (Kuba Mikurda, 2021), y la ya mencionada Bird Talk (2019), el tercer largometraje de Xawery Żuławski tras Chaos (2006) y Snow White and The Russian Red (2009).
Cabe destacar que algunas de las películas que se pueden ver en la retrospectiva son versiones restauradas, entre ellas La posesión, el título más icónico de Andrzej Żuławski que, tal y como apunta Joanna Bardzińska, comisaria de la retrospectiva, “expone en clave de thriller lo esencial y más paradigmático de su peculiar universo artístico”.