Categoría: Eventos

-El autor de algunas de las bandas sonoras más emblemáticas del cine épico y fantástico participará en “La era de los imperios”, concierto de clausura del festival, el 22 de agosto en la Plaça de Bous d’Ondara.

-La octava edición del Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto y estará dedicada al cine épico e histórico. Tendrá lugar en las localidades de Ondara, Dénia, Calp/Calpe, Beniarbeig, Xàbia/Jávea y Pego, todas ellas situadas en la comarca alicantina de la Marina Alta, en la Comunidad Valenciana.

-Las entradas para los distintos conciertos de SONAFILM 8 están a la venta en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.sonafilm.es.

El compositor sudafricano Trevor Jones, nominado en varias ocasiones a los premios BAFTA y autor de algunas de las partituras más recordadas del cine épico, fantástico y de aventuras, como las de “El último mohicano” (1992), “Excalibur” (1981) o “Dentro del laberinto” (1986), asistirá a la octava edición de SONAFILM, Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta, que se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto en las localidades alicantinas de Ondara, Dénia, Calp/Calpe, Teulada Moraira, Beniarbeig, Xàbia/Jávea y Pego, todas ellas situadas en la comarca de la Marina Alta (Comunidad Valenciana). Jones participará como invitado especial en “La era de los imperios”, el concierto de clausura del certamen, que tendrá lugar el sábado 22 de agosto a las 23:00 horas en la Plaça de Bous d’Ondara, con la Universal Symphony Orchestra bajo la dirección de José Martínez Colomina.

“La era de los imperios” se articulará como un recorrido por distintas formas de épica cinematográfica, desde la antigüedad clásica y el mundo grecorromano hasta el Japón feudal, los viajes oceánicos del siglo XV, la leyenda artúrica y los territorios de frontera de Norteamérica. La primera parte del concierto reunirá músicas de “Ben-Hur”, “Troya”, “El último samurái” y “Gladiator”, con partituras de Miklós Rózsa, James Horner y Hans Zimmer.

La segunda parte ampliará ese viaje con “1492: la conquista del paraíso”, de Vangelis, antes de desembocar en dos obras fundamentales de Trevor Jones: “Excalibur” y “El último mohicano”. De este modo, la presencia del compositor sudafricano adquirirá un valor especialmente relevante dentro del concierto, al conectar directamente el repertorio de la clausura con dos de las bandas sonoras que mejor representan su capacidad para combinar emoción, aventura y espectacularidad sinfónica.

Trevor Jones, una carrera entre la épica, la fantasía y el cine popular

Nacido en Ciudad del Cabo en 1949, Trevor Jones desarrolló muy pronto una vocación ligada a la música para el cine. Tras formarse en Sudáfrica, se trasladó al Reino Unido, donde estudió en instituciones como la Royal Academy of Music, la Universidad de York y la National Film and Television School. Desde esa base académica y técnica fue construyendo una carrera marcada por la versatilidad, la ambición narrativa y una especial atención a la relación entre música e imagen.

Su gran irrupción internacional llegó a comienzos de los años 80 con “Excalibur” (1981), de John Boorman, una obra que ya anticipaba muchos de los rasgos que acabarían definiendo su personalidad como compositor, desde el sentido de la grandeza y la intensidad dramática hasta una poderosa capacidad para dotar de dimensión mítica a las imágenes. Poco después, su trabajo en “Cristal oscuro” (1982) confirmó su afinidad con los universos fantásticos y con una escritura musical capaz de combinar orquesta, texturas singulares y una fuerte carga evocadora.

Esa conexión con la fantasía continuó en “Dentro del laberinto” (1986), dirigida por Jim Henson y protagonizada por David Bowie, donde Jones firmó la partitura instrumental de una de las películas de culto más recordadas de los años 80. A lo largo de esa década, su filmografía se amplió también hacia registros más oscuros y adultos, con títulos como “El corazón del ángel” (1987) o “Arde Mississippi” (1988), que mostraron su habilidad para trabajar la tensión, el misterio y el drama desde enfoques muy distintos.

En 1992 llegó uno de los grandes hitos de su carrera con “El último mohicano”, de Michael Mann, cuya banda sonora, compuesta junto a Randy Edelman, se convirtió en una de las más populares e identificables del cine de aventuras contemporáneo. Su fuerza melódica, su impulso emocional y su capacidad para expresar paisaje, peligro y romanticismo la han convertido en una referencia para varias generaciones de espectadores y aficionados a la música de cine.

A lo largo de más de cinco décadas de trayectoria, Jones ha firmado música para más de 100 producciones de cine y televisión, con títulos como “En el nombre del padre” (1993), “Tocando El Viento” (1996), “Dark City” (1998), “Notting Hill” (1999), o “Desde el infierno” (2001). Su trabajo le ha valido varias nominaciones a los BAFTA y a los Globos de Oro, además del reconocimiento de instituciones internacionales dedicadas a la música cinematográfica, que lo sitúan como una de las figuras esenciales de la composición audiovisual contemporánea.

SONAFILM 8: la música de las grandes epopeyas cinematográficas

La octava edición de SONAFILM estará dedicada al cine épico e histórico, un género en el que la música ha desempeñado un papel esencial a la hora de construir grandeza, emoción y sentido de aventura. Según Javier Gil, director de SONAFILM, “esta edición nos permite celebrar una de las grandes virtudes de la música de cine, que es su capacidad para transformar una imagen en leyenda. En el cine épico e histórico, la partitura construye grandeza, emoción y memoria, y Trevor Jones es uno de los compositores que mejor ha sabido trabajar ese territorio”.

El festival ofrecerá hasta ocho conciertos de distintos estilos relacionados con el audiovisual, además de actividades paralelas de carácter didáctico.

La organización agradece la colaboración de todas las empresas, entidades y municipios participantes que hacen posible la celebración de SONAFILM, consolidado como uno de los grandes festivales de música de cine del país.

Eros y Thanatos bajo el sol

Sala 1 y Sala de verano, julio-agosto | Filmoteca Española

A mediados del siglo pasado, las fuerzas del mal abandonaron las sombras y la humedad de los castillos centroeuropeos para extenderse bajo una luz que les permitía ampliar y actualizar su campo de batalla. En este nuevo contexto estival y chic, las mansiones polvorientas y las telarañas fueron sustituidas por villas de lujo, piscinas celestes, yates y horizontes deslumbrantes que, tras una imagen de postal, escondían jaulas de cristal donde la perversión, el deseo y la angustia existencial se fundían.

Los viejos tropos del cine gótico se iban de turismo, pero no se tratabasolo de una mudanza geográfica o de un cambio de vestuario. Tomaba forma un subgénero con su propia metafísica meridional, apoyada en códigos renovados tan afines a las plazas vacías de Giorgio de Chirico como a las fotografías de Bernard Plossu o a las siestas de la cuchara de Dalí. La inquietud ya no partía de la oscuridad sino exactamente de lo contrario: una claridad excesiva que, en lugar de esclarecer, enturbia y provoca una especie de amnesia. Es este desvío —el sol como agente de extrañamiento y no de revelación— el que opera en todas las películas de este ciclo.

La etiqueta no es caprichosa: llega inspirada por el concepto de Gótico Tropical que Carlos Mayolo y Luis Ospina formularon en los setenta para catalogar un cine colombiano que hacía suyas las obsesiones del gótico clásico —el horror, la podredumbre, el deseo y la muerte— situándolas en el trópico húmedo en lugar de los parajes brumosos. En el Mediterráneo, el mecanismo es análogo pero el clima contiene otras peculiares características. El tiempo se estira y se vuelve lánguido, como el sol del verano que nunca termina y se torna amenaza. Las motivaciones de los personajes se enrarecen, perdiendo la claridad moral del gótico victoriano. Los roles de género se desestabilizan y abrazan una ambigüedad que se ya presume queer. La herencia y la memoria pierden su certeza: el pasado mediterráneo es tan antiguo, tan mitológico, que ya no aplasta sino que hipnotiza como un sueño que no se sabe del todo si es propio o compartido.

La piedra angular de todo esto es Méditerranée (Jean-Daniel Pollet, 1963), que funciona como un códice secreto para desentrañar el significado del sueño. Pollet nos invita a un viaje entre ruinas desérticas, banquetes de bodas griegas, corridas de toros, mareas que van y vienen. Una corriente subterránea que recorre toda la cuenca del Mare Nostrum con la belleza de una máscara mortuoria egipcia. Las costas mediterráneas, mitad sólidas mitad líquidas, invitan a partir de aquí a la mezcla de subgéneros: el thriller, el terror, la ciencia ficción, el polar francés, el giallo italiano, la serie B con el arte y ensayo, cruces imposibles con la bravura natural de un ser mitológico.

Arrancamos por donde arranca toda genealogía: con el vampiro, quizá la figura más emblemática del cine gótico tradicional. Drácula en Estambul (Mehmet Muhtar, 1953) es la más clásica en su forma, pero la más radical en su operación: traslada el mito de Transilvania a las calles y cementerios de Estambul, sustituyendo los elementos cristianos por el Corán. De ahí la figura vampírica muta en este ciclo hacia formas menos reconocibles pero igualmente letales. En La isla de la muerte (Mel Welles, 1967), rodada en la Costa Brava, el monstruo aristocrático es un botánico que cultiva plantas chupasangre. En Traitement de choc (1973), Alain Jessua lleva la lógica vampírica más allá: un balneario aséptico en la costa, con pacientes ricos y trabajadores inmigrantes que desaparecen uno a uno.

Del horror con filiación reconocible nos desplazaremos hacia intrigas sensuales inexplicables y misteriosas. La route de Salina (Georges Lautner, 1970) adquiere hechuras casi fantásticas: en un desierto rocoso y soleado, la llegada de un joven desencadena una turbadora tensión erótica con Mimsy Farmer y Rita Hayworth como protagonistas. El ojo del huracán (José María Forqué, 1971) opera en similares frecuencias pero con acento español: un giallo de alta costura que baña cada superficie en un resplandor que nos sugiere unas vacaciones eternas junto a Jean Sorel y Analía Gadé.

Con Jess Franco, este programa se vuelve más salvaje y primitivo. Su Eugénie de 1980, rodada en la Muralla Roja de Calpe, cita El sueño de Dalí y convierte la arquitectura en personaje: el laberinto rosa de Bofill, que promete el paraíso y encierra, planteando la metáfora más delirante del Gótico Mediterráneo. Franco es el auténtico maestro del subgénero, el que más consciente y sistemáticamente ha explorado esta metafísica playera y plagada de femmes fatales. En este lado salvaje juega también otro Frank (Hubert), el director austríaco de Desnuda ante el espejo (1978), que apoyándose en los cuerpos de Patricia Adriani y Bárbara Rey, no vacila al saltar del melodrama sexploit al cine de acción más macarra, casi quinqui.

La autodestrucción en el paraíso es el tema central de More (Barbet Schroeder, 1969). Al igual que Ícaro, el protagonista vuela demasiado cerca del sol de Ibiza, para encontrar su ruina a través de la heroína. Viajamos a otras islas, con su lógica de encierro sin muros visibles, con Iguana (1988) de Monte Hellman, que ofrece una variante exótica del subgénero. La desolación volcánica de Lanzarote sirve de escenario a una revisión del monstruo romántico, entre un fantasma de la ópera y una bestia enamorada de la belleza. Las localizaciones de Iguana nos sirven para confirmar que el Gótico Mediterráneo es en realidad un estado de ánimo, más que una estricta orientación geográfica.

Kinetta (Yorgos Lanthimos, 2005) cierra y a la vez abre este ciclo hacia otros tiempos. En un hotel turístico desolado fuera de temporada, tres personajes recrean escenas de crímenes sin motivaciones claras, obsesionados con la repetición y con la mentira de la representación. El Lanthimos anterior a su consagración internacional construye ya ese mundo de rituales incomprensibles donde el hombre contemporáneo ha perdido su identidad en medio de una realidad vacía de sentido. Es la demostración de que el Gótico Mediterráneo no fue un fenómeno circunscrito a los sesenta y setenta: es una sensibilidad que el cine sigue destilando cada vez que alguien sitúa el horror donde el horror no debería poder ocurrir, bajo un cielo despejado, a la vista de todos.

Álex Mendíbil

Bajo el título ‘Superestrellas 3’, acoge experiencias híbridas entre la música y el cine, con dos conciertos audiovisuales y tres pases especiales con películas comentadas en vivo

Además, se proyectarán 11 filmes que viajan del musical queer al género blaxploitation, haciendo parada en lisérgicas cintas yeyé

Músicos como Christina Rosenvinge e Hidrogenesse, junto al cineasta Nacho Vigalondo, el actor Brays Efe y el periodista Alberto Rey se sumarán a esta fiesta del cine con su talento y cinefilia

Las entradas pueden adquirirse de forma online en cinetecamadrid.com y presencialmente en la taquilla los días de proyección, desde 3,50 euros

Un año más, en el mes de julio, la plaza central de Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se convertirá en un cine de verano al aire libre, con una programación híbrida que conectará el séptimo arte con música en directo. 

Bajo el título ‘Superestrellas 3’, el programa de la novena edición de CinePlaza de verano acogerá, las noches de jueves a domingo, dos cine-conciertos de músicos relevantes del panorama español, que acompañarán sus canciones con imágenes en directo; tres sesiones con películas comentadas en vivo; y una constelación de 11 títulos que viajan del musical queer (con Marc Ferrer como invitado especial) al género del blaxploitation (con ese seductor soul de los 70), haciendo parada en lisérgicas cintas yeyés.

Este año, abrirá fuego Christina Rosenvinge (jueves 2 de julio), un mito de la música indie que también ha sido actriz y compositora de bandas sonoras. De su relación con el cine dará cuenta en un evocador concierto creado ad hoc para este ciclo. También regresará el dúo de electropop más arty de España: Hidrogenesse (jueves 16 de julio), que desplegará de nuevo su humor iconoclasta en la plaza de Matadero. 

Además, la programación incluye tres pases especiales: una sesión sorpresa preparada por Nacho Vigalondo (domingo 5 de julio), una de las mentes más imaginativas de la industria audiovisual; una edición XL de ‘Linterna’, el triunfal ciclo comandado por Brays Efe y Miguel Agnes (jueves 9 de julio); y, para finalizar, un pase especial con las superestrellas Cher, Susan Sarandon y Michelle Pfeiffer en Las brujas de Eastwick, comentada en directo por el siempre afilado Alberto Rey (jueves 23 de julio).

CinePlaza acoge también 11 películas que abarcan tres estilos refrescantes: el musical queer, el cine yeyé y el género del blaxplotaition, que luchó en los años 70 contra la representación estereotípica de los afroamericanos en el cine.

Precios populares desde 3,5 euros

En versión original y con subtítulos en castellano, los títulos se proyectarán en Plaza Matadero de jueves a domingo, entre el 2 y el 26 de julio, a las 22:15 horas (salvo la sesión ‘Linterna XL’, a las 21:30h). Las entradas para las 11 películas tendrán un precio de 3,50 euros, mientras que las sesiones de filmes comentados podrán disfrutarse por 5 euros y los dos cine-conciertos tendrán un coste de 10 euros. Las entradas pueden adquirirse en cinetecamadrid.com y presencialmente en taquilla los días de proyección.

Cine-concierto: Christina Rosenvinge: un concierto de cine. Jueves 2 de julio, 22:15 h

Una carrera de más de 30 años, con joyas como Tu labio superior o Un hombre rubio, han convertido a Christina Rosenvinge en un mito de la música indie en español. Pero no solo de música vive la leyenda de esta artista, que también ha probado suerte en los escenarios de la mano de Marta Pazos y en la gran pantalla. Desde su debut como actriz en los 90 con la icónica Todo es mentira, con Penélope Cruz y Coque Malla, Rosenvinge ha actuado junto a Viggo Mortensen en La pistola de mi hermano y también ha protagonizado Karen, una película sobre la vida de la escritora danesa Isak Dinesen. Sus últimas incursiones en el cine como actriz son Balearic, de Ion de Sosa, y Después de Kim, de Ángeles González-Sinde. Durante su concierto en Matadero Madrid. repasará estas incursiones en el cine, así como su faceta como compositora de bandas sonoras, en un concierto evocador en el que también dará rienda suelta a su cinefilia. 

Proyección: Coffy (Jack Hill, EE. UU., 1973). Viernes 3 de julio, 22:15 h 

Coffy es una enfermera cuya hermana ha quedado destrozada por la heroína adulterada. A partir de ahí emprende una vengativa cruzada contra traficantes, proxenetas y políticos corruptos. Con Pam Grier en estado de gracia, la película combina explotación, acción y comentario social, y convirtió a su protagonista en uno de los grandes iconos femeninos del cine negro de los 70.

Proyección: Bixa Travesty (Claudia Priscilla, Kiko Goifman, 2018). Sábado 4 de julio, 22:15 h 

Retrato de la artista y activista brasileña Linn da Quebrada, figura central de una escena en la que música, sexualidad, rabia y performance se funden en un solo gesto político. El documental, que participó en Documenta Madrid 2018 y obtuvo una Mención Especial del Jurado, sigue sus conciertos, sus intervenciones públicas y su manera de convertir el cuerpo travesti en un espacio de confrontación con el racismo, el machismo y la transfobia. 

Películas comentadas: velada sorpresa con Nacho Vigalondo. Domingo 5 de julio, 22:15 h 

Nacho Vigalondo es una de esas rarezas inclasificables del cine español. Ha hecho cortos virales antes de que existiera el concepto; ha dirigido monstruos gigantes en Los Ángeles; ha revivido el ‘tamarismo’ y ha logrado que el humor y la ciencia ficción se den la mano de una forma única. Su visión del cine es inteligente, juguetona y con un punto de ternura. En esta velada sorpresa, los espectadores tendrán la oportunidad de conocer mejor sus influencias y su pensamiento a través de una selección de fragmentos y películas comentadas en directo por el cineasta. Un acercamiento lúdico y fresco, ideal para quien quiera reírse, sorprenderse y redescubrir que el cine puede ser muchas cosas.

Película comentada: ‘Linterna XL’: La sala de baile (Le bal). Jueves 9 de julio, 21:30 h 

En el cineclub ‘Linterna XL’, Brays Efe y Miguel Agnes invitarán a los espectadores a descubrir sus películas de culto favoritas, proponiendo una relectura irreverente y luminosa desde la charla, el humor y la inteligencia. En esta ocasión, revisitan La sala de baile, de Ettore Scola, una obra singular que condensa medio siglo de historia europea a través del lenguaje universal de la música y la danza. Considerada una de las cumbres del cine musical europeo, constituye una experiencia cinematográfica profundamente original que demuestra la capacidad del cine para contar la historia sin palabras. La proyección irá precedida de una conversación con Brays Efe y Miguel Agnes. 

Proyección: Pánico en la calle 110 (Barry Shear, EE. UU, 1972). Viernes 10 de julio, 22:15 h 

Tras un robo sangriento en Harlem, dos policías muy distintos entre sí y varios mafiosos se lanzan a la caza de los responsables. Situada en la frontera simbólica entre Harlem y Central Park, la película mezcla thriller policial, violencia urbana y conflicto racial en un retrato especialmente sombrío del Nueva York de comienzos de los setenta. 

Proyección: Reír, cantar, tal vez llorar (Marc Ferrer, España, 2024). Sábado 11 de julio, 22:15 h 

Toñi, una mujer transexual de mediana edad, pide en una iglesia encontrar novio. Poco después entra en su vida Lahcen, un joven inmigrante marroquí recién llegado a Barcelona. Ferrer convierte esta historia de amor improbable en una mezcla libre de melodrama, comedia y musical popular, atravesada por el humor, la ternura y una mirada afectuosa hacia los márgenes urbanos y sentimentales. 

Proyección: Un, dos, tres… al escondite inglés (Iván Zulueta, España, 1970). Domingo 12 de julio, 22:15 h 

En una España pop, disparatada y todavía asfixiada por la grisura oficial, un grupo de jóvenes decide boicotear la canción elegida para representar al país en un festival musical que parodia abiertamente Eurovisión. Con esa premisa, Zulueta construye una comedia musical excéntrica, llena de guiños a la cultura juvenil, actuaciones de grupos de la época y una energía visual absolutamente anómala en el cine español de su tiempo. 

Cine-concierto: ‘Hidrogenesse: un concierto de cine’. Jueves 16 de julio, 22:15 h

Carlos Ballesteros y Genís Segarra son los componentes de Hidrogenesse, el grupo más arty de la escena indie patria. El dúo regresa a CinePlaza para celebrar un concierto cinéfilo con canciones que muestran su amor por el séptimo arte y su admiración por las grandes divas (esa Super Sara) con un montaje audiovisual creado por ellos mismos para cada uno de los temas. Así, Catherine Deneuve, Richard Burton o Liz Taylor los acompañarán en esta aventura. Parafraseando su mítica canción: “No habría nada más triste que perderse este homenaje al séptimo arte y a su universo único”. 

Proyección: Super Fly (Gordon Parks Jr., EE. UU, 1972). Viernes 17 de julio, 22:15 h 

Priest, un traficante de cocaína que disfruta de una vida lujosa en Harlem, decide retirarse con un último gran golpe: vender 30 kilos para conseguir medio millón de dólares. Con una banda sonora compuesta por Curtis Mayfield, considerada un hito del soul y el funk que superó en impacto a la propia película, Super Fly se convirtió en una de las obras más taquilleras y polémicas del blaxploitation.

Proyección: Neptune Frost (Saul Williams, Anisia Uzeyman, Ruanda, 2021). Sábado 18 de julio, 22:15 h 

En un paisaje africano hecho de chatarra electrónica, minas de coltán y circuitos digitales, un minero fugitivo y una figura intersexual se encuentran y desencadenan una revuelta poética y tecnológica. Musical afrofuturista, historia de amor y fábula política, Neptune Frost imagina una comunidad queer anticolonial que combate la explotación global desde la música, la visión y el jaqueo. 

Proyección: Barbarella (Roger Vadim, Francia, 1968). Domingo 19 de julio, 22:15 h 

Año 40.000. La aventurera espacial Barbarella emprende una misión para encontrar a un científico desaparecido y acaba atravesando un universo de monstruos, tiranos, erotismo camp y decorados psicodélicos. Adaptación del cómic de Jean-Claude Forest, la película es una cápsula perfecta de la imaginación pop de finales de los 70. Ciencia ficción, sexualidad kitsch y fantasía lisérgica se mezclan en una obra tan ingenua como delirante. 

Película comentada: Alberto Rey y Las brujas de Eastwick. Jueves 23 de julio, 22:15h 

Desde que comenzara a escribir su blog ‘Asesino en serie’, Alberto Rey se ha convertido en uno de los críticos culturales más irónicos y afilados del país. Autor del libro Peliculero: Un viaje sentimental por las series, películas y estrellas que han definido a una generación, pocas figuras combinan tan bien el análisis cultural con el tono humorístico, algo que ha demostrado en medios como Esquire, Icon, Vanity Fair, GQ y El Mundo, entre otros. En este pase especial de Las Brujas de Eastwick, Rey comentará en directo esta película protagonizada por tres grandes superestrellas femeninas de los 80: Cher, Susan Sarandon y Michelle Pfeiffer (además de Jack Nicholson, en el papel de Satanás). 

Proyección: Foxy Brown (Jack Hill, EE. UU., 1974). Viernes 24 de julio, 22:15 h 

Foxy Brown jura vengarse de la organización criminal que ha asesinado a su novio. Pam Grier, en el papel que terminó de consagrarla como icono del blaxploitation, interpreta a una heroína que subvierte los códigos del género. Es la encarnación de la venganza femenina negra, armada de inteligencia, un vestuario inolvidable y una contundencia física que décadas después sigue inspirando a la cultura pop. 

Proyección: Solo nos queda bailar (Levan Akin, Suecia, 2019). Sábado 25 de julio, 22:15 h 

Merab, joven bailarín del Conjunto Nacional de Georgia, ve alterada toda su vida cuando aparece Irakli, un nuevo compañero que despierta en él rivalidad, deseo y una crisis profunda respecto a su identidad. Ambientada en un entorno conservador donde la tradición pesa sobre los cuerpos, la película convierte la danza en un espacio de disciplina, conflicto y posible liberación. 

Proyección: El knack… y cómo conseguirlo (Richard Lester, Reino Unido, 1965). Domingo 26 de julio, 22:15 h 

Un tímido profesor londinense intenta descubrir el secreto de seducción de su compañero de piso, convencido de que existe una fórmula para conquistar mujeres. Richard Lester lleva esa premisa a una comedia nerviosa, fragmentaria y juguetona, emblema del Swinging London y de una nueva sensibilidad juvenil que mezcla libertad sexual, ironía formal y crítica de los roles de género.

 Un ciclo comisariado por el Colectivo Laberinto recupera la figura del voyeur desde el compromiso de la empatía, con filmes de Akerman, Haneke o Villaronga, entre otros

·  Una retrospectiva de Masao Adachi permitirá adentrarse en el universo de uno de los cineastas más radicales e inclasificables de la historia del cine japonés

·  La obra del artista Tav Falco quedará retratada también en una retrospectiva que transita por sus grandes obsesiones estéticas y temáticas

·  El Foco Milagros Mumenthaler acercará a los espectadores una forma de narrar libre de estructuras narrativas frente a lo sensorial, la intuición y la memoria

·  En el marco de las celebraciones del Orgullo 2026, Cinema Pride refuerza el compromiso con la diversidad, la visibilidad y la defensa de los derechos LGTBI a través del cine

·  La trilogía Caseros e inquilinas, de Fernando Merinero, forma parte de la cartelera de estrenos de este junio que comparte la urgencia de mirar de frente la realidad

·  ECAM Forum celebra su tercera edición en Cineteca Madrid con encuentros clave para el impulso del cine independiente y el talento emergente

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte ubicado en Matadero Madrid, se ha propuesto este mes de junio enfrentarse a la desensibilización digital, creando un espacio de reflexión a iniciativa del Colectivo Laberinto y con el cine como acto de resistencia. Películas crudas, disidentes y profundamente humanas sugieren la empatía para huir del cinismo que en ocasiones nos rodea.

Los ciclos que conforman la cartelera este mes comparten un mismo compromiso ante la posibilidad de plantear el universo cinematográfico como un instrumento para intervenir en la realidad frente a un simple reflejo de ésta, como practica el cineasta Masao Adachi. Asimismo, la cartelera expondrá películas alejadas de estructuras narrativas convencionales para adentrarse en lo intuitivo, lo sensorial o lo diverso, como en el caso de la retrospectiva de Milagros Mumenthaler o de los filmes programados en el ciclo Cinema Pride.

Ciclo ‘Laberintos’

Frente a la desensibilización digital, el ciclo ‘Laberintos’, comisariado por el Colectivo Laberinto (Itzan Escamilla y Miguel Morillo) plantea un espacio de reflexión y análisis crítico a través de siete películas que recuperan la figura del voyeur para preguntarse qué significa hoy ser un ‘mirón’. No se trata de observar con impunidad desde la distancia, sino de comprometerse con lo que se mira. Estas obras —crudas, disidentes, profundamente humanas— enfrentan al espectador a narrativas chocantes que no son estímulos residuales, sino realidades que exigen empatía, pensamiento y emoción; el cine como acto de resistencia que obliga a habitar el espacio del otro y a recuperar la capacidad de conmoverse ante la crudeza de lo real. 

Con la presencia de Itzan Escamilla y Miguel Morillo (Colectivo Laberinto), el ciclo incluye las películas Irma Vep, de Olivier Assayas (12 de junio); Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de Chantal Akerman (14 de junio); Animal Love, de Ulrich Seidl (16 de junio); El vídeo de Benny, de Michael Haneke (18 de junio); Love Exposure, de Sion Sono (21 de junio); Tras el cristal, de Agustí Villaronga (23 de junio); Funeral Parade of Roses, de Toshio Matsumoto (24 de junio), y The Red Spectacles, de Mamoru Oshii (25 de junio). 

Retrospectiva de Masao Adachi: cine y revolución

Aprovechando el estreno de Escape, la nueva película de Masao Adachi, en el marco de Filmadrid, esta retrospectiva propone la oportunidad de adentrarse en el universo de uno de los cineastas más radicales e inclasificables de la historia del cine japonés. Director, teórico y militante, Adachi ha dedicado su vida a fundir la práctica cinematográfica con la acción política, planteando el cine no como un reflejo de la realidad, sino como un instrumento para intervenir en ella. 

En su juventud utilizó el cine erótico de bajo presupuesto como vehículo de invención formal y provocación y colaboró con cineastas como Kōji Wakamatsu y Nagisa Ōshima, en películas críticas con la modernidad capitalista que revelan los estragos del poder y la opresión. En 1974 dejó el cine para unirse a la lucha de liberación palestina, permaneciendo en Oriente Medio más de dos décadas hasta su extradición a Japón en el año 2000. Tras un paréntesis de 30 años, regresó al cine con películas que retratan el compromiso político desde la experiencia biográfica y responden directa y urgentemente a los acontecimientos políticos. 

Este programa, comisariado en colaboración con Go Hirasawa, recorre las distintas etapas y géneros que el cineasta ha atravesado a lo largo de su carrera, con títulos radicales y provocativos como Abortion (16 de junio), Female Student Guerilla (18 de junio), AKA Serial Killer (24 de junio), y Prisoner/Terrorist (25 de junio). Todas las sesiones incluirán videopresentaciones de Masao Adachi.

Foco Tav Falco: el cine como conjuro

La obra de Tav Falco se resiste a cualquier intento de catalogación. Discípulo de William Eggleston y fundador de la banda de culto Tav Falco’s Panther Burns, su universo transita sin jerarquías entre la performance, la fotografía, la música y el cine. Esta retrospectiva es un viaje por sus grandes obsesiones estéticas y temáticas: el blanco y negro como memoria espectral, el expresionismo, el magnetismo por lo decadente y lo marginal y una relación con la música que ya no es banda sonora, sino el sustrato mismo de la imagen. 

El recorrido por la obra de este artista total, inconformista y vibrante incluye como plato fuerte, el 20 de junio, The Urania Trilogy (2024), su primer largometraje. Rodado en 16 mm, la película recrea la estética del cine mudo y las atmósferas de la vieja Europa para contar la historia de Gina Lee, una joven estadounidense desencantada que viaja a Viena y se ve envuelta en la búsqueda de un tesoro nazi enterrado. Esta sesión contará con la presencia de Tav Falco. 

Foco Milagros Mumenthaler 

Pocas cineastas contemporáneas han regalado al público una relación con la imagen tan libre, intuitiva y poderosa como Milagros Mumenthaler. A lo largo de su carrera, ha expandido incansablemente las posibilidades de la imagen, liberándola de las estructuras narrativas convencionales para acercarla a lo sensorial, a la intuición y a la memoria. Sus películas han dejado algunas de las imágenes más inolvidables del cine reciente: momentos suspendidos, gestos mínimos, cuerpos, silencios y paisajes que vibran más allá de la narración. Las corrientes (5 de junio), La idea de un lago (10 de junio) y Abrir puertas y ventanas (11 de junio) forman parte de la educación sentimental de buena parte de la cinefilia contemporánea, convertidas en títulos esenciales del cine de las últimas décadas. A esta retrospectiva con tres de sus largometrajes, organizada por ECAM Forum y Filmadrid, se suma una clase magistral de la cineasta, el jueves 11 de junio. 

Cinema Pride 2026

En el marco de las celebraciones del Orgullo 2026, Fundación Triángulo, en colaboración con QueerCineMad y Cineteca Madrid, presenta una nueva edición de Cinema Pride, ciclo que refuerza el compromiso institucional con la diversidad, la visibilidad y la defensa de los derechos LGTBI a través del cine. 

La programación de este año incluye estrenos internacionales que llegan a Madrid tras su paso por varios festivales: Tal vez, de Arima León (2 de junio); Este cuerpo mío, de Afioco Gnecco y Carolina Yuste (3 de junio); e Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa (4 de junio), ganadora del Teddy Award en la Berlinale. Además, el ciclo incorpora una destacada muestra de cine queer taiwanés contemporáneo, con títulos como Second Round, de Kuan-Chun Chen (2 de junio); Blind Love, deJulian Chou (3 de junio) y See You, de Han-Ting Yu (4 de junio), que acercan al espectador a nuevas narrativas y sensibilidades. 

Filmadrid: Smart7

En colaboración con Filmadrid, Cineteca Madrid acoge un año más la iniciativa Smart7, una ventana para el descubrimiento de cineastas europeos emergentes que buscan nuevas formas de contar historias y ampliar el lenguaje audiovisual. El programa (del viernes 5 al domingo 14) está formado por siete películas, elegidas por Filmadrid y el resto de los miembros de la asociación de festivales europeos Smart7. Entre los títulos que acoge Cineteca se encuentran No Ghosts on Good Street, de Emi Buchwald, Polonia, (5 junio); Patty Is Such a Girly Name, de Giorgos Georgopoulos, Grecia (6 junio) y Eternal Flame, de Pedro Ramalhete, Portugal (7 junio).

Verano en Japón en compañía de la familia

Cineteca da la bienvenida a las vacaciones con tres películas esenciales de maestros de la animación: Recuerdos del ayer, de Isao Takahata, cofundador de Studio Ghibli (domingo 7 de junio); Summer Wars, de Mamoru Hosoda (domingo 14 de junio); y El recuerdo de Marnie, de Hiromasa Yonebayashi (domingo 28 de junio). Tres viajes por la infancia, al amor y a los lazos que se entrelazan y sostienen en las tardes interminables del verano. 

Estrenos

Como cada mes, Cineteca Madrid trae a su cartelera un importante plantel de estrenos. Este junio serán siete propuestas sorprendentes que comparten una misma urgencia: mirar de frente lo que nos constituye.

En Una película de miedo, de Sergio Oksman, un padre y su hijo se enfrentan a los miedos heredados en un hotel abandonado de Lisboa (5 al 23 de junio). ¿Qué te dice esa naturaleza? es el regreso del aclamado director coreano Hong Sang-soo, que sigue a un joven poeta cruzando el umbral de la hipocresía adulta entre banquetes y conversaciones (5 al 24 de junio). El príncipe de Nanawa, de Clarisa Navas, es un coming-of-age épico rodado a lo largo de diez años en la frontera entre Argentina y Paraguay, que ganó el Gran Premio del Jurado en Visions du Réel (19 al 28 de junio) y ha participado en Documenta Madrid 2026. 

Además, Divino tesoro (19 de junio), Edipo esclavo (20 de junio) y Cupido confuso (27 de junio) conforman la trilogía Caseros e inquilinas, de Fernando Merinero, un tríptico naturalista sobre la familia contemporánea que desnuda el engaño de las apariencias.

ECAM Forum: el estado de las cosas

ECAM Forum 2026 regresará a Cineteca Madrid del 9 al 11 de junio como uno de los encuentros clave para el impulso del cine independiente y el talento emergente, con un programa que reunirá a creadores, productores y agentes de la industria en torno a presentaciones de proyectos, sesiones de pitch, mesas profesionales y espacios de networking. 

Impulsado por la ECAM, el foro volverá a situarse como plataforma estratégica para el desarrollo y la proyección internacional de nuevas voces del audiovisual, fomentando el diálogo, la colaboración y el acceso a oportunidades en un contexto dinámico que convierte a Madrid en punto de referencia para el sector.

Cineteca Madrid concentra el eje de este festival, organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte, con las competiciones y el grueso de la programación contemporánea

Desde la Filmoteca Española, una retrospectiva revisita el cine militante estadounidense de los años 60 y 70 como herramienta de acción política

El recorrido por la obra de la chilena Marilú Mallet en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía conecta exilio, memoria y escritura personal

La Casa Encendida acoge la primera retrospectiva en España del británico Charlie Shackleton y un taller impartido por el autor

El cine del alemán Jan Soldat, que indaga en la trastienda de la moral contemporánea, protagonizará el Encuentro ECAM y podrá verse en Cineteca Madrid y Goethe Institut

El Festival Internacional de Cine Documenta Madrid, organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte, celebrará su 23ª edición del 26 al 31 de mayo en Cineteca Madrid y otras cuatro sedes de la ciudad: Filmoteca Española, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), La Casa Encendida y Goethe-Institut. Bajo la dirección artística de Luis E. Parés, el festival articula este año su programación en torno al concepto ‘Tomar el pulso’, una mirada al cine directo que reivindica su capacidad para registrar sin mediaciones la realidad contemporánea, captando sus tensiones, conflictos y transformaciones en tiempo real.

En este marco, las secciones paralelas se consolidan como uno de los ejes fundamentales del festival, proponiendo un recorrido por distintas formas de entender el cine como testimonio de su tiempo.

Imágenes en conflicto: Third World Newsreel y el cine como herramienta política

En colaboración con Filmoteca Española, Documenta Madrid presenta una retrospectiva dedicada al colectivo Third World Newsreel, una de las experiencias más radicales del cine militante surgido en Estados Unidos entre 1968 y 1972. Concebido como una práctica urgente y colectiva, este movimiento utilizó el cine como una herramienta para documentar luchas sociales ignoradas por los medios tradicionales.

El ciclo reúne en cuatro sesiones una selección de títulos clave como Columbia Revolt (1968), que podrá verse el 27 de mayo; The Woman’s Film (1971), el 28 de mayo; El Pueblo se levanta (1971) y Break and Enter (1971), ambas el 29 de mayo; junto a piezas cortas como Garbage (1968) o Chicago Convention Challenge (1968), que se proyectarán el 29 y 30 de mayo, respectivamente. A través de estas películas, el programa traza un recorrido por los movimientos estudiantiles, el feminismo, las luchas por la vivienda o el auge del Black Power, recuperando un cine que no solo documenta la historia, sino que interviene en ella.

Charlie Shackleton y la deconstrucción del documental

La Casa Encendida acoge la primera retrospectiva en España del cineasta británico Charlie Shackleton, una de las voces más singulares del cine de no ficción contemporáneo. Su obra se sitúa en un territorio híbrido entre el documental, el ensayo y la experimentación formal, cuestionando las convenciones narrativas y los mecanismos de construcción del relato audiovisual.

El programa incluye títulos como Beyond Clueless (2014), el 26 de mayo; The Afterlight (2021), el 27 de mayo, y Zodiac Killer Project (2025), el día 29. Además, se celebrará una una sesión de videoensayos el 28 de mayo con piezas como Copycat (2016), Fish Story (2018) o Camera Test (2024), y un taller con la presencia del autor, el 27 de mayo. A través de estas obras, Shackleton desmonta los códigos del true crime y del documental clásico, proponiendo una reflexión crítica sobre la relación entre imagen, espectador y verdad.

Memoria y exilio: las ‘cartas filmadas’ de Marilú Mallet 

El MNCARS muestra, en colaboración con Documenta Madrid, una retrospectiva dedicada a la cineasta chilena Marilú Mallet, figura clave de la primera generación de directoras del cine chileno. Su obra, marcada por el exilio tras el golpe de Estado de 1973, se articula como una exploración íntima de la memoria, la identidad y la distancia.

El ciclo reúne cuatro filmes fundamentales de una filmografía que combina lo autobiográfico con lo político: Andahuaylillas (1983) y El evangelio de Solentiname (1978), ambas el 29 de mayo; Diario inacabado (1982) y Doble retrato (2000), el 28 de mayo; y Geografía personal (2016), el 31 de mayo. A través de estas ‘cartas filmadas’, Mallet construye una mirada profundamente personal sobre la historia reciente, situando el cine como espacio de reconstrucción emocional y narrativa.

El ciclo se completará el 30 de mayo homenajeando a dos cineastas chilenas que también sufrieron el exilio: Valeria Sarmiento, con Huellas (2023), y Angelina Vázquez, con Dos años en Finlandia (1975).

Jan Soldat y los límites de la intimidad

El Encuentro ECAM, desarrollado entre Cineteca Madrid, Goethe-Institut y la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM), estará dedicado al cineasta alemán Jan Soldat, cuya obra se caracteriza por una exploración directa de la intimidad, los cuerpos y las dinámicas de poder. Su cine se adentra en territorios poco representados, construyendo un retrato complejo de la sociedad que indaga en la trastienda de la moral contemporánea.

El programa, elaborado por los alumnos de documental de la ECAM, se articula en cuatro sesiones retrospectivas. Dos tienen lugar en Cineteca Madrid los días 27 y 30 de mayo —‘Preparativos felices’ y ‘El fetiche y el poder’—, con títulos como Das Spielzimmer (2024) o Die Unfertige (2013). Y otras dos, en Goethe-Institut el 28 y 29 de mayo —‘Espacio personal’ y ‘El deseo de amar’—, con títulos como Open House (2025), Blind Date (2022) o Coming of Age (2016).  A ello se suma, el 28 de mayo, una clase magistral en la ECAM centrada en los procesos creativos y éticos de su cine.

Territorios ocultos: cine experimental esloveno y rescates cinematográficos

La programación paralela se completa con el ciclo ‘Una vanguardia recóndita. Cine experimental esloveno’ (29 y 31 de mayo), comisariado en colaboración con la Cinemateca de Eslovenia, que recupera obras poco conocidas de autores como Vinko Rozman, Karpo Godina o Vasko Pregelj, ofreciendo una mirada a una cinematografía marginal pero fundamental dentro del cine experimental europeo.

A este programa se suman sesiones especiales como ‘Las aventuras de un operador Lumière alrededor del mundo’, en la que el cineasta Javier Rebollo comentará en directo, el 26 de mayo, películas rodadas por Lumière Gabriel Veyre, pionero en filmar en distintos países a finales del siglo XIX. Asimismo, incluye la recuperación y presentación, el 31 de mayo, de materiales inéditos del operador y corresponsal José Luis de Pablos, en colaboración con el Archivo ECAM, que permite revisitar algunos de los grandes acontecimientos políticos y sociales del siglo XX desde una perspectiva cinematográfica.

Documenta Madrid 2026 

Documenta Madrid es el Festival Internacional de Cine del Ayuntamiento de Madrid y uno de los principales espacios de exhibición, pensamiento y creación en torno al cine de no ficción en España. En su 23ª edición, el festival reafirma su compromiso con el cine como herramienta para observar el presente, impulsando el cine de autor, la experimentación formal y el diálogo con la historia del séptimo arte. Organizado por Cineteca Madrid, el festival mantiene sus tres secciones competitivas —internacional, nacional y corte final— y una programación paralela que se despliega en distintas sedes de la ciudad, como Filmoteca Española, En nuestra propia tierra, La Casa Encendida y Goethe-Institut, consolidando su papel como punto de encuentro para cineastas, profesionales y público. /

·  Una retrospectiva recorre más de seis décadas de la obra de Frederick Wiseman, figura clave del cine documental contemporáneo

·  ‘Memorias de la revolución siria’ propone una aproximación a uno de los conflictos más complejos del siglo XXI a través de dos documentales recientes

·  ‘Imágenes contra el olvido’ rinde homenaje a la cineasta Concha Barquero mediante un programa centrado en archivo y memoria

·  ‘Yo canto a la diferencia’ reúne obras de cineastas latinoamericanas que abordan identidad, territorio y resistencia

·  La programación incluye ciclos sobre cine directo, historia reciente de España y comunidad

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte ubicado en Matadero Madrid, dedica la programación de mayo al cine documental y a las formas de lo real, en diálogo con la celebración de la 23ª edición de Documenta Madrid. Los ciclos que conforman la cartelera de este mes comparten una preocupación común por las imágenes como herramientas para comprender el presente, revisar el pasado y observar el funcionamiento de las sociedades contemporáneas.

Gran parte de las proyecciones del mes de mayo se sitúan en el territorio del documental, entendido no solo como un registro de la realidad, sino como una forma de pensamiento capaz de interrogar el mundo desde perspectivas múltiples. Desde el retrato institucional hasta el archivo histórico, pasando por la memoria política o las nuevas formas de comunidad, la programación propone una mirada amplia sobre las distintas maneras de filmar lo real.

Retrospectiva de Frederick Wiseman

A lo largo de más de seis décadas, Frederick Wiseman (1930-2026) filmó con una atención paciente y minuciosa el funcionamiento de las instituciones que organizan la vida colectiva de las democracias occidentales: hospitales, escuelas, prisiones, administraciones públicas o espacios culturales.

Lejos de cualquier voluntad explicativa o didáctica, desarrolló un método basado en la observación directa, el montaje y la duración, donde las imágenes se convierten en el principal instrumento de conocimiento. En ese gesto, su cine se sitúa en un territorio singular, a medio camino entre el documental, el ensayo y una forma de pensamiento en imágenes.

El recorrido propuesto por Cineteca Madrid permite atravesar distintas etapas de su filmografía, desde Titicut Follies (5 de mayo), su primer y controvertido largometraje, hasta El gran menú (Menus-Plaisirs – Les Troisgros) (17 de mayo), donde su mirada se detiene en el trabajo preciso de un restaurante. Entre ambos extremos, títulos como Welfare (7 de mayo), High School (8 de mayo), Central Park (9 de mayo), At Berkeley (10 de mayo), Ballet (14 de mayo), The Store (15 de mayo), o City Hall (16 de mayo), componen un amplio retrato de la vida contemporánea y del modo en que las instituciones modelan la experiencia colectiva.

‘Memorias de la revolución siria’

Este programa de dos sesiones se acerca a uno de los procesos históricos más complejos y devastadores del siglo XXI, la revolución siria, a través de dos obras clave del cine documental reciente. Las películas seleccionadas abordan las huellas de la guerra en la vida cotidiana y la persistencia del trauma desde perspectivas íntimas y fragmentarias, alejadas de los relatos mediáticos simplificados.

Las proyecciones de 5 Seasons of Revolution (2023) y My Memory Is Full of Ghosts (2024), los días 5 y 6 de mayo respectivamente, estarán acompañadas por presentaciones de Justine Pignato, investigadora especializada en cine documental sirio contemporáneo, que ofrecerá claves para situar estas obras y abrir un espacio de reflexión compartida en torno a las imágenes de la revolución y sus resonancias en otros conflictos del presente.

‘Imágenes contra el olvido’: el cine de Concha Barquero y Alejandro Alvarado

El cine de Concha Barquero y Alejandro Alvarado se inscribe en una tradición del documental que entiende el archivo como un territorio en disputa. Sus películas trabajan con materiales encontrados, voces y fragmentos que se reorganizan para cuestionar los relatos oficiales y reactivar memorias silenciadas.

Este ciclo, concebido en memoria de Concha Barquero (1975-2025), reúne algunos de sus trabajos más significativos, entre ellos Pepe el andaluz (12 de mayo) y Caja de resistencia (13 de mayo), que exploran la relación entre investigación histórica y creación cinematográfica. A través de estos dispositivos fílmicos, el espectador es invitado a ocupar un lugar activo en la reconstrucción del pasado y a reflexionar sobre el papel de las imágenes en la construcción de la memoria colectiva.

‘Yo canto a la diferencia’: cineastas de América Latina

Tomando prestado el célebre verso de Violeta Parra, este ciclo reúne tres sesiones dedicadas a cineastas latinoamericanas, con el objetivo de trazar un arco entre distintas generaciones y contextos históricos. Lejos de cualquier lectura lineal, las películas convocadas ponen en relación formas distintas de abordar la identidad, el territorio y la resistencia.

Desde prácticas documentales y experimentales desarrolladas en contextos muchas veces precarios o periféricos, estas obras construyen lenguajes propios para pensar lo común y lo político. El programa propone un diálogo entre pasado y presente a través de la película de los años 80 Bordando la frontera (22 de mayo), de Ángeles Necoechea; la cinta Hoy partido a las tres (23 de mayo), de la joven cineasta contemporánea Clarisa Navas; y una sesión de cortometrajes recientes que se proyectarán el 24 de mayo. Las sesiones estarán acompañadas por una conferencia de la comisaria Karina Solórzano, investigadora y programadora especializada en cine mexicano y latinoamericano.

Pioneros del cine directo

A comienzos de los años 70, un grupo de cineastas estadounidenses transformó el documental a partir de una serie de innovaciones técnicas y un deseo de cambiar la manera de filmar el mundo. La aparición de cámaras ligeras y sonido sincronizado permitió registrar los acontecimientos desde el interior de la acción y prescindir del narrador tradicional.

Este ciclo reúne, el 19 y 20 de mayo respectivamente, dos películas de Jane Weiner (A Camera That Goes Anywhere y Ricky on Leacock) que reconstruyen esa transformación histórica y sus consecuencias en el lenguaje cinematográfico, permitiendo comprender el origen de una forma de filmar que sigue influyendo en el cine contemporáneo.

Reflexiones en torno a la Transición

Este programa propone una mirada sobre la historia reciente de España a través de un conjunto de películas que reflexionan sobre la memoria política, los procesos colectivos y los imaginarios sociales. Desde los años de la Transición hasta las crisis contemporáneas, las obras seleccionadas exploran las tensiones entre ciudadanía, participación y transformación social.

Los días 2 y 3 de mayo, Cineteca Madrid proyectará el díptico Informe general, de Pere Portabella. Rodado en el umbral de la Transición (1976) y retomado más de 30 años después en un contexto de crisis económica y desafección institucional (2015), Informe general ensaya una forma abierta de cine a través de conversaciones, encuentros y materiales heterogéneos.

El 2 de mayo estará en cartel El futuro (2013), de Luis López Carrasco, que reconstruye una fiesta juvenil en la noche de la victoria socialista de 1982. El archivo imaginado se convierte en una herramienta crítica para pensar los imaginarios de una época.

Por último, el 3 de mayo, VidaExtra (2013), de Ramiro Ledo, trasladará la reflexión de la crisis y las movilizaciones del 15M al presente. A medio camino entre el ensayo y la ficción, la película explora las tensiones entre vida cotidiana y acción política, entre precariedad y deseo de transformación.

Festival Documenta Madrid

La 23ª edición de Documenta Madrid se celebra del 26 al 31 de mayo bajo la filosofía de ‘Tomar el pulso’, una invitación a volver a observar el entorno y comprender los procesos sociales que atraviesan la vida contemporánea. Inspirado en el gesto de cineastas como Pier Paolo Pasolini, que filmó las calles de Roma para comprender su tiempo, el festival propone recuperar miradas diversas capaces de interpretar la realidad desde distintos contextos.

Documenta Madrid también mira hacia el desconocido cine experimental esloveno, que quiso mostrar su resistencia al régimen desde los márgenes de una práctica artística. El festival repasará también la obra inédita del corresponsal de televisión José Luis de Pablos, quien quiso dejar testimonio de todo lo que veía y no entraba en el informativo. Por este motivo, Documenta Madrid ha querido que Juan Cavestany, uno de los cineastas que mejor ha entendido la ciudad de Madrid, retrate el espacio de Matadero Madrid y Cineteca Madrid, mostrando toda la vida que bulle en su entorno. Y, sobre todo, esta edición pretende mostrar que hacer un festival también significa apostar por la diversidad de miradas, de orígenes, de procedencias y de sensibilidades.

·  La programación de este mes gira en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena

·  El ciclo Teoría y praxis reúne la obra de distintos cineastas para explorar la manera en que la escritura condiciona y proyecta la imagen

·  Cineteca se suma al Festival Biophest, organizado por Matadero e Intermediae, con la proyección de tres películas que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal

·  Flamenco García Lorca propone un recorrido por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, desde su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad

·  El mago de Oz, Sonrisas y lágrimas o Piratas del Caribe son algunas de las películas que se proyectarán en las matinales familiares de los domingos en homenaje al blockbuster

·  Los espectadores podrán acercarse al cine radical de Gus Van Sant a través de sus películas Elephant, Last Days y Paranoid Park

Con motivo de la celebración del Día del Libro, Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica la programación de abril al diálogo entre el cine y la literatura, coincidiendo además con el 75 aniversario de Cahiers du Cinéma, una de las revistas fundamentales de la historia del cine. El mes se articula en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena.

Por un lado, Cineteca propone un recorrido por algunas de las películas favoritas de los principales críticos vinculados a Cahiers du Cinéma. Por otro, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, ofrece un programa centrado en el diálogo entre textos y películas de cineastas y teóricos que han pensado y practicado el cine desde la escritura, como Laura Mulvey, Masao Adachi o Trinh T. Minh-ha.

Además, abril incluye un programa dedicado al espíritu flamenco de Federico García Lorca y otro programa especial en torno a cine y literatura. Por otro lado, las sesiones matinales familiares se articularán en un ciclo, en colaboración con la periodista e investigadora Elisa McCausland, que recorre la historia del blockbuster y propone una introducción a las grandes narrativas del cine popular para los más jóvenes. Cineteca también se suma este mes de abril a la celebración del Festival Biophest en Matadero Madrid, con la proyección de tres películas que abordan la relación de las personas con el entorno vegetal.

75 años de Cahiers du Cinéma

En abril de 1951 apareció el primer número de Cahiers du Cinéma. Bajo la influencia intelectual de André Bazin, la revista prestó una mirada atenta a la puesta en escena y a la relación ética entre la cámara y el mundo. Esa mirada se alimentó de películas que, en muchos casos, todavía no gozaban de reconocimiento canónico, pero que funcionaron como auténticas escuelas de pensamiento para una generación de jóvenes críticos franceses que, poco después, darían el salto a la dirección. Para François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Jacques Rivette o Éric Rohmer, estas obras no fueron solo objeto de análisis, sino detonantes de una práctica futura que marcaría un antes y un después en la historia del cine.

Este ciclo reúne algunas de esas películas que hicieron correr ríos de tinta, suscitaron pasiones intelectuales y provocaron controversias decisivas. Sus ecos, 75 años después, siguen resonando en la teoría y en la práctica contemporáneas. Los títulos que se revisitarán en Cineteca Madrid son Johnny Guitar (Nicholas Ray); L’Atalante (Jean Vigo); La regla del juego (Jean Renoir); Te querré siempre (Roberto Rossellini); Cuentos de la luna pálida (Kenji Mizoguchi) y La dama de Shanghái (Orson Welles), que podrán verse del 31 de marzo al 5 de abril, respectivamente.

Ciclo Teoría y praxis

Toda práctica fílmica encierra una teoría en potencia. La escritura condiciona y proyecta la imagen, llegando incluso a transformarla. Este ciclo, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, reúne la obra de distintos cineastas que, desde diversas geografías y a lo largo de sus trayectorias, han explorado ese diálogo entre pensamiento y práctica a través de experiencias heterogéneas. Entre el 14 y el 22 de abril, se proyectarán los títulos Riddles of the Sphinx (Laura Mulvey, Peter Wollen); Red Army/PFLP: Declaration of World War (Masao Adachi, Kôji Wakamatsu); Contactos (Paulino Viota); Forgetting Vietnam (Trinh T. Minh-ha) y Loin de Manhattan (Jean Claude Biette).

Federico García Lorca y las vanguardias audiovisuales

El programa Flamenco García Lorca propone un recorrido audiovisual por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, atendiendo a su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad artística. Frente a los tópicos folclóricos, Lorca entendió el flamenco como una forma trágica y popular de conocimiento, atravesada por la historia, el cuerpo y el conflicto.

A través de documentales, piezas experimentales y registros escénicos, el ciclo pone en diálogo retratos etnográficos de posguerra con las exploraciones formales de cineastas como José Val del Omar, así como con ecos teatrales y políticos de los años 60 y 70. Entre el 7 y el 11 de abril, Cineteca ha programado Nous, les gitans (Alberto Spadolini); Flamenco – möte med spanska zigenare (Dan Grenholm, Lennart Olsson); Rito y geografía del cante: Lorca y el flamenco (Mario Gómez); El barranco de Viznar (José A. Zorrilla);  Aguaespejo granadino (José Val del Omar); Festival en las entrañas (José Val del Omar); Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken); Duende y misterio del flamenco (Edgar Neville) y Duende (Ramón Gieling).

Breve historia del blockbuster

El cine de gran espectáculo, conocido como blockbuster a partir de Tiburón, ha sido una de las formas más influyentes y populares del cine moderno, aunque a menudo poco atendida desde el punto de vista crítico. Este ciclo de conferencias y proyecciones, organizado en colaboración con los críticos Elisa McCausland y Diego Salgado, propone un recorrido histórico por el sense of wonder cinematográfico, atendiendo tanto a sus cualidades artísticas como a sus condiciones industriales, técnicas y culturales.

Desde los grandes espectáculos del cine mudo —con hitos como Metrópolis— hasta las sagas contemporáneas del siglo XXI, el programa analiza la evolución del blockbuster a través de sus distintas etapas: la tensión entre narrativa y espectáculo en el Hollywood clásico, la reinvención del cine tras la Segunda Guerra Mundial, el nacimiento del modelo moderno con George Lucas y Steven Spielberg, el auge de los efectos digitales y las franquicias y el escenario actual, marcado por los superhéroes, la animación y la irrupción de las inteligencias artificiales.

Los títulos que el público familiar podrá disfrutar en pantalla grande durante las matinales de los domingos, entre el 5 de abril y el 24 de mayo, son El maquinista de La General (Buster Keaton, Clyde Bruckman); El mago de Oz (Victor Fleming); Sonrisas y lágrimas (Robert Wise); Encuentros en la tercera fase (Steven Spielberg); Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (Gore Verbinski) y Los tipos malos (Pierre Perifel).

El cine radical de Gus Van Sant: donde terminan las palabras

A comienzos de los años 2000, Gus Van Sant emprendió una de las aventuras formales más singulares del cine estadounidense contemporáneo. Tras su etapa en Hollywood, el cineasta regresó a un cine más libre y radical, donde la narración se disuelve para dejar paso a una experiencia construida a partir de gestos, silencios, cuerpos y desplazamientos en el espacio. Películas como Elephant (2003), Last Days (2005) y Paranoid Park (2007) forman parte de este proyecto de exploración extrema, influido por el videojuego y las narrativas posmodernas. Estarán programadas en Cineteca el 28, 29 y 30 de abril, respectivamente. La primera sesión irá acompañada de una charla alrededor del monográfico La alargada sombra del videojuego en el cine, coordinado por el crítico cultural Felipe Rodríguez Torres.

Festival Biophest: Ciclo Docu Natura por Água das Pedras

El cine se suma a la programación de la segunda edición del Festival Biophest, organizado por Matadero Madrid e Intermediae, con la proyección de tres películas (14, 15 y 16 de abril) que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal: The Garden (Derek Jarman, 1990), The Secret Life of Plants (Walon Green, 1978) —con banda sonora original de Stevie Wonder— y el documental Sembradoras de vida (Diego y Álvaro Sarmiento, 2019). Los filmes contarán con presentaciones a cargo de las comisarias de Biophest, Elena Páez y Eva F. Cortés; Diego Fernández, comisario de la sección musical del festival, y la curadora e historiadora del arte Aurora Carmenate Díaz.

Sesión continua: rumores y sociedad

Esta propuesta comisariada por la influencer Andrea Ferrer toma como punto de partida la novela Las amistades peligrosas (1782), de Pierre Choderlos de Laclos, para explorar cómo un mismo texto literario puede dar lugar a imaginarios cinematográficos radicalmente distintos. Por un lado, Cineteca proyectará, el 8 de abril, Las amistades peligrosas (Stephen Frears, 1988), elegante reconstrucción de época que sitúa el deseo en el corazón de la aristocracia francesa prerrevolucionaria. Por otro, exhibirá Crueles intenciones (Roger Kumble, 1999), que traslada la intriga al contexto de la élite adolescente estadounidense de finales del siglo XX. Rumores y secretos atraviesan así dos siglos de historia en este juego de espejos entre literatura y cine. La primera sesión irá acompañada de un coloquio sobre el cotilleo, con las escritoras Elizabeth Duval y Sandra López.

Ciclo Linterna, con Miguel Agnes y Brays Efe: Cuando el destino nos alcance

En abril regresa Linterna, el ciclo comisariado y presentado por el curador cultural Miguel Agnes y el actor Brays Efe. Lo hará con una sesión dedicada a la novela ¡Hagan sitio, hagan sitio! (1966), del escritor de ciencia-ficción Harry Harrison y adaptada al cine por Richard Fleischer en 1973, con el título de Soylent Green (Cuando el destino nos alcance).

La cartelera incluye varias sesiones especiales que analizarán el cruce entre cine, artes visuales, poesía y performance

En marzo tendrá lugar el estreno en Madrid de la última obra de Albert Serra, fe sense obres morta és, una inmersión en el universo de Antoni Tàpies

El artista Paul McCarthy asistirá a una sesión especial en torno a A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve

La artista visual Sally Gutiérrez Dewar organiza una sesión sobre su corto Application, en diálogo con piezas de Sandra Schäfer y Mario Espliego

La cantante María Salgado ofrecerá un recital previo a la exhibición de Vía Versus, la pieza audiovisual realizada junto a Clarisa Navas

Los investigadores Estrella de Diego y Germán Labrador tendrán carta blanca para explorar la vanguardia artística y la memoria histórica desde miradas no convencionales

Cineteca Madrid acoge una retrospectiva sobre Anja Breien, una de las figuras más destacadas del cine noruego

Con motivo de la celebración de la Semana del Arte en Matadero Madrid (del 2 al 8 de marzo), Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se convierte este mes de marzo en un lugar de encuentro entre cine y arte. A modo de laboratorio, la programación reunirá proyecciones, estrenos, cartas blancas y encuentros con artistas que exploran prácticas contemporáneas en torno a la materia, el cuerpo, la voz, el archivo, el paisaje y la palabra.

Semana del Arte: el cruce entre cine, artes visuales, poesía y performance

El programa se inaugura el 3 de marzo con el estreno en Madrid de fe sense obres morta és, la última obra de Albert Serra, una inmersión radical en el universo material, simbólico y espiritual de Antoni Tàpies. Lejos del retrato biográfico, la película construye una experiencia sensorial y filosófica que dialoga con la obra del artista desde una mirada autónoma, provocadora y contemporánea.

En colaboración con la Colección SOLO, proyecto internacional de apoyo a la creación fundado por Ana Gervás y David Cantolla, el miércoles 4 de marzo se presenta una sesión especial en la que se exhibirán las películas A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve, Cooking Show, Kitchen y A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve, Mother, con presencia de su autor, Paul McCarthy. Este pionero del videoarte y la actriz Lilith Stangenberg exploran identidades, poder y deseo, combinando performance, dibujo y filmación en una experiencia viva que desafía las convenciones del arte y del espectáculo. En diálogo con la exposición homónima A&E con dibujos en gran formato de McCarthy, esta jornada forma parte de un proyecto performativo multidisciplinar. 

La Semana del Arte incluye también, el jueves 5 de marzo, With a Little Help from My Friends, una sesión comisariada por Sally Gutiérrez Dewar, que relaciona una de sus obras recientes con piezas de Sandra Schäfer y Mario Espliego. El programa propone un encuentro efímero entre imágenes, geografías y sensibilidades diversas.

Cierra el programa el 6 de marzo Vía Versus, una pieza audiovisual realizada conjuntamente por María Salgado y Clarisa Navas, filmada entre el nordeste argentino y Galicia. A partir de las lenguas, historias y formas de vida de ambos territorios, la obra indaga en aquello que ha sido silenciado por procesos de represión y olvido. Más sensorial que discursiva, la pieza se concibe como un viaje compartido hacia un espacio común aún por definir. La sesión estará precedida por un recital de María Salgado.

Carta blanca a Estrella de Diego: Cuerpos, máquinas, visiones

La investigadora y escritora Estrella de Diego propone los días 3, 4 y 5 de marzo, un recorrido por la vanguardia artística entendida como una experiencia radical de la mirada.

Desde las primeras vanguardias surrealistas y abstractas como Un perro andaluz (Luis Buñuel, Francia, 1929) hasta la filmación del acto creador en El misterio de Picasso (Henri-Georges Clouzot, Francia, 1956), la selección traza una genealogía del cine como campo de pruebas. El programa culmina el jueves 5 de marzo con una sesión dedicada a Maya Deren e Yvonne Rainer, precedida por una conferencia de Estrella de Diego, donde el cine se cruza con la danza, la coreografía y el pensamiento feminista.

Carta blanca a Germán Labrador: Vivos, demonios, arrebatados

El investigador y comisario Germán Labrador sugiere, los días 10, 11 y 12 de marzo, un recorrido por un cine español atravesado por la psicotronía, la memoria histórica y las formas extremas de experiencia. Lejos de una lectura ilustrativa del pasado, el programa entiende las imágenes como espacios de posesión, trance y supervivencia, donde lo político se filtra a través del cuerpo, el deseo y la infancia herida.

Desde la violencia de Viva la muerte (Fernando Arrabal, Francia-Túnez, 1971), donde la Guerra Civil se vive como inicio y educación del fanatismo, hasta Demonios en el jardín (Manuel Gutiérrez Aragón, España, 1982), donde la posguerra franquista aparece como un paisaje doméstico, pasando por Arrebato (Iván Zulueta, España, 1979), emblema de un cine que concibe la imagen como fuerza vampírica, Labrador recogerá todas estas miradas en la conferencia que impartirá el miércoles 11 de marzo.

Feria del Cómic

Cineteca Madrid se suma a la Feria del Cómic de Matadero Madrid, que se celebrará del 26 al 29 de marzo, con un programa que propone un recorrido por los vínculos entre cine y cómic a través de sesiones dirigidas tanto a jóvenes como adultos. Las sesiones combinan miradas históricas y contemporáneas sobre la relación entre viñeta y pantalla, desde la apropiación pop y de género del cómic por el cine —con títulos como Batman: The Movie (1 de marzo), El príncipe valiente (8 de marzo) o Danger: Diabolik (29 de marzo)— hasta aproximaciones más íntimas y actuales como Falcon Lake. La proyección íntegra de la serie Samuel (26 de marzo), con la presencia de su autora Émilie Tronche, y el estreno de Aquí donde estoy (27 al 31 de marzo), con una presentación y charla con sus creadores.

Anja Breien: Géneros en fuga

Del 15 al 25 de marzo, Cineteca Madrid dedica una retrospectiva a la cineasta Anja Breien, una de las figuras más destacadas del cine noruego. Nacida en Oslo en 1940, forma parte, junto a Vibeke Løkkeberg y Laila Mikkelsen, de la generación que dio forma a la cara femenina de la nueva ola del cine noruego. La retrospectiva reúne sus seis primeros largometrajes, recientemente digitalizados por la Biblioteca Nacional de Noruega, que formar parte de su etapa más estimulante.

Tatiana Mazú: Quemarlo todo

La obra de la argentina Tatiana Mazú se sitúa en un territorio de fricción entre cine, memoria y violencia política. Sus películas interrogan los modos en que el poder se inscribe en los cuerpos, en los paisajes y en los relatos familiares, desplazando la idea de documento hacia una experiencia crítica y sensorial.

Lejos del registro ilustrativo, su cine trabaja con restos, silencios y huellas, allí donde la historia oficial falla o se quiebra. Esta retrospectiva recorre sus tres películas fundamentales, Caperucita roja (26 de marzo), Río Turbio (27 de marzo) y el estreno de Todo documento de civilización (28 al 31 de marzo).

Europa (Franciszka y Stefan Themerson, 1931)

Esta sesión celebra dos figuras esenciales de la vanguardia europea del siglo xx: Stefan y Franciszka Themerson, pioneros del cine experimental en la Polonia de entreguerras

Antes de que el fascismo arrasara Europa, los Themerson ya advertían, con imágenes radicales y poesía visual, la amenaza inminente de los autoritarismos que se cernían sobre el continente. Su obra más emblemática, Europa (1932), basada en el poema futurista homónimo de Anatol Stern, condensa las tensiones políticas, sociales y existenciales de su tiempo. Collage, animación, sobreimpresiones, escritura visual: cada técnica es convocada al servicio de un mensaje claro y urgente, antibélico, antitotalitario, visceral. Cine como grito. Cine como antídoto.

En la Varsovia de los años treinta, realizaron cinco cortometrajes experimentales: Pharmacy, Europa, Moment Musical, Short Circuit y The Adventures of a Good Citizen (1937), el último de los cuales fue el único film anterior a la guerra que sobrevivió a la devastación. Ya en Londres, durante la década de 1940, filmaron dos obras más: Calling Mr. Smith (1943), una pieza antibélica de diez minutos que denuncia la destrucción de la cultura polaca bajo el nazismo, y The Eye and the Ear (1944-45), una interpretación visual de cuatro canciones de Karol Szymanowski.

Su lenguaje cinematográfico se sustentaba en una investigación material rigurosa: el movimiento de luces y sombras sobre objetos, exploraciones nacidas de sus trabajos con fotogramas entre 1928 y 1935. Muchas de las imágenes fueron creadas sobre una mesa de trucos improvisada por Stefan: colocaba objetos diversos sobre papel translúcido, iluminados desde arriba y fotografiados cuadro a cuadro desde abajo, en una coreografía artesanal entre el azar y el cálculo.

La historia de los Themerson se fractura con la invasión nazi de Polonia en 1939. Los negativos originales de Europa se pierden entre bombardeos y saqueos. Él es reclutado por el ejército polaco en el exilio; ella encuentra en el dibujo y la ilustración un refugio íntimo y una forma de resistencia estética. Reunidos en Londres, reinventan su obra y su vida. El trauma del exilio dejó huellas profundas, pero nunca apagó su impulso creativo.

Durante décadas, Europa fue considerada una obra perdida. Hasta que, en 2019, un milagro de archivo la devolvió al mundo: una copia fue hallada en la Bundesarchiv alemana por el Instituto Pilecki. Restaurada por Fixafilm en Varsovia y con una nueva banda sonora compuesta por Lodewijk Muns, Europa regresa no solo como documento histórico, sino como gesto de supervivencia. Hoy, su visión cobra una potencia renovada. En sus formas fragmentadas, en sus cuerpos en negativo, no vemos solo una alerta contra los fascismos del pasado, sino una advertencia urgente para los presentes que habitamos.

Franciszka y Stefan Themerson: Europa, 1931, 35 mm, 12 min; The Adventures of a Good Citizen, 1937, 35 mm, 9 min; Calling Mr. Smith, 1943, 35 mm, 10 min; The Eye and the Ear, 1944, 35 mm, 10 min; Stefan + Franciszka, Tomasz Pobóg-Malinowski, 1974-75, 8 mm, 18 min.

Proyección en digital.

Copias procedentes de Lux, excepto Stefan + Franciszka, procedente de GV Art London.

Fecha: 19 febrero 2026

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Tres cartas blancas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro sirven para pensar el cine desde la filosofía contemporánea

Una retrospectiva integral de José Luis Guerin, uno de los grandes ensayistas del cine europeo, explora la frontera entre documental y ficción

Autores como Kiyoshi Kurosawa o Toshiharu Ikeda protagonizan el ciclo dedicado a la mítica Director’s Company japonesa y al cine radical de los años 80

Ilusionismo y cine dialogan en colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid

Cinezeta propone un febrero antirromántico y pasional, lejos de los relatos normativos

Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en febrero una programación que concibe el cine como un espacio de pensamiento, fabulación y diálogo con las grandes preguntas que atraviesan la experiencia humana. Bajo el título ‘La fábula cinematográfica’, la programación de este mes explora la capacidad de las imágenes para generar ideas, cuestionar certezas y abrir grietas en nuestra manera de entender la felicidad, el deseo, la identidad o la verdad. A través de cartas blancas a pensadores contemporáneos, retrospectivas de autores fundamentales, ciclos internacionales y propuestas que cruzan cine, magia y filosofía, la programación articula un mapa donde ficción y reflexión se entrelazan, reivindicando el cine como una herramienta crítica, sensible y profundamente viva.

‘La fábula cinematográfica’. Cine y pensamiento en diálogo

Desde sus orígenes, el cine ha funcionado como una forma privilegiada de pensamiento. ‘La fábula cinematográfica’ propone un diálogo explícito entre cine y filosofía, reuniendo películas que piensan el mundo a la vez que lo narran. A través de una programación que combina ficción y documental, cine clásico y moderno, comedia y ensayo, Cineteca Madrid se convierte, del 3 al 20 de febrero, en un lugar de encuentro entre imágenes y pensamiento crítico.

En esta edición, el programa se articula en torno a tres cartas blancas concedidas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro, tres voces fundamentales del pensamiento contemporáneo español, que proponen recorridos personales y conceptuales por la historia del cine. Sus selecciones activan preguntas sobre la infancia, la felicidad, la verdad, la naturaleza de las imágenes o los límites entre lo natural y lo artificial, confirmando al cine como una auténtica máquina de pensar.

·       Carta blanca a Marta Sanz: una niña atrapada en una gota de ámbar

¿Es el amor por el cine una persistencia de la infancia? A partir de esta pregunta, la escritora Marta Sanz propone un recorrido por cuatro películas que exploran la intimidad, la memoria, el cuerpo y la vulnerabilidad desde miradas muy distintas. Desde el clasicismo afilado de Eva al desnudo (Joseph L. Mankiewicz, EEUU, 1950) hasta la fisicidad contemporánea de Creatura (Elena Martín Gimeno, España, 2023) pasando por la infancia herida de Cría cuervos (Carlos Saura, España, 1975), o el exceso creativo de All That Jazz (Bob Fosse, EEUU, 1979), que se proyectará acompañado de una conferencia previa de Marta Sanz.

·       Carta blanca a José Luis Pardo: páginas en blanco

Decía Hegel que la felicidad solo ha escrito páginas en blanco en la Historia. A partir de esta afirmación, el filósofo y ensayista José Luis Pardo reflexiona sobre la representación de la felicidad en el cine como promesa, mandato social y problema filosófico. Su selección contiene distintas formas de felicidad impostada, deseada o imposible. Las proyecciones arrancan el martes 10 con el musical clásico de Vampiresas 1933 (Mervyn LeRoy, EEUU, 1933), y continúa hasta el sábado 14 con la ironía moderna de Chaplin en Tiempos modernos (EEUU, 1936), la comedia sofisticada Historias de Filadelfia (George Cukor, EEUU, 1940) y el humor político de Medvedkin en La felicidad (Rusia, 1935).

·       Carta blanca a Ernesto Castro: naturalmente artificial. ¿Cómo fermentan las imágenes?

El escritor Ernesto Castro propone un recorrido por películas que reflexionan sobre cómo el cine produce sentido, creencia y comunidad. De la mirada libre y material de Agnès Varda en Los espigadores y la espigadora (Francia, 2000) al juego de máscaras de Orson Welles en Fraude (Francia-Irán-Alemania, 1973) o del misticismo de Stalker (Andréi Tarkovski, Rusia, 1979) a la comedia metafísica de Amanece, que no es poco (José Luis Cuerda, España, 1989), el ciclo plantea una reflexión sobre las imágenes como organismos vivos, capaces de fermentar ideas y afectos. La sesión del viernes 20 irá precedida de una conferencia de Ernesto Castro.

Retrospectiva José Luis Guerin: la imagen justa

Coincidiendo con el estreno de Historias del buen valle, Cineteca Madrid dedica, del 1 al 27 de febrero, una retrospectiva a José Luis Guerin, uno de los cineastas más singulares del cine europeo contemporáneo. Desde los años ochenta, su obra ha explorado la frontera entre documental y ficción, el trabajo de la memoria, la observación paciente y la poesía de lo cotidiano.

La retrospectiva recorre títulos fundamentales como Innisfree (España, 1990), Tren de sombras (España, 1997), En construcción (España, 2000) o En la ciudad de Sylvia (España-Francia, 2007), junto a piezas breves, correspondencias fílmicas y obras recientes que revelan una práctica coherente y profundamente ética.

‘El suelo tiembla bajo nuestros pies’. El cine de la Director’s Company japonesa

En colaboración con Fundación Japón y el colectivo mediadistancia, Cineteca presenta, del 24 al 28 de febrero, un ciclo dedicado a la Director’s Company, uno de los experimentos más radicales y singulares del cine japonés de los años ochenta. Fundada en un contexto de crisis industrial, la compañía permitió a una generación de cineastas jóvenes producir películas personales y arriesgadas al margen de los grandes estudios. De esta experiencia surgieron las primeras obras de Kiyoshi Kurosawa, Shinji Somai, Toshiharu Ikeda o Gakuryu Ishii.

Las películas del ciclo combinan sátira, violencia, melodrama y crítica social del Japón contemporáneo. La selección incorpora los siguientes títulos: Mermaid Legend (Toshiharu Ikeda, Japón, 1984), Bumpkin Soup (Kiyoshi Kurosawa, Japón, 1985), Door (Banmei Takahashi, Japón, 1988), Door II: Tokyo Diary (Banmei Takahashi, Japón, 1991) y The Crazy Family (Gakuryu Ishii, Japón, 1984). Todas las sesiones estarán presentadas por Fidel Ojea, crítico y especialista en cine japonés del colectivo mediadistancia, que contextualizará este momento clave del cine japonés.

La magia del cine

En colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid, este programa propone, del 6 al 8 de febrero, un diálogo entre cine e ilusionismo como lenguajes afines. A través de tres películas y una charla con los magos Jandro y Jorge Blass, se reflexiona sobre cómo los principios de la magia (el engaño, la sorpresa, la misdirection) se aplican al lenguaje cinematográfico. An Honest Liar (Tyler Measom, Justin Weinstein, EEUU, 2014), El increíble Burt Wonderstone (Don Scardino, EEUU, 2013) y El ilusionista (Sylvain Chomet, Francia-Reino Unido, 2010), componen la selección de títulos mágicos.

Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos (1964–2025)

Cineteca rinde homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española y director de algunos de los festivales más importantes del país. Más allá de los títulos que programó, su legado reside en una manera de entender el amor al cine como pasión rigurosa, escucha activa y compromiso con el descubrimiento. Happiness (EEUU, 1998) de Todd Solondz, uno de los cineastas que Cienfuegos ayudó a descubrir en España, se proyecta como gesto de gratitud y memoria el jueves, 5 de febrero.

Cinezeta: las rosas son rojas, y febrero también lo es

Frente al relato romántico normativo de San Valentín, Cinezeta propone un febrero alternativo, atravesado por el deseo, la incomodidad y la contradicción. Tres películas que exploran formas de amor torcidas, violentas o censuradas, alejadas del ideal comercial.

Cineteca en familia: tres viajes al país de las maravillas

El mes se completa con una propuesta familiar para las matinales de los domingos 1, 15 y 22 dedicada a Alicia en el país de las maravillas, uno de los relatos más adaptados e inestables del cine. A través de tres versiones —la animación clásica de Disney, la interpretación radical de Jan Švankmajer y la fantasía contemporánea de Tim Burton— el ciclo muestra cómo una misma historia puede transformarse en cuento, pesadilla o aventura, y cómo el cine reconfigura nuestra relación con la imaginación, la infancia y la libertad.

Confesionario: una animación de cine, estrenos, pases especiales y secciones habituales

La sesión del ciclo mensual de Confesionario reúne cinco películas que abarcan setenta años de historia. Además, este mes la sección de estrenos en Cineteca proyectará Dios lo ve, Eloy de la Iglesia. Adicto al cine, Emergency Exit, Father Mother Sister Brother, Queer Me y Vivir al revés. Se suman también a la agenda de febrero las secciones habituales de Cineteca como Relatos del ruido Capítulo XXVIII: Sueños sonoros (músicas oníricas); Ciclo DOCMA, que presenta Al oeste, en Zapata; Así son las cosas, CIMA en corto con Un lugar al que llamar (Correspondencias íntimas), La noche Z e Imprescindibles de TVE con el documental Las gafas, de Isabel Coixet./

El programa temático ‘Máquinas de habitar’ recorre la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación como escalas cinematográficas

La propuesta incluye sinfonías urbanas, noir contemporáneo y cine de terror doméstico para pensar el espacio desde la imagen

En paralelo, Cineteca Madrid dedica una retrospectiva al cineasta Heinz Emigholz y su singular mirada sobre la arquitectura

El colectivo Ciudades Reveladas explora el habitar desde el cine latinoamericano a través de una carta blanca de proyecciones

Además, Cineteca Madrid propone este mes un foco especial en el cineasta Juan Cavestany y su retrato íntimo y expandido de la ciudad de Madrid

Completa la programación el ciclo retrospectivo dedicado a la pionera Germaine Dulac, figura clave de la vanguardia cinematográfica

No faltarán a su cita las sesiones de programación familiar y cine experimental, además de nuevas entregas de CineZeta y ‘La Noche Z’

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en enero un recorrido cinematográfico por los espacios que conforman nuestra vida cotidiana, desde la escala urbana hasta la intimidad de una habitación. Bajo el título ‘Máquinas de habitar’, la programación invita a pensar cómo el cine ha construido, interpretado y cuestionado los lugares que ocupamos, revelando su dimensión política, emocional y simbólica. A través de sinfonías urbanas, relatos de barrio, arquitecturas del miedo, ensayos fílmicos y miradas experimentales, se articula una geografía crítica del habitar contemporáneo donde ciudad, vivienda y cuerpo se entrelazan como escenarios de conflicto, memoria y deseo.

Ciclo ‘Máquinas de habitar’

¿Qué relación tiene el cine con los espacios que habitamos? ¿Cómo han contribuido las imágenes a moldear nuestra experiencia de la ciudad, del hogar o de la intimidad? ‘Máquinas de habitar’ plantea estas preguntas como eje vertebrador de la programación de enero. Organizado en cuatro capítulos —la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación—, el ciclo traza una cartografía cinematográfica que va de lo colectivo a lo íntimo, explorando cómo los espacios no solo se habitan, sino que también nos habitan ellos a nosotros.

Capítulo 1: ‘La ciudad: sinfonías urbanas’

Este primer capítulo recorre la tradición de las sinfonías urbanas, un género nacido en las vanguardias de los años veinte que buscó capturar el pulso, la energía y la complejidad de la vida metropolitana.

Entre las obras más emblemáticas del programa destaca Manhatta (EE. UU., 1921), de Charles Sheeler y Paul Strand, considerada una de las primeras sinfonías urbanas del cine y un retrato poético de Nueva York como máquina moderna en expansión.

A su lado, Rien que les heures (Francia, 1926), de Alberto Cavalcanti, propone una mirada fragmentaria y melancólica sobre el París de entreguerras. El recorrido culmina con Koyaanisqatsi (EE. UU., 1982), de Godfrey Reggio, una poderosa composición audiovisual que convierte la ciudad contemporánea en un flujo hipnótico de imágenes y sonidos.

Capítulo 2: ‘El barrio: malas calles’

El barrio ha sido uno de los grandes escenarios del cine moderno, un espacio donde lo cotidiano convive con la violencia, el deseo y el conflicto. Este programa reúne miradas muy diversas que convierten el barrio en territorio mítico, político o emocional.

Entre las películas más representativas del ciclo sobresale El odio (Francia, 1995), de Mathieu Kassovitz, un retrato eléctrico y aún vigente de la violencia estructural y la frustración en la periferia urbana. Sonidos de barrio (Brasil, 2012), de Kleber Mendonça Filho, desplaza el conflicto hacia una escala más soterrada, donde el urbanismo, la memoria y el miedo se infiltran en la vida cotidiana de un vecindario brasileño aparentemente tranquilo. Completa este mapa Chungking Express (Hong Kong, 1994), de Wong Kar-wai, que transforma calles, pasillos y locales nocturnos de Hong Kong en un espacio emocional vibrante.

Capítulo 3: ‘La vivienda: habitar el terror’

Comisariado por Alberto Sedano, este programa aborda la vivienda como uno de los espacios más inquietantes del imaginario contemporáneo. Entre los títulos más elocuentes del programa destaca Terror en Amityville (Stuart Rosenberg, EE. UU., 1979), donde la casa deja de ser refugio para convertirse en una trampa financiera y emocional.

Candyman, el dominio de la mente (EEUU, 1992), de Bernard Rose, desplaza el horror hacia el urbanismo y la segregación, haciendo de la vivienda un espacio atravesado por la violencia estructural y la memoria reprimida. Las películas de Ti West —La casa del diablo (EE. UU., 2009) y Los huéspedes (EE. UU., 2011), programada en una sesión especial de ‘La Noche Zeta’—, actualizan el motivo de la casa encantada desde una precariedad reconocible, donde la necesidad económica empuja a habitar lugares que ya anuncian su amenaza. Cierra el ciclo la recuperación de Aquella casa en las afueras (España, 1980), de Eugenio Martín, una rareza del cine español que convierte el espacio doméstico en detonante de un trauma colectivo.

Capítulo 4: ‘La habitación: un mundo entre cuatro paredes’

Este último capítulo del ciclo reúne obras de vanguardia que se sitúan en habitaciones, cuartos de hotel o espacios interiores mínimos, donde lo cotidiano adquiere una densidad sensorial radical. En Room Film 73 (Reino Unido, 1973), Peter Gidal reduce la habitación a un campo de percepción extrema, obligando al espectador a habitar el tiempo y la duración de la imagen como una experiencia física.

Hotel Diaries (Reino Unido, 2001-2007), de John Smith, convierte los cuartos de hotel en observatorios involuntarios de lo cotidiano, espacios impersonales que, filmados a lo largo de años y ciudades, acumulan memoria, humor y extrañeza. Por su parte, Berlin 10/90 (Francia, 1990), de Robert Kramer, encierra al cineasta en una estancia durante una hora para convertirla en escenario de pensamiento, deriva y confesión política.

Retrospectiva de Heinz Emigholz: ensayos de arquitectura

Este ciclo propone una experiencia singular de encuentro entre cine y arquitectura, alejada de cualquier voluntad explicativa o didáctica. A través de películas como Dieste [Uruguay] (Alemania, 2017), Perret en Francia y Algeria (Alemania, 2012) o Parabeton – Pier Luigi Nervi y el hormigón romano (Alemania, 2012), Emigholz filma los edificios como cuerpos vivos, atendiendo a su materialidad, a la relación con el entorno y al paso del tiempo. Lejos de ilustrar teorías, estas películas convierten la arquitectura en una experiencia perceptiva y sensorial, donde el espacio se despliega como una forma de pensamiento en sí misma.

Colectivo Ciudades Reveladas

En colaboración con Intermediae, Cineteca Madrid ofrece una carta blanca al colectivo Ciudades Reveladas, comisariada por Khalil Esteban. El programa reúne películas del cine independiente latinoamericano que reflexionan sobre el habitar desde distintas escalas y contextos, con especial atención al edificio de viviendas como infraestructura social. A través de relatos situados en Brasil, Chile o Argentina, el ciclo plantea preguntas sobre la vida en común, la crisis habitacional, la pandemia y los modos de documentar lo cotidiano desde el cine. Destacan títulos como Diz a Ela que me Viu Chorar (Brasil, 2019) o Era o Hotel Cambridge (Brasil-Francia, 2015).

Foco especial a Juan Cavestany

Con motivo del estreno de Madrid, Ext. (España, 2025), Cineteca Madrid dedica un foco especial a Juan Cavestany, una de las miradas más singulares del cine español contemporáneo. El programa reúne obras que exploran la ciudad desde la intimidad, el humor y la observación radical de lo cotidiano.

Desde sus primeras piezas mínimas hasta sus retratos de Madrid durante y después del confinamiento, el conjunto traza un recorrido por las escalas de la ciudad, del individuo a la red urbana, y propone una forma libre y profundamente personal de filmar el espacio, destacando obras como El señor (España, 2012) o Madrid, Int. (España, 2020), que se proyectará por primera vez en la historia en sala de cine. Todas las sesiones estarán presentadas por el director madrileño.

Retrospectiva de Germaine Dulac: ¿qué es el cine?

Figura clave de la vanguardia francesa y pionera del cine como arte autónomo, Germaine Dulac protagoniza una amplia retrospectiva que recorre las múltiples facetas de su obra. Más allá de su vinculación al surrealismo, el programa reivindica su pensamiento cinematográfico, su compromiso político y su experimentación formal. Las sesiones incluyen piezas de vanguardia, trabajos vinculados a la cultura española, experimentos musicales y algunos de los primeros videoensayos de la historia del cine, ofreciendo un retrato complejo y necesario de una autora fundamental.

Destacan las proyecciones de La sonriente Madame Beudet (Francia, 1923) y La caracola y el clérigo (Francia, 1928). Este ciclo se celebra en paralelo a la exposición del Museu Tàpies de Barcelona titulada Germaine Dulac. Je n’ai plus rien, comisariada por Imma Merino e Imma Prieto, directora del museo, que presentará una de las sesiones de la retrospectiva.

CineZeta: tiempo muerto

Los sábados 17 y 31 de enero, el equipo de jóvenes programadores de CineZeta propone un espacio de descanso, juego y reflexión colectiva sobre el cine. Bajo el título ‘Tiempo muerto’, estas sesiones reúnen películas que cuestionan el uso del tiempo y las formas de hacer cine, explorando el ocio, la pausa y la reapropiación de imágenes. Un cine hecho desde la cercanía, el archivo y la comunidad, que reivindica otras maneras de mirar y compartir.

Cineteca en familia: ciudades imaginadas

La programación familiar de enero invita a recorrer ciudades animadas llenas de enigmas y aventuras. Desde Monstruos, S.A. (EE. UU., 2001) hasta Metrópolis de Osamu Tezuka (Japón, 2001), pasando por Un gato en París (Francia-Bélgica, 2010), el ciclo propone distintas formas de imaginar y habitar la ciudad: desde la urbe industrial de los monstruos hasta los laberintos futuristas o las calles nocturnas vistas desde los tejados.

La programación de enero se completa con estrenos recientes del cine español como: La ley de Sodoma (España, 2025), Os espazos en branco (España, 2023), Del susurro del tiempo (España, 2025) o Antes (España, 2020). No faltarán a su cita nuevas sesiones de los ciclos habituales de Cineteca como ‘Relatos del ruido’, ‘Confesionario’, ‘Ciclo DOCMA’ o ‘Foro CIMA’, además de una nueva entrega de ‘Imprescindibles TVE’, con la película Los Chichos: ni más ni menos (Paco Millán, España, 2025). /

Palestine to Japan (T. Maki, 1979)

Este programa presenta una selección de películas que iluminan la evolución de lo que hoy se reconoce como cine militante palestino. La proyección acompaña a la ponencia de Mohanad Yaquabi «Restaurar la solidaridad: the Tokyo Reels», en el marco de las Jornadas de Cine Militante y Archivos Fílmicos. Presentación a cargo de Amina Ferley (Elías Querejeta Zine Eskola, investigadora de Palestina, otro Vietnam).

Entre 1968 y 1982, cineastas diversos de todo el mundo dirigieron su mirada hacia la lucha palestina. Considerando aquel contexto un terreno fértil para la experimentación cinematográfica, llevaron al límite tanto las formas estéticas como las políticas mientras exploraban nuevas visiones de solidaridad global. Se examinan en este programa tres ejemplos de estas producciones (procedentes de tres continentes diferentes y basadas en estrategias y planteamientos cinematográficos diversos) que comparten un mismo objetivo: ofrecer al pueblo palestino una voz, una imagen y un archivo.

El alcance geográfico del programa se expande a medida que se incorporan mensajes procedentes de todo el mundo, conectando Palestina, otro Vietnam, de J. Giannoni, J. Denti, M. Generali y B. Scavuzzo, con Palestine to Japan, de T. Maki, a través de un enfoque militante compartido. Estas dos piezas se complementan con Cowboy, de Sami Al-Salamoni, que explora con precisión la compleja relación entre imagen y poder, y utiliza la mesa de montaje para subvertir esta dinámica. El resultado es un manifiesto anticapitalista y antiimperialista que subraya el vínculo indisociable con la lucha del pueblo palestino por su liberación.

Profundizando en las nociones de «ahora y entonces» y «aquí y allá», estas películas exponen las injusticias históricas que el pueblo palestino ha sufrido y contra las que sigue luchando. Una técnica clave en las tres obras es el uso de imágenes de archivo, que a menudo circulan entre diferentes cronologías, y así transforman la solidaridad de un simple eslogan en una práctica activa. Este enfoque revela una libertad cinematográfica en la expresión artística y un dominio extraordinario del tiempo y el espacio; una práctica que, por sí misma, encarna soberanía y libertad.

Palestina, otro Vietnam, Colectivo C3M – Cinema del Terzo Mondo, 1971, 16 mm, 22 min; Palestine to Japan, T. Maki, 1979, 16 mm, 20 min; Cowboy, Sami Al-Salamoni, 1973, 16 mm, 16 min.

Proyección en digital, VOSE.

Fecha: 30 enero 2026

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Mujeres de Surinam (Oema foe Sranan), At van Praag, 1978

Estas jornadas estarán dedicadas a profundizar sobre aquellas películas, experiencias y procesos cinematográficos que se han cuestionado cómo responder a las injusticias de su tiempo. Ante todo, este cine políticamente comprometido, históricamente contrainformativo y acompañante de las luchas colectivas, es un cine de invención y de transformación. Proponemos trazar un mapa de estas prácticas a lo largo del tiempo: desde México hasta Palestina, o de Uruguay a Cataluña, entre otros territorios. A su vez, al tratarse de archivos clandestinos, efímeros o inacabados, este cine también exige imaginar estrategias no tradicionales para su conservación, restauración y preservación. En un presente cada vez más violento y destructivo, nos preguntamos por el papel de las imágenes. ¿Cómo podemos seguir creando nuevas herramientas que sostengan no solo la memoria, sino también la energía y el fuego?

Jueves 29 de enero

10.30 h: Bienvenida y presentación del programa, Gloria Vilches (Xcèntric)

11.00 h: Documentar contra el borrado. Los caminos clandestinos de un cine comprometido. Diego Cepeda (programador y comisario de las jornadas)

Para aventurarnos en la difícil tarea que supone investigar, recuperar y proyectar el cine militante, quizás habría que comenzar hablando de lo que se ha perdido. A través de la proyección de fragmentos accesibles y otros aún clandestinos, descripciones en la prensa, fotografías, testimonios y búsquedas en archivos, intentaremos dar cuenta de una constelación de películas del Caribe que fueron censuradas y desaparecidas. Al mismo tiempo, propondremos formas de reconfigurar estas historias y estrategias ante la pérdida. Como dijo Apollinaire, habrá que perder, pero perder de verdad, para dejar sitio al hallazgo.

12.00 h: El proyecto inacabado del Tercer Cine como praxis experimental generalizada: pasado y presente del cine militante. Victor Guimarães (crítico de cine y programador)

Mucho antes de su secuestro culturalista por los académicos anglosajones, el Tercer Cine representó a la vez un proyecto utópico, una praxis revolucionaria y un laboratorio de invención de formas. Alrededor del año 1968, a lo largo de toda Latinoamérica y casi inmediatamente también en África, Asia y entre los sectores no alineados del Norte Global, el Tercer Cine trató de deshacer todos los cimientos de la práctica cinematográfica convencional para instalar un estado generalizado de experimentación, que va desde un desmantelamiento de las cámaras hasta la ruptura con los procesos normales de proyección. Se trataba de rechazar la división histórica entre las dos vanguardias (la blanca y la roja) para componer una doble afirmación: no hay cine militante sin experimentación formal; no hay cine experimental sin compromiso con el devenir colectivo. Sin embargo, más de medio siglo después, nuestra época parece enteramente reacia a ese espíritu. El horror invade nuestras pantallas diariamente y ninguna resistencia visual parece capaz de detener la marcha del genocidio: el vínculo entre imagen y acción se desvanece. Sin embargo, artistas y colectivos insisten en hacer películas. ¿Cómo podemos enfrentarnos a esa paradoja? La conferencia recupera el legado experimental del Tercer Cine para interrogar al cine militante contemporáneo. A partir de una fricción entre fragmentos del pasado y del presente, nos preguntamos: ¿qué formas tendrán los cines militantes por venir? 

17.00 h: Imágenes insurgentes I: prácticas del cine militante y feminista en México. Karina Solórzano (programadora e investigadora especializada en cine mexicano)

Cámaras ligeras, rollos de súper-8 y materiales de archivo fueron las herramientas del cine militante en México, que, en palabras de Rosa Martha Fernández, una de las fundadoras del Colectivo Cine Mujer, entendía la imagen como «un instrumento de transformación de la realidad y concientización». El cine se convirtió en una forma de agitar la realidad, de intervenir en ella desde los márgenes. Además del Colectivo Cine Mujer, grupos como la Cooperativa de Cine Marginal y el Taller de Cine Octubre documentaron huelgas, movilizaciones campesinas y conflictos laborales. El trabajo que este cine realizó con el registro y el montaje fue singular en la época: un destello que reveló aquello que el cine industrial mantenía fuera de campo, una experiencia colectiva e irrepetible en la historia del país.

19.00 h: proyección «Imágenes insurgentes II. Súper-8 y material de archivo en el cine mexicano de la década de los setenta»

Viernes 30 de enero

10.00 h: La Cinemateca del Tercer Mundo de Uruguay y la creación del escáner alternativo de LAPA. Isabel Wschebor (historiadora y especialista en archivos audiovisuales). Con introducción a cargo de Carolina Cappa (responsable del Departamento de Investigación de Elías Querejeta Zine Eskola)

Desde 2018, el Laboratorio de Preservación Audiovisual del Archivo General de la Universidad de la República Oriental de Uruguay (LAPA-AGU) trabaja en la recuperación de las películas militantes realizadas en los años previos al golpe de Estado de 1973. Durante décadas, gran parte de estos films (en especial aquellos producidos por colectivos como la Cinemateca del Tercer Mundo) permanecieron prácticamente inaccesibles debido a la censura y la dispersión de sus materiales. Para revertir este vacío, la investigación emprendió una búsqueda arqueológica en archivos privados, instituciones y colecciones dentro y fuera del país. Paralelamente, se puso en marcha su primer escáner de hardware y software libre, una herramienta decisiva para digitalizar materiales frágiles y reponerlos en el espacio digital. Una tercera línea de trabajo tomó forma a través del proyecto universitario «El cine uruguayo y la lucha contra la impunidad», que permitió activar una conversación en torno a cómo las actuales dificultades de acceso dialogan directamente con la historia de censura y persecución que las atravesó. Esta presentación recoge esa experiencia y abre nuevas preguntas: qué obras siguen ocultas, qué historias quedan pendientes y cómo se puede continuar restituyendo una memoria cinematográfica que fue silenciada.

12.00 h: Ensayo y error: una brevísima historia de la cultura cinematográfica militante en Cataluña. Pablo La Parra (director de la Filmoteca de Catalunya)

En los últimos años de la dictadura franquista y a lo largo de la Transición, Cataluña fue el epicentro de una nueva cultura cinematográfica militante en el Estado español. En un contexto marcado por la agitación social y la movilización política, la apropiación de pequeños formatos cinematográficos y la consolidación de redes clandestinas permitieron a una nueva generación de jóvenes crear estructuras que operaban al margen de cualquier marco industrial o legal. Lejos de premisas de excepcionalidad o mirada localista, esta presentación se aproxima a la cultura cinematográfica militante como una red de conexiones afectivas, estéticas y políticas que, en la ola revolucionaria global del «largo 68», conectaron la disidencia catalana con movimientos y circuitos transnacionales. A partir de la exploración de la colección de la Filmoteca de Catalunya y otros archivos internacionales, memorias orales e investigaciones recientes, nos detendremos en diferentes experiencias de distribución, exhibición y producción clandestinas o alegales, con el fin de iluminar algunas escenas clave de una cultura cinematográfica autogestionada y radicalmente independiente.

Conferencia ilustrada con la proyección de Viaje a la explotación (Colectivo Penta: Bartolomé Vilà, Mercè Conesa, Paco Luque, Francisco Moratalla, Paco Maria, 1974 ), VE, 19 min. Copia cortesía de la Filmoteca de Catalunya.

17.00 h: Restaurar la solidaridad: The Tokyo Reels. Mohanad Yaqubi (cineasta, productor, cofundador de Idioms Film y miembro de Subversive Film)

Escondida durante tres décadas en las afueras de Tokio, una colección de películas de 16 mm, realizadas entre 1964 y 1983 por cineastas árabes, japoneses y otros creadores internacionales, recaba la historia de la lucha palestina. El proceso de investigación y preservación de la colección, más allá de trazar el mapa de una red de solidaridad transnacional, ha querido dar forma a un «archivo imperfecto». Esta presentación explorará los retos de restaurar una serie de películas procedentes de personas o pueblos que están aún inmersos en su lucha, y pondrá de relieve las dificultades inherentes a la archivística en contextos revolucionarios. También examinará la importancia de preservar la memoria en el marco de atrocidades aún presentes, así como la relación directa entre el acto de restaurar filmes y el de restaurar la solidaridad.

19.00 h: proyecció «Miradas sobre Palestina.» Presentación a cargo de Amina Ferley (EQZE, restauradora de Palestina, otro Vietnam)

Participantes

Diego Cepeda

Victor Guimarães

Karina Solórzano

Carolina Cappa

Pablo La Parra Pérez

Mohanad Yaqubi

Amina Ferley

Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken, 1961)

Este programa celebra la obra sensual, vibrante y lúdica de Marie Menken, una de las grandes creadoras del cine poético, cuya influencia fue decisiva para Kenneth Anger, Stan Brakhage o Jonas Mekas. Menken concibe el cine como un cuaderno de notas de asombros, ritmos extáticos, juegos e invenciones de formas a través del movimiento y la luz.

Sus películas, filmadas casi siempre con una cámara Bolex manejada a mano y con una ligereza coreográfica («el cuerpo eléctrico toma vida en una serie de pulsos e impulsos», según Brakhage), pintan, esculpen y tocan nuevos mundos perceptivos —en las flores de un jardín, las luces nocturnas, los azulejos de la Alhambra o el palpitar frenético de Nueva York—, e incorporan una gran variedad de recursos, diálogos con las artes y técnicas de animación como el collage o el stop-motion.

La sesión recorre la obra fundamental de Menken, desde su primera película hasta un conjunto de catorce piezas, tomando como punto de partida Notebook, para reflejar su carácter diarístico e íntimo, de exploración y reflejo de su sistema nervioso. Jonas Mekas: «Las canciones que solíamos cantar juntos hablaban de un jardín lleno de flores, de una niña que lo cuidaba. Las películas de Marie eran las flores de su jardín. Cuando estaba allí, abría su alma, con todos los deseos secretos y los sueños que contenía. Todas ellas son dulces, coloridas, perfectas y no demasiado voluminosas; todas ellas estaban hechas y atendidas con amor».

Marie Menken: Notebook, 1962, 10 min; Visual Variations on Noguchi, 1945, 4 min; Hurry! Hurry!, 1957, 4 min; Dwightiana, 1959, 4 min; Arabesque for Kenneth Anger, 1961, 4 min; Bagatelle for Willard Maas, 1961, 6 min; Glimpse of the Garden, 1957, 5 min; Lights, 1966, 6 min; Eye Music in Red Major, 1961, 5 min; Moonplay, 1964, 4 min; Mood Mondrian, 1965, 5 min; Sidewalks, 1966, 6 min; Excursion, 1968, 6 min; Go! Go! Go!, 1964, 11 min.

Proyección en 16 mm.

Copias procedentes de Filmmakers’ Coop.

Fecha: 8 febrero 2026

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online a partir del 16 de diciembre.

La programación anual incluye el ciclo ‘Cine y escuelas de cine’ organizado por el Festival de San Sebastián y Elías Querejeta Zine Eskola

El bono de cine y las entradas para las proyecciones de 2026 estarán a la venta a partir del 19 de diciembre.

Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2026, que dará comienzo el 8 de enero. Esta propuesta ha sido diseñada de manera conjunta por las entidades que programan en la pantalla compartida del centro: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.

El programa de 2026 mantendrá su objetivo de fomentar la diversidad de públicos en la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Para lograrlo, la programación reforzará el diálogo entre el cine y otras disciplinas, a través de ciclos temáticos que exploran las intersecciones entre cine y música, cine y arte, cine y literatura o cine y ciencia. Además, se incluyen programas desarrollados con la participación de la UPV/EHU y EQZE.

La programación de 2026 se inaugurará oficialmente con el proyecto Cine hablado, que busca promover el acercamiento directo entre cineastas, espectadoras y espectadores. La primera sesión tendrá lugar el 8 de enero y contará con la presencia de Alberto Gastesi, quien recientemente presentó su película Singular en la sección oficial del Festival de Sitges. La proyección de su filme comenzará a las 17:00, e irá seguida de una conferencia en la que Gastesi compartirá con el público el proceso de creación.

Laura Citarella, Zineb Sedira y Lucile Hadžihalilović

El primer gran ciclo de la temporada estará dedicado a la cineasta argentina Laura Citarella. Integrante de la destacada productora El Pampero Cine (junto a Mariano Llinás, Alejo Moguillansky y Agustín Mendilaharzu), Citarella ha dirigido cuatro largometrajes proyectados en festivales como Venecia o San Sebastián, y ha destacado en la producción de aclamados títulos como Historias extraordinarias y La flor.

La realizadora visitará Tabakalera el 15 de enero para presentar Trenque Lauquen (Zabaltegi-Tabakalera 2022) considerada la mejor película de 2023 por la revista especializada Cahiers du Cinéma. Durante su estancia, la directora impartirá clases en EQZE y ofrecerá un taller abierto al público en el Laboratorio de Cine y Audiovisual. Además, el 17 de enero se proyectará El affaire de Miu-miu, tras lo cual Citarella conversará con Lur Olaizola, coordinadora de cine de Tabakalera.

En febrero, la fotógrafa y videoartista feminista franco-argelina Zineb Sedira visitará el centro con motivo de la inauguración de la exposición que se le dedicará en la Sala de exposiciones. Coincidiendo con la muestra, se organizará un ciclo de centrado en cineastas de Argelia y Marruecos. La primera de estas sesiones, el 21 de febrero, contará con la presencia de la propia Zineb Sedira, quien presentará la película Festival panafricain d’Alger 1969, dirigida por el fotógrafo y cineasta William Klein.

Entre abril y junio, Lucile Hadžihalilović, reciente ganadora del Premio Zabaltegi-Tabakalera en el Festival de San Sebastián, protagonizará una retrospectiva organizada en colaboración con EQZE. El ciclo permitirá disfrutar de la totalidad de la filmografía de la directora francesa, quien también impartirá clases como profesora invitada en la escuela de cine.

Por tercer año consecutivo, los estudiantes de la UPV/EHU serán los encargados de programar la sala de cine una vez al mes. La tercera edición del ciclo Jóvenes en el cine comenzará el 22 de enero con el objetivo de abrir la pantalla a las preferencias del alumnado y generar nuevos públicos.

El ciclo que explora la relación entre cine y literatura dará comienzo el 29 de enero. La escritora Eider Rodríguez será la primera invitada, en una sesión dedicada al film Beau travail, de Claire Denis. Este ciclo mensual ofrecerá una proyección, subtitulada en euskera, acompañada de una presentación también en euskera a cargo de un escritor o escritora.

Por su parte, el ciclo Cine y Música regresará el 31 de enero con una sesión especial con el dúo Niña Coyote y Chico Tornado que, además, ofrecerá una charla sobre el proceso de creación de una banda sonora.

Nosferatu. Billy Wilder

El nuevo ciclo Nosferatu comenzará en Tabakalera el 14 de enero y estará dedicado a la figura del realizador centroeuropeo Billy Wilder, uno de los grandes nombres del cine mundial del siglo XX, con la proyección de Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses, 1950).

Organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – La Filmoteca, el ciclo se desarrollará entre enero y diciembre de 2026, e incluirá la proyección de 32 películas.

La programación ofrecerá un completo recorrido por la extraordinaria filmografía de Wilder. Explorará sus inicios como guionista en la Alemania de los años treinta, su ópera prima como director en Francia — Mauvaise graine (Curvas peligrosas,1933)— , y su etapa como guionista, ya en EEUU, para cineastas de la talla de Ernst Lubitsch, Mitchell Leisen o Howard Hawks culminando con su primera película en Hollywood, The Major and the Minor (El mayor y la menor, 1942).

El escritor y crítico de cine Luis Alegre será el coordinador del libro Billy Wilder. Anatomía de un genio, número 22 de la Colección Nosferatu, que se publicará en enero acompañando el inicio del ciclo. La publicación incluye entrevistas realizadas para la ocasión con Fernando Trueba y Joseph McBride. En otoño de 2026 se editará el nº 14 de la Nosferatu Bilduma, en euskera, escrito por el profesor y estudioso del cine Zigor Etxebeste sobre la figura de Wilder.

Cine y escuelas de cine

Zinemaldia + Plus, el programa con el que el Festival de San Sebastián participa en la pantalla compartida de Tabakalera, dedicará su programación de 2026 al tema ‘cine y escuelas de cine’.

En el año 2018, la Elías Querejeta Zine Eskola abrió sus puertas a la primera promoción de estudiantes de creación, comisariado y archivo. El Festival de San Sebastián que de forma histórica había atendido a la etapa formativa de la profesionalización (ese salto al vacío que sucede entre la escuela de cine al mundo profesional) con secciones como Nest, participó en su propia gestación y, desde su apertura, ha coorganizado, junto con la escuela de cine, multitud de proyectos que han sido transformadores para el certamen internacional donostiarra.

Con el objetivo de ver cómo el cine ha tratado la formación de sus propios cuadros técnicos y artísticos, este ciclo, que se propone, como no podía ser de otra manera, en coorganización con Elías Querejeta Zine Eskola, recoge una serie de películas que suceden en la escuela de cine, que registran ese periodo vital, pero también películas que nacen literalmente del trabajo en el aula, películas colectivas y películas que difuminan la barrera entre el estudiante y cineasta.

El ciclo programará: We Can’t Go Home Again de Nicholas Ray (1973), Todos vós sodes capitán, Oliver Laxe (2010), Don’t Expect Too Much, Susan Ray (2011), Le concours de Claire Simon (2016), Los mutantes de Gabriel Azorín (2016), The souvenir: Part II de Joanna Hogg (2021), A Night of Knowing Nothing de Payal Kapadia (2021) y Tú me abrasas de Matías Piñeiro (2024).

Novena edición de Cine y ciencia

Como ya es habitual, la Filmoteca Vasca inicia su año cinematográfico con una nueva edición (la novena) del ciclo Cine y Ciencia. Este programa está organizado conjuntamente con el Donostia International Physics Center (DIPC) y el Festival de San Sebastián.

El ciclo arrancará el día 9 de enero y, siguiendo la tradición, será presentado por el presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike. Etxenike será el encargado de presentar la película inaugural: un clásico de la ciencia ficción, El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner, 1968). A través del lenguaje cinematográfico, este ciclo abordará diferentes disciplinas y problemáticas relacionadas con el mundo de la ciencia. El programa completo se dará a conocer próximamente.

La primavera de Filmoteca Vasca estará dedicada al cine vasco. Entre abril y junio se ofrecerán entre 10 y 12 sesiones que recogerán una pequeña parte de la producción vasca, tanto clásica como más reciente.

La celebración de tres importantes festivales de jazz en nuestro territorio (Vitoria-Gasteiz, San Sebastián, Getxo) convierte el mes de julio en el mes jazzístico vasco por excelencia, y la Filmoteca Vasca se une a esta fiesta musical y cinematográfica a través del ciclo Jazzinema, que cumple su primera década.

El otoño será el tiempo de los clásicos, con la tercera edición del ciclo Klasikoak, coorganizado con el Festival de San Sebastián. Se presentarán películas que han alcanzado la categoría de «clásicas» y que han sido recientemente restauradas. El Festival presentará las dos primeras entregas en septiembre, y la parte más extensa de Klasikoak se desarrollará entre octubre y diciembre.

Bono de cine 2026 y venta de entradas

El bono de cine de Tabakalera se renueva para 2026, y ofrecerá la entrada a 30 películas por 90€. Este bono es válido para las proyecciones de las instituciones socias de la pantalla compartida (Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera), a excepción de las programadas durante el Festival de San Sebastián 2026.

La compra del bono incluye, un año más, una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: el libro colectivo Dena egiteke dago, zinema tirokatu (coordinado por Iratxe Fresneda) o el libro en castellano Billy Wilder. Anatomía de un genio (coordinado por Luis Alegre).

El bono se podrá adquirir a partir del 19 de diciembre de 2025 a las 12:00 del mediodía, y la venta estará abierta hasta el 31 de enero de 2026 a las 12:00. Las compras y gestiones se podrán realizar tanto en la web de Tabakalera como en su Punto de Información. El consumo de las entradas del bono podrá realizarse desde el 1 de enero hasta el 31 de diciembre de 2026.

Simultáneamente, la venta de entradas ordinarias para las proyecciones de enero se abrirá en la misma fecha y hora (19 de diciembre de 2025 a las 12:00). La entrada ordinaria tendrá un coste de 4.5€. Este incremento de precio se verá compensado por la eliminación de los gastos de emisión por compra online. Los descuentos habituales seguirán aplicándose como hasta ahora.

Toda la información relacionada con el bono y la programación de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.

• Cincuenta años después de su muerte, un programa especial recuerda al poeta, cineasta y pensador con Teorema y El Evangelio según San Mateo
• El ciclo ‘Futuros raros’ examina, desde la ficción, el ensayo y el documental, los imaginarios tecnológicos y sociales de nuestro presente
• ‘Cineteca en familia’ redescubre los mundos animados de Ub Iwerks, pionero del dibujo moderno y creador de Mickey Mouse
• ‘Linterna’, el ciclo mensual comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, rescata La oreja, obra maestra del miedo y el control firmada por Karel Kachyňa
• Cineteca Madrid acoge las nuevas ediciones de Cine por Mujeres Madrid, QueerCineMad, RIZOMA y Márgenes, cuatro de los festivales más representativos del otoño madrileño
• Continúan las proyecciones de la retrospectiva dedicada al cineasta chileno Raúl Ruiz

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica el mes de noviembre a las poéticas del futuro y de la memoria. En el cincuenta aniversario de la muerte del cineasta italiano Pier Paolo Pasolini, su cine vuelve a la pantalla como territorio de revelación y combate; junto a él, el ciclo ‘Futuros raros’ explora las ficciones tecnológicas que modelan nuestro presente desde la ironía y la inquietud.

La programación se completa con un homenaje al pionero de la animación Ub Iwerks; el regreso del programa mensual comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, ‘Linterna’, con la inquietante La oreja de Karel Kachyňa, y la celebración de algunos de los festivales más destacados del otoño madrileño. Un mes para pensar el cine como memoria activa y como laboratorio de futuros posibles.

Eterno Pasolini

El 2 de noviembre de 1975, el cuerpo de Pier Paolo Pasolini fue hallado en la playa de Ostia. Poeta, narrador, ensayista y cineasta, Pasolini convirtió el cine en un acto de insurrección moral, un espacio donde lo sagrado y lo político, lo popular y lo erudito convivían con una honestidad sin concesiones.

Cineteca Madrid conmemora el 50º aniversario de su muerte con dos sesiones especiales dedicadas a su obra y su memoria: Teorema (Italia, 1968), parábola sobre la irrupción del deseo y la fe en la vida burguesa, y El Evangelio según San Mateo (Italia, 1964), lectura humanista y radical de los textos bíblicos, acompañada del cortometraje Funeral de Pier Paolo Pasolini (Italia, 1975). Dos miradas complementarias de un creador que hizo de la contradicción una forma de verdad.

Futuros raros en el cine

El ciclo ‘Futuros raros’, comisariado por Bani Brusadin y la artista e investigadora Solveig Qu Suess y organizado en colaboración con Medialab Matadero, reúne una selección internacional de películas, ensayos y piezas de no ficción que interrogan las representaciones tecnológicas del presente y los escenarios de futuro. Entre la especulación y la sátira, estas obras retratan un mundo donde la vigilancia, el control algorítmico y la precariedad se han vuelto la norma.

Organizado en el marco del programa LAB 4 de Medialab Matadero, el ciclo propone una constelación de relatos sobre la incertidumbre contemporánea. Obras como Fresh Kill (Shu Lea Cheang, EE. UU., 1994), The Seasteaders (Jacob Hurwitz-Goodman y Daniel Keller, EE. UU., 2018) o Everything But The World (Lauren Boyle, EE. UU., 2021) se combinan con cortos recientes de artistas como Silvia Dal Dosso, Rouzbeh Akhbari o Ayoung Kim, componiendo un mosaico entre la distopía, el absurdo y la crítica política.

Completan el ciclo las proyecciones: Rola Rolls (eobchae, Corea del Sur, 2024), Welcome to Jankspace, Babes (Daniel Felstead, Jenn Leung, Reino Unido, 2025), CODEX ENTROPIA (Richard Pell, EEUU, 2020), Random Access (Zike He, China, 2023), y Never Rest/Unrest (Tiffany Sia, Hong Kong, 2020).

‘Cineteca en familia’: los mundos animados de Ub Iwerks

El ciclo familiar de noviembre rinde homenaje a Ub Iwerks (1901–1970), pionero de la animación moderna, cofundador de los estudios Disney y creador del diseño definitivo de Mickey Mouse. Inquieto e inventivo, Iwerks fundó su propio estudio en los años 30 y desarrolló la serie ComiColor Cartoons, coloridos cortometrajes inspirados en cuentos y fábulas tradicionales.

Los domingos 16 y 30 de noviembre, a las 12:00 horas, Cineteca presenta dos programas integrales que recuperan estas joyas restauradas en Cinecolor, con música original de Carl Stalling, compositor de Looney Tunes. Fantasía, humor y técnica se combinan en unas piezas que revelan el talento de un visionario del cine de animación.

Ciclo ‘Linterna’, episodio 3: La oreja

En el tercer episodio de ‘Linterna’, el programa comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, se proyecta La oreja (Checoslovaquia, 1969), del cineasta checoslovaco Karel Kachyňa. Prohibida por el régimen tras su estreno, esta obra maestra del cine político europeo convierte una noche de paranoia conyugal en una alegoría sobre la vigilancia y el miedo. Entre el thriller psicológico y el drama íntimo, la película despliega una atmósfera asfixiante donde la desconfianza se convierte en metáfora del poder.

Mes de festivales en Cineteca

Noviembre es, una vez más, el mes de los grandes festivales en Cineteca Madrid. El centro acoge la VIII edición de Cine por Mujeres Madrid (del 4 al 9 de noviembre), el 30º Festival QueerCineMad (del 11 al 16), la 13ª edición de RIZOMA Festival Internacional de Cine & Cultura Entrelazada (del 18 al 23) y el 15º Festival Márgenes (del 25 al 30). Cuatro citas imprescindibles que consolidan el papel de Cineteca Madrid como punto de encuentro del cine independiente y contemporáneo.

Ciclos habituales y nuevas entregas de la retrospectiva sobre Raúl Ruiz

Este mes, ‘Relatos del ruido’ rinde homenaje al músico y programador Javier Piñango (1962–2025) y el ciclo ‘Así son las cosas’ presenta De memoria (de Amaya Hernández, Julia Martos y Florencia Rojas). Además, continúa la retrospectiva dedicada al cineasta chileno Raúl Ruiz, con títulos como Tres tristes tigres (Chile, 1968), La hipótesis del cuadro robado (Francia, 1979) o Misterios de Lisboa (Portugal-Francia, 2010). /

A partir de la apropiación de archivo doméstico y la inscripción de narrativas queer, esta sesión propone colectivizar el “leer en contra” de Griselda Pollock con la intención de dejar de sentirnos extrañas, leyendo a partir de nuestra biografía en tanto que perdida.

Las vidas privadas de las identidades queer se encuentran excluidas del archivo familiar. Extirpadas sus experiencias, álbumes y películas caseras fracasan en su promesa de recordar. Ante la opacidad de estas materialidades, la reedición aparece como metodología para la construcción de la contrahistoria, y la mesa de montaje como medio aliado. ¿De qué manera podemos leer nuestras imágenes para cuestionar las ficciones que habitan en el archivo doméstico?

Siguiendo los ecos del documental autobiográfico experimental feminista, las obras y las autoras por las que pasearemos inscriben sus cuerpos y afectos disidentes mediante el uso de la ironía, la fabulación crítica, la sospecha en el archivo o la urgencia de genealogía. El cine doméstico —la práctica audiovisual realizada desde la esfera familiar, en la que se documentan momentos cotidianos significativos—está vinculado a un principio de verosimilitud y autenticidad que ha garantizado la supervivencia de un modelo familiar inmutable. Llegaron entonces las hijas lesbianas a ocupar un espacio de resistencia, reinterpretando la imagen heredada. Al localizar los signos que revelan las especificidades de las disidencias queer, rompen la ficción oficial.

Es en este espacio de ruptura donde germinan las miradas que ocupan el foco de esta sesión. En Home Movie (1973) Jan Oxenberg acude a sus películas familiares para observar cómo se inscribe la diferencia dentro de una normatividad performada desde la infancia. La cinta casera Lessons in Baby Dyke Theory fue realizada en 1995 cuando el artista indígena queer TJ Cuthand contaba con tan solo 16 años y se sentía “la única lesbiana” en su escuela secundaria. En Monsters in the Closet (1993), Jennifer Reeves transciende el archivo doméstico para reivindicar mediante autofilmaciones húmedas la necesidad de construir nuestra propia idea del deseo. El aclamado cortometraje de Agustina Comedi Playback: Ensayo de una despedida (2019) explora el potencial de la fantasía como herramienta de resistencia, mientras homenajea las vidas breves de las travestis y transformistas de la Córdoba Argentina de los 80. 

En estos y otros casos que exploraremos durante la charla, la fórmula para aspirar a un archivo más inclusivo a menudo requiere de las mismas acciones: confrontación, autorrepresentación y colectivización.

Home Movie, Jan Oxenberg, 1973, 12 min (VOSE); Lessons in Baby Dyke Theory, TJ Cuthand, 1995, 3 min (VOSC); Monsters in the Closet, Jennifer Reeves, 1993, 14 min (VOSC); Playback: Ensayo de una despedida, Agustina Comedi, 2019, 14 min (VE).

Proyección en digital.

 
Esta actividad se complementa con el taller «Volver a casa para tener una conversación», organizado por Hamaca y a cargo de Julia Martos, que tendrá lugar los días 21 y 22 de octubre en Hangar. + info

Fecha: 19 octubre 2025

Horario: 18.30

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.