Categoría: Eventos

·  La programación de este mes gira en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena

·  El ciclo Teoría y praxis reúne la obra de distintos cineastas para explorar la manera en que la escritura condiciona y proyecta la imagen

·  Cineteca se suma al Festival Biophest, organizado por Matadero e Intermediae, con la proyección de tres películas que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal

·  Flamenco García Lorca propone un recorrido por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, desde su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad

·  El mago de Oz, Sonrisas y lágrimas o Piratas del Caribe son algunas de las películas que se proyectarán en las matinales familiares de los domingos en homenaje al blockbuster

·  Los espectadores podrán acercarse al cine radical de Gus Van Sant a través de sus películas Elephant, Last Days y Paranoid Park

Con motivo de la celebración del Día del Libro, Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica la programación de abril al diálogo entre el cine y la literatura, coincidiendo además con el 75 aniversario de Cahiers du Cinéma, una de las revistas fundamentales de la historia del cine. El mes se articula en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena.

Por un lado, Cineteca propone un recorrido por algunas de las películas favoritas de los principales críticos vinculados a Cahiers du Cinéma. Por otro, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, ofrece un programa centrado en el diálogo entre textos y películas de cineastas y teóricos que han pensado y practicado el cine desde la escritura, como Laura Mulvey, Masao Adachi o Trinh T. Minh-ha.

Además, abril incluye un programa dedicado al espíritu flamenco de Federico García Lorca y otro programa especial en torno a cine y literatura. Por otro lado, las sesiones matinales familiares se articularán en un ciclo, en colaboración con la periodista e investigadora Elisa McCausland, que recorre la historia del blockbuster y propone una introducción a las grandes narrativas del cine popular para los más jóvenes. Cineteca también se suma este mes de abril a la celebración del Festival Biophest en Matadero Madrid, con la proyección de tres películas que abordan la relación de las personas con el entorno vegetal.

75 años de Cahiers du Cinéma

En abril de 1951 apareció el primer número de Cahiers du Cinéma. Bajo la influencia intelectual de André Bazin, la revista prestó una mirada atenta a la puesta en escena y a la relación ética entre la cámara y el mundo. Esa mirada se alimentó de películas que, en muchos casos, todavía no gozaban de reconocimiento canónico, pero que funcionaron como auténticas escuelas de pensamiento para una generación de jóvenes críticos franceses que, poco después, darían el salto a la dirección. Para François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Jacques Rivette o Éric Rohmer, estas obras no fueron solo objeto de análisis, sino detonantes de una práctica futura que marcaría un antes y un después en la historia del cine.

Este ciclo reúne algunas de esas películas que hicieron correr ríos de tinta, suscitaron pasiones intelectuales y provocaron controversias decisivas. Sus ecos, 75 años después, siguen resonando en la teoría y en la práctica contemporáneas. Los títulos que se revisitarán en Cineteca Madrid son Johnny Guitar (Nicholas Ray); L’Atalante (Jean Vigo); La regla del juego (Jean Renoir); Te querré siempre (Roberto Rossellini); Cuentos de la luna pálida (Kenji Mizoguchi) y La dama de Shanghái (Orson Welles), que podrán verse del 31 de marzo al 5 de abril, respectivamente.

Ciclo Teoría y praxis

Toda práctica fílmica encierra una teoría en potencia. La escritura condiciona y proyecta la imagen, llegando incluso a transformarla. Este ciclo, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, reúne la obra de distintos cineastas que, desde diversas geografías y a lo largo de sus trayectorias, han explorado ese diálogo entre pensamiento y práctica a través de experiencias heterogéneas. Entre el 14 y el 22 de abril, se proyectarán los títulos Riddles of the Sphinx (Laura Mulvey, Peter Wollen); Red Army/PFLP: Declaration of World War (Masao Adachi, Kôji Wakamatsu); Contactos (Paulino Viota); Forgetting Vietnam (Trinh T. Minh-ha) y Loin de Manhattan (Jean Claude Biette).

Federico García Lorca y las vanguardias audiovisuales

El programa Flamenco García Lorca propone un recorrido audiovisual por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, atendiendo a su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad artística. Frente a los tópicos folclóricos, Lorca entendió el flamenco como una forma trágica y popular de conocimiento, atravesada por la historia, el cuerpo y el conflicto.

A través de documentales, piezas experimentales y registros escénicos, el ciclo pone en diálogo retratos etnográficos de posguerra con las exploraciones formales de cineastas como José Val del Omar, así como con ecos teatrales y políticos de los años 60 y 70. Entre el 7 y el 11 de abril, Cineteca ha programado Nous, les gitans (Alberto Spadolini); Flamenco – möte med spanska zigenare (Dan Grenholm, Lennart Olsson); Rito y geografía del cante: Lorca y el flamenco (Mario Gómez); El barranco de Viznar (José A. Zorrilla);  Aguaespejo granadino (José Val del Omar); Festival en las entrañas (José Val del Omar); Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken); Duende y misterio del flamenco (Edgar Neville) y Duende (Ramón Gieling).

Breve historia del blockbuster

El cine de gran espectáculo, conocido como blockbuster a partir de Tiburón, ha sido una de las formas más influyentes y populares del cine moderno, aunque a menudo poco atendida desde el punto de vista crítico. Este ciclo de conferencias y proyecciones, organizado en colaboración con los críticos Elisa McCausland y Diego Salgado, propone un recorrido histórico por el sense of wonder cinematográfico, atendiendo tanto a sus cualidades artísticas como a sus condiciones industriales, técnicas y culturales.

Desde los grandes espectáculos del cine mudo —con hitos como Metrópolis— hasta las sagas contemporáneas del siglo XXI, el programa analiza la evolución del blockbuster a través de sus distintas etapas: la tensión entre narrativa y espectáculo en el Hollywood clásico, la reinvención del cine tras la Segunda Guerra Mundial, el nacimiento del modelo moderno con George Lucas y Steven Spielberg, el auge de los efectos digitales y las franquicias y el escenario actual, marcado por los superhéroes, la animación y la irrupción de las inteligencias artificiales.

Los títulos que el público familiar podrá disfrutar en pantalla grande durante las matinales de los domingos, entre el 5 de abril y el 24 de mayo, son El maquinista de La General (Buster Keaton, Clyde Bruckman); El mago de Oz (Victor Fleming); Sonrisas y lágrimas (Robert Wise); Encuentros en la tercera fase (Steven Spielberg); Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (Gore Verbinski) y Los tipos malos (Pierre Perifel).

El cine radical de Gus Van Sant: donde terminan las palabras

A comienzos de los años 2000, Gus Van Sant emprendió una de las aventuras formales más singulares del cine estadounidense contemporáneo. Tras su etapa en Hollywood, el cineasta regresó a un cine más libre y radical, donde la narración se disuelve para dejar paso a una experiencia construida a partir de gestos, silencios, cuerpos y desplazamientos en el espacio. Películas como Elephant (2003), Last Days (2005) y Paranoid Park (2007) forman parte de este proyecto de exploración extrema, influido por el videojuego y las narrativas posmodernas. Estarán programadas en Cineteca el 28, 29 y 30 de abril, respectivamente. La primera sesión irá acompañada de una charla alrededor del monográfico La alargada sombra del videojuego en el cine, coordinado por el crítico cultural Felipe Rodríguez Torres.

Festival Biophest: Ciclo Docu Natura por Água das Pedras

El cine se suma a la programación de la segunda edición del Festival Biophest, organizado por Matadero Madrid e Intermediae, con la proyección de tres películas (14, 15 y 16 de abril) que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal: The Garden (Derek Jarman, 1990), The Secret Life of Plants (Walon Green, 1978) —con banda sonora original de Stevie Wonder— y el documental Sembradoras de vida (Diego y Álvaro Sarmiento, 2019). Los filmes contarán con presentaciones a cargo de las comisarias de Biophest, Elena Páez y Eva F. Cortés; Diego Fernández, comisario de la sección musical del festival, y la curadora e historiadora del arte Aurora Carmenate Díaz.

Sesión continua: rumores y sociedad

Esta propuesta comisariada por la influencer Andrea Ferrer toma como punto de partida la novela Las amistades peligrosas (1782), de Pierre Choderlos de Laclos, para explorar cómo un mismo texto literario puede dar lugar a imaginarios cinematográficos radicalmente distintos. Por un lado, Cineteca proyectará, el 8 de abril, Las amistades peligrosas (Stephen Frears, 1988), elegante reconstrucción de época que sitúa el deseo en el corazón de la aristocracia francesa prerrevolucionaria. Por otro, exhibirá Crueles intenciones (Roger Kumble, 1999), que traslada la intriga al contexto de la élite adolescente estadounidense de finales del siglo XX. Rumores y secretos atraviesan así dos siglos de historia en este juego de espejos entre literatura y cine. La primera sesión irá acompañada de un coloquio sobre el cotilleo, con las escritoras Elizabeth Duval y Sandra López.

Ciclo Linterna, con Miguel Agnes y Brays Efe: Cuando el destino nos alcance

En abril regresa Linterna, el ciclo comisariado y presentado por el curador cultural Miguel Agnes y el actor Brays Efe. Lo hará con una sesión dedicada a la novela ¡Hagan sitio, hagan sitio! (1966), del escritor de ciencia-ficción Harry Harrison y adaptada al cine por Richard Fleischer en 1973, con el título de Soylent Green (Cuando el destino nos alcance).

La cartelera incluye varias sesiones especiales que analizarán el cruce entre cine, artes visuales, poesía y performance

En marzo tendrá lugar el estreno en Madrid de la última obra de Albert Serra, fe sense obres morta és, una inmersión en el universo de Antoni Tàpies

El artista Paul McCarthy asistirá a una sesión especial en torno a A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve

La artista visual Sally Gutiérrez Dewar organiza una sesión sobre su corto Application, en diálogo con piezas de Sandra Schäfer y Mario Espliego

La cantante María Salgado ofrecerá un recital previo a la exhibición de Vía Versus, la pieza audiovisual realizada junto a Clarisa Navas

Los investigadores Estrella de Diego y Germán Labrador tendrán carta blanca para explorar la vanguardia artística y la memoria histórica desde miradas no convencionales

Cineteca Madrid acoge una retrospectiva sobre Anja Breien, una de las figuras más destacadas del cine noruego

Con motivo de la celebración de la Semana del Arte en Matadero Madrid (del 2 al 8 de marzo), Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se convierte este mes de marzo en un lugar de encuentro entre cine y arte. A modo de laboratorio, la programación reunirá proyecciones, estrenos, cartas blancas y encuentros con artistas que exploran prácticas contemporáneas en torno a la materia, el cuerpo, la voz, el archivo, el paisaje y la palabra.

Semana del Arte: el cruce entre cine, artes visuales, poesía y performance

El programa se inaugura el 3 de marzo con el estreno en Madrid de fe sense obres morta és, la última obra de Albert Serra, una inmersión radical en el universo material, simbólico y espiritual de Antoni Tàpies. Lejos del retrato biográfico, la película construye una experiencia sensorial y filosófica que dialoga con la obra del artista desde una mirada autónoma, provocadora y contemporánea.

En colaboración con la Colección SOLO, proyecto internacional de apoyo a la creación fundado por Ana Gervás y David Cantolla, el miércoles 4 de marzo se presenta una sesión especial en la que se exhibirán las películas A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve, Cooking Show, Kitchen y A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve, Mother, con presencia de su autor, Paul McCarthy. Este pionero del videoarte y la actriz Lilith Stangenberg exploran identidades, poder y deseo, combinando performance, dibujo y filmación en una experiencia viva que desafía las convenciones del arte y del espectáculo. En diálogo con la exposición homónima A&E con dibujos en gran formato de McCarthy, esta jornada forma parte de un proyecto performativo multidisciplinar. 

La Semana del Arte incluye también, el jueves 5 de marzo, With a Little Help from My Friends, una sesión comisariada por Sally Gutiérrez Dewar, que relaciona una de sus obras recientes con piezas de Sandra Schäfer y Mario Espliego. El programa propone un encuentro efímero entre imágenes, geografías y sensibilidades diversas.

Cierra el programa el 6 de marzo Vía Versus, una pieza audiovisual realizada conjuntamente por María Salgado y Clarisa Navas, filmada entre el nordeste argentino y Galicia. A partir de las lenguas, historias y formas de vida de ambos territorios, la obra indaga en aquello que ha sido silenciado por procesos de represión y olvido. Más sensorial que discursiva, la pieza se concibe como un viaje compartido hacia un espacio común aún por definir. La sesión estará precedida por un recital de María Salgado.

Carta blanca a Estrella de Diego: Cuerpos, máquinas, visiones

La investigadora y escritora Estrella de Diego propone los días 3, 4 y 5 de marzo, un recorrido por la vanguardia artística entendida como una experiencia radical de la mirada.

Desde las primeras vanguardias surrealistas y abstractas como Un perro andaluz (Luis Buñuel, Francia, 1929) hasta la filmación del acto creador en El misterio de Picasso (Henri-Georges Clouzot, Francia, 1956), la selección traza una genealogía del cine como campo de pruebas. El programa culmina el jueves 5 de marzo con una sesión dedicada a Maya Deren e Yvonne Rainer, precedida por una conferencia de Estrella de Diego, donde el cine se cruza con la danza, la coreografía y el pensamiento feminista.

Carta blanca a Germán Labrador: Vivos, demonios, arrebatados

El investigador y comisario Germán Labrador sugiere, los días 10, 11 y 12 de marzo, un recorrido por un cine español atravesado por la psicotronía, la memoria histórica y las formas extremas de experiencia. Lejos de una lectura ilustrativa del pasado, el programa entiende las imágenes como espacios de posesión, trance y supervivencia, donde lo político se filtra a través del cuerpo, el deseo y la infancia herida.

Desde la violencia de Viva la muerte (Fernando Arrabal, Francia-Túnez, 1971), donde la Guerra Civil se vive como inicio y educación del fanatismo, hasta Demonios en el jardín (Manuel Gutiérrez Aragón, España, 1982), donde la posguerra franquista aparece como un paisaje doméstico, pasando por Arrebato (Iván Zulueta, España, 1979), emblema de un cine que concibe la imagen como fuerza vampírica, Labrador recogerá todas estas miradas en la conferencia que impartirá el miércoles 11 de marzo.

Feria del Cómic

Cineteca Madrid se suma a la Feria del Cómic de Matadero Madrid, que se celebrará del 26 al 29 de marzo, con un programa que propone un recorrido por los vínculos entre cine y cómic a través de sesiones dirigidas tanto a jóvenes como adultos. Las sesiones combinan miradas históricas y contemporáneas sobre la relación entre viñeta y pantalla, desde la apropiación pop y de género del cómic por el cine —con títulos como Batman: The Movie (1 de marzo), El príncipe valiente (8 de marzo) o Danger: Diabolik (29 de marzo)— hasta aproximaciones más íntimas y actuales como Falcon Lake. La proyección íntegra de la serie Samuel (26 de marzo), con la presencia de su autora Émilie Tronche, y el estreno de Aquí donde estoy (27 al 31 de marzo), con una presentación y charla con sus creadores.

Anja Breien: Géneros en fuga

Del 15 al 25 de marzo, Cineteca Madrid dedica una retrospectiva a la cineasta Anja Breien, una de las figuras más destacadas del cine noruego. Nacida en Oslo en 1940, forma parte, junto a Vibeke Løkkeberg y Laila Mikkelsen, de la generación que dio forma a la cara femenina de la nueva ola del cine noruego. La retrospectiva reúne sus seis primeros largometrajes, recientemente digitalizados por la Biblioteca Nacional de Noruega, que formar parte de su etapa más estimulante.

Tatiana Mazú: Quemarlo todo

La obra de la argentina Tatiana Mazú se sitúa en un territorio de fricción entre cine, memoria y violencia política. Sus películas interrogan los modos en que el poder se inscribe en los cuerpos, en los paisajes y en los relatos familiares, desplazando la idea de documento hacia una experiencia crítica y sensorial.

Lejos del registro ilustrativo, su cine trabaja con restos, silencios y huellas, allí donde la historia oficial falla o se quiebra. Esta retrospectiva recorre sus tres películas fundamentales, Caperucita roja (26 de marzo), Río Turbio (27 de marzo) y el estreno de Todo documento de civilización (28 al 31 de marzo).

Europa (Franciszka y Stefan Themerson, 1931)

Esta sesión celebra dos figuras esenciales de la vanguardia europea del siglo xx: Stefan y Franciszka Themerson, pioneros del cine experimental en la Polonia de entreguerras

Antes de que el fascismo arrasara Europa, los Themerson ya advertían, con imágenes radicales y poesía visual, la amenaza inminente de los autoritarismos que se cernían sobre el continente. Su obra más emblemática, Europa (1932), basada en el poema futurista homónimo de Anatol Stern, condensa las tensiones políticas, sociales y existenciales de su tiempo. Collage, animación, sobreimpresiones, escritura visual: cada técnica es convocada al servicio de un mensaje claro y urgente, antibélico, antitotalitario, visceral. Cine como grito. Cine como antídoto.

En la Varsovia de los años treinta, realizaron cinco cortometrajes experimentales: Pharmacy, Europa, Moment Musical, Short Circuit y The Adventures of a Good Citizen (1937), el último de los cuales fue el único film anterior a la guerra que sobrevivió a la devastación. Ya en Londres, durante la década de 1940, filmaron dos obras más: Calling Mr. Smith (1943), una pieza antibélica de diez minutos que denuncia la destrucción de la cultura polaca bajo el nazismo, y The Eye and the Ear (1944-45), una interpretación visual de cuatro canciones de Karol Szymanowski.

Su lenguaje cinematográfico se sustentaba en una investigación material rigurosa: el movimiento de luces y sombras sobre objetos, exploraciones nacidas de sus trabajos con fotogramas entre 1928 y 1935. Muchas de las imágenes fueron creadas sobre una mesa de trucos improvisada por Stefan: colocaba objetos diversos sobre papel translúcido, iluminados desde arriba y fotografiados cuadro a cuadro desde abajo, en una coreografía artesanal entre el azar y el cálculo.

La historia de los Themerson se fractura con la invasión nazi de Polonia en 1939. Los negativos originales de Europa se pierden entre bombardeos y saqueos. Él es reclutado por el ejército polaco en el exilio; ella encuentra en el dibujo y la ilustración un refugio íntimo y una forma de resistencia estética. Reunidos en Londres, reinventan su obra y su vida. El trauma del exilio dejó huellas profundas, pero nunca apagó su impulso creativo.

Durante décadas, Europa fue considerada una obra perdida. Hasta que, en 2019, un milagro de archivo la devolvió al mundo: una copia fue hallada en la Bundesarchiv alemana por el Instituto Pilecki. Restaurada por Fixafilm en Varsovia y con una nueva banda sonora compuesta por Lodewijk Muns, Europa regresa no solo como documento histórico, sino como gesto de supervivencia. Hoy, su visión cobra una potencia renovada. En sus formas fragmentadas, en sus cuerpos en negativo, no vemos solo una alerta contra los fascismos del pasado, sino una advertencia urgente para los presentes que habitamos.

Franciszka y Stefan Themerson: Europa, 1931, 35 mm, 12 min; The Adventures of a Good Citizen, 1937, 35 mm, 9 min; Calling Mr. Smith, 1943, 35 mm, 10 min; The Eye and the Ear, 1944, 35 mm, 10 min; Stefan + Franciszka, Tomasz Pobóg-Malinowski, 1974-75, 8 mm, 18 min.

Proyección en digital.

Copias procedentes de Lux, excepto Stefan + Franciszka, procedente de GV Art London.

Fecha: 19 febrero 2026

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Tres cartas blancas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro sirven para pensar el cine desde la filosofía contemporánea

Una retrospectiva integral de José Luis Guerin, uno de los grandes ensayistas del cine europeo, explora la frontera entre documental y ficción

Autores como Kiyoshi Kurosawa o Toshiharu Ikeda protagonizan el ciclo dedicado a la mítica Director’s Company japonesa y al cine radical de los años 80

Ilusionismo y cine dialogan en colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid

Cinezeta propone un febrero antirromántico y pasional, lejos de los relatos normativos

Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en febrero una programación que concibe el cine como un espacio de pensamiento, fabulación y diálogo con las grandes preguntas que atraviesan la experiencia humana. Bajo el título ‘La fábula cinematográfica’, la programación de este mes explora la capacidad de las imágenes para generar ideas, cuestionar certezas y abrir grietas en nuestra manera de entender la felicidad, el deseo, la identidad o la verdad. A través de cartas blancas a pensadores contemporáneos, retrospectivas de autores fundamentales, ciclos internacionales y propuestas que cruzan cine, magia y filosofía, la programación articula un mapa donde ficción y reflexión se entrelazan, reivindicando el cine como una herramienta crítica, sensible y profundamente viva.

‘La fábula cinematográfica’. Cine y pensamiento en diálogo

Desde sus orígenes, el cine ha funcionado como una forma privilegiada de pensamiento. ‘La fábula cinematográfica’ propone un diálogo explícito entre cine y filosofía, reuniendo películas que piensan el mundo a la vez que lo narran. A través de una programación que combina ficción y documental, cine clásico y moderno, comedia y ensayo, Cineteca Madrid se convierte, del 3 al 20 de febrero, en un lugar de encuentro entre imágenes y pensamiento crítico.

En esta edición, el programa se articula en torno a tres cartas blancas concedidas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro, tres voces fundamentales del pensamiento contemporáneo español, que proponen recorridos personales y conceptuales por la historia del cine. Sus selecciones activan preguntas sobre la infancia, la felicidad, la verdad, la naturaleza de las imágenes o los límites entre lo natural y lo artificial, confirmando al cine como una auténtica máquina de pensar.

·       Carta blanca a Marta Sanz: una niña atrapada en una gota de ámbar

¿Es el amor por el cine una persistencia de la infancia? A partir de esta pregunta, la escritora Marta Sanz propone un recorrido por cuatro películas que exploran la intimidad, la memoria, el cuerpo y la vulnerabilidad desde miradas muy distintas. Desde el clasicismo afilado de Eva al desnudo (Joseph L. Mankiewicz, EEUU, 1950) hasta la fisicidad contemporánea de Creatura (Elena Martín Gimeno, España, 2023) pasando por la infancia herida de Cría cuervos (Carlos Saura, España, 1975), o el exceso creativo de All That Jazz (Bob Fosse, EEUU, 1979), que se proyectará acompañado de una conferencia previa de Marta Sanz.

·       Carta blanca a José Luis Pardo: páginas en blanco

Decía Hegel que la felicidad solo ha escrito páginas en blanco en la Historia. A partir de esta afirmación, el filósofo y ensayista José Luis Pardo reflexiona sobre la representación de la felicidad en el cine como promesa, mandato social y problema filosófico. Su selección contiene distintas formas de felicidad impostada, deseada o imposible. Las proyecciones arrancan el martes 10 con el musical clásico de Vampiresas 1933 (Mervyn LeRoy, EEUU, 1933), y continúa hasta el sábado 14 con la ironía moderna de Chaplin en Tiempos modernos (EEUU, 1936), la comedia sofisticada Historias de Filadelfia (George Cukor, EEUU, 1940) y el humor político de Medvedkin en La felicidad (Rusia, 1935).

·       Carta blanca a Ernesto Castro: naturalmente artificial. ¿Cómo fermentan las imágenes?

El escritor Ernesto Castro propone un recorrido por películas que reflexionan sobre cómo el cine produce sentido, creencia y comunidad. De la mirada libre y material de Agnès Varda en Los espigadores y la espigadora (Francia, 2000) al juego de máscaras de Orson Welles en Fraude (Francia-Irán-Alemania, 1973) o del misticismo de Stalker (Andréi Tarkovski, Rusia, 1979) a la comedia metafísica de Amanece, que no es poco (José Luis Cuerda, España, 1989), el ciclo plantea una reflexión sobre las imágenes como organismos vivos, capaces de fermentar ideas y afectos. La sesión del viernes 20 irá precedida de una conferencia de Ernesto Castro.

Retrospectiva José Luis Guerin: la imagen justa

Coincidiendo con el estreno de Historias del buen valle, Cineteca Madrid dedica, del 1 al 27 de febrero, una retrospectiva a José Luis Guerin, uno de los cineastas más singulares del cine europeo contemporáneo. Desde los años ochenta, su obra ha explorado la frontera entre documental y ficción, el trabajo de la memoria, la observación paciente y la poesía de lo cotidiano.

La retrospectiva recorre títulos fundamentales como Innisfree (España, 1990), Tren de sombras (España, 1997), En construcción (España, 2000) o En la ciudad de Sylvia (España-Francia, 2007), junto a piezas breves, correspondencias fílmicas y obras recientes que revelan una práctica coherente y profundamente ética.

‘El suelo tiembla bajo nuestros pies’. El cine de la Director’s Company japonesa

En colaboración con Fundación Japón y el colectivo mediadistancia, Cineteca presenta, del 24 al 28 de febrero, un ciclo dedicado a la Director’s Company, uno de los experimentos más radicales y singulares del cine japonés de los años ochenta. Fundada en un contexto de crisis industrial, la compañía permitió a una generación de cineastas jóvenes producir películas personales y arriesgadas al margen de los grandes estudios. De esta experiencia surgieron las primeras obras de Kiyoshi Kurosawa, Shinji Somai, Toshiharu Ikeda o Gakuryu Ishii.

Las películas del ciclo combinan sátira, violencia, melodrama y crítica social del Japón contemporáneo. La selección incorpora los siguientes títulos: Mermaid Legend (Toshiharu Ikeda, Japón, 1984), Bumpkin Soup (Kiyoshi Kurosawa, Japón, 1985), Door (Banmei Takahashi, Japón, 1988), Door II: Tokyo Diary (Banmei Takahashi, Japón, 1991) y The Crazy Family (Gakuryu Ishii, Japón, 1984). Todas las sesiones estarán presentadas por Fidel Ojea, crítico y especialista en cine japonés del colectivo mediadistancia, que contextualizará este momento clave del cine japonés.

La magia del cine

En colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid, este programa propone, del 6 al 8 de febrero, un diálogo entre cine e ilusionismo como lenguajes afines. A través de tres películas y una charla con los magos Jandro y Jorge Blass, se reflexiona sobre cómo los principios de la magia (el engaño, la sorpresa, la misdirection) se aplican al lenguaje cinematográfico. An Honest Liar (Tyler Measom, Justin Weinstein, EEUU, 2014), El increíble Burt Wonderstone (Don Scardino, EEUU, 2013) y El ilusionista (Sylvain Chomet, Francia-Reino Unido, 2010), componen la selección de títulos mágicos.

Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos (1964–2025)

Cineteca rinde homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española y director de algunos de los festivales más importantes del país. Más allá de los títulos que programó, su legado reside en una manera de entender el amor al cine como pasión rigurosa, escucha activa y compromiso con el descubrimiento. Happiness (EEUU, 1998) de Todd Solondz, uno de los cineastas que Cienfuegos ayudó a descubrir en España, se proyecta como gesto de gratitud y memoria el jueves, 5 de febrero.

Cinezeta: las rosas son rojas, y febrero también lo es

Frente al relato romántico normativo de San Valentín, Cinezeta propone un febrero alternativo, atravesado por el deseo, la incomodidad y la contradicción. Tres películas que exploran formas de amor torcidas, violentas o censuradas, alejadas del ideal comercial.

Cineteca en familia: tres viajes al país de las maravillas

El mes se completa con una propuesta familiar para las matinales de los domingos 1, 15 y 22 dedicada a Alicia en el país de las maravillas, uno de los relatos más adaptados e inestables del cine. A través de tres versiones —la animación clásica de Disney, la interpretación radical de Jan Švankmajer y la fantasía contemporánea de Tim Burton— el ciclo muestra cómo una misma historia puede transformarse en cuento, pesadilla o aventura, y cómo el cine reconfigura nuestra relación con la imaginación, la infancia y la libertad.

Confesionario: una animación de cine, estrenos, pases especiales y secciones habituales

La sesión del ciclo mensual de Confesionario reúne cinco películas que abarcan setenta años de historia. Además, este mes la sección de estrenos en Cineteca proyectará Dios lo ve, Eloy de la Iglesia. Adicto al cine, Emergency Exit, Father Mother Sister Brother, Queer Me y Vivir al revés. Se suman también a la agenda de febrero las secciones habituales de Cineteca como Relatos del ruido Capítulo XXVIII: Sueños sonoros (músicas oníricas); Ciclo DOCMA, que presenta Al oeste, en Zapata; Así son las cosas, CIMA en corto con Un lugar al que llamar (Correspondencias íntimas), La noche Z e Imprescindibles de TVE con el documental Las gafas, de Isabel Coixet./

El programa temático ‘Máquinas de habitar’ recorre la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación como escalas cinematográficas

La propuesta incluye sinfonías urbanas, noir contemporáneo y cine de terror doméstico para pensar el espacio desde la imagen

En paralelo, Cineteca Madrid dedica una retrospectiva al cineasta Heinz Emigholz y su singular mirada sobre la arquitectura

El colectivo Ciudades Reveladas explora el habitar desde el cine latinoamericano a través de una carta blanca de proyecciones

Además, Cineteca Madrid propone este mes un foco especial en el cineasta Juan Cavestany y su retrato íntimo y expandido de la ciudad de Madrid

Completa la programación el ciclo retrospectivo dedicado a la pionera Germaine Dulac, figura clave de la vanguardia cinematográfica

No faltarán a su cita las sesiones de programación familiar y cine experimental, además de nuevas entregas de CineZeta y ‘La Noche Z’

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en enero un recorrido cinematográfico por los espacios que conforman nuestra vida cotidiana, desde la escala urbana hasta la intimidad de una habitación. Bajo el título ‘Máquinas de habitar’, la programación invita a pensar cómo el cine ha construido, interpretado y cuestionado los lugares que ocupamos, revelando su dimensión política, emocional y simbólica. A través de sinfonías urbanas, relatos de barrio, arquitecturas del miedo, ensayos fílmicos y miradas experimentales, se articula una geografía crítica del habitar contemporáneo donde ciudad, vivienda y cuerpo se entrelazan como escenarios de conflicto, memoria y deseo.

Ciclo ‘Máquinas de habitar’

¿Qué relación tiene el cine con los espacios que habitamos? ¿Cómo han contribuido las imágenes a moldear nuestra experiencia de la ciudad, del hogar o de la intimidad? ‘Máquinas de habitar’ plantea estas preguntas como eje vertebrador de la programación de enero. Organizado en cuatro capítulos —la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación—, el ciclo traza una cartografía cinematográfica que va de lo colectivo a lo íntimo, explorando cómo los espacios no solo se habitan, sino que también nos habitan ellos a nosotros.

Capítulo 1: ‘La ciudad: sinfonías urbanas’

Este primer capítulo recorre la tradición de las sinfonías urbanas, un género nacido en las vanguardias de los años veinte que buscó capturar el pulso, la energía y la complejidad de la vida metropolitana.

Entre las obras más emblemáticas del programa destaca Manhatta (EE. UU., 1921), de Charles Sheeler y Paul Strand, considerada una de las primeras sinfonías urbanas del cine y un retrato poético de Nueva York como máquina moderna en expansión.

A su lado, Rien que les heures (Francia, 1926), de Alberto Cavalcanti, propone una mirada fragmentaria y melancólica sobre el París de entreguerras. El recorrido culmina con Koyaanisqatsi (EE. UU., 1982), de Godfrey Reggio, una poderosa composición audiovisual que convierte la ciudad contemporánea en un flujo hipnótico de imágenes y sonidos.

Capítulo 2: ‘El barrio: malas calles’

El barrio ha sido uno de los grandes escenarios del cine moderno, un espacio donde lo cotidiano convive con la violencia, el deseo y el conflicto. Este programa reúne miradas muy diversas que convierten el barrio en territorio mítico, político o emocional.

Entre las películas más representativas del ciclo sobresale El odio (Francia, 1995), de Mathieu Kassovitz, un retrato eléctrico y aún vigente de la violencia estructural y la frustración en la periferia urbana. Sonidos de barrio (Brasil, 2012), de Kleber Mendonça Filho, desplaza el conflicto hacia una escala más soterrada, donde el urbanismo, la memoria y el miedo se infiltran en la vida cotidiana de un vecindario brasileño aparentemente tranquilo. Completa este mapa Chungking Express (Hong Kong, 1994), de Wong Kar-wai, que transforma calles, pasillos y locales nocturnos de Hong Kong en un espacio emocional vibrante.

Capítulo 3: ‘La vivienda: habitar el terror’

Comisariado por Alberto Sedano, este programa aborda la vivienda como uno de los espacios más inquietantes del imaginario contemporáneo. Entre los títulos más elocuentes del programa destaca Terror en Amityville (Stuart Rosenberg, EE. UU., 1979), donde la casa deja de ser refugio para convertirse en una trampa financiera y emocional.

Candyman, el dominio de la mente (EEUU, 1992), de Bernard Rose, desplaza el horror hacia el urbanismo y la segregación, haciendo de la vivienda un espacio atravesado por la violencia estructural y la memoria reprimida. Las películas de Ti West —La casa del diablo (EE. UU., 2009) y Los huéspedes (EE. UU., 2011), programada en una sesión especial de ‘La Noche Zeta’—, actualizan el motivo de la casa encantada desde una precariedad reconocible, donde la necesidad económica empuja a habitar lugares que ya anuncian su amenaza. Cierra el ciclo la recuperación de Aquella casa en las afueras (España, 1980), de Eugenio Martín, una rareza del cine español que convierte el espacio doméstico en detonante de un trauma colectivo.

Capítulo 4: ‘La habitación: un mundo entre cuatro paredes’

Este último capítulo del ciclo reúne obras de vanguardia que se sitúan en habitaciones, cuartos de hotel o espacios interiores mínimos, donde lo cotidiano adquiere una densidad sensorial radical. En Room Film 73 (Reino Unido, 1973), Peter Gidal reduce la habitación a un campo de percepción extrema, obligando al espectador a habitar el tiempo y la duración de la imagen como una experiencia física.

Hotel Diaries (Reino Unido, 2001-2007), de John Smith, convierte los cuartos de hotel en observatorios involuntarios de lo cotidiano, espacios impersonales que, filmados a lo largo de años y ciudades, acumulan memoria, humor y extrañeza. Por su parte, Berlin 10/90 (Francia, 1990), de Robert Kramer, encierra al cineasta en una estancia durante una hora para convertirla en escenario de pensamiento, deriva y confesión política.

Retrospectiva de Heinz Emigholz: ensayos de arquitectura

Este ciclo propone una experiencia singular de encuentro entre cine y arquitectura, alejada de cualquier voluntad explicativa o didáctica. A través de películas como Dieste [Uruguay] (Alemania, 2017), Perret en Francia y Algeria (Alemania, 2012) o Parabeton – Pier Luigi Nervi y el hormigón romano (Alemania, 2012), Emigholz filma los edificios como cuerpos vivos, atendiendo a su materialidad, a la relación con el entorno y al paso del tiempo. Lejos de ilustrar teorías, estas películas convierten la arquitectura en una experiencia perceptiva y sensorial, donde el espacio se despliega como una forma de pensamiento en sí misma.

Colectivo Ciudades Reveladas

En colaboración con Intermediae, Cineteca Madrid ofrece una carta blanca al colectivo Ciudades Reveladas, comisariada por Khalil Esteban. El programa reúne películas del cine independiente latinoamericano que reflexionan sobre el habitar desde distintas escalas y contextos, con especial atención al edificio de viviendas como infraestructura social. A través de relatos situados en Brasil, Chile o Argentina, el ciclo plantea preguntas sobre la vida en común, la crisis habitacional, la pandemia y los modos de documentar lo cotidiano desde el cine. Destacan títulos como Diz a Ela que me Viu Chorar (Brasil, 2019) o Era o Hotel Cambridge (Brasil-Francia, 2015).

Foco especial a Juan Cavestany

Con motivo del estreno de Madrid, Ext. (España, 2025), Cineteca Madrid dedica un foco especial a Juan Cavestany, una de las miradas más singulares del cine español contemporáneo. El programa reúne obras que exploran la ciudad desde la intimidad, el humor y la observación radical de lo cotidiano.

Desde sus primeras piezas mínimas hasta sus retratos de Madrid durante y después del confinamiento, el conjunto traza un recorrido por las escalas de la ciudad, del individuo a la red urbana, y propone una forma libre y profundamente personal de filmar el espacio, destacando obras como El señor (España, 2012) o Madrid, Int. (España, 2020), que se proyectará por primera vez en la historia en sala de cine. Todas las sesiones estarán presentadas por el director madrileño.

Retrospectiva de Germaine Dulac: ¿qué es el cine?

Figura clave de la vanguardia francesa y pionera del cine como arte autónomo, Germaine Dulac protagoniza una amplia retrospectiva que recorre las múltiples facetas de su obra. Más allá de su vinculación al surrealismo, el programa reivindica su pensamiento cinematográfico, su compromiso político y su experimentación formal. Las sesiones incluyen piezas de vanguardia, trabajos vinculados a la cultura española, experimentos musicales y algunos de los primeros videoensayos de la historia del cine, ofreciendo un retrato complejo y necesario de una autora fundamental.

Destacan las proyecciones de La sonriente Madame Beudet (Francia, 1923) y La caracola y el clérigo (Francia, 1928). Este ciclo se celebra en paralelo a la exposición del Museu Tàpies de Barcelona titulada Germaine Dulac. Je n’ai plus rien, comisariada por Imma Merino e Imma Prieto, directora del museo, que presentará una de las sesiones de la retrospectiva.

CineZeta: tiempo muerto

Los sábados 17 y 31 de enero, el equipo de jóvenes programadores de CineZeta propone un espacio de descanso, juego y reflexión colectiva sobre el cine. Bajo el título ‘Tiempo muerto’, estas sesiones reúnen películas que cuestionan el uso del tiempo y las formas de hacer cine, explorando el ocio, la pausa y la reapropiación de imágenes. Un cine hecho desde la cercanía, el archivo y la comunidad, que reivindica otras maneras de mirar y compartir.

Cineteca en familia: ciudades imaginadas

La programación familiar de enero invita a recorrer ciudades animadas llenas de enigmas y aventuras. Desde Monstruos, S.A. (EE. UU., 2001) hasta Metrópolis de Osamu Tezuka (Japón, 2001), pasando por Un gato en París (Francia-Bélgica, 2010), el ciclo propone distintas formas de imaginar y habitar la ciudad: desde la urbe industrial de los monstruos hasta los laberintos futuristas o las calles nocturnas vistas desde los tejados.

La programación de enero se completa con estrenos recientes del cine español como: La ley de Sodoma (España, 2025), Os espazos en branco (España, 2023), Del susurro del tiempo (España, 2025) o Antes (España, 2020). No faltarán a su cita nuevas sesiones de los ciclos habituales de Cineteca como ‘Relatos del ruido’, ‘Confesionario’, ‘Ciclo DOCMA’ o ‘Foro CIMA’, además de una nueva entrega de ‘Imprescindibles TVE’, con la película Los Chichos: ni más ni menos (Paco Millán, España, 2025). /

Palestine to Japan (T. Maki, 1979)

Este programa presenta una selección de películas que iluminan la evolución de lo que hoy se reconoce como cine militante palestino. La proyección acompaña a la ponencia de Mohanad Yaquabi «Restaurar la solidaridad: the Tokyo Reels», en el marco de las Jornadas de Cine Militante y Archivos Fílmicos. Presentación a cargo de Amina Ferley (Elías Querejeta Zine Eskola, investigadora de Palestina, otro Vietnam).

Entre 1968 y 1982, cineastas diversos de todo el mundo dirigieron su mirada hacia la lucha palestina. Considerando aquel contexto un terreno fértil para la experimentación cinematográfica, llevaron al límite tanto las formas estéticas como las políticas mientras exploraban nuevas visiones de solidaridad global. Se examinan en este programa tres ejemplos de estas producciones (procedentes de tres continentes diferentes y basadas en estrategias y planteamientos cinematográficos diversos) que comparten un mismo objetivo: ofrecer al pueblo palestino una voz, una imagen y un archivo.

El alcance geográfico del programa se expande a medida que se incorporan mensajes procedentes de todo el mundo, conectando Palestina, otro Vietnam, de J. Giannoni, J. Denti, M. Generali y B. Scavuzzo, con Palestine to Japan, de T. Maki, a través de un enfoque militante compartido. Estas dos piezas se complementan con Cowboy, de Sami Al-Salamoni, que explora con precisión la compleja relación entre imagen y poder, y utiliza la mesa de montaje para subvertir esta dinámica. El resultado es un manifiesto anticapitalista y antiimperialista que subraya el vínculo indisociable con la lucha del pueblo palestino por su liberación.

Profundizando en las nociones de «ahora y entonces» y «aquí y allá», estas películas exponen las injusticias históricas que el pueblo palestino ha sufrido y contra las que sigue luchando. Una técnica clave en las tres obras es el uso de imágenes de archivo, que a menudo circulan entre diferentes cronologías, y así transforman la solidaridad de un simple eslogan en una práctica activa. Este enfoque revela una libertad cinematográfica en la expresión artística y un dominio extraordinario del tiempo y el espacio; una práctica que, por sí misma, encarna soberanía y libertad.

Palestina, otro Vietnam, Colectivo C3M – Cinema del Terzo Mondo, 1971, 16 mm, 22 min; Palestine to Japan, T. Maki, 1979, 16 mm, 20 min; Cowboy, Sami Al-Salamoni, 1973, 16 mm, 16 min.

Proyección en digital, VOSE.

Fecha: 30 enero 2026

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Mujeres de Surinam (Oema foe Sranan), At van Praag, 1978

Estas jornadas estarán dedicadas a profundizar sobre aquellas películas, experiencias y procesos cinematográficos que se han cuestionado cómo responder a las injusticias de su tiempo. Ante todo, este cine políticamente comprometido, históricamente contrainformativo y acompañante de las luchas colectivas, es un cine de invención y de transformación. Proponemos trazar un mapa de estas prácticas a lo largo del tiempo: desde México hasta Palestina, o de Uruguay a Cataluña, entre otros territorios. A su vez, al tratarse de archivos clandestinos, efímeros o inacabados, este cine también exige imaginar estrategias no tradicionales para su conservación, restauración y preservación. En un presente cada vez más violento y destructivo, nos preguntamos por el papel de las imágenes. ¿Cómo podemos seguir creando nuevas herramientas que sostengan no solo la memoria, sino también la energía y el fuego?

Jueves 29 de enero

10.30 h: Bienvenida y presentación del programa, Gloria Vilches (Xcèntric)

11.00 h: Documentar contra el borrado. Los caminos clandestinos de un cine comprometido. Diego Cepeda (programador y comisario de las jornadas)

Para aventurarnos en la difícil tarea que supone investigar, recuperar y proyectar el cine militante, quizás habría que comenzar hablando de lo que se ha perdido. A través de la proyección de fragmentos accesibles y otros aún clandestinos, descripciones en la prensa, fotografías, testimonios y búsquedas en archivos, intentaremos dar cuenta de una constelación de películas del Caribe que fueron censuradas y desaparecidas. Al mismo tiempo, propondremos formas de reconfigurar estas historias y estrategias ante la pérdida. Como dijo Apollinaire, habrá que perder, pero perder de verdad, para dejar sitio al hallazgo.

12.00 h: El proyecto inacabado del Tercer Cine como praxis experimental generalizada: pasado y presente del cine militante. Victor Guimarães (crítico de cine y programador)

Mucho antes de su secuestro culturalista por los académicos anglosajones, el Tercer Cine representó a la vez un proyecto utópico, una praxis revolucionaria y un laboratorio de invención de formas. Alrededor del año 1968, a lo largo de toda Latinoamérica y casi inmediatamente también en África, Asia y entre los sectores no alineados del Norte Global, el Tercer Cine trató de deshacer todos los cimientos de la práctica cinematográfica convencional para instalar un estado generalizado de experimentación, que va desde un desmantelamiento de las cámaras hasta la ruptura con los procesos normales de proyección. Se trataba de rechazar la división histórica entre las dos vanguardias (la blanca y la roja) para componer una doble afirmación: no hay cine militante sin experimentación formal; no hay cine experimental sin compromiso con el devenir colectivo. Sin embargo, más de medio siglo después, nuestra época parece enteramente reacia a ese espíritu. El horror invade nuestras pantallas diariamente y ninguna resistencia visual parece capaz de detener la marcha del genocidio: el vínculo entre imagen y acción se desvanece. Sin embargo, artistas y colectivos insisten en hacer películas. ¿Cómo podemos enfrentarnos a esa paradoja? La conferencia recupera el legado experimental del Tercer Cine para interrogar al cine militante contemporáneo. A partir de una fricción entre fragmentos del pasado y del presente, nos preguntamos: ¿qué formas tendrán los cines militantes por venir? 

17.00 h: Imágenes insurgentes I: prácticas del cine militante y feminista en México. Karina Solórzano (programadora e investigadora especializada en cine mexicano)

Cámaras ligeras, rollos de súper-8 y materiales de archivo fueron las herramientas del cine militante en México, que, en palabras de Rosa Martha Fernández, una de las fundadoras del Colectivo Cine Mujer, entendía la imagen como «un instrumento de transformación de la realidad y concientización». El cine se convirtió en una forma de agitar la realidad, de intervenir en ella desde los márgenes. Además del Colectivo Cine Mujer, grupos como la Cooperativa de Cine Marginal y el Taller de Cine Octubre documentaron huelgas, movilizaciones campesinas y conflictos laborales. El trabajo que este cine realizó con el registro y el montaje fue singular en la época: un destello que reveló aquello que el cine industrial mantenía fuera de campo, una experiencia colectiva e irrepetible en la historia del país.

19.00 h: proyección «Imágenes insurgentes II. Súper-8 y material de archivo en el cine mexicano de la década de los setenta»

Viernes 30 de enero

10.00 h: La Cinemateca del Tercer Mundo de Uruguay y la creación del escáner alternativo de LAPA. Isabel Wschebor (historiadora y especialista en archivos audiovisuales). Con introducción a cargo de Carolina Cappa (responsable del Departamento de Investigación de Elías Querejeta Zine Eskola)

Desde 2018, el Laboratorio de Preservación Audiovisual del Archivo General de la Universidad de la República Oriental de Uruguay (LAPA-AGU) trabaja en la recuperación de las películas militantes realizadas en los años previos al golpe de Estado de 1973. Durante décadas, gran parte de estos films (en especial aquellos producidos por colectivos como la Cinemateca del Tercer Mundo) permanecieron prácticamente inaccesibles debido a la censura y la dispersión de sus materiales. Para revertir este vacío, la investigación emprendió una búsqueda arqueológica en archivos privados, instituciones y colecciones dentro y fuera del país. Paralelamente, se puso en marcha su primer escáner de hardware y software libre, una herramienta decisiva para digitalizar materiales frágiles y reponerlos en el espacio digital. Una tercera línea de trabajo tomó forma a través del proyecto universitario «El cine uruguayo y la lucha contra la impunidad», que permitió activar una conversación en torno a cómo las actuales dificultades de acceso dialogan directamente con la historia de censura y persecución que las atravesó. Esta presentación recoge esa experiencia y abre nuevas preguntas: qué obras siguen ocultas, qué historias quedan pendientes y cómo se puede continuar restituyendo una memoria cinematográfica que fue silenciada.

12.00 h: Ensayo y error: una brevísima historia de la cultura cinematográfica militante en Cataluña. Pablo La Parra (director de la Filmoteca de Catalunya)

En los últimos años de la dictadura franquista y a lo largo de la Transición, Cataluña fue el epicentro de una nueva cultura cinematográfica militante en el Estado español. En un contexto marcado por la agitación social y la movilización política, la apropiación de pequeños formatos cinematográficos y la consolidación de redes clandestinas permitieron a una nueva generación de jóvenes crear estructuras que operaban al margen de cualquier marco industrial o legal. Lejos de premisas de excepcionalidad o mirada localista, esta presentación se aproxima a la cultura cinematográfica militante como una red de conexiones afectivas, estéticas y políticas que, en la ola revolucionaria global del «largo 68», conectaron la disidencia catalana con movimientos y circuitos transnacionales. A partir de la exploración de la colección de la Filmoteca de Catalunya y otros archivos internacionales, memorias orales e investigaciones recientes, nos detendremos en diferentes experiencias de distribución, exhibición y producción clandestinas o alegales, con el fin de iluminar algunas escenas clave de una cultura cinematográfica autogestionada y radicalmente independiente.

Conferencia ilustrada con la proyección de Viaje a la explotación (Colectivo Penta: Bartolomé Vilà, Mercè Conesa, Paco Luque, Francisco Moratalla, Paco Maria, 1974 ), VE, 19 min. Copia cortesía de la Filmoteca de Catalunya.

17.00 h: Restaurar la solidaridad: The Tokyo Reels. Mohanad Yaqubi (cineasta, productor, cofundador de Idioms Film y miembro de Subversive Film)

Escondida durante tres décadas en las afueras de Tokio, una colección de películas de 16 mm, realizadas entre 1964 y 1983 por cineastas árabes, japoneses y otros creadores internacionales, recaba la historia de la lucha palestina. El proceso de investigación y preservación de la colección, más allá de trazar el mapa de una red de solidaridad transnacional, ha querido dar forma a un «archivo imperfecto». Esta presentación explorará los retos de restaurar una serie de películas procedentes de personas o pueblos que están aún inmersos en su lucha, y pondrá de relieve las dificultades inherentes a la archivística en contextos revolucionarios. También examinará la importancia de preservar la memoria en el marco de atrocidades aún presentes, así como la relación directa entre el acto de restaurar filmes y el de restaurar la solidaridad.

19.00 h: proyecció «Miradas sobre Palestina.» Presentación a cargo de Amina Ferley (EQZE, restauradora de Palestina, otro Vietnam)

Participantes

Diego Cepeda

Victor Guimarães

Karina Solórzano

Carolina Cappa

Pablo La Parra Pérez

Mohanad Yaqubi

Amina Ferley

Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken, 1961)

Este programa celebra la obra sensual, vibrante y lúdica de Marie Menken, una de las grandes creadoras del cine poético, cuya influencia fue decisiva para Kenneth Anger, Stan Brakhage o Jonas Mekas. Menken concibe el cine como un cuaderno de notas de asombros, ritmos extáticos, juegos e invenciones de formas a través del movimiento y la luz.

Sus películas, filmadas casi siempre con una cámara Bolex manejada a mano y con una ligereza coreográfica («el cuerpo eléctrico toma vida en una serie de pulsos e impulsos», según Brakhage), pintan, esculpen y tocan nuevos mundos perceptivos —en las flores de un jardín, las luces nocturnas, los azulejos de la Alhambra o el palpitar frenético de Nueva York—, e incorporan una gran variedad de recursos, diálogos con las artes y técnicas de animación como el collage o el stop-motion.

La sesión recorre la obra fundamental de Menken, desde su primera película hasta un conjunto de catorce piezas, tomando como punto de partida Notebook, para reflejar su carácter diarístico e íntimo, de exploración y reflejo de su sistema nervioso. Jonas Mekas: «Las canciones que solíamos cantar juntos hablaban de un jardín lleno de flores, de una niña que lo cuidaba. Las películas de Marie eran las flores de su jardín. Cuando estaba allí, abría su alma, con todos los deseos secretos y los sueños que contenía. Todas ellas son dulces, coloridas, perfectas y no demasiado voluminosas; todas ellas estaban hechas y atendidas con amor».

Marie Menken: Notebook, 1962, 10 min; Visual Variations on Noguchi, 1945, 4 min; Hurry! Hurry!, 1957, 4 min; Dwightiana, 1959, 4 min; Arabesque for Kenneth Anger, 1961, 4 min; Bagatelle for Willard Maas, 1961, 6 min; Glimpse of the Garden, 1957, 5 min; Lights, 1966, 6 min; Eye Music in Red Major, 1961, 5 min; Moonplay, 1964, 4 min; Mood Mondrian, 1965, 5 min; Sidewalks, 1966, 6 min; Excursion, 1968, 6 min; Go! Go! Go!, 1964, 11 min.

Proyección en 16 mm.

Copias procedentes de Filmmakers’ Coop.

Fecha: 8 febrero 2026

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online a partir del 16 de diciembre.

La programación anual incluye el ciclo ‘Cine y escuelas de cine’ organizado por el Festival de San Sebastián y Elías Querejeta Zine Eskola

El bono de cine y las entradas para las proyecciones de 2026 estarán a la venta a partir del 19 de diciembre.

Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2026, que dará comienzo el 8 de enero. Esta propuesta ha sido diseñada de manera conjunta por las entidades que programan en la pantalla compartida del centro: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.

El programa de 2026 mantendrá su objetivo de fomentar la diversidad de públicos en la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Para lograrlo, la programación reforzará el diálogo entre el cine y otras disciplinas, a través de ciclos temáticos que exploran las intersecciones entre cine y música, cine y arte, cine y literatura o cine y ciencia. Además, se incluyen programas desarrollados con la participación de la UPV/EHU y EQZE.

La programación de 2026 se inaugurará oficialmente con el proyecto Cine hablado, que busca promover el acercamiento directo entre cineastas, espectadoras y espectadores. La primera sesión tendrá lugar el 8 de enero y contará con la presencia de Alberto Gastesi, quien recientemente presentó su película Singular en la sección oficial del Festival de Sitges. La proyección de su filme comenzará a las 17:00, e irá seguida de una conferencia en la que Gastesi compartirá con el público el proceso de creación.

Laura Citarella, Zineb Sedira y Lucile Hadžihalilović

El primer gran ciclo de la temporada estará dedicado a la cineasta argentina Laura Citarella. Integrante de la destacada productora El Pampero Cine (junto a Mariano Llinás, Alejo Moguillansky y Agustín Mendilaharzu), Citarella ha dirigido cuatro largometrajes proyectados en festivales como Venecia o San Sebastián, y ha destacado en la producción de aclamados títulos como Historias extraordinarias y La flor.

La realizadora visitará Tabakalera el 15 de enero para presentar Trenque Lauquen (Zabaltegi-Tabakalera 2022) considerada la mejor película de 2023 por la revista especializada Cahiers du Cinéma. Durante su estancia, la directora impartirá clases en EQZE y ofrecerá un taller abierto al público en el Laboratorio de Cine y Audiovisual. Además, el 17 de enero se proyectará El affaire de Miu-miu, tras lo cual Citarella conversará con Lur Olaizola, coordinadora de cine de Tabakalera.

En febrero, la fotógrafa y videoartista feminista franco-argelina Zineb Sedira visitará el centro con motivo de la inauguración de la exposición que se le dedicará en la Sala de exposiciones. Coincidiendo con la muestra, se organizará un ciclo de centrado en cineastas de Argelia y Marruecos. La primera de estas sesiones, el 21 de febrero, contará con la presencia de la propia Zineb Sedira, quien presentará la película Festival panafricain d’Alger 1969, dirigida por el fotógrafo y cineasta William Klein.

Entre abril y junio, Lucile Hadžihalilović, reciente ganadora del Premio Zabaltegi-Tabakalera en el Festival de San Sebastián, protagonizará una retrospectiva organizada en colaboración con EQZE. El ciclo permitirá disfrutar de la totalidad de la filmografía de la directora francesa, quien también impartirá clases como profesora invitada en la escuela de cine.

Por tercer año consecutivo, los estudiantes de la UPV/EHU serán los encargados de programar la sala de cine una vez al mes. La tercera edición del ciclo Jóvenes en el cine comenzará el 22 de enero con el objetivo de abrir la pantalla a las preferencias del alumnado y generar nuevos públicos.

El ciclo que explora la relación entre cine y literatura dará comienzo el 29 de enero. La escritora Eider Rodríguez será la primera invitada, en una sesión dedicada al film Beau travail, de Claire Denis. Este ciclo mensual ofrecerá una proyección, subtitulada en euskera, acompañada de una presentación también en euskera a cargo de un escritor o escritora.

Por su parte, el ciclo Cine y Música regresará el 31 de enero con una sesión especial con el dúo Niña Coyote y Chico Tornado que, además, ofrecerá una charla sobre el proceso de creación de una banda sonora.

Nosferatu. Billy Wilder

El nuevo ciclo Nosferatu comenzará en Tabakalera el 14 de enero y estará dedicado a la figura del realizador centroeuropeo Billy Wilder, uno de los grandes nombres del cine mundial del siglo XX, con la proyección de Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses, 1950).

Organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – La Filmoteca, el ciclo se desarrollará entre enero y diciembre de 2026, e incluirá la proyección de 32 películas.

La programación ofrecerá un completo recorrido por la extraordinaria filmografía de Wilder. Explorará sus inicios como guionista en la Alemania de los años treinta, su ópera prima como director en Francia — Mauvaise graine (Curvas peligrosas,1933)— , y su etapa como guionista, ya en EEUU, para cineastas de la talla de Ernst Lubitsch, Mitchell Leisen o Howard Hawks culminando con su primera película en Hollywood, The Major and the Minor (El mayor y la menor, 1942).

El escritor y crítico de cine Luis Alegre será el coordinador del libro Billy Wilder. Anatomía de un genio, número 22 de la Colección Nosferatu, que se publicará en enero acompañando el inicio del ciclo. La publicación incluye entrevistas realizadas para la ocasión con Fernando Trueba y Joseph McBride. En otoño de 2026 se editará el nº 14 de la Nosferatu Bilduma, en euskera, escrito por el profesor y estudioso del cine Zigor Etxebeste sobre la figura de Wilder.

Cine y escuelas de cine

Zinemaldia + Plus, el programa con el que el Festival de San Sebastián participa en la pantalla compartida de Tabakalera, dedicará su programación de 2026 al tema ‘cine y escuelas de cine’.

En el año 2018, la Elías Querejeta Zine Eskola abrió sus puertas a la primera promoción de estudiantes de creación, comisariado y archivo. El Festival de San Sebastián que de forma histórica había atendido a la etapa formativa de la profesionalización (ese salto al vacío que sucede entre la escuela de cine al mundo profesional) con secciones como Nest, participó en su propia gestación y, desde su apertura, ha coorganizado, junto con la escuela de cine, multitud de proyectos que han sido transformadores para el certamen internacional donostiarra.

Con el objetivo de ver cómo el cine ha tratado la formación de sus propios cuadros técnicos y artísticos, este ciclo, que se propone, como no podía ser de otra manera, en coorganización con Elías Querejeta Zine Eskola, recoge una serie de películas que suceden en la escuela de cine, que registran ese periodo vital, pero también películas que nacen literalmente del trabajo en el aula, películas colectivas y películas que difuminan la barrera entre el estudiante y cineasta.

El ciclo programará: We Can’t Go Home Again de Nicholas Ray (1973), Todos vós sodes capitán, Oliver Laxe (2010), Don’t Expect Too Much, Susan Ray (2011), Le concours de Claire Simon (2016), Los mutantes de Gabriel Azorín (2016), The souvenir: Part II de Joanna Hogg (2021), A Night of Knowing Nothing de Payal Kapadia (2021) y Tú me abrasas de Matías Piñeiro (2024).

Novena edición de Cine y ciencia

Como ya es habitual, la Filmoteca Vasca inicia su año cinematográfico con una nueva edición (la novena) del ciclo Cine y Ciencia. Este programa está organizado conjuntamente con el Donostia International Physics Center (DIPC) y el Festival de San Sebastián.

El ciclo arrancará el día 9 de enero y, siguiendo la tradición, será presentado por el presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike. Etxenike será el encargado de presentar la película inaugural: un clásico de la ciencia ficción, El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner, 1968). A través del lenguaje cinematográfico, este ciclo abordará diferentes disciplinas y problemáticas relacionadas con el mundo de la ciencia. El programa completo se dará a conocer próximamente.

La primavera de Filmoteca Vasca estará dedicada al cine vasco. Entre abril y junio se ofrecerán entre 10 y 12 sesiones que recogerán una pequeña parte de la producción vasca, tanto clásica como más reciente.

La celebración de tres importantes festivales de jazz en nuestro territorio (Vitoria-Gasteiz, San Sebastián, Getxo) convierte el mes de julio en el mes jazzístico vasco por excelencia, y la Filmoteca Vasca se une a esta fiesta musical y cinematográfica a través del ciclo Jazzinema, que cumple su primera década.

El otoño será el tiempo de los clásicos, con la tercera edición del ciclo Klasikoak, coorganizado con el Festival de San Sebastián. Se presentarán películas que han alcanzado la categoría de «clásicas» y que han sido recientemente restauradas. El Festival presentará las dos primeras entregas en septiembre, y la parte más extensa de Klasikoak se desarrollará entre octubre y diciembre.

Bono de cine 2026 y venta de entradas

El bono de cine de Tabakalera se renueva para 2026, y ofrecerá la entrada a 30 películas por 90€. Este bono es válido para las proyecciones de las instituciones socias de la pantalla compartida (Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera), a excepción de las programadas durante el Festival de San Sebastián 2026.

La compra del bono incluye, un año más, una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: el libro colectivo Dena egiteke dago, zinema tirokatu (coordinado por Iratxe Fresneda) o el libro en castellano Billy Wilder. Anatomía de un genio (coordinado por Luis Alegre).

El bono se podrá adquirir a partir del 19 de diciembre de 2025 a las 12:00 del mediodía, y la venta estará abierta hasta el 31 de enero de 2026 a las 12:00. Las compras y gestiones se podrán realizar tanto en la web de Tabakalera como en su Punto de Información. El consumo de las entradas del bono podrá realizarse desde el 1 de enero hasta el 31 de diciembre de 2026.

Simultáneamente, la venta de entradas ordinarias para las proyecciones de enero se abrirá en la misma fecha y hora (19 de diciembre de 2025 a las 12:00). La entrada ordinaria tendrá un coste de 4.5€. Este incremento de precio se verá compensado por la eliminación de los gastos de emisión por compra online. Los descuentos habituales seguirán aplicándose como hasta ahora.

Toda la información relacionada con el bono y la programación de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.

• Cincuenta años después de su muerte, un programa especial recuerda al poeta, cineasta y pensador con Teorema y El Evangelio según San Mateo
• El ciclo ‘Futuros raros’ examina, desde la ficción, el ensayo y el documental, los imaginarios tecnológicos y sociales de nuestro presente
• ‘Cineteca en familia’ redescubre los mundos animados de Ub Iwerks, pionero del dibujo moderno y creador de Mickey Mouse
• ‘Linterna’, el ciclo mensual comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, rescata La oreja, obra maestra del miedo y el control firmada por Karel Kachyňa
• Cineteca Madrid acoge las nuevas ediciones de Cine por Mujeres Madrid, QueerCineMad, RIZOMA y Márgenes, cuatro de los festivales más representativos del otoño madrileño
• Continúan las proyecciones de la retrospectiva dedicada al cineasta chileno Raúl Ruiz

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica el mes de noviembre a las poéticas del futuro y de la memoria. En el cincuenta aniversario de la muerte del cineasta italiano Pier Paolo Pasolini, su cine vuelve a la pantalla como territorio de revelación y combate; junto a él, el ciclo ‘Futuros raros’ explora las ficciones tecnológicas que modelan nuestro presente desde la ironía y la inquietud.

La programación se completa con un homenaje al pionero de la animación Ub Iwerks; el regreso del programa mensual comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, ‘Linterna’, con la inquietante La oreja de Karel Kachyňa, y la celebración de algunos de los festivales más destacados del otoño madrileño. Un mes para pensar el cine como memoria activa y como laboratorio de futuros posibles.

Eterno Pasolini

El 2 de noviembre de 1975, el cuerpo de Pier Paolo Pasolini fue hallado en la playa de Ostia. Poeta, narrador, ensayista y cineasta, Pasolini convirtió el cine en un acto de insurrección moral, un espacio donde lo sagrado y lo político, lo popular y lo erudito convivían con una honestidad sin concesiones.

Cineteca Madrid conmemora el 50º aniversario de su muerte con dos sesiones especiales dedicadas a su obra y su memoria: Teorema (Italia, 1968), parábola sobre la irrupción del deseo y la fe en la vida burguesa, y El Evangelio según San Mateo (Italia, 1964), lectura humanista y radical de los textos bíblicos, acompañada del cortometraje Funeral de Pier Paolo Pasolini (Italia, 1975). Dos miradas complementarias de un creador que hizo de la contradicción una forma de verdad.

Futuros raros en el cine

El ciclo ‘Futuros raros’, comisariado por Bani Brusadin y la artista e investigadora Solveig Qu Suess y organizado en colaboración con Medialab Matadero, reúne una selección internacional de películas, ensayos y piezas de no ficción que interrogan las representaciones tecnológicas del presente y los escenarios de futuro. Entre la especulación y la sátira, estas obras retratan un mundo donde la vigilancia, el control algorítmico y la precariedad se han vuelto la norma.

Organizado en el marco del programa LAB 4 de Medialab Matadero, el ciclo propone una constelación de relatos sobre la incertidumbre contemporánea. Obras como Fresh Kill (Shu Lea Cheang, EE. UU., 1994), The Seasteaders (Jacob Hurwitz-Goodman y Daniel Keller, EE. UU., 2018) o Everything But The World (Lauren Boyle, EE. UU., 2021) se combinan con cortos recientes de artistas como Silvia Dal Dosso, Rouzbeh Akhbari o Ayoung Kim, componiendo un mosaico entre la distopía, el absurdo y la crítica política.

Completan el ciclo las proyecciones: Rola Rolls (eobchae, Corea del Sur, 2024), Welcome to Jankspace, Babes (Daniel Felstead, Jenn Leung, Reino Unido, 2025), CODEX ENTROPIA (Richard Pell, EEUU, 2020), Random Access (Zike He, China, 2023), y Never Rest/Unrest (Tiffany Sia, Hong Kong, 2020).

‘Cineteca en familia’: los mundos animados de Ub Iwerks

El ciclo familiar de noviembre rinde homenaje a Ub Iwerks (1901–1970), pionero de la animación moderna, cofundador de los estudios Disney y creador del diseño definitivo de Mickey Mouse. Inquieto e inventivo, Iwerks fundó su propio estudio en los años 30 y desarrolló la serie ComiColor Cartoons, coloridos cortometrajes inspirados en cuentos y fábulas tradicionales.

Los domingos 16 y 30 de noviembre, a las 12:00 horas, Cineteca presenta dos programas integrales que recuperan estas joyas restauradas en Cinecolor, con música original de Carl Stalling, compositor de Looney Tunes. Fantasía, humor y técnica se combinan en unas piezas que revelan el talento de un visionario del cine de animación.

Ciclo ‘Linterna’, episodio 3: La oreja

En el tercer episodio de ‘Linterna’, el programa comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, se proyecta La oreja (Checoslovaquia, 1969), del cineasta checoslovaco Karel Kachyňa. Prohibida por el régimen tras su estreno, esta obra maestra del cine político europeo convierte una noche de paranoia conyugal en una alegoría sobre la vigilancia y el miedo. Entre el thriller psicológico y el drama íntimo, la película despliega una atmósfera asfixiante donde la desconfianza se convierte en metáfora del poder.

Mes de festivales en Cineteca

Noviembre es, una vez más, el mes de los grandes festivales en Cineteca Madrid. El centro acoge la VIII edición de Cine por Mujeres Madrid (del 4 al 9 de noviembre), el 30º Festival QueerCineMad (del 11 al 16), la 13ª edición de RIZOMA Festival Internacional de Cine & Cultura Entrelazada (del 18 al 23) y el 15º Festival Márgenes (del 25 al 30). Cuatro citas imprescindibles que consolidan el papel de Cineteca Madrid como punto de encuentro del cine independiente y contemporáneo.

Ciclos habituales y nuevas entregas de la retrospectiva sobre Raúl Ruiz

Este mes, ‘Relatos del ruido’ rinde homenaje al músico y programador Javier Piñango (1962–2025) y el ciclo ‘Así son las cosas’ presenta De memoria (de Amaya Hernández, Julia Martos y Florencia Rojas). Además, continúa la retrospectiva dedicada al cineasta chileno Raúl Ruiz, con títulos como Tres tristes tigres (Chile, 1968), La hipótesis del cuadro robado (Francia, 1979) o Misterios de Lisboa (Portugal-Francia, 2010). /

A partir de la apropiación de archivo doméstico y la inscripción de narrativas queer, esta sesión propone colectivizar el “leer en contra” de Griselda Pollock con la intención de dejar de sentirnos extrañas, leyendo a partir de nuestra biografía en tanto que perdida.

Las vidas privadas de las identidades queer se encuentran excluidas del archivo familiar. Extirpadas sus experiencias, álbumes y películas caseras fracasan en su promesa de recordar. Ante la opacidad de estas materialidades, la reedición aparece como metodología para la construcción de la contrahistoria, y la mesa de montaje como medio aliado. ¿De qué manera podemos leer nuestras imágenes para cuestionar las ficciones que habitan en el archivo doméstico?

Siguiendo los ecos del documental autobiográfico experimental feminista, las obras y las autoras por las que pasearemos inscriben sus cuerpos y afectos disidentes mediante el uso de la ironía, la fabulación crítica, la sospecha en el archivo o la urgencia de genealogía. El cine doméstico —la práctica audiovisual realizada desde la esfera familiar, en la que se documentan momentos cotidianos significativos—está vinculado a un principio de verosimilitud y autenticidad que ha garantizado la supervivencia de un modelo familiar inmutable. Llegaron entonces las hijas lesbianas a ocupar un espacio de resistencia, reinterpretando la imagen heredada. Al localizar los signos que revelan las especificidades de las disidencias queer, rompen la ficción oficial.

Es en este espacio de ruptura donde germinan las miradas que ocupan el foco de esta sesión. En Home Movie (1973) Jan Oxenberg acude a sus películas familiares para observar cómo se inscribe la diferencia dentro de una normatividad performada desde la infancia. La cinta casera Lessons in Baby Dyke Theory fue realizada en 1995 cuando el artista indígena queer TJ Cuthand contaba con tan solo 16 años y se sentía “la única lesbiana” en su escuela secundaria. En Monsters in the Closet (1993), Jennifer Reeves transciende el archivo doméstico para reivindicar mediante autofilmaciones húmedas la necesidad de construir nuestra propia idea del deseo. El aclamado cortometraje de Agustina Comedi Playback: Ensayo de una despedida (2019) explora el potencial de la fantasía como herramienta de resistencia, mientras homenajea las vidas breves de las travestis y transformistas de la Córdoba Argentina de los 80. 

En estos y otros casos que exploraremos durante la charla, la fórmula para aspirar a un archivo más inclusivo a menudo requiere de las mismas acciones: confrontación, autorrepresentación y colectivización.

Home Movie, Jan Oxenberg, 1973, 12 min (VOSE); Lessons in Baby Dyke Theory, TJ Cuthand, 1995, 3 min (VOSC); Monsters in the Closet, Jennifer Reeves, 1993, 14 min (VOSC); Playback: Ensayo de una despedida, Agustina Comedi, 2019, 14 min (VE).

Proyección en digital.

 
Esta actividad se complementa con el taller «Volver a casa para tener una conversación», organizado por Hamaca y a cargo de Julia Martos, que tendrá lugar los días 21 y 22 de octubre en Hangar. + info

Fecha: 19 octubre 2025

Horario: 18.30

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

• La programación propone varias retrospectivas: una, dedicada al chileno Raúl Ruiz y, otra, al dúo brasileño-portugués formado por Adirley Queirós y Joana Pimienta
• El Día del Cine Español se proyectan dos clásicos restaurados, Deprisa, deprisa y Furtivos, y se recupera Tirarse al monte, película prohibida y desaparecida durante medio siglo
• También se estrena Exorcismo: El transgresor legado de la clasificación S, documental de Alberto Sedano que rescata las películas de clasificación S
• La noche de Halloween tendrá un programa doble especial de ‘La Noche Z’, con la proyección de Re-Animator y Psycho Goreman

Cineteca Madrid propone en octubre un recorrido por distintas formas de entender el cine como espacio poético, político y experimental: desde la retrospectiva monumental de Raúl Ruiz hasta la radicalidad contemporánea de Travis y Erin Wilkerson, pasando por la recuperación de películas invisibilizadas del cine español o las distopías brasileñas de Adirley Queirós y Joana Pimenta.

Retrospectiva Raúl Ruiz, el territorio del misterio

Poeta de los desvíos, de las falsas pistas y de los relatos imposibles de cerrar, Raúl Ruiz dejó una filmografía de más de un centenar de títulos que hoy se reconoce como una de las más radicales y fascinantes del cine moderno. La retrospectiva, que se extenderá hasta diciembre, permite recorrer desde sus inicios experimentales en Chile con títulos como El realismo socialista (Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento, Chile, 2023), hasta las grandes producciones europeas de madurez, entre las que destaca El tiempo recobrado (Francia-Italia-Portugal, 1999), pasando por obras clandestinas, fantasmales y lúdicas como La isla del tesoro (Francia-Reino Unido-EE. UU., 1985).

Completan las proyecciones de octubre de este programa, organizado en colaboración con la Embajada de Chile, La telenovela errante (Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento, Chile, 2017); El tango del viudo y su espejo deformante (Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento, Chile, 2020); Genealogías de un crimen (Généalogies d’un crime) (Francia-Portugal, 1997); Diálogos de exiliados (Chile, 1975); Bérénice (Francia, 1983) y Tres vidas y una sola muerte (Francia-Portugal, 1996).

Día del Cine Español, memoria recuperada

Como cada año, Cineteca se suma al Día del Cine Español con un programa que devuelve a la pantalla obras esenciales y rescata películas que parecían condenadas al olvido. Este octubre presentamos las restauraciones de Deprisa, deprisa (Carlos Saura, 1981) y Furtivos (José Luis Borau, 1975), dos hitos de la Transición que redefinieron los límites de la representación social y política.

El acontecimiento especial de esta edición es la recuperación de Tirarse al monte (Alfonso Ungría, 1971), prohibida por la censura franquista y desaparecida durante más de medio siglo. Restaurada por la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, ECAM, regresa ahora para desvelar un cine vibrante, incómodo y experimental que fue silenciado en su día.

‘Nuevos Imaginarios’, cine y museo en diálogo

En colaboración con Contemporánea Conde Duque, Cineteca presenta ‘Nuevos Imaginarios’, un programa de proyecciones que dialoga con la exposición homónima comisariada por el fotógrafo y artista Nicolás Combarro y el escritor, periodista y divulgador Miguel Ángel Delgado. El proyecto reúne a Oliver Laxe, Isaki Lacuesta, Laida Lertxundi, Lois Patiño y el tándem Helena Girón-Samuel M. Delgado, proponiendo un viaje por los límites del cine más allá de la sala oscura.

Tras su paso por el CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea), el programa llega a Madrid como experiencia doble: videoinstalaciones en el espacio expositivo de Conde Duque y un ciclo en Cineteca que amplía la mirada sobre universos entre la sala de cine y el museo, a través de 17 piezas como: Noite sem distância (Lois Patiño, España, 2015); Las variaciones Marker (Isaki Lacuesta, España, 2007); The Room Called Heaven (Laida Lertxundi, EEUU, 2012); Sin Dios ni Santa María (Helena Girón, Samuel Delgado, España, 2015) o París #1 (Oliver Laxe, España, 2007).

Clasificación S: carta blanca a Alberto Sedano

Coincidiendo también con el Día del Cine Español, llega el estreno de Exorcismo: El transgresor legado de la clasificación S (EE. UU., 2024), documental de Alberto Sedano, narrado por Iggy Pop, que rescata uno de los episodios más insólitos de nuestra cinematografía: el fenómeno de las películas con la etiqueta ‘Clasificada S’.

Para acompañar el estreno, Sedano propone dos rarezas del género: Poppers (José María Castellví, España, 1984), retrato queer y desinhibido de la noche madrileña, y Más allá del terror (Tomás Aznar, España, 1980), delirio entre el cine quinqui y lo sobrenatural.

Travis y Erin Wilkerson en Cineteca con una selección de su filmografía

Militantes y agitadores, Travis y Erin Wilkerson conforman uno de los dúos más necesarios del cine político contemporáneo en Estados Unidos. Su obra, híbrida entre el ensayo, el archivo y la narración personal, se mueve de la violencia racial al imperialismo nuclear o de la memoria obrera al duelo familiar. El ciclo, que contará con la presencia ambos cineastas y está organizado junto a Intersección, Festival Internacional de Cine de A Coruña, recupera títulos clave como An Injury to One (EE. UU, 2003); Machine Gun or Typewriter? (EEUU, 2025); Did You Wonder Who Fired the Gun? (EEUU, 2017) o Nuclear Family (EEUU-Singapur, 2022).

Primera retrospectiva en España de Adirley Queirós y Joana Pimenta

En colaboración con el Festival INSTAR, Cineteca presenta el trabajo del dúo brasileño-portugués, filmado desde los márgenes geográficos y sociales y que crea un cine colectivo que reescribe mitos del presente mediante archivos apócrifos, memorias inventadas y distopías populares.

Películas como Branco Sai, Preto Fica (Adirley Queirós, Brasil, 2015), Era uma vez Brasília (Adirley Queirós, Brasil-Portugal, 2017), Um Campo de Aviação (Joana Pimenta, Portugal-Brasil-EE. UU., 2016) o Mato seco em chamas (Adirley Queirós, Joana Pimenta, Brasil-Portugal, 2022), dan cuenta de un cine profundamente político.

‘Linterna’. Episodio 2: Lilies

En este nuevo episodio del programa comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, ‘Linterna’, se recupera Lilies-Les feluettes (Canadá, 1996), de John Greyson. Se trata de una obra radical y poética, mezcla de melodrama carcelario, ópera política y relectura queer de Shakespeare, proyectada por primera vez en 4K en nuestro país.

‘Confesionario’ y ‘La Noche Z’ no faltan a su cita mensual

El programa ‘Confesionario’ reúne este mes tres cortos de Julie Murray, Lisl Ponger y Linda Christanell, que en los años 90 exploraron, desde geografías distintas, un mismo mundo fracturado. Por su parte, ‘La Noche Z’ celebra Halloween con un doblete sangriento y desbordante: Re-Animator (1985), clásico de Stuart Gordon inspirado en Lovecraft, y Psycho Goreman (2020), comedia gore intergaláctica que rinde tributo al cine de videoclub y a los monstruos de látex.

Y además…

Cineteca acoge este mes la 11ª edición de ‘Another Way Film Festival’ y colabora en las actividades previstas en conmemoración del Día de la Hispanidad con el ciclo ‘Programaciones cruzadas: Madrid en Buenos Aires, Buenos Aires en Madrid’. No faltarán estrenos como Campos o Buda salta el muro, así como sesiones de secciones habituales como ‘Nosotras contamos’ (Germinal); MICE; ‘Relatos del ruido’; ‘Ciclo DOCMA’; ‘Así son las cosas’: Cabello/Carceller; ‘CIMA Conversa’ o ‘Imprescindibles TVE’.

Marie Losier y Peaches en Berlin @Lucya Gerhart

Aprovechando su visita al CCCB para participar en el Aula Xcèntric, dedicamos una sesión monográfica a la cineasta francesa Marie Losier, que presentará en persona los cortometrajes Eat My Makeup (2010) y Electrocute Your Stars (2004), y el largometraje Peaches Goes Bananas (2024), que se estrena en Cataluña con esta proyección.

«I would never just knock on someone’s door and say I want to make a film about them. It always starts with a friendship, which then becomes a film.»

M. L.

Profundamente marcado por sus relaciones personales con amigos y artistas admirados del underground cinematográfico, musical y artístico norteamericano, el cine de Losier se articula a partir del retrato de la vida cotidiana de las personas menos cotidianas posibles. Protagonizan sus películas figuras cómo Tony Conrad, Genesis P-Orridge, George Kuchar o Peaches, con quien Losier convive, en ocasiones durante décadas, para acercarse y acercarnos con su cámara Bolex a una intimidad profunda y descarnada que a menudo contrasta con su naturaleza performativa y excéntrica.

Eat My Makeup (2010) es una pieza surrealista en la que la autora se reúne con George Kuchar, Jason Livingston y Paul Shepard para comer pasteles de nata y matar moscas en el tejado de un edificio en el barrio de Long Island. Electrocute Your Stars (2004) es un retrato onírico de George Kuchar, amigo y referente de Losier, que atraviesa confeti de nieve, flashes estroboscópicos y viento artificial mientras recita sus registros meteorológicos. Es una pieza hecha a medida y en homenaje al cineasta, figura paradigmática del underground neoyorquino de los sesenta.

Peaches Goes Bananas (2024) es el resultado de diecisiete años de amistad entre la autora y la protagonista de la película, Peaches, que se conocieron por casualidad mientras la primera empezaba a desarrollar su película The Ballad of Genesis and Lady Jane (2011). Losier ha filmado a Peaches en conciertos en Berlín, París, Ginebra, Bruselas… y también la ha acompañado en momentos íntimos y familiares que, sin demasiada premeditación, han acabado complementando a la perfección la glamurosidad y excentricidad de sus espectáculos en la película.

La sesión se complementará con una conferencia de la cineasta en el Aula Xcèntric el día 11 de noviembre.

Eat My Makeup, Marie Losier, 2010, 6 min; Electrocute Your Stars, Marie Losier, 2004, 8 min; Peaches Goes Bananas, Marie Losier, 2024, DCP, 73 min, VOSC

Fecha: 9 noviembre 2025

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

En el ciclo ‘Travesías espirituales’, cinco joyas restauradas del cine indio revelan un universo entre lo sagrado, lo mítico y lo poético

El ciclo ‘El cine checo de los 70’ ofrece 13 obras que superan la Nueva Ola y reafirman el poder de la disidencia estética

‘Visiones del apocalipsis’ realizará un recorrido fílmico por el fin del mundo en clave metafísica, política o emocional

 Brays Efe y Miguel Agnes proponen una lectura irreverente y luminosa sobre sus películas favoritas en el ciclo ‘Linterna’

En estrenos destacados, Denise Fernandes, con Hanami, y Moisés Salama Benarroch, con No sea tu falta, dialogan con lo íntimo y lo simbólico

El artista griego Theo Triantafyllidis en el festival L.E.V. Matadero y los jóvenes programadores de CineZeta ponen el cierre con la simulación inmersiva digital y la performance audiovisual

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, abre temporada con una invitación a mirar más allá de lo visible. A través de películas que cuestionan, revelan y conmueven, la programación de septiembre se adentra en los múltiples modos en los que el cine ha explorado lo inexplicable y lo trascendente. Desde las espiritualidades colectivas del cine indio a las fábulas distópicas de fin de mundo, pasando por la rebelión estética del cine checo, la nueva cartelera propone una experiencia cinematográfica intensa, crítica y profundamente sensitiva.

Además, Cineteca Madrid incorpora este mes dos nuevas propuestas que amplían su horizonte sensorial y discursivo: por un lado, la colaboración con el festival L.E.V. Matadero, que transforma la Sala Plató en un ecosistema digital en constante mutación gracias a Drift Lattice, la instalación inmersiva del artista Theo Triantafyllidis; y, por otro, el estreno del ciclo ‘Linterna’, donde Brays Efe y Miguel Agnes abren un espacio mensual para repensar el canon cinematográfico desde el humor, la conversación y las miradas compartidas.

Ciclo ‘Travesías espirituales. Rescatando el legado del cine indio’

Cinco obras maestras del cine indio, restauradas por la Film Heritage Foundation y prácticamente desconocidas fuera de su país, componen este ciclo programado en colaboración con Play-Doc. La selección recorre geografías, lenguas y sensibilidades diversas, unidas por una misma pulsión: la de explorar lo sagrado como experiencia vital, conflicto social o desbordamiento poético. Rodadas entre los años 70 y 90, estas películas ofrecen una mirada singular a los vínculos entre fe, comunidad, mito y cuerpo, revelando un legado cinematográfico tan deslumbrante como urgente para redescubrir.

Ghatashraddha (Girish Kasaravalli, 1977) aborda con una sensibilidad austera el destino de una joven viuda expulsada de su entorno por transgredir las normas religiosas: un retrato crudo del castigo social ejercido en nombre de lo sagrado. Por su parte, Manthan (Shyam Benegal, 1976) encuentra esperanza en la organización campesina y el poder transformador de la cooperación: una historia de fe colectiva que se convierte en alegoría política. Ambas películas comparten una mirada atenta a los rituales, pero también al modo en que las estructuras sociales pueden ser resistidas o reinventadas desde dentro. Un cine que revela con asombrosa belleza lo invisible y que convierte cada relato en un rito de transformación.

Ishanou (Aribam Syam Sharma, 1990) se adentra en una espiritualidad más íntima y enrarecida: la historia de una madre que, tras ser elegida sacerdotisa por una fuerza ancestral, debe abandonar a su familia para asumir un destino entre lo humano y lo divino. Un tránsito entre planos de realidad que dialoga con Kummatty (Aravindan Govindan, 1979), un hechicero que convierte a niños en animales, introduce lo mágico como experiencia cotidiana. Ambas películas desdibujan los límites entre lo visible y lo invisible, entre lo real y lo fabuloso.

Cierra el recorrido Māyā Miriga (Nirad Mohapatra, 1984), una crónica familiar impregnada de melancolía, que observa con precisión cómo se desmoronan las jerarquías tradicionales ante el empuje de una nueva modernidad. Juntas, estas obras revelan un cine que convierte lo espiritual en forma, lo íntimo en territorio y lo colectivo en memoria.

Ciclo ‘El cine checo de los 70. Más allá de la Nueva Ola’

Este ciclo propone una mirada ampliada a uno de los momentos más audaces y creativos del cine europeo. Más allá de los nombres icónicos de la Nueva Ola Checa, se recuperan aquí 13 películas que, entre 1961 y 1970, desafiaron la censura con inteligencia simbólica, humor corrosivo y experimentación formal. Un cine que encontró en la metáfora, la fábula y lo cotidiano nuevas formas de resistencia y reflexión, haciendo del gesto poético una vía de disidencia y del absurdo una herramienta de lucidez.

La programación arranca con La trampa del diablo (František Vláčil, 1961), una parábola en blanco y negro sobre la superstición y la represión religiosa que anticipa muchas de las preocupaciones del ciclo. En Pedro, el negro (1963), Miloš Forman dibuja con ternura y desazón la alienación juvenil, mientras que Hablemos de otra cosa (Věra Chytilová, 1963) confronta el universo doméstico femenino con una mirada libre de artificios. La sátira alcanza su máxima expresión en Un día, un gato (Vojtěch Jasný, 1963), fábula política en la que un felino mágico revela, con sus ojos de colores, las emociones ocultas de los habitantes de un pueblo.

El ciclo también da espacio a obras de metraje breve, pero intensidad radical, como Fuga entre teclas negras (Drahomíra Vihanová, 1964), o Diamantes en la noche (Jan Němec, 1964). A estos títulos se suman piezas fundamentales como Los amores de una rubia (Miloš Forman,1965), ¡Que viva la república! (Karel Kachyňa, 1965), Carruaje a Viena (Karel Kachyňa, 1966) y A todos mis buenos paisanos (Vojtěch Jasný, 1968), que exploran la tensión entre memoria, cuerpo y poder. Cierra la propuesta un tríptico final de belleza desconcertante: El incinerador de cadáveres (Juraj Herz, 1968), Un domingo desperdiciado (Drahomíra Vihanová, 1969) y Valerie y su semana de las maravillas (Jaromil Jireš, 1970).

Ciclo ‘Visiones del apocalipsis. Un cine para el fin del mundo’

Comisariado por el crítico cultural Felipe Rodríguez Torres, este ciclo aborda las múltiples formas en que el cine ha imaginado el colapso: invasiones, pandemias, crisis espirituales, delirios y resignaciones. Lejos del espectáculo, estas películas son meditaciones sobre el miedo, la pérdida y la belleza suspendida ante el abismo.

De la distopía cíclica de 12 monos (Terry Gilliam, EE.UU., 1995) a la nostalgia cósmica de Melancolía (Lars von Trier, Dinamarca, 2011); del delirio anárquico de Week-end (Jean-Luc Godard, Francia-Italia, 1967) a la visión monumental de Apocalypse Now: Final Cut (Francis Ford Coppola, EE.UU., 1978/2019), pasando por La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, EE.UU., 1956) y la joya animada Anzu, gato fantasma (Yoko Kuno, Nobuhiro Yamashita, Japón, 2024), el ciclo invita a pensar qué queda cuando todo se derrumba. Un seminario acompañará las proyecciones para explorar las imágenes que resisten al fin.

Una nueva manera de mirar, con Brays Efe y Miguel Agnes

El actor Brays Efe y el agitador cultural Miguel Agnes inauguran el ciclo mensual ‘Linterna’, que propone ver cine desde la conversación y el afecto. Una sesión, una película, una charla. En su primer episodio, revisan Cuatro aventuras de Reinette y Mirabelle (Éric Rohmer, Francia, 1987), una fábula en cuatro tiempos sobre amistad, contradicción y descubrimiento.

Fin de curso de CineZeta y colaboración con L.E.V. Matadero

La octava promoción de jóvenes programadores de CineZeta se despide con Axial: Live AV, una performance de Basilisque que mezcla cine en directo, DJ set y creación digital en tiempo real. Por su parte, la instalación Drift Lattice, del artista griego Theo Triantafyllidis, transforma la Sala Plató en un ecosistema marino simulado, alimentado por datos ecológicos globales dentro de la celebración del Festival de electrónica visual y realidades extendidas L.E.V. Matadero. Naturaleza, tecnología y crisis climática se cruzan en una obra de alta inmersión sensorial.

Vuelven los estrenos y las secciones habituales

Entre los estrenos de septiembre destacan Hanami (Portugal-Cabo Verde-Suiza, 2024), ópera prima de Denise Fernandes sobre el duelo y la reconciliación en una isla volcánica, y No sea tu falta (Moisés Salama Benarroch, España, 2025), una obra íntima sobre el peso de la herencia y el silencio.

La programación de septiembre contará con las habituales sesiones matinales en familia de los domingos, la sesión de música experimental Relatos del ruido y una sesión de ‘Confesionario’, que presenta la Trilogía en memoria de Mark LaPore, de Phil Solomon. ‘Así son las cosas’ también vuelve a la parrilla de Cineteca Madrid con Cristina Lucas y su performance ¡Habla!, que incluirá una charla posterior con el público.

También regresan otros ciclos y eventos como ‘Docma’ (de la Asociación Española de Cine Documental), ‘La noche Z’ o el ‘Foro CIMA’ (de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales). Cineteca Madrid albergará además el XI Festival Directed by Women Spain, del 10 al 14 de septiembre, y el 34º Festival de Cine de Madrid FCM–PNR, del 16 al 21 de septiembre.

¿Cómo se han representado el deseo, el cuerpo y la disidencia sexual en el cine experimental? Este curso os invita a conocer y a adentraros en un cine radical que utiliza el lenguaje fílmico como espacio de expresión artística desde donde cuestionar la normatividad sexual y afectiva e imaginar otras maneras de relacionarnos, de representarnos y de vivir.  

Proponemos un recorrido que pondrá el foco en la obra de cineastas con estéticas lesbianas y un fuerte compromiso artístico y personal: Barbara Hammer, Sandra Lahire, Chantal Akerman y Su Friedrich. Con ellas veremos cómo el cine puede convertirse en un espacio de contacto, de resistencia y de desafío a las normas heteropatriarcales, a través de la exploración fílmica de cuerpos, gestos y comunidades. Además, Juan Antonio Suárez nos hablará de las materialidades queer en el cine experimental, Marie Losier de sus retratos fílmicos y Paul B. Preciado sobre su proceso creativo en Orlando, mi biografía política, poniendo en diálogo teoría y práctica, e imaginando futuros posibles.

Este curso toma el relevo del encuentro sobre archivos queer y cine con el que se inauguró la temporada Xcèntric 2025, en el que se abordó la relación entre el cine de vanguardia y el pensamiento queer.

28.10.2025
El cine experimental y la materialidad queer. Juan Antonio Suárez

Durante la segunda mitad del siglo XX las culturas nor-atlánticas experimentaron una revolución en la cultura material y los objetos de consumo que consistió en la invasión de los plásticos y materiales sintéticos, la popularización de objetos desechables, el auge del diseño colorista, la amplia disponibilidad de medios caseros de reproducción visual y sonora, y la expansión del mercado de fármacos. Un gran número de cineastas contemporáneos caracterizados por su disidencia sexual y social —desde los hermanos George y Mike Kuchar hasta Andy Warhol, Jack Smith o Barbara Hammer, pasando por los artistas del cinéma corporel como Teo Hernández o Michel Nedjar— incorporaron en su trabajo materiales degradados, baratos, efímeros, efectistas, residuales (desde la basura a la purpurina o al ruido, entendido como desecho acústico) y psico-activos (como la anfetamina). De esta forma, anclaron la disidencia queer en el ámbito material y cotidiano y descubrieron, a la vez, en los materiales de la existencia ordinaria una potente latencia queer.

04.11.2025
Del tacto al contacto: los públicos de Barbara Hammer. Mireia Montané Guitart

Las imágenes de Barbara Hammer emergen de una práctica profundamente táctil y sensorial, donde el trabajo íntimo entre los elementos sirve a su voluntad de dar visibilidad a cuerpos, sexualidades, sensibilidades y luchas históricamente excluidas de la pantalla. Esta implicación física, sin embargo, atraviesa tanto la forma de hacer como la de mostrar las películas, haciendo de la sala de cine un espacio de acogida, de contacto y de resistencia para la comunidad queer. A partir de Audience (1981) pondremos la sala de cine en el centro para reflexionar sobre las formas de habitar el espacio público y la relación con la construcción de identidades disidentes, y hablaremos de la posibilidad de crear comunidades con y a través del cine.

11.11.2025
“Cuando descubrí el underground, encontré mi propio Hollywood”. Marie Losier

La cineasta francesa Marie Losier es autora de un conjunto de retratos fílmicos de artistas excéntricos y fuera de la norma, realizados sin prisas y desde el afecto mutuo, en los que logra captar el contraste entre persona y personaje, y donde la performance, el disfraz y la máscara dejan paso también a momentos de gran intimidad. En esta charla, Marie hablará de su periplo vital en el Nueva York de los 90 y primeros 2000, donde conoció y filmó con su Bolex a los hermanos Kuchar, Tony Conrad, Richard Foreman, Genesis P-Orridge o Alan Vega. Proyectará fragmentos de sus obras mientras explica su proceso de trabajo, siempre en colaboración con amigos o artistas admirados con quienes comparte una visión del mundo y de la vida (llena de humor y transgresión), que realiza desde el más puro espíritu DIY.

*Sesión en inglés con traducción simultánea al catalán. 

18.11.2025
«Una especie de milagro errante, mi piel». Conciencia de cuerpo en el cine de Sandra Lahire. Carlos Saldaña

«Soy tan consciente de mi cuerpo», oímos decir a Sandra Lahire en su primera película, antes de que su voz dé paso a (y se confunda con) la de Sylvia Plath. Para Lahire, el cuerpo es un lugar de resistencia frente al capitalismo heteropatriarcal que lo anula, pero también la fuente irradiadora que conecta imágenes y sonidos. A través del collage, la refilmación y la fusión de formatos y disciplinas, su cine encarna una escritura musical que desafía, con belleza y furia, la violencia contra los cuerpos disidentes. La anorexia, la psiquiatrización y la contaminación nuclear son las enfermedades que atraviesan su cuerpo y a las que sus meditaciones líricas responden con una afirmación radical de la diferencia: «Esté donde esté y venga de donde venga, mi lengua es lesbiana».

25.11.2025
Gestos y fragmentos, una corriente de amor. El deseo en Chantal Akerman a partir de Toute une Nuit. Mònica Rovira

Una noche calurosa y húmeda de verano en Bruselas. Una noche oscura al ritmo de latidos y pasos. La ciudad como un escenario donde se muestran gestos y fragmentos de una pasión. Taxis, llamadas, diálogos sonámbulos, una canción que regresa. Personajes como sombras errantes: persiguiendo, esperando, huyendo, lanzándose a los brazos, abrazándose. El sentimiento fulgurante que irrumpe y quema, como un relámpago, no se ve: gravita, provoca las imágenes y las conecta. Sábanas, sudor, rastros. Una película como un cuerpo erótico, con intermitencias, que se mueve. En Toute une Nuit (1982), Chantal Akerman explora “el deseo, la fuerza del deseo, el deseo del amor”. En esta sesión, y a partir de la película*, veremos las claves de su articulación fílmica: la presencia y la experimentación en la relación entre cuerpos y espacios, que exprime a través del lenguaje, sustituyendo el amor por los gestos, tensionando y desestabilizando la norma, invitando al espectador a imaginar.

02.12.2025
El procés creatiu a Orlando, mi biografia política. Paul B. Preciado

Fecha: 28 octubre, 4, 11, 18 y 25 noviembre, 2 diciembre 2025

Horario: 18.30 – 20.00

Precio: 55 €. 40 € – Estudiantes, desempleados/as, pensionistas, mayores de 65, Amigos/as del CCCB

Este programa reúne piezas de artistas que utilizan diversas técnicas para explorar, por un lado, el juego con las proporciones y los diferentes tamaños y, por otro, las relaciones entre especies. Los sábados de verano podéis disfrutar de estas películas en el espacio familiar «Pequeñas, medianas y grandes». La entrada es gratuita.

Gargantuan [Gigantesco], John Smith, Reino Unido, 1992, 1 min 30 s

Una película asombrosa y divertida que juega con las palabras y las ilusiones perceptivas. Lo que parece un dinosaurio se revela, al abrirse el plano, como un pequeño anfibio sobre la almohada del cineasta.

Matrioska [Muñeca rusa], Co Hoedeman, Canadá, 1970, 5 min

Las protagonistas de esta película son muñecas rusas de madera pintadas a mano que bailan, giran y se arremolinan al ritmo de melodías tradicionales.

The Animal Movie [La película animal], Grant Munro, Canadá, 1966, 9 min

Un niño intenta imitar los movimientos de los animales, pero descubre que no puede igualarlos. Solo al subir con un amigo a una especie de nave espacial logra superarlos, y nos muestra cómo la tecnología transforma nuestra relación con el mundo.

The Bead Game [Juego de cuentas], Ishu Patel, Canadá, 1977, 5 min

En esta animación del cineasta indio Ishu Patel, una bolita para hacer collares se multiplica y se transforma en criaturas que se devoran y mutan constantemente, hasta eclosionar en una explosión de colores.

Tigeris nau nau [Mi gato Tigre], Arnolds Burovs, Letonia, 1967, 9 min

Un niño acostumbrado a tratar sus juguetes sin cuidado trata igual de mal a su mejor amigo, un gato naranja. Buscando nuevas formas de entretenerse, el niño termina molestando a un mago que, enfadado, lo convierte en un pequeño muñeco. Ahora tendrá que pagar las consecuencias de lo que ha hecho y escapar del inmenso gato que le persigue.

Who am I [Quién soy yo], Faith Hubley, Estados Unidos, 1988, 3 min 30 s

Esta película hace visible el emocionante descubrimiento de los cinco sentidos por parte de un niño, que ocurre sobre todo en relación con otros animales. Una película de animación artesanal que celebra la curiosidad y conexión sensorial con el entorno.

Fecha: 21 y 28 junio, 5, 12, 19 y 26 julio, 2, 9, 16, 23 y 30 agosto, 6 septiembre 2025

Horario: sábados: 17.00

Espacio: Archivo CCCB

Precio: Entrada libre

Pasiva y bien dotada (Dana Montana, 1996). España. DCP. 35mm. 35´

Las colocadas (Dana Montana, 1996). España. DCP. Color. 33´

La tercera puerta (Álvaro Forqué, 1976). Int: Yolanda Farr, José María Montez, Alfredo Amestoy. España. 35mm. Color. 102´

Pocas veces en «Sala:B» ha sido tan literal lo de “cine underground”: rodado en vídeo doméstico, con personajes de la noche madrileña, en casas prestadas y bares de ambiente. Descubre la sesión más queer del año.

Daniel Gómez, alias Dana Montana, realizó en la segunda mitad de los 90 una filmografía tan desconocida como reveladora, con una combinación única de transgresión y ternura. Entre sus obras destacan dos mediometrajes: Pasiva y bien dotada y Las colocadas, piezas de culto del cine marginal español, que se anticiparon sin quererlo al fenómeno drag y al (escaso) panorama queer del audiovisual español. Pasiva y bien dotada surgió como sátira del cine X y S con un guion escrito del tirón y una escena homenaje a Divine. Su inesperado éxito mediático llevó a preparar una secuela que no llegó a rodarse. En su lugar nacería Las colocadas, interpretada por mujeres “muy maricas” del cabaret alternativo: Mariola Fuentes, Lina Mira y Antonia San Juan. Un trío de lujo que, poco después, daría el salto al cine de Almodóvar. Daniel Gómez dedica esta proyección “a Java, todo un personaje con un sentido del humor fuera de serie y principal motor y artífice de estos mediometrajes. Besos al cielo y forever, Java.»

Completamos la sesión con La tercera puerta, insólito documental con recreaciones que mezcla la memoria oral de José María Montez, exboy de los años treinta, con los ensayos de un espectáculo en el club Topless de Madrid. Presentada por el mítico Alfredo Amestoy, causó revuelo en su estreno en Barcelona cuando varios espectadores detuvieron la proyección entre gritos. La policía tuvo que intervenir. El director Álvaro Forqué, con solo 23 años, firmaba así una de las primeras películas españolas que abordaban la homosexualidad sin moralina ni censura, y lo hacía desde la verdad y la memoria. Una rareza pionera que merece ser recuperada.

Presentan la sesión el director Daniel Gómez y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10´ (Total sesión: 180´).

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré