Fantasia, web dedicada al cine, críticas y análisis de películas, series de televisión, festivales, noticias, libros, Dvd & Bluray, merchandising y todo lo que rodea al séptimo arte
Con motivo de la publicación del libro Breve historia de la oscuridad: Una defensa de las salas de cine en la era del streaming (Anagrama, 2025), su autor, Vicente Monroy, conversará con el cineasta Andrés Duque. La sesión incluirá la proyección de las películas Hoy es jueves cinematográfico, de Ignacio Agüero, y Watching the Detectives, de Chris Kennedy.
¿Qué secretos esconde la oscuridad? En nuestra cultura, tendemos a relacionarla con el mal, el miedo, la ignorancia y la barbarie, pero en ocasiones también puede ser un refugio acogedor. Sucede con las salas de cine, santuarios en los que se forjan mitos, deseos e ideales, templos del placer en cuya noche artificial podemos liberar nuestras emociones reprimidas y buscar respuestas que rara vez encontramos en la luz del día. Al amparo de la oscuridad se desinhiben los cuerpos y se rompen las cadenas de lo prohibido. En nuestro presente de pantallas múltiples, este libro reivindica —sin nostalgia, pero también sin resignación— la necesidad de los cines en los que los espectadores comparten esperanzas y angustias, sueños y pesadillas. La oscuridad de estas salas es iluminadora.
Proyecciones:
– Hoy es jueves cinematográfico (Ignacio Agüero, 1978, 4′)
El cine de animación más cutre llega al mk2 Cine Paz de Madrid el 9 de mayo con la proyección del plagio coreano de “Mazinger Z” restaurado en 4K
Se trata de “Robot Taekwon V” de 1976, un filme “tan ingenuo como entusiasta, que adapta torpemente los clichés del anime japonés al contexto surcoreano, con resultados tan surrealistas que parecen fruto de un arrebato de fervor nacional con rotuladores y muchas prisas”, según los organizadores.
La sesión, que tendrá lugar a las 22:30 horas, está organizada por los responsables del festival internacional CUTRECON y la distribuidora Trash-O-Rama.
Entradas ya a la venta en taquilla y online a través del siguiente enlace.
“Robot Taekwon V” (1976), el plagio surcoreano de “Mazinger Z”, se proyectará el 9 de mayo a las 22:30 horas en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125) de Madrid, en una sesión única que contará con una espectacular copia remasterizada en 4K y doblada al castellano, gracias al trabajo conjunto del festival internacional CUTRECON y la distribuidora Trash-O-Rama.
De esta manera, el peor cine de animación aterriza en la capital con esta rareza oriental que ha pasado de símbolo nacionalista a joya involuntaria del despropósito audiovisual. “Cuando Corea del Sur decidió crear su propio Mazinger Z sin tener ni el presupuesto ni demasiada idea, nació este disparate animado: un robot gigante que, como es coreano, en lugar de lanzar rayos o cohetes, reparte… ¡Patadas de taekwondo!”, cuenta entre risas Carlos Palencia, director de CUTRECON y presentador de la sesión. Según sus propias palabras, se trata de “una copia tan ingenua como entusiasta que adapta torpemente los clichés del anime japonés al contexto local, con resultados tan surrealistas que parecen fruto de un arrebato de fervor nacional con rotuladores y muchas prisas”.
Estrenada con gran éxito en los años 70 como un producto profundamente nacionalista, hoy la película se disfruta por motivos muy distintos, explica Palencia. En este sentido, añade que “su seriedad mal entendida, sus combates marciales sin sentido y su animación de feria convierten esta reliquia en un espectáculo tan ridículo como adorable que no se parece a nada… Excepto a Mazinger con cuernos y complejo de Bruce Lee”.
La historia sigue al joven piloto Kim Hoon, un maestro de taekwondo que controla un robot gigante creado para defender Corea del Sur de los malvados planes de una organización secreta que, por supuesto, incluye monos mutantes, naves con forma de calamar y todo tipo de desvaríos visuales.
El film, restaurado recientemente por la Korean Film Archive, representa un hito de la animación asiática y es, al mismo tiempo, un desternillante festín de errores narrativos y momentos inverosímiles. La proyección será presentada por Palencia, quien compartirá anécdotas y claves para disfrutar aún más de esta rareza de culto.
Además, como es habitual en las sesiones organizadas por CUTRECON y Trash-O-Rama, se permitirá la libre participación y los comentarios espontáneos del público, «para hacer aún más divertido el visionado», indican desde la organización.
Carlos Palencia, periodista especializado en cultura, es creador y director de CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid y actualmente colabora en el programa “Mañana Más” de Ángel Carmona en Radio Nacional de España.
ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para la proyección de “Robot Taekwon V” el viernes 9 de mayo a las 22:30 horas en el mk2 Cine Paz de Madrid ya están disponibles en la taquilla del cine y online a través del siguiente enlace.
CUTRECON es el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, un evento anual donde se proyectan «algunas de las peores películas del mundo» y que ya ha celebrado catorce exitosas ediciones. La decimocuarta edición tendrá lugar a comienzos de febrero de 2026.
Trash-O-Rama Distribución es un sello especializado en cine raro y de culto, que rescata y edita algunas de las películas más insólitas del mundo en ediciones blu-ray para coleccionistas.
Tú solo (Teo Escamilla, 1984). España. 35mm. Color. 94´
El primer torero porno (Antoni Ribas, 1986). España. 35mm. Color. 91´
En plena feria de San Isidro aprovechamos para organzizar una sesión que torea el cine convencional muy al estilo «Sala:B», irreverente y fascinado, porque, como dice nuestro invitado el escritor Rubén Lardín, “la tauromaquia es una de esas cosas de verdad, una de esas cosas puras que no sirven para nada”.
En El primer torero porno, una activista feminista y un torero catalán independentista ven cómo sus ideales políticos complican su existencia con múltiples contradicciones, hasta el punto de plantearse representar un número porno en un cabaret de Barcelona. Esta comedia tan política como desvergonzada de Antoni Ribas (La ciutat cremada) se rodó a la vez que Matador de Almodóvar, aunque podría estar más conectada con el espíritu punk de las primeras películas del manchego. Lo que interesa a Ribas es sacarle punta a estas situaciones absurdas que generan personajes posiblemente caricaturizados, pero tan reconocibles en la sociedad de entonces como en la actual. Si el humor puede resultar hoy grotesco y de brocha gorda, el trasfondo no parece tan anacrónico y algunos chistes recobran una vigencia que da que pensar. Quizá por eso, en el momento de su estreno, Ribas denunció el veto de TVE a su película, a la que retiraron toda promoción. Nuestro invitado, el escritor Rubén Lardín, la define así: “El primer torero porno entra al trapo de la comedia erótica, la de enredo y situación, el comentario social y hasta la sátira política, y si bien no cuaja una faena memorable, resuelve con admirable vergüenza torera su espectáculo local de variedades.”
Un par de años antes llegaba a las carteleras Tú solo, único largometraje del célebre director de fotografía Teo Escamilla (lo fue de Laciutat cremada de Ribas, entre otras), protagonizado por los jóvenes alumnos de la Escuela de Tauromaquia de Madrid que nos cuentan sus sueños y sus miedos a la hora de enfrentarse al toreo. Es decir, un contexto perfecto para entender el salto desde Los golfos de Carlos Saura (1960) hasta el cine quinqui de los ochenta. Dicen que Escamilla tuvo vocación torera y que fue cámara taurino en TVE, lo que explicaría la verdad que rezuma este semi-documental con futuras figuras como Joselito (José Miguel Arroyo), banderilleros como el Sevillita (Manuel Muñoz), o el inolvidable Cascorrito, que se mezclan con algún actor profesional, el Chino Torero (Gulliver) y música de Vainica Doble. Apunta Lardín que Tú solo es “un documental con fugas, singular ya en su día, y tal vez el eslabón perdido entre el cine taurino folclórico y las Tardes de soledad de Albert Serra.”
Presentan la sesión el escritor Rubén Lardín, autor de Las ocasiones, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10´. (Total sesión: 195´)
Si hay una película que establece puentes entre el cine experimental o de vanguardia y el cine político esta es Penthesilea, la primera de una serie de trabajos fílmicos que hicieron los críticos Laura Mulvey y Peter Wollen en los años setenta. Además de profundizar en algunas preocupaciones teóricas compartidas, presentes también en sus textos «Two Avant-Gardes» (Wollen) y «Visual Pleasure and Narrative Cinema» (Mulvey), escritos casi en paralelo a la realización del film, Penthesilea indaga sobre el mito de las amazonas, uno de los pocos que presentan mujeres fuertes, intentando rastrear si se trata de un orden simbólico fuera del orden patriarcal o si, por el contrario, está vinculado a él.
El punto de partida de esta película fue la obra Pentesilea, de Heinrich von Kleist, donde la primera de las cinco partes de este film muestra la representación pantomímica de esta obra teatral filmada con cámara fija. Al teatro mudo le sucede, en la segunda parte, el lenguaje verbal (hablado y escrito) de los directores y después, en la tercera parte, un complejo conjunto de imágenes (pinturas, esculturas, bajorrelieves y tiras cómicas) que remite a la iconografía de las amazonas. La cuarta parte presenta una de las primeras películas sobre el sufragio femenino, What 80 Million Women Want (1913), superpuesta por el rostro de una mujer que pronuncia las palabras de la feminista Jessie Ashley (1861-1919). La quinta y última parte contiene la imagen de cuatro pantallas de vídeo que presentan las cuatro secciones anteriores. Cada una de las partes de la película está formada por un plano continuo, una bobina de 16 mm de aproximadamente veinte minutos. De esta forma, la duración de cada rollo es la estructura que en Penthesilea crea el espacio justo para mostrar los cruces entre las distintas imágenes y versiones del mito de las mujeres amazonas a lo largo de la historia.
Penthesilea: Queen of the Amazons, Laura Mulvey y Peter Wollen,1974, 16 mm, 98 min, VOSC.
Proyección en digital. Copia procedente de BFI.
Agradecimientos: Laura Mulvey.
Fecha: 27 abril 2025
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Del 6 al 11 de mayo, el Cine Doré acoge un ciclo dedicado al gran cineasta palestino Kamal Aljafari
Cuatro películas explorarán la memoria colectiva del pueblo palestino desde el cine de archivo
Entre estos títulos se encuentra su último largometraje, A Fidai Film, inédito en España
El ciclo forma parte de la programación paralela de Documenta Madrid 2025
Documenta Madrid, el Festival Internacional de Cine Documental del Ayuntamiento, en colaboración con Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, presenta en su 22ª edición una de las retrospectivas más intensas y necesarias del panorama cinematográfico actual: Kamal Aljafari: el archivo como territorio. Este ciclo podrá verse en el Cine Doré del 6 al 11 de mayo y forma parte de la programación paralela del festival.
Kamal Aljafari, cineasta palestino de referencia internacional, es un incansable recolector de imágenes que ha dedicado su filmografía a reconstruir la memoria amenazada de un pueblo, tanto de forma personal como colectiva. La selección, compuesta por cuatro largometrajes —Port of Memory (2009), Recollection (2015), An Unusual Summer (2020) y su reciente A Fidai Film (2024)—, se articula como un recorrido radical por su obra, que desafía las formas convencionales de abordar esta temática.
Con un lenguaje a caballo entre el documental y el cine ensayo, Aljafari compone desde la ausencia, revela lo que no está, y transforma el archivo en herramienta política y estética. Como señala el comité de programación de Documenta Madrid, “el cine de Aljafari no solo denuncia, también imagina; su trabajo nos enseña que otra narrativa es posible, una que resiste desde el montaje, desde la poesía, desde la persistencia de la memoria”.
Las proyecciones en Filmoteca Española se inscriben dentro del eje temático de esta edición del festival, que gira en torno a la imagen de archivo como detonante de nuevas formas de memoria, consolidando así el compromiso de Documenta Madrid con el pensamiento crítico, la experimentación formal y las prácticas cinematográficas más radicales.
Documenta Madrid 2025
Documenta Madrid, Festival Internacional de Cine del Ayuntamiento de Madrid, celebra su 22ª edición del 6 al 11 de mayo consolidando su apuesta por el cine documental de autor, la experimentación formal y el pensamiento crítico. La edición de este año pone el foco en la imagen de archivo como generadora de nuevas memorias y patrimonios, y en el potencial del cine como herramienta de resistencia, revisión histórica y creación colectiva.
El festival, organizado por Cineteca Madrid, vuelve a ser el punto de encuentro del cine contemporáneo documental y de no-ficción. En esta edición se mantienen las tres secciones competitivas —Internacional, Nacional y Corte Final— con 36.000 € en premios, así como una potente programación paralela con retrospectivas, sesiones especiales, encuentros profesionales y talleres. La sede principal será Cineteca Madrid, que acogerá íntegramente la sección Corte Final.
Además de Cineteca, Documenta Madrid 2025 se extiende a otras sedes clave de la ciudad como el Museo Reina Sofía, Filmoteca Española, La Casa Encendida y Fundación Casa de México. Cuenta con la colaboración de ECAM, Madrid Film Office, Acción Cultural Española (ACE), el Instituto Cultural Rumano, Centro de Estudios Mexicanos UNAM-España, Embajada de Suiza y Fundación Juan March, entre otras entidades culturales nacionales e internacionales.
Pedro Almodóvar, María Isasi, Julieta Serrano, Rossy de Palma y Ernest Urtasun en la antesala de la sala 1 del Cine Doré
Filmoteca Española celebrará durante los meses de abril y mayo el ciclo ´Marisa Paredes. El dolor y el humor´, programa dedicado a una de las más icónicas intérpretes del cine español, tras su fallecimiento el pasado 17 de diciembre
El ciclo se ha presentado en el Cine Doré con la presencia del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, el cineasta Pedro Almodóvar, María Isasi, actriz e hija de Marisa Paredes, y Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española
Miércoles, 2 de abril de 2025. El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha presentado hoy en el Cine Doré, junto al cineasta Pedro Almodóvar, a la actriz María Isasi, y a Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española, el ciclo que la institución -organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico- dedica esta primavera a Marisa Paredes, icónica e incontestable intérprete del cine español que forjó una larga trayectoria de más de siete décadas desde su primer trabajo en el cine, con catorce años, en 091:Policía al habla (1960), de José María Forqué; hasta la todavía sin estrenar, Emergency Exit, de Luis Miñarro.
Marisa Paredes. El humor y el dolor
“Marisa fue una actriz virtuosa que dominaba todos los registros. A pesar de su figura sofisticada podía encarnar a una mujer que friega escaleras, una reina shakesperiana o una diva del teatro. Estaba muy dotada para el humor y para el dolor”. Así define Pedro Almódovar, cineasta indisolublemente ligado a su figura, a Marisa Paredes en la hoja de sala que acompaña al ciclo y en la que comparte páginas con la periodista y crítica de cine Marta Medina, quien también destaca la dualidad del arte de una intérprete “angulosa de físico como de carácter, una ´Marlene Dietrich a la española´, siendo difícil encontrar otra actriz con la extraña combinación antitética de quebradiza dureza que transmitía”.
Esta dualidad estuvo presente, más allá de Almodóvar, en la filmografía que fue construyendo con algunos de los grandes nombres del cine español: Fernando Trueba, con quien rodó Òpera prima (1980), con Jaime Chávarri en Las bicicletas son para el verano (1984), con Enrique Urbizu en Tu novia está loca (1984), con Agustí Villaronga en Tras el cristal (1986), con Iván Zulueta en Párpados (1989), conFelipe Vega en Mientras haya luz (1987), o con José Luis Borau en Tata mía (1986) –cineasta a quien Filmoteca Española también rinde homenajeen el Cine Doré desde el pasado mes de febrero-.
Esta versatilidad le permitió interpretar, tanto a nivel nacional como internacional, papeles dramáticos y cómicos, consolidándose como parte de una generación de actrices, junto a otros nombres como Carmen Maura o Kiti Manver, que confeccionaron –tal y como apunta Medina- a la mujer española moderna y autónoma. Una selección de estos papeles, vinculados con algunos de los títulos más emblemáticos de su filmografía, componen el ciclo ´Marisa Paredes. El dolor y el humor´.
En abril podrán verse en el Cine Doré la delirante comedia de enredos La reina anónima (Gonzalo Suárez, 1992), Profundo carmesí (Arturo Ripstein, 1996) –proyección de un nuevo máster de la película que añade al metraje una secuencia inédita no incluida en el montaje original-; Mi familia italiana (Cristina Comencini, 2015), refinado y nostálgico tributo a la tradición cinematográfica de la “commedia all’italiana”; o La flor de mi secreto (Pedro Almodóvar, 1995), en la que Paredes dio vida a la memorable Leocadia Macías -o Amanda Gris-, escritora y amante en crisis, y título por ella considerado como su mejor trabajo.
A estos títulos, se sumarán en mayo Tacones lejanos (Pedro Almodóvar, 1991), éxito abrumador en Francia que le acabaría abriendo las puertas del cine internacional, Latin Lover (Cristina Comencini, 2015), Crepúsculo rojo (Edgar Cosarinsky, 2003), Espelho mágico (Manoel de Oliveira, 2005) y Petra (Jaime Rosales, 2018).
Before Need Redressed (Gunvor Nelson, Dorothy Wiley, 1994)
Las películas de esta sesión exploran la sensualidad del lenguaje y la ambigüedad de las imágenes en una meditación sobre la memoria, el dolor, los animales, la comida o la muerte. Sus ingeniosos y emocionantes juegos de montaje y sus ficciones figuradas demuestran el humor y la libertad desbordante del cine de vanguardia californiano.
Atravesado por las disyunciones entre sonido e imagen, este programa propone un ensamblaje de textos, relatos y cuerpos. En Miss Jesus Fries on Grill, Dorothy Wiley vincula poética e inquietantemente el martirio de san Lorenzo y un suceso periodístico con el llanto de un recién nacido. Por su parte, en una sucesión de siete breves secuencias elípticas, Amy Halpern encadena diferentes emociones, del miedo al humor y la alegría en 3-Minute Hells. En cuanto a Letters, varias «cartas» atribuidas a una amiga, unos gusanos, unos insectos y el hijo de la cineasta llevan a Wiley a expandir los límites de la escritura y a corporeizar lo textual.
En Visible Inventory Six: Motel Dissolve Janis Crystal Lipzin traza un viaje en el espacio y en el tiempo, superponiendo panorámicas por distintas habitaciones de hotel con palabras manuscritas, números impresos y la lectura de dos textos de Gertrude Stein. Finalmente, Wiley y Gunvor Nelson retratan a una mujer a la vez que prolongan y entrelazan diferentes líneas narrativas en Before Need Redressed. Las direcciones se multiplican por medio de una serie de sueños y objetos reunidos por las cineastas, que animan sugerentes intercambios entre imágenes potencialmente alejadas. El montaje tiende a fundir o entrecortar las escenas, los diálogos y las acciones, aportando una cualidad sinestésica a la propia narrativa.
Miss Jesus Fries on Grill, Dorothy Wiley, 1973, 12 min; 3-Minute Hells, Amy Halpern, 2010, 14 min; Letters, Dorothy Wiley, 1972, 11 min; Visible Inventory Six: Motel Dissolve, Janis Crystal Lipzin, 1978, 15 min; Before Need Redressed, Gunvor Nelson y Dorothy Wiley, 1979/1994, 42 min.
Proyección en 16 mm, VOSC.
Copias procedentes de Canyon Cinema.
Fecha: 24 abril 2025
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
La biblia en pasta (Manuel Summers, 1984). Int: Celedón Parra, Annete Neils, José Rivera. España. 35mm. Color. 87´
El valle de los hombres de piedra (Perseo L´invincible, Alberto De Martino, 1963). Int: Richard Harrison, Ángel Jordán, Anna Ranalli. Italia. DCP. VE. Color. 95´
La biblia en pasta surgió en la mente de Manuel Summers como una gran parodia histórica en la línea de Mel Brooks o los Monty Python, imaginándose incluso un reparto internacional de primera línea. La financiación no dio para tanto y tras el éxito de su trilogía ¡To er mundo é güeno! (1982), To er mundo e… ¡mejó! (1983) y To er mundo e… ¡demasiao! (1984) filmadas con actores no profesionales y cámara oculta mucho antes de que existieran los reality shows, parecía lógico adaptar la Biblia a ese modelo. El resultado es una locura tan irreverente como surrealista, que hace de la precariedad y el absurdo de la producción su mejor baza. Desde la primera secuencia, Summers cabalga entre la realidad y la ficción, mediante sketches que desarman por completo las fantasías bíblicas con actores y actrices insólitos, imposibles, mezclados con algunos secundarios no menos peculiares. Por supuesto, los efectos especiales, decorados y localizaciones pasan también por esa desmitificación radical, mostrando sin pudor las costuras de una producción de serie Z. Demasiada osadía para el público de la época, que le dio la espalda impidiendo que continuara la saga con la anunciada La Biblia en verso.
Las pelis de romanos o peplum era otro de los clásicos de las carteleras pascuales, por aquello de la cercanía con las escrituras, aunque El valle de los hombres de piedra raramente contentaría a ningún apóstol. Tenemos guaperas en falditas –Richard Harrison en plena forma– batallas a caballo y decorados con transparencias del gran Emilio Ruiz, pero también efectos especiales de Amando de Ossorio y a Carlo Rambaldi dando vida a un dragón artrítico y una medusa que más parece una víctima de Godzilla. La presencia entre los guionistas de José Mallorquí, creador de El Coyote, explica estos deslices tan pulp y tan poco ortodoxos. Dirige además Alberto De Martino, fundamental figura de la serie B italiana.
Presentación cargo de Alex Mendíbil, comisario de <>. Duración de la presentación: 10’ (Total sesión: 190´).
La representación del autismo en el cine convencional ha sido codificada en narrativas que presentan al autista como un personaje con habilidades excepcionales que desequilibra la vida de los protagonistas. Sin embargo, en el cine experimental existen obras que han tratado de abordar el autismo mediante formas atípicas. Este es el caso de las películas de Robina Rose, Mike Hoolboom o Arthur y Corine Cantrill que reúne este programa, en donde a partir del documental o la animación se exploran diferentes estructuras no narrativas para representar la neurodivergencia desde una perspectiva autista.
En Jigsaw (1980) Robina Rose examina las actividades de un grupo de niños autistas en una escuela de Londres. A través del uso de planos detalle, secuencias largas, del color y del sonido, la cineasta desafía a la audiencia a adentrarse en la percepción sensorial y emocional desde el interior de una persona autista, donde los sonidos desempeñan un papel más importante que el lenguaje.
Scrapbook (2015), de Mike Hoolboom, está creada a partir de una película del año 1966 encontrada en un centro de desarrollo para niños y adolescentes autistas. El film formaba parte de un proyecto de retrato colectivo mediante el cual los residentes aprendían a verse a sí mismos. Cincuenta años después, Hoolboom revisa el material, presentando, a su vez, el relato de una de sus antiguas residentes, Donna Washington, una mujer autista que mira hacia esas imágenes y narra lo que significó para ella que una cámara habitara el espacio de esa institución.
Myself when Fourteen (1989), de Arthur y Corinne Cantrill, se realizó en colaboración con su hijo autista, reciclando un par de tomas en blanco y negro de Ivor corriendo delante de la cámara, rotoscopiadas por él mismo con colores que cambian continuamente. Los dibujos animados se integran con las imágenes negativas y positivas originales con la ayuda de una impresora óptica, creando patrones de blanco, negro y color y generando así un efecto hipnótico. En la banda sonora Ivor describe el proceso de rotoscopia y rememora el momento en que hizo esas imágenes, sorprendiéndose por la distancia entre las dos versiones de sí mismo, artista y sujeto.
Jigsaw, Robina Rose, 1980, 16 mm, 67 min; Scrapbook, Mike Hoolboom, 2015, 16 mm y vídeo digital, 19 min; Myself when Fourteen, Arthur y Corine Cantrill, 1989, 16 mm, 19 min.
Proyección en digital.
Copias procedentes de BFI, Light Cone y Arsenal, respectivamente.
Fecha: 13 abril 2025
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
El volumen, escrito por el crítico e historiador Carlos F. Heredero, editado junto a Caimán Cuadernos de Cine y que cuenta con la colaboración del festival de San Sebastián, propone un análisis crítico en profundidad del filme que es Película de Oro en la 28.ª edición de Málaga y que inaugurará la sección Klasikoak del certamen donostiarra
La publicación se presenta, con la participación de su autor, el lunes 17 de marzo en el Festival de Málaga y el viernes 21 de marzo el Cine Doré de Madrid
El 8 de septiembre de 1975 se estrenó en el cine Amaya de Madrid ‘Furtivos’, hoy considerada la obra maestra de José Luis Borau. 50 años después, es la Película de Oro del 28 Festival de Málaga, festival que se celebra hasta el próximo 23 de marzo, e inaugurará la sección Klasikoak de la próxima edición del Festival de San Sebastián. A este homenaje se suma un libro editado por Filmoteca Española —organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico— el Festival de Málaga y DAMA (Derechos de Autor de Medios Audiovisuales), en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine y el Festival de San Sebastián.
Dirigida y escrita por José Luis Borau, en colaboración con Manuel Gutiérrez Aragón, ‘Furtivos’ está protagonizada por Ovidi Montllor, Lola Gaos y Alicia Sánchez. La exhibición de ‘Furtivos’ estuvo tan condicionada por las autoridades franquistas que fue desestimada por los festivales de Cannes y Berlín. Fue mejor recibida en San Sebastián, punto de partida de su rotundo éxito de crítica y público, donde recibió la Concha de Oro a la mejor película y el Premio Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana. También logró el reconocimiento en los Premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, los Fotogramas de Plata y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias.
El libro ‘Furtivos. 50 años’, de Carlos F. Heredero, vuelve a la película para documentar de manera fehaciente, por primera vez, la intrahistoria de tan singular proyecto: la cronología, las cifras, los papeles, la escritura del guion, el plan de producción, los dineros, los contratos, las localizaciones, las incidencias del rodaje, las actas de la censura, las conversaciones con los festivales, la distribución, la taquilla, su circulación internacional, las controversias y las amenazas, etc.
La radiografía ofrece nuevas perspectivas para enmarcar el filme en el contexto social, político y cultural del que surge, entre la criminal agonía de la dictadura franquista y las luchas que preparan la Transición a la democracia.
A su vez, el análisis de sus imágenes —herederas de Buñuel y de Goya, de la Castilla feroz de Gutiérrez Solana y del tremendismo de Cela— permite comprender la compleja naturaleza de su discurso y de sus formas. Una entrevista con Borau rigurosamente inédita hasta ahora, en torno a la película, completa la investigación.
Presentación en el Festival de Málaga y en el Cine Doré de Madrid
El lunes 17 marzo (17.30 h) y el viernes 21 de marzo (20.30 h), el Auditorio Christine Ruiz-Picasso del Museo Picasso de Málaga, —sede del Festival de Málaga— y el Cine Doré de Madrid —sala de proyecciones de Filmoteca Española— acogerán la presentación del libro ‘Furtivos. 50 años’ de Carlos F. Heredero. Tras la presentación, se celebrará la proyección de la película en su versión restaurada (Furtivos, José Luis Borau, 1975), seguida de un breve corte que recoge un final alternativo inédito. La nueva copia de la película en 4K, versión que se proyectará también en San Sebastián, ha sido realizada por la distribuidora Video Mercury Films en colaboración con la plataforma FlixOlé. Para su proceso de restauración, se ha utilizado el negativo original en 35 mm y se ha contado con la supervisión del cineasta y coguionista de la película, Manuel Gutiérrez Aragón.
Figura esencial del movimiento L.A. Rebellion, Haile Gerima investiga el caso de los Wilmington Ten, uno de los símbolos de la lucha racial en Estados Unidos. En 1971, en Wilmington, Carolina del Norte, se produjeron disturbios raciales cuando estudiantes afroamericanos luchaban por la desegregación y los derechos civiles. Durante las protestas, se desató un incendio y hubo una víctima mortal. Un grupo de diez personas, conocidas como los Wilmington Ten (siete afroamericanos y tres blancos), fueron arrestadas y condenadas a 282 años de prisión, en gran parte a partir de testimonios falsos y manipulados.
Con un montaje enérgico, la película sigue el caso y sus apelaciones legales, componiendo un collage de materiales de archivo y testimonios de los miembros del grupo, familiares, la activista Assata Shakur (filmada justo antes de su fuga de la prisión de Clinton) y diferentes voces de habitantes locales, en particular las mujeres negras de Wilmington. La estructura asociativa conecta las injusticias con los legados históricos de esclavitud y leyes de segregación, así como con masacres y violencia perpetrada por supremacistas blancos.
«Esta absorbente y profundamente empática película es una clase magistral en la filmación documental, que muestra el racismo del sistema de justicia penal, la opresión sistemática del activismo político y la resiliencia de generaciones de comunidades y familias negras que luchan contra estos sistemas.» – Mark Toscano
Apenas vista durante décadas, Wilmington 10 – USA 10,000 se proyecta en una nueva restauración del Academy Film Archive.
Wilmington 10 – USA 10,000, 1979, Haile Gerima, 16 mm, 120 min.
Proyección en DCP, VOSC.
Copia procedente del Academy Film Archive.
Agradecimientos: Mypheduh Films Inc. y Merawi Gerima.
Fecha: 20 marzo 2025
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Dentro de El museo imaginario se proyectarán películas de Alain Resnais, Frederick Wiseman o Aleksandr Sokurov
Videoartistas contemporáneas ofrece una selección de obras con temas como la memoria histórica o la violencia institucional desde una perspectiva feminista y política
El ciclo Cineastas africanas contemporáneas visibiliza las nuevas voces del cine del continente con películas premiadas en festivales internacionales
La III edición de la Semana de Irlanda trae a Madrid por San Patricio el cine irlandés más reciente, en colaboración con la Oficina de Turismo de Irlanda
Autoras de cine, autoras de cómic explora los vínculos entre ambas vertientes artísticas, con películas y coloquios en los que participarán destacadas creadoras
Estrenos relevantes, la segunda parte del ciclo dedicado a Hayao Miyazaki y películas sobre la identidad en la era digital completan la oferta de marzo en Cineteca Madrid
Con motivo de la celebración de la Semana del Arte en Matadero, Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica el mes de marzo a explorar los diálogos entre el cine y los museos. La programación para las próximas semanas incluye también ciclos dedicados a cineastas africanas contemporáneas, videoartistas comprometidas y cine irlandés, además de estrenos y proyecciones especiales.
El museo imaginario: cine y museo
A través de diez sesiones, El museo imaginario propone una reflexión sobre los múltiples vínculos entre el cine y el museo. Desde documentales de Alain Resnais como Van Gogh (Francia, 1948), Guernica, (Francia, 1949) o Paul Gauguin (Francia, 1949) a National Gallery, de Frederick Wiseman (Francia-EE.UU.-Reino Unido, 2014), pasando por narraciones en las que el museo es un elemento clave como Vértigo (Alfred Hitchcock, EE.UU., 1958) o El arca rusa (Aleksandr Sokurov, Rusia-Alemania-Japón-Canadá-Finlandia-Dinamarca, 2002), esta selección ofrece una mirada diversa sobre el cine como archivo y espacio de relectura de la historia del arte.
El ciclo incluye además filmes de gran carga experimental. Obras como Une visite au Louvre (Danièle Huillet, Jean-Marie Straub, Francia, 2003) o El gran museo (Johannes Holzhausen, Austria, 2014) abordan la institución museística desde una óptica crítica, desentrañando sus mecanismos de representación y conservación.
Completan el ciclo de proyecciones Museo (Alonso Ruizpalacios, México, 2018), La restauración (David M. Mateo, España, 2024), El vuelo del globo rojo (Hou Hsiao-Hsien, Francia, 2007) y Banda aparte (Jean-Luc Godard, Francia, 1964) con su emblemática secuencia de nueve minutos a la carrera por los pasillos del Museo del Louvre, homenajeada por Bertolucci en Soñadores (Reino Unido-Francia-Italia, 2003).
Videoartistas contemporáneas
En colaboración con el colectivo Hamaca, este programa reúne obras de videoartistas como Sally Gutiérrez, Salomé Lamas y Nuria Güell, cuyas creaciones desafían los límites entre la instalación y la imagen en movimiento. La selección aborda la memoria histórica, la violencia institucional y la identidad desde una perspectiva feminista y política.
Desde el ensayo audiovisual hasta el documental performativo, las obras de este ciclo proponen nuevas formas de representación que subvierten los discursos dominantes. En particular, trabajos como De putas. Un ensayo sobre la masculinidad (Núria Güell Serra, España, 2018) o Fordlandia Malaise (Susana de Sousa Dias, Portugal, 2019) plantean cuestiones sobre la construcción del poder y las relaciones de género en un contexto de crisis social y económica.
El ciclo, que se desarrollará del 4 al 6 de marzo, se completa con las proyecciones Ta Acorda Ba Tu El Filipinas? (Sally Gutiérrez, España, 2017), Fatamorgana (Salomé Lamas, España, 2019), El jurado (Virginia García Del Pino, España, 2012), Porque é que mostramos as horas da luz e da escuridão no mesmo círculo? [Tentativa] (Susana de Sousa Dias, Portugal, 2024) y DIYSEX (Yaiza de Lamo, Maria Lorente, Juno Álvarez, Mariona Vázquez, España, 2019).
Cineastas africanas contemporáneas
El cine africano vive un momento de gran efervescencia y transformación. Este ciclo presenta siete películas dirigidas por mujeres de Senegal, Argelia, Marruecos y Túnez que abordan temas como la memoria, el expolio cultural y la lucha por la igualdad de género. Destacan títulos como Banel & Adama (Senegal-Francia-Mali, 2023), de Ramata-Toulaye Sy, y Dahomey (Senegal-Francia-Benín, 2024), de Mati Diop, Oso de Oro en la Berlinale 2024.
A través de una amplia variedad de géneros y registros, estas directoras ofrecen una mirada renovadora sobre el continente, desmontando estereotipos y revelando realidades a menudo invisibilizadas en el panorama cinematográfico global. Atlantiques (Francia, 2009) de Mati Diop, por ejemplo, es un retrato intimista sobre la juventud senegalesa y sus deseos de migración, mientras que El caftán azul (Francia-Marruecos-España, 2022), de Maryam Touzani, explora la tensión entre tradición y modernidad a través de un relato de amor y resiliencia.
Otras proyecciones del ciclo son Papicha, sueños de libertad (Mounia Meddour, Francia-Argelia, 2019); Las cuatro hijas (Kaouther Ben Hania, Túnez-Francia-Alemania-Arabia Saudí, 2023); Entre las higueras (Erige Sehiri, Túnez-Francia-Suiza-Alemania-Catar, 2022), y Animalia (Sofia Alaoui, Francia-Marruecos-Catar, 2023).
Cine irlandés contemporáneo y muestra de cine francófono
Con motivo del Día de San Patricio, Cineteca Madrid acoge la III Semana de Irlanda, en colaboración con la Oficina de Turismo de este país. Este ciclo recorre la diversidad del cine actual irlandés con títulos como Belfast (Reino Unido, 2021), de Kenneth Branagh, The Quiet Girl (Irlanda, 2022), de Colm Bairéad, y el documental Nothing Compares (Kathryn Ferguson, Irlanda-Reino Unido, 2022) sobre la vida de la cantante dublinesa Sinéad O’Connor.
Además, se proyectarán obras menos conocidas pero igualmente impactantes, como Perennial Light (Colin Hickey, Irlanda, 2024), un filme experimental que explora la relación entre paisaje y memoria, o Volver a empezar (Irlanda, 2020), de Phyllida Lloyd, un relato conmovedor sobre la resiliencia femenina en tiempos de crisis.
Este programa ofrece una visión amplia del cine irlandés contemporáneo, reflejando su capacidad para abordar temas universales desde una perspectiva profundamente arraigada en su identidad cultural. Completan la cartelera la sesión matinal de cine familiar La canción del mar (Tomm Moore, Irlanda, 2014) y Good Vibrations (Lisa Barros D’Sa, Glenn Leyburn, Reino Unido-Irlanda, 2012), que narra la historia real de Terri Hooley, impulsor clave de la escena punk local durante el conflicto de Irlanda del Norte.
Cineteca Madrid acogerá también, del 19 al 23 de marzo, la X Muestra de Cine Francófono en la que se proyectarán cuatro estrenos en España –Hôtel Silence, Les pas perdus, Mes amis espagnols y Là d’où l’on vient-, y tres estrenos en Madrid –La historia de Souleymane, Une vie rêvée y En fanfare-, además de títulos de cineastas tan destacadas como Nadine Labaki (Et maintenant on va où ?) y la proyección en sesión matinal familiar de la película Flow, nominada este año al Óscar a la mejor película de animación y mejor película internacional.
Autoras de cine, autoras de cómic
Este programa, comisariado por Elisa McCausland y Diego Salgado, explora las relaciones entre el cine y la historieta a través de tres sesiones: un homenaje a las pioneras del cómic en El profesor Marston y Wonder Woman (Angela Robinson, EEUU, 2017), un reconocimiento a Marjane Satrapi con la proyección de su película Pollo con ciruelas (Francia–Bélgica–Alemania, 2011) y una retrospectiva sobre el cómic alternativo en la que se proyectará The Diary of a Teenage Girl (Marielle Heller, EEUU, 2015).
Cada sesión contará con un coloquio en el que participarán destacadas creadoras del mundo del cómic en España, como Carla Berrocal, Laura Pérez Granel y Marta Guerrero.
Estrenos, programación familiar y secciones habituales
En paralelo a la participación de Cineteca en la Semana del Arte, se estrenará La revolución de las musas (Mar Nantas, Yaiza de Lamo, Juno Álvarez, España, 2024), una película sobre el papel de la mujer en la historia del arte. Destacan entre la selección de estrenos para este mes Un baño propio (Lucía Casañ Rodríguez, España, 2023), Mi hermano Ali (Paula Palacios España-Portugal, 2024), la última película de Nacho Vigalondo, Daniela Forever (España-Bélgica, 2024), y Vermiglio (Maura Delpero, Italia-Francia-Bélgica, 2024), Gran Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2024.
La programación familiar ofrece la segunda parte del ciclo El universo mágico de Hayao Miyazaki, que incluye las películas de animación Nausicaä del Valle del Viento (1984), La princesa Mononoke (1997) y El viento se levanta (2013).
El grupo de jóvenes programadores CineZeta centra su selección de películas en la construcción de la identidad en la era digital, mientras que Confesionario explorará el cine de vanguardia de Germaine Dulac y Marcelle Thirache. Regresa Relatos del ruido, con una sesión dedicada a la música y el tiempo. Cineteca también acogerá durante el mes de marzo pases especiales como Here, Mujeres calvas o Los flamencos, y sesiones de programas ya clásicos como La noche Z, que ofrece La mejor idea; Así son las cosas, con Núria Güell, que muestra Palabras de amor; el Foro CIMA, que propone Maternidades filmadas – El parto en la pantalla, o el Ciclo Docma, con Hija del volcán. /
Necrophagus (Miguel Madrid, 1971). Int.: Bill Curran, Catherine Ellison, Frank Braña. España. DCP. VE. Color. 87’
La orgía nocturna de los vampiros (León Klimovsky, 1973). Int.: Jack Taylor, José Guardiola, Dyanik Zuraowska. España. 35mm. VE.. Color. 84’
En esta doble sesión de «Sala:B» recuperamos dos joyas de los inicios del festival de Sitges, una cita esencial en el desarrollo del cine fantástico y de terror de este país desde 1968.
Empezamos con una de las más polémicas ganadoras del festival: Necrophagus (El descuartizador de Binbrook), el debut en la dirección de Mikel Skaife (Miguel Madrid), que se anunciaba como una modesta pero innovadora propuesta de terror psicológico y experimental. La película se mete en no pocos jardines, entre la ciencia ficción, el Génesis y el misterio policiaco, contando la obsesión de un científico por desentrañar el origen de la materia. La criatura titular, explicaba la prensa, era un ser alucinante con un rostro compuesto de tierra, piedra y cristal, que posee una espantosa cabellera de plantas marinas, agallas de pez en lugar de oídos y unas garras aterradoras. Su ansia de carne lo convierte en una amenaza implacable, dando pie a una sucesión de secuencias delirantes. Ángel Sala, actual director del festival, la califica así: “Monster movie, película de mad doctors, de misterio gótico llena de flashbacks y con atmósfera espectral, la película de Madrid circula por los caminos del dislate exploitation pero centrifuga ciertas ideas de deconstructiva prosa (e incluso poesía) fantastique, desordenada y caótica.” Lo que está claro años después, es que premiar a una película de culto como Necrophagus tuvo mucha más relevancia de la que entonces pensaban los que abuchearon su selección.
Seguimos con La orgía nocturna de los vampiros dirigida por otro habitual del festival en aquellos años, el argentino León Klimovsky. Para Ángel Sala, una de sus favoritas: “Klimovsky era un director todo terreno y aparentemente sin toque personal, pero que desplegó un estilo propio en su tratamiento del fantástico no solo en su relación con la estrella del género, Paul Naschy, sino sobre todo por su trilogía vampírica formada por La saga de los Drácula (1973), La orgía nocturna de los vampiros (1973) y El extraño amor de los vampiros (1975). Un auténtico escaparate de rostros y nombres asociados al boom del fantaterror de la época: Helga Liné, Jack Taylor, Dyanik Zurakowska, José Guardiola, Manuel de Blas, Luis Ciges, Fernando Bilbao o el guionista Antonio Fos.
Presentan la sesión Ángel Sala, actual director del Festival de Sitges, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10’. (Total sesión: 180’)
Playlist es un nuevo ciclo de cine documental contemporáneo que explora la intersección entre la música y el cine. La música es el tema principal, pero también se presenta como un elemento narrativo esencial en el lenguaje audiovisual.
Es casi imposible contemplar los fenómenos artísticos de los siglos XX y XXI sin entenderlos como un cúmulo de disciplinas convergentes. Músicos, cineastas, creadoras o artistas visuales interactúan entre sí para dar lugar a nuevos formatos y corrientes que avanzan inexorablemente hacia una renovación de los viejos conceptos que rodean la unión entre música e imagen.
Este programa de cine documental contemporáneo propone películas que tienen la música como objeto temático, pero también filmes en los que la música o el sonido destacan por ser un elemento narrativo fundamental. Las películas de Playlist destacan, además, por su valor cinematográfico y la mirada singular de sus autoras, autores y protagonistas: Marie Losier, Peaches, Alex Ross Perry, Pavement, Abbey Lincoln, Max Roach, David Charles Rodrigues, Nick Davies, Johan Grimonprez, Peaches, Genesis P-Orridge, At the Drive-In o The Mars Volta. Una constelación de talentos que hablan de la indisoluble relación entre cine y música.
A modo de correspondencias, las películas de esta sesión hacen del cine un lugar para los afectos entre madres e hijas. Du verbe aimer (1984) nos muestra cómo, tras la muerte repentina de su madre, la cineasta Mary Jiménez regresa a Lima desde Bruselas para interrogar el paisaje doloroso de su infancia. Por otro lado, Andrea 1973 (1973), de Narcisa Hirsch, es una cine-carta dedicada a su hija por su vigésimo primer cumpleaños.
Du verbe aimer marca el inicio del documental autorreflexivo en Perú. En este ensayo, Mary Jiménez convoca su pasado y su presente. Mientras la banda sonora nos habla de sus esfuerzos por ganarse el amor de su madre, las imágenes nos sitúan ante su duelo. Utilizando películas de diferentes emulsiones y tonalidades, recorre las calles de Lima, su antiguo colegio, las zonas mineras o el hospital psiquiátrico donde estuvo ingresada. Por medio de pequeños rituales, entrevistas y recreaciones, Jiménez propone una crónica fragmentada sobre el amor y la muerte.
Narcisa Hirsch, pionera del cine experimental argentino, realizó una serie de películas íntimas para sus amigas y familiares que hasta hace muy poco no se habían mostrado fuera del espacio doméstico. Andrea 1973 es un regalo de cumpleaños: recuerdos, canciones, fotografías, genealogías, archivos fílmicos del pasado reciente y lejano, juegos y disfraces, un jardín a lo largo de los años y, por supuesto, la voz de la cineasta, que en un momento le dice a su hija: «Quería estar con vos a solas a través de esto, de lo que estamos viendo».
Du verbe aimer, Mary Jiménez, 1984, 16 mm, 77 min, VOSE; Andrea 1973, Narcisa Hirsch, 1973, 16 mm, 9 min.
Proyección en DCP.
Copias procedentes de Centre de l’Audiovisuel à Bruxelles y Filmoteca Narcisa Hirsch, respectivamente.
Agradecimientos: Tomás Rautenstrauch.
Fecha: 2 marzo 2025
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Tráfico de menores (Enigma Rosso, Alberto Negrín, 1978). Int.: Fabio Testi, Christine Kaufmann. Ivan Desny. Silvia Aguilar. Italia. 35 mm. Color. 83’
El carnaval de las bestias (Paul Naschy, 1980). Int.: Paul Naschy, Eiko Nagashima, Silvia Aguilar. España. 35 mm. Color. 91’
Silvia Aguilar ha aparecido varias veces por las pantallas de «Sala:B» pero ya tocaba hacer una sesión doble de homenaje a esta actriz, con dos curiosos gialli que se disfrazan de otros géneros para transformarse en algo especial.
En Tráfico de menores, Silvia Aguilar interpreta a Virginia, una de las compañeras de una joven que aparece asesinada en un río. Virginia y sus amigas comienzan a ser acosadas y a recibir poemas amenazantes de un tal Némesis. El caso será investigado por el inspector Di Salvo, interpretado por Fabio Testi, quien centra sus pesquisas en el prestigioso internado donde las chicas estudian. La película mezcla tramas típicas del giallo italiano con elementos del poliziesco, aderezados con sexploitation a la italiana. Un montaje musical y en paralelo entre una clínica abortiva y una orgía lo demuestra. El reparto lo completan nombres tan familiares por aquí como Helga Liné, María Asquerino, Tony Isbert, Wal Davis o Fabián Conde. Esta coproducción italiana fue rodada en localizaciones como el antiguo Matadero, el Castillo de Viñuelas o el Parque de Atracciones de Madrid, y una de las secuencias más memorables tiene lugar en la mítica montaña rusa 7 Picos, ¡con Fabio Testi interrogando a Jack Taylor!
Dicen que El carnaval de las bestias fue la primera coproducción entre España y Japón, algo que solo el entusiasmo y la tenacidad de Paul Naschy podrían alcanzar. Silvia Aguilar ya conocía a nuestro womanizer favorito, pero aquí tiene que competir con Azucena Hernández y hasta una mujer nipona por sus irresistibles encantos. La película es un pastiche de géneros todavía más extravagante, saltando del cine de acción estilo Charles Bronson al melodrama erótico, del giallo al terror gótico. Adrián Esbilla describe la película como un ejemplo del «gótico cazurro», o la auténtica esencia de lo naschyano. La banda sonora incluye composiciones de Ennio Morricone y otros temazos poliziescos. Más caras conocidas: Pepe Ruiz, Paloma Cela, Luis Ciges, Ricardo Palacios, sin olvidar la tétrica casa de Torrelodones en la que más de una vez hemos estado.
Presentación a cargo de la actriz Silvia Aguilar y de Álex Mendíbil, comisario de Sala:B. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 190’)
El 1 de febrero se proyectará Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), precuela de la mítica serie que Lynch creó junto a Mark Frost
El ciclo ‘La fábula cinematográfica’ cumple su tercera edición proponiendo encuentros con pensadores en torno al cine y estrenos relacionados con la filosofía
Además, explora la influencia de Michel Foucault en el lenguaje cinematográfico contemporáneo y el universo conceptual de destacados pensadores
La primera retrospectiva en España del director de culto japonés Shinji Sōmai presentará la obra de este cineasta fundamental prácticamente desconocido en nuestro país
Se suma a la programación de febrero la proyección de la afamada trilogía del director polaco Krzysztof Kieślowski, Azul, Blanco y Rojo
La sección dominical de cine familiar se sumerge en el universo mágico de Hayao Miyazaki
El equipo de jóvenes programadores de CineZeta apuesta en su selección de este mes por mostrar visiones disidentes del erotismo en el cine
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se transforma en febrero en un punto de encuentro privilegiado para reflexionar sobre cuestiones filosóficas esenciales como la identidad, la verdad, la libertad, el miedo, el mal o la muerte, a través de una cuidada programación que incluye tanto películas de ficción como documentales. Este espacio ubicado en Matadero Madrid dedicará este segundo mes del año una sesión homenaje al recientemente fallecido David Lynch, dos ciclos a los grandes maestros Shinji Sōmai y Krzysztof Kieślowski y una mirada a la influencia del pensador Michel Foucault en el cine, además de adentrarse en el universo mágico de Hayao Miyazaki y en la relación entre cine y filosofía a través de una cuidada selección de proyecciones y encuentros.
Homenaje a David Lynch
Cineteca dedicará una sesión de homenaje al recientemente desaparecido David Lynch (1946-2025), uno de los cineastas más influyentes de las cuatro últimas décadas, cuyo cine ha sido un asiduo en las pantallas de las salas Azcona y Borau. Fallecido el pasado 15 de enero, la gran repercusión que ha tenido su muerte da fe de la devoción hacia su obra, que abarcó cine, televisión, música, diseño y fotografía. El 1 de febrero se proyectará Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), precuela de la mítica serie creada junto a Mark Frost. Una película incomprendida que el tiempo ha reivindicado como pieza clave en su filmografía.
Tercera edición de ‘La fábula cinematográfica: cine y filosofía’
En la ya habitual sección ‘Carta Blanca’, Cineteca invitará a tres pensadores contemporáneos que compartirán su interpretación sobre las películas seleccionadas exclusivamente para este ciclo. El jueves, 6 de febrero, dará comienzo el filósofo y escritor Javier Gomá, que bajo el título Un cine que da qué pensar argumentará su tesis sobre el cine como lugar privilegiado para mostrar la esencia de lo humano, previamente a la proyección de El sabor del té verde con arroz (Yasujirô Ozu, Japón, 1952). Su selección de películas se completa con Las manos en los bolsillos (Marco Bellocchio, Italia, 1965), La americanización de Emily (Arthur Hiller, EE.UU., 1964) y Los niños del paraíso (Marcel Carné, Francia, 1945).
El viernes, 14 de febrero, la especialista en cultura y literatura medieval Victoria Cirlot tratará en su conferencia el retrato de cuatro mujeres a través de la cámara de sendos grandes cineastas: Alain Resnais, Carl Theodor Dreyer, Chantal Akerman y Jacques Demy. El filme elegido para acompañar la conferencia es Una habitación en la ciudad (Jacques Demy, Francia, 1982). Este bloque incluye también la proyección de El año pasado en Marienbad (Alain Resnais, Francia, 1961), Gertrud (Carl Theodor Dreyer, Dinamarca, 1964), Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (Chantal Akerman, Bélgica, 1975).
La filósofa Eurídice Cabañes será la encargada de reflexionar en torno a los límites y fronteras de la tecnología que desafía nuestro pensamiento. Partiendo del lenguaje, nuestra tecnología más antigua, enfrentado a su versión alienígena en La llegada (Denis Villeneuve, Canadá-EE.UU., 2016), siguiendo con las propuestas especulativas de James Ward Byrkit en Shatter Belt (EE.UU., 2023) y la crítica mordaz del cine animado de Don Hertzfeldt, en una sesión que reunirá sus mejores cortometrajes. El viernes, 28 de febrero, eXistenZ (David Cronenberg, Canadá, 1999) servirá de contexto a la conferencia de Cabañes sobre tecnologías contemporáneas e imaginarias como los videojuegos.
Foucault llevado al cine junto a destacados pensadores contemporáneos
El pensamiento del filósofo e historiador francés Michel Foucault se infiltra en la pantalla de cine como una herramienta para desentrañar las complejas relaciones entre poder, cuerpo y subjetividad. En este ciclo, cuatro películas contemporáneas dialogan con los conceptos de Foucault, explorando distintos aspectos de su pensamiento. La primera entrega del ciclo, Nunca, casi nunca, a veces, siempre (Eliza Hittman, EE.UU., 2020) sigue a una adolescente que se enfrenta a un embarazo no deseado en un retrato íntimo y conmovedor de resiliencia. Titane (Julia Ducournau, Francia, 2021) es un thriller visceral que explora la identidad, el trauma y las relaciones humanas a través de la historia de una mujer. Completan el programa Possessor Uncut (Brandon Cronenberg, Canadá-Reino Unido, 2020), que combina ciencia ficción y terror siguiendo a una agente que utiliza la tecnología para cometer asesinatos, y Saint Maud (Rose Glass, Reino Unido, 2019), un inquietante thriller psicológico sobre una enfermera que quiere salvar el alma de su paciente terminal.
Además, Cineteca programa en febrero cuatro documentales de la serie Un œil, une histoire, dedicados a explorar el universo conceptual de destacados pensadores de la historia y la imagen contemporánea: Georges Didi-Huberman, Svetlana Alpers, Carlo Ginzburg y Victor Stoichita. Cada sesión será introducida por el joven filósofo Pablo Caldera, quien ofrecerá claves para profundizar en los diálogos entre pensamiento, historia y estética.
Sōmai y Kieślowski, grandes maestros compartiendo pantalla
La primera retrospectiva española del director de culto Shinji Sōmai y la proyección de la obra maestra del cineasta polaco Krzysztof Kieślowski son otras de las citas imprescindibles de la programación de Cineteca este mes.
Siete películas de Sōmai que reflejan la alienación, frustración y rabia de la juventud japonesa conforman esta retrospectiva organizada en colaboración con la Fundación Japón, con la que se pretende aliviar el desconocimiento en España de este cineasta fundamental. Destacan Typhoon Club (Japón, 1985), considerada la obra maestra del director, o Sailor Suit and Machine Gun (Japón, 1981), que narra la historia de una estudiante de secundaria que hereda el liderazgo de una banda.
Por otra parte, del 18 al 20 de febrero, Cineteca acerca al público la obra maestra del cineasta polaco Krzysztof Kieślowski, conformada por Azul, Blanco y Rojo, una lectura crítica de los ideales de la Revolución Francesa —libertad, igualdad y fraternidad— y un profundo ejercicio filosófico que interpela a grandes conceptos como la existencia y la condición humana.
Estrenos y visiones disidentes del erotismo
La selección de estrenos de este mes también se ocupa de cuestiones filosóficas sobre la creación, la historia y la resistencia política. Se proyectarán Objeto de estudio (Raúl Alaejos, España, 2024), En la alcoba del Sultán (Javier Rebollo, España-Francia, 2024), Dulcinea (Paloma Polo, España, 2023), Cyborg Generation (Miguel Morillo Vega, España, 2024), El arte de los analfabetos (Kevin Castellano y Edu Hirschfeld, España, 2024) y La marsellesa de los borrachos (Pablo Gil Rituerto, España, 2024).
Por su parte, el joven equipo de programadores de CineZeta ha compuesto un ciclo de cuatro sesiones que reflexionan en torno a visiones disidentes del erotismo. Integran la selección títulos como Shakedown (Leilah Weinraub, EE.UU., 2018), Finished (William E. Jones, EEUU, 1997) o Sex Is Comedy (Catherine Breillat, Francia, 2002), que explora los desafíos y tensiones tras la cámara mientras una directora lucha por dirigir una escena de sexo entre dos actores que no se soportan.
El universo mágico de Hayao Miyazaki y secciones habituales
La sección dominical ‘Cineteca en familia’ se adentra en el fascinante mundo de que ha cautivado a distintas generaciones con sus historias llenas de magia, fantasía y profundas lecciones de vida. Cineteca programa cuatro de sus películas más emblemáticas: Mi vecino Totoro (Japón, 1988), El viaje de Chihiro (Japón, 2002), El castillo ambulante (Japón, 2004) y El chico y la garza (Japón, 2003).
No faltarán a su cita las secciones habituales de Cineteca Madrid como el ‘Ciclo Docma’, que presenta Los últimos; ‘La noche Z’, que proyectará Los maestros tullidos; o ‘Somos documentales’, de Televisión Española, con las películas Félix Murcia, el pintor de películas y Ullate: La danza de la vida. La programación se completa con los pases especiales de L’année dernière à Dachau, La Carmen y Cineastas pioneras andaluzas: Pilar Távora.
Fotografía de Someya Katsu (protagonista de Historia de una segadora) por Yukie Hatano
Antiguo miembro de Ogawa Productions, el cineasta y escritor japonés Katsuhiko Fukuda vivió y trabajó en la zona rural de Sanrizuka, donde documentó la lucha contra la construcción del aeropuerto de Narita, así como historias individuales y la vida de la comunidad. Esta sesión incluye una charla ilustrada sobre su obra a cargo del programador Ricardo Matos Cabo y la proyección de una de sus películas, Historia de una segadora (1985).
Historia de una segadora (草とり草紙) es un retrato de Katsu Someya, una mujer de 86 años nacida en 1899 cuya casa se encuentra junto a la pista de aterrizaje del aeropuerto de Narita, en un terreno que fue confiscado y vendido para ampliar dicho aeropuerto en una segunda fase. Vive allí sola, alejada de su familia por decisión propia, resistiéndose a abandonar su tierra, y se dedica a la agricultura, escardando diariamente y trabajando en una fábrica de encurtidos. Los relatos de su vida, contados y repetidos, trazan décadas de la experiencia personal de resistencia de esta mujer. Su historia se entrelaza con las luchas por la tierra y los derechos de los campesinos de Sanrizuka ante la construcción del aeropuerto.
La película, filmada en 8 mm a lo largo de tres años, está estructurada en diecinueve capítulos y editada según los ritmos de la narración de Someya. Explora la disyuntiva entre el habla y la memoria de esta mujer a través de un montaje original de sonido e imagen. Posteriormente se amplió a 16 mm para poder imprimir en la película los subtítulos en japonés con las palabras de Someya. Su compañera, Yukie Hatano, produjo la película y realizó las tarjetas de título que anuncian las diecinueve secciones y las fotografías que proyectaremos antes de la película.
Historia de una segadora marcó un cambio en la práctica y el método documental japonés, incluso en su relación con la política, al centrarse en los pequeños gestos diarios y hacer mayor hincapié en las historias personales. La película tuvo una gran influencia para los cineastas que siguieron los pasos de Fukuda, entre ellos Makoto Satō y Haruka Komori.
Como introducción a la sesión, el programador Ricardo Matos Cabo impartirá una charla ilustrada sobre el cine de Fukuda, con particular atención a sus cuatro «cuadernos de cine» de 8 mm realizados en Sanrizuka entre 1979 y 1985, el último de los cuales se proyectará después de la charla.
Historia de una segadora (草とり草紙), Katsuhiko Fukuda, Japón, 1985, 88 min, 8 mm hinchado a 16 mm, subtitulado en japonés y catalán.
Agradecimientos: Yukie Hatano.
Subtítulos proporcionados por Punto de Vista—Festival de Cine Documental de Navarra, Courtisane & Subtitula’m.
Fecha: 23 febrero 2025
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Desde los inicios de «Sala:B», hemos celebrado nuestra fascinación por las ferias y los circos, lugares mágicos llenos de personajes extravagantes. Este programa doble rinde homenaje a uno de ellos: las mujeres barbudas y, además, castizas.
Empezamos con Una pareja… distinta que nos presenta un sainete adelantado a su época sobre estos personajes marginales que sobreviven como algo ya casi anacrónico. Con la estrella castiza Lina Morgan como mujer barbuda, en uno de sus papeles más únicos y tiernos, y José Luis López Vázquez como travesti cabaretera, formando la pareja del título que desafía normatividades casándose por la iglesia. A la censura, una vez más, le colaron una de las películas españolas más bizarras y queer. Con un rutilante reparto lleno de primeras figuras, este ambicioso proyecto que financió el propio Forqué, fue un sonoro fracaso en la taquilla. Camino de convertirse en película de culto, es un curioso intento de mezclar comedia, melodrama y musical, con números cabareteros escritos por Adolfo Waitzman.
Verbenase puede entender como una versión castiza de Freaks, siempre que subrayemos lo de castizo, como apuntan Aguilar y Cabrerizo. En lugar de la venganza amarga que Todd Browning retrataba, Neville nos presenta un fresco lleno de ternura y humor codornicesco. En su Palacio de las maravillas, los fenómenos científicos de la naturaleza incluyen, por una peseta, la cabeza parlante, el hombre que se traga los peces y los devuelve vivos, y por supuesto la mujer barbuda de la voz de oro: Madame Dupont (Amalia de Isaura). “¡La juerga padre! Un bigote, señora, que le irá bien al labio” dice un vendedor de postizos a una paseante de la verbena. En el reparto, nombres como Maruja Tomás y Manolo Morán se suman este mediometraje que combina fenómenos, chulapismo y chascarrillos, con canciones del maestro Quiroga y Rafael de León.
En Elegía para un circo, cambiamos de tono para despedir al Circo Price en su última representación. Mercero utiliza imágenes de archivo, testimonios de artistas como Pinito del Oro y Teddy el payaso, y hasta el álbum personal de un acomodador para rendir homenaje a esta institución que marcó la infancia de generaciones de madrileños.
Una pareja… distinta (José María Forqué, 1974). Int.: Lina Morgan, José Luis López Vázquez, Ismael Merlo. España. 35mm. Color. 104’
Verbena (Edgar Neville, 1941). Int: Maruja Tomás, Amalia de Isaura, Miguel Pozanco. España. DCP. B/N. 30’
Elegía por un circo (Antonio Mercero, 1970). España. DCP. Color. 21’
Presentan la sesión Nacha La Macha y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil.
Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 180’).
El próximo día 15 de enero comenzará en Tabakalera el nuevo ciclo Nosferatu, Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, que se acerca a la historia del cine desde un punto de vista femenino y feminista y que repasará sus 130 años de existencia a través de películas dirigidas por creadoras de todas las épocas y procedencias.
Desde 1896, con los trabajos de la pionera francesa Alice Guy (protagonista de la primera sesión, en la que se proyectarán tres de sus películas junto con un film de Mabel Normand), hasta la actualidad esta muestra pretende revisar, proyectar y reivindicar el trabajo de directoras, guionistas, productoras y actrices, algunas reconocidas y reivindicadas en los últimos años, otras muchas olvidadas y eliminadas de las historias del cine.
La retrospectiva se inicia mostrando el trabajo de pioneras como Lois Weber, Frances Marion, Musidora, Leni Riefenstahl, Dorothy Arzner, Ana Mariscal o Ida Lupino (clásicas), continúa con, entre otras muchas, Agnès Varda, Chantal Akerman, Lorenza Mazzetti, Lina Wertmüller, Larisa Shepitko o Barbara Loden (modernas) y se cerrará en otoño con extrañas como Susan Seidelman, Naomi Kawase, Kathryn Bigelow, Jane Campion o Isabel Coixet.
El ciclo se acompañará con la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera. El primero, Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, coordinado por Elisa McCausland y Diego Salgado, se publicará en enero de 2025. El segundo, coordinado por Iratxe Fresneda, se editará a finales del año próximo.
Bono de cine 2025 y venta de entradas
El bono de cine de Tabakalera se renueva por otro año, y ofrecerá a las personas usuarias la entrada por 120 € a 40 películas de entre todas las programadas por las instituciones socias de la pantalla compartida a lo largo de 2025: Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera, a excepción de las películas programadas durante el Festival de San Sebastián 2025.
Un año más, la compra del bono incluye una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: AEBetako western post-klasikoa eta garaikidea o Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine.
El bono se podrá adquirir a partir del 20 de diciembre de 2024 a las 12:00 del mediodía, hasta el 31 de enero de 2025 a las 12:00, tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro. También se abrirá en esa misma fecha y hora y en los mismos espacios la venta de entradas ordinarias correspondientes a las proyecciones del mes de enero.
El consumo del bono podrá realizarse desde el 1 de enero de 2025 hasta el 31 de diciembre de 2025 (ambos incluidos), y todas las gestiones vinculadas al bono podrán realizarse tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro: comprar el bono, enviarlo como regalo a otra persona, adquirir entradas para películas con el descuento del bono o consultar el saldo disponible.
Diálogo con yann beauvais y Francisco Algarín Navarro ilustrado con proyecciones
Las libertades conquistadas en los años sesenta permitieron a una nueva generación de cineastas trabajar en una exploración frontal de la sexualidad, así como tratar abiertamente los tabúes del pasado. Esta sesión, un diálogo entre yann beauvais y Francisco Algarín Navarro ilustrado con proyecciones en súper-8 y 16 mm, plantea un recorrido por una historia alternativa del cine gay, lésbico, queer y camp realizado entre finales de los setenta y principios de los noventa.
A modo de prólogo, sobre las imágenes de Des Rives —película de doble proyección intervenida por el proyeccionista donde se entremezcla la música visual polifónica con el collage y el diario filmado—, yann beauvais susurra en directo su crónica de cuatro décadas de viajes a Nueva York: vagabundeos, proyecciones, encuentros, la transformación de la ciudad. Adentrándonos en una reflexión sobre las sexualidades disidentes, el programa combina a continuación diferentes fisonomías y maneras de mostrar el sexo, de la ternura extrema a las prácticas BDSM. En Homovie, beauvais desplaza múltiples identidades físicas, bien por sustracción (el acto de desnudarse), bien por adición (el de travestirse). Por su parte, la cámara como aparato de fantasía permite a Michel Nedjar desplegar su estudio anatómico en Le Gant de l’autre, meditación sobre la mirada homosexual masculina y la indistinción del cuerpo desnudo a través de una coreografía de caricias, gestos y posturas sexuales. En Irome, Hiroyuki Oki entrelaza diferentes retratos íntimos de adolescentes melancólicos, revelando cómo varía la representación del sexo, la apariencia física o la propia masculinidad de una época o cultura a otra, mientras que en Bondage Boy, mediante la distanciación irónica musical, Chris Langdon transforma el fetichismo visual de las prácticas sadomasoquistas en una parodia punk del cine estructural.
Lo queer como interrogación directa sobre el cuerpo y la sexualidad queda deslocalizado en el siguiente bloque. En The Eccentrics, Jennifer Burford esboza las identidades polimorfas de dos siluetas desestabilizando los géneros mediante la inversión de la materia cinematográfica y de las posturas tradicionalmente asociadas con el sexo opuesto. El deslizamiento hacia los cuerpos geológicos y mitológicos en Vulva permite a Marcelle Thirache trazar una protohistoria femenina y lésbica a través del diálogo con las investigaciones de la arqueóloga Marie König. A través del intercambio epistolar con Barbara du Bois y de una serie de polaroids que ilustran su vida cotidiana y su inconformismo, Hammer retrata en Pictures 4 Barbara cómo se forman las nuevas comunidades afectivas. Finalmente, Broken Blossoms, la acción-reacción de Miles McKane a la enfermedad del sida, traslada los estados emocionales a la naturaleza mediante la yuxtaposición de una marcha fúnebre. El programa concluye con un epílogo también en forma de doble proyección: Star Trick, de William Moritz, por la que circulan las identidades fluidas y glamurosas de las más célebres estrellas del teatro camp psicodélico del San Francisco de los años setenta.
Des Rives, yann beauvais, 1998, 16 mm (doble proyección), 8 min; Homovie, yann beauvais, 1976-1977, 16 mm, 5 min; Le Gant de l’autre, Michel Nedjar, 1977, súper-8, 15 min; Irome, Hiroyuki Oki, 1992, 16 mm, 8 min; Bondage Boy, Chris Langdon, 1976, 16 mm, 6 min; The Eccentrics, Jennifer Burford, 1987, 16 mm, 8 min; Vulva, Marcelle Thirache, 1992, súper-8, 5 min; Pictures 4 Barbara, Barbara Hammer, 1981, 16 mm, 10 min; Broken Blossoms, Miles McKane, 1992, 16 mm, 6 min; Star Trick, William Moritz, 1975, 16 mm (doble proyección), 7 min.
Copias procedentes de Light Cone excepto Bondage Boy y Pictures 4 Barbara (Academy Film Archive).
Fecha: 24 enero 2025
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
La pantalla de cine de Tabakalera mostrará durante todo el año las películas de la generación de cineastas que han consolidado su carrera en programas como Ikusmira Berriak o Noka con la ayuda del Centro y la EQZE.
El feminismo y las mujeres cineastas serán otro de los ejes que vertebrarán la oferta cinematográfica de Tabakalera durante 2025.
El bono de cine y las entradas para las proyecciones de 2025 estarán disponibles a partir del 20 de diciembre en la web y en el Punto de Información de Tabakalera.
Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2025, que dará comienzo el 10 de enero, de la mano de la propuesta elaborada por las entidades que programan en la pantalla compartida de Tabakalera: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.
El próximo año, Tabakalera celebrará su décimo aniversario, y la programación de cine será una prolongación de dicha efeméride, una puesta en valor del camino y el trabajo realizado durante estos años.
‘Generación Tabakalera’
La pantalla de cine de Tabakalera proyectará durante todo el año las películas de la generación de cineastas que ha iniciado y consolidado su carrera al amparo de los diversos programas de residencias y convocatorias de apoyo al cine, promovidas por las entidades que conforman la pantalla compartida, y que ha ido articulando un sistema de apoyo a la creación cinematográfica como Ikusmira Berriak o Noka.
El ciclo Ikusmira Berriak 10 años, parte de Zinemaldia + Plus, se organiza este año en colaboración entre el Festival de San Sebastián y Tabakalera, coincidiendo con el décimo aniversario del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. El nuevo ciclo propone explorar y celebrar, con mirada retrospectiva, los diez años que cumple la residencia cinematográfica Ikusmira Berriak, coorganizada por las dos instituciones junto a Elías Querejeta Zine Eskola, a través de 21 películas desarrolladas en el marco del programa y que ya han sido finalizadas y estrenadas en diversos festivales internacionales como el Festival de San Sebastián, Cannes, Venecia, Berlinale, Sundance, Locarno, Viennale, Márgenes, Torino o Mar del Plata, entre otros.
En la primera sesión, el 25 de enero, se proyectarán el corto El extraño (2016) y el largometraje El gran movimiento (2021), respectivamente dirigidos por Pablo Álvarez y Kiro Russo, mientras que el 1 de febrero coincidirá Calipatria, de Leo Calice y Gerhard Treml, con Eles transportan a morte (2021), de Helena Girón y Samuel Delgado. El 8 de febrero será el turno de Gwendolyn Green (Tamyka Smith, 2017) y All Dirt Roads Taste of Salt (Raven Jackson, 2023), el 15 de febrero el de Trote (Xacio Baño, 2018) y el 8 de marzo el de Las letras de Jordi (Maider Fernández Iriarte, 2019).
Estos son los demás títulos programados, cuyas fechas se concretarán próximamente: Chupacabra (Grigory Kolomytsev, 2020), Stephanie (Leonardo van Dijl, 2020) y Creatura (Elena Martín Gimeno, 2023), Jo ta ke (Aitziber Olaskoaga, 2020), Fantasía (Aitor Merino, 2021) -en la fase de proyecto de esta película también participó Amaia Merino-, El agua (Elena López Riera, 2022), Suro (Mikel Gurrea, 2022), Pornomelancholia (Manuel Abramovich, 2022), Antier noche (Alberto Martín Menacho, 2023), O Corno (Jaione Camborda, 2023), Dormir de olhos abertos (Nele Wohlatz, 2024), Ulysses (Hikaru Uwagawa, 2024) y Monólogo colectivo (Jessica Sarah Rinland, 2024). Aunque también formaron parte de Ikusmira Berriak las películas Muga deitzen da pausoa (2019), de Maider Oleaga, y 918 gau (2022), de Arantza Santesteban, no se proyectarán en la retrospectiva porque han sido recientemente programadas en el ciclo Cineastas Vascas de la Filmoteca Vasca. No obstante, ambas directoras participarán en la celebración presentando alguna película del ciclo.
El aniversario se complementará con un libro cuya publicación está prevista para primavera y que recogerá voces, imágenes y reflexiones acerca de Ikusmira Berriak. No sólo incluirá entrevistas con diez cineastas que han pasado por el programa, sino también aportaciones de algunas personas que han participado en las tutorías o de representantes de las instituciones que impulsan el proyecto. En definitiva, se trata de una memoria que contará los diez años de la residencia y en la que estarán presentes las 53 cineastas que han formado parte de su historia.
Por otro lado, Zinemaldia + Plus también ofrecerá en septiembre las tradicionales proyecciones vinculadas a la filmografía de los Premios Donostia de la edición.
Durante el fin de semana del 13 al 15 de junio, se celebrará el festival Generación Tabakalera, en el que se proyectarán proyectos desarrollados en la EQZE y películas estrenadas en diversos festivales internacionales y que se han desarrollado en los programas de impulso del talento cinematográfico emergente como Noka, una iniciativa dedicada a la tutorización, acompañamiento y apoyo de largometrajes dirigidos por realizadoras vascas que desde su inicio en 2019 ha contado con la participación de una veintena de mujeres cineastas.
El feminismo será otro de los ejes que vertebrará el programa de cine de Tabakalera, con especial protagonismo en ciclos como Nosferatu o la quinta edición de Cineastas Vascas, pero también con los ciclos específicos que durante 2025 se dedicarán a la directora Patricia Mazuy y Cine y literatura: Chantal Akerman con la presencia en el cine de las escritoras Itxaro Borda, Karmele Jaio y Danele Sarriugarte. Además, la visión y la práctica feminista estará presentes en otros ciclos y proyecciones a través de las temáticas o invitadas presentes en la programación.
‘Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine’
El próximo día 15 de enero comenzará en Tabakalera el nuevo ciclo Nosferatu, Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, que se acerca a la historia del cine desde un punto de vista femenino y feminista y que repasará sus 130 años de existencia a través de películas dirigidas por creadoras de todas las épocas y procedencias.
El ciclo, organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – La Filmoteca, se desarrollará entre enero y diciembre de 2025.
Desde 1896, con los trabajos de la pionera francesa Alice Guy (protagonista de la primera sesión, en la que se proyectarán tres de sus películas junto con una de Mabel Normand), hasta la actualidad esta muestra pretende revisar, proyectar y reivindicar el trabajo de directoras, guionistas, productoras y actrices, algunas reconocidas y reivindicadas en los últimos años, otras muchas olvidadas y eliminadas de las historias del cine.
La retrospectiva se inicia mostrando el trabajo de pioneras como Lois Weber, Frances Marion, Musidora, Dorothy Arzner, Ana Mariscal o Ida Lupino (clásicas), continua con, entre otras muchas, Agnès Varda, Chantal Akerman, Lorenza Mazzetti, Lina Wertmüller, Larisa Shepitko o Barbara Loden (modernas) y se cerrará en otoño con extrañas como Susan Seidelman, Naomi Kawase, Kathryn Bigelow, Jane Campion, Isabel Coixet o Mati Diop.
El ciclo se acompañará con la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera. El primero,Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, coordinado por Elisa McCausland y Diego Salgado, se publicará en enero de 2025. El segundo, coordinado por Iratxe Fresneda, se editará a finales del próximo año.
Octava edición de Cine y Ciencia
La Filmoteca Vasca comenzará el año con la octava edición del ciclo Cine y Ciencia, que organiza en colaboración con el DIPC (Donostia International Physics Center) y el Festival de San Sebastián. The Theory of Everything –La teoría del todo– (James Marsh, 2014) inaugurará el año el próximo viernes 10 de enero y contará con la presentación del físico y presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike. Este programa, que se sirve de la universalidad del lenguaje cinematográfico para mostrar la profundidad del pensamiento científico, tiene por objetivo transmitir cultura cinematográfica y científica. Las doce películas que integrarán el ciclo, así como las sesiones escolares, se anunciarán a principios de enero.
Entre abril y junio tendrá lugar la quinta y última edición de Cineastas Vascas, que pondrá de relieve el trabajo de directoras vascas de largometrajes nacidas en los 80 y 90. Este ciclo, habitualmente programado en otoño, se trasladará a los meses de abril, mayo y junio. En julio, será el turno de Jazzinema, la feliz simbiosis entre cine y jazz. Y entre septiembre (durante el Festival de San Sebastián) y diciembre de 2025 y hasta en cinco capitales, la Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián proyectarán Klasikoak, una propuesta con tres grandes ejes que rescatará películas restauradas y memorables de la historia del séptimo arte: un festival de cine clásico extendido en el tiempo y en el espacio.
El 23 de enero y con la proyección de la película Peaux de vaches Tabakalera se dará inicio a la retrospectiva dedicada a la cineasta Patricia Mazuy, directora formada por el cine de Leone y Peckinpah y aprendiz de la legendaria Agnès Varda. Su filmografía cuenta con seis títulos repartidos a lo largo de más de tres décadas, pero con marcas siempre presentes como la violencia, el humor, lo rural y la mezcla de géneros.
A partir de enero volverá el ciclo que propone el cruce entre cine y literatura, y que en 2025 se centrará en la figura de Chantal Akerman. La primera sesión tendrá lugar el 16 de enero, con la proyección de un hito cinematográfico Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles y contará con una presentación de la mano de la escritora Itxaro Borda.
Roberto Minervini es un director, productor y fotógrafo italiano, residente en EEUU. Se dio a conocer internacionalmente con Stop the Pounding Heart (2014). The Other Side (2016) se estrenó en la sección Un Certain Regard de Cannes. Reconocido por una obra intimista y política que retrata la sociedad norteamericana rural, transita entre la ficción y el documental. Sus retratos de personas marginadas lo han convertido en un cineasta polémico pero indispensable en el panorama actual del cine. Minervini visitará Tabakalera a finales de mayo.
Además, Tabakalera continuará promoviendo el acercamiento entre cineastas y espectadores/as, y el cruce entre las distintas disciplinas creativas en su programación. Proyectos como Cine hablado, que propone un espacio de encuentro para que directores/as charlen en la sala de cine sobre el proceso de creación de sus películas, las sesiones para el público familiar Kameleoiak Gara!, el ciclo de Cine contemporáneo o Cine y Música, continuarán durante 2025.
El Centro también continuará incidiendo en la programación destinada especialmente a atraer nuevos públicos a la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Propuestas específicas como el Jóvenes en el cine, el grupo de programación conformado por estudiantes de la UPV/EHU, continuarán programando una vez al mes la sala de cine de Tabakalera. El 30 de enero proyectarán La Haine (1995), de Mathieu Kassovitz.
Bono de cine 2025 y venta de entradas
El bono de cine de Tabakalera se renueva por otro año, y ofrecerá a los/as usuarios/as la entrada por120€ a 40 películas de entre todas las programadas por las instituciones socias de la pantalla compartida a lo largo de 2025: Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera, a excepción de las películas programadas durante el Festival de San Sebastián de 2025.
Un año más, la compra del bono incluye una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: AEBetako western post-klasikoa eta garaikidea o la citada Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine.
El bono se podrá adquirir a partir del 20 de diciembre de 2024 a las 12:00 del mediodía, hasta el 31 de enero de 2025 a las 12:00, tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro. También se abrirá en esa misma fecha y hora y en los mismos espacios la venta de entradas ordinarias correspondientes a las proyecciones del mes de enero.
El consumo del bono podrá realizarse desde el 1 de enero de 2025 hasta el 31 de diciembre de 2025 (ambos incluidos), y todas las gestiones vinculadas al bono podrán realizarse tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro: comprar el bono, enviarlo como regalo a otra persona, adquirir entradas para películas con el descuento del bono o consultar el saldo disponible.
Toda la información relacionada con el bono de cine 2025 y las proyecciones previstas para el mes de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.
Pionera del cine de no-ficción japonés, Sumiko Haneda (Dalian, 1926) es una de las pocas mujeres cineastas que ha conseguido hacerse un lugar en un mundo de hombres durante la posguerra, cuando entra a formar parte de los estudios Iwanami, productora de films educativos y punto de encuentro de los mejores documentalistas nipones. En 1976, con Usuzumi no sakura [The Cherry Tree with Gray Blossoms], la cineasta se independiza para producir sus propias películas.
A lo largo de los más de sesenta años en activo, y con una obra filmada que comprende más de cien títulos, Haneda trata temas tan diversos como la preservación de la naturaleza, los artes tradicionales, la desintegración del Japón rural, el envejecimiento de la sociedad o la celebración del trabajo y la creatividad de las mujeres. Con la atención como principal motor, en su obra se filma siempre con la misma pasión, curiosidad y ética de los afectos.
Haciéndose eco del estudio y el reconocimiento creciente hacia la obra de Haneda, el ciclo propone un itinerario cronológico por sus obras más reconocidas que son, mayoritariamente, todavía inéditas en nuestro país.
Fecha:04.12.2024 — 13.12.2024
Organiza: Fundación Japón y Círculo de Bellas Artes
Con el apoyo de: National Film Archive of Japan (NFAJ).
En colaboración con: Filmoteca de Catalunya, Institut Valencià de Cultura.
Agradecimientos: Lumière, Punto de Vista, Il Cinema Ritrovato, Clément Rauger, Moe Shuji, Francisco Algarín
Películas del ciclo
Children in the Classroom
Susumu Hani
Sesiones
Mié 04/12, 19:30
Proyección de The Cherry Tree with Gray Blossoms y presentación de Francisco Algarín Navarro (programador del ciclo)
Acerca de la película
Primer trabajo de Susumu Hani sobre el mundo infantil, en que materializa sus teorías sobre capturar el universo interno de “protagonistas que no actúan”. Inicia toda una corriente documental de posguerra continuada por Sumiko Haneda, que aparece aquí como ayudante de dirección. Rechazada por el Ministerio de Educación japonés, que la había encargado, pero premiada en Japón y en el Festival de Berlín.
Ficha técnica
Dirección
Susumu Hani
País
Japón
Año
1954
Duración
30min
Versión
VOSE
Formato
35mm
The Cherry Tree with Gray Blossoms
Sumiko Haneda
Sesiones
Mié 04/12, 19:30
Proyección de Children in the Classroom y presentación de Francisco Algarín Navarro (programador del ciclo)
Acerca de la película
Hay un gran cerezo llamado «El cerezo de las flores grises» en un pueblo del curso alto del río Neo. Se calcula que tiene más de 1.300 años y el gobierno lo ha declarado monumento natural. Los habitantes de Neo dicen que fue plantado por el emperador Keitai (507-531 d.C.). Se nos presentan muchas historias sobre el cerezo con un apacible acompañamiento de guitarra y con una narración que a veces suena sobrecogedoramente hechizante. El gran árbol con más de mil años de historia y leyendas ha florecido cada primavera, y cada primavera la gente ha admirado su belleza, desvaneciéndose sus pensamientos como los frágiles pétalos arrastrados por la brisa primaveral. La propia cineasta, Sumiko Haneda, se perdió una vez en sus pensamientos mientras estaba sentada bajo las flores de este árbol. La película es como un poema visual en prosa en el que Haneda mantiene una tranquila conversación con el árbol sobre la vida y la muerte. Comienza la conversación presentándose al árbol, pero éste, por supuesto, no responde. Así pues, la conversación es en realidad una reminiscencia pronunciada con un estilo ligeramente pausado. Al preguntarse de dónde viene y adónde va, Haneda capta la naturaleza transitoria de nuestras vidas. La película es una obra exquisita, que describe un mundo onírico que sigue formando parte de nuestra realidad actual.
Ficha técnica
Dirección
Sumiko Haneda
País
Japón
Año
1977
Duración
42 min
Versión
VOSE
Formato
16mm
Ode to Mt. Hayachine
Sumiko Haneda
Sesiones
Jue 05/12, 19:30
presentación de Francisco Algarín Navarro (programador del ciclo)
Acerca de la película
Cerca de la montaña Hayachine, dos grupos de bailarines y músicos interpretan una danza preservada generación tras generación, el kagura, que combina rituales, leyendas mitológicas y episodios históricos. El sinuoso retrato de la vida en estas comunidades abraza un año completo, en que la música (los festivales y las tournées) o la artesanía (la morfología de las máscaras) confluyen con la agricultura (la silvicultura y el cultivo del tabaco) o la arquitectura (la demolición de los tejados de paja).
Ficha técnica
Dirección
Sumiko Haneda
País
Japón
Año
1982
Duración
3h 6 min
Versión
VOSE
Formato
16 mm
Caring for the Elderly with Dementia
Sumijo Haneda
Sesiones
Vie 06/12, 19:30
presentación de Francisco Algarín Navarro (programador del ciclo)
Acerca de la película
Este es el primero de seis documentales que Haneda dedicó a explorar el envejecimiento y las negociaciones entre ciudadanos, autoridades y empresas sobre la práctica de los cuidados y el bienestar social. Haneda fue pionera en los años ochenta en afrontar los problemas de la sociedad envejecida antes de que esta noción se popularizase. Aquí nos introduce en la vida diaria de una institución para pacientes con demencia que defiende un enfoque innovador hacia los cuidados y la autonomía. Su cámara no desatiende las situaciones incómodas, sino que busca abrir ojos y generar conversaciones, por dolorosas que sean.
Ficha técnica
Dirección
Sumijo Haneda
País
Japón
Año
1986
Duración
1h 24min
Versión
VOSE
Formato
16mm
Akiko: Portrait of a Dancer
Sumiko Haneda
Sesiones
Mié 11/12, 19:30
Acerca de la película
Haneda retrata a la excéntrica bailarina y coreógrafa Akiko Kanda, combinando varios temas recurrentes en su filmografía, como la vida de mujeres con gran determinación, el envejecimiento, el mundo del espectáculo, y la pasión y los sacrificios que éste requiere. Este excelente estudio de personaje, tan incisivo como poético, es fruto de una colaboración que derivó en amistad. Veinticinco años más tarde, Haneda dedicará su última película a retratar de nuevo a Akiko, entonces una bailarina incansable a pesar de su lucha contra el cáncer (And Then Akiko Is… A Portrait of a Dancer, 2012).
Ficha técnica
Dirección
Sumiko Haneda
País
Japón
Año
1987
Duración
1h 47min
Versión
VOSE
Formato
16 mm
Woman was the sun. The life of Hiratsuka Raicho
Sumiko Haneda
Sesiones
Jue 12/12, 19:30
Acerca de la película
Tributo a una figura fundamental en la historia del feminismo en Japón: la escritora, periodista y activista política Raichô Hiratsuka (1886-1971). Hiratsuka ocupó una posición de liderazgo en los movimientos y las publicaciones por los derechos de las mujeres en el Japón de principios del siglo XX y su trabajo ejerció un papel esencial en la configuración del movimiento feminista en el país, desafiando el statu quo e influenciando en generaciones sucesivas de feministas. La película de Haneda no es solo un relato biográfico de la vida de Hiratsuka, sino también una exploración reflexiva del contexto sociocultural de la época y del movimiento feminista japonés.
Ficha técnica
Dirección
Sumiko Haneda
País
Japón
Año
2001
Duración
2h 20min
Versión
VOSE
Formato
16mm
Into the picture scroll. The tale of Yamanaka Tokiwa
Sumiko Haneda
Sesiones
Vie 13/12, 19:30
Acerca de la película
Cautivador y experimental, este documental se adentra en el rico entramado de la historia y la cultura japonesas a través de la mirada del arte clásico. La película despliega meticulosamente la historia legendaria de Lady Tokiwa, asesinada por unos bandidos cuando se dirigía a visitar a su hijo samurái, un popular relato en el teatro de marionetas inmortalizado en antiguos pergaminos pintados hace cuatrocientos años y considerado hoy patrimonio nacional. El filme combina una fotografía exquisita, que traspone fotograma a fotograma las pinturas estáticas del pergamino, con la reconstrucción de la biografía del autor Matabei Iwasa, y una banda sonora de nueva composición con narración cantada y música de shamisen.
Xerophtalmie (Akihiko Morishita, 1984), Movie watching (Jun’ichi Okuyama, 1982) i Xerophilie (Akihiko Morishita, 1984)
Esta sesión, un acercamiento al cine de vanguardia japonés de los años setenta y ochenta, reúne la obra de las figuras tutelares de aquella vanguardia con la de artistas prácticamente invisibilizados. El cine ilusionista y lúdico de estas tres generaciones de cineastas combina la representación del paisaje con el análisis minimalista del dispositivo cinematográfico.
Partiendo del mar como motivo (The Pacific Ocean, Heliography, 3···, Walking Works), de la indagación sobre la mecánica del cine (Xérophtalmie, Xérophilie, Spacy, A Man Playing Movie, Wiper) o de una inusitada combinación de ambas aproximaciones (Movie Watching, The Time Slit), las películas de este programa construyen visiones ampliadas que solo posibilita una cámara. Sin embargo, a pesar de las tonalidades compartidas, en esta sesión también se despliega una ecléctica variedad de métodos y referencias de estos cineastas. Takahiko Iimura condensa una travesía por el Pacífico en la ilusión de un único horizonte. En sus desafíos fisiológicos, Hiroshi Yamazaki altera el eje vertical de la visión o reitera un persistente encuadre a lo largo de diferentes distancias o coordenadas. Itaru Kato y Takashi Ito elaboran sus trampantojos y divertimentos enmascarando o confundiendo imágenes fijas y en movimiento, explorando así la relación entre profundidad y superficie. Del letrismo a Fluxus, Akihiko Morishita encuentra en la referencialidad la ironía con la que construye sus sarcásticos collages. Finalmente, Jun’ichi Okuyama pone en abismo los engranajes de la proyección y sus posibles interferencias, componiendo así analogías líricas asombrosas.
The Pacific Ocean, Takahiko Iimura, 1971, sin sonido, 11 min; Heliography, Hiroshi Yamazaki, 1979, 6 min; Movie Watching, Jun’ichi Okuyama, 1982, sin sonido, 12 min; 3···, Hiroshi Yamazaki, 1984, 5 min; The Time Slit, Jun’ichi Okuyama, 1989, 6 min; Xérophtalmie, Akihiko Morishita, 1984, sin sonido, 9 min; Walking Works, Hiroshi Yamazaki, 1983, 5 min; Xérophilie, Akihiko Morishita, 1984, sin sonido, 9 min; Spacy, Takashi Ito, 1981, 9 min; Wiper, Itaru Kato, 1985, 7 min; A Man Playing Movie, Jun’ichi Okuyama, 1986-87, 10 min.
Proyección en 16 mm.
Copias procedentes de Light Cone (Francia) e Image Forum (Japón).
Agradecimientos a Kenji Kadowaki.
Fecha: 20 febrero 2025
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
• Fata Morgana (Vicente Aranda, 1966). Int.: Teresa Gimpera, Marianne Benet, Antonio Ferrandis. España. 35 mm. VOSFR. Color. 84’ • La ocasión (José Ramón Larraz, 1978). Int.: Javier Escrivá, Teresa Gimpera, Ángel Alcáraz. España. 35 mm. Color. 85’
Dedicamos este programa doble a nuestra madrina, la única e irrepetible Teresa Gimpera, que nos acompañó en el nacimiento de «Sala:B» y nos dejó el pasado verano. Sirva este homenaje como prueba de nuestro agradecimiento y eterna fascinación por su trabajo.
Empezamos con Fata Morgana porque fue el debut de la Gimpera y porque marcó el camino para un cine fantástico diferente, que encontraría terreno fértil en Cataluña y hasta una sede permanente. Gim, el papel que ella interpreta, inaugura un modelo de mujer ajeno a la filmografía de la época, un icono de feminidad múltiple: bruja, femme fatale y final girl todo en uno. Fata Morgana, dirigida por Vicente Aranda y escrita por Gonzalo Suárez, desafió las convenciones del cine español, poco o nada preparado para este chute de modernidad. La película se inscribe en el cine experimental y de autor de los años 60, dando pie a lo que se conocería como Escuela de Barcelona, pero sus conexiones con el cine de serie B son innegables, especialmente en lo que respecta a la ciencia ficción, los escenarios futuristas y el uso de estética de comic. Aranda toma elementos propios de la cultura pop como los ambientes opresivos, los personajes casi robóticos y la narración esquemática, para hacer una crítica existencial sobre la sociedad y la despersonalización del mundo moderno.
En La ocasión de José Ramón Larraz, otro habitual de esta sala, la Gimpera retoma ese modelo femenino en un contexto completamente diferente. Ella ya ha superado su etapa de musa de la gauche divine y el cine de la Transición permite que el erotismo y la violencia dejen de ser una fantasía en las pantallas españolas. Ahora, los deseos de aquella mujer prototípica se desvelan y se explicitan en clave de serie B sin artificios. Este thriller psicológico con tintes eróticos combina los temas del deseo, la traición y la tensión entre clases sociales, muy afines a Larraz. Un empresario rancio (Simón Andreu) y su esposa (Teresa Gimpera) se mudan a una casa de campo aislada donde empiezan a desarrollarse ambiguos juegos de seducción y tensión sexual con un joven “pasota” que no desentonaría en la familia Manson.
Presentación a cargo de XXXXXX y Álex Mendíbil, comisario de Sala: B. Duración de la presentación 15’. (Total sesión: 185’)
Como cada año, el Museo Reina Sofía y Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, organizan un ciclo que se extiende durante dos meses en otoño y que, en esta ocasión, está dedicado a la relación entre cine y esperpento. Este ciclo se desarrolla de forma paralela a la exposición Esperpento. Arte popular y revolución estética, muestra organizada por el Museo Reina Sofía que se podrá visitar hasta el próximo 10 de marzo.
Comisariado por Chema González (Museo Reina Sofía), y Miranda Barrón y Carlos Reviriego (Filmoteca Española), el ciclo se divide en dos amplios programas, cada uno en una sede. En Filmoteca Española, un ensayo sobre el cine español a partir de esta categoría estética. En el Museo, versiones contemporáneas del esperpento en el cine y vídeo más reciente y heterodoxo realizado en España, Portugal y América Latina.
Seminario online en directo 30 de noviembre, de 10.30 a 14.30h
Presentación Sin duda, el alemán Werner Herzog es uno de los artistas cinematográficos más complejos y apasionantes de la actualidad. Con una obra que supera los sesenta títulos, entre films de ficción, documentales y telefilmes, Herzog empezó su carrera al calor del llamado “Nuevo Cine Alemán” —junto a Volker Schlöndorff, Rainer Werner Fassbinder, Margarethe von Trotta o Hans-Jürgen Syberberg—, convirtiéndose en uno de sus más destacados representantes gracias a películas como También los enanos empezaron pequeños (1970), Aguirre, la cólera de Dios (1972), El enigma de Kaspar Hauser (1974), Stroszek (1977) o Nosferatu, vampiro de la noche (1979). Posteriormente, a partir de Fitzcarraldo (1982), su constante deseo de experimentación y búsqueda de nuevos espacios cinematográficos y filosóficos —«Hay estratos muy profundos de verdad en el cine, una verdad poética, extática. Es misteriosa y esquiva, y solo se puede alcanzar a través de la invención, la imaginación y la estilización»—, le han llevado a reinventar el cine documental y el mismo cine de ficción, con Lecciones en la oscuridad (1992), La cueva de los sueños olvidados (2010), Teniente corrupto (2009) o Queen of the Desert (2015).
Objetivo Desarrollar la sensibilidad estética a través de la mirada de Antonio José Navarro.
Metodología El seminario se imparte en directo por videoconferencia. Se visualizan y comentan escenas de la filmografía de Herzog, seleccionadas por Antonio José Navarro.
Impartición Antonio José Navarro es crítico e historiador de cine, miembro de la Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) y de la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC). Ha escrito sobre cine en diversos medios como Dirigido por, Imágenes de Actualidad, Time Out Barcelona o El Periódico de Catalunya. Ha publicado diversos libros de cine como El imperio del miedo. El cine de horror norteamericano post 11-S (2016), Choque de titanes. 50 películas fundamentales sobre la Guerra Fría (2017), y la Guerra contra el Terror (2021) o El banquete infame. Representaciones del canibalismo en el cine (2022).
Al hilo de la reciente publicación de su ensayo Los pasadizos secretos para la colección «Breus del CCCB», la cineasta y programadora Elena Duque presenta un programa de animación experimental con piezas icónicas de diferentes estilos, épocas y procedencias, que dan una idea de la riqueza de este género.
En una de las definiciones de la animación más célebres y difundidas de la historia, Norman McLaren dice que «lo que pasa entre cada fotograma es mucho más importante que lo que hay en cada fotograma. La animación es por tanto el arte de manipular los intersticios invisibles que hay entre fotogramas». En esos intersticios invisibles, pasadizos secretos ocultos en las películas hechas fotograma a fotograma, se esconde el trabajo de quienes hacen animación, que se nos sustrae con el fin de crear esas imágenes en movimiento imposibles. Los pasadizos secretos. Apuntes sobre animación experimental, libro recientemente publicado en la colección «Breus del CCCB» al hilo del catálogo del Archivo Xcèntric, traza una historia del cine de animación en base a esta idea fijándose en la labor manual de las animadoras y animadores, personas poseedoras de un tipo de inteligencia singular capaz de ver las posibilidades infinitas que esos tiempos ocultos ofrecen.
Programa:
Ko-Ko’s Earth Control, Dave Fleischer, EE.UU., 1928, 35mm a digital, 8’; Wall, Takashi Ito, Japón, 1987, 16 mm, 7’; Hus, Inger Lise Hansen, Noruega, 1997, 16 mm, 7’; Persian Pickles, Jodie Mack, EE.UU., 2012, 16 mm, 3’; The Dante Quartet, Stan Brakhage, EE.UU., 1987, 16 mm, sin sonido, 6’; Recreation, Robert Breer, EE.UU., 1957, 16 mm, 2’; Frank Film, Frank y Caroline Mouris, EE.UU., 1973, 16 mm a digital, 10’; Bang!, Robert Breer, EE.UU., 1986, 16 mm, 10′; Selfportrait, Maria Lassnig, Austria, 1971, 16 mm a digital, 4′, VOSC.
Proyección en 16mm y digital. Copias procedentes de Light Cone excepto Selfportrait (Sixpackfilm), Ko-Ko’s Earth Control y Frank Film.
Notas del programa:
Max y Dave Fleischer fundaron un estudio de animación en los años veinte, aplicando una imaginación sin par a su serie Out of the Inkwell, protagonizada por un payaso llamado Koko que se escapa del tintero del dibujante. Esta mezcla del mundo real y el animado ofreció a los hermanos oportunidades para desarrollar su ingenio. En «Ko-Ko’s Earth Control» vemos cómo la mano del dibujante hace nacer al dibujo animado, en un trabajo que termina siendo inusitadamente vanguardista: no solo prefigura un fin del mundo climático, sino que se adelanta a los flicker films, ofrece un ejemplo primigenio de animación de collage y hasta emplea la pixilación, una forma de animación que usa seres humanos. Si la mano del creador en pantalla sirve a los Fleischer para unir sin fisuras la imagen real y la animada, en el caso de Wall, de Takashi Ito, sirve para revelar el «truco» de la película sin por ello anular su magia. Ito crea espacios imposibles refotografiando cuadro a cuadro fotografías fijas impresas en papel, manipulando así la geometría de las calles y edificios a su antojo.
Moldear el mundo a gran escala, hacerlo bailar un baile nuevo, es lo que hace Inger Lise Hansen en Hus. Animando una cabaña de madera a escala real en el desierto californiano, Hansen introduce otro elemento que revela su intersticio invisible: la luz natural, cuyo movimiento nos hace tomar consciencia del paso del tiempo al animar. Usando también elementos de la realidad, emprendemos un viaje hacia la abstracción. Jodie Mack crea películas estroboscópicas con elementos domésticos y populares como encaje, telas estampadas, mantas y tie dye. En esta ocasión, el estampado de «bacterias» o paisley, un cliché de la moda de los sesenta, le sirve para crear un trabajo rigurosamente plástico (que también juega con el sonido) que a la vez reflexiona sobre esta cultura de la mercancía barata, los deshechos del capitalismo y la división entre el Arte con mayúsculas y lo vulgar y cotidiano. Esta abstracción hecha con materiales de uso tiene que ver con la pintura, al igual que una de las películas pintadas más importantes de Stan Brakhage: The Dante Quartet. En este caso, el trabajo material se vuelca sobre la tira de película que Brakhage pinta con inspiración del expresionismo abstracto y de su investigación de los mecanismos de la visión, en un momento en el que su técnica se refina también gracias al trabajo posterior en impresora óptica.
Robert Breer, originalmente pintor, también se dedica a experimentar con la percepción, y en concreto a lo que ocurre con la rápida alternancia de fotogramas dispares. En la ráfaga veloz que es Recreation, Breer comprime trozos de cartulina, pintura, herramientas, guantes y hasta trozos de pan que se funden en un collage creado en nuestros propios ojos. La abstracción va volviendo al mundo real, y a las posibilidades azarosas de la combinatoria de fotogramas sobre la percepción. La animación de collage, de la que Breer es pionero, es lo que usan Frank y Caroline Mouris en la acumulación obsesiva de recortes de objetos similares clasificados de acuerdo a un hilo autobiográfico, el de Frank, en el que habla de su encuentro con la animación al tiempo que dibuja un retrato de los Estados Unidos consumistas de la postguerra a través, precisamente, de los anuncios coloridos de esos objetos que prometían felicidad y bienestar.
Con los años, la experimentación rigurosa de Breer se va fundiendo en una combinación alquímica perfecta con un componente personal casi diarístico. En Bang!, Breer recupera sus dibujos y obsesiones de infancia en una película en la que caben momentos de flicker, «continuidad discontinua», rotoscopia, crisis existenciales y teléfonos con patas. Y justamente esa capacidad de la animación para expresar lo inexpresable es lo que nos ofrece nuestro último pasadizo secreto: los muy particulares «dibujos animados» de la pintora austriaca Maria Lassnig, que en este autorretrato nos confía los pensamientos y sentimientos particulares y específicos de una mujer volcada en el trabajo creativo.
Fecha. 24 noviembre 2024
Horario. 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Orloff y el hombre invisible (La vie amoureuse de l’homme invisible, Pierre Chevalier, 1971). Int.: Howard Vernon, Brigitte Carva, Fernando Sancho. Francia. 35 mm. VOSE*. Color. 82’
La tumba de los muertos vivientes (Jess Franco, 1982). Int.: Manuel Gelin, Eduardo Fajardo, Lina Romay. España. 35 mm. Color. 87’
En esta noche de brujas, ya tradicional en «Sala:B», sesión doble de miedo para homenajear a una de las productoras por excelencia de la serie B en este continente: Eurociné.
La tumba de los muertos vivientes, dirigida por Jess Franco y coproducida por Eurociné, es una película de zombis nada convencional. Por un lado, parece subirse al carro del zombi italiano de Fulci y compañía, o de El lago de los muertos vivientes de Jean Rollin para Eurociné, pero lo que interesa a Jess claramente no es eso, incluso se burla de ese tipo de gore adolescente. Él pone el foco en un romanticismo decadente y exótico, más cercano al zombi de Tourneur (Yo anduve con un zombie) y a las pasiones más allá de la tumba de las leyendas de Bécquer. Es en la versión española, que cuenta además con Eduardo Fajardo como protagonista, donde se aprecia mejor esta intención, unida a unos fantásticos paisajes desérticos fotografiados por Juan Soler en Gran Canaria. Hay que recordar que el cine de terror en España le debe a Eurociné su primer gran éxito internacional, Gritos en la noche de Jess Franco (1961), que marcó una fructífera relación de unas treinta películas entre el director, Marius Lesoeur y su hijo Daniel, actual director de la productora.
Seguimos con una de las secuelas de aquel bombazo que originó la saga del Dr. Orloff, esta vez dirigida por otro habitual de Eurociné, Pierre Chevalier. Orloff y el hombre invisible continúa la senda de lo que algunos llaman Horrotica, una mezcla de terror gótico y erotismo ligero que la productora explotó a fondo. El título en francés era más explícito, aunque poco apropiado: La vida amorosa del hombre invisible. Este episodio, el único no dirigido por Jess Franco, ha sido muy maltratado por crítica y fans, pero visto en 35 mm y no en las típicas copias machacadas de VHS permite apreciar unas cualidades estéticas y oníricas que merecen más atención. Además, tener a Paco Valladares como galán frente al icónico Howard Vernon (Orloff) es otra anomalía indescriptible de la película.
Presentación a cargo de Daniel Lesoeur, productor y presidente de Eurociné, y Álex Mendíbil, comisario de Sala: B. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 185’)
En colaboración con el Festival Alud, organizado por Crater-lab, Xcèntric presenta una sesión a cargo del artista estadounidense Bruce McClure, conocido por sus potentísimas performances en las que los intensos efectos sonoros y lumínicos generados por proyectores de 16 mm intervenidos generan en el público experiencias físicas e inmersivas. La sesión de performances incluirá Textiles Past and Prologue (2006-2024, 17 min) y Ventriloquent Agitators (2010, 43 min), dos piezas que, en palabras del artista, «proponen alternativas a las condiciones cinematográficas convencionales de una de película de 16 mm enhebrada en un proyector. La primera es sustractiva en el sentido de que se quitan el soporte y la ventanilla de película para liberar la película de «las garras» del proyector, lo que da como resultado una caída libre de plástica deformación. La segunda es una disposición aditiva que utiliza placas de metal insertadas en el mismo soporte de película para definir otros límites posibles de distancia focal entre la ventanilla, la película, los intervalos, etc. En ambas obras, el sonido –a menudo denostado por los puristas del cine por no ser esencial para la imagen– se activa en la lámpara de sonido en la segunda fase del proyector: el sistema óptico de sonido. Una vez más, se nos presentan dos operaciones. En la primera, las formas de onda capturadas y sincronizadas con imágenes en la película se deslizan en una narración más bien plana pero fiel, indiferente a las perturbaciones del público en la pantalla. En la segunda, los límites entre la base de la película y la emulsión, la ausencia o presencia de imagen en el sustrato de la película, crean señales electrónicas asincrónicas que son procesadas por el proyeccionista en una matriz de pedales de efectos de guitarra que libera una transmisión asertiva.»
CONSIDERANDO LAS COSAS QUE NO SON COMO ERAN
En su libro Elogio de las sombras, Junichiro Tanizaki describe el placer que siente al ver un baño tenuemente iluminado e impecablemente limpio en un templo de Nara o Kioto. Continúa describiendo la belleza del cuarto japonés y de cómo depende de una variación de sombras. Sombras densas contra sombras claras, no hay nada más. Según Tanizaki, los occidentales se asombran de la sencillez de las habitaciones japonesas, ya que no ven en ellas más que paredes cenicientas desprovistas de adornos. La reacción es comprensible, pero delata la incapacidad de comprender el misterio de las sombras. Junichiro Tanizaki, que murió hace muchos años, es un misterio para mí. Ya que no podemos pedirle que explique sus ideas sobre la apreciación de las sombras en el pensamiento y los edificios occidentales, propongo este taller, dirigido tanto a especialistas como a profanos, sobre los matices del sombreado y la coloración de la imagen fotográfica y la tecnología del sistema de sonido óptico que le es inherente. Todos los estudios de cine tienen una biblioteca de «efectos de sonido» grabados en celuloide. Con un fonógrafo de celuloide ahora es posible controlar la amplitud y la frecuencia de cualquiera de estos sonidos y de darles ritmos inimaginables. Con cuatro fonógrafos de celuloide, podemos componer e interpretar un cuarteto para motor de explosión, viento, latido y desprendimiento. Queremos captar y controlar estos sonidos, y usarlos, no como efectos de sonido, sino como instrumentos musicales. Película fotoeléctrica y medios mecánicos para la producción sintética de música y juegos de sombras. El proyector de 16 mm es el elefante en la habitación que debe ser domesticado por el proyeccionista y, a su vez, por el público atenuando sus pasos. El gigante avanza con pesadez a la velocidad de la luz y del sonido por un lugar desprovisto de límites, no aquellos en los que algo se detiene, sino donde algo comienza. Más allá de las convulsiones de la superproducción puede nacer un estado de calma en el que toma forma un mundo sin productos ni desechos, una zona en la que la mente es energía y materia prima y también producto final, el único objeto intangible para el consumo. Para distinguir las cosas más simples de las más complejas, y para ordenarlas, debemos notar, en todas y cada una de las series de cosas en las que deducimos directamente verdades de otras verdades, cuál es la más simple, y luego notar cómo todas las demás se encuentran a mayor, menor o igual distancia de ella. Solo en la oscuridad tu sombra es clara. Pienso en los cines, trucos panorámicos con multitudes inclinadas hacia alguna escena intermitente nunca revelada, pero precipitada de nuevo, anunciada a otros ojos en la misma pantalla.
OH, NO
Si caminas lo suficiente, llegarás; y cuando llegues te ofrecerán un lugar para sentarte solo para ti, en una silla bonita, y todos tus amigos estarán allí, sonriendo, y ellos también tendrán su lugar.
Bruce McClure
Fecha: 27 octubre 2024
Horario: 18.30
Espacio: Sala Raval
Precio: 4 € (3 € reducida)
Entrada reducida: carnet docente -enseñanza obligatoria-, parados, familias numerosas/monoparentales y jubilados con la tarjeta rosa.
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
El paleontólogo José Luis Sanz (Universidad Autónoma de Madrid) es uno de los grandes expertos en dinosaurios y, concretamente, un estudioso de la persistente atracción que estos grandes reptiles han ejercido desde sus orígenes sobre el cine y sobre la cultura popular en su conjunto. Del mismo modo que el invento de los Lumière presenta esa turbadora doble faz que aúna lo científico con lo fantástico, lo imaginario con lo real, en la permanente dinomanía (incluso entre jóvenes y niños) juega sin duda un papel fundamental esa razonable convivencia de lo mitológico con lo natural. De la mano del paleontólogo, propondremos una pequeña historia del cine sobre dinosaurios, desde los tiempos del cine mudo hasta la actualidad. La sesión inaugural (12 de septiembre) irá precedida de una conferencia de acceso libre, en la que el paleontólogo presentará las cinco películas que componen el ciclo.
Fecha: 12.09.2024 — 19.09.2024
Películas del ciclo
El mundo perdido (Harry O. Hoyt 1925)
Una expedición científica británica viaja a una remota meseta de la selva brasileña. Allí encuentran hombres prehistóricos y toda clase de dinosaurios en esta adaptación de la famosa novela de Sir Arthur Conan Doyle. Los efectos especiales corrieron a cargo de Willis H. O’Brien, un pionero de la animación en el cine que desarrolló la técnica de simular la animación por medio de figuras de goma con estructuras metálicas que se movían unos milímetros para cada fotograma.
Jue 12/09, 20:30. A las 19h conferencia de introducción al ciclo a cargo de José Luis Sanz
King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack 1933)
Un equipo de cine va a rodar una película a la misteriosa isla de Teschio, al este de Sumatra. Allí los recién llegados descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ancestral que secuestra a la atractiva Ann, la actriz protagonista, para ofrecerla en sacrificio ritual a King, un gigantesco gorila.
Vie 13/09, 19:00
El monstruo de tiempos remotos (Eugène Lourié 1953)
El mítico Ray Harryhausen dirigió los efectos especiales de esta clásica cinta de ciencia-ficción basada en un relato de Ray Bradbury «La sirena». Tras un experimento nuclear, un deshielo provoca la vuelta a la vida de un dinosaurio, que sembrará el pánico entre la población.
Mar 17/09, 19:30
Hace un millón de años (Don Chaffey 1966)
En tiempos prehistóricos, los hombres se guian por sus instintos de supervivencia, compitiendo contra los grandes depredadores y las tribus rivales. En una de ellas, Tumak es expulsado de su clan, el Pueblo de las Piedras, por haberse peleado con su padre. Tras vagar durante días, es salvado por el pacífico Pueblo de las Conchas, y allá Tumak se enamora de Loana, uno de sus miembros.
Mié 18/09, 19:30
Parque Jurásico (Steven Spielberg 1993)
Bienvenidos… a Jurassic Park. Los dinosaurios vuelven a caminar sobre la tierra en una de las obras más queridas y recordadas de Steven Spielberg, adaptación de la magnífica novela de Michael Crichton. Suyo es el honor de haber definido en nuestro imaginario al todopoderoso T-Rex y a los icónicos Velociraptores y que la melodía de John Williams suene en nuestras cabezas siempre que recordamos este título. El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.
Lucecita (José Luis Madrid, 1976). Int.: Analía Gadé. Juan Luis Galiardo, Susana Estrada. España. 35 mm. Color. 96’
Me olvidé de vivir (Orlando Jiménez Leal, 1980). Int.: Julio Iglesias, Isa Lorenzm Carol Lynley. España. 35 mm. Color. 90’
Iniciamos temporada con un programa doble intenso y melodramático, fascinados por la publicación de Criaturas estáticas, un repaso a la historia de la fotonovela y una recopilación de sus mejores páginas.
Empezamos con Lucecita, dirigida por José Luis Madrid, alumno de la EOC especializado en serie B, que reunió a un reparto lleno de caras conocidas: Analía Gadé, Juan Luis Galiardo, Susana Estrada, Narciso Ibáñez Menta o el gran Eduardo Fajardo. Lucecita, una humilde empleada doméstica, trabaja en una casa de alta alcurnia. Su vida se complica cuando conquista el corazón de Gustavo, despertando el desprecio y el odio de las mujeres de la casa. Estamos ante un vodevil lleno de bajas pasiones, mentiras, traiciones y sofocos varios, como necesita toda buena telenovela, origen de este auténtico fenómeno intercontinental. Su autora original, la escritora cubana Delia Fiallo, fue una de las reinas del género, responsable además de enganchar a la España de los noventa con Cristal. Como recuerda Manuel Moreno, autor junto a Maite Zabaleta de Criaturas estáticas, “Lucecita fue una de las fotonovelas más vendidas en los años 70 en España, pero también fue radionovela y película, así como merecedora de libros en los que la intelectualidad intentaba, en vano, entender su éxito.” Como pasa con la serie B, estaba mal visto hacer fotonovelas, radionovelas y telenovelas, pero muchos actores y guionistas sobrevivían gracias a ellas, normalmente con seudónimos.
Había fotonovelas de todo tipo, no solo románticas, también de acción, de terror, de humor y hasta de vidas de famosos. Julio Iglesias tuvo su propia fotonovela y es el protagonista de nuestra segunda película: Me olvidé de vivir, una apología del latin-lover mezclada con un largo comercial de viajes. Según Moreno: “Si en La vida sigue igual Julio Iglesias fue protagonista de su propio biopic, en Me olvidé de vivir protagonizaba una ficción que encajaba perfectamente con sus letras y con el personaje que sus fans se habían creado, digno de fotonovelas.”
Presentan la sesión la actriz Susana Estrada, Manuel Moreno, editor, escritor y coleccionista de revistas baratas, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10’. (Total sesión: 190’). Antes de la proyección, de 19:30 a 20:00 en el hall del Doré, tendrá lugar la presentación del libro Criaturas estáticas (Libros Walden), de Manuel Moreno y Maite Zabaleta, que contará con la presencia de Manuel Moreno y la editora Ruby Fernández.
