La Semana Internacional de Cine de Valladolid inaugurará la 62 edición el próximo 21 de octubre con el largometraje La librería (The Bookshop), de la directora Isabel Coixet, coproducción de España junto a Reino Unido, protagonizada por Emily Mortimer, Bill Nighy y Patricia Clarkson. Esta película es una adaptación al cine de la novela homónima de Penelope Fitzgerald que hace de una librera y su pequeña tienda de libros en una localidad costera de la Inglaterra de los años 50 los protagonistas del relato.
Isabel Coixet regresa al festival tras clausurar la 60 edición de Seminci con su anterior película Nadie quiere la noche, que presentó junto a la actriz Juliette Binoche, protagonista de dicho film y galardonada con la Espiga de Honor del certamen. La directora debutó en 1989 con Demasiado viejo para morir joven, en 1996 rodó Cosas que nunca te dije y en 1998 estrenó A los que aman. En 2000 fundó su propia productora, Miss Wasabi Films. En 2003 logró el éxito internacional con Mi vida sin mí y en 2005 dirigió La vida secreta de la palabras, con cuatro premios Goya entre ellos el de Mejor Película. Ese mismo año es la encargada de realizar el spot conmemorativo para el 50º Aniversario de Seminci.
Con Elegy, rodada en Estados Unidos y protagonizada por Patricia Clarkson y Ben Kingsley, participó en el Festival de Berlín en 2008 y en Cannes, un año más tarde, con Mapa de los sonidos de Tokio. Este año 2009 también es galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes. En 2011 logró un nuevo Goya, esta vez al Mejor Documental, por Escuchando al juez Garzón. Un año más tarde dirigió el largometraje Ayer no termina nunca con el que participa de nuevo en Berlín y 2014 rodó Aprendiendo a conducir, teniendo de nuevo como intérpretes principales a Ben Kingsley y Patricia Clarkson.
Supernovas, nuevo ciclo de Seminci sobre jóvenes directoras
‘Mammal’, de Rebecca Daly
La 62 Semana Internacional de Cine de Valladolid incorpora a su programación un nuevo ciclo que, bajo la denominación “Supernovas”, ofrecerá los trabajos de destacadas jóvenes directoras, con los que han conseguido situarse en el primer plano de la cinematografía actual.
Fundamentalmente se trata de directoras que han dirigido su primer largometraje el pasado año, con la excepción de algunos realizadoras que cuentan con una breve trayectoria. A todas ellas les une, sin duda, el talento avalado por el reconocimiento en festivales y las buenas críticas.
El ciclo ofrecerá, entre otros largometrajes, las óperas primas de Sofia Exarchou (Park, premiada en los festivales internacionales de San Sebastián y Créteil), Rachel Lang (Baden Baden, candidata a varios premios en el Riviera International Film Festival y el IndieLisboa), Ralitza Petrova (Godless, seleccionado en más de 20 certámenes internacionales logrando el Leopardo de Oro en Locarno y el Premio Fipresci en Varsovia, entre otros), Nele Wohlatz (El futuro perfecto, Mejor Primera película en Locarno), Sophie Goyette (Mes nuits feront écho, ‘Premio Bright Future’ en Róterdam) y las directoras españolas Elena Martín (Julia Ist, premiada en la sección ZonaZine del Festival de Málaga), Carla Simón (Estiú 1993, Biznaga de Oro en Málaga y Mejor Primera Película en Berlín, entre otros premios) y Nely Reguera (María y los demás, Premio Turia a la Mejor Primera Película y nominación a los Goya para su actriz Barbara Lennie).
Además las segundas películas de Rebecca Daly (Mammal, proyectada en Sundance y premiada en el Santa Barbara International Film Festival) y Milagros Mumenthaler (La idea de un lago, filme con el que ha participado en el Festival de Locarno).
Y para terminar dos nombres que ya se han hecho un hueco en el panorama cinematográfico como son Maren Ade (Toni Erdmann, su tercera película con que la que ha cosechado más de 50 premios en festivales como Toronto, Cannes, San Sebastián, Spitit Awards o en la Academia de Cine Europeo) y Mia Hansen-Love (L’avenir, quinto trabajo de la directora francesa con la que obtuvo el Oso de plata al Mejor Director en Berlín). Con su segundo largometraje, Le père de mes enfants, participó en la Sección Oficial a concurso de la edición de 2009.
Este ciclo se completará con algunos títulos más incluidos en las secciones Oficial y Punto de Encuentro del festival y que se anunciarán en septiembre.
Directoras y largometrajes
Maren Ade (Alemania), Toni Erdmann
Rebecca Daly (Reino Unido), Mammal
Sofia Exarchou (Grecia), Park
Sophie Goyette (Canadá), Mes nuits feront écho
Mia Hansen-Love (Francia), L’avenir
Rachel Lang (Francia), Baden Baden
Elena Martín (España), Julia Ist
Milagros Mumenthaler (Argentina), La idea de un lago
Ralitza Petrova (Bulgaria), Godless
Nely Reguera (España), María y los demás
Carla Simón (España), Estiú 1993
Nele Wohlatz (Alemania), El futuro perfecto
Seminci analizará el cine de Islandia a través de 17 títulos
‘Of horses and men’
Islandia será el país protagonista de la retrospectiva que la Semana Internacional de Cine de Valladolid realizará en su próxima 62 edición, del 21 al 28 de octubre, en colaboración con Icelandic Film Centre.
El ciclo estará integrado por un total de 17 largometrajes como muestra del espléndido momento que goza el cine islandés. Y es que, a pesar de no contar con una amplia producción cinematográfica, el éxito de algunas de sus producciones ha logrado situar a este pequeño país de poco más de 320.000 habitantes en el panorama cinematográfico internacional.
La mayoría de estos realizadores no superan los 50 años, y por citar algunos de ellos junto a los ya mencionados figuran Baltasar Kormátur, uno de los más veteranos; Ragnar Bragason o la directora Valdís Hákonarson, entre otros.
En sus últimas ediciones, la Seminci ha programado y premiado varios títulos islandeses: Volcano, de Rúnar Rúnarsson, que logró el Premio de la sección Punto de Encuentro en 2011; Revolution Reykjavik, de Isold Uggadóttir, Espiga de Oro al Mejor cortometraje en 2012, o Life in a Fishbowl, de Baldvin Z, incluido en la sección Punto de Encuentro en 2014. En la 60 edición, dos títulos de la Sección Oficial eran premiados: Rams, de Grímur Hákonarson, se alzó con la Espiga de Oro, y Fúsi (Virgin Mountain), de Dagur Kári, con el premio al Mejor Actor para Gunnar Jónsson.
La selección de estos 17 largometrajes abarca desde Cold Fever (1995), de Fridrik Thór Fridriksson a The Together Project (2016), de la directora Sólveig Anspach, quien participó en la sección oficial del festival en 1999 con Haut les coeurs!. El ciclo incluye otros títulos significativos, como 101 Reykjavik (2000), con Victoria Abril como actriz principal, o los premiados en diferentes certámenes internacionales Nói Albinói, Hross í oss (Of Horses and Men) o Heartstone.
La muestra proyectará los siguientes títulos:
Cold Fever (Á köldum klaka), Fridrik Thór Fridriksson (1995)
101 Reykjavik, Baltasar Kormákur (2000)
The Seagulls Laughter (Mávahlátur), Águst Gudmundsson (2001)
Noi the Albino (Nói Albinói), Dagur Kári (2003)
Cold Light (Kaldaljós), Hilmar Oddsson (2004)
The Amazing Truth about Queen Raquela (Hinn undursamlegi sannleikur um Raquelu drottningu), Olaf de Fleur, 2008
Country Wedding (Sveitabrúdkaup), Valdís Óskarsdóttir (2008)
Jitters (Örói), Baldvin Z (2010)
Undercurrent (Brim), Árni Ólafur Ásgeirsson, 2010
Our Own Oslo (Okkar Eigin Osló), Reynir Lyngdal, 2011
Either Way (Á Annan Veg), Hafsteinn Gunnar Sigurdsson, 2011
Volcano (Eldfjall), Rúnar Rúnarsson (2011)
Of Horses and Men (Hross í oss), Benedikt Erlingsson (2013)
Metalhead (Málmhaus), Ragnar Bragason (2013)
XL, Marteinn Thorsson (2013)
Heartstone (Hjartasteinn), Guðmundur Arnar Guðmundsson, (2016)
The Together Project (Sundáhrifin), Sólveig Anspach (2016)
proyectará algunos largometrajes de ficción, documentales y cortometrajes más representativos de este movimiento cinematográfico con la Nouvelle Vague como principal influencia. El núcleo de esta Escuela estaba constituido por directores jóvenes, algunos procedentes de la burguesía catalana, que buscaban hacerse un hueco en la industria con producciones que supusieran un revulsivo hacia el cine políticamente correcto. Su nacimiento se sitúa en los años 1966-1967 y tuvo, en realidad, una corta vida como tal, con señas de identidad concretas. De la Escuela de Barcelona surgieron destacadas figuras del cine español, como Gonzalo Suárez, Joaquím Jordá, Jacinto Esteva, Jordi Grau, Pere Portabella, Jaime Camino, Román Gubern, Carlos Durán, José María Nunes, Ricardo Bofill y Vicente Aranda, entre otros.
Brigadoon reafirma la apuesta por los documentales que ha mantenido a lo largo de los años. En la próxima edición se programará Tax Shelter Terrors: The Real Story of Canadian Cult Film, de Xavier Mendik, centrado en la historia del cine de género hecho en Canadá; In the Interstices of Reality or the Films of António de Macedo, de João Monteiro, que revisa la trayectoria del director portugués António de Macedo, del cual también se proyectará una retrospectiva, y el documental español Maníacos de la serie B, de Manuel Valencia y Luis Sánchez Toledo, sobre la historia del fanzine 2000 Maníacos.
Gabe Klinger no solo utiliza un puzle narrativo a través de diferentes puntos de vista sino que también lo hace a un nivel meramente formal intercalando diferentes formatos cinematográficos como Súper 8, 16 mm y 35 mm, Porto se mueve a través de la melancolía, de la instantánea de un recuerdo, el film no deja de ser una oda a la fugacidad, a la memoria de un amor o lo que entienden por tal termino sus protagonistas, un film en donde su escenario cobra una presencia omnipresente en lo referente al relato, Oporto, un conclave territorial portuario de naturaleza húmeda que potenciado por la tenue fotografía a cargo de Wyatt Garfield se erige casi como un personaje más de la historia, elemento escénico este que deviene como una parcial e inequívoca señal de como la película por momentos da la impresión de transitar peligrosamente más a través de la formas que del fondo del relato en cuestión, Gabe Klinger nos vine a contar que el amor es la única materia tangible que ensambla diferentes tiempos perceptivos, no expuestos de una manera convencional o racional y mucho menos precisos y por lo tanto no perfectos en lo relativo a lo que es su cometido, la película nos habla de ello poniendo especial énfasis en la mística de las relaciones sentimentales, un acto que enerva algo tan sumamente etéreo e impalpable como es la diapositiva de un recuerdo cualquiera que por momentos se pierde, en este aspecto lo melancólico se rigüe como elemento de inusitada importancia en la narración, artilugios formales aparte como la muy presente y evocadora música de jazz que así lo atestigua.
no hay mucha información acerca del detonante, lo que importa es la insinuación de que algo va mal, apoyada por una sugerente banda sonora de Brian McOmber y una solvente fotografía a cargo de Drew Daniels se logra confluir logrados momentos de puesta en escena, la buena mano de Trey Edward Shults a la hora de construir tensión a través de la cámara es bien notoria, sin embargo It Comes at Night en cierta manera prescinde de una narrativa como tal, guion y diálogos cobran una importancia muy relativa, evidentemente es una apuesta muy arriesgada que termina derivando en un resultado algo irregular, la sensación de estar ante un mero esbozo o exposición de complicado desarrollo narrativo está muy presente, la solidaridad o la desconfianza de unos personajes ubicados en un escenario y circunstancias limites está bien expuesta pero mal resuelta, de hecho podríamos aseverar que no hay una resolución, pese a un claro posicionamiento de huir de lo que entendemos como terror moderno tampoco ayuda el ver como por momentos se recurre y en parte se abusa de ciertas resoluciones oníricas bastante trilladas dentro del género fantástico, no deja de ser un conflicto de intereses que deriva en una cierta irregularidad, en como una película que se postula como personal caiga en el error de recurrir en ocasiones en lo manido.
Tomasz Wasilewski para bien tiene el acierto de no poner en la historia el énfasis en el tratado político, ya muy utilizado en este tipo de películas, simplemente lo utiliza como una figura omnipresente y en cierta manera percutora de lo que será la acción propiamente dicha, un apartado escénico este que cobra fuelle a través de la fotografía a cargo de Oleg Mutu, habitual apéndice del cine de Cristian Mungiu que aquí otorga al film una tonalidad grisácea que casa casi a la perfección con un estado de ánimo que se erige como casi un leitmotiv más de toda la acción de la que somos testigos.
