Categoría: Libros

Un ensayo que supone la feliz reunión del mejor de nuestros críticos con el genio cinematográfico indiscutible del siglo XX español. El Buñuel de Marías está llamado a ser el libro clásico sobre el cineasta aragonés

Legendario ensayo, interrumpido, pospuesto durante décadas, retomado entre profundas dudas, siempre al borde de quedar para siempre en un cajón, Otro Luis Buñuel responde a una necesidad íntima, la que sentía uno de nuestros mejores y más influyentes cinéfilos, Miguel Marías, por expresar su opinión sobre el más importante cineasta español de todos los tiempos. Este preciso y certero ejercicio de escritura, este acto de clarificación, aleja por un lado a Buñuel del tópico —cimentado por la excesiva bibliografía y las todopoderosas lecturas exógenas, que se apropiaron de su obra ante nuestra acomplejada permisividad— del artista protestatario, cruel, sarcástico, blasfemo y misantrópico, para acercarlo, por otro, y a partir de una continua revisión de sus películas en el tiempo, al estatuto que en esencia lo definió: un cineasta obligado a profesionalizarse en la industria tras el arranque vanguardista de su obra. Se proyecta luz aquí, entonces, sobre ese «otro Luis Buñuel», sin duda el mejor, el que atravesado por un privilegiado sentido del humor y una lúdica consideración del cine como arte narrativo, se dirigió al público para proponerle maneras de ensanchar su sensibilidad y apreciar las bondades de la indeterminación entre lo vivido y lo soñado, lo real y lo imaginario.

«Desde El gran calavera, Los olvidados y Susana, hasta llegar a Nazarín, The Young One y Viridiana, pasando, claro está, por Robinson Crusoe, Él y Ensayo de un crimen, Buñuel se convirtió en lo que nadie se pudo imaginar en 1930, es decir, en un gran cineasta clásico, que conjugaba una inusitada capacidad de narrar con concisión y elegancia con una no menor libertad estructural».

Autor: Miguel Marías, Editorial: ATHENAICA EDICIONES, Páginas: 208

Las memorias del carismático intelectual Fernando Fernán Gómez, que también son las memorias de España en el siglo XX, con un nuevo prólogo de David Trueba.

Estas brillantes memorias, publicadas originalmente en 1987 y ampliadas en 1998, nueve años antes de su fallecimiento, son el gran testamento literario de Fernando Fernán Gómez. Cargado de ingenio y clarividencia, el célebre cómico, como le gustaba denominarse, hace repaso de las más elocuentes anécdotas y los grandes hitos de su vida, que transcurren paralelos a muchos de los eventos fundamentales del siglo xx español: la Guerra Civil, la dura posguerra, la pertinaz sequía cultural, el largo y gris franquismo, el desarrollo y el seiscientos, la Transición, la democracia y la restauración de la monarquía…

Una retahíla de episodios convertidos en aventuras desde su nacimiento, nueve años antes de la proclamación de la Segunda República, hasta el momento en que, pasada la setentena, le pareció estar viviendo sus años de mayor éxito (terminó de escribir el final del texto mientras rodaba El abuelo y La lengua de las mariposas, a las órdenes de José Luis Garci y José Luis Cuerda, respectivamente).

Prologado por el cineasta David Trueba (que se sentó con Fernán Gómez para rodar el documental La silla de Fernando) y cargado de sensibilidad, inteligencia, ironía y sabiduría narrativa, El tiempo amarillo es un testimonio franco, directo, emocionado y sincero que encapsula el sentir de una época al tiempo que reconstruye la vida y biografía de una figura fundamental de la cultura española —actor, director, guionista, dramaturgo, columnista, escritor, poeta…—, personaje público de enorme popularidad e intelectual único, libre y curioso.

Autor: Fernando Fernán Gómez, Editorial: Debate, Páginas: 648

Creada en los años ochenta, la Categoría III es la clasificación de la censura de Hong Kong que prohíbe el acceso a las películas a los menores de 18 años. Convertida en un género por derecho propio, con sus productores estrella, sus actores de culto y sus películas transgénero, dio lugar a un auténtico renacimiento del cine de Hong Kong al producir obras sin concesiones. Ya se trate de las decenas de películas de explotación con tintes pornográficos, de las cintas gore ultraviolentas y muy comprometidas políticamente frente a China o de las primeras producciones que retrataban relaciones homosexuales, el autor analiza en profundidad la riqueza y la profusión de la Categoría III e incluye una extensa filmografía comentada con los títulos más relevantes y curiosos.

Autor: Julien Sévéon, Editorial: Applehead Team, Páginas:

Walter Hill se hizo un hueco en el panorama cinematográfico de los setenta y ochenta gracias a títulos que modernizaban géneros clásicos como el noir, el thriller o el western. Driver, Forajidos de leyenda o las míticas The Warriors. Los amos de la noche y Calles de fuego poseían una estética única y descubrían a un narrador intenso y honesto. Tras la canónica buddy-movie Límite: 48 horas, crítica y público fueron progresivamente dándole la espalda, ignorando las virtudes de fábulas con genuino espíritu serie B como Traición sin límites, Johnny el Guapo o El último hombre. Al igual que los héroes que lo habitan, el cine de Walter Hill ha mantenido siempre su integridad moral, incluso cuando ha ejercido de mercenario, trabajando con estrellas como Schwarzenegger o Stallone, y en su más reciente etapa, ya en los márgenes de la industria hollywoodiense, con peculiares producciones como Dulce venganza o El cazador de recompensas. Alabado por cineastas de nuevo cuño como Tarantino, Edgar Wright o Winding Refn, el presente libro reivindica el conjunto de su obra. Un personal universo de acción y aventuras, donde tiene cabida la potencia del rock’n roll y la melancolía del blues, el artificio de deslumbrantes neones y la majestuosidad de los horizontes crepusculares.

Autor: Francisco Galindo, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 562

Por primera vez se publica en español un libro dedicado a los dos cineastas británicos que alcanzaron la gloria varias décadas atrás y que hoy están injustamente olvidados. Todo el mundo ha visto alguna vez en su vida Los cañones de Navarone, El cabo del terror o El justiciero de la ciudad, pero pocos conocen a los directores que estaban detrás de estas exitosas películas. Tirso Calero se acerca a su universo con admiración, respeto y mucha curiosidad. Para ello, ha logrado entrevistar a actores y productores que trabajaron con estos cineastas, así como a prestigiosos especialistas y críticos de cine. Michael Winner y Jack Lee Thompson despuntaron en su Inglaterra natal. Fueron fichados por Hollywood. Consiguieron buenas críticas con sus primeras películas y luego abrazaron el cine más comercial. Y ambos terminaron al servicio de Charles Bronson en la denostada Cannon. Su pasión era rodar. Buenas, malas o mediocres películas. Lo importante era seguir rodando porque el cine era su vida.

Autor: Tirso Calero, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 236

Agnès Varda (1928-2019) fue considerada en vida una de las mejores y más influyentes directoras de cine del siglo xx. Precursora de la nouvelle vague francesa, su producción cinematográfica es extensísima y de gran valor. Aun así, su legado se está desdibujando con el paso del tiempo. Buena parte de las nuevas generaciones de cinéfilos la desconocen. Normalmente, si acceden a alguna de sus obras, suele ser a los documentales. Ese extremo no tiene nada de malo, pero obvia el grueso de su trabajo ficcional. Este ensayo pretende reflexionar sobre sus menos conocidos filmes de ficción, pero sin abandonar el ámbito documental. Varda fue pionera en atravesar esa barrera difusa entre ambos modos de narrar. Dentro de su obra, indistintamente de géneros o mixturas, aparecen temas que la configuran como una autora universal, pertinente y de actualidad. El papel de la mujer en la sociedad, con referencias explícitas a un feminismo renovador, así como a su derecho a decidir sobre su cuerpo y sexualidad, la libertad del ser humano o lo absurdo de ciertas instituciones sociales son algunos de ellos. Asimismo, destila críticas al consumismo, cariño por los personajes marginales y destellos de memoria convertida en espejo. Popularizar a Varda, valorada hoy solo por un reducto de fieles entusiastas, es algo necesario por la potencia latente en su filmografía. Revisitar sus piezas y dotarlas de un sentido nuevo anhela reparar cierta invisibilización artística, a todas luces injusta, y profundizar en la realidad del arte de nuestro tiempo.

Autor: Juan Laborda Barceló, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 150

Sucio, fuerte y ejecutor. La ley de Harry Callahan es un profundo y concienzudo ensayo que nace de nuestra imperiosa necesidad de rendir tributo a la figura de Harry Callahan, uno de los mayores iconos del cine policíaco estadounidense.

Deteniéndonos minuciosamente en cada una de las cinco películas que componen la saga, hemos procurado analizar con la máxima lucidez posible todos aquellos factores que, a nuestro juicio, contribuyen a definir a nuestro personaje. Pero no sólo eso. Sucio, fuerte y ejecutor. La ley de Harry Callahan también profundiza en los antecedentes cinematográficos de Callahan, en sus secuelas, en su hábitat urbano, en su relevancia como icono pop, en su visión contemporánea y, sobre todo, en sus dos grandes puntas de lanza: Don Siegel y Clint Eastwood.

De lo que no nos cabe ninguna duda, en definitiva, es que Harry el sucio supone un punto de inflexión en la historia del cine policíaco. Para nosotros existe un antes y un después de Harry. Y eso es, precisamente, lo que este libro pretende contaros.

Autor: Xavi J. Prunera y Lluís Nasarre. Textos adicionales: Jaime Vicente Echagüe, Joel Moreno y Ad. Prólogo: Miguel Juan Payán. Portada: Valen García Rodríguez (aka Ron B. Sobbert), Editorial: ‎Applehead team, Colección: Actioner Applehead, Páginas:

Una aproximación original e imprescindible al universo del legendario cofundador de Studio Ghibli, premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2026.

Explora las fuentes de inspiración de las obras de Hayao Miyazaki, uno de los creadores de cine de animación más importantes de todos los tiempos.

Miyazaki es capaz de imaginar y poblar mundos como ningún otro director o creador de animaciones. Sus brillantes películas, como Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro o El chico y la garza, las dos últimas ganadoras de un Óscar, desarrollan una versión completa y fascinante de la realidad.

Este libro explora la creación de esos mundos, conectando su origen con los intereses, las obsesiones y las influencias del director japonés. Al hablar de las ubicaciones geográficas reales citadas por Miyazaki, de sus propias creencias y biografía, del impacto del manga y del anime, de aspectos de la cultura japonesa tradicional y de los muchos escritores, artistas y cineastas a los que admira, esta obra ofrece una nueva manera de entender y disfrutar sus magistrales películas.

Autor: Nicolas Rapold, Traductora, Cristina Zuil, Editorial: ‎Lunwerg Editores, Páginas: 224

Esteve Riambau ha ejercido a lo largo de su vida casi todas las labores relacionadas con el séptimo arte: ha sido crítico e historiador del cine, cronista de los más importantes festivales, jurado en diversos certámenes, profesor universitario y también guionista y director. Esta riquísima trayectoria profesional le ha brindado la oportunidad de conocer y entrevistar a grandes realizadores, así como a actores y actrices internacionales, que en estas páginas aparecen con toda su humanidad y sus flaquezas, retratados siempre con ironía, ternura e ingentes dosis de humor. Estas deliciosas memorias comienzan cuando Esteve Riambau organizaba cineclubes de arte y ensayo en los años setenta y culminan con su efectiva gestión al frente de la Filmoteca de Catalunya. Entre ambos periodos, el lector de esta obra disfrutará con este deslumbrante homenaje a grandes protagonistas de la gran pantalla, desde los creadores de la Escuela de Barcelona hasta el glamur de Hollywood pasando por maestros del mejor cine europeo retratados, en algunos casos, desde una entrañable amistad.

Autor: Esteve Riambau, Editorial: ‎ TUSQUETS, Páginas: 544

Francis Ford Coppola (n. 1939) es una figura ineludible y paradigmática de la generación que vino en llamarse el Nuevo Hollywood, de la que también son insignes miembros Martin Scorsese, Brian De Palma, Steven Spielberg, John Milius o George Lucas. Su carácter indómito y su búsqueda de una libertad creativa absoluta le han llevado a una odisea personal que abarca siete décadas de esfuerzo denodado, en las que ha conocido el éxito más arrollador y el fracaso económico más absoluto. Nieto de inmigrantes italianos llegados a los Estados Unidos de América a principios del siglo XX, Francis Coppola destacó ya en la universidad como uno de los directores más prominentes y audaces de su generación antes de convertirse en guionista asalariado y ganar su primer Oscar por el guion de Patton (1970). Su sueño fue siempre poseer su propio estudio y el inconmensurable éxito de El padrino (1972) facilitó poder cumplirlo, así como el gran triunfo de Apocalypse Now (1979). No obstante, el desastre financiero de Corazonada (1981) le obligó a convertirse en un director de encargo durante diez años. El éxito de su Drácula de Bram Stoker (1992) le ayudó a salir de ese abismo y a recuperar su libertad, fuera ya del ámbito de los estudios y consciente de que su legendario legado es el propio de alguien que nunca se dejó doblegar. Francis Ford Coppola: un soñador rebelde representa el primer título de la colección de Kane Ediciones consagrada a dar cuenta de las obras de los directores del Nuevo Hollywood. Se trata de un ensayo que abarca el análisis de cada una de las películas bajo la dirección de Francis Coppola, desde la experimental Tonight for Sure (1962) hasta Megalópolis (2024), el que se revela su canto de cisne.

El autor

ADRIÁN MASSANET nació el 13 de mayo de 1979 en Madrid. Es autor de los libros de cine La genialidad de las series: El canon de las ficciones televisivas, Mad Max: Páramos de fuego y sangre, The Walking Dead: Una epopeya del siglo XXI (2025). Asimismo ha colaborado en numerosos sitios, en los que ha llevado a cabo tareas de crítica cinematográfica, ensayos relacionados con el cine y seguimiento de festivales internacionales, tales como Blogdecine, Hipertextual, La columnata, Making Of. Actualmente colabora en la Revista Contexto CTXT, en la que ofrece ensayos extensos sobre el cine en todas sus formas.

Autor: Adrián Massanet, Editorial: KANE EDICIONES; Páginas: 374

Los Monty Python no han pasado a la historia solo por haber hecho reír a varias generaciones, sino por haber cambiado desde dentro la manera misma de entender la comedia. Bajo la apariencia de sketches inconexos, humor absurdo y provocación constante, lo que estaba en juego era una inteligencia incómoda, capaz de tensar el lenguaje, ridiculizar la autoridad y poner en evidencia las contradicciones de toda una época. Lo que parecía una sucesión de bromas imposibles terminaba revelándose como una forma nueva de mirar el mundo. Este ensayo se adentra en ese territorio para ir más allá del recuerdo y la admiración. A través de sus orígenes, sus influencias y el contexto cultural que los hizo posibles, Ross Goose reconstruye las claves de un fenómeno que no puede entenderse solo desde el entretenimiento. Desde sus raíces académicas hasta la influencia que ejercieron en la comedia posterior, traza un recorrido entre tradición y ruptura, y muestra cómo el disparate puede convertirse en una herramienta crítica. Lejos de la nostalgia, estas páginas invitan a mirar de nuevo aquello que creíamos conocer y recuerdan que, a veces, la única manera de decir algo serio es no tomarse nada demasiado en serio.

Autor: Ross Goose, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 540

En un periodo que comprende una docena de años, Franklin J. Schaffner (1920-1989) forjó un sólido prestigio profesional en el campo del audiovisual con su participación en la elaboración de más de un centenar y medio de Dramáticos para la denominada Golden Age of Television. Superado con creces los cuarenta años, Schaffner iniciaba una nueva etapa en el medio cinematográfico, llegando a conformar una filmografía en que trató de buscar un equilibrio entre lo comercial y lo artístico. FRANKLIN J. SCHAFFNER: Una leyenda sin nombre representa el primer ensayo publicado en lengua castellana sobre la globalidad de la obra de un realizador que estuvo tras las cámaras de algunos de los films más populares del cine estadounidense pertenecientes al último tercio del siglo XX, como El planeta de los simios (1968), Patton (1970), Papillón (1973) o Los niños del Brasil (1978). Asimismo, el presente volumen contiene, a modo de cierre de la antología dedicada a «La generación de la televisión» en nuestra editorial, un extenso apartado dedicado a cineastas que operaron en una «segunda línea», cuyos nombres —George Roy Hill, Delbert Mann, Ralph Nelson y Stuart Rosenberg— han caído un tanto en el olvido, no así muchas de las películas que rodaron sobre todo desde mediados los años cincuenta hasta finales de los años setenta.

El autor

CHRISTIAN AGUILERA. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.

Autor: Christian Aguilera, Editorial: KANE EDICIONES; Páginas: 376

En el cine, las formas no son un simple envoltorio para el contenido, sino la materia donde verdaderamente laten su sentido y su ética. Este deslumbrante ensayo dialoga con las intuiciones de Jean-Luc Godard, André Bazin, Susan Sontag y Umberto Eco para adentrarse en los misterios de la creación fílmica a partir de estas premisas. Carlos F. Heredero, uno de los pensadores cinematográficos más lúcidos de nuestro país, nos regala el conocimiento destilado tras miles de horas frente a la pantalla y hace tangible aquella intuición gozosa al desentrañar los engranajes más sutiles de algunas películas memorables de la historia del cine y del cine contemporáneo.

A través del análisis de destellos y detalles reveladores en obras de Orson Welles y Martin Scorsese, pero también de Aki Kaurismäki, Víctor Erice, Sofia Coppola, Joanna Hogg, Céline Sciamma, Paul Thomas Anderson o Kelly Reichardt, el texto desgrana cómo la puesta en escena tiene siempre una dimensión ética y moral. Estas páginas configuran un manifiesto vivo, libre de pedantería y profundamente accesible para creadores, estudiantes y espectadores. Un libro que nos devuelve la capacidad de sentir a través del análisis formal, invitándonos a recuperar el hermoso arte de pensar con los ojos.

El autor

Carlos F. Heredero (Madrid, 1953). Historiador y crítico de cine. Es director editorial de la revista Caimán Cuadernos de Cine (antes Cahiers du cinéma. España). Profesor de Historia del Cine en la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y programador de los ciclos de cine de la Fundación Juan March, ha ejercido como crítico en Diario 16, Dirigido por, Cinemanía, Archivos de la Filmoteca y Nosferatu, entre otros medios, y es autor de numerosos ensayos, estudios historiográficos y monografías sobre diversos cineastas.

Autor: Carlos F. Heredero, Editorial: CATEDRA, Colección Signo e imagen; Páginas: 416

Coincidiendo con el estreno del documental Landa (Gracia Querejeta y Miguel Olid, 2026) se recuperan las memorias de Alfredo Landa, brillantemente escritas por Marcos Ordóñez, que desgraciadamente estaban descatalogadas desde hacía mucho tiempo La reedición de Alfredo el Grande y el documental llegan justamente 50 años después del rodaje de El puente, la película de Juan Antonio Bardem, que cambió por completo su trayectoria y dos décadas desde su última actuación, en Luz de domingo, de José Luis Garci.

Autor: Marcos Ordóñez, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 454

¿Qué tienen en común los universos extraños, incómodos y fascinantes de Yorgos Lanthimos?
Este libro propone un recorrido por la filmografía del director griego, figura clave de la llamada Nueva Extraña Ola Griega, con el objetivo de explorar las constantes temáticas, estéticas y narrativas que atraviesan su obra. A través del análisis textual de sus películas, se abordan cuestiones como la violencia estructural, la vacuidad del lenguaje, la búsqueda de una identidad propia y el sinsentido de las normas sociales.
Con un enfoque riguroso pero accesible, el libro ofrece claves para comprender la complejidad del universo lanthimiano y su capacidad para interpelar al espectador desde lo más profundo del desconcierto. Una invitación a adentrarse en un cine que no ofrece respuestas, pero plantea preguntas urgentes.

El autor

Mikel Peña Sarrionandia es profesor en la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea. Licenciado en Comunicación Audiovisual por dicha universidad, cuenta además con un Máster en Edición y Postproducción de Vídeo y es doctor en Comunicación Social. Antes de iniciar su carrera como investigador y docente, trabajó como editor y postproductor en una productora audiovisual, actividad que sigue compaginando en la actualidad con la participación en obras audiovisuales de diversa índole.

Autor: Mikel Peña Sarrionandia, Editorial: UNIVERSIDAD DEL PAIS VASCO; Páginas: 350

En el Museo del Holocausto de Washington DC no se entra con entrada sino con pasaporte. Puedes ser una mujer, un anciano, un joven, un niño o un hombre. Yo he sido Bertha Adler, Aron Dereczynski, Moishe Menyuk y Zalie Waldhorn. He leído sus vidas con detenimiento, siguiendo los pormenores antes de desembocar en las cámaras de gas o en una fosa común después de un fusilamiento. Nunca me dieron el pasaporte de un superviviente porque eso, según los trabajadores que te venden la entrada y te entregan el pasaporte, sería hacer trampa. Este libro quiere ser un recordatorio de todas las personas que puedes ser en el Museo del Holocausto de Washington DC, pero también de todos aquellos cuyo rastro se pierde en las páginas infames de la Historia, contra las que luchan y han luchado algunas de las mejores películas de la historia del cine.

Autor: Hilario J. Rodríguez, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 96

Pedro del Rey del Val (Madrid, 1931), es uno de los montadores de cine con una de las trayectorias más largas en el cine español: medio siglo de oficio en el montaje cinematográfico y más de una década como docente en la ECAM. Fue, además, maestro de montadores que empezaron como ayudantes suyos y luego tuvieron una carrera muy larga, como es el caso de José Luis Peláez o José Salcedo. En 2024 recibió el homenaje de la Academia del Cine en reconocimiento a todos sus años de oficio y en este 2026 recibirá la Medalla de Oro de la Academia del Cine por ser uno de sus miembros fundadores en 1986.

Más de ciento sesenta películas, varias series y numerosos trabajos para publicidad y televisión dan fe de una de las trayectorias más singulares de la historia del cine español. A lo largo de todos sus años de montador, Pedro trabajó con más de sesenta directores, entre los cuales figuran nombres fundamentales para entender la cinematografía de nuestro país. Es, además, el responsable del montaje de títulos como Viridiana, Carmen, Atraco a las tres, Las cosas del querer, La gran familia, El anacoreta, El Dorado o de series como Los gozos y las sombras o Proceso a Mariana Pineda. En este libro de conversaciones, Manuel López Villegas y Luis Esquinas Chanes repasan con Pedro del Rey gran parte de su trayectoria profesional y personal, una gran ocasión para acercarse al arte del montaje cinematográfico de la mano de un gran maestro y mejor conversador. En el primer día la conversación versa sobre sus inicios en el mundo del cine, su forma de entender su trabajo y sus primeras películas como Río Guadalquivir, El cochecito o Los golfos. En la segunda sesión, la charla se centra en su experiencia con directores como Vicente Escrivá, Mariano Ozores, Francisco Regueiro, Manuel Summers o Jorge Grau, entre otros. Y en el tercer día de conversación se adentran en detalles sobre el rodaje y el montaje de películas de directores míticos del cine español como Luis Buñuel, Carlos Saura, Jaime Chávarri.

Autor: Manuel López Villegas, Luis Esquinas Chanes; Editorial: Anexo Editorial, Páginas: 160

En este tercer volumen proseguirás el viaje dejando atrás los 70 y 80 con George A. Romero, Larry Cohen y algunas producciones de ciencia ficción surgidas a rebufo de los grandes éxitos de la década pasada, y entrarás en los 90 de la mano de Tim Burton, hasta llegar al apocalipsis zombi que se desencadenó a principios de este siglo. Por el camino, te sumergirás en los mundos virtuales de “Matrix”; te reencontrarás con el cine del más allá surgido a raíz del éxito de “Ghost”; te cruzarás con Brian De Palma, Sam Raimi o Guillermo del Toro, para terminar con M. Night Shyamalan y Rob Zombie; revivirás los primeros pasos del cine superheroico; recordarás los baños de sangre que llegaron desde Francia; tendrás tiempo de intimar con espectros japoneses y cruentos vengadores coreanos; te embarcarás en la ciencia ficción de Steven Spielberg de primeros 2000. Mononoke y Akira, Hannibal Lecter y John Doe, Frodo y Harry Potter, Buzz Lightyear y Alegría, Darren Aronofsky y Richard Kelly, las Tv Movies de los 70 y “Masters of Horror”, Found Footage y Torture Porn… Un viaje repleto de emociones y sorpresas que partirá de una entrañable criatura de cuento de hadas y nos llevará hasta un implacable ser que nos visita cada veintitrés primaveras ¿Te atreves a acompañarnos? Coordinado por Lluís Vilanova 

Autor: Prólogo: Javier G. Romero; José Abad, Tonio L. Alarcón, Jordi Ardid, J.P. Bango, Álex Barba, Quim Casas, Tomás Fernández Valentí, Sergi Grau, Dario Lavia, Elisa McCausland,Ramón Monedero, Antonio José Navarro, Juan Andrés Pedrero Santos, Joan Renter, David Salgado, Diego Salgado, Álvaro San Martín, Adrián Sánchez, Rubén Sánchez Trigos, Javier Trigales, Joaquín Vallet Rodrigo, Lluís Vilanova; Editorial: Applehead Team, Páginas:

Aclamado en Cahiers du Cinéma como «El cineasta bienamado» por los jóvenes Godard, Truffaut, Rivette y Rohmer, venerado por los cinéfilos, Nicholas Ray supuso por su sinceridad y sensibilidad un guía para quienes iban a hacer un cine personal y nuevo. Sus películas han acompañado a Miguel Marías toda su vida. Y Marías, desde artículos tempranos hasta unas últimas notas redactadas en el presente, con textos antológicos como El ruido y la furia o Nicholas Ray, la antorcha, ha reivindicado su ejemplo y su legado, un cine vivo, arriesgado y palpitante.

Autor: Miguel Marías, Editorial: Confluencias. Colección: Escritos sobre cine por Miguel Marías, Páginas: 154

Pialat, ese animal extraño. Provocador, autodidacta, furibundo. Crítico implacable de equipos y entornos, impiadoso crítico de sí mismo. Al margen de todos los grupos, apartado de todos los ritos. Cineasta tardío, pintor frustrado. Pialat contradictorio, frontal, insoportable. Tiránico y tierno, arrasador y vulnerable. Pialat cancelable y cancelado, recuperado a fuerza de talento que perdura. Siempre igual a sí mismo, siempre rodando la misma y única película. Método-Pialat: ruptura de la lógica lineal del relato, primacía del anclaje espacial, presente continuo, elipsis y plano secuencia, encuadre centrífugo y dinámico, descentralización del sujeto en el plano, rol crucial del fuera de campo, espontaneidad del gesto recogido del fondo emocional de los actores, profesionales y no profesionales, montaje depurado, descargado de cualquier exceso. El montaje, finalmente, como una sucesión, discontinua y dispar, de momentos de gracia, joyas de lo real, a veces tan aciagas. Pialat enamorado de Poussin y Lumière.

Los racimos de gente en Pialat, gente que no se entiende, que no se escucha, que se empuja, se insulta y se golpea, que no logra convivir. La incompatibilidad de la pareja, tan desincronizada; el agujero negro de la familia establecida, omnívora hasta el fin; la necesidad imperiosa de ser amado. Dios que se retira, el arte que no alcanza, el diablo que te espera y te besa en la boca. Empieza la película y el daño ya está hecho. Pialat está en el centro del ciclón, con las velas rotas. Con ese viento que es todavía Pialat nos inclinamos a juntar los pedazos, nos sentamos a imaginar una manera de volver a empezar.

TEXTOS:
Maurice Pialat, cineasta de lo inhóspito / Miguel Ángel Montes Beltrán
Maurice Pialat: el cine y su sombra / Javier Oliva
No volveremos a casa. La Maison des Bois / Fran Benavente/Glòria Salvadó Corretger
Maurice Pialat y el público / Aarón Rodríguez Serrano
Rodar a contracorriente / Irene de Lucas
Agujerear el lienzo / Gonzalo de Lucas
El cine desfondado / Mariel Manrique
Declaraciones de Maurice Pialat
Autoría de los textos

MAURICE PIALAT

(Cunlhat, 1925 – París, 2003). Creció lejos de sus padres, cuidado por sus abuelos. No aprobó el bachillerato. Quiso ser pintor, pero no pudo. Fue director, guionista, novelista, actor. Nunca estuvo en paz. Filmó cortos, diez largometrajes, una miniserie dividida en siete episodios. Se peleó con todo el mundo. Y con el mundo, también. Se excedió en presupuestos, en plazos, en intensidad.

Su obsesión no fue imitar la vida en la pantalla, ni representarla ni dar explicaciones que no tenía ni necesitaba. Persiguió la captura, siempre imperfecta, de instantes efímeros. Si la vida era una sepulturera, que el cine fuera un resucitador. Nada alcanzaba, nada era suficiente. Lo despidieron en Saint-Sulpice, cerca del fresco pintado por Delacroix en el que Jacob lucha contra el Ángel toda una noche. Es la escena de un combate sin tregua, cuyo sentido se revela recién al despuntar el día. Bien podría haber sido filmada por Pialat.

Autor: VV. AA., Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas: 330

El 15 de enero de 2025 una enfermedad pulmonar acabó con la vida de David Keith Lynch en Los Ángeles, California, a los 78 años de edad. Fue uno de los creadores norteamericanos más importantes del arte moderno alternativo: pintor, músico, director y guionista, entre otras facetas de las artes plásticas y el cine. Construyó una obra cinematográfica y artística difícil de clasificar, marcada por la presencia constante de lo onírico, lo inquietante y lo irracional. Este libro recorre ese conjunto heterogéneo de pintura, sonido, materia y narraciones fragmentadas y se centra en los principales hitos de su evolución: los años de formación como artista plástico, el paso al cine independiente con Cabeza borradora, la consolidación con El hombre elefante y Terciopelo azul, su incursión en la superproducción con Dune y la madurez expresiva de obras como Corazón salvaje, Carretera perdida, Mulholland Drive, Inland Empire y Twin Peaks: The Return.

Autor: Pilar Pedraza, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 118

A lo largo de casi cuarenta largometrajes de ficción John Huston (1906-1987) dio muestras suficientes de su capacidad de adaptación a todo tipo de propuestas genéricas (drama, comedia, musical, films de aventuras, etc.), la mayor parte de los cuales basados en material literario, ya sea en forma de novelas o relatos cortos. Lector voraz, asimismo John Huston extrajo de sus experiencias personales en multitud de escenarios naturales elementos dispuestos a quedar integradas a historias que rodó durante la era analógica, quedando al margen de la incipiente era digital al fallecer a finales de los años ochenta, a los setenta y un años de edad. JOHN HUSTON: En la frontera de la vida representa uno de los ensayos más completos publicados en lengua castellana sobre la obra de un cineasta que trabajó para otros directores en calidad de guionista, dialoguista (fundamentalmente durante su primera etapa profesional), actor y productor, mereciendo un par de años antes de su deceso el prestigioso David W. Griffith Award, una distinción que cabía sumar a los dos Oscar obtenidos por su cometido profesional en El tesoro de Sierra Madre (1947), al de Mejor Director y Mejor Guionista. Participada en el cuadro actoral por su padre Walter Huston y su íntimo amigo Humphrey Bogart, El tesoro de Sierra Madre contribuiría a fortalecer la figura de su principal responsable tras las cámaras, capaz de mantenerse en activo durante cinco décadas.

El autor

CHRISTIAN AGUILERA. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.

Autor: Christian Aguilera, Editorial: Kane ediciones, Páginas: 430

Los remakes son algo más que reinterpretaciones de historias conocidas: son el punto de encuentro entre el pasado y las sensibilidades del presente. Este libro analiza cómo el cine y las plataformas audiovisuales transforman narrativas ya vividas en experiencias renovadas que capturan la atención de generaciones distintas. Lejos de ser una mera repetición, el remake se revela como un fenómeno complejo. Desde los héroes que regresan con nuevas capas de significado hasta la reinvención de los clásicos del cine europeo en Hollywood, esta obra recorre las múltiples formas en que este formato reinventa lo familiar para adaptarlo a nuevas audiencias. Con contribuciones de más de quince autores de disciplinas como la filosofía, la sociología, el marketing y la narratología, el libro explora cuestiones fundamentales: ¿Qué impulsa el éxito de los remakes? ¿Qué papel juegan la nostalgia, las tendencias culturales y la tecnología en estas creaciones? El prólogo de Quim Casas y los estudios sobre temas como el impacto del cine en el videojuego, el true crime o las adaptaciones del anime ofrecen una visión detallada y multidimensional. Cada capítulo invita a reflexionar sobre el papel del cine como un espacio donde la memoria colectiva y la innovación se encuentran y dialogan. Un recorrido indispensable para quienes aman el cine y desean comprender cómo las historias evolucionan sin dejar de ser parte de nosotros.

Autor: Jesús López-González, Sergio Rodríguez López-Ros y Alfonso Freire-Sánchez; Editorial: Sílex Ediciones; Páginas: 274

Fundamental para los amantes del cine, Jack Taylor desgrana en estas suculentas memorias, sus vivencias en el mundo del cine, cuando ya ha cumplido 99 años. Debutó en Hollywood, en el show de Jack Benny junto a Marilyn Monroe, pero antes tuvo la oportunidad de estar en rodajes míticos como el de Ha nacido una estrella o que la propia Marlene Dietrich le enseñase a hacer huevos revueltos. Admirado por los amantes del cine, especialmente por los del género fantástico, es muy reconocido por sus trabajos en prestigiosas películas como Necronomicon, The Birthday o La novena puerta, así como sus personajes del Profesor Brown en Mil gritos tiene la noche, el del sacerdote de Cónan, el bárbaro, o el Dr. Knox de Wax. 

Sobre el autor

Jack Taylor (Oregón City, 1926) se dedica desde edad temprana a la interpretación, primero de forma amateur y después, ya profesional, en Hollywood y más adelante, en México. Afincado después en España, desde donde viaja para trabajar en la mayoría de los países europeos, ha sido dirigido como actor por directores como Roman Polanski, André Techiné, Ridley Scott, Joseph L. Mankiewicz o Robert Siodmak. Y como director teatral, ha codirigido en España los montajes Auto de los Reyes Magos y 3 Peregrinas. A nivel literario, sumado a la escritura de guiones de cine y textos teatrales, ha prologado volúmenes como la novela «El diabólico Doctor Knox» de Carlos García Maroto, editada por grupo Sial-Pigmalión. 

Autor: Jack Taylor, Editorial: ‎ PIGMALION, Páginas: 154

Pensamos y soñamos imágenes. Somos una imagen para los otros y quizá también para nosotros mismos. Nos aferramos a las imágenes de los muertos queridos, de las ciudades desaparecidas, de los futuros deseados. Imaginamos imágenes, las atesoramos y las transmitimos de generación en generación. Quemamos e idolatramos imágenes, las veneramos o las sepultamos para cancelar lo que nombran. El amor es un ramo de imaginerías. También, y sobre todo, la nostalgia. Roland Barthes lo sabía y por eso se dedicó a pensar la imagen. Fue de su sentido obvio a su sentido obtuso, del mensaje que porta y nos atrapa y engaña a su existencia material resistente al desciframiento, de la trampa del significado al artificio del significante, de la definición a la máscara y el gesto. Pasó de la interpretación al hermetismo y de allí al fetiche y al punctum que se clava en el pecho. A la experiencia sensorial, hipnótica. Saltó de lo visual a lo táctil, a nuestro contacto con la imagen como un cuerpo a cuerpo. ¿Incluyó en ese salto al cine, ese arte de las imágenes en movimiento? Ese arte sobre el que escribió y al que opuso resistencia, entre la fascinación y el rechazo, la crítica y la rendición a la sugestión de la pantalla. ¿Permite ese salto pensar en la posibilidad de un espectador liberado, emancipado al fin de dogmas, narraciones y mandatos?

La imagen es un grifo de preguntas, como este libro. Un libro en el que Philip Watts se deja literalmente la vida y que incluye textos de Barthes sobre el cine y una entrevista a Jacques Rancière. Un viaje en el que Watts desanda el camino de Barthes y lo proyecta hasta nuestros días, para ver cuánto queda y cuánto sirve para mirar mejor, es decir, como un sujeto crítico, las películas que se empeñan en mirarnos.

El autor

PHILIP WATTS

(Los Angeles, 1961- Nueva York, 2013).

Especialista en literatura, cine y cultura francesa del S. XX, profesor universitario en la Universidad de Illinois en Chicago, la Universidad de Pittsburgh y Columbia University. Autor de Allegories of the Purge: How Literature Responded to the Postwar Trials of Writers and Intellectuals in France (Stanford University Press, 1999), Jacques Rancière: History, Politics, Aesthetics (Duke University Press, 2009), co-editado con Gabriel Rockhill, y del volumen de los Yales French Studies titulado Literature and History: Around Suite Française and Les Bienveillants (Yale University Press, 2012), co-editado con Joe Golsan, así como de diversos artículos sobre Jacques Rivette, Jean-Luc Godard, Jean-Marie Straub y Danièlle Huillet, Jean Genet, Roland Barthes y Gilles Deleuze, entre otros. A su muerte trabajaba en este libro, publicado originalmente en inglés por Oxford University Press en 2016.

Autor: Philip Watts, Traducción: Mario Domínguez Parra y Mariel Manrique, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas: 270

Ingmar Bergman es un autor cuya filmografía ha sido analizada y diseccionada hasta el hartazgo. No obstante, la prevalencia de aspectos visuales, estructurales o estilísticos en los trabajos realizados ha copado el mundo editorial, sin que la verdadera esencia de Bergman haya sido desvelada. Porque, aunque era director, también fue guionista y, pese a que él mismo renegase de su talento como escritor, su mayor afán era el de ser considerado un intelectual de primer orden como August Strindberg. Ingmar Bergman. El cine de las cicatrices opera a la inversa que la totalidad de la bibliografía que gira en torno al director sueco, analizando los diálogos de sus películas respecto a las temáticas que le obsesionaban como persona: la religión, los actores, la violencia, la sexualidad, la trascendencia, la muerte, la enfermedad mental y la familia. Cada una de sus cicatrices fue trasladada a su filmografía de manera ineluctable, lo que resultó en un corpus cinematográfico extraordinariamente rico y susceptible de ser analizado desde la propia biografía y devenir del director. Tras la lectura de este volumen, se entenderá que las filias y fobias de Bergman marcaron su carrera como autor cinematográfico, siendo fácil rastrear su personalidad en cada título, lo que revela una obra completamente íntima y fascinante.

Autor: Lucía Tello Díaz, Editorial: Sílex Ediciones, Páginas: 432

Celebrado como «mago del suspense», maestro del entretenimiento y brillante narrador, Alfred Hitchcock es eso… y mucho más. A lo largo de varias décadas Miguel Marías reflexiona (ya en 1964, el primer texto crítico que escribió lo dedicó a ordenar lo que pensaba acerca de Hitchcock y Marnie) sobre aspectos soslayados con frecuencia, como su faceta romántica, su modo de dirigirse al espectador, su humorismo o, completándolo, su mirada grave y profunda.

Autor: Miguel Marías, Editorial: Confluencias, Páginas: 256

El mismo sistema literario que canoniza a Calvino expulsa a Pasolini. Declarada la muerte de los grandes relatos, del autor y quizá también de la literatura, ambos ajustan cuentas con su obra anterior, pero en sentido opuesto: Calvino, un autor-imagen afectado por un malestar de identidad, se entrega a la variación estética continua sin tensión crítica ni salida del tablero; Pasolini, un autor performático atravesado en carne y hueso por un malestar de inutilidad, se ofrece a todas las hogueras, busca una finalidad práctica para su escritura y vive en conflicto trágico con la institución.

Calvino, a la defensiva, enarbola una prosa límpida y eficaz, un estilo geométrico animado por el rigor formal; se multiplica para esconderse, se escapa y se enmascara, monta un juego de espejos y un efecto de apócrifo, se distancia irónicamente de su propia voz. Pasolini va de las cenizas de Gramsci, la nostalgia de la cultura premoderna y el discurso indirecto libre a la ofensiva de la palabra directa y el “proyecto de obra” en perpetuo estado potencial, hecho de estratos donde conviven lo arcaico y lo moderno. Calvino se adapta para sobrevivir. Pasolini sobrevive como un inadaptado.

Agotada la ilusión de la historia, Calvino practica sus juegos mentales y pule un arte que se pretende autónomo, con cambios constantes de rumbo dentro de los confines de su disciplina. Pasolini contamina, perfora y desordena, salta el cerco y dice “no”. Mesura y triunfo, parresía y martirio literario.

Carla Benedetti se pregunta para qué escribir. Y firma este libro, una bengala polémica desde el inicio, cuya trayectoria luminosa se despliega todavía.

El autor

Carla Benedetti. Pisa (1952). Crítica literaria y ensayista, profesora de literatura italiana moderna y contemporánea en la Universidad de Pisa. Doctora en semiología por la École des hautes études en sciences sociales de París, ha dictado clases sobre teoría de la literatura en la Universidad de New York, la Universidad de Chicago y la Universidad de Berkeley. Su obra incluye, entre otros libros, ensayos incluidos en diversos volúmenes y columnas periodísticas, Il tradimento dei critici (2002), Disumane lettere. Indagini sulla cultura della nostra epoca (2011) y La letteratura ci salverà dall’estinzione (2021).

Con Pasolini contra Calvino. Por una literatura impura, Shangrila presenta a los lectores un ensayo clave sobre el rol de la literatura en el contexto de la crisis de la modernidad. Publicado originalmente en 1998, fue reeditado en 2022 con un prefacio de la autora. Esa nueva edición es la que se recoge en este libro.

Autor: Carla Benedetti, Traducción: Ester Quirós Damiá, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas: 218

El más veterano de los directores de la «Generación de la televisión», Martin Ritt (1914-1990) mostró a lo largo de su actividad como cineasta una coherencia y un compromiso social que contribuyeron a conformar una obra extraordinariamente cohesionada. MARTIN RITT: Un rebelde con causa representa la primera monografía publicada en español sobre el realizador neoyorquino, quien ingresó en la nómina de cineastas que trabajaron para los grandes estudios tras haber formado parte de las «listas negras» creadas por el maccarthismo. De aquella traumática experiencia surgió uno de los títulos más representativos de su filmografía, La tapadera (1976), en el marco de una década en que varias de sus mejores producciones no llegaron a ser estrenadas en salas comerciales de nuestro país. En MARTIN RITT: Un rebelde con causa se aborda el análisis de cada uno de los veintiséis largometrajes que conformar su filmografía, además de dar cabida a su paso por el Group Theatre, el Actors Studio, los Dramáticos de televisión y su vertiente poco conocida como actor dentro de la escena teatral neoyorquina y, en menor medida, en largometrajes de ficción. Lejos de quedar desfasado su cine, los temas universales que abordó (entre ellos, el feminismo) propician que su obra no tan solo pueda ser reinterpretada desde la óptica del siglo XXI, sino también reivindicada y revalorizada.   

El autor

CHRISTIAN AGUILERA. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.

Autor: Christian Aguilera, Editorial: Kane Ediciones, Colección: La generación de la televisión nº 5, Páginas: 326

KINUYO TANAKA, antes de convertirse en realizadora y dirigir en 1953 su primer filme Koibumi (Carta de amor), trabajó como actriz en más de doscientas películas con muchos de los más grandes directores japoneses, entre otros Kaneto Shindo (La isla desnuda), Kenji Mizoguchi (El intendente Sansho, La mujer crucificada, Cuentos de la luna pálida de agosto, Vida de Oharu), Yasujiro Ozu (Las hermanas Munekata, Otoño tardío) y Mikio Naruse (Madre). Tanaka Kinuyo fue una estrella japonesa ya desde los años treinta y, como tal, fue reconocida en Hollywood que visitó para ser homenajeada en 1949.

Tras la cámara, como directora, después de su primera película realizó en 1955 dos filmes: Tsuki wa noborinu (La luna se levanta), drama romántico con guion de Yasujiro Ozu, y Chibusa yo eie naren (Pechos eternos), su obra maestra, basada en la vida de la poetisa Fumiko Nakajo, en la que trata temas como el divorcio, la emancipación de la mujer y el cáncer de mama. En 1960 realizó su cuarto largometraje, Ruten no ohi (La princesa errante), filme ambientado en las décadas de los treinta y cuarenta, dentro del marco de la guerra chino-japonesa. En 1961 dirigió Onna bakari no yoru (La noche de las mujeres), segunda colaboración con la guionista Summie Tanaka tras Pechos eternos, en el que una prostituta debe emprender una nueva vida tras el cambio de la ley que prohibía la prostitución. Su carrera como directora finalizó en 1962 con Ogin sama (Amor bajo el crucifijo), drama de época, en el que el amor prohibido en tiempos de los samuráis se vuelve a constituir en el tema central. Ya con sesenta y cinco años, Kinuyo Tanaka ganó como actriz el Oso de Plata de la Berlinale (Festival Internacional de Cine de Berlín) de 1975 por Sandakan hachibanshokan bohkyo, dirigida por Kei Kumai.

El autor

José Manuel García Roig. Hasta 2019 ha sido profesor titular de Composición Arquitectónica en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM-UPM). Es Miembro de la Heinrich-Tessenow-Gesellschaft con sede en Berlín-Hamburgo. Desde 2015 y hasta 2020 impartió el curso Arquitectura y Cine del Máster de Comunicación Arquitectónica (UPM). Codirigió con David Rivera los cuadernos de cine La ventana indiscreta (2004-2007). Sus principales publicaciones sobre cine, y la relación entre arquitectura y cine, son Mirada en off. Espacio y tiempo en cine y arquitectura (Mairea, 2007), La arquitectura del cine. Estudios sobre Dreyer, Hitchcock, Ford y Ozu (Fundación Caja de Arquitectos, 2008), premio FAD de Pensamiento y Crítica 2009 [coautor Carles Martí], En un lugar solitario. Crítica y Proyecto en cine y arquitectura (Mairea, 2013), Leni Riefenstahl (Cátedra, 2017), Cineastas y Arquitectos (La Catarata, 2017), El compás y la cámara. Estudios sobre Fritz Lang (Arquia, 2020), Diccionario analógico Cine y Arquitectura (Abada, 2022) [con Juan Deltell], Espacio, tiempo y arquitectura: El sol del membrillo y En construcción (Asimétricas, 2022) [en La ciudad en el cine. Antonio Pizza (ed.)], Como la pintura así es el cine (Asimétricas, 2024).

Autor: José Manuel García Roig, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas: 208

El cine post-apocalíptico tiene nombre propio: es Mad Max, uno de los más grandes iconos de la historia del género de aventuras en general, y del «survival» en particular. Y tiene un lugar arquetípico que funciona como territorio de aventuras y como expresión del fracaso de la sociedad: el páramo en el que se desarrollan la mayoría de las peripecias de este ex policía convertido en un ser errante y sin esperanza. La saga Mad Max está ya, desde su inicio en 1979, más allá de cualquier consideración sociológica o artística. Ha entrado en el territorio de las leyendas, esas figuras totémicas que perdurarán con el paso de las décadas. Con sus cinco películas, todas ellas muy distintas entre sí, pero también con los suficientes nexos en común como para considerarlas un todo, el australiano George Miller ha construido una epopeya digna de sus ancestros griegos. La saga ha ido creciendo título a título hasta construir un universo propio y con sus propias reglas: tras la trilogía inicial que se cerraba en 1985, George Miller y sus colaboradores nos brindaron un cuarto filme en 2015 que revolucionó para siempre el de cine de aventuras, digno del desquiciado mundo del siglo XXI. Para terminar, crearon una memorable contraparte fe menina, la terrible Furiosa, que recogió el testigo de Max para ejercer de espejo de este mundo patriarcal, violento, machista y decadente. En este volumen Adrián Massanet realiza un extenso y razonado análisis de cada una de las cinco películas que componen la saga, nos cuenta con detalle las circunstancias que rodearon a cada producción, las dificultades de cada una de ellas, el impacto y legado que han supuesto a lo largo de los años y un estudio de todos los colaboradores de George Miller, llevando a cabo un extenso recorrido por este páramo de fuego y sangre.

Contenidos

INTRODUCCIÓN. MI NOMBRE ES MAX 

PREÁMBULO. UN VIAJE POR EL PÁRAMO.

PRIMERA PARTE: LA HISTORIA DE MAX 

1. RECUÉRDALO CUANDO MIRES EL CIELO NOCTURNO Mad Max: salvajes de la autopista (1979) 

2. ESTA TIERRA DESOLADA Mad Max 2. El guerrero de la carretera (1981) 

3. EL QUE LLEVA AL SR MUERTO EN SU BOLSILLO Mad Max, más allá de la cúpula del trueno (1985) 

INTERLUDIO  

SEGUNDA PARTE: LA LEYENDA DE FURIOSA 

4. VIAJARÁS ETERNO, BRILLANTE Y CROMADO Mad Max: Furia en la carretera (2015) 

5. UNA TUMBA DESPIADADA, MÁS PROFUNDA QUE EL INFIERNO Furiosa: De la saga Mad Max (2024) 

CODA 

APÉNDICES 

1. CREADORES 

2. DISCOGRAFÍA 

3. FRANQUICIA 

4. EDICIONES FÍSICAS 5. MAD MAX EN LA CULTURA POPULAR 

6. CRÉDITOS 

7. BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA

Autor: Adrián Massanet, Editorial: Amarcord Ediciones, Páginas: 270

Billy Wilder ocupa un lugar de honor en el imaginario y la educación sentimental de los aficionados al cine de todo el mundo. Su talento y fantástica versatilidad le permitieron espantar cualquier etiqueta y aportar obras clave en géneros muy diversos: el cine negro (Perdición), la comedia (Con faldas y a lo loco), el drama (El crepúsculo de los dioses), el cine bélico (Berlín Occidente), el romántico (Sabrina), el de intriga (La vida privada de Sherlock Holmes), el de juicios (Testigo de cargo), el de periodistas (Primera plana) o esa clase de películas que carecen de género porque son como la vida (El apartamento).

Autor: Coordinado por Luis Alegre con textos de Jesús Angulo, Felipe Cabrerizo, Carlos Calvo, Quim Casas, Antón Castro, José Luis Castro de Paz, Nat Chediak, Elsa Fernández-Santos, Daniel Gascón, Mariano Gistaín, Carlos F. Heredero, Julieta Martialay, Marta Medina, Ana Merino, Oti Rodríguez Marchante y Manuel Vilas, Editorial: Donostia Kultura, Páginas: 233