Categoría: Libros

El presente ensayo documenta e ilumina el cometido de España (su industria fílmica y entramado político-social, sus paisajes y escenarios, su personalidad) en el western americano desde que brotó en nuestro país a finales de los años 50, tanto mediante coproducciones cuanto en películas íntegramente estadounidenses. Estructurado en forma cronológica, inserta la valoración cinéfila en el seno del contexto cultural e histórico, incluyendo referencias costumbristas y anecdóticas y prestando gran atención a las localizaciones (el norte de Madrid y la provincia de Almería, principalmente) y los decorados (poblados, ranchos, fuertes, etc.). Prólogo de Diana Lorys, actriz en dieciséis westerns rodados en España junto a estrellas de Hollywood. EL WESTERN DE NACIONALIDAD ESTADOUNIDENSE RODADO EN ESPAÑA EN UNA EDICIÓN CONCIENZUDA Y PROFUNDAMENTE ILUSTRADA.

Autor: Carlos Aguilar (Autor), Diana Lorys (Colaborador), Editorial: ‎ Desfiladero Ediciones, Páginas: 264

Cruzada la frontera de los cincuenta años, con la imagen de la muerte delante y con la guerra rozándole los talones, Jean Cocteau ha llegado a la conclusión de que «la comedia está ya muy avanzada». La dificultad de ser es el ajuste de cuentas que Cocteau hace consigo mismo, con el yo que fue en la época del esplendor social y con el yo que es en las angustias del presente. El autor de La sangre de un poeta escribe La dificultad de ser mientras rueda La bella y la bestia. Al ensalmo de esa joya del cine, el pasado emerge de un mar de sombras para acabar dando a luz un singular libro de memorias, donde las reflexiones morales se combinan con las literarias, y las unas y las otras con la evocación de personajes –Apollinaire, Max Jacob, Jean Genet y tantos otros– del mundo del arte y la literatura. En ocasiones –es el caso de Marcel Proust y de Nijinsky–, se diría que Cocteau nos los hace ver a través del ojo de la cerradura, sin que por ello se amortigüe el clima de ensimismado dramatismo que envuelve la obra, y nos muestra un Cocteau poco conocido, que trata del dolor, la amistad y la muerte, de la frivolidad y el gobierno del alma, como si estuviera redactando su De profundis.

Autor: Jean Cocteau, Traducción María Teresa Gallego Urrutia. Editorial: Siruela, Colección: Biblioteca de Ensayo / Serie mayor, Serie Mayor 51, Páginas: 160

El padre salvaje, San Pablo, Porno-Teo-Kolossal, estos guiones cinematográficos reflejan al Pasolini más desconocido. La fértil imaginación de Pasolini se tradujo, al lado de sus películas, en muchos proyectos cinematográficos no filmados. Esta edición reúne los tres que dejó prácticamente dispuestos para su realización antes de ser asesinado. Estructurados como viajes por áreas geográficas y socioculturales muy diversas, su ritmo ágil permite «ver» las películas que el director tenía en la cabeza, al tiempo que brinda una lectura placentera. Como en toda la obra de Pasolini, estos guiones confieren al lector un papel activo a la hora de dar cuerpo a las escenas y lo interpelan para realizar su propia interpretación de los problemas de fondo. Sin presuponer un orden de lectura determinado, es el viaje lo importante, lo que permite comprender.

«Pasolini mira a los ojos, sin pestañear, la miseria y la crueldad…, pero también ensalza lo bueno que hay en cada persona». Martin Scorsese

Autor: Pier Paolo Pasolini, Traducción Juan-Ramón Capella. Editorial: Trotta, Páginas: 276

Junto con Jean-Luc Godard, Rivette es considerado uno de los directores más influyentes de la «nouvelle vague». Se inicia en el mundo del cine escribiendo para revistas especializadas como «Cahiers du Cinéma». Ferviente admirador de cineastas como Jean Renoir, Howard Hawks y Roberto Rossellini, sus artículos son fundamentales para comprender nociones como la de puesta en escena y la de modernidad. Como cineasta, sus películas proponen una mezcla de géneros y experimentan con la duración y con la improvisación. La singularidad de su obra se evidencia por ejemplo en la creación de un universo habitado sobre todo por personajes femeninos, algo inusual en un movimiento como el de la «nouvelle vague». Entre sus películas más notorias podemos señalar: «Paris nous appartient» (1961), «L’amour fou» (1968), «Céline et Julie vont en bateau» (1974), «Le Pont du Nord» (1981) y «La bella mentirosa» (1991).

Autor: Violeta Kovacsics. Editorial: Ediciones Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 336

El relato cinematográfico, escrito por AndréGaudreault y François Jost, es una obra fundamental para entender cómo se construyen y se interpretan las narraciones en el cine. Este libro presenta de manera metódica los conceptos clave de la narratología, como el narrador, el tiempo y el punto de vista, para ofrecer una comprensión profunda de la diversidad de películas que existen. Escrito por dos pioneros de la narratología cinematográfica, este libro se ha convertido, desde su primera edición en 1990, en un clásico reconocido por su claridad. Esta tercera edición revisada y ampliada se actualiza las referencias fílmicas, el estudio de la narrativa a las series de televisión y suma análisis de secuencias de películas y series para ilustrar la aplicación de los conceptos. Gaudreault y Jost nos guían desde los inicios del séptimo arte hasta las prácticas contemporáneas, desentrañando cómo el cine no solo cuenta historias, sino que también crea experiencias únicas mediante su lenguaje visual y sonoro.

Autor: André Gaudreault y François Jost. Editorial: La marca editora, Páginas: 304

Cine, política y vida se enredan en un continuo vaivén por el que asoman los rostros de aquellas personas que han compartido un mismo o parecido viaje, familia y amigos, colaboradores y encuentros decisivos, que han tenido una significación especial en su vida y que han supuesto el despojamiento (teñido de cierto desencanto) de algunos dogmatismos generacionales, pero que fundamentalmente le han llenado de experiencias, arrugas y cicatrices, que han dado madurez y personalidad a un autor profundamente circunspecto. Yves Montand y Simone Signoret, Jorge Semprún o Chris Marker pasan ante nuestros ojos a través de la mirada de Costa-Gavras y a veces uno echa de menos más historias, aunque sabemos que realmente no es fácil condensar una vida, y menos una vida tan intensa, en las reducidas páginas de un libro que busca de alguna manera convertirse en un autorretrato.

Autor: Costa-Gavras. Editorial: PROVIDENCE EDICIONES, Colección: Dromfabriken, Páginas: 468

George A. Romero se convirtió en uno de los cineastas más influyentes de la historia del cine desde que, en 1968, se estrenó La noche de los muertos vivientes, una película realizada con poco más de cien mil dólares que transformó el género de terror moderno. Romero liberó a los zombis del yugo de los hechiceros, haciendo que estas criaturas formaran parte de un colectivo emancipado, ampliando así sus posibilidades metafóricas. En este libro, resultado de una exhaustiva investigación en los archivos del director, se revelan algunos de los aspectos menos conocidos de su carrera: el seguimiento que hizo la familia gallega de sus películas, las diferencias que mantuvo con los productores, los primeros borradores de sus largometrajes, los proyectos no materializados…

Además de reinventar un monstruo que acabaría transformándose en un icono de la cultura popular y dirigir varios clásicos del género, Romero escribió decenas de historias que nunca llegaron a rodarse, desde adaptaciones de novelas, cómics y videojuegos, pasando por la creación de un superhéroe para la Marvel y una película del oeste protagonizada exclusivamente por mujeres, hasta relatos originales sobre monstruos, extraterrestres y casas encantadas. A través del análisis de guiones, tratamientos, sinopsis y cartas de su correspondencia privada, así como de conversaciones con especialistas y colaboradores, George A. Romero: Zombis, política y cine independiente no solo nos ofrece un estudio documentado sobre la obra del cineasta estadounidense, sino que también retrata la vida de un artista que siempre luchó para proteger a toda costa su independencia creativa.

Incluye entrevistas con Suzanne Desrocher-Romero, Tony Williams, Tom Fallows, Kendall R. Phillips, Adam Swica, Brandon Salisbury, George Demick y Daniel Kraus.

Autor: Xabier Fole. Editorial: APPLEHEAD TEAM CREACIONES, Páginas:

El presente volumen plantea un conjunto de doce aproximaciones a la labor de las directoras y otras creadoras y profesionales desde los inicios del cine hasta nuestros días. A través de una serie de grandes temas imbricados en tres categorías comprensivas las realizadoras adscritas al clasicismo cinematográfico, las afines a la Modernidad, las incatalogables de ayer y hoy, se analizan los aportes al cine de las mujeres teniendo en cuenta siempre dos aspectos complementarios: las diversas facetas creativas, técnicas y productivas del medio y las posibilidades que han tenido las artistas de intervenir sus estructuras a fin de aportar perspectivas fílmicas más enriquecedoras para todas y para todos.

Autor: Coordinado por Elisa McCausland y Diego Salgado, Editorial: Donostia Kultura, Páginas: 193

La crítica cinematográfica es un género de ficción como otro.

La cosa funciona así: alguien concibe una historia que cuenta valiéndose de los medios expresivos propios de las películas, una historia cuyo origen se sitúa en otra parte, una novela, cuento, drama o la biografía (otro género de ficción) propia o ajena. Esa historia suscita otra en la mente del espectador-crítico, quien la cuenta usando los medios expresivos propios de la literatura y en el proceso superpone su propia historia a la primera suplantando la voz del narrador original.

Este libro procede no de la reflexión sino de la amistad. Ángel García del Val me pidió escribir una serie de textos que complementasen un proyecto que llevaba algún tiempo desarrollando bajo el título Fantasmas del cine, entrevistas ficticias con ectoplasmas de cineastas. Lo que me obligó a escuchar a los muertos.

Por eso cuando aquí se habla de Lo que el viento se llevó resuenan los ecos de Mitchell, Selznick y sus damnificados, el King Kong en lo alto del Empire State transparenta la conquista de la cumbre del espectáculo por dos aventureros que también venían de la selva, de las imágenes de La parada de los monstruos emerge el pecado de honestidad que tan caro pagó su director, tras La noche del cazador asoma la semblanza que de Laughton hizo von Sternberg después de intentar dirigirlo, a Psicosis se le superponen la polémica de Hitchcock con Chandler y la onda expansiva que la sombra del británico, amplificada por el horror de Vietnam, estampó en el cine de terror posterior, Raíces profundas se revela trasunto de las experiencias bélicas de Stevens, por La Puerta del Diablo entra el indio más carismático y menos indio de la historia de Hollywood o el fracaso de los héroes de El hombre que pudo reinar encuentra su correlato en las películas que Huston no pudo rodar.

El autor

Miguel Ángel Montes Beltrán, Valencia, 1958.

Escribió en Cartelera Turia, Contracampo y otras publicaciones. Desertó del servicio militar, lo que le brindó la oportunidad de conocer por dentro una muestra representativa de las prisiones españolas, hasta ocho, en dos estancias interrumpidas por otras tantas fugas.

Perdió la inocencia de tanto mirar por el ojo de cerradura de tanta cámara de cine y vídeo, ya en la posición relativamente resguardada del operador (Cada ver es… [Ángel García del Val, 1980-81], La muerte de nadie (El enigma Heinz Ches) [Joan Dolç, 2003], La bicicleta [Sigfrid Monleón, 2005], Huella latente [José Ángel Montiel, 2006], Operación Kobra [Carles Palau, 2008], El artificio [José Enrique March, 2009], La caída [Joan Dolç, 2012], En el umbral de la consciencia [Carlos Pastor, 1991-2012] y un largo etcétera), ya en la más expuesta del director: Hibakusha (1985), Chapao: crónica de un reto (1996), Survivir (Retazos centroamericanos) (1998), …y la tierra era fértil y el aire sano (1999-2000, presentada fuera de concurso en el International Documentary Film Festival Amsterdam), El fin de la algarabía (2002, Premio Tirant lo Blanch), Escenas de la lucha de clases (2003), L’edat daurada (2004, Premio Tirant lo Blanch)…

El catálogo del II Mundial Cinema Film Fest se refiere a él como “cineasta de insólita y majestuosa trayectoria”.

Autor de los libros La vida entre otras cosas (Shangrila, 2023), Morera, y ya está (Shangrila (2023) y ahora El último que apague el proyector.

Autor: Miguel Ángel Montes Beltrán, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 216

En este segundo volumen te sumergirás en el gótico americano y el slasher; el giallo y los últimos suspiros del horror sobrenatural italiano. Revivirás los profundos cambios que el fantástico, el terror y la ciencia ficción sufrieron con la espectacular irrupción de superéxitos como El exorcista, Star Wars o el cine de Steven Spielberg. Recordarás las aventuras fantásticas de los ochenta y las no menos populares comedias fantásticas de dicha década y de la que la siguió. Verás cómo les sentaron los nuevos tiempos a vampiros o licántropos. Te sentarás delante del televisor para revivir las terroríficas Tv movies de los setenta. Tendrás tiempo para tomar un picnic en Hanging Rock o acompañar al guerrero de la carretera Max por paisajes apocalípticos. Océanos pensantes y habitaciones de los deseos, alienígenas y replicantes, Terminator y RoboCop, hombres de acero y hombres de mimbre, Mononoke y Akira, Hannibal Lecter y John Doe, Stephen King y Clive Barker, David Lynch y David Cronenberg, el clasicismo reinventado de John Carpenter y los años de gloria de Tim Burton, New World Pictures y Amblin, secuelas y remakes, óperas primas y directos a vídeo…

Autor; Coordinado por Lluís Vilanova, Prólogo Nacho Cerdà, con textos de José Abad, Tonio L. Alarcón, Jordi Ardid, J.P. Bango, Álex Barba, Quim Casas, Tomás Fernández Valentí, Sergi Grau, José María Latorre, Dario Lavia, Elisa McCausland, Ramón Monedero, Juan Andrés Pedrero Santos, Joan Renter, David Salgado, Diego Salgado, Álvaro San Martín, Adrián Sánchez, Rubén Sánchez Trigos, Javier Trigales, Javier J. Valencia, Joaquín Vallet Rodrigo, Pablo Vázquez, Lluís Vilanova y Juan Carlos Vizcaíno Martínez. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas:

Anoche soñé que volvía a Manderley. Ante mí se alzaba la verja de la entrada, que me impedía entrar, Entonces, como todos los que sueñan, me sentí dotada de una fuerza sobrenatural y atravesé como un espíritu la barrera que me detenía.

El autor

Hilario J. Rodríguez es profesor, viajero y escritor. Ha vivido en España, Portugal, Reino Unido, República de Irlanda y Estados Unidos, donde ejerció la docencia. Ha colaborado con medios de prensa y ha escrito, entre otros, los libros ‘Nostalgia del futuro. Contra la historia del cine’ (Micromegas, 2016), ‘Las desapariciones’ (Newcastle Ediciones, 2011) y ‘Construyendo Babel’ (Editorial Contraseña, 2023). Actualmente colabora con ‘Zenda’, ‘Librújula’ y ‘CTXT’, además de trabajar en un libro de viajes sobre los Balcanes y en una novela.

Autor: Hilario J. Rodríguez, Editorial: PROVIDENCE EDICIONES, Colección: Telemark, Páginas: 213

Este ensayo iluminador analiza cómo es y cómo funciona el cine de Jean-Claude Brisseau, uno de los grandes cineastas europeos de los últimos tiempos y el único al que un magistrado, en el célebre y polémico caso judicial que condicionara sus últimos años de vida, cuestionó su práctica fílmica, como si ésta no entroncase con algunos de los resortes psicológicos y estéticos más íntimos del invento de los hermanos Lumière. Sin siquiera rozar esta controversia —que apunta al difícil acceso al cine industrial de cualquier habitante del margen—, Dana Najlis apuesta por volver al origen del cine y nos lleva de la mano por la tabula rasa que instauró el director de De bruit et de fureur (1988) y de Les anges exterminateurs (2006); un particular primitivismo que, en aleación con la tradición clásica y moderna, nos enfrenta de manera renovada a las disyunciones entre fantasía y realidad que comparten cineastas, personajes y espectadores. La imagen que cobija y expulsa acoge en Brisseau al cuerpo que irrumpe, visible y misterioso a la vez, y con el que el cineasta ensaya, más allá de la moral, sus parábolas deseantes de seducción destructiva. Éstas son aquí escrutadas como nunca —se rastrean las esquivas apariciones, se ausculta el tiempo en el que surgen— hasta hacernos ver y escuchar en ellas la posibilidad de desborde que caracteriza al erotismo trágico de un cineasta irrepetible que nos educó en las bondades y los peligros de perseguir sombras.

Autor: Dana Najlis, Prólogo de Gonzalo de Lucas, Editorial: ATHENAICA, Páginas: 200

En 1973 se estrenó la primera película de terror dirigida por una mujer en España. El filme era Vera, un cuento cruel y su responsable, Josefina Molina. Más de cincuenta años más tarde solo una veintena de directoras se ha aproximado al género en nuestro país.

Qué factores políticos, sociales y culturales han influido en hacer del fantástico un terreno de abrumadora autoría masculina forman parte del análisis del nuevo volumen de WomanInFan, centrado en la producción europea, y titulado ‘Horror Girls. WomanInFan Europa’. El título rinde homenaje al desaparecido historiador cinematográfico David J. Skal, que se definia como un monster boy. En este sentido, el volumen expone a las pioneras y referentes horror girls europeas con un foco especial en cuatro filmografías: España, Francia, Alemania e Italia. En él participan Mònica Garcia Massagué (que también actúa cómo coordinadora), Alexandra Heller-Nicholas, Ángel Sala, Olivia Cooper-Hadjian, Marcus Stiglegger y Manlio Gomarasca.

Autor: Mònica Garcia Massagué, Ángel Sala, Olivia Cooper-Hadjian, Manlio Gomarasca, Alexandra Heller-Nicholas, Marcus Stiglegger. Editorial: Hermenaute, Páginas: 184

La feria de las sombras es una obra colectiva que indaga en la fascinante relación entre el cine de terror y los circos, las ferias y los espectáculos ambulantes. Son espacios cuya apariencia festiva oculta secretos inquietantes y personajes turbadores y que han servido de telón de fondo para historias surgidas de los rincones más oscuros de la imaginación. Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, la presente obra ofrece una rica reflexión sobre cómo el terror —y también el melodrama— han trasladado ciertos espectáculos nómadas a la gran pantalla para mostrar el rostro más turbio de la condición humana.

Mònica García Massagué, Pepe Aracil Sáez, Jorge Loser, Xavi Sánchez Pons, Lluís Rueda, Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro nos proponen un sugestivo recorrido por los filmes más emblemáticos que abordan la materia. Un universo de impostación y barracones poblado de seres inadaptados, híbridos, freaks, payasos, ilusionistas y magos. El libro también analiza la evolución de la temática circense y de ferias y su influencia en la mercadotecnia y la publicidad, así como su evolución en las ficciones más modernas: del Grand Guignol a los parques de atracciones. Esta publicación supone una exploración esencial para cualquier amante del cine y del terror que desee descubrir los horrores que se ocultan tras las iluminadas barracas de feria y el colorido espectáculo bajo la gran carpa.

Autor: Mònica Garcia Massagué, Jorge Loser, Lluís Rueda, Ángel Sala, Jordi Sánchez-Navarro, Pepe Aracil Sáez, Xavi Sánchez Pons, Ilustraciones: Miki Edge. Editorial: Hermenaute, Páginas: 268

Hoy se le recuerda por un puñado de películas realizadas en los frondosos años ‘60 y, sin embargo, toda su obra exige revisión y reconocimiento. Cine modelado en tierra y bambú, jardín de piedra, escritura sobre la arcilla y la flor. Hiroshi Teshigahara o el diálogo de las artes. Tercer iemoto (gran maestro) de la Escuela Sogetsu de Ikebana, y figura consagrada en este arte; cineasta de prestigio internacional, ceramista, pintor, director de teatro y ópera, diseñador de jardines y autor de sorprendentes instalaciones que alternan lo natural con lo artificial, Teshigahara fue un ejemplo de artista multidisciplinar que exploró de continuos paisajes creativos poco transitados. A lo largo de su carrera buscó infatigablemente esos sutiles hilos que enlazan pasado y presente, tradición y modernidad, oriente y occidente, arte y naturaleza.

En su labor como cineasta realizó veintidós películas, una filmografía nada desdeñable que incluye al menos uno de los largometrajes japoneses de referencia en los años ‘60: La mujer de la arena. Más allá de esta película, y superando todo tipo de encasillamientos y de convenciones, su trayectoria profesional rebosa interés y está llena de sorpresas. El presente trabajo se propone, por primera vez, examinar la obra de este artista en su conjunto. Así el cine convivirá estrechamente con las otras artes en las que volcó su talento, lo que se hará prestando especial atención a su interés y proximidad con algunos artistas españoles fundamentales: Gaudí y Dalí, Picasso y Buñuel, entre otros. El núcleo de su actividad artística se centra en especialidades tradicionales japonesas que encontraron acomodo en su cine, bien entendido como una forma de arte total; pero el propósito es siempre el mismo: ¿cómo dar un sentido moderno, propio de nuestro tiempo, a aquellas artes ancestrales que no han perdido vigencia? ¿Cómo proyectar lo moderno en lo antiguo? ¿Qué actitud debe tomar un artista innovador frente a las prácticas artísticas más venerables y reglamentadas de su país? ¿Acaso basta con filmarlas y transformarlas en imágenes dinámicas, asimismo perecederas? En la respuesta a estos interrogantes se descubrirán las claves para comprender el conjunto de una obra original y diversa, en la que el cine ocupa una posición central, pero nunca exclusiva.

El autor

Antonio Santos, Doctor en Historia del Arte, es profesor de Didáctica de las Ciencias Sociales en la Universidad de Cantabria y profesor en la Cátedra de Cine de la Universidad de Valladolid. Entre sus líneas de trabajo actuales destacan: La imagen como vía de acceso al conocimiento de la sociedad y de sus representaciones. Educación crítica de la mirada. El cine como recurso didáctico en la enseñanza de las Ciencias Sociales.

Autor de las siguientes monografías: Kenji Mizoguchi (Cátedra, 1993); Yasujiro Ozu: Elogio del silencio (Cátedra, 2005); La trama policial en el cine (Cosema, 1995); El sueño imposible: aventuras cinematográficas de don Quijote y Sancho (Fundación Botín, 2006); Barataria, la imaginada: el ideal utópico de don Quijote y Sancho (Centro de Estudios Cervantinos; Universidad de Cantabria, 2008); En torno a Noriko. Primavera tardía, Principios de verano, Cuentos de Tokio (Filmoteca de Valencia, 2010); Ozu: Tiempo de cine (Tokio: Texnai, 2014); Tierras de Ningún Lugar: Utopía y Cine (Cátedra, 2017) y Tiempos de Ninguna Edad: Distopía y Cine (Cátedra, 2019).

Autor: Antonio Santos, Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 570

Nacido el 4 de septiembre de 1916 en Zaragoza, la breve pero intensa trayectoria de Fernando Palacios en el ámbito del Séptimo Arte -truncada por su temprana muerte a los 49 años- demuestra el importante papel que jugó en uno de los periodos clave de la historia del cine español. Durante los años cincuenta y sesenta fue director de grandes éxitos, como El día de los enamorados (1959), Tres de la Cruz Roja (1961), La gran familia (1962), Marisol rumbo a Río (1963) o Whisky y vodka (1965).

Su vocación por el mundo del audiovisual hizo que enseguida probara suerte en la profesión. Su tío, el prestigioso cineasta Florián Rey, le dio la oportunidad de participar como ayudante de dirección en varias de sus películas y le enseñó las claves prácticas de la realización fílmica. Una colaboración que con posterioridad se extendió a Ladislao Vajda, de quien fue asesor y ayudante de dirección, y del que tomó un cierto tono de realismo poético. En 1952 codirigió su primer largometraje, El tirano de Toledo, junto a Henri Decoin, aunque se debut en solitario llegó en 1958 con El marido.

A partir de ese instante Palacios consolidó su carrera dentro de la comedia, siempre con un toque aleccionador y moralizante, tratando temas como la infancia, la adolescencia, la juventud, el noviazgo o el matrimonio; ofreciendo siempre una visión amable y costumbrista de la sociedad española. Sus obras fueron verdaderos productos comerciales, con los que se aseguraba el éxito de un público fiel a un tipo de cine ligero y acomodaticio, algo que no impidió que demostrara sus particulares habilidades como narrador y como cineasta, pudiendo definírsele como un notable “artesano” en el complejo panorama del cine español del franquismo.

Autor: Ana Asión Suñer, Fernando Sanz Ferreruela, Editorial: EDITORIAL FRAGUA, Páginas: 182

A través de una obra compacta y cerrada sobre sí misma, André Delvaux visitó regularmente un extraño territorio a mitad de camino entre la realidad y lo imaginario. Su cine alude a una realidad fantástica mágica, como se la ha calificado recurrentemente, a una existencia transpuesta, la realidad de los sueños, de los temores y los remordimientos. Sus motores son los deseos inconscientes y el horror. Por ello, fue un maestro en la descripción de la subjetividad, porque creía en un arte que ha de representar no solo la vida exterior, sino sobre todo la interior. Y, así, partiendo de la realidad, su cine explora esa existencia íntima, reforzando su carácter espiritual y metafísico. Hoy, veinte años después de su muerte y casi cien de su nacimiento, ha caído sobre su obra una inmerecida penumbra que este libro quisiera contribuir a iluminar.

Índice

Prólogo

I. La otra parte

II. Una vida breve (a la manera de Aubrey)

III. La obra cinematográfica

Primer período: los años del realismo mágico (1965-1973)

El hombre del cráneo rasurado (De man die zjin haar kort liet knippen, 1965)

Una noche, un tren (Un soir, un train, 1968)

Cita en Bray (Rendez-vous à Bray, 1971)

Belle (1973)

Segundo período: las películas de investigación, ensayos cinematográficos y el cine de no ficción [1975-1989]   

Met Dieric Bouts (1975)

To Woody Allen from Europe with love (1980)

Babel Opéra, ou La répétition de Don Juan de Wolfgang Amadeus Mozart (1985)

Tercer período: ¿Un interludio naturalista?

Mujer entre perro y lobo (Een vrouw tussen hond en wolf, 1979)

Cuarto período: el retorno al realismo mágico (1983)

Benvenuta (Benvenuta, 1983)

Coda: la última mirada

L’Œuvre au noir (1988)

IV. Películas que nunca veremos

La literatura en la pantalla

El control del tiempo

Ficciones autobiográficas 

Una investigación sobre la herencia de la cultura 

Conclusión

Apéndice

V. Documentación y anexos

«Una colaboración sin nubes»

«Literatura y cine», extractos de Leyendo escribiendo

Tres cartas de André Delvaux

Carta a Michel Ciment sobre el filme Met Dieric Bouts

«Hacer una película con Delvaux»

Fragmentos de la correspondencia entre André Delvaux y Marguerite Yourcenar a propósito de la adaptación de Opus Nigrum

El autor en la ciudad (Ponencia de André Delvaux)

VI. Filmografía

Cortometrajes

Programas televisivos 

Largometrajes

Bibliografía

Obras citadas

Referencias y fuentes bibliográficas sobre André Delvaux

Agradecimientos

El autor

Santiago Rubín de Celis, licenciado en Sociología y doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, empezó su actividad docente en 2006. Ha trabajado en dicha universidad, como investigador contratado, el Instituto Europeo di Design-Madrid, la Univ. Técnica de Ambato (Ecuador) y la Univ. Internacional de La Rioja, y ha impartido conferencias y seminarios, entre otras, en las prestigiosas Anglia Ruskin University de Cambridge y la University of St. Andrews. Colaborador habitual de revistas especializadas y de medios generales, es autor de artículos científicos y divulgativos y de media docena de monografías, y ha participado en diversos libros colectivos dedicados a la cultura visual, los medios audiovisuales y la historia y la estética del cine.

Autor: Santiago Rubín de Celis, Editorial: Prensas Universidad Zaragoza, Colección Luis Buñuel. Cine y vanguardias, Páginas: 342

David Cronenberg siempre quiso ser escritor. Su deseo de escribir, aplazado en varios momentos de su vida por diversos motivos, regresaba una y otra vez. Su necesidad de narrar(se) a través de la palabra escrita, su admiración por los novelistas de ciencia ficción, la devoción por Nabokov, Kafka, Burroughs… Todo lo conducía inevitablemente a expresar su universo personal e intransferible mediante una letra que se fue infectando, con el devenir de los años, con una imaginería audiovisual inigualable. Una necesidad, una (com)pulsión, que ha cristalizado en una mentalidad artística propia y única en la industria cultural. Todo director de cine, dice Cronenberg, crea una realidad virtual.

El autor

Oriol Alonso Cano es profesor de los Estudios de Psicología y Ciencias de la Educación de la Universitat Oberta de Catalunya. También colabora en labores docentes en otros espacios universitarios y culturales. Ha realizado múltiples estudios y trabajos de investigación que se han publicado en varios medios de comunicación nacionales e internacionales y es autor de diversos ensayos y poemarios.

Autor: Oriol Alonso Cano, Editorial: ‎ EDICIONES DEL SUBSUELO, Páginas: 188

El pasado educativo tiene en el cine español un aliado esencial para su representación. Desde el franquismo son numerosas las películas ambientadas en el aula, en las que destaca el papel del profesorado y del alumnado, pero es a partir de la Transición y la llegada de la democracia que se introduce la crítica, tanto de la Segunda República como de la dictadura. Por ello, resulta necesario conocer el retrato que el celuloide ha hecho de los docentes desde estas etapas y hasta la década de los noventa, en el periodo de ochenta años comprendido entre la posguerra y la actualidad.

El autor

Valeriano Durán Manso, (Talavera la Real, Badajoz, 1984). Profesor titular en el Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universidad de Sevilla, doctor en Comunicación, licenciado en Periodismo por la misma universidad y graduado en Comunicación Audiovisual por la Universitat Oberta de Catalunya. Pertenece al Grupo de Investigación en Análisis de Medios, Imágenes y Relatos Audiovisuales (AdMIRA). Sus líneas de investigación giran en torno a la historia del cine universal, la historia del cine español, la narrativa audiovisual –centrándose en la construcción del personaje audiovisual–, y la representación cinematográfica del pasado histórico-educativo. Entre otras publicaciones, es autor de numerosos artículos científicos sobre estas materias en revistas académicas de impacto y coordinador del libro Rompiendo el Código: personajes y sexualidades latentes en el Hollywood clásico (ReaDuck Ediciones, 2020). Asimismo, es colaborador habitual de la revista cinematográfica Versión Original.

Autor: Valeriano Durán Manso, Editorial: ‎ Editorial UOC, Páginas: 186

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera conmemora junto a la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Sebastián el centenario del fallecimiento del escritor checo Franz Kafka (1883-1924) con la publicación de un ensayo escrito por el filólogo canario Jonathan Allen y el escritor y crítico de cine madrileño Jesús Palacios, quien recogió el Premio Isla Calavera a la Difusión del Fantástico en 2022.

Editado por Hermenaute, ‘Kafka, lo kafkiano y el cine fantástico’ se acerca a la enorme influencia del autor al género a lo largo de la historia, no solo a través de adaptaciones de sus obras, sino por el influjo que su trabajo ha ejercido en innumerables cineastas. Orson Welles (‘El proceso’, 1962), David Hugh Jones (El proceso de Kafka’, 1993), Michael Haneke (‘El castillo’, 1997) o Valeri Fokin (‘Metamorfosis’, 2002) son algunos de los directores que han llevado sus novelas y relatos a la pantalla.

El libro estará disponible durante la celebración de sendos festivales especializados, del 25 de octubre al 1 de noviembre la Semana de San Sebastián, y del 8 al 17 de noviembre el Festival Isla Calavera, y a la venta en librerías especializadas. El ilustrador de la cubierta es Miquel Rof.

En palabras de Jonathan Allen y Jesús Palacios: “En pleno centenario de la muerte de Franz Kafka, uno de los autores más relevantes de la literatura y el pensamiento universales, queremos destacar en esta pequeña aportación al extenso corpus de estudios sobre su obra la singular, fundamental y fundacional importancia de la misma para el género fantástico cinematográfico». “Partiendo del carácter netamente simbólico, alegórico y surrealista de la propia obra de Kafka, esta construye un modelo de lo fantástico singular y poderoso, que ha moldeado nuestra visión del universo, así como nuestra relación con lo real, con la ficción y la condición humana. Y si un género ha sentido ese poderoso influjo más que ningún otro, por su propia naturaleza y coincidencia con el pensamiento kafkiano, es el fantástico”, añaden.

Autor: Jonathan Allen, Jesús Palacios. Editorial: Hermenaute, Páginas:

Pese al gran momento que está viviendo lo fantástico, apenas hay estudios que hayan analizado en su conjunto la renovación que las creadoras están llevando a cabo en todos los frentes audiovisuales. Este libro trata de compensar esa falta. Para ello se divide en dos secciones. La primera está conformada por seis largas investigaciones panorámicas que reflejan la tremenda variedad y riqueza en cuanto a temas y estéticas de la producción fantástica realizada por mujeres en el cine, la televisión y el cómic en España durante el siglo XXI. La segunda sección recoge los testimonios de autoras destacadas de cada ámbito a través de una serie de conversaciones sobre las claves de su trayectoria profesional, sobre los escollos y los prejuicios a los que se han enfrentado en un espacio históricamente masculino, sobre las condiciones que han favorecido el arraigo de lo fantástico y del terror, los nuevos referentes del género y sus horizontes de innovación.

La lectura de las dos partes del libro facilita el acceso a un valioso corpus de cortometrajes y largometrajes, cómics y series que se caracterizan por su mezcla de géneros y lenguajes, por la incorporación de una mirada feminista y, sobre todo, por la reformulación que sus autoras están haciendo de los miedos que nos acechan.

SUMARIO

1. INTRODUCCIÓN
Enrique del Rey Cabero y Álvaro López Fernández

2. CREADORAS Y CINE FANTÁSTICO: EL LARGOMETRAJE EN EL PERIODO 2000-2022
David Roas

3. CREADORAS Y CINE FANTÁSTICO: EL CORTOMETRAJE DURANTE LA ÚLTIMA DÉCADA
Álvaro López Fernández

4. LO FANTÁSTICO EN LAS CREADORAS TELEVISIVAS ESPAÑOLAS (1969-2023)
Ada Cruz Tienda

5. HUMOR E INTERTEXTUALIDAD PARA CONSTRUIR UN ‘CONTRARRELATO’ Y SUBVERTIR LO REAL: LO FANTÁSTICO EN CLAVE ESTÉTICA Y DISCURSIVA EN DESTELLO BRAVÍO (2021)
Elios Mendieta

6. LO FANTÁSTICO EN EL CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN ESPAÑOL DE AUTORÍA FEMENINA: EL EJEMPLO DE ISABEL HERGUERA
Isabelle Touton

7. TRANSFORMACIONES FANTÁSTICAS EN PODRÍA SER PEOR, DE ANA GALVAÑ
Enrique del Rey Cabero

8. RODAR CONTRACORRIENTE. CONVERSAVIÓN CON ANDREA JAURRIETA
David Roas y Álvaro López Fernández

9. CREANDO SERIES DE FANTASÍA Y CIENCIA-FICCIÓN EN ESPAÑA. ENTREVISTA CON RUTH GARCÍA
Concepción Cascajosa

10. OTROS MUNDOS QUE ESTÁN EN ÉSTE. ENTREVISTA CON LAURA PÉREZ GRANEL
Iván Pintor Iranzo

11. AUTORÍA DE LOS TEXTOS

Autores

David Roas, Escritor y profesor de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada en la Universidad Autónoma de Barcelona, donde también dirige el Grupo de Estudios sobre lo Fantástico (GEF) y Brumal. Revista de Investigación sobre lo Fantástico. Especialista en lo fantástico, entre sus ensayos cabe destacar: Teorías de lo fantástico (2001), Tras los límites de lo real. Una definición de lo fantástico (2011; IV Premio Málaga de Ensayo), Historia de lo fantástico en la cultura española contemporánea (1900-2015) (2017) y Cronologías alteradas. Lo fantástico y la transgresión del tiempo (2022). Es autor, entre otros, de los libros de cuentos Distorsiones (2010; ganador del VIII Premio Setenil al mejor libro español de cuentos del año), Bienvenidos a Incaland® (2014), Invasión (2018), Monstruario (2021) y Niños (2022). También ha publicado las novelas Celuloide sangriento (1996) y La estrategia del koala (2013). Sus cuentos han sido traducidos al portugués, francés, italiano, inglés, croata, serbio y griego.

Enrique del Rey Cabero, Profesor de Literatura Española en la Universidad de Alcalá. Es doctor por la Universidad de Granada y ha llevado a cabo su actividad docente e investigadora en universidades como La Trobe University, University of Oxford, University of Exeter y Université Bordeaux Montaigne. Es autor de (Des)montando el lbro. Del cómic multilineal al cómic objeto (Universidad de León, 2021; Mejor Monografía en Artes y Humanidades en la XXV edición de Premios Nacionales de Edición Universitaria), coautor de How to Study Comics & Graphic Novelas. A Graphic Introduction to Comic Studies (TORCH, University of Oxford, 2021), obra que se está traduciendo en la actualidad a diez idiomas, y coeditor de la antología Dúplex. Cómic y poesía (Ediciones Marmotilla/Alas Ediciones, 2020). Es miembro del grupo de investigación GILCO y de la Cátedra ECC-UAH de Investigación y Cultura del Cómic, y forma parte del comité editorial de CuCo. Cuadernos de Cómic y Pasavento. Revista de Estudios Hispánicos. Su investigación se centra en torno a las narrativas gráficas en diversos ámbitos (teoría del cómic, cómic experimental, estudios autoriales, cómic fantástico) y la literatura del siglo XX y contemporánea, particularmente las relaciones ente música y literatura.

Álvaro López Fernández, Profesor e investigador posdoctoral Margarita Salas de la Universidad Complutense de Madrid (con estancia en la Universidad Autónoma de Barcelona). Sus líneas de investigación abarcan el análisis de lo fantástico y de lo grotesco en el cine y la literatura en España, las representaciones de la memoria y el estudio de la poesía española actual. En este sentido, es autor del libro El esperpento durante la Guerra Civil: propaganda y revolución (Guillermo Escolar Editor, 2020), co-editor de las ediciones críticas Raimundo Salas Mercadal. Poesía reunida (Universidad de Zaragoza, 2023, con Raúl Molina Gil) y Checas de Madrid de Tomás Borrás (Escolar y Mayo, 2016, con Emilio Peral Vega) y coordinador, en colaboración, de los números monográficos Experimentación y rupturas en la poesía española del siglo XXI (Tropelías, 2023) y Lecturas del desierto: nuevas propuestas poéticas en España (Kamchatka, 2018). Es miembro del Consejo de Redacción de Brumal. Revista de investigación para lo fantástico. Ha formado parte de cuatro proyectos de investigación nacionales y actualmente está ligado a los grupos de investigación Grupo de Estudios sobre lo Fántástico (GEF, UAB) y Crítica, edición y géneros literarios (CREGEL, VIU).

Autor: David Roas, Enrique del Rey Cabero y Álvaro López Fernández, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías, Páginas: 344

Eloy de la Iglesia: el placer oculto del cine español es un ensayo colectivo coordinado por el investigador Carlos Barea que rinde homenaje al responsable de películas tan populares como El techo de cristal, La semana del asesino, El diputado, El Pico o La estanquera de Vallecas, entre otras muchas. Mirado con desdén por la crítica cinematográfica de la época y reivindicado posteriormente por las nuevas generaciones como uno de los directores más importantes de la Transición, la figura de Eloy de la Iglesia es fundamental para acercarse a una de las etapas más convulsas de nuestra historia reciente.

Para esta aproximación al cine de De la Iglesia hemos contado con una nómina de autores y autoras entre los que se encuentran Diana Aller, Alejandro Melero, Juan Sánchez, Eduardo Bravo, La Caneli, Nico Grijalba, David Velduque, Vicente Monroy, Francina Ribes, Violeta Kovacsics y Carlos Barea. Cada uno profundiza en un aspecto de las películas del cineasta vasco, cuya filmografía contribuyó decisivamente a retratar las luces y, sobre todo, las sombras de un país que despertaba hacia la democracia después de una larga dictadura pero que marginaba a una parte de la población. Entre esta se hallaban los denominados quinquis, que dieron nombre al exitoso subgénero, o los integrantes del colectivo LGTBIQ+. Homosexual y comunista, el realizador nos ha legado un testimonio muy valioso para comprender una época reciente de nuestra historia que se encuentra en proceso de revisión. Prólogo del director de cine Félix Sabroso.

Autor: VVAA .Coordinado por Carlos Barea. Editorial: DOS BIGOTES, Páginas:260

Dentro de las grandes figuras que nos dejó el cine de terror a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, una de las más destacadas, por su mirada personal y su manera de trabajar con los géneros de su contemporaneidad, fue Dario Argento. El cineasta italiano, deudor de toda una cultura e impulsor del giallo, es responsable de una filmografía apasionante por su desarrollo formal y la aportación, temática y estética, a una rica tradición dentro de la cinematografía de su país. Este ensayo es, por ello y ante todo, una invitación a explorar la figura de Argento y, especialmente, la conocida como Trilogía de las Madres: Suspiria, Inferno y La madre del mal forman un triplete inclasificable que va desvelando más y más capas a medida que nos vamos sumergiendo en él.

Partiendo de los escritos de Thomas De Quincey y contextualizando los precedentes giallísticos, este libro tiene como objetivo bucear en dichas películas, cuestionarlas y retorcerlas para ver qué cae, intentar descubrir si existe algo así como un estilo Argento, y aportar un granito de arena a discusiones cinematográficas con décadas de antigüedad alrededor de unas obras tan influenciadas por lo que las precedieron como influyentes en mucho cine de género que vino después. Un estudio, en definitiva, sobre películas fascinantes de rojos profundos y azules imposibles.

Autor: Daniel Cabo. Editorial: APPLEHEAD TEAM CREACIONES, Páginas:

“Alejandro Yarza nos embarca en una travesía deslumbrante, desde la grandiosa construcción de la ideología kitsch franquista soñada en la pantalla cinematográfica hasta su perforación, desmantelamiento y exorcismo en ciertos filmes claves. Apoyado en lecturas profundas, brillantes e intuitivas, el libro también ofrece la oportunidad de reflexiones más amplias sobre los fantasmas y residuos que asedian todavía la construcción de las imágenes del cine español”.

Sarah Wright, Royal Holloway, University of London

Al igual que el nazismo alemán y el fascismo italiano, el franquismo produjo un tipo peculiar de kitsch. Sus ideólogos reciclaron la iconografía histórico-religiosa (especialmente la derivada de la Reconquista y de la Guerra de Independencia) para crear un escenario kitsch que reemplazara versiones más sutiles y complejas de la historia. A través de esta estética, el régimen promovió una imagen cliché de España como país exótico y premoderno en perfecta sintonía con la derivada del imaginario romántico europeo. El objetivo final de esta vasta producción cultural kitsch, además de su obvia función propagandística durante la década de los sesenta para promocionar el incipiente sector turístico, fue la creación de un sujeto nacional sumiso que, identificándose con esta estética kitsch franquista, también lo hiciera con su proyecto político.

Este libro examina la creación y destrucción de la estética kitsch franquista a través del análisis de diez películas representativas del cine español desde 1939 hasta 2012: seis filmes franquistas y cuatro antifranquistas realizados por prestigiosos directores. Cada capítulo analiza una de las películas seleccionadas y ofrece breves comparaciones con otras películas de interés. La primera parte explora aspectos centrales a la estética kitsch franquista: la estetización de la política; la glorificación de la muerte; la congelación del tiempo y el vaciado del espacio; la nostalgia imperial; y el conflicto entre una España rural y pre-moderna y otra desarrollista y urbana. La segunda examina cuatro películas aclamadas por la crítica que, reconfigurando los clichés narrativos y estéticos del kitsch franquista, se proponen desmantelar su ideología: Viridiana (1961) de Luis Buñuel, ganadora de la Palme D’or en el festival de Cannes; El laberinto del fauno (2006) del director mejicano Guillermo del Toro, nominada para un Oscar como mejor película extranjera; Balada triste de trompeta (2010) de Alex de la Iglesia, nominada a quince premios Goya y premiada con dos; y, finalmente, Blancanieves (2012) de Pablo Berger, premio especial del jurado en el Festival de San Sebastián. Siguiendo la tradición cinematográfica de Luis García Berlanga y Pedro Almodóvar, estas tres últimas películas adaptan la estética kitsch franquista para deshacer sus propuestas éticas, estéticas e ideológicas.

El autor

Alejandro Yarza, Licenciado en Geografía e Historia por la universidad de Santiago de Compostela y Doctor en Literatura y Estudios Culturales por la Universidad de California, Irvine, es profesor en el Departamento de Español y Portugués y en el Programa de Estudios Cinematográficos de la Universidad de Georgetown en Washington, D.C. Su investigación examina la relación entre cultura y política en la España franquista y posfranquista. Autor de dos monografías sobre cine español, su trabajo ha aparecido en revistas especializadas de España, Estados Unidos, Gran Bretaña y Canadá. Actualmente está trabajando en un estudio monográfico sobre la función simbólica de los sueños en el cine español.

Autor: Alejandro Yarza, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 436

Toda la magia y el misterio de las grandes películas del anime japonés

El anime es una forma de expresión artística única que ha revolucionado el mundo editorial y cinematográfico. Este libro es una celebración de la animación japonesa y explora las claves del género cubriendo una enorme amplitud temática (guerras, desastres naturales, naturaleza, ecología, magia, distopías y fábulas sobre la infancia).

Incluye más de cien obras maestras, incluyendo Mi vecino Totoro, La princesa Mononoke y otras películas del Studio Ghibli, Heidi, Akira, Ghost in the Shell, One Piece, Metrópolis o Dragon Ball. Mezclando tradición y modernidad, El gran libro del anime nuestra cómo el género ha influido de forma esencial en otras disciplinas artísticas como los videojuegos, cómics y el cine de acción.

El autor

Nathalie Bittinger es catedrática de lenguas modernas y profesora de estudios cinematográficos en la Universidad de Estrasburgo. Ha publicado diversos libros especializados en cine asiático entre los que destacan: Dictionnaire des cinémas chinois: Chine, Hong Kong, Taiwan (Hémisphères/Maisonneuve & Larose, 2019), Les cinémas d’Asie: Nouveaux regards (Presses universitaires de Strasbourg, 2019) y Ang Lee: Taïwan / Hollywood, une odyssée cinématographique (Hémisphères Editions, 2021).

Autor: Nathalie Bittinger, traducción Marta García García, Editorial: ‎ Lunwerg Editores, Páginas: 192

El análisis de la temporalidad en el cine y las series televisivas de las últimas décadas destaca por ofrecer modalidades que desafían la linealidad temporal. Pese a la originalidad y a la novedad del fenómeno, ha merecido muchos menos estudios académicos que su equivalente para el espacio. Tiempo elástico contribuye a solventar ese vacío.

El análisis se centra en obras en un arco temporal desde finales de los setenta hasta las crisis del 2008-11, con el máximo esplendor de la sociedad globalizada. En esas décadas, el cine y las series televisivas experimentaron una transformación tanto en su lenguaje para expresar la temporalidad, como en el tiempo en cuanto factor argumental. Además de la influencia del capitalismo globalizado, la revolución cuántica y la noción de universos paralelos generaron nuevas formas de imaginar esta cuestión y de trasladarla al lenguaje fílmico.

Entre las manifestaciones más novedosas de esa tendencia, Tiempo elástico estudia los viajes al pasado y al futuro, como aparecen en algunas de las ficciones más relevantes en el periodo; la tecnofílica sociedad contemporánea ha soñado con saltos temporales que invierten o subvierten la flecha del tiempo, a menudo gracias a máquinas como el DeLorean de Regreso al futuro, que permiten viajar por el tiempo como se viaja por el espacio.

Las artes diegéticas audiovisuales de esos años exploraron en sus ficciones una cosificación ciberpunk de la memoria, una memoria ciborg que archiva en datos informáticos (Olvídate de mí). Como se reflexiona en el ensayo, en el cine del periodo se observa una dicotomía respecto a los recuerdos entre promover la nostalgia, sobre todo hacia los años cincuenta (Pleasantville), mientras se alienta la amnesia como medio de control social (Desafío total). La utilización de bucles temporales, inspirados en la estructura de cintas de Möbius, ha enriquecido asimismo la narrativa cinematográfica analizada (Lynch).

Finalmente, el eterno retorno del tiempo mítico ha desafiado igualmente la concepción lineal del tiempo histórico, explorando rituales ancestrales (Tarkovski), la segmentación del momento presente y la recuperación de lo mítico frente al progreso racional (La última ola).

Los cambios culturales analizados se han reflejado en todos los estratos artísticos cinematográficos, desde la serie B, pasando por el cine de autor, hasta los blockbusters.

El autor

Roger Ferrer Ventosa, Investigador posdoctoral en la Universitat de Barcelona. Licenciado en Historia del arte y en Comunicación Audiovisual. Máster en Comunicación y Estudios culturales. Doctor en humanidades por la Universitat de Girona (2018). Ha impartido docencia en Cine y en Cultura visual en esta última universidad. Entre sus principales líneas de investigación, está el trasfondo metafórico del cine, sobre todo el fantástico, las capacidades epistemológicas de la imagen para sintetizar conocimiento, difundiendo ideas con una gran eficacia comunicativa, y las relaciones entre el pensamiento mágico-simbólico y el arte, en especial el hermetismo.
Su investigación transdisciplinar se ha plasmado en artículos aparecidos en revistas académicas de arte y estética, pero también de filosofía, antropología, religión, literatura y estudios culturales (en Religions, De medio aevo, Eikon / imago, entre otras), dos monografías (Mágica belleza, editorial Dilatando mentes), un libro editado sobre David Lynch (Oculto David Lynch, editorial Dilatando mentes), y diversos capítulos de libros, entre ellos Relaciones ocultas e Imaginar mundos (Sans Soleil Ediciones).

Autor: Roger Ferrer Ventosa, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 228

El cine de Pere Portabella es indisociable del arte y de la política. Son disciplinas que se conjugan y retroalimentan desde una actitud común: impugnar las normas, las sociales, pero también las estéticas. Este es justamente el título de un volumen que reúne decenas de textos escritos por el autor durante sesenta años, desde sus inicios como productor hasta la actualidad. Se incluyen artículos en diarios y revistas, presentaciones de sus películas, prólogos de libros y catálogos de exposiciones, conferencias, así como algunas de sus intervenciones como senador o diputado durante las primeras legislaturas de la democracia. Del mismo modo que el cineasta se ha preocupado por preservar su obra para garantizar su difusión pública, ahora llega el turno de sus escritos. En esta edición prologada y anotada por Esteve Riambau, los textos se articulan en tres grandes bloques: la oposición al franquismo, los primeros años de la democracia y el retorno al cine tras Pont de Varsòvia, sin olvidar una especial atención hacia el papel de la cultura en Europa. Sin jamás separar el arte y la política del cine, surgen sinergias y confrontaciones que ofrecen un retrato muy fidedigno del pensamiento de Portabella, a su vez sustentado sobre interacciones con personajes tan ilustres como Luis Buñuel, Josep Tarradellas, Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Miró o Carles Santos.

Autor: Pere Portabella, Editorial: Galaxia Gutenberg, S.L., Páginas: 632

Este libro prolonga las investigaciones sobre cine llevadas a cabo por el autor desde el año 2000, avaladas anteriormente por diferentes publicaciones en torno a la relación entre medios de comunicación, representaciones sociales e imaginarios colectivos.

Partiendo de la crisis de valores de la que se hace eco el cine posmoderno, me he centrado aquí en la aparición de nuevos temas, siguiendo una metodología que combina crítica de cine y análisis temático, cruza el análisis textual con el de los imaginarios, en una continua dialéctica entre texto y contexto, y enmarcada en una reflexión sobre los nuevos paradigmas de la posmodernidad.

La finalidad es, a través de un corpus de unas sesenta películas analizadas en profundidad, configurar un mapa de temas recurrentes, obsesivos, característicos de la evolución del cine reciente y mostrar las conexiones entre unos y otros.

Aparece un cine que califiqué como neo-existencialista, que replantea el tema de la identidad, la relación con el cuerpo —epicentro y lugar de turbulencias—, la representación del otro —dentro y fuera de la pareja—, refleja una fascinación por la violencia, lo extremo, lo monstruoso y se enfrenta con los retos que plantea la cultura de la comunicación y el culto a la imagen. Muchas películas parten de un mal-estar existencial, la sensación de mal vivir, que caracteriza nuestra época, de vivir de manera intermitente —un estar y no estar (con el otro, en su sitio)—, el no poder rebelarse tampoco, que desembocan a menudo en la tentación de huir, viajar, partir a la deriva e incluso de desaparecer.

Este fenómeno no es ajeno a la pérdida de referencias en el mundo actual, es característico de una época de transición y de crisis donde se cuestionan las sistemas ideológicos heredados de la Modernidad sin que se hayan elaborado nuevos sistemas de valores, seguramente porque ya no son operativos los grandes relatos sobre el mundo; porque vivimos en el tiempo del después de, después de la fe en el progreso, en la linealidad de la Historia, después de la orgía como decía Baudrillard y, recientemente, después del Covid y puede que esto haya influido en la recurrencia de películas sobre el trauma, el duelo y la resiliencia.

El autor

Gérard Imbert, (Casablanca, 1949). Doctor por la Sorbona, miembro de la Casa de Velázquez (Madrid), profesor de la Universidad de Paris IV-Sorbona, director del Instituto Francés de Madrid, catedrático de Comunicación audiovisual de la Universidad Carlos III de Madrid, donde ha sido director del doctorado y del máster en Investigación aplicada a los medios, y de la que es actualmente académico Sénior.
Es autor de una quincena de libros sobre Comunicación, identidad e imaginarios sociales, publicados en España y Francia, entre otros Los escenarios de la violencia (1992), y La sociedad informe (2010), ambos en editorial Icaria; El transformismo televisivo. Postelevisión e imaginarios sociales (2008), Cine e imaginarios sociales (2010) y Crisis de valores en el cine posmoderno (2018), los tres publicados en Cátedra. Ha colaborado también en diferentes medios de comunicación (El País, La Vanguardia, El Mundo, Liberación) y revistas culturales (Cuadernos de Ruedo Ibérico, El Viejo Topo, Archipiélago, entre otros).
Es asimismo novelista y codirector de la sala de teatro exlímite (Madrid) desde el año 2018.

Autor: Gérard Imbert, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 326

Este libro propone un acercamiento a las constantes temáticas, narrativas y estéticas del cine de terror, otorgando prioritaria atención a su evolución, mutación o eescritura a través de la historia del género. Con tal fin, el autor analiza un corpus de filmes cuya selección no responde a la voluntad de establecer canon alguno, sino a su capacidad para reflejar los temores y las ansiedades socioculturales del contexto histórico en que fueron producidos, así como para representar determinadas formas de concebir el terror cinematográfico y ejemplificar sus rasgos característicos.

El autor

Rubén Higueras Flores, Docente del Departamento de Sociología y Comunicación de la Universidad de Salamanca (USAL). Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Es autor de los libros Escritura fílmica y disidencia. La obra cinematográfica de José Antonio Nieves Conde (1947-1958) (Shangrila, 2024), La escritura (in)visible. 50 películas esenciales para estudiar el cine clásico (con Aarón Rodríguez; Editorial UOC, 2018), Jacques Tourneur (Cátedra, 2016) y Guía para ver y analizar «La matanza de Texas» (Nau Llibres, 2014). Ha publicado artículos en las revistas científicas Fonseca, ZER, Documentación de las Ciencias de la Información, Comunicación, Fotocinema, Tripodos, Archivos de la Filmoteca y L’Atalante, y ha coordinado diversos libros colectivos, entre ellos, Josef von Sternberg. Estilización y deseo (Shangrila, 2020) y Vida en sombras. El hechizo del cine, la herida de la Guerra (con José Luis Castro de Paz; Shangrila, 2018).

Autor: Rubén Higueras Flores, Editorial: ‎ Editorial UOC, Páginas: 198

Agustí Villaronga es un autor. Su vanguardismo no se ha desgastado con el tiempo ni se ha debilitado por la melancolía crepuscular de la llamada posmodernidad. El director ha sido capaz de realizar un cine comercial de calidad sin renunciar a su estilo. Ni los premios recibidos ni el reconocimiento de la crítica nacional y extranjera ni la buena consideración de su obra por parte del público han conseguido ablandar o dulcificar el inquietante talento que le ha permitido caminar por los bordes de los precipicios como su lugar natural. Ni siquiera cuando ha trabajado en producciones costosas, con medios suficientes y un público amplio y expectante, ha renunciado a plantear la historia a su manera. Su cine siempre ha sido trasgresor. No ha necesitado penurias y escasez de medios para crear sus complejos universos, en los que el bien y el mal vienen a ser inseparables.

Las obras de Pilar Pedraza y Agustí Villaronga exploran terrenos similares. A veces convergen, a veces divergen, a menudo se cruzan, como líneas que serpentean en torno a los mismos problemas: el mal, la mirada, el deseo, la crueldad, la oscura noche que se extiende en nuestro interior. Era inevitable que Pedraza acabara escribiendo sobre su cine, pues encontraba en ella la armonía y contrapunto de su propia visión del mundo.

El autor

Pilar Pedraza, (Toledo, 1951) se doctoró en Historia del Arte por la Universidad de Valencia, donde ejerció como docente e investigadora hasta 2011, cuando empezó a dedicarse por completo a la escritura. A lo largo de su carrera, ha compaginado la investigación y la escritura, la docencia universitaria y la creación. En su obra encontramos cuentos, novelas, columnas, artículos, ensayos, ediciones críticas y traducciones de extrañas obras renacentistas como El sueño de Polífilo. Como escritora de ficción, es autora de una extensa obra, de entre la que cabe citar Las joyas de la serpiente, La fase del rubí, La pequeña pasión, Paisaje con reptiles, Piel de Sátiro, Arcano 13, La perra de Alejandría, Lobas de Tesalia, Mystic Topaz, El amante germano, Pánikas, Eros ha muerto o Nocturnas, su última antología de relatos. Como investigadora, destacan sus ensayos sobre películas, como Metrópolis, La mujer pantera o Suspiria; sobre directores, como Federico Fellini o Jean Cocteau; y sobre la construcción de lo femenino en Occidente a través de la literatura y el cine fantástico, con obras como La bella, enigma y pesadilla, Máquinas de amar, Espectra o Brujas, sapos y aquelarres. Su obra ha aparecido publicada en antologías internacionales como The Valancourt Book of World Horror Stories y la ha hecho merecedora de diversos premios como el Ignotus, Nocte, Sheridan Le Fanu, Gabriel, o el Golem Honorífico a toda su trayectoria.

Autor: Pilar Pedraza, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 286

«Viñetaria: historia universal de las autoras de cómic» es, como indica su título, un repaso a las profesionales y autoras que han contribuido al medio a lo largo de sus ciento treinta años de evolución: desde las tiras de prensa a la novela gráfica y el «webcomic», pasando por el humor gráfico, el «comic book» y las revistas periódicas para niños y adultos. Se trata de un proyecto sin precedentes en ningún idioma que abarca el relato cronológico, las peculiaridades geográficas, los sistemas de producción editorial, el análisis crítico y la contextualización social, cultural y feminista. Todo ello con el objetivo de demostrar no solo que han existido numerosas artistas a lo largo y ancho de la historia del cómic, sino que puede trazarse a través de su labor una genealogía de figuras y tendencias que alumbra perspectivas inéditas sobre el medio. En este sentido, el nombre de «Viñetaria» apela a tierras incógnitas: lo que no pudo concretarse, lo que se ha pasado por alto o invisibilizado, los potenciales de futuro malogrados y aquellos que han dado lugar a la revolución feminista del medio.

Elisa McCausland, periodista, crítica, comisaria e investigadora, y Diego Salgado, crítico de cine y divulgador cultural, reflexionan desde hace casi veinte años sobre los sentidos, contextos y potenciales de la cultura popular, en particular el cine y el cómic. Mientras Salgado ha mostrado un interés especial por la naturaleza de la imagen contemporánea, McCausland ha estudiado tanto las intersecciones entre feminismo y pop como el arquetipo de la superheroína, argumentos que confluyeron en su primer libro Wonder Woman: el feminismo como superpoder (2017). Son promotores y miembros de la Cátedra ECC-UAH de Investigación y Cultura del Cómic y autores conjuntos de los ensayos Supernovas: una historia feminista de la ciencia ficción audiovisual (2019), Sueños y fábulas: historia de Vértigo (2022) y Beso negro: brujería, cine y cultura pop (2023).

Autor: Elisa McCausland, Diego Salgado, Editorial: Ediciones Cátedra, Páginas: 568

Los archivos personales de José Luis Borau, verdadera ‘gruta del tesoro’, develan numerosos hallazgos decisivos para la cultura española de la segunda mitad del siglo XX y la primera década del XXI: documentos sobre la relevante movilización de Hollywood en solidaridad con la República durante la Guerra Civil, cartas inéditas de Edgar Neville, el desconocido diario de Borau sobre su viaje de costa a costa de los Estados Unidos, varios guiones completos no filmados (entre ellos, algunas de sus creaciones más íntimas y audaces), numerosos argumentos y sinopsis de películas que no llegaron a ver la luz (incluidos sus insólitos proyectos nada menos que con Luis Buñuel, Mickey Rooney, Mario Moreno, ‘Cantinflas’, e Imperio Argentina, mucho antes de filmar Tata mía con esta última), ambiciosas investigaciones historiográficas de enorme envergadura (su extensa y profunda investigación para hacer el inventario y la catalogación de ‘todo’ el exilio cinematográfico español tras la derrota republicana en la Guerra Civil), insólitos proyectos de producción, fracasadas aventuras editoriales, relatos literarios no concluidos
Sacar a la luz todos estos proyectos inconclusos permite reconstruir la voz oculta del cineasta y recuperar en toda su dimensión la obra de un verdadero gigante el cine y de la cultura española.

Autor: Carlos F. Heredero, Editorial:Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, Páginas: 648