Mes: octubre 2014

Over Your Dead Body

Un grupo de teatro ensaya un clásico de misterio, en el que la traición y la venganza ocupan un lugar central. La vida entre bastidores se verá salpicada de sangre cuando lo fantasmagórico abandone la ficción e irrumpa con terribles consecuencias en la realidad.

Lo de Takashi Miike realmente es digno de elogio, no tengo la menor duda que en un futuro cuando ya no dirija su carrera será considerada como clave en el devenir de la historia del cine nipón, una trayectoria tan prolífica como conceptual, ahora en plena madurez artística no le hace asco prácticamente a nada, consiguiendo no defraudar casi nunca, en «Over Your Dead Body» se atreve a llevar a la pantalla una nueva versión del clásico «Yotsuya Kaidan», adaptado una multitud de veces al cine y teniendo  en  1959 el «Tôkaidô Yotsuya kaidan» de Nobuo Nakagawa como punta de iceberg, una autentica obra maestra del género, incluso el bueno de Hideo Nakata intento en el 2007 versionarla de manera  algo mixta, pues ahí también incluía «Ghost of Kasane», aunque todo ello de manera algo irregular.

En «Over Your Dead Body» Takashi Miike se sale por completo, consigue es más difícil todavía al ser respetuoso con el original e innovar al mismo tiempo de una manera brillante en lo narrativo, llevando la adaptación a un nuevo nivel en donde la alternancia de realidades sirven como juego de espejos a la hora de mostrar los oscuros recovecos que anidan en la naturaleza humana, mezclando ficción (la obra de teatro representada) y realidad (el devenir de sus protagonistas) en un ejercicio metacinematográfico rompedor  y con una puesta en escena en donde la elegancia (elaboradísima fotografía a cargo de Nobuyasu Kita) y el tempo narrativo sobresalen de manera perfecta. «Over Your Dead Body» representa de manera clara la madurez autoral de uno de los directores más influyentes del cine moderno.

Valoración 0/5:4

The Curse of Downers Grove

Downers Grove parece un suburbio cualquiera, pero sobre él planea un oscuro secreto: cada año, un estudiante muere en extrañas circunstancias justo el día antes de su graduación. En esta ocasión, es Chrissie Swanson quien tiene el presentimiento de que algo terrible va a sucederle.

«The Curse of Downers Grove» estuvo algo metida con pinzas dentro de la sección “Noves Visions” por mucho que Bret Easton Ellis sea su guionista y productor y se esperara algo más rompedor de ella, el film supone una especie de vuelta de tuerca del denominado cine de horror teen pero acaba cayendo en los tópicos mil veces visto dentro de este subgénero, llevándonos a una sencillez en su propuesta  poco propio por parte del escritor Bret Easton Ellis, posiblemente «The Curse of Downers Grove» no sea un mal film, es simplemente una pieza resultona pero carente totalmente de un espíritu original o transgresor en su propuesta, algo que estamos acostumbrados a ver en dentro del espacio de“Noves Visions” ,la que para un servidor es la sección preferida del festival.

Valoración 0/5:2

El Ardor

Un joven chamán vagabundo (García Bernal), que vive en la selva argentina, va a parar a una plantación de tabaco donde vive un hombre con su hija (Alicia Braga). Ese mismo día, unos mercenarios deforestadores, que llevan tiempo acosándoles, irrumpen en la granja y asesinan al padre ante los ojos de la joven, a la que secuestran.

Este año el festival  presentaba la nueva sección Blood Window dedicada al cine de género proveniente de Latinoamérica, un continente que parece abrirse últimamente de una manera evidente a la producción del género fantástico. «El Ardor» dirigida por Pablo Fredink nos presenta una suerte de western selvático y con alguna que otra semejanza  al cine de Sergio Leone en su tramo final, también vemos en ella pinceladas que la acercan al cine social de denuncia, el problema es que el ritmo que dota Pablo Fendrik al film es demasiado lento e inconexo acerca de los paralelismos entre la naturaleza y el ser humano que nos quiere hacer ver, una lentitud o minimalismo mal entendido o adecuado en su puesta en escena que lastran un film que oscurece en algo la inventiva propuesta por su director.

Valoración 0/5:2

The Darkside

Warwick Thornton quería hacer una película basada en historias reales de fantasmas, pero los testimonios que le llegaban no trataban sobre el miedo, sino sobre reencontrarse con seres queridos. Así, The Darkside acabó tomando una forma catártica, con mucha emoción (y algún escalofrío) y con diversos actores relatando estos contactos con el más allá.

«The Darkside» es un curioso pero por momentos monótono documental que recrea con actores reales testimonios de sucesos paranormales en el que diversas personas aseguran haber visto espíritus (entre los que se encuentran  antiguos aborígenes que habitaban Australia y fueron masacrados) de fallecidos que hablan con sus familiares o allegados, los testimonios no acaban de alcanzar sus supuestos objetivos..emocionar o asustar, produciendo una cierta frialdad en el espectador pero más que nada porque uno no termina de averiguar si realmente es cierto  lo que estamos viendo en la pantalla o nos están dando gato por liebre en cuanto a su supuesta veracidad, al final la película solo consigue salvarse en algo por lo exótico de su propuesta.

Valoración 0/5:2

Faults

Los padres de Claire están dispuestos a hacer lo que sea para desligar a su hija de la secta que la tiene abducida. Por eso contactan con Ansel Roth, reconocido experto en introducirse en los recovecos de la mente. Sin embargo, Claire resultará un hueso más duro de lo que Ansel preveía, propiciando un inigualable duelo de intelectos.

El debut en el largometraje de Riley Stearns con «Faults» viene a representar de manera inmejorable ese cine independiente norteamericano tan característico y lleno de ideas tan interesantes como mordaces en sus propuestas, encontrándonos ante un film disfrazado en un principio como si de una comedia negra se tratase desde el original punto de vista que rodea el mundo de las sectas y las personas que están involucradas de alguna manera en ellas, para dar paso a un apasionante discurso acerca del control que solemos ejercer hacia las personas,,o viceversa dentro de la sociedad actual.

Además tenemos la oportunidad de poder ver como principal protagonistas a uno de esos sempiternos secundarios visto mil veces en todo tipo de producciones, un extraordinario Leland Orser, en un papel que le viene como anillo al dedo. En definitiva «Faults» deviene toda una sorpresa, una de esas pequeñas joyas que pasan algo desapercibidas entre el gran público y que urgen ser descubiertas de una manera rápida.

Valoración 0/5:4

Filth

El detective Bruce Robertson (James McAvoy) es el detective de policía más maleducado, pervertido, misántropo y adicto a las drogas y al sexo de Edimburgo. A pesar de ello, Robertson quiere un ascenso. Claramente es la persona adecuada para el trabajo; el resto de sus colegas son idiotas. Desafortunadamente, ha habido un asesinato y el jefe de Bruce quiere resultados. No hay problema. Él está al mando y cuando resuelva el caso y consiga el ascenso su mujer volverá con él.

Este año Sitges abrió de manera acertada una ventana bastante generosa al thriller negro-policiaco dentro de la sección Oficial Fantàstic Òrbita, en donde «Filth» era a priori uno de sus platos fuertes, basada en la novela de Irvine Welsh, autor de Trainspoting, la película dirigida por Jon S. Baird e interpretada de forma notable y contundente por James McAvoy se mueve dentro de una amalgama genérica de manera algo difusa pues no acaba de situarse de manera clara ni por la comedia negra-sardónica ni por el thriller policiaco quedando un poco en tierra de nadie.

Puede que estemos ante una película algo desfasada a su tiempo, recordemos que la novela se escribió hace 16 años, posiblemente tampoco se le saca el suficiente jugo al escenario donde transcurre la acción, una por momentos grotesca Edimburgo, que también se describía en el libro de Irvine Welsh, al final nos encontramos ante un muestrario tan distraído como confuso acerca de la degradación humana en donde la comedia grosera da paso al drama trágico en su parte final, el «Filth» de Jon S. Baird se ve con agrado de una manera algo despreocupada, aunque posiblemente esta adaptación acerca de un viaje salvaje hacia lo sucio le hubiera venido mejor una mirada con algo más de personalidad.

 Valoración 0/5:2’5

Aux yeux des vivants

Una madre decide quitarse la vida antes que seguir viviendo con su monstruoso hijo. Años más tarde, tres amigos cometerán el error de adentrarse en el estudio de cine abandonado donde vive la bestia, que hará todo menos dejarlos tranquilos.

Julien Maury y Alexandre Bustillo volvían a Sitges con nueva película  “Aux yeux des vivants”, provocando cierto desencanto entre sus seguidores más acérrimos, más que nada porque su nuevo film supone un cambio de estilo alejándose de la visceralidad de “À l’intérieur” (una visceralidad que mantienen intacta como lo demuestra su explícito y perturbador segmento «X is for Xylophone» del díptico “ABCs of Death 2” protagonizado por su musa  Béatrice Dalle) y el barroquismo presente en “Livide” decantándose por un explícito y por momentos nostálgico homenaje al cine de terror los 80 (el film aparte de su estética podría llegar a ser perfectamente un primo hermano del  “The Funhouse” de Tobe Hooper dado sus semejanzas argumentales, con alguna que otra pincelada en su inicio que recuerda a “Los Goonies”) todo ello apoyándose en un ejercicio de estilo y cinefilia tan apasionada como transgresora pues al fin y al cabo Julien Maury y Alexandre Bustillo nos dan a entender que aunque utilicen unos reconocibles mimbres que nos evocan a tiempos pasados su mirada es diferente, más perversa y malsana como comprobamos en la media hora final de “Aux yeux des vivants” ofreciéndonos un slasher con clara vocación mainstream pero al mismo tiempo desde una mirada que evoca al horror violento más desmedido del cine de terror de hoy en día.

No deja de ser una pena que en Francia no triunfe y se apoyé más al cine de género, país donde triunfa por todo lo alto comedias intranscendentes  barnizadas de dudosa tendencia política, directores como Alexandre Aja, Pascal Laugier y otros han tenido que buscarse la vida en los Estados Unidos, Julien Maury y Alexandre Bustillo de momento se resisten a duras penas a emigrar y perder en algo su discurso cinematográfico, para poder realizar “Aux yeux des vivants” han tenido que recurrir al cowfunding, una autentica pena, y más dada la elevada y consistente cantera de autores surgidos del país vecino.

Valoración 0/5:3

La French

Pierre es un magistrado recién llegado a la conflictiva Marsella. Enérgico y ambicioso, su misión será acabar con la imbatible estructura del narcotráfico local, controlada por el peligroso e intocable Gaetan Zampa.

“La French” nos transporta a la Marsella de los 70 en donde  la mafia del narcotráfico estaba en pleno auge, todo ello contado bajo la apariencia del thriller policiaco y judicial, expuesto narrativamente y de manera nada disimulada a semejanza de cierto tipo de cine dirigido por Martin Scorsese (Goodfellas y Casino principalmente) una brillante y elegante  puesta en escena a cargo del director Cédric Jiménez logra hacer que la larga duración del film no sea un obstáculo a la hora de disfrutar de una película que rinde de manera notoria pleitesía a films dedicados a la misma temática pero que se pierde en algo al recrearse de manera algo caprichosa en un sinfín de clichés propios del  género en cuestión.

Teniendo al final uno la sensación final de haber presenciado un producto tan correcto como poco novedoso desprovisto de cierta  garra, en donde las formas se imponen al contenido, resultando redonda en su acabado final pero que poco aporta nuevo a dicho género. 

Valoración 0/5:2’5

Annabelle

John Form encuentra el regalo perfecto para su mujer embarazada, Mia: una preciosa e inusual muñeca vintage que lleva un vestido de novia blanco inmaculado. Sin embargo, la alegría de Mia al recibir a Annabelle no dura mucho. Durante una espantosa noche la pareja ve como miembros de una secta satánica invaden su hogar y los atacan brutalmente. No sólo dejan sangre derramada y terror tras su visita…los miembros de la secta conjuran a un ente de tal maldad que nada de lo que han hecho se compara al siniestro camino a la maldición que ahora es… Annabelle.

El pase de “Annabelle” en Sitges no estuvo exento de cierta polémica al ser vapuleada por un cierto sector de público y prensa al intentar compararla “The Conjuring” o el primer “Insidius” y encontrarse algo más convencional y funcional y poco dado a la sorpresa, abriendo al mismo tiempo un interesante debate acerca de enjuiciar y valorar de manera justa a un tipo de cine tan mainstream como este enfrente a otro cine más autoral que parece gozar en los últimos años de un mayor plebiscito por parte del público asistente a Sitges .

“Annabelle” no engaña a nadie ya que recurre a los mismos trucos y tópicos para provocar el susto fácil a la misma audiencia juvenil que asiste a la salas de cine durante los últimos treinta años buscando un producto de consumo rápido y fácil sin demasiadas aristas, siendo film que posee una carencia de ritmo alarmante y un final que roza lo ridículo en más de una situación, todo ello en base a una previsible trama de tono prefabricado y aburrida por momentos.

La fórmula del tipo de cine que representa “Annabelle” es tan viejo como previsible (la película está ganando millones a raudales), otra cosa es que la gente la intente valorarla al margen de su evidente convencionalidad, al final la culpa será de James Wan por hacer films tan estimulantes y esperar que sus spin-off estén a la altura.

Valoración 0/5:2

 A Hard Day

Volviendo del entierro de su madre, el agente Gun-Su atropella a alguien. Aturdido, decide esconder el cadáver en la tumba de su madre. Los problemas, sin embargo, no quedan enterrados: uno de sus compañeros investiga a la víctima y un testigo no tardará en aparecer.

El cine surcoreano de los últimos años se vertebra de manera evidente en dos tendencias de lo más reconocible, por un lado tenemos ese cine de autor, reconocido y asiduo a todo tipo de festivales formado por directores de la talla de Park Chan-wook, Bong Joon Ho, Kim Ki-duk, Na Hong-jin o Kim Ji-woon y en la otra parte tenemos un cine más genérico en número y de tendencia más comercial pero que curiosamente es más difícil de ver fuera de sus fronteras dado un cierto tipo de rasgos autóctonos que la hacen menos accesible en cuanto a gustos por parte del público occidental.

“A Hard Day” se sitúa en este último apartado aunque desde una posición elevada dada su incuestionable calidad, la película de Kim Seong-Hun consigue un equilibrio de géneros,  thriller con varias pinceladas de un humor negro que roza lo sarcástico y algo de drama, bastante admirable, aunar acción y humor no siempre es fácil y más en una cinematografía muy dada al exceso de la mezcla genérica, de echo podríamos hablar que dicho híbrido podría formar perfectamente en un subgénero propio. Nos encontramos pues ante un producto que aunque no invente nada nuevo dentro del género, sabe cómo jugar de forma perfecta todas sus cartas, ofrece todo lo que promete de forma solvente, cine comercial cuyo tono y estilo llegan a ser sus mayores bazas.

Destacar por otra parte la parte técnica del film, de factura impecable, algo nada nuevo en una cinematografía surcoreana sobrada de eficacia en este apartado, “A Hard Day” no es una excepción.

Valoración 0/5:3

Asmodexia

Sigue los pasos del pastor Eloy de Palma y a su nieta Alba durante cuatro días, en una Barcelona asediada por lo diabólico. Su misión es ayudar a los poseídos por el mal, cuyas almas han sido infectadas. En cada nuevo enfrentamiento con el maligno se descubren pistas sobre el misterioso pasado de los protagonistas; un enigma que puede cambiar el mundo.

“Asmodexia” viene a ser un perfecto ejemplo de buenas intenciones canalizadas de manera errónea en esta road movie de horror satánico, película repleta de buenas intenciones que no logran salvar la función de un producto en donde la  pobre dirección llevada a cargo por parte de Marc Carreté  resulta un lastre insalvable a la hora de enjuiciarla de manera positiva, un film de guion irregular y de giro final algo previsible pero de una clara y nada disimulada naturaleza hacia la serie B más desprejuiciada que la emparentan ligeramente al cierto tipo de cine orquestado por parte de Lucio Fulci en los setenta y principios de los ochenta. Posiblemente su falta de pretensiones sea un punto que la beneficie en algo de manera positiva, en un film que dado su naturaleza (totalmente financiado con capital privado) hubiera merecido una mayor beligerancia por parte de un público predispuesto a no perdonarle sus evidentes carencias desde un principio, una verdadera pena tanto en un sentido como en el otro.

Valoración 0/5:2

Colt 45

Vincent Miles es un supervisor de armas y un experto instructor de tiro de la Policía Nacional. Con solo 25 años recibe interesantes ofertas de todas partes, pero él rechaza entrar en los escuadrones de élite más prestigiosos. Sin embargo, cuando conoce al agente Milo Cardena, se dejará arrastrar a un infernal remolino de violencia: atracos, asesinatos y una despiadada guerra interna de la policía. Atrapado en esa situación, Vincent se verá obligado a matar en defensa propia.

Después de la extraordinaria “Vinyan” y tras seis años detrás de la palestra el realizador belga Fabrice du Welz volvía por partida doble a Sitges con “Colt 45” y “Alleluia”, films de texturas y objetivos completamente diferentes entre sí pero de un valor totalmente incuestionable.

Con “Colt 45” Fabrice du Welz se adentra en el polar francés de manera pulcra y contundente, con un dominio notable a la hora de filmar las secuencias de acción, en un film claramente de encargo que parece alejarle de su habitual discurso personal aunque en realidad no deja de ser un banco de pruebas que es aprovechado por momentos de manera inteligente por parte de un autor de miradas y objetivos de una amplitud inabarcables. Aun así al tratarse de un director de un universo tan característico y peculiar la coexistencia entre lo comercial y autoral está predestinado  a colisionar de manera inevitable, Fabrice du Welz declaro en Sitges no estar satisfecho del resultado final de la película alegando que no se le permitió por parte de los productores el rodar todo lo que él hubiera querido, trasformando en polar un film que estaba más cercano al cine noir como era la intención inicial del director belga, tal es su enfado que se negó a presentar el film en la proyección realizada en el cine retiro, un inconformismo propio de genios tan reconocibles como Fabrice du Welz.

Valoración 0/5:3’5

Goodnight Mommy

Es pleno verano, y dos hermanos gemelos esperan pacientemente a que su madre regrese a casa tras una operación de cirugía plástica. Esta llega con la cara completamente vendada y mostrándose fría, distante y obsesiva. El cambio en su personalidad hará que los niños se pregunten si la mujer es realmente su madre o se trata de una impostora.

De Austria nos vino una de las grandes descubrimientos y  sensaciones de este año presentes en el festival de Sitges,  «Goodnight Mommy» producido por el cada vez más referencial Ulrich Seidl y dirigido por su mujer Veronika Franz junto a Severin Fiala, el film supone una incursión en el horror más cotidiano y real a través de un drama familiar mostrado de forma tan sutil en su parte inicial como demoledora en su aterrador tramo final mostrándonos  todo ello en base a una violencia nunca gratuita cosa que siempre es de agradecer. La figura materna (unas vendas que cubren su rostros y que homenajean de forma explícita  a Los ojos sin rostro de Georges Franju) como detonante hacia el trauma y la destructuración familiar, una historia en la que la pérdida y su aceptación derivan en una desconfianza mostrada en una puesta en escena tan seca como austera y que da paso a una violencia en donde los impulsos más primarios del ser humanos salen a la luz independientemente de la edad del que la lleva a cabo. Película de factura técnica tan admirable como elegante cuya notable fotografía  de tono pálido dota al film de frialdad opresiva acorde a la ambientación asfixiante que nos es mostrada, «Goodnight Mommy» que bien podría ser una perfecta versión malsana y angustiosa del «The Other» de Robert Mulligan  se convierte por méritos propios en una joya del cine de género europeo muy a tener en cuenta.

Valoración 0/5:4

Maps to the Stars

Un cuento moderno sobre la obsesión por la popularidad. Stafford Weiss es terapeuta y escribe libros de autoayuda. Tiene una mujer sobreprotectora, un hijo antigua estrella de la TV en rehabilitación y una hija que acaba de salir del psiquiátrico. El principal cliente de Stafford es una famosa actriz, a punto de interpretar el papel que hizo su madre en los años 60.

Tan cierto es que David Cronenberg no volverá a transitar por el camino  con que se dio a conocer, el puramente fantástico (The Brood, Videodrome, etc) o el de una madurez cinematográfica excelsa acompañada de adaptaciones imposibles a la hora de llevarlas a la pantalla (Dead Ringers, Naked Lunch o Crash), como que en su nueva y evolutiva etapa el director canadiense este a años luz por delante de otros autores, por mucho que añoremos los trabajos antes citados.

Si en «Cosmopolis» Cronenberg nos ofrecía una crítica brutal al actual sistema económico en «Maps to the Stars» nos obsequia con una mirada ácida y sarcástica al entramado  hollywoodiense (posiblemente estemos ante el film en donde Cronenberg utiliza de forma  más evidente el tono cínico), película coral en donde sobresale una notable Julianne Moore, y en donde el tono visceral tan característico de su director es sustituido por un discurso en forma una mordaz sátira del Hollywood actual en donde se saca a relucir todos los delirios y locuras de esta gran «sociedad» que parece transitar sobre una realidad paralela a la que vivimos el resto de los mortales, y en donde los sueños rotos de estrellas consagradas o futuras promesas de Hollywood la llegan a emparentar con el «Mulholand Drive» de David Lynch, nunca dos directores de discursos tan radicalmente diferentes habían estado tan cerca a la hora de abordar aunque de manera completamente opuesta dicha temática.

Lo dicho en el primer enunciado, Cronenberg deslumbra de manera sobrada, pese a que no estemos ante uno de sus más destacables films.

Valoración 0/5:3’5

Jamie Marks is Dead

En una pequeña ciudad invernal, el cuerpo de un adolescente llamado Jamie Marks es encontrado junto al río. Adam, la estrella de su equipo de cross-country, se fascina con la historia de Jamie, un chico con del que nadie realmente sabía nada.

Proveniente del festival de Sundance nos vino «Jamie Marks is Dead» en donde su director Carter Smith  cambia completamente de tono y registro con respecto a su anterior «The Ruins» film fallido pero no tan desastroso en mi humilde opinión, «Jamie Marks is Dead» es cine independiente de vertiente y características claramente poéticas enmascarado todo ello en una historia de fantasmas que es utilizada para contarnos los problemas varios de la adolescencia, acoso escolar y la identidad sexual como trasfondo de por medio, película repleta de buenas intenciones y maneras pero algo lastrado en un desarrollo redundante y algo repetitivo en su propuesta que la terminan dirigiendo hacia un producto tan loable en su enunciado como insatisfactorio a la hora de sacar conclusiones sobre ella en su resultado final.

Valoración 0/5:2’5

These Final Hours

Apenas quedan 12 horas para el fin del mundo. James, un hombre poco amante de las responsabilidades, se dirige a una fiesta, pero el caos hará que sus planes cambien por completo, especialmente cuando por el camino encuentre a Rose, una niña que busca desesperadamente a su padre.

De Australia nos vino esta curiosa por momentos aportación al tema del fin del mundo, subgénero  bastante socorrido en el cine en estos últimos años, «These Final Hours» película de factura más que correcta que pese a verse con cierto y despreocupado agrado no logra aportar nada nuevo al subgénero de hecatombes, decantándose  más por mostrarnos un drama reflexivo y existencial (como y con quien pasar esas ultimas horas) que encaminarse hacia el consabido híper violento pre apocalíptico, una historia clásica de redención y como dirigirse hacia lo correcto, dejándonos al final con la sensación de haber visionado algo insustancial y de poca consistencia que se ve al mismo tiempo algo lastrado por el poco carisma de sus dos protagonistas (difícil deducir el por qué el premio al mejor actor para Nathan Phillips). Al final «These Final Hours» termina siendo un producto de agradable y ligero consumo pero de fácilmente olvidable.

Valoración 0/5:2’5

One on One

Una niña es brutalmente asesinada, pero esta no será la única víctima de este oscuro thriller que lleva la firma del infatigable Kim Ki-duk. Uno de los siete hombres responsables de este atroz crimen es raptado, torturado y obligado a escribir una confesión. Cuando por fin es liberado, descubre que otros compañeros han corrido la misma suerte. Decide así encontrar y rendir cuentas con los responsables.

Cuando parecía que el estimulante y controvertido director coreano Kim Ki-duk había logrado recuperar en algo el buen tono a partir de ese reset artístico denominado «Arirang«, que dio lugar a posteriori a films tan notables como «Pieta» y «Moebius» volvió a decepcionar ligeramente con esta  «One on One«, película que aunque mantiene las contantes autoriales de su director (la venganza y la redención bajo el prisma de la violencia como trasfondo de la actual sociedad) todo ello sin escatimar en detalles a la hora de plasmarlo en la pantalla, aunque en esta ocasión contado todo ello de una manera bastante deslavazada, subrayando de manera demasiado evidente su discurso crítico hacia el gobierno coreano y sus políticas sociales llegando a un final algo abrupto que no termina de contestar o resolver todas las interrogantes planteadas en su entonado inicio. De todas maneras siempre es de agradecer que aun existan autores de la talla de Kim Ki-duk, que más o menos acertados  han conseguido mantener una incorruptibilidad en su discurso cinematográfico, un discurso a prueba de toda duda, directo, sin ningún tipo de contemplaciones y carente de cualquier sutileza en lo narrativo o estético.

Valoración 0/5:3

Godsend

Seung-yeon no logra quedarse embarazada. Cuando conoce a una adolescente que quiere abortar, no duda en convencerla para que tenga el bebé para ella. Cuando la chica se instala en la casa de Seung-yeon, el marido se distancia definitivamente del hogar, lo que desencadena una serie de hechos imparables.

Uno de los peajes de contar en el festival con la última película dirigida por Kim Ki-duk «One on One» fue la proyección de este film, deduzco que impuesto de manera sutil por la productora de ambos films, no logro adivinar otra razón para la presencia de esta «Godsend» en el certamen, la película que cuenta con un guion del propio Kim Ki-duk transita en los pantanosos terrenos del melodrama folletinesco de tono insustancial, pero posiblemente lo peor del film sean sus personajes, carentes de cualquier tipo de lógica, no es normal ver a unos individuos violar a una de las protagonistas y al cabo de un rato asistir de manera samaritana en un parto, una carencia de credibilidad en cuanto a personajes bastante proclive dicho sea de paso en cierto tipo de cine proveniente de Corea del Sur.

Valoración 0/5:1

The World of Kanako

Cuando Kanako, hija pródiga y alumna intachable, desaparece, su madre no duda en llamar a su exmarido, un policía poco ortodoxo. A medida que la investigación avanza, la imagen idealizada de Kanako se va resquebrajando, dejando entrever que, bajo la excelencia, la chica esconde otra vida, más oscura y secreta.

Había mucha expectación por ver el nuevo film de Tetsuya Nakashima después de las extraordinarias «The Memories of Matsuko» y «Confessions«, «The World of Kanako» que provocó una palpable división de opiniones entre el público transita por esquemas que Nakashima ya había tratado en sus anteriores trabajos, un retrato agudo de la destructuración familiar bajo la apariencia de un thriller de venganza  contado todo ello en forma de un puzle narrativo con el flasback como recurso narrativo, algo bastante característico en su director y que da paso a un delirio visual que llega a aturdir por momentos al espectador pero que tiene la indudable virtud de no dejar indiferente a prácticamente nadie. Posiblemente la película este algo por debajo de sus anteriores trabajos pero Tetsuya Nakashima, un hombre de claros excesos cinematográficos atesora la suficiente brillantez como para volver a incidir de manera acertada en un universo tan particular como arrollador consiguiendo dar rienda suelta a un imaginario totalmente digno de elogio, llegando a ser una obra que aunque sobrada y pasada de vueltas tanto estéticamente como argumentalmente logra llegar a transformarse en una experiencia visual francamente única.

Mención aparte merece el tour de forcé interpretativo de Koji Yakusho, justo merecedor del premio al mejor actor, un personaje tan fascinante como desconcertante, con tantas aristas como contradicciones, algo que viene al dedo para definir las sensaciones que deja el visionado de un producto tan deslumbrante y desconcertante como es por momentos este «The World of Kanako«.

Valoración 0/5:3’5

’71

Belfast, 1971. El conflicto norirlandés pasa por uno de sus momentos más cruentos. La ciudad está dividida en dos áreas, donde católicos y protestantes tienen soldados, unidades paramilitares y bandas de agentes encubiertos. Un joven recluta inglés se pierde en territorio enemigo, emprendiendo entonces un periplo a lo largo de la noche en el que las zonas residenciales de Belfast se convierten en un violento campo de batalla.

Proveniente de la Berlinale la británica ’71 del director Yann Demange director de las series «Dead Set» y «Top Boy» vino a confirmar que en Sitges las buenas películas siempre tienen cabida de una manera u otra, aunque su afiliación al género fantástico o thriller este algo cogido con pinzas.

’71 vendría a ser un perfecto acompañamiento como programa doble del «Bloody Sunday» de Paul Greengrass, el film  viene a ser un survival  de tono realista  y dramático, que no bélico, situado en la Irlanda del Ira contada prácticamente en tiempo real llegando a aunando el thriller de acción y el realismo en un escenario urbano de manera admirable y precisa, evitando al mismo tiempo que la película se decante hacia la denuncia política.

Posiblemente lo mejor de’71 junto a la magnífica ambientación con que está dotado el film sea el dominio que Yann Demange  demuestra a la hora de plasmar los momentos de tensión en la puesta en escena y que lo convierten desde este momento en uno de los directores británicos más a tener en cuenta en futuro no muy lejano.

Valoración 0/5:4

Stereo

Eric solo piensa en hacerse cargo de su taller de motos y en pasar el rato con su nueva novia y con la hija de esta, pero de repente entra en escena Henry, un tipo raro que se pega a Eric como un parásito. Sin embargo, Henry podría ser de utilidad cuando un mafioso comience a amenazar a Eric y a los suyos.

El thriller alemán «Stereo» pese a partir de una idea que aunque no original es interesante y abre un sinfín de posibilidades argumentales (la bipolaridad del ser humano aplicado al noir) termina siendo un film fallido a todas luces, llegando a tener un desarrollo narrativo de lo más monótono prácticamente en la totalidad de su metraje, posiblemente tenga mucho que ver el tono melodramático con el que su director quiere dotar al film amen del algo absurdo juego de querer engañar al espectador de manera algo torpona, es algo que evidentemente sobra, solo en su tramo final cuando la acción pasa a un primer plano escénico se llega a contemplar algo de destreza por parte de su director a la hora de plasmar dichas secuencias, una ligera pulcritud que no llega a salvar a una película absolutamente prescindible que poco aporta al subgénero del thriller de venganzas.

Valoración 0/5:2

Réalité

Jason sueña con dirigir su primera película de terror. Bob Marshal, un productor adinerado, acepta financiar el proyecto, pero pone una condición: Jason tiene 48 horas para encontrar el grito más perfecto de la historia del cine. En esta extravagante búsqueda, el protagonista se verá inmerso en la peor de las pesadillas.

Posiblemente con «Réalité» Quentin Dupieux logre su película mas redonda o al menos la que mejor se adecua a su particular imaginario fílmico después de la fallida «Wrong Cops«, logrando una pequeña joya del absurdo metalingüístico en donde surrealismo y el sarcasmo se dan la mano de forma brillante y armoniosa en esta mirada irónica al mundo del cine que nos ofrece el director francés, una especie de hermana bastarda del «Inland Empire» de David Lynch, cine dentro del cine y cine dentro de los sueños y viceversa ( un tema que venía que ni pintado al leitmotiv del festival de este año), hasta lograr una coherencia narrativa en su conjunto por muy difícil que parezca, seguramente ese es el gran mérito de Quentin Dupieux, la coherencia del absurdo, un absurdo eso sí, no apto para todos los paladares.

Valoración 0/5:4

 2030

Año 2030. El calentamiento global ha dejado Vietnam bajo el mar. En este paisaje apocalíptico, una mujer tratará de encontrar a los responsables de la muerte de su marido, una investigación que se enturbiará cuando las sospechas recaigan sobre un antiguo amante de ella. Una naturaleza salvaje y seductora sirve de marco para este thriller de ciencia ficción en torno al amor y la muerte en una tierra sumergida.

Proveniente de la Berlinale nos llegó esta curiosa película vietnamita enmascarada de thriller de venganza de tono algo costumbrista con el trasfondo de un paisaje desolado como consecuencia del efecto invernadero a causa del calentamiento global, posiblemente su cuidada ambientación sea el punto más destacable del film de Minh Nguyen-Vo, lástima que no llegue a profundizar en un enunciado este que solo sirve como tal llegando a convertirse en un mero trasfondo escénico y poca cosa más ya que la película se decanta por contarnos un drama romántico de ritmo lento y algo confuso por utilizar de manera algo torpe el flashback como recurso narrativo, aun así «2030» es una interesante pieza a descubrir dentro de una cinematografía tan desconocida y exótica como la vietnamita.

Valoración 0/5:3

The Canal

Mientras clasifica material de archivo rodado a principios del siglo XX, David descubre que su casa fue el escenario de un terrible crimen. Un hecho luctuoso que amenaza con proyectar una sombra fantasmagórica sobre la vida del protagonista. Usando las imágenes de archivo como algo espeluznante, The Canal se convierte en una gran muestra de terror psicológico.

«The Canal» película irlandesa de oscuro terror psicológico desarrollada a partir de una historia en donde  celos e infidelidades van derivando hacia la locura del protagonista principal, una suerte de Jack Torrance, un film del que quizás se esperaba algo más quedándose a medio camino de lo que prometía en un principio viéndose  algo lastrada en base a una serie de tópicos en su realización (especialmente llega a ser algo irritante el consabido abuso de los golpes de sonidos de rigor)y que la dirigen a una previsibilidad que dan poco lugar a hacia la sorpresa, pero que pese a su evidente falta de originalidad consigue ser una correcta y por momentos entretenida cinta poseedora de una factura más que digna y con un buen manejo de todos los clichés habidos y por haber del actual cine de terror, un producto ideal para ser consumida sin muchos prejuicios por parte del cinéfilo más despreocupado.

Valoración 0/5:3

The Voices

Jerry vive en un piso con la única compañía de su perro Bosco y de su gato Mr. Whiskers. Hasta aquí todo parece normal, pero cuando conoce a la bella Fiona, nuestro protagonista llega a su casa y no duda en contarles a sus animales de compañía sobre el encuentro. Evidentemente, ellos contestan.

La aclamada dibujante de cómics Marjane Satrapi (Persépolis, Pollo con ciruelas) nos ofrece con «The Voices» un curioso retrato de un serial killer interpretado de forma modélica por Ryan Reynolds (que nos muestra que su mejor versión aparece siempre en films independientes alejados de los blockbusters), siendo una película multigenérica de acertado tono kitsch, ¿porque que es realmente «The Voices«? ..una comedia negra?..un film sanguinario de psicópatas? O un musical?..lo es todo pero no acaba de decantarse por ninguno en especial quedándose en tierra de nadie, resultando al final un producto tan original y arriesgado como algo irregular y desconcertante, colindando de manera algo peligrosa en el terreno de lo naif y con la sensación final de que se le acaba dando prioridad a la estética que al contenido de la historia, defectos de forma que no terminan de empañar un film con una clara vocación para convertirse en una película de culto en un futuro no muy lejano y cuya principal virtud viene dado por lo atípico de su propuesta.

Valoración 0/5:3’5

 Spring

Un joven estadounidense viaja a Italia, donde conoce a Louise, con la que inicia un intenso romance. Sin embargo, la chica oculta un secreto sobrenatural que podría destruir la relación.

Había cierta expectación por comprobar si las buenas maneras mostradas por el dúo de directores formado por Justin Benson y Aaron Moorhead en su opera prima «Resolution» tendrían continuación o confirmación con «Spring«, ya se sabe aquello de que un segundo film viene a confirmar o no el talento de sus autores. Con «Spring«, que sigue moviéndose por los terrenos del cine más indie, se reafirman solo a medias, aunque al film se le nota una factura técnica más lograda y pulida que en su anterior película  este denota un ritmo narrativo bastante irregular, la película se va desinflando conforme avanza, «Spring» se mueve con cierta originalidad en el terreno de la monster movie  de claro tono romántico,  aunque utilizando el elemento fantástico solo a un nivel simbólico, un planteamiento que aunque novedoso peca de una superficialidad que le resta bastantes puntos.

Valoración 0/5:3

I Origins

Ian Gray, un estudiante de biología molecular especializado en la evolución del ojo humano, conoce a una misteriosa mujer cuyo iris es multicolor. Años después, su investigación lo conduce a un descubrimiento asombroso, que podría cambiar la forma en que percibimos nuestra existencia.

Mike Cahill volvía al festival de Sitges después de que tres años atrás presentara la estimulante sci-fi independiente  «Another earth«. Con «I Origins» vuelve a incidir en el  drama intimista con la ciencia ficción como trasfondo pero dirigiéndonos hacia el debate entre ciencia y espiritualidad o el misticismo versus ciencia partiendo de la base de que el ojo es en definitiva la demostración irrevocable de la evolución de nuestra especie, enunciado este que se ve algo diluido al sustentarse todo ello sobre un drama romántico algo insustancial.

Mike Cahill da un paso adelante con respecto a su opera prima, dispone de más medios y su discurso es en apariencia más ambicioso, es evidente que pese a que la película sigue siendo independiente se pierde algo de fuerza con respecto a su trabajo anterior, da la impresión de ser más un producto diseñado para el gran espectador, aquel al que se le tiene que subrayar ciertos aspectos de la trama llegando a ser algo previsible en su desarrollo. Aun asi «I Origins» tiene la virtud de no caer en la pedantería de su discurso huyendo del ensayo new age y ofrecernos un apasionado discurso entre la ciencia y la fe a través de un trabajo reflexivo que pocas veces vemos en el cine actual.

Valoración 0/5:3’5

 La Distancia

Un artista confinado en una central térmica de Siberia encarga a tres enanos con poderes sobrenaturales que planifiquen y roben algo que denomina «la distancia».

El nuevo trabajo de Sergio Caballero (codirector y responsable visual del Sónar) tras «Finisterre» aterrizo en Sitges dispuesto a llenar de excentricidad la gigantesca pantalla del Auditori, lo cierto es que no resulta especialmente fácil poder hablar de esta película rodada íntegramente en la estepa siberiana en donde tres enanos con poderes de telequinesia reciben la misión de encontrar un objeto denominado  «La distancia» que se encuentra alrededor de una central térmica destartalada. En «La Distancia» asistimos a un catálogo de imágenes inconexas con toques de humor surrealista pero de claro carácter subversivo en donde la ciencia ficción y la irrealidad se dan la mano en un producto que si bien es original deviene en una película freak en lo referente a lo marciano de su propuesta y en donde nada de su argumento, o casi nada, queda explicado. Si el objetivo de Sergio Caballero que se refería a su film como una mezcla de “Tarkovsky y “Kung-Fu Panda” era no dejar al espectador indiferente al  explicarnos una historia en donde prima la intención y quedando al mismo tiempo prohibida la indiferencia por parte del espectador el objetivo queda cumplido de sobras.

Valoración 0/5:2’5

 The Guest

Los Peterson siguen llorando el fallecimiento de su hijo Caleb en Afganistán. En pleno duelo, David (Dan Stevens,) irrumpe en el hogar familiar y conquista a cada uno de sus miembros hasta que uno de ellos comienza a intuir que David no es quien parece ser.

Los años setenta y ochenta, épocas doradas de más de una generación de espectadores  están siendo objeto por una especie  de resurgimiento de claro tono nostálgico, una tendencia que va claramente en aumento y en la que el dúo formado por Adam Wingard (director) y Simon Barrett se suman con esta «The Guest«, film que contiene todos los ingredientes para que el público de un festival como el de Sitges salga pletórico y satisfecho tras su visionado.

No se le puede negar una cierta coherencia a Adam Wingard en su filmografía, si en «You’re Next» reinventaba y al mismo tiempo oxigenaba el slasher ochentero de las home invasión, en «The Guest«vuelve a incidir en invasiones caseras pero desde la premisa del action movie del icónico héroe musculoso de los años ochenta con claras pinceladas de humor negro y colindando al mismo tiempo con un cine de John Carpenter  como por ejemplo «Asalto a la Comisaría del Distrito 13«,si a todo esto le añadimos la electrónica banda sonora compuesta por Steve Moore que le da una tonalidad de perfecta armonía a la escenas la película funciona a las mil maravillas como puro entretenimiento de consumo inmediato y altamente disfrutable. La proyección esta película en el día que parecía que el festival homenajeaba de alguna manera a la productora Cannon con la proyección de dos documentales que analizaban su trayectoria no parecía hecha al azar, eso si  «The Guest» no deja de ser un entretenido juego orquestado por Adam Wingard& Simon Barrett  que supone la confirmación de su enorme talento a la hora de recrear tendencias cinéfilas, un juego a la postre en el que solo lo disfrutas plenamente si entras en él.

Valoración 0/5:3’5

 Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films

¿Qué tendrá la Cannon para inspirar no uno, sino dos documentales? La respuesta es fácil: cinefilia sin complejos, descaro y dos cerebros, Menahem Golam y Yoram Globus, más grandes que la vida. Electric Boogaloo analiza las demenciales estrategias publicitarias con que la productora sacudió los cimientos de Hollywood.

Es una pena que Mark Hartley comentara en Sitges que este sería su último documental, algo que domina a la perfección, y que a partir de ahora se centraría en la ficción (el precedente de su remake de «Patrick» no es precisamente muy halagüeño), con «Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films» Hartley sigue el esquema de sus notables  «Machete Maidens Unleashed!» que analizaba las producciones rodadas en  Filipinas entre los años 60 y 70 y «Not Quite Hollywood» dedicado sobre el exploitation australiano, en Electric Boogaloo se nos cuenta el devenir de la productora Cannon a través del estudio de la trayectoria de dicha compañía, auge y caída, contado de manera rigurosa haciendo hincapié las partes más oscuras de la productora pero al mismo tiempo divertida, enfatizando su lado más freak y logrando con esto que el espectador logre  empatizar de inmediato con lo que está viendo en la pantalla como ocurría con sus trabajos anteriores, un perfecto trabajo donde el ejercicio nostálgico se pone por delante a la hora de juzgar la calidad artística del producto en la que se basa dicho estudio.

Valoración 0/5:4

 Housebound

Si uno descubriera que la casa donde vive está encantada, su primer impulso sería mudarse. Pero, ¿qué ocurre si la ley te impide abandonar el hogar? Eso es lo que le sucede a Kylie, una delincuente temperamental que cumple su sentencia en arresto domiciliario, compartiendo penurias, escalofríos y risas con su madre y con un espíritu de lo más molesto.

Desde Nueva Zelanda nos llegaba el debut en la gran pantalla de Gerard Johnstone con este «Housebound» que combina con acierto el difícil hibrido entre la comedia y el terror, no es fácil encontrar ese equilibrio de géneros y que ninguno de ellos salga dañado o en un segundo plano, de echo este film es ideal para todos aquellos que le aburren las películas de fantasmas y busquen algo más liviano y fresco sin prácticamente ningún tipo de pretensiones. En  Housebound vemos como medida que va avanzando la historia, el terror da paso al misterio y al thriller llegando a un final donde el gore nos remite en algo a cierto cine que veíamos en los ochenta.

Gerard Johnstone consigue jugar muy bien con los géneros  consiguiendo una mezcla de géneros muy homogénea pero posiblemente lo mejor de este film sea ese humor neozelandés tan característico, esa variación cafre del humor british que tanto nos gusta.

Valoración 0/5:3

The Go-Go Boys: The Inside Story of Cannon Films

“Cuando uno quiere hacer cine tiene que estar dispuesto a matar a su tía y llevarse su dinero”, dice Menahem Golan en este espléndido documental sobre los dos primos israelíes que pusieron patas arriba la industria de Hollywood con más de 300 títulos producidos. The Go-Go Boys relata el auge y caída de Cannon Films, sus éxitos más memorables y la ruptura, profesional y personal, de sus dos fundadores.

En esta edición del Sitges 2014 el festival quiso sumarse al reconocimiento que se ha empezado a producir en los últimos años hacia la productora Cannon proyectando dos documentales sobre la misma, «Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films» y el que nos ocupa, diferentes entre sí pero perfectamente complementarios entre ellos. «The Go-Go Boys: The Inside Story of Cannon Films» se centra más en la trayectoria cronológica de sus dos responsables Menahem Golan y Yoram Globus, siendo un proyecto auspiciado por ellos mismos, contándonos en base a entrevistas e imágenes de archivo sus inicios en su Israel natal hasta llegar a su retiro a día de hoy, posiblemente su falta de hegemonía y en ocasiones la falta de una mirada más imparcial le coloca  un peldaño por debajo de «Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films«. Al final el factor nostálgico se adueña de la función en este interesante documental que termina con la imagen de nuestros dos protagonistas en una sala de cine disfrutando de una película con las pertinentes palomitas y refresco a su lado (Menahem Golan moriría pocos meses después) dejando un halo de tristeza en el espectador pues al fin y al cabo la Cannon no deja de ser la crónica de un fracaso, recordemos que el estudio produjo trabajos a gente como Jean-Luc Godard, John Cassavetes o Barbet Schroeder, la crónica de la búsqueda de una quimera a la hora de conquistar un Hollywood que nunca les acepto.

Valoración 0/5:3

Una programación que nos deja cifras espectaculares: más de 450 películas recibidas de todo el mundo, de las cuales sólo 14 formarán parte de la Sección Oficial Competitiva que cuenta 2 premiere europea, 5 premiere españolas y 1 catalana. Cerca de 900 cortometrajes llegados a la 12a edición del Concurso de Cortos y más de 200 micro-relatos… Sin duda una edición récord.

 Ya tenemos la lista completa de películas que componen la Sección Oficial de la presente edición. También podemos anunciar el film que entra dentro de nuestro acuerdo con el festival Ventana Sur, concretamente con su sección Blood Window. Por último presentamos los dos títulos que componen la sección Retrospectiva de este año.

 Con el anuncio de los títulos que faltaban por salir a la luz, ya podréis consultar la programación completa para todo el festival. Ya solo queda saber nuestra película sorpresa, pero para ello tendréis que esperar hasta el sábado 8 durante las esperadas 12 horas.

Sección Oficial

ASMODEXIA

Película de producción catalana llena de fuerza, con un gran guión y unos escenarios dignos del terror Hollywoodiense. Un hombre y una adolescente encaminados en un viaje oscuro, con una cuenta atrás desconcertante, a la meta de algo que no conocemos. Esto es lo que el director, Marc Careté, nos ofrece. Una de las propuestas más frescas y sorprendentes de los últimos años dentro de nuestro territorio nacional, con la que los amantes del género disfrutaran. Por primera vez, compite una película catalana en nuestra joven Sección Oficial a Competición, y a un gran nivel. No os la perdáis.

AUTUMN BLOOD – Premier Española

Un survival en mitad de un paisaje idílico, así podríamos definir esta película en una frase. Una Sophie Lowe, que firma la que posiblemente sea su mejor interpretación hasta la fecha. Estamos ante un film que transmite muchísimo sin necesidad de palabras. La muerte de la madre deja a dos hijos huérfanos y con un padre atormentado por los secretos de familia. En el pueblo están recelosos por vendettas pasadas con esta familia y aprovecharan para asaltar brutalmente a la hija mayor cuando se topan con ella sola e indefensa en el bosque.

BERKSHIRE COUNTY (Audrey Cummings, 2014) – Premiere Europea

Kylie Winters después de sufrir bullying en clase decide que prefiere pasar la noche de Halloween trabajando de niñera que salir de fiesta y seguir sufriendo vejaciones. Lo que la joven no esperaba es que en medio de ese caserón aislado, en medio de la nada, recibiría una visita inesperada en mitad de la noche.

Un home invasión al uso, cargado de todos los tópicos de este género, pero gracias a su buen ritmo y buena realización nos deja pegados al asiento.

CLOSER TO GOD (Billy Senese, 2014) – Premiere Europea

Un eminente científico genético ha conseguido lo imposible, clonar a un ser humano, un bebe llamado Elizabeth. Pronto gran parte de la opinión pública se lanzara a la yugular del profesor, afirmando que su trabajo va en contra de la lógica humana y en contra de Dios. Lo que la gente no sabe, es que el buen doctor oculta un secreto mucho más terrible… Cuando el ser humano juega a ser Dios las cosas no siempre salen como uno espera.

Escrita y dirigida por Billy Senese, la historia que nos cuenta se aproxima mucho a los primeros trabajos de Cronenberg, donde solía tocar temáticas similares.

EXISTS – premier española

Un found footage de uno de los creadores que nos aterrorizo con “El Proyecto de la Bruja de Blair”, el realizador cubano Eduardo Sánchez. Quince años después de su momento de gloria, el realizador enlaza una película de terror con grandes dosis de acción, y con esto nos ofrece el que sin duda alguna es uno de los found footage más ambiciosos jamás rodado. Desde el inicio de la película, veremos como uno de los padres del género (junto con Daniel Myrick) nos introduce en la acción evitando magistralmente una de las rémoras que más ha arrastrado el género: la tediosa introducción. Sin duda una de las apuestas fuertes de este año, la cual podréis ver en calidad de premiere española.

JULIA

Marcado “Rape & Revenge” que nos presenta a Julia (Ashley C. Williams, una de “las partes” de Ciempiés Humano en The Human Centipede, 2009 Tom Six) maltratada, violada y dada por muerta. Una película que se cuece a fuego lento marcando su claro homenaje al “Rape & Ravenge” japonés incluyendo aires de la nueva ola fresca de terror Independiente Americano. Su director Matthew A. Brown nos presenta su opera prima que además de dirigir, escribe y produce desde una perspectiva inicialmente poco sangrienta, pero con un tono in crescendo de maldad, mal rollo y la total falta de escrúpulos. Una película que no dejará indiferente ni a mujeres ni a hombres…

I SURVIVED A ZOMBIE HOLOCAUST

Hablamos del film que pondrá el colofón final a esta edición, pues lo nuevo del director Guy Pigden, una hilarante comedia de zombies será la que cierre estas 12 horas. Posiblemente estamos ante la película más gamberra que hemos tenido en los últimos años, cargada de personajes estereotipados y situaciones de lo más surrealistas y cómicas. Preparados para acompañar al becario Wesley Pennington durante sus aventuras en el rodaje de una película neozelandesa de zombies. Un rodaje bastante complicado por las exigencias de sus protagonistas y por los zombies reales que abordaran a nuestros protagonistas.

LET US PREY

Si una palabra define perfectamente la esencia de esta película, esta es: misterio. Desde su primer fotograma nos dará la sensación de creer que está pasando sin entender nada, aunque nada más lejos que la realidad. Nuestro misterioso predicador tiene todo atado al milímetro y a medida que avancemos nos iremos dando cuenta. Un film cargado de sangre y violencia, que hará las delicias de todos los amantes de la casquería. Destacar entre su reparto a una Pollyanna McIntosh que borda su papel de femme fatale.

LIVING DARK – premier española

En 2001 Ted y su hermano acaban de enterrar a su padre. Mientras vuelven a casa después del funeral, por casualidad topan con una misteriosa cueva. Intrigados, deciden cavar en ella para saber por qué dejaron a medio el misterioso agujero. Mientras tanto, sube a internet sus hazañas en excavando, hasta que el 19 de mayo de 2001 dejó de publicar en su página web. Este es el punto de partida de Living Dark, una película de terror asfixiante que recuerda a The Descent (Niel Marshall, 2005). Rodada con muy pocos medios y en espacios casi siempre cerrados, lo que la convierte en una película realmente claustrofóbica. Podríamos decir que es la película de esta edición más independiente. Destacar que el guión está basado en un creepypasta de internet, así que posiblemente nunca sabremos cuanto de real hay en esta historia… perturbadora, ¿verdad?

 SUBURBAN GOTHIC – Premier Española

La nueva película del director Richard Bates Jr, director de la galardonada y polémica Excision, la cual pudimos ver en la pasada edición de 2012. Esta vez cambia bastante de registro, y nos trae una comedia de terror mordaz, cargado de humor negro y fantasmas. Raymond es un canalizador, eso significa que puede ver cosas que la gente normal ni se imagina. En su día a día debe lidiar con fantasmas y otros seres poco agradables del más allá. Cuando vuelve a su pueblo natal, deberá enfrentarse no solo a sus antiguos compañeros de clase que siempre lo han marginado, sino que él y su amiga Becca serán los únicos capaces de enfrentarse a un fantasma que amenaza su pequeño y apacible pueblo.

THE MAN IN THE ORANGE JACKET – Premier Catalana

Cada año el festival suele presentar una película que sale de lo común, esta es nuestra apuesta de este año. Un film tan violento y frio como su protagonista. Su escasa duración y ese aire de misterio y locura que envuelve la cinta os dejara enganchados a la pantalla. El armenio Aik Karapetian, escribe y dirige esta sensacional cinta de terror y violencia donde seguiremos las andanzas de su protagonista, Dan, un hombre atormentado y de mentalidad volátil que prefiere los golpes a las palabras para expresar sus sentimientos.

STARRY EYES

Este film es un viaje por las entrañas del tan conocido y a la vez conocido por todos, Hollywood. Donde una chica, insistente y persuasiva llamada Sarah Walker, será capaz de cualquier cosa con tal de conseguir su más preciado sueño… Dotada de una trama que evoluciona constantemente y que no deja de sorprender al espectador, dando aires de las pesadillas Lynchianas y el terror en el cuerpo típico del maestro Cronenberg. En definitiva una película oscura, sin remordimientos, visceral que asesta un tiro de gracia a las corrosivas ambiciones de la industria cinematográfica en Hollywood.

PHOBIA (ALONE) (Rory Douglas Abel, 2013) – Premiere Española

Jonathan MacKinlay sufre de agorafobia, por lo que desde la muerte de su mujer no sale de su domicilio. Su vida es una espiral autodestructiva que se agravara cuando empiece a ver a su difunta mujer por varias estancias de la casa y la figura de otra misteriosa mujer que no conoce.

Es el primer largometraje para el director Rory Douglas Abel, el cual consigue imprimir una atmosfera opresiva y un ritmo que crece a medida que avanza el metraje.

Blood Window

Este año en col·laboració con Ventana Sur (uno de los festivales más importantes de Latinoamérica) projectará 2 pel·lícules de género durante el marco del Festival, dentro del lema Ventana Sangrienta: BLOOD WINDOW, una especie de recopilación de películas de género Argentinas. Una es la película a Competición EL DIA TRAJO LA OSCURIDAD (DARKNESS BY DAY) y el otro título que nos faltaba por saber es:

EL DÍA TRAJO LA OSCURIDAD

La nueva película del director argentino Martín De Salvo puede presumir de tener una atmosfera cargada de terror, una fotografía envidiable y un guión que sorprenderá a todos. Cosechando grandes críticas por parte de la prensa especializada por allá donde pasa. Un brote de rabia, un pueblo en mitad de la nada, la hija del doctor está sola en casa y una extraña epidemia se está extendiendo con una rapidez insólita por toda la zona.

INCIDENTE

Hace años hubo un asesinato múltiple en una empresa. Después del terrible suceso esta cerró. Aunque el lugar siempre ha sido objetivo de parapsicólogos, curiosos y gente que simplemente busca lugar para pasar desapercibido. Cuando un grupo de expertos decide reunirse en el lugar para intentar invocar a los espíritus, no esperaban lo que iba a suceder a continuación…

Película realizada en clave de found footage, que recuerda a otros títulos como la exitosa saga REC. Cargada de sustos, como suele ser común en este tipo de producciones

Retrospectiva

DE VIERDE MAN (EL CUARTO HOMBRE) (Paul Verhoeven, 1983)

Un escritor alcohólico y mujeriego sufre visiones perturbadoras, que irán en aumento justo después de tener un affair con una chica en la presentación de uno de sus libros. Después de eso, empezara su descenso a los infiernos.

La última película de Paul Verhoeven en su Holanda natal, antes de dar el salto a los Estados Unidos. Verhoeven en estado puro, sexo, violencia, visualmente impactante. Imprescindible.

RABID (RABIA) (David Cronenberg, 1977)

Una mujer sufre un accidente, por lo que tienen que operarla de urgencia y someterle a una experimental cirugía plástica. En la operación algo sale mal, y despertara en la joven una sed de sangre insaciable. Pronto empezaran a caer las primeras víctimas y pronto una plaga de terror y violencia se verá desatada por culpa de ella.

Sin duda alguna uno de los primeros grandes triunfos del director canadiense David Cronenberg. Como viene siendo habitual en su filmografía, experimenta con el cuerpo humano y esto tiene devastadoras consecuencias.

 Documental

DOCUMENTAL: La Sonrisa del Lobo

El documental “La Sonrisa del Lobo”, trata el tema de la evolución del cine de terror español, centrándose en la figura de Paul Nancy, todo ello visto desde diferentes puntos de vista expresados por personas involucradas en el mundo del terror español.

 Más información: http://www.terrormolins.com/

Musarañas

España, años 50. Montse (Macarena Gómez) ya no es joven, ha perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña, encerradas en un siniestro piso del centro de Madrid. Su madre murió en el parto de la pequeña (Nadia de Santiago), y el padre (Luis Tosar) no pudo soportarlo. Huyó cobardemente dejándolas solas. Obligada a ser padre, madre y hermana mayor, Montse se esconde de la vida, entre cuatro paredes, alimentando un temperamento obsesivo y desequilibrado: padece de agorafobia, y no puede dar un paso fuera de casa. Ella no entiende lo que le sucede, y el sufrimiento que esa extraña enfermedad le genera la obliga a refugiarse en un mundo de Padrenuestros y Avemarías. Montse trabaja de costurera y el único eslabón que la une con la realidad es la niña, una niña que está dejando de serlo. Un día, esa cadena se rompe: Carlos (Hugo Silva) un vecino joven e irresponsable, tiene la desgracia de caerse por las escaleras, buscando ayuda en la única puerta a la que ha sido capaz de arrastrarse. Montse le recoge. Alguien ha entrado en la madriguera de las musarañas….

«Musarañas», el film apadrinado por Álex de la Iglesia y dirigido por los noveles  Juanfer Andrés y Esteban Roel, que llegará a nuestros cines el próximo 25 de diciembre, fue unos de los platos fuertes de esta edición, a medio camino entre el drama traumático y el humor negro, la cinta llega a colindar temáticamente con el «Misery» de Rob Reiner, logrando llegar en sus últimos veinticinco minutos a una generosa espiral de dosis de gore muy “granguiñolescas, que remiten de manera notoria y clara al cine de Álex de la Iglesia, consiguiendo que al final el producto se emparente más hacia lo visceral que lo psicológico.

Lástima que la película no termine de aprovechar  del todo la oportunidad de profundizar más en ese ambiente claustrofóbico y opresivo en el que vive enclaustrada el personaje de Montse (magnifica Macarena Gómez,  personaje cuya profundidad psicológica sea posiblemente el punto más logrado de la película ) como tampoco sepa sacarle todo el jugo deseado a el escenario temporal en el que se desarrolla la historia, esa España profunda y oscura de los años cincuenta, el de la postguerra civil, de hubiera sido así posiblemente estaríamos hablando de un film referente del fantástico patrio contemporáneo.

Valoración 0/5:3’5

Young Ones

Un joven de 14 años (Smit-Mcphee) está obligado a usar su ingenio para sobrevivir en un mundo post-apocalíptico donde el agua se ha convertido en el recurso más preciado, provocando violentas guerras por su posesión.
La supervivencia del hombre en un escenario hostil (un futuro post-apocalíptico a consecuencia del calentamiento global) sirve como excusa a  Jake Paltrow para contarnos una historia de ritmo pausado y simple pero adecuadamente ejecutada en lo visual, que tiene su principal baza en estar narrada de manera nada disimulada a modo de western crepuscular con todos los mimbres que caracterizan este género, unión familiar, fractura y venganza, sustituyendo la tan característica búsqueda del oro por la  imperiosa necesidad de conseguir agua,  ofreciéndonos como escenario un  paisaje completamente desolado en un futuro no menos esperanzador, todo ello potenciado por una exquisita fotografía a cargo de Giles Nuttgens de claro tono ocre. 

Unos de los problemas de la película se nos presenta  a la hora de narrar la trama de manera algo gratuita e innecesaria en tres capítulos donde se nos ofrece la historia a partir de los tres personajes principales, algo que poco aporta en el desarrollo de una historia mostrada sin ningún tipo de efectismos y artificios, algo hoy en día digno de elogio.

Valoración 0/5:3

Under the Skin

Unos alienígenas aterrizan en la Tierra para llevar a cabo una misión específica: abducir a los autoestopistas y transportarlos a su mundo, donde la carne humana es considerada una delicatesen. Para ello cuentan con la colaboración de una infiltrada en la Tierra, una atractiva mujer (Scarlett Johanson) que sirve de cebo a los incautos.

El festival de Sitges tuvo para bien, pese a que el film llegaba con cierto retraso, ofrecernos la oportunidad de ver en pantalla grande una de las grandes películas de los últimos años, es una de las cosas buenas de este certamen, una desenfadada anarquía a la hora de seleccionar según que títulos, no importa que «Under the Skin» sea del 2013, la película bien vale poder rescatarla y visionarla en su justa medida.

Jonathan Glazer nos deslumbra  con esta maravilla puramente contemplativa y destinada a ser una obra de culto desde ya,  en donde no se admiten términos medios a la hora de posicionarse en su favor o en su contra. Inspirada en una novela del escritor holandés Michel Faber (publicada en España por Anagrama, con el título de Bajo la piel), Glazer consigue provocarnos extrañeza, inquietud, turbación y finalmente desamparo a partes iguales en un mosaico de sensaciones mostradas bajo una narrativa visual deliberadamente lenta que consigue hipnotizar al espectador.

«Under the Skin» termina siendo tan extrañamente erotizante como perturbadora, y como si se tratase de una obra de Stanley Kubrick, esta consigue transportarnos a un universo  en donde las imágenes sobreactúan a la narrativa más puramente convencional.

Valoración 0/5:4’5

Doc of the Dead

Dirigido por Alexander O. Philippe (The people versus George Lucas y The Life and Times of Paul the Psychic Octopus) y con las participaciones de Alex Cox, Simon Pegg, George A. Romero o Steven Scholzman, esta pieza analiza cómo el fenómeno zombie se ha popularizado en los últimos años en todo tipo de campos, como la literatura, las series o, incluso, la moda.

Alexandre O. Philippe vuelve a la carga en esta ocasión para contarnos y analizar a través del documental el cine zombie y su evolución a lo largo de la historia, pero sobre todo su relación y eclosión con la cultura popular contemporánea, dejándonos cierta sensación de deja vû al finalizar su visionado, principalmente por tratarse de un tema bastante manido, existen infinidad de documentales que ya han tratado el tema, «Doc of the Dead» resulta entretenida pero aporta más bien poco a la hora de analizar de forma exhaustiva dicho fenómeno.

Además en esta ocasión  Alexandre O. Philippe no se muestra tan incisivo en su mirada algo irreverente ya mostrado en sus anteriores trabajos (The people versus George Lucas y The Life and Times of Paul the Psychic Octopus), es como si el documental  perdiera algo de fuelle y se quedara en tierra de nadie, entre el retrato riguroso y el discurso sarcástico que asoma a base de pequeñas pinceladas, llevándonos a una sensación final de cierta complacencia por parte del director, en donde parece predominar por momentos lo ameno a lo reflexivo.

Valoración 0/5:2’5

Cub

A los 12 años, Sam ve cómo sus compañeros de campamento desconfían de él. Un día, descubre una extraña casa en un árbol, donde encuentra a un misterioso niño salvaje. Cuando Sam intente advertir a sus compañeros, estos le ignorarán, cometiendo un terrible error, pues el niño salvaje es el ayudante de un psicópata que tiene previsto terminar con los pequeños scouts, uno a uno.

«Cub» del debutante Jonas Govaerts junto  al contundente thriller «The Treatment»  vino a confirmar el buen estado de salud de la cinematografía de género proveniente de Bélgica, un país poco dado a este tipo de films pero que parece que en los últimos años ha despertado en algo de su letargo a la hora de producir películas de género. «Cub» venía precedida de las buenas criticas cosechadas en el pasado festival de Toronto dentro de su  Midnight Madness, el film cumple a medias, si bien no inventa nada nuevo visto a día de hoy sí que se puede apreciar cierto dominio por parte de su director a la hora de plasmar en pantalla los clichés típicos del subgénero  slasher, especialmente en lo referente al ritmo de sus últimos  veinte minutos, lástima que el resultado final quede algo descompensado por una primera hora plagada de tópicos que poco aporta a la historia.

Valoración 0/5:2’5

El festival de cine fantástico de Sitges celebró su 47 edición con un balance final bastante positivo, tanto a films proyectados (ligeramente superior con respecto al pasado año en cuanto a calidad) como la aceptación generalizada por parte de público y prensa de un modelo de festival  que lo ha llevado a crecer en la última década de una manera notable, en un certamen que parece tener claro que esta hecho de cara al fan, de claro carácter popular, unas señas de identidad que funciona y es aceptada de manera generalizada.

Es evidente que Sitges es un festival de festivales, un inacabable y gran contenedor de todo lo visto durante el año en otros certámenes, de la misma manera vivimos en unos tiempos de bonanza con respecto al fantástico, a día de hoy se produce mucho de género y de igual manera dichas barreras genéricas se expanden y bifurcan  de manera palpable donde directores no asiduos al fantástico se atreven a coquetear con el género, todas estas tesituras son aprovechadas de manera inteligente por parte del festival a la hora de seleccionar su amplia oferta.

En rueda de prensa Ángel Sala avanzo para la próxima edición una restructuración de las secciones del festival, básicamente se suprimirá la competitividad dejando solo un premio del público y otro oficial en el que solo participaran las óperas primas, algo por otra parte que se pedía a gritos, esperemos que con esta medida se acabe uno de los problemas más notorios y endémicos del festival en los últimos años, es algo absurdo que hallan más de cuarenta películas a competición, o que el ultimo Cronenberg  compita junto a un film como por ejemplo “A Girl Walks Home Alone at Night”, esperemos que con esta medida se clarifique y depure el uso de las secciones del festival pues estás han de servir para guiar al espectador de qué tipo de cine se va a encontrar en los diferentes apartados y no para que sirva como un mero cajón de sastre donde todo cabe a la hora de intentar complacer al productor o distribuidor incluyendo su película a competición.     

A continuación iré detallando a modo de crónica diaria todo lo que dio de sí lo visto en Sitges 2014, más adelante iré colgando las reseñas más ampliadas y detalladas de los films que creo que han sido claves en esta 47 edición del festival referente mundial del género fantástico.  

[•REC] 4: Apocalipsis

Ángela Vidal, la única superviviente de una terrible infección, es evacuada de un edificio. Sin embargo, a pesar de que la situación parece estar controlada, el caos vuelve a desatarse y la semilla del mal renace adoptando nuevas y terribles formas.

La franquicia española de terror de más éxito de público y crítica de toda la historia llega a su cuarta entrega y al parecer última dejando un regusto algo amargo por mucho que nos pese a los fans de la saga. Rec 4 se salta limpiamente la 3 parte para ofrecernos un final donde se abandona el tan característico found footage que dotaba a la historia de una loable autenticidad en las dos primeras entregas y nos ofrece un film de claro carácter mainstream, de consumo tan disfrutable como olvidable, el resultado final es que estamos ante un producto genérico que no deja de ser un artificio audiovisual de gran nivel pero totalmente carente de alma y de ese estilo tan particular que hizo de la saga algo diferente y novedoso en su día, una pequeña decepción que no empaña el loable esfuerzo de sus responsables a la hora de fabricar un producto tan válido en su naturaleza como necesario en el actual panorama del cine patrio.  

Valoración 0/5:2

The Babadook

Después de la muerte de su marido, Amelia trata de criar sola a un hijo conflictivo, que tiene una pesadilla recurrente en la que es perseguido por un monstruo. El ambiente se enrarece aún más con el descubrimiento de un extraño libro titulado “The Babadook”.

Esta película neozelandesa opera prima de la directora Jennifer Kent  fue una de las grandes sorpresas del festivas y posiblemente sea uno de los grandes filmes del género del presente año, un perturbador cuento macabro  de terror psicológico de tono polanskiano con base en un principio hacia los temores infantiles pero que termina derivando en los fantasmas cobijados en la mente de los adultos, en esta ocasión como consecuencia de una complicada relación materno-filial con el trasfondo del trauma de la familia disfuncional y socialmente aislada puesto en escena. De notable atmósfera enrarecida y malsana y con un increscendo final realmente asfixiante «The Babadook» explora y saca jugo de manera brillante de varios apartados técnicos, puesta en escena, fotografía, y especialmente el  excelente trabajo de sonido, al igual que un acertado ritmo en su narración, un cuento infantil de claros tintes oscuros que merecía una  mayor reconocimiento en el palmarés, todo ello aderezado con la magnífica interpretación de la actriz Essie Davis, todo un descubrimiento.

Valoración 0/5:4

Predestination

Un agente eventual del gobierno (Hawke) tendrá que realizar una serie compleja de viajes en el tiempo con el fin de detener a futuros asesinos.

Los hermanos Pieter y Michael Spierig consiguen con esta adaptación del relato corto de Robert A. Heinlein  «All You Zombies» la que es con diferencia su mejor film hasta la fecha, lo cierto es que tanto «Undead» como «Daybreakers» flojeaban de manera bastante notoria por lo tanto no era especialmente difícil elevar el listón. En Predestination cambiamos de registro y los hermanos australianos nos ofrecen con un presupuesto más alto con respecto a sus anteriores películas una estilizada epopeya de viajes temporales con un diseño de producción bastante bien elaborado y unos efectos especiales de toque minimalista que la asemeja ligeramente tanto en lo visual como narrativamente a la fundamental «Gattaca», en donde paradojas y bucles temporales reinan en una función a la que se le puede acusar de ser previsible y algo obvia en su desarrollo e incluso dilatada en su trama algo en cierta manera inherente en este tipo de subgénero, algo poco reprobable para esta entretenida y disfrutable cinta de ciencia ficción.

Valoración 0/5.3’5

Space Station 76

Ambientada en una versión futurista de los 70, narra las tensiones que se producen en una pequeña comunidad de personas y robots que viven en una estación espacial.

Lo mejor de Space Station 76 es su enunciado, una en principio estimulante parodia retro futurista que pretende homenajear a la ciencia ficción de los años 70, pero  que al final resulta ser un entretenimiento algo liviano e inconsistente de claro tono naif, más cercano del culebrón sesentero con claras reminiscencias al sitcom americano, finalmente nos quedamos solo con su estética y la sensación de desaprovechar  una historia que con una dosis de más humor negro  y unos personajes mejor desarrollados hubiera ganado bastantes más enteros, una pena.

Valoración 0/5:2’5

Han Gong-Ju

Han Gong-ju (Chun Woo-hee) es una joven estudiante obligada a abandonar su escuela tras un misterioso incidente del que todo el mundo la señala como culpable. Con sus padres ilocalizables, es llevada a un pequeño pueblo donde se queda a vivir con la madre de uno de sus profesores. Poco a poco irá acostumbrándose a su nueva vida y haciendo nuevos amigos, entre ellos Eun-hee, una divertida compañera de clase que la empujará a unirse a su grupo de música. Pero el pasado que Han Gong-ju ha dejado atrás pronto volverá para atormentarla.

La flamante ganadora del último festival de Róterdam y Deuville fue la encargada de inaugurar la sección Noves Visions (ganadora a la postre de dicha sección), este melodrama, opera prima Lee Su-jin, transita de manera acertada en una enérgica y por momentos terrorífica denuncia social hacia una sociedad enfermiza  en donde el tremendismo habitual que solemos  ver dentro del cine surcoreano queda aquí afortunadamente algo diluido pese a que su historia daba para ello, afortunadamente su director se decanta hacia un relato de tintes poéticos en donde los flashbacks que utiliza en su narración calzan casi a la perfección en su conjunto final.

 Valoración 0/5:4