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Eve es una actriz de cine para adultos de gran éxito, cuya rutina diaria consiste en fingir una juvenil inocencia para dar placer a su invisible audiencia. Adam es un solitario estudiante universitario obsesionado por los medios de comunicación y con una fijación por Eve. Al conseguir dar con su pista en el mundo real, se convierte en su anónimo perseguidor… hasta que encuentra el valor para tratarla en persona. Cuando Eve accede a protagonizar un vídeo de sexo en privado para Adam, el sueño de este está a punto de hacerse realidad.
Una tendencia muy habitual vista en la mayoría de las óperas primas presentadas este año dentro de la sección Nuevos Directores del festival de San Sebastián es que una gran parte de estas se aposentan en base a un material y su correspondiente desarrollo narrativo que tienden a direccionarlas inequívocamente hacia un trazado de contornos claramente convencionales, en general se echa en falta un mayor riesgo formal en propuestas que por ser primerizas tendrían que apostar de una forma más clara por una visión de un tono más autoral, y por supuesto por un discurso que en definitiva ofrezca una disyuntiva temática que se aleje de lo manido, afortunadamente «After Eden» de Hans Christian Berger se aparta de convencionalismos para ofrecernos una brillante metáfora resuelta y expuesta en poco más de cuatro planos secuencia, un trabajo que merece ser destacado por su atrevimiento a la hora de exponer y plantear disyuntivas de índole moral e incluso existencial .
«After Eden» nos plantea una curiosa exposición acerca del sexo y su aparente idolatración vista desde una premisa de tono claramente subjetivo, que asistimos bajo los rasgos de la actriz porno Alyssa Reece y utilizando como excusa una serie de alargadas entrevistas en primer plano acerca de un supuesto casting dentro de la categoría de la pornografía gonzo, a partir de aquí nos adentramos a otro punto de vista desde una perspectiva de modo vouyer, la de un joven estudiante aficionado a las armas de fuego y obsesionado con dicha actriz porno, el director Hans Christian Berger se vale de su testimonio visual para discernir acerca la propia identidad sexual del individuo, su propósito y sobretodo su anhelo, un trabajo que va completamente en contraposición con lo explícito o lo supuestamente practicado, una reflexión en definitiva que cobra una vital importancia dentro de unos tiempos actuales en donde la virtualidad se apodera de las constantes necesidades del ciudadano de a pie, un presente el que nos toca vivir hoy en día en donde la máxima comunicación ha abocado a gran parte de la sociedad actual a encontrarse perdida a la hora de intentar encontrar la teórica verdad oculta tras la fachada.
Hans Christian Berger nos habla de una supuesta falsedad inherente dentro de la figura idolatrada, en este caso la de una porno actriz, también podríamos hablar de una teórica objetualización hacia lo meramente femenino o incluso una supuesta banalidad sexual, de todas maneras el temario podría extrapolarse a diferentes ámbitos del comportamiento humano invitando todos ellos a la reflexión, siendo esta la principal virtud de una película de las características de «AfterEden«, un trabajo de contornos visiblemente pequeños que arriesga, de un tono narrativo que bebe y se semeja en algo a los primeros trabajos orquestados por Michael Haneke, que bajo la apariencia de estar todo expuesto bajo un aparente trazado de contornos superficiales que parece no ir más allá, nos termina hablando de algo mucho más profundo, solo hay que adentrarse con decisión en el juego propuesto por Hans Christian Berger para darle una forma coherente a su propuesta.
Lionsgate acaba de lanzar el tráiler internacional y un nuevo póster que podéis ver a final de página de la peculiar reinterpretación en clave gore y humorística del clásico literario de Jane Austen Orgulloy prejuicio, «Pride & Prejudice & Zombies«, adaptación cinematográfica de la novela gráfica homónima de Seth Grahame-Smith con guión a cargo de David O. Russell, la película está dirigida por Burr Steers teniendo previsto su estreno en Estados Unidos para el próximo 5 de febrero de 2016.
«Pride & Prejudice & Zombies» está basada en el clásico literario de Jane Austen, que se desarrolla en un universo alternativo a la Regencia Británica de 1819, donde una plaga de zombies invaden la apacible población inglesa de Meryton. Bennet junto a sus hermanas han sido entrenadas por su padre en las artes marciales y en las armas para luchar contra los ejércitos de no-muertos, y tendrá que luchar contra esta amenaza, y al mismo tiempo evitar que la llegada del altivo y arrogante señor Darcy la distraiga de su empeño.
La película está interpretada por Lily James,Sam Riley,Bella Heathcote,Douglas Booth,Jack Huston,Charles Dance,Lena Hadley,Matt Smith,Emma Greenwell,Janet Henfrey,Sally Phillips,Dolly Wells,Hermione Corfield,Raiden Integra yMillie Brady.
Nicolas tiene diez años y vive con su madre en una isla remota, en un pueblo habitado exclusivamente por mujeres y niños. En un hospital junto al océano, todos los niños están sujetos a un misterioso tratamiento médico. Nicolas es el único que cuestiona lo que está ocurriendo a su alrededor. Siente que su madre le está mintiendo, y está dispuesto a averiguar la verdad… Lo que descubre es el comienzo de una pesadilla a la que se ve irremediablemente arrastrado. Pero Nicolas encontrará en Stella, una joven enfermera del hospital, una aliada inesperada…
Once largos años tras la realización de «Innocence» han tenido que pasar para poder ver el nuevo trabajo de la directora francesa Lucile Hadzihalilovic que aterrizaba en el pasado festival de San Sebastián con la controvertida «Evolution«, una cinta que para bien sigue con las mismas constantes temáticas e imaginario propio ya mostradas en su anterior película, film de difícil encasillamiento dentro de un género o referente temático concreto, por ahí asoma reminiscencias y ciertas constantes del cine de David Cronenberg o David Lynch, «Evolution» se presenta como un hipnótico ejercicio en forma de cuento de horror que prescinde por completo de una narración convencional para explorar la temática del mad doctor en clave femenina, una unión de atmósferas gótica y marina (en este aspecto todo los sonidos que orbitan alrededor del mar desempeñan un papel clave en la función) enclavado casi en un universo paralelo, un espacio terrenal en donde los hombres no tienen lugar, que incluso bebe de pasada de ciertos relatos de H. P. Lovecraft, una mixtura genérica que aúna sin ningún tipo de complejo desde el terror físico-biológico hasta relato de ciencia ficción, todo ello contado a través de un riesgo visual digno de elogio.
Lucile Hadzihalilovic en «Evolution» vuelve a incidir en un imaginario propio y muy singular para explorar un territorio desconocido, un fantástico oscuro y turbulento en donde la atmósfera juega un papel completamente determinante en lo que se nos cuenta, de manera consciente no terminamos de obtener toda la información necesaria en lo referente a su historia, su tono narrativo marcadamente críptico y de un ligero tono contemplativo nos obligan a un esfuerzo extra a la hora de desencallar el fascinante puzle genérico que nos ofrece Hadzihalilovic, que unido a una simbología visual que da lugar a varias interpretaciones como ya ocurría en «Innocence«, en este aspecto también sería justo el reconocer que el film da cierta sensación de ser una abreviatura conceptual en lo que es su conjunto, que se percibe de manera bastante evidente, un esbozo y esquema (setenta escasos minutos de duración) que se intuye que no termina de estar del todo completo en lo que se nos quiere exponer seguramente a raíz de tener que recortar material de su base dada su bajísimo coste presupuestario como bien deslizo en la rueda de prensa Lucile Hadzihalilovic, aun así posiblemente estemos ante una obra básicamente poblada solo de sensaciones, en este aspecto el relato funciona de forma dual a la hora de calibrar su exposición, el supuesto trazado críptico de su argumento o el mero disfrute de una experiencia simplemente sensorial.
Lo cierto es que «Evolution» es una película tan original como única, de aquellas que todavía son capaces de inventar imaginarios creados a través de una identidad propia, claramente hereditaria en conceptos del mejor cine de David Cronenberg y David Lynch, un tipo de cinematografía vista de manera escasa en la gran pantalla hoy en día, un trabajo en definitiva que se arriesga y propone nuevos escenarios poseedores de una verdadera hipnosis visual, algo que en los tiempos que corren y en donde el ya solo el atrevimiento puramente visual escasea de forma alarmante habría que calibrar en su justa medida, por favor señora Hadzihalilovic no vuelva a tardar tanto en dirigir una nueva película, los apasionados seguidores de su cine subyugante se lo agradeceremos.
«Luther» una de las mejores series británicas de los últimos años se despide por todo lo alto después de tres excelentes temporadas con un episodio especial navideño dividido en dos partes, la primera mitad se emitirá el próximo 15 de diciembre en la cadena BBC y la segunda el día 22, en total tres horas de duración en que como no podía ser de otra manera veremos a Idris Elba interpretar al atormentado detective John Luther, por su parte el creador de la serie Neil Cross ha escrito el guión mientras que Sam Miller («No Good Deed«) ha sido el encargado de dirigirlo. Su notable tráiler lo podéis ver a final de página.
En este episodio especial veremos como Luther deberá huir de la vida tranquila que intenta llevar cuando un caso muy complejo sale a la luz, en él está involucrado un misterioso asesino en serie caníbal lo que llevará Luther a salir de su apacible vida y verse más cerca que nunca abocado al abismo que separa el bien del mal.
Los dos capítulos estan interpretados por Idris Elba, Warren Brown, Dermot Crowley, Michael Smiley, John Heffernan, Patrick Malahide, Rose Leslie, Laura Haddock y Darren Boyd.
A CONTRACORRIENTE FILMS continúa su colaboración con el Festival Internacional de Cinema de Catalunya-SITGES para repetir la experiencia de: SITGES TOUR A CONTRACORRIENTE. Esta iniciativa consistirá en estrenar en cines 4 de las películas que se presentaron en el pasado festival, de forma itinerante, empezando en Madrid y Barcelona, el próximo 11 de diciembre.
Las primeras salas en estrenar el Sitges Tour A Contracorriente el próximo 11 de diciembre serán los Cines Conde Duque Alberto Aguilera en Madrid y los Cines Verdi en Barcelona, y se proyectará en versión original subtitulada al castellano, durante una semana. En estos cines será posible adquirir un abono para poder disfrutar de las cuatro películas por sólo 12 euros. Los espectadores que adquieran el abono podrán asistir (gratuitamente) al preestreno de ‘El Regalo’ el jueves 17 de diciembre a las 20:30h.
En la última edición del Festival de Sitges, A Contracorriente Films presentó ocho de sus últimas adquisiciones, que fueron seleccionadas para distintas secciones del certamen. De estos títulos, los cuatro que se proyectarán ahora en el Sitges Tour A Contracorriente: ‘Turbo Kid’; ‘The Salvation’; ‘La Próxima Vez Apuntaré Al Corazón’; ‘Bloodsucking Bastards’ y el preestreno exclusivo de ‘El Regalo’
Turbo Kid
Es el año 1997. Es el futuro. La tierra ha sido devastada por la lluvia de ácido y el agua se ha convertido en un bien escaso. The Kid, un chico que deambula por este paisaje desértico con su bicicleta BMX, tendrá que luchar contra el poderoso Zeus para rescatar a su amiga Apple, que ha sido secuestrada.
Estrenada en cines en EE.UU. Premio a la Mejor Música y Premio del jurado Joven a la Mejor Película en el Festival de Sitges 2015. Un honesto, salvaje y brillante homenaje retro a las películas de acción y fantasía de la década de los 80. Toda una joya aplaudida en su presentación en el Festival de Sundance.
The Salvation
Estados Unidos. 1870. Al matar al hombre que asesinó a toda su familia, John despierta la furia del cabecilla Delarue. El apacible pionero ya no cuenta con el apoyo de los habitantes cobardes y corruptos del pueblo, y tendrá que resolver la situación por su cuenta. ¿Será capaz de devolver al pueblo su alma?
Un western de corte clásico, sorprendente y visualmente impecable. Protagonizado por el carismático Mads Mikkelsen (serie «Hannibal» ), Eva Green («Casino Royale»), Jeffrey Dean Morgan («Watchmen»), Eric Cantona («La fortuna de vivir»), Mikael Persbrandt (saga «El Hobbit») y Jonathan Pryce («Brazil»).
Sección Oficial en el Festival de Cannes 2014
Festival de SItges 2015 – Seven Chances
La próxima vez apuntaré al corazón
A finales de los setenta, un asesino en serie aterroriza una región rural de Francia. Uno de los encargados de atrapar al escurridizo psicópata es Franck, un policía modélico y, también, el mismísimo autor de los crímenes.
Dos nominaciones a los César 2015: Mejor Actor (Guillaume Canet) y Mejor Guión Adaptado. Trepidante thriller basado en la historia real de Alain Lamare, que sorprendió a la opinión pública en Francia y pasó a los anales de la historia del crimen. Protagonizada por Guillaume Canet («El caso Farewell»), que ofrece un trabajo soberbio.
Sección Oficial Òrbita en el Festival de Sitges 2015
Bloodsucking bastards
Evan es un empleado obediente y sobrecargado de trabajo, atrapado en una empresa que le explota, al igual que a su novia Amanda y a su holgazán mejor amigo Tim. El frágil mundo de Evan termina de desmoronarse cuando su jefe, Ted, le concede su ansiado ascenso a su némesis en la empresa, Max. Pero todo eso no será nada comparado con el secreto que está a punto de descubrir, que pondrá su vida y la de sus compañeros en peligro.
Una mezcla genial y efectiva de «The Office» con el mundo de los vampiros. Una comedia terrorífica protagonizada por Fran Kranz («La cabaña en el bosque»), Pedro Pascal («Juego de tronos»), Joey Kern («Cabin fever»), Joel Murray («The Artist»).
Festival de Sitges 2015
El Regalo
Simon y Robyn son una pareja normal con la esperanza de encontrar un comienzo en una nueva ciudad. Sus vidas dan un giro inesperado a causa de Gordo, un «amigo» del pasado de Simon.
Un magnífico thriller, tan inquietante como desconcertante, escrito y dirigido por Joel Edgerton, en su ópera prima como director. Protagonizada por Jason Bateman («Cómo acabar sin tu jefe 2»), Rebecca Hall («Trascendence») y el propio Joel Edgerton («Jane got a gun», «El gran Gatsby»).
Festival de Sitges 2015 – Sección Oficial Fantàstic
1975. Dos millas al oeste de Londres. El doctor Robert Lang se muda a su nuevo apartamento buscando un desangelado anonimato, solo para descubrir que los residentes del edificio no tienen intención de dejarlo en paz. Resignado a las complejas dinámicas sociales que lo rodean, Lang afronta la situación y se convierte en un buen vecino. Mientras trata de establecer su posición, los buenos modales y la salud mental de Lang se desintegran con el edificio. Las luces se apagan y los ascensores no funcionan, pero la fiesta continúa. La gente es el problema. La bebida, la moneda de cambio. El sexo, la panacea.
La adaptación a cargo del británico Ben Wheatley de la novela High-Rise de J.G. Ballard fue uno de los platos fuertes presentes este año en el festival de San Sebastián, una apuesta atrevida y poco complaciente por parte de la organización del festival el incluirla a competición al no ser un film poseedor de unas coordenadas habituales de las que se suelen ver normalmente compitiendo por la preciada concha de oro, «High-Rise» dada sus características causo adhesiones y rechazos extremos a partes iguales de una manera hasta cierto punto lógica, el film nos presenta una distopia retro futurista de premisa clara, el sistema capitalista puesto en entredicho y expuesto de una forma tan dantesca como real, con cierta semejanza con la reciente «Snowpiercer» de Bong Joon-ho pero de un tono completamente diferente, sustituyendo el relato de aventuras de ciencia ficción de aquella por un tono más acentuado en lo referente a su metáfora social, en donde vemos como jerarquías y desigualdades varias derivan en caos y anarquía, abriéndonos al mismo tiempo un apasionante discurso acerca de la pérdida de valores por parte del individuo, una visión acerca del aislamiento autoimpuesto como detonante de una sociedad destinada al abismo, incapaz de evolucionar de una manera consecuente y que termina derivando hacia una auto-protección, aunque valga la redundancia no es precisamente de seguridad de lo que se abastecen nuestros protagonistas, vemos en definitiva una demoledora crítica al sistema y sus jerarquías sociales autoimpuestas que desembocan en un poder establecido.
«High-Rise» película termina siendo no muy fiel al relato original en texto pero si en espíritu, un variado temario expuesto rico en sarcasmo y de claro calado reflexivo , disfrazada de contornos barrocos y visualmente apabullante, un deslumbrante trabajo por parte de Ben Wheatley, tan potente en su discurso como brillante en lo estético, en donde nos guía en un viaje hacia la locura y la anarquía como única solución ante la pérdida absoluta de un código social de valores básicos por parte del individuo, un film eso si excesivo en su tono e incluso en su discurso, lejos de ser un producto ideal para todos los paladares, poseedora de matices casi surrealistas, aunque también plagado de unas aristas algo defectuosas que alternan con momentos excepcionales, especialmente ese prólogo y unos cuarenta minutos finales realmente abrumadores, una banda sonora acertada con esa irresistible versión del ‘S.O.S.’ de ABBA a cargo de Portishead, con otros no tan conseguidos, cierto abuso de elipsis, falla narrativa en su ecuador al obviar el trayecto de ciertos personajes hacia la locura. «High-Rise» es una rara avis cinematográfica de las que tendrían que abundar más a menudo en el cine de hoy en día, no perfecta en su conjunto pero si rompedora en lo referente a su poder de sugestión, que sabe aunar un estilo arty con un tono que la direcciona hacia lo mas puramente salvaje, y eso en si ya es un logro, una muestra en donde Ben Wheatley sale triunfante ante un proyecto tan ambicioso como arriesgado de llevar a buen puerto, y así mismo un vehículo deslumbrante al funcionar como una acertada herramienta visual al servicio del paroxismo más extremo.
«High-Rise» termina siendo una obra única en su especie por su estética rompedora y un estilo de narración tan desenfrenado e hipnótico como atípico, ese tipo de películas que en un primer momentos está destinada al fracaso critico-comercial de una forma instantánea, pero que con el paso del tiempo deviene en obra de culto, una película en definitiva que remueve pensamientos, incomoda e invita a la reflexión a través de sus imágenes y que tiene la gran virtud de no dejar indiferente al espectador en todo lo que nos expone.
Esta es la verdadera historia del dúo de cineastas que fundaron un estudio independiente hace 40 años en un armario de conserje…que usaban hamburguesas podridas, sirope a modo de sangre y Bromo Seltzer como vómito para crear películas de cuestionable valor artístico y moral…que lucharon contra el cuadro de calificaciones de la MPAA para llevar su escandalosa visión del mundo a la pantalla…que rechazaron a Madonna tras una audición…que desafiaron el sistema de Hollywood y abofetearon a la industria en la cara…y que construyeron un imperio del cine de serie B lleno de surfistas nazis, policías kabuki, bárbaras ninfómanas y un héroe solitario conocido como el Vengador Tóxico.
Esta es la historia de Troma. Una historia de cine en su forma más barata, una historia de cómo conseguir el Sueño Americano arrancando extremidades y una historia sobre chicas en topless amenazadas por obscenos muñecos de goma.
POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA, TRADUCIDA AL ESPAÑOL, LA OBRA MAGNA DEL PADRE DE EL VENGADOR TÓXICO, LLOYD KAUFMAN. CON LA PARTICIPACIÓN DE JAMES GUNN, EL TROMÁTICO DIRECTOR DE GUARDIANES DE LA GALAXIA.
CON PRÓLOGO DEL DIRECTOR Y PRODUCTOR DE CULTO ROGER CORMAN.
«Krisha» la opera prima del estadunidenseTrey Edward Shults, asistente de fotografía en varios films de Terrence Malick es indiscutiblemente una de las joyas independientes de este 2015, tras su premier en el SXSW (Gran Premio del Jurado) tuvo una notable recepción en la Semana de la crítica del último Festival de Cannes, estos días se ha podido ver en el festival de cine de Gijón dentro de su sección Convergencias. El film cuyo tráiler podéis ver a final de página se mueve entre el drama familiar y thriller psicológico, rodada en tan solo nueve días en casa de la madre del director y con un reparto compuesto por familiares y amigos.
«Krisha» nos cuenta como después de varios años de ausencia, Krisha llega al hogar familiar durante la festividad de Navidad, intentando aprovechar el tiempo perdido para tratar de reparar los errores del pasado y demostrar que ha cambiado, pero su extraño comportamiento provocará que nadie de la familia olvide ese fatídico día de acción de gracias.
La película está interpretada por Krisha Fairchild,Olivia Grace Applegate,Chris Doubek,Bill Wise,Augustine Frizzell,Alex Dobrenko,Chase Joliet,Bryan Casserly,Atheena Frizzell,Rose Nelson,Victoria Fairchild y Billie Fairchild.
China, siglo IX. Nie Yinniang regresa a casa de su familia tras años de exilio. Educada por una monja que la inicia en las artes marciales, es una auténtica justiciera cuya misión es eliminar a los tiranos. Su maestra le encarga como misión matar a su primo Tian Ji’an, gobernador disidente de la provincia militar de Weibo. Nie Yinniang tendrá que elegir: sacrificar al hombre que ama o romper definitivamente con «la orden de los Asesinos».
El veterano director taiwanés Hou Hsiao Hsien inauguró la sección Perlas del pasado festival de San Sebastián con la extraordinaria «The Assassin«, si años atrás vimos como directores referentes de la actualidad de la talla de Zhang Yimou o Ang Lee se introducían dentro del subgénero Wuxia ahora le toca el turno a Hou Hsiao Hsien, y lo hace desde una óptica bastante diferente con respecto a sus antecesores, «The Assassin» podría catalogarse como un Wuxia de tono minimalista, totalmente personal y coherente con su filmografía del director taiwanés, pero apoyado en unas coordenadas y elementos muy reconocibles dentro del mismo subgénero, los asimila desde una perspectiva claramente sensorial y contemplativa, un film plagado de una serie de tiempos muertos que rompe por completo con la idea de un tipo de cine que tradicionalmente ha sido de acción, una configuración desde la propia perspectiva del creador, con claras señas hereditaria de su propia cinematografía, ofreciéndonos una pieza tan atípica como memorable en donde la austeridad y la abstracción, elementos estos constantes en su cine se ponen al servicio de la historia y no al revés, cine contemplativo de ritmo pausado y de difícil lectura para los no habituales de su cine debido principalmente a una narración completamente alejada de lo que podríamos entender como convencional.
El director taiwanés nos cuenta un capítulo de la historia que tiene lugar durante la caída de la dinastía Tang (618-907) acontecida en pleno siglo IX, testimonio y relato fílmico de la difícil lucha de una mujer por encontrar su camino lejos de las delimitaciones que le han sido otorgadas, Hou Hsiao Hsien sustituye las más características escenas de acción en base a una serie de apabullantes composiciones de planos minuciosamente elaborados y ejecutados en donde la imagen sustituye a la palabra y se erige como su principal activo, en donde la confrontación de colores y la experimentación del encuadre cobran un protagonismo esencial, en este aspecto lo estético como he comentado cobra una importancia vital, a través de la fotografía y también del cuidado componente artístico en cuanto a un elaborado decorado, vestuario, manejo del color y una ambientación aposentada básicamente con luz natural, una reinvención del subgénero plasmado como un prodigio estético que se convierte en obra maestra de forma incuestionable y no admite medias tintas por parte del espectador, algo realizable solo al alcance de muy pocos maestros, Hou Hsiao Hsien es uno de ellos sin lugar a dudas.
La nueva película de Hou Hsiao Hsien termina convirtiéndose a una especie en claro peligro de extinción a día de hoy, una rara avis cinéfila que aposenta su tono en la propia raíz del cine clásico, una lección de cómo saber fabricar en celuloide uno de los ejemplos artísticos y estéticos mejor trazados que hemos visto en una pantalla de cine en mucho tiempo, un filme eso sí, que requiere de manera forzosa un atrevido salto al vacío por parte del espectador para poder enfrentarse a ella con ciertas garantías pues estamos ante una obra que se aposenta en esencia en una herencia cultural y por ende cinematográfica de una cultura totalmente ajena a la nuestra, Hou Hsiao Hsien apuesta por completo por la austeridad y lo contemplativo algo que deriva a «The Assassin» en un paradigma perfecto de lo que tendría que significar el cine en estado puro.
Amazon estreno ayer 20 de noviembre clara confrontación con la «Jessica Jones» de Netflix una de sus propuestas más ambiciosas, «The Man in theHigh Castle» la adaptación televisiva de la novela homónima de Philip K. Dick publicada por primera vez en 1962 y editada en España bajo el título de El hombre en el castillo. La serie constará de diez episodios con Frank Spotnitz (The X-Files, Millennium, StrikeBack) como guionista y Ridley Scott en calidad de productor. El piloto de «The Man in the High Castle» se estrenó este pasado enero con una audiencia inmejorable consiguiendo los mejores rating de audiencia de Amazon hasta la fecha, algo que supuso la decisión de producir una primera temporada completa. Su último y espectacular tráiler en aparecer junto a algunas de sus imágenes podéis verlo a final de página.
«The Man in the High Castle» nos relata en un futuro distópico cómo las fuerzas del Eje (Alemania y Japón) ganaron la II Guerra Mundial y ahora Estados Unidos está dividido en tres partes. Joe Blake, un luchador de la resistencia, parte de la Nueva York alemana con un misterioso cargamento hacia la zona neutral de Colorado. Por su parte, en el San Francisco japonés, Juliana Crane recibe de manos de su hermana unas filmaciones que muestran una realidad alternativa en la que los aliados ganan la guerra.
La serie está protagonizada por Luke Kleintank,Arnold Chun,Alexa Davalos,Bernhard Forcher,Joel de la Fuente,Rupert Evans,Lee Shorten,Mayumi Yoshida,Steve Byers,Daisuke Tsuji,Aaron Blakely,Rufus Sewell,DJ Qualls,Michael Gaston,Yuki Matsuzaki y Chelah Horsdal.
Cuando el tren nocturno tiene que frenar en seco debido a que algo bloquea su camino, los pasajeros empiezan a ponerse nerviosos, más y cuando se dan cuenta que hay algo acechándoles en el exterior… Deberán permanecer unidos para intentar sobrevivir a los ataques de la misteriosa criatura.
Después de adentrarse en el realismo más extremo con la explicita «The Seasoning House» el realizador británico Paul Hyett nos presenta su segundo trabajo tras las cámaras, «Howl» se aleja por completo del tono de su anterior película, estamos ante un film más de género, un survival licántropo de tono algo convencional y un trabajo en definitiva inferior a su opera prima pues da la impresión de que Paul Hyett se limite a tirar de manual a la hora de usar ciertos tópicos del género de terror moderno y no de un paso más hacia delante, con presentar ciertas referencias no basta, se ha de saber utilizar las herramientas que se dispone de forma adecuada para que el producto cumpla su cometido con cierta corrección.
En «How» tenemos a un grupo de personajes variopintos, de un trazado excesivamente esquemático, uno de los grandes déficits del film, encerrados en un reducido espacio (un tren de cercanías) que han de hacer frente a una amenaza exterior, un guion que está plagado de momentos irrelevantes y excesivamente planos y que hace aguas de una forma muy evidente, en contraposición «Howl» apunta virtudes muy esporádicas, principalmente en lo referente a aspectos técnicos, un buen uso de la iluminación o una acertada utilización de la prótesis tradicional de látex sustituyendo casi por completo el uso de CGI a la hora de presentarnos el diseño de los hombres lobos. Paul Hyett apuntaba más alto con su anterior película, en «Howl» nos presenta un producto que solo funciona como una simple serie B muy al uso, un envoltorio ya visto en demasiadas ocasiones con anterioridad.
Valoración 0/5: 2
The Hallow
Adam y Clare se mudan a una zona rural con su hijo recién nacido. Enseguida empiezan a recibir advertencias sobre los malos espíritus que pueblan el área, pero la joven familia prefiere disfrutar la belleza de los bosques.
La irlandesa «The Hallow» se presentaba bajo los rasgos de ser una pieza de terror que en su argumento bebe de leyendas yfolklore local, una en apariencia pieza de horror de campiña de claro tono british que partía de referencias y estilos tan estimulantes como el «The Wicker Man» de Robin Hardy o la reivindicable «Wake Wood» de David Keating entre otras muchas, lo cierto que el debut del joven Corin Hardy en la dirección nos ofrece un catálogo de referencias que más que influenciarse de ese tono de horror campestre tan característico en los setenta lo hacemás hacía un estilo cinematográfico que la emparenta hacia la monster movie de serie B ochentera, para ello utiliza unos convencionalismos muy reconocibles dentro del propio género que sirven al mismo tiempo para desarrollar esa mitología propia en lo referente a su argumento, se apoya más en un tipo de terror seco y archiconocido en lo que son sus pautas narrativas, se podría destacar unos atributos visuales tales como el diseño de las criaturas de clara fabricación artesanal que nos remite a la etapa antes mencionada o una fotografía de tono oscuro bastante conseguida, lástima que estos apuntes queden algo diluidos al integrarlos dentro de una historia muy simplona y repetitiva sobre todo en su parte final que hacen que un producto como «The Hallow» no trascienda mucho más allá de ser un mero y algo convencional disfrute para el aficionado de un terror claramente reconocible y muy al uso en todo lo que nos expone.
Valoración 0/5: 2
Turbo Kid
En un futuro post-apocalíptico, el agua es un bien muy preciado y en todo el mundo solo hay una ley, la del más fuerte. The Kid es un joven que se ha criado solo en un mundo duro y cruel, gracias sobre todo a la ayuda de cómic retro y otros objetos de tiempos pasados que se han convertido en su particular obsesión. Con ayuda de compañeros que irá encontrando a lo largo de su camino deberá luchar contra Zeus y su grupo de salvajes que se han auto-proclamado los jefes de todo el territorio.
La reivindicación-añoranza de los ochenta en su vertiente más cinematográfica ha sido un denominador común en estos últimos años, libros, documentales, mediometrajes… «Turbo Kid» se presentaba como la obra tributo por excelencia, la ópera prima del trio canadiense compuesto por François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell no deja de ser una versión en largo del cortometraje «T is for Turbo«, uno de los episodios que formaban parte de la antología «The ABC’s of Death«.
«Turbo Kid» es un thriller retrofuturista que solo funciona como vehículo destinado para despertar la nostalgia de aquella época a través de un catálogo de referencias genéricas esbozadas de manera algo torpe, un efecto efervescente que puede ir diluyéndose conforme avanza el film, pues estamos ante una historia sin ningún tipo de interés en lo referente a personajes y argumento, a imagen y semejanza de las series B de los ochenta, el problema viene dado a la hora de que el espectador de hoy en día aparte del guiño nostálgico quiere algo más, y ese plus evidentemente «Turbo Kid» está muy lejos de ofrecerlo, pues por mucha predisposición que vayamos a la hora de su visionado olvidamos que básicamente nos enfrentamos ante una simple gamberrada, y todo lo que ello comporta. Estamos ante una película en definitiva que requiere de forma forzosa una mirada cómplice, es la única manera de que funcione el invento en sí mismo, de ahí la importancia de verla en determinadas circunstancias y espacios, si se prescinde de estas vicisitudes su visionado puede llegar a convertirse en una auténtica tortura.
Valoración 0/5: 2’5
We Are Still Here
Una maldición hace que, cada 30 años, un horror oculto tenga que asesinar a la familia residente en una antigua mansión. De lo contrario, el terror se cernirá sobre todo el pueblo. Ahora, una familia se acaba de mudar desde la ciudad, pues acaba de perder a su único hijo y trata de comenzar una nueva vida.
El género de terror de manera continua ha sufrido una cierta saturación formal en sus conceptos a lo largo de su historia, si un producto ha funcionado se ha exprimido su fórmula hasta agotarla, en los últimos años de una manera más evidente, se intensifican las secuelas y van apareciendo en exceso los remakes, precuelas o reboots como una forma poco original de continuar o alargar un éxito, por eso no es tan extraño que en estos últimos años hayan ido aparecido una serie de autores que reformulan viejos conceptos, unas coordenadas que en un pasado fueron fructíferas dentro del género, una mirada hacia atrás en busca de una frescura autoral que bien puede servir como un simple homenaje o como una forma de refrescar un panorama anclado en un inmovilismo y una falta de ideas nuevas bastante preocupante, Ti West, Joe Begos o Adam Wingard son solo algunos nombres que han intentado poner en práctica esta fórmula, Ted Geoghegan con su opera prima «We Are Still Here» es el último en añadirse a la citada lista.
«We Are Still Here» se mueve dentro del subgénero de las casas encantadas, poseedora de un tono y unas coordenadas que recuerda mucho a cierto tipo de películas de los setenta y principios de los ochenta, muy especialmente bebe de aquella serie B italiana rodada por Lucio Fulci por dicha época, films como «The Beyond» o «The House by the Cemetery» nos vienen al instante a nuestra memoria, también coge elementos de ciertas películas producidas por Charles Band y su Empire Pictures en los ochenta, la elección de la icónica Barbara Crampton como protagonista no es pues una casualidad, un tipo de cine que se sustentaba especialmente en intentar, aunque pocas veces lo conseguía, crear de algún modo una atmosfera acorde con el género que trataba,intentando estar por encima del manido efectismo, una influencias que se ven de manera clara en «We Are Still Here» aunque esto no la salven de ser un producto algo irregular.
Ted Geoghegan nos ofrece un producto algo atípico, en cierta manera desestructurado básicamente dada su imperfección, da la apariencia de moverse entre el homenaje y la referencia facilona, con unos resultados que no acaban de funcionar del todo bien, dando la sensación de ser un trabajo en donde sus intenciones acaban presentándose como un simple y mero enunciado, una narración que no llega a fluir de manera correcta y unos personajes poco creíbles la dirigen hacia un tono de cierta intranscendencia en su conjunto, de producto televisivo al uso a lo largo de su metraje, solo en su parte final el film mejora algo, cuando entra en escena el gore explicito, una casquería que en parte ayuda a despojarse de cierto encorsetamiento en su estructura.
«We Are Still Here» es de una manera clara un film modesto en donde sus loables intenciones en recuperar –homenajear un tipo de cine extinto no llegan a estar a la altura de su resultado final, aun así es una película que esta varios escalones por encima de la típica serie B actual del cine de terror norteamericano, aunque solo sea por sus intenciones, y es que no ver en pantalla como protagonistas a adolecentes de dudoso coeficiente mental, o una trama en donde la alta tecnología no llega a ser un elemento primordial en su historia o simplemente obviar el found footage como recurso narrativo es algo digno de ser elogiado a día de hoy.
Valoración 0/5: 3
Palmares
Mejor Película: Deathgasmde Jason Lei Howden
Mejor Director: Paul Hyettpor Howl
Mejor Actriz: Elma Begovicpor Bitede Chad Archibald
Mejor Actor: Milo Cawthornepor Deathgasm de Jason Lei Howden
Premio del Público: Turbo Kidde François Simard, Anouk Whissell, Yoann-Karl Whissell
Mención Especial: Excess Fleshde PatrickKennelly
Concurso de Cortometrajes
1r Premio del Jurado: Noctde Vincent Toujas
2n Premio del Jurado: Sangede Percival Agüero Mendoza
Premio Victor Israel a la Mejor Interpretación: Thomas Barrandpor Noct de Vincent Toujas
Mejores Efectos Especiales: Surgeryde The Clemens Brothers
Mención Especial: Status Changede Rajesh Narot
Premio del Público: L’ours Noirde Méryl Fortunat-Rossi
Será indiscutiblemente uno de los títulos más esperados del próximo año, Jeff Nichols con solo tres títulos en su haber (ShotgunStories, Take Shelter y Mud) se ha convertido en uno de los directores más interesantes del actual panorama de cine independiente norteamericano. «Midnight Special«, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página, bajo el amparo de Warner Bros en su proyecto más comercial y ambicioso, una incursión en el género de la ciencia ficción que parece beber en su argumento del «Starman» de John Carpenter y de cierto tono de cine fantástico orquestado por Steven Spielberg en los ochenta. Aún sin fecha de salida en Europa su estreno en Estados Unidos está previsto para el próximo 18 de marzo de 2016.
«Midnight Special» nos cuenta como el pequeño Jaeden Lieberther emprende una huida junto a su padre tras descubrir que posee ciertos poderes especiales, lo que comienza como una carrera para huir de extremistas religiosos y fuerzas del orden locales pronto se convertirá en una persecución a nivel nacional en la que participan los más altos niveles del gobierno federal.
La película está interpretada por Michael Shannon,Joel Edgerton,Kirsten Dunst,Adam Driver,Sam Shepard,Paul Sparks,David Jensen,Scott Haze,Garrett Hines,James Moses Black y Jaeden Lieberher.
Una pequeña ciudad europea es asolada por una enfermedad desconocida que ha causado muchas muertes. Allí viven las hermanas Aya y Mirra. Tras la muerte de su madre a causa de esta enfermedad, se enferma la joven Mirra. Reconociendo que la medicina tradicional es impotente, Aya recurre al párroco Herman, quien tiene un extraño libro muy alejado de la religión tradicional. Para intentar salvar a su hermana, Aya deberá sumergirse en el subconsciente de su enferma hermana Mirren y encontrarse cara a cara con los demonios que habitan allí.
Habitual en la realización de video clips musicales el joven director ruso Pavel Khavaleev presento la interesante y algo atípica «III«, un curioso relato acerca de la religión y los rituales chamanes expuesto a través de un film en donde su poderío visual deviene como su principal e incuestionable baza, «III» es la clásica película en donde las imágenes van siempre por delante de lo que es su historia (muy al estilo de los primeros trabajos de Tarsem Singh ante de que este decidiera pasarse al lado oscuro y dirigir encargos de lo más convencionales), en este aspecto la historia que nos cuenta «III» llega a ser difusa y de un tono algo complejo, deviniendo como un ejercicio que atesora un difícil equilibrio entre el brillante escenario onírico expuesto y una narrativa dramática a la que le cuesta mucho avanzar de una manera algo coherente.
Aunque de un resultado claramente desigual, la arriesgada e inusual propuesta por la estética a cargo de Pavel Khavaleev es parcialmente interesante en base a un punto de originalidad en lo que nos expone, un film en donde su catálogo de imágenes tienen la imperiosa labor de intentar expresar ideas y conceptos de forma tan extrema no siempre resulta ser una tarea fácil, se puede caer en lo pretensioso de una forma fácil, «III» al menos salva esta tesitura y se sitúa como un producto de un trazado tan inusual y algo descompensado como cautivador en todo lo concerniente a su lograda apuesta por su estética visual.
Valoración 0/5: 2’5
Excess Flesh
Jill tiene una fijación bastante importante con su peso, y el tener a una compañera de piso sexy y de gran éxito social como es Jennifer no ayuda en absoluto. Su obsesión por ser como ella se irá acentuando a medida que el tiempo pasa, hasta convertirse en algo tan obsesivo como peligroso.
«Excess Flesh» primer largometraje de Patrick Kennellypresentado en el pasado SXSW fue una de las películas más interesantes vistas este año en TerrorMolins, un film que se aleja del terror convencional para encaminarse de forma notoria hacia el thriller psicológico que transita entre trastornos alimenticios, bulimia y obsesiones de varias índoles, de tono claustrofóbico «Excess Flesh» destaca por ser un ejercicio complejo en su discurrir tanto en lo referente a su narrativa como en su mensaje, lejos de presentarse como una premisa sencilla, algo que puede parecer en un principio, tampoco podría decirse que el desarrollo que otorga al film Patrick Kennellytienda a ser críptico de una forma intencionada, un discurso que no es relatado a través de una mente trastornada, eso da lugar a un juego de interpretaciones algo difuso, algo que aprovecha el director para desplegar un sugerente catálogo de metáforas que transita entre un tono pesadillesco y descarnado. Sería un error pasar por alto una propuesta de esta característica, su bajo presupuesto le puede juegar alguna que otra mala pasada, un evidente feísmo visual no intencionado puede ahuyentar en un principio al espectador algo despistado.
«Excess Flesh» no es un producto creado para estómagos demasiados sensibles, un film incomodo pero notable en lo que nos intenta exponer, al igual que la extraordinaria «Starry Eyes«, «ExcessFlesh» termina estandoalgo emparentada con ese tipo de cine independiente norteamericano que transita en el estudio de los desórdenes psíquicos expuestos desde una vertiente poco dado hacia lo amable.
Valoración 0/5: 3
Luna de Miel
Jorge es un hombre solitario que se mueve por una obsesión, su deseada vecina, Isabel. Hará todo lo humanamente posible para llamar su atención, hasta que vea que los métodos tradicionales de cortejo no sirven de nada con la joven. Es entonces cuando Jorge decidirá dar un paso más allá y empezará a practicar métodos mucho más persuasivos y dañinos…
Que el cine de género latinoamericano está en auge a día de hoy no es ninguna novedad, si hasta hace bien poco era muy difícil el encontrar un tipo de cine fantástico aceptable proveniente de estos países en estos últimos años la situación ha cambiado de forma palpable viendo la luz propuestas validas y teniendo la sensación de que esto ira a mas de forma positiva en un futuro, «Luna de Miel» segundo largometraje del mejicano Diego Cohen sin llegar a ser una gran película es un claro ejemplo de esta tendencia, un film que transita en los parámetros reconocibles del secuestrador-rehén llevado a cabo por parte de un psicópata metódico, como ejemplo podríamos llegar a afirmar que «The Collector» de William Wyler es un film referencia de lo referente a este tratado, en este aspecto la propuesta de Diego Cohen no aporta nada nuevo aunque sí que introduce un cambio de registros durante el film cuanto menos curioso, pero de un resultado claramente irregular, si en una primera parte (la más lograda con diferencia)se incide en un tono de comedia negra que hace que la propuesta se vea con cierto agrado, en su parte central se da paso hacia lo más puramente truculento, bordeando casi el torture porn para llegar a un tramo final en donde hace acto de aparición un rape-revenge de tono muy poco favorecedor.
«Luna de Miel» no deja de ser un compendio de giros argumentales algo manido y previsible, que llega a quedar algo lejos ser un producto compacto en lo referente a lo que es su esquema, aunque sí que termina consiguiendo cumplir con unos simples cánones genéricos que la hacen un ejercicio algo disfrutable para el aficionado al género poco exigente.
Desde el inesperado éxito de El proyecto de la bruja de Blair (1999), hace más de quince años, el cine de horror ha cambiado radicalmente gracias al fenómeno del falso found footage (metraje encontrado), el mockumentary y la hiperrealidad digital, que se ha adueñado del género, fundiendo y confundiendo realidad con ficción, en un nuevo paradigma narrativo pos-cinematográfico, tras el cual ya nada es igual. «Si parece real da miedo, si da miedo parece real», es hoy la fórmula mágica del terror, ejemplificada por éxitos como Paranormal Activity (2007) o [REC](2007). Por primera vez en nuestro país algunos de los mejores especialistas analizan este cine de horror para el nuevo milenio, cuyo formato ha renovado la narración audiovisual y el concepto mismo de miedo. La obra cuenta con textos del Rubén Lardín, Antonio Weinrichter, Iria Barro Vale, Julia Leyda , Antonio José Navarro y de Jesús Palacios.
Autor; Coordinación: Jesús Palacios.; Editorial; Festival Internacional de Cine de Gijón y Semana de Cine Fantástico y de Terror Donostia San Sebastián. Páginas; 220
Lincoln sufre de continuos abusos en el instituto, después de un encontronazo con uno de sus compañeros de clase, le envían a un reformatorio. Lo que no esperaba encontrarse allí es el espíritu de una niña que también había sufrido abusos con ganas de mucha venganza y cargada de ira.
«Some Kind of Hate«, debut en la dirección del estadounidense Adam Egypt nos propone una a priori interesante o cuanto menos curiosa premisa al intentar mezclar un slasher de ultratumba con la temática del bullying de trasfondo, una muestra de cine indie que hasta cierto punto cumple pero solo en su objetivo de horrorizar de forma algo plana al personal como simple producto de casquería al uso, es este aspecto es de agradecer las elevadas dosis de hemoglobinaque es empleada en la película, el problema de un producto de las características de «Some Kind of Hate» viene a la hora de intentar otorgarle unos atributos que vayan más allá de lo que nos muestra su enunciado, al intento de articular una especie de metáfora social en su argumento, sobre todo en la primera parte de la película, fracasa manera estrepitosa pues básicamente nos encontramos ante una premisa sin ningún tipo de desarrollo narrativo, no se llega a profundizar en lo referente a sus personajes en lo más mínimo, anulando cualquier atisbo de empatía que podamos sentir hacia ellos, las subtramas y algunos personajes expuestos adolecen de un interés o credibilidad supuestamente requerida, solo al final de su metraje el producto adquiere una cierta coherencia como un simple y mero vehículo de terror explícito, intentar otorgarle unas credenciales que vayan más allá de eso es hasta cierto punto absurdo.
Valoración 0/5: 1’5
Black Mountain Side
Un grupo de arqueólogos afincados en las tierras al norte de Canadá, harán un descubrimiento que puede cambiar el rumbo de la humanidad para siempre. Unas ruinas totalmente desconocidas con más de diez mil años de antigüedad. Ahora es decisión del equipo como comunicar tal descubrimiento, pero pronto se darán cuenta que están completamente aislados en medio de la nada. Algo extraño parece estar acechando a todo el equipo…
Lo primero que nos viene a la mente en el visionado de «Black Mountain Side» es desviar nuestra mirada de manera forzosa hacia «The Thing«, escenario, personajes y algo de la amenaza a la que se enfrentan sus protagonistas nos remiten de forma clara al extraordinario film de John Carpenter, sin embargo solo nos encontramos ligeras semejanzas, algunas algo conseguidas y otras muchas claramente fallidas. Su director Nick Szostakiwskyj emplea un ritmo narrativo bastante lento, de tono claramente sobre explicativo algo que le resta tensión al relato, a la hora de presentarnos el monstruo de marras se intenta otorgarle algo de originalidad al asunto, se juega de manera acertada con el concepto de que es lo real o imaginario, de la misma manera se nos presenta una criatura de contornos casi primigenios o mitológico (en este apartado se nos remite más hacia la notable «TheLast Winter» de Larry Fessenden que al film de Carpenter) que exterioriza su amenaza a nivel viral y parasitario, el elenco actoral cumple de manera sobria y la utilización del escenario por parte de Nick Szostakiwskyj es meritoria (con un gran trabajo de fotografía a cargo de Cameron Tremblay). «Black Mounatin Side» se tambalea algo en su tramo final, de tono algo precipitado y con esa sensación de producto que no se sabe muy bien cómo llegar a acabarlo, sin embargo la propuesta termina funcionando aunque de manera algo irregular, se percibe ciertos atributos en la labor de Nick Szostakiwskyj como director, se intuye un cierto manejo bien llevado de conceptos propios del género que llegan finalmente a validar al producto en cuestión.
Valoración 0/5: 2’5
Bite
Poco antes de su boda y durante su despedida de soltera, la joven Casey sufre la picadura de un insecto desconocido. Lo que parece ser un incidente sin importancia pronto empieza a provocar ciertas transformaciones dentro de su organismo, que no tardan en aflorar y cambiar radicalmente su cuerpo de forma inimaginable.
El cine independiente de género de terror proveniente de Canadá ha visto como en estos últimos años ha ido eclosionado en propuestas que se mueven entre el gore extremo y un ligero apunte social en lo referente a su discurso, ya no se trata solo de mostrarnos un variado festín donde predominen vómitos, sangre, vísceras, y demás lindezas por el estilo. Si más arriba hablábamos de las influencias de «Black Mountain Side» con respecto a «The Thing» resulta inevitable no acordarse del «The Fly» de David Cronenberg viendo «Bite«, el film de Chad Archibald también guarda bastantes semejanzas temáticas con otro film actual de idéntica nacionalidad como es «Contracted 1 y 2«, quizás estemos ante un trabajo de contornos más minimalista en lo referente a su argumento y algo más generoso en lo concernientea su tono visceral y explícito.
«Bite» se convierte por méritos propios en paradigma de la descomposición-mutación de carácter low cost, en donde destaca muy por encima su acertada labor de maquillaje de empleo enteramente artesanal, un film en definitiva que es muy simple en lo que nos propone, pero que de la misma manera es plenamente consciente hacia quien va dirigido, «Bite» hará las delicias de los seguidores de la serie B más grotesca poco dados a exigir algo que vaya más lejos de lo expuesto.
Tras su presentación por el pasado festival de Sundance (premio NEXT del público) el drama independiente «James White«, ópera prima de Josh Mond, productor de «Martha Marcy May Marlene«, «Simon Killer» y «Afterschool«, ha ido convirtiéndose conforme han avanzado estos meses en una de las sensaciones del presente curso, su posterior paso y buena acogida por los festivales de Locarno y Toronto así lo atestigua, aún sin fecha de salida en Europa la película se acaba de estrenar este pasado 13 de noviembre en Estados Unidos, a la espera de noticias su prometedor tráiler lo podéis ver a final de página.
«James White» nos cuenta como tras la repentina muerte de su padre y el avanzado cáncer que padece su madre hacen de James White, un joven inadaptado de Nueva York, un ser turbulento e irracional que encuentra en la violencia y en su propia autodestrucción una válvula de escape emocional ante los problemas que le asechan, llegados a un punto tendrá que plantearse el luchar para controlar eso impulsos autodestructivos antes que sea demasiado tarde.
La película está protagonizada por Christopher Abbott,Cynthia Nixon,Scott Mescudi,Mackenzie Leigh,David Call y Ron Livingston.
Del 10 al 15 de noviembre se celebró la 34 edición del festival de cine de terror de Molins de Rey, un certamen pionero en lo referente a las maratones del genero de terror en territorio español (sus 12 horas, santo y seña de identidad más emblemático lleva celebrándose desde el año 1980) algo que otorga al certamen una solera muy notoria a la hora de valorarlo de una forma ecuánime, a final de página tenéis un video conmemorativo de su treinta aniversario que repasa la historia del festival desde sus inicios. En estos últimos años TerrorMolins aprovechando su inclusión en 2014 en la Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico ha querido ampliar su oferta en varios frentes, una sección oficial a concurso, coloquios, proyecciones entre semana y una serie de actos paralelos, un paso adelante y un esfuerzo que hay que valorar en su justa medida, un equipo organizativo no profesional y una infraestructura muy modesta en lo referente a subvenciones hace del evento algo digno de resaltar, este año hemos tenido la ocasión de asistir a una gran edición, un festival en claro proceso de crecimiento que cada año da un pequeño paso hacia adelante, TerrorMolins 2016 tendrá como leitmotiv las Mutaciones..si tenéis oportunidad de pasaros el próximo año por el festival no lo dudéis..todo lo que se nos ofrece a través del entusiasmo y esfuerzo de los que lo organizan bien vale el esfuerzo.
The House on Pine Street
Jennifer y su marido se acaban de mudar a Kansas, su tierra natal. Recién mudados Jennifer empezará a notar que en su nuevo hogar suceden extraños fenómenos paranormales. El problema que solo pasan estando ella sola, por lo que ni su marido ni su madre acaban de creérsela, achacándoselo a un embarazo difícil. Realmente la casa esta maldita o es simplemente la imaginación de Jennifer jugándole una mala pasada.
«The House on Pine Street» dio el pistoletazo de salida del festival, un interesante debut tras las cámaras por parte de los hermanos Aaron y Austin Keeling que se inscribe de lleno dentro del subgénero de casas encantadas, la película aunque no ofrece nada nuevo (y tampoco parece que sea su propósito) a la temática antes mencionada intenta al menos dar un enfoque algo novedosos a un tipo de cine muy trillado en los últimos años como el que nos ocupa, no estamos ante la típica cinta de terror al uso que se mueve por unos formulismos habituales, «The House on Pine Street» tiene un ritmo extremadamente pausado, reniega por completo de lo explícito y nos ofrece un buen repertorio de secuencias apoyadas por su sutileza en una puesta en escena que utiliza un acertado tratamiento del espacio, básicamente nos sugiere más que nos muestra, más que el susto fácil se nos intenta inquietar en base a pequeños detalles, película de muy pocos medios, rodada en tan solo 19 días, que tiene la virtud de crear tensión en base a lo psicológico. Posiblemente al film le sobre algo de metraje y tenga un final ligeramente alargado pero «The House on Pine Street» es pese a sus evidentes carencias un tipo de cine independiente de terror del bueno, aquel que intenta volver de alguna manera a los orígenes del género y buscar una manera de contarnos la misma historia de siempre de forma algo diferente.
Valoración 0/5: 3
Repulsión (retro)
Carol Ledoux es una bella y reprimida joven belga que vive con su hermana Helen en un apartamento de Londres. Carol experimenta sentimientos simultáneos y contradictorios de atracción y repulsión hacia los hombres; por eso para ella resulta tan incómoda la relación que mantiene su hermana con un hombre casado. Cuando la pareja se marcha de vacaciones, Carol comienza a tener alucinaciones y su mente se desquicia.
No se me ocurre mejor película que represente de una manera tan adecuada el leitmotiv de este año del festival (fobias) que «Repulsión» de Roman Polanski, obra capital y un inmejorable retrato de ambientación claustrofóbica acerca de la psicosis, recreando como pocas veces hemos visto en la gran pantalla el camino de un ser humano hacia la locura, esplendido thriller psicológico y veraz drama que profundiza en los entresijos de la mente humana apoyándose en una atmósfera tan inquietante como agónica gracias a una inteligente utilización técnica de los efectos de sonidos (pocas veces el incesante tic-tac de un reloj, los sonidos provenientes del campanario de un convento, las risas de unas monjas, el timbre de un teléfono o una puerta que no para de sonar o el interminable goteo de un grifo han sido tan perturbadores y producido tanto desasosiego en el cine) y un magnífico juego de planos escénicos compuesto por un blanco y negro aséptico y tenebroso (estupenda fotografía a cargo de Gilbert Taylor) barnizado de puro surrealismo cinematográfico. Roman Polanski en lo que fue su segundo largometraje empieza a articular un discurso que irá evolucionando poco a poco hacia unos cimientos que le otorgaran un sello tan personal como inconfundible a partir de ese momento, una eficacia y originalidad cinematográfica llevada hacia un tono hipnótico y obsesivo que llega a alcanzar altas cotas de sugestión y desasosiego en el espectador. «Repulsión» deviene de forma clara como quintaesencia del saber contar una historia mental direccionada hacia los abismos de forma extremadamente realista.
Valoración 0/5: 4’5
Documental 30 años Festival de Terror Molins de Rei
Gira alrededor de dos hermanas adolescentes que viven en un bosque de Carolina del Norte a varios kilómetros del vecino más cercano. Los problemas no tardarán en llegar cuando la civilización tal y como la conocemos se colapse, con fuertes rumores de una posible guerra, pero lo que a ellas les preocupa es saber cuándo van a recibir de nuevo gas y electricidad, algo esencial para su peculiar modo de vida.
La adaptación de la novela homónima de Jean Hegland «Into the Forest» a cargo de la directora canadiense Patricia Rozema fue la encargada de clausurar la presente edición del festival de Sitges, film que ofrece una visión del cine post apocalíptico desde una perspectiva de carácter íntimo, alejándose de un tono crudo y realista bastante recurrente en este tipo de películas, «Into theForest» lo expone desde el concepto del melodrama familiar (dos hermanas) a través de un supuesto fin del mundo, un tono expuesto que sin embargo le resta una credibilidad que el relato requería de forma obligada.
Posiblemente lo más destacable de «Into the Forest» sea el notable dueto interpretativo a cargo de Evan Rachel Wood y Ellen Page, labor esta que a duras penas consigue salvar un producto que se ve mermado por el torpe tono feminista con que Patricia Rozema dota al film. Cuando hablamos de igualdad de generos en referencia a mujeres directoras siempre he sido de la opinión que si estas recuren a una militancia nada disimulada a la hora de exponer su trabajo por encima de sus propias cualidades autorales es muy mala señal, «Into the Forest» es un claro ejemplo de ello, vemos conceptos trazados a las antípodas de la sutileza que chirrían sobremanera (sin ir más lejos su mensaje pro-life fue silbado de una forma incluso algo comprensible en el pase de prensa). Into the Forest termina convirtiéndose en un claro ejemplode lo que no tendría que ser una película que reivindique el papel de la mujer tras las cámaras, afortunadamente a día de hoy parece que la relevancia de mujeres cineastas va en claro auge, directoras como Severin Fiala, Paula Ortiz, Ana Lily Amirpour, Lucile Hadihalilovic o Karyn Kusama entre otras muchas indican cual es el camino a seguir.
Valoración 0/5: 2
Ludo
Cuatro adolescentes llegan a la gran ciudad con intención de desfase. La noche es joven, están cachondos y no tienen un duro. La solución es pasar el fin de fiesta en un centro comercial que ya ha cerrado sus puertas. Sin embargo, no están solos: una pareja aparece de la nada y se dispone a jugar. Su apariencia es inofensiva, pero su verdadera naturaleza está marcada por una terrible sed de venganza.
La cinta de terror India «Ludo» es un claro ejemplo de hype contraproducente (promovido de forma errónea por el mismo festival), a priori una de las películas más terroríficas proveniente de un país poco dado al género de terror. Lo curioso del caso es que la película de Qaushiq Mukherjee y Nikon fue poco menos que vilipendiada por parte de un público que quizás esperaba ver otra cosa muy distinta, «Ludo» no deja de ser un puro género grindhouse de terror algo exótico con todo lo que ello pueda comportar, que bebe de ciertos esquemas del cine orquestado en su día por Lucio Fulci que incluso se atreve a mostrar una ligera semejanza al universo Clive Barker en lo referente a su escenografía, aunque claro todo ello mostrado desde una truculencia descuidada y carente de cualquier tipo de ritmo en lo referente a su maltrecha narración, algo por otra parte normal en cualquier serie Z que se precie, hubo supuestos entendidos en la materia que llegaron a asegurar que posiblemente «Ludo» haya sido una de las peores películas vistas en muchos años dentro del festival, no estoy de acuerdo, solo se trata que contextualizar un producto de esta características de una manera más adecuada, pondría las manos en el fuego a que un film de los mismos atributos que Ludo presentado desde una óptica occidental hubiera pasado el corte sin más, nuevamente se demuestra la estigmatización geográfica juega un papel decisorio a la hora de valorar un producto, muchas peores películas yanquis semejantes a «Ludo» han sido aceptados sin ningún tipo de problema cuando no tendría que ser así, pero tranquilos..seguro que con el tiempo y de manera muy puntual alguien empezara a reivindicar en un futuro una rareza como «Ludo«..suele ser algo cíclico a nivel de una crítica supuestamente especializada.
Valoración 0/5: 2’5
Smoke and Mirrors: The Story of Tom Savini
Primer documental sobre la vida y carrera del premiado genio de los efectos especiales Tom Savini, verdadero icono del cine fantástico. Todo un autorretrato, en el cual el Rey del Splatter reflexiona sobre su carrera y sus altibajos profesionales: un viaje por la vida, la muerte, el amor, la pérdida, la pena y la felicidad.
En una edición algo pobre en número en lo referente a documentales proyectados se pudo ver «Smoke and Mirrors: TheStory of Tom Savini» de Jason Baker, un interesante recorrido en la carrera del célebre maquillador, mago de los efectos especiales, director y actor ocasional Tom Savini, un documental necesario pues estamos ante una figura clave dentro de un claro contexto en el cine de terror estadounidense de una época concreta. Posiblemente estemos ante un personaje que no haya estado reivindicado de una manera justa a día de hoy, de echo el documental está producido por el propio Savini, algo pobre en medios y rodado a lo largo de un periodo de tiempo que abarca varios años, supuestamente dada la precariedad económica del proyecto, quizás por eso el trabajo se decante más hacia la vertiente más personal e íntima del personaje que hacia lo más puramente profesional, el fan quizás termine queriendo saber algo más de sus peripecias en rodajes o escuchar más testimonios de compañeros de profesión, «Smoke and Mirrors: The Story of Tom Savini» termina siendo básicamente el hombre detrás de la estrella, un recorrido en el recorrido vital de un hombre que no lo ha tenido fácil en su vida, aun así el documental es de visión obligada para el seguidor del artista pues todo lo que nos cuenta Tom Savini a modo de testimonio aunque no abarque de pleno lo puramente didáctico de su profesión es de lo más interesante.
Valoración 0/5: 3
Dark Star – HR Giger’s World
Hansruedi Giger fue el hombre responsable de algunas de nuestras peores pesadillas. El ilustrador suizo poseía una imaginación fascinante y temible, en la que las formas orgánicas se unían con los pavores del mundo industrial, y que dio a luz a una de las criaturas más temibles del cine: el Alien. Poco antes de fallecer, Giger abrió las puertas de su taller a este documental, que nos muestra su faceta más íntima.
«Dark Star: HR Giger’s World» nos retrata desde el documental una visión íntima y familiar de la vida del genial artista H.R. Giger mostrándonos su día a día desde la cotidianidad más absoluta, de echo podríamos estar hablando casi de una despedida orquestada por el propio Giger que fallecería poco tiempo después de su rodaje.
Posiblemente no estemos ante el trabajo definitivo que nos muestre la vida y milagros del artista suizo, seguramente el documental que nos ocupa podría llegar a ser un interesante apéndice expuesto desde dentro en donde nos introducimos en la impresionante casa del ilustrador, llegamos a conocer su círculo social más íntimo y familiar, un acercamiento que hará las delicias del fan pero en el que se echa de menos una visión más neutral y completa así como testimonios más autorizados en la materia, tampoco se llega a indagar, ni es su propósito, en aspectos más profundos ya sea en lo artístico o personal, del mismo modo el testimonio del propio Giger queda algo deslucido y escueto debido su precario estado de salud. «Dark Star: HR Giger’s World» termina siendo una despedida orquestada desde dentro, loable en intenciones y que podría servir como perfecto preámbulo a un trabajo más global y definitorio, una figura tan importante y esencial como H.R. Giger lo merecería de sobras.
Valoración 0/5: 2’ 5
Schneider vs. Bax
Dos hombres, un asesino a sueldo y un escritor, tendrán que luchar entre ellos por la supervivencia. A Schneider, asesino a sueldo y hombre devoto de la familia, se le encarga justo en la mañana de su cumpleaños que liquide a Ramon Bax. Bax es un escritor de 50 años que vive recluido en una cabaña junto a un lago. Lo que en principio parecía un trabajo fácil, acabará convirtiéndose en mucho más de lo que cabría esperar.
Había expectación por ver el nuevo trabajo de del holandés Alex van Warmerdan (premio a la mejor película en Sitges 2013 por la extraordinaria «Borgman«), «Schneider vs. Bax» es algo más convencional en lo formal que su anterior film pero sigue siendo puro van Warmerdan, algo que la valida como un trabajo de un interés tan notable como original, mezcla de comedia negra de tono absurdo y ligeramente surrealista y thriller criminal con toques inesperados de violencia explícita, una amalgama de unión genérica que funciona en base a una sobriedad en su puesta una escenacompuesta por una fotografía de tono sencillo pero muy eficaz y sobre todo por los matices expuestos que hacen diferenciar las personalidades de sus dos protagonistas, todo ello bajo una soterrada crítica expuesta que apunta directamente a una cierta y asentada burguesía existente en Europa.
Alex van Warmerdan es un creador diferente y único en el actual panorama del cine de autor europeo, un brillante manipulador de géneros atípicos que suele esconder en sus películas una coherencia formal tan inusual como digna de elogio, un repaso a su filmografía así lo atestigua.
Valoración 0/5: 4
PALMARÉS
Secció Oficial Fantàstic Sitges 48
Premio Mejor Película: ‘The Invitation’ de Karyn Kusama
Premio Especial del Jurado: ‘The Final Girls’de Todd Strauss-Schulson
Premio Mejor Dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): S. Craig Zahler por ‘Bone Tomahawk’
Premio Mejor Interpretación Femenina: Pili Grogne por ‘Le tout nouveau testamento’
Premio Mejor Interpretación Masculina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Joel Edgerton por ‘The Gift’
Premio Mejor Guión: M. A. Fortin, Joshua John Miller por ‘The Final Girls’ de Todd Strauss-Schulson
Premio Mejores Efectos Especiales: Makoto Kamiya por ‘I Am a Hero’ de Shinsuke Sato
Premio Mejor Fotografía: Pawel Flis por ‘Demon’ de Marcin Wrona
Premio Mejor Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos por ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell
Premio Mejor Cortometraje (patrocinado por Fotogramas): ‘They Will All Die in Space’ de Javier Chillon
Gran Premio del Público (patrocinado por La Vanguardia): ‘I Am a Hero’, de Shinsuke Sato
Premio José Luis Guarner: ‘Bone Tomahawk’ de S. Craig Zahler
Premio Citizen Kane al Mejor Director Novel: Stephen Fingleton por ‘The Survivalist’
Premio Jurado Carnet Jove Mejor Película: ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell
Secció Oficial Fantàstic Òrbita
Premio Mejor Película: ‘SPL2: A Time for Consequences’ de Soi Cheang
Premio Mejor Dirección: John Maclean por ‘Slow West’
Premio Especial del Jurado: ‘The Taking of Tiger Mountain’ de Tsui Hark
Panorama Fantàstic
Premio Mejor Película Panorama Documenta: ‘Lost Soul – The Doomed Journey of Richard Stanley’ s Island of Dr. Moreu’ de David Gregory
Premio del Público: ‘El Eslabón Podrido’ de Valentín Javier Diment.
Noves Visions
Premio Mejor Película Noves Visions One: ‘Anomalisa’ de Charlie Kaufman, Duke Johnson
Mención especial Noves Visions One: ‘Men & Chicken’ de Anders Thomas Jensen
Premio Mejor Cortometraje Noves Visions: ‘Disco Inferno’ de Alice Waddington ex aequo con ‘Formas de jugar’ de Gemma Blasco
Premio Mejor Película Noves Visions Plus: ‘Anabel’ de Antonio Trashorras
Mención especial: ‘Lovemilla’ de Teemu Nikki
Focus Àsia
Premio Mejor Película: ‘Veteran’ de Ryoo Seung-wan
Anima’t
Premio Mejor Película: ‘Miss Hokusai’ de Keiichi Hara
Premio Mejor Cortometraje: ‘Voltaire’ de Jan Snoekx
Mención especial Cortometraje: ‘The Orchestra’ de Mikey Hill
Midnight X-Treme
Premio Mejor Película: ‘Bound to Vengeance’ de José Manuel Cravioto
Méliès d’Argent
Premio Mejor Película Europea S.O.F. Sitges 48: ‘Le Tout Nouveau Testament’ de Jaco Van Dormael
Premio Mejor Cortometraje Europeo S.O.F. Sitges 48: ‘Graffiti’ de Lluís Quílez
Blood Window
Premio Mejor Película Blood Window: ‘Los parecidos’ de Isaac Ezban
Brigadoon
Premio Mejor Cortometraje Brigadoon – Paul Naschy: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan
Phonetastic
Premio Mejor Cortometraje: ‘Blackout’ de Sylvain Certain
Sitges Cine365 Film
Premio Sitges Cine365 Film: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan ex aequo con ‘Zero’ de David Victori
Presentada en el pasado festival de Venecia (Premio Fipresci) y proyectada estos días dentro de la sección oficial del festival de cine europeo de Sevilla nos llega un primer tráiler que podéis ver a final de página del último trabajo del siempre interesante veterano cineasta italiano Marco Bellocchio «Blood of My Blood» (Sangue DelMio Sangue). Una película dividida en dos tiempos diferentes a través de un relato que utiliza la metáfora sobrenatural para contarnos una historia acerca de la religión y la libertad todo ello no exento de humor. Digno de aplauso que un director de 76 años de edad sorprenda y se atreva con una película tan rica en matices e incisiva en todo lo que nos expone, ahora solo cabe esperar que esta singular propuesta pueda llegar a estrenarse en las salas comerciales del país.
«Blood of My Blood» nos sitúa en la Italia del siglo XVII. En un monasterio, una monja acusada de brujería seduce a un joven confesor quien se niega a ceder a la ardiente tentación. Una lucha de deseos, ilusiones y mentiras que se arrastrarán de forma inesperada hasta la actualidad…
La película está interpretada por Roberto Herlitzka, Pier Giorgio Bellocchio, Lydiya Liberman, Fausto Russo Alesi, Alba Rohrwacher, Federica Fracassi y Filippo Timi.
Mizuki perdió a su marido Yusuke en el mar. Años después, el fantasma de su compañero aparece ante sus ojos. No se trata de una visión terrorífica, sino de un retorno lleno de cotidianeidad. Tras el reencuentro, ambos iniciarán un viaje hacia la costa.
La nueva película del siempre interesante realizador japonés Kiyoshi Kurosawa transita dentro de un contexto de fantasmas y lo más puramente espectral aunque dentro de un registro completamente diferente en lo concerniente a sus trabajos más conocidos como pueden llegar a ser «Cure«, «Kairo» o «Seance«. Su nuevo film «Journey to the shore» remite algo en su tono a su anterior y notable «Tokyo Sonata«, aquí nos encontramos ante el concepto de la aceptación de la pérdida dentro de un escenario narrativo inscrito dentro de la propia cultura oriental más clásica, sea a un nivel cinematográfico o incluso literario, un drama costumbrista de corte fantástico, de un trazado claramente pausado y reflexivo que aunque pueda parecer lo contrario nos esta hablando de muchas y variadas cosas, redención, perdón, abandono y aceptación final, un trabajo que llega a integrar a la perfección y con total naturalidad el relato fantástico dentro un escenario y contexto completamente realista, en este aspecto Kiyoshi Kurosawa maneja sabiamente conceptos que remiten de una forma clara al cine de Hirokazu Koreeda o Naomi Kawase ofreciéndonos un producto de contornos exquisitos, tan selecto en su forma como acertadamente filosófico en todo lo que llega a exponer.
La película de Kiyoshi Kurosawa borra de forma consiente cualquiera tipo de inscripción que pueda remitirse a un tiempo en concreto, aísla a todos sus personajes dentro de un escenario atemporal, plagado de emociones y poseedor de un flujo trascendental que la deriva hacia una retórica en donde la redención y lo espiritual cobran una magnitud muy palpable. En «Journey to the shore» terminamos por recuperar al mejor Kiyoshi Kurosawa, y eso siempre es algo digno de celebrarse por todo lo que nos llega a aportar su cine, una apuesta por un cine en esta ocasión de grandes sentimientos, aquel que retrata de forma notablemente sutil experiencias vitales ubicadas dentro de unas historias repletas de momentos en lo que un tono claramente sensorial cobra una vital importancia.
Valoración 0/5: 4
Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld
Kagayama es un débil subalterno leal al legendario jefe de la yakuza Kamiura, que resulta ser un legendario vampiro. Cuando un asesino de un sindicato internacional llega a Japón para entregar un ultimátum, kamiura es asesinado. Pero no antes de llegar a morder a Kagayama. Ahora, su subalterno ya convertido en vampiro buscará venganza contra un formidable equipo de asesinos.
El habitual y obligado catalogo fílmico a cargo de Takashi Miike de este año dentro del festival de Sitges consistió en solo dos producciones, la divertida «As the Gods Will» y «Yakuza Apocalypse» su título estrella de este 2015 presentada nada menos que en la quincena de los realizadores del pasado festival de Cannes. «Yakuza Apocalypse» es un nuevo muestrario del libertinaje cinematográfico tan característico en el imaginario de Takashi Miike, libre de ataduras conceptuales y totalmente alejado de convenciones genéricas en donde todo cabe, una declaración de principios en toda regla que de vez en cuando da la impresión de tener la necesidad de recurrir el director nipón.
Unión algo desvergonzada de yakuza, kaijus y el cine de vampiros entre otras muchas más cosas, posiblemente a estas alturas podríamos llegar a decir que incluso estos trabajos de tono delirante y surrealista han ido ligeramente evolucionando con el tiempo, ahora Takashi Miike rebaja en algo la vertiente transgresora en lo referente a su incomodidad, ya sea en el ámbito del sexo o la violencia más descarnada, se sigue siendo recurriendo de forma clara a la exageración y a lo imposible pero desde una vertiente que da la sensación de estar algo más abierta y orientada hacia un público más amplio pese a la naturaleza del producto en sí mismo. Una cierta evolución hasta cierto punto lógica que no impide que «Yakuza Apocalypse» sea en esencia puro Takashi Miike, un producto destinado principalmente para el disfrute de incondicionales de su cine, un cineasta que desde hace ya un tiempo está en un primer nivel y que sabe glorificar el género en todas sus vertientes y formas posibles, Sitges lo volvió a acoger con los brazos abiertos, algo en cierta manera ya habitual y normal al jugar dentro de un territorio propio.
Valoración 0/5: 3
The Survivalist
El Superviviente vive aislado, protegiendo su granja de la banda de enmascarados que acechan la zona. La llegada de Kathryn y su hija Milja altera la precaria estabilidad del hombre, forzando una difícil convivencia.
«The Survivalist» se inscribe de lleno en el relato post-apocalíptico de tono real y poco complaciente en lo referente a lo que es su historia, una visión dura y áspera en todo lo que nos muestra, en donde vemos como la mayoría de los recursos naturales del planeta se han ido prácticamente agotando dando lugar al caos y la ley del más fuerte, un film que tiene ecos y bebe mucho del tono y estilo visto en el «The Road» de Cormac McCarth, en este aspecto «The Survivalist» resulta una película bastante modesta en lo referente a lo que son sus medios, poseedora de un devenir narrativo muy minimalista y con un único escenario de ámbito forestal, tres únicos personajes y una consiente escasezde diálogos e inexistente banda sonora musical, su director el debutante Stephen Fingleton (premio al mejor director novel en el festival) no se complica a la hora de rodar con sencillez y de manera sobria lo que es su puesta en escena, en una historia que no precisa de ningún tipo de preciosismos en lo conserniente a su estilo, posiblemente este seauna de sus mayores bazas, el no intentar hacernos llegar un mensaje de enfoque trascendental, en la historia de «The Survivalist» no hace falta, tampoco hay lugar para adornos ni juicios de valores en las acciones de sus personajes, aquí solo queda un instinto primario de supervivencia dentro de un mundo totalmente precario, cualquier atisbo para la esperanza o normas de conductas humanitarias quedan al momento completamente disolutas, Stephen Fingleton en un debut tras las cámaras bastante prometedor así nos lo hace ver.
Valoración 0/5: 3
Enragés
Un robo sale mal. Los cuatro criminales encuentran refugio en un centro comercial. En plena huida, detienen el coche de un hombre, que pretendía trasladar a su hijo enfermo al hospital. Fuera de control, la fuga va a transformarse en una persecución sin piedad.
«Enragés» (Rabid Dogs) es un descafeinado remake de la genial «Chiens Enragés» (Semáforo rojo en España) que el gran Mario Bava dirigiera en 1974, el film presentado en el mercado del pasado festival de Cannes de 2015 y ópera prima del realizador francés Éric Hannezo funciona de forma algo irregular como un discreto y puntualmente entretenido thriller que intenta decantarse más hacia la tensión que a la acción, en este aspecto la falta de consistencia en el trazado de lo que son sus personajes resulta fundamental a la hora de intentar ofrecer una cierta credibilidad en según qué situaciones, tampoco resulta de gran ayuda su casi total falta de profundidad en lo referente a una historia que no llega a trascender en lo más mínimo, lamentablemente todo tiende a ser demasiado esquemático.Una en ocasiones acertada música de tono totalmente ochentero a cargo de Laurent Eyquem y cierta sequedad bien entendida en algún que otro tramo en lo referente a su realización junto a un giro argumental hacia el final no terminan de salvar una propuesta que termina siendo claramente fallida en su desarrollo y resultado final, destinada irremediablemente y de una forma clara al olvido al poco de su visionado.
Valoración 0/5: 2
Endorphine
Tres mujeres llamadas Simone, cada una con su historia. La primera es una niña de doce años que debe recuperarse de un trauma. La segunda es una joven solitaria que sufre ataques de pánico. La tercera es una doctora de prestigio que alcanza el orgasmo en sueños. Tres vidas que empezarán a comunicarse entre ellas de manera misteriosa, casi onírica.
Puede que no fuera lo más acertado visionar un film de las características y textura de «Endorphine» casi al final del festival, el canadiense André Turpin nos propone un interesantísimo puzle narrativo de tono onírico alrededor de la teoría de los multiversos, en donde acción terrenal y planos temporales hace que tres distintas mujeres queden de algún modo conectadas a través de un hecho físico concreto, para ello se recurre en ocasiones a la física quántica e incluso a una cierta tendencia al relato de contornos filosóficos.
Endorphine aunque parezca todo lo contrario no nos propone una narrativa plenamente criptica en todo lo expuesto, también huye de un trazado pretensioso que algunos intuyeron en ella, la película se asienta más hacia lo complejo de un relato lleno de simbolismos en donde más que intentar descifrar un determinado contexto clave en lo referente a su argumento (algo bastante complicado la verdad y que requeriría de más de un visionado) es conveniente sumergirse en la propuesta y requerir de un cierto esfuerzo por parte del espectador para entrar en lo que es su entramado de un forma consiente en referencia al juego que se nos llega a proponer. Puede que el film falle y quede diluido en algo a la hora de dramatizar situaciones concretas y personajes, un aspecto este que queda algo por debajo del formulario científico-onírico expuesto, aun así «Endorphine» tiene una capacidad hipnótica digna de elogio, un sugerente e interesante film independiente que ha sido una de las propuestas más arriesgadas y estimulantes de las presentadas este año en Sitges.
Valoración 0/5: 3’5
The Devil’s Candy
Jesse y Astrid compran una idílica casa en Texas, con espacio suficiente para que él pueda desarrollar su trabajo artístico. Al poco de mudarse, los cuadros de Jesse empiezan a adquirir un tono más oscuro e inquietante, como si una extraña fuerza poseyera su mente.
Seis años después de su estimable ópera prima «The Loved Ones» el realizador Sean Byrne presento en Sitges su nueva película «TheDevil’s Candy«, film rodado lejos de su Australia natal estamos ante una película que transita el terror desde una perspectiva bastante diferente a su primer trabajo pero poseedora de un resultado final igual de estimulante, muestra inequívoca de que estamos ante un director muy a tener en cuenta próximamente.
«The Devil’s Candy» es una historia expuesta de forma más claramente oscura y madura que su anterior «The Loved Ones«, un competente horror heavy metal de casa encantada con un potente clímax final, que aunque no logra escapar del todo de muchos de los tópicos propios del género nos es presentada de forma algo distinta y original, un enfoque visto desde contornos incluso algo clásicos dentro del subgénero de posesiones demoníacas + casa encantada aunque las herramientas aquí utilizadas no sean muy habituales, un estilo el propuesto que dista en algo de lo puramente convencional, todo ello en base a un muestrario de música de heavy metal (letras que mayoritariamente hablan sobre la alienación y la continua lucha entre el bien y el mal bajo, guitarras y sonido estruendoso) que sustituyea conceptos y postulados propios de un cine de terroral uso. En unos tiempos donde el género está inundado de propuestas mainstream y modas temporales de dudoso gusto «The Devil’sCandy» sin llegar a ser una grandiosa película sabe a gloria y cumple a la perfección como producto serio y digno, una película en definitiva para ver y disfrutar a ser posible en una pantalla lo más grande posible y por supuesto.. con los decibelios al máximo volumen.
Fue una de las sensaciones del pasado festival de San Sebastián y una de las máximas favoritas en los próximos Goya, «La Novia«, segunda película de la directora aragonesa Paula Ortiz después de su notable «De tu ventana a la mía» es una adaptación de la obra clásica de Federico García Lorca Bodas de sangre cuyo tráiler final podéis ver a final de página.Tras su paso por el festival donostiarra ya señalábamos en nuestra crónica que estamos ante un trabajo extraordinario, aprovechando que la película se estrenará el próximo 11 de diciembre de la mano de Betta Pictures publicaremos una review más extendida de uno de los films patrios más importantes del presente año.
«La Novia» nos cuenta como desde pequeños Leonardo, El Novio y La Novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y La Novia poseen un hilo invisible, feroz, imposible de romper. Pasan los años y ella, angustiada, se prepara para su boda con El Novio en medio del desierto blanco donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia, a su puerta llama una Mendiga que le ofrece un regalo y un consejo: «No te cases si no le amas», mientras le da dos puñales de cristal. Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de La Novia.
La película está interpretada por Inma Cuesta,Asier Etxeandía,Álex García,Manuela Vellés,Consuelo Trujillo,Leticia Dolera,Carlos Álvarez Novoa y Luisa Gavasa.
Más acción, más aventuras… Más Cannon. Llega la segunda parte del libro más aclamado, en el que se vuelve a indagar en la filmografía de una de las productoras más amadas y odiadas del cine de los 80: Cannon Films, con Menahem Golan y Yoram Globus al frente, la Cannon fue la responsable de muchas de nuestras películas favoritas de esa época. Y, si bien en el primer libro se analizaba las más populares, en esta ocasión reseñamos 45 títulos pertenecientes a mayor diversidad de géneros (acción, comedia, drama, erótico, terror…) que aportarán al lector una mejor y mayor comprensión del eclecticismo de la productora. Además, este volumen profundiza en los nombres que ayudaron a Golan y Globus a fundar su imperio, presentando las biografías de sus actores más representativos y de los directores que trabajaron para ellos. También hay espacio para analizar las bandas sonoras que acompañaron de las mejores películas de la Cannon y un apéndice en el que hablamos sobre más proyectos que jamás vieron la luz, pero que por un momento estuvieron en la agenda de la productora. Más Cannon es el complemento ideal para Cannon Films y, por sí mismo, un libro ideal para los estudiosos del cine popular de su época.
Autor; Pedro José Tena, Kiko Vega, Álex Oliveres, José Antonio Martín, Serena Iniesta, David Webb, Luis Martínez Vallés, Domingo Dark Vinyl, Ángel Codón Ramos y Álvaro Gil.; Editorial; Applehead Team Creaciones. Páginas; 400
Después de poder disfrutar en Sitges de «Yakuza Apocalypse» la última locura a cargo de Takashi Miike acaba de ver la luz un primer teaser que podéis ver a final de página de su próximo film, la adaptación a imagen real del manga de ciencia-ficción «TerraFormars» de Kenichi Tachibana y Yū Sasuga editado en nuestro país por la editorial Ivrea. La película se estrenará el próximo 29 de abril de 2016 en Japón aprovechando la festividad del Golden Week.
«Terra Formars» nos cuenta como con el objetivo de instalar tecnología capaz de hacer posible en un futuro la vida en Marte, los científicos del Siglo XXI implementan un programa que consiste en enviar cucarachas y moho a la superficie marciana. El moho absorbería la luz solar y las cucarachas servirían de alimento para el moho. En el año 2577, llega la primera nave terrestre tripulada a Marte, con la desagradable sorpresa de ser atacados por unos mutantes extremadamente fuertes, mezcla de humanos y cucarachas. Para combatirlos, la Tierra envía a sus mejores guerreros con el fin de exterminar a los bichos mutantes y averiguar qué es lo que ocurre en el planeta rojo.
La película está interpretada por Rinko Kikuchi,Rila Fukushima,Kane Kosugi,Emi Takei,Takayuki Yamada,Shun Oguri,Tomohisa Yamashita,Hideaki Itô,Masaya Katô,Eiko Koike,Rina Ohta y Mariko Shinoda.
Rodada en un único plano secuencia, el film tiene como escenario el famoso barrio berlinés de Kreuzberg. La cámara es testigo de todo lo que le pasa a la joven Victoria, una chica española en Berlín. Una noche, conoce a Sonne, y los dos flirtean. El problema es que él tiene que terminar un trabajito con su banda, y han decidido que Victoria es la persona perfecta para acompañarles, en ese breve periodo de tiempo le suceden cosas que darán un giro total a su vida.
«Victoria«, producción alemana dirigida por Sebastian Schipper se presentó en Sitges con la sonada virtud de haber estado rodada en un solo plano secuencia de 139 minutos de duración y en menor medida también por estar interpretada por la actriz española Laia Costa. Es difícil a la hora de contextualizar un film de las características de «Victoria» el alejarse del alarde técnico en el que se apoya por completo el film e intentar analizar de una forma ecuánime todo el resto, ¿hay algún punto a destacar por encima del propio experimento en sí?
En el film de Sebastian Schipper podemos encontrar apuntes del todo interesantes aunque algo dispersos a la hora de explorar las posibilidades de esa continuidad ininterrumpida, sobre todo en lo referente a una primera parte (la más interesante y conseguida) presentada bajo un tono casi costumbrista, en donde la soledad y la empatía de sus jovenes protagonistas devienen como su principal motor narrativo, y que la emparenta de algún modo a un cierto cine orquestado en su día por Richard Linklater, y una segunda parte en donde asistimos a un cambio de rumbo bastante acentuado, para adentrarnos en una pieza casi de género, en este aspecto la apuesta de Schipper es clara, opta por ofrecer un producto que sea disfrutable, entretener al espectador en detrimento de una credibilidad en lo referente a su guion, el problema viene dado en que todo lo conseguido hasta ese momento se llega a desvirtuar en algo a la hora de presentarnos una serie de situaciones a cual más rocambolesca e imposibles de llegar a ser creídas. «Victoria» termina convirtiéndose en un experimento algo irregular, plagado de claros oscuros, positivo en lo conserniente a su alarde técnico y en un conseguido ritmo de tono trepidante en sus más de dos horas de duración que la hacen un producto disfrutable para el espectador, algo nada fácil dado la formula en que se apoya, y negativo en lo referente a su propia falta de consistencia en lo que es su conjunto y muy especialmente la nula credibilidad con la que nos encontramos llegados a un punto determinado de su metraje.
Valoración 0/5: 3’5
Demon
Python y Janet reciben como regalo de boda unas tierras en las que construir su hogar. Al preparar el suelo para la futura casa, el novio encuentra unos huesos humanos. Será el primero de una serie de hechos extraños que culminan con la irrupción de un turbulento espíritu en las nupcias.
«Demon» fue sin lugar a dudas una de las películas más singulares, originales y rica por las múltiples vías que nos llegó a ofrecer de las proyectadas este año en Sitges, lástima que no tuviera una resonancia más importante dentro del festival, la propuesta del film lo valía de sobras, el mito clásico del dybbuk expuesto en la película a modo de retrato social y crítico de la Polonia más caustica, «Demon» se aleja del relato de terror convencional de posesiones al uso y bebe de ese cine fantástico de la Europa del este tan característico en los años setenta, abundante en metáforas y simbolismos tradicionales, de una mirada tan inusual y atípica como atrevida.
Las tradiciones nupciales y todo lo que lo rodea alrededor de las bodas polacas expuestas aquía través de una mirada en apariencia absurda, casi de tintes y tono surrealista que se cohesiona de manera sabia con el prototipo relato fantástico tradicional que aquí bebe del folklore judío en base a una historia mostrada bajo un tono claramente costumbrista. «Demon» deviene como un perfecto ejemplo de lo que tendría que ser una historia acerca de la metáfora incrustada dentro de la propia mitología, una pena del prematuro fallecimiento de su director Marcin Wrona poco antes de dar inicio el festival, un hecho luctuoso que nos priva de ver la evolución de un discurso cinematográfico que se intuía de lo más apasionante.
Valoración 0/5: 4
Coin Locker Girl
Recién nacida, Il-young es abandonada en la consigna número 10 de una estación. Años más tarde, es vendida a la organización criminal Mom de Chinatown, donde tendrá que luchar para sobrevivir en un mundo violento y cruel.
Presentada en la pasada la Semana de la Crítica del festival de Cannes «Coin Locker Girl» debut en la dirección de Han Jun-hee nos presenta un duro retrato criminal y social en forma de thriller dramático, acerca de una peculiar organización de gángsters. Poco se le puede achacar a la película en lo referente a su depuradísima factura técnica e incluso en su incondicional apuesta por lo más visceral, aunque he de confesar que empiezo a tener ciertos perjuicios a la hora de ver una gran parte del actual cine proveniente de Corea del Sur que abusa sobremanera de ciertos modismos de estilo a la hora de presentar lo que son sus propuestas, un abuso este especialmente visible en lo referente a un tono melodramático que por momentos chirria por su acentuado tono, unos personajes demasiados exagerados o una utilización de la narrativa que la ves venir desde muy lejos, no se igual es un problema personal (la película tuvo una acogida bastante buena) pero lo cierto que estos déficits hacen que el visionado de este tipo de productos los contemple desde una mirada de tono bastante escéptico.
Tengo la sensación y soy de los que opinan que ha día de hoy hay una enorme barrera diferencial de exposición y resultados entre las películas a cargo de autores ya consagrados en lo autoral o comercial como pueden ser Kim ki-duk, Na Hong-jin, Lee Chang-dong, Kim Ji-woon, Bong Joon-ho, Hong Sang-soo o Park Chan-wook entre algunos otros y alguna que otra propuesta aislada como la excelente «Han Gong-ju» de Lee Su-Jin vista el pasado año y el gran volumen de todo lo restante que en mayor o menor medida nos va llegando del país asiático y muy especialmente en lo concerniente a su trazado más comercial, «Coin Locker Girl» pese a cierto apuntes pertenece a este segundo grupo de películas algo encalladas en formulismos propios que le restan desde mi punto de vista un resultado final mucho más estimulante.
Valoración 0/5: 2
Experimenter
En 1961, Stanley Milgram llevó a cabo una serie de experimentos sobre la obediencia en la Universidad de Yale. La investigación, planteada a raíz del juicio a Adolf Eichmann, pretendía dilucidar la relación de las personas con la autoridad. La violencia del experimento hizo que Milgram fuera tildado de sádico y de monstruo. Biopic sobre el psicólogo Stanley Milgram y sus famosos experimentos bajo la dirección de nada menos que Michael Almereyda, un curioso autor que en los noventa nos ofreció una visión muy personal y nada complaciente del fantástico con trabajos tan atípicos como eran «Nadja» o «Trance«, «Experimenter» se sitúa en las antípodas de aquellos primeros films de su director en lo referente al riesgo y la actitud, no deja de ser algo curioso que estemos ante su trabajo más asequible para el gran público, eso en teoría no tendría que ser malo de por sí, el problema viene dado en lo referente en que esa accesibilidad venga acompañada de una falta de riego y de identidad propia en el producto que hace que nos encontremos ante un biopic totalmente desaprovechado, vertebrado entre lo didáctico (lo más interesante) y el retrato personal (sin ningún tipo de interés en cómo está expuesto), de hecho estamos básicamente ante un documental ficcionado en donde el personaje de Stanley Milgram va hablando a cámara en muchos momentos del film. «Experimenter» termina siendo una ocasión desaprovechada, el material daba para muchísimo más de lo que finalmente ofrece, Michael Almereyda opta por el camino más convencional e incluso por momentos desganado, una autentica pena, el retrato de Stanley Milgram merecía una exposición en la gran pantalla más valiente e incisiva.
Valoración 0/5: 2’5
Partisan
Alexander es como cualquier otro niño: juguetón, curioso e ingenuo. También es un asesino entrenado. Criado en un paraíso escondido, Alexander ha crecido viendo el mundo filtrado a través de su padre, Gregori. Cuando Alexander comienza a pensar por sí mismo, sus miedos toman forma, y el mundo idílico de Gregori se desenreda.
Ariel Kleiman una de las promesas del nuevo cine independiente proveniente de Australia presento en la siempre interesante sección Noves Visions «Partisan«, su estimulante debut en el largometraje en donde nos presenta una alegoría de ubicación atemporal (podríamos estar hablando perfectamente de pasado, presente o futuro) acerca de un poder impuesto por los lazos patriarcales representado en el film en la creación de un mundo endogámico liderado bajo los rasgos de un excelente Vicent Cassel, personaje este que se nutre de la inocencia y sumisión de los más débiles para beneficio propio.
Sería un error el pensar que una película como «Partisan» sea simple, sencilla o que transite por territorios algo convencionales en todo lo que nos va exponiendo, nada más lejos de la realidad, más que en el avance psicológico y personal de los protagonistas la apuesta de Ariel Kleiman no deja de ser un perfecto y notable ejemplo de ese cine de claro calado metafórico, rico en un variado esquema de analogías y que abre múltiples vías de interpretación y extrapolación hacia diferentes aspectos sociales del actual mundo, aunque claro todo esto requiere de un ligero esfuerzo por parte del espectador,es ahí en donde «Partisan» gana enteros y adquiere por derecho propio un estatus y unas connotaciones propias de un film casi de horror real, una reflexión adquirida ante lo que vemos que nos deriva directamente hacia el malestar por la lectura social y política que hemos ido asimilado, todo un logro, «Partisan» podría devenir perfectamente casi como una versión real yautoral del «They Live» de John Carpenter, convirtiéndose por derecho propio en toda una pequeña joya indie a descubrir en este 2015.
Valoración 0/5: 4
Southbound
Cinco historias entrelazadas de terror que ocurren en una interminable carretera del desierto. En un tramo desolado de la carretera una serie de viajeros – dos hombres que rememoran su pasado, una banda en su camino hacia el próximo concierto, un hombre que lucha por llegar a casa, un hermano en busca de su hermana perdida y una familia vacaciones – se ven obligados a enfrentarse a sus peores temores y los secretos más oscuros en este film de segmentos donde impera el terror y los remordimiento.
«Southbound» fue una de las películas de episodios presentadas este año en el festival de Sitges, si en «Tales of Halloween» (muy inferior con respecto a la película que nos ocupa pese a tener un mayor reconocimiento por parte del público posiblemente dada por su proyección en un fin de semana) nos lamentábamos de una cierta tendencia actual en los dípticos del género de terror a la simple aglomeración estilística en «Southbound» afortunadamente asistimos a una afortunada reformulación de conceptos pasados que logra dotar al conjunto de una cierta solidez en lo que nos expone, una mirada hacia atrás con ligeros guiños a los tradicionales EC Comics y sobre todo poseedora de un aroma inconfundible que la emparenta a productos de los ochenta en tono y características parecidas, porque si, independientemente de calidad en sus propuestas los años ochenta y sus formulismos genéricos empiezan a ser valorados ya como conceptos de corte casi clásico, en este aspecto el film huye de modismos actuales como por ejemplo el recurso de la cámara en mano tan utilizada últimamente dentro del fantástico.
Cinco historias de terror autoconclusivas a cargo de Roxanne Benjamin, David Bruckner, Patrick Horvath y Radio Silence presentadas con coherencia, argumentalmente independientes entre sí pero con ligeros apuntes de conexión entre ellas, con la carretera como nexo de unión en lo que son sus historias, ya hemos hablado con anterioridad de la hasta cierto punto lógica irregularidad en este tipo de films, «Southbound» los solventa con acierto al ser una obra que aparenta mostrar un argumento circular sólido, consigue pese a la dificultad de la empresa que su ritmo no varié en exceso, una en definitiva propuesta de género de terror honesta,pura serie B disfrutable y bien llevada, ni más ni menos.
El director polaco y francés de adopción Andrzej Żuławski, veterano cineasta, autor ilustre muy especialmente en los años 70 y 80 y poseedor de una filmografía de lo más esencial con títulos tan importantes como «L’important c’est d’aimer» o «Possession» vuelve a dirigir después de quince años de ausencia tras las cámaras (su último film data del 2000 «La fidélité«), su nuevo trabajo titulado «Cosmos» es una adaptación de la novela homónima de Witold Gombrowicz que se alzó en el pasado festival de Locarno con el premio al mejor director. La película que también se pudo ver en el reciente festival de Sitges nos presenta un primer tráiler podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes.
«Cosmos» nos cuenta como Witold acaba de suspender sus exámenes de derecho, y su amigo Fuchs ha dejado su trabajo. Ambos llegan como huéspedes a una casa que debería ofrecerles en principio relajo y que sin embargo les provoca una cierta inquietud a medida que una serie de hechos extraños comienzan a suceder.
La película está interpretada por Sabine Azéma,Jean-François Balmer,Victória Guerra,Ricardo Pereira,Andy Gillet,Johan Libéreau,Jonathan Genet,Clémentine Pons y António Simão.
Los miembros de una banda punk, tras perderse en una zona aislada, se topan con un horrendo acto de violencia. Debido a que son los únicos testigos, se convierten en el blanco de una pandilla aterradora de skinheads.
Después de su presencia en el pasado festival de Cannes la nueva película de Jeremy Saulnier «Green Room» vino precedida por una gran expectación, era en principio uno de los platos fuertes presentes este año en Sitges, si en el anterior film de su director (Blue Ruin) este nos ofrecía una conseguida y notable pieza de cine independiente que recurría con acierto a un discurso acerca del recurso de la venganza ejecutada como tal y su aplicación de la violencia dentro de un contexto trágico, en «Green Room» pese a mantener ciertas constantes existentes de su anterior trabajo, aquí se es de una forma clara más menos profundo y sutil, cambia ligeramente de registro para ofrecernos un admirable ejercicio de estilo, un trabajo de tensión fílmica bien llevado que no decae en prácticamente ningún momento de su metraje, que bebe especialmente de un cierto cine de acción orquestado en los setenta (las referencias a «Assault on Precinct 13» de John Carpenter o «The Warriors» Walter Hill son muy evidentes), ofreciéndonos una violencia real y creíble, lejos de una estilización formal impuesta por modas con fecha de caducidad, en este aspecto su apuesta por cierto clasicismo es muy claro, «Green Room» sirve al mismo tiempo como reflejo virulento y retrato nada complaciente de la América profunda ubicado en el film dentro de un definido contexto cultural por el que se mueven esas tribus urbanas representadas por punks y skins.
«Green Room» pese a ser un ejercicio de tensión que se mueve dentro del ámbito del thriller o cine negro como hemos comentado más arriba entiende a la perfección como funciona los resortes tan característicos del género de terror, Jeremy Saulnier los maneja y expone con sobrada habilidad dentro de la película, de manera palpable y realista, su tratamiento descarnado y crudo de la violencia utilizando el recurso escénico de tono claustrofóbico es digno de cualquier tipo de elogio, a día de hoy me sigue resultando del todo incomprensible que no se alzara con el premio al mejor director en el palmares del festival, pero bueno ya se sabe cómo funciona esto de los premios y jurados, «Green Room» termina convirtiéndose de forma clara en la confirmación definitiva del talento de Jeremy Saulnier como director, un autor cuya carrera habrá que seguir con lupa a partir de ahora.
Valoración 0/5: 4
Macbeth
Inglaterra, Edad Media. Macbeth es un noble caballero escocés. Un día, después de una batalla en la que se gana el favor del monarca, encuentra a tres brujas que le profetizan que algún día llegará a ser Rey. Después del cumplimiento de otras dos profecías formuladas por las brujas, inevitablemente Macbeth se pregunta cómo podrá cumplirse la tercera, ya que el Rey Duncan todavía está vivo y, además, tiene dos hijos que pueden heredar el trono. En realidad, en cuanto Macbeth escuchó la profecía, la idea del asesinato de Duncan no dejó de rondar por su mente, aunque, al principio la rechazó. Sin embargo, su mujer, cuya ambición y voluntad de poder es más fuerte que la suya, intentará incitarlo a cometer el crimen. Adaptación de la obra de William Shakespeare.
Una nueva versión del clásico Shakesperiano Macbeth con Michael Fassbender y Marion Cotillard como principales actores y dirigido por Justin Kurzel (no os perdáis su anterior y brutal «Snowtown«) futuro responsable de la adaptación a la pantalla del famoso videojuego «Assassin’s Creed», «Macbeth» es una película que en si misma intenta huir de la reinvención más pura, que trata de ser fiel al texto pero apartándose de manera consiente del encorsetamiento de tono teatral tan habitual en estas líderes. Con una puesta en escena de clara mirada operística y matiz barroco poco se le puede reprochar al film en lo referente a una facturación técnica que resulta del todo inmaculada, sin embargo el tono se ve bastante lastrado al tener un problema de ritmo visible de manera muy evidente en muchas de sus secuencias, la mayoría de su metraje es llevado de una forma ostensiblemente lento para apreciarse de forma curiosa como en su parte final ve la luz una cierta precipitación narrativa en la evolución de sus personajes. «Macbeth» es un film que se dedica plenamente y de una forma decidida a la fabricación de una atmósfera estética que resulte adecuada al texto en el que se apoya, pero que se olvida por completo a la hora de intentar entender o transmitir los inabarcables matices que posee la obra original del clásico literario de Shakespeare.
Valoración 0/5: 2’5
February
Joan. Kat. Rose. Tres chicas unidas por una serie de misteriosos eventos. Mientras Joan atraviesa carreteras heladas en medio de la noche, Kat y Rose esperan en una escuela femenina a que sus padres vengan a recogerlas por las vacaciones de invierno. A medida que los minutos pasan, una inquietante fatalidad se adueña del lugar.
«February» el prometedor debut en la dirección de Oz Perkins (hijo del mítico Anthony Perkins) es una de esas cintas que aunque parezcan partir de una trama en apariencia sencilla aportan más de lo que pueda parecer en un principio, la película deviene como un thriller psicológico que aunque no redondo en su resultado final tiene su mayor virtud en la de apartarse de forma consiente de un cine de terror convencional al uso, para ello se nos llega a obsequiar con una narrativa que aparte de jugar con la curiosidad del espectador apuesta por sugerir más que por mostrar, apoyándose en una notable utilización de sonido como principal arma técnica a la hora de saber gestionar tensión y crear atmósferas de tono oscuro, de hecho estamos ante una película en dondese intenta en momentos aislados reinventar pautas temáticas propias del género, nos expone un viaje hacia los contornos psicológicos más tenebrosos del ser humano a través de un argumento que quizás abuse en algo de un cierto exceso de ambición en lo referente a su propuesta, y al mismo tiempo una ligera confusión en cómo nos quiere contar la historia a través de diferentes niveles temporales y distintos y algo difusos puntos de vista expuestos de una manera algo caprichosa. «February» termina siendo uno de esos films en donde se valora más, o se tendría, su forma de transitar lejos de lo más puramente manido que la redondez final del conjunto en sí mismo, una película en definitiva que aunque algo imperfecta es más que digna en todo lo que nos intenta proponer.
Valoración 0/5: 3
Fires on the Plain
Con la Segunda Guerra Mundial a punto de tocar su fin, el ejército de ocupación japonés en Filipinas está perdiendo peso. Los filipinos muestran una resistencia feroz y los americanos han comenzado su ofensiva. Tamura es de los pocos soldados japoneses que quedan, pero ha cruzado un umbral que lo conducirá a un reino sin amigos, enemigos ni esperanza.
Nuevo paso adelante en la carrera del gran Shinya Tsukamoto, en esta ocasión se atreve y sale victorioso con la adaptación de la novela del mismo título de Ooka Shohei publicada en 1951 que ya fuera llevada a la gran pantalla en 1959 (Nobi) por Kon Ichikawa. En «Fires on the Plain» el padre del cyberpunk asiático y realizador de culto reescribe a su manera el clásico del cine bélico japonés y nos da su visión del horror de la guerra en primera persona, con un mensaje en las antípodas del vergonzante trasfondo humanista que de vez en cuando suele asomar dentro del propio género, utilizando un concepto de estilo completamente visceral a la hora de filmar, poseedor de continuos y abruptos movimientos de cámara y montaje colérico, un inacabable bombardeo de imágenes y sonidos curiosamente emparentado en lo formal a sus primeros trabajos, una película que nos remite y bebe en parte de la tragedia y el nihilismo que exhibió en su día el cine bélico orquestado por Samuel Fuller, un survival realista concebido de forma abrumadora y poseedora de una radicalidad en su propuesta que no da lugar en ningún momento a la concesión dentro de un relato que recurre a lo extremo en su dictado, canibalismo o autoantropofagia a la hora de mostrarnos los horrores nacidos en el frente.
«Fires on the Plain» es una nueva demostración, y ya van unas cuantas de que Shinya Tsukamoto es mucho más que el responsable de la saga Tetsuo, una nueva demostración en definitiva del talento uno de los autores más consecuentes, innovadores y rompedores del cine contemporáneo japonés.
Valoración 0/5: 4
Free Fall
Una anciana salta desde lo alto de un edificio. En su caída, pasará a toda velocidad por delante de distintas ventanas, captando un destello de las variopintas y excéntricas vidas de los vecinos, que el espectador luego conocerá en profundidad.
Sitges dentro de su necesaria sección Seven Chances tuvo para bien recuperar el nuevo film de György Pálfi «Free Fall» visto durante el pasado año en varios festivales internacionales, si bien después de su polémica y potente «Taxidermia» Pálfi había dirigido sendos trabajos de un trazado completamente experimental (I Am Not YourFriend y Final Cut: Ladies and Gentlemen) en «Free Fall» parecía volver a esa temática que aúna lo barroco y enfermizo con el que se dio a conocer, sin embargo nos encontramos ante un ligero paso atrás por parte del director húngaro pues aunque estemos ante una obra que pese a incidir en constantes tan propias del realizador como es lo grotesco y la demencia surrealista de una sociedad europea enferma esta nos es presentada de forma muy dispersa y poco elaborada en su conjunto, un díptico de seis segmentos unidos por un mismo edificio como unico escenario que no logra la cohesión requerida, un temario por otra parte expuesto que intenta abarcar quizás demasiadas parcelas genéricas (desde la ciencia ficción abstracta hasta el sucio realismo social) obteniendo un resultado muy dispar en conceptos e intenciones. Una irregularidad esta que sin embargo no resta atributos a unos de los realizadores poseedores de uno de los imaginarios más arriesgados e incomodos del actual panorama de cine de autor europeo, un ideario hoy en día muy escaso y difícil de encontrar, lástima que György Pálfi no se prodigue mas a menudo .
Valoración 0/5: 2’5
Nina Forever
Cuando Holly logra ligar con su amado Ben, descubre que la difunta exnovia de él todavía está presente en su vida… De hecho, sigue en su cama, putrefacta, parlanchina y malhumorada.
El debut en la gran pantalla de los hermanos Blaine se presenta como una curioso y algo atípico drama post mortem acerca del proceso de superación de la muerte de la antigua novia de un joven, y como este junto a su nueva compañera tendrán que afrontar tal tesitura, «Nina Forever» se aleja por completo del relato de terror al uso, de la misma manera también se agradece que se sitúe en las antípodas de films que trataban una premisa parecida desde unos parámetros de comedia macabra tipo «Burying the Ex» o «Life AfterBeth«. «Nina Forever» utiliza la metáfora o la reflexión a la hora de presentarnosla figura de la antigua novia muerta de forma muy física, como un instrumento de rechazo ante la nueva relación de su ex-novio, la línea que separa realidad y ficción tiene la virtud de estar diseccionada de forma no pretenciosa aunque side una manera algo rocambolesca, un ménage à trois alegórico en donde sobresale especialmente la actriz Fiona O’Shaughnessy (Utopia).
«Nina Forever» es una comedia-drama romántica original a la hora de mezclar géneros, no desentona en dicha labor, incluso podríamos hablar de un producto en cierta manera novedoso en lo que nos expone, el problema viene en cuanto la propuesta orquestada por los hermanos Blaine se agota relativamente pronto y no es capaz de dar un paso hacia adelante en lo referente a su narrativa, en este aspecto da la sensación de estar ante un trabajo con la estructura argumental de un corto, algo que le resta beneplácito a un conjunto que sin embargo posee pinceladas cuanto menos curiosas dentro de una propuesta de atributos ciertamente atípicos.
El próximo día 18 de noviembre la editora 39 Escalones sacará a la venta la mítica serie de televisión de creada por Narciso Ibañez Serrador Historias para no dormir en dos packs. HISTORIAS PARA NO DORMIR, PACK COMPLETO 8 DVDs. Capítulos remasterizados digitalmente, por primera vez, la serie completa con los capítulos ordenados cronológicamente. Incluye libreto de 32 páginas. Disfruta, por primera vez en DVD, de todos los capítulos de HISTORIAS PARA NO DORMIR, la mítica serie creada por Narciso Ibañez Serrador. Desde que se abre la puerta debes de estar preparado para todo. Estas historias te harán temblar, te harán sonreír, te harán pensar… PACK SERIE COMPLETA incluye:
1- EL CUMPLEAÑOS
2- LA MANO
3- LA BODEGA PARTE 1
4- LA BODEGA PARTE 2
5- EL TONEL
6- LA OFERTA
7- EL DOBLE
8- EL PACTO
9- EL MUÑECO PARTE 1
10- EL MUÑECO PARTE 2
11- EL COHETE
12- LA BROMA
13- LA CABAÑA
14- EL ANIVERSARIO
15- LA ESPERA
16- LA ALARMA PARTE 1
17- LA ALARMA PARTE 2
18- LA SONRISA
19- EL ASFALTO
20- LA PESADILLA
21- LA ZARPA
22- EL VIDENTE
23- EL REGRESO
24- EL CUERVO
25- LA PROMESA
26- LA CASA
27- EL TRASPLANTE
28- FREDDY
29- EL CASO DEL SEÑOR VALDEMAR
30- EL FIN EMPEZÓ AYER
31- EL TRAPERO
EXTRAS (OTRAS HISTORIAS):
NN23
EL TELEVISOR
EL ÚLTIMO RELOJ
Serie íntegra por primera vez
•Tres capítulos extra de otras series de Chicho
•Libreto de 32 páginasTIPO DE ENVASE:
8 DISCOS EN ESTUCHE + LIBRETO
IDIOMAS: CASTELLANO 2.0.
Y además:
HISTORIAS PARA NO DORMIR,PACK INÉDITOS 2 DVDs
Capítulos remasterizados digitalmente. Disfruta de estos capítulos inéditos en DVD y completa tu colección de HISTORIAS PARA NO DORMIR. Una cuidada selección de los relatos que nos inquietaron, nos pusieron los pelos de punta y que permanecen en el imaginario colectivo como una de las series preferidas de los telesespectadores. Desde que se abre la puerta debes estar preparado para todo. Estas historias te harán temblar, te harán sonreír, te harán pensar… PACK INÉDITOS 2 DVDs incluye:
Los estudios de Hollywood vistos desde una mirada satírica parece ser la premisa en la que se mueve el nuevo trabajo de Ethan y Joel Coen titulado «Hail Caesar!» cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a algunas de sus imágenes, después de su notable «Inside Llewyn Davis» los cineastas cuatro veces ganadores del Oscar parecen volver a la comedia más desinhibida en esta ocasión con la mirada puesta en la época dorada de Hollywood. Universal estrenará la película en EE UU el próximo 5 de febrero, en España lo hará dos semanas después, el 19 del mismo mes.
Hail, Caesar! nos situa en el Hollywood de los años 50, uno de los grandes estudios pretende hacer una gran superproduccion de romanos protagonizado por una gran estrella (George Clooney), pero durante el rodaje el famoso actor resulta ser secuestrado, el estudio tendrá que recurrir a su detective privado habitual (Josh Brolin) para intentar localizarlo.
La película está interpretada por Josh Brolin,George Clooney,Scarlett Johansson,Ralph Fiennes,Tilda Swinton,Channing Tatum,Alden Ehrenreich,Frances McDormand,Jonah Hill,Christopher Lambert,Clancy Brown,Wayne Knight,Dolph Lundgren,Patrick Fischler,Robert Picardo,David Krumholtz,Fisher Stevens,Emily Beecham y Fred Melamed.
Taboada recorre la filmografía y analiza las constantes del cine de este director de culto y referencia en México, ciertamente desconocido para la gran parte del público español, a través de los textos de profesionales del cine como Pablo Guisa (Director del Morbido Fest), Adrián García Bogliano, Gustavo Mohedo, Antonio Camarillo, Julio Cesar Estrada, Carolina Peláez y Christian Cueva. Además, incluye un cómic a color obra de Luis Javier García Roiz y está documentado con fotografías de sus films, del propio Taboada, de los sets y otros documentos que le dan una entidad única.
La reedición de este volumen, originariamente publicado en México en 2011, surge de la colaboración entre el SITGES-festival Internacional de Cinema de Catalunya, la sección Brigadoon, el festival mexicano Morbido Fest y la editorial Tyrannosaurus Books y contiene una serie de nuevas aportaciones que lo convierten, aún más si cabe, en un volumen indispensable para todos los amantes del cine de género. Un auténtico homenaje a la figura de un director a reivindicar.
Con prólogo de Ángel Sala, Director del SITGES-festival Internacional de Cinema de Catalunya.
Año 1850. Llega a Bright Hope un forastero que rápidamente levanta las sospechas del sheriff (Kurt Russell), el cual le detiene después de una disputa. Una bella mujer (Lili Simmons) decide cuidar del preso hasta que una noche ambos desaparecen. Debido a que la única pista es una flecha que pertenece a una tribu de caníbales, el sheriff irá en búsqueda de la joven acompañado de algunos hombres entre los que se encuentran un vaquero (Patrick Wilson) y un anciano (Richard Jenkins).
«Bone Tomahawk» el debut en la dirección del novelista S. Craig Zahler fue otras de las agradables sorpresas vistas este año en Sitges, producto totalmente atípico en lo referente a su concepción (una financiación completamente alejada de los estandartes hollywoodienses y llevada a cabo de forma independiente con medios muy reducidos pese a contar con un cast de lo más apetecible y en donde sobresale de manera destacada un inconmensurable Richard Jenkins), fusióngenérica de western y survivor de horror explícito en su parte final estamos posiblemente ante una película en la que hay que valorar y celebrar de una forma especial su misma razón de ser más que el resultado que pueda llegar a otorgar en sí mismo, pues al fin y al cabo estamos ante una inusual hibridación de géneros que bebe de la serie B más genuina, reverencia de forma consiente a los westerns clásicos de John Ford o Howard Hawks pero sobretodo y muy especialmente su principal virtud reside a la hora de ser plenamente consciente de su propia condición de rara avis cinematográfica, en este aspecto su propuesta es innegociable y digna de aplauso, llegando hasta el final con todas las consecuencias que ello pueda acarrear, ritmo pausado, arriesgada combinación de estilos, duración fuera de paramentos estandars y una media hora final en donde una catarsis violenta rompe con el formulario preconcebido, una propuesta en definitiva que llega a trascender por su riesgo y originalidad, que de manera caprichosa logra romper esquemas pero que se apoya en lo más puramente clásico, ofreciéndonos en definitiva un producto tan sorpresivo como admirable.
Valoración 0/5: 4
Youth
Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe.
Paolo Sorrentino presento en Sitges su última obra «Youth«, ese otro fantástico que el festival de Sitges siempre ha tenido para bien el abrir sus puertas de par en par obviando en parte la naturaleza genérica en la que se inscribe, es evidente que el director italiano juega en otra liga en lo referente a calidad y resultados, pero una obra de los atributos de «Youth» siempre tendría que ser bendecida dejando de lado la necesidad o conveniencia de su proyección en según que sitios. Paolo Sorrentino al igual que en su anterior «La Gran Belleza» sigue incidiendo en la visión de la decadencia y el concepto de la pérdida ya sea de la juventud o la de un ser querido, decadencia y pérdida, dos conceptos ligados a esa juventud que da nombre al enunciado del film representado bajos los rasgos actorales de Michael Caine y Harvey Keitel, un sentimiento vital que no comienza a tener un sentido pleno en lo más estrictamente emocional hasta que se da por concluida dicha etapa a la que hace referencia el título del film y que aquí nos es diseccionado a través de un caleidoscopio metafórico que como es habitual en el cine de Paolo Sorrentino se apoya en base a un lenguaje audiovisual en donde música e imágenes encuentran una perfecta cohesión en lo referente a lo que son sus planos y diálogos, una mirada en definitiva que mira en el pasado para analizar lo que nos depara el presente y el futuro.
Es imposible analizar en tan pocas líneas todo lo que aporta una obra de estas características, más adelante y aprovechando su estreno comercial será hora de extenderse de forma más detenida y conveniente ante una de las mejores películas de este 2015, «Youth» sin lugar a dudad es una auténtica joya fílmica con la que nos obsequia y enamora de nuevo el genial director italiano.
Valoración 0/5: 4
Frankenstein
Una pareja de científicos han conseguido crear vida humana, un nuevo Frankenstein ha nacido desde lo más profundo de un laboratorio. A pesar que este Frankenstein aprende rápido, no acaba de controlar sus emociones, volviéndose inestable y peligroso, escapando del laboratorio.
Bernard Rose reincide en el género fantástico con una nueva adaptación de la novela gótica de Mary W. Shelley, el director británico responsable en los noventa de títulos tales como «Candyman«o su anterior «Paperhouse«, en mi opinión su mejor película hasta la fecha, sorprende para bien y más si nos atenemos a su penúltimo trabajo «Sxtape«, un muy descafeinado found footage algo impropio de un director de sus antecedentes. El «Frankenstein» contemporáneo de Rose funciona pese a sus limitaciones presupuestarias al imprimir cierto carácter personal al relato en función de unas pequeñas variantes en lo que es su historia, se centra básicamente en una criatura que nace no a través de la electricidad sino gracias a una gigantesca impresora 3D, prescinde por completo de lo gótico para acercarse más al relato de ciencia ficción, una versión de tono emotivo pero sobre todo muy físico en textura, que recurre al gore explícito a la hora de mostrarnos la degradación física del monstruo, ya sea por su fallida genética o por el maltrato que sufre del entorno humano que le rodea, posiblemente donde fallaalgo el film de Bernard Rose sea en un desequilibrio importante de ritmo que denota su guión, dejando a su acto final muy cojo con respecto al resto del film, un clímax al que se llega de forma algo precipitada.
Este «Frankenstein» lowcost alternativo pese a sus evidentes carencias es una opción muy válida, seguramente no a la hora de reinterpretar el clásico como tal pero si de actualizar con cierto tino desde la base el material original, en definitiva respetar una esencia que blockbusters venideros parecen dispuestos a ningunear en texto e imagen, que dios nos coja confesados.
Valoración 0/5: 3
The Hallow
Adam y Clare se mudan a una zona rural con su hijo recién nacido. Enseguida empiezan a recibir advertencias sobre los malos espíritus que pueblan el área, pero la joven familia prefiere disfrutar la belleza de los bosques.
La irlandesa «The Hallow» se presentaba bajo los rasgos de ser una pieza de terror que en su argumento bebe de leyendas yfolklore local, una en apariencia pieza de horror de campiña de claro tono british que partía de referencias y estilos tan estimulantes como el «The WickerMan» de Robin Hardy o la reivindicable «Wake Wood» de David Keating entre otras muchas, lo cierto que el debut del joven Corin Hardy en la dirección nos ofrece un catálogo de referencias que más que influenciarse de ese tono de horror campestre tan característico en los setenta lo hace más hacía un estilo cinematográfico que la emparenta hacia la monster movie de serie B ochentera, para ello utiliza unos convencionalismos muy reconocibles dentro del propio género que sirven al mismo tiempo para desarrollar esa mitología propia en lo referente a su argumento, se apoya más en un tipo de terror seco y archiconocido en lo que son sus pautas narrativas, se podría destacar unos atributos visuales tales como el diseño de las criaturas de clara fabricación artesanal que nos remite a la etapa antes mencionada o una fotografía de tono oscuro bastante conseguida, lástima que estos apuntes queden algo diluidos al integrarlos dentro de una historia muy simplona y repetitiva sobre todo en su parte final que hacen que un producto como «TheHallow» no trascienda mucho más allá de ser un mero y algo convencional disfrute para el aficionado de un terror claramente reconocible y muy al uso en todo lo que nos expone.
Valoración 0/5: 2
The Legend of Barney Thomson
Barney Thompson, un torpe y tímido barbero de Glasgow, vive una vida mediocre y carente de interés, pero esto está a punto de cambiar drásticamente cuando se introduce en el grotesco mundo del asesino en serie.
El actor escocés Robert Carlyle debuta tras las cámaras con la comedia criminal de enredos «The Legend of Barney Thomson«, film donde predomina un humor negro de claro trazado británico y en donde una serie de asesinatos involuntarios o no se convierte en un denominador común dentro de una barbería, un escenario este que sirve a la perfección como espejo temático en una especie de SweeneyTodd ambientada en Glasgow, de tono grotesco muy especialmente en lo referente al trazado de sus personajes en donde el propio Robert Carlyle, Emma Thompson y Ray Winstone se adueña de la función en una comedia en donde lo actoral se erige como su principal activo narrativo, una comedia coral de actores que sin embargo se ve algo lastrada en resultados a la hora de desarrollar una tendencia algo exagerada hacia el exceso y la autoparodia, situándose en las antípodas de lo que sería una comedia sutil, aun así estamos ante un producto correcto, dirigido con parcial acierto por parte de Robert Carlyle y especialmente recomendada para los amantes de un tipo de humor en donde predomina más la complicidad indiscreta a la carcajada más propiamente dicha.
Valoración 0/5: 2
I Am a Hero
Hideo es un dibujante con una vida miserable. Un día, su novia lo echa de casa y, al cabo de unas horas, se abalanza sobre él convertida en un agresivo zombie. Será la primera señal de que el mundo a su alrededor se desmorona.
¿Es posible ofrecer a día de hoy un producto novedoso que funcione o que no incida en lo manido en lo referente al subgénero zombie? «I Am a Hero«, adaptación del homónimo manga de Kengo Hanazawa dirigido por Shinsuke Sato, responsable de la también versión cinematográfica de otro manga, Gantz (2011), lo consigue en parte desde unos principios muy básicos, puede ser que su estreno mundial en Sitges pillara algo desprevenidos a los asistentes, apenas se tenía conocimiento del proyecto, lo cierto es que la película no inventa nada nuevo dentro de la temática en la que se mueve pero resulta un perfecto divertimento fan que al parecer adapta el manga de una forma muy fiel según los conocedores del texto. «I Am a Hero» es consciente de ser una película concebida con la única finalidad de entretener y divertir al espectador, es por ello que su discurso no pretenda ir más allá de ser una cinta destinada al consumo de contornos muy específicos, bien construida visualmente, que sabe dotar al conjunto de un ligero humor negro que no empaña el elemento de terror y abundantemente generosa en lo referente al gore expuesto muy especialmente en su media hora final.
«I Am aHero» fue la película zombie de este año dentro del festival, su Premio del Público así lo atestigua, un film que curiosamente proveniente de un país como es Japón en donde dicha temática no ha abundado en exceso en estos años de fiebre zombie si descartamos las consabidas series Z a cargo de Yoshihiro Nishimura o alguna aportación esporádica y autoral como por ejemplo la muy reivindicable «Miss Zombie» de Sabu.