Crónica festival de Sitges. Día 8
Journey to the shore
Mizuki perdió a su marido Yusuke en el mar. Años después, el fantasma de su compañero aparece ante sus ojos. No se trata de una visión terrorífica, sino de un retorno lleno de cotidianeidad. Tras el reencuentro, ambos iniciarán un viaje hacia la costa.
La nueva película del siempre interesante realizador japonés Kiyoshi Kurosawa transita dentro de un contexto de fantasmas y lo más puramente espectral aunque dentro de un registro completamente diferente en lo concerniente a sus trabajos más conocidos como pueden llegar a ser “Cure“, “Kairo” o “Seance“. Su nuevo film “Journey to the shore” remite algo en su tono a su anterior y notable “Tokyo Sonata“, aquí nos encontramos ante el concepto de la aceptación de la pérdida dentro de un escenario narrativo inscrito dentro de la propia cultura oriental más clásica, sea a un nivel cinematográfico o incluso literario, un drama costumbrista de corte fantástico, de un trazado claramente pausado y reflexivo que aunque pueda parecer lo contrario nos esta hablando de muchas y variadas cosas, redención, perdón, abandono y aceptación final, un trabajo que llega a integrar a la perfección y con total naturalidad el relato fantástico dentro un escenario y contexto completamente realista, en este aspecto Kiyoshi Kurosawa maneja sabiamente conceptos que remiten de una forma clara al cine de Hirokazu Koreeda o Naomi Kawase ofreciéndonos un producto de contornos exquisitos, tan selecto en su forma como acertadamente filosófico en todo lo que llega a exponer.
La película de Kiyoshi Kurosawa borra de forma consiente cualquiera tipo de inscripción que pueda remitirse a un tiempo en concreto, aísla a todos sus personajes dentro de un escenario atemporal, plagado de emociones y poseedor de un flujo trascendental que la deriva hacia una retórica en donde la redención y lo espiritual cobran una magnitud muy palpable. En “Journey to the shore” terminamos por recuperar al mejor Kiyoshi Kurosawa, y eso siempre es algo digno de celebrarse por todo lo que nos llega a aportar su cine, una apuesta por un cine en esta ocasión de grandes sentimientos, aquel que retrata de forma notablemente sutil experiencias vitales ubicadas dentro de unas historias repletas de momentos en lo que un tono claramente sensorial cobra una vital importancia.
Valoración 0/5: 4
Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld
Kagayama es un débil subalterno leal al legendario jefe de la yakuza Kamiura, que resulta ser un legendario vampiro. Cuando un asesino de un sindicato internacional llega a Japón para entregar un ultimátum, kamiura es asesinado. Pero no antes de llegar a morder a Kagayama. Ahora, su subalterno ya convertido en vampiro buscará venganza contra un formidable equipo de asesinos.
El habitual y obligado catalogo fílmico a cargo de Takashi Miike de este año dentro del festival de Sitges consistió en solo dos producciones, la divertida “As the Gods Will” y “Yakuza Apocalypse” su título estrella de este 2015 presentada nada menos que en la quincena de los realizadores del pasado festival de Cannes. “Yakuza Apocalypse” es un nuevo muestrario del libertinaje cinematográfico tan característico en el imaginario de Takashi Miike, libre de ataduras conceptuales y totalmente alejado de convenciones genéricas en donde todo cabe, una declaración de principios en toda regla que de vez en cuando da la impresión de tener la necesidad de recurrir el director nipón.
Unión algo desvergonzada de yakuza, kaijus y el cine de vampiros entre otras muchas más cosas, posiblemente a estas alturas podríamos llegar a decir que incluso estos trabajos de tono delirante y surrealista han ido ligeramente evolucionando con el tiempo, ahora Takashi Miike rebaja en algo la vertiente transgresora en lo referente a su incomodidad, ya sea en el ámbito del sexo o la violencia más descarnada, se sigue siendo recurriendo de forma clara a la exageración y a lo imposible pero desde una vertiente que da la sensación de estar algo más abierta y orientada hacia un público más amplio pese a la naturaleza del producto en sí mismo. Una cierta evolución hasta cierto punto lógica que no impide que “Yakuza Apocalypse” sea en esencia puro Takashi Miike, un producto destinado principalmente para el disfrute de incondicionales de su cine, un cineasta que desde hace ya un tiempo está en un primer nivel y que sabe glorificar el género en todas sus vertientes y formas posibles, Sitges lo volvió a acoger con los brazos abiertos, algo en cierta manera ya habitual y normal al jugar dentro de un territorio propio.
Valoración 0/5: 3
The Survivalist
El Superviviente vive aislado, protegiendo su granja de la banda de enmascarados que acechan la zona. La llegada de Kathryn y su hija Milja altera la precaria estabilidad del hombre, forzando una difícil convivencia.
“The Survivalist” se inscribe de lleno en el relato post-apocalíptico de tono real y poco complaciente en lo referente a lo que es su historia, una visión dura y áspera en todo lo que nos muestra, en donde vemos como la mayoría de los recursos naturales del planeta se han ido prácticamente agotando dando lugar al caos y la ley del más fuerte, un film que tiene ecos y bebe mucho del tono y estilo visto en el “The Road” de Cormac McCarth, en este aspecto “The Survivalist” resulta una película bastante modesta en lo referente a lo que son sus medios, poseedora de un devenir narrativo muy minimalista y con un único escenario de ámbito forestal, tres únicos personajes y una consiente escasez de diálogos e inexistente banda sonora musical, su director el debutante Stephen Fingleton (premio al mejor director novel en el festival) no se complica a la hora de rodar con sencillez y de manera sobria lo que es su puesta en escena, en una historia que no precisa de ningún tipo de preciosismos en lo conserniente a su estilo, posiblemente este sea una de sus mayores bazas, el no intentar hacernos llegar un mensaje de enfoque trascendental, en la historia de “The Survivalist” no hace falta, tampoco hay lugar para adornos ni juicios de valores en las acciones de sus personajes, aquí solo queda un instinto primario de supervivencia dentro de un mundo totalmente precario, cualquier atisbo para la esperanza o normas de conductas humanitarias quedan al momento completamente disolutas, Stephen Fingleton en un debut tras las cámaras bastante prometedor así nos lo hace ver.
Valoración 0/5: 3
Enragés
Un robo sale mal. Los cuatro criminales encuentran refugio en un centro comercial. En plena huida, detienen el coche de un hombre, que pretendía trasladar a su hijo enfermo al hospital. Fuera de control, la fuga va a transformarse en una persecución sin piedad.
“Enragés” (Rabid Dogs) es un descafeinado remake de la genial “Chiens Enragés” (Semáforo rojo en España) que el gran Mario Bava dirigiera en 1974, el film presentado en el mercado del pasado festival de Cannes de 2015 y ópera prima del realizador francés Éric Hannezo funciona de forma algo irregular como un discreto y puntualmente entretenido thriller que intenta decantarse más hacia la tensión que a la acción, en este aspecto la falta de consistencia en el trazado de lo que son sus personajes resulta fundamental a la hora de intentar ofrecer una cierta credibilidad en según qué situaciones, tampoco resulta de gran ayuda su casi total falta de profundidad en lo referente a una historia que no llega a trascender en lo más mínimo, lamentablemente todo tiende a ser demasiado esquemático.Una en ocasiones acertada música de tono totalmente ochentero a cargo de Laurent Eyquem y cierta sequedad bien entendida en algún que otro tramo en lo referente a su realización junto a un giro argumental hacia el final no terminan de salvar una propuesta que termina siendo claramente fallida en su desarrollo y resultado final, destinada irremediablemente y de una forma clara al olvido al poco de su visionado.
Valoración 0/5: 2
Endorphine
Tres mujeres llamadas Simone, cada una con su historia. La primera es una niña de doce años que debe recuperarse de un trauma. La segunda es una joven solitaria que sufre ataques de pánico. La tercera es una doctora de prestigio que alcanza el orgasmo en sueños. Tres vidas que empezarán a comunicarse entre ellas de manera misteriosa, casi onírica.
Puede que no fuera lo más acertado visionar un film de las características y textura de “Endorphine” casi al final del festival, el canadiense André Turpin nos propone un interesantísimo puzle narrativo de tono onírico alrededor de la teoría de los multiversos, en donde acción terrenal y planos temporales hace que tres distintas mujeres queden de algún modo conectadas a través de un hecho físico concreto, para ello se recurre en ocasiones a la física quántica e incluso a una cierta tendencia al relato de contornos filosóficos.
Endorphine aunque parezca todo lo contrario no nos propone una narrativa plenamente criptica en todo lo expuesto, también huye de un trazado pretensioso que algunos intuyeron en ella, la película se asienta más hacia lo complejo de un relato lleno de simbolismos en donde más que intentar descifrar un determinado contexto clave en lo referente a su argumento (algo bastante complicado la verdad y que requeriría de más de un visionado) es conveniente sumergirse en la propuesta y requerir de un cierto esfuerzo por parte del espectador para entrar en lo que es su entramado de un forma consiente en referencia al juego que se nos llega a proponer. Puede que el film falle y quede diluido en algo a la hora de dramatizar situaciones concretas y personajes, un aspecto este que queda algo por debajo del formulario científico-onírico expuesto, aun así “Endorphine” tiene una capacidad hipnótica digna de elogio, un sugerente e interesante film independiente que ha sido una de las propuestas más arriesgadas y estimulantes de las presentadas este año en Sitges.
Valoración 0/5: 3’5
The Devil’s Candy
Jesse y Astrid compran una idílica casa en Texas, con espacio suficiente para que él pueda desarrollar su trabajo artístico. Al poco de mudarse, los cuadros de Jesse empiezan a adquirir un tono más oscuro e inquietante, como si una extraña fuerza poseyera su mente.
Seis años después de su estimable ópera prima “The Loved Ones” el realizador Sean Byrne presento en Sitges su nueva película “The Devil’s Candy“, film rodado lejos de su Australia natal estamos ante una película que transita el terror desde una perspectiva bastante diferente a su primer trabajo pero poseedora de un resultado final igual de estimulante, muestra inequívoca de que estamos ante un director muy a tener en cuenta próximamente.
“The Devil’s Candy” es una historia expuesta de forma más claramente oscura y madura que su anterior “The Loved Ones“, un competente horror heavy metal de casa encantada con un potente clímax final, que aunque no logra escapar del todo de muchos de los tópicos propios del género nos es presentada de forma algo distinta y original, un enfoque visto desde contornos incluso algo clásicos dentro del subgénero de posesiones demoníacas + casa encantada aunque las herramientas aquí utilizadas no sean muy habituales, un estilo el propuesto que dista en algo de lo puramente convencional, todo ello en base a un muestrario de música de heavy metal (letras que mayoritariamente hablan sobre la alienación y la continua lucha entre el bien y el mal bajo, guitarras y sonido estruendoso) que sustituye a conceptos y postulados propios de un cine de terroral uso. En unos tiempos donde el género está inundado de propuestas mainstream y modas temporales de dudoso gusto “The Devil’s Candy” sin llegar a ser una grandiosa película sabe a gloria y cumple a la perfección como producto serio y digno, una película en definitiva para ver y disfrutar a ser posible en una pantalla lo más grande posible y por supuesto.. con los decibelios al máximo volumen.
Valoración 0/5: 3’5
Video resumen día 8
