Mes: marzo 2025

«El reino de Satán», documental sobre la Iglesia satánica, llega a Filmin el 4 de abril

  Por ,

Scott Cummings dirige este documental arty que se sumerge en la vida cotidiana y los rituales de algunos representantes de la Iglesia de Satán, la organización religiosa fundada por Anton Szandor LaVey en los años 60.

El próximo viernes 4 de abril Filmin estrena, en exclusiva en plataformas digitales en España, el documental «El reino de Satán», escrito, dirigido y montado por el estadounidense Scott Cummings. Presentado en los festivales de Sundance y Sitges, entre otros, la película se compone de una sucesión de tableaux vivants que retratan el día a día de diversos miembros de la Iglesia de Satán, una organización religiosa con estatus legal reconocido en Estados Unidos, fundada en 1966 por Anton Szandor LaVey en San Francisco. De enorme popularidad a finales del siglo XX, este culto se caracteriza no solo por su adoración a Satán, sino también por promover un estilo de vida basado en el individualismo y la gratificación personal, rechazando la autoridad externa y las creencias espirituales tradicionales.

Cummings, que fue niño en los años 80, recuerda la influencia que el satanismo tenía entonces en Estados Unidos: «Conocía a fondo la Iglesia de Satán por el Satanic Panic que se vivía en mi infancia. Es una locura recordar que la gente ponía los discos de New Kids on the Block al revés buscando mensajes satánicos. Dragones y mazmorras era satánico también…«. De hecho, el director afirma que siendo niño le acusaron de ser satanista: «El satanismo estuvo presente en mi vida desde que fui un niño metalero. Un niño desconocido de mi escuela me acusó de vender Biblias Satánicas. Ni siquiera sabía qué era eso. Yo era más bien católico. Pero pensé: ¡Ah, sí, ese soy yo!»

«El reino de Satán» no pretende profundizar ni hacer pedagogía sobre qué es la Iglesia de Satán, sino más bien retratarla usando técnicas propias del cine experimental para construir algo así como un misterio a su alrededor: «Vivimos en un mundo donde tienes acceso ininterrumpido a toda la información que quieras. Poder darle a alguien esta experiencia de misterio es como un regalo«, explica el director. El enfoque agradó a los miembros de la Iglesia de Satán, con el Sumo Sacerdote Peter H. Gilmore al frente, que ya se habían exhibido en otros reportajes y documentales anteriores («An American Satan», de Aram Garriga, disponible en Filmin, es uno de los más destacados), pero que abrazaron el enfoque original de Cummings: «La idea de que la película era en gran medida un objeto estético conectó con ellos. Una de las reglas cardinales del satanismo es que hay que presentar las cosas estéticamente.»

Con un influjo evidente del cine de James Benning y de la escuela documental austriaca (con Ulrich Seidl al frente), la película abraza la contemplación pero no desestima los trucajes y efectos visuales, como sobreexposiciones y trucos de montaje, más propios de un cine pretérito. «Los Satanistas son muy fanáticos del terror de monstruos de Universal. La idea de usar efectos especiales al estilo de Lon Chaney encaja a la perfección con su estética«, afirma Cummings: «Cuando presenté la película —es tan pretencioso que lo diré sin rodeos, porque es una buena frase— dije: Es como un documental al estilo de Méliès, no de Lumière», concluye el director.

El giallo italiano toma Tenerife Noir con dos películas imprescindibles de Sergio Martino y Luigi Cozzi

  Por

El ciclo ‘Giallo’ presenta las cintas ‘Vicios prohibidos’ y ‘El gato negro’, títulos emblemáticos del género de terror transalpino.

El director Luigi Cozzi asistirá a la proyección de ‘El gato negro’.

El Festival Atlántico de Género Negro Tenerife Noir celebra su décima edición con una programación cinematográfica que incluye un ciclo dedicado al giallo italiano, un subgénero de terror y misterio caracterizado por su estética provocadora, tramas truculentas y una fuerte carga sensual. Bajo el título “Todos los colores del Noir: Giallo”, se proyectarán dos títulos emblemáticos: Vicios prohibidos y El gato negro, en el Espacio Mutua Tinerfeña de La Laguna, con entrada libre hasta completar aforo.

La primera de las sesiones tendrá lugar el jueves 27 de marzo, de 18:30 a 21:00, con la proyección de Vicios prohibidos (Il tuo vizio è una stanza chiusa e solo io ne ho la chiave, 1972), dirigida por Sergio Martino. Este thriller psicológico gira en torno a un escritor alcohólico y violento que se ve envuelto en una serie de crímenes tras la muerte de su joven amante. Con música de Bruno Nicolai, fotografía de Giancarlo Ferrando y un reparto encabezado por Edwige Fenech, Anita Strindberg y Luigi Pistilli, la película adapta libremente relatos de Edgar Allan Poe. La sesión será presentada por la especialista en cine Sonia Cabrera.

Al día siguiente, viernes 28 de marzo, se proyectará El gato negro (Il gatto nero, también conocida como De Profundis, 1989), obra de Luigi Cozzi, que reinterpretó el universo de Poe desde una perspectiva fantástica y sobrenatural. En ella, una antigua bruja regresa del más allá para atormentar a una pareja de cineastas, en una historia que mezcla terror esotérico y metacine. El reparto incluye a Florence Guérin, Urbano Barberini, Caroline Munro y Brett Halsey, con música de Vince Tempera y fotografía de Pasquale Rachini. La presentación correrá a cargo del especialista y consigliere del festival Pedro Mérida, acompañado por el propio Luigi Cozzi, que asistirá al pase.

Antes de la proyección del viernes, de 17:00 a 19:00, el ciclo se completa con una mesa de presentación de novedades literarias a cargo de destacados autores del panorama negro nacional, entre ellos Santiago Díaz y Nagore Suárez, entrevistados por Elizabeth López.

El giallo, cuyo nombre hace referencia al color amarillo de las portadas de las antiguas novelas de misterio italianas, vivió su época dorada en los años 70 y sigue despertando fascinación por su combinación de suspense, erotismo y horror estilizado. Este ciclo ofrece una oportunidad única para redescubrir dos de sus títulos más representativos en pantalla grande y con invitados de excepción.

Proyecciones Xcèntric: Miradas divergentes

  Por ,

Scrapbook (Mike Hoolboom, 2015)

La representación del autismo en el cine convencional ha sido codificada en narrativas que presentan al autista como un personaje con habilidades excepcionales que desequilibra la vida de los protagonistas. Sin embargo, en el cine experimental existen obras que han tratado de abordar el autismo mediante formas atípicas. Este es el caso de las películas de Robina Rose, Mike Hoolboom o Arthur y Corine Cantrill que reúne este programa, en donde a partir del documental o la animación se exploran diferentes estructuras no narrativas para representar la neurodivergencia desde una perspectiva autista.

En Jigsaw (1980) Robina Rose examina las actividades de un grupo de niños autistas en una escuela de Londres. A través del uso de planos detalle, secuencias largas, del color y del sonido, la cineasta desafía a la audiencia a adentrarse en la percepción sensorial y emocional desde el interior de una persona autista, donde los sonidos desempeñan un papel más importante que el lenguaje.

Scrapbook (2015), de Mike Hoolboom, está creada a partir de una película del año 1966 encontrada en un centro de desarrollo para niños y adolescentes autistas. El film formaba parte de un proyecto de retrato colectivo mediante el cual los residentes aprendían a verse a sí mismos. Cincuenta años después, Hoolboom revisa el material, presentando, a su vez, el relato de una de sus antiguas residentes, Donna Washington, una mujer autista que mira hacia esas imágenes y narra lo que significó para ella que una cámara habitara el espacio de esa institución.

Myself when Fourteen (1989), de Arthur y Corinne Cantrill, se realizó en colaboración con su hijo autista, reciclando un par de tomas en blanco y negro de Ivor corriendo delante de la cámara, rotoscopiadas por él mismo con colores que cambian continuamente. Los dibujos animados se integran con las imágenes negativas y positivas originales con la ayuda de una impresora óptica, creando patrones de blanco, negro y color y generando así un efecto hipnótico. En la banda sonora Ivor describe el proceso de rotoscopia y rememora el momento en que hizo esas imágenes, sorprendiéndose por la distancia entre las dos versiones de sí mismo, artista y sujeto.

Jigsaw, Robina Rose, 1980, 16 mm, 67 min; Scrapbook, Mike Hoolboom, 2015, 16 mm y vídeo digital, 19 min; Myself when Fourteen, Arthur y Corine Cantrill, 1989, 16 mm, 19 min.

Proyección en digital.

Copias procedentes de BFI, Light Cone y Arsenal, respectivamente.

Fecha: 13 abril 2025

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

«Apartment 7ª» review

  Por

Terry Gionoffrio, una joven y ambiciosa bailarina, sueña con la fama y la fortuna en Nueva York, pero tras sufrir una devastadora lesión, una pareja mayor y adinerada la acoge en su casa del lujoso edificio de apartamentos Bramford. Cuando un compañero de residencia e influyente productor de Broadway le ofrece otra oportunidad para alcanzar la fama, parece que por fin todos sus sueños se hacen realidad.

Para ponernos en un primer lugar en contexto Apartment 7ª, más que una precuela de Rosemary’s Baby entendida como tal, sería una actualización del original literario de Ira Levin y posterior película de Roman Polanski, pero con una serie de matices y un tono formulista bastante cuestionable. El material original tenía la virtud y la particularidad de discernir sobre las problemáticas y limitaciones de la mujer en la sociedad arribista de finales de los años 60 a través de una narrativa que se desarrollaba mediante la idea de la sospecha conspirativa que derivaba en horror satánico.

Natalie Erika James, que ya había hecho una incursión más acertada en el drama familiar generacional adherido al relato de terror en su film anterior, Relic (2020), reinterpreta dialécticas y lecturas sociales aplicadas a la actualidad en Apartment 7ª, especialmente en lo relativo al embarazo, al derecho de la mujer a decidir y su posicionamiento en determinados ámbitos laborales como principales puntos a destacar, intención loable con relación a la expansión de una determinada mitología del presente que, sin embargo, deja en un segundo plano un componente esencial en el relato como es el fantástico, aquí intuido como rutinario, constatando cómo una nueva generación de autores alteran órdenes genéricos de forma cuando menos dudosa, quedando en esta ocasión el concepto de terror totalmente subordinado al drama, con todo lo que ello pueda acarrear con relación a las expectativas por parte del fandom.

A tal respecto de poco sirve que el casting de Apartment 7ª sea de lo más sugerente, Dianne Wiest y Julia Garner, actriz esta última que maneja a la perfección el registro de mujer sufrida, como bien reflejan sus colaboraciones con la realizadora Kitty Green en The Assistant (2019) y Hotel Royal (2023). La sensación final es la de estar ante un producto manufacturado al servicio de unas demandas concretas, algo preocupante al percibir con total normalidad la aceptación de narrativas solucionadas a golpe de escuadra y cartabón, o lo que es más preocupante, discutibles pátinas visuales características del streaming. 

Filmoteca Española, el Festival de Málaga y DAMA presentan «Furtivos. 50 años»

  Por ,

El volumen, escrito por el crítico e historiador Carlos F. Heredero, editado junto a Caimán Cuadernos de Cine y que cuenta con la colaboración del festival de San Sebastián, propone un análisis crítico en profundidad del filme que es Película de Oro en la 28.ª edición de Málaga y que inaugurará la sección Klasikoak del certamen donostiarra

La publicación se presenta, con la participación de su autor, el lunes 17 de marzo en el Festival de Málaga y el viernes 21 de marzo el Cine Doré de Madrid

El 8 de septiembre de 1975 se estrenó en el cine Amaya de Madrid ‘Furtivos’, hoy considerada la obra maestra de José Luis Borau. 50 años después, es la Película de Oro del 28 Festival de Málaga, festival que se celebra hasta el próximo 23 de marzo, e inaugurará la sección Klasikoak de la próxima edición del Festival de San Sebastián. A este homenaje se suma un libro editado por Filmoteca Española —organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico— el Festival de Málaga y DAMA (Derechos de Autor de Medios Audiovisuales), en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine y el Festival de San Sebastián.

Dirigida y escrita por José Luis Borau, en colaboración con Manuel Gutiérrez Aragón, ‘Furtivos’ está protagonizada por Ovidi Montllor, Lola Gaos y Alicia Sánchez. La exhibición de ‘Furtivos’ estuvo tan condicionada por las autoridades franquistas que fue desestimada por los festivales de Cannes y Berlín. Fue mejor recibida en San Sebastián, punto de partida de su rotundo éxito de crítica y público, donde recibió la Concha de Oro a la mejor película y el Premio Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana. También logró el reconocimiento en los Premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, los Fotogramas de Plata y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias.

El libro ‘Furtivos. 50 años’, de Carlos F. Heredero, vuelve a la película para documentar de manera fehaciente, por primera vez, la intrahistoria de tan singular proyecto: la cronología, las cifras, los papeles, la escritura del guion, el plan de producción, los dineros, los contratos, las localizaciones, las incidencias del rodaje, las actas de la censura, las conversaciones con los festivales, la distribución, la taquilla, su circulación internacional, las controversias y las amenazas, etc.

La radiografía ofrece nuevas perspectivas para enmarcar el filme en el contexto social, político y cultural del que surge, entre la criminal agonía de la dictadura franquista y las luchas que preparan la Transición a la democracia.

A su vez, el análisis de sus imágenes —herederas de Buñuel y de Goya, de la Castilla feroz de Gutiérrez Solana y del tremendismo de Cela— permite comprender la compleja naturaleza de su discurso y de sus formas. Una entrevista con Borau rigurosamente inédita hasta ahora, en torno a la película, completa la investigación.

Presentación en el Festival de Málaga y en el Cine Doré de Madrid

El lunes 17 marzo (17.30 h) y el viernes 21 de marzo (20.30 h), el Auditorio Christine Ruiz-Picasso del Museo Picasso de Málaga, —sede del Festival de Málaga— y el Cine Doré de Madrid —sala de proyecciones de Filmoteca Española— acogerán la presentación del libro ‘Furtivos. 50 años’ de Carlos F. Heredero. Tras la presentación, se celebrará la proyección de la película en su versión restaurada (Furtivos, José Luis Borau, 1975), seguida de un breve corte que recoge un final alternativo inédito. La nueva copia de la película en 4K, versión que se proyectará también en San Sebastián, ha sido realizada por la distribuidora Video Mercury Films en colaboración con la plataforma FlixOlé. Para su proceso de restauración, se ha utilizado el negativo original en 35 mm y se ha contado con la supervisión del cineasta y coguionista de la película, Manuel Gutiérrez Aragón.

El cuento pervertido, tráiler para «The Ugly Stepsister» de Emilie Blichfeldt

  Por

Una de las películas de género fantástico más comentadas en los pasados festivales de Sundance y Berlín ha sido la cinta noruega The Ugly Stepsister, Den Stygge Stesøsteren en original, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, un body horror trasladado a coordenadas del cuento de La Cenicienta que supone el debut en el largometraje de la realizadora Emilie Blichfeldt, llegará de la mano de Shudder e IFC Films a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 18 de abril de 2025.      

The Ugly Stepsister nos cuenta como la joven Elvira se prepara para ganarse el afecto del príncipe cueste lo que cueste. Sin embargo en ese reino la belleza es algo vital, y ella deberá competir con su hermanastra, la bella y encantadora Agnes, para poder convertirse en la reina del baile.

La película, con guion a cargo de la propia Emilie Blichfeldt, está protagonizada por Lea Myren, Thea Sofie Loch Næss, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Gårdinger, Ralph Carlsson, Isac Aspberg, Albin Weidenbladh, Oksana Czerkasyna, Adam Lundgren, Willy Ramnek Petri y Cecilia Forss.

Jacques Rivette

  Por

Junto con Jean-Luc Godard, Rivette es considerado uno de los directores más influyentes de la «nouvelle vague». Se inicia en el mundo del cine escribiendo para revistas especializadas como «Cahiers du Cinéma». Ferviente admirador de cineastas como Jean Renoir, Howard Hawks y Roberto Rossellini, sus artículos son fundamentales para comprender nociones como la de puesta en escena y la de modernidad. Como cineasta, sus películas proponen una mezcla de géneros y experimentan con la duración y con la improvisación. La singularidad de su obra se evidencia por ejemplo en la creación de un universo habitado sobre todo por personajes femeninos, algo inusual en un movimiento como el de la «nouvelle vague». Entre sus películas más notorias podemos señalar: «Paris nous appartient» (1961), «L’amour fou» (1968), «Céline et Julie vont en bateau» (1974), «Le Pont du Nord» (1981) y «La bella mentirosa» (1991).

Autor: Violeta Kovacsics. Editorial: Ediciones Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 336

«Twin Peaks» llega a Filmin para completar el amplio catálogo de la plataforma alrededor de David Lynch

  Por ,

«Twin Peaks» y «Twin Peaks: A Limited Event Series» llegan a Filmin para completar el amplio catálogo de la plataforma alrededor de David Lynch

La icónica serie original creada en 1990 por David Lynch y Mark Frost, así como la serie limitada de 2017, llegan a la plataforma el 25 de marzo.

Filmin añadirá a su catálogo el próximo 25 de marzo “Twin Peaks”, sin lugar a dudas una de las series más innovadoras e influyentes de la historia de la televisión. Tras el acuerdo alcanzado con Paramount Global Content Distribution, la plataforma española ofrecerá a sus suscriptores las dos temporadas de la serie, estrenadas a principios de los años 90, y “Twin Peaks: A Limited Event Series”, su sonado regreso, 25 años después,  emitido en 2017 en SHOWTIME®.

Nacida de la imaginación del mundialmente reconocido director David Lynch y el productor ejecutivo Mark Frost, “Twin Peaks” gira en torno al agente del F.B.I. Dale Cooper (Kyle MacLachlan), quien llega a la pintoresca ciudad maderera de Twin Peaks para investigar el asesinato de Laura Palmer, una hermosa y popular estudiante de secundaria. Mientras investiga, el agente Cooper conoce a los habitantes de la zona, sus comportamientos extraños, y poco a poco descubre las cosas extrañas que suceden en el pueblo. Lynch y Frost crearon, escribieron y produjeron ejecutivamente la serie original.

Dirigida enteramente por David Lynch, “Twin Peaks: A Limited Event Series” retoma la acción 25 años después de que los habitantes de Twin Peaks quedaron conmocionados por el asesinato de Palmer. La serie limitada, de 18 episodios, fue escrita y producida ejecutivamente por los creadores David Lynch y Mark Frost, y producida ejecutivamente por Sabrina S. Sutherland. Ambas series son distribuidas internacionalmente por Paramount Global Content Distribution.

Con estas incorporaciones, Filmin completa su amplio catálogo alrededor de la obra de David Lynch, fallecido el pasado 16 de enero y uno de los artistas más relevantes de la historia del séptimo arte. La colección incluye sus largometrajes “Cabeza borradora” (1977), “El hombre elefante” (1980), “Terciopelo azul” (1986), “Corazón salvaje” (1990), “Carretera perdida” (1997), “Una historia verdadera” (1999), “Mulholland Drive” (2001) e “Inland Empire” (2006), así como algunos de sus cortos más conocidos. Además, los fans más completistas tienen disponibles dos obras nacidas del éxito de “Twin Peaks”: el largometraje “Twin Peaks: Fuego camina conmigo” (1992), estrenado en el Festival de Cannes, y “Twin Peaks: Las piezas desaparecidas” (2014), una compilación de escenas eliminadas de la serie y la película que desvela nuevas pistas sobre el asesinato de Laura Palmer. Completan la colección los documentales “The First Image: David Lynch / Marco Bellocchio” (2019) y “Lynch/Oz” (2022. Estreno en Filmin el 21 de marzo), una película de Alexandre O. Philippe que analiza la influencia de “El mago de Oz” (Victor Fleming, 1939) en la obra de David Lynch.

Seminci celebra su 70 aniversario con una retrospectiva de cine de autor proyectadas en el festival

  Por ,

El 20 de marzo se cumplen 70 años del nacimiento de Seminci en 1956

La selección incluye obras de Fellini, Kiarostami, Truffaut, Zhang Yimou, Atom Egoyan, Lars von Trier, Haneke, Bergman y Tarkovski, entre otros

Las actividades conmemorativas se extenderán a lo largo del año, poniendo en valor el patrimonio documental del festival e impulsando la participación del público

La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) iniciará en abril la celebración de su 70º aniversario con un ciclo retrospectivo que recupera algunas de las obras maestras del cine mundial que encontraron en este festival su puerta de entrada a España. El ciclo, que se proyectará en los Cines Broadway hasta diciembre, estará compuesto por 24 títulos seleccionados por los programadores del certamen entre los largometrajes presentados y, en su mayoría, premiados durante sus 70 años de vida.

Los actos de conmemoración de los 70 años del nacimiento del festival, el 20 de marzo de 1956, girarán en torno a dos ejes fundamentales: la memoria histórica de Seminci y la participación del público. Por un lado, se revisitarán las cinematografías, cineastas y temáticas que han marcado sus siete décadas de trayectoria a través de su valioso legado fotográfico y documental. Por otro, se abrirá una convocatoria para que el público comparta sus recuerdos del festival, mediante imágenes, vídeos o anécdotas sobre películas que dejaron huella en sus vidas, encuentros con cineastas o espacios emblemáticos de proyección en el pasado.

El 70º aniversario también tendrá un lugar destacado en la próxima edición de Seminci, que se celebrará del 24 de octubre al 1 de noviembre, con publicaciones, retrospectivas y mesas redondas que profundizarán en la historia del festival.

Siete décadas de cine en una veintena de obras maestras

El ciclo retrospectivo ‘70 años de Seminci. Una cierta historia del cine de autor’ pretende celebrar la evolución de Seminci desde su fundación en 1956, destacando su apuesta constante por un cine de calidad, innovador y comprometido con la realidad social. Además, como reconocimiento a la fidelidad del público de Seminci, algunas de las películas serán presentadas por espectadores que las vieron en su estreno en el festival.

La selección de títulos pone en valor el papel de Seminci como plataforma de descubrimiento del cine de autor en España, al elegir películas cuya inclusión en el certamen sirvió de puerta de entrada en España de grandes autores del cine mundial, desde Atom Egoyan a Ermanno Olmi. El objetivo ha sido evidenciar la variedad y la calidad en la programación del festival a lo largo de su historia, a la vez que romper así con los clichés habituales sobre su identidad, mostrando la profundidad y diversidad de su propuesta cinematográfica y de los largometrajes que fueron premiados por los jurados.

El recorrido por la historia del cine de autor que propone la retrospectiva refleja el compromiso histórico de Seminci con un cine humanista de marcada pulsión social y política, incluso durante sus primeros años como festival de cine religioso y de derechos humanos en plena dictadura.

Entre los títulos seleccionados figuran joyas cinematográficas como Las noches de Cabiria, de Federico Fellini, que abrirá las proyecciones; Un condenado a muerte se ha escapado, de Robert Bresson, El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman, y Sacrificio, de Andrei Tarkovski, obras fundamentales que abordan temáticas sociales profundas como la prostitución, la privación de libertad y reflexiones filosóficas sobre la existencia y la espiritualidad humanas.

Además, se ha procurado incorporar el mayor número posible de directoras, en reconocimiento a la desigualdad de género existente en la historia del festival debido al contexto de la época. La programación pone especial énfasis en recuperar el trabajo de directoras pioneras como Věra Chytilová con Hablemos de otra cosa y Márta Mészáros con La muchacha, cineastas que, aunque no recibieron reconocimiento en su momento, son consideradas hoy figuras esenciales de la modernidad cinematográfica por su capacidad de innovación y subversión.

También forman parte de la retrospectiva Kes, de Ken Loach, y La promesa, de Jean- Pierre y Luc Dardenne, cineastas estrechamente ligados a la identidad de Seminci por su compromiso con un cine político, además del musical Jesucristo Superstar, de Norman Jewison, que tuvo su estreno español en este festival. Completan el ciclo trabajos procedentes de autores de un amplio panorama geográfico Lars von Trier, Paul Schrader, Zhang Yimou, Jane Campion, Sergio Cabrera, Andrzej Wajda, Abbas Kiarostami, Terence Davies, Lone Scherfig, Agnieszka Holland y Milos Forman.

La vitrina del mes: un viaje a la memoria de Seminci

El 70 aniversario supone también una oportunidad para redescubrir el importante legado fotográfico y documental del Festival, generado a lo largo de siete décadas y custodiado por el Archivo Histórico Provincial de Valladolid. A partir de abril, el público que visite Espacio Seminci podrá sumergirse en la historia del certamen a través de la iniciativa ‘La vitrina del mes’, una muestra de postales, sellos, publicaciones, imágenes y otros objetos de películas seleccionadas, así como de momentos clave de cada década del festival, que variará cada mes.

Con esta programación especial, Seminci reafirma su compromiso con la memoria del cine de autor y con el público que ha acompañado su evolución, invitando a todos a revivir juntos la historia de uno de los festivales más emblemáticos del cine independiente.

Títulos del ciclo ‘70 años de Seminci. Una cierta historia del cine de autor’

Las noches de Cabiria, de Federico Fellini (Italia, 1957)

Un condenado a muerte se ha escapado, de Robert Bresson (Francia, 1956)

El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman (Suecia, 1959)

El empleo, de Ermanno Olmi (Italia, 1961)

Hablemos de otra cosa, de Věra Chytilová (Checoslovaquia, 1964)

La muchacha, de Márta Mészáros (Hungría, 1968)

El pequeño salvaje, de François Truffaut (Francia, 1970)

Kes, de Ken Loach (Reino Unido, 1970)

Jesucristo Superstar, de Norman Jewison (Estados Unidos, 1973)

Alguien voló sobre el nido del cuco, de Milos Forman (Estados Unidos, 1975)

Blue Collar, de Paul Schrader (Estados Unidos, 1978)

Las señoritas de Wilko, de Andrzej Wajda (Polonia, Francia, 1979)

Sacrificio, de Andrei Tarkovski (Suecia/Francia/Reino Unido, 1986)

Voces distantes, de Terence Davies (Reino Unido, 1988)

Semilla de crisantemo, de Zhang Yimou (China, Japón, 1989)

Un ángel en mi mesa, de Jane Campion (Nueva Zelanda, 1990)

El liquidador, de Atom Egoyan (Canadá, 1991)

La estrategia del caracol, de Sergio Cabrera (Colombia/Italia, 1993)

A través de los olivos, de Abbas Kiarostami (Irán/Francia, 1994)

La promesa, de Jean Pierre y Luc Dardenne (Bélgica/Francia/Luxemburgo/Túnez, 1996)

Bailar en la oscuridad, de Lars von Trier (Dinamarca/Suecia/Francia, 2000)

Italiano para principiantes, de Lone Scherfig (Dinamarca, 2000)

Caché (Escondido), de Michael Haneke (Francia/Austria/Alemania/Italia, 2005)

In Darkness, de Agnieszka Holland (Alemania, Polonia, Canadá, 2011)

«L’orto americano» review

  Por

Un joven con ambiciones literarias se enamora de una joven enfermera del ejército estadounidense. Estamos en Bolonia en vísperas de la Liberación y, para este joven atribulado, basta con intercambiar miradas con la bella soldado para que piense en ella como el amor de su vida. Por casualidad, al año siguiente se traslada al Medio Oeste americano, a una casa contigua a la de su amada (en realidad, separada de ella por un siniestro jardín). Allí vive la anciana madre de la mujer, desesperada por la desaparición de su hija: tras el final de la guerra, escribió a casa diciendo que iba a casarse con un italiano, y no se ha vuelto a saber de ella. El joven se embarca así en una angustiosa búsqueda que le sumergirá de lleno en una situación extremadamente dramática, hasta que, en Italia, todo llega a un desenlace totalmente inesperado.

Siguiendo con ese gran cajón de sastre genérico que es la nueva sección Sitges Collection , uno de los puntos álgidos de la pasada edición del festival vino de la mano del veterano Pupi Avati con la notable L’orto americano, realizador con más de cincuenta títulos en su haber, cuyas incursiones dentro del fantástico resultan ciertamente fascinantes, La casa dalle finestre che ridono (1976), Le strelle nel fosso (1979), Zeder (1983), L’arcano incantatore (1996), Il nascondiglio (2007) y Il signor Diavolo (2019).

Lo realmente cautivador de Avati y L’orto americano, estupendo noir gótico/romántico en blanco y negro con elementos fantasmagóricos dignos de Edgar Allan Poe que muestra una especie de versión de época distorsionada del Lost Highway de David Lynch a través de la fuga disociativa de un individuo, es comprobar cómo tras una carrera que abarca siete décadas estamos ante un director (al contrario que Dario Argento que decidió en los años 90 alinearse a corrientes actuales, para aflicción del adepto al fantástico) que reniega de un tono evolutivo como única vía posible a una autoría percibida como libre. L’orto americano, mediante texturas que nos remiten a un estilo percibido como demodé, poco proclive para el nuevo fandom, como se pudo comprobar en una única proyección en el Prado con una pobre afluencia de público, se adentra en un contexto italiano de posguerra que no legitima el género gótico como tal, sin embargo, su tono evocativo y el uso que hace del blanco y negro nos remite inevitablemente a cinematografías pretéritas.

Un film inmanente a la madurez de su realizador, aquel perteneciente a la fase final de una trayectoria que nos ofrece una perspectiva autoral bien definida. Un tipo de cine sincero, carente de inhibiciones, donde el solo acto de rodar en blanco y negro no significa forzosamente el hacer una película, sino estar haciendo cine.

Filmin estrena «Tiempo compartido», la nueva comedia de Olivier Assayas

  Por ,

El francés Olivier Assayas (“Personal Shopper”) hace un retrato de sí mismo en esta comedia dramática ambientada en los días del Covid.

Filmin estrena el próximo 21 de marzo, en exclusiva en plataformas digitales, “Tiempo compartido”, la nueva película de Olivier Assayas (“Personal Shopper”, “Viaje a Sils Maria”) que tuvo su premiere mundial en la Sección Oficial de la Berlinale y fue seleccionada en la SEMINCI. Además, pasó por cines españoles el pasado noviembre de la mano de ADSO Films.

Protagonizan la historia Vincent Macaigne (“Crónica de un amor efímero”) y Nora Hamzawi (“Dobles vidas”), colaboradores habituales del cine de Assayas que ya compartieron plano en “Dobles vidas” (2018) y en la serie “Irma Vep” (2022). Junto a ellos, la pareja formada por Micha Lescot (“La gran juventud”) y Nine d’Urso (“El sucesor”) completan el reparto.  

“Tiempo compartido” habla de la herencia cultural y familiar a través de cuatro personajes confinados en una casa de campo durante la primavera de 2020, en pleno Covid. El personaje principal, Paul (Macaigne), que se inspira en el propio director, es un cineasta maniático y nostálgico. Su hermano, Étienne (Lescot), es un crítico musical. Ambos, junto a sus respectivas parejas (Hamzawi y d’Urso), se encuentran en la casa familiar, lugar en el que pasaron su infancia y adolescencia. En el jardín que la rodea discuten, se emborrachan, leen libros de Gallimard y reviven fantasmas del pasado. Assayas lo explica así: “A menudo, y quizá siempre, hablo de fantasmas en mis películas. (…) Ni Paul ni Étienne están en casa; están en casa de sus padres. Ambos tienen una relación diferente con estos fantasmas. Étienne ha renovado su habitación para deshacerse del pasado. La ha modernizado. La ha devuelto al presente. Paul, en cambio, tiene una relación no resuelta con el pasado. Y en lugar de distanciarse de él, hace lo contrario, trabaja en sí mismo para sumergirse en el pasado y así poder lograr vivir en la habitación de su madre”.

La casa en la que se rodó es, de hecho, la vivienda real del director, quien comenta que fue él mismo el encargado de decorar las estancias: “He vivido con estos objetos, los conozco, sé de dónde vienen, sé cuándo los compró mi padre. (…) En el salón, hay un autorretrato de mi abuelo, un retrato de mi abuela hecho por mi abuelo, y luego una niña pequeña, mi madre, pintada por su padre. Es sin duda esta dimensión la que más me conmueve porque desordena el tiempo y el espacio”. Así, Assayas convierte lo autobiográfico en el motor de una comedia rohmeriana que, a través de la nostalgia, captura el espíritu de su generación de intelectuales.

Primer tráiler para «Hamburgo» de Lino Escalera

  Por

Acaba de ser presentado de la mano de Filmax un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Lino Escalera Hamburgo. Tras su ópera prima (No sé decir adiós 2016) el realizador madrileño se adentra en el territorio del thriller a través de una historia que retrata el oscuro mundo de las mafias. La película se estrenará en los cines de nuestro país el próximo 30 de mayo, previo paso por el Festival de Málaga, marco donde se producirá su premier mundial.

En Hamburgo vemos como Germán no es un conductor corriente: es el encargado del traslado de mujeres que trabajan como esclavas en clubes de alterne en la Costa del Sol. Arruinado, trabaja para Cacho, un amigo de la juventud que administra varios de estos locales para una mafia local, hasta que una noche se encuentra con la oportunidad de dejar todo eso atrás y decide robar la recaudación del club. Lo que parece una ocasión para cambiar de vida le pondrá más en peligro que nunca. Solo le quedará una opción, la misma en la que piensan las chicas que, como Alina, cada noche lleva de un lado para otro: conseguir escapar.

Con claros guiños al cine negro, y el telón de fondo de las organizaciones criminales que prostituyen a miles de mujeres que son engañadas y secuestradas en sus países de origen para trabajar como esclavas, Hamburgo es una historia «sobre personajes que no paran de tomar decisiones equivocadas y que acaban acorralados, intentando de manera suicida encontrar una salida a ese callejón en el que ellos mismos se han metido. Pobres tipos condenados a que nada les salga nunca bien, marcados por la fatalidad«, explica el propio Escalera.

«Esta aproximación al género era completamente necesaria a la hora de trabajar con un universo tan complicado como el de la trata. Creo que la película mantiene un delicado equilibrio entre la pulsión narrativa del género y una mirada más sosegada, que pretende mostrar no solo la realidad de un mundo extremadamente cruel, sino también el fondo de unos personajes muy complejos, con muchas aristas«, afirma el director.

La película, con guion a cargo del propio Lino Escalera junto a Daniel Remón y Roberto Martín Maiztegui, esta protagonizada por Jaime Lorente, Roger Casamajor, Ioana Bugarin, Asia Ortega, Mona Martínez, Tamara Casellas, Manolo Caro, Antonio Buil y Fati Fernández.

Proyecciones Xcèntric: Wilmington 10 – USA 10,000. A New Black Cinema

  Por ,

Figura esencial del movimiento L.A. Rebellion, Haile Gerima investiga el caso de los Wilmington Ten, uno de los símbolos de la lucha racial en Estados Unidos. En 1971, en Wilmington, Carolina del Norte, se produjeron disturbios raciales cuando estudiantes afroamericanos luchaban por la desegregación y los derechos civiles. Durante las protestas, se desató un incendio y hubo una víctima mortal. Un grupo de diez personas, conocidas como los Wilmington Ten (siete afroamericanos y tres blancos), fueron arrestadas y condenadas a 282 años de prisión, en gran parte a partir de testimonios falsos y manipulados.

Con un montaje enérgico, la película sigue el caso y sus apelaciones legales, componiendo un collage de materiales de archivo y testimonios de los miembros del grupo, familiares, la activista Assata Shakur (filmada justo antes de su fuga de la prisión de Clinton) y diferentes voces de habitantes locales, en particular las mujeres negras de Wilmington. La estructura asociativa conecta las injusticias con los legados históricos de esclavitud y leyes de segregación, así como con masacres y violencia perpetrada por supremacistas blancos.

«Esta absorbente y profundamente empática película es una clase magistral en la filmación documental, que muestra el racismo del sistema de justicia penal, la opresión sistemática del activismo político y la resiliencia de generaciones de comunidades y familias negras que luchan contra estos sistemas.» – Mark Toscano

Apenas vista durante décadas, Wilmington 10 – USA 10,000 se proyecta en una nueva restauración del Academy Film Archive.

Wilmington 10 – USA 10,000, 1979, Haile Gerima, 16 mm, 120 min.

Proyección en DCP, VOSC.

Copia procedente del Academy Film Archive.

Agradecimientos: Mypheduh Films Inc. y Merawi Gerima.

Fecha: 20 marzo 2025

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

El Relato Cinematografico

  Por

El relato cinematográfico, escrito por AndréGaudreault y François Jost, es una obra fundamental para entender cómo se construyen y se interpretan las narraciones en el cine. Este libro presenta de manera metódica los conceptos clave de la narratología, como el narrador, el tiempo y el punto de vista, para ofrecer una comprensión profunda de la diversidad de películas que existen. Escrito por dos pioneros de la narratología cinematográfica, este libro se ha convertido, desde su primera edición en 1990, en un clásico reconocido por su claridad. Esta tercera edición revisada y ampliada se actualiza las referencias fílmicas, el estudio de la narrativa a las series de televisión y suma análisis de secuencias de películas y series para ilustrar la aplicación de los conceptos. Gaudreault y Jost nos guían desde los inicios del séptimo arte hasta las prácticas contemporáneas, desentrañando cómo el cine no solo cuenta historias, sino que también crea experiencias únicas mediante su lenguaje visual y sonoro.

Autor: André Gaudreault y François Jost. Editorial: La marca editora, Páginas: 304

Las protagonistas de marzo en Filmoteca Española

  Por

Filmoteca Española arranca en marzo una programación en la que destacarán nombres de autoras nacionales e internacionales como Cecilia Bartolomé, Josefina Molina, Ana Mariscal, Sarah Maldoror o Dorothy Arzner; así como programas que buscan contribuir a sensibilizar y reflexionar sobre diferentes problemáticas actuales.

El programa incluirá proyecciones y coloquios en el Cine Doré y, de forma paralela a la celebración de la exposición sobre la Escuela de Cine, una sesión online que facilitará el acceso a materiales de archivo vinculados a la obra de las escasas cineastas que estudiaron en la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), mujeres que fueron capaces de manera temprana de reflejar las reivindicaciones que el movimiento feminista abanderó en los siguientes años.

‘Iguales para crear, libres para vivir’ es el lema con el que el Ministerio de Cultura celebra el Día Internacional de la Mujer 2025. Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico, se suma a este lema con una programación cultural en la que destacan nombres de pioneras de nuestro cine y del cine internacional. Parte de este programa se enmarca dentro del Festival Ellas Crean, festival decano de la cultura creada por mujeres organizado por el Instituto de las Mujeres, organismo autónomo adscrito al Ministerio de Igualdad. La cita celebra su vigesimoprimera edición con el lema ‘Memoria y contemporaneidad’. En torno a la fecha del al 8-M, se celebrarán varias actividades en el Cine Doré. La sala de proyecciones de Filmoteca Española acogerá el ciclo Si nosotras paramos se para el mundo, programa vinculado al proyecto de investigación “Ritmos del trabajo femenino en la historia del arte y la cultura visual” de la Universidad de Barcelona, que reflexiona —entre otras cosas— sobre la precarización y la explotación laboral.

El ciclo anual Imágenes para un país en libertad. Cine, Ciudadanía y Democracia (1975–2025), organizado dentro del programa España en libertad. 50 años, se centrará en marzo en dos títulos que pusieron en valor la emancipación de la mujer al explorar cuestiones como la libertad sexual o el divorcio: Función de noche (Josefina Molina, 1981), y Vámonos, Bárbara (Cecilia Bartolomé, 1978).

Por lo que respecta a los ciclos internacionales, la retrospectiva Constelación Sarah Maldoror. La lucha continua atravesará la trayectoria de esta cineasta, poeta y activista francesa que dedicó su vida a poner en imágenes las dificultades y las luchas sociales del pueblo africano, indagando en su identidad, sus traumas coloniales y su proceso de liberación. El Doré recuperará, durante marzo y abril, algunos de sus trabajos imprescindibles, y los pondrá en diálogo con una serie de títulos más recientes realizados por jóvenes cineastas que han seguido su estela, como es el caso de Dahomey (2024), de Mati Diop, o Nome (2023), de Sana Na N’Hada.

Por su parte, el ciclo que celebra el centenario de Columbia Pictures, ´La dama de la antorcha´, incluirá el 8 de marzo la proyección de La mujer sin alma (1936) de Dorothy Arzner, cineasta pionera en Hollywood que alteró los roles femeninos en el cine y única mujer que siguió dirigiendo tras la llegada del sonoro, momento en que el sistema de estudios se volvió más restrictivo, con productores todopoderosos y gremios profesionales dominados por hombres.

Ruinas y rutinas. Instantes de cotidianeidad en el diario fílmico pondrá el foco en el trasunto fílmico de los diarios, proponiendo ampliar el espectro y significante de sus imágenes más allá de la mujer como sujeto pasivo delante de la cámara. ¿Cuál es la imagen cotidiana para las mujeres? ¿Cómo es la vida diaria desde una lente que sustituye sus ojos? El programa pone en cuestión las expectativas en torno a cuestiones como el amor y el matrimonio, presentando algunas de las formas en las que las cineastas a las que se les dedica el ciclo han elegido explorar su propia vida.

Junto a toda esta programación que podrá disfrutarse en el Cine Doré, la exposición Los 100 metros libres. Vida y milagros de la escuela de Cine (1947-1976) podrá seguir visitándose en marzo en la sala de exposiciones de Filmoteca Española. La muestra, que rinde homenaje al lugar en el que se formaron los grandes cineastas españoles de la segunda mitad del siglo XX, no olvida en su recorrido el peso específico que las mujeres tuvieron en la escuela. Aunque cuantitativamente fueron pocas y el machismo imperante les puso algunas trabas, lograron hacerse visibles y reivindicar su lugar en la sociedad fundamentalmente a través de su participación en los proyectos de dos especialidades: Interpretación y Dirección. En lo que a Interpretación respecta, Esmeralda Adam, Concha Gómez Conde, Luisa Muñoz Schneider, Mercedes Juste, Julia Peña o Victoria Vera, entre otras, crearon, en algunos casos, personajes femeninos que poco o nada tenían que ver con el modelo de mujer que fomentaba el régimen de Franco. Mujeres fuertes, desprejuiciadas y desafiantes que plantaron cara a ese machismo que impregnaba la sociedad. En cuanto a la especialidad de Dirección, aunque pocas accedieron y solo dos consiguieron licenciarse, Cecilia Bartolomé y Josefina Molina (Premio Nacional de Cinematografía 2019), sentaron un importante precedente para las mujeres cineastas de las generaciones venideras, siendo capaces de articular su propia mirada, basada en sus preocupaciones y una particular forma de ver el mundo. Algunos de estos trabajos serán accesibles en marzo de forforma online a través del canal Flores en la sombra. El programa comisariado por Sonia Garcia López Mujeres en la EOC. Ante la ley mostrará prácticas que realizaron las alumnas de Dirección de la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), con el objetivo de visibilizar la aportación de las mujeres a la cultura audiovisual durante la etapa franquista. Entre ellas se encuentran figuras de la talla de Cecilia Bartolomé, Josefina Molina, Helena Lumbreras o María Teresa Dressel, entre otras. Esta sesión incluye además la musicalización de las piezas por parte de Miren Iza, del grupo Tulsa.

Por último, no faltarán en la programación de Filmoteca Española matinales destinadas a centros educativos. En marzo el título protagonista será ‘El camino’ de Ana Mariscal, primera adaptación a la pantalla de la obra de Miguel Delibes, realizada por una de las cineastas pioneras del cine español.

Un oscuro realismo social, tráiler para «On Falling» de Laura Carreira

  Por

Presente en la pasada edición del Festival de San Sebastián, donde terminaría alzándose con el premio a Mejor dirección, On Falling, debut en la dirección de la realizadora portuguesa Laura Carreira, cuyo tráiler podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, nos retrata un mundo de tristeza y agotamiento que inevitablemente queda emparentado con el cine social de Ken Loach, por aquello de retratar la precariedad laboral en Reino Unido, integrando en el relato un fuerte componente emocional que, sin embargo, no concluye con la consabida reivindicación/denuncia tan habitual en los trabajos del director británico, sino más bien con una reflexión, de indudable rigor formal, sobre la alienación y soledad de la clase baja trabajadora.

En On Falling vemos como Aurora es una mujer portuguesa que trabaja en un gran almacén de Escocia. Atrapada entre los muros de su centro de trabajo y la soledad de su piso compartido, Aurora trata de resistir al aislamiento, la alienación y la charla trivial que comienzan a amenazar su consciencia de sí misma. En un entorno dominado por una economía basada en algoritmos y diseñada para mantenernos separados.

La película, aún sin fecha de estreno en nuestro país, cuenta con guion a cargo de la propia Laura Carreira, estando protagonizada por Joana Santos, Inês Vaz, Piotr Sikora, Neil Leiper, Jake McGarry, Itxaso Moreno y Leah MacRae.

Filmin estrena la Colección Varda: 15 largometrajes y 15 cortometrajes de Agnès Varda

  Por

Llega a la plataforma, en exclusiva, el ciclo que celebra y reivindica a la cineasta belga en el sexto aniversario de su muerte; con títulos como “La felicidad” (1965), “Una canta, la otra no” (1977) o “Las playas de Agnès” (2008).

El próximo 28 de marzo, Filmin estrena en exclusiva la Colección Varda, con motivo del sexto aniversario de la muerte de la cineasta belga Agnès Varda (29 de marzo de 2019). Considerada por todos la «abuela de la Nouvelle vague» y galardonada con el Óscar Honorífico en 2017, su cine transformó el panorama cinematográfico europeo, del que tomó la delantera, y así la historia del cine, pues su obra y sensibilidad siguen marcando a las nuevas generaciones. El ciclo, compuesto por 15 largometrajes y 15 cortometrajes firmados por la cineasta, ofrece una visión transversal de su trayectoria, con una selección que abarca tanto ficciones como documentales y cortometrajes de todas sus etapas creativas.

A los 26 años, Varda filmó su ópera prima, “La Pointe-Courte” (1955), considerada precursora de la Nouvelle vague. Rodada cinco años antes de la incursión de Truffaut, Godard y otros miembros del movimiento, la película introdujo elementos narrativos y estilísticos que definirían la corriente cinematográfica francesa. Fue en 1965 cuando hizo su incursión al cine de color, y no por casualidad, con “La felicidad”, una película cuyo brillo y vivacidad van de la mano con el asunto de la película.

A lo largo de su carrera, realizó varias ficciones de renombre –”Kung-Fu Master” (1988), con Jane Birkin, o “Las cien y una noches” (1995)– y documentales en los que aprovechó su voz para hacerse eco, con su característica audacia y sensibilidad, del Movimiento de la Liberación de la Mujer de los años 60, en “Una canta, la otra no” (1977); de la revolución cubana, en “Salut les Cubains” (1964); del movimiento hippie, en “Lions Love” (1969); y de la lucha de los Panteras Negras, en “Black Panthers” (1968).

Varda también exploró su propia biografía en obras como “Las playas de Agnès” (2008), donde pronunció una de las frases más recurrentes cada 8M en redes sociales: “Intenté ser una feminista alegre, pero estaba muy enfadada”.

Parte de su obra está dedicada al que fuera su marido y compañero de vida, el también cineasta Jacques Demy. Si en “Jacquot de Nantes” (1992), Varda viajó a la infancia de su pareja y capturó los inicios de su vocación, y en “Las señoritas cumplen 25” (1992) le homenajeó en motivo de una de sus películas más célebres (“Las señoritas de Rochefort”), en “El universo de Jacques Demy” (1994) la directora hizo un retrato de la visión fílmica de su marido, así como de su faceta más personal, a través de los recuerdos compartidos por familiares y amigos.



Listado completo de títulos del Ciclo Varda:

Largometrajes
La felicidad (1965)
Jane B. por Agnès V. (1988)
Kung-Fu Master (1988)
Lions Love (1969)
Las cien y una noches (1995)
Una canta, la otra no (1977)
La Pointe-Courte (1955)
Las criaturas (1966)
Jacquot de Nantes (1992)

Largometrajes documentales
Documenteur (1981)
Las playas de Agnès (2008)
Mur Murs (1981)
Las señoritas cumplen 25 (1992)
El universo de Jacques Demy (1994)
Daguerrotipos (1975)

Cortometrajes
Tío Yanco (19 min.)
Salut les Cubains (29 min.) 
Black Panthers (29 min.)
Du côté de la côte (27 min.)
L’opéra-mouffe (17 min.)
Women Reply: Our Body, Our Sex (9 min.)
Les Fiancés du pont Mac Donald (5 min.)
Les dites cariatides (12 min.)
You’ve Got Beautiful Stairs, You Know (3 min.)
Ulises (22 min.)
Le Lion volatil (11 min.)
Placer de amor en Irán (7 min.)
7p., cuis., s. de b., … (à saisir) (29 min.)
Elsa la rose (21 min.)
Ydessa, les ours et etc. (42 min.)

Tráiler para «Morlaix», lo nuevo de Jaime Rosales

  Por

Tres años después de Girasoles silvestres Jaime Rosales tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Morlaix, film cuyo primer tráiler podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, una coproducción con Francia que nos cuenta las vicisitudes de un triángulo amoroso, después de su premiere mundial en el reciente Festival de Rotterdam, se estrenará de la mano de A Contracorriente films en las salas comerciales de nuestro país el próximo 14 de marzo.

En Morlaix vemos como Gwen, una joven estudiante de secundaria marcada por la reciente muerte de su madre pasa la mayor parte de su tiempo con su grupo de amigos, incluido su amante Thomas, un aprendiz de panadero. Cuando Jean-Luc, un estudiante parisino con vocación artística, se instala en la zona, Gwen no oculta su problema, como si tuviera ante sí una decisión decisiva en su vida. Un día, descubre en el cine una película que parece inexplicablemente inspirada en su propia vida.

La película, con guion a cargo del propio Jaime Rosales junto a Fanny Burdino, Samuel Dou y Delphine Gleize, está protagonizada por Aminthe Audiard, Samuel Kircher, Mélanie Thierry, Àlex Brendemühl y Jeanne Trinité.  

Cineteca Madrid celebra la Semana del Arte con una programación especial que explora los vínculos entre el cine y los museos

  Por ,

Dentro de El museo imaginario se proyectarán películas de Alain Resnais, Frederick Wiseman o Aleksandr Sokurov

Videoartistas contemporáneas ofrece una selección de obras con temas como la memoria histórica o la violencia institucional desde una perspectiva feminista y política

El ciclo Cineastas africanas contemporáneas visibiliza las nuevas voces del cine del continente con películas premiadas en festivales internacionales

La III edición de la Semana de Irlanda trae a Madrid por San Patricio el cine irlandés más reciente, en colaboración con la Oficina de Turismo de Irlanda

Autoras de cine, autoras de cómic explora los vínculos entre ambas vertientes artísticas, con películas y coloquios en los que participarán destacadas creadoras

Estrenos relevantes, la segunda parte del ciclo dedicado a Hayao Miyazaki y películas sobre la identidad en la era digital completan la oferta de marzo en Cineteca Madrid

Con motivo de la celebración de la Semana del Arte en Matadero, Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica el mes de marzo a explorar los diálogos entre el cine y los museos. La programación para las próximas semanas incluye también ciclos dedicados a cineastas africanas contemporáneas, videoartistas comprometidas y cine irlandés, además de estrenos y proyecciones especiales.

El museo imaginario: cine y museo

A través de diez sesiones, El museo imaginario propone una reflexión sobre los múltiples vínculos entre el cine y el museo. Desde documentales de Alain Resnais como Van Gogh (Francia, 1948), Guernica, (Francia, 1949) o Paul Gauguin (Francia, 1949) a National Gallery, de Frederick Wiseman (Francia-EE.UU.-Reino Unido, 2014), pasando por narraciones en las que el museo es un elemento clave como Vértigo (Alfred Hitchcock, EE.UU., 1958) o El arca rusa (Aleksandr Sokurov, Rusia-Alemania-Japón-Canadá-Finlandia-Dinamarca, 2002), esta selección ofrece una mirada diversa sobre el cine como archivo y espacio de relectura de la historia del arte.

El ciclo incluye además filmes de gran carga experimental. Obras como Une visite au Louvre (Danièle Huillet, Jean-Marie Straub, Francia, 2003) o El gran museo (Johannes Holzhausen, Austria, 2014) abordan la institución museística desde una óptica crítica, desentrañando sus mecanismos de representación y conservación.

Completan el ciclo de proyecciones Museo (Alonso Ruizpalacios, México, 2018), La restauración (David M. Mateo, España, 2024), El vuelo del globo rojo (Hou Hsiao-Hsien, Francia, 2007) y Banda aparte (Jean-Luc Godard, Francia, 1964) con su emblemática secuencia de nueve minutos a la carrera por los pasillos del Museo del Louvre, homenajeada por Bertolucci en Soñadores (Reino Unido-Francia-Italia, 2003).

Videoartistas contemporáneas

En colaboración con el colectivo Hamaca, este programa reúne obras de videoartistas como Sally Gutiérrez, Salomé Lamas y Nuria Güell, cuyas creaciones desafían los límites entre la instalación y la imagen en movimiento. La selección aborda la memoria histórica, la violencia institucional y la identidad desde una perspectiva feminista y política.

Desde el ensayo audiovisual hasta el documental performativo, las obras de este ciclo proponen nuevas formas de representación que subvierten los discursos dominantes. En particular, trabajos como De putas. Un ensayo sobre la masculinidad (Núria Güell Serra, España, 2018) o Fordlandia Malaise (Susana de Sousa Dias, Portugal, 2019) plantean cuestiones sobre la construcción del poder y las relaciones de género en un contexto de crisis social y económica.

El ciclo, que se desarrollará del 4 al 6 de marzo, se completa con las proyecciones Ta Acorda Ba Tu El Filipinas? (Sally Gutiérrez, España, 2017), Fatamorgana (Salomé Lamas, España, 2019), El jurado (Virginia García Del Pino, España, 2012), Porque é que mostramos as horas da luz e da escuridão no mesmo círculo? [Tentativa] (Susana de Sousa Dias, Portugal, 2024) y DIYSEX (Yaiza de Lamo, Maria Lorente, Juno Álvarez, Mariona Vázquez, España, 2019).

Cineastas africanas contemporáneas

El cine africano vive un momento de gran efervescencia y transformación. Este ciclo presenta siete películas dirigidas por mujeres de Senegal, Argelia, Marruecos y Túnez que abordan temas como la memoria, el expolio cultural y la lucha por la igualdad de género. Destacan títulos como Banel & Adama (Senegal-Francia-Mali, 2023), de Ramata-Toulaye Sy, y Dahomey (Senegal-Francia-Benín, 2024), de Mati Diop, Oso de Oro en la Berlinale 2024.

A través de una amplia variedad de géneros y registros, estas directoras ofrecen una mirada renovadora sobre el continente, desmontando estereotipos y revelando realidades a menudo invisibilizadas en el panorama cinematográfico global. Atlantiques (Francia, 2009) de Mati Diop, por ejemplo, es un retrato intimista sobre la juventud senegalesa y sus deseos de migración, mientras que El caftán azul (Francia-Marruecos-España, 2022), de Maryam Touzani, explora la tensión entre tradición y modernidad a través de un relato de amor y resiliencia.

Otras proyecciones del ciclo son Papicha, sueños de libertad (Mounia Meddour, Francia-Argelia, 2019); Las cuatro hijas (Kaouther Ben Hania, Túnez-Francia-Alemania-Arabia Saudí, 2023); Entre las higueras (Erige Sehiri, Túnez-Francia-Suiza-Alemania-Catar, 2022), y Animalia (Sofia Alaoui, Francia-Marruecos-Catar, 2023).

Cine irlandés contemporáneo y muestra de cine francófono

Con motivo del Día de San Patricio, Cineteca Madrid acoge la III Semana de Irlanda, en colaboración con la Oficina de Turismo de este país. Este ciclo recorre la diversidad del cine actual irlandés con títulos como Belfast (Reino Unido, 2021), de Kenneth Branagh, The Quiet Girl (Irlanda, 2022), de Colm Bairéad, y el documental Nothing Compares (Kathryn Ferguson, Irlanda-Reino Unido, 2022) sobre la vida de la cantante dublinesa Sinéad O’Connor.

Además, se proyectarán obras menos conocidas pero igualmente impactantes, como Perennial Light (Colin Hickey, Irlanda, 2024), un filme experimental que explora la relación entre paisaje y memoria, o Volver a empezar (Irlanda, 2020), de Phyllida Lloyd, un relato conmovedor sobre la resiliencia femenina en tiempos de crisis.

Este programa ofrece una visión amplia del cine irlandés contemporáneo, reflejando su capacidad para abordar temas universales desde una perspectiva profundamente arraigada en su identidad cultural. Completan la cartelera la sesión matinal de cine familiar La canción del mar (Tomm Moore, Irlanda, 2014) y Good Vibrations (Lisa Barros D’Sa, Glenn Leyburn, Reino Unido-Irlanda, 2012), que narra la historia real de Terri Hooley, impulsor clave de la escena punk local durante el conflicto de Irlanda del Norte.

Cineteca Madrid acogerá también, del 19 al 23 de marzo, la X Muestra de Cine Francófono en la que se proyectarán cuatro estrenos en España –Hôtel Silence, Les pas perdus, Mes amis espagnols y Là d’où l’on vient-, y tres estrenos en Madrid –La historia de Souleymane, Une vie rêvée y En fanfare-, además de títulos de cineastas tan destacadas como Nadine Labaki (Et maintenant on va où ?) y la proyección en sesión matinal familiar de la película Flow, nominada este año al Óscar a la mejor película de animación y mejor película internacional.

Autoras de cine, autoras de cómic

Este programa, comisariado por Elisa McCausland y Diego Salgado, explora las relaciones entre el cine y la historieta a través de tres sesiones: un homenaje a las pioneras del cómic en El profesor Marston y Wonder Woman (Angela Robinson, EEUU, 2017), un reconocimiento a Marjane Satrapi con la proyección de su película Pollo con ciruelas (Francia–Bélgica–Alemania, 2011) y una retrospectiva sobre el cómic alternativo en la que se proyectará The Diary of a Teenage Girl (Marielle Heller, EEUU, 2015).

Cada sesión contará con un coloquio en el que participarán destacadas creadoras del mundo del cómic en España, como Carla Berrocal, Laura Pérez Granel y Marta Guerrero.

Estrenos, programación familiar y secciones habituales

En paralelo a la participación de Cineteca en la Semana del Arte, se estrenará La revolución de las musas (Mar Nantas, Yaiza de Lamo, Juno Álvarez, España, 2024), una película sobre el papel de la mujer en la historia del arte. Destacan entre la selección de estrenos para este mes Un baño propio (Lucía Casañ Rodríguez, España, 2023), Mi hermano Ali (Paula Palacios España-Portugal, 2024), la última película de Nacho Vigalondo, Daniela Forever (España-Bélgica, 2024), y Vermiglio (Maura Delpero, Italia-Francia-Bélgica, 2024), Gran Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2024.

La programación familiar ofrece la segunda parte del ciclo El universo mágico de Hayao Miyazaki, que incluye las películas de animación Nausicaä del Valle del Viento (1984), La princesa Mononoke (1997) y El viento se levanta (2013).

El grupo de jóvenes programadores CineZeta centra su selección de películas en la construcción de la identidad en la era digital, mientras que Confesionario explorará el cine de vanguardia de Germaine Dulac y Marcelle Thirache. Regresa Relatos del ruido, con una sesión dedicada a la música y el tiempo. Cineteca también acogerá durante el mes de marzo pases especiales como Here, Mujeres calvas o Los flamencos, y sesiones de programas ya clásicos como La noche Z, que ofrece La mejor idea; Así son las cosas, con Núria Güell, que muestra Palabras de amor; el Foro CIMA, que propone Maternidades filmadas – El parto en la pantalla, o el Ciclo Docma, con Hija del volcán. /

Descarga de materiales gráficos

“Sala:B”. Sitges 70’s

  Por ,

Necrophagus (Miguel Madrid, 1971). Int.: Bill Curran, Catherine Ellison, Frank Braña. España. DCP. VE. Color. 87’

La orgía nocturna de los vampiros (León Klimovsky, 1973). Int.: Jack Taylor, José Guardiola, Dyanik Zuraowska. España. 35mm. VE.. Color. 84’ 

En esta doble sesión de «Sala:B» recuperamos dos joyas de los inicios del festival de Sitges, una cita esencial en el desarrollo del cine fantástico y de terror de este país desde 1968. 

Empezamos con una de las más polémicas ganadoras del festival: Necrophagus (El descuartizador de Binbrook), el debut en la dirección de Mikel Skaife (Miguel Madrid), que se anunciaba como una modesta pero innovadora propuesta de terror psicológico y experimental. La película se mete en no pocos jardines, entre la ciencia ficción, el Génesis y el misterio policiaco, contando la obsesión de un científico por desentrañar el origen de la materia. La criatura titular, explicaba la prensa, era un ser alucinante con un rostro compuesto de tierra, piedra y cristal, que posee una espantosa cabellera de plantas marinas, agallas de pez en lugar de oídos y unas garras aterradoras. Su ansia de carne lo convierte en una amenaza implacable, dando pie a una sucesión de secuencias delirantes. Ángel Sala, actual director del festival, la califica así: “Monster movie, película de mad doctors, de misterio gótico llena de flashbacks y con atmósfera espectral, la película de Madrid circula por los caminos del dislate exploitation pero centrifuga ciertas ideas de deconstructiva prosa (e incluso poesía) fantastique, desordenada y caótica.” Lo que está claro años después, es que premiar a una película de culto como Necrophagus tuvo mucha más relevancia de la que entonces pensaban los que abuchearon su selección.

Seguimos con La orgía nocturna de los vampiros dirigida por otro habitual del festival en aquellos años, el argentino León Klimovsky. Para Ángel Sala, una de sus favoritas: “Klimovsky era un director todo terreno y aparentemente sin toque personal, pero que desplegó un estilo propio en su tratamiento del fantástico no solo en su relación con la estrella del género, Paul Naschy, sino sobre todo por su trilogía vampírica formada por La saga de los Drácula (1973), La orgía nocturna de los vampiros (1973) y El extraño amor de los vampiros (1975). Un auténtico escaparate de rostros y nombres asociados al boom del fantaterror de la época: Helga Liné, Jack Taylor, Dyanik Zurakowska, José Guardiola, Manuel de Blas, Luis Ciges, Fernando Bilbao o el guionista Antonio Fos.

Presentan la sesión Ángel Sala, actual director del Festival de Sitges, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10’. (Total sesión: 180’)

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré

Viernes28/03/202519:30

Una pesadilla distópica, primer tráiler para «The Assessment» de Fleur Fortuné

  Por

De la mano de Magnolia Pictures, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, el thriller de ciencia ficción The Assessment, debut en el largometraje de la realizadora Fleur Fortuné que indaga, a modo de pieza de cámara de carácter casi teatral, en una historia que nos plantea un psicodrama distópico donde se cuestiona el sentido de la paternidad. La película, tras su estreno mundial en el pasado TIFF y estar presente en el Festival de Sitges, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 21 de marzo.    

The Assessment nos sitúa en un futuro próximo, en un mundo destruido por el cambio climático, donde una sociedad utópica ha logrado optimizar racionalmente los parámetros de la existencia humana, formulando incluso un peculiar método para evaluar la idoneidad de las parejas para la paternidad. Un matrimonio debe pasar una evaluación antes de que se les permita tener un hijo, prueba que se convertirá en una pesadilla psicológica.

La película, con guion a cargo de John Donnelly, Nell Garfath Cox y Dave Thomas, está protagonizada por Alicia Vikander, Elizabeth Olsen, Himesh Patel, Minnie Driver, Charlotte Ritchie, Indira Varma, Leah Ferguson y Nicholas Pinnock.

Ve adonde sea imposible llegar. Memorias Costa-Gavras

  Por

Cine, política y vida se enredan en un continuo vaivén por el que asoman los rostros de aquellas personas que han compartido un mismo o parecido viaje, familia y amigos, colaboradores y encuentros decisivos, que han tenido una significación especial en su vida y que han supuesto el despojamiento (teñido de cierto desencanto) de algunos dogmatismos generacionales, pero que fundamentalmente le han llenado de experiencias, arrugas y cicatrices, que han dado madurez y personalidad a un autor profundamente circunspecto. Yves Montand y Simone Signoret, Jorge Semprún o Chris Marker pasan ante nuestros ojos a través de la mirada de Costa-Gavras y a veces uno echa de menos más historias, aunque sabemos que realmente no es fácil condensar una vida, y menos una vida tan intensa, en las reducidas páginas de un libro que busca de alguna manera convertirse en un autorretrato.

Autor: Costa-Gavras. Editorial: PROVIDENCE EDICIONES, Colección: Dromfabriken, Páginas: 468