Mes: marzo 2026

Proyecciones Xcèntric: Zorns Lemma. De la A a la Z

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Esta sesión se centra en Zorns Lemma, obra clave del cine norteamericano de vanguardia y punto de inflexión en la carrera de Hollis Frampton. Después de la proyección, el crítico José Emilio González realizará una conferencia ilustrada sobre la película, fruto de su investigación durante el máster de comisariado audiovisual en la Elías Querejeta Zine Eskola.

Descrita por Michael Zryd como «una reflexión prolongada sobre la relación del lenguaje con el conocimiento y la experiencia organizada alfabéticamente», Zorns Lemma es una obra infinita donde se transita de «las palabras como imágenes» a la luz como imagen primigenia del cine y del mundo. La película se estructura en tres partes. En la primera, la pantalla permanece en negro al tiempo que una voz recita el New England Primer, una serie de rimas que los colonizadores británicos utilizaban en Estados Unidos durante el siglo xvii para enseñar el alfabeto a las niñas y los niños. La segunda parte (y la más extensa) arranca con un montaje en el que cada plano, con duración de un segundo, corresponde a una letra del abecedario latino. Después, Frampton muestra planos de palabras encontradas en anuncios, aparadores, carteles y muros de las calles de Nueva York. Estos planos se organizan alfabéticamente y, tras una serie de iteraciones, se reemplazan por una imagen. En la tercera parte, una mujer, un hombre y un perro caminan entre la nieve, al tiempo que una serie de voces pronuncian las palabras de «n Light, or the Beginning of Forms», un tratado sobre la ontología y la cosmología de la luz, escrito en el siglo xi por Robert Grosseteste.

La película se intitula a partir de una proposición de Max Zorn para la teoría de los conjuntos que afirma que «todo conjunto parcialmente ordenado no vacío en el que toda cadena (subconjunto totalmente ordenado) tiene una cota superior contiene al menos un elemento maximal». El gesto de hacer una película que evoque las matemáticas pone de manifiesto el carácter epistemológico de Zorns Lemma. Frampton se interesa por explorar cómo conocemos el mundo. La película es un viaje del negro al blanco, de la oscuridad hacia la luz. En este tránsito, es también una suerte de sinfonía urbana, de experimentación cromática, de poema dadaísta. Una película infinita, en suma.

Zorns Lemma, Hollis Frampton, 1970, 16 mm, 60 min.

Proyección en 16 mm. Copia procedente de Filmmaker’s Coop.

Participantes

Directores/as

Fecha y horario

26 abril 2026 18:30 – h

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Precios

4 € / 3 € Reducida Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido Amigos CCCB: gratuito Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online. Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

Pasolini contra Calvino. Por una literatura impura

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El mismo sistema literario que canoniza a Calvino expulsa a Pasolini. Declarada la muerte de los grandes relatos, del autor y quizá también de la literatura, ambos ajustan cuentas con su obra anterior, pero en sentido opuesto: Calvino, un autor-imagen afectado por un malestar de identidad, se entrega a la variación estética continua sin tensión crítica ni salida del tablero; Pasolini, un autor performático atravesado en carne y hueso por un malestar de inutilidad, se ofrece a todas las hogueras, busca una finalidad práctica para su escritura y vive en conflicto trágico con la institución.

Calvino, a la defensiva, enarbola una prosa límpida y eficaz, un estilo geométrico animado por el rigor formal; se multiplica para esconderse, se escapa y se enmascara, monta un juego de espejos y un efecto de apócrifo, se distancia irónicamente de su propia voz. Pasolini va de las cenizas de Gramsci, la nostalgia de la cultura premoderna y el discurso indirecto libre a la ofensiva de la palabra directa y el “proyecto de obra” en perpetuo estado potencial, hecho de estratos donde conviven lo arcaico y lo moderno. Calvino se adapta para sobrevivir. Pasolini sobrevive como un inadaptado.

Agotada la ilusión de la historia, Calvino practica sus juegos mentales y pule un arte que se pretende autónomo, con cambios constantes de rumbo dentro de los confines de su disciplina. Pasolini contamina, perfora y desordena, salta el cerco y dice “no”. Mesura y triunfo, parresía y martirio literario.

Carla Benedetti se pregunta para qué escribir. Y firma este libro, una bengala polémica desde el inicio, cuya trayectoria luminosa se despliega todavía.

El autor

Carla Benedetti. Pisa (1952). Crítica literaria y ensayista, profesora de literatura italiana moderna y contemporánea en la Universidad de Pisa. Doctora en semiología por la École des hautes études en sciences sociales de París, ha dictado clases sobre teoría de la literatura en la Universidad de New York, la Universidad de Chicago y la Universidad de Berkeley. Su obra incluye, entre otros libros, ensayos incluidos en diversos volúmenes y columnas periodísticas, Il tradimento dei critici (2002), Disumane lettere. Indagini sulla cultura della nostra epoca (2011) y La letteratura ci salverà dall’estinzione (2021).

Con Pasolini contra Calvino. Por una literatura impura, Shangrila presenta a los lectores un ensayo clave sobre el rol de la literatura en el contexto de la crisis de la modernidad. Publicado originalmente en 1998, fue reeditado en 2022 con un prefacio de la autora. Esa nueva edición es la que se recoge en este libro.

Autor: Carla Benedetti, Traducción: Ester Quirós Damiá, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas: 218

Primer tráiler para «Deep Water», lo nuevo de Renny Harlin

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Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Magenta Light Studios un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de la nueva película de Renny Harlin titulada Deep Water. Veinticinco años después de Deep Blue Sea, Renny Harlin reincide en la temática del tiburón asesino con una película que tiene previsto su estreno en Estados Unidos para el próximo 30 de abril. En España, de la mano de DeAPlaneta, lo hará el 7 de agosto.      

Deep Water nos cuenta como un vuelo transoceánico se ve obligado a realizar un aterrizaje forzoso en el Pacífico tras un catastrófico incendio a bordo. Los supervivientes, un ecléctico grupo de pasajeros internacionales, deberán trabajar juntos y superar sus diferencias si quieren encontrar la manera de salvarse y no ser devorados por una hambrienta jauría de tiburones.

La película, con guion a cargo Pete Bridges y John Kim, está protagonizada por Ben Kingsley, Aaron Eckhart, Angus Sampson, Kellly Gale, Madeleine West, Mark Hadlow, Priya Jain, Molly Belle Wright, Rarmian Newton, Rob Kipa-Williams, Lucy Barrett, Richard Crouchley, Ryan Bown, Kate Fitzpatrick, Lakota Johnson, Michael Cardelle, Jacqueline Lee Geurts, John De Luca, Gavin Lee, Wenhan Li, Nashi, Elijah Tamati, Rosie Zhao y Simei Zao.

Cineteca Madrid dedica la programación de abril al diálogo entre cine y literatura

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·  La programación de este mes gira en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena

·  El ciclo Teoría y praxis reúne la obra de distintos cineastas para explorar la manera en que la escritura condiciona y proyecta la imagen

·  Cineteca se suma al Festival Biophest, organizado por Matadero e Intermediae, con la proyección de tres películas que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal

·  Flamenco García Lorca propone un recorrido por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, desde su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad

·  El mago de Oz, Sonrisas y lágrimas o Piratas del Caribe son algunas de las películas que se proyectarán en las matinales familiares de los domingos en homenaje al blockbuster

·  Los espectadores podrán acercarse al cine radical de Gus Van Sant a través de sus películas Elephant, Last Days y Paranoid Park

Con motivo de la celebración del Día del Libro, Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica la programación de abril al diálogo entre el cine y la literatura, coincidiendo además con el 75 aniversario de Cahiers du Cinéma, una de las revistas fundamentales de la historia del cine. El mes se articula en torno a varios programas que exploran los cruces entre escritura, pensamiento y puesta en escena.

Por un lado, Cineteca propone un recorrido por algunas de las películas favoritas de los principales críticos vinculados a Cahiers du Cinéma. Por otro, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, ofrece un programa centrado en el diálogo entre textos y películas de cineastas y teóricos que han pensado y practicado el cine desde la escritura, como Laura Mulvey, Masao Adachi o Trinh T. Minh-ha.

Además, abril incluye un programa dedicado al espíritu flamenco de Federico García Lorca y otro programa especial en torno a cine y literatura. Por otro lado, las sesiones matinales familiares se articularán en un ciclo, en colaboración con la periodista e investigadora Elisa McCausland, que recorre la historia del blockbuster y propone una introducción a las grandes narrativas del cine popular para los más jóvenes. Cineteca también se suma este mes de abril a la celebración del Festival Biophest en Matadero Madrid, con la proyección de tres películas que abordan la relación de las personas con el entorno vegetal.

75 años de Cahiers du Cinéma

En abril de 1951 apareció el primer número de Cahiers du Cinéma. Bajo la influencia intelectual de André Bazin, la revista prestó una mirada atenta a la puesta en escena y a la relación ética entre la cámara y el mundo. Esa mirada se alimentó de películas que, en muchos casos, todavía no gozaban de reconocimiento canónico, pero que funcionaron como auténticas escuelas de pensamiento para una generación de jóvenes críticos franceses que, poco después, darían el salto a la dirección. Para François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Jacques Rivette o Éric Rohmer, estas obras no fueron solo objeto de análisis, sino detonantes de una práctica futura que marcaría un antes y un después en la historia del cine.

Este ciclo reúne algunas de esas películas que hicieron correr ríos de tinta, suscitaron pasiones intelectuales y provocaron controversias decisivas. Sus ecos, 75 años después, siguen resonando en la teoría y en la práctica contemporáneas. Los títulos que se revisitarán en Cineteca Madrid son Johnny Guitar (Nicholas Ray); L’Atalante (Jean Vigo); La regla del juego (Jean Renoir); Te querré siempre (Roberto Rossellini); Cuentos de la luna pálida (Kenji Mizoguchi) y La dama de Shanghái (Orson Welles), que podrán verse del 31 de marzo al 5 de abril, respectivamente.

Ciclo Teoría y praxis

Toda práctica fílmica encierra una teoría en potencia. La escritura condiciona y proyecta la imagen, llegando incluso a transformarla. Este ciclo, en colaboración con el investigador Francisco Javier Fernández, reúne la obra de distintos cineastas que, desde diversas geografías y a lo largo de sus trayectorias, han explorado ese diálogo entre pensamiento y práctica a través de experiencias heterogéneas. Entre el 14 y el 22 de abril, se proyectarán los títulos Riddles of the Sphinx (Laura Mulvey, Peter Wollen); Red Army/PFLP: Declaration of World War (Masao Adachi, Kôji Wakamatsu); Contactos (Paulino Viota); Forgetting Vietnam (Trinh T. Minh-ha) y Loin de Manhattan (Jean Claude Biette).

Federico García Lorca y las vanguardias audiovisuales

El programa Flamenco García Lorca propone un recorrido audiovisual por la huella del poeta en el cine y en las vanguardias visuales, atendiendo a su relación con el flamenco, la cultura gitana y la modernidad artística. Frente a los tópicos folclóricos, Lorca entendió el flamenco como una forma trágica y popular de conocimiento, atravesada por la historia, el cuerpo y el conflicto.

A través de documentales, piezas experimentales y registros escénicos, el ciclo pone en diálogo retratos etnográficos de posguerra con las exploraciones formales de cineastas como José Val del Omar, así como con ecos teatrales y políticos de los años 60 y 70. Entre el 7 y el 11 de abril, Cineteca ha programado Nous, les gitans (Alberto Spadolini); Flamenco – möte med spanska zigenare (Dan Grenholm, Lennart Olsson); Rito y geografía del cante: Lorca y el flamenco (Mario Gómez); El barranco de Viznar (José A. Zorrilla);  Aguaespejo granadino (José Val del Omar); Festival en las entrañas (José Val del Omar); Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken); Duende y misterio del flamenco (Edgar Neville) y Duende (Ramón Gieling).

Breve historia del blockbuster

El cine de gran espectáculo, conocido como blockbuster a partir de Tiburón, ha sido una de las formas más influyentes y populares del cine moderno, aunque a menudo poco atendida desde el punto de vista crítico. Este ciclo de conferencias y proyecciones, organizado en colaboración con los críticos Elisa McCausland y Diego Salgado, propone un recorrido histórico por el sense of wonder cinematográfico, atendiendo tanto a sus cualidades artísticas como a sus condiciones industriales, técnicas y culturales.

Desde los grandes espectáculos del cine mudo —con hitos como Metrópolis— hasta las sagas contemporáneas del siglo XXI, el programa analiza la evolución del blockbuster a través de sus distintas etapas: la tensión entre narrativa y espectáculo en el Hollywood clásico, la reinvención del cine tras la Segunda Guerra Mundial, el nacimiento del modelo moderno con George Lucas y Steven Spielberg, el auge de los efectos digitales y las franquicias y el escenario actual, marcado por los superhéroes, la animación y la irrupción de las inteligencias artificiales.

Los títulos que el público familiar podrá disfrutar en pantalla grande durante las matinales de los domingos, entre el 5 de abril y el 24 de mayo, son El maquinista de La General (Buster Keaton, Clyde Bruckman); El mago de Oz (Victor Fleming); Sonrisas y lágrimas (Robert Wise); Encuentros en la tercera fase (Steven Spielberg); Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (Gore Verbinski) y Los tipos malos (Pierre Perifel).

El cine radical de Gus Van Sant: donde terminan las palabras

A comienzos de los años 2000, Gus Van Sant emprendió una de las aventuras formales más singulares del cine estadounidense contemporáneo. Tras su etapa en Hollywood, el cineasta regresó a un cine más libre y radical, donde la narración se disuelve para dejar paso a una experiencia construida a partir de gestos, silencios, cuerpos y desplazamientos en el espacio. Películas como Elephant (2003), Last Days (2005) y Paranoid Park (2007) forman parte de este proyecto de exploración extrema, influido por el videojuego y las narrativas posmodernas. Estarán programadas en Cineteca el 28, 29 y 30 de abril, respectivamente. La primera sesión irá acompañada de una charla alrededor del monográfico La alargada sombra del videojuego en el cine, coordinado por el crítico cultural Felipe Rodríguez Torres.

Festival Biophest: Ciclo Docu Natura por Água das Pedras

El cine se suma a la programación de la segunda edición del Festival Biophest, organizado por Matadero Madrid e Intermediae, con la proyección de tres películas (14, 15 y 16 de abril) que abordan la relación entre las personas y el entorno vegetal: The Garden (Derek Jarman, 1990), The Secret Life of Plants (Walon Green, 1978) —con banda sonora original de Stevie Wonder— y el documental Sembradoras de vida (Diego y Álvaro Sarmiento, 2019). Los filmes contarán con presentaciones a cargo de las comisarias de Biophest, Elena Páez y Eva F. Cortés; Diego Fernández, comisario de la sección musical del festival, y la curadora e historiadora del arte Aurora Carmenate Díaz.

Sesión continua: rumores y sociedad

Esta propuesta comisariada por la influencer Andrea Ferrer toma como punto de partida la novela Las amistades peligrosas (1782), de Pierre Choderlos de Laclos, para explorar cómo un mismo texto literario puede dar lugar a imaginarios cinematográficos radicalmente distintos. Por un lado, Cineteca proyectará, el 8 de abril, Las amistades peligrosas (Stephen Frears, 1988), elegante reconstrucción de época que sitúa el deseo en el corazón de la aristocracia francesa prerrevolucionaria. Por otro, exhibirá Crueles intenciones (Roger Kumble, 1999), que traslada la intriga al contexto de la élite adolescente estadounidense de finales del siglo XX. Rumores y secretos atraviesan así dos siglos de historia en este juego de espejos entre literatura y cine. La primera sesión irá acompañada de un coloquio sobre el cotilleo, con las escritoras Elizabeth Duval y Sandra López.

Ciclo Linterna, con Miguel Agnes y Brays Efe: Cuando el destino nos alcance

En abril regresa Linterna, el ciclo comisariado y presentado por el curador cultural Miguel Agnes y el actor Brays Efe. Lo hará con una sesión dedicada a la novela ¡Hagan sitio, hagan sitio! (1966), del escritor de ciencia-ficción Harry Harrison y adaptada al cine por Richard Fleischer en 1973, con el título de Soylent Green (Cuando el destino nos alcance).

Un nuevo entorno cósmico, tráiler para «The End of Oak Street» de David Robert Mitchell

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Ocho años después de Under the Silver Lake David Robert Mitchell vuelve a ponerse tras las cámaras por partida doble. Antes de ver la luz la secuela de It Follows llegará a los cines The End of Oak Street, film que de la mano de Warner Bros. acaba de presentar un primer tráiler que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, que vuelve a mirar al fantástico desde la particular mirada de su autor, se estrenará simultáneamente en Estados Unidos y España el próximo 14 de agosto.       

The End of Oak Street nos cuenta como después de que un misterioso fenómeno cósmico arranque Oak Street de su entorno suburbano y transporte a sus habitantes a un lugar desconocido, la familia Platt pronto descubrirán que su propia supervivencia dependerá de que permanezcan unidos mientras intentan orientarse en un entorno que ya no reconocen.

La película, con guion a cargo del propio David Robert Mitchell, esta protagonizada por Anne Hathaway, Ewan Mcgregor, Maisy Stella, Christian Convery, Chris Coy, P.J. Byrne, Jordan Alexa Davis, Grayson Thorne Kilpatrick, Denitra Isler, Hudson Meek y Andrea Frankle.

Filmin estrena «El papel de mi vida», el proyecto más personal de Jeremy Piven

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El 3 de abril llega a Filmin la adaptación y ampliación de un relato corto de Arthur Miller que ha tardado más de 15 años en materializarse. Un proyecto de pasión que da lugar a uno de los papeles más destacados de la carrera de Jeremy Piven.

El 3 de abril llega en exclusiva a Filmin «El papel de mi vida», un drama musical ambientado en la Alemania nazi que explora los límites del arte, la identidad y la supervivencia. Dirigida por Shira Piven y protagonizada por su hermano Jeremy Piven («Entourage»), la película es el resultado de más de quince años de trabajo y uno de los proyectos más personales de ambos.

¿Hasta dónde es posible llegar para encajar, para ser alguien, incluso si eso implica negar quién eres? ¿Qué ocurre cuando se acepta un pacto con aquello que uno rechaza? «El papel de mi vida» plantea e interpela al espectador sobre la identidad, la moral y la capacidad de mirar hacia otro lado ante lo intolerable.

Sinopsis
Harold May es un judío estadounidense y un talentoso bailarín de claqué. Mientras están de gira por Europa, Harold y el resto de su grupo son buscados por un agregado alemán que ofrece al grupo una actuación exclusiva en Berlín por una gran cantidad de dinero. Lo que no saben es que la actuación será enfrente del propio Hitler.

Un proyecto de pasión en familia

«El papel de mi vida» es un proyecto de pasión: el resultado de más de quince años intentando sacar el proyecto adelante. Un largo proceso que permitió a Jeremy Piven prepararse a fondo para el personaje –incluyendo el aprendizaje de claqué– y dotar al relato de una profundidad poco habitual. La historia nace de un relato de Arthur Miller que la madre de Jeremy le dio: “si mi madre me da algo, sé que es importante”, comenta el actor, que quedó inmediatamente fascinado por el material.

Convencido de su potencial cinematográfico, Piven impulsó el proyecto desde sus inicios y encontró en su hermana Shira la directora idónea para llevarlo a la pantalla, consolidando un tándem creativo marcado por la complicidad y la confianza mutua. Esta conexión ha llevado al actor –ganador de un Globo de Oro y un Emmy– a firmar uno de los trabajos más destacados de su carrera: “he actuado en más de 80 películas y este es el papel del que estoy más orgulloso”.

Un drama sobre el arte, la identidad y la supervivencia 

Ambientada en la Alemania nazi, la película propone una reflexión sobre el papel del arte en tiempos de represión, siguiendo a un actor que se enfrenta a una oportunidad profesional única en un contexto marcado por la persecución y el miedo. El filme reflexiona también sobre la manipulación de masas: “habla sobre lo que estamos pasando actualmente, pero es también una historia universal”, comenta Shira Piven, que plantea cuestiones de gran actualidad, pero también construye un relato sobre identidad y redención con el que todo el mundo puede conectar.

Desde su concepción, el proyecto ha despertado un fuerte interés: “cada vez que contaba la premisa, veía cómo se iluminaban los ojos de la gente”, recuerda Shira. El resultado es un intenso drama que combina memoria histórica y reflexión artística, y que encuentra en su protagonista un vehículo para explorar los límites entre la ambición, la dignidad y la supervivencia.

«New Group» review

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La estudiante de secundaria Ai, nueva en el instituto, comienza a observar comportamientos extraños de sus compañeros de clase. Poco a poco, los alumnos y profesores se convierten en una secta sin voluntad propia que transforma las rutinas de gimnasia en una aterradora danza de la muerte.

El realizador japonés Yûta Shimotsu, al igual que en su estimulante ópera prima, Best Wishes to All (2023), vuelve a indagar a través de la metáfora fantástica en las grietas de la sociedad japonesa en New Group. Historia donde se observa, de forma parecida al arranque de la serie televisiva Pluribus, una señal proveniente del exterior como elemento detonador que altera de forma drástica inquietantes comportamientos en masa.

Película que, mediante la reconfiguración de tropos del J-Horror, tomando referencias de Suicide Club (2001) y el cine de Sion Sono, y, en especial, del imaginario de Junji Ito, versa sobre los peligros que puede acarrear un pensamiento homogéneo dentro de la sociedad. Más allá de su evidente crítica social, New Group también funciona de forma correcta como película de terror. Lo que comienza con los tópicos habituales del drama escolar —aislamiento social, presión de grupo y acoso— se transforma en un relato híbrido, situado a medio camino entre la sátira mordaz y la pesadilla surrealista. Visión aguda la de un autor, ya con tres nuevos proyectos en desarrollo, a seguir con detenimiento.

Valoración 0/5: 3

Primer tráiler para «Wild Horse Nine» de Martin McDonagh

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Cuatro años después The Banshees of Inisherin el realizador británico Martin McDonagh tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Wild Horse Nine, comedia dramática que de la mano de Searchlight Pictures acaba de presentar un primer tráiler que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial.    

Wild Horse Nine, que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 6 de noviembre, nos sitúa en los años 70, justo antes del golpe de Estado militar que derrocó al presidente socialista Salvador Allende. La historia sigue a dos experimentados agentes de la CIA que están relacionados con los planes para derrocar al gobierno chileno. Por este motivo viajarán desde Santiago de Chile a la isla de Pascua, en una misión que pondrá a prueba la confianza y lealtad de ambos.

La película, con guion a cargo del propio Martin McDonagh, está protagonizada por Sam Rockwell, John Malkovich, Parker Posey, Mariana di Girolamo, Tom Waits, Steve Buscemi, Ailí­n Salas, Paola Giannini y Liam Marcy.

Martin Ritt: Un rebelde con causa

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El más veterano de los directores de la «Generación de la televisión», Martin Ritt (1914-1990) mostró a lo largo de su actividad como cineasta una coherencia y un compromiso social que contribuyeron a conformar una obra extraordinariamente cohesionada. MARTIN RITT: Un rebelde con causa representa la primera monografía publicada en español sobre el realizador neoyorquino, quien ingresó en la nómina de cineastas que trabajaron para los grandes estudios tras haber formado parte de las «listas negras» creadas por el maccarthismo. De aquella traumática experiencia surgió uno de los títulos más representativos de su filmografía, La tapadera (1976), en el marco de una década en que varias de sus mejores producciones no llegaron a ser estrenadas en salas comerciales de nuestro país. En MARTIN RITT: Un rebelde con causa se aborda el análisis de cada uno de los veintiséis largometrajes que conformar su filmografía, además de dar cabida a su paso por el Group Theatre, el Actors Studio, los Dramáticos de televisión y su vertiente poco conocida como actor dentro de la escena teatral neoyorquina y, en menor medida, en largometrajes de ficción. Lejos de quedar desfasado su cine, los temas universales que abordó (entre ellos, el feminismo) propician que su obra no tan solo pueda ser reinterpretada desde la óptica del siglo XXI, sino también reivindicada y revalorizada.   

El autor

CHRISTIAN AGUILERA. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.

Autor: Christian Aguilera, Editorial: Kane Ediciones, Colección: La generación de la televisión nº 5, Páginas: 326

FlixOlé celebra el centenario de Paco Rabal con el estreno de Llanto por un bandido y una colección con cerca de 50 títulos

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La plataforma también incorpora a su catálogo otras cuatro películas protagonizadas por el laureado actor: Fra Diávolo, Trío de damas, Goya, historia de una soledad y El hombre que perdió su sombra

El 8 de marzo de cumple el centenario del nacimiento de Francisco Rabal, actor de temperamento indomable, voz profunda y mirada luminosa que arrebató el sentido de público, crítica y compañeros de profesión con una de las carreras más brillantes de la interpretación española. FlixOlé conmemora esta ineludible efeméride cinematográfica con una colección especial que recorre su trayectoria e incorpora a su catálogo cinco estrenos protagonizados por Rabal.

De origen humilde, aquel joven de Águilas (Murcia) se empapó de la interpretación cuando ejercía de electricista en Estudios Chamartín. Bajo la dirección de Rafael Gil comenzó a forjar su presencia en pantalla, primero en dramas románticos y relatos de fe, pronto en personajes de mayor hondura. Actor de raza, encarnó tanto al galán de época como al bandolero serrano; su compromiso social reflejó al inocente campesino que cautivó al mundo entero con su «¡Milana, bonita!» mientras que la inquietud cultural lo acercó a Goya. Trabajó con cineastas de todas las corrientes y generaciones, desde José Luis Sáenz de Heredia a Luis Buñuel; también en el panorama internacional, formando parte del elenco de realizadores como Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Claude Chabrol o William Friedkin.

FlixOlé propone un viaje por la filmografía de Rabal a través de una cuidada selección, compuesta por cerca de medio centenar de títulos, con la que entender y disfrutar de su evolución artística: desde su meteórico ascenso en el cine español a finales de los años 40 hasta los icónicos personajes a los que dio vida en su madurez interpretativa. El ciclo, disponible a partir del próximo viernes 6 de marzo, incluye cinco estrenos en la plataforma: Llanto por un bandido (Carlos Saura, Carlos Saura, 1964), Fra Diávolo (Giorgio Simonelli y Miguel Lluch, 1962), Trío de damas (Pedro Lazaga, 1960), Goya, historia de una soledad (Nino Quevedo, 1971) y El hombre que perdió su sombra (Alain Tanner, 1991).

De ‘El Tempranillo’ al genio atormentado de Goya

En una mezcla de rudeza y magnetismo, Paco Rabal desmontó el tópico romántico del bandolero en Llanto por un bandido, donde interpreta a uno de los forajidos más famosos del siglo XIX: ‘El Tempranillo’. Lejos de la épica complaciente, el actor interpretó con intensidad un relato de rebeldía y dignidad frente al abuso de poder en un western andaluz que, de manera alegórica, abordaba la represión del régimen franquista. De hecho, la censura cercenó una parte del segundo largometraje dirigido por Carlos Saura.

Otro de los estrenos destacados del especial de Rabal en FlixOlé será Goya, historia de una soledad. El natural de Águilas encontró en el pintor aragonés un alter ego artístico: lo interpretó en varias ocasiones y confesó que aquel papel despertó en él una vocación plástica que lo llevó incluso a intercambiar cuadros con pintores amigos. La película explora la dimensión íntima y desgarrada del creador, adentrándose en sus tinieblas y en la conexión entre arte, compromiso y soledad.

A ambas incorporaciones se sumarán Fra Diávolo, ambientada en la Italia ocupada por las tropas napoleónicas donde el intérprete brinda una versión más canallesca y humorística a su faceta de clásico galán; Trío de damas, comedia costumbrista en torno al matrimonio en la que Rabal hace las veces de marido abrumado por las distintas personalidades de su mujer; y El hombre que perdió su sombra, filme por el que obtuvo el premio a Mejor actor principal del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) y en el Festival de Montreal.

Medio centenar de títulos de Paco Rabal

Desde sus comienzos como figurante hasta convertirse en uno de los rostros más importantes del cine europeo, Rabal levantó su carrera sobre personajes de fuerte arraigo popular. En los años 50 consolidó su nombre con títulos como La guerra de Dios (Rafael Gil, 1953), donde su intensidad dramática lo confirmó como protagonista indiscutible; Hay un camino a la derecha (Francisco Rovira Beleta, 1953), propuesta cercana al neorrealismo con tintes de cine negro que le valió la Concha de Plata y lo situó entre los grandes; y Amanecer en puerta oscura (José Mª Forqué, 1957), cine de bandoleros con alegato social y un memorable final que reforzó el compromiso interpretativo del actor, quien recibió también por este papel la medalla del CEC.

La década siguiente amplió su dimensión artística, dentro y fuera de España, con Viridiana (Luis Buñuel, 1961), hito del audiovisual mundial y símbolo de ruptura; Noche de verano (Jorge Grau, 1962), donde interpretó a un cínico galán en un relato de matrimonios fracasados y líos burgueses al más puro estilo La dolce vita.

Tras unos años de vaivenes profesionales, sin títulos nacionales de gran peso, los 80 marcaron un renacer rotundo en la carrera de Rabal. Con Truhanes (Miguel Hermoso, 1983) recuperó el favor masivo del público en clave de esta comedia picaresca; su Azarías en Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) le hizo alcanzar la cima interpretativa, obteniendo el galardón a (ex aequo) en Cannes; mientras que en Epílogo (Gonzalo Suárez, 1984) exploró registros más introspectivos. La televisión lo inmortalizó como el inolvidable protagonista de Juncal (Jaime de Armiñán, 1989), torero retirado que se transformó en icono popular.

En los 90 y el cambio de siglo reafirmó su libertad creativa en propuestas como Así en el cielo como en la tierra (José Luis Cuerda, 1995) y cerró el círculo vital encarnando de nuevo al pintor aragonés en Goya en Burdeos (Carlos Saura, 1999), un retrato crepuscular que funciona como despedida artística. Más de medio centenar de títulos reunidos ahora por FlixOlé componen el mapa de una trayectoria irrepetible y necesaria para entender el cine español.

Proyecciones Xcèntric: Akran (1969) de Richard Myers

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El primer largometraje del cineasta estadounidense Richard Myers, Akran (1969), parece ser tanto la culminación de la agitación emocional y psíquica de la década anterior como una nueva y perturbadora visión del mundo que está por venir. No se trata de una imagen utópica del vínculo humano y el optimismo sociopolítico lúcido, sino más bien de un viaje a través de los escombros de un panorama cultural y político estadounidense que ha degenerado en una confusión existencial sobre el propósito y el lugar.

Richard Myers, oriundo de Ohio como varias de sus generaciones anteriores, comenzó a rodar sus vívidas y oníricas películas en 1960 y rápidamente se distinguió como uno de los exploradores más sofisticados y atrevidos de la psique estadounidense contemporánea. Su lenguaje cinematográfico abarca todo el vocabulario y la historia del cine, empleando numerosas técnicas y efectos ingeniosos, así como referencias sublimadas y conscientes a la historia y la cultura del cine, en una escala elaborada de producción y visión que eleva su obra al nivel de lo verdaderamente mítico. Estas innovaciones conceptuales y materiales —definidas aún más por el montaje en collage de Myers y una cinematografía a veces casi dolorosamente expresiva e inquietante— evocan una visión singular y sorprendentemente ambiciosa de la conciencia cultural fragmentada desde el corazón del Medio Oeste.

En Akran —una grafía deliberadamente errónea de la ciudad de Akron, en Ohio, que sugiere inestabilidad en el nivel más fundamental de la existencia cotidiana—, una joven pareja se conoce y recorre una serie de espacios urbanos misteriosos y a veces angustiosos, perseguidos por sueños, recuerdos y una confusión inquietante y omnipresente. Tropezando con numerosos personajes y situaciones desconcertantes en su intento por definir alguna forma de normalidad estadounidense contemporánea, la película resiste radicalmente a cualquier estructura tranquilizadora o narrativa lineal, ya que la falsa seguridad de la memoria y la nostalgia fragmenta y hace implosionar continuamente su (y nuestra) comprensión del presente.

Al igual que en la mayoría de las películas hipnóticas y envolventes de Myers, en Akran los límites entre la realidad, los sueños, los recuerdos y las pesadillas nunca son fijos, y el collage de asociaciones que crea a menudo manifiesta múltiples emociones a la vez. El trabajo de cámara inquieto y exploratorio de Myers y sus depurados enfoques de edición crean una sensación de ansiedad e incertidumbre en la película y sus protagonistas, subrayada con fuerza por la banda sonora electrónica, a menudo implacable, del compositor Fred Coulter.

En Film as a Subversive Art, Amos Vogel escribió acertadamente que «Myers es sin duda alguna uno de los grandes talentos de la vanguardia estadounidense y Akran una de sus películas más importantes». La obra completa de Myers no tiene parangón ni sensibilidad comparable, y su ambición, creatividad e ingenio audiovisual son increíblemente ricos y cautivadores. El Academy Film Archive restauró Akran en su formato original de 16 mm en 2010, una obra maestra infravalorada que sigue siendo muy poco conocida, pero que va sumando admiradores apasionados cada vez que se proyecta.

Akran, Richard Myers, 1969, 16 mm, 118 min.

Proyección en 16 mm, VOSC. Copia procedente del Academy Film Archive.

Fecha y horario

12 abril 2026 18:30 – h

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Precios

4 € / 3 € Reducida Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido Amigos CCCB: gratuito Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online. Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

La concepción de la memoria, tráiler para «Blue Heron» de Sophy Romvari

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Acaba de ser presentada en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del debut de la realizadora canadiense Sophy Romvari titulado Blue Heron. Película, que centra su mirada en un retrato de corte autobiográfico, que tras su paso el pasado año por festivales como Locarno, TIFF o San Sebastián dentro de la sección Zabaltegi-Tabakalera, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 17 de abril.
Blue Heron nos sitúa a finales de los 90, Sasha, una niña de ocho años, y su familia cambian de domicilio, una vez más. Esta nueva vida se verá repentinamente afectada por el comportamiento cada vez más peligroso de Jeremy, el hijo mayor. Desbordados, asumirán la intervención de servicios sociales, ante la atenta mirada de la niña.

La película con guion a cargo de la propia Sophy Romvari, está protagonizada por Eylul Guven, Réti Iringó, Ádám Tompa, Edik Beddoes, Amy Zimmer, Liam Serg, Preston Drabble, Lucy Turnbull y Jecca Beauchamp.

Las protagonistas de marzo en Filmoteca Española

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Durante todo el mes, el público podrá disfrutar de forma gratuita de ciclos, retrospectivas, exposiciones, coloquios y contenidos online que pondrán el foco en pioneras y creadoras fundamentales del cine nacional e internacional, así como en propuestas que invitan a reflexionar sobre problemáticas contemporáneas.

Homenaje a las montadoras del cine español (1942-1967)

El Cine Doré —sala de proyección de Filmoteca Española— acogerá el ciclo Montadoras del cine español (1942-1967)Enlace externo, se abre en ventana nueva, comisariado por la investigadora Paula Yvonne Blanquer Adam. Durante marzo y abril, este programa reivindicará la labor de grandes editoras que dieron forma al cine español desde la sala de montaje. El ciclo, que se inaugura con el trabajo de Margarita Ochoa en Muerte de un ciclista, revisita la trayectoria de otras pioneras como Rosa G. Salgado, Bienvenida Sanz, Rosa Roig o Mercedes Alonso.

Kelly Reichardt, voz esencial del cine independiente internacional

La retrospectiva Kelly Reichardt. Vidas errantesEnlace externo, se abre en ventana nueva recorrerá la filmografía completa de la cineasta, una de las voces esenciales del cine independiente contemporáneo. Con una poética minimalista y una mirada atenta a los márgenes de la sociedad estadounidense, Reichardt ha construido una obra que indaga en la fragilidad de los vínculos humanos. La retrospectiva completa incluye sus nueve largometrajes, una carta blanca seleccionada por la NOTA DE PRENSA propia cineasta y un programa de juego de espejos que pondrá en diálogo su obra con otros títulos afines.

Lillian Hellman: ficción, memoria y compromiso

Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, llega al Doré la retrospectiva Lillian Hellman. Ficción, memoria y compromisoEnlace externo, se abre en ventana nueva, figura central y enigmática de la cultura estadounidense del siglo XX. Organizado en colaboración con la Filmoteca Vasca, el ciclo reúne películas de la guionista estrenadas entre 1935 y 1999 que permiten comprender las transformaciones estéticas e ideológicas del Hollywood clásico. Al programa de proyeccionesse sumará, el jueves 5 de marzo, la presentación de Lillian Hellman. Ficción, memoria y compromiso, libro en el que ha colaborado Filmoteca Española y que contará con la presencia de su editor, Quim Casas.

Dentro del radar de Trinh T. Minh-ha, hallazgo del cine internacional

El Cine Doré acoge, a razón de un título al mes, la sección Fuera del radar. Hallazgos del cine internacional, programa dedicado a recuperar títulos que, por su limitada distribución, recepción o invisibilidad histórica, hayan pasado desapercibidos en nuestro país. El programa, que busca traer al frente películas que merecen reivindicación, se plantea no únicamente como un homenaje a los films seleccionados, sino también como una invitación a repensar la historia del cine desde otras geografías, perspectivas y compromisos tanto estéticos como políticos. En marzo, la protagonista será Surname Viet Given Name Nam (1989)Enlace externo, se abre en ventana nueva, de Trinh T. Minh-ha, autora que combina imágenes de archivo, textos y entrevistas para retratar a las mujeres vietnamitas del pasado y del presente, explorando la ficción del documental y la verdad de la experiencia subjetiva y todas sus contradicciones inherentes

NO-DO: memoria audiovisual y representación de las mujeres

Más allá del Cine Doré, la exposición NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismoEnlace externo, se abre en ventana nueva podrá seguir visitándose de forma gratuita en la sala de exposiciones de Filmoteca Española de la c/Magdalena. La muestra, que explora el universo NO-DO como soporte de la memoria audiovisual del s. XX, no olvida en su recorrido cómo reflejó el imaginario franquista a las mujeres, en su empeño en establecer un modelo completamente dependiente de los hombres y supeditado al proyecto ideológico y social del régimen. El noticiario deslizó en todo tipo de noticias una visión paternalista, sexista y retrógrada de las mujeres. De esta visión hablaremos en un coloquio que celebraremos junto a María Rosón, , historiadora cuyas líneas de investigación se centran en la historia cultural de los años treinta, la guerra civil y el primer franquismo, con perspectiva feminista y cuir; la artista y periodista Ana Esmith (Miss Beige), cuyo trabajo se inscribe en la tradición del arte vivo que dialoga con la historia del feminismo, la performance y el arte contemporáneo; y la periodista y analista política Rosa Paz. La cita será el 10 de marzo, tras la proyección de la compilación Del rosa al azul: la mujer en el franquismo a través de NO-DOEnlace externo, se abre en ventana nueva

Platfo Filmo: acceso online al legado de las pioneras de nuestro patrimonio cinematográfico

Platfo FilmoEnlace externo, se abre en ventana nueva ampliará su catálogo en marzo con una programación especial dedicada a materiales digitalizados que reivindican la obra de cineastas y montadoras españolas. Entre los títulos destacados se encuentra Melodrama infernalEnlace externo, se abre en ventana nueva, mediometraje dirigido por Josefina Molina durante el curso 1968-1969 en la Escuela Oficial de Cine, donde se convirtió en la primera mujer diplomada en Dirección. La obra, marcada por una temprana mirada rebelde y feminista, no fue exhibida oficialmente fuera del ámbito académico hasta 1970. Su recuperación permite redescubrir una pieza clave tanto por su audacia formal como por la construcción de un personaje femenino activo, alejado de los estereotipos dominantes de la época.

En paralelo al ciclo del Cine Doré, Platfo recupera y visibiliza en El contraplano: las cineastas de la sala de montajeEnlace externo, se abre en ventana nueva la labor de montadoras como Rori Sainz de Rozas, Ana Romero-Marchent, Gaby Peñalba, María Elisa Valero o Petra de Nieva. Y lo hace dando acceso a destacados trabajos de edición como En el río, La brujita, Madame Arthur o Vau seis.

Filmin estrena «Valor sentimental», ganadora del Óscar a la mejor película internacional

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El 27 de marzo llega la película dirigida por Joachim Trier, con 9 nominaciones a los Óscar e interpretada por Renate Reinsve, un tándem que enamoró en «La peor persona del mundo». 

Filmin estrena el próximo 27 de marzo “Valor sentimental”, la triunfadora de la pasada noche en los Premios Óscar, que se llevó la estatuilla dorada a la mejor película internacional. La película estuvo también nominada a la mejor dirección (Joachim Trier), mejor película, mejor actriz protagonista (Renate Reinsve), mejor actriz de reparto (Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning), mejor actor de reparto (Stellan Skarsgård), mejor guion original y mejor montaje. De la misma forma, también fue reconocida en la pasada edición del Festival de Cannes, que se llevó el gran premio del jurado. 

El director noruego de “Oslo, 31 de agosto” y de “La peor persona del mundo”, Joachim Trier, se reúne con la aclamada actriz Renate Reinsve (nominada al Óscar) para su tercera colaboración, y con el gran Stellan Skarsgård, ganador en los Globos de Oro al mejor actor de reparto. Del elenco también forman parte Inga Ibsdotter Lilleaas y la reconocida Elle Fanning, que la hemos visto recientemente en «A Complete Unknown». 

Sinopsis

Tras la muerte de su madre, las hermanas Nora y Agnes se reencuentran con su distanciado padre, Gustav Borg, un veterano director de cine de renombre, que le ofrece a su hija Nora, actriz de teatro, un papel en su próxima película. Nora lo rechaza y pronto descubre que le ha dado ese papel a una joven y entusiasta estrella de Hollywood. De repente, las dos hermanas deben sortear su complicada relación con su padre y lidiar con una actriz estadounidense que se encuentra en medio de su compleja dinámica familiar.

Renate Reinsve y Joachim Trier, el celebrado tándem

Joachim Trier vuelve a colaborar en “Valor Sentimental” con la aclamada actriz Renate Reinsve, que fue nominada al Óscar a la mejor actriz protagonista. Su anterior trabajo en común, “La peor persona del mundo”, le valió a Reinsve el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes en 2021. Años antes, Trier ya había contado con ella en “Oslo, 31 de agosto” para un pequeño papel con apenas una línea de diálogo; sin embargo, aquella breve aparición bastó para revelar un talento que con el tiempo daría lugar a una de las alianzas creativas más celebradas del cine noruego contemporáneo. 

El director explica que una de las motivaciones para hacer “Valor sentimental” era que el actor que interpreta al padre en la película, Stellan Skarsgård, estaba intrigado por trabajar con Renate: “Durante los ensayos, Stellan, que ha trabajado prácticamente con todo el mundo, me dijo: ‘Es extraordinaria. Su piel cambia de color mientras actúa; se puede ver lo que siente’”. Por su parte, Renate Reinsve está encantada de trabajar con el director y afirma que no hay un director como Trier: “Me encanta la emotividad de sus películas y la forma en que te atrapan poco a poco… hasta darte un golpe en el estómago”, comenta.

Perdonar y recordar en los Óscar 

 

Joachim Trier, que anoche en la gala de los Óscar quiso reconocer las películas que reflejan las crisis del presente y del pasado, explica que “Valor sentimental” es una muestra de ello: «Es una ambivalencia entre la historia y la memoria. Por un lado, necesitamos olvidar, perdonar a un padre difícil. Por otro, tenemos la obligación con el pasado de recordar ciertas cosas, de no repetir esos errores», explica, aludiendo a la parte de la película que hace referencia al sufrimiento por el nazismo.

Finalmente, en su discurso para recoger el premio, parafraseó al autor americano James Baldwin, recordándonos que «todos los adultos somos responsables de los niños y no debemos votar por políticos que no se toman esto en serio». «Valor sentimental» es un retrato de una familia que se enfrenta a los dolorosos recuerdos arraigados en las paredes de su hogar, pero también es algo más. Es una mirada lúcida a la memoria, la pérdida y la forma en que el pasado determina quiénes somos y cómo decidimos seguir adelante.

Primer tráiler para «Hokum» de Damian McCarthy

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Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a un póster promocional, del nuevo trabajo del director irlandés Damian McCarthy titulado Hokum. El responsable de Oddity (2024) reincide en el terror con una película que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 1 de mayo. En nuestro país de la mano de Beta Fiction Spain y Madfer Films lo hará dos semanas después, el 15 de mayo.  

En Hokum vemos como escritor de terror visita una posada irlandesa para esparcir las cenizas de sus padres, sin saber que se dice que la propiedad está encantada por una bruja.

La película, con guion a cargo del propio Damian McCarthy, esta protagonizada por Adam Scott, Austin Amelio, David Wilmot, Florence Ordesh, Peter Coonan, Michael Patric, Will O’Connell, Brendan Conroy, Ezra Carlisle, Siox C y Mallory Adams.

Kinuyo Tanaka. El cine como pasión

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KINUYO TANAKA, antes de convertirse en realizadora y dirigir en 1953 su primer filme Koibumi (Carta de amor), trabajó como actriz en más de doscientas películas con muchos de los más grandes directores japoneses, entre otros Kaneto Shindo (La isla desnuda), Kenji Mizoguchi (El intendente Sansho, La mujer crucificada, Cuentos de la luna pálida de agosto, Vida de Oharu), Yasujiro Ozu (Las hermanas Munekata, Otoño tardío) y Mikio Naruse (Madre). Tanaka Kinuyo fue una estrella japonesa ya desde los años treinta y, como tal, fue reconocida en Hollywood que visitó para ser homenajeada en 1949.

Tras la cámara, como directora, después de su primera película realizó en 1955 dos filmes: Tsuki wa noborinu (La luna se levanta), drama romántico con guion de Yasujiro Ozu, y Chibusa yo eie naren (Pechos eternos), su obra maestra, basada en la vida de la poetisa Fumiko Nakajo, en la que trata temas como el divorcio, la emancipación de la mujer y el cáncer de mama. En 1960 realizó su cuarto largometraje, Ruten no ohi (La princesa errante), filme ambientado en las décadas de los treinta y cuarenta, dentro del marco de la guerra chino-japonesa. En 1961 dirigió Onna bakari no yoru (La noche de las mujeres), segunda colaboración con la guionista Summie Tanaka tras Pechos eternos, en el que una prostituta debe emprender una nueva vida tras el cambio de la ley que prohibía la prostitución. Su carrera como directora finalizó en 1962 con Ogin sama (Amor bajo el crucifijo), drama de época, en el que el amor prohibido en tiempos de los samuráis se vuelve a constituir en el tema central. Ya con sesenta y cinco años, Kinuyo Tanaka ganó como actriz el Oso de Plata de la Berlinale (Festival Internacional de Cine de Berlín) de 1975 por Sandakan hachibanshokan bohkyo, dirigida por Kei Kumai.

El autor

José Manuel García Roig. Hasta 2019 ha sido profesor titular de Composición Arquitectónica en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM-UPM). Es Miembro de la Heinrich-Tessenow-Gesellschaft con sede en Berlín-Hamburgo. Desde 2015 y hasta 2020 impartió el curso Arquitectura y Cine del Máster de Comunicación Arquitectónica (UPM). Codirigió con David Rivera los cuadernos de cine La ventana indiscreta (2004-2007). Sus principales publicaciones sobre cine, y la relación entre arquitectura y cine, son Mirada en off. Espacio y tiempo en cine y arquitectura (Mairea, 2007), La arquitectura del cine. Estudios sobre Dreyer, Hitchcock, Ford y Ozu (Fundación Caja de Arquitectos, 2008), premio FAD de Pensamiento y Crítica 2009 [coautor Carles Martí], En un lugar solitario. Crítica y Proyecto en cine y arquitectura (Mairea, 2013), Leni Riefenstahl (Cátedra, 2017), Cineastas y Arquitectos (La Catarata, 2017), El compás y la cámara. Estudios sobre Fritz Lang (Arquia, 2020), Diccionario analógico Cine y Arquitectura (Abada, 2022) [con Juan Deltell], Espacio, tiempo y arquitectura: El sol del membrillo y En construcción (Asimétricas, 2022) [en La ciudad en el cine. Antonio Pizza (ed.)], Como la pintura así es el cine (Asimétricas, 2024).

Autor: José Manuel García Roig, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas: 208

Lo que las paredes esconden, teaser tráiler para «Backrooms» de Kane Parsons

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Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de A24 y Elástica Films un primer traser tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster promocional, del film de terror Backrooms, debut en la dirección del joven Kane Parsons que fija la mirada en los espacios liminales y cotidianos. La película está inspirada en una serie de cortos del mismo autor en formato found footage sobre leyendas urbanas y espacios laberínticos disponibles a través de YouTube desde 2022.

En Backrooms, que se estrenará en nuestro país el próximo 5 de junio, vemos como una extraña puerta aparece en el sótano de una exposición de muebles. Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para salvarlo.

La película, con guion a cargo de Roberto Patino y William Bromell, está protagonizada por Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell, Avan Jogia, Chelah Horsdal, Milania Kerr, Toby Hargrave, Philip Granger y Patrick Baynham.  

Proyecciones Xcèntric: Carlos Vásquez Méndez. El paisaje nos mira

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Este programa pone en diálogo dos películas, Laure y Dialogue d’ombres, que trabajan la adaptación literaria como forma de desplazamiento, de eco y de resistencia: no tanto como traslado fiel de un texto a la imagen, sino como confrontación entre presencias y ausencias, entre voces que persisten y cuerpos que ya no están.

Con Laure, la cineasta Martine Rousset adapta varios fragmentos de los escritos de Laure, seudónimo de la escritora francesa Colette Peignot: figura maldita, amante de Georges Bataille y amiga íntima de Simone Weil. La película se articula como una doble proyección y una doble voz, las de Vivian Ostrovsky y Catherine Reinhorn, que recitan textos de juventud y de madurez de Peignot. Esta duplicidad genera un juego de espejos y de planos simultáneos, un desdoblamiento del tiempo y del espacio atravesado por una misma herida: la de los exilios interiores y exteriores, la de una vida y una escritura marcadas por la fractura.

Dialogue d’ombres, basada en una obra corta de Georges Bernanos (el autor de novelas como Diario de un cura rural o Mouchette), narra en forma de diálogo las vicisitudes de dos jóvenes enamorados. Un diálogo entre hombre y mujer, entre un plano y su contraplano, el texto escrito y su recitación, el ser humano y la naturaleza. Pero sobre todo es, como tantas otras obras straubianas, una investigación del presente como prueba, o huella, de lo que ya no es. Una película que se relaciona directamente con la ausencia, en que la más importante de todas es la de Danièle Huillet, muerta seis años antes pero que, sin embargo, figura como codirectora de la obra. Un diálogo con ella, o con lo que queda de ella. Y, como en cualquiera de sus obras, Straub no se olvida del viento que mece las hojas de los árboles.

Ambas películas, Laure y Dialogue d’ombres, se enfrentan a una de las grandes paradojas del cine: cómo un arte tan intensamente vinculado a la realidad, a la presencia física y concreta del mundo, puede hacerse cargo de lo ausente o lo irrepresentable, las heridas y la pérdida. Como una forma de resistir el silencio definitivo, ambos filmes trabajan el presente mirando a un pasado pendiente.

Laure, Martine Rousset, 1984, 16 mm (doble proyección), 45 min; Dialogue d’ombres, Jean-Marie Straub, 2013, digital, 28 min, VOSE.

Proyección en 16 mm y en digital. Copia de Laure, procedente de Light Cone. Copia de Dialogue d’ombres, procedente de Belva Films.

Por expreso deseo de la autora, Laure se proyectará en versión original sin subtítulos.

Directores/as Carlos Vásquez Méndez

Fecha y horario: 9 abril 2026 19:00 – h

Precios: 4 € / 3 € Reducida Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido Amigos CCCB: gratuito Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online. Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

Cineteca Madrid celebra la Semana del Arte con una programación especial que explora prácticas artísticas contemporáneas

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La cartelera incluye varias sesiones especiales que analizarán el cruce entre cine, artes visuales, poesía y performance

En marzo tendrá lugar el estreno en Madrid de la última obra de Albert Serra, fe sense obres morta és, una inmersión en el universo de Antoni Tàpies

El artista Paul McCarthy asistirá a una sesión especial en torno a A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve

La artista visual Sally Gutiérrez Dewar organiza una sesión sobre su corto Application, en diálogo con piezas de Sandra Schäfer y Mario Espliego

La cantante María Salgado ofrecerá un recital previo a la exhibición de Vía Versus, la pieza audiovisual realizada junto a Clarisa Navas

Los investigadores Estrella de Diego y Germán Labrador tendrán carta blanca para explorar la vanguardia artística y la memoria histórica desde miradas no convencionales

Cineteca Madrid acoge una retrospectiva sobre Anja Breien, una de las figuras más destacadas del cine noruego

Con motivo de la celebración de la Semana del Arte en Matadero Madrid (del 2 al 8 de marzo), Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se convierte este mes de marzo en un lugar de encuentro entre cine y arte. A modo de laboratorio, la programación reunirá proyecciones, estrenos, cartas blancas y encuentros con artistas que exploran prácticas contemporáneas en torno a la materia, el cuerpo, la voz, el archivo, el paisaje y la palabra.

Semana del Arte: el cruce entre cine, artes visuales, poesía y performance

El programa se inaugura el 3 de marzo con el estreno en Madrid de fe sense obres morta és, la última obra de Albert Serra, una inmersión radical en el universo material, simbólico y espiritual de Antoni Tàpies. Lejos del retrato biográfico, la película construye una experiencia sensorial y filosófica que dialoga con la obra del artista desde una mirada autónoma, provocadora y contemporánea.

En colaboración con la Colección SOLO, proyecto internacional de apoyo a la creación fundado por Ana Gervás y David Cantolla, el miércoles 4 de marzo se presenta una sesión especial en la que se exhibirán las películas A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve, Cooking Show, Kitchen y A&E, Adolf & Eva / Adam & Eve, Mother, con presencia de su autor, Paul McCarthy. Este pionero del videoarte y la actriz Lilith Stangenberg exploran identidades, poder y deseo, combinando performance, dibujo y filmación en una experiencia viva que desafía las convenciones del arte y del espectáculo. En diálogo con la exposición homónima A&E con dibujos en gran formato de McCarthy, esta jornada forma parte de un proyecto performativo multidisciplinar. 

La Semana del Arte incluye también, el jueves 5 de marzo, With a Little Help from My Friends, una sesión comisariada por Sally Gutiérrez Dewar, que relaciona una de sus obras recientes con piezas de Sandra Schäfer y Mario Espliego. El programa propone un encuentro efímero entre imágenes, geografías y sensibilidades diversas.

Cierra el programa el 6 de marzo Vía Versus, una pieza audiovisual realizada conjuntamente por María Salgado y Clarisa Navas, filmada entre el nordeste argentino y Galicia. A partir de las lenguas, historias y formas de vida de ambos territorios, la obra indaga en aquello que ha sido silenciado por procesos de represión y olvido. Más sensorial que discursiva, la pieza se concibe como un viaje compartido hacia un espacio común aún por definir. La sesión estará precedida por un recital de María Salgado.

Carta blanca a Estrella de Diego: Cuerpos, máquinas, visiones

La investigadora y escritora Estrella de Diego propone los días 3, 4 y 5 de marzo, un recorrido por la vanguardia artística entendida como una experiencia radical de la mirada.

Desde las primeras vanguardias surrealistas y abstractas como Un perro andaluz (Luis Buñuel, Francia, 1929) hasta la filmación del acto creador en El misterio de Picasso (Henri-Georges Clouzot, Francia, 1956), la selección traza una genealogía del cine como campo de pruebas. El programa culmina el jueves 5 de marzo con una sesión dedicada a Maya Deren e Yvonne Rainer, precedida por una conferencia de Estrella de Diego, donde el cine se cruza con la danza, la coreografía y el pensamiento feminista.

Carta blanca a Germán Labrador: Vivos, demonios, arrebatados

El investigador y comisario Germán Labrador sugiere, los días 10, 11 y 12 de marzo, un recorrido por un cine español atravesado por la psicotronía, la memoria histórica y las formas extremas de experiencia. Lejos de una lectura ilustrativa del pasado, el programa entiende las imágenes como espacios de posesión, trance y supervivencia, donde lo político se filtra a través del cuerpo, el deseo y la infancia herida.

Desde la violencia de Viva la muerte (Fernando Arrabal, Francia-Túnez, 1971), donde la Guerra Civil se vive como inicio y educación del fanatismo, hasta Demonios en el jardín (Manuel Gutiérrez Aragón, España, 1982), donde la posguerra franquista aparece como un paisaje doméstico, pasando por Arrebato (Iván Zulueta, España, 1979), emblema de un cine que concibe la imagen como fuerza vampírica, Labrador recogerá todas estas miradas en la conferencia que impartirá el miércoles 11 de marzo.

Feria del Cómic

Cineteca Madrid se suma a la Feria del Cómic de Matadero Madrid, que se celebrará del 26 al 29 de marzo, con un programa que propone un recorrido por los vínculos entre cine y cómic a través de sesiones dirigidas tanto a jóvenes como adultos. Las sesiones combinan miradas históricas y contemporáneas sobre la relación entre viñeta y pantalla, desde la apropiación pop y de género del cómic por el cine —con títulos como Batman: The Movie (1 de marzo), El príncipe valiente (8 de marzo) o Danger: Diabolik (29 de marzo)— hasta aproximaciones más íntimas y actuales como Falcon Lake. La proyección íntegra de la serie Samuel (26 de marzo), con la presencia de su autora Émilie Tronche, y el estreno de Aquí donde estoy (27 al 31 de marzo), con una presentación y charla con sus creadores.

Anja Breien: Géneros en fuga

Del 15 al 25 de marzo, Cineteca Madrid dedica una retrospectiva a la cineasta Anja Breien, una de las figuras más destacadas del cine noruego. Nacida en Oslo en 1940, forma parte, junto a Vibeke Løkkeberg y Laila Mikkelsen, de la generación que dio forma a la cara femenina de la nueva ola del cine noruego. La retrospectiva reúne sus seis primeros largometrajes, recientemente digitalizados por la Biblioteca Nacional de Noruega, que formar parte de su etapa más estimulante.

Tatiana Mazú: Quemarlo todo

La obra de la argentina Tatiana Mazú se sitúa en un territorio de fricción entre cine, memoria y violencia política. Sus películas interrogan los modos en que el poder se inscribe en los cuerpos, en los paisajes y en los relatos familiares, desplazando la idea de documento hacia una experiencia crítica y sensorial.

Lejos del registro ilustrativo, su cine trabaja con restos, silencios y huellas, allí donde la historia oficial falla o se quiebra. Esta retrospectiva recorre sus tres películas fundamentales, Caperucita roja (26 de marzo), Río Turbio (27 de marzo) y el estreno de Todo documento de civilización (28 al 31 de marzo).

El cuerpo del delito, tráiler para «Le Cri des Gardes» de Claire Denis

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Tras su paso por el pasado Festival de San Sebastián y presente dentro de unos días en el D’A – Festival de Cinema de Barcelona, acaba de ver la luz un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo tras las cámaras de Claire Denis titulado Le Cri des Gardes. Película, que sin disimular en absoluto las costuras teatrales de la obra Combat de nègre et de chiens de Bernard-Marie Koltès, únicamente muestra cuatro personajes y un espacio cercado que en todo momento antepone la dialéctica sobre la puesta en escena, donde veremos varias de las constantes de su autora: derivas causadas por el colonialismo, abismos mentales o personajes varados en terrenos hostiles.

En Le Cri des Gardes vemos como en un gran proyecto de obras públicas en África Occidental. Horn, el jefe de obra, y Cal, un joven ingeniero, comparten alojamiento tras la doble puerta de sus instalaciones. Leone, la nueva esposa de Horn, llega para reunirse con ellos la misma noche en que un hombre aparece junto a la valla. Su nombre es Alboury. Como un espectro en la oscuridad, exige el cuerpo de su hermano, que murió ese mismo día en la obra. Acosará a los dos hombres durante toda la noche hasta que se lo entreguen, mientras Leone observa cómo el desastre crece ante sus ojos.

La película, con guion a cargo de la propia Claire Denis junto a Andrew Litvack y Suzanne Lindon, está protagonizada por Matt Dillon, Isaach de Bankole, Mia McKenna-Bruce, Tom Blyth y Brian Begnan.

 

Llega a Filmin “La voz de Hind”, nominada al Óscar a la mejor película internacional

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La película se estrena el 13 de marzo y utiliza la grabación de audio real de la llamada de la niña de seis años, Hind Rajab, a los servicios de emergencia.   

El próximo 13 de marzo se estrena en Filmin “La voz de Hind”, la nominada al Óscar a la mejor película internacional por Túnez. La película, dirigida por la dos veces (ahora tres) nominada al Óscar Kaouther Ben Hania (“Las cuatro hijas”, “El hombre que vendió su piel”) relata la historia real tras el asesinato a manos del ejército de Israel de la niña de seis años Hind Rajab. 

“La voz de Hind”, que pasó por cines en noviembre de la mano de Caramel Films y LaZona Pictures, estuvo también nominada en los Globos de Oro y los BAFTA a la mejor película de habla no inglesa, y obtuvo el gran premio del jurado en el Festival de Venecia, así como el premio del público en el Festival de San Sebastián. La película utiliza la grabación de audio real de la llamada de la niña a los servicios de emergencia, a la vez que reconstruye el drama vivido en las instalaciones. 

29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una llamada de emergencia. Una niña de seis años está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Mientras intentan mantenerla en la línea, hacen todo lo posible por enviarle una ambulancia. Su nombre, Hind Rajab. 

Hind Rajab, la niña asesinada por Israel 

«Tengo mucho miedo, por favor, vengan» fueron algunas de las últimas palabras de Hind Rajab en una llamada telefónica a los servicios de emergencia después de que el coche de su familia fuera atacado a tiros en la ciudad de Gaza. Hind, su tío, su tía y sus primos intentaban huir de las fuerzas israelíes que se acercaban. Atrapada en el vehículo y rodeada de sus familiares fallecidos, durante tres horas suplicó a la Media Luna Roja, la organización humanitaria equivalente a La Cruz Roja,  que fuera a buscarla. 

La organización envió una ambulancia para socorrerla, pero Israel atacó la ambulancia y perdieron el contacto con Hind. De hecho, la organización acusa a Israel de atacar deliberadamente “a pesar de la coordinación previa para permitir que la ambulancia llegara al lugar para rescatar a Hind”, declaró Nebal Farsakh, portavoz de La Media Luna Roja.

El silencio de muchos

Precisamente cuando se encontraba promocionando su anterior película en Los Ángeles, Kaouther Ben Hania supo del asesinato de Hind Rajab. Al escuchar parte de la grabación de la llamada «se sintió como la propia voz de Gaza«. La directora explica que aquello que le perseguía no era solo la violencia de lo que ocurrió, sino especialmente el silencio que siguió ante lo ocurrido: “Así que recurrí a la única herramienta que tengo (el cine), para preservar una voz. Para resistir la amnesia. Para honrar un momento que el mundo nunca debería olvidar”, explica la tunecina. 

La directora se puso en contacto con la madre de Hind para pedirle permiso para hacer la película y, al acceder, le compartió todo sobre la niña: su personalidad, sus sueños, su manera de reír. “Sentí que, al compartir todo esto conmigo, estaba intentando mantener viva a su hija, asegurarse de que su memoria no desapareciera ni se convirtiera en una simple noticia más”, comenta. “La voz de Hind”, según explica la directora, también trata de nuestra responsabilidad compartida, de cómo los sistemas fallan a los niños gazatíes y de cómo el silencio del mundo forma parte de la violencia.

 

La restauración 4K de “Perfect Blue” podrá verse por primera vez en España en la Muestra Aeterna de Cine Fantástico

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La nueva restauración en 4K de “Perfect Blue” (1997), el clásico de culto dirigido por el cineasta japonés Satoshi Kon, podrá verse por primera vez en España el sábado 14 de marzo a las 16:30 horas en el cine mk2 Palacio de Hielo (C.C. Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77) de Madrid, dentro de la programación de la 1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico, en una proyección especial organizada en colaboración con Selecta Visión.

Considerada una de las obras clave de la animación japonesa contemporánea, “Perfect Blue” es un thriller psicológico que sigue a una joven estrella del pop que decide reinventarse como actriz y se ve arrastrada a una espiral de paranoia, acoso y desdoblamiento de identidad. Con el paso de los años, la película se ha consolidado como título de referencia por su puesta en escena y por su influencia en el cine de suspense posterior, lo que convierte esta nueva versión en 4K en una oportunidad excepcional para revisitarla en pantalla grande.

“Perfect Blue” fue la ópera prima de Satoshi Kon (“Millennium Actress”, “Paprika”) y una producción del estudio Madhouse, basada libremente en la novela “Perfect Blue: Complete Metamorphosis” de Yoshikazu Takeuchi (con guion de Sadayuki Murai). La combinación de anime adulto, thriller y crítica al star-system explica por qué la película trascendió el circuito especializado y se convirtió en un filme imprescindible del cine de animación a nivel internacional.

Nueva cita con el cine fantástico

La 1ª Muestra Aeterna se celebrará del 13 al 15 de marzo de 2026 en mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125) y mk2 Palacio de Hielo (C.C. Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77) de Madrid y presenta una programación de trece proyecciones e invitados como el cineasta Jaume Balagueró (“REC”, “Los sin nombre”).

Entre los filmes más relevantes se halla “Whistle: El silbido del mal”, el nuevo largometraje de Corin Hardy (“La Monja”), distribuido en España por Beta Fiction. Será su preestreno en nuestro país e incorpora en su reparto a la actriz española Dafne Keen, junto a nombres internacionales como Sophie Nélisse (“La ladrona de libros”, “Yellowjackets”), Percy Hynes White (“Miércoles”) o Nick Frost (“Zombies Party”, “Arma Fatal”).

La 1ª Muestra Aeterna destaca también por su amplia presencia de talento español, con títulos como ”Cuántica Rave”, insólita ‘space opera’ del director Paco L. Campano, que clausurará el evento, tres días después de su presentación en el Festival de Málaga.

Asimismo, una de las sesiones más singulares del fin de semana consistirá en la proyección especial por el 20º aniversario de “Gritos en el pasillo” (2006), una rareza del fantástico español que hizo historia por una idea tan insensata como irresistible: una película de terror protagonizada exclusivamente por cacahuetes. El pase contará con la presencia de su director, Juanjo Ramírez Mascaró.

Y además de Balagueró, Ramírez Mascaró o Campano, el programa cuenta con Paul Urkijo (“Errementari”, “Irati”), que asistirá a una sesión dedicada a varios de sus cortometrajes, y con parte del equipo de “La cosa en la niebla”, con la participación de su director Chedey Reyes y de la actriz Elena de Lara.

Entradas y abonos ya a la venta

Las entradas y abonos para la 1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico, que se celebrará del 13 al 15 de marzo en mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125) y mk2 Palacio de Hielo (C.C. Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77) de Madrid, ya están a la venta en los enlaces habilitados en la web oficial del evento, www.aeternamadrid.com. 

Programación completa

VIERNES 13/03/2026 — mk2 Cine Paz (Sala 5)

  • “Whistle: El silbido del mal” — viernes 13/03/2026 — 20:30 — mk2 Cine Paz, Sala 5
  • “La cosa en la niebla” — viernes 13/03/2026 — 22:30 — mk2 Cine Paz, Sala 5

SÁBADO 14/03/2026 — mk2 Palacio de Hielo (Sala 11)

  • “Una pandilla alucinante” — sábado 14/03/2026 — 11:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Aracnofobia” — sábado 14/03/2026 — 13:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Perfect Blue (4K)” — sábado 14/03/2026 — 16:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “OT (Burning)” — sábado 14/03/2026 — 18:15 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Chainsaws Were Singing” — sábado 14/03/2026 — 20:15 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Ocurrió cerca de su casa” — sábado 14/03/2026 — 22:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11

DOMINGO 15/03/2026 — mk2 Palacio de Hielo (Sala 11)

  • “Paul Urkijo Labur-Labur” (sesión de cortos) — domingo 15/03/2026 — 11:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Gritos en el pasillo” — domingo 15/03/2026 — 13:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Los sin nombre” — domingo 15/03/2026 — 16:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “The Void” — domingo 15/03/2026 — 18:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11
  • “Cuántica Rave” — domingo 15/03/2026 — 20:30 — mk2 Palacio de Hielo, Sala 11